Depois de André de Leones e Menalton Braff, quem agora “fala” sobre a arte da escrita é o contista Antonio Carlos Viana, um dos mestres do gênero no Brasil.

Menos conhecido e festejado do que deveria ser, Viana é autor de “Aberto está o inferno“, “O meio do mundo e outros contos” e “Cine Privê“. O escritor, que é doutor em Literatura Comparada pela Universidade de Nice, da França, é sergipano e atualmente mora em Aracaju, capital do estado.

Inspiração e genialidade são duas palavras que não fazem parte de meu vocabulário quando penso no ato de escrever. Sou mais dos que transpiram 100% para produzir um texto. Não fico esperando que as Musas venham e me ditem as palavras. Pode ser que um ou outro escritor tenha esse privilégio. Eu não tenho.

Escrever é algo muito suado e a palavra que me vem à cabeça para descrever o momento da escrita é disponibilidade. Creio que o artista precisa estar disponível para sua arte e disposto a enfrentar suas limitações, porque cada texto que escrevemos é uma superação de nossos limites. Acredito no trabalho diário, insistente, mesmo que, ao final, de aproveitável sobre apenas uma frase.

Não tenho rituais para começar a escrever. Adquiri o hábito de me sentar sempre por volta das nove da manhã para tentar escrever o que quer que seja. Deixo que as ideias venham por si sós, nunca as forço. A gente precisa ter um horário para a escrita, assim como temos para a academia, para a caminhada, para o lazer.

Podemos ter todas as ideias do mundo, mas elas escapam e dificilmente voltarão se não estivermos com disposição para enfrentar a tela em branco e se não tivermos também uma grande disciplina. Parece que as histórias têm um tempo para nos desafiar, porque depois perdem a força, desaparecem.

Muitas vezes me sento diante do computador e não vem nada à cabeça. Antes me angustiava muito com isso, hoje não mais. Aí digito uma palavra qualquer e deixo que ela me conduza. Outras vezes sou assaltado por uma frase, e sinto, por sua pulsação, que ela pode ou não render uma boa história. Mas para isso, preciso estar aberto para ela. Se não estiver, melhor fazer outra coisa, caminhar mais na praia, por exemplo.

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“- Ah, eu não gosto de emprestar meus livros. Sempre me devolvem com algum estrago.

- Já eu adoro emprestar. Prefiro vê-los circulando do que parados na estante.”

(É claro que a pessoa não disse “vê-los”. Só quis deixar a passagem mais bonita.)

Àquela época, eu me via às voltas com resmungos diários por ter perdido meu exemplar de “Juventude”, de J.M. Coetzee, e de “Werther”, de Goethe. Como eu trabalhava em livraria – saí de lá poucos meses depois, e retornei dois anos mais tarde -, todos os dias eu lembrava de ambos.

A loja não possuía exemplares desses livros, porém, ao ver outras obras desses autores nas prateleiras, eu sempre me recordava dessas baixas literárias.

Além dos títulos citados, devo incluir, nessa fatídica lista, “Budapeste”, de Chico Buarque – do qual, para ser sincero, não sentia muita falta -, “Um certo capitão Rodrigo”, de Erico Verissimo, e “As mentiras que os homens contam” e “Sexo na cabeça”, de Luis Fernando Verissimo.

Com tantos e tão traumáticos desaparecimentos, tomei a única decisão possível em uma situação como essa: resolvi não mais emprestar meus livros. E fui além: passei a defender com veemência o não-empréstimo.

Falo dos livros mas poderia falar também de filmes que foram “arrancados” de mim, como “Amnesia”, de Christopher Nolan, e “O clube da luta”, de David Fincher. Poderia também incluir discos que me foram devolvidos com danos, como a trilha sonora de uma novela cujo nome não lembro, e o “MTV Unplugged” de Bryan Adams – não me julguem por isso, vocês também foram adolescentes! -, que, na verdade, foi roubado junto com o som do carro de um amigo.

Alguns desses livros, discos e filmes eu tive que comprar novamente. Outros, não consegui, e nem sei se conseguirei, como “Amnésia”. E é por isso que, hoje, quando me pedem um livro emprestado, mui polidamente digo que não empresto.

Há exceções, claro. Meu exemplar de “Primeiras estórias”, de Guimarães Rosa, está com uma amiga, por exemplo. “Minority Report”, filme dirigido por Steven Spielberg, está com um amigo. Mas, como disse, são exceções.

Entretanto, não pensem que sou um monstro egoísta. Já perdi a conta de quantos livros dei de presente, em vez de emprestar. Prefiro fazer isso a ficar controlando empréstimos, fazendo listinhas e cobrando a devolução.

Mas a questão, na verdade, é a seguinte: para mim, há um valor sentimental em cada um dos livros, discos e filmes que possuo. Principalmente nos livros. Posso contar uma história sobre cada um: onde, como e porquê o comprei, quem me deu de presente e quando, como ele veio parar em minhas mãos… É como se cada um deles fosse um pedaço de minha memória. Se determinado livro não tiver a sua história, eu invento. É assim que funciona, ao menos comigo.

E é por isso que digo e repito: não empresto meus livros, e recomendo que você também não empreste os seus. Vai que…

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Eddie Morra, vivido por Cooper, não consegue começar a escrever seu romance, pelo qual uma editora pagou um adiantamento. Gil Pender, vivido por Wilson, vai passar alguns dias em Paris com a noiva, e lá tenta convencê-la a se mudarem para a Cidade Luz, onde ele acredita que conseguirá inspiração para escrever bons romances.

No caso de Morra, seu bloqueio criativo é resolvido quando cai em suas mãos uma pílula chamada NZT, que tem o poder de aprimorar o desempenho do cérebro de quem a toma. Enquanto se envolve em problemas que nada têm a ver com literatura, Morra termina de escrever seu livro, mas a questão literária é deixada de lado em prol de uma trama mais atraente para o público, recheada de suspense, crimes e perseguições.

Já Gil Pender se vê enredado em uma viagem no tempo que o leva à década de 1920 em Paris, época em que lá passaram temporadas ou viveram Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, Gertrude Stein, entre outros. Sua inquietação está no fato de achar que deveria ter nascido em outra época, a tempo de conseguir viver os anos 20 e assim ter contato com os grandes escritores e artistas que viviam na capital da França. Escrito e dirigido por Woody Allen, que por esse roteiro ganhou o Oscar de Melhor Roteiro Original este ano, “Meia noite em Paris”, ao contrário de “Sem limites”, está embriagado de literatura. Mas não estamos aqui para fazer comparações.

A intenção é voltar nossas atenções – na verdade, apenas destacar, iluminar, porque ambas são, talvez, insolúveis – para essas duas angústias, talvez as maiores que um escritor tenha o desprazer de vivenciar.

Bloqueios criativos são aparentemente normais – quem escreve pode ficar à vontade para relatar suas experiências. Mas, ao chegarem em determinados estágios, são desesperadores. O que fazer quando as palavras não vêm? Ou quando não há ideias sobre o que escrever? Ou, ainda, quando a dúvida entre qual caminho o personagem deve seguir é como escolher entre salvar a vida de apenas um de seus dois filhos?

Conselhos para se livrar de tais bloqueios existe, e não são poucos. Caminhar um pouco, ler alguma coisa leve, escrever qualquer coisa que lhe venha à mente, para daí, quem sabe, chegar onde se quer… Mas às vezes nada disso funciona.

A questão da nostalgia é bem mais simples e muito menos incômoda (ou não…). Ela não atinge apenas escritores, mas artistas de um modo geral são mais propensos a sentir tal sensação. Afinal, onde estão os gênios? Onde estão os grandes romances? Onde estão os grandes fatos? A resposta: no passado.

A Paris dos anos 1920, 1930, 1940 é comentada até hoje. Inúmeros livros já foram escritos sobre essas épocas. E quantas obras-primas não foram escritas na cidade, ou ao menos iniciadas lá. Cito Paris mas poderíamos estar falando sobre a Londres mais ou menos na mesma época, ou a Belo Horizonte da década de 1940, ou o Rio de Janeiro dos anos 1960 e 1970.

É uma pena que não existam pílulas ou viagens no tempo para dar cabo de ambos os problemas. A solução, portanto, seria, no primeiro caso, enfrentar a página em branco, até que a “inspiração” retorne, e, no segundo, contentar-se em viver o presente, conformando-se em conviver com os grandes autores apenas através de seus livros e representações no cinema.

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Gosto de esquematicamente dividir o ato criativo em três momentos. Está claro que se trata apenas de um esquema, com todas as variantes impostas pela vida.

- O primeiro momento é o da concepção. A ideia ou a imagem que bate na parede e cai na sua frente. É necessário sentir que a vida não continua sem que se fale da ideia ou da imagem. E repito: às vezes surge um tema abstrato, que precisa procurar suas figuras; às vezes surge uma figura, que deve procurar seu tema. A vida vivida, a vida ouvida, as leituras, a imaginação, enfim, nunca se sabe de onde virão as figuras e os temas.

- O segundo momento é o da gestação. É neste momento que os temas buscam figuras e vice-versa. Se é uma história o momento da concepção, ela começa a buscar sentidos, significados, às vezes sua própria linguagem. É a hora das anotações e/ou pesquisas, Ponto de vista, estrutura, padrão de linguagem, elementos em geral da narrativa, tudo isso cresce durante a gestação.

- O momento final é a execução. Muitas vezes é necessário modificar aspectos daquilo que foi gestado e não se deve temer a modificação. É o início do trabalho, a transformação de temas e figuras em discurso.

No meu caso particular, prefiro trabalhar à noite, todos os dias e sempre nos mesmos horários. Agora que já vou me tornando mais vagabundo, começo a escrever durante o dia também. Sempre no mesmo lugar e de preferência nas mesmas horas.

O conto não exige a mesma disciplina, pois seu convívio com o autor é menor. Conto a gente pode escrever até em quarto de hotel, nas férias.

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O escritor italiano Italo Calvino (1923-1985) pertence a um grupo não muito numeroso: o de autores que conseguem fazer trabalhos excepcionais tanto na ficção quanto na não-ficção.

É o caso de George Orwell – talvez até melhor ensaísta que romancista, mas isso seria conversa que duraria até o fim dos tempos -, Jorge Luis Borges, Cesar Aira, J.M. Coetzee, e, no Brasil, Nelson Rodrigues, Machado de Assis – pouco reconhecido por suas crônicas e ensaios, a propósito -, entre outros.

“Assunto encerrado“, reunião de conferências e ensaios de Calvino sobre os mais variados temas, é uma boa amostra da visão arguta que tinha o autor. Seu objetivo com esses textos não poderia ser mais “presunçosa”: “Diria que meu objetivo talvez fosse estabelecer algumas linhas gerais que servissem de pressuposto a meu trabalho e ao dos outros; postular uma cultura como contexto em que situar as obras ainda a escrever. A ambição juvenil de que parti foi a do projeto de construção de uma nova literatura que por sua vez servisse para a construção de uma nova sociedade”.

E já no primeiro ensaio, originalmente uma conferência, “O miolo do leão”, Calvino mostra a que veio: “As coisas que a literatura pode buscas e ensinar são poucas, mas insubstituíveis: a maneira de olhar o próximo e a si próprios, de relacionar fatos pessoais e fatos gerais, de atribuir valor a pequenas coisas ou a grandes, de considerar os próprios limites e vícios e os dos outros, de encontrar as proporções da vida e o lugar do amor nela, e sua força e seu ritmo, e o lugar da morte, o modo de pensar ou de não pensar nela; a literatura pode ensinar a dureza, a piedade, a tristeza, a ironia, o humor e muitas outras coisas necessárias e difíceis. O resto, que se vá aprender em algum outro lugar, da ciência, da história, da vida, como nós todos temos de ir aprender continuamente”.

Extremamente habilidoso com as palavras, além de ter um nível cultural altíssimo, Italo Calvino faz uma crítica à civilização contemporânea na conferência “Os beatniks e o ‘sistema’”. Segundo ele, “estamos vivendo no tempo das invasões bárbaras”: “Não adianta olhar em torno, buscando identificar os bárbaros em algumas categorias de pessoas. Os bárbaros, desta vez, não são pessoas: são coisas. São os objetos que acreditamos possuir e que nos possuem; é o desenvolvimento produtivo, que devia estar a nosso serviço mas do qual estamos nos tornando escravos; são os meios de difusão do nosso pensamento, que procuram nos impedir de continuar a pensar; é a abundância de bens, que nos dá não o conforto do bem-estar, mas a ansiedade do consumo forçado (…)”.

Cada ensaio ou conferência de Calvino pode dar origem a um novo artigo. O que dizer do texto “Para quem se escreve?”, por exemplo, no qual ele declara “A contribuição que a literatura pode dar é apenas indireta: por exemplo, recusando decididamente toda solução paternalista; se pressupusermos um leitor menos culto que o escritor e assumirmos com relação a ele uma postura pedagógica, divulgadora, tranquilizadora, só confirmaremos o desnível [cultural]; toda tentativa de adoçar a situação com paliativos (uma literatura ‘popular’) é um passo para trás, e não um passo adiante. A literatura não é escola; ela deve pressupor um público mais culto, mais culto que o escritor; se esse público existe ou não, não importa”.

Às vezes duro ou polêmico, mas sempre elegante e munido de bons argumentos, Italo Calvino não foge do debate, e escreve até mesmo sobre o uso excessivo de palavrões.

Num tempo em que o politicamente correto é o que vigora, o espírito combativo de Calvino faz muita falta. Resta o consolo de que podemos ter a companhia de seus livros.

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AVISO DO AUTOR: Este post se refere a um livro cuja leitura é recomendável apenas para pessoas maiores de 18 anos.

A linha que separa a literatura erótica de boa qualidade da literatura erótica de má qualidade é muito tênue. O mesmo vale para os quadrinhos adultos.

Existem autores que utilizam o erotismo de maneira gratuita e exagerada. As cenas se sucedem sem terem uma justificativa plausível, sem terem necessidade de existir. São histórias feitas como se fossem filmes pornôs, onde o que importa é o sexo pelo sexo, e nada mais.

Mas existem artistas que conseguem ser explícitos e, ao mesmo tempo, delicados. É o caso do francês Frédéric Boilet em seu “Garotas de Tóquio“.

O álbum é composto por sete histórias curtas, nas quais Boilet é o narrador-personagem. Cada uma delas conta o encontro entre o narrador e uma personagem feminina diferente. Essas “garotas de Tóquio” são as musas de Boilet, mulheres convidadas ou que se ofereceram para serem suas modelos.

Poderia-se dizer que a simplicidade é uma das características mais marcantes das histórias. Assim como o traço de seus desenhos é uma espécie de rascunho aprimorado, os diálogos são curtos, bem como as intervenções do narrador.

A cumplicidade entre o narrador e suas musas é outro ponto a ser destacado. Há, em cada uma das sete histórias, uma intensidade de sentimentos muito grande. É como se o protagonista se apaixonasse perdidamente por cada uma das garotas com as quais se relaciona.

Tudo isso contribui para que as cenas de relações sexuais não assustem nem mesmo aos leitores mais puritanos. Essas três características – simplicidade, cumplicidade e intensidade – transformam as histórias eróticas em pequenos contos de amor.

As duas melhores narrativas da coletânea são, de longe, “Uma História quase sem palavras” – a mais explícita de todas e que, como diz o título, quase não tem palavras -, e a divertida “Um belo mangá erótico”. A mais singela e emocionante é “Neri 2004″.

É uma pena que um trabalho de qualidade tão alta seja pouco conhecido e divulgado no Brasil, enquanto que outros quadrinistas, com seus fracos roteiros e desenhos de gosto no mínimo duvidoso são considerados geniais. Inversões de valor que ocorrem em todas as artes, e que são difíceis de entender.

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Esses depoimentos seriam publicados em uma série de matérias sobre o ato de escrever, mas as coisas não saíram conforme planejado, infelizmente.

Fiquei com alguns desses depoimentos na minha caixa de emails e recentemente, procurando por outra coisa, os encontrei, e resolvi publicá-los.

O primeiro a vir à luz é do romancista e contista André de Leones, autor de, entre outros, “Como desaparecer completamente“, “Dentes negros” e “Hoje está um dia morto“. No próximo sábado tem mais.

Com a palavra, André de Leones.

Eu escrevo à mão. A primeira versão de cada romance ou conto, pelo menos. Já tentei algumas vezes, mas nunca consegui começar uma narrativa diretamente no computador. Já aconteceu de eu começar alguma coisa e, ao perceber que estava ficando legal, imprimir, transcrever em um caderno, recomeçar e desenvolver à mão.

Gosto de uma série de cadernos da Tilibra chamada “Opus”. Custam em torno de dez reais. Assim, à medida em que arranco páginas e começo de novo e de novo e de novo, não preciso me lamentar por “desperdiçar” tantos cadernos.

Procuro escrever todos os dias, esteja em casa ou viajando (quartos de hotéis são sempre convidativos, posto que se encontram em outra dimensão). Há dias bons, em que a escrita flui bem, e dias ruins, em que ela flui mal ou simplesmente não flui. Em um dia bom, escrevo cinco ou seis páginas que, depois, ao serem revisadas e digitadas, viram duas, uma, meia página…

Como não tenho um emprego “normal”, que exija a minha presença em um escritório ou coisa parecida, costumo escrever durante todo o dia e parte da noite, com muitas interrupções. Paro para cozinhar e comer, ir ao mercado, namorar, assistir a um pouco de TV (adoro seriados, jogos de tênis e de futebol e telejornais), olhar para o tempo, responder e-mails, twittar, blogar e, claro, ler livros. Preciso sair para me encontrar com amigos, comer fora, comprar livros e passear pelo menos duas vezes por semana.

As ideias pipocam de todos os lugares, de uma conversa com alguém, de alguma história que ouço, de uma frase solta, de uma música, de uma cidade etc. A história que vou contar cresce a partir ou em torno dessa ideia primeira.

Antes de efetivamente começar a escrever um livro, penso muito sobre ele, sobre o que quero escrever. Procuro estabelecer uma relação de livros que se aproximem do que quero escrever, temática e/ou estilisticamente. Leio ou releio esses livros. Também procuro ver ou rever filmes que tenham a ver com o projeto. Música é sempre importante. Gosto de escrever ouvindo música. Radiohead, Brahms, Wagner, Philip Glass. Também procuro esboçar uma estrutura antes de começar. Será narrado em terceira pessoa? Em primeira? Em várias primeiras pessoas? O tom será contido ou desbragado? Será dividido de que forma? Depois, quando efetivamente começo a escrever, essa estrutura esboçada antes pode ou não ser respeitada.

De resto, escrever é reescrever, revisar, repensar, tentar de outras maneiras, desistir, retomar, jogar tudo fora, correr até a lixeira e pegar de volta, recomeçar. Escrever é estar sempre recomeçando.

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A capa de um livro é, provavelmente, na maioria dos casos, o primeiro contato que o leitor tem com a obra. E ele tanto pode se apaixonar à primeira vista quanto pode ficar com uma má impressão do livro. E a primeira impressão, já diz o ditado, é a que fica, embora nem sempre seja a verdadeira.

Não é à toa que as editoras brasileiras vêm, nos últimos anos, dando uma maior atenção à questão gráfica, ao “objeto livro”. Ainda mais se considerarmos as rápidas transformações no mercado editorial, com os livros eletrônicos ganhando mais espaço e o livro impresso sendo alçado à posição de “fetiche”.

Particularmente, sou uma espécie de aficcionado por capas de livros. Perdi a conta de quantas vezes fiquei tentado a comprar alguns títulos apenas por causa de suas belas capas. E de fato comprei (mas só quando o conteúdo da obra era também interessante).

Ultimamente, essa preocupação das editoras tem aumentado ainda mais. Considerando somente os últimos cinco anos, houve uma série de reedições de obras importantes com novos projetos gráficos. A editora Record, por exemplo, vem reeditando os livros de Fernando Sabino e José Lins do Rego – para enumerar apenas dois autores -, com novas capas e projetos gráficos. O mesmo vem fazendo a Companhia das Letras com as obras de Vinicius de Moraes e Otto Lara Resende. É preciso também mencionar o belíssimo trabalho que a Objetiva/Alfaguara vem fazendo com os livros de João Cabral de Melo Neto. Todos os livros do poeta pernambucano publicados até o momento têm lindas capas.

Quando se fala em livros bonitos não se pode deixar de citar a editora Cosac Naify, que tem em seu catálogo edições belíssimas de clássicos como “Moby Dick” (Herman Melville), “Os miseráveis” (Victor Hugo) e, mais recentemente, “Guerra e paz” (Liev Tolstói).

Esse maior zelo vem ocorrendo até mesmo com os livros de bolso. Afinal, tamanho não é documento, até mesmo no caso da beleza dos livros. Há edições de bolso com capas muito bonitas, haja vista os títulos editados pela L&PM e os publicados pelo selo Companhia de Bolso – neste caso, principalmente os livros da coleção Jornalismo Literário.

É bem verdade que beleza não é tudo. O que importa, claro, é o conteúdo. Até porque, da mesma forma que existem livros belíssimos de baixíssima qualidade literária, há também obras incríveis com capas ou projetos gráficos terríveis.

Mas, parafraseando Vinicius de Moraes, os livros feios que me perdoem: beleza é fundamental. Então, entre uma edição mais simples de um clássico – um Dostoiévski, por exemplo – e uma edição mais encorpada e mais bonita do mesmo livro, fico com esta última, ainda que ela seja mais dispendiosa.

P.S.: Não citei os responsáveis pelas capas e projetos mencionados no post, mas é preciso registrar alguns dos nomes mais importantes dessa área. Ei-los: Mariana Newlands, Victor Burton e o estúdio Retina78.

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(Companhia das letras, tradução de Sérgio Tellaroli)

Para pessoas tão pequenas como nós, pupilos, nada é engraçado.

Estudamos em bibliotecas. Como soldados, verdadeiros recrutas, temos de nos deitar no chão e atirar. Vamos às compras em grandes lojas, banhamo-nos em balneários, oramos nas igrejas: “Não nos deixei cair em tentação”.

Com a cortante lucidez de seu lirismo realista, Robert Walser, no romance Jakob Von Gunten, expõe as vísceras do drama do indivíduo impessoalizado dentro do sistema capitalista industrial. O livro foi escrito em 1908, época em que amanhecia o modelo de mundo em que vivemos hoje; e ainda hoje o leitor se reconhece na alegoria do pupilo a lacaio de uma sociedade industrializada, interesseira, fria e calculista. A serialidade da carne humana é exposta, paradoxalmente, porém, com encantadora poesia. Com Walser, o bruto é tomado de tal sinceridade que dele se extrai uma beleza rara, única e incondicional. Cada pequeno detalhe é dotado de importância, pois é o que traz humanidade à amorfa condição das pessoas industrializadas. Um instituto como o Instituto Benjamenta, cenário das narrativas de Jakob Von Gunten, dedicado a criar servos minimamente familiarizados com as maneiras e costumes da alta sociedade, regido por velhas normas e dedicado a tornar seus pupilos úteis a outrem, poderia ser uma caricatura de todo o mecanismo silencioso que mantém até hoje o sistema social intacto, às custas de algumas insignificâncias vitais; a escolarização é encolhedora, pois basta-se a ensinar uma função e assim fornecer mais uma máquina humana barata a juntar-se com inércia à pútedra monumentalidade social, sempre sustentáculo econômico, indiferente se legitimada pela estandartização de uma falsa moral, baseada no enaltecimento de valores reles, a girar sempre em torno de utilidade, funcionalidade, subserviência, quer a Deus, ao Estado, ao dinheiro.

As personagens de Walser todavia perseguem algo elevado. Talvez uma moral diferente, menos cristã e punitiva, menos ameaçadoramente acachapante. Na prática, perseguem uma vida de servilidade para encaixarem-se na sociedade, o que significa tornarem-se economicamente ativas após aprenderem a comportar-se conforme as convenções: por isso, para os pupilos do Intituto Benjamenta, a própria sociedade é algo elevado, buscam adentrar nela através de um posto, uma função que lhes dê uma posição social, um símbolo de poder. A lucidez crítica vem proferida pela voz do irmão de Jakob, Johann Von Gunten – a semelhança entre os nomes dos irmãos não redunda apenas uma usual assonância familiar, Johann parece a consciência de Jakob personificada graças às suas observações categóricas: “Ser de fato um pobre-diabo é o que há de mais belo e vitorioso. Os ricos, Jakob, são muito insatisfeitos e infelizes. A gente rica de hoje em dia não tem mais nada. São os verdadeiros famintos”. Jakob justamente renunciara a uma vida farta, abandonara família e conforto para inscrever-se no Instituto Benjamenta e formar-se criado, “meu pai tem carruagens, cavalos e um criado, o velho Fehlman. Mamãe tem seu próprio camarote no teatro”. Uma espécie de franciscano egoísta, sem a cristandade, um neo-platônico às avessas, um ideal encarnado da autoformação, da autoeducação, não em busca da verdade, nem da justiça, mas baseado no esforço próprio, capitalista por excelência, começando “de baixo, bem de baixo”, em busca do desenvolvimento, em si, de qualidades necessárias à ascensão, econômica e social. O diário é conduzido, pois, por um narrador perspicaz, ocupante de um ponto de vista privilegiado através do qual demonstra o amálgama moral que se estabelece entre indivíduo inerte e sociedade dinheirista num mundo economicamente positivista em que os valores são vãos e as pessoas entediam-se porque são reduzidas a máquinas especializadas, inscritas num sistema rígido e simplório.

No geral, as personagens simbolizam a servilidade e o rigor que a acompanha. Suas vidas extrapolam sua compreensão, sua única verdade é que devem servir ao mundo que os repugna. São – o discreto e obsequioso Kraus em particular – o resultado icônico da sociedade tal como a justificam a benevolência e justiça mentirosas da cristandade. Há neles uma beleza triste, que encerra o peso da punição e penitência, valores herdados e encrustrados da tradição judaico-cristã. Sua servilidade é pueril, todavia, pois que ingênua e conformada, o poder é seu pai severo e insone, inalcançável, uma sombra sempre vigilante. “Nesses dias em que limpamos, lavamos e areamos, lembramos aqueles duendes de Colônia, que conforme conta a lenda, faziam todo o trabalho pesado e cansativo movidos pela mais pura e sobrenatural bondade. O que nós, pupilos, fazemos, nós o fazemos porque temos que fazer, embora nenhum de nós saiba ao certo por que razão precisa fazê-lo”. Talvez seja essa puerilidade que faça ecoar os contos de fadas durante as palavras de Walser. Na verdade foi Walter Benjamin quem escreveu que “as figuras humanas de Robert Walser partilham sua nobreza infantil com as personagens dos contos de fadas”, uma comparação bonita e que traduz todo o universo de Jakob Von Gunten. Mesmo a prosa curta de Walser aumenta essa familiaridade com os contos de fadas, pois confere ao tempo em que a própria prosa se desenrola uma suspensão mágica, uma aparente consciência de infinitude; uma infinitude de breves finitudes. Nessa atmosfera rarefeita, o lúdico funciona como o ponto de parada certo de uma lucidez fugidia, metaforizando relações de poder ou simplesmente abstraindo a rudeza do inevitável destino das histórias dos pupilos tão respeitosos, que não é o de uma vida feliz para sempre, pois fatalmente suas divagações serão substituídas por uma vida de labor, serão enfim trazidas à realidade, onde a sabedoria é vã e a virtude, inútil. “Grandes são a lei, que determina, a coação, que obriga, e as muitas normas
inexoráveis a nos balizar a direção e o gosto. Aí está a grandeza, e não em nós, discípulos. Todos, eu, inclusive, sentimos que somos apenas anões minúsculos, pobres, dependentes, obrigados a constante obediência”.

Walser parece um pintor, ele nos causa impressões sobre as impressões, descreve as cenas e deixa que elas falem por si mesmas no silêncio. Há uma melancolia que resiste neste momento reticente e dela desabrocha a profunda sensibilidade de Walser para a beleza que há em tudo que é genuinamente humano. Sua poesia paira aí, mas é tão plena quanto um depósito de tinta que a transcrevesse. Sua prosa é lírica, dotada de uma poesia discreta e modesta. Um pouco como Kraus, sua poesia esgueira-se e embeleza o texto, imperceptível, sem fazer alarde para si, uma beleza inesperada e portanto natural, espontânea e quase corriqueira. Walser traduz em toda a sua escrita a simplicidade, encarna-a através do magnífico subterfúgio do experimento literário rapsódico do diário, que permite qualquer coisa a seu narrador, que pense em voz alta, exprima juízos ou sensações, que tagarele sem sentido ou somente devaneie, sem jamais abandonar seu posto libertador de singelo observador, a forçosamente desgarrar-se da inocência infantil.

(resenhista: Isabela Gaglianone)

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O romance “O processo“, de Franz Kafka (1883-1924), é uma das maiores obras de ficção de todos os tempos, um clássico da literatura universal. É assim que geralmente somos apresentados a este livro.

Comigo não foi diferente. A apresentação aconteceu quase dez anos atrás, quando era estudante de Letras. Quem me apresentou a Kafka – não apenas a mim, mas a toda a minha turma – foi nosso então professor Mayrant Gallo – que, além de um grande leitor, é também um excelente escritor.

Eu costumava anotar quase todos os livros e autores citados por Mayrant em suas aulas. Dessas recomendações saíram algumas das melhores leituras que fiz até o momento, incluindo aí “O estrangeiro”, de Albert Camus, “Ratos e homens”, de John Steinbeck e “O processo”, de Kafka.

Resumindo de forma bem grosseira, “O processo” conta a história de um homem, Josef K., que é acusado de um crime do qual não é informado, e por isso é processado. A memória me impede de ir mais além na sinopse – uma releitura se faz necessária e será feita em breve -, mas o que vem depois é simplesmente incrível. Kafka consegue mergulhar o leitor em um clima frio, duro, às vezes até sombrio.

Para ler “O processo” de cabo a rabo, tive de começar a lê-lo três vezes. Na primeira, fiquei pelas primeiras páginas. Na segunda, fui até a metade do livro. Foi somente na terceira tentativa que consegui ler a obra por inteiro.

Culpa do livro? De forma alguma.

Na primeira tentativa, eu tinha 19 anos. Estava começando a me tornar um bom leitor, digamos assim. Meses antes de ter em mãos “O processo” eu havia lido tudo o que me caíra na mão de Fernando Sabino e Carlos Heitor Cony, entre outras coisas. Leitor eu já era desde garoto, mas de gibis e revistas informativas. Livros não eram o meu forte, apesar de sempre ter gostado de ler. Talvez por isso não tenha conseguido me deixar levar por Kafka e sua história inusitada.

Da segunda tentativa não me recordo com tantos detalhes, mas lembro claramente de ter considerado uma vitória chegar à metade do livro. Isso deve ter acontecido em 2004.

A leitura completa só veio acontecer em 2005. E o impacto causado por ela durou dias. A partir daí, quis ler tudo o que pudesse de Kafka, e foi assim que li “A metamorfose“, “Um artista da fome” e diversos contos do autor.

Mas onde quero chegar com essa história, você pergunta. No título deste post, respondo. Para mim, e também para muita gente, cada livro tem seu “tempo certo”. Em 2002, quando tentei ler “O processo” pela primeira vez, eu não tinha as condições literárias, digamos assim, para lê-lo. Além da minha pouca bagagem cultural, havia o agravante de estar concentrado em autores brasileiros cujos livros se apegam ao cotidiano – principalmente os já citados Sabino e Cony -, justamente do que Kafka foge: do “normal”.

É por isso que, quando não consigo avançar na leitura de alguma obra, não me sinto culpado. Sei que talvez não seja o momento de lê-la, e não tenho o menor pudor de deixá-la para depois. Com o tempo aprendi que, muitas vezes, tentar forçar uma leitura, terminar um livro apenas por terminar, prejudica, e muito, o entendimento que se tem da obra. E também sua relação com ela.

Talvez se eu tivesse seguido adiante com “O processo”, em 2002, sua leitura não fosse tão marcante. Por isso, caro leitor, se você estiver às voltas com uma leitura por demais arrastada, não pense duas vezes: parta para outra.

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Embora nos últimos anos o leitor apaixonado esteja envolvido – ou, talvez melhor dizendo, se envolvendo – com as mais diversas questões relacionadas ao livro, tais como “o livro eletrônico acabará com o físico?”; “as livrarias vão sobreviver à expansão do comércio virtual?”; “como vou conseguir um autógrafo de Philip Roth no Kindle?”; ou “o Kindle aguenta uma chuvinha?”, o objeto principal de sua preocupação e atenção é sempre o mesmo: os livros, claro.

E, para o leitor apaixonado, existem algumas coisas que são quase sagradas, como cheirar um livro novo – se bem que há quem prefira o cheiro de livros velhos, tem fetiche para tudo -, uma capa bem feita – há quem colecione livros pela capa, não duvidem! – e, claro, belos textos exaltando o valor do livro – melhor ainda se for impresso.

Quando um desses leitores encontra uma obra que reúna essas três características, ele se sente, parafraseando o argentino Jorge Luis Borges, no paraíso.

É mais ou menos a sensação que se tem ao ler “A paixão pelos livros” (Casa da Palavra, 2004), obra organizada por Julio Silveira e Martha Ribas, uma coletânea de textos e frases de diversos autores sobre, já ficou óbvio, livros.

Entre as frases, há desde pérolas de impacto, como a do escritor alemão Heinrich Heine, “Onde se queimam livros cedo ou tarde se queimam homens” (vale aqui citar, como indicação sobre o assunto, “História universal da destruição dos livros”, de Fernando Báez), até as espirituosas, como a de Erasmo de Roterdã que diz “Quando tenho algum dinheiro, compro livros. Se ainda me sobrar algum, compro roupas e comida” (abro um outro parêntese para confessar que esta última reflete minha realidade).

Mas é entre os textos selecionados que está o melhor de “A paixão pelos livros”. “Bibliomania”, conto de Gustave Flaubert, por exemplo, mostra como o amor desmedido – na verdade, talvez não seja “amor” a palavra, e sim “obsessão” – pelos livros – nesse caso, por uma determinada obra – pode levar um homem à loucura.

Já os escritos por José Mindlin e Carlos Drummond de Andrade – respectivamente “Loucura mansa” e “O sebo” – são mais leves e mais românticos. Mindlin diz, a título de gracejo, que o livro é o “Companheiro ideal (…), pois está sempre à disposição, não cria problemas, não se ofende quando é esquecido, e se deixa retomar sem histórias, a qualquer hora do dia ou da noite que o leitor deseja”.

Em seu texto, Drummond também se vale do bom humor, e diz “Lá em casa não cabe mais nem um aviso de conta de luz, tanto mais que as listas telefônicas estão ocupando o lugar dos dicionários, mas o frequentador de sebo leva assim mesmo o volume, que não irá folhear. A mulher espera-o zangada: ‘Trouxe mais uma porcaria para casa!’ Porcaria? Tem um verso que nos comoveu, quando a gente se comovia fácil, tem uma vinheta, um traço particular, um agrado só para nós, e basta”.

Figuram, ainda, entre as páginas de “A paixão pelos livros” textos de Michel de Montaigne, Plínio Doyle, Camilo Castelo Branco, Rodrigo Lacerda e outros. A grande surpresa, contudo, vem com o conto de um autor pouco conhecido no Brasil: o norte-americano descendente de armenos William Saroyan.

Trata-se de “Dia frio”, uma pequena ode aos livros, e uma pequena obra-prima de ficção. Para resumir em poucas palavras: escrito em forma de carta, a história é o relato de um escritor que tenta escrever um conto mas faz tanto frio que ele não consegue. “Gostaria de saber o que o Partido Democrata já fez pelos escritores congelantes. Todos os outros recebem calor. Nós temos que depender do sol e, no inverno, não se pode depender do sol. Esse é o x do meu problema: querer escrever um conto e não podê-lo, por causa do frio”.

Ele pensa, então, em fazer uma fogueira com alguns de seus livros, para esquentar-se, mas quando começa a pensar em quais obras queimar, encontra razões até mesmo para preservar livros de “prosa barata”.

Quem tem um sentimento especial e, vá lá, romântico pelo objeto físico do livro, vai se sentir muito bem representado e se reconhecer em muitas passagens de “A paixão pelos livros”. Para aqueles que não conseguem entender essa predileção, essa paixão, que muito em breve pode se tornar um mero fetiche, os textos reunidos em “A paixão pelos livros” explica muita coisa. Faria bem ler para, quem sabe, entender essa cada vez mais rara espécie de leitor. E, quem sabe, sendo bastante otimista, ser contaminado por essa “loucura mansa”.

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Uma das características mais interessantes de “Wilson“, graphic novel do norte-americano Daniel Clowes recentemente publicada no Brasil pela editora Companhia das Letras com tradução de Érico Assis, é que uma página não é necessariamente a continuação direta da anterior. Em outras palavras: é como se cada página fosse uma história isolada, mas que, unindo umas às outras, formassem um todo.

De fato, como disse o autor em recente entrevista a Raquel Cozer, repórter da Folha de São Paulo, as páginas de “Wilson” foram mesmo rascunhadas isoladamente, como se fossem tirinhas. Enquanto ia criando os desenhos e as falas, Clowes percebeu que tinha em mãos não apenas um personagem interessante, mas uma história com começo, meio e fim.

Wilson, o protagonista, é um quarentão solitário – ele vive apenas com Pepper, sua cachorrinha – que em diversas páginas interage de uma maneira muito peculiar com estranhos: educado no início e ácido no final. Haja vista a abertura da história, que vocês podem conferir abaixo (em inglês porque não consegui uma imagem da edição brasileira, mas a tradução vai a seguir; as falas da mulher estão em itálico):

(Clique na imagem para ampliar)

“Eu amo as pessoas.” // “Sou muito sociável” // “Cada um de nós tem uma história a contar e todos fazemos parte da grande família que é a humanidade. Que tragédia termos perdido a noção de comunhão com o próximo!” // “Olá, irmã, como vai?” // “Nem me fale! Meu computador acabou de travar e perdi todos os meus favoritos!” // “Passei a manhã com o suporte técnico me enrolando e quando finalmente consegui falar com um cara, ele não tinha nem ideia de qual era o problema.” // “Querem que eu faça download de um programa ou sei-lá-o-quê, mas toda vez que eu tento a porcaria do computador trava de novo…” // “Meu Deus, por que você não cala essa boca?”.

Ainda no início da narrativa, Wilson faz reflexões que parecem intuir o que está para acontecer. Ele lembra da morte da mãe; de quando era criança e seus pais se sentavam à beira de um lago (“eu não entendia bem o que eles tanto olhavam, mas acho que servia de combustível para o espírito, sei lá”); e da sua ex-esposa, que o abandonara dezesseis anos antes.

Sua rotina de sair para caminhar sozinho ou com Pepper, ir a cafés e ler jornal ou livros é modificada quando seu pai, com quem não tem uma boa relação, morre. É a partir desse fato que ele resolve partir em busca de sua ex-esposa, Pippi, e descobre que pode ter uma filha que não conhece.

Mas, ao contrário do que pode parecer, Wilson não muda com o tempo – talvez amadureça, mas não muda. Sua língua continua afiada, criticando a tudo e a todos – até sobre o “fim das livrarias” ele fala -, mesmo depois de se passarem anos, e de muita coisa acontecer, inclusive ele se tornar avô.

E talvez seja esta a maior característica de “Wilson”: fazer com que, mesmo sendo tão diferentes do personagem, os leitores se identifiquem com ele. É como se Wilson representasse nossas indignações e, quem sabe, nossos secretos desejos de sinceridade. Afinal, quem nunca se imaginou dizendo tudo o que tem vontade de dizer, não importando quem seja o interlocutor?

“Wilson” é mais uma prova de que as histórias em quadrinhos devem ser mais valorizadas e respeitadas como literatura. Ao terminarmos sua leitura, é quase inevitável fazer uma releitura. E, depois dela, é muito provável que o leitor sinta-se seduzido a ler novamente a história. Além de ter alta qualidade gráfica e textual, e de ser engraçado e melancólico, “Wilson” é, também, viciante.

(Rafael Rodrigues)

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Bom, deixando a conversa fiada de lado, este é meu “Olá, tudo bem? Prazer em conhecê-lo/la!” para os leitores do blog da 30PorCento. Meu nome é Rafael e, uma ou duas vezes por semana, publicarei neste espaço textos sobre livros – resenhas ou comentários que, na falta de uma classificação melhor, poderão ser classificados como artigos ou crônicas.

Talvez alguns de vocês já tenham lido alguma coisa minha por aí, ainda que não recordem. Nos últimos anos venho colaborando com diversos veículos virtuais e impressos, escrevendo resenhas, artigos, fazendo entrevistas ou publicando ficção. Para não me alongar demais, citarei apenas alguns desses veículos: Paralelos, Amálgama, Digestivo Cultural (virtuais); Rascunho, Suplemento Literário de Minas Gerais, Brasileiros, Conhecimento Prático Filosofia (impressos).

Sou, portanto, jornalista e escritor, tendo estreado em livro no fim de 2011, com “O escritor premiado e outros contos” (Multifoco). Sou, também, blogueiro, sendo atualmente mantenedor do Entretantos, hospedado no site da revista Bravo!, e editor, da revista de contos Outros Ares. Aos que têm Twitter, podem me encontrar lá no @entretantos. Aproveito para avisar também do perfil da @30PorCento.

Espero publicar textos agradáveis de serem lidos, mas sem esquecer o viés informativo, claro. E por isso peço a vocês que, sempre que puderem e acharem necessário, deem algum retorno sobre os textos. Para alguém que escreve, não há coisa melhor.

Enfim, é isso. Here we go! :)

(Rafael Rodrigues)

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Caros tradutores,

A intenção deste pobre livreiro jamais será a de ofender o tradutor. Considere-me o maior admirador do trabalho de tradução, e este trocadilho famoso e sonoro (traduttore, traditore) acabou tornando-se uma homenagem às avessas a esse profissional que tanto admiro.

Há muito me chama a atenção o fato de que na grande maioria dos sites de livrarias e editoras o tradutor nem sempre é mencionado. Resolvi então, em 2010, adicionar a opção de realizar uma pesquisa por tradutor em nossa base de dados, como esta com todos os livros que temos cadastrados cuja tradutor é o grandioso Boris Schnaiderman: http://30porcento.com.br/busca.php?tradutor=Boris+Schnaiderman

Além disso, rececebi muitos emails acusando-me de estar contribuindo para a perpetuação do preconceito que existe em relação ao tradutor. Minha nossa… o objetivo era o oposto! A traição é sarcasmo, subversão de uma língua, de um tempo histórico e de um contexto social. Nosso público não é a massa que consome os best-sellers e autores populares, por isso achei que estivesse me dirigindo como amigo aos queridos tradutores. Além de dar ao site da livraria uma aparência menos institucional, com um pouco menos da sisudez de sempre: “Título do Livro, Sobre o autor, Sobre o tradutor, Comprar, Frete, bla bla bla”.

O texto citado abaixo não foi escolhido para defender o uso da expressão mas sim para esclarecer aos leitores a origem da polêmica. “Nessuna tradisce veramente l’originale, ma tutte invece lo interpretano più o meno acutamente”: é isto que tem que ficar claro para todos; não há traição, já que “nessuna traduzione è sbagliata in sé”, mas há um traidor: o tradutor-intérprete, armado com “un momento storico ben preciso” que se defronta com a “impossibilità teorica di una traduzione” e nos fornece uma obra inteiramente nova. Ou será que só porque podemos ler um texto no original deixaremos de recorrer à tradução?

Traduttore, Traditore

“Più che un riconoscimento del lavoro del traduttore, sembra che nell’ultimo secolo si sia diffusa piuttosto la voglia di sminuirne definitivamente la funzione di mediazione conoscitiva. La fortunatissima formula sentenziosa traduttore/traditore, risalente all’arguto e puntiglioso Vittorio Imbriani, che la usa per la prima volta nel 1869, riferendola ad Andrea Maffei, traduttore di Goethe, Schiller e Gessner nonché di Milton e Shakespeare, è assurta ormai a luogo comune. Non c’è infatti occasione quotidiana o dotta, nella quale essa non venga ripetuta con apodittica conclusività, a scorno dei traduttori, accusati a posteriori non soltanto di essere erranti, ciò che invero si sapeva già a priori, ma anche di sbagliare proditoriamente, di tradire, ovvero di perseguire un piano perverso in piena coscienza, per ignoranza della lingua straniera o per incompetenza nella propria lingua. Non ho alcuna difficoltà ad ammettere che la definizione traduttore/traditore sia un’asserzione di indubbia quanto ingannevole efficacia, perché suggerisce, nella sua formulazione brevissima e assonantemente simmetrica, un intrinseco carattere di verità che, a ben guardare, risulta però molto meno convincente di quanto non lo sia a prima vista.

La formula traduttore/traditore ha valicato i confini della lingua italiana e viene usata anche in altri contesti linguistico-culturali, quando si vogliono sottolineare errori, sviste o imprecisioni in una traduzione di qualsiasi tipo oppure solo rilevare il carattere necessariamente riduttivo di ogni trasposizione linguistica rispetto all’originale. L’impossibilità teorica di una traduzione è definita come tradimento pratico del messaggio. Nel caso poi della traduzione di poesie si avrebbe addirittura un doppio tradimento: a danno della lingua e a danno della poesia in sé. Essendo la formula “traduttore / traditore” davvero troppo semplicistica, si potrebbe sostituirla, se proprio si vuole un binomio sentenzioso, con la coppia “traduttore / interpretatore”. Le condizioni per una revisione in questo senso ci sarebbero, poiché esiste in italiano oltre alla definizione del traduttore, sacro e santo, proposta da Garzoni nel 1585, anche la definizione concisa di interpretatore, sia quale interprete, esegeta e critico sia quale traduttore:

Se la pura translazione dei settanta interpretatori, e come da essi fu translata in greco, istesse, [...] invano mi provocheresti che i libri ebrei io recassi in latino sermone.

In tutta coscienza dubito che una simile soluzione possa avere successo, perché i luoghi comuni, anche quelli più vieti e illogici, sono rassicuranti come la saggezza spicciola dei proverbi. Essi garantiscono di fatto la conservazione dell’esistente e la salvezza della tradizione, qualunque essa sia. Si continuerà quindi a dire “traduttore / traditore” per pigrizia intellettuale, pensando di fare bella figura con una formula chiara e concisa. Qui è stato sufficiente aver sollevato il problema, partendo dal Garzoni, senza la pretesa di trovar subito un consenso generale.

A rigore, e anche se può sembrare un paradosso, si può affermare in via preliminare che nessuna traduzione è sbagliata in sé. Nessuna tradisce veramente l’originale, ma tutte invece lo interpretano più o meno acutamente, in un momento storico ben preciso, non diversamente da quello che fa, più o meno bene, lo studioso di letteratura quando analizza una poesia. Anche le interpretazioni vengono superate dai tempi, poche rimangono attuali. Nessuno però si sognerebbe di considerare un’interpretazione delle poesie di Petrarca o Campanella un tradimento dell’originale, solo perché essa è un’analisi non più del tutto convincente alla luce di nuove acquisizioni filologiche oppure di diverse premesse metodologiche. Questa benevolenza che relativizza e storicizza i giudizi di valore, quando si tratta di interpretazioni critiche, sembra non essere prevista per l’opera di un traduttore, quasi che il suo lavoro con parole e immagini fosse metastorico, quantitativo e non anche qualitativo, condizionato anch’esso da fattori storicamente definiti.

Pur essendo fin dall’antichità le critiche al lavoro traduttivo maggiori delle lodi, sono a tutt’oggi ancora troppo poche le analisi concrete del lavoro di traduzione, partendo dalle scelte linguistiche operate in un determinato contesto letterario. Senza quest’immersione nei meandri del laboratorio linguistico del singolo traduttore, al fine di cogliere meglio il perché di una scelta traduttiva invece di un’altra, ogni asserzione su impotenza e miseria della traduzione appare un po’ fuori luogo: ignora la complessità del problema e se la cava con una battuta sferzante.”

fonte: BATTAFARANO, Italo Michele. Dell’arte di tradur poesia. Berna: Peter Lang, 2006. Página 16.

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Notem que o livro preocupa-se em mostrar que o preconceito tem origem no fato de que ”muita gente diz o que se deve e o que não se deve falar e escrever, tomando as regras estabelecidas para a norma culta como padrão de correção de todas as formas linguísticas“. Com base nos títulos de matérias acima apontados, fica claro que a mídia insiste neste erro.

A página problemática é esta:

Lido o texto, compartilho um link para o artigo do professor associado do Departamento de Linguística da Unicamp, Sírio Possenti, que expõe a visão do linguista em relação a polêmica e o absurdo da opinião da maioria dos jornalistas que repreenderam a decisão do MEC: Aceitam tudo, por Sírio Possenti para o Terra Magazine.

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A página com o link para a lista de lançamentos de editoras é este: http://30porcento.com.br/ultimos_lancamentos.php

Um exemplo de página de últimos lançamentos: Últimos lançamentos da Editora Unicamp – Livraria 30PorCento

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Os fragmentos acima foram extraídos do brilhante ensaio do professor inglês John Gledson, estudioso de Machado de Assis, publicado no Caderno de Literatura edição especial Machado de Assis. O artigo pode ser lido na íntegra através do site do IMS.

Inspirado neste ensaio, resolvi transformar em eBook este conto Machadiano: A Parasita Azul, de Machado de Assis.

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Seleção de obras poéticas de Gregório de Mattos

Bem simples, sem nenhuma imagem ou delírio tipográfico. Gostaria que vocês testassem o arquivo, principalmente em e-readers e tablets aos quais não tenho acesso. Só consegui testar no Adobe Digital Editions que tenho instalado aqui no Desktop.

Quero começar a transformar em ePub uma série de textos satíricos em domínio público da literatura nacional e estrangeira, mas para tal preciso ter certeza de que o resultado final não seja um mero PDF porcamente convertido em eBook.

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Da descrição do livro: “[A Gramática de usos do português] tem como objetivo possibilitar uma descrição do uso efetivo dos itens da língua, transformando-se em gramática referencial do português. Prático, mas de orientação teórica definida, é dirigido a toda a comunidade de usuários do idioma, tanto para o falante comum, que pode obter orientação sobre o uso eficiente dos recursos de sua língua, como para o estudioso do Português, que nele pode encontrar uma fonte de dados para pesquisas.”

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“Quando o médico psiquiatra, pensador liberal e intelectual Heinrich Hoffmann (1809-1894) quis providenciar um livro como presente do Natal de 1844 para o filho mais velho Carl, de três anos, teve muitas dificuldades – como contou no texto reproduzido em posfácio desta edição. E quando então resolveu ele mesmo escrever e ilustrar um, nem com toda imaginação previu que Der Struwwelpeter se tornaria um dos maiores best sellers da literatura infantil de todos os tempos.”

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No catálogo da livraria 30porcento possuímos um único título disponível de Farkaz com fotografias realizadas no Nordeste e do Norte brasileiros entre 1964 e 1972, que receberam o título de Notas de viagem.

Não lembro quem foi mas compartilharam pelo Twitter um documentário do Ricardo Dias e Thomaz Farkas realizado em 2007 e que foi chamado de Pixinguinha e a Velha Guarda do Samba:

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“O procedimento, como Aira o chama, é o aspecto mais fascinante e perturbador de sua obra. Implica em aderir a um ritual invariável: desde o papel especial para escrever que Aira compra da empresa que produz as cédulas para a casa da moeda argentina até a tinta fina para as penas Mont Blanc e Vuitton que utiliza para intensificar a sensação de que a cada dia cria um “desenho escrito”. Este desenho diário é feito em uma série de cafés em seu bairro de Flores [Buenos Aires]. Quando termina o trabalho do dia, a história deve avançar, nunca retroceder, o que Aira chama de “a fuga para frente” (fuga hacia adelante). Não é escrita automática nem “a primeira ideia é a melhor”, tal como abordam outros experimentalistas: a composição é lenta, deliberada, em raras ocasiões produz mais de uma página por dia. Uma vez que Aira termina o trabalho, as revisões são, não obstante, estritamente proibidas. A história deve desenvolver-se a partir do que foi escrito no dia anterior, o que o obriga a formular ideias e giros argumentativos sempre novos.” (Michael Greenberg, publicado na The New York Review of Books e traduzido para o espanhol por Cristina Sardoy para a Revista Ñ)

A fama mundial que César Aira adquiriu no exterior se deve em grande parte ao falecido escritor chileno Roberto Bolaño. A primeira publicação em inglês de Aira saiu em 2006, nos EUA, prefaciada por Bolaño, que escreveu: “Aira é um dos três ou quatro melhores escritores em espanhol da atualidade.” Além do reconhecimento internacional, a Revista Ñ menciona, no subtítulo da matéria mencionada acima, que César Aira é, hoje, o escritor mais discutido na Argentina.

No Brasil pouquíssimas traduções do autor foram publicadas. Podem ser encontrados os livros Um Acontecimento Na Vida do Pintor-Viajante e As Noites de Flores que foram publicados pela Editora Nova Fronteira, Trombeta de Vime pela Iluminuras e um Pequeno Manual de Procedimentos, que saiu em 2007 pela Arte e Letra.

Linkografia

• Entrevista concedida em 2004 à The Barcelona Review;
• Entrevista concedida em 2010 ao periódico espanhol El País: “El laberinto de César Aira“.

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A editora possui em nosso catálogo 209 livros cadastrados em áreas como Linguística, Letramento, Formação de Professores e Educação. Publicam uma série dedicada a obra do pensador russo Mikhail Bakhtin e outras publicações acadêmicas. Diferenciam-se da maioria das outras editoras pois imprimem baixas tiragens dos volumes publicados já que usam quase que exclusivamente o sistema Book On Demand da Gráfica Bandeirantes.

Há pouco dias a editora inaugurou seu novo portal na internet, reformulado e com a opção de compras on-line: http://mercado-de-letras.com.br/

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O modelo a ser implementado será baseado no espanhol Dilve: Distribuidor de información del libro español en venta, que atualmente conta com 300.495 livros cadastrados e oferece gratuitamente serviços para editores, livreiros, distribuidores e bibliotecas. “Dilve es una plataforma, basada en Internet, para todos los profesionales de la cadena del libro, que permite la gestión y distribución de información bibliográfica y comercial del libro. De forma fácil y rápida, se pueden cargar y extraer los datos de cada obra junto con contenidos ricos (cubiertas, resúmenes, fragmentos…).”

O ganho em organização e qualidade de informação para o nosso bagunçado mercado editorial é evidente. Principalmente para nós, livrarias independentes, que sofremos com a falta de centralidade da fonte de informações e com a precariedade no atendimento prestado por algumas editoras e distribuidoras. Para nós da 30porcento a grande fonte de informações atualmente é a internet, de onde tiramos os detalhes que abastecem nosso banco de dados.

Esperamos que o desenvolvimento do projeto conte com a participação de pessoas envolvidas nos diversos níveis do mercado editorial brasileiro, para que assim moldemos um sistema apto a suprir as necessidades específicas que enfraquecem nossa estrutura editorial. Como resultado poderemos ter o fortalecimento de pequenas grupos editoriais e livrarias. A centralização da informação pela internet acaba – como de praxe – por democratizar o direito a seu acesso.

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O processo já dura mais de 2 anos e foi tema de dois artigos que aqui recomendo: o primeiro deles, publicado ano passado pelo The New York Times: Kafka’s Last Trial, escrito por Elif Batuman;  o segundo, recém publicado na nova edição da London Review of Books, intitulado Who Owns Kafka?.

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Já publicaram 4 obras de Adolfo Bioy Casares (1914–1999), reconhecido como um dos grandes escritores argentinos da geração de Borges e Cortázar, esses publicados pela Companhia das Letras e Civilização Brasileira, respectivamente;

Alan Pauls (1959) foi traduzido duas vezes com O Passado e História do Pranto;

Domingo Faustino Sarmiento (1811–1888), “el primer escritor moderno de nuestra literatura”, segundo David Viñas, teve publicada sua obra-prima Facundo, ou civilização e barbárie em meados de 2010;

De Beatriz Sarlo (1942), a única mulher do levantamento, traduziram seu ensaio Modernidade periférica, que explora a modernização de Buenos Aires nas décadas de 1920 e 1930 e seus impactos culturais;

Aníbal Cristobo, nascido em 1971, publicou o volume de poemas Miniaturas kinéticas: reunião de três livros, Teste da iguana (1997), Jet-lag (que saiu pela coleção Moby Dick, em 2002) e Krill (que primeiro saiu na Argentina, pela Tse-Tsé, em 2002), que foram escritos tanto em português quanto em espanhol.

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