250 películas

La llamada (reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Sat, 14 Oct 2017 12:43:00 +0000

La llamada es una de esas películas que fui a ver al cine sabiendo que me iba a gustar. No solo porque los directores —Javier Calvo y Javier Ambrossi— nos están empezando a acostumbrar a obras de una altísima calidad y rebosantes de creatividad como Paquita Salas, sino porque ya conocía la obra original. Esta película, que se estrenó el 29 de septiembre de 2017, es una adaptación de la obra teatral homónima y dirigida por los mismos autores y que protagonizaron originalmente Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo y Richard Collins-Moore, los mismos nombres que encabezan esta película.

La historia de La llamada está ambientada en un campamento segoviano de monjas llamado La brújula. La misma noche en que Susana y María tienen pensado escaparse a un concierto de Henry Méndez, María recibe una visita que hace que se pregunte cuál es su lugar en el mundo. La historia nos habla de aceptación, tanto en el sentido del respeto que debemos a los demás como el que debemos profesarnos a nosotros mismos.

El estilo de los directores consiste en yuxtaponer un lenguaje y unos personajes realistas con una circunstancia extraordinaria que, en el caso de La llamada, se refleja hasta en el hecho de que sea un musical. Es un auténtico placer ver un cine hecho aquí en que se cuiden los diálogos con tanto mimo y se pretenda que cualquier espectador pueda verse reflejado en los personajes, al tiempo que se persigue una fotografía ambiciosa y onírica.

El trabajo de guion está complementado por el que hacen las actrices, que consiguen ahondar en aquellos aspectos de sus personajes que solo se sugerían en el escenario y que, gracias al cambio de medio, ahora están más elaborados. Es imposible destacar a una actriz sobre la otra porque son cuatro pilares fundamentales para que la película funcione, sobre todo cuando se trata de un proyecto tan pasional como este.

La otra protagonista de la cinta es la música, que refleja también esta intención realista que mencionaba con el uso de canciones ya existentes y temas originales como forma de representar a los personajes. Se han actualizado las partituras para beneficiarse del hecho de que son audios grabados y no es necesario que tengan en cuenta que hay que cantarlas en directo.

La llamada tiene en su contra una de sus principales bazas: el mensaje de aceptación de pensamientos distintos al tuyo. Los defensores acérrimos de la iglesia católica verán un mensaje de burla contra la religión, mientras que los no creyentes se echarán atrás en el momento en que vean una monja en el cartel y léan las primeras líneas de la sinopsis. No hablemos ya de quienes no van a ver un musical ni anestesiados. La realidad es que es uno de los estrenos más originales y, probablemente, la mejor muestra que hemos tenido en los últimos años del cine español joven. Cada vez me dan más pereza los premios, pero el Goya para La llamada es necesario.

Creep (reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Sun, 20 Sep 2015 20:43:00 +0000

Repasando un poco las entradas del blog, me he dado cuenta de que nunca he escrito una reseña de una película de terror, mi género preferido. Mi sospecha es que veo tantas de estas películas que nunca me he detenido a hablar sobre una en concreto. Voy a hacer una excepción —espero que suponga el comienzo de un hábito— con Creep.

Antes que nada, Creep es una película que me alegro de que no me vaya a tocar jamás traducirla porque el título es un horror. Es uno de esos conceptos que tienes en la cabeza porque has aprendido su significado en contexto y nunca has pensado en su equivalente.

Es, además, una de las mejores películas de bajo presupuesto que he visto. Sigue la estructura de otras como El proyecto de la bruja de Blair, el ya muy extendido metraje encontrado —después de decir que me costaría traducir creep tengo que poner algo así o no me contratará nadie— pero con un tono más verosímil.

Cuenta la historia de Aaron (Patrick Brice) que acepta un trabajo listado en una página de contactos. El trabajo consiste en pasar un día grabando el día a día de un desconocido, Josef (Mark Duplass). Este hombre le dice que tiene cáncer y que quiere tener un vídeo suyo para que cuando ya haya muerto su hijo pueda conocerle gracias a él.

Josef es el típico desconocido que consigue ser aterrador y al mismo tiempo no ser inmediatamente peligroso como para poder llamar a la policía cuando te abraza.
Uno de los grandes triunfos de Creep es que consigue funcionar sin necesidad de un decorado especialmente terrorífico y en la ausencia total de una banda sonora. El ritmo de la película está muy bien medido teniendo en cuenta que gran parte de los diálogos son improvisados.
Se dice que lo más difícil es hacer reír (o llorar, o hacer pasar miedo, según la película que se quiera promocionar) pero en este caso toda reacción del público se consigue gracias al talento de los actores y el director. Consiguió asustarme sin un gran despliegue de medios frente al fracaso de otras franquicias como la tercera entrega de Insidious.

Es toda una experiencia; alguna de las escenas más extravagantes (las de Peachfuzz sobre todo) siguen en mi cabeza días después de verla. Os animo a que la veáis, aunque sea por curiosidad merece la pena ver lo que se puede conseguir adaptando una idea a un proyecto con pocos recursos.

Amy, la chica detrás del nombre (reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Wed, 22 Jul 2015 11:30:00 +0000

Amy, la chica detrás del nombre es sin lugar a duda el mejor biopic que he visto. Lo más impresionante que consigue el director, Asif Kapadia, es transformar la vida de Amy Winehouse en un guión cinematográfico. La fluidez y sentido del ritmo con las que el montaje une las entrevistas y las imágenes reales de la cantante es espectacular. Quizás dé la sensación de que iba con muy pocas expectativas de ver algo sorprendente, pero quedé impresionado. Me gustaba su música. La conocí con su segundo disco, Back to Black y no fue hasta mucho más adelante que escuché su primer trabajo, Frank. La música que nos dejó es la columna vertebral del documental, haciendo un gran trabajo a la hora de contextualizar —gracias a entrevistas a amigos y gente de su entorno— las letras de las canciones con las circunstancias que la rodeaban en ese momento. Es una buenísima introducción a los dos discos que grabó para todos los que no la hayan escuchado más allá del celebérrimo Rehab, la verdad. Los fans, que probablemente hayan visto ya los otros documentales sobre la artista, pueden tener la tranquilidad de que el documental no sólo aborda la historia de la artista desde el respeto, sino desde el amor más absoluto.

Dice en el documental su amigo y primer mánager Nick Shymansky que te hacía sentir la persona más importante del mundo para después hacerte sentir que no valías nada. No es exactamente eso lo que transmite el documental, pero sí consigue que sientas que tienes una amistad al personaje que no existía antes. Hay momentos en que parece que te están contando la historia de una amiga común y sientes alegría por sus éxitos y dolor por su evolución posterior, que está contada siempre por personas de su entorno y especialistas que la trataron.

Por tanto es muy destacable la labor documental que han llevado a cabo para la película y la valentía a la hora de no dejarse nada en el tintero, desde, obviamente, las adiciones de Amy Winehouse hasta la relación con Blake, pasando por su relación con su padre y hasta la época en que los chistes sobre su salud estaban a la orden del día. No se corta un pelo a la hora de mostrar lo que ocurrió —sobra decir que el padre no quedó muy contento cuando le enseñaron el primer corte de la película completa— y en parte es esta capacidad de juzgar a todos y no casarse con nadie la que también separa a este documental de otros que también tratan sobre Amy Winehouse, como The Untold Story u otros mencionados en la propia película.

En resumen, la mejor cualidad de Amy, la chica detrás del nombre es que es una película muy buena y, además, un documental bien fundamentado y estructurado, que toca en todos los detalles de la vida de la artista tristemente fallecida que puedan interesar a sus seguidores y a un público en general. Es una lección perfecta para cualquiera interesado en hacer un documental: si quieres interesar a un público que no esté especialmente versado en el tema que estás tratando, haz todo lo posible porque sea una buena película. Mi última recomendación es que, si es posible, optéis por verla en versión original subtitulada en cualquiera de los cines que ofertan esta opción por el simple hecho de escuchar la voz de los protagonistas. También os aconsejaría que os deis algo de prisa si queréis verla en el cine. Hay que agradecer a Vértigo Films que hayan decidido traernos este documental y hayan conseguido que se proyecte en una cantidad decente de cines, merece mucho la pena.

Birdman o La inesperada virtud de la ignorancia (reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Tue, 14 Jul 2015 16:38:00 +0000

Con Birdman o la inesperada virtud de la ignorancia, Alejandro Iñárritu se pregunta si la fama es algo que se consigue o si tiene precio, Riggan Thomson (y Michael Keaton) es famoso por haber interpretado al superhéroe Birdman en el cine. Ahora, sin proyectos profesionales de calidad se embarca en interpretar una obra teatral que él mismo se ha encargado de adaptar y producir para conseguir el prestigio artístico que nunca ha tenido. Le acompañan su agente (Zach Galifianakis al borde de un ataque de nervios), su hija Sam (una Emma Stone muy desaprovechada), su exmujer (Amy Ryan), sus compañeras de reparto Andrea Riseborough y Naomi Watts y su contrincante en escena Mike (Edward Norton).

La película nos muestra el proceso de ensayos de la obra desde la perspectiva de Riggan. Iñárritu lleva esta forma de narración al límite, no solo enseñándonos lo que el personaje ve, si no lo que piensa y lo que cree ver. Para conseguirlo construye la película entera en un falso plano secuencia y ciertas escenas en las que Riggan usa los poderes de Birdman. En el trailer de la película ya aparecían este tipo de efectos, lo que luego utilizará para criticar al público que esperaba una comedia o incluso una película de superhéroes cotidiana en el cine de hoy en día.

Desde mi punto de vista, ahí en donde se equivoca un poco. Creo que la película hace un gran trabajo de presentar unas situaciones que, pese a no ser completamente originales, completan una historia (la del protagonista) redonda, en la que su viaje llega a una conclusión satisfactoria para el espectador —que no necesariamente feliz—, pero hay ciertas metáforas visuales como el último discurso de Birdman o el monólogo de MacBeth en las que se ve demasiado al director y demasiado poco el reflejo de la psique de Riggan. Esto es probablemente lo que más echa para atrás al espectador medio que, simplemente, se tropiece con esta película. No se puede juzgar a tu público dentro de tu obra porque sabes que va a pensar que la película es aburrida como hace Iñárritu en un momento en que tira la cuarta pared, sin reflexionar sobre qué estás haciendo para que eso suceda.

Nos enteramos de la vida del resto de personajes siguiendo el mismo plano secuencia, pero los detalles más privados de su vida en bastantes ocasiones no se relacionan con Riggan. Al fin y al cabo, la lucha de Riggan por volver a ser popular empieza con su vida personal y las relaciones que ha estropeado debido a su progresiva pérdida de fama. Es un concepto interesante que intenta usar lo que el público ya sabe de los actores (que están muy acertados en sus interpretaciones) en los personajes, como el éxito de Michael Keaton interpretando a Batman o los rumores de que es imposible trabajar tranquilamente con Edward Norton. El resto del elenco consigue salir al paso con desenvoltura de un guión difícil de interpretar por la cantidad de dificultades técnicas que acompañan al rodaje de una plano secuencia, y en algunos casos lo hacen a pesar del guión, como es el caso de Emma Stone. El problema de su papel es que, por más profundidad, por más fragilidad que intente imprimir al personaje de Sam, su trama es la que más ideas abandona tras presentarlas en una única escena, como la del poder del anonimato o su romance con Mike. Una verdadera pena.

A nivel técnico la película es sobresaliente. Consigue hacernos olvidar la cantidad de trucos que son necesarios para que el formato que emplea funcione y lo hace con soltura. La música cobra también especial importancia en algunos momentos de la película y confirman 2014 como el año de las baterías.

Birdman es una gran película que se desmarca en muchos aspectos del cine que estamos acostumbrados a ver, pero que, por desgracia, se ve perjudicada por el abandono de la trama de los personajes secundarios y el diálogo que el director intenta mantener con el espectador, que rompe la subjetividad con la que está contada el resto de la historia de Riggan.

Whiplash (crítica)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Sun, 12 Jul 2015 13:05:00 +0000

Pocas películas me han impresionado tanto como dos que he visto este año: Whiplash —por la que voy a comenzar— y Birdman o La inesperada virtud de la ignorancia. Distintas, en ejecución y forma, ambas películas tienen en común su planteamiento sobre el talento y sobre el proceso que el artista lleva a cabo y sufre para completar su gran obra. No son temas nuevos: por no buscar más atrás, la novela El perfume: historia de un asesino de Patrick Süskind o la película Cisne negro de Darren Aronofsky ya planteaban una situación en que la gran obra de un artista acababa suponiendo su destrucción.

Whiplash —escrita y dirigida por Damien Chazelle— cuenta la historia de Andrew Neiman (interpretado por Miles Teller), un baterista de 19 años que estudia en un conservatorio de Nueva York y la lucha de su profesor, el terrible Terence Fletcher (interpretado por un soberbio J. K. Simmons) por convertirle en el mejor del mundo, a cualquier precio.
Lo mejor que tiene Whiplash es que aprovecha hasta el último de los elementos que pone encima de la mesa: el ritmo de la música se convierte en el ritmo del montaje incluso en las escenas fuera de la orquesta, las interpretaciones de los actores guían el tono de la música (y viceversa), el título de una canción y de la película se interpone en el destino de Andrew Neiman (whiplash es un latigazo cervical, como el que sufre en el accidente de coche que tiene al dirigirse hacia el concierto).
Por el argumento de la película e incluso los diálogos sacados de La chaqueta metálica, estoy seguro de que nadie habría dado un duro por ella. Es la atención al detalle y la solidez del montaje lo que han conseguido llevar a buen puerto un planteamiento manido y sin grandes nombres detrás de la producción (salvo Simmons), del mismo modo que una partitura puede convertirse en una obra maestra si se encuentra al intérprete adecuado.
Como he dicho al principio, J. K. Simmons está genial como maestro de métodos cuestionables. Su personaje busca la perfección, o su propio concepto de ella y proyecta esta idea sobre él mismo, sobre los demás personajes y, lo más importante de todo, sobre el espectador.
Quizás esta idea sea la más interesante que trata la película: cómo el espectador cuestiona los métodos y empatiza con Neiman al tiempo que éste incorpora las enseñanzas de su maestro cada vez más en su vida. Realmente no conocemos nada de la vida de Neiman antes de su encuentro con Fletcher, lo que ya nos está sugiriendo que es una vida mediocre. El siguiente paso en la evolución del protagonista, y por tanto nuestra, es la escena con la familia de Neiman. Supondrá que ya no solo juzgamos discretamente el fracaso del padre como escritor sino la vida normal de los otros familiares, que celebran sus pequeños éxitos ante un Andrew asqueado.
Sin entrar en mucho detalle, desde mi punto de vista el final de la película, un aparente final abierto, supone el éxito de uno de los personajes sobre el otro, aunque queda en manos del espectador decidir quién sale ganando.
La banda sonora de la película, que naturalmente tiene un papel fundamental, es una recopilación muy buena de clásicos del jazz interpretada por la orquesta y es muy recomendable de manera independiente a la película. Podéis encontrarla en iTunes o editada por Varèse Sarabande.
Whiplash es una lección en ritmo cinematográfico y en la importancia de utilizar bien los elementos que se emplean para configurar la película que resulta en una obra cerrada de una forma magistral y produce en el espectador una sensación de satisfacción que solo se puede comparar al último tempo de una partitura bien interpretada.

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Mon, 25 May 2015 17:18:00 +0000

Ya están a la venta las entradas del concierto Calle 42 que dará la Orquesta Sinfónica de Chamartín, dirigida por César Belda, el próximo 11 de junio. El repertorio incluirá grandes clásicos como Sonrisas y Lágrimas, West Side Story, Annie Get Your Gun, Los Miserables o Los Productores. Estos temas los cantarán grandes solistas del mundo del musical como Julia Möller, Víctor Díaz, Sara Pérez y Ángel Ruiz, acompañados por un coro participativo en el que todos los integrantes son bellos y maravillosos.

Entradas disponibles en: http://www.entradasinaem.es/FichaEspectaculo.aspx?id=5&idEspectaculo=1188

Y además, en algún momento terminaré de escribir sobre Whiplash y Birdman.

The Life and Opinions of Tristram Shandy, Gentleman (I)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Mon, 15 Dec 2014 10:58:00 +0000

Mientras escribía un trabajo sobre el movimiento Biedermeier de la literatura alemana he tenido mucho tiempo para pensar y en uno de esos momentos de reflexión me acordé de Laurence Sterne. Fue en concreto cuando hablaba del cariz autobiográfico de Bauernspiegel (Espejo de campesinos) de Jeremias Gotthelf, realmente llamado Albert Bitzius, que recordé que jamás había retomado la lectura de The Life and Opinions of Tristram Shandy, Gentleman (1759) tras mi primer intento fallido hace casi tres años. La asociación de ideas me pareció más que apropiada y me he puesto al lío aprovechando este breve periodo de descanso.

Los parecidos entre ambos autores se limitan a que ambos eran líderes de una comunidad religiosa situada en un ambiente rural y en que sus personajes se atribuyen la autoria de su biografía, al tiempo que esta refleja en cierto modo la vida del escritor.

Más allá, Sterne, pese a vivir casi 100 años antes que Gotthelf, va a ejercer una influencia que se va a extender durante siglos y que llegará a autores modernistas como James Joyce, E. T. A. Hoffmann o Virginia Woolf. La más clara es el uso del flujo de pensamiento que Sterne emplea desde el mismo comienzo y que le van llevando de una historia a otra, sin acabar de narrar ninguna, como en una construcción de fractales inacabadas. En esta primera entrada voy a llegar tan solo al capítulo VII pero ha sido suficiente para darme cuenta de que el número de referencias, sátiras, burlas e influencias entre esta y tantas otras obras es casi inabarcable si no fuera por la inestimable ayuda de las notas que Robert Folkenflik añade a esta edición para guiarnos entre rayas, comas y Locke.

La dedicatoria ya es toda una declaración de intenciones de lo que estamos a punto de leer. El receptor de la dedicatoria es William Pitt, conde (Earl) de Chatham y muy popular en la época por sus victorias en la Guerra de los siete años. Es una dedicatoria en la que Sterne habla de su enfermedad —padecía tuberculosis—, de lo poco que le gusta Sutton-on-the-Forest y de la importancia de la risa, antes de dirigir sus elogios a Pitt.

Respecto a la risa, no he podido evitar recordar aquella anécdota sobre Felipe V y Don Quijote de la Mancha que recojo a continuación:

«Cuentan que en una ocasión Felipe V ordenó detener su carroza real para observar a un joven que se paseaba leyendo un libro; pero lo extraño de ese lector era que a cada paso se detenía, cerraba el libro y comenzaba a reír a carcajadas. Por lo que el rey acotó: "Ese estudiante, o está fuera de sí o lee la historia de Don Quijote".» (Eisenberg, 1995)

Esto es lo que Sterne le pide. En la introducción, Folkenflik recoge una cita literal del autor: "I wrote, not to be fed but to be famous" y desde luego que lo consiguió.

Los cinco primeros capítulos nos sirven para no terminar de hablar de los padres de Tristram, de su concepción y del tío Toby. De momento no encuentro otro significado a las rayas distinto al que propone Folkenflik: Sterne considera que la narración tiene que ser como un diálogo entre el autor y el lector, hasta el punto de que deben usarse en el texto recursos propios de una conversación. Las rayas son, por tanto, una representación de aposiopesis y una forma de añadir insinuaciones a lo que se acaba de decir para que el lector activamente rellene esos huecos. El estilo conversacional está salpicado de un toque metaliterario bastante divertido en el capítulo IV, cuando Tristram nos dice que pese a que Horacio recomienda empezar in medias res, él va a hacer lo contrario, empezar la historia ab Ovo porque le da la gana ("[...] for in writing what I have set about, I shall confine myself neither to his [Horacio] rules, nor to any man's rules that ever lived"). Explica que esta entrada es solo para los curiosos y anima a los que no necesiten de esa información a que continúen en el siguiente capítulo. Después, cierra la puerta de la habitación —literalmente— para no molestar ni ser molestado y se pone a contarnos sus sospechas, o las sospechas de su padre, de que realmente no es hijo legítimo.

Esa es otra diferencia maravillosa con Gotthelf: Tristram no tiene miedo de hablar de nada, no es el vicario de una parroquia en medio de la nada, es un personaje y no le importa decirnos en el capítulo VII que si alguien tiene una sana fascinación por Hobby-horses (gracias a las notas, sabemos que se trata de prostitutas) y no hace daño a nadie, ¿quiénes somos nosotros para juzgarle? Debería haberle hecho esa pregunta a los censores de la era victoriana.

The Berlin File (Reseña) Estreno 8 de noviembre

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Mon, 28 Oct 2013 19:24:00 +0000

Título: The Berlin File

Director: Ryoo Seung-wan

Año: 2013

Género: Acción, espionaje

Nacionalidad: Corea del Sur

Distribuidora: Media 3 Estudio

Estreno: 8 de noviembre

Es necesario hacen una división dentro de la películas de espionaje en la que meter a las películas sobre la Guerra Fría. Cargadas de intrigas políticas, ofrecen siempre algo más que las escenas de acción que todos sabemos van a estar ahí y ayudan al espectador a conectar más con ese mundo, que es el suyo, al tiempo que hacen que éste rellene los huecos de la historia que no es necesario contar, pues ya los conoce. Con esta introducción parece que voy a hablar de una película basada en un libro del recientemente fallecido Tom Clancy pero no es así —en esta ocasión—, sino que esta entrada está dedicada a la última película del director surcoreano Ryoo Seung-wan, The Berlin File.

The Berlin File narra la historia del agente fantasma norcoreano Pyo Jong-seong (interpretado por Ha Jung-woo) y su fallido intento de vender armas ilegales a unos señores muy malos desde la habitación de un hotel de Berlín. El jefe de la inteligencia norcoreana, Jung Jin-soo (Han Sukk-kyu), vigilaba la operación y ahora tendrá que investigar si se trata de una misión secreta o de un agente doble. Desde Corea del Norte llega, además, Dong Myung-su (Ryoo Seung-bum) para espiar a la mujer de Jong-seong, que es intérprete o, lo que es lo mismo, maravillosa y debería aparecer la primera en los títulos de crédito —Ryong Jong-hee (Gianna Jun)—.

Por supuesto, el argumento se ve acompañado de escenas de acción: peleas, persecuciones, huidas desesperadas… dirigidas con mucha soltura y precisión. El director es especialista en películas del género y demuestra en esta cinta que ha aprendido a manejar lo más importante de éste: el ritmo. Para una película de dos horas ocurren muchas cosas pero consigue que no sobre nada, como sí pasaba en Misión imposible: protocolo fantasma, en la que había conversaciones que olían a relleno. Las escenas más peligrosas mezclan de manera muy acertada el uso de imágenes generadas con ordenador y maniobras reales, sin decantarse ciegamente por lo uno o lo otro (James Cameron, I know you are probably reading this blog, I’m pointing in your general direction; and watch yourself, Sam Raini, ‘cause you do the exact opposite and it pisses me off).

Los actores se desenvuelven por soltura por las distintas situaciones que se les plantea y que ellos mismos desembocan, aunque es muy contadas ocasiones se les nota un poco fuera de lugar cuando no están hablando coreano (aclaro que he visto la versión original subtitulada en español). No estoy seguro, lo cual es bastante positivo, pero me ha dado la sensación en algún momento de que Han Sukk-kyu se ha doblado a sí mismo cuando habla en inglés en alguna escena en la que la lengua es muy coloquial, cosa que en alemán no se nota, lo poco que entiendo de este idioma. Quede como curiosidad si os fijáis mientras veis la película.

Respecto a la trama, como ya he mencionado en la introducción, trata inevitablemente del conflicto entre Corea del Norte y Corea del Sur, que no es más que URSS contra EE.UU. El punto interesante es que en ningún momento se muestra manierista en su presentación de los personajes: no hay blanco y negro (o blanco y verde, para adelantar algo de lo próximo que voy a escribir), cada personaje tiene su ideología y los enfrentamientos surgen entre ellos, no del director que nos dice lo malo, malísimo que es Kim Jong-un o quien sea. De nuevo, el que se trate de un conflicto moderno ayuda enormemente a que entendamos las connotaciones, las imágenes, etc. Se me ocurre, por ejemplo, que en una época en la que el conflicto no existiera no se entendería un detalle tan pequeño pero tan significativo como decir «por los dientes parece de Corea del Norte».

Sin embargo, sí ha habido un par de momentos que me han rechinado un poco mientras veía la película. Hacia la mitad de la película hay dos escenas en concreto que pasan de verosímil pero no del todo realista a completamente inverosímil, y por unos minutos te sacan completamente de la película. Es extraño porque conservan el tono general y seguros que escritos en el guion cuadraban perfectamente. Creo que hay que buscar la causa en la edición. Mi teoría es que Ryoo Seung-wan calculaba que para entonces el espectador habría asumido completamente una suspensión de la incredulidad, pero parece estar medido y, claro, se ve el cartón. Curiosamente, al final de la película sí ocurre esta suspensión (solo soy consciente ahora escribiendo sobre ello) y funciona como tiene que ser.

En resumidas cuentas, si os gusta el cine de acción, espionaje o las películas de la Guerra Fría, no os perdáis The Berlin File a partir del 8 de noviembre porque satisface todos estos aspectos a la perfección. Tal vez sea poco sorprendente en lo que nos muestra pero está tan bien ejecutada que puede perdonarse. Es como escuchar un montaje muy bueno de una obra que ya conoces: sabes lo que van a decir y lo que va a pasar y aun así quieres volver a experimentarlo.

Nota: de bien nacido es ser agradecido, así que quiero dar las gracias a Media 3 Estudio por dejarme ver la película para esta hacer posible esta reseña.

¡Rompe Ralph! (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Wed, 26 Dec 2012 00:24:00 +0000

Título: ¡Rompe Ralph!

Título original: Wreck-it Ralph!

Año: 2012

Estudio: Walt Disney Studios

Género: Animación, aventura, comedia.

Duración: 108 minutos.

La Navidad siempre nos trae estrenos orientados a un público más infantil...bla, bla, bla, la magia, el amor, los niños. Este año, pese a que Dreamworks se obsesione en intentar vendernos El origen de los guardianes, todas las miradas se dirigen hacia 'Rompe Ralph', la nueva película de Disney ambientada en el mundo de los videojuegos. Y es muy divertida pero, ¿a quién está dirigida?¿a fans de videojuegos exclusivamente o a cualquiera con ganas de ver una película de animación?¿cómo se tratan los videojuegos que aparecen en pantalla? Todo esto es lo que vamos a intentar ver en las siguientes líneas.

Lo primero que hay que destacar está antes del comienzo de la película: el espectacular corto animado Paperman, al que voy a dedicar más adelante una pequeña entrada, porque merece mucho la pena, una pasada.

Cansado de ser el malo de la historia, Ralph decide tomar el asunto por sus propias y gigantes manos, y se lanza en un viaje a través de los distintos mundos y generaciones de videojuegos para demostrarle al mundo que él también puede ser un héroe. En su recorrido, Ralph conoce en primera persona a la rigurosa Sargento Calhoun, del videojuego de acción “Hero’s Duty”, y a la testaruda Vanellope von Schweetz, de Sugar Rush, un videojuego de flamantes coches de carreras que quizás se convierta en su primera amiga verdadera. Pero todo cambia cuando irrumpe un enemigo mortal que amenaza con destruir el mundo de los videojuegos y a la propia Vanellope. Finalmente, Ralph tendrá la posibilidad de convertirse en héroe, ¿pero podrá hacerlo a tiempo?

A nivel técnico la película es una delicia, tanto en animación de los personajes, que imitan los movimientos de los de los videojuegos a los que representan (movimientos muy bruscos para los personajes pixelados, que están modelados sin embargo en 3D; robóticos o muy dirigidos para otros...). Además de los que vienen de videojuegos reales (y hay muchísimos más de los que da tiempo a contar en un primer vistazo), se han creado otros que casan muy bien con el diseño general, empezando por Ralph, el propio protagonista. También el diseño de los decorados, algunos inspirados en el trabajo de Gaudi, es original e interesante con la idea de que cada uno de los mundos existe únicamente con el objetivo de aparecer en la pantallita de las máquinas recreativas. Sí que es verdad que empieza muy fuerte, enseñando muchísimas cosas y de pronto, debido al argumento, la cosa se estanca en Sugar Rush y durante mucha parte del metraje el escenario no cambia, hasta el punto de que pierdes un poco el interés, porque hasta entonces lo interesante era ver qué iban a enseñar a continuación.

A cambio, meten al personaje de la niña, que es completamente adorable de comienzo a fin, y ella solita consigue mantener la atención, que Ralph había comenzado pero ya se repetía.

Los chistes de videojuegos son sencillitos y podría decirse que se entienden a dos niveles: el chiste en sí, muy gráfico y orientado a la tecnología, la reacción de un personaje con otro o sobre una característica del muñeco que salte mucho a la vista. Pero también ha habido cuidado de añadir una segunda capa en los chistes para que si se conoce el videojuego que se está representando en ese momento (al protagonista, normalmente), se entienda algún detalle en concreto. Son realmente muchos los guiños que se hacen a la cultura del videojuego, pero hay un esfuerzo notable en buscar el equilibrio entre el público que sabe de qué se está hablando en pantalla y el que ve solo un muñeco gracioso que no conoce pero mola. Hay una forma muy sencilla de ver esto: en la sala donde hemos visto hoy la película, día del estreno, el público estaba compuesto casi al 50% de familias y el otro 50% de gente joven, probablemente jugadores de videojuegos...y algunos que nos hemos quedado sin entradas para el estreno de Los Miserables...

En resumen, es una buena película que ha sido muy inteligente a la hora de ampliar al máximo el público al que está dirigida. Destaca por su diseño de escenarios y por la gracia con la que se han dirigido las animaciones. Es muy recomendable para cualquiera que quiera reírse un buen rato en el cine, y si vais con los niños se lo van a pasar muy bien. Vigila que no se pongan a dar patadas en el asiento de delante, eso sí.

El Hobbit: Un viaje inesperado (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Sat, 22 Dec 2012 09:00:00 +0000

Título: El Hobbit: Un viaje inesperado (The Hobbit: An Unexpected Journey)

Año: 2012

Director: Peter Jackson

Estudio: New Line Cinema

Género: Acción, aventuras.

Países: Reino Unido, Nueva Zelanda, Estados Unidos.

Duración: 169 minutos

La aventura sigue el viaje del protagonista Bilbo Bolsón, que se embarca en la recuperación del tesoro y del reino enano de Erebor arrebatados por el terrible dragón Smaug. Alcanzado de repente por el mago Gandalf el Gris, Bilbo se encuentra acompañado de trece enanos dirigidos por el legendario guerrero Thorin Escudo de roble. Su viaje les hace adentrarse en el bosque cruzando tierras peligrosas, donde se encontrarán con trasgos, orcos, wargos salvajes y hechiceros. Aunque su objetivo era la Montaña Solitaria de Oriente, primero tuvieron que escapar de los túneles de los trasgos, donde Bilbo se encuentra con la criatura que cambiará su vida para siempre: Gollum. Aquí, a solas con Gollum a la orilla de un lago subterráneo, el sencillo Bilbo Bolsón no solamente descubre, y se sorprende, de lo astuto y valiente que puede llegar a ser, sino que se hace con el “tesoro” de Gollum, un anillo que posee cualidades muy útiles: Se trata de un sencillo anillo de oro ligado al destino de la Tierra Media hasta un punto que Bilbo ni si quiera puede imaginar

Por fin, tras muchos años, muchas noticias y muchos tira y afloja llega la adaptación cinematográfica del libro que supuso el comienzo del universo de la Tierra Media que posteriormente se haría tan célebre con El Señor de los Anillos. La película ha venido acompañada de polémica: los fans se preguntan si en un libro de algo más de 300 páginas hay material para las tres partes en que el señor Peter Jackson ha decidido cortar la película y el estreno del formato 3D 48 frames por segundo ha sido recibido de manera muy fría.

Yo tengo que dividir esta reseña en dos partes: la principal, completamente objetiva y un comentario final a nivel muy subjetivo (más de lo que ya es de por sí una reseña, claro).

La película es espectacular a nivel técnico e interpretativo. Por desgracia, o quizás no, no la he visto en 3D o en una proyección a 48 infames frames por segundo (como apunte aparte: una película normal se proyecta a 24 frames por segundo, es decir, en un segundo por la pantalla aparecen 24 fotogramas, mientras que para El Hobbit se ha estrenado el formato en 3D y 48 fps), simplemente porque me parece una pasada tener que pagar 12€ largos por entrar al cine. Tampoco puedo pasar por alto que si entras a ver esta película, no hace falta que entres muy pegado de hora: 23 minutos de anuncios que nos hemos tragado, y es la tónica general según he podido leer en Twitter, y solo uno de ellos ha sido un tráiler, el de Django Unchained (Que en menos de dos semanas reseñaremos en este blog). Muy, muy mal por 8,90€ la entrada...

Pero esto son detalles externos a la cinta en sí. La primera escena ya se encarga de devolvernos a lo que mejor hace Peter Jackson en estas películas y que también será un recurso muy importante en ésta: ambientar un paisaje para que el espectador se recree en la belleza del mundo que han construido a base de retales del real al tiempo que nos da una idea de la magnitud de la Tierra Media y de lo épico del viaje. Y los detalles, claro. Los detalles son el elemento más encantador de la película a la vez que su perdición para un público que sea muy aficionado tanto a las obras literarias como al resto de la saga cinematográfica. Aunque pueden verse muchos guiños, sobre todo a La Comunidad del Anillo, la primera entrega de la saga, no hay tantas referencias a obras externas también ambientadas en el universo (Me refiero sobre todo a 'El Silmarilión' o la Historia de la Tierra Media) como se anunciaron. Vaya, que Christopher Lee sale muy poco el hombre y de forma deslucida, cuando él solito podría llenar la pantalla en una escena, aunque fuera bebiendo té.

Pero también se ha insistido mucho desde la promoción en que El Hobbit es un cuento para niños, lo que tendría que repercutir de forma directa en el tono. Para mí, este es el gran fallo que tiene Un viaje inesperado: no se encuentra cómoda en ningún registro. En ciertos momentos, acierta al elegir formas narrativas más 'de cuento', por expresarlo de algún modo (mi escena favorita de la película es la del Bosque Verde); pero en otros, sobre todo porque son situaciones más violentas, se balancea entre una mezcla de violencia y 'Oye, Peter, que esta peli tiene que ser +7 que si no no viene ni Dios al cine' que provocan varios comentarios a la salida. Tampoco ayudan ciertos fallos o poco pulido en el montaje que, de nuevo, te sacan de la película y te dejan preguntándote qué ha pasado (Hablo de alguna persecución con un Raccord discutible, por ejemplo).

Entonces, fallos en la edición, no consigue encontrar el tono adecuado, no se aprovecha del universo en que está desarrollado...¿Qué tiene de bueno la película? Absolutamente todo lo demás. Diseños de arte, sobre todo de decorados y atrezzo, ropa, maquillaje, FX, iluminación, fotografía...todo es espectacular y sobrecogedor en ocasiones. Lo mismo puede decirse de la banda sonora y su pegadizo tema principal 'Far Over the Misty Mountains Cold', basado en una canción escrita por Tolkien dentro de El Hobbit.
Para hablar de la dirección no hay más que remitirse a la escena, bastante al principio de la peli de los platos o las peleas, cuya coreografización ha mejorado incluso más desde El Señor de los Anillos: puedes mirar a cualquier rincón y verás a actores golpeándose, moviéndose o reaccionando, no quietos de pie amenazándose.

En cuanto a las interpretaciones, no puede añadirse nada más que halagos a los actores que recuperan su papel de ESDLA: Ian MacKellen, Ian Holm, Hugo Weaving, Christopher Lee (muy desaprovechado, lo diré las veces que haga falta), etc. Entre los nuevos tenemos a Martin Freeman en el papel de Bilbo Bolsón, que aporta una actuación muy sutil pero efectiva. Transmite muy bien lo que está pensando su personaje, que además es en ocasiones la única forma de entender por qué hace lo que hace.
Los enanos más secundarios (es decir, menos Thorin, Balin y Dwalin) tienen cada uno una personalidad propia que se ha decidido marcar muy fuertemente en su caracterización, pero que (claro, a falta de dos películas más) tampoco ayuda mucho a diferenciarlos. Richard Armitage interpreta a Thorin, el líder enano de la compañía. Hace muy bien su papel de personaje duro y lleva con mucha credibilidad la parte más dramática de su historia. Muy destacable es también el regreso de Andy Serkis como Gollum, todo un despliegue interpretativo (su escena es sin duda la mejor de este Viaje inesperado) y tecnológico; además de que se encargó de dirigir la segunda unidad durante el rodaje, responsable por ejemplo de la inmensa mayoría de travelling aéreos en Nueva Zelanda, y hay unos cuantos.

Como conclusión, es indudablemente una buena película. A nivel subjetivo tengo que aclarar que NO me gustan ni El Señor de los Anillos, ni El Hobbit, aunque he leído ambas obras y he visto las películas. Puede ser que se deba a esto que me ha resultado tortuosamente larga y que tengo muchas dudas respecto a las dos partes que quedan por una simple cuestión de que no queda tanto material. Vamos, que desde mi punto de vista con la segunda parte (La Desolación de Smaug, que se estrenará en diciembre de 2013) ya era más que suficiente, pero ya veremos. Si eres fan de la saga, del universo o quieres más de lo que ya viste en las otras obras de Peter Jackson no lo dudes, pero es posible que la película no cumpla tus expectativas en algunos aspectos debido a que no encuentra un tono en el que se sienta cómoda y a que algunas escenas se han alargado hasta la desesperación.

Lost in Translation en la Semana de la Ciencia de Madrid

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Mon, 12 Nov 2012 22:18:00 +0000

En el marco de la Semana de la Ciencia 2012 de Madrid, el próximo jueves 15 de noviembre a las 10:00 se va a proyectar la película Lost in Translation, de Sofia Coppola, en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma de Madrid. A partir del planteamiento de la película tendrá lugar una charla sobre la desterritorialización de manos de Ana Ruiz Sánchez, Manuel Alcántara Pla y Valeria Camporesi Lami.

Podéis encontrar más información en la página web de uno de los ponenetes, Manuel Alcántara Pla.

El viaje de Chihiro (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Sat, 10 Nov 2012 13:07:00 +0000

Título: El viaje de chihiro
Título original: 千と千寻の神隠し[Sen to Chihiro no kamikakushi] (La desaparición espiritual de Sen y Chihiro)
Estudio: Estudio Ghibli
Año: 2001
Director: Hayao Miyazaki
Género: Aventura, fantasía y drama
País: Japón

No sé en qué estaba pensando para tardar tantísimo en escribir de esta película, pero más vale tarde que nunca. El viaje de Chihiro supuso en su lanzamiento en el año 2001 la iniciación para muchos, entre los que me encuentro, en el medio de los largometraje japonés. Curiosamente, entre esos también se debían de encontrar los gerentes de las salas de cine, porque se volcaron completamente con esta película, logrando que llegara incluso a las salas más pequeñas en las que parecía que jamás podría hacerse hueco una 'peli china de dibujos', como sería motejada en su momento por los más reacios a esto de las cosas que vienen de fuera. Tenemos que agradecer el trabajo de marketing y distribución a Disney; yo al menos lo hago, les envío todos los años una postal por Navidad con esa misma frase "Gracias por el trabajo de marketing y distribución de 'El viaje de Chihiro'".

A partir de aquí la explicación se vuelve quizás demasiado bonita, pero juzgad vosotros mismos: resulta que Hayao Miyazaki, director y dibujante de esta preciosa película que ya tenía una filmografía envidiable a sus espaldas, era desde muchos años atrás la inspiración artística de los dibujos de Disney, por lo que cuando el Estudio Ghibli (que dirige Miyazaki) anunció que tenía entre manos un nuevo proyecto se lanzaron raudos y veloces a ofrecerles un contrato de distribución a nivel mundial. Lo de la inspiración es verdad, ahora, mi versión de la historia consiste en largas y aburridas reuniones que llevan a la conclusión de que una película extranjera, que incluya una temática lo suficientemente fantástica como para poder venderla como exótica, pero tan neutra como para que no haya que pensar mucho en tener que adaptar el producto a las civilizaciones que vayan a recibirla.

La película cuenta la historia de Chihiro, una niña enfurruñada que está de viaje con sus padres. En una parada que hacen en un misterioso pueblo, encuentran un puesto lleno de comida que empiezan a devorar ante la ausencia del dueño del puesto...y de todos los habitantes del pueblo en general. Chihiro va a dar una vuelta por el lugar cuando se encuentra con un chico, Haku, que intenta advertirla de que debería irse de ahí inmediatamente, pero ya es demasiado tarde: el pueblo vuelve a poblarse de los espíritus que en él habitan, y los padres de Chihiro se han convertido en cerdos (literalmente). La pobre niña se queda sola en este mundo, dominado por la malvada bruja Yubaba, cuyo poder sobre los residentes consiste en que si conoce sus nombres verdaderos, se los arrebata y les impide salir de ese mundo para siempre. Chihiro, ahora Sen, con la ayuda de algunos habitantes de ese mundo, tendrá que conseguir un trabajo (*sigh*, hasta en las pelis de Miyazaki es difícil), revertir la transformación de sus padres y regresar a su mundo antes de que se le olvide su propio nombre.

Y todo esto con un dibujo y una banda sonora preciosos que siempre acompañan a las películas de Ghibli. El caso de El viaje de Chihiro es algo particular porque presenta muchos más diseños de personajes (aunque sea un bichejo andando por el fondo en la casa de baños) que en otras películas del mismo estudio. No sé si detrás de todos los espíritus habrá un personaje de la mitología japonesa, pero gran parte de los típicos de su folclore sí están recogidos en la película de una forma u otra.

La película tiene como base el tema del paso de la niñez a la edad adulta pero desarrolla además historias secundarias que están tratadas con el mismo mimo que la historia general (básicamente "¡Quiero salir de aquí!"). Personalmente me gustan las historias de Sin Cara y de Bō, el hijo de Yubaba. También puede hacerse una lectura de crítica social que, por otro lado, es muy típica en las obras de Miyazaki, siempre desde una postura de reflexión, no de mero ataque y sin desviar la atención de la historia ni mezclar mundos.

Una película magnífica que os gustará muy posiblemente si no habéis visto hasta ahora, indiferentemente de si sois nuevos o viejos seguidores del cine de animación japonés. Es más, sería una gran noticia que esta película os animara a ver otras del estudio Ghibli como 'Mi vecino Totoro', 'Nausicaä del Valle del Viento', 'La Princesa Mononoke' o, más recientemente, 'Arriety y el Mundo de los Diminutos' que, tengo que reconocer, aún no he tenido oportunidad de ver en un acto de herejía sin límite.

Lost in Translation (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Sun, 04 Nov 2012 00:13:00 +0000

Título: Lost in Translation

Directora: Sofia Coppola

Año: 2003

País: EEUU pero Japón.

Género: Murakami hecho cine.

Duración: 105 min.

Oj, qué peliculón. Dije hace mucho que iba a escribir de ella pero claro, entre que me he adaptado al inicio del curso y demás se me ha ido el santo al cielo. Da igual, el caso es que aquí está esta entrada sobre mi película favorita de la década del 2000, título reñido, pues esta película es del mismo año que Oldboy (2003), de Park Chan-Wook.

Mi otro problema para escribir este texto acaba de repetirse: cada vez que empiezo y me pongo la película, acabo viéndola y me olvido de escribir. ¿De qué va Lost in Translation?

La película cuenta la película de Roger Harris (Bill Murray), un actor estadounidense que es contratado para rodar un anuncio en 日本 para promocionar el whisky de サントリー株式会社. ¿Qué le pasa? Que él tampoco entiende esos ideogramas, por qué al final de las preguntas dicen "¿...ka?", ni muchas otras cosas.

Lo mismo le pasa a Charlotte (Scarlett Johansson), licenciada en filosofía sin trabajo que está en 東京 para acompañar a su marido, un fotógrafo famoso...que no le hace ni caso, y la chiquilla se nos muere del asco metida en el hotel. Ambos se alojan en el mismo sitio, ambos se aburren y acaban conociéndose en el bar. El resto solo puedo describirlo con una palabra: Murakami.

Hablan como escribe Murakami, piensan igual y el amor / odio por Japón es el mismo, solo que adaptado al lenguaje cinematográfico con una calidez y una delicadeza increíbles.

Sobre todo me gustaría recalcar eso, tal vez sea una opinión muy subjetiva (por supuesto que el 100% de este blog es subjetivo, hasta la fuente de la letra es mi elección) pero es la película reciente que mejor refleja lo que es el cine. Me faltan muchos huecos en medio, pero creo que desde la época de Metrópolis (1927), de Fritz Lang hasta la de 12 hombres sin piedad (1957) se tenía un concepto de lo que tenia que transmitir el cine. Ese concepto cambió; ni para bien, ni para mal, simplemente cambió y, desde mi punto de vista, se ha recuperado en películas como Lost in Translation, que es todo un gustazo de ver.

Si tengo que criticar algo es que los secundarios son un poco efímeros para lo que suele ser el estilo de narración que adopta la historia, pero hay que destacar el papel de la amiga del marido de Charlotte, la actriz (la que viaja como Evelyn Waugh) asquerosa como ella sola que un minuto dice que no es anoréxica para al segundo siguiente recomendar a la mesa un limpiador intestinal.

He escogido este cartel para encabezar la entrada (además de porque Scarlett Johansson viste mucho más que el otro, el de Bill Murray con cara de hastío) por el pequeño texto promocional que se lee en la parte superior: "Everyone wants to be found" ("Todo el mundo quiere que le encuentren", que así amortizo la matrícula de la carrera). Esa es la explicación de lo que se ha Perdido en la Traducción. Hay una escena en concreto en que se hace un chiste respecto a la traducción bastante célebre, el rodaje del anuncio del whisky Suntory, pero mi escena favorita de ese tipo es la del masaje, no digo más.

La peli es tierna, es cálida, es amor cinematográfico puro y tiene una escena final sublime. Solo advierto sobre una cosa: No intentéis saber qué dice Bill Murray, sobre todo si veis la película en su versión doblada veréis que dice algo concreto, pero no es así, lo que dice se pierde, como estamos todos perdidos.

El Caballero Oscuro La Leyenda Renace (Reseña SIN spoilers)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Thu, 26 Jul 2012 19:33:00 +0000

Esta es la reseña sin spoilers. Más adelante publicaré una entrada con mi opinión ampliada y detallada, pero que tocará aspectos importantes del argumento. Si no te has decidido aún a ver la película, esta reseña puede ayudar a guiarte.

Por fin ha llegado el examen de Christopher Nolan. Con el Caballero Oscuro se consiguió una película que por su ambientación y sus diferentes mensajes y lecturas gustó a propios y extraños de las películas de acción y adaptaciones de comics. Esta tercera entrega de la saga tenía ante sí no solo el deber de dar un buen final a la serie, sino superar el ya altísimo nivel de la anterior para satirfacer a su exigente público. Sin pretender adelantar acontecimientos, tengo que decir que desde mi punto de vista, lo ha conseguido y con creces.
Copio directamente la sinopsis oficial porque, afortunadamente, tiene bastante cuidado de desvelar lo justo del arco argumental de la película:

Hace ocho años que Batman desapareció en la oscuridad, dejando de ser un héroe para convertirse en fugitivo. Al asumir la culpa por la muerte de D.A. Harvey Dent, el Caballero Oscuro decidió sacrificarlo todo por lo que consideraba, al igual que el Comisario Gordon, un bien mayor. La mentira funciona durante un tiempo, ya que la actividad criminal de la ciudad de Gotham se ve aplacada gracias a la dura Ley Dent. Pero todo cambia con la llegada de una astuta gata ladrona, que pretende llevar a cabo un misterioso plan. Sin embargo, mucho más peligrosa es la aparición en escena de Bane, un terrorista enmascarado cuyos despiadados planes para la ciudad obligan a Bruce a regresar de su voluntario exilio.

Las comparaciones son odiosas, pero en este caso inevitables. Si hubiera que establecer una comparación con las anteriores, claramente La leyenda renace está más cerca de Batman Begins. En El Caballero Oscuro la acción se sitúa a pie de calle. Los personajes se ven de frente y tienen mucho peso. Como consecuencia, vemos y oímos más de la gente de Gotham (Como dice Bane, 'gothamitas'). La principal razón para adoptar esta perspectiva es que Heath Ledger robó totalmente la película, y era necesario que el Joker permaneciera el máximo tiempo posible en pantalla. Tanto es así, que cada vez que hay que introducir un nuevo impulso al ritmo, aparece y la escena vuelve a cobrar tensión. Aquí se toma una perspectiva casi isométrica, que deja ver todo lo que está ocurriendo al mismo tiempo desde un punto de vista apartado.

Mi sensación es que, tras verla, me cuesta estar de acuerdo con las reseñas que encuentro por un detalle: es muy entretenida al tiempo que tiene suficiente densidad como para plantearte sin miedo una serie de historias entrelazadas que van a confluir en un clímax estudiado y, como debe de ser, con sorpresa. Hace tiempo que se ha perdido eso de la sorpresa final, y es una pena que el espectador simplemente vea desarrollarse en la pantalla lo que se le ha expuesto durante el nudo de la película, como en los libros de Agatha Christie, que la gracia estaba en el momento en que Hercules Poirot explicaba a los culpables lo que habían hecho.

Las interpretaciones son magistrales, destacando a Michael Caine, a Gary Oldman (Simplemente porque es mi actor favorito), el mejor Batman de Chistian Bale y una sorprendente Anne Hathaway por la que no se daba ni un duro y que sin embargo llena completamente la pantalla con su Catwoman (¡Por fin una Catwoman como Dios manda!). Tom Hardy (Bane) tiene el problema de la máscara, que tapa completamente su actuación. No se puede decir que sea malo, cualquiera que haya visto sus películas lo verá así, pero se ha visto superado por el atrezzo en vez de utilizarlo a su favor como hizo Ledger con sus 'pinturas de guerra'. He escuchado por ahí "Es increíble el miedo que provoca sólo con su mirada"...pues yo le vi siempre los mismos ojillos, habrá que ver cómo casa esa cara con la VO.

Y en el apartado de las cosas que no me han gustado, me llama la atención sobre todo la edición y el montaje, para mi gusto muy desacertadas y que no hacen si no complicar al espectador la localización de cada personaje en la historia y el cierre de cada línea argumental. Tal vez mientras la estás viendo te pase inadvertido, pero si te fijas bien, muchos momentos en los que dudas por qué cierto personaje está donde está, lo que te falla es una decisión de montaje mala.

A pesar de todo...es muy divertida y supone un gran final para la trilogía de películas de Nolan sobre Batman. Tal vez ciertos cambios enfaden a los fans más acérrimos del comic, pero ya se hizo una reinterpretación del personaje del Joker y nadie pareció muy furibundo. Si habéis visto Batman Begins (Es muy importante, a no ser que seas un gran conocedor del comic, con lo que seguramente ya habrás ido a ver La leyenda renace) y os apetece pasar más de dos horas y media entretenidos, id a ver esta película, difícilmente te va a defraudar.

Dublineses (Los muertos)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Wed, 11 Jul 2012 12:00:00 +0000

Título: Dublineses (Los muertos)
Título original: Dubliners (The dead)
Director: John Huston
Año: 1987
Duración: 81 min.

Esta película, célebre por ser el testamento cinematográfico de John Huston, supone además una de las mejores opciones para introducirte a James Joyce al reflejar al milímetro el realismo que empapa las hojas de la colección de cuentos 'Dublineses'. Por lo menos a mí me está ayudando para ponerme en situación antes de meterme el 'Portrait Of a Young Artist', clave si luego uno se pretende sumergir en el autoimpuesto periplo de leer 'Ulyses' tal y como salió de la cabeza de Joyce.

La película está basada en el cuento 'Los muertos', del anteriormente citado 'Dublineses'. El día de Epifanía de 1904, como cada año, un grupo de familiares y amigos celebran una fiesta en casa de Julia y Kate Morkan. Entre las historias de cada uno de los invitados (El borracho, la fanática irlandesa, el viejo cínico, etc.) destaca el sobrino de las anfitrionas, Gabriel, que llega a velada nervioso por un discurso que como cada año tiene que dar al término de la cena. Al final de la noche, cuando casi todos se han ido, se escucha una antigua canción de amor, que afectará profundamente a la mujer de Gabriel, Gretta. De vuelta en el hotel donde se alojan, Gretta confesará que la canción le ha recordado a un joven, Michael Furey, del que estaba enamorada y cuya muerte le atormenta. Gabriel, impotente, solo puede quedarse mirando la nieve, que cae sobre su casa, sobre los lagos, sobre los castillos y sobre la tumba de Michael Furey por igual.

El resumen de qué quiere transmitir la historia, por tanto la película y por último John Huston, que rodó la película ya en silla de ruedas y con una máscara de oxígeno, está recogido en ese último e impresionante monólogo de Gabriel. Cada persona sigue su vida desde su propio espectro, y eso bloquea cualquier posible intromisión de otra persona. Por ejemplo, el momento en que suena la canción, Gabriel ve sólo a su mujer, de la que está profundamente enamorado. Ella, por supuesto, recuerda toda la historia de Michael Furey, y ni se le pasa por la cabeza pensar que su marido existe, ese hombre que se encuentra al pie de las escaleras.

Estos matices, serían imposibles sin la interpretación de los actores, que se aferran a su papel y lo conducen con la naturalidad y elegancia con la que uno interpreta ante los demás según la imagen que quiere aparentar ante ellos. Es curioso ver en los planos que se centran en los invitados bailando el peso que tienen los personajes. Peso literal. Incluso cuando Gretta se aleja bailando, no la pierdes de vista, sin necesidad de focos ni de que otros actores manchen el fondo.

Muchos críticos dicen que ésta es la mejor película de los años 80. No sé si estoy de acuerdo, es decir demasiado, pero desde luego es una de las que hay que ver casi obligatoriamente. Mandadlo en los colegios leer este cuento, así cuando los alumnos se vean la película para sacar el examen al menos verán algo que merece la pena (seguro que también funciona al revés).

Criadas y Señoras (The Help) (Reseña literatura)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Tue, 07 Feb 2012 19:58:00 +0000

Llevo un tiempo dando el coñazo (no tiene otra palabra) con la pelicula de 'Criadas y Señoras' (En inglés, The Help, a partir de ahora la llamo así porque me es más cómodo), y sin embargo no he dicho nada de ella o del libro en que se basa, así que vengo a redimirme. The Help cuenta la vida de las criadas negras de Mississippi que trabajaban en las casas de familias blancas y que, en muchos casos, criaron a sus hijos con más cariño del que habían conocido los niños en toda su vida.

En un primer momento me recordó demasiado a lo que ya ví y leí en 'Lo que el viento se llevó' y, sobre todo, en 'El color púrpura'. No me sorprende del todo que incluso en la portada que he subido (En mi copia, pese a que es la misma edición de Penguin, no, creo que porque es anterior) para encabezar la reseña se mencione el parecido con 'Lo que el viento se llevó', por que es celebérrima , pero parecido más próximo en cuanto a punto de vista, lenguaje e historia es 'El color púrpura', de Alice Walker. Me gusta dar una alternativa parecida en el sentido de: Cuando termine este libro, ¿qué más puedo encontrar que trate este tema?. En el caso de The Help, sin duda alguna, El color púrpura, tanto la novela como la película dirigida por Spielberg.

La historia se centra en la vida de dos criadas, Aibeleen y Minny, y Eugenia Phelan (Skeeter para los...amigos no muchos). Cuando esta última vuelve para empezar su carrera como escritora, empieza a pensar en la situación de las criadas, sobre todo a raíz del plan de Hilly (presidenta de la Junior League y lava-cerebros mayor del reino de Jackson) para que todas las casas de los 'buenos y decentes vecinos', tengan un baño aparte para el servicio. Este es el principio de una serie de hechos que llevarán a Skeeter a planear algo que hará temblar los cimientos de la aparentemente apacible ciudad de Jackson y Mississippi entera: escribir un libro en el que las criadas puedan contar su experiencia trabajando para familias blancas.

Antes de leerme el libro, la verdad es que no tenía muy buena impresión del libro: pensaba que se aprovechaba demasiado del asunto racial, que los malos serían demasiado malos, los buenos demasiado buenos, las tragedias...os hacéis una idea. Una vez que me puse a ello, sin embargo, me di cuenta de que estaba completamente equivocado: Aibeleen, Minny, Skeeter, Hilly, Elisabeth, Stuart, Ms. Stein...están vivos, y cuentan la historia. El mayor logro de la escritora, Kathryn Stockett, es que desaparece por completo, no está en toda la novela (aunque al final, a modo de epílogo, exija sus diez páginas de experiencia personal). Se ocupa de todos los aspectos que dan profundidad a un personaje: los registros, la psicología, el sitio que cada uno tiene, las relaciones, las consecuencias que tiene en ellos la historia real...quizás la historia no consiga apasionarte (en realidad es lo de menos) pero consigue que sigas leyendo sólo por no dejarles tirados. Tal vez esto justifique el final. Cuando creas un personaje con tantas dimensiones, no puedes simplemente dejarle en paz, terminar su historia, te ves obligado a sugerir que su vida sigue, que simplemente se ha quedado si hojas como para contar más, pero que por ella (la autora), seguiría toda la vida.

Ese efecto se ve acentuado por los capítulos, que están escritos del mismo modo del que está escrito el supuesto libro dentro del libro (del que, muy acertado, no leemos un sólo párrafo). Están escritos más o menos con forma epistolar: cada uno está titulado según la persona que lo escribe (Aibeleen, Minny, Skeeter y un capítulo especial que se titula simplemente 'The Benefit'). Cada una escribe a su modo: Aibeleen es el terror de los profesores de inglés y el amor de los estudiantes, yo me lo he pasado genial escuchandola (sigo hablando del libro) hablar a Mae Mobley, la niña a la que está cuidando en la casa donde trabaja "You is good, you is smart, you is important, sho nuff."; Minny tiene un carácter que da miedo, pese al cabrón de Leroy, su marido; Skeeter es la niña rica recién llegada de la universidad, de leer a Keats, pero que piensa realmente que la sociedad tiene que cambiar.

En cuanto al tema racial, cuenta la realidad en toda su crudeza (con algunos sucesos ficticios pero perfectamente verosímiles y otros reales, como el asesinato de Medgar Evers o el discurso de Martin Luther King), pero jamás cae en la hipocresía. Es sobre todo Skeeter quien se está dando cuenta de cómo vive the help (El servicio), pero reconoce que ella misma ha mirado para otro lado en otros momentos (dice la autora cogiendo por un momento la máquina de escribir). No se deja un 'nigra' en el tintero (la verdad es que no sé hasta qué punto habrán traducido el matiz tan negativo que tiene esa palabra al pasar al castellano) pero tampoco cae en la crueldad ilógica para dar penita.

Por ser críticos, como hay que ser siempre, debo decir que como lector, a veces me he sentido un poco desplazado. Esto se debe a que el papel de los hombres en esta época está muy separado del de las mujeres, y el protagonismo lo tienes las miladies. No es que haya una total ausencia de personajes masculinos y de los que hay los hay interesantes (como el padre de Skeeter, Stuart o, aunque por motivos mucho peores, Leroy), pero en general no hay un equilibrio, sobre todo en la primera parte. Éste es el seguno problema que le he encontrado a la novela: se ha escrito y una vez tecleadas las palabras no ha vuelto atrás a pulir un poco los primeros capítulos, y hay una diferencia apreciable entre el principio y, digamos, lo que se narra a partir de la página 50 màs o menos (cuando llega Skeeter). Quizás se debe a que la historia y los personajes ya se han perfilado, quizás sea esa falta de revisión una vez había encontrado un estilo bueno, pero hay que comentarlo.

Una maravilla de libro que no os deberías de perder, si os interesa el tema, si queréis leer una muy buena novela que hable de la sociedad americana contada desde dentro o si simplemente os queréis leer el libro en que se basó la película que se va a llevar todo en los próximos premios Oscar.

Super 8 (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Mon, 23 Jan 2012 10:00:00 +0000

Título: Super 8

Año: 2011

Director: J.J. Abrahams

Nacionalidad: EEUU

Duración: 112 min.

Género: Ciencia ficción, aventuras

He llegado un poquitín tarde (desde verano) al momento en que Super 8 estuvo de actualidad, pero ahora que la he visto tengo que decir que no estoy de acuerdo al 100% con las críticas que recibió la película. Sí, es una historia que ya hemos visto antes y el final es...bueno, ese final, pero sigue siendo tan divertida como recordamos que eran 'E.T.', 'Los Goonies' o 'El secreto de la pirámide'. Pero, ¿Tan feo es el monstruo?

En el verano de 1979, un grupo de jóvenes de un pequeño pueblo de Ohio son testigos de un choque de trenes catastrófico mientras rodaban una película en super 8. Cuando comienzan una serie de desapariciones irregulares y eventos inexplicables, los chicos sospechan que no fue un accidente y su jefe de policía intentará descubrir la verdad.

Es más fácil que Super 8 te guste si eres fan de las películas de Steven Spielberg (productor de esta y casi homenajeado durante todo el metraje), porque tanto el argumento como el estilo beben directamente de su cine. Unos dirán que es un homenaje, otros, una burda copia con la que J.J. Abrahams ha intentado aprovechar el tirón de la nostalgia. Yo digo que es una película muy entretenida y que narra de una forma encantadora la relación entre los chavales. Seguro que todos los que la hemos visto y alguna vez hemos jugado a grabar algo con los amigos nos hemos sentido identificados, y eso si no ha animado a algún espectador a hacerlo, claro.

Los actores son bastante simpáticos, seguramente les veremos en un futuro, y se nota que disfrutan del papel que están interpretando. Mención especial para la chica y el protagonista, que la verdad es que dan ganas de darte una vuelta con ellos por la ciudad (por cierto, ¿a alguien más le ha recordado al Mayne de Stephen King?). El guión les ayuda bastante, historias sentimentaloides obligatorias aparte y les da una personalidad muy definida a cada uno. Odio ser repetitivo, pero...¡Los Goonies!

El estilo artístico, sin embargo, debe más al director que a Spielberg. La paleta de colores está recogida en el poster, y da un efecto muy bonito, la verdad. En concreto, me llamó la atención el color que hay en la escena de la gasolinera, con ese contraste amarillo del letrero luminoso. Y luego está la genial película grabada en Super 8 que aparece al final de los créditos, sería una pena que alguien se la hubiese perdido por salir del cine con prisa. El otro punto importante es el diseño del monstruo, que sí, que se le ve de cerca. No es nada del otro mundo (no pun intended). Al menos no intenta hacer algo raro y falla al estilo Avatar.

La última gran crítica que se ha llevado la película: el final. Ahí sí estoy de acuerdo, es una referencia demasiado clara. Para mí, el verdadero final no es el que brilla más (qué difícil no desvelar nada) sino la imagen del reloj, eso sí me gustó, pero vaya, que podrían haberse trabajado algo mejor.

Poco más se puede decir a estas alturas que no se haya repetido ya hasta la saciedad. Dadle una oportunidad si por cualquier motivo la dejasteis pasar, seguro que os gusta, o, como mínimo, os hace pasar dos horas entretenidas, que no es poco visto lo visto.

After Dark (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Sat, 21 Jan 2012 20:16:00 +0000

La undécima novela del escritor japonés Haruki Murakami conserva toda la fuerza narrativa que ya mostró en 'Crónica del pájaro que da cuerda al mundo' o 'Kafka en la costa', adherezada además por múltiples referencias pop y el estilo surrealista que le han convertido en uno de los escritores más importantes de la literatura japonesa contemporánea (sobre todo fuera de Japón). ¿Qué sucede en la noche del mundo de Haruki Murakami?

Se acerca la medianoche en un restaurante abierto toda la noche casi vacío. Mari bebe su café y ojea un libro cuando un joven, un músico, interrumpe su soledad. Ambos han perdido el último tren a casa. Más tarde, Mari es interrumpida de nuevo por una chica del Hotel Alphaville; una prostituta china ha sido herida por un cliente, y necesita la ayuda de Mari.

Mientras tanto la bella hermana de Mari, Eri, duerme un sueño profundo que es "Demasiado perfecto, demasiado puro" para ser normal; lleva dormida dos meses. Pero esta noche, cuando el reloj digital muestra las 00:00, un toque de vida parpadea la pantalla de la TV, a pesar de que está desenchufada. ¿Extraños sucesos nocturnos, o un truco de la noche?

El libro en sí es como deben de sentirse las personas cuando las hipnotizan: primero te relaja y te hipnotiza, no puedes dejarlo, después te maneja como quiere y, por último, te suelta. Es una propuesta muy original en cuanto a su forma de narrar la historia, y respecto a la historia en sí, que se va aclarando a medidad que avanza el libro. Para llevarte a través de su mundo, Murakami nos convence de que no somos lectores, sino una especia de entes omnipresentes y omniscientes. Es clave entender que no usa un lenguaje literario, sino cinematográfico o casi teatral para movernos de un escenario a otro. Lo que consigue con esto es que el narrador desaparece completamente, y en su lugar te imaginas a Murakami a tu lado, señalándote los detalles en los que tienes que fijarte, no describiéndote los escenarios.

Es un método original, desde luego, que además es muy agradable gracias a que no tiene ese regustillo a prepotencia del que está haciendo algo que es consciente es nuevo que por ejemplo sí despedía la película Avatar. En particular, la primera conversación de Mari en el Denny's con el músico es uno de los pasajes que me han despertado más empatía hacia un personaje en mucho tiempo. Realmente te sientes en la piel de Mari, sientes la carga que lleva sobre sus hombros y la extraña conexión con ese chaval que viene a molestarte.

Y es que la noche en que se desarrolla la novela une a todos los personajes de una forma u otra, es como si a pesar de sus distintas circunstancias, el hecho de encontrarse en la oscuridad les hermana como a una sociedad distinta: la que está durmiendo fuera de lo que está sucediendo fuera de sus casas. Tal vez la historia secundaria más interesante sea la de las chicas que trabajan en el Hotel Alphaville (el love hotel), que pone a Mari en contacto con un mundo al que no le resulta difícil comprender, lo que la asusta aún más, pues está demasiado alejado de la luz.

Por desgracia no tengo idea de japonés como para poder leer la novela en original, pero incluso a través de la traducción en inglés de Jay Rubin se puede apreciar el regusto poético que emana el libro, particularmente para hablar de la ciudad, de la oscuridad como algo bello que tiene su propia organización, y vas notando que amanece a partir de sus descripciones y la relación entre los personajes.

Pero bueno y, ¿por qué no duermen? El sueño es uno de los puntos clave del libro que os aconsejo que descubráis por vosotros mismos, aunque esto también nos lleva a uno de los problemillas que se pueden achacar a la historia: no se resuelve de una forma muy explícita (algunos incluso me discutirán que se explica algo en absoluto) y una vez ha avanzado el libro. Estoy de acuerdo, pero creo que lo importante es el viaje en sí, y sobre todo, quién al terminar puede regresar a la luz y quién está condenado a permanecer para siempre Tras la Oscuridad.

Por cierto, si os recomiendo tener cerca algún buscador de canciones mientras leéis, porque las referencias a grupos y canciones en concreto son constantes durante todo el libro, empezando por el propio título. Como nota curiosa, la inmensa mayoría de comentarios en los vídeos de YouTube de alguna de las canciones que aparecen nombradas en After Dark provienen de lectores de Murakami. Esto es interesante también: Murakami ha creado un conocimiento común entre los lectores de sus libros que trasciende la literatura para llegar a este otro lado del papel.

Si no fuera porque está magistralmente bien cerrada (y porque tengo más libros suyos pendientes por leer), sería uno de esos libros que te da pena que se terminen. Muy recomendable para quien quiera leer algo original, que en apenas 200 páginas te trasporta a otro mundo y te conduce por él mientras te cuenta la historia de unos personajes de los que te seguirás acordando aún terminado. Y eso que no he hablado todavía de 1Q84...

La piel que habito (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Wed, 18 Jan 2012 10:30:00 +0000

Título: La piel que habito

Año: 2011

Género: Drama

Director: Pedro Almodóvar

Nacionalidad: España

Duración: 117 minutos

En el momento de esta reseña de la última película de Almodóvar, viene precedida de 16 nominaciones a los premios Goya y otra a los Globos de Oro (Que afortunadamente ha ido a parar a 'Nader y Simin: una separación', una película mucho mejor). ¿A qué viene este alboroto?

A su calidad, desde luego que no, pero antes de destripar este despropósito es importante resumir la sinopsis más general. La película se basa en el intento frankensteiano del doctor Robert Ledgard de fabricar una piel sintética con la que podría haber salvado a su mujer, que sufrió quemaduras en todo su cuerpo tras un accidente de coche.

Aunque hubiera sido muy gracioso, Banderas no grita en ningún momento aquello de "¡No soy Fronkonsteen, soy Frankenstein!", de 'El Jovencito Frankenstein' (Mel Brooks), aunque la frase le hubiera pegado perfectamente a la película. Menudo despropósito. No hay por donde coger el argumento, las interpretaciones son horribles y completamente fuera de lugar y, lo peor, es que el director no está convencido de lo que hace.

Intenta volcar el peso de la película en un estilo artístico fuera de lugar y aparenta que es más listo que nosotros, que hay un sentido oculto que no vemos. No, señor, se ha equivocado usted. Usted quería hacer una película con Banderas y utilizar esa casa por algún motivo. Os ejemplifico, yo tengo un cuadro que me gusta mucho, que en sí, como imagen aislada, me sugiere algo, pero en vez de contruir un argumento a su alrededor, cojo lo primero que encuentro por ahí, lo enredo para que se adapte a mi estilo y lo planto aquí, cosa tal que así.

Bárbara es una muchacha mestiza y agraciada que viaja en un bongo entre contrabandistas y salteadores. Cuando iba a ser vendida a un sirio leproso, lleno de lujuria, ella piensa que podría alcanzar la salvación en el joven Asdrúbal, de quien se enamora y espera su amparo...

Y ahí lo dejo. El retrato de Sylvia von Harden, por su lado, tiene mucho valor. El argumento de Doña Bárbara, quizás, también lo sea en lo suyo, desde luego funciona, pero junto es un completo desastre.

El estilo visual de Pedro Almodóvar puede gustarte más o menos, pero ha hecho cosas interesantes a lo largo de su carrera (no soy para nada fan de su cine, pero bueno, reconozco que algo habrá). El argumento es horrible, mal escrito y con un una dirección pésima (¿"Volvamos al presente"?) y, sobre todo, no casa con la 'realidáh' que tanto le gusta mostrar a Almodóvar. Vaya, que aquí la cosa se queda en sábanas caras, cuadros caros y tetas. Si eso vale tantas nominaciones, que baje Dios y lo vea.

Banderas va a un lado mientras su personaje dice todo lo contrario, Elena Anaya hace lo que puede (no demasiado) en un personaje horrible y en el que se carga demasiado peso argumental por demasiadas bandas, a Marisa Paredes, una gran actriz, habría que decirla que esto no es 'Cinco horas con Mario', aunque podría estar más tiempo en pantalla, exactamente el que sobra de planos en los que Almodóvar mueve la cámara y hasta las carras del escenario.

Muchas de las críticas positivas, que no consigo entender, halagan lo bien que se maneja en lo surrealista...es que realmente no lo es, no tiene nada que se acerque lo más mínimo a cualquier imagen que puede crear un director como Terry Gilliam, por poner un ejemplo.

El cameo de Concha Buika te despierta por un momento, aunque ni ella consigue despertar un comentario más allá de: "¡Mira, Rita! Qué bien canta esta chica...". Es imposible creerte o meterte lo más mínimo en la película. Sin embargo, le auguro un gran éxito en los Goya, tengo una apuesta hecha a que se lleva mejor vestuario, quienes la hayan visto quizá tengan algo que decir respecto a esto.

Como haría Almodóvar: Menudo pestiño

Chico y Rita (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Thu, 12 Jan 2012 10:00:00 +0000

Título: Chico y Rita

Año: 2010

Reparto: Mario Guerra, Limara Meneses, Eman Xor Oña

Director de animación: Marcelo Fernandes De Moura

Nacionalidad: España

Género: Romance, musical

Chico y Rita salió de la nada. Bueno, de la nada no, salió de la gala de los Goya con un par de premios bajo el brazo. ¿Qué es exactamente Chico y Rita? Una película de animación bonita, con una gran banda sonora, un buen reparto (que suerte si quieres encontrar su nombre) y buenas ideas de un departamento de arte.

Sin embargo, la peli tiene un punto débil muy importante, y quiero comenzar por aquí: la historia no es buena. No es nada que no hayamos visto antes en otras películas o en libros, ni está contada de manera que sea mejor. Vaya, que para mi gusto, si hubieran adaptado un guión a un cortometraje podrían haber hecho algo igual de llamativo visualmente, que es en lo que se apoya, y todos tan contentos.

Chico recuerda a través de fotografías y partituras del pasado, su romance con Rita en la Cuba de los años 40 a través de la música. Su historia les llevó por Havana, Nueva York y París, donde vivieron el amor y el desamor, el éxito y el fracaso. Todo ello salpicado de referencias a la cultura de la época y a otras películas como Casablanca o El Padrino.

¿Por qué no se ha hecho esto? Primero porque no le interesó al director de la película y segundo porque haría más difícil encajar las canciones, la otra gran parte del interés de la película.

Y es que los dibujos son muy bonitos, verdaderamente. Han escogido un estilo de animación muy fluido que mezcla dibujo (más o menos) a mano con imágenes digitales y unas paleta de color bastante definida. Para mi gusto, sin embargo, la cosa va perdiendo emoción con el paso de la película, otro motivo para haber recortado tiempo. Creo que no exagero al afirmar que cualquier persona que haya visto algo de Hayao Miyazaki ("El viaje de Chihiro", "Mi vecino Totoro") está acostumbrada a ver cosas más originales de las que ven aquí, sobre todo a nivel de diseño artístico. De acuerdo que en Chihiro, al ser fantástica, da más espacio para la imaginación, pero no es la falta de ideas el problema de esta película, sino que no mantiene el nivel de efectos que despliega en la primera parte.

La banda sonora, cantada por los actores del reparto, son versiones de boleros clásicos muy bien hechas más otras obras originales que están a la altura de las otras. La BSO merece la pena.

Es una película que merece la pena echar un vistazo por la animación, pero la historia no es nada destacable, lo que puede echar a bajo la sensación general. Aún así, merece la pena disfrutar de esa BSO.

Trilogía de la venganza III - Sympathy for Lady vengeance (reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Wed, 11 Jan 2012 10:00:00 +0000

Título: Sympathy for lady vengeance (Compasión por la señorita venganza)

Título original: 친절한 금자씨 [Chinjeolhan Geumjassi] (Geum-ja la bondadosa)
Director: Park Chan-Wook
Año: 2005
Nacionalidad: Corea del Sur
Género: Thriller
Duración: 110 min.

Nos encontramos ante el último de los thrillers que forman parte de la trilogía de la venganza, y el más engañoso. Con un estilo en apariencia menos dramático en su primera parte, muestra una parte final impactante, con una gran carga emocional y las mismas maravillas visuales a las que ya nos tiene acostumbrados Park Chan-Wook.

Geum-Ja es condenada por el asesinato de un niño. En realidad, es inocente y se vió obligada a auto acusarse para evitar que el verdadero asesino, Baek, mate a su hija. Durante su estancia en la cárcel se gana la veneración de internas y gente de fuera gracias a hacer favores. Cuando consigue salir, sólo tiene en mente una cosa: vengarse de Baek, el verdadero asesino que le robó su vida.

Remordimiento y venganza. Dos sentimientos que parecen incompatibles son el centro de esta película. Geum-Ja lo sabe, por eso lo primero que hace es querer "no ser angelical". La última incursión en la trilogía de la venganza mantiene el listón tan alto como las demás, pero marcando una distancia respecto a las anteriores.

Lo primero que me sorprendió fue reirme. Las otras dos películas tienen elementos cómicos muy puntuales, pero en los primeros compases de Lady vengeance son bastante habituales, y da una sensación bastante extraña en contraste con lo oscuro del estilo de Chan-Wook. Sin embargo, y sin desvelar nada importante, en la última hora, que siempre tiende a ser más interesante, el tono gira completamente hasta alcanzar un punto que es realmente impactante. Así de memoria sólo recuerdo haber visto una escena parecida en La lista de Schindler, pero la situación no era tan intensa como aquí. En esa sorpresa te entran ganas de volver a ver la película entera sólo por volver a sentir ese momento.

En cuanto a las interpretaciones, son excelentes como siempre. La protagonista, la actriz Lee Young Ae se come la pantalla y se adueña completamente del personaje y la estética de Geum-Ja. Si otra actriz tuviera que hacer ese personaje, tendrían que reescribirlo de arriba abajo para que tuviera sentido. Y qué decir de Choi Min-Sik, protagonista de Oldboy, como Baek, el malo de la película. Su papel es pequeño en comparación con la importancia de su personaje, pero cada minuto en pantalla es aterradoramente bueno. Choi Min-Sik, hay que tener ese nombre apuntado cerca.

El estilo visual sigue siendo una de las grandes bazas que propone este cine, con metáforas visuales muy originales y bellas, y en esta ocasión se utilizan ciertos elementos digitales (retoques, desenfoques, trucos de composición) que casan muy bien con esa sensación de fachada que da el personaje. Mención aparte a la edición especial de la película llamada "Fade to white and black version", que como indica el nombre, el color del principio va desvaneciéndose según avanza la historia, según Geum-Ja va degradándose.

Hemos visto la venganza como arma de doble filo y la venganza que se vuelve contra el afrentado, pero, ¿puede vengarse alguien que se siente culpable? Descubridlo en la película y disfrutas de esta gran película.

Estas tres películas son de lo mejor que se ha hecho en este decenio, en ese y en este continente. Gracias a obras como esta, con ese tacto y ese estilo tan particular, al cine se le apoda "el séptimo arte". Como conclusión, sólo puedo repetirlo por última vez: Park Chan-Wook, Trilogía de la venganza. Disfrutad.

Trilogía de la venganza II - Oldboy (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Mon, 09 Jan 2012 10:00:00 +0000

Título: Oldboy (Old Boy)
Título original: 올드보이 [oldeuboi]
Director: Park Chan-Wook
Año: 2003
Nacionalidad: Corea del Sur
Género: Thriller
Duración: 120 min.

Oldboy (u Old boy, depende de si te ciñes a la transliteración del coreano o al inglés) es la más conocida de las películas que forman la Trilogía de la venganza de Park Chan-Wook. Fue la primera en estrenarse aquí en España, en 2005, tan sólo dos años después del estreno en Corea (Sympathy for Mr. Vengeance no llegó a nuestras pantallas hasta 2007), lo que ayudó enormemente a dar a conocer al director por estos lares. También fue de ayuda el hecho de que estamos ante una obra maestra del cine coreano y uno de los mejores thillers modernos. Así, para empezar la reseña.

Oldboy, basada en el manga homónimo escrito por Garon Tsuchiya y dibujado por Nobuaki Minegishi, nos cuenta la historia de Oh Dae-Su, un hombre normal, con mujer y una hija, que en 1988 es secuestrado y encerrado en una habitación. Allí pasa 15 años de su vida, sólo acompañado de una TV donde ve la noticia del asesinato de su mujer, del que es el principal sospechoso. Tras su largo cautiverio consigue escapar y jura vengarse de aquel que le robó su vida. ¿Quién puede odiarle tanto como para haberle hecho eso?

Esta película se basa más en el sentimiento de venganza que la anterior, que hablaba acerca del ciclo completo de afrenta y venganza. Hay más odio que liberar y por tanto la atmósfera es más tensa. Además en un primer momento tenemos la sensación de que son los personajes los que deciden vengarse, al contrario que en Mr. Vengeance, más tragedia griega. Cuando avanza la película nos replanteamos si Oh Dae-Su no es tan distinto a Ryu, pero eso es en la segunda parte.

De nuevo no se puede más que aplaudir las geniales interpretaciones de Choi Min-Sik (Oh Dae-Su), Woo Ji-Tae (Lee Woo-Jin) y Gang Hye-Jung (Mido), los tres protagonistas de esta historia, que se dejan la piel por que la película salga bien, y se nota al verla. En ciertos momentos se percibe que cierta escena proviene directamente del manga por cómo trata a los personajes (creo que Park Chan-Wook hubiera sido más bruto en ciertas ocasiones) pero cuando lo ha visto necesario ha cambiado el argumento para encajarlo con su estilo. Esta vez hay algo más de violencia, aunque tratada desde un punto de vista digamos natural. Quiero decir que no se entretiene en el gore, pero si pinchas a alguien, ¿no sangrará?

Está dividida en dos horas, aunque no de la primera forma que Mr. Vengeance. Aquí la primera hora es la búsqueda de la venganza y en la segunda la búsqueda del porqué. La primera hora tiene momentos algo más lentos que el final, sobre todo porque este te tiene sin pestañear para no perder detalle de lo que está ocurriendo.

Realmente una vez te has metido en la película te sorprende que no estás ansioso por ver cómo continúa la historia, sino por seguir viendo esa maravilla de estilo visual que ha construído Chan-Wook. El color, el diseño de los personajes, los decorados...todo es perfecto a nivel visual. Me ha recordado a lo que sentí cuando vi por primera vez 2001: odisea en el espacio, o El Resplandor. Las imágenes te hipnotizan, te llevan a ese mundo, en el que cada detalle, cada color, ayuda a contar la historia; todo llevado a la subjetividad de cada personaje. Sin palabrería: qué bonita que es.

En la anterior olvidé mencionar la música, cosa mala cuando no prestas atención a ningún tema. En Oldboy sí hay alguna canción más memorable, pero de nuevo nada que se te vaya a quedar grabado en el apartado musical, sobre todo en contraste con las imágenes, ¿quién puede olvidar ese martillo, ese tatuaje, ese pulpo?

En cuanto al final, el propio director afirma que no tiene un significado claro, cada persona puede sacar la conclusión que quiera. Yo tengo la mía y la verdad es que me ha resultado muy curioso comparar con los demás ¿Cuál es la vuestra?¿Aún no la habéis visto? Pues os animo encarecidamente a que os pongáis a ello, porque vais a disfrutar de uno de los mejores thrillers de los últimos años. Imprescindible.

Trilogía de la venganza I - Sympathy for Mr. Vengeance (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Sat, 07 Jan 2012 20:16:00 +0000

Al igual que mucha gente que ha visto "El bueno, el feo y el malo" desconoce que forma parte de la llamada Trilogía del dolar, es curioso ver que la mayoría de los espectadores de "Oldboy" no saben que forma parte de una trilogía, la mejor dentro del poco cine coreano que he visto: La trilogía de la venganza, de Park Chan-Wook.

Al igual que en el caso de las películas de Leone el nombre de la trilogía no es el argumento, sino el tema sobre el que van a girar las películas. Además se reflexiona sobre el origen de la venganza, su justificación y todo lo que produce en un ser humano el deseo de venganza, muchas veces relacionada con la fatalidad.

Sin más dilación, ahí va la reseña de la primera parte.

Título: Sympathy for Mr. Vengeance (Compasión por el Sr. Venganza)

Título original: 복수는 나의 것 [Boksuneun Naui Geot] (La venganza es mía)

Año: 2002

Duración: 120 min.

Director: Park Chan-Wook

Género: Drama, Thriller

Nacionalidad: Coreana

Esta primera película dentro de la trilogía trata el tema de la venganza, por supuesto, pero sobre todo habla de la fatalidad. En ningún momento tienes la sensación de que lo que está pasando es así por un guión, es el destino quien mueve a los personajes y no es muy amable con ellos. En otras películas tienes la sensación de que la historia cae sobre los personajes y son estos los que se embarcan en ella, pero aquí no tienen vuelta atrás.

Ryu es un chico sordomudo que intenta desesperadamente conseguir el dinero necesario para un trasplante de riñón que salvará la vida de su hermana, pero él no es compatible y está a la espera de un donante. Es despedido sin ningún miramiento de la fábrica donde trabaja e intenta hacer un trato con unos traficantes de órganos, a los que paga el dinero del transplante y les da un riñón. Cuando se despierta de la operación, le han quitado el riñón pero le han abandonado en un edificio en contrucción. Aparece un donante, pero ya no tiene el dinero para pagar la operación, así que su novia le convence para secuestrar a la hija del jefe que le despidió. Como piensa que sospecharían de él, deciden secuestrar a Yu-Sun, la hija del amigo de su jefe, Park Dong-Jin. La niña vive a sus anchas en casa de Ryu, donde la cuidan entre él y su novia. La hermana se entera de lo que ha pasado y como no quiere que Ryu sea acusado, se suicida. Ryu, destrozado, la entierra a la orilla de un río, donde, por un accidente, muere Yu-Sun. Su padre, Park Dong-Jin, buscará venganza a cualquier precio.

A nivel visual la película refleja un estilo visual muy personal, que dota de mucho simbolismo a las imágenes, incluso sustituye al diálogo (literalmente en muchas ocasiones: Ryu es sordomudo) aunque sin llegar a un nivel del estilo "El árbol de la vida" o parecido. Alguna de las imágenes que se utilizan en la película se os quedará grabada, como ese momento en que un personaje se aferra literalmente a un recuerdo porque no puede dejarlo ir. Para que eso funcione, las interpretaciones tienen que estar a la altura y aquí cumplen de sobra, sobre todo en el caso de Ryu (Shin Ha-Kyun) y Dong-Jin (Song Kang-ho), que saben transmitir la sensación de que están siendo arrastrados por el destino, lo que se ve de forma muy explicita hacia el final de la película. No por ello se inmolan, no es que acepten el dolor que les ha tocado sufrir.

Eso en cuanto a la dirección artística. La fotografía, a cargo de Kim Byeong-il, tiene algunos planos bastante cuidados, más destacable en la primera que en la segunda parte. Es curioso pero tanto en ésta como en Oldboy hay una diferencia bastante apreciable entre la primera y la segunda parte. En parte es porque rompe con la clásica separación en tres partes, aunque de forma no exageradamente perceptible. Para esas innovaciones Park Chan-Wook es bastante humilde. El otro día hablábamos de Misión: Imposible 4 y de cómo la escena de la torre de Dubai era la más impresionante de la película y cómo nos la habían vendido para que esperaramos mucho de ella. En Sympathy for Mr. Vengeance asistimos a momentos muchos más sorprendentes y emotivos a nivel cinematográfico que en la otra película, pero es una sensación más íntima. Es al terminar la película cuando tú, al reflexionar sobre ella, piensas en lo buena que es, sin necesidad de anticipaciones de ningún tipo.

La forma de contar la historia es la que lleva funcionando desde hace miles de años: afrenta y venganza. Sólo hay un personaje en toda la película del que puedes decir que es buena persona: Yu-Sun, la hija de Park Dong-Jin. El resto, desde el más protagonista hasta el secundario que sólo tiene una línea de diálogo, hace algo que provoca una reacción en los demás personajes (algo tan simple como quitar una pegatina y que entren dos tíos a volver a llenar la pared de pegatinas). Esto es una constante en toda la película y una buena metáfora de lo que es el mundo.

En cuanto a la estructura, diría que tiene dos partes de exactamente una hora de duración. Sí, quizás esos dos minutos del principio puedan ser la introducción, pero me parece más verdadero decir que la afrenta llega hasta que el afrentado está tirado en la hierba, arrancándola para intentar contener el dolor. La venganza llega hasta hasta los créditos...literalmente.

Eso sí, es una película larga y aunque no tiene un ritmo especialmente lento sí hay mucha emoción, tal vez no sea la mejor opción para verla con unos amigos y un bol de palomitas. Guardadla para un día en que tengáis ganas de ver un thriller, original y sin una gota de noire.

He encontrado alguna crítica al contraste que supone la poesía de alguna metáfora visual y las escenas tan sangrientas o sexuales que presenta. Desde luego existe ese contraste, pero no hay para tanto en ninguno de los dos apartados, y menos nada que no hayamos visto ya. Visto desde un punto de vista más literario podríamos recordar que en la Ilíada hay sangre y sexo (y venganza).

Esta es una de las obras maestras del cine oriental reciente que no os debéis perder por nada del mundo. Muy buena película. Si habéis visto "Oldboy" y os ha gustado, esta os encantará. Si no es así, os animo a hacer el camino contrario y a que empecéis por esta a descubrir la trilogía.

Misión: Imposible Protocolo Fantasma (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Thu, 05 Jan 2012 18:30:00 +0000

Título: Misión Imposible Protocolo Fantasma
Titulo original: Mission-Impossible Ghost Protocol
Año: 2011
Director: Brad Bird
Género: Acción, espionaje
Duración: 130 minutos

Hace 16 años que empezó la saga de Misión Imposible, con un Tom Cruise de 34 años y dirigida por Brian De Palma. La película, basada en la serie de televisión homónima, es todo un éxito de crítica y público, con ciertas escenas que han sido imitadas en muchas ocasiones y crean una lucrativa saga que se extiende hasta esta, su cuarta entrega. Protocolo Fantasma nos llega 6 años después de Misión Imposible III para reclamar su lugar entre las películas de acción y espionaje, pero, ¿consigue mantener el interés y la calidad de las entregas anteriores?

Los años pasan en balde completamente para Tom Cruise, que se mantiene igual que en aquella primera entrega en 1996, con espectaculares escenas de acción en las que no necesita de un doble, y eso que en esta hay momentos que duele sólo con verlos.

La película se basa en la activación del Protocolo Fantasma, por el que se elimina cualquier rastro y apoyo al FMI tras un ataque terrorista al Kremlim del que se acusa a Ethan Hunt y el resto del equipo. Estos, ahora sin apoyo y en las sombras, tendrán que atrapar al culpable para limpiar su nombre y evitar una catástrofe nuclear capaz de desestabilizar la paz mundial. La primera sensación con la que me he quedado de la película es que se acerca más al estilo 'Bond', tanto en el argumento como en la forma en que se desarrollan las escenas, usando muchos más artilugios de alta tecnología (Product Placement de Apple aparte).

El equipo que protagoniza esta entrega está formado por Ethan Hunt (Tom Cruise, como siempre), que no pierde un ápice de energía y sigue siendo el encargado de las escenas más arriesgadas y espectaculares; Jane Carter (Una preciosa Paula Patton), quien tiene algún asunto pendiente con los malos; y de nuevo Benji Dunn (Simon Pegg), que aporta en la primera parte de la película el punto cómico. Se une al elenco principal Jeremy Renner como analista jefe, que después demuestra tener un papel más importante dentro de la historia. Las interpretaciones son, para decirlo de algún modo, sutiles. Excepto Simon Pegg que por su papel tiene que estar más pendiente de hablar para la cámara, en el resto de escenas son otros personajes los que hablan a los protagonistas o son de acción, con lo que no hay un despliegue interpretativo muy destacable, sobre todo por parte del Sr. Cruise, que tiene, visto de un modo general, menos texto que el resto del elenco. En realidad, las escenas en que se sientan a hablar para hacer los planes o hablar del pasado son las peores, pero luego hablaremos de eso.

Más destacables son algunos de los secundarios, como Josh Holloway, que se desenvuelve sorprendentemente bien en el personaje de espía, y Anil Kapoor, estrella del cine hindú y que aquí tiene un papel ínfimo. Hay un problema con el resto de personajes, sobre todo con los malos, y es que se presenta a uno nuevo sugiriéndo que es muy importante. Más tarde se presenta a otro, que resulta ser más importante que el anterior, que acaba trabajando con otro salido de la nada. Esto dificulta un poco identificar quién es quién (y resulta francamente desconcertante en una escena concreta con una máscara) y da a ciertos personajes como el de Léa Seydoux una importancia que realmente no ves luego por ninguna parte. Bueno, lo de la francesa es algo distinto porque se la involucra emocionalmente con otro personaje de la peli, pero yo al menos habría repartido el texto de otro modo. Más Holloway y menos Renner.

Hay bastantes referencias al resto de películas de la saga, en especial a la primera (última escena) y la serie de televisión de los 60. Vuelve el opening con la BSO aunque en una versión algo rara y una secuencia de imágenes que van a suceder en la película.

Como puedes comprobar sólo con ver el tráiler, el grueso de la película está en las escenas de acción, una grande por cada escenario que se visita. La apertura, en la cárcel te recuerda qué estás viendo y presenta un poco de los cambios (por cierto, genial la inclusión de "Ain't that a kick in the head" de Dean Martin). El Kremlin es el nudo narrativo de la película. Dubai tienen la escena que todo el mundo está esperando ver con la escalada del Burj Khalifa, de lo que hablaremos luego. Y Bombai es el climax, más en el sentido narrativo que en el del significado estricto de la palabra.

Uno de los puntos que merecen un comentario aparte es el del ritmo de la película. Brad Bird es el director de "Los Increíbles", "Ratatouille" y "El gigante de hierro", este es su primer trabajo fuera de la animación y, quizás sea por el cambio de formato, quizás sea un estilo propio, la película tiene un ritmo algo extraño. Las secuencias en las que el peso está en los dialogos se exagera demasiado el respiro entre tortas y tortas, y en vez de actuar como período refractario, te importa bien poco lo que están diciendo. En concreto los diálogos de Jeremy Renner son los más afectados por este problemilla. Tal vez es porque este es un cine de adornos. De chispas, luces brillantes y saltos increíbles, y cuando la cámara no se mueve, esperas más de lo que ya estabas disfrutando. Tom Cruise tiene carisma de sobra para llenar la pantalla (como mínimo haciendo de Ethan Hunt, es innegable que tiene el personaje muy incorporado), Simon Pegg viene de trabajar en proyectos en los que él era la única herramienta con la que podía contar ("Spaced", "Zombies party", "Paul"). Pero tanto Paula Patton como Jeremy Brenner quedan un poco atrás y el problema es que ellos dos llevan todo el peso de la parte emocional del guión.
Sin embargo, al llegar a escenas más de peli de espías, infiltraciones y demás, usa mucho los cortes rápidos y muy pequeños, que a veces confunden un poco. Por ejemplo en la subida al Burj Khalifa hay un resbalón y cuando recupera el equilibrio hay un corte que muestra ya cuando Ethan está por encima del punto desde el que resbaló sin haber mostrado como ha vuelto a escalar esos metros. Sí, claro, son elípsis, no necesitamos que todos los directores sean Tarantino, pero hay formas de hacer lo mismo pero evitando que el espectador lo esté comentando a la salida del cine.
Las peleas, por otro lado, están bien coreografiadas y se ha cuidado de que con la edición se puedan ver todos los movimientos, aunque no se llegue al nivel de Jon Woo

El otro comentario más generalizado por la sala donde se proyectaba la película era lo exagerado de las escenas. Por supuesto que es exagerado, es Misión: Imposible, lo mejor es quitar de tu cabeza cualquier duda acerca de lo que está pasando, que casi siempre es hacia lo que los personajes pueden o no hacer. Para esto se remarca mucho la idea de que son parte del FMI, son los mejores, están entrenados para caer desde un primer piso y punto. En la vida real se hubieran partido el cuello, pero aquí están tan hermosotes.
Sé que este punto es bastante determinante para mucha gente así que seré claro: no, no es realista y su verosimilitud se tambalea por momentos, pero merece la pena verla, sobre todo si te gustó la primera.
En cuanto a la escena del Burj Khalifa, yo tenía bastantes ganas de verla después del bombo que se le ha dado y me encontré con justo lo que me imaginaba. Eso no es malo, pero teníala esperanza de que superara mis espectativas. Aún así, es una escena más para demostrar las cosas tan difíciles que se pueden grabar que tener un sentido argumental muy importante.

El encargado de la música es Michael Giacchino, que desde luego no se ha roto la cabeza. No hay ninguna pista original destacable, pero lo que más me ha molestado es las nuevas versiones que han hecho del tema principal, qué horror, guitarra acústica incluída. Al menos de vez en cuando enmascaran por ahí los cinco acordes clásicos, que siempre quedan muy bien si la escena decae.

Ya han pasado tres semanas del estreno y no se puede negar el éxito a nivel mundial de la película, que ha sido calificada por la productora como "el primer éxito del año" (claro, ellos qué van a decir) y ya ha conseguido superar la recaudación en taquilla de la primera parte, cosa para nada desdeñable teniendo en cuenta que fue la tercera más exitosa de aquel año 1996.

Misión: Imposible Protocolo Fantasma se convierte por méritos propios en una digna sucesora de la primera parte dirigida por Brian De Palma, con escenas de acción espectaculares que la sitúan como una de las mejores opciones actualmente en cartelera. Una película que sales de ver contento, no va a suponer una experiencia irrepetible en tu vida, pero no vas a tener ni un minuto para aburrirte en las dos horas que dura. Ethan Hunt pega un puñetazo sobre la mesa que hace temblar a Skyfall, que ahora estará sujeta a todo tipo de comparaciones con esta. Si es que ahora hasta me cae mejor Tom Cruise.

Por cierto, el segundo trailer refleja mejor como es la película. A cambio tiene posibles spoilers si sois avispados, con lo que no os recomiendo que lo veais. Tirón de orejas al equipo de marketing.

Black Books (Reseña)

noreply@blogger.com (Carlos Bermejo Pérez) — Tue, 20 Dec 2011 23:15:00 +0000

Últimamente el cine ha conseguido con más facilidad hacerme llorar que reir, aunque reconozco que mi sentido del humor es bastante extraño, pero siempre que me más que esperar encontrarme con algo gracioso salgo yo mismo a buscarlo, tiro de humor inglés, donde he encontrado esta perla.

Black Books es una comedia de situación, emitida por primera vez por Channel 4 entre 2000 y 2004, que cuenta la vida de Bernard en su ímpetu por no vender un solo libro de su tienda (de ahí el título), si eso le obliga a dejar por un momento cualquiera de sus quehaceres favoritos: fumar, beber y leer. Comparte estas aficiones con su única amiga, Frank, la dueña de la tienda de regalos de al lado, incansable buscadora de los hombres más raros que puedes echarte a la cara. En el primer capítulo se une Manny, que completa el trío de personajes y es el personaje más, digamos, preocupado por vender a bloody book. Hay un momento genial en que Bernard le echa la bronca porque ha vendido los libros "Ahora habrá que llamar al sitio de encargar libros y...encargar libros y...es un coñazo".

Lo primero que llama la atención de los personajes, tanto los protagonistas como los secundarios, es que están locos todos durante todo el capítulo. Es exactamente el nivel de los sketches de los Monty Python pero siguiendo un arco argumental.

Cada capítulo dura unos 25 minutos, y la serie completa está compuesta de 18 capítulos. Creo que es la mejor duración que puede tener una comedia por capítulo: entras, te ríes, se resuelve la situación y a otra cosa. HBO tiene la manía de hacer justo lo contrario, y el resultado es que o ves los capítulos a cachos (te pierdes la mitad de los detalles) o los ves cada mucho tiempo. No hay un arco argumental que dure toda una temporada, sino historias episódicas en las que se introduce un personaje nuevo...que desaparecerá sin dejar rastro. Eso sí, hay que aguantar las odiosas risas enlatadas que acompañan cada chiste...al menos aquí, al contrario que en 'The Big Bang Theory', por poner un ejemplo que me sacaba de mis casillas, la serie es graciosa y sólo acompañan.

Entre estos, cabe mencionar a los componentes de otra comedia que guarda bastante parecido con esta: Spaced. La verdad es que todo lo que se diga de Black Books vale para Spaced, y si te gusta una es muy probable que también te rías con la otra (y al revés, si odias una aléjate de la otra como de la peste). Por cierto, los actores (también guionistas y directores) de Spaced son más conocidos por ser los responsables de 'Shaun of the dead' (O 'Zombies party') y 'Hot Fuzz' ('Arma Fatal').

Black Books no destaca por su producción, sino por su guión y la interpretación de los actores. Es lo más cercano que he encontrado al Monty Python's Flying Circus o las series de Rowan Atkinson pre-Mr. Bean, aunque sin la estructura en sketches cerrados que tenían estos.

Sinceramente, no sé si la serie está doblada al castellano, pero sí sé que está disponible en Netflix (si este está disponible en vuestra zona) y en YouTube, aunque no sé yo si van a dejar que siga ahí mucho tiempo con lo tiquismiquis que son con el copyright. Insisto, si tenéis ganas de reír, echad un ojo a la serie que no os vais a arrepentir (no se admiten devoluciones si no es así).