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Arthur Baker, pioneiro do Electro e um dos criadores do Hip-Hop, ganha biografia

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 07 Jun 2025 03:21:00 +0000

Com uma carreira extensa dentro da cena da dance music e com grande respeito e admiração por parte de DJs, produtores e artistas musicais, o americano Arthur Baker anuncia sua biografia intitulada “Looking for the Perfect Beat: Remixing and Reshaping Hip-Hop, Rock and Rhythms”, na qual relata praticamente toda a sua trajetória como DJ, produtor e empresário — uma jornada que já soma 50 anos de atividade.

Natural da cidade de Boston, onde começou a atuar como disc jockey durante a década de 1970, Arthur Baker fez uma mudança significativa na dance music ao se mudar para a cosmopolita cidade de Nova York. Foi lá que protagonizou uma revolução nas pistas de dança com a faixa “Planet Rock” — considerada o primeiro electrofunk e Hip-Hop da história da música — composta em parceria com Afrika Bambaataa em 1982. Esse foi o ano em que eles mudaram, praticamente, o modelo de produção e execução das músicas nos clubes, não só nos Estados Unidos, mas ao redor do mundo.

Produtor talentoso, Baker remixou inúmeros artistas como New Order, Bruce Springsteen, Diana Ross, Rolling Stones, Al Green, Pet Shop Boys, Quincy Jones, New Edition, Hall & Oates, Neneh Cherry, Fleetwood Mac, entre outros. Também foi chefe de gravadora em um período em que movimentou positivamente o mercado musical, lançando novos artistas e promovendo novos gêneros de música dançante. Foi responsável por levar o som popular dos subúrbios para as massas por meio das pistas de dança, mostrando que o groove é, de fato, uma linguagem universal.

O livro “Looking for the Perfect Beat: Remixing and Reshaping Hip-Hop, Rock and Rhythms” está previsto para outubro de 2025 e já se encontra em pré-venda pel Amazon.

Boa leitura!

Berlim remixada: DJs e artistas vão animar as estações de metrô

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 29 Apr 2025 02:51:00 +0000

A companhia de transporte público de Berlim, BVG (sigla para Berliner Verkehrsbetriebe), anunciou um novo projeto que pretende transformar a experiência nas estações de metrô da capital alemã. A proposta é integrar apresentações de DJs ao ambiente das plataformas, levando música ao vivo diretamente para os passageiros durante suas viagens.

A iniciativa surge como forma de combater a monotonia dos deslocamentos diários e tornar o metrô um espaço mais acolhedor e cultural. A música, segundo a BVG, pode melhorar o humor dos passageiros e reforçar a identidade vibrante e artística de Berlim. O projeto está sendo apresentado como parte de uma estratégia mais ampla de revitalização urbana.

A primeira estação a receber os DJs será a movimentada Kottbusser Tor, no bairro de Kreuzberg, conhecida por ser um ponto de interseção das linhas U1 e U8. A escolha da estação está ligada ao perfil cultural da região, marcada por uma forte presença da cena alternativa e underground berlinense.

A estação também tem histórico de desafios sociais, como segurança e degradação, que o projeto pretende enfrentar com ações culturais e estruturais.

Berlim é considerada o berço mundial do techno, e a ideia é transportar parte do espírito dos famosos clubes da cidade para o cotidiano do transporte público. Com isso, a BVG busca não apenas entreter, mas também fortalecer o vínculo entre a cidade e seus moradores, usando a música como ferramenta de integração.

Além do techno, o projeto prevê incluir outros gêneros musicais como o jazz, ampliando a diversidade artística nas estações. Exposições de arte e instalações visuais também estão sendo estudadas, principalmente ao longo da linha U8, como parte da reconfiguração cultural desses espaços.

Henrik Falk, CEO da BVG, afirmou que a proposta de inserir DJs nas estações tem como objetivo “promover o bem-estar dos passageiros durante as viagens”.

Mais detalhes sobre os artistas selecionados, datas e eventos serão divulgados em breve nos canais oficiais da BVG.

Fonte: Mixmag

· Site oficial em inglês:
https://www.bvg.de/en

· Site oficial em alemão:
https://www.bvg.de

Kraftwerk celebra 50 anos de Autobahn com edição especial em Dolby Atmos

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 14 Feb 2025 01:59:00 +0000

O Kraftwerk anunciou uma edição especial de seu álbum Autobahn para comemorar os 50 anos de seu lançamento.

A edição especial divulgada contém uma nova mixagem de áudio digital em Dolby Atmos 5.1, remasterizada a partir das fitas analógicas originais em 16 canais, gravadas em 1974. A nova edição estará disponível nos formatos Blu-ray (Stereo Mix – Dolby Atmos 5.1 + Vídeo + Livro), streaming e no tradicional vinil. No caso do LP, será o primeiro disco lançado no formato picture disc, acompanhado de um single de 7 polegadas.

Essa não é a primeira vez que o Kraftwerk experimenta um sistema de som mais imersivo. Quando Autobahn foi lançado em 1974, o álbum recebeu uma edição no sistema quadrifônico, um formato de áudio que teve curta duração devido à baixa adesão do público consumidor médio da época. Isso levou à descontinuação do sistema no final da mesma década, sendo posteriormente substituído por outros formatos.

Autobahn foi um trabalho importante na trajetória do grupo alemão, pois marcou seu primeiro sucesso internacional, permitindo que o quarteto se apresentasse além do circuito europeu. O álbum teve uma edição reduzida nos Estados Unidos e no Reino Unido no momento de seu lançamento. Essas versões mais curtas (single) ajudaram a popularizar a banda, fazendo com que Autobahn figurasse entre as 100 músicas mais tocadas nas rádios da Europa e da América do Norte.

O Kraftwerk já utilizou sistemas de som imersivos 5.1 em seu DVD Minimum-Maximum (2005) e em Katalog 3D (2017), trabalhos que receberam o prêmio Grammy de Melhor Álbum de Música Eletrônica e foram reconhecidos por sua contribuição e inovação musical.

Autobahn Dolby Atmos foi mixado por Ralf Hütter em parceria com o engenheiro de som e antigo colaborador Fritz Hilpert, sendo este, aparentemente, o último trabalho de Fritz com o Kraftwerk em quase 40 anos.

Boas audições!

Wolfgang Flür Ex-membro do kraftwerk anuncia o seu terceiro álbum solo para março de 2025.

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 05 Jan 2025 03:03:00 +0000

O músico alemão e um dos primeiros baterias de música eletrônica Wolfgang Flür informou o lançamento do seu mais recente álbum chamado TIMES para o dia 28 de março de 2025

Times conta com um time de primeiro de colaboradores, como Peter Hook ex-baixista do grupo New Order, Juan Atkins, um dos pioneiros na criação do “Techno” em Detroit (EUA) durante a década de 1980, Thomas Bangalter (ex-Daft Punk), o produtor alemão de electro Anthony Rother, Boris Blank (Yello) entre outros.

Desde que saiu do kraftwerk em 1987, Wolfgang Flür sempre procurou manter alguma atividade artística após sua desconexão com o antigo conjunto. Em 1997 lançou o seu primeiro trabalho chamado Time Pie do projeto Yamo em parceria com a dupla alemâ Mouse on Mars do qual recebeu inúmeros elogios, em 1999/2000 lançou uma autobiografia intitulada “I was A Robot” na qual conta o como foi o seu período dentro do Kraftwerk entre os anos de 1973 até a sua saída em 1987.

Após Time Pie, Flür fez parceira com o grupo de Techno U96, além de produzir os álbuns "Eloquence: The Complete Works" (2015), uma coletânea que reúne vários singles que gravou entre os anos de 2002 até 2015, e o álbum “Magazine 1” (2022).

Entre esses trabalhos, Wolfgang cedeu inúmeras entrevistas para varias revistas e documentários sobre o kraftwerk e música eletrônica em si. Paralelo ao legado de seu antigo grupo, Flür atua de forma constante como DJ pelos Clubs da europa.

Agora para 2025 libera o seu terceiro trabalho solo que já se encontra em pré-venda pela gravadora Cherry Red Records nos formatos CD ( com um livreto de 16 páginas), Vinil Duplo, além dos formatos digital e streaming

Mais informações em: Cherry Red Records

Tangerine Dream ganha exposição no museu MOMEM na Alemanha

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 15 Dec 2024 03:09:00 +0000

Em memória de Edgar Froese - 10º Aniversário de Falecimento

O M.O.M.E.M.— Museu de Música Eletrônica Moderna em uma tradução livre — , irá realizar no dia 6 Abril de 2025, uma exposição em memória ao criador do grupo Tangerine Dream, Edgar Froese, que faleceu em 2015 aos 70 anos.

O Tangerine Dream que junto com Kraftwerk foram um de vários conjuntos pioneiros, não só na criação da música eletrônica contemporânea durante a década de 1970, mas também se tornaram peças importantes na divulgação do próprio gênero musical que ajudaram a moldar nesse mesmo período, o que inclui a sua forte influência em inúmeros artistas que surgiram posteriormente nos anos seguintes.

Fundada na Alemanha por Edgar Froese em 1967, O Tangerine Dream teve uma carreira notável e prolífica em seus 50 anos de atividade dentro do meio musical; com uma longa discografia que somam mais de 100 lançamentos, o que inclui álbuns de estúdio, ao vivo, trilha sonora para filmes e séries além de várias coletâneas e Box Set.

O Tangerine Dream tem a sua história, mas que consolidada no meio artístico, as suas criações musicais, ajudaram na criação de outros gêneros como a música ambiente, rock progressivo, trance, space music, techno entre outros.

Exposição chamada Zeitraffer tem a curadoria de Bianca Froese-Acquaye (viúva de Edgar Froese) e ficara aberta de 7 de abril até a 28 de setembro de 2025.

A abertura do evento no dia 6 de Abril contara com a presença do grupo Tamgerine Dream

Os ingressos já estão à venda.

Mais informações em: M.O.M.E.M.

Kraftwerk Anuncia Show em Stuttgart no Evento JazzOpen 2025

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 17 Nov 2024 01:43:00 +0000

A banda alemã kraftwerk informou até o momento, uma única data de apresentação para o ano de 2025, que será realizado no evento JazzOpen em Stuttgart na Alemanha, país natal do conjunto de música eletrônica.

Não é a primeira vez que o kraftwerk se apresenta no mesmo local, em 2018, fizeram uma apresentação memorável devido ao fato de executarem a música Spacelab, em parceria com o astronauta alemão Alexandre Gerst que é um fã declarado do conjunto pioneiro na música eletrônica. Além dessa performance ser a primeira vez que o kraftwerk fez um dueto, e, ao vivo: O Kraftwerk aqui na terra e Alexandre Gerst na estação espacial alemã ISS.

Esse dueto rendeu ao Kraftwerk um prêmio LEA (Live Entertainment Award) de “Concerto ao Vivo do Ano”. O LEA é uma das principais premiações do mercado musical europeu voltado para artistas de língua alemã e adjacentes.

Para o ano de 2025, o Kraftwerk provavelmente replicará as projeções em fachada de monumentos históricos, como fizeram no ano de 2023 , na qual foram duas apresentações especiais: a primeira na Grécia no antigo teatro a céu aberto de Odeão de Herodes Ático na cidade de Acrópoles/Atenas , o segundo no Castelo de Karlsruhe na Alemanha, e o mais recente em 2024, no Ópera Semper em Dresden , também em terras germânicas.

O Jazz Open acontece no início do verão europeu entre os dias 02 até de 13 Julho de 2025 na capital Stuttgart, da cidade Baden-Württemberg na Alemanha. O evento contará com apresentação do músico francês Jean-Michel Jarre entre outros.

Mais informações em: JazzOpen

A animação Interstella 5555, do Daft Punk, ganha exibição única em versão remasterizado 4K

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 26 Sep 2024 00:55:00 +0000

Originalmente lançado em 2003 como um companheiro visual do lendário álbum Discovery do Daft Punk, Interstella 5555 foi co-criado pela lenda do anime Leiji Matsumoto (1938-2023) e dirigido por Kazuhisa Takenouchi. Este filme único e sem diálogos acompanha os Crescendolls, um bando de alienígenas de pele azul, enquanto eles usam sua música para derrotar as forças cósmicas do mal.

Esta exibição especial em Los Angeles é organizada pelo Daft Punk e IHEARTCOMIX, como parte das comemorações do 20º aniversário deste último. O evento contará com um painel de discussão com o ex-empresário do Daft Punk, Pedro Winter (Busy P) e o co-roteirista do filme, Cédric Hervet, oferecendo uma visão rara da produção do filme e da carreira visionária da dupla.

Os fãs presentes também serão presenteados com uma festa exclusiva, com um set de DJ do Busy P e convidados surpresa, adicionando outra camada de nostalgia do Daft Punk a esta noite inesquecível.

As portas abrem às 19h, e a exibição começa às 20h, horário do Pacífico. Não perca a chance de vivenciar Interstella 5555 como nunca antes — remasterizado em 4K com a música do Discovery em Dolby 5.1 Surround.

Fonte: Hit Channel

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Jean-Michel Jarre anuncia o lançamento de Versalhes 400

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 25 Sep 2024 01:23:00 +0000

O músico francês Jean-Michel Jarre anunciou o lançamento oficial em mídia física de sua apresentação no palácio de Versalhes na frança que ocorreu no natal de 2023 em comemoração aos 400 anos de existência do local.

A apresentação, Versalhes 400, foi uma certa surpresa para os fãs do músico francês, já que Jarre manteve segredo sobre essa peformance um tanto intimista, porém grandiosa.

Em Versalhes 400 vemos um dos pioneiros da música eletrônica executando as suas principais músicas em um local de grande luxo, Jarre juntou o clássico com o moderno em seu espetáculo, já que a produção utilizou do recurso de realidade virtual durante as animações junto com poderosos sintetizadores que Jarre tanto gosta.

A princípio, Versalhes 400 , só teria a versão em streaming, mas com o grande interesse pelo material do evento, o músico acabou produzindo versões físicas de sua apresentação. Versalhes 400, será editado nos formatos CD e vinil duplo.

Tendo uma versão especial com acesso a material exclusivo, somente para quem for adquirir a mídia física. Na qual contem materiais como entrevistas, Making Of, fotos, animações, incluindo o sistema de NFC (Near Field Communication), tecnologia de comunicação que permite a troca de dados entre dispositivos eletrônicos próximos, por meio de ondas de rádio eletromagnéticas, além de outros tipos de conteúdo.

Versalhes 400, já está em pré-venda pelo site: Jean Michel Jarre

Boas compras

Em entrevista exclusiva, a dupla francesa Air, fala sobre o seu álbum seminal Moon Safari. Trabalho que ajudou a popularizar a dupla.

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 14 Jul 2024 03:10:00 +0000

Entrevista originalmente publicada na revista inglesa Electronic Sound de julho de 2024.

Abaixo uma tradução/adaptação

O mundo do Air é uma utopia”, afirma Jean-Benoit Dunckel. “Vivemos num período brutal. Acho que não somos tão avançados quanto os humanos – somos bárbaros. Air representa um mundo que esperávamos ver acontecer durante a nossa vida - um modo de vida inteligente e espiritual - mas isso não aconteceu." Talvez isto explique em parte o êxtase e a emoção com que Air foi recebido no seu regresso. Até um show no Coliseu de Londres em março — algo além da mera nostalgia As redes sociais vibraram com a empolgação daqueles que tinham ingressos para o show, bem como com o ranger de dentes e a frustração daqueles que estavam perdendo!" gritou uma voz solitária um punhado de números em seu set, para um coro de assentimento. Estranho, realmente, porque Dunckel e Nicolas Godin dificilmente são encharcados de suor. "Olá Londres!" deuses do rock em comportamento ou musical temperamento.

Apresentando seu álbum 'Moon Safari' na íntegra antes de uma seleção de seu trabalho subsequente, eles estão posicionados em cada extremidade do palco, curvados diligentemente sobre suas configurações, vestidos estranhamente de branco, como um par de 'Stepford' maridos. “Queríamos adicionar algo retrofuturista, especialmente em um teatro antigo”, diz Godin. "Ter algo muito puro no contexto de um local do século 19, a ideia de algo vindo do nada. Queríamos que o cenário ilustrasse a ideia de Safari Lunar 'Moon Safari'." Seu cenário parece emoldurado, como se estivessem tocando atrás de algum tipo de vidro, como peças expostas em uma caixa. Um pouco como o deck de observação que eles habitam na capa do álbum de 2001, '10,000 Hz Legend'.

"Você quer dizer, como no zoológico?" ri Dunckel. “Acho que essa configuração diz muito sobre a banda – o baterista [Louis Delorme] está no centro, o elo entre os dois compositores. Mas se não houvesse baterista, Nicolas e eu não tocaríamos juntos. que não somos os mais calorosos no palco - eu sei que estamos distantes." Certamente, a energia percussiva de Delorme adiciona uma pulsação vital ao pop vanguardista de Air, reproduzido ao vivo. Mas também são as saraivadas eletrônicas tipo dub e as ondas de esferas e reverberações cósmicas minúsculas e brilhantes com as quais eles embelezam totalmente 'La Femme D'Argent' e 'All I Need', em conjunto com o banho implacável de sua luz. show, que realmente enchem o grande salão do Coliseu. “Não sabíamos o que esperar porque paramos de fazer turnês há vários anos e então houve a situação da Covid”, diz Godin.

“Antes disso, desde 1998, era tudo um processo automático e saíamos em turnê a cada dois anos. Agora, pela primeira vez, fizemos essa pergunta a nós mesmos e tomamos a decisão de fazê-lo. principalmente a tecnologia e o público. Algumas pessoas talvez tenham se apaixonado pelas histórias de ‘Moon Safari’, mas também há pessoas mais jovens que se lembram: ‘Sim, meus pais costumavam brincar de Air quando eu era criança no carro’, ou algo assim”. Membros mais jovens do público foram possivelmente concebidos com a trilha sonora de Air - eles são produtos de Air. “Tivemos muitas pessoas que se conheceram enquanto ouviam Air e dormiam juntos”, diz Dunckel. “Isso os lembra de seu primeiro período de. estar apaixonado."

Dunckel observa que 1998 foi muito diferente – o fim da década mais tranquila e eufórica dos tempos modernos, certamente para nós, no Ocidente privilegiado. Air representou o bálsamo daquela época, impregnado de uma nostalgia futurística dos tempos melhores e dos mundos melhores sonhados pelos compositores de bandas sonoras, ficção científica televisiva e futurologistas da sua infância. “'Moon Safari' era muito retro-futurista”, diz Godin. “Crescemos na década de 1970 com toda a cultura pop sobre o futuro, os programas de TV, os desenhos animados – era muito otimista. Fomos criados em Versalhes, cercados por toda a história da França, mas também por visões do futuro – esse tipo de nave espacial, futuro de laser Houve aquela série ‘Space: 1999’ – nós crescemos com isso.

Nenhum safári lunar real aconteceu, infelizmente. “Para nós, o ano 2000 deveria ser todo este novo mundo futuro”, continua Godin. "Mas em vez de naves espaciais, acabamos com a internet. Aquela coisa de telefone/tela [como apresentada em '2001: Uma Odisseia no Espaço' de Stanley Kubrick] foi a única coisa que realmente tivemos, com o Skype!". “Acho que a música do Air pode proporcionar um grande conforto”, diz Dunckel. "A música é a forma de sonhar, de dormir, de me acalmar. O Air era uma nova vida para mim quando estava estressado, então entrar em algo 'confortável' em termos de som e imagem... que pode trazer um verdadeiro prazer, com a música como uma espécie de carícia."

Sonhar, dormir e acalmar-se não são aspirações que devam ser desprezadas – são bens raros e vitais, especialmente nos tempos atuais. Mas a genialidade de Air foi fabricar esse tipo de alívio sonoro sem cair na suavidade ou no muzak inofensivo. Aludindo ao interior exuberante e orquestrado do pop francês de antigamente - Serge Gainsbourg e Françoise Hardy - bem como mais atrás ao trabalho de Maurice Ravel e Claud e Debussy, em 'Moon Safari', Air teceu dreampop analógico enganosamente cheio de emoção. “Tentamos ser emocionais”, diz Dunckel. “Selecionamos a música se ela traz uma emoção em nosso coração, aquela vibração. Às vezes trata de sentimentos de amor ou de histórias de amor que realmente aconteceram conosco no passado, ou talvez uma história de amor com uma garota que não conhecíamos, quem vimos na rua."

Um componente chave, como em 'Kelly Watch The Stars', foi o uso do vocoder por Air para melhorar suas vozes. Foi usado de uma forma que lembra o Kraftwerk, mas também de uma forma robo-romântica, seus tons lembrando o que já foi descrito como um "terceiro gênero". “Sim – você poderia fazer lindas frases musicais”, diz Dunckel. “É uma bênção ser músicos e ter isso no bolso – é um grande presente”, acrescenta Godin. "Não sei bem como fizemos 'Moon Safari' - nunca fizemos um álbum assim desde então. De onde veio? É bastante bizarro." No entanto, o mistério não foi por falta de discussão, ao que parece.

Em uma entrevista, a cantora americana Beth Hirsch, responsável pelos vocais e letras de 'AN Need', comentou com os Air Boys que seus métodos de trabalho pareciam envolver muito mais conversas do que apresentações reais - algo a que ela não estava acostumada. "Talvez estivéssemos conversando muito porque estávamos discutindo!" diz Dunckel, rindo. “Não sei se é porque somos franceses, mas temos uma forma diferente de trabalhar e estamos pensando no estilo. Outro dia, eu estava assistindo à Fox News e eles reclamaram que os franceses demoram três horas para almoço, o que não é exatamente verdade. Mas é verdade que quando os franceses vão almoçar, eles falam muito sobre trabalho. Isso traz comunicação aos funcionários e dá validade ao pessoal do trabalho. "

É justo dizer que, embora o Reino Unido tenha adotado rapidamente o Air, sua própria imprensa musical teve muito menos certeza. Revistas consagradas como Les Inrockuptibles eram nitidamente desdenhosas. “No início não éramos queridos”, lembra Godin. “A imprensa francesa estava sempre em busca de sua grande estrela, que faria sucesso na Grã-Bretanha, nos Estados Unidos, e de repente éramos nós! Eles não podiam acreditar que dois caras de Versalhes eram o que eles estavam esperando. Eles queriam alguém com mais credibilidade ou carisma, como um Iggy Pop francês ou David Bowie." “Eles não sabiam o que pensar de nós”, diz Dunckel. "Nossa música era um pouco estranha ou distante do estilo house ou do Daft Punk. Era retro-futurista demais para eles. Air era instrumental, ritmo lento, bastante estranho." “O problema da cena eletrônica é que ninguém tem esse tipo de carisma”, acrescenta Godin. "Somos apenas pessoas de estúdios de gravação e geeks! E de repente as gravadoras nos venderam como 'atuação', mas não éramos uma atuação.

Não éramos estrelas. Houve um grande mal-entendido quando nos tornamos famosos porque não fomos feitos para isso - ainda não fomos feitos para isso "Não gosto de aparecer na TV, nem de ser reconhecido na rua, nem mesmo de tirar fotos para a imprensa - não sou eu. Eu não sou exuberante. Todos nós, caras com samplers, não tínhamos o tipo de personagem de Mick Jagger, Freddie Mercury ou Johnny Hallyday, embora eu estivesse zombando dele." Era imperativo para Air evitar todo tipo de clichê do rock, não apenas por um desejo de originalidade, mas também, como os grupos da Alemanha Ocidental que compunham o movimento krautrock, para estabelecer um senso de identidade cultural nacional independente das influências anglo-americanas autoritárias. “Absolutamente”, concorda Dunckel “Nós rejeitamos o rock porque vem do blues e soa muito antigo.

É claro que tivemos influências americanas e inglesas, mas há tantas coisas na música francesa para inspirar você e evoluir para sons eletrônicos – música clássica, trilhas sonoras e nossa própria imaginação. É por isso que fizemos algo diferente. A cena francesa estava explodindo naquela época e os DJs estavam desenvolvendo suas próprias formas de brincar com o maquinário, o que gerou novas oportunidades para nós."

As trilhas sonoras são importantes para a banda. Eles definiram a sensibilidade de Air e foram fundamentais no estúdio para a maneira como pintavam imagens em suas mentes. Após 'Moon Safari', eles escreveram a música para o filme de Sofia Coppola de 1999, 'The Virgin Suicides'. O objetivo deles não era fornecer uma atmosfera sonora convencional, mas uma espécie de trabalho independente, quase como um contraponto ao filme.

Quais são, para eles, as alegrias e as desvantagens de fazer trilhas sonoras para filmes reais, em oposição às histórias imaginárias evocadas por “Moon Safari”? “Quando criança, tudo que aprendi foi através dos filmes, então tinha muito respeito por Ennio Morricone, John Barry... todos esses caras”, diz Godin. “Quando eu era adolescente comecei a gostar de rock, mas antes disso, assistindo TV e filmes, ficava muito impressionado com a música. Então tenho um estilo natural que é muito 'trilha sonora' porque foi a primeira coisa que conheci.”

“A música clássica foi realmente muito influente para mim”, lembra Dunckel. "Eu amei a subcultura mainstream e rock 'n' roll, mas também Jacques Dutronc e Serge Gainsbourg." "Eu faço uma música, mas se a melodia não estiver clara, coloco outros elementos antes disso", diz Godin. "Meus amigos ingleses e americanos, se eles não conseguem encontrar uma melodia, eles desistem. Talvez essa seja a grande diferença do Air – nós realmente não damos a mínima para fazer músicas. "Eu gostaria de ter sido um compositor de música para cinema - eles são como os 'adultos'. Mas estou muito longe de controlar tudo sozinho. Ao fazer música para filmes, você não consegue fazer decisões finais - os editores e diretores fazem isso, sou muito frágil psicologicamente para lidar com isso. Você sofre quando suas ideias são rejeitadas.

“Uma trilha sonora é um ângulo ou ponto de vista diferente de um filme”, diz Dunckel. “É importante apresentar uma nova emoção – ter uma música sombria para uma cena feliz, por exemplo. A música traz um nível de realidade quase diferente porque num filme quase tudo é falso. emoções. Mas a música em si não pode mentir. Ela traz uma verdade, ajudando a confundir o cinema e a realidade e expondo o público a sentimentos reais. Tanto Godin quanto Dunckel concordam que nunca poderiam se envolver profundamente no mundo mega-dólar das grandes trilhas sonoras de Hollywood, que definitivamente exigem clichês. “Muito nojento, muito dinheiro”, estremece Godin. Seus próprios métodos de trabalho fazem com que eles se afastem das formas e meios usuais pelos quais uma música é composta e estruturada.

Bem, há alguma coisa, então você deixa de lado os sons e sente que está indo na direção certa”, diz Godin. "Mas você não sabe o que está procurando. Você está com frio, está com calor? E aos poucos você encontra o que está escondido. É como um mistério. Você começa com uma fantasia. Você sente que está no caminho certo, mas você não sabe por quê. As melhores coisas acontecem rapidamente – você gasta muito mais tempo trabalhando em músicas ruins." A formação acadêmica de Godin é em arquitetura, a de Dunckel é em matemática. Até que ponto estas duas disciplinas contribuíram para o processo criativo de Air? “Eles são a chave”, revela Godin. "Porque a música ocidental segue regras matemáticas, combinações, sistemas, o espaço entre as notas. Gosto de pensar em fazer música de uma forma tridimensional. Criando música minimalista na minha sala, sempre achei incrível poder faça algo tão imenso – um espaço vasto e vazio sem sair do seu quarto.”

Embora concebido há 26 anos em uma época totalmente diferente, 'Moon Safari' parece de alguma forma mais próximo de nossa época. Talvez seja porque a cultura pop não deu os saltos e avanços gigantescos entre 1998 e 2024 como fez entre, digamos, 1960 e 1986. “Talvez estejamos meio presos”, argumenta Dunckel. "Mas as coisas eram mais abertas em termos de pensamento. Estou muito triste com o que aconteceu ao Reino Unido com o Brexit. As fronteiras estão fechadas agora, mas também a mente." “E a música é muito mais transgeracional do que era na década de 1960”, acrescenta Godin. "Você estava enfrentando seus pais naquela época. Isso não é um problema agora. Não tem o mesmo papel na sociedade que costumava ter. Nos anos 70, tratava-se da rejeição do passado - agora nada é rejeitado. Quando eles faziam house francês, não era para falar com pessoas que cresceram com o Pink Floyd. Agora, não há fronteiras com estilos – todo mundo ouve tudo.” Outro grande aspecto de 'Moon Safari' é o estilo visual muito forte – a impressionante imagem ilustrada de Godin e Dunckel na capa, parecendo momentaneamente desafiar a gravidade.

É a chave para seu conceito geral, como evidenciado em seus shows e nas capas dos álbuns subsequentes de Air. "Temos uma forte noção do que não queremos!" afirma Dunckel. “Mas as capas são muito importantes – elas levam você para o nosso mundo e tem que se encaixar bem. Tínhamos tantos amigos que eram artistas, trabalhando na indústria de publicidade, cinema ou moda, e o bom de Paris é que todas essas pessoas são comunicação - há muitas pontes entre essas indústrias. O nível de produção de imagens era realmente alto há 20 anos."

A dinâmica da dupla Air também é crucial para a sua imagem. As capas de seus álbuns sempre apresentam os dois, de uma forma que evoca Gilbert & George, a dupla central do Kraftwerk Hotter e Schneider em sua fase pré-'Autobahn "Ralf & Florian", ou ainda mais recentemente a dupla feminina Wet Leg. Mas é não é homoerótico. É mais enigmático e telepático, duas almas gêmeas olhando e sonhando na mesma direção. “Acho que não”, diz Dunckel. Somos uma dupla, temos qualidades muito diferentes, somos completos porque somos diferentes. Faço coisas que Nicolas não pode fazer e o oposto também é verdade. Então somos poderosos juntos.

Em duas décadas mudamos muito e escolhemos caminhos diferentes em nossas vidas. “Uma dupla é a combinação perfeita porque você tem dois tipos de personalidade, tanto ouvir quanto compor — torna a música rica. Mas ter dois integrantes é leve o suficiente para a banda poder mudar e tomar decisões. Com mais de dois, fica mais difícil."

"Acho que talvez estejamos nervosos diante de uma plateia", diz Godin. "Basicamente, tive um caso muito grave de síndrome do impostor. Como meu principal objetivo era fazer um grande álbum, sempre me considerei fora do produto. Eu cresci com música muito boa e queria fazer música boa sozinho. Talvez eu pudesse ter sido produtor... na verdade não, porque você também tem que ser um psiquiatra, e eu não seria bom nisso. "Foi quase um mal-entendido o fato de termos tido sucesso. Fiquei impressionado com o sucesso. Tivemos que sair em turnê - eu nunca tinha saído em turnê na minha vida.

Eu nem sabia o que era um roadie, ou uma turnê. gerente. Tudo aconteceu durante a noite. Tínhamos muitas coisas para fazer além da música." Talvez, como acontece com o Kraftwerk ou mesmo com o Daft Punk à sua maneira, apresentar-se como você o protege de alguns dos horrores da celebridade? “Certamente não éramos bem reconhecidos em França”, diz Dunckel. "E estou muito feliz por não ser uma celebridade. Felizmente, não tivemos que usar máscaras para nos esconder - nossos rostos estão nas capas, mas continuamos sem ser reconhecidos." “Na Inglaterra, se você forma uma banda e fica famoso, muitas portas se abrem para você”, pondera Godin. "Mas antes de Air, minha vida já era agradável - eu tinha um apartamento muito bom e bebia um bom vinho. Depois disso, tive a mesma vida, exceto que talvez meu apartamento seja maior. Na França, você não precisa ser uma estrela do rock para tenha um estilo de vida legal."

Assim como Daft Punk e outros contemporâneos parisienses como Phoenix e Dimitri De Paris, Air parecia emergir repentinamente de um grupo chave de artistas que já haviam começado a trabalhar no rock (o nome de Daft Punk na verdade vem de uma descrição depreciativa no Melody Maker - "um thrash idiota e punk" - de sua encarnação anterior, o Darlin'). “Eu trabalhava como professor, tocando piano”, lembra Dunckel em meados dos anos 90. “Eu estava bastante perdido, sem procurar coisas novas e sem música nova - eu estava em outro lugar.

Mas quando comecei a trabalhar com Nicolas, de repente descobri um novo house e me aprofundei na música eletrônica como Kraftwerk - uma das melhores bandas quem já existiu." Godin relembra o horror geral da cena pop e rock francesa daquela época. “Tínhamos grupos tentando imitar o rock britânico e americano, o que foi muito, muito ruim”, diz ele. "Tentar imitar Johnny Hallyday foi ainda pior. Você não tem ideia do mau gosto que as pessoas tinham neste país. Agora está tudo bem.

Tudo está normal, mas em 1995 e 1996, decidir fazer música na França era a pior opção possível. se você quisesse ser legal." Apesar da terrível moribundação da cena no final dos anos 80 e 90, a França fundou um Ministério do Rock. Tal como acontece com o Serviço Holandês de Resgate em Montanhas, nos perguntamos o que eles fizeram o dia todo. "Sim!" exclama Godin. "É como se Londres tomasse um vinho tinto ou um ministério de camembert. Não fazia sentido." A França, no entanto, tinha uma fantástica tradição eletrônica radical e de vanguarda - apresentando figuras como Pierre Schaeffer, fundador do Groupe De Recherche De Musique Concrete (GRMC), Luc Ferrari e a obscura dupla de vanguarda ZNR (Hector Zazou e Joseph Racaille), indiscutivelmente precursores do Air, embora nem Dunckel nem Gatlin estivessem cientes deles.

“Sim, Pierre Schaeffer foi muito experimental”, diz Godin. “Mas preciso sentir uma certa emoção que não está no que esses caras estavam fazendo – eles estavam sentindo falta dessa visão romântica da música que eu tenho. Usamos muitos instrumentos eletrônicos, mas sempre queremos fazer coisas românticas com eles, não usá-los para fazer barulhos estranhos. Para mim, isso é muito inteligente - quero sentir a música no meu corpo."

Então, como Air explica a grande onda do house francês a partir de meados dos anos 90? “Acho que foi um conjunto de coisas diferentes”, considera Godin. "O estúdio caseiro foi muito libertador. Basicamente, a indústria musical francesa com seus estúdios de gravação era tão ruim - produtores com um gosto tão terrível - mas com um estúdio caseiro, você poderia gravar o que quisesse e dar uma grande 'dane-se' para as grandes gravadoras, produtores e engenheiros de som que foram um desastre para a música francesa por tanto tempo "Se você fosse original e tivesse algum gosto, você poderia realmente fazer o que gostasse.

E com o sampler dando a você toda a história da música, você pode sintetizar - como a amostragem de Portishead de John Barry ou Isaac Hayes. Você poderia brincar com os sons do passado. Foi o primeiro momento na história da música em que você pôde reciclar coisas." "Sim, nós dois fomos inspirados pelas novas tecnologias, como samplers, e tínhamos uma abordagem muito francesa", acrescenta Dunckel. "Fazendo nossa própria culinária francesa. " "A segunda coisa é que, com a cena da dança, você não precisava se preocupar tanto com as letras - isso era um grande problema para a música francesa chegar ao exterior", diz Godin. "Agora, apenas um slogan estúpido como 'Around The World' era tudo que você precisava e poderia seria ouvido em todo o mundo.

"E depois houve o Eurostar. A indústria musical e a imprensa musical no Reino Unido estavam sempre à procura de algo novo, e de repente havia uma forma de apanhar um comboio e estar em Paris em apenas duas horas - não era preciso apanhar a porra de um comboio. E então, quatro ou cinco anos depois, Paris não era mais o lugar para estar - foi em outro lugar que deu origem a movimentos, como Nova York fez com os Talking Heads no final dos anos 70, e Londres nos anos 60. " Havia uma grande cena social naquela época da qual você e seus contemporâneos faziam parte?

Vocês todos saíram e estavam cientes do que os outros estavam fazendo? “Ah, sim”, diz Godin. “Estávamos todos juntos o tempo todo, festejando... e se você precisasse de uma bateria eletrônica, por exemplo, alguém te emprestava a dela para a tarde. Se você fizesse uma música e colocasse em uma etiqueta branca, você poderia testá-la saímos em um clube para ver se as pessoas gostavam. Então havia toda essa grande camaradagem, e ainda temos isso. Em Paris, estávamos tão isolados do resto do país que criamos esse tipo de irmandade. país contra nós!"

seguiu-se ao show no Coliseu com mais dois no Royal Albert Hall no final de maio. A segunda metade do show apresenta seleções da era pós-'Moon Safari', um trabalho verdadeiramente formidável que os fez oscilar entre um ambiente mais extremo ('Highschool Lover' de 'The Virgin Suicides') e um ambiente mais agressivo. abordagem, como na velocidade motorizada pulsante de 'Surfing On A Rocket'. 'Cherry Blossom Girl' permanece completamente intocada pelo tempo, enquanto 'Venus', com sua simples exortação para "cuidarmos uns dos outros", é inalterada e devastadoramente terna. Um lembrete de que o Air, nascido em tempos relativamente tranquilos, talvez seja mais necessário do que nunca na conturbada existência atual. O público acena com a cabeça tão vigorosamente que você teme que uma ou duas cabeças possam balançar e rolar pelos corredores.

A certa altura, o show de luzes banha todo o salão com um vermelho quente e sangrento e, por alguns momentos, é como se todo o local e suas fileiras de caixas empilhadas tivessem sido transformadas em camadas de bálsamo celestial. Então, o entusiasmo com que Air foi recebido nesses shows em Londres e em outros desta turnê fez a dupla pensar novamente em outro álbum? “Sim”, diz Dunckel. “Devo admitir que fiquei surpreso e tive dúvidas sobre o fim da banda.

O problema é que se trabalharmos juntos sob o nome Air isso vai chamar muita atenção, as pessoas vão ouvir. Às vezes eu faço coisas ótimas no estúdio mas as pessoas não ligam porque não é o Air. Então essa expectativa dá uma certa intensidade que talvez possa ser transformada em um novo álbum “Você quer trazer sedução para um público que acredita em você. Ainda mais, você quer surpreendê-los. É uma boa inspiração. Mas sempre deve haver o elemento sonho. Sempre deve haver essa vibração."

A reedição do 25º aniversário de 'Moon Safari' já está disponível na Parlophone/Warner Music. A turnê mundial da Air continua até 2 de novembro

Jean-Michel Jarre e Brian May se unem em show gratuito no Festival STARMUS

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 14 Apr 2024 02:53:00 +0000

O músico francês Jean-Michel Jarre pode se considera um inquieto dentro do meio musical pelo fato de está sempre envolvido com alguma atividade cultural da qual está inserido artisticamente. E nessas atividades Jarre sempre procura em suas performances trazer algo de significativo.

Com uma apresentação memorável no palácio de Versalhes em dezembro de 2023, Jean-MIchel agora fará uma performance gratuita no evento sobre ciência e educação chamado STARMUS que ocorrerá na cidade Bratislava, capital da Eslováquia. A apresentação será em parceria com o guitarrista Brian May, um dos fundados da banda de rock Queen, e um dos idealizadores do evento.

O STARMUS é um festival que segundo os próprios organizadores “Tem como objetivo inspirar e educar a próxima geração de exploradores e regenerar o espírito de descoberta. O Starmus é um festival global de comunicação científica e arte que reúne as mentes mais brilhantes do planeta. Starmus combina arte, música e ciência para aprimorar a comunicação científica. Queremos envolver a humanidade nas maiores questões do nosso tempo.

Esta edição de 2024 do Festival Starmus defende o tema “O Futuro do nosso Planeta Natal”, acentuando o papel vital que a ciência e a arte desempenham na garantia de um futuro sustentável para a Terra. Enquanto a ciência ilumina as verdades do nosso universo, a arte e a música nos inspiram a buscar novas revelações.

O festival reúne ganhadores do Nobel, cientistas e pesquisadores ilustres, astronautas, intelectuais e artistas para trocar conhecimentos enquanto exploramos questões existenciais profundas e urgentes. Foi fundada pelo astrofísico Garik Israelian, PhD, e pelo guitarrista do Queen e PhD em astrofísica Sir Brian May, sob os auspícios do falecido Stephen Hawking. A ciência, muitas vezes referida como a ponte para o amanhã, contém a promessa de avanços transformadores - se abraçarmos as suas descobertas e previsões sem hesitação”.

O STARMUS ocorrerá entre os dias 12 e 17 de Maio de 2024.

Local: Bratislava (capital) , Eslováquia.

O evento terá transmissão ao vivo pelas redes de TV pública da Eslováquia RTVS National, pela francesa EBU (European Broadcasting Union) e pelo próprio canal de Jean-Michel Jarre no YouTube.

Mais informações em: Starmus.com e Jean-Michel Jarre

Revista DJ Music

808 State fará apresentação espacial de seu álbum 90

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 07 Apr 2024 03:54:00 +0000

O grupo inglês 808 State um dos pioneiros dentro do estilo de Acid House informou uma apresentação especial para dezembro de 2024 na casa de eventos New Century Hall Manchester. Na qual farão uma performance em comemoração aos 35 anos de lançamento do álbum “90”, trabalho pelo qual ficaram famosos ao redor mundo.

O grupo formado atualmente por Graham Massey , — único membro remanescente da formação original; Andy Barker que ingressou no grupo em 1987, faleceu em Novembro de 2021— relataram que irão tocar material novo em conjunto com as músicas já conhecidas, além de novidades para o ano de 2025.

O 808 State tem um papel muito importante na história da Dance Music contemporânea, pelo fato em ajudar a popularizar o novo estilo de música eletrônica que estava surgindo no início da década de 1990. Com imenso sucesso que foi a jazzística “Pacific” (1989) , ficando entre as mais tocadas nas rádios inglesas e principalmente nos clubs ao redor da Europa, o 808 State marcou o seu nome meio musical. se tornando forte referencia.

A apresentação 808 Statr: 90 está agendada para 6 de Dezembro em Manchester, cidade natural do grupo.

Mais informações em: 808 State e New Century Hall Manchester

Fatboy Slim

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 28 Jan 2024 02:49:00 +0000

Wolfgang Flür ex-kraftwerk anuncia novo álbum com participações especiais

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 22 Jan 2024 04:48:00 +0000

Desde a sua desconexão com a banda Alemã Kraftwerk em 1987, Wolfgang Flür nunca parou definitivamente de trabalhar com música, apesar de seu primeiro disco com o projeto Yamo - Time Pie , ter sido lançado em 1996, após nove anos de sua saída do conjunto, e o segundo em parceria com a dupla U96 com disco o Transhuman em 2020; e o terceiro Magazine 1 em 2022.

Nesse meio tempo Wolfgang escreveu uma biografia “I Was A Robot” (1999) e lançou alguns singles além de apresentações como DJ pela Europa e Chile entre outras atividades.

Em uma entrevista para o site alemão Blick Wolfgang informa que está finalizando o seu mais recente trabalho chamado “Time” – o terceiro de sua carreira solo agendado para setembro de 2024.

O novo álbum tem as participações do baixista Peter Hook da banda inglesa New Order, grupo responsável por Blue Monday (1983) que foi um grande sucesso dentro e fora das pistas de dança ao redor do mundo, música que ajudou a popularizar a nova geração de artistas que trabalham com música eletrônica que estavam surgindo nesse período.

Além de Peter Hook, “Time” conta com a colaboração de Juan Atkins DJ e produtor de Detroit (EUA) e um dos criadores da Techno Music durante a década de 1980. Gênero musical que possui influência direta das músicas compostas do kraftwerk.

Junto com Juan e Peter há a participação do francês Thomas Bangaltar ex-membro da dupla de french house Daft Punk (1993-2021), duo que fez um enorme sucesso durante os anos de sua atividade artística, da qual contribuíram não só na popularização da cena clubber, mas principalmente da cultura da música eletrônica.

Wolfgang Flür não revela mais detalhes sobre “Time” deixando o restante para o lançamento oficial álbum para o segundo semestre de 2024.

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Revista DjMusic

Música e História: Jean-Michel fará show no Natal para comemorar os 400 anos do Castelo de Versalhes

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 24 Dec 2023 02:13:00 +0000

O inquieto e já renomado músico francês Jean-Michel Jarre informa que fará uma apresentação especial no dia 25 de Dezembro, para comemorar os 400 anos de existência do luxuoso Palácio de Versalhes, a antiga residência da família real do Rei Luis XIV. Hoje considerado um Patrimônio mundial pela UNESCO.

O concerto contará com transmissão ao vivo pelo grupo de TV francês M6-W9 e pelo canal no Youtube do próprio músico que inclui o recuso de Realidade Virtual, que pode ser usando em celulares e tablets

Segundo uma declaração divulgada pelo artista, Jarre afirma: “Estou muito empolgado em anunciar VERSAILLES 400, um concerto de Realidade Mista ao vivo a partir da Galeria dos Espelhos, no dia 25 de dezembro, para celebrar o 400º aniversário do Palácio de Versalhes.”,

Nomeado como Versalhes 400 o show acontecerá no famoso “Salão dos Espelhos”, parte emblemática e grandiosa do castelo conhecida por ter a sua decoração no estilo barroco em conjunto com inúmeros espelhos que complementam a arquitetura. Que visava expor a riqueza e o poder da família real.

Entretanto o evento acontece em um lugar marcado como ponto importante dentro do meio artístico francês, pelo fato do local ser importante por tornar famoso Castelo de Versalhes.

Versalhes 400 visa celebrar o caráter histórico dessas atividades que são memoráveis até aos dias de hoje.

Jean-MIchel Jarre

DJMusicMag

Karl Bartos transforma o silêncio em arte para nova trilha do clássico filme 'O Gabinete Dr. Caligari'

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 30 Nov 2023 03:36:00 +0000

Celebrado pelo seu trabalho com a banda alemã Kraftwerk da qual foi integrante entre os anos de 1975 até 1991, e responsável por várias faixas famosas dentro do grupo, o músico Karl Bartos divulga o seu mais recente trabalho em que Bartos refaz a trilha sonora do clássico filme-mudo expressionista “O Gabinete do Dr. Caligari” (1920) dirigido por Robert Wiene (1873 -1938), que acaba de ganhar uma nova cópia restaurada digitalmente pela Fundação Friedrich Wilhelm Murnau na resolução 4k.

Para essa empreitada, Karl Bartos conta com a ajuda de seu amigo de longa data e designer de som Matthias Black que já colaborou com Bartos em outros trabalhos no passado, que aqui nessa nova trilha musical, ambos artistas, procuram criar uma paisagem sonora, cheias de elementos orquestrais que visam complementar o clima sombrio e instigante que filme apresenta. A trilha será executa ao vivo em sincronia durante a projeção do longa.

“O Gabinete do Dr. Caligari” é considerado por muitos críticos de cinema, um dos primeiros filmes no estilo expressionismo e um dos pioneiros em inovação na parte de narração e originalidade em seu visual. E até aos dias de hoje, o filme é um objeto estudo e obrigatório nas escolas de cinema e artes visuais devido ao seu caráter inovador. Além de ser a primeira obra no áudio visual no estilo no estilo classificado de thriller psicológico.

Essa não é a primeira vez que Karl Bartos que trabalha com trilhas sonoras, em 2007, Bartos fez temas incidentais para o documentário Moedius Redux – A Vida em Imagens baseado na vida e obra do cartunista francês Jean Giraud (1938-2012) que colaborou na criação da identidade visual de filmes como Alien - O 8º Passageiro (1979) Tron: Uma Odisseia Eletrônica (1982), O Quinto Elemento (1997) entre outros longas que incluem animações e curta metragem, além do próprio mercado de histórias em quadrinhos.

Bartos durante o seu período com o kraftwerk, compuseram a faixa “Metropolis” (1978) em homenagem ao diretor alemão Fritz Lang (1890-1976) que dirigiu o homônimo longa, que na década de 1920, (o filme é de 1927) foi um grande sucesso nos cinemas e de critica, e se tornando uma grande referência e influência para o cinema nas décadas posteriores.

A trilha sonora de “O Gabinete do Dr. Caligari” está em pré-venda nos formatos de CD, Vinil, Digital, CD+DVD (edição limitada) pela gravadora Bureau B.

Link

DjMusicMag

A dupla francesa Air anuncia apresentações de disco Moon Safari na íntegra pela Europa

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 16 Nov 2023 03:15:00 +0000

O duo francês formado por Nicolas Godin e Jean-Benoît Dunckel informou que irão realizar apresentações pela Europa da execução completa do álbum Moon Safari ao vivo.

Segundo os próprios artistas, essa será a primeira vez que o clássico disco Moon Safari será tocado por completo ao vivo desde que a dupla o lançou em 1995..

Air e seu charmoso álbum Moon Safari, que ajudaram a popularizar a nova geração de artistas que trabalhavam com música eletrônica na década de 1990, junto com o Daft Punk (1993 – 2021) e o DJ Laurnet Garnier, a dupla foi importante no cenário musical eletrônico nesse período, pelo fato de mostrarem ao público, novos estilos sonoros dentro do meio.

Moon Safari agradou em cheio os ouvindo dando uma visão dos sons eletrônicos que eram diferentes do que se ouvia nas raves e clubs. Com Moon safari, Air se tornaram famosos ao redor do mundo, tornado a dupla uma grande referência e deixando a música eletrônica mais chique e diversa. Aqueles quem forem nas apresentações poderão desfrutar de uma experiência que dificilmente será replicada.

Mias informações: Air french Band

Abaixo as datas divulgadas até o momento sobre as apresentações.

Fevereiro

24 – Anitgel @ Victoria Hall, Geneva, Suiça

25 – Fabrique, Milão, Itália

27 – Wiener Konzerthaus, Viena, Àustria

29 – De Roma, Antwerp, Bélgica

Março

02 – Theater Des Westen, Berlin, Alemanha

07 – L’olympia, Paris, França

08 – Paradiso, Amsterdam, Holanda

24 – London Coliseu, London, Inglaterra

Fossora álbum da cantora Bjork ganha edição especial

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 10 Nov 2023 04:20:00 +0000

Foi divulgado o lançamento de uma nova edição do álbum Fossora da cantora islandesa Björk que conta com itens para colecionadores.

O álbum Fossora (2022) foi um grande sucesso de crítica dentro do mercado especializado em música , do qual colecionou inúmeros elogios, classificando o trabalho mais recente da cantora Björk com um dos melhores de sua já extensa carreira, além de agradar em cheio o seu público, mais que seleto.

Agora Fossora ganha uma edição capricha que será item muito cobiçado entre os admiradores da artista islandesa. Pelo fato da “caixa” conter objetos exclusivos e por ser uma edição limita.

Quem tiver dinheiro sobrando ou quiser arriscar uma compra a mais nesse fim de ano poderá ser dono de um itens bem caprichado.

Fossora Box Set (2023)

2 vinis transparentes de 10” (polegadas) com cinco faixas em novas versões

Lenço grande 100% em seda

2 impressões de pigmento (pinturas) em belas artes

1 Livro de pontuação Atopos

1 Livro ilustrado

1 Caderno de música

1 Pôster do alfabeto Fossora

Certificado de autenticidade

Entre outros itens.

Mais informações em: Bjork

Trilha Sonora composta por Jean-MIchel Jarre ganha nova edição

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 24 Oct 2023 03:53:00 +0000

A trilha sonora do filme Les granges brûlées (1973) composta por Jean MIchel Jarre no início da década de 1970 foi literalmente o ponta pé inicial da carreira do músico francês e escrito bem antes do álbum Oxygène (1976) do qual transformou Jarre em um artista popular nos anos posteriores.

Na trilha ouvimos os sons que seriam caraterísticos nas obras seguintes de Jean Michel como o presente orgão Farfisa e o marcante Sintetizador Analógico Portátil VCS3 que Jarre usa até hoje.

O diretor do filme Jean Chapot (1930 - 1998) deu total liberdade para que Jarre criasse a trilha sonora de uma forma bem livre e que coubesse na história do filme que gira em torno de de uma investigação de crime na região montanhosa de Haut-Doubs (França) em que irmãos são os suspeitos.

Apesar de sua produção modesta e um tanto tímida, podemos perceber que Jarre estava seguindo o caminho correto e do qual iria trabalhar nas décadas seguintes.

A trilha sonora Les granges brûlées (Transversales Disques - 2023) está disponível nos formatos Streaming, Download e Vinil.

Br> Les granges brûlées de Jean-Michel Jarre

O Trompete e o Pincel: A obra de Miles Davis retrata em Graphic Novel.

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 21 Oct 2023 23:56:00 +0000

Uma nova novela gráfica tenta representar os sons, assim como as histórias, do "cara complicado" Miles Davis."

Dave Chisholm parece estar em uma posição única para escrever uma novela gráfica sobre Miles Davis. Ele não é apenas um cartunista aclamado, com vários títulos de ficção científica e detetive em seu currículo, bem como uma graphic novel sobre Charlie Parker, mas também é um trompetista de jazz treinado que é obcecado pela música de Davis desde a adolescência.

"Ele sempre foi uma Estrela do Norte artística para mim", diz Chisholm, de sua casa em Rochester, Nova York. "Eu estava ouvindo seus álbuns de quinteto, como 'Miles Smiles', no ensino médio, o que me fez aprender a tocar trompete. Eu estava constantemente pintando imagens de Miles na minha adolescência. Então, este projeto realmente é um sonho se tornando realidade."

O livro 'Miles Davis And The Search For The Sound' começa com Davis se recuperando de um derrame nos anos 70, incapaz de tocar o trompete e sendo aconselhado por sua equipe médica a tentar desenhar. "Isso foi um dispositivo útil de enquadramento", diz Chisholm, o músico tendo que se expressar visualmente.

“Outra abordagem foram as citações de Miles sobre ver cores enquanto toca. Um desafio importante foi como representar o som de seu trompete: percebi que tinha que ser uma figura etérea e humanoide que altera sua forma. Sua forma de tocar é tão humana, tão cantável: tem uma qualidade vocal que parecia ser uma pessoa."

A maioria das citações do livro é retirada de entrevistas e da autobiografia de Davis, mas Chisholm não queria criar um documentário 'seco'. 'Abordei o projeto de um ponto de vista acadêmico, mas não é um livro de história - é investigativo, subjetivo e impressionista.

E eu não queria ficar limitado a recriar fotografias existentes - eu queria a liberdade de extrair imagens da minha imaginação. O emocionante para mim é criar som em um meio silencioso."

Durante todo o livro, as ilustrações de Chisholm correspondem à música. "Tento não ser muito literal, mas não consigo deixar de seguir a forma. Se você ouve a trilha sonora de 'Ascensor para o Cadafalso', é muito contida e simplificada, então tive que simplificar a arte no capítulo correspondente de volta e simples.

Em seguida, o próximo capítulo é sobre 'Sketches Of Spain', então as imagens estão cheias de detalhes. Depois passamos para o quinteto com Tony Williams e Herbie Hancock - estou tentando capturar a ESP com a qual esse quinteto se comunicava musicalmente, então minhas imagens são como as de Picasso, cheias de formas geométricas entrelaçadas." E quando Miles parte para o elétrico, Chisholm nos pinta uma explosão psicodélica de cores e formas irregulares."

Este é um projeto oficial, com a bênção do espólio de Miles Davis (no prefácio, seu filho mais novo, Erin, escreve que é 'algo que Miles teria adorado ver'). Mas eles não tentaram influenciar a visão de Chisholm. 'Havia muitas coisas sombrias em sua vida, e estou grato que sua família não me pediu para evitar isso. Eles ficaram felizes por eu apresentar este retrato de um cara complicado e problemático. Mas também é uma grande honra trabalhar com esta família e ser incumbido dessa responsabilidade de contar esta história notável." - JOHN LEWIS.

Virada de ano com Kraftwerk

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 16 Oct 2023 01:36:00 +0000

O kraftwerk anunciou uma apresentação para o final do ano de 2023 na Itália.

Quem estiver por perto da elegante cidade Rimini na Itália ou com alguma viagem agendada pela região próxima da charmosa província, poderá desfrutar de uma virada de ano caprichada.

Já que nesta localidade, irá acontecer o Galactica Festival que terá uma variedade de artistas musicais e DJs para animar a passagem de ano dos participantes do evento.

Segundo o divulgado, a festividade que será realizada por quatro dias na pequena cidade e promete noites ao som de vários estilos de música eletrônica, que irão animar qualquer amante do estilo.

A cidade de Rimini se destaca por está localizada em um belo ponto turístico da costa italiana com vista para o mar Adriático. Essa junção de música e natureza, é uma mistura que proporcionará uma experiência única para qualquer pessoa.

E dentro da história do grupo, é a primeira vez que os alemães fazem uma performance em uma data fora das tours tradicionais que eles sempre realizam ao redor do mundo. Além de poder comemorar a chegada de um novo ano junto com os pioneiros da música eletrônica.

Bom evento.

Mais informações em: Galactica Festival

Dj Music Mag

Coletânea que reúne trabalhos dos artistas pioneiros na música eletrônica indiana finalmente é lançada

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 11 Oct 2023 04:16:00 +0000

Texto original por: Jude Rogers (The Guardian)

Em 2016, o artista e músico britânico Paul Purgas teve sua curiosidade despertada: ele tinha lido que o músico eletrônico David Tudor (1926—1996), um colaborador próximo de John Cage (1912—1992), levou um sintetizador Moog para o National Institute of Design (Instituto Nacional de Design - NID) em Ahmedabad, Índia, em 1969. Isso chamou a atenção de Purgas. As máquinas eram muito novas na época; volumosas, frágeis e um pesadelo para transportar.

Além disso, a Índia, até onde ele sabia, não tinha histórico de música eletrônica antes do lançamento de "Ten Ragas to a Disco Beat" de Charanjit Singh em 1982, que passou despercebido na época, mas foi proclamado um clássico proto-acid house em seu relançamento em 2009.

O artigo que ele estava lendo mostrava o Moog agora, infestado de formigas e desgastado, resgatado por um antigo aluno. Empolgado, Purgas reservou uma viagem para encontrá-lo. Ele acidentalmente descobriu algo maior: um arquivo de gravações esquecidas que não tinham sido tocadas por quase cinco décadas. Isso o levou a uma história fascinante que ele explora em um novo documentário da BBC Radio 3, "Electronic India". "Basicamente, encontrei as raízes da música eletrônica indiana em uma caixa em um armário de biblioteca", ele ri. "Faixas com títulos como 'Space Liner 2001', e outras que pareciam minimal techno duas décadas adiantadas. Eu simplesmente não conseguia acreditar."

Purgas fez sua primeira viagem a Ahmedabad em 2017; é uma cidade empoeirada e movimentada que está mudando rapidamente. "Foi onde Gandhi fundou seu primeiro ashram (retiro espiritual), e também se tornou um campo de testes para novas ideias no pós-independência", explica Purgas. "Tinha muitos edifícios modernistas bonitos, mas alguns deles agora estão em estado de deterioração. É como um sonho do passado da nova Índia."

Central para esse sonho estava uma famosa família de intelectuais radicais, os Sarabhais, que ajudaram a estabelecer o NID. Eles educaram seus filhos com métodos inspirados por Montessori e a Bauhaus, e conviveram em círculos internacionais com arquitetos e designers como Mies van der Rohe, Charles Eames e Le Corbusier (que projetou a casa deles nos primeiros anos após a independência da Índia).

A filha deles, a musicista Gita, teve uma grande influência em Cage, apresentando-o à música clássica indiana, filosofia e ao conceito de silêncio quando se encontraram nos EUA na década de 1940. Como parte de um programa internacional financiado conjuntamente pela Fundação Ford dos EUA e pelo governo indiano, ela também trouxe Tudor para o NID por quatro meses em 1969 para criar um estúdio de som; ele enviou o Moog em caixas de madeira de Nova York.

Apesar do curto período de Tudor lá, o Moog foi usado por estudantes até 1973, como Purgas descobriu quando encontrou uma anotação manuscrita em um caderno amarelado mencionando a existência de fitas na biblioteca do NID. Ele as localizou rapidamente, há muito tempo intocadas e perfeitamente preservadas, com títulos e os nomes de cinco compositores cuidadosamente anotados em suas capas.

Purgas tentou reproduzi-las imediatamente, mas levou um choque elétrico do gravador de Fitas Magnéticas (Reel to Reel) do instituto antes de começar. "Foi um alerta. Eu tinha o ponto zero da música eletrônica para a Índia nas mãos e não sabia nada sobre conservação de fitas." E assim, ele voltou para casa, estudou e escondeu um gravador de Fitas Magnéticas em sua bagagem de mão na volta.

Ao ouvir as gravações cronologicamente, ele ficou surpreso: as aproximações da música clássica indiana deram lugar a composições com nomes como "Pássaros" ou "Bolhas" que comunicavam ambientes naturais por meio de sons sintetizados. "Então, elas se tornaram mais experimentais e livres, como se o Moog estivesse ajudando-as a se desconectar das tradições do país. Elas se tornaram ligadas a ideias do tecno-imaginário e a novos futuros."

Faixas nesse estilo incluíam "Dance Music" de SC Sharma, de 1972, que, com seu ritmo pulsante e melodia sombria, soava como uma faixa do Aphex Twin dos anos 1990. Ou os 30 minutos de "Space Liner 2001", criados pelo único dos compositores que ainda estava vivo, o agora septuagenário Jinraj Joshipura. Purgas o achou em Porto Rico; o momento em que conversaram pela primeira vez está registrado no documentário.

Purgas descobriu uma afinidade imediata com a história de Joshipura: ambos tinham sido estudantes de arquitetura que abandonaram seus interesses em som eletrônico em décadas diferentes porque suas famílias não aprovavam. Purgas retornou a essa paixão mais tarde, enquanto Joshipura não o fez até agora. "Minha família achava que isso não tinha potencial de carreira", diz Joshipura hoje, com um sorriso triste, via Zoom. Isso, apesar de Tudor ter ajudado seu aluno a garantir uma bolsa de estudos totalmente financiada para estudar nos Estados Unidos.

Joshipura seguiu uma carreira fascinante, abrangendo trabalhos pioneiros em energia renovável, desenvolvimento de software e arquitetura em todo o mundo. No entanto, ele ainda brilha visivelmente quando descreve seu primeiro encontro com o Moog. "Não tínhamos uma TV em casa na época. Fazia todo o meu trabalho com lápis e papel. E de repente, por uma porta, fui transportado da minha realidade muito mundana para esse mundo futurista de eletrônicos exóticos."

Ele explica que não havia uma cena eletrônica colaborativa no instituto, já que a natureza complexa do Moog significava que cada estudante compunha separadamente. Ele também lembra que reconectar os muitos cabos analógicos que compunham cada patch toda vez que reservava um horário levava muito tempo. Joshipura trabalhava das 20h às 23h todos os dias, em uma sessão individual com Tudor, depois desenhava o seu padrão de cabos analógicos com lápis coloridos, para que pudesse se lembrar do que tinha feito.

“Space Liner 2001" surgiu porque ele era um grande fã do filme de Stanley Kubrick, "2001: Uma Odisséia no Espaço (1968)". "Eu adoro a 'Danúbio Azul' de Strauss na trilha sonora, mas sabia que músicas como essa não tocariam no espaço. Como o sintetizador estava tão fora de qualquer outra experiência que eu tivera, eu estava pensando mais em criar música que se sentisse fora de tudo, que estivesse à margem da história." De fato, a faixa soa como uma curiosidade da era do Spacelab (1978), a faixa espacial e melancólica do Kraftwerk lançada nove anos depois.

O Moog era um instrumento libertador nesse sentido, oferecendo a um estudante indiano de 19 anos a mesma chance que Ralf Hütter e Florian Schneider (1947—2020) tiveram de criar música livre de qualquer contexto nacional ou histórico, para definir novos caminhos.

Joshipura também ficou fascinado com o potencial revolucionário do Moog. Como jovem estudante, ele tinha grandes planos de sintetizar sons no corpo em associação com osciloscópios, visando avançar na medicina; ajudar a reconhecer padrões na fala de animais, o que poderia auxiliar na tradução; e também usar sons sintetizados para ajudar submarinos a se comunicarem debaixo d'água. "A última ideia mostra que eu era um grande fã de James Bond quando era adolescente", ele ri.

No entanto, essas ideias inovadoras foram o que lhe garantiu a bolsa de estudos que ele não chegou a aproveitar. "O trabalho multidisciplinar ainda não é valorizado da mesma forma", ele diz, com pesar.

Joshipura realmente percebeu que os sintetizadores revolucionariam a música naquela época, embora ele admita que não previu a miniaturização deles. Após nossa conversa, ele me envia um esboço de 1972 mostrando como ele achava que os instrumentos se conectariam a um grande Moog.

Ele acompanhou a música eletrônica ao longo das décadas e gosta particularmente do produtor francês M83. "Ser contatado por Paul também me incentivou a finalmente desenvolver minhas ideias", diz, entusiasmado. "Mas eu teria que trabalhar com um instituto progressista, para que outras pessoas possam dar continuidade ao meu trabalho. Não podemos permitir que o que aconteceu no NID se repita, com tudo sendo simplesmente guardado e esquecido."

Infelizmente, Purgas nunca encontrou o Moog. Dhun Karkaria, o ex-aluno que o resgatou, faleceu durante a produção do documentário. No entanto, o que Purgas encontrou significou muito mais. "Encontrar a alegria da experimentação pura no som se estendendo tanto a leste quanto a oeste, naquele tempo ... dando à Índia uma voz na conversa internacional sobre música eletrônica e perceber que essa história ainda não acabou. Isso significa tudo."

Para ouvir:

NID Tapes: Electronic Music from India 1969-1972 (Band Camp)

O Livro:

Subcontinental Synthesis: Electronic Music at the National Institute of Design, India 1969–1972 (Link)

Fonte: The Guardian

DJ Music Mag

The NID Tapes: Electronic Music from India 1969-1972 de Various Artists

Rio de Janeiro recebe L7 e Black Flag em única apresentação.

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 05 Oct 2023 02:53:00 +0000

Com um papel importante dentro da cena grunge no início da década de 1990, o grupo L7 se apresenta pela terceira vez no Brasil e dividindo o palco com os brasileiros Mukeka di Rato e o conjunto Black Flag, grupo que fez parte dentro do movimento pioneiro do Punk Rock americano.

Os anos de 1990 apresentaram ao mundo diversos tipos de artistas em várias área do meio musical que causaram uma certa turbulência com o público mais jovem, muito pelo fato da inquietação e inconformismo típico do gênero do qual estão associados.

O grupo feminino L7 formado na Califórnia (EUA) em 1985, foi um dos conjuntos que ajudou a divulgar o gênero grunge em parceria com as outras bandas importantes na época como Nirvana, Pearl Jam , Stone Temple Pilots entre outros. Além do L7 levantar a banda do movimento Riot Girl/Riot Grrrl (movimento punk feminista). As meninas se apresentaram no Brasil pela primeira vez em 1993 e depois retornaram em 2018.

O Black Flag é uma história a parte dentro do rock alternativo, muito pelo mérito de sua influência em quase todas as bandas undergrounds que surgiram partir da década de 1980. A sonoridade que mistura a fúria punk com temas que incomodavam os integrantes. O conjunto se tornou uma grande referência dentro do circuito alternativo e que até hoje reverbera os seus feitos.

As apresentações do L7 estão agendadas para o mês de outubro nos seguintes dias: (20) no Carioca Club São Paulo, (22) Maranhão Open Air 2023 em São Luís, (24) Tork n' Roll Curitiba, (25) Opinião Porto Alegre e (29) Sacadura 154 Rio De Janeiro.

Black Flag: todas as para o mês de outubro: (22) São Luis, Moa Fest (24) Porto Alegre, Bar Opiniâo (26) Curitiba, CWB Hall (27) São Paulo, Carioca Club, (28) Goiânia, Goiânia Arena, (29) Rio de Janeiro, Sacadura 154

Os ingressos já estão à venda através internet.

Mais informações em:

Black Flag

The Chemical Brothers — Em novo disco a dupla inglesa continua mantendo o clima festivo de uma rave

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 16 Sep 2023 04:32:00 +0000

Já com 30 anos de carreira musical e com um histórico marcado por inúmeros elogios, prêmios e um público fiel desde que começaram as suas atividades no início da década de 1990, o duo eletrônico formado pelos ingleses Ed Simons e Tom Rowlands, chegam ao seu décimo e agitado álbum, que demonstra que a dupla pioneira no gênero bigbeat (pancadão), continua mantendo a qualidade no que produzem.

For That Beautiful Feeling (Vinil/CD/Streaming – Virgin/EMI - 2023) dá o seguimento iniciado do álbum anterior No Geography (2019) do qual a dupla fez uma guinada significativa em sua carreira e principalmente em suas apresentações, “For That...” é um complemento significativo dentro da proposta sugerida pela dupla. O clima de uma rave pulsa em todo o álbum.

Como possuem uma produção musical muito cuidadosa tanto na escolha nos parceiros e o evidente zelo em suas músicas, fazer um paralelo com o que produzem, não condiz com o perfil adotado pela dupla que sempre procurou manter um caminho próprio dentro do mercado do musical, que a cada dia se encontra mais diverso e plural.

No álbum há as participações mais que especiais do cantor Beck Hansen em ”Skipping Like A Stone“ e da cantora Halo Maud nas faixas ”Live Again“ e na própria ”For That Beautiful Feeling“ que encerra o disco. Ambos os convidados contribuem em músicas que dão uma pausa no clima agitado do disco, mas que são essenciais para manter a festividade do novo trabalho. Apesar dos cantores e amigos, quem brilha em “For That...” é a dupla.

Junto com ”For That Beautiful Feeling“, o duo prepara uma autobiografia chamada “Paused in Cosmic Reflection” pela editora White Rabitt, para comemorar os 30 anos de atividade artística, a publicação procura resumir a carreira da dupla a partir do seu início até os dias atuais. O livro é escrito por Robin Turner, pessoa próxima dos produtores desde 1994. Na publicação há declarações de vários colaboradores além de fotos, réplica de pôsteres, história sobre os bastidores, apresentações ao vivo, amigos e outras informações.

Tanto o atual disco quanto a autobiografia se apresentam como elementos surpresa para comemorar os 30 anos de atividade de Ed e Tom. Um verdadeiro deleite para os fãs que acompanham o duo por tanto tempo.

“For That Beautiful Feeling” é mais um elemento importante na tabela musical que criaram; e que não apresentam nenhum vestígio de cansaço ou apelo, afirmando que o laboratório sonoro dos irmãos químicos irá produzir muito mais.

DjMusicMag

Wet Leg, banda novata no cenário musical, vêm ao Brasil pela primeira vez.

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 30 Aug 2023 03:07:00 +0000

O meio artístico sempre prega alguma surpresa quando se está muito distraído ou simplesmente quando existe certa estagnação dentro do próprio cenário, seja ela qual for. E a quebra dessa monotonia quando acontece, é recebida com louvores e bons elogios. Em um momento no qual há uma imensa quantidade de música sendo produzida em qualquer lugar do mundo e espalhada pela internet, fica difícil destacar um artista, devido a grande oferta que se encontra.

A banda Wet Leg, original da Ilha de Wight na Inglaterra, é o grupo que faz essa “quebra” na falta de variações. Com um disco cheio de ironia, seguindo a linha do rock alternativo da década de 1990 ( Elastica e The Breeders são influências diretas) e com letras bem humoradas em conjunto com a caprichada e criativa produção de seu primeiro disco, a dupla formada por Rhian Teasdale e Hester Chambers chamaram a atenção não só de um público mais novo, mas principalmente da geração mais conservadora dentro do rock.

O seu primeiro disco que leva o nome da banda (Domino - 2022, CD, Vinil, Streaming e download), é recheado de faixas que abordam temas que variam entre festas sem muita animação e as eternas desilusões amorosas, além do sutil humor inglês que permeia todo o álbum, que dura 43 minutos.

Com essa pegada bem simples, porém caprichada, acabou rendendo dois Grammys – de melhor álbum de música alternativa e de melhor performance por “Chaise Longue”. Com isso chamaram a atenção de grandes festivais como o Coachella (EUA), Montreux Jazz Festival (CH), a dupla também excursionou com Harry Sytles, abrindo para o artista nos shows pela Europa em 2023, além de outros inúmeros festivais com participações em rádios e TV.

As meninas agora se apresentam no Brasil pela primeira vez, através do festival The Twon, abrindo para já veterana banda americana Garbage, em sua terceira visita em terras tupiniquins. Quem for assisti a ambos grupos, podem desfrutar de dois perfis de artistas um tanto diferentes. Garbage apareceu na metade da década de 1990 fazendo uma mistura de rock alternativo dançante com letras cheias de indiretas e as novatas do Wet Leg com o seu estilo de garagem rock com farra juvenil e em músicas que falam de desamores e curtição.

Apesar da lista dos artistas do festival serem diversa, fica o destaque para duas bandas, que cada uma em seu tempo, fizeram um trabalho que se destaca a originalidade e o carisma.

Mais informações em: Wet Leg

John Coltrane A Love Supreme – Live In Seattle — Apresentação rara, finalmente disponível

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 29 Aug 2023 03:27:00 +0000

Texto original publicado na revista Uncut em Dezembro de 2021, publicação na qual falam de uma apresentação ao vivo com o saxfonista John Coltrane que acabava de lança o seu disco mais importante “A Love Supreme” (1965), e por sorte , a hipnótica apresentação foi gravada por um dos operados de áudio da rádio que transmitia a performance tão impactante quando o disco em si.

Abaixo uma adaptação:

"Vendo a Luz: Ouro Arquivístico do Jazz, com uma Abordagem Espaçosa e Inspiradora da Obra-Prima de Coltrane. Por John Robinson."

"Ele era grande e gentil, relatou o Melody Maker, muito diferente de sua música. Em vez de estar ocupado e animado, o John Coltrane que recebeu o músico e escritor Mike Hennessey em um quarto de hotel francês era tranquilo, devocional e calmo. Ele ensaiou sua música sem constrangimentos por uma hora. Ele comeu uma refeição de gemas de ovo, sopa, pêssegos e água, e falou sobre "redescobrir" Deus.

Suas águas calmas escondiam correntes fortes. Um mês antes, Coltrane e um elenco de 10 músicos adicionais haviam gravado de forma livre o álbum "Ascension", uma explosão feroz baseada em um simples chamado blues. Na noite anterior, enquanto isso, Coltrane e seu quarteto haviam desconcertado a plateia no Festival de Jazz de Antibes ao tocar a peça "A Love Supreme" na íntegra, empurrando seus limites e ultrapassando-os com mais 15 minutos exploratórios. A plateia e os organizadores, esperando sofisticações polidas, se viram testemunhando uma busca contínua.

"A Love Supreme" foi gravado em 9 de dezembro de 1964. Em outro canto do mundo da música, Ringo Starr estava no hospital se recuperando de uma amigdalite, enquanto Coltrane e seu quarteto - Elvin Jones (bateria), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (baixo) - em uma sessão criaram uma suíte de jazz que esperava reconhecer e agradecer a Deus pela orientação. A peça é construída em torno de um tema recorrente de quatro notas murmurado pelo grupo e, em seguida, parte para uma jornada que parece espiritual, mas também sazonal.

Algo substancial é plantado no Lado Um ("Acknowledgement"/"Resolution") e isso então floresce de maneira mais livre e abrangente no toque em grupo do segundo lado ("Pursuance"/"Psalm"). Era uma peça composta, séria desde o gongo de abertura até a nomenclatura eclesiástica. Tudo, desde os solenes Coltranes dublados em "Acknowledgement", até a expressão indagadora do líder na capa, o fixa em nossas mentes como uma entidade completa: um álbum clássico.

No entanto, as ações de Coltrane sugeriam que a música era um começo, não um fim. No estúdio, ele experimentava: tentando uma versão de "Pursuance" com Archie Shepp e o baixista Art Davis expandindo a banda.

Aquela versão não vingou, mas em suas notas de capa, Coltrane disse que esperava poder dar continuidade ao trabalho que foi iniciado aqui. Não houve apresentações repetidas da música nem residências teatrais de "A Love Supreme" onde a banda se esforçou ao máximo para maximizar as vendas. Em vez disso, Coltrane foi guiado muito mais por sua própria intuição, pelo que ele sentia que era certo para o público.

De fato, em sua segunda noite em Antibes, Coltrane respondeu ao clima e tocou um conjunto mais enraizado em músicas que agradavam à multidão, voltando a "My Favourite Things" e "Impressions". Por um longo tempo

"A primeira apresentação em Antibes na primeira noite foi considerada a única gravação ao vivo de 'A Love Supreme'. Agora se descobre que alguns meses depois, em 30 de setembro de 1965 - na mesma sessão de gravação do lançamento póstumo de 1971 'Live In Seattle' - Coltrane tocou 'A Love Supreme' novamente. A apresentação, realizada no clube Seattle Penthouse diante de uma pequena plateia para o programa de jazz regular de quinta-feira à noite de Jim Wilke na rádio local, soa mais como música da parte posterior da década de 1960: executada por músicos em dashikis, não em ternos.

A banda é ampliada (o quarteto é acompanhado pelo baixista/flautista Donald Garrett e pelo saxofonista Pharoah Sanders), mas também a música, como se janelas adicionais tivessem sido instaladas em um edifício já espaçoso e sereno.

Quatro interlúdios, principalmente com duelos de baixos mais o ocasional sino de oração, proporcionam uma visão adicional da espiritualidade. Elvin Jones fornece um balanço clássico e engenhoso durante toda a apresentação, mas um novo senso de informalidade ao nível do tapete permeia a música.

A percussão é sacudida durante os 20 minutos de 'Acknowledgement'. Os acordes de McCoy Tyner flutuam à vista. A performance de Coltrane responde ao clima com contribuições relativamente beatíficas, permitindo a Pharoah Sanders espaço para falar em línguas mais vigorosas. Chegando aos 15 minutos de tratamento de 'Pursuance', o solo de Tyner esclarece as semelhanças e diferenças.

Ainda é uma música com muita virtuosidade e muitas notas, mas ela e seus músicos estão vivendo sua adaptabilidade, como a evidência revela tudo o que acreditávamos anteriormente que essa composição fosse, uma confluência de improvisação livre e o que posteriormente se tornou o 'jazz espiritual'.

No final da sessão, pode-se ouvir um trecho de conversa. "Acho que é isso..." "... Melhor que seja." Talvez inevitavelmente, no entanto, isso não foi o fim da busca de Coltrane, nem mesmo para essa semana.

No dia seguinte a esse show, ele levou seus músicos da noite anterior (acrescentando Joe Brazil, que gravou o show) para o estúdio do baterista de música country e western de Seattle, Jan "Kurtis" Skugstad. Eles gravaram uma sessão lançada após a morte de Coltrane, o álbum 'Om', que apresenta um cântico do Bhagavad Gita

O DJ de rádio Jim Wilke relembra o concerto.

Como você estava nesse show?

Eu estava na estação de rádio KING-FM em Seattle, trabalhando em várias programações, divulgada como uma 'mostra das artes vivas'. Uma das atrações era uma transmissão ao vivo semanal de um clube chamado Penthouse. Era um espaço longo e estreito, o palco à esquerda ao entrar, com um degrau elevado e teto espelhado sobre o palco. Basicamente, era destinado a assentos em torno de mesas de coquetel.

Como foi a apresentação?

Coltrane nunca falou com a plateia, ele simplesmente ficava de pé e tocava. Quando fiz a introdução ao vivo, e Pharoah Sanders fez os primeiros sons, ele estava rangendo e chiando, e eu me virei para ele e disse: 'Cara, eu não sei o que você está fazendo, mas estamos no ar.' Eles estavam tocando, e Coltrane veio até onde eu estava mixando e fez um sinal para os fones de ouvido. Ele acenou a aprovação e me disse: 'Isso provavelmente vai durar mais de 30 minutos.”

O que você achou da performance?

Tanto eu quanto muitos na plateia esperávamos mais daquela faceta de John Coltrane do que a que eles viram. Eles ficaram meio atordoados. Foi minha primeira experiência com jazz livre ao vivo, e eu ainda estava tentando entender. Acho que muitas pessoas também estavam.

Fonte da entrevista: John Robinson