015 Práctica Canon. Amaya Montes Villalba

2010-01-26T07:48:00.000-08:00

Principios sobre los que se fundamenta el canon de uno de los grupos de vasijas

En esta serie se puede observar que:

7 de las 8 vasijas llevan asas.
Son más estrechas en su base la cual se va ensanchando en su parte superior.
Se caracterizan por su sencillez de ornamentos, excepto en su base donde cuentan con alguna simple decoración.
Como el texto lo indica, además esta serie de vasijas se basan en un principio en el que su altura y su anchura son la misma, formando así un cuadrado perfecto.

Análisis gráfico según los pitagóricos del objeto “lata de cocacola”

La lata de Cocacola tiene unas dimensiones específicas, que son útiles para su realización en serie, y estas proporciones son, que su altura es dos veces su diámetro de base; cumpliendo así que haya una armonía en sus proporciones.
Además su forma cilíndrica la hace simétrica y por tanto podría decirse hermosa.

Tómese un grupo de objetos actuales entendidos como pertenecientes a un mismo canon, y enumérense los principios que lo definen.

El inodoro se conforma de una «taza» conectada a una cisterna, con una tubería de entrada de agua, y un desagüe. La taza suele poseer una tapadera doble abatible, cuyo elemento inferior sirve de asiento.

Hoy día se pueden conseguir gran variedad de inodoros, con diferentes colores o decorados con todo tipo de excentricidades, más clásicos o con formas más novedosas, pero sea como sea sigue manteniendo las características nombradas ante riormente.

Pablo Antonio Gestal Vales

2010-01-26T06:31:00.000-08:00

1. Las primeras vasijas cumplen un canon en que:

· Su forma se puede englobar en un cuadrado.

· Sus bases suelen estar adornadas con un ancheamiento que le aporta detalle.

· Aumentan su sección circular según aumenta su altura hasta más allá de la mitad de ésta.

· La forma es simetrica respecto del eje central.

2. La lata de la Coca-cola según los Pitagóricos:

· Los Pitagoricos decían “sus principios(los de las matematicas) eran los principios de todos los seres puesto que las demás cosas parecían asemejarse en toda su naturaleza a los números, y los números eran lo primero de toda naturaleza, supusieron que los elementos de los números eran los elementos de todos los seres y que todo el cielo era armonía y número”, así la lata de Coca-cola cumple con bases matematicas ya que su figura básica se puede resumir en la de un cilindro.

Área fácilmente representable matemáticamente: A=2πr(h+r)

La relación entre altura y diámetro de base es: 2h=d

· “Pues la armonía es una unión de cosas formadas por varias substancias mezcladas y un consenso de lo que disiente”. Así la lata está hecha con varios materiales, desde el aluminio hasta los recubrimientos especiales para soportar el ácido carbonico.

· “ El orden y la simetría son cosas hermosas y útiles, pero el desorden y la asimetría, feas e inútiles”, pues la lata es simetrica con respecto a varios ejes verticales y horizontales.

3. Canon en los coches “deportivos”:

· La mayoría de los coches deportivos cumplen ciertos principios de proporción o forma que los difiere de otros conceptos de automóvil, entre ellos en las ruedas en las que las llantas suelen ser grandes y los neumáticos de perfil bajo. Recordando a a las grandes ruedas de los coches de carreras.

·La parte delantera está más baja que la trasera implicando agresividad y/o velocidad.

· Suelen ser más bajos para tener el centro de gravedad más abajo y tener una mejor conducción a altas velocidades.

· Son más anchos y con ruedas anchas para aumentar la estabilidad en el paso por curva.

Todos estos puntos hoy en día están tanto por puntos prácticos como por mantener una estética agresiva y deportiva que los identifique en un grupo en concreto.

ESCALA y FORMA como MECANISMOS productores de SIGNIFICADO

2010-01-20T10:25:00.000-08:00

En la primera tanda de fotos(arriba) intentamos enseñar como la misma FORMA a diferentes ESCALAS nos permite cambiar la función asignada a un objeto, así, un cubo puede ser: un dado, un juguete, una maceta, un sillón o un edificio.

En las siguientes imágenes podemos encontrar el cambio de función o significado de determinados objetos al aplicar nuevas escalas a diseños conocidos.

The Ant chair: Análisis de un objeto según Bruno Munari.

2010-01-14T11:35:00.000-08:00

Nombre: La silla ant

Autor: Arne Jacobsen

Productor: Republic of Fritz Hansen. www.fritzhansen.com

Dimensiones del objeto:

De ancho: 510 mm
De alto: 780 mm
Profundidad: 480 mm
Altura del asiento: 440 mm

Materiales: El respaldo y asiento hechos en una sola pieza; está fabricada con 9 capas de madera laminada y 2 capas de algodón entre las capas. Existen 2 modelos, el 3100, que tiene tres patas de acero cromado y el modelo 3101 que tiene cuatro patas en acero cromado o mate.

Peso: 4Kg

Técnicas: Para su realización se utilizan: dobladoras hidráulicas, las uniones se realizan con máquinas automáticas, posee 4 herrajes de polipropileno con tapón de goma vulcanizada. Estas estructuras pueden ser pintadas con pintura epoxi o bien cromadas. Construido en madera multilaminada procesada y curvada por alta frecuencia.

Coste: 420€ en el modelo 3101 y 390€ el modelo 3100(según fritzhansen.com)

Embalaje: Las sillas van en caja de 6

Utilidad declarada: servir de asiento a una sola persona. Esta silla también puede ser considerada como objeto decorativo.

Funcionalidad: La silla se vende completamente ensamblada, por lo que no requiere de ningún esfuerzo de montaje y no contiene partes mecánicas.

Ruido: Al no contener partes mecánicas se puede decir que “Ant” es silenciosa. El único ruido que podría decirse que realiza sería al arrastrarla y al finalizar las patas en goma reduce esta posibilidad.

Mantenimiento: tratamientos propios para madera y acero en caso de uso en el exterior. Limpieza equivalente a la de cualquier otro mueble de características similares.

Ergonomía: El modelo de tres patas es, en apariencia, menos estable, aunque cumple la norma ISO 7174-1 de estabilidad. Sus formas acabadas en cura en su parte delantera, evitan molestias en las piernas por falta de circulación. Gracias al acabado con capas de algodón que posee, resulta más cómoda.

Acabados: lacado, Semi Lacado, Fresno, Arce, Haya y Roble oscuro. Todos ellos en multiples coloraciones.

Manejabilidad: La misma que prácticamente todas las sillas de estas dimensiones y peso, la puede trasladar prácticamente cualquier persona.

Duración: La silla Ant está probada acorde a la norma ISO 7173 de resistencia y durabilidad. Tiene una garantía a 5 años contra defectos de fabricación (si es comprada en Fritz Hansen.

Toxicidad: No es tóxico

Estética: Es una pieza minimalista de forma esbelta. Toda ella está conformado por múltiples curvas que nos hacen recordar,como su nombre indica, a una hormiga.

Moda: Inicialmente fue diseñada para la cafetería de Novo Nordic, una empresa médica danesa. Hoy en día es un icono del diseño.

Valor social: Como cualquier objeto de “diseño” convertido en icono tiene un valor simbólico de lujo o “estilo” para su poseedor.

Esencialidad: En sí misma es una silla, con asiento, respaldo y un soporte. No contiene adornos fuera de la propia forma estética de estos componentes.

Precedentes: este diseño, en sí, no ha evolucionado, fue un prototipo que llego a convertirse en producto final.

Alvar Aalto

2009-11-29T13:58:00.000-08:00

La obra elegida por nuestro grupo es la silla modelo No. 406 de Alvar Aalto.Este modelo utiliza un respaldo de correas de algodón entrelazado, así que el asiento y el respaldo para la silla será más cómoda que la versión de contrachapado de madera. Esto nos parece relevante ya que Aalto buscaba siempre funcionalidad usando materiales muy conocidos, no como otros autores.El asiento de tela permite a la espalda más movimiento y el respaldo es más alto que la versión de contrachapado anterior y por lo tanto apoyan la parte superior de la espalda y el cuello mejor. Este movimiento aplicado a la propia comodidad es directamente relacionable con la aplicación más “humana” del diseño, punto clave en este autor.Esta silla tuvo un diseño en madera de su concepto original. Aalto creyó en la importancia de continuar con un concepto de diseño para alcanzar plenamente su potencial, y ciertamente lo consigue con esta silla.
Con suaves curvas y de formas ligeras sugiere que tiene movimiento, y al revés que otro mueble, no tiene un aspecto estático. Cuando uno se sienta en la silla, se mueve y lo confirma.

Sin lugar a dudas la identificariamos con el Pabellón Finlandés de la Exposición Universal de 1939(Nueva York), ya que ese edificio creemos que define unos principios claros en el autor y en el propio objeto. Así el uso de la madera para el edificio está tambien claro en la silla, y las formas curvas y fluidas que parecen retomar movimientos propios de la naturaleza se ven claros en ambos; así las paredes interiores dan la sensación al visitante de adentrarse en un bosque en un día de viento.

Esta unión es inseparable en principios, ya que los que son de uno los comparte el otro, ya que representan la forma de crear de Aalto. Aún así, a su vez, cualquiera de los dos podria definir en si el pensamiento del autor.

La utilización de contextos concretos para los objetos de mobiliario de diseño industrial es apropiada para recalcar la imagen que quiera representar cada objeto, dando así más posibilidades al autor para su expresión. Así un jarrón sencillo podría en muchos casos no ser suficiente para demostrar nuevas ideas, mientras que si ponemos ese jarrón en una mesa dentro de una habitación en un edificio concreto, la propia mesa, la habitación y el edificio pueden apoyar al objeto en su transmisión de sensaciones. Aún así creemos que un objeto bien diseñado debería representar siempre unas sensaciones basicas que el autor quiera dar, pudiendo ser observado y entendido en cualquier entorno.

Como ejemplo de desajuste elegimos el Puente sobre el Gran Canal en Venecia de Santiago Calatrava, que aunque no nos parezca mal diseño como tal a lo mejor no es lo más adecuado para el entorno tan "clásico" en el que se encuentra, teniendo en cuenta que compite con puentes como el Puente Rialto.

Bauhaus, 1922-1925

2009-11-18T11:36:00.000-08:00

La Bauhaus no es una escuela de arquitectura tal y como suele entenderse, sino una escuela de arte que toca progresivamente las tres escalas de diseño y se convierte en centro de experimentación y sede simbólica de la nueva vanguardia reuniendo y vinculando entre si las distintas manifestaciones artísticas de la época: música, literatura, teatro, cine, pintura, arquitectura y diseño industrial.

En sus comienzos, la Bauhaus se vio muy influida por las ideas del Werkbund y el pensamiento de Feininger, Klee, Kandinsky, Itten y Moholy-Nagy, artistas todos más o menos vinculados al expresionismo alemán, que fundamentan su didáctica abierta en el curso previo de introducción al diseño. Sin embargo, en 1923 la Bauhaus experimenta un giro decisivo que le hace abandonar todo vestigio de expresionismo y convertirse en icono del racionalismo.

Un par de años anterior al traslado de Weimar a Dessau, este giro no es ajeno a la presencia en la escuela de Theo Van Doesburg y a la incorporación a la Bauhaus de los principios neoplásticos, en una primera síntesis De Stijl – Bauhaus que tiene su mejor representación en el propio edificio de la sede en Dessau proyectado y ejecutado por Gropius con la colaboración de profesores y alumnos de la escuela, en un ejemplo del trabajo en equipo que llevó desde la construcción del edificio hasta el diseño de sus elementos de mobiliario y la adecuación interior.

Más pedagogo que arquitecto, Gropius es autor de diversos barrios experimentales como la Siemensstadt de Berlín, donde demuestra su dominio del problema de la vivienda mínima, cuyas conclusiones y propuestas tipológicas expondría en los CIAM de Frankfurt y Bruselas (1929, CIAM II, Frankfurt, Alemania. Enfocada en el trabajo de vivienda de Ernst May y la vivienda mínima - 1930, CIAM III, Bruselas, Bélgica. Sobre el desarrollo racional del espacio).

La “poética neoplástica” tiene sus mejores ejemplos en la arquitectura holandesa aunque el verdadero representante de la arquitectura neoplástica es Ludwig Mies van der Rohe. Todo lo que forma parte del patrimonio convencional (la modernidad y la tradición, los materiales contemporáneos, el monumentalismo, las leyes compositivas) es filtrado y reconfigurado mediante una actitud específicamente arquitectónica: no hallamos, por tanto, en las obras de este autor, la exhibición propagandística de una arquitectura funcional, o racional, o internacional, sino el ejercicio meticuloso y ponderado de una arquitectura autónoma y hermética, aunque inevitablemente moderna.

En el texto propuesto podemos entender el cambio ideológico que sufre la Bauhaus entre 1922 y 1925, cambio que supone la división de la nueva “Segunda Etapa” de la escuela. Así, Gropius da la razón a Feininger, el cual resaltaba este cambio como resultado de la entrada de van Doesburg en la Bauhaus. A su vez el cambio coincide prácticamente con el traslado de la sede hacia Dessau.

Fruto de esta época es la obra expuesta en la foto: “Casas de los maestros de la Bauhaus”, obra de W.Gropius de 1925-1926

Bibliografía:
-"Introducción a la historia de la arquitectura", José Ramón Alonso Pereira
-"Arte y arquitectura moderna, 1851-1933", Antonio Pizza
-Wikipedia

Frank Gehry

2009-11-04T15:45:00.000-08:00

Frank Owen Gehry (Toronto, Canadá, 28 de Febrero de 1929):

Sus edificios han sido llamados bellos y ofensivos, innovadores y difíciles, emocionantes y chocantes, y todo ello al mismo tiempo; lo que a Frank Gehry no le ha frenado, ya que él nunca ha sido un arquitecto convencional. Encontrando su inspiración más en el arte que en la arquitectura, Gehry ha diseñado algunos de los edificios más llamativos del mundo, utilizando además materiales baratos como contrachapados, y formas poco convencionales, curvas y espirales. Desde muy pronto en su carrera, este original arquitecto combatió con su creatividad en contra de los edificios tradicionalmente construidos con forma de caja; con suerte, ideó un estilo propio, sinuoso y fluido. Aunque Gehry nunca desarrolló su estilo en una escuela de arquitectura propiamente dicha (estudió cerámica y algún curso de arquitectura), fue arropado por la crítica, otros arquitectos y la opinión pública, quienes hoy día viajan alrededor del mundo para admirar sus obras.

Dentro de la idea de belleza de Frank Gehry, se puede decir que se encuentra la búsqueda de la sinuosidad y la lucha por conseguir que materiales como los que usa, por ejemplo el metal, que se consideran pesados o difíciles de manipular, consigan dar sensación de algo liviano que fluye con suavidad alrededor de grandes estructuras. Frank Gehry además, por lo general, realiza un estudio del entorno en el que se va a llevar a cabo su obra, para que éste genere ideas tanto del material, la forma y los colores en que se realizará. Así ideas como la de Hotel Marqués de Riscal, en el que el arquitecto intenta representar como el vino se comporta dentro de una copa en un movimiento previo a su cata, resalta el conocimiento previo de el uso posterior del edificio; o el Guggenheim, el cual representa la entrada de los barcos a los astilleros a través de la ría del Nervión, recordando la utilidad histórica del emplazamiento.

La idea de belleza que nosotros contemplamos en la obra de Frank Gehry, se podría resumir en su búsqueda de formas externas en los edificios que representen movimiento o formas vivas (como peces, muy utilizados en su obra); dotando así a las edificaciones de una vida antes olvidada, llegando casi a representar sensaciones humanas de alegría.

“Representación esquemática de la idea de belleza de Frank Gehry en su arquitectura, en la cual la monda de un fruto representa tanto o más que su propio sabor.”

Practica Blog

2009-10-29T03:35:00.000-07:00

Creado ya el blog, según los parámetros determinados en clase, nos dispusimos a concretar un diseño de éste, acorde con nuestros gustos y lo que queríamos representar en el.

Nuestra visión particular, gráfica, de ESTETICA EUDI UDC 2009/10 ha sido creada en base a los cinco puntos descritos a continuación:

Conocimiento de las normas históricas de la estética para poder crear con una perspectiva más amplia en el tiempo.
Siguiendo con lo anterior, modificar estos "iconos" para adaptarlos a una nueva época con posibles nuevas técnicas y materiales.
Utilización de fondos poco llamativos, con colores neutros y muchas veces pálidos, para dejar los fondos como mero soporte de las ideas que queremos representar, sin interferir en la comunicación autor->obra->espectador.
Uso del blanco y el negro como símbolo inequivoco de la elegancia y la sobriedad.
Siguiendo con lo anterior, plasmar esta elegancia en textos sirviendose de tipografias poco llamativas que resalten la información frente a la vistosidad.