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Skinhead-Kultur neu gelesen: Herkunft, Haltung, Missverständnisse - SHARP, 161.sharp und die Rückeroberung einer missverstandenen Subkultur...

2026-04-14T22:07:00.001+02:00

Wer heute den Begriff „Skinhead“ hört, denkt (immer noch allzu oft) reflexartig an Neonazis, Gewalt und dumpfe Parolen. Dieses Bild ist seit den 80er Jahren tief verankert – medial und gesellschaftlich. Und doch ist es, nüchtern betrachtet, nur ein geringer Teil der Wahrheit. Ein äusserst verzerrter sogar...

Denn die ursprüngliche Skinhead-Kultur hatte mit Rassismus überhaupt nichts zu tun. Im Gegenteil. Zu Beginn stellte sich die Szene in England (wo auch sonst?) völlig anders dar, als es sich heute noch in den Köpfen vieler Menschen darstellt. Leider auch in den (Hohl-) Köpfen eben jener Truppen, die selbst meinen Skinheads zu sein, und glauben, dazu müsse man auch ein Nazi sein. Von wegen...

Ursprung: Arbeiterklasse, Ska und kulturelle Vermischung

Ende der 1960er Jahre entsteht in Großbritannien eine Jugendkultur, die stark von der Arbeiterklasse geprägt ist. Weiße britische Jugendliche treffen auf die Einflüsse jamaikanischer Einwanderer – insbesondere deren Musik und Stil...

Ska, Rocksteady und früher Reggae werden zum Soundtrack einer Szene, die sich bewusst einfach, funktional und klar kleidet: Boots, hochgekrempelte Jeans, Hosenträger, Harrington-Jacken. Keine Pose, sondern Haltung...

Die frühen Skinheads sind keine Ideologen. Sie sind Teil einer urbanen Kultur, die sich aus Musik, Zugehörigkeit und sozialem Umfeld speist. Multikulturell, rau, direkt...

Der Bruch: Wie aus Subkultur ein Feindbild wurde

In den späten 1970er- und 1980er-Jahren kippt das Bild. Sowohl in England, als auch in vielen anderen Ländern beginnen rechtsextreme Gruppen gezielt, Teile der Skinhead-Szene zu unterwandern. Musik wird instrumentalisiert, Symbolik vereinnahmt, Ideologie eingeschleust. Das Ergebnis im öffentlichen Bild: eine fatale Gleichsetzung. Skinhead = Nazi...

Ein medial dankbares, aber extrem verkürztes Narrativ - Teils aus völliger Unkenntnis und Desinteresse an der Wahrheit. Teils aber auch aus boshafter Ignoranz und Effekthascherei. Besonders in den Medien. Denn parallel existieren weiterhin unpolitische und vor allem antirassistische Skinheads – nur deutlich weniger wahrnehmbar. Schlagzeilenträchtiger sind die Rechten...

SHARP: Die Rückeroberung der Szene

1987 entsteht in New York eine Gegenbewegung: SHARP – Skinheads Against Racial Prejudice. Die Idee ist so einfach wie notwendig. Die ursprüngliche Kultur zurückholen und klare Kante gegen Rassismus. Keine Grauzonen. SHARP versteht sich nicht als politische Partei oder Ideologie, sondern als kulturelle Selbstverortung. Ein Statement: Skinhead sein bedeutet nicht, rechts zu sein. Punkt.

161.sharp: Digitale Aufklärung statt Szene-Mythos

Hier setzt das Projekt 161.sharp mit ihrem Instagram-Account an. Auf Instagram wird dort genau das gemacht, was der Szene jahrzehntelang in der Breite gefehlt hat: Aufklärung. Kontext. Einordnung...

Natürlich gab es für jeden, der nur wollte oder sich für Subkultur im Allgemeinen interessierte, schon sehr lange die Möglichkeit sich ausgiebig zu informieren. Zahlreiche Bücher, Dokumentationen, Fanzines und sogar wissenschaftliche Studien belegten dies. Dennoch setzte sich, wie fast immer, in der Mehrheitsmeinung das triviale, einfache oder sensationslüsterne durch...

Und auch wenn es manchmal wie ein Kampf gegen Windmühlen erscheint, setzt genau hier die Arbeit von 161.sharp an. Die Inhalte sind bewusst klar positioniert:

antirassistisch - antifaschistisch - unabhängig

Dabei geht es nicht um nostalgische Verklärung, sondern um eine persönliche und gleichzeitig historische Perspektive auf die Skinhead-Kultur, die auch nicht isoliert dasteht, sondern viele Verknüpfungspunkte zu anderen Subkulturen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts hat, die vor den Skins da waren, nebenher existierten oder ihnen entsprangen. Zu nennen waren hier beispielsweise Mods, Rudeboys, Suedeheads, Punks oder Casuals...

Statt plakativer Parolen liefert der Account visuelle Codes der Szene, historische Rückblicke, musikalische Referenzen und eine klare Abgrenzung gegenüber rechten Strömungen und sogenannten Boneheads...

Besonders relevant ist der konsequente Verzicht auf Relativierung. Keine „beide Seiten“-Rhetorik. Keine Verwässerung.

Das ist in einer Szene, die lange unter diffusen Zuschreibungen gelitten hat, bemerkenswert präzise...

Musik als DNA: Ska, Reggae, Soul, Punkrock und Oi!

Wer Skinhead-Kultur verstehen will, muss ihre Musik verstehen. Ska und Rocksteady sind nicht nur Genres – sie sind Ursprung. Importiert aus Jamaika (Stichwort: Windrush), adaptiert in britischen Arbeitervierteln. Später ergänzt durch Oi! und Punk, die den raueren, direkteren Ton der Straße aufnehmen. Diese musikalische Entwicklung ist entscheidend.

Sie zeigt, wie stark die Szene ursprünglich von schwarzer Kultur beeinflusst war und heute immer noch ist. Ein definitiver Widerspruch zu jedem rassistischen Narrativ, was spätestens jetzt jedem einleuchten sollte...

Mode als Code – nicht als Ideologie

Die klassische Skinhead-Ästhetik wird häufig missverstanden. Glatze, Boots, Hosenträger – das wirkt nach außen hart, fast militant. Tatsächlich ist es funktionale Arbeiterkleidung. Robust, praktisch, identitätsstiftend. Das Problem dabei - Symbole lassen sich leicht kapern. Was ursprünglich Ausdruck von Zugehörigkeit war, wurde später politisch aufgeladen. Bis heute wirkt diese Überlagerung nach...

Zwischen Klischee und Realität

Die Skinhead-Subkultur ist kein monolithischer Block. Sie war es nie.

Es gibt unpolitische „Trad Skins“, antirassistische Gruppen wie SHARP, explizit linke Gruppierungen und leider noch immer rechte Strömungen, die aber im Spektrum der Skinheads nicht als Teil der Szene gelten. Wer alles über einen Kamm schert, macht es sich zu einfach – und reproduziert genau das Missverständnis, das Projekte wie 161.sharp aufzubrechen versuchen...

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Fazit: Differenzierung statt Reflex

Festzuhalten bleibt: Skinheads sind keine Nazis. Ein gewisser lauter Teil war und ist es (ihrer eigenen Einschätzung nach). Der sichtbarste oft. Aber nicht der Ursprung – und erst recht nicht die ganze Geschichte.

Die eigentliche Leistung von SHARP und Plattformen wie 161.sharp liegt darin, diese Differenz wieder sichtbar zu machen. Nicht durch Lautstärke, sondern durch Kontext. Nicht durch Abgrenzung allein, sondern durch Aufklärung. Und genau das ist heute nötiger denn je...

Dieser Artikel versteht sich als gemeinsamer Beitrag von 33rpmPVC.de und dem 161.sharp-Projekt – als Versuch, eine der ältesten, traditionsreichsten, aber eben sehr oft verzerrte Sub- und Jugendkultur differenziert, fundiert und aus erster Hand neu einzuordnen und ihren originären Charakter wieder in der Vordergrund zu stellen...

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Im Anschluss folgt ein Gespräch zwischen 33rpmPVC.de und @161.sharp, das die zuvor skizzierten historischen und kulturellen Aspekte aus persönlicher Perspektive vertieft – direkt, ungefiltert und mit dem Anspruch, Klischees durch Einordnung zu ersetzen.

1. Wer steckt hinter dem Projekt 161.sharp Instagram Account?

161.sharp ist ein unabhängiges Szeneprojekt mit klarer Identität. Dahinter stehen Leute aus der Kultur, die Aufklärung, Community und starke Inhalte verbinden wollen.“

2. Was war der konkrete Auslöser, diesen Account zu starten?

Der Auslöser war ein Mix aus jahrelanger Frustration über das Klischee und einem konkreten Impuls durch Marcants (der Youtuber) Arbeit. Selbst in aufklärendem Kontext wird Skinhead oft automatisch mit Nazis verknüpft. Irgendwann war klar: Reden reicht nicht, ich mache selbst etwas.

3. Wie sehen deine/eure eigenen Szene-Erfahrungen aus?

Unsere Erfahrungen sind wie in vielen Subkulturen gemischt: starke Gemeinschaft, Loyalität, Musik, Freundschaften und prägende Momente, aber auch Ego, Grabenkämpfe, Dogmatismus und Missverständnisse. Gerade deshalb braucht es reflektierte Stimmen.

4. Gab oder gibt es Widerstände am Projekt aus der Szene selbst?

Natürlich. Sobald man sichtbar wird, Haltung zeigt oder Themen anspricht, gibt es Zustimmung und Widerstand. Manche wollen reine Nostalgie, andere keine politische Klarheit, wieder andere lehnen Social Media oder moderne Werkzeuge grundsätzlich ab. Das ist normal.

5. Warum hält sich aus eurer Sicht dieses Klischee Skin=Nazi bis heute so hartnäckig?

Weil extreme Bilder sich stärker einprägen als differenzierte Realität. Medienberichte über Gewalt, rechte Gruppen und Schlagzeilen waren über Jahrzehnte sichtbarer als die eigentliche Kulturgeschichte. Viele kennen das Wort Skinhead, aber nicht dessen Entstehung. Ein Klischee lebt davon, dass es einfach ist. Realität ist komplizierter.

6. Gibt es, besser gab es Eigenverantwortung der Szene an diesem Image?

Schuld komplett nach außen zu schieben wäre zu einfach.

7. Was bedeutet SHARP heute – jenseits der reinen Abkürzung?

Ist SHARP eher kulturelle Haltung oder politische Position? Gibt es Unterschiede zwischen USA und Europa?

Meiner Meinung nach ist SHARP heute mehr als eine Abkürzung. Es steht für die Rückbesinnung auf die multikulturellen Wurzeln der Skinhead-Kultur und für klare Ablehnung von Rassismus. Das ist kulturelle Haltung mit politischen Konsequenzen.

In den USA entstand SHARP stark als direkte Gegenreaktion auf rassistische Vereinnahmung. In Europa ist es oft stärker mit Szeneidentität, Geschichtsbewusstsein und antifaschistischer Praxis verwoben.

Ob man es Kultur oder Politik nennt, ist zweitrangig. Entscheidend ist, wie man handelt.

8. Gibt es heute noch Konflikte mit anderen Skinhead-Strömungen?

Ja, Unterschiede und Spannungen gibt es weiterhin. Heute verlaufen viele Konflikte aber weniger körperlich als früher, sondern eher auf ideologischer und kultureller Ebene. Die zentrale Frage bleibt, ob man die historischen Wurzeln der Skinhead-Kultur respektiert oder für menschenfeindliche Inhalte missbraucht.

9. Was ist der Anspruch hinter euren Inhalten? Wen wollt ihr konkret erreichen – Szene oder Außenstehende?

Wenn wir nur intern reden, bleiben Klischees bestehen. Wenn wir nur nach außen reden, fehlt Substanz.

10. Ihr positioniert euch klar antirassistisch und antifaschistisch – warum ist diese Klarheit notwendig?

Gibt es aus eurer Sicht überhaupt „unpolitische“ Skinheads?

Eine klare antirassistische und antifaschistische Haltung ist notwendig, weil die Skinhead-Kultur ursprünglich multikulturell entstanden ist. Wer Rassismus toleriert, verrät ihre Wurzeln. Sich „unpolitisch“ zu nennen ist trügerisch, denn Schweigen gegenüber Menschenfeindlichkeit ist selbst eine Position. Neutralität wirkt bequem, schützt aber nicht die Opfer, sondern oft die Täter.

11. Wie hat sich die Skinhead-Szene in den letzten 20–30 Jahren verändert? Was läuft heute besser – und was schlechter?

Heute kommt man leichter an Wissen und Kontakte. Gleichzeitig besteht die Gefahr, dass Stil wichtiger wird als Inhalt.

12. Was möchtet ihr Menschen sagen, die nur das Klischee kennen?

Was ist euch persönlich wichtiger: Szene intern wirken oder nach außen aufklären? Wo seht ihr 161.sharp oder SHARP allgemein in den nächsten Jahren?

Wer nur das Klischee kennt, sollte genauer hinschauen. Keine Subkultur lässt sich auf Schlagzeilen reduzieren.

Beides gehört zusammen. Wir sehen 161.sharp als dokumentierende, verbindende und aufklärende Plattform. Wenn wir Menschen erreichen und gleichzeitig Geschichte bewahren, ist viel gewonnen.

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Danke an @161.sharp für das gute Gespräch und die gute Zusammenarbeit bei der Erstellung des Artikels. Um weitere Einblicke und Infos zu erhalten, kann man nur empfehlen, sich den Instagram-Account von 161.sharp anszuschauen und zu abonnieren, denn dort gibt es reichlich weitere Informationen zu Szene, Politik und Kultur...

Der Blog 33rpmPVC.de hat ja mit dem langjährigen Leitspruch "addicted to music, vinyl and subculture..." begonnen. Und auch wenn es in den letzten Jahren vermehrt um Musik ging und weiterhin geht, möchten wir uns in Zukunft hier auch mal wieder stärker den vielen Subkulturen und Jugenkulturen widmen und dabei vielleicht auch mit einigen Klischees aufräumen. Ich denke das war dahingehend ein guter Restart...

[mkl]

Reakwon - The Emperor's New Clothes [2025 – USA, Canada & Europe - Vinyl, Deluxe Edition, Stereo Red, Yellow, & Black Mix (Ocean Cranfire), MSAP180VAR]

2026-04-07T14:55:00.001+02:00

Raekwon bleibt auch Jahrzehnte nach seinem prägenden Beitrag zu Wu-Tang Clan eine der stilprägenden Stimmen des East Coast Hip-Hop – ein Erzähler, der Straßenpoesie mit cineastischer Detailtiefe verbindet. The Emperor’s New Clothes fügt sich dabei weniger als radikale Neuerfindung, sondern vielmehr als selbstbewusste Fortschreibung seiner etablierten Ästhetik in seine Diskografie ein...

Das Album wirkt wie ein bewusst entschlacktes Statement. Die Produktionen sind dicht, aber nie überladen – warme, samplegetriebene Loops treffen auf reduzierte Drum-Arrangements, die Raum für Raekwons markante Delivery lassen. Inhaltlich bewegt er sich weiterhin souverän zwischen reflektierter Rückschau und klassischem Street-Narrativ, allerdings mit einer spürbaren Gelassenheit, die weniger auf Konfrontation als auf Autorität setzt. Im Vergleich zu früheren Arbeiten fehlt bewusst die rohe Dringlichkeit etwa eines Only Built 4 Cuban Linx…, dafür gewinnt das Album an Reife und Kohärenz. Es ist kein lautes Werk, sondern eines, das sich mit jedem Durchlauf tiefer verankert...

Die Vinyl-Edition unterstreicht diesen Eindruck. Die farbige Pressung im „Ocean Cranfire“-Mix ist visuell ein echtes Highlight und bewegt sich klar im Sammlersegment. Die Pressqualität zeigt sich sauber und ruhig – kaum Nebengeräusche, stabile Dynamik. Klanglich überzeugt die Platte mit einem angenehm warmen, leicht komprimierten Charakter, der insbesondere den Mittenbereich betont und Raekwons Stimme präsent, aber nie aufdringlich wirken lässt. Artwork und Obi runden das Paket stimmig ab und verleihen der Veröffentlichung eine gewisse Wertigkeit, die über reine Nostalgie hinausgeht...

Unterm Strich ist "The Emperor’s New Clothes" kein Album, das sich auf den ersten Blick aufdrängt. Es verlangt Aufmerksamkeit – und belohnt diese mit einem durchdachten, souverän produzierten Gesamtwerk, das weniger auf Innovation als auf Beständigkeit setzt. Gerade auf Vinyl entfaltet es dabei eine Ruhe und Tiefe, die im digitalen Kontext schnell verloren gehen kann...

Links:

https://massappeal.com

https://raekwon.com

Younge(r) than ever: Adrian Younge - Younge [VÖ: 17.04.2026 - Linear Labs]

2026-04-06T15:41:00.001+02:00

Mit "Younge" haut Adrian Younge ein Album raus, das sich konsequent seiner eigenen Form von musikalischen Denken verpflichtet – und gerade darin eine bemerkenswerte Stringenz entwickelt. Wer Younge kennt, weiß, dass hier keine glatten, digitalen Jazz- oder Funkproduktionen zu erwarten sind. Stattdessen entfaltet sich ein dichtes, analog gedachtes und orchestrales Klangbild, das tief in den Traditionen von eklektischem Jazz, Psychedelic Soul und cineastischem Funk verwurzelt ist und durch die Klammern der mittlerweile über 50-jahrigen Remix-Kultur und Methodik des Hip-Hop verknüpft wurde. Die Arrangements wirken dabei aber bis ins Detail perfekt koordiniert und komponiert...

Was Younge besonders auszeichnet, ist die Art und Weise, wie Komposition und Produktion ineinandergreifen. Streicherflächen, Orgeln, trockene Drumgrooves und warme Basslinien verschmelzen zu einem Sound, der weniger auf einzelne Songs als auf ein übergeordnetes Stimmungsbild abzielt. Younge arbeitet dabei mit Wiederholung und Reduktion, lässt Motive kreisen und sich langsam verdichten. Das erinnert stellenweise eher an Filmmusik als an klassische Albumdramaturgie – ein Ansatz, der dem Werk eine fast hypnotische Qualität verleiht...

Auffällig ist auch die Konsequenz, mit der auf moderne Produktionsstandards verzichtet wird. Keine überkomprimierten Mixe, keine digitalen Glättungen – stattdessen Bandrauschen, Dynamik und eine greifbare Räumlichkeit. Das ist kein nostalgischer Selbstzweck, sondern Teil eines klar formulierten künstlerischen Anspruchs. Authentizität durch Analogie. Gerade in einer Zeit, in der vieles beliebig reproduzierbar wirkt, setzt Younge auf eine Ästhetik, die Haltung zeigt und uns bei 33rpmPVC.de immer wieder abholt...

Adrian Younge selbst hat sich über die Jahre als eine der eigenständigsten Figuren im zeitgenössischen Jazz-, Soul- und Funkkosmos etabliert. Ursprünglich als Filmkomponist gestartet, machte er früh mit seinem Faible für analoge Produktionsweisen auf sich aufmerksam. Projekte wie seine Arbeiten für Film und Fernsehen sowie Kollaborationen mit internationalen Künstlern (Stichwort: Jazz Is Dead) haben ihn zu einem gefragten Klangarchitekten gemacht, der bewusst gegen den digitalen Mainstream arbeitet und dabei eine unverwechselbare Handschrift entwickelt hat...

Das Album erscheint auf Linear Labs, Younges eigenem Label, das sich ganz der analogen Aufnahmephilosophie verschrieben hat. Linear Labs fungiert dabei nicht nur als Veröffentlichungsplattform, sondern als künstlerisches Gesamtkonzept: aufgenommen wird mit Vintage-Equipment, oft komplett analog, mit dem Ziel, den Klang vergangener Dekaden nicht zu imitieren, sondern neu zu interpretieren. Und das ist ihm hier außerordentlich gut gelungen...

Weitere Informationen: Linear Labs Offizielle Website

Zwischen Rille und Realität: Defekte Nadel, perfekter Service – Ein Erfahrungsbericht mit Mr. Stylus

2026-04-04T17:02:00.000+02:00

Es gibt diese Momente im Vinyl-Alltag, die jeder kennt: Man merkt, dass die Nadel langsam nachlässt, die Höhen verlieren an Kontur, die Dynamik wirkt gebremst – Zeit für Ersatz. Genau so ein Punkt war bei meinem Pro-Ject Debut Esprit Anfang des Jahres erreicht. Der ursprüngliche Nadeleinschub meines Vinyl Master Red hatte hörbar abgebaut, also musste ein neuer her. Die Wahl fiel – wie schon mehrfach zuvor – auf den Augsburger Online-Shop Mr. Stylus...

Da die klassische VM-Red-Nadel inzwischen nicht mehr verfügbar ist, wurde mir die baugleiche Ortofon MK520 geliefert. Technisch entspricht sie dem Niveau eines 2M Blue – also elliptischer Schliff, solide Auflösung und ein klarer Schritt über die Einstiegsklasse hinaus. Erwartungsgemäß also ein Upgrade gegenüber dem ursprünglich montierten Vinyl Master White (vergleichbar mit 2M Red / MK510)...

Der Einbau selbst ist beim Ortofon-System unkompliziert – Einschub wechseln, Auflagekraft prüfen, fertig. Doch was dann folgte, war zunächst ernüchternd: Bereits nach wenigen Sekunden machte sich ein deutliches „Plockern“ bemerkbar. Schnell wurde klar, dass etwas nicht stimmte – der Tonabnehmer lag nahezu auf der Platte auf. Trotz erneuter Justage, exakter Auflagekraft und Referenzplatte blieb das Problem bestehen. Die Ursache ließ sich schließlich eingrenzen: Der Nadelträger war zwar äußerlich intakt, saß jedoch zu weich in der Lagerung und konnte keinen ausreichenden Widerstand aufbauen – ein klassischer Defekt im Einschub...

An dieser Stelle trennt sich erfahrungsgemäß die Spreu vom Weizen, was Händler angeht. Also Kontaktaufnahme per Mail mit Mr. Stylus. Die Reaktion kam noch am selben Tag: freundlich, strukturiert und mit genau den richtigen Rückfragen, inklusive Bitte um ein Foto zur Schadensbeurteilung. Kein Standard-Textbaustein, sondern echte Kommunikation. Nach Übermittlung der Bilder folgte bereits am nächsten Tag die Bestätigung – und der Ersatz war umgehend per DHL auf dem Weg...

Am Ostersamstag lag die neue Nadel im Briefkasten. Eingesetzt, justiert – und diesmal: genau das, was man erwartet. Saubere Abtastung, stabile Wiedergabe, kein Durchsacken, kein Nebengeräusch. So, wie es sein soll...

Was hier besonders heraussticht, ist nicht nur die Geschwindigkeit, sondern die Selbstverständlichkeit, mit der der Service abgewickelt wurde. Kein Hinhalten, keine Diskussionen, kein bürokratisches Theater. Stattdessen ein lösungsorientierter, freundlicher Austausch mit dem Betreiber persönlich – genau die Art von Kundenservice, die man sich gerade in einer spezialisierten Nische wie Vinyl wünscht, aber längst nicht überall bekommt...

Für mich ist das ein klarer Punkt. Wer regelmäßig mit Tonabnehmern und Nadeln arbeitet, weiß, dass es immer wieder zu Fertigungstoleranzen oder Defekten kommen kann. Entscheidend ist dann nicht der Fehler selbst, sondern wie damit umgegangen wird. Und genau hier liefert Mr. Stylus auf einem Niveau, das man guten Gewissens weiterempfehlen kann...

Unterm Strich bleibt ein sehr positives Gesamtbild: schnelle Lieferung, faire Preise, Originalware – und vor allem ein Service, der diesen Namen auch verdient. Für Vinylhörer, die Wert auf Verlässlichkeit legen, ist Mr. Stylus damit definitiv eine Adresse, die man auf dem Schirm haben sollte...

MrStylus – Ihre freundlichen Experten für Phono- & Audio-Zubehör!

Tiwayo - Outsider [VÖ: 10.04.2026 |Record Kicks | Vinyl/CD/Digital]

2026-04-03T16:42:00.000+02:00

Mit "Outsider" erscheint ein frisches neues Album von Tiwayo, einem französischen Songwriter, der musikalisch im Spannungsfeld von Soul, Gospel, Jazz und Folk zuhause ist und mittlerweile durchaus auf einige Erfahrung und Veröffentlichungen verweisen kann. An mir persönlich ist das leider völlig vorbeigegangen. Umso überraschender nun, als ich mir das neue Album zum ersten Mal angehört habe, das hier alles andere als ein Newcomer am Werk ist. Schon nach wenigen Takten wird klar, dass hier kein Retro-Revival im engeren Sinne stattfindet, sondern eine sehr persönliche Auslegung von Soul, Blues und Gospel. Verantwortlich für den klanglichen Rahmen ist Adrian Quesada, bekannt durch seine Band Black Pumas, dessen Handschrift sich subtil, aber prägend durch das gesamte Album zieht...

Die Produktion setzt auf warme Analogästhetik, zurückgenommene Arrangements und ein feines Gespür für Dynamik. Statt opulenter Bläsersektionen oder überladener Orchestrierung dominieren hier gezielt eingesetzte Gitarren, trockene Drums und eine organische Rhythmusführung. Das schafft Raum – vor allem für Tiwayos Stimme. Und genau dort liegt der Kern von Outsider. Ein Gesang, der gleichermaßen verletzlich wie bestimmt wirkt, der Gospel-Pathos andeutet, ohne ins Pathetische zu kippen, und Blues-Elemente integriert, ohne klischeehaft zu werden...

Inhaltlich kreist das Album um Themen wie Identität, Zugehörigkeit und Selbstverortung – der Titel ist dabei programmatisch. Tiwayo inszeniert sich nicht als klassischer Crooner, sondern als Beobachter, als jemand, der zwischen kulturellen und musikalischen Polen steht. Diese Haltung überträgt sich auch auf die Musik: Viele Stücke entwickeln sich aus scheinbar einfachen Motiven, gewinnen aber durch kleine Verschiebungen in Arrangement und Intensität an Tiefe. Es ist ein Album, das nicht sofort alles preisgibt, sondern seine Wirkung schrittweise entfaltet...

Besonders auffällig ist, wie konsequent Quesada die Balance hält. Die Produktion bleibt stets im Dienst der Songs, nie Selbstzweck. Wo andere moderne Soul-Produktionen oft auf maximale Dichte setzen, entscheidet man sich hier für Reduktion. Das verleiht Outsider eine zeitlose Qualität, die eher an klassische Aufnahmen erinnert, ohne nostalgisch zu wirken. Passt aber wiederum dadurch auch perfekt zum Label Record Kicks...

Record Kicks hat sich in den letzten Jahren als verlässliche Adresse für modernen Soul und Funk etabliert, und Outsider fügt sich nahtlos in dieses Profil ein. Tiwayo selbst, in Paris geboren und musikalisch stark von US-amerikanischen Traditionen geprägt, bringt dabei eine Perspektive ein, die dem Genre gut tut.

Gerade in seiner Zurückhaltung entfaltet die Scheibe eine nachhaltige Wirkung – und bestätigt einmal mehr, dass moderner Soul dann am stärksten ist, wenn er sich nicht an Formeln klammert, sondern Haltung zeigt...

Bandcamp

Totally Expressiv: Selah Sue And The Gallands - Movin' || VÖ: 20.03.2026, Because Music

2026-03-28T11:07:00.000+01:00

Mit Movin’ liefern Selah Sue & The Garlands ein Album ab, das sich spürbar aus dem Bauch heraus entwickelt – roh, direkt und gleichzeitig erstaunlich präzise in seiner Wirkung. Die Belgierin, die seit ihrem Debüt für eine sehr eigene Mischung aus Soul, Pop und einer lmehr als nur leichten Indie-Kante steht, geht hier einen Schritt weiter: nichts unnötig glattpoliert, dafür mit mehr Kante. Schon die ersten Tracks machen klar, dass es hier nicht um nostalgischen Retro-Soul geht, sondern um eine moderne, selbstbewusste Interpretation, die sich auch rockigen Momenten nicht verschließt. Gerade diese Reibung macht den Reiz aus – mal volle Fahrt voraus, mal zurückgenommen...

Die Arrangements wirken kompakter als auf früheren Veröffentlichungen, fast bandorientiert gedacht, was dem Album eine spürbare Live-Energie verleiht. Gitarren bekommen mehr Raum, die Rhythmussektion arbeitet erdiger, und darüber legt sich Selah Sues Stimme, die nach wie vor ihr stärkstes Instrument bleibt - rau in den richtigen Momenten, verletzlich, wenn es darauf ankommt. Inhaltlich bewegt sich Movin’ zwischen Selbstbehauptung und innerer Unruhe, ohne dabei in Pathos abzurutschen. Es ist genau diese Balance, die das Album trägt – eingängig genug, um hängen zu bleiben und mit ausreichend Tiefe, um auch beim wiederholten Hören neue Facetten freizulegen. Auf Vinyl funktioniert das besonders gut, weil die Dynamik der Band noch unmittelbarer zur Geltung kommt...

Veröffentlicht wird das Ganze über Because Music, ein Label, das seit Jahren für stilistisch offene Produktionen zwischen Pop, Indie und anspruchsvollem Mainstream steht. Movin’ passt perfekt in dieses Profil: zugänglich, aber nicht austauschbar. Selah Sue beweist hier erneut, dass sie sich nicht auf vergangenen Erfolgen ausruht, sondern ihren Sound konsequent weiterentwickelt. Das Ergebnis ist ein Album, das durch Haltung, durch Songwriting und durch eine unverwechselbare Stimme vollends überzeugen kann...

Weitere Informationen und Hörproben: https://selahsue.com

Nubiyan Twist - Chasing Shadows [Strut Records VÖ: 20.03.2026]

2026-03-27T20:42:00.000+01:00

Mit Chasing Shadows legen Nubiyan Twist früh im Jahr 2026 die Messlatte hoch und ein Album vor, das sich einmal mehr konsequent zwischen den Stühlen bewegt – und genau daraus seine Stärke zieht. Die Londoner Formation, die sich seit Jahren als eines der spannendsten Kollektive im Spannungsfeld aus Jazz, Afrobeat, Soul und elektronischen Einflüssen etabliert hat, bleibt auch hier ihrer Linie treu: Vielschichtigkeit statt Schublade, Groove statt Dogma...

Schon nach wenigen Takten wird klar, dass Chasing Shadows ein echter Durchstarter ist. Die Arrangements sind dicht, aber nie überladen. Bläserlinien greifen organisch in polyrhythmische Strukturen, während die Rhythmusgruppe ein Fundament legt, das gleichermaßen präzise wie elastisch wirkt. Es ist dieser typische Nubiyan-Twist-Sound, der sich nicht aufdrängt, sondern entwickelt – Stück für Stück, Schicht für Schicht. Gerade auf Vinyl entfaltet sich diese Dynamik besonders eindrucksvoll. Die Wärme der Produktion unterstreicht die organischen Qualitäten der Instrumentierung...

Die Band selbst ist kein klassisches Ensemble, sondern ein Kollektiv aus Musikerinnen und Musikern mit unterschiedlichsten Hintergründen. Gegründet wurde Nubiyan Twist von Gitarrist Tom Excell, und seitdem hat sich die Gruppe zu einer festen Größe der britischen Jazz- und Global-Music-Szene entwickelt. Ihre Stärke liegt nicht nur in technischer Versiertheit, sondern vor allem in der Fähigkeit, kulturelle Einflüsse authentisch zu verweben, ohne dabei beliebig zu wirken...

Auch das Label Strut Records passt hier ins Bild. Seit Jahren steht Strut für sorgfältig kuratierte Veröffentlichungen im Bereich Soul, Funk, Jazz und globaler Sounds. Das Label hat sich einen Namen damit gemacht, sowohl Reissues als auch zeitgenössische Produktionen mit einem klaren Qualitätsanspruch zu veröffentlichen – Chasing Shadows fügt sich nahtlos in diese Tradition ein...

Inhaltlich bewegt sich das Album zwischen introspektiven Momenten und energetischen Ausbrüchen. Es geht um Bewegung, um Übergänge, um das Flüchtige – ein roter Faden, der sich subtil durch die Tracks zieht. Besonders bemerkenswert ist dabei die Balance zwischen Komplexität und Zugänglichkeit: Trotz der vielschichtigen Strukturen oder vielleicht auch gerade deswegen, beeindruckt mich das Album vom ersten Hören an extrem...

Unterm Strich ist Chasing Shadows ein Album, das jede Menge musikalischen Tiefgang bietet, trotzdem einen erhöhten Wiederhörwert (gibts das Wort überhaupt?) bietet. Für Hörerinnen und Hörer, die sich gerne zwischen Jazz, Soul und globalen Einflüssen bewegen, ist das hier mehr als nur ein weiterer Release – es ist ein durchdachtes, erwachsenes Werk mit klarer Handschrift. Braucht man - unbedingt...

Weitere Informationen und Hörproben: https://nubiyantwist.bandcamp.com/

Lee Morgan - City Lights [Tone Poet Vinyl Edition Blue Note] | VÖ:02.02.2026 (Original 1957) |

2026-03-27T15:06:00.004+01:00

Lee Morgan gehört zu den Trompetern, deren Ton man nach wenigen Takten erkennt – scharf konturiert, zugleich warm und voller Selbstverständlichkeit. „City Lights“, ursprünglich 1957 eingespielt und nun als Tone-Poet-Pressung von Blue Note neu aufgelegt, ist dabei weniger ein lautes Statement als vielmehr eine elegante, fast schon beiläufig wirkende Demonstration seiner Klasse. Dieses Album lebt nicht von Effekthascherei, sondern von Haltung, Timing und einem tiefen Verständnis für Raum...

Schon der Opener macht klar, dass hier keine überhitzte Hard-Bop-Session zu erwarten ist, sondern ein Set, das sich Zeit nimmt. Morgan phrasiert mit einer Gelassenheit, die man eher mit späteren Aufnahmen verbindet. Die Arrangements sind reduziert, aber nie karg – vielmehr entsteht eine intime Clubatmosphäre, in der jede Note Gewicht bekommt. Besonders auffällig ist das Zusammenspiel innerhalb der Band: Die Rhythmusgruppe agiert zurückhaltend, aber hochpräzise, während die Bläserlinien sich organisch entfalten. Nichts wirkt konstruiert, alles fließt...

Was „City Lights“ heute so reizvoll macht, ist genau diese Balance zwischen Jugend und Reife. Morgan war zum Zeitpunkt der Aufnahme Anfang zwanzig, klingt hier aber bereits erstaunlich abgeklärt. Seine Improvisationen sind nicht von Virtuosität um der Virtuosität willen geprägt, sondern folgen klaren melodischen Ideen. Gerade in den ruhigeren Passagen zeigt sich sein Gespür für Dynamik und Nuancen – kleine Verschiebungen im Timing, ein leichtes Anziehen der Tonhöhe, ein bewusst gesetzter Atemzug...

Die Tone-Poet-Ausgabe hebt diese Qualitäten nochmals deutlich hervor. Der Sound ist offen, detailreich und räumlich, ohne steril zu wirken. Gerade die Trompete steht plastisch im Raum, während das Schlagzeug angenehm trocken und definiert bleibt. Das ist kein audiophiler Selbstzweck, sondern unterstützt das Hörerlebnis auf sinnvolle Weise...

Lee Morgan selbst zählt zu den zentralen Figuren des Hard Bop und prägte mit seinen Arbeiten für Blue Note maßgeblich den Sound der späten fünfziger und sechziger Jahre. Blue Note wiederum steht wie kaum ein anderes Label für diese Ära des Jazz – mit einem klaren ästhetischen Anspruch, sowohl musikalisch als auch produktionstechnisch...

„City Lights“ ist vielleicht kein Album, das sofort mitreißt. Aber genau darin liegt seine Stärke: Es wächst, gewinnt mit jedem Durchlauf und entfaltet eine stille Sogwirkung. Wer sich darauf einlässt, wird mit einer Aufnahme belohnt, die weniger laut, dafür umso nachhaltiger ist...

Disco sucks? Nö! Herr Wade -Happy Blues || VÖ: 2026 – Germany, CD, Album, Limited Edition Bureau Platiruma!!! – PLA056

2026-03-22T16:13:00.001+01:00

Herr Wade dreht mittlerweile nicht mehr nur am Kabel, sondern spürbar an der Disco-Kugel – und genau darin liegt die große Stärke vom neuen Album "Happy Blues". Dieses Album verweigert sich der Beliebigkeit einer bloßen Tracklist; es entfaltet sich vielmehr als geschlossener ästhetischer Kosmos. Hier fließen Indiepop, Britpop und ein spürbarer, fast physischer Rave-Impuls so organisch ineinander, dass sie sich gegenseitig in neue Höhen treiben. Dabei ist die Verbeugung vor der Ära von Factory Records und dem Geist der Hacienda kein bloßer Nostalgie-Trip. Madchester dient hier nicht als dekorative Retro-Tapete, sondern als das massive strukturelle Fundament, auf dem diese moderne Architektur ruht...

Das hochfrequente Gespann Voss & Åleskjaer hat sich über die letzten Veröffentlichungen hörbar weiteremanzipiert und verdichtet seinen Ansatz nun zu einer Produktion, die gleichermaßen druckvoll wie detailverliebt ist. Die rhythmischen Strukturen sind teilweise überaus clubtauglich, ohne ihre Indie-DNA zu verlieren, während die Arrangements immer wieder kleine Brüche einbauen, die das Material interessant halten. Die Kompositionen verraten ein tiefes Verständnis für musikalische Dramaturgie, das weit über das bloße Songwriting hinausgeht...

Und dann sind da die Texte – bei Herr Wade ohnehin eine eigene Disziplin. Zwischen ironischer Selbstbeobachtung, kulturreferenzieller Verdichtung und latent melancholischem Unterton positioniert sich die Band souverän in der Traditionslinie deutscher Indiepoeten: Hein, von Lowtzow, Friedrichs, Spilker, Begemann. Diese Schule des klugen, nie zu offensichtlichen Diskurspops wird hier konsequent weitergeführt, ohne museal zu wirken.

Musikalisch ist Happy Blues in allen Belangen erstklassig: Indiehymnen, Dancetracks, Diskurspop – alles auf einer Scheibe und so verwoben, dass es nicht nach Konzept, sondern nach Notwendigkeit klingt. Gerade diese Selbstverständlichkeit ist es, die das Album über viele vergleichbare Produktionen hebt.

Platiruma!!! bleibt sich als Label treu und beweist erneut ein feines Gespür für eigenständige, stilistisch offene Acts. In einem Markt, der oft zwischen Nische und Algorithmus zerrieben wird, wirkt Happy Blues fast wie ein trotziges Statement für kuratierte Popmusik mit Haltung, die es immer wieder schafft, mich aufs neue zu faszinieren...

Ein Album, das sowohl im Wohnzimmer als auch im Club funktioniert – und genau dort seine nachhaltigste Wirkung entfalten würde. Man muß das Biest nur loslassen. "Frag John Travolta wie das geht..."

Link:

https://herrwade.bandcamp.com/

Ergänzend sei erwähnt, dass mit der aktuellen Veröffentlichung auch ein lange überfälliger Schritt nachgeholt wurde: Das mittlerweile beinahe schon als Klassiker zu betrachtende „Herr Wade dreht am Kabel“ ist nun endlich auf Vinyl erschienen. Ein Format, das diesem Sound zwischen analoger Wärme, clubtauglicher Direktheit und textlicher Feinzeichnung ohnehin näher liegt als jede digitale Verdichtung. Dass dieses frühe Referenzwerk jetzt physisch greifbar ist, schärft rückblickend auch den Blick auf Happy Blues – als konsequkte Weiterentwicklung eines Ansatzes, der schon damals angelegt war, heute aber deutlich breiter und souveräner ausgespielt wird. Wer tiefer in die Genese eintauchen will, findet die damalige Einordnung bei 33rpmPVC.de:

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This Is DJ’s Choice, Vol. 6 - Oonops & 2b Fuzzy [Unique Records, VÖ: 20.03.2026]

2026-03-19T21:58:00.001+01:00

Wenn man sich lange genug mit kuratierten Compilations beschäftigt, weiß man - die wirklich guten erkennt man nicht daran, dass sie möglichst viele große Namen versammeln, sondern daran, dass sie wie ein gut gespieltes DJ-Set funktionieren. Genau hier setzt „This Is DJ’s Choice, Vol. 6“, zusammengestellt von 2b Fuzzy und Oonops, an – und trifft erstaunlich präzise ins Schwarze...

Die Reihe selbst ist kein unbeschriebenes Blatt, aber mit dieser Ausgabe wird wieder mal klar, worum es ursprünglich geht – Tanzbarkeit ohne Beliebigkeit. Zwei Persönlichkeiten und äusserst kompetente Musik-Coinasseure. Zwei Handschriften, ein gemeinsamer Nenner...

Oonops übernimmt die A-Seite der Vinyl-Scheibe und eröffnet mit einer spürbaren Affinität zu warmen, organischen Grooves, die sich irgendwo zwischen Soul, Jazz-Funk und globalen Einflüssen verorten lassen. Tracks wie „Planet E.“ von Linski oder „Shoulders Of Love“ von Pat Van Dyke & Zac Colwell haben diese seltene Qualität, gleichzeitig entspannt und dennoch zwingend zu wirken. Es ist Musik, die nicht laut sein muss, um sich durchzusetzen. Kann aber auch nicht schaden...

Spannend wird es immer dann, wenn sich das Material leicht gegen die Erwartung stellt. „Disposable Art“ etwa kippt subtil in eine kantigere Richtung, während „Everybody Loves The Sunshine“ in seiner Neuinterpretation genau den schmalen Grat zwischen Hommage und Eigenständigkeit hält. Oonops beweist hier einmal mehr, dass er nicht nur selektiert, sondern dramaturgisch denkt...

Die B-Seite, verantwortet von 2b Fuzzy, fühlt sich im direkten Vergleich etwas erdiger an, vielleicht auch eine Spur cluborientierter. Dubmatix, Jembaa Groove oder die Kerbside Collection bringen mehr rhythmische Direktheit ins Spiel, ohne dabei plump zu werden. Besonders der Mo’Horizons-Remix von „Mokole“ sticht heraus – ein Track, der sich fast unmerklich aufbaut und dann doch genau im richtigen Moment zündet. „Guruji“ von Kutiman wirkt wie ein bewusst gesetzter Ruhepol, bevor es mit „Funkturm“ wieder in Richtung tanzbare Ekstase geht...

Was diese Compilation jedoch wirklich interessant macht, ist weniger die Einzeltrack-Qualität – die ist durchweg hoch –, sondern das Gesamtbild. Man hört hier zwei DJs, die nicht versuchen, sich gegenseitig zu überbieten, sondern die sich ergänzen. Das ist keine Playlist, das ist ein Dialog. Und vielleicht ist genau das der Punkt, an dem sich „DJ’s Choice“ im wahrsten Sinne des Titels von vielen anderen Reihen absetzt...

Für Sammler ist das Angebot auf Vinyl ein klares Argument, für DJs ohnehin. Die Pressung wirkt dabei nicht wie ein beiläufiges Format, sondern wie das eigentliche Zentrum des Projekts – so, wie es bei einer solchen Veröffentlichung auch sein sollte. Denn am Ende ist „This Is DJ’s Choice, Vol. 6“ keine Platte, die laut nach Aufmerksamkeit schreit. Sie funktioniert subtiler. Sie wächst mit jedem Durchlauf, offenbart ihre Stärken eher im Flow als im einzelnen Highlight. Und gerade deshalb ist sie eine dieser Veröffentlichungen, die man nicht nur einmal hört, sondern immer wieder auflegt – sei es zu Hause, im Radio oder im richtigen Moment im Club. Alles geht...

Ein kurzer Blick auf den Kontext lohnt sich dennoch: Die „DJ’s Choice“-Reihe existiert bereits seit 2008 und hat über die Jahre immer wieder gezeigt, wie ernst Unique Records das Thema Kuratierung nimmt. Statt beliebiger Label-Sampler setzt man hier bewusst auf Persönlichkeiten wie Keb Darge, Marc Hype, Gu, DJ Suspect oder zuletzt Unique-Gründerlegende Henry Storch – Namen, die für Haltung und Geschmack stehen...

Mit Volume 6 knüpft das Label genau daran an und verlässt die Sonderrolle der Vorgänger-Ausgabe zugunsten des eigentlichen Konzepts. Unique Records bleibt damit seiner Linie treu: Soul, Funk, Jazz und globale Grooves nicht nur zu veröffentlichen, sondern in einen größeren kulturellen Zusammenhang zu stellen – und genau das hört man dieser Compilation an...

Absolute Kaufempfehlung!

Yamirah's Solar Explorers - Andromeda Galaxy (2026, Fat Banshee Records – 097469)

2026-03-06T09:15:00.001+01:00

Mit Andromeda Galaxy schicken Yamirah’s Solar Explorers ihre Hörer auf eine weitere Reise durch jene kosmischen Klangräume, in denen Spiritual Jazz, psychedelische Improvisation und afro-futuristische Klangästhetik aufeinandertreffen. Die 2026 auf Fat Banshee Records erschienene LP wirkt wie ein bewusst analog gedachtes Album – eine Platte, die ihre Wirkung vor allem dann entfaltet, wenn man sie als geschlossenes Werk von Anfang bis Ende hört...

Das Projekt bewegt sich klar im Spannungsfeld jener Tradition, die seit den späten 1960er-Jahren von Sun-Ra-inspirierten Klangexperimenten bis zu modernerem Cosmic Jazz reicht. Auch wenn hier eher die Gitarre im Vordergrund steht. Yamirah’s Solar Explorers greifen diese ästhetische Linie auf, ohne zu kopieren. Die Band verbindet offene Improvisationsräume mit repetitiven, fast tranceartigen Grooves, über denen sich Bläser, elektrische Tasteninstrumente und perkussive Strukturen schichtweise entfalten.

Gerade auf Vinyl funktioniert diese Musik besonders überzeugend. Die Pressung auf klassischem Black Vinyl transportiert eine angenehm warme, organische Klangästhetik. Bass und Schlagzeug bilden ein pulsierendes Zentrum, während darüber Bläserlinien und Synthesizerflächen wie Sternenbahnen durch den Raum ziehen. Die Produktion bleibt dabei sehr lebendig. Ein Ensembles, das sich hörbar im Moment der Aufnahme entfaltet und kollektive Energie ausstrahlt...

Das junge deutsche Label Fat Banshee Records positioniert sich mit Veröffentlichungen wie dieser zunehmend als spannende Adresse für zeitgenössische Jazzproduktionen jenseits akademischer Glätte. Auch Andromeda Galaxy passt perfekt in dieses Profil: experimentierfreudig, atmosphärisch dicht und mit klarer Liebe zur physischen Vinylkultur.

Unterm Strich ist das Album eine klangliche Expedition – ein hypnotischer Flug durch kosmischen Jazz, der seine volle Wirkung erst beim konzentrierten Hören entfaltet...

Weitere Infos:
https://fatbanshee.bandcamp.com
https://fatbanshee.com

Tracklist (LP):
A1 Andromeda Galaxy
A2 Solar Winds
A3 Orbital Echoes
B1 Cosmic Expansion
B2 Nebula Dreams
B3 Return Trajectory

Ausgestorben – Planetenübergabe (VÖ: 27.02.2026, Major Label / Misitunes – ML219 / MISI043)

2026-03-04T14:14:00.001+01:00

Mit Planetenübergabe veröffentlichen Ausgestorben 2026 ein Album, das sich nahtlos in die lange Tradition eigenständiger deutschsprachiger Punk- und Postpunk-Produktionen einfügt. Dass die Platte auf dem großartigen Major Label erscheint – einer Institution der deutschen Underground-Szene und seit Ende der 1990er-Jahre existent, ist natürlich kein Zufall. Das Label auf denen passenderweise auch EA80, Die Art oder Fliehende Stürme veröffentlichten, ist hierfür passend, wie die berühmte Faust aufs Auge. Musikalisch bewegt sich das Album nämlich genau in jener Grauzone zwischen klassischem Punk, düsterem Wave-Flair und politischer Gegenwartsbeobachtung, für die das Label seit Jahrzehnten steht...

Die prägende Figur hinter diesem Projekt ist der Hamburger Musiker und Texter Jens Rachut, eine der markantesten Persönlichkeiten der deutschen Punk-Szene. Seit den 1980er-Jahren hat Rachut mit Bands wie Angeschissen, Dackelblut, Oma Hans oder Maulgruppe den deutschsprachigen Underground mitgeprägt. Sein Stil ist unverwechselbar: poetisch, surreal, politisch und oft von einer lakonischen, fast dadaistischen Sprachlogik getragen. Auch bei Ausgestorben bleibt diese Handschrift sofort erkennbar. Die Texte wirken wie Momentaufnahmen einer kollabierenden Gegenwart – fragmentarisch, bissig und zugleich erstaunlich bildstark...

Musikalisch bewegt sich Planetenübergabe zwischen rauer Punk-Direktheit und einer fast postpunk-haften Kälte. Die Gitarren bleiben kantig und reduziert, während Bass und Schlagzeug stoisch vorwärtsdrängen. Darüber liegt Rachuts charakteristische Stimme: halb gesprochen, halb beschworen, immer mit einer unterschwelligen Dringlichkeit. Gerade weil die Band auf überflüssige Ausschmückungen verzichtet, entsteht eine Spannung, die sich über das gesamte Album hinweg hält...

Auf Vinyl entfaltet die Platte ihre Wirkung sehr überzeugend, auch wenn das bei einer solchen Scheibe vermutlich relativ egal ist. Die leicht körnige, bewusst unpolierte Klangästhetik passt perfekt zu der dystopischen Atmosphäre des Albums. Es klingt nach Proberaum, nach Kellerclub und nach einer Szene, die sich seit Jahrzehnten jenseits des Mainstreams behauptet.

So wird Planetenübergabe letztlich zu mehr als nur einer weiteren Punkplatte: Es ist ein weiteres Kapitel im umfangreichen Kosmos eines immer wieder totgesagten Genres – und gleichzeitig ein Album, das zeigt, wie lebendig und relevant deutschsprachiger Underground-Punk auch heute noch sein kann. Definitiv eine coole Scheibe, die einfach Bock macht...

Tracklist (Vinyl LP):

A1 PlanetenübergabeA

2 Verlorene Umlaufbahn

A3 Keine Zukunft im System

A4 Signal aus der Leere

A5 Staub der alten Welt

B1 Kollisionskurs

B2 Orbit ohne Rückkehr

B3 Maschinenherz

B4 Letzte Kolonie

B5 Ausgestorben

Weitere Infos:
https://majorlabel.shop
https://ausgestorben.bandcamp.com

First Encounter – BAM Meets Craig Handy (2025, Rhythm 'n' Flow Records – RNF 8003)

2026-03-02T21:54:00.000+01:00

Mit "First Encounter" dokumentiert das Projekt BAM Meets Craig Handy ein transatlantisches Aufeinandertreffen, das weniger als bloßes Gastspiel funktioniert, sondern als ernsthafte künstlerische Dialogform. Die 2025 in Deutschland erschienene CD auf Rhythm ’n’ Flow Records positioniert sich klar im modernen Post-Bop-Spektrum, ohne in stilistische Routine zu verfallen...

Craig Handy, seit den späten Achtzigern eine durchaus prägende Stimme am Altsaxofon – unter anderem durch Arbeiten mit Art Blakey, Herbie Hancock bekannt – steht für eine expressive, zugleich strukturbewusste Spielweise. Sein Ton ist fokussiert, kernig, mit jener Mischung aus Bluesfundament und urbaner Elastizität, die seine Linien sofort identifizierbar macht. Im Zusammenspiel mit BAM entsteht jedoch kein klassisches „Frontmann mit Rhythmusgruppe“-Gefüge, sondern ein gleichberechtigtes Geflecht aus Impuls und Reaktion...

BAM agiert mit hörbarer kollektiver Disziplin. Das rhythmische Fundament bleibt flexibel, die Harmonik offen genug, um Handys improvisatorische Exkurse nicht einzuengen. Die Arrangements setzen auf klare thematische Konturen, die in den Solopassagen dekonstruiert und neu zusammengesetzt werden. Dabei fällt auf, wie organisch Spannungsbögen aufgebaut werden: Dynamik entsteht weniger durch Lautstärke als vielmehr durch Verdichtung...

Klanglich überzeugt die leider nur als CD-Produktion vorliegende Scheibe mit Transparenz und räumlicher Staffelung. Das Saxofon steht präsent im Stereobild, ohne die Ensemblebalance zu dominieren; Schlagzeug und Bass behalten Definition, selbst in dichteren Passagen. Die Feinzeichnung der Beckenarbeit und die Artikulation der Bläserphrasen kommt detailreich zur Geltung...

First Encounter ist kein spektakuläres Effektalbum, sondern ein konzentriertes, handwerklich starkes Jazzstatement. Wer an zeitgenössischem Mainstream-Jazz interessiert ist, der Tradition respektiert und dennoch dialogisch denkt, findet hier eine Veröffentlichung, die Substanz über Pose stellt – und gerade dadurch nachhaltig wirkt. Definitiv eine Empfehlung...

Vadim Neselovskyi – Perseverantia (2026, Tzadik – TZ 4060)

2026-03-01T12:15:00.000+01:00

Mit Perseverantia legt Vadim Neselovskyi 2026 ein Album vor, das sich kompromisslos zwischen zeitgenössischem Jazz, klassischer Formstrenge und improvisatorischer Offenheit bewegt. Veröffentlicht wurde es in den USA auf Tzadik (TZ 4060), produziert von John Zorn – eine Konstellation, die Erwartungen weckt und sie zugleich unterläuft...

Neselovskyi, in der Ukraine geboren und international vor allem durch seine Arbeit mit Gary Burton bekannt geworden, hat sich in den letzten Jahren als eigenständiger Komponist und Pianist profiliert, der narrative Konzepte mit pianistischem Tiefgang verbindet. Seine Musik ist strukturell durchdacht, oft kammermusikalisch präzise, ohne die emotionale Direktheit zu verlieren. Perseverantia knüpft an diese Linie an, wirkt jedoch konzentrierter, beinahe asketisch im Zugriff: Themen werden nicht ausgestellt, sondern entwickelt; Motive erscheinen, brechen auf, werden transformiert...

Dass das Album auf Tzadik erscheint, ist mehr als eine formale Randnotiz. Das von John Zorn gegründete New Yorker Label steht seit Jahrzehnten für avancierte, oft grenzüberschreitende Produktionen zwischen Jazz, Avantgarde und zeitgenössischer Komposition. Zorns kuratorischer Ansatz – künstlerische Freiheit bei klarer ästhetischer Haltung – ist hier deutlich spürbar. Die Produktion ist transparent, detailreich, ohne klangliche Effekthascherei. Gerade auf CD entfaltet sich eine bemerkenswerte Dynamikbandbreite: leise Passagen bleiben intim und greifbar, während dichter gesetzte Momente strukturell nachvollziehbar bleiben...

Insgesamt wirkt Perseverantia wie ein persönliches Statement über Beharrlichkeit – nicht pathetisch, sondern reflektiert. Neselovskyi verzichtet auf Virtuosen-Showcases und setzt stattdessen auf dramaturgische Entwicklung und klangliche Subtilität. Das Ergebnis ist ein Album, das sich nicht nebenbei konsumieren lässt, sondern Aufmerksamkeit einfordert – und belohnt. Für Hörerinnen und Hörer, die im Jazz weniger Groove als gedankliche Tiefe suchen...

The Dutch Got Soul: Michelle David & The True-Tones – Soul Woman (27. 02. 2026, Record Kicks)

2026-02-28T19:39:00.001+01:00

Wenn eine Künstlerin und ihre Band bereits einen so klaren, eigenen Sound entwickelt haben wie Michelle David & The True-Tones, dann steht bei jedem neuen Album die Frage im Raum: Wie lässt sich die musikalische Identität weiterentwickeln, ohne sie aus den Augen zu verlieren? Soul Woman, das am 27. Februar 2026 auf dem renommierten italienischen Soul-Label Record Kicks erschienen ist, beantwortet diese Frage mit der bekannt souveränen Mischung aus Rückbesinnung und persönlicher Expansion...

Michelle David, die seit frühester Kindheit im Gospel verwurzelt ist und mit Produktionen wie Brothers & Sisters (2024) bereits internationale Anerkennung erntete, hat mit den True-Tones ein Klangbild geschaffen, das gleichermaßen zeitlos und zutiefst gegenwärtig wirkt. Dieses Album fühlt sich so an, als hätte man die Nadel auf eine Scheibe gelegt, die schon immer existiert hat – und doch überrascht sie bei jedem Durchlauf neu. Die Produktion setzt bewusst auf analoge Wärme und organisches Spielgefühl, was gerade auf Vinyl seine volle Wirkung entfaltet. Jede Falte im Groove, jede Nuance von Davids Stimme und die Raumtiefe der Instrumentierung lassen sich beim Hören mit einer Präzision erleben, die nur Vinyl so unmittelbar vermitteln kann...

Im Zentrum steht Davids Stimme, deren kraftvolle, warm getönte Intonation Erinnerungen an klassische Soul-Zeitgenossen weckt, ohne in bloße Retrospektive zu verfallen. Die True-Tones, ein Ensemble aus langjährigen Mitstreitern wie Paul Willemsen (Gitarre, Bass) und Bas Bouma (Schlagzeug), schaffen ein rhythmisches Fundament, das zwischen Northern-Soul-Drive und gospelgeprägter Tiefe variiert. Der erzählerische Bogen des Albums geht weit über das rein Musikalische hinaus: Soul Woman erkundet Themen wie Selbstfindung, innere Stärke und Heilung, getragen von einer Leichtigkeit, die nicht über die dahinterliegenden Reflexionen hinwegtäuscht...

Als Vinyl-Erlebnis überzeugt das Album durch eine stimmige Seitenaufteilung und eine insgesamt ausgewogene Dynamik. Die B-Seite wirkt etwas - nennen wir es mal kontemplativer. Aber verliert kein bisschen an Intensität und belohnt das sich angesichts der tollen Songs automatisch einstellende wiederholte Abspielen, gerade auf einem Plattenspieler, mit einem tiefen Gefühl für Raum und Bandinteraktion. Insgesamt ist Soul Woman nicht nur ein weiteres Kapitel im Schaffen dieser Musiker, sondern ein Statement des tollen Labels Record Kicks, welches dem Genre des modernen Soul mit dieser Scheibe eine neue Facette hinzufügt hat. Ein Pflichtkauf für Liebhaber von Vinyl und handgemachter, emotionaler Soul-Musik...

Bandcamp & Infos:

Tracklist

1. Running

2. Soul Woman

3. Golden Sun

4. You’ll Never Know

5. Flow

6. Speak To Me

7. Pick Up The Pieces

8. When All Is Said And Done

9. Seasons

10. I Thank You

Marion Rampal – Song for Abbey (Les Rivières Souterraines, 23.01.2026)

2026-02-26T21:49:00.000+01:00

Mit "Song for Abbey" legt Marion Rampal kein klassisches Tribute-Album vor, sondern eine eigenständige, zeitgenössische Reflexion über das Vermächtnis einer der großartigsten Vokalistinnen des Jazz - Abbey Lincoln...

Rampal nähert sich der Ikone mit großer interpretatorischer Freiheit, fern von Imitation, getragen von ihrer charakteristisch klaren, zugleich verletzlichen Stimme. Das Album bewegt sich souverän zwischen Jazz, Blues und Folk, offen für Raum, Stille und erzählerische Tiefe. Die Vinyl-Ausgabe profitiert hörbar von der organischen Dynamik der Arrangements: warme Bässe, luftige Gitarren und fein austarierte Percussion entfalten sich mit angenehmer Präsenz...

Rampals Karriere, die sie seit den 1990ern zu einer der eigenständigsten Stimmen des europäischen Jazz gemacht hat, findet hier einen weiteren konsequenten Höhepunkt. Song for Abbey wirkt wie ein Dialog über Generationen hinweg – respektvoll, aber entschlossen im Jetzt verankert...

Bandcamp

Tracklist (LP): Learning How to Listen · Wholly Earth · Caged Bird · The Music Is the Magic · And It’s Supposed to Be Love · Skylark (feat. Bill Frisell) · Throw It Away · Remember the People (feat. Archie Shepp) · Mr Tambourine Man

#JazzVinyl #ContemporaryJazz #VocalJazz #AudiophilePressing #33rpmPVCde

Henri Texier – Healing Songs (Label Bleu, 23.01.2026)

2026-02-26T21:45:00.000+01:00

Henri Texier gehört seit Jahrzehnten zu den prägenden Figuren des europäischen Jazz, und "Healing Songs" wirkt wie eine bewusste Rückbesinnung auf die Kraft des klassischen Hard Bop. Mit seinem neuen Quintett verbindet Texier melodische Klarheit mit rhythmischer Erdung und einem spürbaren Sinn für kollektives Spiel. Auf der Langspielplatte entfaltet das Album eine angenehme Wärme. Der Kontrabass steht körperlich im Raum, Trompete und Piano atmen, ohne sich gegenseitig zu überlagern. Texiers langer Weg – vom jungen Sideman der 1960er bis zum eigenständigen Komponisten – klingt hier konzentriert und reif, ohne nostalgisch zu werden. Healing Songs ist kein lautes Statement, sondern ein Album der inneren Balance. Wenn auch die beiden Seiten des Albums jeweils unterschiedliche Schwerpunkte setzen, zeigt das gerade seine überzeugende Gelassenheit...

Label

Bandcamp

Tracklist (LP): Amazone Blues · Grève Révolte · Chebika Courage · Decent Revolt · Leïla · Vent Poussière · Sarajevo Blues · Samba Loca · Quand tout s’arrête

#HardBop #EuropeanJazz #VinylLovers #LabelBleu #33rpmPVCde

Daniel Zimmermann – Snapshots (Label Bleu, 23.01.2026)

2026-02-26T21:38:00.000+01:00

Mit Snapshots meldet sich Daniel Zimmermann als wacher Beobachter der Gegenwart zurück. Das Album bündelt Momentaufnahmen zwischen Jazz und Fusion, pointiert, humorvoll und mit einem feinen Gespür für gesellschaftliche Zwischentöne. Und auch wenn das Cover eher eine (sicher mit Bedacht gewählte) mittelschwere Katastrophe ist, die LP überzeugt durch Druck und Klarheit: Bläserlinien stehen präzise im Stereobild, während Rhythmusgruppe und Bass für Erdung sorgen. Zimmermanns Werdegang – stets offen für Grenzgänge und neue Kontexte – spiegelt sich in der stilistischen Vielschichtigkeit, ohne beliebig zu wirken. Snapshots lebt vom Zusammenspiel und von Kontrasten, die auf Vinyl besonders lebhaft werden...

Bandcamp ⁠

Tracklist (LP): Le mieux et le bien · Yellow Moon · Papillon · Come Home · Les maximiseurs de Pi · Notre île · My Little Sweet New Zealand Bunker · Stop This World · Indien de Paname · My Little Sweet Nz Bunker · C’est comme ça c’est la vie

#JazzFusion #ModernJazz #VinylCulture #StudioAlbum #33rpmPVCde

Bianca Stücker & Marc Benecke – Abysmal Affairs (Eyegennutz Records, 09.01.2026)

2026-02-26T21:34:00.000+01:00

"Abysmal Affairs" zeigt Bianca Stücker und Marc Benecke als eingespieltes Duo zwischen Gothic, Dark Folk und Neo-Klassik. Bekannte Songs werden hier nicht zitiert, sondern dekonstruiert und neu erzählt – reduziert, düster und von intensiver Atmosphäre getragen. Die Vinyl-EP verstärkt diesen Eindruck: analoge Texturen, archaische Instrumente und viel Raum für Resonanzen erzeugen eine fast körperliche Nähe. Beide Künstler haben sich über Jahre hinweg jenseits des Mainstreams positioniert; Abysmal Affairs wirkt wie eine logische Fortsetzung dieses kompromisslosen Weges. Ein Werk, dass sich nachhaltig festsetzt...

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V.A. – Shifty 80s (Shifty Records, 22.02.2026)

2026-02-26T18:33:00.001+01:00

Mit Shifty 80s erscheint erstmals eine umfassende Vinyl-Zusammenstellung jenes Labels, das in den 1980er-Jahren zum vielleicht wichtigsten musikalischen Sprachrohr des inneren Widerstands gegen das Apartheid-Regime wurde. Diese Compilation ist weniger Rückschau im nostalgischen Sinne als vielmehr ein historisches Dokument, das die Radikalität, Vielfalt und Dringlichkeit jener Szene hörbar macht, die sich in Johannesburg, Kapstadt und darüber hinaus formierte. Dass dieses Material heute auf Vinyl neu aufgelegt wird, ist mehr als folgerichtig: Die physische Präsenz der Platte passt zur Unmittelbarkeit und Rohheit der Aufnahmen, die oft unter prekären Bedingungen entstanden sind...

Das Besondere an Shifty 80s ist die konsequente Weigerung, sich auf ein Genre oder eine stilistische Klammer festlegen zu lassen. Stattdessen entfaltet sich über beide Seiten hinweg ein musikalisches Panorama, das Punk, Arbeiterchor, Township-Jive, Spoken Word, Folk, Rock und improvisierte Formen gleichberechtigt nebeneinanderstellt. Diese Offenheit war programmatisch: Das Label verstand sich nie als Kurator eines Sounds, sondern als Plattform für Stimmen, die etwas zu sagen hatten – unabhängig von Herkunft, Hautfarbe oder musikalischer Sozialisation. Genau das macht die Compilation auch heute noch so zwingend. Aber man sollte auch etwas Expeditionsgeist mitbringen, um die verschiedenen Sounds zu erforschen...

Chronologisch angelegt, zeichnet Seite A die frühen Jahre der unabhängigen Szene Johannesburgs nach. Die ersten Stücke markieren jenen Moment, in dem der Labelmitgründer selbst Teil dieser explosiven Umgebung wurde und Bands wie National Wake oder Corporal Punishment begannen, musikalische Energie mit politischer Klarheit zu verbinden. Diese Songs wirken auch Jahrzehnte später kompromisslos: roh aufgenommen, direkt gespielt, frei von ästhetischer Glättung. Vinyl verstärkt diesen Eindruck – Nebengeräusche, Bandrauschen und Dynamiksprünge werden nicht kaschiert, sondern Teil der Erzählung...

Zugleich öffnet sich der Blick schnell über den klassischen Bandkontext hinaus. Beiträge wie die frühen Aufnahmen der Fosatu Worker Choirs oder Stücke aus dem Umfeld kultureller Solidaritätsprojekte zeigen, wie eng Musik, Gewerkschaftsbewegung und politischer Aktivismus miteinander verwoben waren. Hier wird hörbar, dass Widerstand nicht nur laut und aggressiv sein musste, sondern auch kollektiv, ritualisiert und tief in lokalen Traditionen verwurzelt sein konnte...

Seite B erweitert das Spektrum nochmals deutlich. Spoken Word, Theatermusik und Live-Mitschnitte aus legendären Clubs wie dem Jamesons treten in den Vordergrund. Besonders eindrücklich ist der Auftritt von Mzwakhe Mbuli, dessen Stimme exemplarisch für die Verbindung von Poesie und politischem Protest steht. Ebenso wichtig sind die Beiträge von The Genuines oder Mamu Players, die zeigen, wie sehr Performance, Musik und gesellschaftlicher Kommentar ineinandergreifen konnten. Der Abschluss mit einem tanzbaren, fast euphorischen Jive-Track wirkt dabei keineswegs widersprüchlich, sondern unterstreicht, dass Lebensfreude und Widerstand keine Gegensätze waren...

Klanglich ist die LP bewusst authentisch gehalten. Man hört, dass viele Stücke ursprünglich auf einfachen Mehrspur- oder sogar Kassettenrecordern aufgenommen wurden. Menschen, die in den 70ern und 80ern ihre Musik aus dem Radio auf Tape aufgenommen haben, kennen das vermutlich noch sehr gut. Gerade auf Vinyl entfaltet das eine eigentümliche Nähe: Diese Musik will nicht gefallen, sie will gehört werden. Shifty 80s ist damit kein bequemes Höralbum, sondern eine Einladung zur Auseinandersetzung – historisch, politisch und musikalisch. Für Vinyl-Enthusiasten ebenso wie für musikgeschichtlich Interessierte ist diese Compilation ein wunderbares Zeitdokument, welches aber auch jede Menge Spaß beim hören macht...

Links:

Label Website

Bandcamp

Tracklist (LP):

A1 National Wake – International News · A2 Corporal Punishment – Brain Damage A3 Sankomota – Uhuru

A4 Kalahari Surfers – Underground

A5 Mapantsula – Pambere

A6 DTMB Chor – Hlanganani

A7 Koos – In Detention ·

B1 The Genuines – The Struggle

B2 Mamu Players – What a Lie

B3 Jennifer Ferguson – Ashley’s Song · B4 Mzwakhe Mbuli – Ignorant

B5 Mr. Mac & The Genuines – Ou Kleine Jannie

B6 The Cherry Faced Lurchers – Shot Down in the Street

B7 Winston Jive Mix Up – Frog Jive Edit

#VinylCompilation #SouthAfricanMusic #PoliticalMusic #UndergroundHistory #33rpmPVCde

"Unnormal Kein Bock Auf Nazis" - Konzertabend gegen Rechts - Werne, JUWEL Jugendzentrum - 14.02.2026

2026-02-25T20:51:00.001+01:00

Am 14. Februar 2026 wurde das Jugendzentrum JUWEL in Werne zum Schauplatz eines Konzertabends, der musikalische Qualität, politische Haltung und solidarisches Engagement überzeugend miteinander verband. Unter dem Titel „Unnormal kein Bock auf Nazis“ lud das Werner Bündnis gegen Rechts zu einem Benefizkonzert ein, das bewusst niedrigschwellig angelegt war: Einlass ab 18.30 Uhr, freier Eintritt, Spenden auf freiwilliger Basis sowie Getränke und Snacks zu ausgesprochen fairen Preisen. Ein Format, das Offenheit signalisiert und genau dadurch viele Menschen erreicht...

Die im Laufe des Abends gesammelten Spenden gehen an Hedwig e.V., einen in Eisenach ansässigen Verein für kulturelle und politische Bildungsarbeit. Hedwig e.V. engagiert sich seit Jahren für demokratische Werte, fördert kulturelle Projekte und leistet wichtige Arbeit gegen antidemokratische und menschenfeindliche Tendenzen. Allein diese Wahl des Spendenziels unterstrich den ernsthaften Anspruch der Veranstaltung, über Symbolik hinaus wirksam zu sein...

Musikalisch präsentierte sich der Abend erfreulich vielfältig. Eröffnet wurde das Konzert von Badhavior, über die in diesem Blog bereits anlässlich der flözK New Years Rock Night berichtet wurde. Aufgrund meines verspäteten Eintreffens vor Ort konnte ich den Auftritt leider nicht selbst miterleben. Da mir die Band und deren Qualität jedoch aus oben genannter Show bestens bekannt sind, ließ sich dieser Umstand zumindest verschmerzen, auch wenn es sehr schade war...

Im Anschluss betraten The Scabs die Bühne – ein noch sehr junges Punkrock-Trio, das jedoch mit erstaunlicher Selbstverständlichkeit und Durchschlagskraft überzeugte. Besonders prägend war Judith am Schlagzeug, die mit enormer Energie und Präzision die Marschrichtung vorgab. Diese war von der ersten Minute an klar definiert: „Back to 77“. Gemeinsam mit Michel am Bass und Janis an Gesang und Gitarre zündete die Band ein Set aus hervorragend gespieltem, klassischem 77er-Punkrock, das das Publikum binnen kürzester Zeit auf ihre Seite zog. Assoziationen zu The Clash, The Ruts, Vibrators, The Damned oder Chelsea stellten sich fast zwangsläufig ein, ohne dass The Scabs dabei wie eine bloße Retro-Kopie wirkten...

Bemerkenswert war die Wucht, mit der diese noch junge, lokale Band auftrat. Alles klang derart souverän und auf den Punkt, dass man sich zeitweise eher an routinierte Szene-Veteranen als an eine Nachwuchsband erinnert fühlte. Ergänzt wurde der klassische Punk-Sound durch Anleihen aus Indierock, Oi! und Postpunk, was dem Set zusätzliche Tiefe verlieh. Textlich blieb es dabei klar und unmissverständlich: Haltung statt Pose, Position statt Phrasen. „Stand your ground“ war hier keine leere Floskel, sondern gelebter Anspruch. Auch im späteren Gespräch wurde deutlich, wie ernst es die Band mit Punk als Musikform und politischem Ausdrucksmittel meint. Trotz aller Verweise auf die Ursprünge der Punkexplosion ist der Blick klar nach vorne gerichtet. Von The Scabs wird man hoffentlich noch deutlich mehr hören...

Eine ähnlich starke Begeisterung für eine junge Band hatte ich erst wenige Wochen zuvor bei der flözK New Years Rock Night erlebt, damals mit Endstelle aus Werne. Auch an diesem Abend konnten Endstelle das Publikum erneut vollständig für sich gewinnen. Bei den vier Musikern ist spürbar, dass die Chemie stimmt – eine Grundvoraussetzung für das außergewöhnlich dichte Zusammenspiel, das sie trotz ihres jungen Alters bereits auf die Bühne bringen. Die Band agiert geschlossen, konzentriert und dennoch mit der nötigen emotionalen Offenheit, die Wave- und Postpunk erst wirklich tragen...

Wie auch bei The Scabs drängt sich bei Endstelle der Eindruck auf, dass hier etwas entsteht, das über den lokalen Rahmen hinaus Bestand haben kann. In Gesprächen mit Besucherinnen und Besuchern zeigte sich schnell, dass beide Bands an diesem Abend zahlreiche neue Fans gewonnen haben. Es war einer dieser seltenen Konzertabende, nach denen man mit dem Gefühl nach Hause geht, Zeuge eines frühen, aber wichtigen Kapitels mehrerer Bandgeschichten geworden zu sein...

Den Abschluss des Abends bildeten Blank Pages. Das Trio präsentierte sich als nahezu fleischgewordenes Grunge-Revival, dessen Bühnenpräsenz und Soundästhetik unüberhörbar an Nirvana erinnerten. Zwar hatten sich die Reihen im Publikum zu diesem Zeitpunkt bereits etwas gelichtet, doch tat dies der Intensität des Auftritts keinen Abbruch. Laut, kompromisslos und mit spürbarer Konsequenz spielte sich die Band durch ihr Set und verstand es, die verbliebenen Gäste bis zum letzten Ton mitzunehmen...

Das Jugendzentrum JUWEL erwies sich insgesamt als mehr als angemessener Rahmen für diesen Abend. Die Veranstalter vom Werner Bündnis gegen Rechts verstanden das Konzert ausdrücklich als offenes Angebot für alle, die Musik hören, Solidarität zeigen und ein klares Zeichen gegen Rassismus, Faschismus und menschenfeindliche Ideologien setzen wollten – einschließlich jenes übersteigerten „Nazi-onalismus“, der immer wieder versucht, sich gesellschaftlich zu normalisieren. Dieses Ansinnen wurde an diesem Abend glaubwürdig, laut und gemeinschaftlich umgesetzt. Ein Konzert, das nicht nur unterhielt, sondern wirkte – und genau deshalb jede Unterstützung verdiente...

Antidepressants – Suede (2025, Europa, BMG – LP Vinyl, Stereo)

2026-02-20T19:50:00.000+01:00

Mit "Antidepressants" haben Suede 2025 ein zugleich radikal und erstaunlich kohärent klingendes Werk in den Indie-Rock-Orbit geschossen. Die Band, ohnehin immer schon eine der im Rahmen der 90er Britpop-Welle beeindruckensten, die seit ihren Erfolgen in eben jenen Jahren und der Reformation 2013 eine bemerkenswerte zweite Karriere hingelegt hat, bewegt sich hier tief im Postpunk- und Goth-inspirierten Terrain, ohne die melodische Sensibilität zu verlieren, für die sie seit jeher stehen...

Vom ersten Rillenkontakt an legt die Pressung auf schwarzem Gold eine rohe, unmittelbare Energie frei: Gitarren schaben mit schneidender Präzision, Bass und Schlagzeug treiben die Arrangements mit einer nervösen Intelligenz voran, während Brett Andersons Stimme zwischen Drama und Verzweiflung oszilliert und brilliert wie in besten Tagen. Antidepressants ist dabei kein nostalgisches Werk. Vielmehr ein echtes Statement: Wir sind immer noch voll da! Suede loten auf diesem zehnten Studioalbum Themen wie Entfremdung, Angst und das fragmentierte Selbstbewusstsein unserer Zeit aus und verpacken sie in eine kühle, fast schon klaustrophobische Klangsprache...

In der Kontinuität zur Vorgänger-LP "Autofiction" von 2022, die eine zurückgewonnene Punkenergie kanalisiert hatte, geht diese Veröffentlichung einen Schritt weiter: die Postpunk-Elemente sind nicht bloß Zitat, sondern organischer Bestandteil des Songwritings. Die Vinyl-Edition profitiert davon enorm – sie transportiert die räumliche Tiefe und die dichten Texturen der Produktion mit echtem analogem Charme...

Trotz der thematischen Schwere bleibt das Album zugänglich und bleibt in Erinnerung: Es bietet Melodien, die sich festsetzen, und Momente, die auch im heimischen Plattenspieler zu lebendigen Erlebnissen werden. Suede sind mit Antidepressants nicht nur auf einem erneuten Höhepunkt ihrer kreativen Kraft angekommen, sondern zeigen, dass sie den Spagat zwischen künstlerischem Anspruch und emotionaler Direktheit noch immer meisterhaft beherrschen...

Klare und uneingeschränkte Empfehlung...

Mehr Infos und Hörproben

suede.co.uk

Live & (sehr) Loud: Painted Vein im Club Montreux im flözK Werne | 06.02.2026

2026-02-10T20:52:00.000+01:00

Am 06.02.2026 gastierten im Rahmen der Club Montreux-Konzertreihe im flözK Werne – und lieferten ein Konzert ab, bei dem das randvolle Haus von der ersten Minute an Teil des Geschehens war. Aufmerksam, offen und mitgehend. Für die italienisch-US-amerikanische Band aus Seattle war es der erste Deutschland-Stopp ihrer Europatournee, bevor es am nächsten Tag direkt weiter nach Berlin ging – ein Auftakt, der Maßstäbe setzte...

Live entfalten Painted Vein ihre Musik mit einer Präzision, die man im Genre nicht immer antrifft. Shoegaze-Flächen, Post-Punk-Strenge und Coldwave-Kühle greifen sauber ineinander, ohne sich gegenseitig zu verwässern. Der Sound bleibt kontrolliert, aber nie steril - laut, aber nicht verwaschen. Besonders die Dynamik zwischen treibenden Basslinien, schneidenden Gitarren und stoischem Schlagzeug sorgt für jene Spannung, die das Publikum durchgängig an den Sound band...

Die Band wirkte dabei konzentriert und zugleich sichtlich angetan von der Resonanz im Saal. Zwischen den Stücken kein überflüssiges Pathos, sondern kurze, ehrliche Interaktionen – genug, um Nähe herzustellen, ohne den Flow zu brechen. Werne zeigte sich einmal mehr als Ort, an dem internationale Acts nicht nur auftreten, sondern wirklich ankommen können...

Ein intensiver Konzertabend, der eindrucksvoll belegte, warum Painted Vein aktuell zu einer der spannendsten Namen zwischen Dark Aesthetics und moderner Gitarrenmusik zählen – und warum das flözK für solche Abende der richtige Raum ist. Ein starker Start in die Deutschland-Etappe der Tour und ein weiteres Ausrufezeichen im Live-Kalender des Club Montreux...

Pure Legends: Bad Brains - Bad Brains (Limited Edition - Banana Peel Yellow Vinyl, 2025)

2026-02-07T19:06:00.001+01:00

Kaum ein Debüt hat die tektonischen Platten von Hardcore Punk, Reggae und Afro-amerikanischer Musikkultur so nachhaltig verschoben wie Bad Brains. Ursprünglich 1982 als Kassette auf ROIR veröffentlicht, wirkt dieses Album auch mehr als vier Jahrzehnte später wie ein kontrollierter Ausnahmezustand – roh, kompromisslos und seiner Zeit dramatisch voraus. Die Edition von 2025 auf limitiertem gelben Vinyl ist daher weit mehr als bloße Nostalgiepflege. Sie erinnert daran, wie radikal modern diese Musik immer noch klingt...

Bad Brains entstanden aus der Fusion von Jazz-Fusion-geschulten Musikern und der explosiven Energie der frühen DC-Punkszene. Diese technische Überlegenheit ist auf dem Debüt allgegenwärtig: irrwitzige Tempiwechsel, messerscharfe Breaks und ein rhythmisches Verständnis, das Hardcore erstmals wirklich athletisch machte. Gleichzeitig steht H.R.s Stimme im Zentrum – ein Instrument zwischen soulgetränkter Ekstase, aggressivem Shouting und spiritueller Erhebung. Der ständige Wechsel zwischen Hochgeschwindigkeits-Punk und schwerem, dubinfiziertem Reggae wirkt bis heute irritierend schlüssig...

Gerade auf Vinyl entfaltet dieses Album eine physische Wucht, die digitale Versionen nur unvollständig transportieren können. Die 2025er Pressung überzeugt mit direktem, druckvollem Sound und ausreichend Luft in den Reggae-Passagen, ohne die Aggression der Punk-Tracks zu glätten. Das gelbe Vinyl ist dabei kein bloßer Sammler-Gag, sondern unterstreicht den ikonischen Status dieser Veröffentlichung. Man hört jeder Rille an, dass hier keine Pose verhandelt wird, sondern musikalische Überzeugung...

Bad Brains ist kein bequemes Album und will es auch nicht sein. Es ist ein Manifest, ein Schockmoment und eine Blaupause zugleich – für Hardcore, für Crossover-Denken und für künstlerische Radikalität jenseits weißer Punk-Narrative. Diese Limited Edition macht einmal mehr klar: Das hier ist kein Denkmal, sondern ein immer noch radikales Statement...

Tracklist:

1. Sailin’ On

2. Don’t Need It

3. Attitude

4. The Regulator

5. Banned in D.C.

6. Jah Calling

7. Supertouch / Shitfit

8. Leaving Babylon

9. Fearless Vampire Killers

10. I

11. Big Takeover

12. Pay to Cum

13. Right Brigade

Weitere Infos:

https://roir.bandcamp.com

Jake Mason Trio - The Modern Ark ||| VÖ: 13.02.2026 - Soul Messin' Records [Soul Jazz]

2026-02-07T17:16:00.001+01:00

Mit The Modern Ark veröffentlicht das Jake Mason Trio ein Jazz-Album, welches bewusst die Brücke zu Funk, Soul und spirituellem Jazz der 1970er schlägt. Jake Mason gehört zu jener Generation britischer Musiker, die Jazz nicht als museale Disziplin begreifen, sondern als offenes System: rhythmisch geerdet, harmonisch beweglich und stets auf Groove bedacht. Nach mehreren Projekten als Sideman und eigenen Vorarbeiten schärft das Trio hier seine kollektive Identität deutlich...

Die Musik wirkt kompakt und zielgerichtet. Anstelle ausufernder Improvisationen setzt das Trio auf klar definierte Themen, die sich organisch entfalten und immer wieder in präzise gesetzte Breaks und dynamische Steigerungen münden. Orgel und Piano fungieren nicht nur als harmonisches Rückgrat, sondern als treibende Kraft, die den Stücken einen warmen, analogen Charakter verleiht. Bass und Schlagzeug agieren hochgradig interaktiv und sorgen für jene Spannung, die The Modern Ark über die gesamte Spielzeit trägt...

Soul Messin’ Records erweist sich erneut als passendes Zuhause für eine Veröffentlichung, die stilistisch zwischen Jazzfloor, Clubkultur und klassischem Listening Album angesiedelt ist. Diese Produktion schreit förmlich nach einer Vinylausgabe, die mittlerweile auch erhältlich ist. Die erdige Klangästhetik, die deutliche Tiefenstaffelung und der Fokus auf Groove würden auf schwarzem Gold vermutlich noch unmittelbarer wirken...

The Modern Ark ist kein lautes Statement, sondern ein selbstbewusstes, reifes Album, das zeigt, wie zeitgemäß Jazz klingen kann, ohne seine Wurzeln zu verleugnen...

Weitere Informationen:
https://soulmessinrecords.bandcamp.com