3,40qm

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #159: Flotsam And Jetsam - Cuatro (1992)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 28 Mar 2026 10:20:00 +0000

FLOTSAM AND JETSAM - CUATRO

"Du brauchst mehr Menschlichkeit, Du brauchst Tiere!" (Rudi Carrell zu Harald Schmidt)

Metal wäre noch töter als er sowieso schon ist, gäbe es nicht diese außerordentlich starke Verbindung zwischen Bands und Musikern auf der einen, und ihren Fans auf der anderen Seite. Vielleicht lässt es sich tatsächlich unter der Überschrift "Loyalität" einsortieren, aber ich glaube, selbst das ist nur eine Art Symptom?! Da passiert noch mehr in den tiefer liegenden Schichten, irgendwas psychologisches, irgendeine Schwachstelle im zwischen Hirn und Herz gespannten Verteidigungsnetz, durch die der Eros der Rebellion, die Selbstidentifikation als Außenseiter, die Verlustangst und der irgendwann mal erfahrene Liebesentzug eine Projektionsfläche finden. Egal, wie oft mich Metal und Metalfans in den letzten dreißig Jahren schon an den Rand des Wahnsinns trieben, das Konservative, das Besserwisserische, die Hybris, das Aggressive, Unbedachte, Oberflächliche, Ignorante, die niemals verreckenden Klischees und all das peinliche Szene-Klimbim - ich kam nie davon los. Und irgendwann war mir auch klar, warum nicht: das ist alles ein Teil von mir und es lässt sich nicht einfach so abtrennen, rausschneiden oder weglasern.

Du bekommst den Florian aus dem Metal, aber Du bekommst den Metal nicht aus dem Florian.

Egal, wie oft ich mich über die Jahre musikalisch umorientieren sollte, egal ob sich die Türen zum Jazz, Ambient, Hip Hop, Soul, Funk oder Techno öffneten, mindestens ein halbes Bein blieb immer im Metal. Um das Jahr 2008 herum stand ich beispielsweise knietief in Freejazz und experimenteller elektronischer Musik, durchsuchte Plattenläden nach obskuren Erstpressungen von französischem Jazz, aber als ich sah, dass es mit dem zu gleichen Teilen debil wie charmant betiteltem "Thrash, Speed, Burn" eine neue LP von Exciter gibt, musste ich die ganz selbstverständlich kaufen. So ähnlich lief die Sache auch schon in den stark polarisierenden neunziger Jahren, zumindest in den noch enger gesteckten Grenzen von zeitgenössischer Rockmusik. Ich war Grunge- und Alternative-Fan, war fasziniert von den neuen, frischen Vibes, der Aufbruchstimmung und der zumindest gefühlten neuen Freiheit, aber Stopp: Grave Digger haben ihr mit kalter, abgestandener Kotze randvoll gefülltes Comebackalbum "The Reaper" am Start?! Und sie leben in einem kleinen gallischen Dorf, das sich standhaft gegen die Major-Besatzungsmacht aus Seattle stellt? So echte Außenseiter? Mauerblümchen? Mit Überzeugung gegen den Hype? Irre! Shut Up And Take My Money!

Meine Loyalität zu einer Band wie Flotsam And Jetsam scheint seit fast vierzig Jahren ebenfalls keine Grenzen zu kennen, in guten wie in schlechten Zeiten. Die Band aus Phoenix, Arizona begleitet mich seit meiner Kindheit und gehört sicherlich zu den ersten Speed und Thrash Metal Bands, die ich jemals hörte. Mein Bruder war großer Fan, und die mittlerweile im Metal-Kanon als Klassiker fest verankerten ersten beiden Alben "Doomsday For The Deceiver" (1986) und "No Place For Disgrace" (1988) fanden immer öfter den Weg von seinem Plattenspieler zu meinem. Und als später in den neunziger Jahren wirklich niemand etwas von Metal wissen wollte, wurden Konzertreisen wie jene aus dem Jahr 1997 mit Flotsam And Jetsam, Exciter und Anvil fast schon zu verschwörerischen Treffen für drei Handvoll Eingeweihter, eine echte Schicksalsgemeinschaft. Die Gleichung war in Neunzigern jedenfalls ganz einfach für mich: es gibt ein neues Album von Flotsam And Jetsam, dann kaufe ich auch das neue Album von Flotsam And Jetsam. Da hat der Tag Struktur. Bis er das zu Beginn der nuller Jahre eben nicht mehr hatte, denn Flotsam And Jetsam wurden neben anderen Bands zum Kollateralschaden meiner Emanzipation vom Heavy Metal. Zwar war ich immer noch ganz gut über neue Alben und Tourneen informiert, aber ich nahm einen Sicherheitsabstand ein. Daran hat sich bis heute, zumindest hinsichtlich ihrer neuen Platten, wenig geändert, denn die sind mit ihrer Mischung aus synthetischem True Metal-Overdrive mit übermelodischen Kinderliedrefrains ohne einen Hauch von Dynamik durch die Bank unerträglich. Live hingegen hat ihr seit Ewigkeiten gesetzter Setlist-Fokus auf ihre beiden Klassiker aus den 1980er Jahren und dem damit verbundenen Kniefall vor den Ü50-Kuttenopas, die doch bitt'schön nicht in ihrer Nostalgie-Hypnose gestört werden wollen, etwas sehr unschön Verzweifeltes. Die Band betonte in den vergangenen Jahren immer wieder, wie sehr sie es endlich mal auf das Level von Bands wie Testament oder Death Angel schaffen wollen, aber leider nimmt ihnen der Einsatz der Kitsch-Brechstange jede Lockerheit und blöderweise auch ein gutes Stück ihrer Glaubwürdigkeit.

Ich sage das in vollem Bewusstsein darüber, dass auch in den neunziger Jahren eine exzessiv geführte Glaubwürdigkeitsdebatte entbrannte. Eine durch und durch granatenbescheuerte zwar, aber immerhin wurde noch diskutiert, heute praktisch unvorstellbar. Denn wer damals in Verdacht geriet, sich der Trendreiterei schuldig zu machen, wurde ausgeschlossen. Wer in Verdacht geriet, sich mit fremden Federn zu schmücken, wurde ausgeschlossen. Wer sich dem Verdacht aussetzte, ein bisschen zu deutlich auf den Cashflow, den eigenen zumal, zu schielen, wurde ausgeschlossen. Rigoros und nachhaltig. Eine Rückkehr war zwar möglich, aber sie kostete viel Zeit, Geld und ein stets öffentlich geäußertes Bedauern über die vermeintlichen Fehlentscheidungen von früher. Man war halt "young, dumb and full of cum" (Maher), jetzt hat man aber glücklicherweise den Weg zurück in die Arme des wahren, echten, schönen Heavy Metals gefunden. Da wollen wir nochmal ein Auge zudrücken.

Nun waren Metallica spätestens ab 1986 die strahlenden Vorbilder der gesamtem Metalszene, der Gold-Standard. Was in ihrem Camp passierte, entfachte stets eine immense Sogwirkung; ihre bahnbrechenden Entscheidungen hinsichtlich ihres Sounds, ihrer Attitüde, ihres Songwritings in Verbindung mit dem so überwältigenden wie überraschenden Erfolg wurden mit kleinem zeitlichen Versatz von tausenden Metalbands über Jahre hinweg kopiert. Als Metallica mit der Veröffentlichung des schwarzen Albums 1991 endgültig den Mainstream knackten und mit kompakten Rocksongs und emotionalen Balladen zum globalen Phänomen avancierten, machte sich die Konkurrenz aus ihrer Generation für den Windschatten bereit. Testament versuchten es mit "The Ritual", Megadeth, dank Dave Mustaines pathologischer Daddy-Issues zu James Hetfield so oder so schon vorbelastet, warfen "Countdown To Extinction" in den Ring, Anthrax zogen 1993 mit "Sound Of White Noise" nach, Annihilator schüttelten ein sehr fluffiges "Set The World On Fire" aus dem Ärmel, Xentrix wollten mit "Kin" mitspielen - und Nuclear Assault erlitten mit "Something Wicked" eine völlige Bruchlandung. Und wo wir schon beim Katastrophentourismus angekommen sind, darf ich der Vollständigkeit halber mit "Force Of Habit" von Exodus die vielleicht schlimmste Kernschmelze dieses Haufens erwähnen; eine Platte, die im Kontext stilistisch etwas aus dem Rahmen fallen mag, aber immerhin mit einen ähnlichen Motivationsvektor ins Rennen ging. Für die Zusammenfassung notieren wir uns, dass nicht jeder aus der alten Riege die Fähigkeiten und den Mut hatte, um die von Metallica gepflanzten Inspirationen auch umzusetzen. Für die Szene wär's ohnehin egal gewesen, denn absolut niemand überstand diese Karrierephase unbeschadet. Sie rutschten alle ab.

Flotsam And Jetsam veröffentlichten 1992 mit "Cuatro" ihre Version des schwarzen Albums. Das ist nicht sonderlich originell, aber wie alle Labels waren auch MCA Records darauf aus, "ihre" Metallica zu finden, und ihre Investition von einer schlappen Million Dollar sollte sich gefälligst auszahlen. Also wurde nichts dem Zufall überlassen. Als Produzent wurde Neil Kernon ans Mischpult gerollt, ein Mann, der sich bis dahin in erster Linie mit Arbeiten für Hardrock/AOR Bands wie Dokken einen Namen machen konnte (eine weitere Parallele zu Metallicas Zusammenarbeit mit Bob Rock und dessen Beteiligung an Alben von Bon Jovi und Mötley Crue). Zusätzlich lagerten Flotsam And Jetsam das Schreiben der Texte an das "sechste Bandmitglied" Eric Braverman aus - und nicht nur das: MCA Records wollten außerdem mit einem Link zwischen "Cuatro" und einem Protagonisten des Seattle-Hypes protzen und ließen keinen geringeren als Chris Cornell den Text für "The Message" schreiben. Und bitte - "Guys! We need a single!"

Für meinen Geschmack war "Cuatro" nicht nur besser als die Mehrheit der erwähnten Nachzügler, sondern auch besser als das große Vorbild. Bitte den Defibrillator wieder einpacken und die Herz-OP absagen: wir müssen nicht darüber sprechen, welche Band die Welt verändern sollte (Spoiler: es waren nicht Flotsam And Jetsam). Und wir müssen auch nicht darüber sprechen, warum es damals wie heute gute Gründe dafür gibt, warum "Metallica" zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Alben aller Zeit zählt, während "Cuatro" nie über den Status eines Geheimtipps hinauskam. Knappe 35 Jahre nach der Veröffentlichung reicht es vermutlich nicht mal mehr dafür, nicht zuletzt, weil die Band ihre rockigere neunziger Periode längst dem Mob aus Kuttenadolfs geopfert hat und mithin komplett ignoriert. Dabei wissen die Kennerin und der Kenner: 90er Flotsams sind die besten Flotsams!

Die Speed- und Thrash Metal Anteile ihres früheren Sounds haben sich auf "Cuatro" bis auf einige wenige Passagen, beispielsweise im Opener "Natural Enemies" oder in "Hyperdermic Midnight Snack", nahezu vollständig in Luft aufgelöst, stattdessen fokussiert sich die Band vor allem auf einen guten Groove (sehr prominent im "Enter Sandman"-Klon "Swatting At Flies" zu hören) und facettenreiche Gitarren-Arrangements, die in der Lage waren, die melancholisch verschlungenen Melodien abzubilden. Die stärksten Momente von "Cuatro" sind folgerichtig auch jene, in denen sich das Quintett am weitesten von ihrer Vergangenheit absetzt. Wenn sich die Intensität ihres Vortrags nicht mehr eindimensional aus Geschwindigkeit und Aggression speist, sondern aus wehmütigen, eingetrübten Motiven wie in den Höhepunkten "The Message", "Cradle Me Now" und "Wading Through The Darkness", die zudem allesamt noch mit bemerkenswerten Gesangsharmonien angereichert wurden. Und natürlich müssen wir jetzt über Sänger Eric A.K. sprechen, der allerspätestens ab den frühen neunziger Jahren zu den großen Metalsängern gezählt werden muss - ich rede hier über Dio, Dickinson und Tate, zur Einordnung. Eric konnte damals ALLES am Mikrofon. Fast bin ich geneigt davon zu schreiben, dass er's selbst mit Anfang 60 noch so gut kann wie kein anderer in seiner Altersklasse, müsste dann allerdings die beim 2024er Konzert im Frankfurter Nachtleben gemachten Beobachtungen vom mutmaßlichen Einsatz technischer Hilfsmittel unter den Tisch fallen lassen. Ich kann wirklich nicht sagen, was da genau passierte, und möglicherweise irre ich mich auch, aber es erschien mir alles ein bisschen fishy. Jedenfalls: Eric war schon vor 40 Jahren ein echter Ausnahmesänger - und ganz vielleicht ist er es sogar heute noch.

Ich bin mir darüber im Klaren, sich als Ultra-Edgelord auf ganz dünnem Eis zu bewegen, wenn die im Kontext eher unbekannteren Alben aus jener für die Metalszene durchaus wichtigen Zeit über die großen Klassiker einsortiert werden. Da landet man schnell im Umfeld von Sätzen wie "Nach dem ersten Demo ging's bergab!", noch schneller bei ritualisierter Abgrenzung und überheblicher Underground-Koketterie - und wie eingangs erwähnt, wird auch dieses Päckchen gratis in den Rucksack gestopft, mit dem man fortan als Metalfan durchs Leben geht. Ich selbst kann mich davon nicht komplett freisprechen. Für mich ist "Cuatro" eines der großen Metalalben der neunziger Jahre. Ich höre eine hungrige, brennende, hochkonzentrierte Band an der Schwelle zum nächsten Entwicklungsschritt, mit einem äußerst eigenständigen Sound, einem so originellen wie hochklassigen Songwriting und einem bemerkenswerten Gespür für Atmosphäre und Zusammenhänge. Flotsam And Jetsam haben auf "Cuatro" einfach alle richtigen Entscheidungen getroffen.

Vinyl und so: "Cuatro" gibt es bislang nur in der sehr seltenen und sehr teuren Erstpressung. Das italienische Spezialistenlabel Night Of The Vinyl Dead hat kürzlich den Nachfolger "Drift" erstmals auf Vinyl veröffentlicht. Es besteht daher eventuell Hoffnung, dass im Zuge dessen auch "Cuatro" mit einem Reissue bedacht wird.

Weiterhören: "Drift" (1995), "High" (1997), "Doomsday For The Deceiver" (1986), "No Place For Disgrace" (1988)

Erschienen auf MCA Records, 1992.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #160: My Bloody Valentine - Loveless (1991)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 07 Mar 2026 13:09:00 +0000

MY BLOODY VALENTINE - LOVELESS

"Volume is an experiment, not a crutch." (Kevin Shields)

Wenn den Quatsch hier jemand ernst nehmen, oder zumindest lesen würde, dann könnte ich mich auf ein paar in meine Richtung abgefeuerte Giftpfeile gefasst machen, weil "Loveless" es nicht mal in die Top 100 geschafft hat. Ich möchte wirklich nicht in die wirklich hinterletzte Kloake hinabsteigen und über Gebühr die grundsätzliche Irrelevanz von "LiStEn" und "pLaTzIeRuNgEn" diskutieren; ich weiß freilich, dass Bestenlisten in Publikationen wie Pitchfork oder Rolling Stone in erster Linie Gefühle der Nostalgie und gleichzeitig des heiligen Zorns bei gleich ganzen Generationen von Musikfans treffen sollen, und das weiß ich, weil ich mich ebenfalls nur zu gerne davon treffen lasse. Das sind Reflexe. Und das ist ja auch ganz schön so. Wenn Pitchfork in einer ihrer 90er Bestenlisten Holes "Live Through This" über Nirvanas "Nevermind" setzen, dann ist das weniger eine mit Geodreieck, Elektronenmikroskop und Forensik fein justierte Einordnung, sondern vor allem ein Statement. Das kann man anerkennen - und trotzdem wie ein Rohrspatz darüber schimpfen. Macht Spaß. Und macht vielleicht auch nochmal ein paar neue Gedanken in der Denkmurmel. Ist mittlerweile sowieso völlig unterschätzt.

Wie ich in meinem Eröffnungsposting bereits ausführte, sollte es im besten Fall wirklich niemanden jucken, ob "Loveless" auf Platz 160, 99 oder 11 steht. Ich selbst fühle mich von Zeit zu Zeit genötigt auszuführen, dass es mir selbst manchmal ziemlich egal ist. Ich sitze hier ja auch nicht in meinem Sossenheimer Kiez herum und füttere eine Exceltabelle mit Zahlen, Daten, Fakten, um später eine mit "chirurgischer Präzision" (Dabbelju) abgefeuerte Liste in den Blog zu rollen, denn alles ist Kontext. Ziehen wir die Tangente zum eben genannten "Statement", dann gilt das eben auch für Pitchfork, wenn sie "Loveless" in ihrer aktuellen 90er Liste aus dem Jahr 2023 auf Platz 1 setzen - für den Rahmen, in dem Pitchfork operiert, also Exklusivität, Intellektualität, Individualität, gibt es kaum eine bessere Nummer 1.

Für den Rahmen, den die Redaktion von 3,40qm abgesteckt hat - Liberté, Egalité, Schwarzer Kaffé - reicht's dann eben leider nur für die 160, aber ich kann es erklären. Ich kam spät zu "Loveless", mein Erstkontakt kam erst zur Mitte der nuller Jahre zustande. Und mir fehlte der oben angesprochene Kontext, weil es eben einen Unterschied macht, ob man solche Alben als Bestandteil der Gegenwartskultur begreift oder sie sich mit dem Abstand einer späteren Generation durch einen Nebel aus neu formulierten Werten, Grenzen und Erfahrungen erarbeiten muss. Dabei ist "Loveless" aufgrund seines Status außergewöhnlich gut dokumentiert; so gut sogar, dass sich locker die Frage stellen lässt, wie spannend es im Jahr 2026 noch sein kann, dem bestehenden Kanon noch neue Gedanken hinzufügen zu wollen. Oder auch nur zu können. Denn was gesagt, geschrieben und gedacht werden musste, wurde gesagt, geschrieben und gedacht, und zwar tausende Male. Das Ding ist aber auch: die Faszination, die "Loveless" ausstrahlt, wird sich niemals kaputtreden lassen. Der Mythos überlebt uns alle.

Über zwei Jahre verbrachte Gitarrist und Sänger Kevin Shields mit der Produktion von "Loveless", und er brachte damit nicht nur seine Plattenfirma Creation Records an den Rand des Ruins, sondern sich selbst gleich mit. Und streng genommen auch die ganze Band. Was der ganze Spaß am Ende wirklich gekostet hat unterscheidet sich je nach der genutzten Informationsquelle, aber man liegt vermutlich nicht ganz arg daneben, wirft man eine Größenordnung von 350.000 Pfund in den Ring - eine für die damalige Zeit, für eine Indieband und ein Indielabel zumal, unfassbare Summe. Alan McGee, Labelchef von Creation Records, verkaufte ein Jahr nach der Veröffentlichung von "Loveless" sein Geschäft an Sony Records. Noch Fragen?

Shields verschliss in diesen zwei Jahren Studiozeit eine Unmenge von Sound Engineers. Alan Moulder war einer von ihnen, und der sagte später in einem Interview, dass die Entstehung des Albums alles andere als eine Gemeinschaftsarbeit war. Obwohl Shields sich in seinem Kopf sehr klar darüber war, wie "Loveless" zu klingen hat, sah er sich außerstande, seine Vorstellungen in Richtung der übrigen Bandmitglieder zu artikulieren. Im Ergebnis spielte Shields nahezu alle Instrumente selbst ein. Für die finalen Schlagzeugspuren verwendete er Samples von Drummer Colm Ó Cíosóig, und obwohl Gitarristin/Sängerin Bilinda Butcher als auch Bassistin Debbie Googe in den Liner Notes des Albums mit ihren Instrumenten erwähnt werden, hatten sie mit seiner Entstehung fast nichts zu tun. Fürs gute Gefühl innerhalb der Band waren das offensichtlich keine guten Rahmenbedingungen, und auch dass Shields, ähnlich wie Brian Wilson von den Beach Boys nach dessen "Pet Sounds"-Martyrium, in den kommenden Jahren allmählich seinen Verstand verlor, war nicht hilfreich. Trotz der überschwänglichen Kritiken verkaufte sich das Album zunächst nur sehr schleppend. Gleichzeitig war Shields überzeugt davon, mit "Loveless" ein derart überragendes und unübertreffliches Werk erschaffen zu haben, dass es sich gar nicht mehr lohnen würde, jemals wieder ins Studio zu gehen. Nach einer Reihe von Liveshows, die Berichten zufolge zu den lautesten aller Zeiten zählten, zerfiel die Band zur Mitte der neunziger Jahre und löste sich 1997 offiziell auf. Shields zog sich komplett zurück und verschwand für Jahre von der Bildfläche.

Zieht man die Berichte von Zeitzeugen in Betracht, ist es naheliegend anzunehmen, dass die Mehrheit derer, die mit "Loveless" im Jahr 1991 konfrontiert wurden, zu gleichen Teilen überwältigt wie überfordert waren. Smashing Pumpkins Sänger und Gitarrist Billy Corgan berichtet davon, das Album zum ersten Mal gemeinsam mit Butch Vig im Aufnahmestudio gehört zu haben. Beide waren der Vision von Kevin Shields nicht gewachsen, beide hatten einen solchen Sound bis dahin einfach noch nicht gehört.

"What is he doing?" (Billy Corgan)

Corgan verweist darauf, dass Shields, der als Jugendlicher zehn Jahre in den USA lebte, die "Larger Than Life"-Ästhetik der US-amerikanischen Rockmusik in den von Punk und Wave dominierten Sound Englands überführte und damit diesen undurchdringlichen, zähen Smog von "Loveless" entwickeln konnte. Als die Pumpkins später mit Alan Moulder zusammenarbeiteten, erzählte dieser davon, wie Shields täglich über acht Stunden an einem einzigen Gitarrensound herumfummelte. Shields holte sich sogar einen Hund ins Studio, um an dessen Reaktion zu erkennen, wie er die Einstellungen des Equalizers anpassen und verändern musste - bevor er anschließend den Song in einem Take aufnahm. Und als wären Shields' individuelle Spieltechnik, die den fast durchgängigen Einsatz des Tremolos zwingend erforderlich machte sowie sein ausgeprägter Hang zum fettesten Reverb des Universums nicht schon genug, legte er im folgenden Mix Tonspur über Tonspur, Layer über Layer, verschob Sequenzen im Millisekundenbereich, ließ die sowieso schon diffusen Stimmen im musikalischen Treibsand versinken, versteckte Feedback und Loops wie Ostereier bis in den allerletzten Winkel des Songs, wo sie ein seltsam entrückt wirkendes Eigenleben aus angedeuteten Melodien und Harmonien entwickelten. "Loveless" bekommt damit einen unnachahmlichen Edge, ein scheuerndes, von metallischen Texturen gekennzeichnetes Element, das mindestens so wichtig ist wie dieser tongewordene LSD Trip und seine sich immer weiter ausdehnenden Nebelbänke. Es kann zu einer Herausforderung werden, "Loveless" laut zu hören. Es ist nicht lieblich, nicht cozy, nicht weich. Es ist auch 35 Jahre nach seiner Veröffentlichung noch immer das ungezähmte Monster des Indierock. Und in dieser Gestalt bis heute, man muss das so klar sagen, unbesiegbar.

Vinyl und so: Ich lege wirklich jeder Leserin und jedem Leser das hier verlinkte Interview mit Kevin Shields über dessen Arbeit mit den Vinyl-Remasters ans Herz. Shields Ansinnen war es, ein komplett analoges Remaster von "Loveless" zu erstellen. Es erscheint mir zu ausufernd, das alles hier im Detail wiederzugeben, aber in aller Kürze darf ich mit folgendem Text teasern:

"To do a version of "Loveless" entirely in the analog domain is a tricky thing, because back in 1991, when the record was mastered for CD, LP, and cassette, digital methods were used in its final editing and mastering stages. "Loveless" is defined by its sequencing and flow, and the brief transitions and interludes between tracks are part of what makes the album special. Those transitions were created at least in part using computers, so to re-create them using purely analog technology meant going back to the original tapes and reconstructing them by hand using tape splices.

That was part of Shields’ task for the new vinyl reissue—to create an analog master that didn’t have a single digital stage. But it was only one part. From there, Shields had to find a disc-cutting apparatus that didn’t have a digital process, a rarity in the current landscape. Finding the right facility and making sure its sound was up to snuff turned out to be another expensive and time-consuming proposition."

Und ich meine das jetzt wirklich nicht böse, oder so - aber wenn Dich das nicht dazu bewegt, sofort dem obigen Link zu folgen, bist Du hier irgendwie falsch.

Weiterhören: "Isn't Anything" (1988), "m b v" (2013)

Erschienen auf Creation Records, 1991.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #161: Dead Can Dance - Aion (1990)

noreply@blogger.com (Flo) — Sun, 22 Feb 2026 15:48:00 +0000

DEAD CAN DANCE - AION

"Music is a place to take refuge. It's a sanctuary from mediocrity and boredom. It's innocent and it's a place you can lose yourself in thoughts, memories and intricacies." (Lisa Gerrard)

Dead Can Dance kamen spät in mein Leben. Als die Herzallerliebste und meine Wenigkeit sich im Dezember 1999 dazu entschlossen, fortan gemeinsam durchs Leben zu ziehen, verbrachte ich die Wochenenden der nächsten Monate zumeist in Alinas Zweieinhalbzimmerwohnung in Nürnberg. In den noch kalten und schneereichen Wintermonaten, bei Kerzenschein, Kaffee und Räucherstäbchen, versuchten wir, soviel wie möglich über uns herauszufinden und zusammenzuwachsen. Alina verbrachte bereits viele Jahre vor unserem Zusammentreffen in der schwarzen Szene, zunächst in Kiel, später dann im fränkischen Städtedreieck Nürnberg - Erlangen - Fürth, und ihre CD-Sammlung belegte das eindrucksvoll. Für mich war das eine neue Welt. Zwar waren mir die Namen vieler Bands und Musiker des Gothic- und Dark Wave-Milieus geläufig, nicht zuletzt aufgrund der bestehenden Schnittstellen mit der Metalszene, daher waren mir auch Dead Can Dance ein Begriff - auch wenn es an dieser Stelle lohnenswert ist darauf hinzuweisen, dass die beiden Gründer Lisa Gerrard und Brendan Perry in recht strenger Opposition zu der Einsortierung ins Genre des Gothic Rocks stehen.

Ihre Musik hörte ich hingegen abseits dessen tatsächlich zum ersten Mal in einer kalten und verschneiten Dezembernacht, womit wir wieder bei der Bedeutung des "Set & Setting" angekommen wären: ich befand mich also in einer Stadt, deren mittelalterliche Architektur mit Kaiserburg, gotischen Kirchen, Fachwerkbauten und den engen, unterirdischen Felsengängen mich ohnehin schon schwer beeindruckte, war Hals über Kopf verliebt und ausnahmsweise bereit, mich künftig ohne Sicherheitsnetz auf alles Neue einzulassen. Es waren wilde, intensive Zeiten. Die musikalische Begleitung durch Dead Can Dance wurde obligatorisch. Manchmal liefen ihre Alben wie "Spleen And Ideal" und "Within The Realm Of A Dying Sun" ab meiner Ankunft am Freitagnachmittag bis zu meiner Abfahrt am frühen Montagmorgen über das gesamte Wochenende hindurch, selbst in der Nacht; höchstens hier und da mal kurz von unseren samstäglichen Besuchen in der Nürnberger Rockfabrik unterbrochen. So entstanden sehr eindrückliche, intime und bis heute unvergessene Momente mit ihrer Musik.

In jenen Zeiten kam es dann auch zu den ersten Begegnungen mit "Aion". Das im Juni 1990 erschienene Album legte im Unterschied zu den vorangegangenen Arbeiten einen Schwerpunkt auf mittelalterliche Musik im Übergang zur Renaissance, und auch wenn man mit der Einlassung gesichertes Terrain betritt, ihrer Musik sei bereits ab Tag 1 eine sakrale, feierliche Qualität inhärent gewesen, so ist die sich auf "Aion" verstärkt zeigende Aneignung orientalischer und europäischer Volksmusik und deren Verschmelzung mit dem Mittelalter vor allem in der atmosphärischen Anschauung zu früheren Werken bestimmend. Brendan Perry äußerte sich über das Songwriting für "Aion", dass er und Gerrard über zwei Jahre hinweg nur wenig anderes als Troubadour- und Trouvère-Musik gehört hätten, eine Musikrichtung, die sich im Frankreich des 12. und 13. Jahrhunderts entwickelte und aus einer Verschmelzung europäischer weltlicher Volksmusik mit orientalischen Instrumenten und Einflüssen der Kreuzfahrer entstand.

Als das Duo 1984 mit ihrem selbstbetitelten Debutalbum auf dem englischen Label 4AD (u.a. Heimat der Cocteau Twins und von This Mortal Coil) auf der Bildfläche erschien, wurde ihr Name schnell zum Synonym der aufkeimenden Alternative-Bewegung, die im Streben nach Authentizität den Kontrapunkt zum Mainstream der kommerziellen Musikindustrie setzen wollte. Die vor allem in England zur Mitte der 1980er Jahre sich aus dem (Post-)Punk entwickelnde Gothic-Szene mit Bands wie Bauhaus oder Christian Death konnte als fatalistische Gegenbewegung zur sich immer rasanter zeigenden Industrialisierung der modernen Welt interpretiert werden; ein Rückzugsort für alle, die sowohl von der Leere und Oberflächlichkeit, als auch der schieren Boshaftigkeit und Kälte der Neuzeit überwältigt waren. Wo weite Teile dieser Szene die abrasiven Elemente jenes Protests verstärkten und ins Groteske, Abgründige eintauchten, verschob sich der Ansatz bei Dead Can Dance hin zum Exotischen und Spirituellen. Nach der US-Amerikanischen Musikwissenschaftlerin Kirsten Yri nahmen Gerrard und Perry damit auch die ab den 1990er Jahren außerordentlich erfolgreichen Entwicklungen der Weltmusik vorweg, eine Ära, die von den gregorianischen Gesängen bei Enigma, Deep Forest und der Wiederentdeckung der Musik von Hildegard von Bingen geprägt war. Die Ablehnung der modernen Welt einerseits und der Enthusiasmus für das romantisch-idealisierte Mittealter zeigt sich darüber hinaus in Interviewaussagen der beiden Musiker. So sprach Gerrard über die zeitgenössische Gesellschaft von "einer Kultur, die unentwegt Roboter produziert". Perry, befragt zu seiner Faszination für das Mittelalter, wird wie folgt zitiert:

"I'm very interested in medieval society because the actual structure was very simple to understand. The relation of music and religion and other aspects portrayed more Things simply. We live in a world now which is far more complex."

Das Kernstück auf "Aion" hinsichtlich der mittelalterlichen Einflüsse ist "The Song Of The Sibyl", einem im iberischen Raum seit des Mittelalters bekannten und bis heute aufgeführten Stück.

"Der noch heute an einigen Orten in katalanischen Dialekten vorgetragene Gesang geht auf lateinische Manuskripte aus Klosterbibliotheken des 10. Jahrhunderts zurück. Diese Texte entstanden ihrerseits aus Voraussagen, von denen man im Mittelalter annahm, dass sie von antiken vorchristlichen Seherinnen stammten. (…) In ihrem Gesang sagt die Sibylle die Wiederkunft eines christlichen Erlösers und das Ende der Welt voraus. Sie betont, dass in diesen Tagen des apokalyptischen Gottesgerichtes nur die treuen Diener Gottes ohne Rücksicht auf sozialen Status belohnt, andere aber vom Zorn Gottes bestraft, wehklagen und untergehen würden." (Wikipedia)

In Kirsten Yris sehr lesenswerter Abhandlung über die seitens der Band verarbeiteten mittelalterlichen Elemente in ihrer zwischen 1988 und 1991 erschienenen Musik, wird auch auf die auffällige Nähe der Version von Dead Can Dance zu einer Aufnahme des Stücks vom Kollektiv Ars Musicae De Barcelona aus dem Jahr 1974 hingewiesen. Dead Can Dance machen jedoch zugleich Gebrauch von modernen Aufnahmetechniken und führen ihrer Interpretation mehr Hall und Echo zu, was den spirituellen Kontext des Auftritts weiter vergrößert, weil der Eindruck entsteht, man höre den Musikern beim Vortrag in einer großen Kathedrale zu. Die Wirkung des Albums ist von diesem Fokus auf Spiritualität direkt beeinflusst. Wo die gesamte ästhetische Architektur von Dead Can Dance, hier vor allem auf den ersten drei Platten, von der Bearbeitung und Darstellung überwiegend dunkler und geheimnisvoller Themen abhängig war, zieht auf "Aion" eine hellere Aura ein. Das ist kein Optimismus; sowohl Ober- als auch Untertöne ihrer Musik sind immer noch überwiegend ernst und intensiv. Aber die wahrnehmbare Transzendenz zum stärker als zuvor umrissenen Eskapismus entledigt sich dem Druck, der Trauer und der Hoffnungslosigkeit. Für mich ist "Aion" damit der Abschluss jener mit "The Serpent's Egg" (1988) eingeleiteten transzendentalen Ära und außerdem ihr letztes wirklich herausragendes Werk.

Vinyl und so: Der nerdige (und nervige) Teil meiner Existenz möchte ganz grundsätzlich zu einer gut erhaltenen Originalausgabe des Albums raten, zumal man sich preislich im Vergleich zum Reissue aus dem Jahr 2017 erfreulicherweise nichts nimmt, beide Optionen kosten aktuell um die 20 Euro. Zugleich gebe ich zu Protokoll, dass die 2017er Nachpressungen offensichtlich von guter Klang- und Pressqualität sind.

Weiterhören: "Dead Can Dance" (1984), "Spleen And Ideal" (1985), "Within The Realm Of A Dying Sun" (1987), "The Serpent's Egg" (1988)

Erschienen auf 4AD, 1990.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #162: White Zombie - Astro-Creep: 2000 (Songs Of Love, Destruction And Other Synthetic Delusions Of The Electric Head) (1995)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 14 Feb 2026 12:31:00 +0000

WHITE ZOMBIE - ASTRO-CREEP: 2000 (SONGS OF LOVE, DESTRUCTION AND OTHER SYNTHETIC DELUSIONS OF THE ELECTRIC HEAD)

„Der Wettbewerb um die Gunst der Konsumenten zwingt die privatwirtschaftlichen Medien, alles zu unterlassen, was die Instinkte und Vorurteile der Leser, Hörer und Seher stören könnte.“

(Hermann L. Gremliza)

Das ist vielleicht die erste und sehr wahrscheinlich einzige Rezension dieser Reihe, die Gefahr läuft, in einer Rechtfertigungsorgie zu implodieren. Wir wissen schließlich alle, wie tief sich Traumata aus unserer Kindheit und Jugend in Herz und Seele manifestieren können. Da hilft keine Leberspülung mit Klosterfrau Melissengeist, kein Salbeirauch und auch keine Schweinehaxe mit Knoblauchpudding bei rechtsdrehendem Mondschein - was sich auch immer vor dreißig, vierzig Jahren den Weg in die leerstehende Aussichtsplattform in meinem Kopf gebohrt hat, lebt dort auch Jahrzehnte später zumeist immer noch mietfrei und schmiert mir zum Dank die schöne Fensterfront mit AA voll. Mit anderen Worten: wäre ich vor zehn oder fünfzehn Jahren auf die Idee gekommen, mir eine Liste mit den 200 besten Platten der 1990er auszuschnapsen, dann wären White Zombie auch dann nicht darin aufgetaucht, hätte ich aus der 2 eine 5 gemacht. Es kann viel Arbeit machen, sich zu öffnen.

Und ich möchte dann folgerichtig offen sprechen, auch wenn man mir anschließend vorwerfen kann, ein bisschen zu tief ins Glas mit dem Schwachstrom geschaut zu haben: ich war Rockhard-Leser. Und kein Visons-Leser. Es zählt nicht zu den schönsten Momenten des Lebens, das zuzugeben, aber wenn das soziale Umfeld, sofern man eines hat, ansonsten nur die Pet Shop Boys hört (wir berichteten) oder sich von "Freund Speckbulette und seiner schielenden Klobürste" (Kalkofe über Klaus & Klaus) eine Coverversion von "Cotton Eye Joe" vorsingen lässt, um sich dabei vor Freude einen Magendurchbruch zu ertanzen, dann liest man sehr genau mit, wenn Götz Kühnemosh und Sexdög Albrecht ins knallige Metalmagazin aus Dortmund Sachen reinschreiben, von denen man denken könnte, sie seien irgendwie....richtig?! Ich habe genau damit mein kleines und großes Metal-Einmaleins gelernt, irgendeine dick angerührte Suppe aus 'ner Stange Authentizität, zwei Kannen Loyalität, eine Prise Opferpathos und 42 Blätter vom Ichhassediemoderneweltbusch - und selbst wenn die neue Grave Digger-LP von Chris Bolzenstahl-Kahlenbolz so klingt, als hätte ein betäubtes Faultier Flatulenz: IMMER NOCH BESSER ALS DIESE GEHYPTE PISSE VON WHITE ZOMBIE, DiE uNsEeEn MeTaL zErStÖrT.

Nun ist's neben meiner eingeschränkten Medienkompetenz aber auch so, dass bei White Zombie ein paar Faktoren ins Spiel kamen, die mir vor dreißig Jahren einfach schwer im Magen lagen. Zum einen wusste ich, dass die Band Anfang der 90er Jahre sowohl ihren Sound als auch ihr Image deutlich veränderten - und schwupps!, wurde damit aus der jahrelang weitgehend unbekannten Noiserock-Undergroundband aus New York ein weltweit erfolgreiches Phänomen auf einem Majorlabel. Ich habe keinerlei Interesse an Missgunst, bitte: jeder Ruhm und alles Geld dieser Erde an Musiker. Aber ich habe durchaus ein Interesse daran, designte Industriehypes erkennen zu können, das gibt nämlich Abzüge in der Authentizitätswertung - ob es tatsächlich so zutrug. spielte dabei keine Rolle. Fakten waren unwichtig; das Gefühl, dass es so gewesen sein könnte, reichte damals aus, um Abstand zu halten. Zum anderen war ich mental meilenweit von dieser Szene entfernt; alles zu breitbeinig, zu laut, zu macho, zu exzentrisch, zu aufgesetzt, zu orchestriert - und gleichzeitig war es auch einfach Trash. White Trash. Ich dachte mal ein paar Jahre lang, White Zombie seien die Kid Rock-Version von Ministry.

"Ein Mann wird kälter." (Stefan Gärtner)

….kälter und älter. Und wenigstens mit dem Alter erhalten ganz allmählich Bewusstsein, Reflektion und Anschauung Einzug in die Gemächer der Denkmurmel, und wenn's ganz gut läuft, lassen sich die schlimmsten geistigen Fehlhaltungen auf dem Weg ins Gerontenheim noch irgendwie korrigieren. Das bedeutet nicht, später auch noch wirklich der allerpeinlichsten Scheiße die Absolution zu erteilen - Limp Bizkit, lol - aber es kommt der Moment, an dem die in der Eisenzeit und unter Hormonschwankungen gemachten Einlassungen mit ein bisschen Ab- und Anstand immerhin überprüft werden können.

White Zombie wurden von der Herzallerliebsten in zunächst meine und später unsere gemeinsamen vier Wände gebracht. Sie kam mit der Musik des Quartetts aus New York nicht nur früher, sondern auch an Orten in Kontakt, die wie dafür gemacht sind, einen Seelenabdruck zu hinterlassen: in der Disko. Als Frau P. also durch die Clubszene Nürnbergs, Fürths und Erlangens flipperte, liefen White Zombie in jeder Zappelbude am Anschlag, manchmal auch gleich mehrfach am Abend, weil der DJ wusste: wenn ich White Zombie spiele, ist die Tanzfläche voll. Das ist weder Zufall noch Überraschung. Die beiden erfolgreichen, großen White Zombie-Alben "La Sexorcisto: Devil Music Vol.1" (1992) und eben "Astrocreep 2000" (1995) MUSS man laut hören, das ist im Prinzip ihre komplette Raison d'être. Rob Zombie fand nach langen Jahren des Experimentierens endlich den Sweetspot für diese Band: Riffs, Riffs, Riffs und Groove, Groove, Groove. Egal, wie groß die imaginierte Abneigung auch sein mag: wenn Du Hits wie "Thunder Kiss 65" oder "More Human Than Human" mit 130dB im Club hörst, werden sich mindestens Dein Kopf und Dein Fuß im Takt bewegen, ob Du willst oder nicht. Dazu gab es für die Außenwirkung mittels ausgefallener Frisuren und Klamotten Charaktere in der Band, die einerseits aussahen, als seien sie einem Alien-Space-Western aus der Zukunft entsprungen und die andererseits über die Identifikation, und sei es nur jene mit dem damaligen Zeitgeist, den Fans eine emotionale Verbindung lieferten.

Obwohl sich freilich ein paar deutliche Industrial-Elemente in ihrem Sound zeigten, das Mechanische, Stampfende im Zusammenspiel zwischen Schlagzeug und Gitarre, ein paar ausgesuchte Sample-Spielereien und die praktisch in jeden Winkel ihrer Musik eingebaute Monotonie, klangen White Zombie nicht kalt und abweisend, es ließ sich im Gegenteil der Schweiß riechen. Im Rückblick liegt man vermutlich nicht meilenweit daneben, die Behauptung aufzustellen, dass White Zombie viel mehr Rock'n'Roll und Heavy Metal waren, als man ihnen damals zugestehen wollte. Oder besser: "durfte", denn wer eine Band in den neunziger Jahren als Metalband ohne den Zusatz "New-" vermarkten wollte, hätte sein Geld auch gleich in die nächste Müllverbrennungsanlage bringen können. Das abseits der einfach unglaublich gut funktionierenden Songs dickste Brett der Band im Allgemeinen und "Astro-Creep: 2000" im Besonderen ist ihr Sound, und das wird sogar noch ein bisschen eindrücklicher, wenn wir uns vergegenwärtigen, über eine Produktion aus dem Jahr 1995 zu sprechen. Terry Date, der für Bands wie Deftones, Metal Church, Overkill, Slayer, Mindfunk und Prong arbeitete und in diesem Rahmen für einige der herausragendsten Produktionen aller Zeiten verantwortlich ist, hat sich auf "Astro-Creep: 2000" selbst übertroffen und den Vibe der Songs sowie der ganzen Band auf den Punkt getroffen: intensiv, dicht, modern, ungemein drückend und heavy, dabei aber trotzdem, vor allem im Vergleich mit den mittlerweile leider etablierten Soundstandards, überraschend schlank und ungemein effizient. Eine echte Sensation. Jede Metalband, die in den letzten zwanzig Jahren mit ihrer hoffnungslos unterproduzierten und hohlen Pseudo-Metalrotze dachte, besonders fett, breit und hip zu klingen, würde sich nach einem solchen Sound die Finger lecken. Wann genau sind wir eigentlich so krass falsch abgebogen?

Vinyl und so: Hallo! Kaufen Sie bitte sofort (SOFORT!) den Music On Vinyl Re-Release aus dem Jahr 2012 für um die 20 Euro und danken Sie mir später. Nicht fragen, einfach machen. Tschüss!

Weiterhören: "La Sexorcisto: Devil Music Vol. 1" (1992)

Erschienen auf Geffen Records, 1995.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #163: Seaweed - Weak (1992)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 07 Feb 2026 12:01:00 +0000

SEAWEED - WEAK

„Eine unschöne Frau mit laubgesägtem Gouvernanten-Profil bringt kleine Mädchen zum Weinen, indem sie ihre orthodoxe, hochgerüstete Belanglosigkeit zum Maßstab humaner Seinserfüllung hochschwindelt, über ‚Persönlichkeit‘ redet, sich aber kaum mehr erinnern kann, was das ist, und sollte diese je zum Vorschein kommen, sie mit Rauswurf bestraft. Der Exzess der Nichtigkeit aber erreicht seinen Höhepunkt, wo Heidi Nationale mit Knallchargen-Pathos und einer Pause, in der man die Leere ihres Kopfes wabern hört, ihre gestrenge ‚Entscheidung‘ mitteilt und wertes von unwertem Leben scheidet. Da möchte man dann elegant und stilsicher, wie der Dichter sagt, sechs Sorten Scheiße aus ihr rausprügeln – wenn es bloß nicht so frauenfeindlich wäre.“ (Roger Willemsen)

Da will ich mit Schwung und Verve und veganem Heringssalat aus dem Tetra-Pack in den Rückblick auf Seaweeds Debutalbum "Weak" einsteigen, etwas vom "vergessenen Juwel", von "einer der besten Sub Pop-Platten aller Zeiten" und von "Also, dieser Endino - richtig schneidig!" schreiben und knall' stattdessen bei der Recherche frontal gegen die virtuell ausgestreckte Faust von Sänger Aaron Stauffer. Der findet "Weak" nämlich genau das: ziemlich schwach, außerdem zu schnell, zu gleichförmig und zu schlecht produziert. Sabotiert irgendwie den Punkt, den ich hier machen will; andererseits sind Musiker in Bezug auf ihre Arbeit, das weiß ich aus eigener Anschauung, nicht selten ein klitzekleines bisschen heikel. Um nicht zu sagen: komplett volldoof. Im Falle der Bewertung von "Weak" steht Stauffer immerhin recht alleine auf weiter Flur, denn für viele meiner Buddies aus der Generation X-Schicksalsgemeinde handelt es sich um Seaweeds bestes Album.

Und gleichzeitig kann ich ein bisschen Verständnis für Stauffers Perspektive entwickeln. "Weak" ist vielleicht die punkigste Version von Grunge, die es jemals in den Katalog von Sub Pop (und darüber hinaus) schaffte, und in diesem Kontext ließe sich leicht die Frage stellen, ob das hier überhaupt noch Grunge ist, kurz nachdem wir mit Hilfe von einer Stange Zigaretten und achtzehn Liter schwarzen Kaffees darüber diskutierten, was GENAU Grunge denn überhaupt sein soll. Sowohl Geschichte als auch Rahmenbedingungen sind's jedenfalls schonmal: das Quintett aus Tacoma, Washington debutierte 1989 zunächst mit der "Inside"-Single auf Leopard Gecko, legte mit einer weiteren 7" "Deertrap" auf K nach und kam für die dritte Single "Just A Smirk" wieder zurück zu Leopard Gecko. Ihr Sound, der sich auf den Singles noch etwas langsamer und grundlegend garagiger zeigte, lockte das legendäre Label Tupelo Recordings an, das just unter anderem Nirvanas "Bleach" in Europa veröffentlicht hatte. Die dort erschienene Single-Zusammenstellung "Seaweed" ließ wiederum Sub Pop hellhörig werden, wo die Band im Jahr 1991 dann mit "Despised" debutierte. Weil sich Label und Band nicht auf das Format einigen konnten, Sub Pop wollten eine 7"-Single, Seaweed hingegen wollten ein Album aufnehmen, beschloss man kurzerhand, "Despised" offiziell als EP zu führen - bei einer Spielzeit von 28 Minuten scheint man sich hier allerdings an der Grenze zur Haarspalterei zu bewegen. "Despised", streng genommen auch eine Compilation, weil man u.a. Songs von Tupelo's "Seaweed" verwertete (was Tupelo wenig überraschend zum Ausflippen brachte), wurde von Jack Endino in dessen Studio Reciprocal Recording produziert und bietet Garagenrock, der sich in diesem besonderen Grunge-Sweetspot zwischen unprätentiösem Geschrammel und tighter Heaviness bewegt. Kennt und liebt jeder, wer sich mental eher im pre-"Nevermind"-Club mit Lederjacke, Bier und Marlboro zu Hause fühlt.

1992 schlug dann die Stunde für das erste, wirklich offizielle Album "Weak" - mit einer genau 2 Minuten längeren Spielzeit als die EP "Despised", go figure! Tatsächlich präsentierten sich Seaweed mit einem neuen Soundbild: sie waren wirklich deutlich schneller als zuvor und erinnerten mich damit seit jeher ein bisschen an die ersten Alben der kanadischen Punkband Doughboys, vornehmlich weil eine neue Wurschtigkeit Einzug in ihr Spiel gefunden hatte, ein bisschen etwas außer Kontrolle geratenes, das man nicht aufhalten will. Besonders in diesem Zusammenhang ist eine neue Freiheit an den Gitarren wahrnehmbar, die hier schon die Weichen auf das zu stellen scheint, was auf ihren späteren Alben, vor allem auf den beiden direkten Nachfolgern "Four" und "Spanaway", als klare Post Hardcore-Merkmale erkennbar werden sollte, mit ungewöhnlichen Akkordfolgen, ein bisschen Dissonanz und dem Mut zum knarzigen Ausreißerton. Die erneut von Jack Endino, dieses Mal aber außerhalb dessen Komfortzone in den Bear Creek Studios in Woodinville geleitete Produktion, von Aaron Stauffer mit den Worten "really poor" ordentlich gedisst und außerdem mit dem Zusatz versehen, Endino hätte abseits seines eigenen Studios Probleme gehabt, seine Produktionsroutinen erfolgreich zur Anwendung zu bringen, hat gleichfalls großen Anteil am veränderten Klangbild der Band. Die Kritik am Sound von "Weak" ist immer wieder mal aufzuschnappen, aber ich teile sie nicht. Für mich hört es sich eher so an, als wäre Endinos Soundauswahl keine technische Limitierung, sondern vielmehr eine bewusste Entscheidung, eine Reaktion auf den neuen Vibe dieser Songs gewesen. Das dicke, sludgy Fundament, das seine frühen Produktionen in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren im Allgemeinen prägte, ist hier kaum auffindbar. Und mit Verlaub, das ist gut so. Dafür klingt "Weak" schlanker, schärfer, klarer - was den Songs damit genau den benötigten Raum zur Entfaltung gibt. It's not a bug, it's a feature!

An meiner Beurteilung von "Weak" zeigt sich darüber hinaus erneut meine ausgeprägte Schwäche für eine Musik, die ich in Ermangelung von ausreichender Kompetenz immer ein bisschen stumpf als "Bilderbuch-Indie" bezeichnet habe. Aufs erste Hör immer ein bisschen hingeschludert, offen und frei vibrierend, kompromisslos die blinden Flecken als Überzeugung ins Schaufenster stellend. Courage und Überzeugung stehen über dem Marketingplan. So hab' ich's gelernt, so wird's auf immer geliebt und umarmt. Don't you fuckin' dare calling it nostalgia.

Viva Geschepper!

Vinyl und so: Sub Pop hat in den letzten Jahren viel Wert darauf gelegt, ihren Backkatalog nach und nach erneut auf Vinyl zu verfügbar zu machen, allerdings ging "Weak" bislang leer aus. Das US-Original auf grünem Vinyl gibt's aktuell ab 80 Euro aufwärts, die deutsche Version auf schwarzem Vinyl kostet um die 50 Euro.

Weiterhören: "Four" (1993), "Spanaway" (1995). Bonus: Seaweed-Sänger Aaron Stauffer ist seit 2020 bei Ghost Work aktiv, praktisch einer Indie All-Star Band mit ehemaligen Mitgliedern von Minus The Bear, Snapcase und Milemarker. Zu finden und hören --> HIER

Erschienen auf Sub Pop, 1992.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #164: Mazzy Star - So Tonight That I Might See (1993)

noreply@blogger.com (Flo) — Sun, 25 Jan 2026 17:19:00 +0000

MAZZY STAR - SO TONIGHT THAT I MIGHT SEE

"Leichtes Leben, Schwermetall" (Tocotronic)

Inmitten der Teenage Angst der frühen 1990er Jahre, mitten in der lauten, breitbeinigen, männlich dominierten Hochphase des Grunge und Alternative Rocks, zündeten Hope Sandoval und David Roback der Vereinzelung eine Kerze an. Paisley-Tücher verdunkeln die seit 1971 nicht mehr geputzten Fenster, ein dicker, mit Staub vollgesogener Fransenteppich erzählt Geschichten von emotionalen Tiefdruckgebieten, von übervollen Aschenbechern und umgestoßenen Rotweinflaschen. Vom gemeinsamen Rückzug. Von Schutzräumen. Hier sind wir sicher.

In Zeiten, in denen sich vermutlich das zeigte, was in anderen Lebenslinien Pubertät genannt wird, war dieser Rückzug für mich ein Ritual. Ich war nicht offensiv kratzbürstig, ich war nicht laut. Keine angezettelten Machtkämpfe, keine öffentliche Inszenierung. Meine Revolution spielte sich im Innern ab. Und ich wäre mit dem Klammerbeutel gepudert, wüsste ich nicht ganz genau, damit eine Art Notausgang entdeckt zu haben. Denn das Laute, das Öffentliche, das Extrovertierte war mir, ob bewusst oder unbewusst, abtrainiert worden. Ich konnte es freilich immer noch empfangen, wenn es von außen in meine Welt kam. Ich mochte Krach, ich mochte Aufruhr, ich liebte den Tumult, das Konfrontative - das war meine Verbindung auf die andere Seite jener künstlich gezogenen Grenze; zur verbotenen Seite, wo einerseits Chaos und Anarchie herrschten, andererseits aber auch eine Idee davon existierte, sich selbst zu kennen. Wie fühlt es sich eigentlich an, im eigenen Ich zu sein?!

Wer das herausfinden will, müsste dieses fremde, gesetzlose Land betreten. Und wenn das nicht geht, macht man es sich im Land der Einzelgänger gemütlich und zelebriert das Abtauchen in die eigenen vier Wände, sowohl wortwörtlich, als auch im übertragenen Sinne. Mazzy Star lieferten dafür Inspiration und Identifikation, für die Momente, in denen ich glaubte, mir nahe zu sein - und die zeitgleich die Melancholie vom Kummer abtrennten. Für jene entrückten Momente, in denen das Herz vibriert. Ihre eingekapselte Folk/Blues/Goth-Kammermusik kam über Hochebenen auf das Feld, das wir Mauerblümchen unser Zuhause nannten. Wo wir existierten. Sowohl Sandoval als auch Roback waren Individualisten, die sich in Musik verlieren konnten, stundenlang, tagelang. World off, Music on. Beide hatten Verbindungen zur in den 1980er Jahren aufblühenden "Paisley Underground"-Bewegung in Los Angeles, eine Szene um Bands wie Rain Parade oder The Dream Syndicate, die den Psychedelic Pop aus den sechziger Jahren wiederbelebten. Roback als aktives Mitglied bei Rain Parade, während Sandoval sich nachts heimlich in die Konzerte in den angesagten Clubs schlich. Das Zusammentreffen dieser zwei Sonderlinge gerät zur Meisterklasse der Intuition, beide bewegen sich in einem gemeinsamen Mikrokosmos, beide spüren diese Musik, kennen ihr Fundament, ihre Geschichte - und ihre Richtung. Das wird paradoxerweise vor allem in jenen Momenten deutlich, die so zerfranst und schwebend sind, dass ihnen jeder Boden unter den Füßen zu fehlen scheint: "Mary Of Silence" ist eine pechschwarze Seance, reduziert auf zwei wie in Trance gespielten Bassläufe, einem mysteriös durch den Raum gleitenden Orgelakkord, zerschlissenem Gitarrenfeedback und Sandovals entrückt wirkenden, außerweltlichem Vortrag über verzehrende Sehnsucht nach Verbindung: Oh Mary of silence, You pick my heart with a smile / Oh sweet Mary, Come inside for a while / Help me get a hold on you, Or I look in the night / I thought of myself beside you, Take me into your Skin.

Im über sieben Minuten dauernden Titelsong verfolgen Mazzy Star einen ähnlichen Ansatz und channeln über ein hypnotisierendes Riff nebst stimmungsvollen Schellen und schamanischem Trommeln eine Art 60's Folk Version von Dead Can Dance auf Psilocybin. Alles fiept, alles zwitschert, alles zischelt. Sandoval's Stimme klingt hier wie eine Heimsuchung, wie ein Geist aus einer anderen Dimension. Bei "Into Dust", dem am spärlichsten arrangierten Stück des Albums, singt Sandoval lediglich über eine gezupfte Akustikgitarre vom Untergang der Liebe, und eigentlich ist man hier in all der Dürre, all der Verwahrlosung final am Nullpunkt angekommen - und doch versucht die zerbrechliche Schönheit und Eleganz, sich den Weg durch dieses abgründige Zwielicht zu bahnen und die Oberhand zu gewinnen. Es ist Ergebenheit und Kapitulation in einem.

"So Tonight That I Might See" wurde zum melancholischen Resonanzraum für die Entdeckung der eigenen Identität - und damit zugleich eine Grenzerfahrung; im besten Fall vielleicht sogar eine Grenzerweiterung. Weil man erkannte, wie sehr sich das Leben selbst dann vertiefte, wenn es in der inneren Anschauung verschwand.

Vinyl und so: Die Verfügbarkeit des Albums auf Schallplatte ist auch im Jahr 2026 gesichert, denn was sich verkauft, wird schließlich auch gepresst. Die Pressqualität scheint indes stark zu variieren. Meine Version von 2017 (180g, schwarz) klingt großartig und hat weder Probleme mit verbogenem Vinyl noch mit Hintergrundrauschen. Die zuletzt veröffentlichte Version im Rahmen des Record Store Day kommt auf wirklich wunderbar aussehenden Purple und Black Smoke Vinyl, soll aber immerhin vereinzelt die eben genannten Probleme haben. Für 25 bis 35 Euro hat man jedenfalls in jedem Fall eine neue Mitbewohnerin.

Weiterhören: "Among My Swan" (1996)

Erschienen auf Capitol Records, 1993.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #165: Cradle Of Filth - Dusk...And Her Embrace (1996)

noreply@blogger.com (Flo) — Sun, 18 Jan 2026 20:26:00 +0000

CRADLE OF FILTH - DUSK...AND HER EMBRACE

„Wer sonst gar nichts hat, der hat doch ein Vaterland. Patriotismus ist die Religion der ganz armen Schweine.“ (Wiglaf Droste)

Ich habe von Black Metal keinen sitzen. Beziehungsweise, und diese Einschränkung sei mir erlaubt, habe ich von jenem Black Metal keinen sitzen, der unter dem Begriff der "zweiten Welle" zu Beginn der 1990er Jahre entstanden ist und anschließend so populär wurde, dass er bis heute die Grundlage für das komplette Genre darstellt. Wenn ich sehr kühn sein wollte, könnte ich mich zu der Einlassung hinreißen lassen, mit der ersten Welle in der ersten Hälfte der 1980er Jahre aufgewachsen und also vertrauter zu sein. Mein Bruder hatte sämtliche relevanten Alben im Plattenschrank: Venom, Celtic Frost, Hellhammer, Bathory; für den frühen amerikanischen Black Metal könnten NME und ihr Album "Unholy Death" (1986) als beinahe solitäre Randerscheinung genannt werden, und ganz vielleicht spielt Possesseds "Seven Churches" zumindest hinsichtlich des Auftretens und des Images noch eine Rolle.

Die Wirkung, die vor allem Venoms "Black Metal" und Celtic Frosts "To Mega Therion" auf den damals gerade mal zehnjährigen Florian hatten, spüre ich beim Anblick der Coverartworks und vor allem der Backcover mit den Fotos der Musiker bis heute. Die Einlassung, "tief beeindruckt" gewesen zu sein, ist geradeheraus ein Euphemismus. In Wirklichkeit hatte ich einfach Angst. Die Inszenierung mit schwarzem Leder, Schminke, Kerzen, umgedrehten Kreuzen (ich war Messdiener - nur falls sich jemand fragt, wo ein guter Teil meines Knacks seinen Ursprung hat), die Aura der mystischen, okkulten, unkontrollierbaren Outlaws und die zahlreich kolportierten Tabubrüche nebst sexuellen Innuendos verfehlten ihre Wirkung nicht. Ich erinnere mich an ein Interview mit Venom im Metal Hammer, in dem überliefert wurde, Sänger Cronos müsse sich nun absentieren und auf den bevorstehenden Auftritt vorbereiten, indem er noch schnell ein paar Leichenknochen kaut, damit's mit der Stimme auch so richtig hinhaut - und so lächerlich das fast vierzig Jahre später klingen mag, so groß war 1987 sowohl die Bestürzung als auch die Anziehungskraft. Zudem fehlten mir abseits dessen, was in den Musikmagazinen stand, jeglicher Kontext und der Austausch mit anderen zur Einordnung. Wer hat als zehnjähriger schon Freunde, die darüber diskutieren wollen, ob sich drei geschminkte Ledertypen aus England an Leichen vergehen und Pferdesex haben? Mein damaliger Freund Martin, den ich zunächst mit meiner Iron Maiden-Manie anstecken konnte, sagte mir eines Tages, er würde jetzt lieber die Pet Shop Boys hören. Hätte mir meine Mutter gesagt, sie sei in Wahrheit ein außerirdischer Goldhamster und müsse nun wieder auf ihren Heimatplaneten UX-9318 zurückkehren, hätte ich selbst dafür mehr Verständnis aufbringen können. Was ich sagen will: Martin kam als Ansprechpartner nicht mehr in Frage.

In den folgenden Jahren entwickelten sich allerdings sogar in meinem Kopf ein paar Hirnzellen mehr, auch wenn es sicherlich ein paar Weggefährten gibt, die vehement Gegenteiliges behaupten würden. Das waren vermutlich in erster Linie jene, die sich der ab 1991/1992 in Norwegen aufbäumenden zweiten Welle des Black Metals verschrieben hatten und nicht so richtig erfreut darüber waren, dass ich im übertragenen Sinne lieber die Pet Shop Boys hören wollte. Mir fehlte wirklich JEDE Verbindung zu dieser Musik und dieser Szene. Es klang alles scheiße, es war scheiße gespielt, die Typen, und zwar ALLE!, waren offensichtlich scheiße - der braune Nazisumpf, in dem heute Teile der Black Metal-Szene recht feudal und widerspruchsfrei residieren, sowie die Kapitulation der übrigen Szene, inklusive Presse, Labels, Agenturen, Veranstalter, Clubbetreiber und Fans, hat genau dort seinen Ursprung - kurz: ich wollte damit absolut NICHTS zu tun haben. Black Metal war für mich Venom. Und zwar "Für Immer" (Doro).

Und dieses "Immer" hatte immerhin bis in den Oktober 1996 Bestand, als nämlich die vierte Ausgabe der CD-Beilage des Rock Hard-Magazins erschien. Cradle Of Filth präsentierten hier den Titeltrack ihres just erschienenen Albums "Dusk...And Her Embrace", und obwohl mir der Bandname bereits geläufig war, nicht zuletzt aufgrund der provokanten Cover-Artworks ihrer bisher erschienenen Alben "The Principle Of Evil Made Flesh" und "Vempire Or Dark Faerytales In Phallustein" sowie ihrer teils respektlosen, teils frivolen T-Shirt-Motive, landete die Band bis dato im großen Eimer mit den schlechterdings unantastbaren Bands aus Skandinavien. Was dann allerdings geschah, zählt bis heute zu den größeren musikalischen Revolutionen meines Daseins. Nicht nachhaltig zwar, weil die Tür zum Rest des Genres nach wie vor fest verschlossen blieb, aber ich wurde für die nächsten drei Jahre zu einem beinharten Fan, mit allem Drum und Dran. Zunächst verdrehte mir der Titeltrack tüchtig den Kopf, später das in geradezu euphorischen Zuständen gekaufte Album. Das ist umso erstaunlicher, weil dafür einige ziemlich hohe Barrieren überwunden werden mussten: das typische Black Metal-Gekeife, die Blastbeats, der symphonische Klimbim waren bis dahin für einen, der immer viel Wert auf gute Stimmen und einen guten Groove legte und orchestrale Begleitungen im Metal für Kitsch und ein ärgerliches Missverständnis hielt, gleich eine ganze LKW-Ladung roter Tücher. "Dusk...And Her Embrace" machte mit all dem kurzen Prozess. Plötzlich konnte ich nicht genug davon bekommen. Was zur Hölle ist denn da passiert?

Eine genaue Erklärung dafür habe ich bis heute nicht parat, aber ich kann ein paar Indizien über den Zaun werfen. Erstens klingt "Dusk...And Her Embrace" unglaublich gut - und das bis heute. Ich finde nicht, dass der Platte ihr Alter anzuhören ist. Für damalige Verhältnisse, vor allem, wenn einem noch die unproduzierte Kloake aus Norwegen in der Erinnerung herumschwappt, ist die Produktion geradezu herausragend, weil es der Band und ihrem Produzenten Kit Woolven gelang, die Mehrdimensionalität der Kompositionen einzufangen und deren morbide Dramatik in den Mittelpunkt zu stellen. So wie Slayers "Seasons In The Abyss" exakt so klingt wie das Cover aussieht, nach staubiger Verwüstung, nach Erstickungstod und Agonie, macht "Dusk...And Her Embrace" aus dem Artwork gleich ein ganzes Theaterstück: ein mittelalterliches Schloss im kalten Nebel, Fackeln, Hexen, Dekadenz, Chaos, Syphilis - und mit 27 Jahren liegt man in der Kiste. Irre! Zweitens schlagen die überlangen, verschachtelten Songs unzählige Haken mit wilden Breaks und lassen zeitgleich viel Raum für lange Instrumentalpassagen, beides makellos und maßgeschneidert nachzuhören im achteinhalbminütigen "Funeral In Carpathia" und dessen berühmtem "Never Leave Me"-Break, das gleich mehrere mit unbarmherzigem Drive umgesetzte Speed Metal-Riffs mit eindrucksvoll hymnischer Orchestrierung verbindet. Derlei Komplexität kann ein Handicap sein, wenn entweder der melodische Rahmen bricht oder die atmosphärische Spannung aus den Fugen gerät. Cradle Of Filth halten beide Komponenten über die kompletten 53 Minuten hingebungsvoll auf höchster Intensität, und man kann förmlich hören, wie sie darum kämpfen, die ganze Zeit die Temperatur am Siedepunkt zu halten. Volle Kontrolle bis zur Selbstaufgabe. Drittens hat die Band kompositorisch auch darüber hinaus ein bisschen in die Trickkiste gegriffen und viele Elemente klassischen Heavy Metals in ihren Sound integriert, angefangen bei den von Iron Maiden und der New Wave Of British Heavy Metal beeinflussten Twin-Guitars bis hin zu elegischen Melodiebögen aus dem US- und Epic Metal - es ist in diesem Zusammenhang auch keine besondere Überraschung mehr, dass die Band Maidens "Hallowed Be Thy Name" als Bonustrack coverte. Cradle Of Filth waren im Jahr 1996 deutlich näher an Maiden als an Immortal - und mit Verlaub: das war ich auch.

Meine heiße Affäre dauerte indes nur knappe drei Jahre. Der 1998er Nachfolger "Cruelty And The Beast" war zwar ebenfalls ein herausragendes Heavy Metal-Album, aber dann wurd's ganz allmählich kalt. Zum einen musste ich miterleben, wie Cradle Of Filth auf der 1999er Tour von ihrer Vorband Napalm Death nach Strich und Faden den Arsch versohlt bekamen, zum anderen nahm die Kapelle, die mehr und mehr zu einem Soloprojekt von Sänger/Texter Dani Filth mit angeheuerten Sessionmusikern avancierte, im neuen Jahrtausend ein paar sehr unglückliche Kurskorrekturen vor und wurde immer mehr zu einer stinknormalen Metalband, die sich offenkundig mehr um Vermarktung und Image kümmerte, als um die Musik. Die wurde in meiner Wahrnehmung immer melodischer, langsamer und damit bräsiger, mit optimalem Zuschnitt auf das, was das Ottonormalmetallerpärchen Heinz und Uschi in der Schrebergartenanlage hören wollen, wenn der Bauplan für den neuen Carport durchkalkuliert werden muss. Offen gesagt: Würde ich jene ungünstigen Entwicklungen der letzten 25 Jahre in Betracht ziehen, wäre hier und heute ein Text über eine andere Platte erschienen. Tatsächlich musste ich ein wenig mit mir ringen, ob ich wirklich nochmal so tief ins eigene fast 30 Jahre alte Badewasser steigen möchte. Der positive Bescheid wurde erst erlassen, nachdem im Sommer 2025 eine Re-Releasewelle durch meinen Sossenheimer Kiez schwappte, ich die 90er Alben nochmal Revue passieren ließ und hocherfreut feststellte: man bekommt den Florian (weitgehend) aus dem Metal, aber man bekommt den Metal nicht aus Florian. "Dusk...And Her Embrace" bringt mir immer noch Glücksgefühle. Trotz der vielen Vorbehalte aus praktisch allen denkbaren Richtungen: Unwithfuckable.

Vinyl und so: Aufgrund der höchstwahrscheinlich ausgesprochen verzwickten Rechtslage ist die 1996 erschienene Version von "Dusk...And Her Embrace" bis heute nicht auf Vinyl wiederveröffentlicht worden, was die Erstpressung womöglich zu einem der meistgesuchten Holy Grails des Heavy Metal macht. Die Preise sind so absurd wie indiskutabel. In eine immerhin gewisse Nähe kommt man heutzutage nur mit jener Version, die den Untertitel "The Original Sin" trägt (und die oben auch auf dem Foto zu sehen ist). Hierbei handelt es sich um eine Aufnahme, die die Band mit anderem Lineup als gedachtes zweites Album für ihr damaliges Label Cacophonous Records einspielte. Kurz darauf verklagte die Band allerdings das Label, zerfiel währenddessen in zwei Teile und hatte "Dusk...And Her Embrace" als rechtlichen Kollateralschaden eigentlich schon abgeschrieben. Erst nachdem im ersten Halbjahr 1996 "Vempire Or Dark Faerytales In Phallustein" erschien, ein Kompromiss mit Cacophonous Records, um anschließend aus dem Vertrag rauszukommen, konnten Cradle Of Filth mit erneuertem Lineup die Platte erneut, nun unter der Aufsicht des oben erwähnten Kit Woolven, aufnehmen und über Music For Nations veröffentlichen. "Dusk...And Her Embrace - The Original Sin" ist also die ursprüngliche Fassung des Albums. Und das hört man. Ob jene Version einen ähnlichen Eindruck auf mich gemacht hätte wie die später erschienene, möchte ich bezweifeln, aber wer Bock auf ein bisschen Musik-Generde hat, könnte beim Philosophieren über die Dynamiken eines Bandgefüges, dem Einfluss eines Produzenten und ganz vielleicht auch ein bisschen der Größe des Aufnahmebudgets in Freudenschreie ausbrechen.

Weiterhören: "The Principle Of Evil Made Flesh" (1993), "Vempire Or Dark Faerytales In Phallustein" (1996), "Cruelty And The Beast" (1998)

Erschienen auf Music For Nations, 1996.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #166: Deep Space Network - Big Rooms (1993)

noreply@blogger.com (Flo) — Fri, 09 Jan 2026 10:50:00 +0000

DEEP SPACE NETWORK - BIG ROOMS

"Comforting lies deliver more clicks, viewers, listeners and profits than uncomfortable truths”

(James O'Brien)

Die 2000er Jahre waren hinsichtlich meines Musikkonsums eine Zäsur. Was in den vorangegangenen 15 bis 20 Jahren gekaufte Tonträger waren, also in erster Linie Vinyl und CDs, und zwar nur so viele, wie es zunächst Taschengeld und später Gehalt erlaubten, geriet nun vor allem quantitativ etwas - und das ist die Untertreibung des Jahrzehnts - aus den Fugen. Das lag nicht an den sagenumwobenen Tauschbörsen wie Napster oder Emule - die habe ich tatsächlich nie genutzt. Viel mehr war die Community des ehemaligen Leserforums des Visions-Magazins dafür verantwortlich, dessen Nutzer nach einem völlig in den Sand gesetzten Relaunch der Website und damit des Forums auf selbst- und also nachgebaute Replikate der zur damaligen Zeit durchaus bahnbrechenden Forumsstruktur umzogen. Und was schon zu Zeiten des originalen Visions-Forums eine sehr, nennen wir es "eigenwillige" Gemeinschaft war, wurde mit dem Umzug auf kaum moderierte Plattformen in den folgenden Jahren zur Anarchie. Das sind jene Zeiten, von denen early adopter heute schwärmen, wenn sie vom "alten Internet" reden.

Jedenfalls: was die Community damals vereinte und über eine überraschend lange Zeit am Leben hielt, war eine tiefe Verbundenheit zur Musik und zum Kontext, der sie jeweils umgab. Als Musikjournalismus noch nicht mausetot in der Kiste lag, Playlisten noch Mixtapes hießen, Musik nicht in der Hintergrundberieselung elendig verreckte und noch niemand ahnte, welcher infektiöse Klärschlamm uns die künstliche Intelligenz zwanzig Jahre später in den Rachen ballern wird, kurz: als noch nicht alles wirklich komplett scheißegal war, gab es ein großes Interesse am gemeinschaftlichen Austausch. Das passierte nicht nur übers geschriebene Wort, sondern auch über die Digitalisierung des ehemaligen Phänomens des Tapetradings. Was früher auf Kassetten überspielte Musikalben waren, waren nun auf CD gebrannte Musikalben. Das Brennen ging jetzt nicht nur schneller und billiger, es konnte nun auch ein ganzer Sack CDs in einem gefütterten Briefumschlag versendet werden. So bekam ich manchmal bis zu 50 CDs mit neuen Musikalben in der Woche zugeschickt, was je nach Lesart entweder glücklicher- oder dummerweise parallel zu meinem sich erweiternden Korridor für neue Stilrichtungen verlief. Um es etwas weniger neutral zu formulieren: es öffneten sich die Tore zur Hölle des Überkonsums. Man merkt derlei eher ungünstige Entwicklungen oftmals nicht unmittelbar, weil sie von der Euphorie über neue Musik und den sich damit materialisierenden frischen Eindrücke und Perspektiven überlagert werden.

Irgendwann aber kamen die ersten Zweifel - und das war unangenehm, weil man sich selbst dabei zusehen musste, wie sich das Engagement, also die bewusste Hinwendung zur Musik langsam zersetzte. Was vor ein paar Jahren undenkbar schien, war nun Realität: Coverartworks und Linernotes verschwanden, damit gab es keine Informationen über die beteiligten Musiker und Produzenten, keine Songtitel, kein Erscheinungsjahr, keine Plattenfirma, kurz: null Kontext. Manchmal vergaß man sogar die Titel der Alben, bevor schon wieder das nächste Päckchen mit zehn neuen Platten im Briefkasten lag. Wir hörten unglaublich viel Musik aus allen möglichen Genres und Epochen - und nahmen fast nichts davon mit. Wir übernahmen nichts, wir bauten nichts ein, nichts konnte sich mehr wirklich mit dem Innern verbinden. Wir häuften irrsinnig viel Wissen an - und wussten nichts mehr. Es erscheint mit Blick auf die Entwicklungen der letzten zwanzig Jahre fast unmöglich, nicht im Brackwasser des Kulturpessimismus unterzugehen.

Es war aber auch nicht alles Doom & Gloom. Ich lernte einerseits unglaublich viel neue Musik kennen, die ich ohne diesen Overkill sehr wahrscheinlich niemals gehört hätte, andererseits blieb auch ohne den oben beschriebenen Rahmen eine ganze Menge davon in meinem Leben, und das nun schon über Jahrzehnte hinweg. Eine dieser Platten ist "Big Rooms" von Deep Space Network, einem Projekt von David Moufang aka Move D und Jonas Grossmann. Ihr Debut aus dem Jahr 1993 gilt in eingeweihten Kreisen als Klassiker der frühen Ambient Techno und IDM Bewegung. Freund Jens, der in den neunziger Jahren und nach dem ersten Abebben der großen Alternative-Welle seine zumindest vorübergehende Erfüllung in elektronischen Sounds fand und sich von Downbeathelden wie Nightmares On Wax, Kruder & Dorfmeister, Red Snapper und Morcheeba die Pappen reichen ließ, machte mich in den besagten Nullerjahren auf "Big Rooms" aufmerksam, als ich gerade meine ersten Gehversuche mit stilverwandten Bands und Platten von Jazzanova und Thievery Corporation unternahm.

"Big Rooms" arbeitet tief im Nervensystem, und das schon ab dem ersten Kontakt. Es ist eine dieser Platten, die praktisch ab dem ersten Ton auffällig anders sind. Denen man einfach zuhören muss. Und die, auch das muss erwähnt werden, mit dem von re:discovery herausgebrachten Vinyl-Release aus dem Jahr 2020 sogar nochmal zusätzlich Gravitas zulegen, weil im konkreten Fall dank eines wirklich sensationellen Masterings die Weite des Raums (pun intended) zur beinahe körperlich spürbaren Erfahrung gerät. Moufang und Grossmann rollen auf dem 75 Minuten dauernden Trip durch Raum und Zeit vom kargen Mondgesteinrauschen bis zum glühenden Milchstraßen-Gangbang auf Steroiden die ganz große Tapete elektronischer Musik aus, verwenden Einflüsse östlicher Musik, weben mystische Sprachsamples in bizarre Fantasiewelten ein, verlegen einen staubigen und von Grasrauch schwer gezeichneten Downbeatteppich, werfen mit links eine Prise reinstes Hochland-Koks auf die Klobrille vom Club und lassen die Kick von der Leine, dösen in einer warmen Augustnacht nackig im Kornfeld, besuchen die Plasmastürme in den Badlands und haben auf dem Rückweg ein Tässchen Ketamin mit Shai-Hulud auf Arrakis. "Big Rooms" verschenkt eine multidimensionale Reise durch spirituelle Welten, und Du bist der Pilot, Du übernimmst das Steuer. Es ist egal, wer Du bist oder woher Du kommst - und es ist auch egal, wohin Du gehst. Alles, was es braucht, ist Dein erster Schritt.

Vinyl und so: Bitte einfach und ohne weitere Fragen den Vinyl Release aus dem Jahr 2020 von re-discovery kaufen und mir später danken. Für einen Fuffi ist man aktuell bei Discogs dabei. Shoot!

Weiterhören: Deep Space Network Meets Higher Intelligence Agency (1996), Deep Space Network & Dr.Atmo - Intergalactic Federation (1993)

Erschienen auf Source Records, 1993.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #167: Stereolab - Transient Random-Noise Bursts With Announcements (1993)

noreply@blogger.com (Flo) — Mon, 05 Jan 2026 22:41:00 +0000

STEREOLAB - TRANSIENT RANDOM-NOISE BURSTS WITH ANNOUNCEMENTS

In Erinnerung an Mary Hansen (1966 - 2002)

Guten Tag zusammen, hier ist Werner Schulze-Erdel, ein herzliches Willkommen bei einer neuen Ausgabe von Familienduell. Auch heute treten wieder zwei Familien gegeneinander an und versuchen mit der höchsten Punktzahl ins Finale einzuziehen. Wir begrüßen Familie Bratwurst aus Erfurt *applaus* und natürlich unsere Titelverteidiger vom letzten Mal Familie Sack aus Gesicht am Rhein *gelächter**applaus*. Jetzt geht's los, starten wir gleich mit der ersten Runde.

Gesucht werden die sechs häufigsten Antworten. Wir haben einhundert Personen gefragt: Welches Wort fasst am besten die musikalischen Strömungen der 1990er Jahre zusammen?

*UMPF* - "Heinrich war am schnellsten, Deine Antwort!" - "Innovation" - "Heinrich sagt: Innovation."

*blingblingblingblingbling* - "Joaaaaa, auf Platz 3 der meistgenannten Antworten, nicht schlecht. Angelika kann das aber mit ihrer Antwort schlagen - Angelika, wie lautet Deine Antwort?" -"Vielseitigkeit" - "Angelika sagt "Vielseitigkeit". Schauen wir mal."

*blingblingblingblingbling* - "Oooooh, Platz 1, sehr gut - dann geht's jetzt mit der Familie Sack auf in die nächste Runde!"

Korbinian, Du bist gerade erst 37 Jahre alt geworden und spielst in Deiner Freizeit am liebsten mit den Unterhosen Deiner Oma. Wir spielen jetzt mit Dir weiter. Biste aufgeregt? Musste nicht, wir sind hier alles Familie, ehehehe. Also: Gesucht werden nun die fünf am häufigsten genannten Antworten auf die folgende Frage; einhundert Personen haben wir wieder gefragt: Welche Band oder welches Musikprojekt verkörperte in den 1990er Jahren Innovation und Vielseitigkeit in ihrer Wahrnehmung am besten? - uuuund die Zeit läuft!

"Hmmmm…." - "Jetzt aber schnell, Korbinian - die Zeit läuft." "Mmmhhhmmmm…." - "KORBINIAN...."

- "STEREOLAB!"

Korbinian sagt "Stereolab" - *blingblingblingblingbling* - "OOOOOHHHH - Stereolab auf Platz 1 bis 5 - damit gewinnt Familie Sack den goldenen Plattenspieler vom Fass, herzlichen Glückwunsch! Liebe Zuschauer, das war's für heute, schalten sie demnächst auch bloß nicht wieder ein. Tschüss!

*zu Korbinian* "Sag mal, hast Du noch so eine Unterho *sendeschluss*

Ich vergesse immer ein bisschen, wie viele große, populäre Trends in den 90er Jahren außerhalb der von mir bewohnten Alternative-Bubble noch ins gesellschaftliche Kollektiv- und Konsensbewusstsein einbrachen und damit jene kulturellen Weichen stellten, die bis heute für Transport und Kommunikation neuer musikalischer Entwicklungen Verwendung finden - Techno und House, RnB und Hip Hop, Britpop und Eurodance - und wenn wir ein Stockwerk runterfahren und ganz kühn sein wollen, fügen wir noch Postrock hinzu - transformierten die ehemals kruden Anfänge der häufig nicht mal abgesteckten Genres in Massenphänomene und schufen damit nicht nur global wirkende Identifikationsräume, sondern damit auch zwangsläufig ein hochdiversifiziertes Ökosystem von Subkulturen. Mir ist schon klar, dass derlei Verkürzungen für Organschäden und Wutausbrüche bei meinen Leserinnen und Lesern sorgen können, aber wir sind hier ja auch nicht in einer von Teddy Adornos Vorlesungen, sondern auf einem Deppenblog aus Deppenheim, dessen Depp vom Dienst gerade manisch damit kämpft, diese einigermaßen unerklärliche Band zu dechiffrieren.

Denn die 1990 von Tim Gane (Gitarre und Keyboard) und Lætitia Sadier (Gesang, Keyboard und Gitarre) in London gegründeten Stereolab sind ein Universalphänomen. Im Opener "Tone Burst" klingt's, als würden Sonic Youth im frühen 20.Jahrhundert die Monster & Mutanten-Show eines Jahrmarkts musikalisch begleiten, im Hit "Pack Yr Romantic Mind" nehmen Stereolab gleich eine Handvoll Postrock Alben aus Chicago vorweg, in "Golden Ball" schrauben sich Velvet Underground - mit Nico, klar - und die Frühneunziger-Ausgabe von Monster Magnet gemeinsam ins Nirvana, nachdem alle eine Opium-Hochdosistherapie ins Frühstück gemischt bekamen. Der über 18-minütige Frontalangriff "Jenny Ondioline" versammelt bei fast durchgängig und stoisch durchgepeitschtem Uptempo alle großen Hypnoseartisten unserer Zeit, angefangen bei My Bloody Valentine über Sonic Youth und Neu! bis hin zu The Cure, gönnt sich aber mit Sadier's französisch-englischem Kauderwelsch melodisch sehr eindrücklich inszenierte Pop-Momente, die den dunklen Vibe des Songs immer wieder brechen.

Eigentlich bekommt man das alles nicht so richtig auf die Reihe, diesen Wahnsinn aus dieser albern zischenden Farfisaorgel, dem das ganze Werk durchziehenden kosmischen Retro-Futurismus, den kantigen Gitarrenrock, den naiv-kindlichen Pop-Gesang der beiden Sängerinnen Sadier und Mary Hansen, bei dem man sowieso stets ins Zaudern gerät, ob hier Distanz oder Zugang entstehen soll. Und obwohl hier eigentlich alles "NEUNZIGER!" kreischt, das experimentelle Element, die Courage, die Unberechenbarkeit, die Slacker-Attitüde und nicht zuletzt auch das Coverartwork, hat "Transient Random-Noise Bursts With Announcements" auch 32 Jahre später seinen Biss nicht verloren - zeigt es doch auf geradewegs schockierende Weise, wie viel Innovation, Diversität und mit Verlaub: Aufbruchstimmung wir in den letzten Jahrzehnten an die Gleichmacher verloren haben. Sowas darf einfach nicht in Vergessenheit geraten.

Vinyl und so: Warp hat 2019 insgesamt sieben Stereolab Alben als Deluxe-Editionen wiederveröffentlicht, darunter auch "Transient Random-Noise Bursts With Announcements". Die 2019er Version kommt als Dreifach-LP im Gatefold mit dickem PP-Sleeve und großem Poster und beinhaltet neben der Originalversion des Albums auch noch alternative Songversionen, Demos und bislang unveröffentlichte Mixe. Diese Ausgabe ist noch für um die 35 bis 40 Euro zu bekommen. Im Februar 2025 hat WARP mit einem neuen Reissue nachgelegt, dieses Mal allerdings ohne die Deluxe-Zusätze. Auch hierfür sollten 35 bis 40 Euro einkalkuliert werden. Ich selbst habe erstgenannte Version und halte sie für eine sehr empfehlenswerte Anschaffung.

Weiterhören: "Emperor Tomato Ketchup" (1996), "Dots And Loops" (1997)

Erschienen auf Duophonic Ultra High Frequency Disks/Elektra, 1993.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #168: Spirit Caravan - Jug Fulla Sun (1999)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 27 Dec 2025 16:47:00 +0000

SPIRIT CARAVAN - JUG FULLA SUN

"I'm pretty sure - and I'm no doctor - but I'm pretty sure, if you die, the cancer dies at the same time. That's not a loss. That's a draw." (Norm Macdonald)

Die Aufnahme von Spirit Caravan in die Liste der besten Platten der 1990er Jahre war eine echte Hängepartie für mich. Nicht musikalisch, weil es diesbezüglich selbst in meinem überdifferenziert tapezierten Oberstübchen keine zwei Meinungen gibt. Allerdings waren die von Sänger und Gitarrist Scott "Wino" Weinrich während der Corona-Pandemie getätigten Aussagen über das Virus, beziehungsweise dessen Herkunft und Bestimmung - irgendwas mit Eliten, Populationskontrolle, biologische Waffen - verbunden mit dem üblichen Remmidemmi mit Klassikern wie "If we, the people, continue to blindly accept this tyranny we are destined for enslavement." - tja, ich bin jetzt geneigt von "entlarvend" oder gar "enttäuschend" zu schreiben, aber am End' war's weder das eine noch das andere. Wino hat schließlich sowohl textlich als auch hinsichtlich früherer Interviewaussagen und Postings auf Social Media abseits der Pandemie so einiges auf dem Kerbholz, das die ein oder andere hochgezogene Augenbraue provozieren könnte. Nun sortiere ich mein "Deppenmusiker"-Wertesystem immer noch recht regelmäßig nach den beiden Hauptkategorien "Unbedenklich" und "Indiskutabel" nebst unterschiedlicher Unter-, Zwischen- und Drübergruppen und entscheide auf Einzelfallbasis, meine: was hält die Gallenkotze noch im Magen und was bringt sie zum Überschwappen? Wen kann ich noch schmerzfrei hören, wer kann im Plattenschrank stehenbleiben, wer wird zur Persona Non Grata erklärt und bedingungslos vor die Tür gesetzt? So verfuhr ich auch für die Auswahl dieser Bestenliste. Das nur als Disclaimer, falls mir irgendjemand im Oktober 2028, wenn der ganze Spuk hier vorbei ist, und wir immer noch am Leben sind, ein "DU HAST [hier bitte Deppenband einfügen] VERGESSEN!" in die Kommentare brettert. Man darf sich sicher sein: habe ich nicht. Beziehungsweise eben doch, aber mit Absicht. Mein Hausarzt fuhr bei meinem letzten Praxisbesuch einen im Gang stehenden Patienten an, der sich weigerte, das Wartezimmer aufzusuchen: "Sie gehen da jetzt rein. Das ist meine Praxis, ich bin hier der Chef, und sie tun das, was ich ihnen sage. Haben wir uns verstanden? Ja? Schön! Also, da geht's lang!" - In diesem Sinne: ich bin sicher, wir haben uns auch in dem just vorangestellten Kontext verstanden. Suck it up.

Im Falle Spirit Caravan gibt es nun allerdings gar nicht so viel up zu sucken, denn dass also nun mit "Jug Fulla Sun" das Debut dieser bemerkenswert guten Band auf Platz 168 steht, ist ein deutlicher Hinweis darauf, dass meine Wenigkeit sich trotz Winos intellektuell eher unterfordernden Gedankengerölls zu einem prächtig erigierten Daumen hinreißen lassen konnte. Vielleicht ist an dieser Stelle auch die Einlassung noch lohnenswert, dass ich historisch keine ausgeprägte Liebesbeziehung zu Wino und seinen früheren Bands pflege. Ich mag The Obsessed, ich mag ein bisschen St.Vitus, und ich kann sowohl seinen Status als auch Einfluss auf die Subgenres Doom und Sludge anerkennen, aber eine alles durchdringende Liebe war's praktisch nie.

Das sollte sich immerhin im Winter 1999 ein bisschen und lebenssituationsbedingt im Frühjahr/Sommer 2000 sogar ein ganz viel bisschen ändern. Ich kaufte mir die CD von "Jug Fulla Sun" im so legendären wie mittlerweile leider geschlossenen Frankfurter Plattenladen "Musikladen" im Dezember 1999, als ich es mir zwar bis über beide Ohren verliebt, aber leider nur wochenendbezogen, in der ersten eigenen Wohnung im Frankfurter Stadtteil Rödelheim gemütlich machte und gemeinsam mit Instant-Eistee, Haschgift, handgebatikten Vanille-Kokos-Kerzen und heißer Badewanne rauschende Nächte der Vereinsamung feierte, und sowohl hinsichtlich der Wohnung als auch des Albums nullkommanull Eingewöhnungszeit benötigte. Alles klickte sofort. Die "Graf Koks"-Safranpizza vom Italiener gegenüber, die einsam im Wohnzimmer stehende Ledercouch, olfaktorisch ein vor sich hin glühendes Potpourri aus Benson & Hedges, Douglas-Parfümerie und der B-Ebene im Frankfurter Hauptbahnhof - und dazu läuft dieses sonnige und zugleich melancholische, vor positiver Kraft fast platzende Doom-Fuzz-Stoner-Hippie-Geschoss mit den allerbesten Riffs und Grooves über Tage in Endlosschleife. "Schiebt wie Drecksau!" entfuhr es da Ingo, dem Gitarristen meiner damaligen Band Broken, als die ganze Bande mit Augen, deren Schlitze selbst für Zahnseide noch zu eng gewesen wären, im Proberaum saß und Florians wöchentlichem Musiktipp Folge leistete, also nach getaner Band-Arbeit doch noch ein Stündchen dieser Platte zuzuhören. Es waren bewegte und bewegende Zeiten.

Die sogar noch etwas lebhafter wurden, als der Winter zur Seite rückte und den ersten warmen Sonnenstrahlen des Jahres Platz machte. Als ich mich im neonorangefarbenen Opel Corsa auf den freitäglichen Weg zur Herzallerliebsten nach Nürnberg auf die Autobahn schwang und im ubiquitären Stau mit heruntergekurbelten Fenstern und Atomkriegslautstärke einen solchen Geniestreich wie "Melancholy Grey" mit ausladender Armfuchtelei mitsang, immer und immer wieder. Alles war Sonne, Freiheit, Übergeschnapptheit - und "Jug Fulla Sun" passte sich genau in dieses Lebensgefühl ein. Ich halte das bis heute auch deshalb für so bedeutsam, weil Doom ja oft nicht ohne Grund Doom heißt, mit all seiner Schwerfälligkeit, dem Pathos, der Ausweglosigkeit - und bei aller Nähe für jene tiefgrauen Zustände, empfinde ich das immer ein bisschen zu prominent ins Schaufenster gestellte Leid auch manchmal als überkandidelt. "Jug Fulla Sun" hat damit nichts an der Frisur. Ich könnt's jetzt ganz billig und schnell machen und den ollen "Nomen et Omen"-Spruch bringen. Oder "Draußen nur Sonnenkännchen!". Oder die drei Haschblüten vom Grill, Wino, Drummer Gary Isom und den im Jahr 2022 leider verstorbenen Bassisten Dave Sherman die Sonnenkönige des Doom nennen.

Genau so wird's gemacht: Spirit Caravan sind die Sonnenkönige des Doom.

Vinyl und so: Das Album erschien 15 Jahre nach der Veröffentlichung 2014 erstmals via Exile On Mainstream auf Doppelvinyl (mit einem schönen Etching auf der D-Seite). 2023 folgte ein neuer Re-Release von Improved Sequence Records auf schwarzem, grünem und gelben Vinyl. Man bekommt beide Editionen noch, aber muss mit um die 60 Euro für die 2023 Version und mit gut 80 Euro für die Exile On Mainstream Pressung kalkulieren. Letztere hat ein Glossy Cover und klingt super.

Weiterhören: "Elusive Truth" (LP, 2001), "Dreamwheel" (EP, 1999)

Erschienen auf Tolotta Records, 1999.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #169: Alanis Morissette - Jagged Little Pill (1995)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 20 Dec 2025 13:43:00 +0000

ALANIS MORISSETTE - JAGGED LITTLE PILL

"Heute ist nicht die Kriegsgegnerschaft, sondern die Kriegsbefürwortung tonangebend. Wer für den Frieden ist, kann nicht mehr für den Westen und für die Freiheit und was auch immer sein. In nahezu allen politischen Fragen heute gibt es im Großen und Ganzen nur Zustimmung. Und die geht bis zu dem Flügel der Linken oder der Regierung, der alles mitmacht, aber immer mit Bauchschmerzen. Abschiebung und Aufrüstung mit Bauchschmerzen." (Jakob Hayner)

Wenn von einer Platte über 33 Millionen Kopien verkauft werden, darf ruhigen Gewissens von Mainstream geredet werden. Und dem Mainstream gegenüber sollte man stets zumindest skeptisch sein. Der Mainstream ist immer gefährlich, zu groß, zu breit, zu laut, zu überall. Mainstream ist auch immer Propaganda. Immerhin erlaubt es die angewandte Skepsis, auch noch mit zeitlichem Versatz darauf reinfallen zu dürfen, wenn es sich nicht vermeiden lässt. Manchmal ist man vom beliebten Schauspiel-Duo "Dumm und Dümmer" eben der Zweitgenannte und gibt einfach langsam nach, beziehungsweise auf. Schmeißt das Handtuch, umarmt den Drachen.

Denn das ist die Sache: mindestens (!) acht Songs auf "Jagged Little Pill" sind herausragende Hits und gehören in den Kanon der neunziger Jahre wie Parker Lewis, Calvin Kleins "cK One" Werbestrecke und Quarzen im Flugzeug. Und jetzt frage ich Sie: soll die Redaktion von Dreikommaviernull aus Gründen der CrEdIbIlItY etwa darauf verzichten, ein solch wegweisendes Album in die Bestenliste der 1990er Jahre aufzunehmen, weil ein Großteil der 33 Millionen Käufer*innen es zum gemütlichen Sonntagsbrunch mit der auf Sylt kennengelernten Deppenfamilie (Einfamilienhaus, Mercedes SUV, beiger Pullover über die Schultern gelegt) als sanft säuselnde Hintergrundmusik aufgelegt hat?! Oder weil Alanis im Allgemeinen und (der Erfolg von) "Jagged Little Pill" im Besonderen vielleicht dafür verantwortlich gemacht werden könnte, wenn nicht müsste, Sängerinnen wie Katy Perry oder die unvermeidbare Taylor Swift erst möglich gemacht zu haben?! Bevor mir die Fanpost mit den lieblichen Gewaltfantasien ins Haus bombt - ich würde den Teufel tun und letzteres als tatsächliches Argument ins Feld führen: gegen Ende der neunziger Jahre kamen ein paar echte Sackgesichter auf die Idee, ausgerechnet einer Band wie Mudhoney unter die Nasen zu reiben, sie seien Schuld an Creed und Nickelback. Und da fragt man sich, warum Mark Arm immer so schlechte Laune hat.

Jedenfalls: "Jagged Little Pill" bewegt sich in dieser seltsamen Twilight Zone zwischen Pop und Alternative Rock und es braucht nicht viel, um die Vermutung anzustellen, es sei das richtige Album zur richtigen Zeit gewesen. Der in den späten achtziger und frühen neunziger Jahren gelegte Grundstein für die kulturelle und gesellschaftliche Öffnung, das neue Selbstverständnis der Generation X, so oder so eine Bewegung, die sich mit den Ambivalenzen zwischen Einsamkeit und Autarkie bestens auskannte, und der 1995 beinahe abgeschlossenen Demontage der ersten Grunge-Welle öffnete einer Platte Tür und Tor, die einerseits glatt genug war, um in den Mainstream einzubrechen, andererseits aber sowohl im lyrischen Vortrag über Selbstfindung, weibliche Sexualität und Zorn als auch in der Inszenierung Morissettes als kratzbürstiges Enfant Terrible gerade so viel Edginess versprühte, um die junge Generation anzuzünden. Die Entstehungsgeschichte von "Jagged Little Pill" nimmt exakt diesen Erzählfaden auf und schreibt ihn weiter: Alanis befand sich mit ihrem 1991 veröffentlichten Debutalbum in ihrem Heimatland Kanada schon auf dem Weg zum Star, wurde dann jedoch nach dem sich deutlich schlechter verkaufenden zweiten Album von ihrem Label MCA vor die Tür gesetzt. Nicht zuletzt kamen den Labelbossen Morissettes Ideen zur künstlerischen Selbstbestimmung in die Quere - und die derart von einem gerade mal siebzehnjährigen Mädchen herausgeforderte Männerwelt reagierte so, wie man es von einer von einem gerade mal siebzehnjährigen Mädchen herausgeforderten Männerwelt eben erwartet: "Mädchen, da ist die Tür!"

Über Umwege machte Morissette 1994 Bekanntschaft mit den Produzenten Glen Ballard, mit dem sie die Songs von "Jagged Little Pill" in Rekordzeit entwickelte. Die Regeln: einen Song pro Tag schreiben und aufnehmen, dazu eine strenge "Maximal 2 Takes Only"-Politik. "Ironic", neben des bebenden "You Oughta Know" der größte Hit der Platte, wurde in gerade mal 20 Minuten zusammengepuzzelt. Und noch ein Eckchen wahnsinniger: selbst als die ersten Aufnahmen später im Studio nochmal etwas verfeinert wurden - unter anderem wurden Dave Navarro und Flea eingeladen, um der Leadsingle "You Oughta Know" mehr Alternative-Flair und -Glaubwürdigkeit zu verpassen - entschied sich das Team Morissette/Ballard dazu, die vormals gemachten Demoaufnahmen der Vocals für die Platte zu verwenden. Nicht, dass es im Jahr 2025 wirklich noch auch nur die klitzekleinste Bestätigung für Morissettes außergewöhnliches Gesangstalent benötigen würde, aber ich möchte dennoch einen Blick in das hier verlinkte "Songs That Changed Music" - Video empfehlen, in dessen Verlauf ihre von der Musik isolierte Stimme zu hören ist. Es ist schlicht atemberaubend. Diese Spontanität und Lebendigkeit, aber auch die dadurch entstehende Unvollkommenheit waren, und sind es bis heute, die Schlüssel für den Erfolg von "Jagged Little Pill". Das - und freilich zwölf Songs, die alle als Single funktionieren könnten. Kritiker wie Anthony Fantano äußern sich zwar bisweilen zurückhaltender, weil die Songs abseits der großen Hits das Album nicht tragen könnten, aber ich stimme derlei Einschätzungen nicht zu. Ganz im Gegenteil möchte ich speziell auf "Forgiven" verweisen, den für mich besten Song dieser Platte, mit fünf Minuten Spielzeit vielleicht alleine deshalb nicht unbedingt singletauglich, aber sowohl musikalisch als auch textlich - Katholizismus und die damit vor allem für Frauen verbundenen Schuldgefühle - ein herausragendes Beispiel für einfach brillantes und zeitloses Songwriting. Es ist fast unmöglich, sich der Anziehungskraft von "Jagged Little Pill" zu entziehen, Mainstream hin oder her.

Vinyl und so: der durchschlagende Erfolg des Albums macht es möglich, "Jagged Little Pill" selbst im Jahr 2025 zum kleinen Preis von manchmal sogar unter 20 Euro auf Vinyl erleben zu können. No-Brainer.

Entgegen der gängigen Praxis, an dieser Stelle das ganze Album einzubetten, zeige ich euch dieses Mal lieber das Fernsehdebut von Alanis Morissette in der Late Night Show von David Letterman (übrigens mit Taylor Hawkins am Schlagzeug) aus dem August 1995 mit der Hitsingle "You Oughta Know". Aus Gründen des Wirbelwinds.

Erschienen auf Maverick, 1995.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #170: Blind Melon - Blind Melon (1992)

noreply@blogger.com (Flo) — Mon, 15 Dec 2025 06:45:00 +0000

BLIND MELON - BLIND MELON

"I know we can’t all stay here forever

So I want to write my words on the face of today

And they’ll paint it"

(Blind Melon, "Change")

Das 1992 erschienene Debut von Blind Melon eignet sich bestes dazu, ein paar scheinbar festzementierte Erzählungen über die sogenannte alternative Rockmusik aus der ersten Hälfte der neunziger Jahre in Flammen aufgehen zu lassen. Dafür zündet man zunächst mal die komplette Musikpresse und anschließend die PR-Abteilungen der Majorlabels an, die beide zu gleichen Teilen dafür verantwortlich waren, einer ganzen Generation von Musikfans erfolgreich zu vermitteln, dass praktisch alles, was vor "Nevermind" erschien, überholter und altmodischer Kernschrott war - während sie gleichzeitig Bands vermarkteten (das Wort ist mit Bedacht gewählt, fyi), die sich musikalisch bei fast allem bedienten, was eben vor fucking "Nevermind" erschien. The Black Crowes, anyone? Monster Magnet, anyone? Und natürlich: Blind Melon, anyone? "The Great Grunge Swindle", der noch ungeschützte Titel meines noch ungeschriebenen Buches. Don't hold your breath.

Blind Melon hatten es in dieser Hinsicht entweder doppelt leicht oder doppelt schwer, je nachdem, welchen Standpunkt man einnimmt. Die 1990 in Los Angeles gegründete Band ging mit der im Juni 1993, und damit neun Monate nach Albumrelease ausgekoppelten Single "No Rain" nebst des ikonischen Videoclips endgültig durch die Decke und verkaufte alleine in den USA über drei Millionen Alben des Debuts. "No Rain" war dabei in Hinblick auf den Vibe des Albums und der Außenwirkung der Band gehörig missverständlich, denn der leichte Swing mit niedlicher Hippiebestrahlung ließ darauf hindeuten, Blind Melon seien Susi Sorglos sein Vadder und also frech, frei und unbeschwert. Tatsächlich war der Text von der damaligen Freundin von Bassist Brad Smith inspiriert, deren Depressionen sich unter anderem darin zeigten, dass sie sich beschwerte, wenn es nicht regnete, tagelang das Haus nicht verließ und stattdessen im Bett blieb und unentwegt Bücher las. So befassten sich auch die übrigen Texte des Albums überwiegend mit den eingetrübten Momenten menschlicher Existenzen und deren emotionalen Tiefpunkten. Zusätzlich sorgte der Erfolg von "No Rain" dafür, die Band im erweiterten Szenekreis als One Hit Wonder abzustempeln. Angesichts der beeindruckenden Sammlung echter Deep Cuts auf diesem Debut ist das zwar völlig bizarr, aber ich fürchte, so funktioniert das Geschäft.

"I was born on the banks off a hot muddy river
The child of one stupid steamy night
Born to roam beneath the sun
What do you think of me, I’m better left alone"

Es ließen sich ganze Bücher über die Vielseitigkeit und Musikalität dieser Band füllen. Der mühelos erscheinende und authentische Groove zwischen Funk und Classic Rock von einer der zeitgleich besten sowie unterbewertesten Rhythmusgruppen der Rockszene - Glen Graham spielt am Schlagzeug um sein Leben; was für ein Drummer, fuck me! - und die Kreativitätsexplosionen der beiden Gitarristen Roger Stevens und Christopher Thorn, die praktisch niemals dasselbe spielen, sich hier mal annähern, bevor sie sich dort wieder voneinander distanzieren und wie zwei verliebte Schmetterlinge auf psychedelischen Drogen unbeirrt um sich herum kreisen, bilden den Rohbau ihrer Musik mit sich überdeutlich zeigenden 1970er Merkmalen aus dem Hitkoffer von Led Zeppelin oder auch ZZ Top. Trotz aller Reminiszenzen an eine musikalische Ära, mit der die Zeit, mit Verlaub, alles andere als gnädig umging, klingt "Blind Melon" auch 33 Jahre nach der Veröffentlichung so frisch, lebhaft und anziehend wie am ersten Tag, nicht zuletzt durch die gleichfalls unverfälschte Produktion von Rick Parashar, der schon Pearl Jams "Ten" betreute und das lebendige, schöpferische Moment der größtenteils live eingespielten Cuts in der Zeit einfrieren konnte. Und natürlich muss man in diesem Zusammenhang Sänger Shannon Hoon erwähnen. Der 1995 viel zu früh verstorbene Sänger aus Lafayette trägt diese Songs in den Obertönen mit seiner charakteristischen Stimme in die Ewigkeit. Was für ein Talent. Diese Leichtigkeit, dieser Instinkt. Und immer noch: was für ein Verlust.

Ähnlich wie im Falle Candlebox und deren zweitem Album "Lucy" könnte auch bei Blind Melon die Frage diskutiert werden, ob das im Vergleich zum erfolgreichen Debut kommerziell eher enttäuschende Nachfolgealbum "Soup" aus künstlerischer Sicht das bessere Werk ist. Ich halte mich in beiden Fällen ein bisschen zwischen den Welten auf. Mehr Szenepoints ließen sich vermutlich mit "Lucy" und "Soup" machen, und es gibt auch abseits derart trivialer Ego-Wanks einige gar nicht so üble Gründe, die vermeintlichen schwarzen Schafe der Diskografie interessanter zu finden. Die Nadel schlug nun bei beiden Bands minimal zu Gunsten ihrer Debuts aus - und wenn ich damit Leben kann, könnt ihr es auch. Muss man's so oder so gehört haben und lieben? Sowieso!

Vinyl und so: Ich mach's kurz. Für die Erstpressung muss man einen Bausparvertrag auflösen, das ist inakzeptabel. Vor allem, weil der 2014 erschienene Repress von Music On Vinyl klanglich wie gewohnt eine echte Sensation ist. Wer etwas anderes behauptet, und ein Blick in den Kommentarbereich auf Discogs bestätigt es, hat Bauschaum in den Ohren. Die Leute sind wirklich alle völlig beknackt. Mit um die 30 Euro ist man dabei. Muss man eigentlich haben. Isso.

Erschienen auf Capitol, 1992.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #171: L.S.G. - Into Deep (1999)

noreply@blogger.com (Flo) — Sun, 07 Dec 2025 16:08:00 +0000

L.S.G. - INTO DEEP

"You have 62 people worth the amount the bottom three and a half billion people are worth. Sixty-two people! You could put them all in one bloody bus… then crash it!” (Brian Eno)

Mein Weg in die Tiefe war erstens spektakulär verspätet und zweitens eine Mischung aus Zufall und Schicksal, je nach Glaubenssystem meiner verehrten Leserinnen und Leser, denn so opportunistisch bin ich schon lange. Die Geschichte geht so: vor einigen Jahren machte ich es mir zur zwar sinnlosen, aber immerhin Aufgabe, die Punk- und Hardcoreszene meiner Heimatstadt Frankfurt am Main in den 1980er und frühen 1990er Jahren zu recherchieren - nicht zuletzt, weil ich ab Ende der Neunziger selbst Teil davon wurde und damit Proberäume bewohnte und Bühnen betrat, die bereits von Generationen vor mir für lauten Krach und Agitation besetzt wurden. Und selbstverständlich ist auch dieses Nachforschen in außerordentlich dick angerührtem Nostalgiekleister getaucht - und das Bild ist mit Bedacht gewählt, weil ich an sowas einfach immer kleben bleibe. Die Lust, der damaligen Atmosphäre in der Stadt nachzuspüren, die von ehemaligen Bandkumpels erzählten Geschichten aufzugreifen, Bands neu zu entdecken und auch persönliche Entwicklungen von beteiligten Musikern auch über Genregrenzen hinaus zu verfolgen, wird niemals keine große Anziehungskraft auf mich ausüben. Jedenfalls: wer sich mit Thrash, Punk und Hardcore zu jener Zeit in Frankfurt beschäftigen möchte, stößt früher oder später auf den mit "Frankfurt Hit Collection" etwas irritierend betitelten Sampler vom Label Alm Räcords aus dem Jahr 1989 und damit auf Bands wie Bück Dich Und Die Gichtkröten, Mähthrasher (völliger Oberkult!) und Persecuted Pharisees. Der entsprechende Kaninchenbau hierzu ist nicht so irre tief, aber ein paar Verästelungen hinsichtlich Alben, Singles, Bandmitglieder und ihren anhängenden späteren Lebenswegen lassen sich durchaus finden. Die Frankfurter Band Pullermann beispielsweise hatte mit Cybéle De Silveira eine Sängerin in ihren Reihen, zu welcher eine kleine Netzrecherche ergab, dass sie im Jahr 1999 auf dem Album "Into Deep" von Oliver Liebs langjährigem Trance-Projekt L.S.G. Vocals beisteuerte, und ganz ehrlich: was wären wir ohne Discogs?! Nun ist einerseits "Into Deep" vom Schrot-und-Korn-Punkrock Pullermanns ungefähr 3,4 Millionen Galaxien entfernt und andererseits ein hoch gehandelter Klassiker im Trance und Chill-Out Gewerbe der 90er Jahre - und darüber hinaus. Musste ich das also hören? Natürlich musste ich das hören.

Denn wie nicht zum ersten Mal auf diesem Blog sehe ich mich zu der Einlassung provoziert, von Musik, die sich in den neunziger Jahren außerhalb des minimal erweiterten Rockzirkels abspielte, nicht mal entfernt eine ähnliche Detailtiefe im Gedächtnis herumzutragen. Und auch wenn sehr wahrscheinlich das Volumen von vor dreißig Jahren produzierter Musik nicht mit heutigen Zahlen vergleichbar ist, wurde auch schon zwischen 1990 und 1999 unfassbar viel Musik veröffentlicht. Ohne ein soziales Umfeld, das einem für eine Rückschau ein bisschen Hand und Herz führt, ist ein Abtauchen in diesen Ozean voller Klang komplett überwältigend. Und wo wir schon bei Oliver Lieb sind: der Frankfurter Produzent bespielt seit 1988 das weite Feld elektronischer Musik und hat alleine schon weit über 250 Singles und Alben unter unzähligen Band- und/oder Projektnamen im Lebenswerk verewigt. Overkill.

Mit den in den letzten 20 Jahren gemachten Erfahrungen in der Auseinandersetzung mit elektronischer Musik indes habe ich heute einen völlig anderen Zugang zu "Into Deep", als ich ihn im Veröffentlichungsjahr 1999 gehabt hätte. Zumal auch eine stilistische Einordnung in den Zeitgeist der neunziger Jahre lohnenswert erscheint, als Chill Out-Rooms nicht nur zum festen Interieur der damaligen Clubkultur gehörten, sondern sich gleich ganze Genres aus diesem Ökosystem entwickelten. Trance, Chill Out, Ambient, Downbeat und alles mitten- und zwischendrin, amalgamiert in einem Lebensgefühl aus Freiheit, Hedonismus, Pioniergeist, Aufbruch und Outsider-Rebellion. Ein Mikrokosmos im Mikrokosmos. Ich wünschte heute, ich wäre dabei gewesen, mittendrin im Schweiß durchtanzter Nächte in den Frankfurter Club-Legenden Dorian Gray oder Omen, im Rausch und Flausch einer außer Rand und Band gedeihenden neuen Subkultur. Wer eine Idee davon erspüren wollte, welche Bedeutung diese Zeit für die Zeitzeugen hatte, konnte sich im mittlerweile leider gelöschten Kondolenzbuch für den im Jahr 2006 verstorbenen DJ Mark Löffel aka Mark Spoon ein eigenes Bild machen. Ich selbst war von den damals hinterlassenen Kommentaren so tief beeindruckt, dass ich nicht nur einige der dort niedergeschriebenen Passagen für den Text eines Songs meiner Band Blank When Zero verwendete, sondern mit dem Satz "Es ist so fucking leise, alles!" auch noch gleich seinen Titel fand. Weil einerseits klar war, dass es hier nicht nur um die polierte Oberfläche der Nostalgie ging, sondern andererseits um die tiefgreifende Auseinandersetzung mit dem eigenen Leben, den Lebenslinien, den Träumen, den Hoffnungen und unweigerlich auch mit den Enttäuschungen und Verletzungen. All das ergibt Kontext - und nichts existiert wirklich außerhalb davon. Nirgends. Für Niemanden.

Und all das führt uns hier und heute ins Jahr 2025, führt uns zu "Into Deep" und zu einer Musik, die von Beobachtern und Zeitzeugen bis heute als Meilenstein elektronischer Musik verstanden wird; in einem Genre, das zunächst von wegweisenden und stilprägenden Compilations wie Café Del Mar und Buddha Bar nicht nur erfolgreich, sondern auch künstlerisch relevant wurde bevor später - wie es systemisch eben immer, immer, immer und immer wieder passiert - von Marketing und Werbung bis zur Selbstparodie entbeint und ausgehöhlt in den großen Ramsch-Grabbelkisten endete. "Into Deep" war kein Mainstreamhit, denn dazu war es - pun intended - zu deep. Sein Aufbau und Storytelling ungewöhnlich, überraschend und versatil, seine im Untergrund über mehrere Ebenen aufgefächerten Kompositionen verschwenderisch und komplex. Wer immer noch dem so alten wie arroganten Narrativ der Rockszene folgt, elektronische Musik sei grundlegend emotional unterfordernd, flach, oberflächlich und struktuell fürs zugekokste Partyvolk auf der Love Parade gebaut und für sonst nichts, hat niemals zugehört. Ist vom derart hohen Ross aber auch schwierig. Zugegeben.

Vinyl und so: Nix. Ich bezweifle auch, dass sich daran jemals etwas ändern wird, aber die CD gibt's für einen Zehner.

Erschienen auf Superstition, 1999.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #172: Therapy? - Troublegum (1994)

noreply@blogger.com (Flo) — Fri, 21 Nov 2025 15:17:00 +0000

THERAPY? - TROUBLEGUM

"Sometimes I don’t listen to anything; I listen to birds." (William Basinski)

Sowohl Umfang als auch Qualität meines musikalischen Frühlings- und Sommerkatalogs des Jahres 1994 waren atemberaubend. Ich war in der 11.Klasse und hatte mich just aus dem erschütternden Tief des Halbjahreszeugnis' mit gleich zwei glatten Fünfern in Geschichte und Chemie erfolgreich herausgeschaufelt, die neuen Alben von Fates Warning, Soundgarden, Tiamat und Vicious Rumors in Dauerschleife auf den Ohren, und außerdem blickte ich auf einen weiteren Sommer im Glitzerfummel auf den Rollschuhbahnen des germanischen Kartoffelackers:

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

Ein von @theeverflow geteilter Beitrag

Ach, was für ein Jahr!

Etwas "auf den Ohren" zu haben klingt zwar ein bisschen nach Boomer-Bernd, aber es war ziemlich wörtlich zu nehmen, wenn ich mir auf den täglichen Busfahrten ins Training meine neuen Lieblingsplatten mittels Walkman und den steinzeitlichen, weil auf den Ohren aufsitzenden Kopfhörern in die aurale Blutbahn feuerte. Der große Nachteil dieser Kopfhörer war, dass sie mit ihrem dünnen Klappergestell alles andere als fest auf den Ohren lagen - und weil Rebelli-Flori seine Musik immer zwei Handvoll Dezibel über der Schmerzgrenze hören wollte und der aus den 1980er Jahren stammende Walkman noch keine Lautstärkelimitierung eingebaut bekam, wurde also der ganze Scheißbus mitbeschallt. Aus heutiger Sicht eine völlige Zumutung, damals war ich aber davon überzeugt, es so genau richtig zu machen. Nun waren manche Platten entweder schon im Original etwas leiser gepegelt, oder die Schrottaufnahme auf der schon zigfach durchgenudelten Kassette glättete die lautesten Stellen, womit sich die irritierten bis bösartigen Blicke der Mitreisenden in Grenzen hielten. Aber dann kam "Troublegum".

"Troublegum" ist ungeheuerlich laut. "Troublegum" hat einen unerbittlichen Punch; die Snare alleine kann töten. Und "Troublegum" war folgerichtig dafür verantwortlich, zum ersten und einzigen Mal wegen der Lautstärke im Bus angeraunzt zu werden.

Das vierte Studioalbum der nordirischen Band ist nicht nur wegen seiner Produktion einzigartig. Streng genommen kam mir auch aus stilistischer Sicht bis heute keine vergleichbare Platte unter. Die Noiserock-Elemente der Vorgängeralben vermischen sich hier mit melodisch-abgedunkeltem Punk, abgründigem Postpunk und einem indifferenten Goth-Vibe mit Teenage Angst in den Texten. So erinnert der Refrain von "Hellbelly" ein kleines bisschen an den Type O Negative Hit "Black No.1", "Lunacy Booth" (mit Silver Fishs Lesley Rankine als Gastsängerin) gar an die legendären Warrior Soul und deren Spiel mit Harmonien zwischen dem führenden Bass und der flächenbildenden Gitarre. "Femtex" channelt in den Strophen Metallicas "One" und über praktisch jeder Note dieses Albums schwebt sowieso der Geist von Helmet:

"We went on tour with Helmet in America and we just loved the way they used the power of the riff to stop and start, with these staccato blasts." (Andy Cairns)

Wo hat man eine solchen Mix mit diesem Zug, diesem Drang vorher oder nachher nochmal gehört? Ich glaube es Ihnen, auch wenn nur Sie es wissen. Und apropos Helmet: deren Gründer/Sänger/Gitarrist Page Hamilton spendierte sogar ein Solo für den Song "Unbeliever", den Therapy? nach Abschluss der Aufnahmen unbedingt als erste Single auskoppeln wollten. Nach dem Veto der Plattenfirma ("Wir haben euch noch nie in irgendwas reingeredet, aber das ist eine wirklich schlechte Idee!") wurde es schlussendlich "Nowhere" - und damit zu einem ihrer größten Hits. Cairns: "I guess they were right."

Über dreißig Jahre nach der Veröffentlichung klingt "Troublegum" immer noch irrsinnig gut und dazu sogar überraschend zeitgemäß. Dass man hier auf keine vielschichtigen und komplexen Songstrukturen stoßen wird ist ebenso eine Wahrheit wie dass über die zigfachen Wiederholungen der Refrains mit ein bisschen mehr Ernsthaftigkeit diskutiert werden müsste. Vielleicht fehlt damit auch ein bisschen...Gravitas?! Aber, und auch das gehört zur Einzigartigeit von "Troublegum": es ist und bleibt einfach eine fast schon unwirkliche Ansammlung von Hits. Nicht nur die im besten Fall üblichen zwei oder drei - nein, vierzehn! Vierzehn Hits!

Vierzehn spektakuläre, fantastische, fucking unkaputtbare Hits.

Vinyl und so: Die Erstpressung auf grünem Vinyl in gutem Zustand bekommt man für etwa 70 Euro. Die günstigere Variante ist die Wiederveröffentlichung von 2021 von Music On Vinyl auf schwarzem Vinyl, die es immer noch für um die 30 Euro gibt. Auf Discogs sind Kommentare zu lesen, die sich über den Sound ebenjener Version beschweren, aber die Leute sitzen wie so oft einfach alle auf ihren Ohren: Die 2021er Pressung klingt absolut fantastisch und sei meinen ehrenwerten Leserinnen und Lesern hiermit dringend empfohlen. Zum 30.Jubiläum wurde das Album 2024 außerdem noch mit zwei neuen Re-Releases bedacht: eine Standardversion auf Caramel-Vinyl und die Deluxeversion als Doppel-LP in den Farben Silber und Lavendel. Kein Gatefold und keine Linernotes, dafür aber (bereits veröffentlichte) Single B-Seiten und EP-Tracks auf der zweiten LP. Ich kenne diese Variante nicht, aber auch wenn sich das verantwortliche Presswerk GZ Media in den letzten Jahren hinsichtlich der Qualität ihrer Pressungen durchaus verbessert hat, mahne ich vor allem angesichts des hohen Preises (50+ Euro) zur Vorsicht.

Weiterhören: "Infernal Love" (1996), "Nurse" (1992)

Erschienen auf A&M, 1994.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #173: The Necks - Hanging Gardens (1999)

noreply@blogger.com (Flo) — Sun, 16 Nov 2025 10:39:00 +0000

THE NECKS - HANGING GARDENS

"Where is the border between composition and improvisation? I think if you’re a good musician, and I hope some of us are, the border is not there anymore. Because if you have feelings, and you’re able to listen to what others do, and if you create a kind of form – and it can be an open form – then you’ve got something. You really don’t know what you’re going to do in the middle, but it happens and it comes to an end and you have a feeling, “Okay, that’s it.”

(Peter Brötzmann)

Vor etwas mehr als 20 Jahren war ich derart kolossal von zeitgenössischer Rockmusik gelangweilt, dass nahezu jede sich öffnende Tür zu neuen musikalischen Räumen als Eintritt in eine neue Welt gefeiert wurde. Alles war Erneuerung, alles war Öffnung, alles war Freiheit. Und alles war gleichzeitig auch dünnes Eis, weil meine Rock-Sozialisation zwar dafür sorgte, alles über Gitarrenriffs, Band-Stammbäume, Langhaarpflege ("Nur die Spitzen, bitte!") und Flanellhemden zu wissen, aber nicht mal den Hauch einer Ahnung zu haben von der Improviation des Jazz, dem Selbstverständnis der elektronischen Musik, den Wurzeln des Hip Hop und sowieso all of the above. Das Neue kam also mit einer Lawine aus Fragezeichen. Und das machte mir Angst, weil ich auf unbekanntem Terrain herumgewirbelt wurde und wortwörtlich nicht mehr wusste, wo oben und unten ist. Ich war kein "eXpErTe" mehr, der den zwielichtigsten Untergrundhaufen aus einer Garage auf Long Island kannte; ich war plötzlich ein völlig planloser N00b. Und wie oft in ähnlichen Situationen ging ich nicht langsam und bedacht ins tiefere kalte Wasser, sondern schaute dabei zu, wie mir Freunde ein Loch ins arktische Packeis sägten und mich anschließend hineinschubsten, meine: ich hatte keinerlei Interesse an einer behutsamen Heranführung, an passenden Einstiegspunkten, an Geschichtswissen. Ich wollte sofort den abstraktesten, abgefucktesten, sperrigsten Scheiß. Eines meiner ersten Elektronikalben war Autechre's "Untilted". If you know, you know. Und wer jetzt anerkennend die Augenbrauen hochzieht, dem sei versichert, hier keinen Raum für Selbstvertrauen und -überschätzung zu finden. Denn ich verstand: Nichts. Null. Zero. All das, was mir jahrelang Magazine wie das Rock Hard oder der Metal Hammer über Rockmusik vermittelten, holte ich mir jetzt mit einer überwältigenden Dosis Demut bei meinen Packeis-Freunden: "S...sag mal, ist das denn alles tatsächlich "komponiert" oder ist das bloß Zufall?" - als ob's darauf ankäme. So bescheuert sich so manche Frage auch anhören mochte, alles half beim Brücken bauen.

Und wie man an diesem schmerzhaft extensiven Prolog zu den Necks erkennen kann, baue ich selbst heute noch an diesen Brücken herum. Dass ein Teil des just verwendeten Baumaterials aus elektronischer Musik besteht und ich ausgerechnet Autechre als Referenz heranzog, mag auf den ersten Blick ein wenig waghalsig bis kokett wirken, denn formal ist das 1987 im australischen Sydney gegründete Trio mit Chris Abrahams (Piano), Tony Buck (Schlagzeug und Gitarre) und Lloyd Swanton (Bass) wohl eher im Jazz als im Elektrogefummel zu verorten. Aber kaum schreibe ich "formal", wird's wieder schnell peinlich, weil was ist denn bitt'schön "formal" bei den Necks? Eben: gar nichts. Außer vielleicht dieser einen Sache: seit ihrem Debut "Sex" aus dem Jahr 1989 verfolgt die Band zumeist einen beinahe schon zeremoniellen Ansatz, indem sie ihre Alben aus einem einzigen, zwischen 50 und 70 Minuten dauerndem und improvisiertem Stück formt. Es gab zwar hier und da ein paar Ausnahmen, und seitdem das Trio im Rahmen des Vinyl-Booms damit begann, auch Schallplatten zu produzieren, sind diesbezügliche Öffnungen häufiger geworden, aber das war (und ist) wenigstens eines ihrer Markenzeichen.

Stilistisch ist hingegen seit der Stunde Null alles im Fluss. Ist es Jazz? Ambient? Electronica? "Schonmal was von Schnittmengen gehört?" (Pispers), jedenfalls: was Schlagzeuger Tony Buck auf "Hanging Gardens" abzieht, könnte die selbe Frage wie seinerzeit bei Autechres "Untilted" provozieren, nur improvisiert hier ein Mensch auf einem echten Schlagzeug - was am Ende des Tages die ohnehin nicht von besonderem Intellekt bestrahlte Zielrichtung der Frage "Komponiert oder Zufall?" noch sinnloser macht. Bucks filigrane Schlagzeugarbeit im Allgemeinen und die Percussions im Speziellen sind komplett irre und mir fehlt auch nach nunmehr drei Jahrzehnten als zugegebenermaßen sehr unterdurchschnittlicher Musiker immer noch jedes Verständnis dafür, wie das geht. Die Technik ist das eine - und nur, damit wir uns richtig verstehen, auch dazu fällt mir freilich nur sehr wenig ein - aber diesen Instinkt, die Auffassungsgabe, das Nachverfolgen und Umschalten in Sekundenbruchteilen zu beobachten und damit selbst so tief in dieses Gestrüpp einzutauchen, bis man in gewisser Weise selbst ein Teil dessen wird, ist das andere.

"The concept of The Necks is to not really know where we’re going. To have the music unfold while we’re doing it. And for us to react to that unfolding while it’s happening, and for that feedback to happen. And so the music is being constructed whilst being informed of itself as it’s happening, so to speak. I mean, we don’t ‘trial’ things really. You know, we play.“ (Chris Abrahams)

"Hanging Gardens" basiert im Grunde auf einem simplen Basslauf und einer ebenso simplen Pianofigur, um die mehrere Ebenen Schlagzeuggezischel und Trommeltürme drapiert werden, die alle gemeinsam über den Verlauf der 60 Minuten immer wieder an sehr subtilen Perspektivwechseln arbeiten, ohne dabei das hypnotische, meditative Element der Musik zu stören. Bassist Lloyd Swanton verglich diesen Effekt einmal mit einer sehr langen Autofahrt, auf der man die Veränderungen in der Landschaft im jeweiligen Moment nicht erkennt, bis man nach 30 Minuten der Ablenkung wieder hochschaut und feststellt, dass sich draußen plötzlich alles verändert hat; die Modulation wird also fast immer nur im Rückblick wahrgenommen. Es gehört zu den großen musikalischen Glücksmomenten meines Lebens, diesem Grad der Verdichtung nachzuspüren, weil es Auseinandersetzung und Vertiefung voraussetzt. Vielleicht braucht's gerade in Zeiten des ständigen Getöses und Dauerfeuers auch den Willen zum Rückzug und zur Vereinzelung. Die Necks nehmen Dich gerne in ihren Zirkel auf.

Vinyl und so: Die Band hat ab 2011 damit begonnen, neue Musik auch auf Vinyl verfügbar zu machen. Die vor 2011 erschienenen Alben gibt es allerdings bis heute nur in den Originalversionen auf CD und mir liegen keine Informationen vor, ob die Necks Pläne haben, diesen Umstand zu ändern. Ich verstehe, dass einige Fans reflexartig nach einer Veröffentlichung auf Vinyl krähen, und im Falle eines Falles krähe ich hier und da auch mal gerne mit, ob es angesichts der oft einstündigen Tracks allerdings so erstrebenswert ist, die Trance ihrer Stücke zu unterbrechen, um die Platte umzudrehen, darf wenigstens bezweifelt werden. Würd' ich's trotzdem kaufen, wenn die Schallplatten kommen? In a fuckin' heartbeat!

Weiterhören: "Aether" aus dem Jahr 2001 und "Silverwater" von 2009.

Erschienen auf Fish Of Milk, 1999.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #174: Depeche Mode - Songs Of Faith And Devotion (1993)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 08 Nov 2025 12:27:00 +0000

DEPECHE MODE - SONGS OF FAITH AND DEVOTION

"Unter der Herrschaft des Kapitals ist alles Ware und muss für Geld zu haben sein: Autos, Bananen, Waffen, Exportlizenzen, Parteien, Abgeordnete, Minister, Präsidenten, Professoren, Zeitungen, Enthüllungen, Stasiakten, Stasiaktenverwalter, Bänkelsänger, Meinungen, Männer, Frauen. Was so anklägerisch klingt...ist durchaus ein zivilisatorischer Fortschritt: Geld regelt, was in einer Gesellschaft der Ungleichen sonst mit Gewalt geregelt werden müsste."

(Hermann L. Gremliza)

Vorbemerkung: Die Herzallerliebste erkennt jeden Song von Depeche Mode bis einschließlich jene vom Album "Ultra" nach etwa drei zehntel Sekunden. Ich finde das zu gleich Teilen schockierend und schockierend. Und weil es somit einfach keine bessere Person gibt, das Review zu "Songs Of Faith And Devotion" zu schreiben, habe ich die Herzallerliebste darum gebeten, eben das Review zu "Songs Of Faith And Devotion" zu schreiben. Erfreulich: sie hat zugestimmt. Sie lesen nun also einen Gastbeitrag von Super-Schnibi. Enjoy!

Rückblick auf Mitte 1983 - mein frisch mit blauer Wolkentapete verkleistertes Zimmer - vor meinem Kassettenradio - aufgeregt wartend, dass die angekündigte neue Single "Everything Counts" gespielt wird, damit ich auf den "Record"- und "Play"-Knopf gleichzeitig drücken kann. Natürlich labert der Radiomoderator am Schluss rein. Aber ich habe es auf Kassette und kann morgen in der Schule damit angeben. Und jetzt auch noch mal.

Als Flow mich gestern fragte, was denn wohl mein Lieblingsalbum von Depeche Mode wäre, wusste ich intuitiv, dass es "Songs Of Faith And Devotion" ist. Aber ich musste sichergehen, und so haben wir gemeinsam alle Alben im Schnelldurchlauf Revue passieren lassen. "Songs Of Faith And Devotion" hat Tiefe, die auf früheren Alben nicht so weit im Vordergrund stand. Musikalische Tiefe durch die für Depeche Mode damals "REVOLUTIONÄRE!!!" Öffnung für analoge Instrumente und das menschliche Element der Imperfektion. Martin Lee Gore sorgte für lyrische Intensität mit Wanderungen durch die schattigen Höhlen seines Daseins. Dave Gahan sang diese Texte dann mittels einer mit Heroin getäfelten Stimmritze ein. Nicht zuletzt sind Alan Wilders Soundstrukturen voll abgestimmt auf den selbstzerstörerischen Vibe. Mehr Bass, mehr Verzerrung, mehr Rock, mehr Roll.

Das Album und der Zustand der Band und ihrer Mitglieder passen in die Zeit Anfang 1990, geprägt von Drogen und Verzweiflung, hoffnungslos der eigenen Unzulänglichkeit ausgeliefert. Alles selbstsezierend, dunkel und kaputt. Das Lebensgefühl also recht ähnlich wie heute.

Anders als zur damals zeitgenössischen Weltuntergangsmusik kann man zu dieser Depression jedoch gut tanzen. Das Phänomen der deutschlandweiten Depeche Mode-Partys liegt wahrscheinlich genau darin begründet. Mild abwegige/abartige Texte mit tanzbaren Beats unterlegt. Durch die Jahrzehnte der wilden Kindheit/Adoleszenz und Erwachsung waltzend. Angereichert mit genretypischen Stücken aus den dunkelbunten 80ern.

"Um die früheren Werke zu mögen, muss man dabei gewesen sein." (Herr Dreikommaviernull).

Ab "Black Celebration" kann man auch ohne viel Cringe mittanzen. Ich freue mich schon auf die nächste Depeche Mode-Party. Für mich ganz ohne Cringe.

Vinyl und so: Mittlerweile sind die klassischen Alben von Depeche Mode fast permanent und in mehreren Versionen von gleich mehreren Herstellern/Labels auf Vinyl verfügbar - und oft auch noch zu überraschend anständigen finanziellen Konditionen. Mein Exemplar aus der 2016 erschienenen "Legacy"-Reihe hat ein sehr schön anzuschauendes (aber furchtbar zu fotografierendes, ähem!) Glossy-Gatefold-Cover mit Liner Notes und Texten auf schwarzem Vinyl und klingt großartig. Obacht vor der Flut von Bootlegpressungen - es gibt wahrlich genügend offizielle und gut klingende Versionen, sodass die Bootlegs eigentlich völlig überflüssig sein sollten.

Erschienen auf Mute, 1993.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #175: Coroner - Grin (1993)

noreply@blogger.com (Flo) — Sun, 02 Nov 2025 14:27:00 +0000

CORONER - GRIN

"Don't you know you adore

An eagle with broken wings

Roses that never bloom

Wheels that never spin

Bells that never ring

Hands too far to reach"

(Coroner, "The Lethargic Age")

Coroner galten stets als europäisches Äquivalent zu einer Band wie Voivod. Beide Bands fanden ihre Wurzeln in der Ursuppe der aufkeimenden Speed und Thrash Metal-Bewegung der ersten Hälfte der 1980er Jahre, begannen aber sehr schnell damit, in progressive, technisch ambitionierte Bereiche auszuschlagen. Künstlerisch waren sie damit der Konkurrenz in ihren jeweiligen Kontinenten immer zwei, drei Schritte voraus, kommerziell hingegen kamen sowohl Voivod als auch Coroner nie so recht über ein "Nischendasein mit Kultstatus" hinaus. Es ließe sich zwar darüber reden, ob sich Coroner jemals so weit aus der Komfortzone herauslehnten wie das kanadische Quartett auf Alben wie "Nothingface" oder "Angel Rat", aber spätestens mit ihrem 1989er Album "No More Color" war immerhin klar, es hier nicht mit einer Thrashkapelle von der Stange zu tun zu haben. Der 1991er Nachfolger "Mental Vortex" vertiefte die eingeleitete Entwicklung nicht nur hinsichtlich immer komplexer werdenden Arrangements, die Band legte auch deutlich mehr Wert auf die im Thrash Metal oft brach liegenden atmosphärischen Zwischenebenen.

Mit "Grin" bekam jener Aspekt größeren Raum als jemals zuvor eingeräumt. Wurde ein Großteil der früheren Intensität vor allem durch die Mischung aus Geschwindigkeit und schierer Überforderung mittels diffiziler Kompositionen erzielt, verdichtet "Grin" den musikalischen Raum mit Monotonie und Groove. Und einer, man muss das so sagen, überaus strengen und dominanten Ansprache von Sänger Ron Royce. Wer sich früher demütigen lassen wollte, ging mal schnell aufs Straßenverkehrsamt, heute lässt man sich von Royce verbal auspeitschen - und zwar mit überzeugter Boshaftigkeit. Das ist zweifellos eine beeindruckende Performance, aber da muss man schon der Typ für sein.

Es mag zunächst ein bisschen widersprüchlich erscheinen, aber indem das Trio ihren Songs mehr Platz lässt, verstärkt sich gleichzeitig das Gefühl der Enge; ein Stilmittel, das sich Coroner ganz eventuell bei einer Band wie Ministry abgeschaut haben könnten, deren damals gerade aktuelles Album "Psalm 69" sehr erfolgreich Industrial mit Metal vermischte und zu einem der Meilensteine des damaligen Zeitgeists wurde. Im Grunde durchliefen Coroner eine ähnliche Entwicklung wie beispielsweise Sepultura von "Arise" zu "Chaos AD" oder auch Morgoth von "Cursed" zu "Odium", indem sie einen Ausweg aus der kreativen Sackgasse des klassischen Thrash und Death Metals suchten und ihn im Groove fanden. Coroner machten in dieser Hinsicht mit "Grin" möglichweise den größten Sprung, aber sie waren auch besser vorbereitet: die mit "No More Color" und "Mental Vortex" eingeleitete Entwicklung ist vor allem im Rückblick völlig plausibel und folgerichtig.

"Grin" ist tiefschwarz, kalt, abgründig, klaustrophobisch und unangenehm. Wer all das in seiner Essenz überprüfen möchte, ist eingeladen, sich dem am Ende des Albums platzierten Dreiklang aus "Paralized, Mesmerized", "Grin (Nails Hurt) und "Host" zu widmen.

A lesson in punishment.

Vinyl und so: Über die Erstpressung von 1993 darf man sprechen, wenn Aussicht auf eine schöne Erbschaft besteht, ansonsten versucht man es mit dem Reissue (Doppel-LP, grünes Vinyl) aus dem Jahr 2018 und ist mit schlappen 30 Euro dabei. Ich möchte hier allerdings darauf hinweisen, dass der Sound der letztgenannten Version signifikant angepasst wurde. Auf Discogs beschrieb ein Nutzer den Unterschied mit "komplett veränderter Ästhetik" und liegt damit ziemlich richtig. Die Bässe wurden deutlich reduziert, zeitgleich hat man die Mitten verstärkt. Das führt zu einem giftigeren Gitarrensound, einer heller klingenden Snare und einem dadurch insgesamt deutlich klareren, transparenteren Klangbild. Ob das dem Album nützt oder schadet, beantwortet das eigene Stilempfinden. Aber wir sollten uns im Klaren darüber sein, dass es in erster Linie anders ist.

Erschienen auf Noise Records, 1993.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #176: Skin Yard - 1000 Smiling Knuckles (1991)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 25 Oct 2025 14:38:00 +0000

SKIN YARD - 1000 SMILING KNUCKLES

"Bankraub ist eine Unternehmung von Dilettanten. Wahre Profis gründen eine Bank." (Bertolt Brecht)

Ich weiß nicht, wer das im Jahr 2025 noch wirklich lesen muss, aber ich weiß, wer es 2025 dennoch ins Internet reinkotzt: Die großen vier Alben des Grunge waren kein Grunge. Und weder begann Grunge mit "Nevermind", noch starb er im April 1994 in einer Gartenlaube in Seattle - wobei man ganz eventuell und zumindest metaphorisch über letzteres diskutieren könnte. An schlechten Tagen halte ich beispielsweise Pearl Jams "No Code" für katastrophaler als Cobains Freitod, an guten Tagen bin ich überzeugt davon, Grunge existiere außerhalb jeder gesellschaftlichen Strömung und damit sowieso bis in alle Ewigkeit. Aber lassen Sie mich flott den nächsten "Schocker" (Franz-Josef "Grappa" Wagner) raushauen, ich bin gerade in Stimmung: "Superunknown", "Dirt", "Ten" und eben "Nevermind" waren Pop-Produktionen. Und was sich ohne Fußnote zunächst so despektierlich anhören mag, ist wirklich gar nicht so gemeint. Aber ich bezweifle, dass wir uns argumentativ der Flat Earth Society annähern, wenn wir einerseits Butch Vig's Geniestreich auf "Nevermind" als Quantensprung als auch Paradigmenwechsel in der Inszenierung von populärer Rockmusik bewerten und andererseits betonen, wie stark dieser Produktionsstil konzeptionell darauf ausgerichtet war, möglichst minimale Reibung bei maximalem Ertrag zu erzeugen. Was indes in Seattles Untergrund ab circa 1985 langsam vor sich hin brodelte, hieß bis 1991 allerhöchstens Garagenrock, war aber letzten Endes die Ursuppe für das spätere Massenphänomen. Und wie es so oft ist: die Ursuppe will niemand auslöffeln.

Skin Yard waren eine der allerersten Grungebands (sic!) der Stadt und tauchten zusammen mit Soundgarden, Green River, U-Men, Malfunkshun und den Melvins auf der 1986 erschienenen "Deep Six"-Zusammenstellung von C/Z Records auf. Dabei passt der Begriff der "Ursuppe" nicht nur auf die stilistische Ausrichtung ihres Sounds in Hinblick auf das, was Grunge später werden sollte; Skin Yard waren die heavy-sludgy-groovy-slowy-Könige Seattles - er ist auch bestens dafür geeignet, die Personalsituation der ganzen Szene zu bezeichnen. (Fast) alles, was Rang und Namen hat, wurde durch Skin Yard's Geschichte geschleust, vom späteren Schlagzeuger Soundgardens Matt Cameron, über Tads Steve Wied und Greg Gilmore von Mother Love Bone bis hin zu Barrett Martin, der später bei den Screaming Trees und bei Mad Season spielen sollte. Die Liste ist lang. Damit kann ich es mir auch ein bisschen leisten, ganz nonchalant Produzentenikone und Gitarrist Jack Endino im Nebensatz zu erwähnen, der nicht nur Gründungsmitglied ist, sondern als einziger Musiker jeder Inkarnation Skin Yards angehörte.

Das vierte Skin Yard Album "1000 Smiling Knuckles" erschien im Herbst 1991 und wurde zum erfolgreichsten Album der Band. Es taucht seitdem auch regelmäßig in Publikationen auf, die mit "Zehn unbekannte aber essentielle Grunge-Alben" oder "Die zehn heaviesten Grunge-Alben" überschrieben sind, und das aus guten Gründen: die Mischung aus emotionaler Tiefe, nicht zuletzt forciert aufgrund des ausdrucksstarken Gesangs von Ben McMillan, der nach dem Ende Skin Yards die kriminell unterschätzten Gruntruck gründete und stimmlich immer wieder an den frühen Chris Cornell erinnert, und tiefergelegt-pochenden Riffkaskaden mit stampfenden Grooves ist praktisch die Blaupause dessen, was sich unter dem Begriff "Grunge" verstehen ließe, hätte es "Nevermind" nie gegeben: ein sehr robuster Drive, Schmutz, Schwerfälligkeit und zugleich Dynamik, Melodie, aber keinen Kitsch. In den Obertönen haben wir Schweiß im Angebot, ein bisschen Pumakäfig, Budweiser und Marlboro. Ausfallschritt zur Seite, Les Paul, Ellenbogen im Gesicht. It never gets old.

Vinyl und so: Auf einen Reissue wird man wohl noch lange warten müssen, daher sieht's mit der Verfügbarkeit der Erstpressung nicht ganz so rosig aus, aber ich möchte sagen: solche Originale hat man auch gefälligst im Original zu haben und zu hören. Isso. Das Album erschien in zwei Vinylfassungen auf schwarzem sowie lila Vinyl und ist mit etwas Glück für etwa 70 Euro (schwarz) und 100 Euro (lila) zu bekommen.

Erschienen auf Cruz Records, 1991.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #177: L7 - Bricks Are Heavy (1992)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 18 Oct 2025 12:11:00 +0000

L7 - BRICKS ARE HEAVY

"Everybody have a breakdown!" (L7)

Vom Blind Guardian'schen Hobbitdorf im teutonischen Märchenwald geht's direkt auf den Sunset Boulevard und die überhitzten Straßen Hollywoods, das darf man eigentlich auch niemandem erzählen. Aber auch wenn es ein bisschen gestelzt wirken mag, stets darauf hinzuweisen, waren das eben die neunziger Jahre. Meine neunziger Jahre. Schwanzrock, Schrebergartenmetal, nihilistischer Death Metal - und dazu geblümter Alternative Rock, bekiffter Grunge, melodischer Punkrock. Mir würde nie einfallen, die Grenzen zwischen all dem nicht anzuerkennen, aber gleichzeitig war alles sowohl Basis als auch Weg zur Selbstidentifikation.

Das gilt auch für L7 und ganz besonders für "Bricks Are Heavy". Mein Bruder hatte sich die CD gekauft und ich weiß noch, wie der Hit "Pretend We're Dead" eines Tages aus seinem Zimmer in die elterliche Wohnung kroch, und ich sofort vorstellig wurde: "Die musst Du mir mal ausleihen!" - und so wurde das 1992 veröffentlichte dritte Album L7s zu einer der Sommerplatten des Jahres und "Pretend We're Dead" zum MVP jedes Mixtapes, mit dem ich meine Vereinskameradinnen und meine Trainerin auf der Rollkunstlaufbahn der TGS Vorwärts Frankfurt in den Wahnsinn trieb. Was ich damals zwischen Hormonstau, Karohemd und der mich stets umgebenden Wolke aus Zino Davidoff und Benson & Hedges nicht erkannte, wie einzigartig sowohl Stil als auch Sound dieser Platte sind. Und selbst 33 Jahre später habe ich so meine liebe Mühe mit der Entschlüsselung. L7 hatten schon zu Beginn ihrer Karriere ein außerordentliches Talent dafür, ihren Punkrock um monotone und zähflüssig kriechende Gitarrenriffs herum aufzubauen und damit einen bemerkenswert originellen Vibe zu entwickeln.

Einerseits klingen L7 richtig assi, rotzig und ein bisschen außer Kontrolle, andererseits sind sie aber auch sludgy, brütend, klaustrophobisch. Produzent Butch Vig, der erst ein paar Monate zuvor Nirvanas "Nevermind" aufs nächste Level beförderte und damit gleich die ganze Musikszene auf links krempelte, hat für "Bricks Are Heavy" den Fokus auf kompromisslose Verdichtung von Sound und Songs gelegt. Und womöglich hat die Band dadurch ein paar Nachkommastellen ihrer früheren Rohheit verloren, aber das Defizit mit Attitüde und Eingängigkeit gleich wieder wettgemacht - ohne einen Kratzer in ihrer Glaubwürdigkeit hinnehmen zu müssen. Vielleicht ist "Bricks Are Heavy" eines der coolsten Schlüsselalben zwischen Riot Grrrl-Punkrock und Grunge, das Aufbruch, Widerstand, Antiautorität und Freiheit symbolisiert. Es waren packende Zeiten.

Vinyl und so: Man möchte wie so oft meinen, es wäre sinnvoller, Alben wie "Bricks Are Heavy" permanent verfügbar zu halten, meinetwegen auch auf niedrigem Niveau, anstatt die siebenunddreißigste "Collector's Edition" eines prähistorischen Springsteen-Schinkens auf die Boomer loszulassen, aber am End' überschätze ich bloß den Markt für L7 und unterschätze ihn gleichzeitig für Wohlfühlkotze aus dem Hinterland. Es wird im Falle von "Bricks Are Heavy" also ein bisschen kompliziert, eine Kopie zu finden. Die größten Erfolgsaussichten, finanziell mit einem blauen Auge davon zu kommen, bestehen mit dem Erwerb der 2022 erschienenen und ganz nett gemachten Jubiläumsausgabe von Licorice Pizza mit alternativem Coverartwork (auch als Goldpressung erhältlich) und bezahlt um die 50 Euro. Oder man legt noch 20 bis 30 Euro drauf und hält Ausschau nach der Originalpressung von 1992. Meine 2022er Pressung klingt gut und hat keine größeren Probleme.

Erschienen auf Slash, 1992.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #178: Blind Guardian - Somewhere Far Beyond (1992)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 11 Oct 2025 16:43:00 +0000

BLIND GUARDIAN - SOMEWHERE FAR BEYOND

"Everyone at their base is Enya. No one at their base is Death Metal." (Pete Holmes)

Mir ist die Bedeutung von sogenannten "Guilty Pleasures" zwar geläufig, aber eigentlich ist mir das schuldhafte Hören von Musik ziemlich fremd. Es gibt ganz eventuell Grauzonen, wenn die Sprache auf eine Kaspertruppe wie beispielsweise Manowar kommt, und ich mich fast schon entschuldigend zur Einlassung hinreißen lasse, ihre ersten Platten seien bis heute unantastbare Meilensteine des US Metals - da ist der Absturz ins totale Nichts spätestens ab Mitte der neunziger Jahre aber auch derart beispiellos, sodass derlei Abgrenzung eher als ein natürlicher Selbstschutzmechanismus von Körper, Geist und Seele bewertet werden muss. Im Falle Blind Guardians liegt die Sache etwas anders, aber es gibt Parallelen. Auch hier kam es zur Mitte der neunziger Jahre sowohl zu einem deutlich wahrnehmbaren musikalischen Stilbruch sowie zu einem spürbaren Wechsel in der Vermarktung, und mit der damit einhergehenden Erschließung neuer Fangruppen wurde das Publikum der Band zum Sammelbecken seltsamer - Achtung: dunkelroter Klischee-Alarm - Wurzelsepp-Rollenspieler mit fragwürdiger Körperhygiene und meist luftdicht abgeschlossenem Weltbild. Aus Sicht der heutigen Verhältnisse, in denen wirklich alles komplett scheißegal zu sein scheint, ist das fast schon wieder niedlich und charmant, aber vor dreißig Jahren war mir diese "neue" Szene überaus suspekt. Und ich tat das, was mir mein Bauchgefühl verriet: Abstand halten.

Und auch wenn mir jenes Bauchgefühl bis heute nichts bedeutend anderes sagt, lasse ich ähnlich wie im Falle Manowar und sehr zum Leidwesen der Herzallerliebsten, auf das Frühwerk Blind Guardians nichts kommen, und ganz besonders nicht auf "Somewhere Far Beyond". Für viele Fans ist das 1992 erschienene Album sakrosankt, und ich stimme mit einiger Überzeugung in den Chor derer ein, für die die Zeit zwischen "Tales From The Twilight World" aus dem Jahr 1990 und dem 1993er Livealbum "Tokyo Tales" der absolute Höhepunkt in der Karriere der Krefelder Band darstellt. Blind Guardians Speed Metal war furios und ungezähmt, gleichzeitig jedoch betont komplexer als fast alles, was sich mit ihnen in der Szene bewegte - womit die hymnischen Melodien und Chöre, die in einem seichteren musikalischen Kontext die Grenze zum Kitsch mit Leichtigkeit überschritten hätten, eben nicht zu harmlosem Tralala, sondern zu herausragenden Hooklines wurden, die die Songs ein ums andere Mal auf ein höheres Qualitätsniveau klettern ließen.

"Somewhere Far Beyond" ist mit Ausnahme des überladenen und trantütig inszenierten "Theater Of Pain" eine Sternstunde deutschen Heavy Metals: kraftvoll, schnell, tiefgründig, gefühlvoll, technisch auf jeder Ebene außergewöhnlich anspruchsvoll und dabei trotzdem eingängig. Höhepunkt und im Prinzip im Alleingang dafür verantwortlich, das Album in meine Liste der 200 Lieblingsplatten der Neunziger aufzunehmen, ist der über sieben Minuten dauernde und dabei praktisch nicht vom Gaspedal gehende Titeltrack; eine waghalsige Speed Metal Hymne mit einem alles überragenden Finale, nach dem meine Wenigkeit auch 33 Jahre nach Erstkontakt noch schweißgebadet, mit erhöhtem Puls und auf den Boden gekrachtem Unterkiefer ein "UNKAPUTTBAR!" in den Sossenheimer Kiez schreit. Ich sag's jetzt einfach: die Suche nach einem besseren Song einer deutschen Metal Band ist möglich, aber sinnlos.

Vinyl und so: Nach langen Jahren des Bittens und Bettelns erbarmten sich Band und Label schließlich im Jahr 2018 und schoben der mittlerweile sehr, sehr selten und damit praktisch unerschwinglich gewordenen Originalpressung endlich den langersehnten Reissue nach. Mittlerweile ist selbst jener im Preis gestiegen, je nach Farbauswahl müssen zwischen 60 und 80 Euro gezahlt werden. Obacht: die Band nahm 2022 zum dreißigjährigen Jubiläum eine komplett neu eingespielte Version des Albums auf. Jene "Revisited"-Vinylausgabe gibt es noch für etwa 30 bis 35 Euro, ist aber nach meiner Einschätzung nur für Sammler und Die Hard-Fans interessant.

Anstatt der hier üblicherweise verlinkten Albumversionen erlaube ich mir an dieser Stelle, einen Auftritt der Band aus dem Jahr 1992 in der alten (und lange abgerissenen) Batschkapp in Frankfurt zu zeigen. Die alte "Kapp" war berühmt dafür, an guten Abenden eine unnachahmliche Stimmung im Publikum zu entwickeln, und dieser Mitschnitt demonstriert: das war ein guter Abend. Außerdem, und das ist der eigentliche Grund, das Video mit meinen Leser*innen zu teilen, bietet die Aufnahme einen faszinierenden Einblick in die Metalszene der frühen neunziger Jahre. Die Energie sowohl auf als auch vor der Bühne ist selbst mit der suboptimalen Klang- und Bildqualität förmlich zu greifen. Was für eine Zeitreise!

Erschienen auf Virgin Records, 1992.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #179: Bolt Thrower - Mercenary (1998)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 04 Oct 2025 10:22:00 +0000

BOLT THROWER - MERCENARY

"Why so heavy?" (Paul Baloff)

Bolt Thrower kündigten im Jahr 2008 an, keine neue Musik mehr zu veröffentlichen. Die Band, seit jeher mit einem so geradlinigen wie kompromisslosen Ethos ausgerüstet, machte deutlich, an ihrem selbst gesteckten Ziel, das perfekte Bolt Thrower-Album zu schreiben, mit dem 2005 erschienenen "Those Once Loyal" angekommen zu sein. Zumindest herrschten offensichtlich Zweifel, das Werk nochmal übertreffen zu können und damit der Tradition zu folgen, ihren einzigartigen Stil mit jeder neuen Veröffentlichung weiter zu verbessern und zu verfeinern. Mit dem unerwarteten Tod ihres langjährigen Schlagzeugers Martin Kearns im September 2015 hat sich das Thema so oder so erledigt. Bolt Thrower sind seit 2016 offiziell Geschichte.

"I can confirm that Bolt Thrower are definitely over for good. There will be no reunion tours. No compromise." (Karl Willetts)

Mit Blick auf die neunziger Jahre, und der Argumentation folgend, jedes neue Bolt Thrower-Album müsse also besser sein als das Vorangegangene, darf sich "Mercenary" aus dem Jahr 1998 die Siegermedaille aus dem Hause Dreikommaviernull abholen. Bei eingefleischteren Death Metal Fans könnte dieses Urteil für einige bioelektrische Gewitter in der Großhirnrinde sorgen, weil insbesondere die beiden Vorgänger "The 4th Crusade" und "...For Victory" einen größeren Kultstatus in der Diskografie haben - und gemessen am zeitlichen Kontext und der Transformation, die die Band vor allem zu Beginn der neunziger Jahre durchlief, ist das selbst für mich durchaus nachvollziehbar. Andererseits folge ich der (Selbst-)Einschätzung der Band und für die nun folgende Einlassung kommen zum Schädelgewitter womöglich auch noch ein Magendurchbruch und eine Fußamputation hinzu: für mich war bis einschließlich (!) des im Jahr 2001 veröffentlichten "Honour - Valour - Pride" jedes neue Bolt Thrower Album tatsächlich stärker als das Letzte. Lediglich das bereits erwähnte und von der Band als "perfekt" bewertete "Those Once Loyal" fällt für meinen Geschmack aus der Reihe.

Auf "Mercenary" stehen hingegen alle Regler auf zehn. Man spürt, dass die Band jede Komponente ihres ureigenen Stilmixes aus einem wirklich alles zermalmenden Groove, feierlichen und für Death Metal-Verhältnisse ungewöhnlich erzählerischen Gitarrenmelodien und der zwischen Abgekämpftheit und Angriffslust pendelnden Stimme von Karl Willetts nochmal angepackt, ausgepackt und optimiert hat. Alles ist ein bisschen größer, weiter, stärker. Vielleicht im direkten Vergleich mit den Vorgängern auch insgesamt mit etwas gedrosseltem Tempo, aber meine Leserinnen und Leser ahnen es bereits: alles für den Groove! Und fuck me, so viele Hits! Allen voran die beiden Klassiker "No Guts, No Glory" und "Powder Burns" (inklusive des 1989 auf "Realm Of Chaos" eingeführten und später mehrmals als Intro fortgesetzten "World Eater"-Themas), die beide zeigen, dass Melodien und Hooklines im Death Metal nicht automatisch ins Niemandsland des Melodic Death Metal führen müssen, einem der nach wie vor größten Missverständnisse des Heavy Metal.

"Mercenary" ist heavy. Sehr heavy. Außerdem heavy. Und nicht zuletzt ziemlich heavy. Darüber hinaus: heavy!

Vinyl und so: Obacht! Meine Reissue-Version aus dem Jahr 2021 hat große Probleme, und ich kann leider nicht sagen, ob das sämtliche Reissues und Farbvarianten betrifft. Qualitativ liegt das Vinyl von Metal Blade üblicherweise im höchsten Regal, aber hier gibt's einen Fuckup, der mir so auch noch nie zuvor unterkam: die Platte wird über die Spielzeit immer leiser. Der Opener "Zeroed" ist laut und ballert, aber schon das letzte Stück auf der A-Seite ist im Vergleich deutlich leiser. Die Entwicklung setzt sich leider auf der B-Seite fort. Ich hatte Metal Blade vor vier Jahren angeschrieben, aber (natürlich!) keine Antwort erhalten. Für das Original aus dem Jahr 1998 in gutem Zustand muss mit einem dreistelligen Betrag kalkuliert werden.

Erschienen auf Metal Blade, 1998.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #180: Paradise Lost - Shades Of God (1992)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 20 Sep 2025 10:59:00 +0000

PARADISE LOST - SHADES OF GOD

„Ich mache mich stark für die Wiedereinführung der europäischen Gurkenkrümmungsverordnung. Das Parlament hat sie 2009 abgeschafft, weil zu viele Leute darüber gelacht haben. Ich möchte die Verordnung für den Export von deutschen Waffen, von dem es ja zur Zeit wieder sehr viel gibt, wiedereinführen. Ich will, dass jeweils zehn Zentimeter Lauf zwei Zentimeter Krümmung aufweisen müssen.“ (Martin Sonneborn)

Paradise Lost waren für mich schon immer eine schwierige Band. Mittlerweile steht außer "Shades Of God" aus dem Jahr 1992 kein einziges ihrer Alben mehr im Schrank, und offen gesagt habe ich mich nach dem 1993 erschienenen "Icon" weitgehend absentiert. Denn soviel warme Worte ich für ihren Mut aufbringen kann, ein paar Kuttenadolfs mit dem zwar sicher gut gemeinten, aber nicht wirklich gut gemachten Depeche Mode-Klon "Host" (1999) auf die Barrikaden gebracht zu haben, so unwürdig erscheint mir ihre wenige Jahre später eingeleitete Rückkehr ins Altenheim des Metal, weil's dann doch irgendwann dämmerte, dass nur die loyalen und in Teilen offensichtlich dementen Metalfans mit dem dicken und in den neunziger Jahren gewonnenen Stein im Brett diese Band künftig am Leben halten können. Ich habe im Prinzip keinerlei emotionale Bindung mehr zu Paradise Lost.

Und doch hat all das "Shades Of God" in meiner Welt keinen Kratzer zugefügt. Platziert zwischen den zwei im Metalkanon als Klassiker geführten Werken "Gothic" (1991) und eben "Icon", erschien mir das Album dabei im Vergleich immer ein bisschen unterrepräsentiert zu sein. Bei näherer Betrachtung mag das Gründe haben, die über das Classement hinaus gehen: die Band fummelte sich einen herausfordernden Stilmix aus Doom, Thrash, Goth und Progressive Rock zusammen, der für das Jahr 1992 eine kleine Revolution war und den ich in dieser Form bis heute für ziemlich einzigartig halte. So sind vor allem die vier Longtracks "Crying For Eternity", "No Forgiveness", "Daylight Torn" und das überragende "Your Hand In Mine" monumentale, stimmungsvoll inszenierte Kompositionen mit von Schwarzlicht reich bestrahlten Melodien, so unvermittelt wie clever gesetzten Breaks und einem Nick Holmes, der tatsächlich mal sowas wie einen Charakter aus seiner Stimme herausholt, weil er sich im mutmaßlichen Sweetspot zwischen derbem Growling aus der Frühphase und dem Doom-Hetfield auf "Icon" bewegt und damit an der klanglich ausgefransten Aura des Albums perfekt andocken kann. "Shades Of God" ist ruppig und wirkt vor allem wegen der oft holzig wirkenden Schlagzeugarbeit ungewöhnlich kantig - und dennoch strömt aus diesen Songs eine äußerst anziehende Geschmeidigkeit; eine weichgezeichnete Melancholie, die mich bis heute berührt.

Bei allem Verständnis für die Faszination, die von "Gothic" und "Icon" ausgeht, ist "Shades Of God" als Verbindungsstück, als Brücke, das tiefgründigere, vorausschauendere, zeitlosere Album. Außerdem, und das ist nicht zu unterschätzen: was für ein wunderbares Coverartwork!

Vinyl und so: "Shades Of God" ist einer jener höchst unerfreulichen Fälle, in denen die Wiederveröffentlichungen preislich mindestens auf dem Niveau der Erstpressung, wenn nicht sogar darüber liegen. Plattensammlern muss man eigentlich 24/7 eine paddeln. Die im obigen Text geäußerte Einlassung, "Shades Of God" sei "unterrepräsentiert", erfährt auch hinsichtlich der Vinyl-Verfügbarkeit Bestätigung: Die 2011 von Peaceville und 2015 von The End Records veröffentlichten Reissues liegen nicht selten im unteren dreistelligen Bereich, für ein gut erhaltenes Original reicht die Spanne von 80 bis 120 Euro. 2016 brachten Music For Nations als bis heute letzte Version eine Picture Disc heraus, die etwas günstiger ist und auch schön aussieht - aber wer hört sich eine Picture Disc an?!

Erschienen auf Music For Nations, 1992.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #181: Laika - Sounds Of The Satellites (1997)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 13 Sep 2025 07:52:00 +0000

LAIKA - SOUNDS OF THE SATELLITES

"Heinzibert Fassplunder" (Harald Schmidt)

"Eigentlich wie Trip-Hop, nur viel, viel schneller" sagte Laika Gründungsmitglied und Sängerin Margaret Fiedler mal, als Sie nach einer Einschätzung der Musik ihrer Band Laika gefragt wurde. Ich könnte außerdem noch hinzufügen, dass die rhythmisch anspruchsvollen und auf ungeraden Takten aufgebauten Kompositionen, die außerweltlichen Soundbubbles, die durch den Klangraum transzendieren und das stoische Element ihres Sounds in der Kombination auch irgendeinen mysteriösen, weil höchstens in feinsten Nuancen wahrnehmbaren, verwischten Postpunk-Klecks mitschleifen - und auch wenn es wirklich so gar nix mit "Sounds Of The Satellites" zu tun hat, hat Fiedler bei der 2008er Tournee von Wire übrigens die Gitarre gespielt; wo wir halt gerade bei Postpunk waren, ähem. Wie verwirrend das alles wirklich ist, zeigt sich unter anderem auch daran, dass ich hier und jetzt auch problemlos etwas von einem "Funk-Drive" schreiben könnte, ohne dafür ins Kittchen für unbegabte Musikblogger gesperrt zu werden. Ich würde einfach "Bedbugs" abspielen und triumphierend in Dein verdutztes Gesicht schauen. Ha!

Laika zählten in den neunziger Jahren zum Besten, was das Vereinigte Königreich abseits des Britpop-Hypes musikalisch zu bieten hatte. Zum Besten - und zum Kreativsten. Die Bandgründer Guy Fixsen und Margaret Fiedler, gemeinsam mit Flötistin/Saxofonistin Louise Elliott und Schlagzeuger Lou Ciccotelli, später sogar mit Rob Ellis (PJ Harey) als zweiten Schlagzeuger, gestalteten ihren Sound zu gleichen Teilen experimentell-elektronisch - was wetten wir, dass Radiohead vor der Produktion von "Kid A" nachts zum Einschlafen "Poor Gal" gehört haben?! - und harmonisch, warm, zugänglich. Eine in gedimmtes, warmes Licht getauchte Dream Pop-Atmosphäre, in der vor allem die Stimme von Margaret ein diffuses Gefühl von Beistand liefert, das parallel in den unteren Schichten sogleich von einer intellektuellen Distanziertheit gebrochen wird. Eine elektronische Version von Tortoise spielt Songs von den Cocteau Twins, vielleicht?! Man weiß eigentlich nie so genau, woran man bei "Sounds Of The Satellites" ist, aber ich würde alles daran setzen, dieser Platte mein Herz auszuschütten.

Für die überzeugt melancholisch gefärbten Momente des Lebens.

P.S.: Die Band benannte sich nach der Hündin, die als erstes Lebewesen von Menschen ins Weltall befördert wurde und gestaltete auch ihre Albumcover mit entsprechenden Verweisen. Wer die Geschichte nicht kennt und gleichzeitig den Impuls verspürt, sich mal so richtig schön traurig zu fühlen, liest hier weiter.

Vinyl und so: Es sind leider keine Reissues der Laika-Alben in Sicht. Kopien der Originalpressung von "Sounds Of The Satellites" werden aktuell ab ca. 80 Euro gehandelt. CDs gibt es in Europa zwischen 10 und 15 Euro.

Erschienen auf Too Pure, 1997.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #182: Unida - Coping With The Urban Coyote (1999)

noreply@blogger.com (Flo) — Sat, 06 Sep 2025 10:29:00 +0000

UNIDA - COPING WITH THE URBAN COYOTE

“Since the terms "aggression" and "terrorism" are inadequate, some new term is needed for the sadistic and cowardly torture of people caged with no possibility of escape, while they are being pounded to dust by the most sophisticated products of U.S. military technology.” (Noam Chomsky)

Unida waren das zweitbeste Post-Kyuss-Projekt von Sänger John Garcia (über das Beste sprechen wir zu einem späteren Zeitpunkt) und auch wenn festzuhalten bleibt, dass Kyuss größer als die Summe der einzelnen Teile waren und mit ihrer Vita und Diskografie wenigstens in meiner Welt völlig unantastbar sind - man kommt um die quadratquatschigen Vergleiche einfach nicht herum. Ich kann nix dafür, Freunde. Hier singt eben John fucking Garcia. Und wer nicht an Kyuss denkt, wenn John fucking Garcia singt, hat nie im Leben jemals Kyuss gehört. Und bevor es zu Missverständnisse kommt: that's not a good thing.

Garcias prägnante Stimme, die praktisch ab der Stunde Null nicht nur das ganze Stonerrock-Gewächshaus zum Qualmen brachte, sondern auch tausenden Stonerinnen und Stonern durch's abgestandene Bongwasser in die Glieder fuhr, hält ganz selbstverständlich auch auf Unidas Debutalbum aus dem Jahr 1999 alle Fäden in der Hand. Es ist wie Heimkommen. Dabei ist das Innendesign in der Casa Unida ein bisschen rustikaler und schnörkelloser ausgefallen als die verwaschene, verdrogte, psychedelische Wüsten-Ambiance von Alben wie "Sky Valley". Im Prinzip spielt die Band einen dreckigen, lauten, fuzzigen Bluesrock mit übergroßem 70er Mandat, der nur im fast zehnminütigen Höhepunkt des Albums "You Wish" mit dynamischen Psychedelic-Eskapaden aufgebrochen wird. Die weiteren Hits dieser Platte "Black Woman" und "If Only Two" sind längst im Kanon des Stonerrock eingelassen und dort bombensicher verplombt - sie sind aus dem Set der mittlerweile in veränderter Besetzung - ohne Garcia - wieder live spielenden Kapelle nicht mehr wegzudenken.

"Coping With The Urban Coyote" ist eines jener Alben, bei denen die nostalgisch gefärbten Aspekte in der Auseinandersetzung 26 Jahre nach der Veröffentlichung eine größere Rolle für mich einzunehmen scheinen, als bei anderen Platten aus dieser Zeit. Der "Pull" von Garcias Stimme ist real. Wahnsinn, wie nah all das bei mir blieb.

Vinyl und so: Die via Cargo Records erschienene Erstpressung kostet gibt es derzeit ab 70 Euro, für die seit 2014 veröffentlichten Reissues von Cobraside Distribution Inc. - als erweiterte Doppel-LP im Gatefold mit gut klingenden Liveaufnahmen aus dem Jahr 2013 - liegt die Preisspanne je nach Erscheinungsjahr und Vinylfarbe zwischen 40 und 100 Euro. Wer keinen gesteigerten Wert auf die Originalpressung legt, wird damit bestens bedient, zumal Pressung und Sound hervorragend sind.

Erschienen auf Mans Ruin Records, 1999.

My Nineties Were Better Than Your Nineties - #183: Living Colour - Stain (1993)

noreply@blogger.com (Flo) — Wed, 03 Sep 2025 08:04:00 +0000

LIVING COLOUR - STAIN

"I don't want your life, I've got my own needs / A life of my own, a chance to be free / Everything that I want, isn't it everything that you've got?" (Living Colour, "Ausländer")

"Stain" wurde das Etikett angehängt, seiner Zeit voraus gewesen zu sein. Das wird im Rückblick gemeinhin über Platten gesagt, die sich beim Publikum nicht so recht durchsetzen konnten und in erster Linie von Musiknerds nicht selten genau dafür geliebt werden. Dabei hat es oft durchaus Gründe, warum so manches Werk nicht zum Megaseller wurde, selbst wenn die Vorzeichen gar nicht so trübe aussahen. Manche Platten sind einfach schwierig. Manche Platten passen nicht in ihre Zeit. Und "Stain" ist schwierig. Ungewöhnlich. Couragiert. Ich weiß nicht, ob es seiner Zeit voraus war, weil das ja irgendwie bedeutet, dass diese "richtige" Zeit mal kommen wird. Ich frage mich nur, welche Zeit das sein soll?!

Living Colour hatten mit dem von Mick Jagger co-produzierten Debut "Vivid", ihrem flinken Locker-Wie-Frischkäse-Funkrock und vor allem der Hitsingle "Cult Of Personality" die Tür zum Mainstreamerfolg schon ziemlich weit aufgestoßen, produzierten dann allerdings mit "Time's Up" einen überraschend harten Nachfolger, auf dem schon der Hit fehlte - und gaben mit "Stain" zwei Jahre später endgültig keinen feuchten Flutschi mehr auf Erwartungshaltungen, den Mainstream, Normen und Grenzen. Die Quittung: "Stain" schaffte es als erstes Living Colour-Album nicht in die Top 20 der US-amerikanischen Billboard-Charts und sollte für ganze zehn Jahre das letzte Album der Band sein.

Living Colour hatten in einen höheren Gang geschaltet und riskierten damit, dass ihnen nicht jeder folgen konnte. Es begann beim Albumcover, das auf ihr flippiges Bandlogo und die bunten, knalligen, fröhlichen Farben verzichtete. Damit wurde das erste Signal gesetzt. Es wird dunkel. Es wird ernst. Produzent Ron St.Germain und die Band inszenierten "Stain" klanglich folgerichtig irgendwo zwischen der Metal-Ästhetik eines Neil Kernon und Steve Albini, roh, intim, laut, verletzlich, unmittelbar. Und für Herrn und Frau Ottonormalrock ist der Ofen schon im Opener "Go Away" aus: ein knüppelhartes und übel groovendes Riff, Thrash Metal Vibes, und ein Text, mit dem man sich als schwarze Rockband im Amerika der frühen Neunziger, milde ausgedrückt, nicht nur Freunde macht:

I see the starving Africans on TV

I feel it has nothing to do with me

I sent my twenty dollars to live aid

I've aided my guilty conscience to go away

Now go away

Go away

I don't want anybody to touch me

I think everybody has aids

What's the point in caring for you?

You're gonna die anyway

Anschließend singen Living Colour in "Bi" über Bisexualität - Gitarrist Vernon Reid dazu: "I'm really proud of the band for taking the song on. To even go there. It was very risky." - "Ausländer" erzählt aus der Sicht eines Flüchtlings, wie es sich anfühlt entwurzelt in einem fremden Land und in einer fremden Kultur gestrandet zu sein und ständig ausgegrenzt und angefeindet zu werden. "Wall" ruft zur Gemeinschaft und Versöhnung auf und will Mauern zwischen den Menschen einreißen. "Postman", selbst auf dem insgesamt düsteren Album der mit einigem Abstand unheimlichste und verstörendste Song, thematisiert Waffengewalt in den USA aus der Perspektive des Schützen.

In welche Zeit soll "Stain" nun also passen? So ganz allmählich dämmert's.

Vinyl und so: Das Album war wegen eines von Jon Stainbrook initiierten Rechtsstreits für über 15 Jahre out of print, erst 2013 gab es die erste Nachpressung auf CD. Music on Vinyl veröffentlichten das Album ab 2018 in mehreren Versionen auf farbigem und schwarzem Vinyl, die aktuell manchmal für sogar unter 20 Euro zu haben sind. Die Erstpressung gibt es für etwa 35 bis 40 Euro, mit etwas Glück kommt man auch günstiger davon.

Erschienen auf Epic, 1993.