10:1

The Antlers.

2009-11-03T01:47:00.003-06:00

Texto: Sofía T

Fotografías (en vivo): Darren Kim

Little bird I invite you, build your nest

-The Microphones, "Antlers"

Llevo un par de meses enfrascada de manera casi obsesiva en Hospice de The Antlers. Últimamente no me resulta tan sencillo escuchar discos nuevos completos, generalmente es una canción o dos lo que me atrapa y después sigo con cosas que me gustan desde hace años, las cosas que considero "seguras". Pero con Hospice sucedió lo que no me pasaba desde Dear Science: quedé fascinada con el disco de principio a fin desde la primera vez que lo escuché. Es una producción impecable que indudablemente se convertirá en un clásico. Como a estas alturas ya muchos saben, el disco es una apología de la separación. En primera instancia puede pensarse en la separación irreparable, pero los alcances anímicos del álbum son ilimitados. Las posibilidades de interpretación del 'discurso' de Hospice son tantas como los simulacros que a veces llegamos a sentir, las pequeñas alertas que nos llevan a afirmar que así debe sentirse la muerte.

Ese mismo tono trágico y devastador ha acompañado las composiciones de Peter Silberman (vocalista y creador principal detrás de The Antlers) desde antes de que se sumaran los otros miembros a la banda. Cold War (2008), In the Attic of the Universe (2007) y Uprooted (2006) anteceden a Hospice, con una producción mucho más básica y quizá una ingenuidad que en el futuro se desvanecería para convertirse en una capacidad asombrosa para conmover y fascinar. Aquellos álbumes contienen temas que actualmente no son interpretados en vivo, a pesar de que sería interesante escucharlos:

Hospice es tan complejo y tan exigente que su interpretación en vivo puede antojarse difícil, sobre todo si se considera que son solo tres músicos los que conforman la banda. Pero es precisamente esa alineación la que permite proyectar la intimidad en la que se desenvuelve todo el disco... El jueves 29 de octubre, The Antlers se presentaron en el Bootleg Theatre, en Los Ángeles, California. El lugar era pequeño y las entradas se agotaron con facilidad. Los tres miembros de la banda vendían su mercancía en una mesita y afinaron y colocaron sus instrumentos cuando llegó el momento. Es realmente muy difícil describir un concierto como el que ofrecieron esa noche. Peter Silberman realmente padece lo que está cantando -o susurrando, o gritando-, basta observarlo mientras se destroza la garganta con "Sylvia" o cuando durante "Epilogue" cierra los ojos y un hilo de voz se desliza suavemente por los oídos de todos los presentes: you're screaming, and cursing, and angry, and hurting me, and then smiling, and crying, apologizing... Casi es posible divisar la imagen: dos personas que sufren ante la irremediabilidad de la muerte -o de la desaparición, o del alejamiento- y que se entregan a la angustia y el dolor que esto les provoca. Y The Antlers logran comunicarlo. Logran contagiar al público de la nostalgia trágica que todos hemos sentido, pero que probablemente nunca nos había parecido tan dulce, tan auténticamente deliciosa en su inevitabilidad.

La presentación fue breve, pero sus efectos perduran hasta este momento. Y tengo la certeza de que seguirán reverberando mientras cierre los ojos y recuerde lo que estas imágenes apenas logran comenzar a describir.

5 para regresar

2009-08-04T23:40:00.000-05:00

¡Regresó el podcast, en forma de fichas!

Para los lectores de Diez a Uno que todavía nos siguen (aunque sea para quejarse de todo), llega otro episodio de 5 Canciones. En esta ocasión, y en forma metacelebratoria por su retorno, van 5 PARA REGRESAR:

1. Another Way - Swayzak
2. Back to Black - Amy Winehouse
3. Noches Reversibles - Love of Lesbian
4. Can We Start Again? - Tindersticks
5. Little Hells - Marissa Nadler.

ENJOY : RINSE : REPEAT.

Le soleil ne brille pas pour toi

2009-08-02T21:41:00.007-05:00

Actualmente el mundo de la música está rodeado por un muro, la barrera del idioma que le dicen. Dentro de este muro encontramos la música que llega a los primeros lugares de las listas, las canciones que todos escuchamos en la radio, los one hit wonders y demás. Todas estas, o la mayoría mejor dicho, tienen con algo en común: están en inglés.

Pero fuera de este muro encontramos a bandas que a pesar de saber que para hacerse un lugar en la escena musical lo más fácil es componer en inglés, han decidido quedarse con su lengua natal y esperar que así sean reconocidos. Sigur Rós es un claro ejemplo.

Malajube

Canadienses pero procedentes de Montreal, donde el francés es el idioma que predomina, Julien Minueau, Thomas Agustin, Francis Mineau y Mathieu Cournoayer decidieron componer en francés desde su álbum debut Le Compte Complet, de 2004.

Con aquel primer álbum no fue difícil lograr darse a conocer en la escena musical de Montreal. En 2006, con su segundo álbum Trompe-l'oeil, ganaron notoriedad en la "escena inglesa" del país y de ahí en la escena en general; esto gracias a su nominación al Polaris Music Prize y que dos de sus canciones fueron usadas para algunos comerciales ese mismo año (¡nunca falla!).

Este año con su tercera producción Labyrinthes, han sido nominados una vez más al Polaris Music Prize y poco a poco están logrando el reconocimiento bien merecido, tanto fuera como dentro de ese muro.

Malajube || Montréal -40° from Dare To Care Records on Vimeo.

Ahí lo tienen. Una banda talentosa y capaz, que (des)afortunadamente hacen su música en francés. Sólo recuerden: Malajube (mal-a-zhoob).

MP3: Malajube - Luna
MP3: Malajube - Montreal -40°C

Candy mx

2009-07-26T12:50:00.009-05:00

Por Elsa

Pues ya son noticias viejas, pero se murió mi iPod. Y el enojo no es tanto por el aparatito, sino que al menos era una comodidad, traer muchas canciones en una cosa tan pequeña sacrificando la calidad. Como soy estudiante (*desempleada*), ahora uso un Discman, lo cual me ha permitido escuchar varios discos que tenía abandonados y también me he hecho de algunos que vale la pena escuchar. Tal vez haga reseñas de algunos que no son tan recientes (y otros que ya son historia).

Pero esperen, este post habla de un disco nuevo. Igual y ustedes ya conocían al grupo, pero realmente me ha gustado. Fue recomendación de Lilián, a quien siempre escucho con atención y hago caso de sus consejos (tan sabia ella), y accedí a comprar el disco (que es muy barato, cosa que de entrada da para un pulgar arriba).

El grupo en cuestión se llama Candymx y el disco: Stranger. Es una banda mexicana, formada por Valentina P. (bajo y voz), Michael K. (guitarra y voz) y Hector V. (batería), y su estilo es Rock / Post-Punk (las etiquetas son muy ambiguas, recomiendo escucharlos). A veces me recuerdan al disco Give Me A Wall de °Forward, Russia!, con la diferencia de la tonada y velocidad de las canciones, además del GRANDIOSO equilibrio de voces femeninas y masculinas en Candymx.

La primera vez que lo escuché fue en una fiesta y me agradaron mucho mucho. Sin embargo (uy, aquí viene el twist): el disco está en inglés. Como defensa puedo mencionar el multiculturalismo de la banda (son de distintas nacionalidades todos). Las letras son muy ingeniosas y van como anillo al dedo con el ritmo y voces, pero el disco, en español, hubiera sido algo GRANDIOSO, cayendo en lo sorprendente. Como ya había dicho, las canciones me recordaron a °F,R! y a Stellastarr*. En español no sé a quién me hubieran recordado. Al menos yo no conozco a alguna banda que tenga ese mismo estilo (el cual amo, con guitarras que parecen sintetizadores [pero no], voces masculinas/femeninas y letras muy lindas).

Si he de ponerle una calificación, creo que tendría que ser un 8. Aquí alguien me dice: ¿Cómo que 8? ¿No que te gustó? A lo que yo respondo: Es un gran disco, pero lo del idioma todavía zumba. Estoy a favor de la experimentación, amo lo que alguien puede hacer para sobrepasar la barrera del lenguaje (como el cambio de idioma), el cambio de sonidos (como la utilización de loops o esas cosas) o cualquier cosa que la banda vaya descubriendo para ir creciendo/evolucionando, pero en español el disco hubiera sido muy bueno, incluso novedoso. ¿Alguien conoce un grupo similar? A mí me gustaría conocerlo.

Por mientras, les recomiendo Candymx; en inglés, pero propuesta mexicana. Si hacen un siguiente disco, deberían darle un intento al español, que yo sé que la composición en este idioma es de lo más difícil, pero podría ser más genial de lo que es.

Por Emmanuel

El rock mexicano ha jugado con todo: familias enteras jugando a la banda victimizada, televisos cascados jugando a ser Kiss, rickyricones ingenuones jugando a hacer twee…

El rock mexicano ha perdido el tiempo jugando a querer ser algo y poco tiempo le ha quedado para tomarse en serio el oficio de crear música con pasión y visión.

Poco tiempo, también, le tomó a una joven banda chilanga descubrir que su vocación era hacer este tipo de música poderosa y honesta. Candymx son un trío de punk wave (como ellos mismos definen su sonido), formado por Michael, Valentina y Héctor, con influencias como Placebo, los Ramones, Siouxsie, Rage Against the Machine, Depeche Mode, The Cure, etc.

Estos tres excompañeros de secundaria, que a primera vista parecen inofensivos, son probablemente el equipo musical más letal de nuestro país. Con su disco debut, Stranger, llegan para renovar el rock mexicano, secuestrado hace décadas, con un punk directo, ruidoso y bien dirigido por dos voces entrelazadas.

De ascendencias alemanas, peruanas y mexicanas, Candymx no se anda con localismos. Han decidido escribir todas sus canciones en inglés, conscientes de las críticas que diluvian ante todo aquel que lo ha intentado. El resultado es sencillamente desconcertante. Una banda que no suena a México por ningún lado, valiente y capaz de escapar a las fronteras ideológicas que han hecho a nuestra escena musical Mediocre y Bestia. Incluso arrancaría las cabezas de muchas bandas-monstruo de otros países, es así de feroz.

Stranger dura sólo media hora y en ese corto tiempo opaca carreras de años. Porque va al grano y no juega a ser punk: es punk. No juega a la música: es música imperantemente.

Diez a Uno los invita a conocerlos de la única manera en que puede escucharse a Candymx: con el volumen al máximo, rompiéndoles sus mexicanos tímpanos.

Candymx, Stranger
Diablito Records, 2009

Candymx se presenta este martes 28 de julio en el Salón PataNegra.
Las puertas abren a las 21:00 horas y la entrada es gratis.

DFA PARTY Viernes 24 de julio Covadonga

2009-07-21T16:37:00.000-05:00

Si te gusta LCD Soundsystem, The Rapture, The Juan Maclean ve a COVADONGA este

Viernes 24 de julio, Puebla 121, Col Roma.

DFA PARTY

KIM ANN FOXMANN
(HERCULES & LOVE AFFAIR / DJ SET)
+
TIM SWEENEY
(DFA / BEATS IN SPACE/LIVE)

TRAGOS GRATIS 9 a 1 AM para que "te prendas machín"

¿Quién es M. Ward?

2009-07-05T17:58:00.003-05:00

M. Ward es el nombre de batalla de Matthew Stephen Ward, un joven músico originario de Portland que ha cautivado al mundo con 6 discos de estudio y una docena de colaboraciones dignas de aplausos.

Educado en la vena de los grandes crooners como Dylan o Waits, de la música clásica a través de la influencia de su madre, y del jazz (como puede apreciarse en sus colaboraciones con Norah Jones y sus rendiciones de la música de John Fahey), M. Ward inició oficialmente su carrera a mediados de los noventa como miembro de la banda de folk Rodriguez. No, no esos Rodriguez.

Poco después se separó de la banda para presentar su primer disco solista, Duet for Guitars No. 2 (1999), apadrinado por Howe Gelb, notorio personaje del mundo del garage rock y responsable de bandas como Giant Sand, Calexico, y el estupendo proyecto subterráneo OP-8 junto con Lisa Germano.

Después de otros tres discos menos publicitados -mas no por ello de menor calidad-, End of Amnesia (2001), Transfiguration of Vincent (2003) y Transistor Radio (2005), M. Ward regresó a las primeras planas con su enorme Post War en el 2006. Este trabajo ha sido nombrado como uno de los mejores de esta década, y no gratuitamente. Con este disco, Ward quería rescatar el sentimiento original de los discos de protesta y melancolía que caracterizaran a personalidades como Robert Johnson o Woody Guthrie, tocando sobre el tema de los Estados Unidos post-9/11 y guerra de Irak. El resultado es abrumador, uno de los discos más oscuros sobre este gran hiato de la historia moderna, visto desde la perspectiva de un hombre vapuleado por el papel de su patria en la destrucción de la paz global.

En este disco colaboraron Jim James, de My Morning Jacket, y Neko Case, que se sumaban a una ya impresionante lista de almas afines a Ward. En este corto periodo de aproximadamente 10 años, Matthew ya había colaborado con Cat Power en su épico documental Speaking for Trees, con Beth Orton en Comfort of Strangers, con Jenny Lewis como productor de su debut solista, y con Bright Eyes en varios proyectos.

Pero tal vez la colaboración más exitosa de M. Ward hasta ahora sea el dueto con la actriz Zooey Deschanel, de nombre She & Him. Juntos han lanzado un disco titulado Volume One, un acoplado de covers y canciones escritas por Deschanel, donde Ward aporta su sensibilidad folk junto con un impresionante trabajo de producción que exalta la voz de Deschanel, levantándola por encima de otras actrices vueltas cantantes como Scarlett Johanson. Este proyecto ha sido considerado como parte de un movimiento llamado el Omaha Sound, responsable en parte del resurgimiento del folk y el apoyo a pequeñas pero brillantes bandas como Azure Ray.

Es de notarse igualmente que todos los discos de M. Ward han aparecido bajo el auspicio del legendario sello Merge Records, hogar de otros artistas como Neutral Milk Hotel, Destroyer, Dinosaur Jr., Lambchop, Robert Pollard y Spoon.

Toda esta plétora de colaboradores y referencias no hace sino pintar un panorama indirecto de M. Ward como artista individual, y al mismo tiempo como un hombre interesado en el desarrollo de las artes musicales de su país. Para conocer su sensibilidad y talento, es esencial escuchar sus discos solistas, sobretodo el ya nombrado Post-War y End of Amnesia, brillantes trabajos anacrónicos en un tiempo de banalidades fugaces.

Este próximo 13 de julio, tendremos la oportunidad de conocer un poco más de este estupendo artista con la presentación de su nuevo material, Hold Time, que al menos en las publicaciones especializadas ya comienza a tener un gran recibimiento. Chequen más detalles en el banner a su derecha, y no esperen para escuchar algo de M. Ward, uno de los compositores y productores más cautivadores del nuevo siglo.

Por lo pronto, Arts & Crafts México nos ha proporcionado el primer sencillo de Hold Time para que los asiduos, agradecidos y excelsos lectores de Diez a Uno lo descarguen legal y gratuitamente por esta semana. Enjoy.

M. Ward - To Save Me
Hold Time, Merge Records, 2009.

10:1 recomienda:

2009-07-02T13:30:00.008-05:00

La fiesta de lanzamiento de Hold Time, el nuevo disco de M. Ward.

Los muchachos de A&C México se van a discutir el mezcal y la cerveza, pero solo les tocará a los primeros cien que lleguen. Toda la información en el sitio de Arts&Crafts.

5 chiquitas

2009-05-22T11:32:00.000-05:00

Nabokov, Lewis Carroll, Woody Allen, Britney Spears, Alizée y Ernesto Laguardia... todos ellos personajes distinguidísimos que sabían o saben del gran poder de una muchachita a punto de convertirse en Mujerrrr.

5 inmorales CANCIONES para las Lolitas más bonitas.

1. Little Girls - Oingo Boingo
2. La Chica Banda - Café Tacvba
3. Young Girls - Sparks
4. Teenage Lust - The Jesus & Mary Chain
5. Girl, You'll be a Woman Soon - Urge Overkill

Escúchenlo directo aquí:

O visiten la página de Podomatic para más episodios.

Miroir Noir

2009-05-03T21:46:00.003-05:00

por Emmanuel

Cuando Alicia sigue al conejo blanco por un túnel ("I'll dig a tunnel, from my window to yours"), descubre un mundo de ensueño lleno de cosas sorprendentes y a veces aterradoras. Años después, Alicia tiene otra aventura fantástica, ahora pasando a través de un espejo y conociendo la imagen oscura, chueca, del mundo de las maravillas.

Experiencias similares han vivido los canadienses Arcade Fire con sus dos LP’s, Funeral y Neon Bible. Si el debut fue sorprendente, el sucesor fue una versión apocalíptica de la banda que apenas comenzábamos a conocer. Coincidentemente, ninguna de las dos aventuras fue tan bien recibida como la primera.

Sin embargo, es hasta hoy que Arcade Fire lanza el DVD que acompaña a Neon Bible, llamado Miroir Noir. Aquí comienza en realidad el viaje a través del espejo.

En este DVD podemos encontrar todos los materiales visuales que Arcade Fire creara durante su más reciente gira: conciertos en vivo, materiales promocionales para el disco, dos mini conciertos para la Blogotheque e imágenes de los días de grabación del disco. Todos hilados vagamente por las llamadas que llegaron a una hotline que la banda había abierto bajo el concepto del álbum.

Miroir Noir es un testamento abstracto del momento actual de la banda y es un mapa para escuchar correctamente Neon Bible. En sus momentos más personales, podemos ver a Win Butler solitario y abrumado, componiendo las canciones que terminarían en el disco. Por el otro lado, vemos a Régine Chassagne conduciendo la empresa como una administradora from hell y al resto de la banda volviéndose loco en conciertos masivos.

A través de todo este material es palpable el vértigo de la velocidad con la que Arcade Fire estaba moviéndose después del éxito de Funeral, y evidente la presión sobre Butler y sobre la banda para capitalizar ese momento, to keep the car running…

Pero a través del espejo, lo que termina uno viendo es el mundo maravilloso y auténtico de una banda explotando como supernova al mundo. Conciertos que enchinan la piel, momentos tan íntimos que lastiman y la música brilla como oro viéndola materializarse.

Es cierto que Neon Bible es exageradamente racional, como los juegos de ajedrez a través del espejo y no genialmente ridículo como el primer viaje de Alicia; pero después de ver Miroir Noir, el espectador no puede sino rendirse al trabajo de una banda honesta, que se esfuerza hasta el agotamiento para brindarnos 45 minutos de belleza. Esencial para los admiradores de la banda e imperdible para los detractores de Neon Bible (me incluyo como new-born fan).

Totalmente recomendable en versión súper de lujo, con pastas duras, un dvd extra con presentaciones de TV y las descargas digitales en alta y baja resolución incluidas.

Miroir Noir

5 para la tensión

2009-04-27T00:18:00.001-05:00

¿Alguna vez ha sentido un nudo en la garganta inexplicable? ¿Alguna vez ha temido por su vida? ¿Alguna vez ha sentido que microbios y virus invaden y se comen su cuerpo por dentro? ¿Alguna vez se ha sentido abandonado, y pensado que morirá solo y olvidado? ¿Alguna vez ha temido perder el amor verdadero? ¿Alguna vez ha sentido temor por la ira de Dios?

¡No se preocupe, llegó la solución a sus problemas de tensión!

5 infecciosas CANCIONES para olvidar un poco la angustia existencial y las malas noticias...

1. The Fear - Pulp
2. Fragile Tension - Depeche Mode
3. Jigsaw Falling Into Place - Radiohead
4. Quiet Times - Dido
5. Intervention - Arcade Fire

Escúchenlo directo aquí:

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Metric: Fantasies.

2009-04-09T01:30:00.001-05:00

Por Cristina

Dos canadienses, dos estadounidenses, tres chicos, una chica, cuatro discos, colaboraciones, proyectos independientes, giras, conciertos, festivales, relaciones, avionazos, nuevos milenios, nuevas administraciones, nuevos ciclos, nuevas crisis existenciales y todo lo que pueda caber en diez años de trayectoria.

Cuatro años bastaron para que Emily (voz, synth), Jimmy (guitarra), Joules (key, drums) y Josh (bajo) se hartaran de la monotonía, dejaran de operar, de maquinar y optaran por sentir, por ser; back to the basics, el retorno a la simplicidad, a la realidad. Fantasies es el título de su más reciente material: demasiado nena, demasiado rosa, pensé en un primer momento. Por suerte, un fragmento con minientrevista calló mi infundado prejuicio; podía confiar en Metric, las cosas iban por buen camino. Parte del documental The Rawside of…, el video revelado, mostraba a una Emily tan harta del sinsentido del que ahora era protagonista, que había optado por detenerse a respirar, por encontrarse a sí misma… aunque esto implicara el autoexilio a Buenos Aires, aislada de lo que le hastiaba, de la superficialidad, la redundancia, la vida de rockstar, la pérdida de significado de la vida y el mundo.

Primero en Bear Creek, después al estudio en Toronto. En algún inter, Emily viaja a Buenos Aires, luego de regreso a Electric Lady en Nueva York , la ciudad donde todo empezó: dos canadienses (Jimmy y Emily) conocieron a dos estadounidenses (Joules y Josh), la influencia electrónica de los primeros se fusionó con el estilo más orgánico de los segundos.

Se propusieron componer canciones que pudieran interpretar con voz y guitarra, que sonaran bien desde el principio, antes de someterse a la producción y los arreglos. Lo anterior es evidente en la personalísima y sincera versión acústica de Help I'm Alive: "I tremble / they're gonna eat me alive / if I stumble, they’re gonna eat me alive". Pero la versión industrial synthetosa del álbum es más desafiante: "Hard to be soft /tough to be tender", exclama pegajosamente: "Help, I'm alive, my heart keeps beating like a hammer". Riffs y synths dominan la aceleradísima (Money is a) Sick Muse, a mover los pies: "Everybody, everybody just wanna fall in love / everybody, everybody just wanna play the lead". La infecciosa Satellite Mind (favorita de Emily) previo al descanso con la esperanzadora y cruda Twilight Galaxy -con todo y doble vocal-, va de menos a más: "There's no glitter in the gutter / there's no twilight galaxy". El segundo arranque viene con la insatisfacción y materialismo de Gold Gun Girls: "Is it ever gonna be enough?". "More and more, more and more, more and more, more and more...". La poperona Gimme Sympathy (Gimme Shelter + Sympathy for the Devil) exclama a modo de dilema: we're in the prime of our youth... "Who'd you rather be / The Beatles or The Rolling Stones? / oh seriously / you're gonna make mistakes you're young". La melosa Collect Call con el murmullo de Emily es el segundo descanso… distorsiones, synths y hint a Garbage desde Front Row: "Burned out stars they shine so bright / all of us…". Alcanzan el punto más alto en el minuto dos de Blindness "You gave me a life I never chose / I wanna leave but the world won't let me go". Cierre épico con la Karen O’esca confrontadora y rockera Stadium Love "Spider versus bat / tiger versus rat / owl versus dove…. no one's getting out….without stadium love".

Metric no se anda con rodeos, Fantasies repite la fórmula up beat dance electro rock repleta de melodías bailables y gritables. Además, varían (e incluso a ratos sacrifican) percusiones, synths, riffs y bajos por mejor dicción; pues proponen la armonía vocal como punto de partida. Sorprende que la mayoría de los tracks destacan por sí mismos, muestran madera suficiente y no es descabellado imaginarlos sonando en la radio como sencillos. El cuarteto con sede original en NY dice y demuestra que el concepto de esta, su cuarta entrega, es opuesto al de materiales anteriores. Anteriormente se empapaban de lo que ocurría en su entorno, narrar y criticar la realidad era su prioridad; pero con Fantasies optan por algo distinto, se muestran más maduros e introspectivos. A pesar de la experimentación, su característico y pegajoso electro rock pop sigue ahí.

Declarados partidarios del cada vez más inexistente álbum musical, Fantasies refleja su preocupación por mostrar congruencia durante todo el disco, por integrar y situar meticulosamente el principio y el final. El orden de los 10 tracks no es accidental, refleja la intensidad y temperamento característicos de la banda. ¿Cómo olvidar la actitud rocker del viernes 25 de abril del 2008… Los pasitos, brincoteos, gritos y hasta el ventilador de fondo? ¿El repentino cierre que nos dejó con ganas de más? Quien los haya visto en vivo difícilmente puede refutar que en el escenario Emily y compañía derrochan tanta energía que la contagian a los presentes. Cambian máscaras y juegan decentemente entre electro, pop, dance, rock y hasta acústico.

Aunque Metric lo proclame como su más grandioso trabajo a la fecha, es prematuro darles la razón. Producido por Jimmy Shaw y Gavin Draw, mezclado por John O'Mahony, Fantasies es buena tarjeta de presentación para quienes no estén familiarizados con la banda. Pinta como su disco más accesible, el más parejo, el más cohesivo, el más poperón y en donde más obvio es su coqueteo con lo mainstream… Nada de lo anterior está mal, al contrario, es un gran primer paso en la búsqueda de sí mismos: 10 años y 4 discos se resumen concisamente en 10 tracks y 42 minutos. Después de 4 años de probar el concepto -corrigiendo y puliendo Twilight Galaxy y Gimme Sympathy-, la versión final ofrece un mensaje esperanzador. En contraste con la melancolía, crudeza y cinismo predominantes en Grow Up and Blow Away, Old World Underground, Where Are You Now? y Live It Out; ahora dicen: manda al carajo lo que estorbe, lo que te impida ser… Sé tú mismo, sé genuino. Es válido delirar e imaginar lo que te venga en gana, viva la autenticidad, contempla todo tipo de fantasías y sueños: abstractos, surreales, irreales, tangibles, perfectos, imperfectos...

Tracklist :
1. Help, I’m Alive
2. Sick Muse
3. Satellite Mind
4. Twilight Galaxy
5. Gold Guns Girls
6. Gimme Sympathy
7. Collect Call
8. Front Row
9. Blindness
10. Stadium Love

Sin disquera oficial, Metric se las ingenió para ofrecer de una manera más directa Fantasies, tras asociarse con Last Gang Records en Canadá, Independent en Estados Unidos y Arts & Crafts en México (por la cual se podrá conseguir a partir del 30 de abril). Asimismo se preocupan por sus fans y ofrecen en su sitio oficial varios kits para todos los bolsillos. Ya que hoy el lanzamiento oficial (después de tener que adelantar la fecha por el leak), les insto a escuchar el álbum.

Stream de Fantasies

Help I'm Alive acústica

Gimme Sympathy. Video official:

Sitios relacionados:

Arts&Crafts Records México
www.arts-crafts.com.mx
http://myspace.com/artsandcraftsmexico

Metric Oficial:
www.ilovemetric.com
http://myspace.com/metricband

DiezAuno recomienda

2009-04-08T22:26:00.000-05:00

5 canciones

2009-03-31T19:39:00.000-06:00

Por la electricidad de una conversación espontánea, el tremor de un beso sin nombre y las explosiones estelares del sexo arrebatado.

5 canciones a los encuentros fortuitos y sin compromiso. Porque encontrarse es la única razón para amarse...

1. Homecoming - The Teenagers
2. Young Love - Mystery Jets
3. Another Night Another Love - Jay Jay Johanson
4. The Lady With the Braid - Dory Previn
5. Know How - Kings of Convenience

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Asian Dub Foundation

2009-03-29T23:40:00.002-06:00

Teatro Metropólitan, jueves 26 de marzo.

De las calles grises y sucias de los ghettos londinenses hasta las calles grises y sucias del ghetto que es México entero, Asian Dub Foundation han andado un largo trecho con la frente en alto.

Desde su debut en 1995, producto de un taller comunitario de tecnologías musicales, han demostrado ser una de las bandas más relevantes del Reino Unido, por sus tremendos beats de drum n’ bass y por el fuerte contenido social de sus letras.

Este jueves pasado , Asian Dub Foundation corroboró las promesas de estudio, entregándose en un concierto audaz y poderoso que hizo bailar al público –que no logró llenar, desgraciadamente, el recinto.

Como en buen show de hip hop, los dos MC’s Aktarv8r y Al Rumjen llevaron la batuta, incitando a todos a bailar, corear y brincar, mientras el resto de la banda casi los engullía con sus guitarras flangeadas, el bajo pulsante y las percusiones al más puro estilo coyoacán-on-crack.

Aunque el Metropolitan podía parecer un escenario frío para este evento, la banda, muy ad-hoc, se apoderó de la primera fila para armar un buen mosh pit frente a la banda y abarrotó los pasillos, y bien hicieron los elementos de seguridad en permitirlo: no la armes de pedo con el ASD.

Nadie pudo resistirse a la potencia de estos mestizos ingleses/arabes/hindúes, disfrutando de canciones de todos sus álbumes, recordando momentos con otros integrantes de la banda como los clásicos Buzzing, New Way New Life, Take Back the Power, Oil, y SuperPower, extraída de su más reciente disco.

Aunque a mi gusto lo único que faltó fue la excelentísima Naxalites, el concierto fue redondo, en ningún momento se perdió la interacción con el público y la emoción fue in crescendo. Mi imagen más atesorada: un niño como de ocho años bailaba prendidísimo levantando las manos en el aire y detrás de él, una chava fresita contoneaba las caderas y agitaba su cabellera entradísima en la rola, de ojos cerrados y gran sonrisa.

Política vuelta fiesta, profundos beats y extrema diversión. Asian Dub Foundation rifaron como nadie y dijeron sólo un hasta luego, para presentarse este domingo en el Zócalo de la ciudad de México.

¡Qué comience la revolución!

Más sobre El Guincho

2009-03-25T10:58:00.005-06:00

Por Sofía y un colaborador anónimo

En la entrada anterior algunos comentaron sobre la presentación que El Guincho debió haber tenido en la Tirana. Como muchos saben y algunos de ustedes lo vivieron, hubo un problema durante esta fiesta y se armó un desmadre. En Panamerika se puede leer al respecto. Ya va siendo costumbre que nadie se hace responsable y, por supuesto, mucho menos regresa un centavo de las entradas. Lo cierto es que yo no fui, pero creo que es pertinente publicar este mail de alguien que sí estuvo ahí.

Hola, yo asistí el viernes pasado a La Tirana a ver a El Guincho. Llegué como a eso de las 10 de la noche, había muy muy poca gente, creo que a lo mucho éramos 50 personas. Por lo mismo, los promotores, que según el flyer se llaman “MODS” (de los cuales no he encontrado nada en Internet), atrasaron las presentaciones de las bandas abridoras que después me enteré que eran Bill y Playmovil Project.

El evento estaba bien, un buen escenario, el chupe estaba relativamente barato y las bandas sonaban decente para ser una bodega en medio de la colonia Juárez. A eso de la 1:30 todo se perfilaba para que tocara El Guincho. Ya había como unas 350 personas, de las cuales yo creo que solo 30 habíamos ido por El Guincho, por lo demás se veía una fiesta muy fresona. Pasaron 5, 10, 15, 45 minutos y El Guincho no tocaba y se veía mucha gente en el escenario moviendo cosas. En eso inesperadamente comenzaron a quitar los instrumentos de El Guincho!! En chinga se puso a tocar el tal Pato Watson, sin dar una explicación. En ese momento supe que todo había valido madres y me dirigí a la entrada a reclamar con justa razón mi reembolso y saber qué había pasado.

También en la entrada estaban otras 15 personas aproximadamente viendo qué onda con su reembolso, cuando llegó de la manera más prepotente el que supongo era el promotor a decirnos que nos nos iba a regresar nada, ya que habíamos estado en la fiesta viendo a las otras bandas y consumiendo, (lo cual me parece una reverenda estupidez). Pude reconocer que este sujeto era el bajista de la dichosa banda Bill. Literalmente nos mandó a la verga y nos echó a la seguridad del lugar, quienes nos empujaron. Pude ver cuando le pegaron con un radio en la frente a una de las personas que también estaba reclamando. Total que nos sacaron a empujones y cerraron la cortina. Yo me largué a mi casa porque no iba arriesgar mi integridad tratando de dialogar con gente sin mucho cerebro.

El Guincho publicó un blog en su Myspace respecto al asunto. La neta sigo sin entender qué es lo que pasó, supuestamente fue una cuestión con la consola: pero ni el mismo Guincho ha explicado qué onda, pero menciona que mandará un comunicado. Al menos sabemos que le está dando seguimiento a esto, de hecho dice que nos va informar dónde podremos recoger nuestro reembolso.

Si alguien fue a este evento y tiene algo que comentar o aportar, El Guincho puso a disposición su correo electrónico, pablo@discosoceano.com.

Si conocen el nombre del bajista de la banda Bill, o dónde puede ser localizado, por favor, hágannoslo saber. Por ahora, solo tenemos este myspace.

Peter Murphy

2009-03-25T08:06:00.005-06:00

Circo Volador / 17-Feb-09

Por Elsa

Foto de Ingrid Dreissig, quien vino desde Venezuela!
Cuando llegué, justo a las 7:30 –hora que indicaba el boleto- todavía no se había llenado el lugar, así que se podía deducir que sólo era una manera de decir indirectamente que a esa hora sería ideal que ya fueran llegando todos. El circo volador tenía un público bastante ecléctico, desde darketos esforzados en su vestiementa (vestidos de terciopelo con un calor endemoniado), viejos con camisas de Bauhaus, algunas mohicanas, pupilentes con ojos de gato y uno que otro que llevaba el oficinista look (incluyéndome, porque ese día me tocó dar una exposición y pues qué querías).

Todos esperábamos, un poco impacientes, el comienzo del concierto. De fondo: el soundtrack de La Doble Vida de Verónica (a cargo de Zbigniew Preisner), es decir, que hasta eso el ambiente no estaba tan pesado. Lo bueno de los darketos es que moverse de un lado al otro disfrutan el concierto. Lo sé porque yo fui cuasi darketa, pero eso no es de vuestra incumbencia, porque ustedes quieren saber de música (además, como si nunca hubieran estadoconfundidos!).

A las 8:30 se apagaron las luces y fue cuando comenzó el concierto, con Burning From The inside. Poderoso comienzo, por supuesto, todos sintieron la emoción. Si he de hablar con la verdad, Peter Murphy es grande. Podría decir, con un poco de miedo –siempre es bueno titubear en estas afirmaciones- que Bauhaus marcó gran parte de mi adolescencia; siempre se me hizo un grupo muy extraordinario, además de que siempre he admirado a la gente que dedica totalmente su vida a la música, sin la necesidad de farolear. Y evidentemente con ese esfuerzo, esa entrega, me refiero a todos los integrantes.

Se podría debatir que por mi edad (21 años [ay]), el poder juzgarlos o algo así es metafísicamente imposible (sí, me dijeron ese término); pero la gente piensa que lo que vives en tu 'zeitgeist' (tristísimo) es lo único a lo que tienes derecho de hablar. Lo digo porque ya lo he discutido y creo que eso es profundamente incorrecto, porque en ese caso no se podría hablar ni de literatura ni de historia en sí.

Pero bueno, decía, Peter Murphy lo dio todo, con el glamour y la dedicación que todos esperábamos. Cantó también cosas del Go Away White –último disco de Bauhaus-, Adrenalin fue mi sensación, porque es mi canción favorita de ese disco. Me causa tristeza haber escuchado tanto de bauhaus, como que de cierta manera me hizo darme cuenta de que no volverán o algo. Espero estar completamente equivocada, pero en las cosas malas comúnnmente se acierta.

Bueno, tuvimos covers, entre ellos Hurt de Nine Inche Nails, que también fue in-creíble (en su significado literal de no poder creer que lo estás viendo), porque se subió a uno de los soportes del escenario y cantó desde ahí. Yo no me la creía, como buena fatalista imaginaba lo peor y no, cómo quieres. Pero todo salió bien y a todos nos llegó la canción. Hubo tres encores, a los cuales salió con diferentes vestimentas (o accesorios, pues, si así lo quieres ver).

Bastante bueno el concierto, me hizo amar todavía más este tipo de música. Me encanta evocar ese sentimiento que no sé cómo denominar, pero se manifiesta cuando algo te conmueve, como cuando escuchas por primera vez el disco del que, desde ese momento, sería tu grupo favorito, pero todavía no lo sabes con certeza. That’s what is fucking music about!

El Guincho

2009-03-19T21:42:00.001-06:00

Y siempre sí

2009-03-18T07:51:00.005-06:00

Por Berenice Andrade

Tal vez ya ni venga al caso tanto recuerdo. A fin de cuentas Radiohead ya dejaron de ser un mito: vinieron y hasta tocaron Creep ante el pasmo de los fans que sabían bien que era incluso políticamente incorrecto sugerirla. Pero como las anécdotas memorables siempre son bienvenidas, acá les dejo un préstamo de cierto medio de circulación nacional, enriquecido con harta cita textual, sobre aquella primera visita de Radiohead a México.

Todo el año pasado estuvo retacado de rumores y rezos. Desde que Radiohead anunció que, como parte de la promoción de su disco In Rainbows (2007), volvería a los escenarios después de dos años de huirles, y que este regreso sería en grande con un tour mundial que tal vez incluiría Latinoamérica, los fans mexicanos comenzaron a hacer changuitos. Ed O'Brien dejaba entrever en una entrevista con el sitio Citizen Insane, que México sí estaba entre sus planes además de Chile, Argentina y Brasil. Los escépticos tomaron la noticia como una cruel rumor, y es que, después de aquella primera mítica gira de Radiohead en México en octubre de 1994, desconocida para muchos, leyenda urbana para otros, era imposible que el quinteto de Oxford quisiera regresar al País.

"¿Quieren saber por qué no vienen a México? No van a regresar, más bien", decía El Sopitas en un podcast antes de contar brevemente trágicas anécdotas de aquella visita en la que Thom Yorke, Jonny y Colin Greenwood, Ed O' Brien y Phil Selway aparentemente no la pasaron muy bien.

Pero a 14 años de aquella minigira, los de Radiohead decidieron que ya era tiempo de darle otra oportunidad al País, a sus promotores y a su público. Están lejos de ser aquella bandita que vino a promocionar el EP My Iron Lung y que tocó con lastimeros recursos técnicos... Entre otros no tan buenos detallitos.

Pura mala suerte

"La verdad es que no les puse gran atención porque nada más era famosa la de Creep, iban llegando y esos chavos qué... Otro grupo que traía la disquera a promocionar", cuenta entre risas el músico y DJ Uili Damage, actualmente bajista de Flanger Garden; en ese entonces locutor de Rock 101, miembro de Los Esquizitos, y testigo del raro toquín de Radiohead en La Diabla del DF. Como él, muchos de los asistentes a los pequeños clubs donde la banda ofreció conciertos en la Ciudad, Hidalgo, Estado de México, Guadalajara y Guanajuato (en pleno Cervantino), se perdieron de la historia porque pocos los tomaron en serio.

Tenía un año que la joven banda británica había lanzado su primer disco y los perseguía la amenaza de convertirse en un one hit wonder, gracias al éxito incontenible de Creep, su primer sencillo, cuando llegaron a México gracias a EMI Music y la promotora Iguana Internacional.

"Thom (Yorke) no se explicaba por qué una canción de perdedores era tan famosa. Estaba harto de tanto Creep y Creep", dice Benjamín Rodríguez, en ese entonces miembro de Iguana Internacional y anfitrión de la banda, ahora director de la agencia de booking y management Kaiman. Pero el que el público mexicano pidiera sólo Creep fue lo de menos, según cuenta Camilo Lara, ahora presidente de EMI México y en el 94 tour manager de la disquera; todo lo que pudo salir mal salió mal: "Nos asaltaron en un Oxxo. Íbamos con Jhonny, y cosa que nunca me había pasado: un tipo con un machete nos quitó una grabadora, con la que yo estaba haciendo grabaciones. Luego otra historia tremenda: el avión hacia Guadalajara se precipitó, se habrá caído unos 100 metros y hasta salieron esas máscaras para respirar, fue un desastre. Nos quedamos sin frenos en Guadalajara. Íbamos en la camioneta; todo mundo se iba riendo, Thom estaba de buenas después de mucho tiempo, y de repente el chofer gritó: "¡Nos quedamos sin frenos! Y ellos evidentemente no entendían español. Los demás no pusimos a gritar y ellos seguían riendose hasta que casi chocamos con un poste. Se nos ponchó una llanta y la tuvimos que cambiar. En el show de Guadalajara fue muy energético, pero muy rudo. Fue una visita memorable, muy impresionante; pero sí, muy dolorosa y se han de haber llevado la imagen de que México era eso", relata Camilo.

Lugares como Trastorno, un bodegón de techos altos plagado de palomas (y su excremento), ubicado en Ojo de Agua en el Estado de México, o Roxy, un teatro viejo en Guadalajara, sirvieron de escenario para la banda que después le daría al mundo OK Computer (1997), considerado por varios de listados especializados uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. "Vivíamos en la prehistoria. Comparando la producción, lugares, equipos y gente profesional que trabajaba en esos ayeres con el día de hoy... Pues no", señala Benjamín Rodríguez. "Yo creo que la gente que fue al Bulldog nunca supo lo que estaba viendo, porque el lugar estaba demasiado de moda, repleto. Donde sí recuerdo que la gente estaba pasamada por verlos fue en La Diabla. En Guanajuato no fue tanta gente, y en Ojo de Agua fue rarísimo, porque la verdad, la gente, los locales, no tenían ni idea", agrega Benjamín entre risas.

Tanta fue la mala suerte, que a Thom Yorke hasta le tocó ver cómo una stripper de un lugar de la Zona Rosa bailaba como número estelar Creep. Y al parecer no se sintió muy halagado. "Me acuerdo que tuvimos un día libre y fuimos a un table en la Zona Rosa. Estábamos bien felices ahí sentados, y en eso sale la campeona de la noche, la reina maga, y que ponen Creep y que se acaba la fiesta: Se paró, pateó la silla y se salió. Y me tuve que salir atrás de él. Su hotel también estaba en la Zona Rosa, el Hotel Royal o algo así", cuenta Benjamín.

Después de recorrer otros lugares como el viejo Bulldog (donde se cuenta, nadie los peló), y de hablar sobre la posibilidad de desintegrarse en una junta álgida en Guanajuato, Radiohead se fue de México, se metió al estudio, lanzó The Bends (1995) y se quitó el estigma de bandita de un solo éxito. "En Guanjuato tuvieron una junta muy seria, que después se supo en entrevistas. En esa junta hablaron sobre si querían seguir como grupo o no. Fue una junta importantísima en la carrera de esos güeyes porque por poco y se deshacen. En ese momento se estaban replanteando, como los grupos que están mucho de gira y que el éxito les pega, su futuro, y era impresionante cómo estaban tocando en Guanjuato y estaban en la portada de NME y de la Q", dice Camilo.

Con la evolución musical llegaron discos emblemáticos como OK Computer y Kid A (2000), todos éxitos comerciales a pesar de su complejidad sonora y clavadez lírica. Los que empezaron como una bandita vista como "outsiders" del britpop o los Nirvana británicos, se convirtieron en una de las bandas más propositivas y arriesgadas musicalmente según los críticos. Ahora, la más importante. "No podíamos saber que Radiohead se convertiría en lo que hoy conocemos, pero sí que era algo que debías de seguir. Es uno de los grupos que más ha empujado la barrera de los estereotipos de la música contemporánea, además de tener brillantes compositores", concluye Camilo Lara.

5 entre semana

2009-03-15T12:42:00.000-06:00

Te levantas el lunes de mala gana; los martes cortas con mezcales la semana; los miércoles esperas aguantar en el cine sin dormirte; los jueves estás a punto de renunciar y cada viernes te enamoras de alguien nuevo en un bar.

Para aguantar la rutina, ahi van 5 Canciones para los 5 días de la semana en que mueres por un sábado.

1. Tell Me Why (I Don't Like Mondays) - The Boomtown Rats
2. On a Tuesday - Linoleum
3. Wednesday - Tori Amos
4. Thursday - Asobi Seksu
5. Friday (I'm in Love) - The Cure

Escúchenlo directo aquí:

O visiten la página de Podomatic para más episodios.

Clinic en el Indie-O Fest 4/03/09

2009-03-11T14:54:00.005-06:00

Por Emmanuel
Imágenes de Rodrigo Jardón.

Estaba yo sintiéndome medio enfermo el jueves por la tarde. Chingos de trabajo, desvelado y abrumado.

Afortunadamente, esa noche me recetaría una buena dosis de rock en el Lunario del Auditorio Nacional, donde se presentaron Nos Llamamos, The Helio Sequence y Clinic.

Creo que los de Nos Llamamos también se sentían un poco mal, porque arriba del escenario parecía como que se quejaban, ellos y sus instrumentos. Es valiente y loable hacer una banda como ésa en México, donde si no te llamas Luis y te apellidas Miguel, estás jodido. Lamentablemente, el sonido no fue el mejor y esta presentación fue más dolorosa que disfrutable.

Para curar el susto, rápidamente subió The Helio Sequence, duo dinámico que a base de secuencias, una batería y una guitarra, sonaron como si fueran un ejercito de rockeros en speed. ¿Cómo puede una banda tan minimal hacer tanto ruido y sonar tan bien? En sus discos, Helio Sequence es más bien recatado, de melodías penetrantes pero siempre contenidas. En vivo resultan ser todo lo opuesto. Las expresiones de Benjamín Keibel (baterista) tenían a todo mundo sintiendo una euforia difícil de explicar pero muy agradable. Por 45 minutos aproximadamente, nos hicieron sentir un poco mejor.

Sin embargo, la recuperación total se dio con la banda principal. Clinic ha sido por años una de mis bandas satélites favoritas. Déjenme explicar. Hay bandas que escucho todo el tiempo, diariamente incluso. Clinic no es una de ellas, sus discos me ponen en un estado mental bastante ansioso y agitado. Por eso, los escucho poco pero con mucha atención, sé que en su mezcla extraña de country, jazz y punk hay verdadera genialidad.

Justo lo que necesitaba para mis síntomas oficinistas. En cuanto comenzaron a tocar, sentí una energía desbordada por todo el cuerpo. A mi alrededor, comencé a ver cabezas agitándose al ritmo de las percusiones y los teclados. Mi propio cuello comenzó a moverse al mismo tiempo. Los sonidos que alcanzaban el micrófono a través del tapabocas de Ade Blackburn eran más gruñidos que palabras. Poco importaba. El ambiente se había tornado salvaje. Los pies se movían cada vez más rápido, el lugar se calentaba, los cabellos de las mujeres se contoneaban cada vez con más fuerza. Las sonrisas desfiguradas se hacían más frecuentes. Por un momento, era yo libre y sin preocupaciones. Clinic me había inyectado un opiáceo musical directo al cerebro.

Ahora, Clinic ya no es una banda satélite. Lleva en repeat varios días seguidos y se me eriza el pelo de la nuca cada que recuerdo esa sensación de libertad que viví en el Lunario por una hora y media. Me he vuelto un adicto a esta medicina vital. Malditas drogas, cómo las adoro.

Perro, Gato y Ardilla

2009-03-11T03:49:00.000-06:00

Perro, Gato y Ardilla

Cut Copy y Yo

2009-03-09T13:14:00.000-06:00

3 – Mar- 09

Por Elsa

Foto por Krudo. Es del MxBeat, lo sé.
Pero es que le quedó tan bonita.

Cut Copy es uno de esos grupos que me ha llegado a gustar de una manera que, podría decirse, cae en la empatía. El uso correcto de sonidos, tonalidades, el manejo del volumen (que creo que es importante en la música electrónica ([en este caso, “electropop”], al igual que los tiempos y los sonidos a utilizar [para que no se oiga pues… “mal”, depende lo que quieras hacer, pues, no estoy dictaminando nada),logran una buena combinación, bastante amena. Las personas que me han dicho que la música electrónica es “cualquier cosa” (como infravalorando), tal vez lo dicen porque es efecto de una máquina, lo digital, etc. (en serio, jamás me ha quedado claro ese término de "música inerte", pero tampoco es que muera por saberlo), pero creo que es más bien un error de conocimiento sobre lo que se utiliza y cómo es desarrollado (así, no creo que lo que haga Daedelus sea algo poco inteligente [sabiendo además la mágica máquina que usa. Mi poco reino por una de esas cosas y el manual de uso, claro] y bueno, con esto parto de que, no porque sea digital o maquinal, es malo o "inerte" [sin importar lo que eso signifique]). Pero bueno, eso es otro tema.

Decía, Cut Copy se entregó muy bien, o dicho de un modo más propio, 'plenamente' a su público y éste le respondió de la misma manera. No tuve oportunidad de ir a verlos al MxBeat (mmm no me motivaba realmente) y cuando vinieron al Root’s Magic Club se dice que todo estuvo muy bien. En este concierto no fue la excepción, pero creo que lo que faltó, que es algo que, me extraña, se está marcando en todos los conciertos a los que he asistido (como The Jesus And Mary Chain, Beirut), es el tiempo. Empezó aproximadamente a las 10:15 pm y terminó a las 11:20 pm (son aproximaciones, pero podría jurar que de una hora con veinte minutos, no pasó). Si somos ñoños y sumamos el tiempo de duración de los discos Bright Like Neon Love (2004) y también In Ghost Colours (2008), mínimo hubieran sido 90 minutos, más sonidos varios, claro (¡Y yo hubiera tenido oportunidad de conocer más de su trabajo!). Sí, bueno, se compensa con lo bueno e intenso (¿La gente sí dice intenso?) del concierto, pero es natural que uno se quede con un 'aftertaste' de “pudo haber sido más, si ya se habían ganado al público”. De hecho cabe mencionar que ganarse al público de esa manera sin ser un grupo “institucional” (es decir, de años, que marcaron un sector, etc.), fue una buena respuesta. Dicho sea de paso, sí se llenó el lugar (a diferencia, snif, de Nada Surf, que hasta mantitas tuvieron que poner para que no se viera tanta ausencia); por eso mismo creo que pudieron meter más canciones, alargar, no sé, vamos, disfrutar el momento, que no sólo el público es que el disfruta, ellos tienen la posibilidad de disfrutar su trabajo. Pero bueno, creo que ellos tenían ya un setlist hecho y lo tenían que respetar ante todo. Out There On The Ice es INMENSA, INMACULADA. Y, bueh, como conclusión personal, creo que Cut Copy me demuestra lo que yo siempre creí nulo: que hay cosas buenas hoy en día y que saben hacerlo bien, sólo hay que prestar más atención (su disco lights and music lo descubrí hace un mes y por error), pero que eso no conduzca a un conformismo por todo lo que se nos presente: como público, tienen que ganarnos. Maldición. Fue un gran concierto y no hay nada como tener la oportunidad de disfrutar la música sin ningún interés superfluo. Sólo escuchar.

Cut Copy - In Ghost Colours (2008)
Cut Copy - Bright Like Neon Love (2004)

No iré al Colmena 2009

2009-03-07T13:08:00.008-06:00

Por Sofía Téllez
Este texto no representa la opinión de 10:1 y sus integrantes, solamente la de la redactora.

No se me olvida lo que pasó el año pasado. El 7 de junio del 2008, cientos de personas fuimos parte de una verdadera aventura que lejos de hacernos felices nos dejó molestos y terriblemente agotados. Una larga cadena de decisiones mal tomadas y cosas mal organizadas hizo que el festival colmena 2008 fuera una verdadera tomada de pelo, una burla.

Para los que ya lo olvidaron o ni siquiera lo sabían: La empresa organizadora de este evento, 2abejas, prometió un concierto al aire libre que sería una experiencia inolvidable. Y lo fue, en muchos sentidos. Llegar al lugar en el que el festival se llevó a cabo resultó ser desastroso, no podía ser de otro modo si los conductores de los camiones (contratados por LiveTours) no tenían idea de cómo llegar al lugar ni de qué pasaría al lograrlo.

Aunque el viaje de ida fue tortuoso, todos decidimos dejar ese problema atrás al llegar al lugar que realmente era agradable. Todos queríamos ver a Sigur Rós - nadie esperaba que tocaran tan poco. Sin embargo, a nadie podía culparse de que el baterista de la banda estuviera indispuesto y no pudiera seguir tocando. Esas cosas pasan.

Ahora, la salida. La salida sí fue un infierno. Recuerdo que mientras caminaba intentando buscar algún camión que estuviera disponible, ardía en ganas de llegar a mi computadora a escribir algo que explicara todo lo que sucedió. Lástima: cuando al fin me encontré dentro de mi casa (a las cuatro y media de la mañana), estaba totalmente agotada, con las piernas y los pies deshechos y de la experiencia para hacerme feliz NI SUS LUCES.

PERO DE TODAS MANERAS, hasta ahí no hay problema. Pensé que en 2abejas serían capaces de hacerse responsables de compensar el hecho de que habían garantizado algo que no habían cumplido. Se me ocurrieron cosas como un reembolso, una nueva presentación de Sigur Rós, algún acto de responsabilidad y respeto hacia el público. Nada de eso sucedió.

No pudieron compensar a los asistentes que la pasamos de-la-verga, pero sí pueden armar un cartel increíble para este año. Simplemente traer a TV on the Radio cuesta alrededor de 60 000 dólares (y eso solamente en los honorarios de la banda, súmenle visas de trabajo, impuestos, hospedajes, traslados)... Pero no valía la pena compensar a todos los amables asistentes que de todas maneras regresarían al festival el año entrante. Para qué gastar dinero que de todas formas se recuperaría.

Ahora, a los que tuvieron la delicadeza de guardar su boleto del año pasado (no mamen), les harán un 20% de descuento en el fest de este año... No sé ustedes, pero para mí eso es una burla.

--

Pero lo cierto es que me duele mucho no ir a este festival. Me duele especialmente porque una de mis bandas favoritas de México, Suave as Hell, se presentará. No solo soy fan de la banda, los quiero y los he apoyado desde que los escuché por primera vez. Publiqué un artículo sobre ellos en una revista el año pasado, que también pueden leer en LifeBoxset en este link. Me duele también no ver a TV on the Radio, me declaro decidida fan desde hace varios años.

Sin embargo, no olvido que en 10:1 pusimos el flyer del colmena 2008 durante semanas, que llegó ese día y yo estaba totalmente entusiasmanda, que publiqué en una revista un artículo sobre Sigur Rós, el cual finalmente fue portada... Todo para que el festival fuera un veradero bodrio.

Felicidades, equipo de 2abejas, lograron hacer que al público dejara de importarle que arriesgaran su integridad, concentrando a grandes bandas en su escenario. No dudo que este año el festival vaya a llenarse de entusiastas asistentes, sedientos de buena música y nuevas experiencias. Sin embargo, ante los ojos de muchos siguen siendo la misma gente irresponsable que no dio la cara ni enmendó los graves errores que cometió.

Las quejas que mucha gente hizo (alrededor de 500 personas hasta ahora) pueden checarse en esta dirección.

Que el soplo de vida que le queda a este blog sirva para manifestar que sigo creyendo que en México ya merecemos otro tipo de eventos "independientes". Solo debemos exigirlos.

DEAR JOHN

2009-02-24T10:08:00.001-06:00

Por Emmanuel

¿Qué hay en un año? Amores y pérdidas, triunfos y fracasos, muerte y vida; sobretodo, vida.

Para Emil Svanängen, mejor conocido como Loney, Dear, transcurrieron dos años entre su disco debut, Loney, Noir, y su segundo esfuerzo llamado Dear John.

Solamente podemos conjeturar qué le habrá pasado a este sueco de voz delgada en este periodo de tiempo, con un poco de ayuda de los posts que ha escrito en su blog: dolor, duda, bloqueo creativo y finalmente, la necesidad imperante de crear música que él considere “nueva y emocionante”.

En Dear John están plasmados estos sentimientos, que hacen del disco un trabajo mucho más oscuro y profundo que su sucesor. Si acaso encontramos en algunas canciones al Loney, Dear que conocimos, dulce y enamorado, en la mayor parte descubrimos otra faceta más peligrosa, incluso autodestructiva en su confusión emocional.

Dear John no sólo cumple la promesa creativa de un disco debut sobresaliente, afianza a Svanängen como un músico comprometido con su oficio. Sus composiciones son extravagantes, por momentos difíciles de asimilar dentro de una sencilla canción de pop. Aquí se suman a la guitarra acústica los arreglos electrónicos, bandas de viento, pequeños glockenspiels de ensueño. Hay rincones sumamente lindos y otros casi aterrorizantes.

Emil Svanängen es, sin duda, un músico virtuoso. Esto puede ser una razón para desconfiar de él, pero el resultado no es el del puro ejercicio manual y mecánico; en su genialidad, ha creado un disco extremadamente emotivo y doloroso. Las sensaciones que transmite no podrían ser fingidas o afectadas. En cada segundo de esta producción se huele, se escucha, se siente y se ve la vida de una persona real sufriendo como todos nosotros.

Dear John es una carta abierta al recipiente anónimo, el John Doe que quiera escuchar y compartir un llanto desesperado, un susurro atemorizado o un grito extasiado; arte hermosísimo y nada más.

Dear John - Loney, Dear
2009

The Dears + Technicolor Fabrics en Guadalajara

2009-02-23T03:47:00.009-06:00

Set fotográfico de Rodrigo Jardón.

The Dears

Technicolor Fabrics

Arts & Crafts