1001 discos para ouvir antes de morrer

2010-06-16T07:43:00.000-07:00

Infelizmente tive que mudar de endereço.

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NOVO ENDEREÇO
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0057. the byrds | mr. tambourine man (1965)

2010-06-01T05:50:00.000-07:00

‘Mr. Tambourine Man’ é o primeiro álbum da banda americana ‘The Byrds’, lançado em 1965. Entre 1965 e 1968, os ‘Byrds’ desempenharam um papel fundamental no desenvolvimento do folk-rock e do country-rock. Donos de uma história cheia de sucessos, brigas e acidentes, a banda começou a fazer história com este álbum, uma resposta americana à invasão britânica dos 'Beatles', e que mostrou que os ‘Byrds’ tinham personalidade, carisma e talento para vôos mais altos. O guitarrista Jim McGuinn queria misturar os sons dos 'Beatles' e Bob Dylan, quando recebeu um acetato de Bob Dylan, com uma canção que ele não iria usar, em 1964. Jim gostou do que ouviu e resolveu trabalhar nela, cortando algumas partes da letra para que ela se adequasse ao formato pop. Os ‘Byrds’ resolveram gravá-la e era lançado o primeiro grande compacto do grupo, ‘Mr. Tambourine Man’. E a canção de Dylan deu o pontapé inicial ao folk-rock, um estilo cunhado pela primeira vez pela imprensa musical para descrever a banda. Com a canção "I Knew I'd Want You" no lado B, o sucesso foi instantâneo e avassalador e desbancou os 'Beatles' das paradas da América e na Inglaterra. A banda editou o segundo compacto com “All I Really Want To Do” no lado A e no B, “I'll Feel a Whole Lot Better”. "All I Really Want To Do", também de Bob Dylan, foi outro sucesso de crítica, mas saiu-se melhor nas paradas do Reino Unido. Uma semana depois lançam o LP de estréia, ‘Mr. Tambourine Man’. Desde os primeiros acordes de ‘Mr.Tambourine Man’, é evidente que este álbum é um clássico. Bob Dylan foi surpreendido ao ouvir a sua canção com os ‘Byrds’ e por isso gravou a sua própria versão bem mais tarde. O guitarrista David Crosby estava prestes a deixar o grupo e se recusou a cantar esta canção, mas o empresário da banda obrigou-o e o resultado foi surpreendente. O álbum ‘Mr.Tambourine Man’ além de criar um som novo e definindo novos limites para o rock, mostrou todo o estilo que faria dele um clássico: melodias delicadas e arranjos vocais suaves. É um álbum incrível e é considerado o melhor álbum da banda e uma das melhores realizações da música americana. Tornou-se sinônimo do movimento hippie dos anos 60.

01. Mr. Tambourine Man
02. I’ll Feel a Whole Lot Better
03. Spanish Harlem Incident
04. You Won’t Have to Cry
05. Here Without You
06. The Bells of Rhymney
07. All I Really Want to Do
08. I Knew I’d Want You
09. It’s No Use
10. Don’t Doubt Yourself, Babe
11. Chimes of Freedom
12. We’ll Meet Again
13. She Has a Way
14. I’ll Feel a Whole Lot Better
15. It’s No Use
16. You Won’t Have to Cry
17. All I Really Want to Do
18. You and Me

download:
Mr. Tambourine Man (1965)

the byrds - I'll feel a whole lot better

0056. bert jansch | bert jansch (1965)

2010-05-24T14:25:00.000-07:00

‘Bert Jansch’ é o álbum de estréia do músico escocês Bert Jansch, ex-integrante da banda ‘Pentangle’. Uma das figuras mais importantes do folk britânico, Bert Jansch trouxe uma combinação inigualável de virtuosismo e ecletismo para o violão, tanto na carreira solo quando como membro da ‘Pentangle’. Também foi um compositor talentoso incorporando elementos do blues e do folk americano na música tradicional inglesa. Cantando suas próprias composições no momento em que Dylan estava apenas começando nos círculos populares Jansch foi a gênese do folk na Grã-Bretanha enquanto Dylan foi para o americano, a ênfase de um era sobre o papel da guitarra e do outro da voz e letras. Sua influência foi imensa, não só na cena folk britânica, mas também se estendeu para o mundo do rock. Neil Young e Jimmy Page reconhecem Jansch como uma grande influência. Young chegou a dizer que Jansch fez para o violão o que Jimi Hendrix fez para a guitarra elétrica. Há alguns anos uma enquete foi feita entre os músicos na Inglaterra para se saber qual foi o guitarrista acústico mais importante do século XX. Jansch ficou em segundo, atrás apenas da lenda do blues Robert Johnson. Inúmeros músicos de ambos os lados do Atlântico, se inspiraram neste álbum. Jansch canta com um áspero sotaque escocês, e seria uma pena se saísse de cena sem ter o reconhecimento que merece. O álbum inclui as músicas mais famosas de Jansch, "Needle of Death", que foi inspirada na morte por overdose de heroína do amigo e cantor folk Buck Polly e a canção de protesto anti-guerra "Do You Hear Me Now?".

01. Strolling Down the Highway
02. Smokey River
03. Oh How Your Love Is Strong
04. I Have No Time
05. Finches
06. Rambling’s Gonna Be the Death of Me
07. Veronica
08. Needle of Death
09. Do You Hear Me Now
10. Alice’s Wonderland
11. Running, Running from Home
12. Courting Blues
13. Casbah
14. Dreams of Love
15. Angie

download:
Bert Jansch (1965)

bert jansch - needle of death

0054. b.b. king | live at the regal (1965)

2010-05-15T01:39:00.001-07:00

‘Live at the Regal’ é um álbum gravado ao vivo pelo guitarrista BB (Blues Boy) King em 1964 no Teatro Regal em Chicago. Lançado em 1965 é amplamente citado como um dos maiores álbuns de blues já registrados apesar de BB King não considerá-lo entre suas melhores gravações. BB King estava em ascensão e o seu desempenho é visceral e o público lhe dá boas vindas como a um herói. BB King já tinha se apresentado por conta própria em outros teatros, mas o entusiasmo da platéia neste é perturbador, pois, raramente foi documentada uma sintonia desta magnitude entre um artista e seus fãs. O que é essencial no blues é o diálogo constante entre o cantor e o público que é a base do blues original. O diálogo não é sobre a guitarra impecável tocada neste disco, ou dos instrumentos da banda, ou até mesmo a voz de Riley B. King, mas é sobre o que as palavras das letras falam da vida e que o público responde. E isto é algo que tem se tornado cada vez mai raro, em uma gravação ao vivo de blues. E BB King cantou o blues da maneira que eles precisavam ouvir. Exemplo disso é o momento em que BB King canta o clássico "It's my own fault" e que normalmente é respondido pelas ‘sistas’ e as respostas gritadas vieram também dos homens. Este é o povo do blues. De um modo geral álbuns ao vivo são decepcionantes, mas, ocasionalmente, há aqueles raros momentos em que um artista se conecta com a audiência e algo mágico acontece. O que torna tudo isto mais surpreendente é que em 1964, BB King já tinha feito vários shows ao vivo e ainda teve energia para produzir um dos melhores álbuns de blues de todos os tempos. Das dez canções, ele voltou para os primeiros anos de sua carreira com "You Upset Me Baby" de 1953 e "Every Day I Have the Blues" de 1955, e continuou até o presente com o seu hit em curso "How Blue Can You Get". BB King é apoiado por uma banda constituída por Kenneth Sands (trompete), Johnny Board and Bobby Forte (tenor sax), Duke Jethro (piano), Leo Lauchie (baixo), e Sonny Freeman (bateria). Como já foi mencionado, ‘Live at the Regal’ é um dos álbuns essenciais, um dos registros que todos deveriam ter de BB King, aclamado como guitarrista, a revista ‘Rolling Stone’ o classificou como o terceiro na sua lista dos 100 maiores guitarristas de todos os tempos, e por seu canto expressivo.

01. Every Day I Have the Blues
02. Sweet Little Angel
03. It’s My Own Fault
04. How Blue Can You Get?
05. Please Love Me
06. You Upset Me Baby
07. Worry, Worry
08. Woke Up This Morning
09. You Done Lost Your Good Thing Now
10. Help the Poor

download:
Live at the Regal (1965)

bb king - It's my own fault

0053. john coltrane | a love supreme (1965)

2010-05-12T07:35:00.001-07:00

‘A Love Supreme’ é um álbum de jazz e é considerado um dos mais importantes do quarteto do músico John Coltrane. Quarteto constituído por John Coltrane no saxofone tenor e vocal, Jimmy Garrison no contrabaixo, Elvin Jones na bateria e McCoy Tyner no piano. Art Davis no baixo e Archie Shepp no saxofone tenor como músicos adicionais em "Acknowledgement" a primeira faixa do álbum. ‘A Love Supreme’ é o mais puro e cru jazz e é traduzido em uma única palavra: emoção. É tão extraordinariamente poderoso que as emoções humanas pulsam em cada acorde, em cada nota, em cada sopro de John Coltrane, um dos verdadeiros mestres do jazz. Cada canção demonstra toda aptidão de John Coltrane no sax e todos os que o acompanham demonstram seus talentos. Alguns estudiosos têm sugerido que a faixa "Psalm" é uma homenagem aos sermões dos pregadores afro-americanos. Na faixa intitulada "Resolution" McCoy Tyner exibe o seu talento e tem um impacto enorme, bem como o seu piano, e Coltrane faz o seu sax literalmente chorar. Ele certamente deixa os seus músicos à vontade, mas Coltrane é sem dúvida a estrela. Sua maneira de tocar sax tem tanta personalidade como qualquer vocalista poderia ter. É quase hipnotizante. O álbum destina-se a ser um álbum espiritual, amplamente representativo de uma luta pessoal. Em êxtase absoluto o álbum traduz o amor e o temor de Coltrane à Deus, a quem diz ser o amor supremo. ‘A Love Supreme’ foi gravado depois de uma pesquisa de Coltrane para a liberdade espiritual e musical, expressados através de modalidades e formas que pareceu estranho para alguns puristas do jazz, mas que cativou muitos ouvintes e roqueiros como Jimi Hendrix, 'Cream' e 'The Byrds'. É geralmente considerado um dos maiores trabalhos de Coltrane, já que mescla a sensibilidade do hard bop do seu início de carreira com o free jazz, estilo que adotou mais tarde. À ‘Love Supreme’, foi concedido um estatuto de ouro em 1970.

01. Pt. 1: Acknowledgement
02. Pt. 2: Resolution
03. Pt. 3: Pursuance/Pt. 4: Psalm

download:
A Love Supreme (1965)

john coltrane - resolution

0052. the beach boys | today! (1965)

2010-05-04T06:45:00.000-07:00

‘The Beach Boys Today!’ é o oitavo álbum de estúdio da banda de rock americana ‘The Beach Boys’, e o primeiro de três lançados em 1965. A capa do álbum mostra cinco rapazes sorridentes, alinhados e prontos para a batalha contra os ingleses desalinhados que invadiam os EUA, porém, a realidade era muito diferente: o líder da banda, o criativo Brian Wilson tinha sofrido um colapso nervoso. No final de 1964, ano em que os ‘Beach Boys’ lançaram quatro álbuns em doze meses, Brian Wilson começou a pensar no projeto de dois compactos que viriam a fazer parte do ‘The Beach Boys Today!’: "When I Grow Up (To Be a Man)" e "Dance, Dance, Dance". Como líder da banda, Brian Wilson ficou tanto física como emocionalmente esgotado, principalmente pelo fato dos Beatles estarem cada vez mais populares e influentes. Enquanto excursionava com a banda teve um colapso nervoso devido à tensão e decidiu que ficaria no estúdio para criar suas músicas para o álbum, enquanto os demais rapazes saiam em turnê. Muitos consideram que este álbum marca o início da maturação artística de Brian Wilson, que teria seu auge no disco ‘Pet Sounds’, de 1966, e nas gravações do abortado álbum ‘Smile’. ‘The Beach Boys Today!’ é famoso por ter um lado de músicas alegres, como eles costumavam fazer, porém mais sofisticadas e maduras, inspiradas pelos avanços artísticos dos Beatles, e um segundo lado de baladas melancólicas. Embora poucos percebessem a importância do álbum na época, ele marcou o começo de grandes mudanças na banda, no mundo e, em particular, na vida pessoal do líder Brian Wilson que inicialmente, em suas composições, exaltava as virtudes da Califórnia, surf e sol com canções pop, obviamente comerciais. Após ‘Pet Sounds’, ‘The Beach Boys Today!’ é provavelmente o mais aclamado da carreira dos ‘Beach Boys’. O álbum inclui a versão original do sucesso clássico, "Help Me, Rhonda". Em 2003, o álbum foi classificado com o número 270 na lista dos 500 maiores álbuns de todos os tempos, da revista Rolling Stone.

01. Do You Wanna Dance?
02. Good to My Baby
03. Don’t Hurt My Little Sister
04. When I Grow Up (To Be a Man)
05. Help Me, Ronda
06. Dance, Dance, Dance
07. Please Let Me Wonder
08. I’m So Young
09. Kiss Me, Baby
10. She Knows Me Too Well
11. In the Back of My Mind
12. Bull Sessions With

download:
The Beach Boys Today! (1965)

the beach boys - I'm so young

0051. otis redding | otis blue: otis redding sings soul (1966)

2010-04-30T09:04:00.000-07:00

‘Otis Blue: Otis Redding Sings Soul’ é o terceiro álbum de estúdio de Otis Redding. O álbum é considerado por muitos críticos como o primeiro álbum realizado completamente pelo cantor. Oito das onze seleções são covers, três são de Sam Cooke, ídolo de Otis Redding, que morreu em dezembro do ano anterior. Seus estilos não poderiam ser tão diferentes. Mas, as versões de Redding nas canções "Shake" e "A Change Is Gonna Come" mostram como o som de Cooke o ajudou na sonoridade do soul, Redding atinge um novo nível de expressividade, bem como nos covers “Rock Me Baby" de BB King's e no hit "My Girl" da Motown. Outra característica é a entrega de Redding em "Satisfaction" composta por Mick Jagger e Keith Richards em homenagem a ele e imitando o seu estilo. Redding nunca tinha ouvido a versão original, gravando a sua versão apenas dois meses depois dos Stones e mudando algumas palavras, inclusive cantando "satisfaction" como "satisfashion". “Respect” escrita e originalmente lançada como single por Otis Redding ficou mais conhecida como sendo a 'canção assinatura' da cantora Aretha Franklin. “Ole Man Trouble” traz um Redding maduro e reflexivo. “I’ve Been Loving You Too Long” em co-autoria com Jerry Butler, foi o seu maior hit até "(Sittin' On) The Dock of the Bay". "You Don't Miss Your Water", foi escrito por seu colega da Stax, William Bell, uma mensagem apaixonada de Redding como também em "Down in the Valley" de Solomon Burke. ‘Otis Blue: Otis Redding Sings Soul’ foi classificada em 35 lugar na lista dos melhores álbuns de todos os tempos e em 74 lugar na revista Rolling Stone que o descreveu mais tarde como o verdadeiro dicionário do soul, uma viagem deslumbrante de um artista magistral. Realmente, ‘Otis Blue: Otis Redding Sings Soul’ é um dos maiores álbuns de soul de todos os tempos. Cada momento dele é de tirar o fôlego, todas as 11 músicas são incríveis e mostra o quão extraordinário cantor foi Otis Redding. Poucos podem cantar como ele. Em uma canção mais lenta, como “I've Been Loving You Too Long” ou até mesmo em uma canção de blues, como “Rock Me Baby”, brilha a voz de Redding. Um segundo aspecto e igualmente importante deste álbum é a incrível banda. O apoio de Booker T. and The MGs, e Steve Cropper na guitarra solo foram essenciais para a grandeza do som dessas canções. Especialmente em “Ole Man Trouble” e “Rock Me Baby”, a guitarra de Cropper chega quase a ofuscar a voz de Redding.

01. Ole Man Trouble
02. Respect
03. A Change Is Gonna Come
04. Down in the Valley
05. I’ve Been Loving You Too Long
06. Shake
07. My Girl
08. Wonderful World
09. Rock Me Baby
10. Satisfaction
11. You Don’t Miss Your Water

download:
Otis Blue: Otis Redding Sings Soul (1966)

otis redding - rock me baby

0049. the sonics | here are the sonics (1965)

2010-04-22T06:48:00.000-07:00

‘Here Are The Sonics’ foi o primeiro álbum da banda americana de garage rock, uma forma crua do rock and roll que foi popular nos Estados Unidos e Canadá. Durante a década de 1960, não foi reconhecido como um estilo de música e não tinha nenhum nome específico. No final dos anos 1970, alguns críticos de rock identificaram o estilo como o início do punk rock, e é às vezes chamado de garage punk, proto, 1960 ou punk, porém, o estilo de música foi predominantemente denominado rock de garagem. Este movimento é considerado o fundador da música de Seattle que sobrevive até hoje. ‘The Sonic’ foi fundado em Tacoma, Washington, proveniente do início da década de 60. As suas canções são uma mistura de clássicos do rock de garagem no início do rock and roll e composições originais, todas baseadas em seqüências de acordes simples. As letras tratam da cultura dos adolescentes dos anos 60: carros, guitarras, surf, e garotas como em "Boss Hoss" e o lado obscuro, tais como beber estricnina, bruxas, psicopatas e satanás nas canções "Strychnine", "The Witch", "Psycho". Os membros originais do Sonics foram Gerry Roslie (vocal, piano, órgão), Andy Parypa (guitarra), Larry Parypa (baixo), Bob Bennet (bateria) e Rob Lind (sax). O vocalista Gerry Roslie foi nada menos do que o Little Richard branco, cuja alma angustiada foi surpreendente mesmo para o público teen da época que gostava da sua música poderosa e com pouco respeito às sutilezas. Com o hit após hit nas paradas e influenciando todas as bandas locais a banda inexplicavelmente nunca foi capaz de romper as fronteiras dos EUA. Hoje continuam a ser reverenciados por colecionadores pela sua marca única de rock & roll.

01. The Witch
02. Do You Love Me
03. Roll Over Beethoven
04. Boss Hoss
05. Dirty Robber
06. Have Love Will Travel
07. Psycho
08. Money (That’s What I Want)
09. Walkin’ the Dog
10. Night Time is the Right Time
11. Strychnine
12. Good Golly Miss Molly
13. Keep A Knockin’
14. Don’t Believe in Christmas
15. Santa Claus
16. The Village Idiot

download:
Here Are the Sonics (1965)

the sonics - have love will travel

0048. jerry lee lewis | live at the star club hamburg (1964)

2010-04-20T01:00:00.000-07:00

‘Live at the Club Star Hamburg’ é considerado por muitos críticos de música como um dos mais representativos álbuns ao vivo de rock and roll. Gravado em 1964, em Hamburgo, Alemanha, no Star Club, o mesmo clube onde os Beatles gravaram ‘Live! at the Star-Club’ em 1962. No auge da invasão britânica, Jerry Lee Lewis estava invadindo a velha Europa e nesta apresentação foi apoiado por ‘The Nashville Teens’, banda pop britânica. Durante uma turnê na Inglaterra em 1958 a imprensa descobriu que Jerry Lee Lewis era casado com sua prima Myra Gale Brown de treze anos de idade, e foi expulso da Inglaterra. Quando retornou aos EUA ele foi denunciado como degenerado moral, foi banido do cenário musical e sua carreira entrou em declínio. Sua popularidade foi se reerguendo aos poucos na Europa, especialmente no Reino Unido e na Alemanha onde em 1964, ele só precisou de uma platéia, um piano, e a paixão louca de seus desempenhos dos anos 50. Ele levou a platéia ao delírio e o resultado foi um álbum dos mais influentes de todos os tempos e a percepção de que Jerry Lee Lewis era o rei do rock'n'roll e nunca precisou vender a sua alma para Las Vegas mesmo com a fama se afastando dele cada vez mais nos Estados Unidos. Jerry Lee Lewis, apelidado de ‘The Killer’, era um artista habilidoso, mas com pouca disciplina e costumava chutar o banquinho do piano da maneira a tocar de pé. Foi um dos pioneiros do rock and roll, e introduzido no ‘Rock and Roll Hall of Fame’ em 1986 e sua contribuição pioneira para o gênero tem sido reconhecida.

01. Mean Woman Blues
02. High School Confidential
03. Money (That’s What I Want)
04. Matchbox
05. What’d I Say, Part 1
06. What’d I Say, Part 2
07. Great Balls of Fire
08. Good Golly, Miss Molly
09. Lewis’ Boogie
10. Your Cheatin’ Heart
11. Hound Dog
12. Long Tall Sally
13. Whole Lotta Shakin’ Goin’ On

download:
Live at the Star Club Hamburg (1964)

jerry lee lewis - mean woman blues

0047. buck owens and his buckaroos | I´ve got a tiger by the tail (1965)

2010-04-17T12:00:00.000-07:00

‘I´ve Got A Tiger By The Tail’ manteve-se muito tempo no topo das paradas musicais. A faixa-título foi inspirada no slogan ‘Put a tiger in your tank’ (Ponha um tigre no seu tanque) da Esso e ficou entre as dez músicas mais tocadas durante cinco semanas. O cantor e guitarrista Buck Owens praticamente dominou o cenário musical dos EUA na década de 60, esculpindo o seu sucesso por ser o primeiro artista do country alternativo, incorporando elementos do rock and roll. Também foi um dos primeiros artistas a ter um impacto consistente e forte nas paradas de álbuns do país, com até três por ano ao longo da década e teve 21 hits na Billboard de música country com sua banda, os ‘Buckaroos’. Foram os pioneiros do ‘Bakersfield Sound’ (som de Bakersfield), gênero de música desenvolvido em meados dos anos 1950 e em torno de Bakersfield, Califórnia e foi uma reação contra o ‘Nashville Sound’ que estava se tornando popular no final dos anos 1950. A música de Bakersfield, como Owens, foi revolucionária para o seu tempo e dependia do talento individual de um músico, ao contrário da produção orquestral da música de Nashville. Duas importantes bandas da British Invasion apresentaram influências da música de Bakersfield, os Beatles gravaram ‘Act Naturally’ originalmente gravado por Buck Owens and his Buckaroos e anos mais tarde os Rolling Stones fizeram uma conexão explícita com o estilo de música country de Bakersfield ao gravarem ‘Far Away Eyes’, composição de Mick Jagger e Keith Richards. Buck Owens é membro do ‘Country Music Hall of Fame’.

01. I’ve Got a Tiger By the Tail
02. Trouble and Me
03. Let the Sad Times Roll On
04. Wham Bam
05. If You Fall Out of Love With Me
06. Fallin’ for You
07. We’re Gonna Let the Good Times Roll
08. The Band Keeps Playin’ On
09. The Streets of Laredo
10. Cryin’ Time
11. A Maiden’s Prayer
12. Memphis Tennessee

download:
I´ve Got A Tiger By The Tail (1965)

buck owens - I've got a tiger by the tail

0046. the rolling stones | the rolling stones (1964)

2010-04-15T07:51:00.000-07:00

‘The Rolling Stones’ é o álbum de estréia da banda inglesa e foi lançado pela Decca Records no Reino Unido em 1964. A edição americana um pouco diferente em relação às faixas, saiu pela sob o título de 'England's Newest Hit Makers'. ‘The Rolling Stones’ se tornou um dos maiores vendedores do ano no Reino Unido, ficando em primeiro lugar por 12 semanas, enquanto ‘England's Newest Hitmakers’ alcançou o 11 nos Estados Unidos, sendo disco de ouro. O álbum foi produzido por Andrew Oldham e Eric Easton. O engenheiro de som foi Bill Farley. A foto de capa do álbum foi tirada por Nicholas Wright. A capa da edição do Reino Unido não tem qualquer título ou identificação da banda, apenas o logotipo da Decca, um conceito de projeto idealizado pelo gerente da banda Andrew Oldham. Em 2002, ‘England's Newest Hitmakers’ foi relançado em CD remasterizado, enquanto o seu homólogo britânico mantém-se fora de catálogo desde 1987.

Como afirmou Keith Richards em 2003, o álbum reflete o que a banda costumava tocar no Crawdaddy: Jimmy Reed, Bo Diddley, Muddy Waters, com alguma coisa de Slim Harpo. A maioria das faixas reflete o amor pelo R&B. Mick Jagger e Keith Richards compuseram pouco para o disco e durante o início de 1964, com apenas uma composição original no álbum: ‘Tell Me (You're Coming Back)’. Duas faixas são creditadas a ‘Nanker Phelge’, um pseudônimo que a banda utilizou para as composições de grupo entre 1963-1965. Phil Spector, produtor musical e músico estadunidense que ficou conhecido por produzir o álbum 'Let It Be', o último dos 'The Beatles', e Gene Pitney contribuíram muito para as sessões de gravação e são referidos como ‘Uncle Phil and Uncle Gene’ no subtítulo da instrumental de Nanker Phelge ‘Now I've Got a Witness’. ‘The Rolling Stones’ contou com Mick Jagger (vocal,gaita e percussão); Brian Jones (guitarra, gaita, vocal e percussão); Keith Richards (guitarra e vocal); Charlie Watts (bateria e percussão); Bill Wyman (baixo e vocais) e os músicos adicionais Gene Pitney no piano e Phil Spector nas maracas em ‘Little by Little’ e Ian Stewart no órgão e piano.

Lado 1
01. Route 66 (Bobby Troup)
02. I Just Want to Make Love to You (Willie Dixon)
03. Honest I Do (Jimmy Reed)
04. Mona (Ellas McDaniel)
05. Now I've Got a Witness (Nanker Phelge)
06. Little by Little (Nanker Phelge/Phil Spector)

Lado 2
01. I'm a King Bee (James Moore)
02. Carol (Chuck Berry)
03. Tell Me (Mick Jagger/Keith Richards)
04. Can I Get a Witness (Brian Holland/Lamont Dozier/Eddie Holland)
05. You Can Make It If You Try (Ted Jarrett)
06. Walking the Dog (Rufus Thomas)

download:
The Rolling Stones (1964)

the rolling stones - I'm a king bee

0045.dusty springfield | a girl called dusty (1964)

2010-04-13T05:22:00.000-07:00

‘A Girl Called Dusty’ é o álbum de estréia de Dusty Springfield onde foram incluídas na sua maioria covers de suas canções favoritas de outros artistas. O álbum alcançou a posição 6 no Reino Unido em Maio de 1964 e a turnê para divulgação do álbum que Dusty fazia pela África do Sul foi interrompida, depois que ela se apresentou para uma platéia em um cinema perto de Cape Town. O seu desprezo pelo governo sul-africano devido à política de segregação resultou na sua expulsão do país. No mesmo ano, 1964, ela foi eleita a Artista Feminina Britânica Top no ‘New Musical Express’. ‘A Girl Called Dusty’ certamente é o melhor álbum daquela década, e ele preparou o caminho de sucesso para Dusty, mostrando uma mulher com alma e muito talento, é recheado de boas canções como ‘You Don't Own Me’ e ‘My Colouring Book’ na qual Dusty dá um show de emoção. Considerada como uma das melhores cantoras de soul de todos os tempos, Dusty Springfield lançou mais de 20 álbuns, teve vários hits nas paradas e muitas dessas canções são hoje consideradas clássicos. Springfield tem sido citada como influência para uma vasta gama de artistas famosos como Annie Lennox e Elton John .

A rainha branca do soul como era chamada e a melhor artista feminina inglesa dos anos 60, Dusty Springfield tinha realmente uma voz sedutora, firme e potente, incomum, e era perfeccionista, insistindo para que cada nota fosse absolutamente perfeita, o que às vezes a levou a ser rotulada como sendo uma artista difícil para se trabalhar. Rótulo criado por homens para mulheres que tomavam o controle do estúdio. Nos anos 70, Dusty começou a passar por crises tanto em sua música como em sua vida pessoal. Em 71, frustrada com sua carreira e perseguida pela imprensa, revelou ser bissexual em um ato corajoso. Na verdade, Dusty era lésbica, mas para uma sociedade preconceituosa e hipócrita, ser bissexual era mais ‘aceitável’, e é o que acontece ainda hoje com muitos artistas, principalmente no Brasil. Como resultado de seus anos de trabalho Dusty Springfield foi premiada com a ‘Ordem do Império Britânico’ em 1999. Nesse mesmo ano, ela morreu de câncer de mama; dez dias após sua morte, ela foi introduzida no ‘Rock and Roll Hall of Fame'.

01. Mama Said
02. You Don’t Own Me
03. Do Re Mi
04. When the Lovelight Starts Shining Through His Eyes
05. My Colouring Book
06. Mockingbird
07. Twenty Four Hours From Tulsa
08. Nothing
09. Anyone Who Had a Heart
10. Will You Love Me Tomorrow
11. Wishin’ and Hopin’
12. Don’t You Know
13. I Only Want to Be With You
14. He’s Got Something
15. Every Day I Have to Cry
16. Can I Get a Witness
17. All Cried Out
18. I Wish I’d Never Loved You
19. Once upon a Time
20. Summer Is Over

download:
A Girl Called Dusty (1964)

dusty springfield - my colouring book

0044. solomon burke | rock'n'soul (1964)

2010-04-09T10:59:00.001-07:00

‘Rock 'n' Soul’ é um álbum que originalmente foi lançado em 1965 e foi premiado com um Grammy. O título do álbum serviu para classificar Solomon Burke como o ‘Rei do Rock 'n' Soul’, um rótulo que Burke abraçou devido à interligação das formas musicais do rock and roll e soul music, dizendo que ‘sem soul, não haveria rock, e sem rock, não haveria soul’. Mas, ficou desconfortável quando associado ao rhythm and blues, que ele acredita ter o estigma de profano, crença creditada ao seu estilo de vida e fortes crenças espirituais, desde o início da sua vida adulta, ele é um pregador evangélico, na Filadélfia. Burke foi também um empreendedor, treinado como agente funerário por seu tio desde criança ele tinha uma empresa funerária em Los Angeles. O álbum ‘Rock ´n´ Soul’ continha sete hits entre os 100 da Billboard: "Just Out of Reach (Of My Two Open Arms)", "Cry to Me", "Can't Nobody Love You", "If You Need Me", "You're Good For Me", "Goodbye Baby (Baby Goodbye)", and "He'll Have to Go”. A combinação de gospel, pop e country, foi fundamental para o soul. Embora Burke não fosse o único a trilhar este caminho muitos outros não fizeram tanto sucesso quanto ele. E ele, tanto quanto Otis Redding e Wilson Pickett, foi uma importante influência sobre os ‘Rolling Stones’, que gravaram suas músicas, tais como “Cry To Me" e "Everybody Needs Somebody to Love", em seus primeiros álbuns. Solomon Burke continua a excursionar e gravar discos, embora criticamente bem recebidos, a sua pureza estilística é confinada entre os entusiastas da música de raiz ao invés de um público pop o que concede a Burke o status como um dos maiores expoentes vivos do soul clássico. Solomon Burke é reverenciado como membro da prestigiada Rock and Roll Hall of Fame.

01. Goodbye Baby (Baby Goodbye)
02. Cry to Me
03. Won’t You Give Him (One More Chance)
04. If You Need Me
05. Hard, Ain’t It Hard
06. Can’t Nobody Love You
07. Just Out of Reach
08. You’re Good for Me
09. You Can’t Love Them All
10. Someone to Love Me
11. Beautiful Brown Eyes
12. He’ll Have to Go

download:
Rock'n'Soul (1964)

solomon burke - cry to me

0043. jacques brel | olympia ‘64 (1964)

2010-04-09T05:30:00.000-07:00

‘Olympia ‘64’ é o álbum que documentou o retorno de Jacques Brel ao palco do Olympia. Sob um frenesi de aplausos a presença de Brel foi considerada pelos franceses como fascinante. Para muitos, nesta data, Jacques Brel foi o furacão que toda Paris estava esperando. A energia e a paixão com que cantou a música “Amsterdam” foram recompensadas com minutos de ovação do público, entre eles a atriz Catherine Deneuve. Jacques Romain Georges Brel foi um compositor e cantor belga, as suas canções não são particularmente bem conhecidas no mundo de língua inglesa, exceto “Ne me quitte pas”, composta por ele e que tornou-se internacionalmente conhecida. Em países de língua francesa, Brel também é lembrado como um ator e diretor. Após se apresentar, por 11 anos, em cabarés de Paris e em pequenas cidades de turismo, Jacques Brel finalmente teve a chance de se apresentar no lendário ‘Olympia Theatre’, em Paris. Primeiramente em 1961, lançando Brel como estrela principal no mundo de língua francesa. Em 1964 ele voltou ao Olympia para mais um grande concerto de sucesso, seguindo no ano seguinte com um show eletrizante no ‘Carnegie Hall’ em Nova York. "Amsterdam" é uma das mais famosas canções de Brel. Ela fala sobre os marinheiros que desembarcam neste porto holandês e como eles lidam com as vicissitudes de sua vida solitária e os sonhos que os assombram quando atingem a costa. "Les Vieux" (os idosos) evoca um relógio como uma metáfora para a passagem do tempo. Brel pinta um retrato sombrio da vida, nos anos de crepúsculo, definida como a batida de um relógio de pêndulo, um triângulo e uma pequena orquestra. "Le Plat Pays" é uma homenagem nostálgica de Brel ao seu país de origem a Bélgica, cantado com muito carinho em francês e flamengo, as duas línguas nacionais da Bélgica. Embora ele tenha crescido neste país, ele passou quase toda a sua carreira musical em Paris.

01. Amsterdam
02. Les Timides
03. Le Dernier Repas
04. Les Jardins du Casino
05. Les Vieux
06. Les Toros
07. Tango Funèbre
08. Le Plat Pays
09. Les Bonbons
10. Mathilde
11. Les Bigotes
12. Les Bourgeois
13. Jef
14. Au Suivant
15. Madeleine

download:
Olympia ‘64 (1964)

jacques brel - les bourgeois

0041. stan getz & joão gilberto | getz/gilberto (1964)

2010-04-04T08:30:00.000-07:00

‘Getz/Gilberto’ é o melhor momento da bossa nova, uma colaboração entre o saxofonista Stan Getz e o violonista João Gilberto e que apresentou o compositor Antonio Carlos Jobim no piano. Por volta de 1962, a bossa nova tinha sido adotada por músicos de jazz norte-americanos, Charlie Byrd e Stan Getz tinham gravado o dsco 'Jazz Samba'. E a convite de Stan Getz, João Gilberto e Tom Jobim colaboraram nesse que se tornou um dos melhores álbuns de jazz de todos os tempos, ‘Getz/Gilberto’. Com este álbum, Astrud Gilberto esposa de João Gilberto na época, que nunca tinha cantado profissionalmente antes dessa gravação, se tornou uma estrela internacional, e a composição de Tom Jobim "Garota de Ipanema", em sua versão em inglês, "The Girl from Ipanema", se tornou um sucesso mundial. Não apenas o hit "Girl from Ipanema", sendo a primeira parte cantada em português por João Giberto e a segunda em inglês por Astrud se tornou um sucesso mundial, mas também "Corcovado" ("Quiet Nights of Quiet Stars") e a versão definitiva de "Desafinado". ‘Getz/Gilberto' ficou 96 semanas nas paradas e ganhou quatro Grammys. Com harmonias ricas foi influenciado, em parte, pelo cool jazz e é um daqueles raros casos na música popular, onde o sucesso comercial deriva do mérito artístico. O modesto Jobim no piano, Tommy Williams no baixo e Milton Banana na bateria fornecem um ritmo constante, avassalador. Gilberto e Getz foi um ajuste perfeito. João Gilberto já era fã de Stan Getz. Todas as canções foram escritas por Antonio Carlos Jobim, exceto “Para Machucar Meu Coração” e “Doralice”. ‘Getz/Gilberto’ mostra que a música é realmente uma linguagem universal. Você não precisa saber e compreender o português, tudo o que você precisa é a capacidade de apreciar boa música e um sentido inato para admirar a beleza, e isto é o que os músicos se esforçam para cumprir, muitas vezes sem sucesso. ‘Getz/Gilberto’ foi gravado há mais de 35 anos. Comparando-se a sua música agradável, com a música superficial e descartável de hoje conclui-se que a competência técnica é verdadeiramente uma obra de arte.

João Gilberto após conhecer Tom Jobim, pianista acostumado à música clássica e também compositor, influenciado pela música norte-americana da época, principalmente o jazz, e um grupo de estudantes universitários de classe média, também músicos, lançaram o movimento que ficou conhecido por bossa nova. O ritmo da bossa nova é uma mistura do ritmo sincopado da percussão do samba numa forma simplificada e ao mesmo tempo sofisticada, que pode ser tocada num violão, sem acompanhamento adicional, cuja técnica foi inventada por João Gilberto. Quanto à técnica vocal, parte integral do conceito de bossa nova, é uma técnica de cantar em tom de voz uniforme, com voz emitida sem vibrato, e com um fraseado disposto de forma única e não-convencional, e de forma a eliminar quase todo o ruído da respiração e outras imperfeições.

01. The Girl from Ipanema
02. Doralice
03. Para Machucar Meu Coração
04. Desafinado
05. Corcovado
06. Só Danço Samba
07. O Grande Amor
08. Vivo Sonhando
09. The Girl from Ipanema
10. Corcovado

download:
Getz/Gilberto (1964)

stan getz & joão gilberto - corcovado

0040. james brown | live at the apollo (1963)

2010-03-31T01:30:00.007-07:00

‘Live at the Apollo’ gravado em 1962 e lançado em 1963 é uma onda de emoção e foi votado pelos críticos como um dos 20 álbuns mais importantes de todos os tempos. Este show de James Brown foi palco lendário para os seus giros e recusa a ficar parado. ‘James Brown's Live at the Apollo’ é conhecido como o melhor show ao vivo, gravado no outono de 1962, no lendário e considerado vitrine para artistas negros, o ‘Teatro Apollo’ do Harlem, a gravação captou James Brown quando ele ainda era um fenômeno underground. Com uma série de hits de r&b ele estava prestes a mover-se para as paradas pop. Naquela noite no auge das tensões da guerra fria, com base nas notícias divulgadas, James Brown reuniu 1.500 pessoas na platéia, ilustrando muito bem o poder que ele tinha em um momento de definição da música popular. James Brown conseguiu fazer essa gravação contra a indiferença de sua gravadora com um conjunto de canções que cobria toda a música negra dos anos 20 ao início dos anos 60. Em 2003, o álbum foi classificado em 24º entre os 500 maiores álbuns de todos os tempos da revista Rolling Stone. Em 2004, foi uma das 50 gravações escolhidas naquele ano pela Biblioteca do Congresso para ser adicionada ao Registro Nacional de Gravação. Embora não seja creditado na capa do álbum, o grupo vocal de James Brown, ‘The Flames Famous’ (Bobby Byrd, Bobby Bennett, e Lloyd Stallworth), desempenhou um papel importante no ‘Live at the Apollo’. James Brown é uma das figuras mais importantes e influentes de toda a música popular e deixou um legado que moldou a música em muitas maneiras. Embora muitas vezes apelidado de "The Godfather of Soul", é pela sua invenção do funk que ele é mais reverenciado. Um gênero muito popular, o funk também levou diretamente ao hip-hop. Juntamente com Sam Cooke e Ray Charles, James Brown esteve na vanguarda do desenvolvimento do ritmo & blues, gospel e doo-wop e que hoje conhecemos como soul. Conhecido como ‘o homem que mais trabalhava no showbusiness’ o seu passo mais importante foi quando ele convenceu a gravadora que estava relutante em lançar ‘Live at the Apollo’. Toda a energia de seu desempenho hiperativo foi perfeitamente captada pela gravação, como também foi gravada a recepção do público frenético.

01. Introduction to James Brown
02. I’ll Go Crazy
03. Try Me
04. Think
05. I Don’t Mind
06. Lost Someone
07. Medley One
08. Night Train
09. Think
10. Medley Two
11. Lost Someone
12. I’ll Go Crazy

download:
Live at the Apollo (1963)

james brown - try me

0039. charles mingus | the black saint and the sinner lady (1963)

2010-03-31T01:30:00.005-07:00

‘The Black Saint and the Sinner Lady’, considerado pelo "The Penguin Guide de Jazz", como a obra-prima do baixista Charles Mingus é um álbum desafiador. Brilhantemente realizado ocupa um lugar especial na obra de Mingus. Consiste em um conjunto de seis movimentos de uma sinfonia executada por uma banda de onze gênios: Charles Mingus (baixo, piano), Jerome Richardson (saxofone soprano e barítono, flauta), Charlie Mariano (saxofone alto), Dick Hafer (saxofone tenor, flauta), Rolf Ericson (trompete), Richard Williams (trompete), Quentin Jackson (trombone), Don Butterfield (tuba, trombone e contrabaixo), Jaki Byard (piano), Jay Berliner (guitarra acústica) e Dannie Richmond (bateria). Um trabalho intensamente emocional, que exibe as habilidades de Charles Mingus como músico, compositor e líder. O conjunto de seis partes revela as paixões tumultuadas do baixista, que vão desde a serenidade de um violão solo e piano a ondas de conflito que aceleram os ritmos, misturam-se e parecem transformar os clichês em filme noir. O resultado é uma obra-prima de sons e efeitos. Se você nunca ouviu Charles Mingus, ouça primeiro ‘Mingus Ah Hum’, ‘Pithecanthropus Erectus’ ou ‘Mingus at Antibes’. Em seguida, mergulhe no ‘The Black Saint and the Sinner Lady’, um dos cinco melhores discos de jazz já feitos. A abertura, "Solo Dancer" apresenta trechos com alta abstração; "Duet Solo Dancers" lembra muito Duke Ellington, mais parece uma orquestra, uma gravação soberba; em "Group Dancers", após sugestão, Charles Mingus ao piano é uma figura surpreendente em toda a sua glória musical, depois Mingus deixa o piano para Jackie Byard e os demais para contarem a história. “Group Dancers”, ao mesmo tempo estridente e sublime, e em algum momento enfatizando o flamenco, é quase perfeita.

01. Solo Dancer
02. Duet Solo Dancers
03. Group Dancers
04. Trio and Group Dancers
Single Solos and Group Dance
Group and Solo Dance

download:
The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

charles mingus - solo dancer

0038. sam cooke | live at the harlem square club (1963)

2010-03-31T01:30:00.003-07:00

‘Live at the Harlem Square Club’ foi gravado na Praça do Harlem Club, Miami, Flórida, em 12 de janeiro de 1963, pouco mais de um ano antes do assassinato de Sam Cooke. Trabalhando com uma banda de fusão, que incluía o guitarrista Cliff White, o baterista Albert "June" Gardner e o saxofonista King Curtis cada faixa é uma pequena obra-prima do soul. Sam Cooke era um cantor fenomenal, ele também compôs a maioria de seus hits e tinha sua própria empresa. Sam Cooke era uma lenda da música gospel muito antes de entrar no reino da música pop e da soul music. Ele tinha uma voz suave e doce que as mulheres amavam. Sam Cooke era considerado como o primeiro símbolo sexual que a igreja já teve. A maior crítica do estilo de Cooke é exatamente essa, que ele era muito açucarado. Neste concerto em Miami ele teve um desempenho maravilhoso e o público foi maior apenas no show de James Brown no mesmo ano no Teatro Apollo. Esta gravação é uma exposição para quem pergunta por que Sam Cooke era conhecido como Mr. Soul. Foi ele que trouxe a música da Igreja, juntamente com o rhythm and blues e criou a soul music. Ele influenciou Otis Redding, Smokey Robinson, Al Green, Bob Marley, e tantos outros. Inicialmente o álbum era para ser lançado como ‘One Night Stand’, mas o concerto não foi liberado até 1985. Em 2003, o álbum ficou em 443º lugar na lista dos 500 maiores álbuns de todos os tempos da revista Rolling Stone. Sam Cooke foi muito estimado e o seu legado é vasto. Cooke também foi um dos primeiros artistas negros a ter controle de suas finanças. Participou no movimento pelos direitos civis dos Estados Unidos e, sobretudo, cantou unificando audiências das mais variadas origens com a sua voz atraente e singular. Morreu baleado por Bertha Franklin na porta de um motel na cidade de Los Angeles. Bertha era gerente do estabelecimento e alegou legítima defesa. As circunstâncias da morte nunca foram completamente esclarecidas.

01. Feel It
02. Chain Gang
03. Cupid
04. Medley: It’s All Right/For Sentimental Reasons
05. Twistin’ the Night Away
06. Somebody Have Mercy
07. Bring It On Home to Me
08. Nothing Can Change This Love
09. Having a Party

download:
Live at the Harlem Square Club (1963)

sam cooke - having a party

0037. phil spector | a christmas gift for you (1963)

2010-03-31T01:30:00.001-07:00

‘A Christmas Gift for You’ originalmente lançado como um presente de Natal, obviamente com canções de Natal, foi produzido por Phil Spector. No entanto, o álbum foi um relativo fracasso na época por ter sido lançado em 22 de novembro de 1963, mesmo dia do assassinato do presidente John F. Kennedy. Nos anos subseqüentes, o álbum cresceu em popularidade, considerado agora um clássico do feriado natalino. Em 2003, foi colocado no nº 142 entre os 500 maiores álbuns de todos os tempos da lista da revista Rolling Stone. Criador da técnica de produção ‘wall of sound’, Phil Spector é um produtor musical e compositor americano. O lendário produtor atingiu seu auge artístico com este álbum clássico. As modalidades encontradas aqui foram copiadas muitas e muitas vezes ao longo dos anos por outros artistas, mas sem o mesmo sucesso. As seleções musicais apresentam o desempenho vocal de vários artistas, todos conhecidos por trabalharem com Spector durante este período. A morte da atriz Lana Clarkson em 2003 levou Phil Spector a ser acusado de homicídio em segundo grau. Após um julgamento invalidado em 2007, ele foi condenado em 2009, a uma pena de prisão de 19 anos. Sinceramente, não sei o porque deste álbum constar tanto nesta lista como na da revista 'Rolling Stone'.

01. White Christmas (Darlene Love)
02. Frosty the Snowman (The Ronettes)
03. The Bells of St. Mary’s (Bob B. Soxx & the Blue Jeans)
04. Santa Claus Is Coming to Town (The Crystals)
05. Sleigh Ride (The Ronettes)
06. Marshmallow World (Darlene Love)
07. I Saw Mommy Kissing Santa Claus (The Ronettes)
08. Rudolph the Red-Nosed Reindeer (The Crystals)
09. Winter Wonderland (Darlene Love)
10. Parade of the Wooden Soldiers (The Crystals)
11. Christmas (Baby Please Come Home) (Darlene Love)
12. Here Comes Santa Claus (Bob B. Soxx & the Blue Jeans)
13. Silent Night (Phil Spector e artistas)

download:
A Christmas Gift for You (1963)

darlene love - white christmas

0034. ray price | night life (1962)

2010-03-28T08:11:00.001-07:00

‘Night Life’ álbum de Ray Price, cantor, compositor e guitarrista norte-americano que em 1953 formou sua banda, o ‘Cowboys Cherokee’. Entre seus membros no final dos anos 1950 e 1960 estava Willie Nelson que escreveu o clássico "Night Life", primeira faixa do álbum, dispensável é a introdução que Ray faz sobre a música. O som é suave e dançante. Ray Price tornou-se um dos baluartes do honky tonk music, um estilo relacionado com o ragtime. Ele foi eleito para o Country Music Hall of Fame em 1996. Com o álbum ‘Night Life’ a voz de Ray, neste momento em sua carreira, estava começando a mostrar sua própria individualidade descolando-se da influência de Hank Williams, ícone da música country e um dos mais influentes músicos e compositores do século XX. Estou bem longe de gostar deste tipo de música.

01. Introduction and Theme/ Night Life
02. Lonely Street
03. Wild Side of Life
04. Sittin’ and Thinkin’
05. Twenty-Fourth Hour
06. Girl in the Night
07. Pride
08. There’s No Fool Like a Young Fool
09. If She Could See Me Now
10. Bright Lights and Blonde Haired Women
11. Are You Sure?
12. Let Me Talk to You

download:
Night Life (1962)

ray price - bright lights and blonde haired woman

0033. stan getz and charlie byrd | jazz samba (1962)

2010-03-28T08:10:00.000-07:00

‘Jazz Samba’ é, historicamente, o primeiro disco nos Estados Unidos a se dedicar exclusivamente a bossa nova. Quando Charlie Byrd voltou de uma viagem que fez pelo Brasil em 1961 ele já era um reconhecido guitarrista de jazz da cidade de Washington, com três discos gravados e já chamava a atenção da critica especializada pelo fato de introduzir técnicas de guitarra acústica ao jazz. De volta de sua viagem o que Charlie Byrd conheceu no Brasil chamaria mais ainda a atenção da crítica americana. Ao chegar aos EUA ligou para seu amigo saxofonista em New York, Stan Getz e anunciou que conheceu no Brasil um tipo de música mágica, cheia de sinuosidade, chamada Bossa Nova. E assim o jazz acariciou o samba e em 1962, Charlie Byrd e Stan Getz lançaram o disco ‘Samba Jazz’. Eles se juntaram a dois baixistas, Keter Betts e Gene Byrd irmão de Charlie Byrd, e dois bateristas, Buddy Deppenschmidt e Bill Reichenbach para a gravação na igreja ‘All Souls, Unitarian’ em Washington, DC. A participação é apenas de músicos americanos que aprenderem as músicas brasileiras através dos discos que Charlie Byrd trouxera. Das sete músicas gravadas apenas ‘Samba Dees Days’ é de autoria de Charlie Byrd, as restantes são de Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça, Ari Barroso, Baden Powell e Billy Blanco. O disco foi um sucesso e ganhou o Grammy de melhor disco de jazz de 1963 e Stan Getz ganhou o Grammy de melhor performance de jazz com a faixa ‘Desafinado’. ‘Jazz Samba’ abriu as portas dos Estados Unidos para a Bossa Nova e para vários músicos brasileiros. Mais tarde, Stan Getz e Charlie Byrd trabalharam diretamente com João Gilberto, Tom Jobim e Astrud Gilberto, e a música mais famosa foi ‘The Girl From Ipanema’, daquilo que se denominou pelos norte-americanos como samba jazz.

01. Desafinado (Antonio Carlos Jobim/Newton Mendonça)
02. Samba Dees Days (Charlie Byrd)
03. O Pato (João Gilberto)
04. Samba Triste (Baden Powell/Billy Blanco)
05. Samba de Uma Nota Só (Antonio Carlos Jobim)
06. É Luxo Só (Ari Barroso/Luiz Peixoto)
07. Baia (Ari Barroso)

download:
Jazz Samba (1962)

stan getz and charlie byrd - desafinado

0032. booker t. and the mg’s | green onions (1962)

2010-03-28T08:09:00.000-07:00

‘Green Onions’ é o álbum de estréia do ‘Booker T. & the MG's’, uma banda americana de soul instrumental classificados no subgênero do Memphis soul. Foram uma das primeiras bandas integradas racialmente na era do rock e ficaram conhecidos por seu hit instrumental "Green Onions". Popular nas décadas 60 e 70 o grupo foi um dos mais prolíficos, respeitados e imitados de seu tempo. Os membros originais do grupo eram Booker T. Jones (órgão, piano), Steve Cropper (guitarra), Lewie Steinberg (baixo), e Al Jackson Jr. (bateria). O álbum ‘Green Onions’ lançado pela Stax Records, em 1962, alcançou a classificação 33º na parada de álbuns pop nos meses de seu lançamento. O hit ‘Green Onions’ é uma grande canção, mas o álbum "Green Onions" não é tão emocionante e fica cansativo depois de ouvir uma ou duas canções. Aliás, dependendo do seu estado de espírito, até o hit que tanto sucesso fez, é uma chatice.

01. Green Onions
02. Rinky Dink
03. I Got A Woman
04. Mo’ Onions
05. Twist And Shout
06. Behave Yourself
07. Stranger On The Shore
08. Lonely Avenue
09. One Who Really Loves You
10. You Can’t Sit Down
11. A Woman, A Lover, A Friend
12. Comin’ Home Baby

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Green Onions (1962)

booker t. and the mg’s - green onions

0031. ray charles | modern sounds in country and western music (1962)

2010-03-27T10:44:00.000-07:00

‘Modern Sounds in Country and Western Music’ é um álbum de estúdio, a produção foi inteiramente conduzida por Ray Charles e o maestro de renome Sid Feller. Tornou-se um rápido sucesso comercial e de crítica. O álbum e o single "I Can't Stop Loving You", ambos foram certificadas com ouro em vendas pela Recording Industry Association of America. É considerado por muitos críticos como o melhor álbum de estúdio de Ray Charles e por diversos autores de música como um marco na música americana. No processo de gravação do álbum, Charles se tornou um dos primeiros músicos negros a exercer o completo controle artístico sobre sua carreira solo. Em 2003, o álbum foi classificado como o número 104 na lista da revista Rolling Stone entre os 500 maiores álbuns de todos os tempos. Ray Charles quebrou barreiras nos anos 50, misturando o profano da música negra com o gospel. Correu riscos de novas idéias, mesmo quando seus conselheiros eram totalmente contra. Este album ‘Modern Sounds in Country and Western Music’ prova isso, disseram a ele que era um homem negro, portanto, não deveria fazer música country, mas Ray respondeu que estava em seu coração fazê-lo. É o gênio do soul, mas ele sempre teve um pouco da música country em si. Charles lançou este clássico de 1962 provando que grandes canções são grandes não importando qual a definição. Muitos de seus hits mais queridos estão aqui: "I Can't Stop Loving You", "You Don't Know Me", "Born to Lose", You Are My Sunshine", "Here We Go Again", e "That Lucky Old Sun". Um álbum agradável, mesmo se você, como eu, não é fã de música country e western.

01. Bye Bye Love
02. You Don’t Know Me
03. Half as Much
04. I Love You So Much It Hurts
05. Just a Little Lovin’ (Will Go a Long Way)
06. Born to Lose
07. Worried Mind
08. It Makes No Difference Now
09. You Win Again
10. Careless Love
11. I Can’t Stop Loving You
12. Hey, Good Lookin’
13. You Are My Sunshine
14. Here We Go Again
15. That Lucky Old Sun (Just Rolls Around Heaven)

download:
Modern Sounds in Country and Western Music (1962)

ray charles - careless love

0030. bill evans | sunday at the village vanguard (1961)

2009-03-24T04:24:00.000-07:00

‘Sunday at the Village Vanguard’, mesmo com Bill Evans, um notório perfeccionista, relutante em gravar, foi gravado ao vivo em 1961 no Village Vanguard de Nova York, ao longo de cinco sessões. O trio do pianista e compositor Bill Evans na época, incluía o baixista Scott LaFaro e o baterista Paul Motian. LaFaro foi morto em um acidente de carro dez dias depois da gravação. Evans e o produtor Orrin Keepnews selecionaram as faixas executadas no domingo que mostra o magistral desempenho de LaFaro no baixo, começando e terminando com duas faixas compostas por ele, “Gloria’s Step” e “Jade Visions”. Este álbum é rotineiramente classificado como um dos melhores discos de jazz ao vivo de todos os tempos. O material adicional foi lançado em um segundo disco ‘Waltz for Debby’, também em 1961, assim como um outro, o 'Bill Evans - More From the Vanguard'. A morte de Scott LaFaro marcou o fim de uma das combinações mais sublimes da história do jazz instrumental. O intercâmbio entre Evans no piano, LaFaro no baixo e Paul Motian na bateria é como balé em seu equilíbrio emocional, beleza e precisão técnica. A interação entre LaFaro e Evans é inacreditável, uma comunicação quase telepática entre dois músicos.

01. Gloria’s Step
02. My Man’s Gone Now
03. Solar
04. Alice in Wonderland
05. All of You
06. Jade Visions
07. Gloria’s Step
08. Alice in Wonderland
09. All of You
10. Jade Visions

download:
Sunday at the Village Vanguard (1961)

bill evans - gloria's step

0029. muddy waters | muddy waters at newport (1960)

2009-03-24T04:23:00.000-07:00

‘Muddy Waters at Newport 1960’ é um álbum gravado ao vivo no Newport Jazz Festival. Waters foi apoiado pelo fenomenal Otis Spann no piano, pelo grande James Cotton na gaita, Pat Hare na guitarra, Andrew Stevenson no baixo e Francis Clay na bateria. Em 2003, o álbum foi classificado como 348º na lista dos 500 maiores álbuns de todos os tempos da revista Rolling Stone. O álbum também é listado no ‘The Rough Guide to Blues 100 Essential CDs‘. O álbum foi inspiração para Eric Burdon, Eric Clapton, Steve Winwood, Jeff Beck, Keith Richards, Jimmy Page e é uma obrigação para os amantes do blues e do rock n'roll. A fotografia da capa com Muddy segurando a guitarra de John Lee Hooker deu a impressão de que ele estava em um festival folk em vez do prestigiado Newport Jazz Festival. No entanto, o registro revelou o rei do blues de Chicago em sua melhor forma, tocando com a energia de um homem com a metade de sua idade. É claro que o álbum inclui "Hoochie Coochie Man", "I Feel So Good" de Big Bill Broonzy. Em clima triste Otis Spann improvisou "Goodbye Newport Blues" anunciando o fim do festival.

01. I Got My Brand On You
02. (I’m Your) Hoochie Coochie Man
03. Baby, Please Don’t Go
04. Soon Forgotten
05. Tiger In Your Tank
06. I Feel So Good
07. Got My Mojo Working
08. Got My Mojo Working, Pt. 2
09. Goodbye Newport Blues
10. I Got My Brand On You
11. Soon Forgotten
12. Tiger In Your Tank
13. Meanest Woman

download:
Muddy Waters at Newport (1960)

muddy waters - I feel so good