31 Segundos por hora

Ant-Man y la Avispa, Y el universo Marvel vuelve a crecer

2018-07-18T20:10:00.003+02:00

(Imagen: Disney)

Estimados Lectores:

Tras Los Vengadores:Infinity War, Marvel tenía la misión de mantener las expectativas en su nivel de espectacularidad con su universo. Así que tenía dos opciones: jugar con los hechos acontecidos en la anterior película o mantenerse al margen para no afectar a la trama de Thanos.

Por suerte, para alejarse del riesgo, eligieron la segunda opción, un acierto en principio que logra dar entidad propia, elevando el nivel de acción y comedia tras la anterior película homónima.

En primer lugar, hay que tener en cuenta que la historia continúa después de los hechos narrados en Capitán América: Civil War, hechos que alteraron la vida del protagonista dejándolo en arresto domiciliario y con la familia Pym en busca y captura. Con este escenario tendremos ya la principal dificultad del protagonista con la necesidad de cumplir su condena, lo que ayudará al espectador a aumentar su sentido de agilidad en la historia, dado que habrá siempre una sensación de tiempo límite.

A continuación, podremos apreciar desde el título que el protagonismo se repartirá entre dos personajes, teniendo más relevancia La Avispa, el personaje que tendrá el motor de la historia de la película al intentar hacer todo lo posible por recuperar a su madre. Ella y la madre no serán los únicos personajes femeninos que tomarán importancia, también tendremos a Fantasma, un personaje con una habilidad y una historia más complejas de lo que estamos acostumbrados hasta ahora.

(Imagen: Disney)

Por último, hay que tener en cuenta el aspecto cómico de la película, recurso que ayuda a todos los personajes a lograr tener una entidad propia y que, dado el alto ritmo con el que avanza la acción, aliviará toda la tensión que se va acumulando con las dificultades que tendrán los héroes.

En conclusión, Ant-Man y la Avispa es una película que logra tener una historia ligera con mucho ritmo, además de presentarse con nuevos personajes que seguramente enriquecerán más el universo Marvel y con un toque humorístico muy agradecido.

Un cordial saludo.

Paquita Salas, y es representante.

2018-07-13T01:08:00.004+02:00

(Imagen: Netflix)

Estimados lectores:

Paquita tiene una pena

Paquita quiere más

Con el mundo por montera maneja la ciudad

Ayy si Paquita supiera, quien maneja su suerte

Un prodigio su mente y su forma de andar

Ay Paquita, señora niña bonita

Pasión tesón que andando es mucho más fácil llegar

Ay Paquita, consígame usted una visita

Todos te quieren todos te buscan.

Así es la letra con la que comienza la serie y que resume perfectamente la personalidad de la protagonista Paquita Salas, personaje todoterreno y fenómeno de masas. Pero ¿qué es lo que hace tan especial a esta serie?

Lo primero que hay que afrontar a la hora de hablar de esta serie es su condición de origen, al comenzar su emisión en forma de webserie en la plataforma Flooxer, brindando una libertad creativa que ha sabido aprovechar al máximo tanto en su forma como en su contenido. La media hora aproximada de duración es algo que necesitaba la ficción española y se nota a la hora de crear momentos cómicos icónicos (el mail y el fax, por ejemplo), combinándolo con el formato de documental falso, logrando adaptar este recurso visto en ficciones extranjeras al medio español, sin olvidar nunca la cultura mediática española de los últimos años.

Por otro lado, tenemos su historia, narrando las desventuras de una mujer que no se ha actualizado a los nuevos tiempos de la industria del entretenimiento española. Tanto las miserias de la industria como lo que representa Paquita (las viejas costumbres, que no valores) son los elementos principales donde podemos admirar la valentía de sus autores a la hora de reflejar estas desdichas desde la admiración, porque Paquita Salas fácilmente podría haber sido un drama de grandes dimensiones. Sin embargo, optó por lo más sano: utilizar el sentido del humor.

(Imagen: eCartelera)

Además de estos ingredientes, la serie logra tener un sentido autoral por parte de Javier Ambrossi y Javier Calvo, quienes ya habían creado "La Llamada", película y obra de teatro donde ya muestran su espíritu de osadía, donde las referencias a la cultura pop se entremezclan con personajes con ansias de romper con lo establecido, o mejor dicho, donde tomar riesgos es la única forma de lograr avanzar. Paquita Salas es sobre todo la historia de caídas, ya sea de ella misma o de la industria, y su espíritu para lograr evolucionar. Por ello, su salto a Netflix y el apoyo de muchos artistas colaborando con la serie es la respuesta natural a esta idea que representa.

En conclusión, por su espíritu innovador y la idea que transmite, Paquita Salas es una serie que logra ser un producto que no tiene límites a la hora de intentar superarse: a nivel de hacer una promo con los niños de Stranger Things, y eso es bueno, sobre todo para cualquier espectador inquieto.

Un cordial saludo.

Glee, El desastre musical

2018-06-26T23:52:00.004+02:00

(Imagen: The Daily Beast)

Estimados lectores:

Hoy hablaré de la serie más irregular de estos últimos años, o cómo quiero recordarla: la serie que indica que no todas las cancelaciones son malas. Me explico: esta serie musical, que tuvo seis temporadas, es una serie con capítulos que puedes recordar secuencia a secuencia o no llegar al minuto 10 por lo pesada que puede llegar a ser.

En primer lugar, hay que hablar de sus virtudes. Comenzando por su episodio piloto en sí mismo, es una de las mejores cartas de presentación de personajes, universo y discurso conductor que intenta mostrar a lo largo de la serie. El primero de estos factores son los personajes, porque utilizan los estereotipos de los dramas de instituto norteamericano, pero brindándoles unas motivaciones diferentes a las que estamos acostumbrados a ver. Los pringados ya no quieren ser populares, y los populares temen que se devalúe su estatus. Otro ingrediente reconocible es la mezcla de géneros, dado que navega entre el drama y la comedia, aunque el género omnipresente siempre será el musical, que logra ser el que más explote. Y por último, su discurso, al menos en sus grandes momentos, es cuando logra recordarnos que básicamente se resume en: alabar lo diferente hasta sus últimas consecuencias.

La mezcla de estas tres virtudes logrará dar a la serie varios grandes momentos, sobre todo durante sus primeros 13 episodios, donde se nota el componente de riesgo que contenía la propuesta en sus inicios y que ojalá hubiera finalizado ahí, dejando para la posteridad una obra de culto. Esto no significa que los siguientes episodios sean malos, pero muchas veces olvidan cuál era su objetivo inicial en su discurso y, a veces, solo obtienen un popurrí de canciones muy bien ejecutadas pero sin historia, porque lograba obtener episodios muy redondos solo cuando tenía un objetivo muy concreto, recordando lo brillante que puede llegar a ser, ya sea homenajeando a un artista o hablando de un tema muy sensible como es la muerte de uno de sus protagonistas.

En conclusión, es una serie con una brillante propuesta pero con una ejecución irregular de la que se pueden extraer versiones musicales recomendables y recordar lo importante que es tener un objetivo a la hora de afrontar cualquier historia.

Un cordial saludo.

Beats electronics dirigida por Guy Ritchie

2018-06-15T23:12:00.001+02:00

Ahora que ha comenzado el mundial, es hora de explorar los anuncios más llamativos que se promocionan a través del evento.

En este caso os presento el anuncio para una división de Apple, especializada en productos de audio. El anuncio en cuestión explora la historía de un niño que juega al fútbol en uno de los ambientes callejeros britanicos, que tanto le gustan al directory es ahí donde la música toma el control y tomo la experiencía de varios futbolistas (Neymar, Kane, Özil...) como piezas musicales para lograr transmitir la idea de superación que implica esta experiencia que da el producto.

¡A escuchar!

The Leftovers, Let the mystery be!

2018-06-12T10:36:00.001+02:00

(Imagen: HBO.com)

"Todos se preguntan qué y dónde

de donde vienen todos
todos se preocupan por a dónde van a ir
cuando se acabe la cosa
pero nadie está seguro, así que a mí me da lo mismo
yo creo que dejaré el misterio en paz"

Estimados lectores:

Esta es la letra de la canción de la segunda temporada de esta serie que perfectamente podría resumir la esencia de esta serie. La premisa se basa en el libro homónimo de Tom Perrotta, donde se plantea un escenario catastrófico: hubo una desaparición repentina del 2% de la población mundial. La familia protagonista, por suerte (o desgracia), no ha sufrido ninguna pérdida, al menos no directamente, pero el ambiente donde viven hará estragos en sus vidas.

La serie está a cargo de Damon Lindelof, uno de los responsables de Perdidos, una de las series más mediáticas de los últimos años. Y se nota, porque esta serie también tiene un misterio con varios interrogantes como premisa: ¿Dónde están los desaparecidos?, ¿Por qué?, ¿Volverá a ocurrir? Y al contrario que la serie de los náufragos, dejan claro que responder a esas preguntas no será nunca una prioridad, sino las emociones de sus personajes.

(Imagen:HBO.com)

Las emociones serán la base por la que se sostendrá la narración de esta historia, dado que gobiernan el mundo que habitan unos personajes que lucharán por superar ese sentimiento de pérdida hasta sus últimas consecuencias.

El principal efecto que tendrá su cualidad emocional por encima de la racional será insuflar un aire religioso (y este efecto irá en crescendo a medida que avancen los episodios) a todo su visionado, sin hablar de ninguna fe concreta, algo muy excepcional. Además, cuenta con la ayuda de Max Richter, quien ha logrado con esta serie crear una de las bandas sonoras más espectaculares de los últimos tiempos.

Así que, por la arriesgada propuesta de sacar adelante una historia que tiene de base un misterio que no se va a resolver, su capacidad para hablar de espiritualidad sin caer en el dogma y la efectividad narrativa con la que se nos muestra, The Leftovers ya es una de las series más relevantes de los últimos años.

Un cordial saludo.

HomePod, de Spike Jonze

2018-06-07T18:52:00.002+02:00

Estimados Lectores:

Apple lo ha vuelto hacer, esta vez de la mano del director Spike Jonze, una garantía de anuncios dinámicos con mucho movmiento y con un sentido de redefinir el contexto inicial de la historia, como en este caso, al principio de forma física y luego conceptual y todo ritmo del temazo que es ’Til It’s Over’de la banda Anderson Paak.

Disfrutad de esta maravilla.

Dogville, América, Tierra de las Oportunidades (I)

2018-06-07T13:10:00.003+02:00

(Imagen: Zentropa)

Estimados Lectores:

Hoy voy a hablar sobre una de las películas que más admiro, no solo por su director Lars Von Trier (que también), sino por su originalidad. Si hay algo que admitiré siempre es que esta película no es para todos los públicos. Es una película con una historia muy densa y los medios que emplea para contarla exigen al espectador siempre una mayor atención, es más, te lo exige.

En primer lugar, tengo que recordar que la película tiene un aire teatral, que los personajes se mueven con el mínimo de elementos físicos y que lo que cuenta de verdad es la historia. Sí, al hablar de esta película, todos, repito todos los que la recomendamos, tenemos que recordar estas características porque si vamos a recomendarla, no hay que obviar que nos vamos a adentrar en una película muy peculiar. Desde los primeros minutos, la película avisa que va a ser diferente a lo que estamos acostumbrados, y eso siempre es garantía de no dejar indiferente.

La película en sí cuenta con una premisa sencilla y hasta podría decirse muy conocida: una forastera llega a un pueblo llamado Dogville, huyendo de la mafia, y en el pueblo todos deciden ayudarla a esconderse. Esta historia está muy vista; donde reside la emoción suele estar siempre en las relaciones de los personajes, donde el conflicto implica esa "ayuda". Y sí, aquí está la principal motivación para ver esta película, en su forma de afrontar esas relaciones humanas. Importan los personajes y nada más, por ello está justificado su minimalismo escenográfico.

Otra de las virtudes que tiene esta película es la capacidad de generar discusiones, dado que invita a ello. Creo que tiene un buen trasfondo filosófico a la hora de hablar sobre la naturaleza humana, si es mala por naturaleza o si es buena pero la sociedad la corrompe. Son discusiones que creo que deberían ser más necesarias en el mundo del entretenimiento o en general, sobre todo a la hora de enfrentarnos a productos sin criterio propio, o peor aún, sin un sentido crítico y dependiendo solo de influencias externas.

Así que por su originalidad y por ser un ejercicio crítico que invita esta película, creo que es una de las películas más interesantes que uno puede visionar. Aunque ya asumo que es una película extrema: la amas o la odias, no hay término medio.

Un cordial saludo.

Wild Wild Country vs lo verosímil

2018-05-07T16:04:00.005+02:00

(Imagen: Netflix.com)

Estimados Lectores:

La Real Academia de la Lengua define la palabra verosímil como adj. creíble por no ofrecer carácter alguno de falsedad, y la palabra documental como adj. dicho de una película cinematográfico o de un programa televisivo; que representa , con carácter informativo o didáctico, hechos, escenas, experimentos, etc,... tomados de la realidad. Y con estas dos definiciones vamos a empezar a hablar de este documental que pondrá a prueba nuestra capacidad de plantearse la combinación de estas dos definiciones.

Primero, vamos a enumerar los ingredientes que encontraremos en este documental para tener una idea de qué trata:

Una secta nacida en India, famosa por predicar el amor libre con orgías incluidas.
Un pueblo de sexagenarios estadounidenses con miedo a lo nuevo.
La creación de una ciudad en tiempo récord, incluyendo un aeropuerto.
Estrategias políticas para obtener el control político y mediático sobre una población.
Armas de fuego, drogas y uno de los mayores ataques bacteriológicos ocurridos en Estados Unidos.
Campañas de recogida de vagabundos.
Hollywood y su influencia.
Fraudes migratorios.
Castores.

Y por último:

Sheela

(Imagen: Fotogramas.es)

Habría podido incluir muchos más elementos que conforman este documental para seguir elevando el nivel de acontecimientos rocambolescos que encontraremos en esta historia, pero creo que es necesario tener en cuenta este último ingrediente que he mencionado: Sheela (ver foto), es el personaje más interesante que hemos conocido en mucho tiempo. Una mujer que, tras una apariencia frágil, nos demostrará que tiene un sentido de determinación digno de admirar, mostrando una serie de cualidades que nos harán plantearnos si estamos ante una persona o un personaje.

Como ya he advertido, la historia que encontraremos aprovechará todos sus elementos para plantearnos sobre la verdad que hay tras la historia. Además, sus directores, los hermanos Way, tienen en cuenta esto al utilizar varios puntos de vista sobre los hechos para ofrecer una visión más completa. Esto hará que el espectador no esté seguro solo sobre ellos, sino también sobre las opiniones que se va formando a medida que avanza la historia. Por todo ello, Wild Wild Country es una de las series documentales más interesantes que uno puede encontrarse, especialmente para públicos con mentes inquietas.

Los Vengadores: Infinity War, Oda al cine de Superhéroes

2018-05-03T13:21:00.004+02:00

(Imagen: Disney.es)

Estimado lector:

Tras unas renovadas formas de conocer el mundo del cine, he de reconocer que no hay mejor manera de celebrarlo que volviendo a este blog y escribiendo sobre la película que marcará una nueva senda en el cine de superhéroes. Esta película nos muestra que el cine tiene varias funciones, y en especial su función inicial: entretenernos.

Primero, hay que tener en cuenta que, al entrar al cine a verla, sabemos lo que vamos a encontrar, sobre todo porque Marvel se ha empeñado en armar un entramado de películas a lo largo del tiempo desde hace ya 10 años (sí, Iron Man se estrenó en 2008). Así que no podemos quejarnos por el sentido del espectáculo que marca este universo, pero en esta ocasión tenemos un nuevo ingrediente: la incertidumbre. Una incertidumbre a la que no estamos acostumbrados, dado que siempre hay un patrón en toda película de Marvel (y Disney). Hasta el momento, sabíamos que los buenos ganarán y los malos perderán y, si acaso, encontraremos algún momento donde el héroe caerá y tendrá que superarse. Pero en este caso, no encontraremos nada de eso. También ayuda el hecho de que hay tantos superhéroes que no da tiempo a ver su evolución de forma extensa.

(Imagen: Disney.es)

Y esta reflexión me lleva a la segunda razón por la que la película logra ser tan celebrada: su villano, Thanos. Es un villano tan bien construido y, sobre todo, complejo, dado que es el eje de la película; sin él, toda la historia se cae. A diferencia de los héroes que pueblan este universo, él sí tiene un desarrollo donde conocemos su historia y, por consecuencia, sus motivaciones y debilidades. Esperemos que Marvel (y Disney) aprenda de este triunfo: un héroe brilla, pero con un villano de altura, brilla aún más. Si no, que se lo digan al Caballero Oscuro de Nolan.

Por estos motivos, no me queda más remedio que estar de acuerdo en que es una gran película, eso sí, no apta para inconscientes que no saben de qué va el cine de Marvel (y Disney). Así que, advertidos estáis.

Saludos

Across The Universe, Let it be!

2014-11-26T16:33:00.001+01:00

Hoy vamos a comentar la película "Across The Universe" (Dir. Julie Taymor, 2007), una película que toma las canciones de los Beatles (o The Beatles, si queremos ser más finos) para construir una historia romántica con la sombra de la Guerra de Vietnam de fondo (sobre todo en su inicio y su final).

La gran cualidad de la película está en su base, es decir, la música de los Beatles, con versiones muy interesantes, sobre todo con ese "Let It Be" a ritmo de gospel o "Strawberry Fields Forever" con Vietnam y las fresas-granadas explotando, logrando que las secuencias sean una delicia no solo para los oídos, sino también para la vista.

Como se puede deducir, la creatividad a la hora de recrear estos clips es constante, pero es un arma de doble filo, dado que es lo único donde gana puntos esta película. La historia romántica, que es el eje central de la película, sale muy perjudicada (que sea predecible no ayuda; es más, la perjudica).

Por otro lado, es una pena que a los secundarios no se les dé el protagonismo que se merecen, dado que ellos son los que verdaderamente tienen las potentes historias (atención a ese soldado traumatizado y con síndrome de abstinencia que sueña con los clones de Salma Hayek en modo enfermera mientras un cura baila y suena "Happiness is a Warm Gun").

En conclusión, "Across The Universe" es solo apta para fans de los Beatles con ganas de ver imágenes llenas de imaginación. Su directora, Julie Taymor, sabe crear su propio universo, pero es una pena que sus guionistas no estén por la labor de cuidar sus historias.

Paranoia Agent, El Golpe Gracia

2014-02-23T20:02:00.001+01:00

"Necesito que me golpee, el chico de bate"

Allá por el año 2004, unos pocos espectadores japoneses disfrutaban a altas horas de la madrugada de un anime llamado "Paranoia Agent". Esta serie, creada por Satoshi Kon, autor de la célebre película "Paprika" (2006), iba mostrando capítulo a capítulo las miserias de la actual sociedad japonesa en la que reina el individualismo y la dependencia de la tecnología.

La historia comienza con una secuencia en la que aparecen una serie de escenas -lastimosamente- cotidianas del Japón actual, en donde dominan la incomunicación (no tecnológica) y la idolatría. En ese contexto conoceremos a Tsukiko Sagi, la diseñadora del personaje más popular del momento: Maromi, un perro de peluche de color rosa con unos ojos gigantes. Este éxito llevará a Tsukiko a experimentar una fuerte presión en su trabajo, donde le exigen crear un nuevo producto para sustituir a Maromi. A este problema pronto se le sumará otro: un encontronazo con un chaval que se desplaza por la ciudad con unos patines dorados y un bate. La policía pronto se lanzará a la búsqueda de este atacante, pero enseguida se darán cuenta de que encontrarlo no va a ser una tarea fácil debido a la creciente popularidad de dicho patinador entre la población.

Es curioso que los capítulos favoritos de los fans de esta serie sean aquellos en los que se desvían de la investigación policial, destacando por encima de ellos el octavo capítulo titulado "Los planes de una familia feliz", en el que aparecen tres suicidas intentando ser asesinados por el Chico del Bate. Otro de los capítulos más queridos es el titulado "ETC", que muestra a unas vecinas que buscan distorsionar la realidad en forma de fábulas para complacerse (y a la vez traumatizarse); además, el décimo episodio titulado "Maromi Dormitando" muestra un estudio de animación haciendo todo lo posible (y de qué manera) para conseguir la emisión de un episodio del anime de Maromi.

La razón del atractivo de esta serie reside en el gran número de lecturas que puede llegar a tener, dado a las críticas que pueden levantar las formas de vida de esa sociedad, en donde la vía más fácil de huir de los problemas ha sido crear una nueva realidad. Los personajes siempre se caracterizan al borde de la desesperación, una desesperación en la que se fundamenta el verdadero valor de esta serie.

Este es el motivo del éxito de "Paranoia Agent": su ferocidad al mostrar la alienación a la que se somete alegremente la sociedad nipona, siendo atraída con facilidad por la idolatría hacia iconos que pueden tener una suerte efímera. No es nada casual que dediquen un episodio al propio proceso de creación de un anime y a la miseria que se puede esconder detrás de ello.

Así, os recomiendo esta miniserie de 13 episodios de aproximadamente 20 minutos cada uno, para poder disfrutar y, lo que es mejor, reflexionar sobre su contenido. De este modo, os dejo sus créditos de apertura, cuya melodía puede parecer algo estruendosa, pensada con el fin de despertar a sus espectadores nocturnos, ya que originalmente se emitía a altas horas de la noche.

Mis películas imprescindibles del 2013

2013-12-31T23:27:00.005+01:00

No están todas las que deberían estar, pero sí estas son las películas que mejor recuerdo me han dejado este año. Algunas llegaron con retraso a España, pero ahora se pueden disfrutar. Están ordenadas según mis preferencias, dada la capacidad de sorpresa y de impacto que tuvieron en mí como espectador. Tiene alto el listón 2014.

Stockholm

Una de las grandes sorpresas de este año viene de parte de Rodrigo Sorogoyen, quien, con bajo presupuesto, logra acercarnos a una pequeña historia de un chico y una chica que hablan por la noche y vuelven a hablar a la mañana siguiente, pero en ambas situaciones, los dos han cambiado. Han estado jugando al gato y al ratón entre ellos por miedo a conocer la verdad que esconde el otro, hasta sufrir las terribles consecuencias que conlleva ese juego.

Genial retrato generacional sobre las nuevas formas de relaciones que existen hoy en día, con Javier Pereira y Aura Garrido manipulando al espectador a placer. Aquí tienes el tráiler.

9)Django Desencadenado (Django Unchained)

Este año, la esclavitud ha sido uno de los temas más recurrentes en el cine, comenzando con la última película de Quentin Tarantino y continuando con "El Mayordomo" de Lee Daniels. Sin embargo, la película de Tarantino aborda el tema a su manera, reescribiendo la historia, al igual que hizo en "Malditos Bastardos", sin perder su característico sentido del humor irreverente y su ecléctica selección musical. Vale la pena destacar las brillantes interpretaciones de Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio y Samuel L. Jackson, quienes están en su mejor momento interpretativo.

8) Amor (Amour)

O como cuando Michael Haneke se muestra más violento, también se revela más tierno. Esta historia narra el enfrentamiento de dos ancianos ante la muerte. La desasosegante cotidianidad con la que está contada logra, en más de un momento, transmitir un sentimiento pesadillesco. Aun así, como el título indica, esta es una historia de amor, pero no de la manera convencional que estamos acostumbrados a ver en pantalla.

No es de extrañar la cantidad de premios con los que ha sido reconocida, desde la Palma de Oro en Cannes hasta convertirse en una de las películas extranjeras más destacadas en los Oscar, ganando el premio a Mejor Película Extranjera.

7)No

Un título tan simple encierra un cambio más complejo: esta es la historia de la campaña publicitaria que sacó a Pinochet del poder. Esta película chilena narra, a través de los ojos del publicista que se encargó de aprovechar los 15 minutos de opción "NO" en la televisión chilena, cómo logró persuadir al público para que votara democráticamente por la salida de Pinochet del poder. A pesar del pesimismo de la población, este sector publicitario enfrentó las adversidades impuestas por el régimen, afectando tanto a él, su familia como a todos los involucrados en la campaña.

Es un emocionante retrato de un episodio de la historia de Chile, filmado con una cámara de la época y complementado con archivos históricos reales, lo que nos permite comprender la trascendencia de este plebiscito.

6) La Noche Más Oscura (Zero Dark Thirthy)

La muerte de Osama Bin Laden pilló por sorpresa al equipo de esta película que narraba la caza de este terrorista, así que decidieron incluirla dentro de la historia, dejando al descubierto la frialdad de la política norteamericana. La historia de una búsqueda desesperada en donde todo vale, con Kathryn Bigelow que no deja ni un momento de descanso al espectador, llevándolo a cuestionarse aspectos espinosos como la moralidad de estos personajes o las justificaciones que tienen (presta atención al inicio con las llamadas de las víctimas del 11 de septiembre).

5)Gravity

Alfonso Cuarón ha ido más allá del infinito en esta película, demostrando que el 3D tiene vida más allá de Avatar. Nos presenta una odisea protagonizada por una astronauta en su lucha por sobrevivir en el espacio, enfrentando problemas emocionales mientras descubre los peligros que este entorno conlleva. Incluso una simple lágrima adquiere un valor astronómicamente sentimental.

4)12 Años de esclavitud

Como mencioné anteriormente, la esclavitud ha sido un tema prominente este año, y una de las películas que más dará que hablar es "12 años de esclavitud", dirigida por el frío lente de Steve McQueen (conocido por "Hunger" y "Shame"). Esta película nos guía a través de la historia de Solomon, un hombre nacido libre en el norte de los Estados Unidos, quien es secuestrado y vendido como esclavo a terratenientes del sur. A través de sus ojos, presenciamos un catálogo de emociones humanas, tanto de los amos como, sobre todo, de los esclavos, donde el miedo impera y la crueldad reina.

Protagonizada por el poco conocido Chiwetel Ejiofor y secundada por Michael Fassbender, Alfre Woodward, Benedict Cumberbatch, Sarah Paulson, y Paul Giamatti, entre otros, la película narra esta historia basada en hechos reales.

3)Blue Jasmine

Después de una joya como "Midnight in Paris", los fans de Woody Allen esperaron ansiosos su próxima gran película, que resultó ser "Blue Jasmine". La historia narra la caída de una mujer de la alta sociedad neoyorquina, quien tras declararse en bancarrota, es acogida por su hermana. Durante el proceso, los traumas de esta mujer comienzan a emerger, aunque ella aún luche por aceptar su nueva realidad, todo mientras la canción "Blue Moon" resuena en su cabeza.

Además del renombre de su director, la película se sostiene gracias a su protagonista, Cate Blanchett, quien magistralmente da vida a una mujer desgarrada que logra conectar con el espectador. Blanchett también ofrece una perspectiva diferente sobre las esposas de millonarios que enfrentan problemas con la justicia.

2) La Gran Belleza (La Grande Bellezza)

La Italia de Fellini, esa Roma de ensueño, es vista desde un ángulo diferente en esta película, tan hermosa por fuera como podrida por dentro. La gran premisa de esta propuesta es la crítica a la clase alta, mientras el protagonista busca su inspiración perdida. Estrellas de televisión en decadencia, hijos de intelectuales suicidas, curas preocupados por su estómago, monjas con aspiraciones santas, y una galería de personajes que pululan por la pantalla celebran una fiesta continua mientras todo se desmorona.

Es una película que no escatima en excesos, tanto visuales como argumentales, pero es entrañable y muy recomendable.

1)Antes de Medianoche (Before Midnight)

Vimos a Jesse y a Celine contemplar el amanecer y el atardecer, pero ahora que ya se conocen se tienen que enfrentar a la medianoche, donde la magia del romanticismo ha dado paso a la realidad. Y es ahí donde esta película gana enteros, donde los protagonistas ya saben cómo herirse mutuamente. Esta es la premisa de este romance en el que su relación ha evolucionado dando sus frutos, todo mientras están de vacaciones en el sur del Peloponeso, y esa tragedia griega vuela sobre ellos.

Junto al director Richard Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy se reúnen por tercera vez para ofrecernos los diálogos más disfrutables de uno de los grandes romances de la historia del cine. Y lo hacen con una sinceridad y un esfuerzo que se agradecen en pantalla.

Menciones especiales:

La Cabaña en el Bosque (Dir. Drew Godard, 2012)
Only God Forgives (Dir.Nicolas Winding Refn, 2013)
Blue Valentine (Derek Cianfrance, 2013)
Los Juegos del Hambre: En Llamas (Dir.Francis Lawrence 2012)
Rush (Dir. Ron Howard, 2013)
Elysium (Dir. Neil Blomklapp, 2012)
Searching For Sugar Man (Dir. Malik Bendjelloul 2013)
El Llanero Solitario (Dir. Gore Verbinski, 2013)

Breaking Bad, Viaje a Bélice

2013-10-31T11:45:00.001+01:00

Sí señores, "Breaking Bad" ha terminado, una serie que llegó sin mucha repercusión, pero que poco a poco ha ido ganando atención, siendo cada vez más seguida y más criticada (en su mayoría en términos positivos), lo que ha ido elevando las expectativas de su final.

Un final con las expectativas llenas, pero dejando claro las intenciones de Vince Gilligan de acabar por todo lo alto, y para ello no duda en poner al límite a sus protagonistas (sí, aún más) y abarca el tema más esquivo hasta ahora: el desmantelamiento de los secretos de Walter White.

Las aventuras de este profesor de química que tomó la decisión de cocinar metanfetamina han sido alabadas por público y crítica, dejando claro que es una de las series a tener en cuenta. Y no es para menos, en cada fotograma se puede observar el nivel de detalle con el que se ha trabajado, desde sus diálogos hasta la posición de la cámara. Esta historia ha acabado con el capítulo "Ozymandias".

Muchos reconoceréis este nombre por uno de los personajes del célebre cómic de Alan Moore: Watchmen, aunque en su origen es un soneto de Percy Bysshe Shelley. Ahora también será recordado como uno de los episodios más espectaculares de Breaking Bad, y no es para menos; es el momento culmen de la serie, donde nuestro protagonista se enfrenta por fin a las consecuencias de sus actos.

Se podría decir que "Ozymandias" es el final de la historia, dado que en ese episodio culminan la trama principal sobre la que se iba construyendo la serie: el auge y la caída de Heisenberg. Comienza con un flashback en el que podemos ser testigos de la primera discusión de Walter con su mujer sobre el nombre de su hija. Mientras toda su familia sufre las consecuencias de los actos de Walter, empezando por Marie, el personaje que desencadena toda la catástrofe, y pasando por Walter Jr., que por fin logra enfrentarse verdaderamente a sus padres, hasta llegar a Holly, el único personaje inocente de la serie, que con un simple acto logra derrocar a Heisenberg.

Sus personajes han ido creciendo con la serie, desde el inmenso Walter hasta la pequeña Holly, siempre sorprendiendo y dejando imágenes para el recuerdo.

Breaking Bad será recordada por su capacidad para mostrar el papel de la moralidad y las consecuencias que las acciones tienen (sobre todo para mal) dentro de una historia en la que no hay vencedores.

¡Buen viaje a Belice!

Primer episodio (III): Crossing Lines

2013-09-23T14:56:00.001+02:00

Un profesor mío decía que Estados Unidos estaba unido bajo tres grandes conceptos: las armas, Dios y el dólar. No seré yo quien juzgue la certeza de esa afirmación, pero es curioso cómo la cultura televisiva norteamericana ha logrado transmitir la complejidad de ese país. Pero, ¿y Europa? ¿Qué es lo que la une, además de la Unión Europea, claro está?

No hay muchas series que hayan puesto su ojo en el viejo continente, pero es de agradecer que surjan estas series que exploran Europa desde un punto de vista estadounidense, explorando las fronteras que las unen y separan a través de un grupo de personajes de distintas nacionalidades que se enfrentan a casos policiales en toda Europa.

Esta nueva serie es creada por Edward Allen Bernero, quien también es conocido por ser el creador de la famosa "Mentes Criminales", una serie de corte policial. Se podría decir que esta nueva serie, "Crossing Lines", juega en esa misma liga, dado que comparte algunos aspectos, aunque la principal novedad de esta serie es el choque de culturas entre los protagonistas policiales.

La serie tiene como protagonista a Carl Hickman (William Fichtner), un policía retirado que es llamado para investigar un asesinato en París. Dado que el crimen parece estar relacionado con dos casos anteriores, deciden formar un equipo de investigación con el permiso de Michel Dorn (Donald Sutherland), uno de los líderes del tribunal de La Haya.

Una de las cosas que más se aprecia en esta serie es el hecho de que está rodada en su mayor parte en decorados naturales, lo que hace que las escenas que transcurren en Praga se rueden en Praga. Esto da la esperanza de que si algún día pasan por España, no parezca algún lugar de Centroamérica, algo que sería de agradecer. Aunque lo que realmente haya desubicado a cualquier espectador ha sido el diálogo entre franceses en inglés; supongo que será uno de los precios a pagar por cuestiones de distribución, dejando el choque entre culturas como el principal aliciente de esta ficción.

La serie fue presentada en Madrid el pasado 5 de septiembre por el actor protagonista William Fichtner (conocido por "Prison Break", "Elysium"), quien nos comentó por qué se unió a esta serie: "Leí el guión y creí en la historia", dejando claro por qué eligió a Hickman: "Me contrataron para encarnar a Hickman y creí que tenía todo el potencial para ser uno de los mejores personajes que jamás he interpretado". También nos explicó la diferencia entre hacer cine y televisión: "La gran diferencia con el cine es que tienes ocho o nueve horas para rodar un episodio de una hora." Además de Fichtner, en la serie también participan Donald Sutherland ("Los Pilares de la Tierra"), Tom Wlaschiha ("Juego de Tronos"), Gabriella Pession, Elsa Mollien, Richard Flood y Marc Lavoine, dando vida a este grupo de peculiares policías.

Kick Ass 2 Con Un Par. Expandiendo El Universo

2013-09-11T23:05:00.004+02:00

Seamos sinceros, la saga Kick-Ass tiene un personaje principal muy original con el que el público se sintió identificado, pero no contábamos con la aparición del SECUNDARIO robaescenas. Ese personaje casi hace olvidar que no es el protagonista, como ocurrió en "El Caballero Oscuro" con su demencial Joker. Ahora en Kick-Ass tenemos a esa niña de aspecto inocente pero letal, con un vocabulario digno del mejor Tarantino, llamada Hit Girl.

Y esa ha sido una de las razones de la existencia de esta secuela (esperamos con ansias la adaptación al cómic de su spin-off), pero no la única. La historia ahora se expande, los personajes crecen y la espectacularidad se multiplica, sobre todo sin decepcionar a los fans de la primera película, seguro.

Kick-Ass vuelve al cómic para su secuela, aunque curiosamente su presupuesto es inferior al de su predecesora (lo normal es todo lo contrario), lo que deja en manos de la imaginación explotar ese presupuesto de manera inteligente. La historia retoma donde nos dejó la primera película, con las ansias de venganza de Chris D'Amico por la muerte de su padre. Por ello, se autodeclara el primer supervillano de la historia, enfundado en el traje de cuero de su madre, armado y con un nuevo nombre (El Hijoputa), se propone crear el caos aunque sea a golpe de talonario. Mientras tanto, Dave Lizewski entrena con una ya adolescente Mindy McCready, alias Hit Girl, para luchar contra el crimen, aunque ella tiene que lidiar con su tutor que quiere que sea una niña normal y vaya al instituto.

No vuelven solos, la gente sigue el ejemplo de Kick-Ass y ha empezado a vestirse de superhéroe para combatir el crimen, algunos formando el equipo "Justicia Por Siempre" liderados por el Coronel Barras y Estrellas, un antiguo matón. Sus enemigos no están ajenos a este hecho, por lo que también forman un equipo de villanos, entre los que destaca Madre Rusia, una asesina implacable y temible, desatando la locura en la ciudad y poniendo de cabeza a la policía.

La película dirigida por Jeff Wadlow sigue en la misma línea que su predecesor, Matthew Vaughn (X-Men: First Class), al cuidar ese tono entre la violencia absurda y el humor negro. Es una digna secuela, con escenas concebidas para el fervor de los fans (ver a Madre Rusia en acción es todo un espectáculo), además de acercarse al género de las películas de instituto (genial la trama de Hit Girl versus las Chicas Malas de su instituto).

Hay que agradecer la vuelta del reparto original (no era fácil, dado que no estaban obligados a repetir papeles), además de traernos algunas novedades como Jim Carrey (su carisma es un aval para este Capitán Barras y Estrellas), supliendo de alguna forma al genial Big Daddy de Nicolas Cage de la predecesora (también de manera omnipresente Frank D'Amico interpretado por Mark Strong). Pero los reyes de la función son Aaron Taylor-Johnson, Chloe Grace Moretz y Christopher Mintz-Plasse, en otras palabras, Kick-Ass, Hit Girl y Hijoputa. Este último logra dar los momentos más cómicos de la cinta (atención a la escena post-créditos, avisados estáis), aunque los otros dos no se quedan atrás. Hit Girl siempre ha sido un personaje muy bien explotado por Grace Moretz, por lo que el tratamiento de Taylor-Johnson de su Kick-Ass en esta película es el que mejor ha estado, más cuidado, dando espacio para que el espectador empaticé con él (no olvidemos que Hijoputa y Hit Girl no tienen reparos a la hora de asesinar a sangre fría). Él es el verdadero eje de la película (lo repito, con estos secundarios esto es muy complicado).

A continuación, os dejo el tráiler (se nota que a la hora de promocionar la película cambiaron el nombre de "Hijoputa" por "El Puto Amo", algo censurable aunque comprensible):

Breaking Bad, Saludad a Heinsenberg

2013-09-07T00:48:00.001+02:00

Breaking Bad es una de esas series que llegó sin hacer mucho ruido, como confirman las audiencias de sus primeras temporadas. Sin embargo, poco a poco ha ido aumentando su nivel de espectacularidad y, con ello, su audiencia, dejando bien claro que se ha ganado un lugar entre las listas de series a tener en cuenta, y de manera positiva, junto a clásicos como Los Soprano y The Wire.

Y esta es la historia de Walter White, un genio de la química que trabaja como profesor de esa materia hasta que un día su vida se ve truncada por el cáncer. Este hecho lo lleva a recurrir a Jesse Pinkman, un antiguo alumno que conoce el mundo de las drogas, y Walter le pide ayuda para entrar en el negocio de la metanfetamina. Este negocio le proporcionará el dinero que necesita para dejar seguridad económica a su familia, compuesta por su mujer embarazada Skyler, su hijo Walter Jr., quien tiene parálisis cerebral, y también su cuñada Marie y su esposo Hank, quien trabaja como agente de la DEA, el departamento encargado de investigar el tráfico de drogas.

Presenciamos la transformación de un personaje que pasa de ser el profesor humillado de diversas maneras por la mayoría que lo rodea a convertirse en uno de los capos de la droga más temibles de Nuevo México. Pero no solo vemos cambiar a Walter; también está Jesse, su cómplice, quien comienza como un adicto problemático que trae dolores de cabeza a su familia y no duda en traicionar a sus amigos para salvarse a sí mismo. Sin embargo, su complicidad con Walter le traerá más de un disgusto y lo llevará a madurar. Estos dos son el alma de la serie, confiando en más de una ocasión sus vidas el uno al otro y desarrollando una de las relaciones paterno-filiales más extrañas e interesantes de la televisión.

Muchos, en sus primeras impresiones, podrán tachar esta serie de ser lenta. Se podría decir que en algunos momentos lo es, especialmente en las primeras temporadas. Sin embargo, lo más gratificante de esta serie es que utiliza este ritmo a su favor como factor sorpresa. Es complicado predecir cuál será el siguiente paso que darán los personajes, a veces jugando con el humor negro y otras con el thriller, siempre dejando al espectador impactado, algo que se agradece y la hace única.

Por ello, hay que alabar esta creación ideada por Vince Gilligan, quien además se ocupa de escribir y dirigir la mayoría de los episodios, dejando varias situaciones y frases para el recuerdo. También hay que destacar al reparto encabezado por Bryan Cranston (dejando patidifusos a los que lo recordaban en "Malcolm in the Middle") como Walter White o su versión escalofriante llamada Heisenberg. Con él tenemos a Aaron Paul interpretando a Jesse Pinkman, ese personaje con el que el espectador empatiza. Ambos logran crear unos personajes grandilocuentes, aunque los secundarios no se quedan atrás: Anna Gunn, Dean Norris, Betsy Brandt, Bob Odenkirk (su Saul Goodman es un derroche de frases ingeniosas) y los personajes recurrentes como Giancarlo Esposito, Krysten Ritter y Jonathan Banks.

La serie consta de seis temporadas (cinco para los jefazos de la cadena AMC, quienes decidieron dividir la última temporada en dos tandas de ocho episodios). Actualmente se está emitiendo la última tanda. Es una serie que puede presumir de no tener altibajos, con una factura visual impecable. Uno de sus sellos distintivos es la capacidad para captar el punto de vista de objetos variopintos como una pala o una lavadora, y a uno de los personajes de ficción más memorables que han pasado por la pequeña pantalla.

Aquí os dejo el trailer de la primera temporada:

Blue Valentine, Love Will Tear Us Apart

2013-08-31T19:18:00.005+02:00

Llegó con retraso a España, pero llegó: "Blue Valentine" (Derek Cianfrance, 2010), esa película que se vendió al mundo como una historia de amor, y en cierta parte lo es, aunque su peculiaridad radica en que no se esconde a la hora de mostrarnos tanto la cara dulce como la amarga de una relación.

He aquí el mérito de esta película: mostrar estos dos tiempos de una relación de manera complementaria, dejando que una acción comedida se vea rápidamente empañada por el drama, y viceversa, pero de diversas maneras. Esto permite al espectador experimentar una amplia gama de emociones, narrado con una simpleza envidiable.

No es casualidad que la película comience con la desaparición del perro, un momento en el que una niña busca a su mascota mientras su padre le asegura que regresará, aunque él mismo no lo crea. Los verdaderos protagonistas son Dean (Ryan Gosling) y Cindy (Michelle Williams), los padres de la niña, quienes deciden tomarse una noche libre para ir a la "habitación del futuro", un lugar donde su relación será marcada por una noche significativa.

Lo que vemos en sus comienzos está estrechamente relacionado con lo que ocurre dentro de la habitación: la organización de sus vidas, sus visiones de futuro, las dinámicas familiares, el sexo y, sobre todo, sus frustraciones. Todo esto se intercala con su pasado, mostrándonos cómo nacen sus sueños e ilusiones, al mismo tiempo que surgen las emociones.

Una de las cosas más llamativas es que la historia no recurre a la traición, algo que podría hacer que nos decantáramos por alguno de los protagonistas. Sin embargo, ambos son sinceros y utilizan esa sinceridad como arma y escudo, permitiendo que sus conflictos primen sobre la emoción, aunque sus intenciones no sean herirse mutuamente, sino evitar su propia infelicidad. No es casualidad que una de sus escenas más célebres suene la canción "You Always Hurt The Ones You Love".

Es genial poder hablar de una película de estas características en la que el espectador no tome partido por ninguno de los protagonistas, ya que ambos crean su propio mundo. Aún así, es de agradecer que nos muestren qué ocurre con ellos antes de que empiece la relación, sobre todo con ella, para que podamos conocerlos mejor. Mientras Dean se muestra como una persona romántica que sueña con la mujer ideal, Cindy se preocupa por saber si realmente existe ese sentimiento romántico (presta atención a la conversación que tiene con su abuela y a la posterior comida familiar), siendo estas ideas las que los definen. Además, la película logra darnos algunas escenas que al principio parecen carecer de importancia o se presentan como simples excusas para desarrollar la trama, pero que en el tercio final adquieren un significado profundo (como la desaparición del perro, el anciano vecino de la abuela de Cindy o la historia de los padres de Dean), dejando claro que esta película no deja nada al azar.

Por último, hay que agradecer la paciencia que tuvieron tanto los protagonistas como los productores al hacer esta película con un presupuesto muy bajo. Es difícil imaginar esta película sin Ryan Gosling y Michelle Williams, ya que se nota el sacrificio que hicieron por ella y realmente valió la pena.

A continuación, os dejo con su tráiler.

P.D.: Sí, el subtítulo de este post viene por la canción de Joy Division que bien podría resumir esta película.

Títulos de Crédito y Últimas Temporadas (I)

2013-08-25T22:39:00.002+02:00

Vamos a comentar algunas series que nos abandonan esta temporada 2012-13 (para mí, la nueva temporada empezará con otra que nos abandona: Breaking Bad), y de paso repasaremos sus títulos de crédito, esa marca con la que se puede reconocer la serie.

Si antes hablábamos de los homenajes que rendían Los Simpson a series con un gran éxito, veíamos que el homenaje radicaba en sus títulos de crédito, siendo la marca con la que identificaríamos cada serie, y dando pistas sobre el tono y el contenido de la misma. Muchas veces se sirven de una sintonía o una imagen; otras veces ocurre todo lo contrario, donde su ausencia es lo que las define. Por ello, aprovechando que estas series han concluido recientemente, repasemos algunos títulos de crédito para el recuerdo.

The Office

Comenzó como un remake de su homónima inglesa, trasladando su estilo de 'falso documental' a Estados Unidos, dejando fuera el humor brusco, irónico y a veces cruel, aunque lo sustituyeron jugando con la vergüenza ajena, y a veces el humor escatológico. Pero lo que realmente hacía especial esta serie eran sus personajes, muy familiares y fáciles de empatizar para cualquier espectador.

Sus títulos de crédito iniciales demuestran el sencillo mundo en el que se mueven estos protagonistas, y nos muestran desde un primer momento el interés de la cámara por los momentos incómodos que se respiran en esta oficina, creando a su alrededor una especie de 'ecosistema' en el que todos los personajes cumplen una función. Todo esto logra que el espectador se sienta en ocasiones como un personaje más dentro de la oficina, permitiendo que los dramas de los personajes se vean cómicos desde otro punto de vista.

Mujeres Desesperadas

Estamos ante una de las series con los títulos de crédito más aplaudidos de los últimos años, y es comprensible dado que va encadenando una serie de retratos femeninos en diferentes épocas. Además, en las imágenes elegidas se deja entrever una historia oscura detrás de cada una de ellas (no es casualidad que comience con el cuadro 'Adán y Eva' de Lucas Cranach el Viejo).

A pesar de todo, el propósito de la serie creada por Marc Cherry no queda oculto: embarcarse en el mundo de los barrios residenciales norteamericanos donde las apariencias juegan un papel fundamental, revelando los secretos que guardan a través de sus protagonistas.

Fringe

Se trata de otra serie de J.J. Abrams que tuvo menos suerte que 'Perdidos' en cuanto a reconocimiento, a pesar de jugar en la misma liga de la ciencia ficción. Logra construir un universo mucho más rico, con un trío de personajes principales muy peculiares, contratados para solventar problemas de carácter increíble.

Lo más curioso es que los títulos de crédito nos sitúan en el ambiente en el que se moverán los protagonistas, siendo su situación espacio-temporal la que modifica el color y las palabras que lo forman. Esas palabras que aparecen en los títulos siempre representan los objetivos a encontrar en ese espacio-tiempo.

Daños Y Perjuicios

La serie más manipuladora por excelencia alcanzó su final el año pasado. Hablo de 'Daños y Perjuicios', la serie que todo el mundo pensaba que sería otra de abogados más, pero cuando se estrenó vimos que contaba con uno de los personajes más memorables de la pequeña pantalla. Hablo de Patty Hewes, una abogada que haría todo lo posible por ganar, aunque en su camino se cruzara con Ellen Parsons, una abogada novata que se da cuenta de la peor forma del mundo en el que se está introduciendo.

Sus títulos de crédito son breves pero muy concisos. Nos muestran a un par de personajes principales, seguidos de una serie de esculturas que representan partes de los principales tribunales de Nueva York (donde se sitúa la mayor parte de la serie). Mientras tanto, el resto del mundo parece impasible hasta que se enfoca en la imagen de las dos mujeres, cada una en un lado, frente a su reflejo desenfocado y roto, todo al ritmo de la canción 'When I am through With You' de VLA. Mención aparte merece ese maletín con las manos ensangrentadas, que por sí solo refleja que los golpes de los abogados no siempre serán limpios.

Searching For Surgar Man, Descubriendo a Sixto

2013-08-02T23:26:00.003+02:00

"Searching For Sugar Man" (dirigida por Malik Bendjelloul, 2012) es un documental que ha logrado rescatar la fascinante figura musical que pasó desapercibida en su momento. Nos referimos a Sixto Rodríguez, un cantautor estadounidense que tuvo escasa repercusión en su país de origen, pero cuya música alcanzó un éxito arrollador en Sudáfrica.

Es importante señalar que este documental no se centra exclusivamente en la vida de Rodríguez, aunque sí muestra algunos aspectos de ella. Lo verdaderamente destacable de esta historia es la exploración de su música y el impacto social que tuvo en muchas vidas, incluida la del propio Sixto.

También se hace hincapié en las letras de las canciones de Sixto, a menudo descifrando el significado de sus metáforas para proporcionar una descripción del ambiente en el que Rodríguez se movía en aquel entonces. Esto resultó ser un problema cuando se enfrentó a los organismos de censura, como se muestra de manera impactante en la película.

Gracias a este enfoque, logramos encontrar pistas clave para descubrir a Sixto y la historia que se esconde detrás de este hombre convertido en leyenda en Sudáfrica.

Como muchos sabrán, la figura de Sixto ganó un reconocimiento significativo tras este documental, mucho mayor del que tenía hasta ese momento. La película también nos ofrece algunas pistas sobre su personalidad, detalles familiares y una visión más amplia de la influencia que tuvo este documental en su vida. Aunque su faceta artística ya había sido reconocida previamente, como mencionamos antes, solo una pequeña parte del mundo lo sabía.

El documental comienza con la narración de los periodistas Stephen Segerman y Craig Strydom, explorando la influencia del cantante en Sudáfrica y embarcándose en la búsqueda de esta "leyenda musical". A través de sus testimonios, conocemos las diversas historias que circulaban sobre Sixto y obtenemos una visión de la situación política del país durante el apartheid y las protestas estudiantiles que proporcionan un contexto histórico. Mientras tanto, su álbum "Cold Fact" se convierte en un gran éxito. También se muestran las medidas que las autoridades gubernamentales tomaron para restringir la música de Sixto, así como los obstáculos que los periodistas enfrentaron debido a la corrupción de las compañías discográficas, que explotaban su música sin conocer realmente al artista, revelando por qué Rodríguez no era consciente de su éxito.

Esta película ha sido presentada por los medios como un cuento real que muestra lo relativo del fracaso, recordando que Sixto vendió muy pocas copias en su país de origen, lo que llevó a un declive en su carrera musical. Personalmente, creo que se puede ver como una historia esperanzadora, pero es mejor considerarla como un vehículo para descubrir a este cantante y su leyenda.

Uno de los grandes aciertos del documental es que utiliza exclusivamente la música de Rodríguez como banda sonora, destacando especialmente las señales de cada canción durante el metraje. No es casualidad que el documental tome el nombre de una de sus canciones más célebres.

También es digno de elogio el ingenio del director al capturar los distintos ambientes por los que Sixto se movió, principalmente en Sudáfrica y la ciudad de Detroit. Esto permite al espectador comprender mejor qué inspiró a Rodríguez a componer, además de las dificultades que enfrentó para promover su música.

Por último, el documental merece reconocimiento por permitir que el espectador saque sus propias conclusiones sobre los eventos presentados, incluso cuando omite cierta información o muestra entrevistas polémicas. Este enfoque evita manipular emocionalmente al público, lo que contribuye al tono generalmente optimista de muchas secuencias.

Cuarta Temporada de Arrested Development: Hello Darkness, My Old Friend

2013-07-30T01:38:00.001+02:00

"ANUSTART"

La familia Bluth ha vuelto después de siete años gracias al portal online Netflix, y lo hace a su manera, innovando como ya lo hizo en sus momento. Por esta razón la cuarta temporada ha sido la más polémica y la más criticada de todas, aún así no se puede negar la originalidad que caracteriza a esta serie.

Arrested Development vuelve tratando de ser agradecida con su audiencia, que se empeñó en traerla de vuelta tras su prematura cancelación, pero para llevarlo a cabo han decidido convertirla en algo más grande y más complejo de lo que ya nos tenía acostumbrados.

La cuarta temporada tiene una novedad muy importante, y es que puede verse sin un orden concreto, dando a su visionado online un valor añadido. Para ello los creadores de la serie se las han ingeniado para crear episodios centrados en cada miembro de la familia Bluth, creando tramas independientes, aunque visto en conjunto forma una gran historia.

El principal problema de esta temporada radica precisamente en que está dirigida a los espectadores que ya conocen las anteriores temporadas, siendo prácticamente ininteligible para el espectador primerizo, debido a la alta cantidad de flashbacks, referencias e incluso gags que tienen relación con el pasado de los Bluth. Además, este formato plantea otro problema algo complejo, y es que no siempre veremos las escenas en las que interactúan los personajes principales de manera completa, aunque luego se complementen con otro punto de vista, dejando esa sensación de pérdida de información como un lastre. Aunque también es cierto que consigue un mayor impacto en el espectador cuando la secuencia se completa.

Pero no todo es negativo en esta temporada; como ya dije, la serie construye una gran historia muy cuidada, con una complejidad que aparece raramente en la comedia televisiva, siendo el espectador el que tiene que ir rellenando los huecos que van dejando los guionistas, llegando a exponenciar su humor en los momentos clave de la serie. Por otro lado logra traernos nuevos gags (como por ejemplo, la canción The Sound Of Silence) y diversas situaciones surrealistas (por ejemplo, la fiesta inventada del "Cinco de Cuatro"). Además volveremos a ver a todos sus secundarios habituales (Tony Wonder, Steve Holt, Carl Weathers, Barry Zuckerkorn...), además de traer nuevos cameos de cómicos muy populares en EE.UU.

Los guionistas no sólo han logrado crear una gran historia, además consiguen que sus peculiares personajes evolucionen de una manera natural (sin que pierdan su esencia, algo muy complicado para la familia Bluth). Aunque, en mi opinión, lo mejor de todo es que mantiene esa esencia de la Arrested Development antes de que fuera cancelada, volviendo a reírse de sí misma (atención a las referencias de su nueva situación como serie emitida por Netflix).

Por último os dejo con el tráiler con la que se presentó esta temporada, acompañado de una de las canciones más utilizadas en esta serie, "The Final Countdown":

Tercera Temporada de Juego De Tronos: Auges y Caídas

2013-07-21T19:23:00.001+02:00

¨-Hice cuanto hice por el bien del reino
-El reino, ¿sabéis que es el reino?, Son las mil espadas de los enemigos Aegon, una historia que coincidimos en contarnos mutuamente una y otra vez, hasta que olvidamos que es mentira.
- Pero que es lo que nos queda cuando abandonamos la mentira, el caos, un foso que aguarda para engullirnos a todos
- El caos no es un foso, es una escalera, muchos intentan subirla y fracasan, nunca podrán hacerlo de nuevo, la caída los destroza, pero otros si se les deja subir, se aferrarán al reino, o los dioses o al amor, espejismos, solo la escalera es real, el ascenso es todo lo que hay.

Acabada la tercera temporada de Juego de Tronos, se puede hacer una valoración subjetiva de lo visto esta temporada, una de las más ansiadas por los lectores por la cantidad de sorpresas que entrañaba el tercer libro (Tormenta de Espadas) en el que se basaba esta temporada, dado al que esta calificado como el mejor libro de la saga ¨Canción de Hielo y Fuego¨(de momento) aunque haya optado sólo por adaptar dos tercias partes del libro. Así esta temporada esta marcada por la introducción de numerosos nuevos personajes , lo que obliga a introducir nuevas tramas. aunque HBO se apiado de nosotros, dando más tiempo a esta tanda de episodios.

Lo que marca esta temporada fue la pluralidad de personajes, que encierran el mundo de Poniente, teniendo que abarcar varias tramas paralelas, con numerosos personajes nuevos, pero aún así han logrado obtener una espectacular temporada, marcada por una brillantes guiones, y además de aumentar en espectacularidad en sus escenas.
El ascenso de la Madre de los Dragones

La anterior temporada dejamos a Daenarys con las riquezas de captor en Qarth, obteniendo en su camino una serie de visiones que profetizaban su llegada a Poniente. Ahora va en busca de un ejercito en su camino a la conquista de Poniente, llegando a Astapor, donde nos volvemos a encontrar con Barristan Selmy,
el Lord Comandante de la Guardia Real durante el reinado de Robert Baratheon, y destituido cuando su ¨hijo¨subió al poder. Su presencia también mantiene en guardia a ser Jorah Mormont dado que este esconde su pasado como esclavista a la Targaryen. Todo ello ocurre en Astapor, lugar conocido por ser la cuna de los Inmaculados, esclavos que luchan como soldados sin dolor. A continuación Daenarys irá a Yunkai, donde conocerá a Daario Naharis, un mercenario que se pondrá de parte de esta, siéndole de ayuda. Culminado todo ello, en una conquista en que no sólo veremos el poder que ha ido ganando sino también la leyenda que ha estado creando a su alrededor.

La parte dedicada esta temporada a la joven Targaryen ha esto marcada, a diferencia de las anteriores, por la madurez que ha obtenido, dejando atrás su dependencia de Jorah y sus dothrakis, aunque eso ha menguado en su carácter dulce y afable, demostrando más su cólera, aunque sea justa. Sus dragones ya forman parte de ella, mostrando en más de una ocasión que son una pieza fundamental en esta historia. Como incorporaciones vemos a ser Barristan Selmy aunque su presencia haga mella en Jorah , que en la khalesshi dado al peligro que supone para este, por otro lado tenemos a Missandei, que se mostrará de gran ayuda por lo menos fuera de Poniente, dado a su don de lenguas. Y por último la incorporación de Daario Naharis deja claro que papel será fundamental en futuros acontecimientos, por su presentación y su relación con Daenarys.

Hacía el Muro

La última imagen de la segunda temporada nos mostraba a los Caminantes Blancos viajando hacia el Muro, siendo estos los verdaderos enemigos a temer en Poniente, haciéndonos saber la importancia que tiene el Muro. Dejando a torpe Samwell como testigo del avance de los caminantes vemos como se incorpora a la Guardia de la Noche, deteniéndose donde antes en la casa Craster, lugar dondese porduce el caos dado al carácter del dueño de la casa. por ello muere el Lord Comandante Mormont (Padre de Jorah), lo que le da capacidad de cumplir su promesa de Gilly, una de las esposas de Craster, poniendo a salva su bebé, aunque ese viaje tendrán que hacerlo solos. Por otro lado tenemos a Jon Nieve conociendo a los salvajes y al Rey Más Allá del Muro, bajo la guía de Ygritte, la joven de la que esta enamorado, así pronto conocerá los planes de estos, en las que se encuentra asaltar el Muro.

Por último en Poniente tenemos a Bran y a Rickon, acompañados de Hodor y la salvaje Osha, en su camino conocerán a Jojen y Meera Reed, unos hermanos que acompañarán a los pequeños Starks hacia el Muro, mientras Jojen le enseña a Bran el poder de los sueños que le da un nuevo objetivo encontrar con el cuervo de tres ojos que esta más allá del Muro, además de conocer una nueva habilidad.

Hay que decir que esta temporada se vio marcada por el protagonismo que adquirió Samwell, más allá de ser un mero secundario, su encuentro con Gilly ha logrado darle el protagonismo, logrando ver una evolución más diferente a la como lo conocimos a la primera temporada. Por otro por fin conocemos a los salvajes de la mano de Jon, con gigantes de por medio por cierto, aparte empecemos a conocer las motivaciones de estos lo más curioso es su forma de ser, aunque la amenaza de los caminantes blancos, se muestran no sólo peligrosos para ellos, sino para Poniente. También conocemos a Orell y así logramos obtener una respuesta a la conexión que sufre Bran con su lobo. De los pequeños Starks dados por muertos podemos decir que se han embarcado en un viaje muy largo, en donde sus nuevos compañeros los Reed serán una pieza fundamental, al igual que el cuervo de tres ojos que ya merodeaba por la primera temporada.

Las Consecuencias de la Batalla de Aguasnegras

Cómo habíamos dicho antes batalla de Aguasnegras, nos mostró el poder de los Lannister dejando a Stannis debilitado aunque esto no ha menguado en sus ganas de obtener su ansiado Trono. Así en Desembarco del Rey vemos como los Lannister sufren las consecuencias de su trato con los Tyrrell, desconfiando de ellos, logrando conocer el poder de persuasión de Margaery como la futura ¨reina¨que no le hará gracias alguna a Cersei, así como su abuela Lady Olenna, una mujer que sabe como Tywin que las mejores batallas se hacen con palabras. Mientras Tyrion ve como se recrudece su relación con su padre, además de intentar de consolar a la pobre Sansa, que intenta sobrevivir en ese lugar. Además tenemos a Jaime Lannister viajando a Desembarco del Rey junto a la guerrera Brienne aunque en su camino se encuentre con Locke y su mercenarios que dejarán herido a Jaime, además de dar un maneja muy especial a unas de las célebres canciones de Poniente, como es:¨El Oso y La Doncella¨.

Mientras la derrota de Stannis no hace más que afianzar su relación con la mujer Roja, Melissandre, aunque logremos conocer a su mujer Selyse, una fanática de la religión del dios Rojo, como a Shireen su sufrida hija, sufriendo una enfermedad en la piel. También podemos volver a ver a Davos, siendo esta la voz de la razón que este busca , aunque este en contra de las intenciones de Melissandre.

La novedad en esta temporada ha sido sin duda la incursión de los Tyrell, en Poniente, y la demostración de poder que presume Tywin Lannister, los primeros no tardaron en demostrar la ambición, empezando por ganarse al pueblo y obtener aliados dentro de la capital, aunque los Lannister también se muestran muy atentos a sus movimientos. Aunque el Lannister peor parado de este temporada ha sido Jaime en su aventura con Brienne, mostrando una pareja con grades momentos a la vez que podemos conocer Sin duda sus encuentros han marcado esta temporada dejando las mejores conversaciones de la serie. Mientras Stannis esta recomponiéndose de su derrota, esta vez podemos observar con mas detenimiento la relación de esté con la Mujer Roja, así también su propia tragedia familiar. Y por último vemos a Davos como el reverso de Tywin, en cuanto a su ética.

El Rey en el Norte

Y tenemos a los Stark, anteriormente dejamos a Arya logrando salir de Harrenhal con sus amigos Gendry y Pastel Caliente, aunque pronto se encontrarán con la Hermandad sin Estandartes, que no obedecen a ningún señor comandados por Beric Dondarrion que como Melissandre, adorador del dios R'llor. Con ellos Aryan verá su poder cuando ver el combate con el Perro de la que este último sale vencedor por lo que le dejan libre. Más tarde Arya se enfada con el grupo así que huye siendo capturado por este, que le promete llevarle a ver a su familia que celebrarán una boda en Los Gemelos.

El matrimonio de Robb Stark dada a la promesa que hizo su madre Walder Frey , se ha convertido en un gran problema para él y los suyos, dado que ha perdido gran parte de sus fuerzas, y más cuando Richard Karstark mata a sus valiosos rehenes, perdiendo más hombres. Mientras Hoster Tully fallcece, el padre de Catelyn, dejando a su hermano Edmure como el nuevo cabeza de la familia Tully, así que Robb y su ejercito van a su funeral, ahí les brindan la oportunidad de volver a obtener a los hombres de los Frey, aunque para ello tendrán que casar a Edmure con una de las mujeres de Walder Frey. Así esto desembocará en la famosa ¨Boda Roja¨ en donde Roose Bolton jugará un papel especial, además de situarnos la posición del desaparecido Theon Greyjoy.

Ser un Stark en Poniente, a estas de la historia es toda una desventaja, así que los veremos siempre con la esperanza de que su situación cambie. Empezando por Arya que esta evolucionando a una mujer con un carácter más frío y temerario.Los enfrentamientos entre Robb y sus vasallos, dado a su polémico matrimonio con Talisa, lo que pondrá en duda en más de una ocasión sus dotes como líder. Pero la escena de esta temporada se la debemos a Catelyn Tully, siendo ella el personaje que muestra la desesperación de la serie. Sin duda por ellos será recordada esta temporada, en donde sus errores tienen consecuencias, llevándoles a la desesperación.

Por último a destacar Theon sufriendo un castigo, que sin duda tendrá consecuencias por parte de familia en la siguiente temporada.

Esta es el trailer de esta temporada:

Stoker, El Fin De La Inocencia

2013-07-10T01:42:00.002+02:00

A veces tienes que hacer algo malo para evitar algo peor."

Stoker (Dir. Park Chan-Wook, 2012), es el desembarco norteamericano del director de Old Boy, que quiere dejar claro que su cambio de ambiente no ha influido perjudicialmente en su filmografía, mostrando a su vez su gusto por las historias en las que los personajes son de lo mñas impredecibles, además de seguir siendo fiel al cuidado de su meticulosa estética.

Tras lograr un éxito mundial con su particular trilogía de la venganza (Sympathy for Mr. Vengance, Old Boy y Sympathy for Lady Vengance), Park Chan-Wook logra dar un paso más a la hora de crear un universo propio, donde las relaciones de los personajes son fundamentales en una historia donde hay que escoger qué miembro de la familia es lo primero.

La película narra la vida de los Stoker después de la muerte del patriarca, Richard (Dermot Mulroney), el miembro que mantenía a esta familia unida, debido a la buena relación que tenía con su hija India (Mia Wasikowska) y su esposa Evelyn (Nicole Kidman). Pero en el funeral conocerán a Charlie (Mathew Goode), el enigmático hermano de Richard, del que hasta ese momento desconocían su existencia. Pronto Charlie mostrará una extraña admiración hacía India, aunque ésta se muestra distante a la vez que fascinada por su tío; por otro lado, Evelyn intenta captar la atención de su cuñado. Aunque vaya poco a poco Charlie va ir demostrando sus verdaderas intenciones hacía la familia de su difunto hermano, dejando claro que no todo es lo que parece.

La singularidad de la película radica no tanto en lo que nos cuenta sino en quiénes son los participes de la misma, dejándonos a unos personajes llenos de traumas que intentan seguir adelante con métodos poco ortodoxos, logrando que otros sufran las consecuencias aunque éstos no siempre se lo tomen de la manera más predecible.

Una de las genialidades de esta película es sin duda la manera en la que lo repulsivo se ve con la más absoluta naturalidad, no sólo en sus formas sino en lo que contiene, logrando que cambiemos nuestra percepción hacia simples objetos (una tobogán, una araña, o incluso un helado). Así, se otorga un nuevo sentido a lo que estamos viendo, demostrando que estamos ante una historia realmente retorcida, logrando que el espectador alcance una cierta empatía con los personajes.

Uno de los puntos fuertes de Stoker está en sus diálogos. Aunque la mayoría de las veces los personajes hablen con las miradas, sus frases dicen mucho más de lo que parecen (atención a la primera cena familiar con Charlie), dejando también monólogos para el recuerdo (como el del vídeo anterior). El guión está escrito por Wentworth Miller, más conocido por su papel protagonista en la serie de televisión "Prison Break", dejando claro que Chan-Wook sabe elegir buenas historias.

Otro de los factores que más llamarán la atención es su parte técnico, sobre todo en los apartados de fotografía y montaje, dejando secuencias muy hipnóticas (como la de Charlie e India tocando el piano) o unos cambios de plano muy trabajados (las secuencias en las que el sótano esta presente en la conversación). Sin arrebatar nunca el protagonismo a la historia, la película deja en más de una ocasión imágenes para el recuerdo.

Y en el apartado artístico se puede alabar el trabajo de trío protagonista, con Mia Wasikowska a la cabeza, controlando a una India muy tímida a la vez que expresiva. Ella constituye una antítesis del personaje de Nicole Kidman que, a pesar de estar en un segundo plano, logra que su mera presencia sea inquietante para el espectador. Completando el trío tenemos a Matthew Goode, que interpreta al misterio tío Charlie, dejando que su expresiones jueguen más que sus diálogos, aunque sin perjudicar en el resultado final del film.

Por último, os dejo con un curioso tráiler:

El Lado Bueno De Las Cosas, La Gran Cordura

2013-07-06T18:42:00.002+02:00

"A ver, el mundo ya es lo suficiente duro, tíos, no puede alguien decir 'seamos positivos, démosles un final feliz a esta historia'."

Una de las películas que ha tenido un gran impulso mediático últimamente ha sido "El lado bueno de las cosas". Podría decirse que se debe a que estamos ante una película difícilmente catalogable, dado a que nos muestra a una serie de personajes llenos de conflictos internos, que luchan consigo mismos para obtener el tan ansiado final feliz, aunque todo esto contado de una manera más simple de lo que, a primera vista, puede parecer.

Basada en el libro del mismo título, El lado bueno de las cosas (Siver Linings Plabook, 2012, Dir. David O. Russell), narra la historia de unos personajes trastornados que intentan convivir consigo mismos. Así se podría resumir prácticamente todo lo que vemos en la película, porque todos los personajes lo están, ya sea de una manera más o menos manifiesta, y lo hacen de una manera comedida aunque ninguno de estos personajes lo esté pasando realmente bien.

Todo empieza cuando Pat Solatano Jr. (Bradley Cooper) está a punto de salir del manicomio tras un incidente violento, después de pillar a su mujer con su amante. Su madre, Dolores (Jackie Weaver), una mujer que intenta hacer lo mejor para su familia aunque sea muchas veces sacrificando su propia integridad, y su padre, Pat (Robert DeNiro), un entusiasta del fútbol americano obsesionado con todo lo que tenga que ver con ello (mando a distancia incluido) son los que acogen en su hogar a Pat, pero pronto se verán sobrepasados por la situación dada a la obsesión de éste con su esposa.

Todo dará un vuelco cuando conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una mujer que ha perdido a su marido tras un incidente que logró desestabilizar su vida, recurriendo al sexo con sus compañeros de trabajo y logrando así que la despidan. Desembocada a la desgracia, le hace mostrarse impredecible en su comportamiento, y para recuperarse logra hacer un trato con Pat para que le ayude a participar en un concurso de baile, así éste podrá mantener un breve contacto con su mujer, aunque ese fortuito choque entre Pat y Tiffany hará que puedan proseguir con sus vidas de una manera que ellos no imaginaban.

Para ser una película cargada de personajes desgraciados, David O. Russell logra acercase más a la comedia romántica que al drama, aunque la naturalidad de la propuesta apostaría más por lo segundo, dado al énfasis que se le da a la vida interior de los personajes. Pero es precisamente ahí donde nos encontramos el humor, en los propios personajes, y aún más cuando interactuan los dos protagonistas. Ambos nos regalan una serie de conversaciones memorables, llenas de salidas de tono, logrando que sus momentos más incómodos sean cómicos, aunque respetando la esencia de los personajes.

Sin duda, se le puede achacar a la película lo predecible que es su final, aunque personalmente, ir por otro sitio traicionaría su objetivo final, perdiendo el sentido sobre el que giraba la película. Sí, "El Lado Bueno De Las Cosas" puede que sea una película romántica, aunque lo hace obviando precisamente lo romántico, o mejor dicho, mostrándolo desde un punto de vista no tan abarcado en las películas de este género dejando que el trastorno de cada uno conforme ese punto de vista (es curioso que para esta película el referente más cercano sea "I'm a Cyborg but it's OK" de Park Chan-Wook, pero llevado al extremo por ese romance entre personas con trastornos mentales).

También se puede hacer hincapié en el entorno de Pat y Tiffany, dejando claro que no son los únicos con problemas, regalando esa sensación que ningún personaje está a salvo del delirio, dando paso a situaciones realmente cómicas, o precipitando las acciones de los personajes. Lo mejor de todo es que se hace con una naturalidad que es muy de agradecer.

Todo sea dicho, esta cinta le debe mucho a su portentoso reparto (siendo una de las pocas veces que hemos visto que una película tenga nominaciones para sus cuatros categorías de actores en los Oscar), siendo la pareja protagonista la que se lleve la palma, dejando reconocer a Bradley Cooper más por sus dotes como actor que por su presencia y Jennifer Lawrence dejando claro que es una de las mejores actrices de Hollywood actualmente, y más aún de encomiar al tener un papel para el que se requería más edad.

Por último os dejo con el tráiler:

Trance, El ¨Origen¨ del cuadro

2013-06-25T13:18:00.000+02:00

La mente humana, ese lugar tan complejo que ha dado lugar a diferentes películas, como por ejemplo la espectacular "Origen" (Dir. Christpher Nolan, 2010), en las que se muestra cómo ser en un lugar donde lo seguro es muy difuso. Con este principio también se puede regir la última película de Danny Boyle.

Trance (Dir. Danny Boyle, 2013), la última película del realizador que estuvo al mando de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, además de lograr unos cuantos Oscars como con "Slumdog Millionarie", aunque su película más reconocida sea Trainspotting. Boyle logra transmitirnos que estamos ante un director muy dinámico a la hora de contar sus historias, además de intentar dar siempre algo nuevo al espectador, algo muy complicado hoy en día.

La película narra la historia de Simon (James McAvoy), un empleado de una casa de subastas al que le apasiona el arte, pero tras un atraco liderado por Franck (Vicent Cassel) para robar "El vuelo de las Brujas" de Francisco de Goya en plena subasta, Simon es abatido y acaba en el hospital. En este momento, los problemas no han hecho más que empezar dado que el cuadro ha desaparecido, y la clave para encontrarlo está en la propia mente de Simon, así que éste recurre a Elizabeth (Rosario Dawson), una terapeuta, para un tratamiento de hipnosis con el fin de encontrar el cuadro, aunque el hecho de adentrarse en la mente de éste no será tan fácil como parece.

Podríamos clasificar esta película como un acercamiento de Boyle al thriller, dado que da muestra de jugando su mejor carta a la historia de gansgters de antaño, con femme fatale incluida, añadiendo la hipnosis como una herramienta para lograr darle una nueva dimensión a esta historia.

Aunque tanto la mayor virtud como el peor defecto son los giros de guión con los que constantemente se juega, deja que los personajes pierdan, encuentren o retomen una posición con el espectador diferente a la que nos encontramos en el primer momento, corriendo el peligro de que el final de la historia llegue a desinteresarnos. Además de presentarnos escenas que en un primer lugar pueden parecer inconexas aunque no tarden en tener respuesta, esa inconexión logra distraer y perder algo de la fuerza (no mucha) de la información que nos están brindando.

Por otro lado podemos apreciar esa agilidad que Boyle está acostumbrado a dominar, con sus planos llenos de espejos, y planos desde ángulos muy curiosos a la par que enrevesados. Con un guión de Joe Ahearney y John Hodge ("Tumba abierta") logran mostrarnos una historia entretenida, en la que en la que tanto el argumento como los personajes están bien definidos, regalando grandes momentos delirantes (atención a la cabeza de Vicent Cassel). Además regala al lector algunas lecciones de arte (aparte de la comentada y justificada escena de lucimiento de Rosario Dawson). La banda sonora corre a cargo de Rick Smith, especializado en la música electrónica que ya había colaborado con Boyle en la Ceremonia de Apertura de los Juegos Olímpicos, y da espacio en esta película a esa combinación de la tranquilidad inducida que se da en la sesiones de terapia con sonidos más electrónicos, dado al ritmo de esta historia.

En cuanto a los actores, tenemos a una Rosario Dawson que logra entregarse a un personaje más complejo de lo que en realidad se presenta, dotándole de una simpatía que en el papel este personaje podría carecer. Por otro lado, tenemos a James McAvoy como el "protagonista," cuyo personaje es sobre el cual gira la trama, aunque a medida que vaya avanzando vamos viendo que esas "sorpresas" que da su personaje no lo son tanto, lo que muestra que estamos ante una actuación más que acertada. Completando al trío protagonista, vemos a Vincent Cassel, que sabe muy bien meterse en ese tipo de personaje peligrosos aunque esta vez le brindan a un personaje con una lado más sosegado, lo que logra en algún momento la simpatía con el público.

Por último podemos decir que Trance, es una película bastante ambiciosa en sus formas aunque eso no le afecte a la hora de cumplir su objetivo de dar un entretenimiento al espectador sin recurrir al método fácil, además de unas geniales escenas para el recuerdo, dejando que sus defectos pesen menos que aciertos.

Distribuida en España por: Twenty Century Fox

Homenajes de los Simpson

2013-06-21T13:43:00.003+02:00

La familia más catódica de los últimos tiempos ha ido viviendo altibajos a lo largo de sus ya 23 temporadas, épocas mejores y peores, siendo una de las serie mas longevas de la televisión actual. Por esta razón está en constante renovación, sobre todo a nivel técnico.

Últimamente los creadores han decidido hacer un conjunto de homenajes a series que más triunfan en Estados Unidos, y lo hacen dando una nueva forma a su cambiante introducción del sofá, llevando las señas de identidad de otras series a su propio terreno.

Breaking Bad

La serie creada por Vince Gilligan no es que tenga unos títulos de crédito especialmente dinámicos, aunque sí es verdad que la tabla periódica constituye una de las señas de identidad principales de la serie. La familia animada sí que ha podido dedicarle un pequeño homenaje identificando a la matriarca Simpson con el personaje principal, teniendo a su marido como un enemigo muy íntimo.

Downton Abbey

El éxito de los criados y señores británicos en Estados Unidos no ha pasado desapercibido para los creadores de los Simpson, quienes han decidido parodiar sus títulos de crédito, en los que desentrañan las costumbres a las que se somete la residencia de Evergreen Terrace como si una mansión se tratara.

Juego De Tronos

La popular serie medieval de corte fantástico de la cadena HBO, sirvió para hacer "aún más" originales a los camaleónicos títulos de crédito de la familia amarilla, dividiendo a los lugares más característicos de Springfield como si de diferentes reinos se tratasen y dejando al significativo sofá como si fuera el Gran Muro.

Y esta es la segunda vez que utilizan a Juego de Tronos para su introducción, aunque esta vez sea Homer el que vea de primera mano la crueldad de Poniente.

Los Soprano

Los Simpson no podían dejar escapar la oportunidad de parodiar a esta mítica serie de televisión que marcó un antes y un después en el panorama de las series norteamericanas, dejando ver un Springifield tan delictivo como cómico.

Mad Men

Se trata de una de las últimas series emblema que causa furor entre la crítica y el público, que nos muestra la vida de los hombre de Madison Avenue que se dedican a vender sueños. Es interesante que la referencia a Mad Men haya sido utilizada para uno de los especiales de la "Casa del Árbol del Terror". Aunque Homer no sea Don Draper también puede caer en el abismo de sus deseos y sueños como da entender este divertido homenaje.