Universal

Bajo el epígrafe «basadas en hechos reales» nos presenta cuatro historias que nos hablan de personajes reales y de vivencias históricas.

Historias que nos hablan de la vida del activista gay Harvey Milk, de una madre que busca a su hijo desaparecido, de la pugna entre el periodista David Frost y el presidente Richard Nixon y de la trayectoria de una leyenda del fútbol americano.

Los films en cuestión son «Mi nombre es Harvey Milk», «El Intercambio», «El Desafío: Frost-Nixon» y «The Express».

Para empezar, nos centraremos en la película de Gus Van Sant y de Clint Eastwood, ambas reseñadas previamente en este blog tras su estreno comercial.

Dirigida por Gus Van Sant, «Mi nombre es Harvey Milk» ganó dos Oscars, mejor actor para Sean Penn y mejor guión original. Es un biopic que recorre la trayectoria del primer político americano que salió del armario públicamente y que fue asesinado por otro concejal homófobo y celoso. La película es importante y significativa. Aunque no sea excesivamente original teniendo en cuenta lo experimental que es su director, es un estupendo film que habla de los derechos de un colectivo importantísimo en nuestra sociedad. Precisamente estos días se están celebrando los actos del orgullo gay 2009.

Destaca, evidentemente, la actuación de Sean Penn y brilla en la ordenada exposición de los hechos, sin efectismos ni grandilocuencias. Es una película francamente buena y aleccionadora. Una estupenda recomendación para todos.

Clint Eastwood dirige «El Intercambio», una película que te permite saborear el excelente cine clásico. Una obra mayúscula en cuanto a dirección de actores y de narración, un film duro y nada complaciente con la América de la época. En mi crítica, ya lo anunciaba, un film absolutamente magistral en cuanto a dramaturgia y visualidad.

«Mi nombre es Harvey Milk» (dvd) y «El Intercambio» (dvd y blu-ray), dos magníficas propuestas para llevarse a casa.

En unos días, la segunda parte.

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De hecho, tiene su cine momentos de cierto agrado como, qué curioso, la primera parte de «Transformers».

El primer film tenía la marca de fábrica habitual de la casa, o sea, acción desenfrenada, efectos visuales en casi cada plano, una chica que enseña carne (cuando se estudie la imagen machista del cine americano contemporáneo, Bay será un buen ejemplo), un chaval identificable con el jovenzuelo corriente americano que, además, se beneficia a la primera y una historia que proponga la acción aunque no la explique o la justifique.

Pero, a diferencia de rollazos inconmensurables como «Pearl Harbor» o «Dos Policías Rebeldes», «Transformers» tenía cierta frescura, tenía su gracia, se divertía uno viendo los robots en una película juvenil más que digna.

Pero Bay cuando hace segundas partes, y el cine americano en general, quiere superarse tanto que se pasa. La diversión despreocupada de la primera se convierte en un artefacto visual exageradísimo en la segunda, hasta el punto que la acción devora tanto la historia que, en un punto del final, pareces estar viendo un film bélico y no una historia juvenil con robots que se convierten en coches y viceversa.

Como con «Pearl Harbor», donde ví escenas enteras a más velocidad en dvd, la dilatación final de la historia es asombrosa, fastigosísima, tan cansina que a uno le dan ganas de que se acabe hasta el mundo.

No entraremos en si Shia LaBeouf está demasiado articulado como actor en esta cinta, ni que la chica no sirva para nada que no sea ver rebotar sus senos sobre la arena (así lo piensa el director y así lo muestra), ni que el humor quede en manos de una mamá cortita y un padre distraído, ni que John Turturro sea lo único salvable de la historia aunque su personaje resulte tristísimo, ni que el segundo punto humorístico sea otro joven cuya mejor actuación es verlo sentado en el váter, ni que el militar tenga un amigo negro que suelta unas frases que causan sonrojo, ni que....

Para que seguir. Un tostón descomunal. Como el ego de Michael Bay.

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Manchado por escándalos, Jackson ha vivido sus últimos años entre negritudes existenciales, lo que puede haber afectado a la verdad de su vida pero no a su leyenda. ¿Recuerdan aquello de «imprime la leyenda» de «El Hombre que mató a Liberty Valance»?

Y eso nos quedará, un niño prodigioso que revolucionó el pop y que influenció todo lo que lo rodeaba.

Jackson, entre otros logros, hizo cinematográfico algo tan hortera hasta el momento como los video-clips. Los dignificó y los hizo grandes. Trabajó con grandes cineastas, como Martin Scorsese en «Bad» e impulsó la introducción de los efectos visuales.

Por no hablar, del genial «Thriller», un cortometraje que hundió en el sofá de casa a medio mundo.

Se ha ido prematuramente Michael Jackson pero, en el cine, dejando también su pequeña huella.

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No sé si por cortas o por querer promocionar más películas, la Academia de Hollywood ha anunciado que en la próxima edición de sus premios Oscars habrá 10 películas finalistas en la categoría de mejor película.

En el inicio de estos premios, ya existía esta terna de 10 películas. Fue en 1943 cuando se redujo a 5 tras la victoria de «Casablanca». Dicen los académicos que así podrán entrar en la pugna films de ciencia-ficción y de animación, excusa un tanto pelegrina ya que las buenas películas son buenas sean del género que sean.

En definitiva, más películas de las que hablar para el año que viene. Me temo que si ya habitualmente 3 de las 5 películas son de relleno, imaginaros con 10, habrá 8.

La gala de los Oscars se celebrará el 7 de marzo, un poco más tarde lo habitual por la coincidencia con los Juegos Olímpicos de Invierno.

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Nueva imagen de la Alicia de Tim Burton que te deja sin palabras

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Una fotografía de Johnny Deep que te deja sin palabras.

Hay ocasiones en que hace falta comentar nada más. Sólo que esto promete.

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La técnica de la »stop-motion» consiste en algo tan delicado y, a la postre, tierno como realizar uno por uno los movimientos de los personajes-muñecos y fotografiarlos para, en su sucesión fotográmica, conseguir el milagro de la continuidad y la ilusión cinematográfica. Una técnica tan atrevida como antigua en su esencia ya que apela, ineludiblemente, a la propia naturaleza visceral de esta manifestación artística.

Tim Burton había obrado una joya de la orfebrería en «Pesadilla antes de Navidad», tenebroso cuento sobre la soledad y la insatisfacción, y su universo creativo lo inundó todo hasta el punto que su auténtico director,  el que figura en los créditos como tal, o sea, Henry Selick había permanecido tan sólo en la memoria cinéfila de los acérrimos reivindicadores de este film de culto.

Selick siguió dirigiendo y tonteando con la animación en «stop-motion» («James y el Melocotón Gigante») pero todavía no había vuelto a sumergirse íntegramente en este estilo, al contrario que Burton que retornó con éxito con la gótica y escatológica elegancia de «La Novia Cadáver».

Ha sido con «Los Mundos de Coraline», basada en una obra de Neil Gaiman, el film con el que Selick ha vuelto a empaparse del mundo de las muñequitos animados, aspecto que le ha permitido, además, reivindicar su parte de cielo en el prestigio de la  aventura protagonizada por Jack Skellington.

«Los Mundos de Coraline» es un film que vuelve a lucir un maravilloso aspecto visual y técnico, original y extravagante, que ilustra magníficamente sus curiosos personajes y mundos y que desarrolla una idea escalofriante sobre una niña que, insatisfecha con sus padres, adquiere otros idílicos en un nuevo mundo, lo que le obligará a plantearse dónde quiere permanecer.

Una diatriba nada complaciente que se debate entre la crítica a la sobreprotección infantil parapetada en un mundo ideal y la dejadez de muchos progenitores que anteponen el trabajo al cuidado de sus propios retoños.

La sombra de Tim Burton es alargada y planea sobre toda la obra, haciéndole un indirecto y flaco favor a su colega ya que mientras la ves te planteas continuamente que hubiera hecho el genial director si la hubiera dirigido él.

Seguramente, hubiera apostado más por la confusión de virtudes y defectos de ambos mundos y hubiera agrisado la conclusión, demasiado evidente en manos de Selick.

En definitiva, »Los Mundos de Coraline» funciona pero le han desactivado su parte más malsana y fantasmagórica, terrorífica e interrogatoria sobre todo en su tramo final.

En «Pesadilla antes de Navidad», Jack duda continuamente de dónde está, en qué mundo quiere estar y qué quiere hacer con su vida. A Coraline no le sucede tanto, sus conclusiones están demasiado claras, todo acaba siendo demasiado esquemático para que, y también es lógico, sea comprendido por todos.

La belleza de «Pesadilla antes de Navidad» está en la duda, en «Los Mundos de Coraline» es lo que más se echa de menos. Quizá la diferencia resida en que la primera está creada para adultos y la segunda tienda más a la platea infantil.

En todo caso, es una pena porque el film, disfrutándose mucho, podía habernos agitado más la neuronas. Al relato de Gaiman no le faltaba mala leche.

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Tim Burton

Así lo reconoce el Museo de Arte Moderno de Nueva York que dedicará, a partir de noviembre, una exposición a la obra visual, gráfica y cinematográfica de Tim Burton.

Burton es poseedor de un estilo y un universo muy particular, plagado de sombras y oscuridades, personajes residuales, monstruos sentimentales y marginados e imágenes de gran imaginación y originalidad.

La retrospectiva estará abierta hasta el mes de abril del año que viene y contiene más de 700 dibujos, ilustraciones, títeres, fotografías y storyboards.

Si alguien tiene previsto viajar a Nueva York que se espere hasta noviembre porque esta exposición promete ser memorable.

Además, es un elegante reconocimiento a Burton como creador, como artista integral y como personaje singular de nuestro tiempo. 

Siguiendo la veda abierta por grandes artistas como Murnau, Tod Browning o James Whale, Burton es uno de los creadores más fascinantes de las últimas décadas.

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No se puede hacer mejor.

Porque este nuevo «Star Trek» contiene todo lo señalado: una narración moderna y dinámica, atractivísima; una revisión de los personajes que los pone al día y los rellena de matices al combinar, con absoluta inteligencia, la ternura que desprenden las dudas de Spock (eje central del film interpretado magníficamente por Zachary Quinto) con la chulería juvenil y urbana del Capitán Kirk; un homenaje hermoso a los orígenes de la serie, a Leonard Nimoy concretamente, auténtica esencia y elemento diferenciador de la saga; y un barrido vistoso de lo anterior, unificando y manteniéndolo, para partir de cero, con la herencia respetada y todas las libertades por delante para hacer lo que el genio de este creador considere oportuno.

Y no se puede hacer mejor. Me imagino a Abrams y a sus guionistas preguntándose cómo unificar el pasado de la serie con su futuro, cómo no herir sensibilidades de los fans, cómo limpiar la cara de los personajes para hacerlos atractivos al público del siglo XXI, cómo hacer la transición de lo visto a lo nuevo, cómo partir de una nueva salida sin dañar lo anterior. No sé las dudas que transcurrieron por este proceso pero lo que está claro es que lo han hecho muy bien.

Y sólo tienes que comprobar cómo los espectadores viven los últimos instantes del film, cuando la Enterprise arranca de nuevo: sólo tienes que analizar cómo tu cuerpo da un salto y te renace la ilusión de ver volar esa nave que parecía defenestrada para el cine.

Entre todo ello, entre las intenciones y el espectacular renacimiento final, vemos un film soberbiamente dirigido por Abrams, brillantemente escrito, tan fiel a la filosofía e historia de la saga, tan renovado para los ojos jóvenes. 

Es un entretenimiento puro, vigoroso, espectáculo en mayúsculas esta nueva película, impregnado de la inteligencia de su creador, un constructor de nuevos formatos que está revolucionando televisión y cine, que ya destacó con la tercera parte de «Misión Imposible» pese a su complaciente final, que ideó el interensantísimo «Monstruoso» y que con «Star Trek» ha limpiado la cara a una saga con un film que no se puede disfrutar más.

Una gozada, Sr. Abrams.

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«Das Weisse Band», algo así como «La Cinta Blanca» nos explica cómo la sociedad alemana empezaba a destilar, antes incluso de la primera guerra mundial, el germen del nazismo. Y lo hace a través de una narración angustiosa y asfixiante, algo habitual en este director que adoro desde que perturbó mi alma con «La Pianista» y me removió por dentro con «Funny Games».

Haneke ganó la Palma de Oro al mejor film y el otro favorito, el francés Jacques Audiard, el Gran Premio del Jurado con «Un Profeta».

Ni Almodóvar ni Coixet han tenido éxito. En fin.

La lista del Palmarés de Cannes 2009:

-PALMA DE ORO: «Das weisse Band» («La cinta blanca») de Michael Haneke

-GRAN PREMIO: «Un profeta» de Jacques Audiard

-MEJOR ACTRIZ: Charlotte Gainsbourg por «Anticristo» de Lars von Trier.

-MEJOR ACTOR: Christoph Waltz por «Inglourious basterds» de Quentin Tarantino.

-MEJOR DIRECCION: «Kinatay» (Matanza) de Brillante Mendoza.

-PREMIO DEL JURADO: Ex aequo «Fish tank» de Andrea Arnold y «Thirst» de Park Chan-wook.

-MEJOR GUIÓN: Feng Mei por «Noches de embriaguez primaveral» de Lou Ye.

-PALMA DE ORO DEL CORTOMETRAJE: «Arena» de Joao Salaviza

-PREMIO EXCEPCIONAL DEL JURADO: Alain Resnais por el conjunto de su obra.

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Pese a la sorpresa de «Frost/Nixon», Howard es de esos directores que han aprendido a hacer cine haciéndolo, sin que un talento innato o una capacitación visual le hubieran empujado a ello. Y tampoco es que haya sido uno de los alumnos más aventajados de su clase en su proceso de aprendizaje cinematográfico. 

En pocas palabras, prácticamente ningún producto de Ron Howard se destaca por su valía artística y sí por su practicidad y corrección. El resultado final de sus películas suele ser decente aunque tengas que tragarte planificaciones visuales mediocres y excesos visuales gratuitos como todos esos viajes por tubos tecnológicos que no tienen sentido ninguno y que podemos ver en su última película, «Ángeles y Demonios», adaptación del primer best-seller escrito por Dan Brown.

Ya sabemos, pues, que la película no destaca precisamente por su belleza ni interés visual, como tampoco lo hizo «El Código Da Vinci». Visualmente es igual de sencilla, Tom Hanks repite hieratismo con Robert Langdon, la acólita femenina cumple función similar (nula, por supuesto), la música solemne de Hans Zimmer (buena, realmente) cumple labor idéntica y los espectadores llenarán igual las salas.

¿Dónde está, pues,  la diferencia entre «El Código Da Vinci» y «Ángeles y Demonios» a nivel de calidad?

Partiendo desde la base de no haber leído ninguna de las dos novelas de Brown, la primera es mejor que la segunda en cuanto a interés de la historia, y la segunda mejor que la primera a nivel rítmico. Pero todo eso, ya lo había decidido el propio escritor. No Ron Howard. 

«Ángeles y Demonios» tiene una trama más dinámica y movida que «El Código Da Vinci» y eso se nota. El film es más entretenido, tiene más ritmo, tiene más salero pero es muchísimo menos interesante que lo que explica la segunda y célebre novela.

El intento de aniquilar el Vaticano tiene pocas puntas que sacarse y sigue una dinámica que se repite durante todo el metraje: Langdon-misterio-resolución inmediata de éste-persecución-misterio-resolución.... (además, como todo va tan rápido no se deja pensar al espectador y cuando el enigma se presenta se descifra tan aceleradamente que pierde la gracia) y así hasta el final y el giro posterior sorprendente. Poco que llevarse a la boca.

Tanto «El Código da Vinci» como «Ángeles y Demonios» son films dignos y entretenidos, solventes, que sigues con atención. La única diferencia es que el primero era más lento pero más jugoso y el segundo es más rápido y más raquítico.

Cuestión únicamente de matices. O sea, que una te gustará más que la otra según lo que le pidas a la obra: interés o entretenimiento puro. Por ello, yo me quedo con la primera.

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