La carrera de Nat Johnson se prolonga ya a lo largo de más de diez años que han dado para dos cambios de vestimenta en su música. Nuestro primer acercamiento a su voz fue gracias a la banda con la que debutó, los maravillosos Monkey Swallows the Universe, grupo de eminente inspiración Pop y grandes influencias Folk, tanto vocal como instrumentalmente. Con MSTU parece que la popularidad, a tenor de lo que se puede leer, rozó a Nat Johnson, teloneando el grupo al mismísimo Richard Hawley y llegando a publicar dos excelentes álbumes y varios singles en The Sheffileld Phonographic Corporation (sello ya inactivo que arrojó una serie de buenos discos de bandas como Standard Fare o Slow Down Tallahassee).

La carrera de MSTU se interrumpirá en 2008, decisión que marca el inicio de la carrera en solitario de Nat Johnson, editando primero bajo su propio nombre el single Dirty Rotten Soul para posteriormente volver a unirse a Kevin Gori, cofundador de MSTU, para firmar su carrera a partir de ese instante como Nat Johnson and the Figureheads, banda que publicó dos trabajos; Roman Radio (magnífico, en Damaged Goods) y Iâ€m Across, Iâ€m Ashore, de nuevo en TSPC. Ambos trabajos muestran a una Nat Johnson menos constreñida por los aires folkies de la música de su primera banda, produciendo un Pop que por momentos se nos antoja con posibilidades comerciales (es un decir) en un mundo perfecto donde se apreciaran las bonitas canciones pop desprovistas de artificios efectistas. Obviamente nuestra visión está equivocada y los discos de Nat Johnson and the Figureheads pasan absolutamente desapercibidos, con una escasa repercusión en medios, ya sean establecidos o amateurs, pues pocos son los blogs que darán publicidad a la carrera de nuestra heroína.

Mientras tanto y durante todo este tiempo nosotros seguimos pendientes de cada nuevo paso en la carrera de Nat Johnson, teniendo la oportunidad de disfrutar de su voz en directo en las ediciones de Indietracks en 2013 y 2014, primero con Without Feathers, breve proyecto junto a Emma de Standard Fare, para finalmente poder tener la oportunidad por primera vez de verla interpretando un repertorio propio el pasado verano, en una actuación dedicada a presentar las canciones de Neighbour of the Year, el primer Lp (Mini-Lp en realidad, en formato 10”) que Nat Johnson firma con su nombre, sin acompañamiento alguno.

Neighbour of the Year sería presentado casi seis meses después de aquella actuación, en noviembre de 2014, y supone un nuevo giro en la música de esta mujer orgullosa habitante de Sheffield (pocas veces pierde la oportunidad de manifestar su amor por la ciudad). Si hasta ahora siempre habíamos hablado de la presencia del Folk en su música, siendo esta una fuerte componente en sus canciones, este nuevo disco puede calificarse directamente de un trabajo adscrito a esta etiqueta. Digamos que, salvando las distancias, pues nos encontramos con un trabajo infinitamente más purista y profundo, parece que el espíritu de algunos temas de MSTU vuelva a residir en la música de Nat Johnson. Las siete canciones que integran este nuevo disco inspiran la idea de estar ante una especie de ejercicio de estilo (Folk, claro) en el que su autora se afana en arreglar con verdadero esmero unas composiciones verdaderamente introspectivas.

El álbum se abre con una inmensa Not Now, Horse que rápidamente se nos antoja como una de las mejores composiciones de Nat, siendo plácida en las formas el tema es una lección de optimismo aplicado para superar las dificultades, muchas veces magnificadas, de la vida diaria. Una constante, la del optimismo, el querer encarar las cosas mejor, que se repetirá a lo largo de todo el trabajo, aunque quizás no con tanta claridad ni con mejor resultado que en la pieza que abre el disco, claro que a todo esto contribuye una completa sección de vientos que se marca un crescendo de esos que te dejan al borde de la lágrima de pura felicidad.

March March es una de las piezas más desnudas del disco, apenas una bonita armonía, la guitarra y algún diminuto aderezo con las cuerdas conforman esta pequeña delicia. A continuación Iâ€ve Been Shot podría ser el single de este disco, si Nerighbour of the Year se prestara a tenerlo…eso sí, sería un single de tintes oscuros, la propia Nat Johnson lo confiesa, el tema presenta los momentos más bajos en los que podemos caer al perder el control, cuando la ansiedad (de la que fue víctima) se apodera de nosotros.

A estas alturas de disco ya nos ha quedado claro que no estamos ante un disco fácil, bonito sí, pero no sencillo ni por temática ni por la forma. I Canâ€t See You reza el siguiente tema, pero no se refiere Nat Johnson a nadie más que a sí misma al repetir sin cesar ese I Canâ€t See You….el rescate viene de la mano de Neighbour of the Year, aunque solo sea por sus ropajes algo más Pop. Dog parece una canción sobre el hecho de tener un perro, pero en realidad estamos de nuevo ante un ejercicio de optimismo que Shelter acompaña en forma de agradecimiento por la ayuda recibida en los malos tiempos, siendo la única pieza del disco grabada en una única toma.

Desde luego no creemos que Neighbour of the Year vaya a ser el trabajo más popular de Nat Johnson, tampoco sabemos si la carrera de la inglesa seguirá por estos mismos derroteros o estamos ante un trabajo fruto de una difícil etapa en lo personal. En cualquier caso estamos ante un disco francamente bonito donde letra y música son de gran valor y nos reafirmamos en la creencia de estar ante una estupenda compositora cuya música merecería muchísima más repercusión de la que ha tenido hasta este momento. Neighbour of the Year ha sido publicado por la propia Nat Johnson a través de Straw & Hay Records y puede conseguirse en vinilo 10” o Cd.

A lo largo del tiempo han sido varias las veces en las que nos hemos congratulado por el glorioso regreso de alguno de esos personajes que alimentaron nuestra juventud con sus canciones. Resulta difícil recordar la cantidad de comebacks a los que hemos asistido en los pasados cuatro o cinco años, unos necesarios e importantes, otros no tanto, incluso en muchos casos prescindibles. Los 80â€s parecen estar agotados en un momento en el que no se nos ocurren muchas bandas que queden por volver, pero siempre será mejor disfrutar de los estertores de aquella década antes de que lleguen los comebacks de bandas de los 90â€s, el mero pensamiento del rescate del brit pop nos hace temblar…

Pero volvamos a los regresos, centrémonos, hay quién nunca marchó, pero igualmente fue tragado por las fauces de la indiferencia, justificando su existencia en una pequeña legión de seguidores de carreras muchas veces instaladas en una medianía que se nos antojaba definitiva. Roddy Frame nos parece el más claro ejemplo de este tipo de artistas, nunca un debut tan brillante (a cargo de Aztec Camera, claro) fue seguido de una carrera tan irregular como la suya, primero con su banda y después en solitario…absoluta medianía de la que solamente la madurez parece haberle sacado, encontrándonos en estos momentos con un Roddy Frame en estado de gracia. Otro que cojea del mismo pie es Nick Heyward, en gran parte responsable del inicial éxito de Haircut One Hundred, comenzó una prometedora carrera en solitario que resultó tan prolífica como decepcionante…

Dicen que no hay dos sin tres, aunque en este caso podrían ser cien…pero en algún momento tenemos que llegar a nuestro protagonista de hoy, así que una vez mentados nombres como los de Roddy Frame o Nick Heyward nos centramos en la figura de Bill Pritchard, uno de esos nombres que a los veteranos sonará como el responsable de algunas excelentes canciones que nunca fueron refrendadas por una carrera con la solidez necesaria para que el nombre de Pritchard trascendiera algo más allá de su puntual popularidad en determinados países, extrañamente nunca el suyo propio.

Treinta años de carrera le han servido a Bill Pritchard para publicar un total de siete u ocho Lpâ€s que muy poca gente habrá llegado a escuchar. Por aquí, siendo como somos curiosos con este tipo de personajes, le perdimos la pista mediados los 90â€s y aunque alguna vez intentamos volver a él lo cierto es que su música no nos inspiró lo más mínimo, experimentos con ciertos tintes electrónicos incluidos, por lo que dejamos que nuestro recuerdo del británico se detuviera hace veinte años. Lejos quedan los tiempos de sus discos más celebrados, Three Months, Three Weeks & Two Days y Jolie (producidos por Etienne Daho e Ian Broudie, ahí es nada), los dos únicos trabajos de Pritchard que obtuvieron una cierta y merecida repercusión lejos de su país, Europa (Francia fundamentalmente, país donde Pritchard siempre se ha sentido cómodo, con Les Inrockuptibles llegando a dedicarle portada), U.S.A., Canadá y, como no, Japón, donde probablemente se alojó la legión su legión más numerosa de fans.

No sabemos si el regreso de Bill Pritchard concitó muchos elogios durante el pasado año 2014, lo cierto es que el descubrimiento de A Trip to the Coast, su nuevo trabajo (aunque a estas alturas deberíamos decir último, pues ya lleva en el mercado un año y Pritchard anuncia su continuación) después de casi cinco años de silencio discográfico, ha resultado ser una de esas alegrías que protagonizarán el curso presente. Sin esperar absolutamente nada, lo cual también ha facilitado el efecto sorpresa, nos hemos encontrado con uno de los mejores discos de Pop de los últimos tiempos. Lejos quedan los tiempos del joven Pritchard, que tampoco fue nunca dado a estridencias estilísticas, más bien se le podría situar entre esa caterva de cantautores británicos de aire clásico que proliferaron durante los 80â€s, y ese es el terreno que sigue transitando el británico, claro que ahora ha llegado el momento de descontextualizar temporalmente su música para abrazar la idea del compositor de temas Pop absolutamente atemporales. Eso es ni más ni menos lo que encontramos en A Trip to the Coast, un disco compuesto por Bill Pritchard en su tierra natal, de regreso, suponemos que hace mucho, de sus residencias y aventuras europeas. Este último disco bien pudiera ser la continuación, más reposada, madura y con clase de esa cima que para el artista supuso Jolie, un disco por el que ojalá no hubiéramos tenido que esperar casi veinticinco años. Evidentemente no encontramos en estas diez nuevas canciones el brillo que Ian Broudie confirió a Jolie, pero ni falta que hace, Pritchard ha superado ya los cincuenta y sus composiciones no necesitan de más artificio que el de los perfectos arreglos Pop con los que el británico siempre aderezó sus canciones.

Que A Trip to the Coast sea un disco repleto de medios tiempos no supondrá para nadie una sorpresa, pero la aparente confortabilidad en la que se instala no significa en absoluto una nula capacidad para la sorpresa o que caiga en la monotonía. El disco comienza con una pieza hipermelódica como Trentham, una composición, extraída como video de presentación del álbum, que pudiéndose limitar a sacar jugo de lo amable de su sonido va creciendo a cada escucha gracias a la multitud de detalles con las que Pritchard la decora. Continúa el disco con una Yeah Yeah Girl que se encuentra entre lo más fresco y directo de esta nueva colección de canciones, tanto que nos extraña que no sea la pieza que autor/sello escogieran como single….claro que este pensamiento nos viene a la mente varias veces a lo largo de la escucha del disco.

Dejamos que la guitarra de Posters, esta vez sí perfecto ejemplo de medio tiempo, nos guíe y transporte treinta años atrás, cuando el Jangle Pop estaba en todo lo alto de las listas de pop independiente. Tout Seul supone un guiño a la afición francófona de Bill Pritchard mientras que Truly Blue nos conduce a las composiciones más sencillas de Paddy MacAllon o al Rebellion de Harvey Williams, sobresaliente en cualquier caso. Superado el ecuador de A Trip to the Coast nos encontramos con la plácida Almerend Road y la enérgica (es la excepción) In June que nos conducirán a uno de los mejores momentos del disco, con una Paname de emocionante estribillo que por sí sola justificaría el regreso de Bill Pritchard al panorama musical. El cierre corresponde a Polly y A Trip to the Coast, ambas dignísimas canciones que rubrican la sensación de haber escuchado un disco sin altibajos reseñables, perfectamente disfrutable de principio a fin, algo cada vez más anómalo…

Por aquí no podemos más que felicitarnos (con retraso, eso sí) por el regreso de Bill Pritchard, A Trip to the Coast no es ni mucho menos un disco apto para todos los públicos, estamos ante un trabajo absolutamente adulto dirigido a una audiencia que comparte generación con el autor o bien es conocedora y disfruta del Jangle Pop más reposado de los 80â€s. Se nos hace muy difícil imaginar a alguien que no habiendo entrado en la treintena acceda a este trabajo de manera deliberada. En cualquier caso, lo de Bill Pritchard nunca fue el acceso a las masas, si en el pasado su música triunfó en función de la localización geográfica de sus seguidores, es probable que ahora el mayor o menor aprecio a su música sea una cuestión de edad…algo que dudo mucho preocupe a estas alturas al británico. A Trip to the Coast ha sido publicado por Tapete Records (sello que también ha publicado los imprescindibles últimos trabajos de Martin Carr o The Lilac Time, entre otros), siendo la manera más económica de comprar el disco pidiéndolo directamente al sello, que parece todavía se resiste a vender sus discos (vinilos especialmente) a los acostumbrados precios desorbitados de estos tiempos.

Sex With An X, la vuelta a la vida de la banda después de casi dos décadas de inactividad y olvido del que fueron rescatados gracias a Kurt Cobain tampoco es que nos pareciera un gran trabajo, encontrándonos con la pareja elaborando un sonido mucho más adocenado (en este caso como sinónimo de producido) que el que les identificó en su primera etapa. Tampoco diríamos que Sex With An X sea un fiasco, siendo un Lp que se puede escuchar gracias a unas composiciones que superan con facilidad el aprobado…pero nada que justifique el regreso, francamente.

La indiferencia hizo que obviáramos la presencia de Frances McKee en Indietracks y diésemos por finiquitada nuestra relación con los Vaselines, entendiendo que no había mucho más que hacer, la batalla estaba perdida y más aún habiendo tanta buena banda por descubrir…pero esa curiosidad que siempre ha podido con nosotros dictaba que tarde o temprano terminaríamos por escuchar V for Vaselines, llevándonos la auténtica sorpresa de encontrarnos con un Lp que nos gusta de principio a fin. Por primera vez en nuestra vida somos capaces de escuchar y disfrutar de un disco de los Vaselines sin sentir la tentación de quitarlo a medio escuchar, sigue sin acabar de convencernos la producción excesivamente amable por la que la banda opta en la actualidad, pero lo cierto es que V for Vaselines contiene un porcentaje de aciertos muy superior a lo que estábamos habituados. Temas como High Tyde Low Tyde nos levantan de la silla, incapaces de abandonarnos a una escucha sosegada, la dulce amargura de Inky Lies, los machacones y americanizados ritmos de Crazy Lady o False Heaven se graban a fuego, la delicadeza de Single Spies….todo ello contribuye a que el último trabajo de la pareja pase en un suspiro. Estos no son los Vaselines excitantes de hace más de veinte años, pero desde luego sí se puede decir que llegados a 2014 se encuentran en plenitud de forma y ofrecen canciones capaces de convencer a aquellos escépticos que, como nosotros, ya no esperaban nada de los escoceses.

High Tyde Low Tyde no es nuestra pieza preferida de V for Vaselines, pero el video que el grupo ha elaborado para el tema que abre su último disco nos parece de lo más divertido, Eugene y Frances tomándose su música e imagen a broma durante la entera duración del video, logrando que su visionado nos arranque una de esas sonrisas de las que tan necesitados andamos todos en estos tiempos…

Meritorio como poco supondría que alguien por aquí todavía recordará que no es la primera vez que los germanos Brideshead nos visitan, muy al contrario y hasta para asombro de nuestra frágil memoria hemos comentado la práctica totalidad de la discografía de Brideshead, primero haciendo un repaso a los dos Lpâ€s de la banda, más tarde comentando un 10” que fue su última referencia hasta hace bien poco. La fortuna y el tesón del grupo ha hecho que casi cinco años después de su maravilloso Comeback podamos volver a poner en nuestro plato un nuevo vinilo de estos veteranos que no hace muchos días confirmaban que en un futuro verá la luz su tercer trabajo largo.

The Mermaid es título de este pequeño vinilo de 7” recién editado (y ya casi agotado) por el inquieto pero irregular sello británico Dufflecoat Records, un sencillo de tan solo dos temas que se nos hacen brevísimos no precisamente por su minutaje, que también, si no por lo adictiva de música en él incluida. Obviamente nada nuevo bajo el sol, aquellos que ya conocen a Brideshead sabrán perfectamente qué es lo que les espera cuando la aguja comienza a deslizarse por el vinilo, The Mermaid, el tema, se inicia con una trotona guitarra rítmica que nos conduce hasta los habituales vientos (trompetas en este caso) optimistas tan característicos de los germanos. A partir de ahí no hay tiempo para el descanso, siendo acompañados, estamos ante una pieza de puritito Indie Pop de ese que consigue hacerte sonreír ante el reencuentro con ese viejo y querido amigo. Sobresaliente una base rítmica que nos incita a mover los pies sin descanso en una pieza que probablemente se ubica entre lo más destacado de la discografía de Brideshead.

The Loneliest Boy in the World, protagonista de la segunda cara del vinilo, no es quizás tan inmediata como The Mermaid, pero a poco que la escuchemos nos daremos cuenta de que estamos ante la verdadera joya de 7”, tema de más completa elaboración, un medio tiempo de esos que termina de arrancar casi sin que lo percates, con un estribillo y coros femeninos que rematan una bonita y sencilla letra que conquista poco a poco hasta situarse como nuestro tema Indie Pop predilecto de los últimos meses.

Tal y como decíamos, este nuevo 7” de Brideshead ha sido publicado por Dufflecoat Records, siendo el modo más sencillo de hacerse con él realizar una visita al Bandcamp del sello, donde están disponibles todas las referencias de la discográfica británica (incluido un 7″ de Zipper publicado hace un par de días).

Si después de leer lo escrito todavía tienes dudas, nada mejor que visionar el di-ver-ti-dí-si-mo video hecho por la banda para la canción titular del 7”

Andábamos escuchando Everlasting Light, el nuevo y flamante Lp de unos veteranos The Proctors, cuando varias ideas asaltaban nuestra cabeza, por un lado teníamos consciencia de que no hemos logrado escapar a un signo de la madurez, o mejor deberíamos de decir un signo del paso de los años, porque afortunadamente de espíritu seguimos escapando a esa madurez, esto es…en cierto modo musicalmente estamos anclados en el pasado. Sorprenderá leer esto a los que nos conozcan y sepan que seguimos buscando de manera infatigable nuevas bandas, pero lo cierto es que ello no está reñido con caer en la cuenta de que al pensar en bandas como los británicos The Proctors tengamos una vívida sensación de que nunca se han ido, y como ellos todos los demás grupos de aquellos ya lejanos años finales de la década de los 80â€s y el primer lustro de los 90â€s, periodos que tan buen Indie Pop alumbraron. Vamos a suponer que musicalmente el haber vivido tan intensamente aquellos años ha hecho que quede en nosotros esa especie de sensación de no haberlos abandonado nunca.

Por otra parte y volviendo al inicio de nuestro comentario de hoy, escuchar el segundo Lp de The Proctors nos ha hecho darnos cuenta de lo imposible que hubiera sido Everlasting Light allá por 1993-1994, cuando los Proctors nos arrebataron el corazón por primera vez con esas dos pequeñas miniaturas en formato 7” publicadas en Sunday Records, sello al que tanto cariño tenemos por esa primera etapa plagada de verdaderas joyas Indie Pop. Aquellas grabaciones, incluso aquel primer Lp titulado Pinstripes & Englishmen, fueron sin duda notorios para los que vivíamos en aquel microcosmos que era el Indie Pop de entonces, pero estaban plagados de unas limitaciones que en absoluto les restaban encanto ni valor, pero sí impedían que la banda pudiera ir un poco más allá…aunque claro, por aquel entonces quién pensaba o deseaban algo más que unos pocos minutos de melodías candorosas.

Saltamos en el tiempo, catorce, quizás quince años, y el nombre de The Proctors vuelve a llegar a nuestros oídos gracias la inestimable labor del sello Cloudberry Records (un sello al que, quizás sea impresión nuestra, creemos que no se le está poniendo en valor tanto como bien merecería, aunque esto quizás pudiera dar para todo un artículo) que en los estertores de la primera década del nuevo siglo publica un pequeño Cdr con cinco temas de los británicos, a partir de aquí parece que el regreso de la banda comienza a cobrar velocidad y pronto nos tropezamos con dos 7”, un primero compartido con Apple Orchard y más tarde un nuevo single, este sí exclusivo para la banda, que será alumbrado por Shelflife…ambos discos, sin entrar en detalles, dan a entender que el paso del tiempo no ha sido en balde y los nuevos Proctors son capaces de componer unas canciones dotadas de un cuerpo que antaño no se atisbaba. Esto junto con una afortunada actuación de la banda en la edición de 2011 de Indietracks hace que un incipiente entusiasmo medre en nosotros ante la expectativa de todo un Lp del grupo…y así, dos años después, llegamos a Everlasting Light.

No ha sido sencillo hacerse con una copia de Everlasting Light, de hecho ahora mismo aún resta una semana para tener en nuestras manos el preciado vinilo. El mercado discográfico estadounidense es prácticamente terreno vetado para los aficionados europeos después de este año la administración estadounidense decidiera una brutal subida de las tasas postales, algo que prácticamente imposibilidad la compra de vinilo, incluso de los más livianos Cdâ€s, a las tiendas y sellos estadounidenses. Sin embargo, quiso la fortuna que tropezáramos con una comunicación del grupo (antes incluso de la publicación del disco) anunciando que a la banda se le habían agotado las copias del disco de las que disponían, para que unos cuantos seguidores nos pusiéramos en contacto con los Proctors…para al final aparecer unos vinilos más que viajarían para España sin pasar por el tan temido pedido a U.S.A.

Entrando en materia, cosa que hoy parece realmente difícil ya que pensar en una banda como The Proctors hace que tengamos ganas de escribir y escribir de manera vaga sobre vivencias personales sin realmente detenernos en las nuevas canciones, que es lo que motiva este artículo. Tal y como decíamos, los Proctors conocidos por los más veteranos poco tienen que ver a nivel de calidad, que no de inspiración pues ésta es la misma, con los autores de Everlasting Light. El segundo Lp de la banda, compuesto por nada menos que quince temas (trece inéditos, si no se nos escapa nada), supone un salto de gigante que además de satisfacernos nos hace desear que esto no sea más que un nuevo paso en una carrera que ahora no puede volver a interrumpirse.

Corresponde a Trouble With Forever la apertura del segundo Lp del grupo, no podemos decir que nos llame la atención la pulcritud del sonido de la banda puesto que es una de las señas de identidad de estos “nuevos” Proctors, pero a buen seguro que esto sería lo que más destacaríamos si Trouble With Forever fuera nuestro primer contacto con la banda después de haberlos conocidos en su etapa anterior (cosa que les sucederá a algunos que no se han enterado de la vuelta del grupo hasta la publicación de Everlasting Light). Quizás no todo tenga que ver el paso del tiempo, está claro que con los mismos medios una banda puede sonar ahora mucho mejor que veinte años atrás, pero sin duda la experiencia de todos estos años ha sido definitiva en el salto cualitativo experimentado por el grupo. Continuamos la escucha con una sucesión de temas que se enganchan de manera irremediable a nuestra cabeza, Into the Sun contrapone su aire perezoso a unas atractivas voces chica/chico que junto con una línea de guitarra brillante nos hacen comenzar a seguir el tema nuestros silbidos…Perfect World es una de las piezas ya conocidas, sin nos antoja una pieza que no hubiera desentonado en absoluto junto en Pinstripes & Englishmen, acompañando a Lucasia, quizás el tema más destacado de aquel trabajo.

Yesterdayâ€s Boy nos remite de inmediato al lado más elegante de aquellos últimos años 80â€s, etapa de la que es absoluta deudora. Por aquí se nos antoja una de las piezas más redondas de todo Everlasting Light, un tema Pop (sin el indie delante) que se sitúa en todo lo alto del repertorio de la banda. Como curiosidad personal, mientras escuchamos Yesterdayâ€s Boy no podemos dejar de pensar en una de nuestras debilidades de los últimos años, el noruego Dylan Mondegreen, compañero de sello discográfico y pariente no tan lejano en lo musical. Fall Down With You tiene el honor de guardar en su interior alguna de las mejores melodías y estribillo del disco, mientras que los ambientes etéreos de Adrieen hubieran podido ser firmados por el mismísimo Ken Sweeney (Brian) que parece aparecérsenos (incluso en la voz) en este tema.

Tras la pausa que la plácida Adrieen nos proporciona, la banda decida aumentar la velocidad con Ambulance, tema que bien podría ser tema a extraer en forma de single, caso de haberlo, de Everlasting Light. Dream As a Dream y I Need to Tell You son las dos piezas más breves de todo el disco, la primera pasa casi en sigilo, mientras que de la segunda extraemos de nuevo unas guitarras excepcionales, muy al estilo de las que abrían el Lp…llegado a este punto caemos en la cuenta de una nueva inspiración, parecido…el de los Razorcuts de Gregory Webster, que nos vienen a la memoria al escuchar I Need to Tell You, lo que termina por consolidar esa sensación de familiaridad que transmite todo Everlasting Light. Una sensación grata en cualquier caso.

Wishing Well y Seasons Change son dos magníficas composiciones que nos introducen en el último tercio del disco, mientras que la ruidosa Fun Sunday nos gana por sus voces femeninas. Llegados a este punto restan las tres últimas canciones del disco; Ember Days, Cellophane y All Mornings,  la primera de ellas es un medio tiempo que hace hincapié en lo ambiental, la segunda tira por el Dream Pop con decisión y All Mornings apuesta por una desnudez (que no sencillez) inédita en todo Everlasting Light.

A modo de conclusión y aunque a estas alturas ya haya quedado claro, decir que The Proctors han publicado, muchos años después de su juventud, un Lp que probablemente podrá ser recordado como uno de los mejores trabajos Indie Pop del presente 2013. Una pequeña joya que desafortunadamente presenta el inconveniente de ser difícil (o al menos caro) de conseguir en su edición física, claro que en estos tiempos, ya solo unos pocos seguimos comprando discos…aunque en este caso se trata de una compra ineludible.

Con el programa en las manos, nuestra aspiración para esta segunda jornada de festival era la de poder asistir a un total de doce conciertos durante el día. Parecen muchos, pero lo cierto es que al final pudimos asistir a todos ellos y en muchos casos disfrutándolos íntegros, sin tener que salir corriendo hacia otro escenario en mitad de las actuaciones.

A los británicos Finnmark! correspondía la labor de abrir las actuaciones del escenario Indoor y nosotros, una vez escuchadas sus canciones, de inspiración más británica que nórdica, por mucho que el nombre y génesis de este proyecto nos traslade a Escandinavia, habíamos decidido no perdernos el concierto del cuarteto de Leeds. Lo de Finnmark! fue tal cual podíamos haber previsto, encontrándonos con una banda francamente voluntariosa al frente de la que hay un vocalista con una voz profunda francamente atractiva. Pese a sucederse los temas escuchados previamente y dados a conocer por February Records, fue Considering a Move to Sweden, un tema que no habíamos escuchado, la canción que más nos llegó y una pieza que nos acompañó a lo largo de todo el fin de semana. Por poner una pega a Finnmark! diríamos hasta ahora no hemos que los británicos sean capaces de trasladar a sus grabaciones la actitud y ritmo que imprimieron a su actuación en Indietracks.

El siguiente nombre marcado en negrita en nuestra agente del fin de semana eran The Choo Choo Trains, pero a tener lugar la actuación de éstas en el escenario Indoor, teníamos casi treinta minutos libres para ir a echarle un vistazo al escenario principal, abierto por The Art Club, una banda que quizás para nuestro gusto había metido en su mochila demasiados tics ochenteros pero que se nos antojaban rotundos en directo. Su tema Letâ€s Start Again había protagonizado parte de nuestro verano y tuvimos la suerte de que fuera uno de los interpretados en la primera parte de un concierto en la que vimos atisbos de sobreactuación por parte del cantante de la banda pero que dejó un buen sabor de boca, todo lo contrario que pasó con The Choo Choo Trains, que siendo firmantes de un precioso 7” en Manic Pop! Records atrajeron hacia su concierto a un público expectante que en términos generales salió tremendamente decepcionado. El trío femenino protagonizó la actuación más vergonzosa del fin de semana, no ya por su falta de pericia, los constantes errores, lo paupérrimo de su sonido…que también, pero por encima de todo esto por una falta de actitud que resulta imperdonable. Si no te sientes cómodo en el escenario y sabes que no puedes hacer nada digno al subirte a él, lo mejor que puedes hacer es no dar directos, lo de Choo Choo Trains fue de juzgado de guardia, obligándonos a abandonar su concierto cuando apenas había llegado a su ecuador.

No sabemos lo que tardarían The Choo Choo Trains en recoger sus instrumentos, pero si no fueron muy rápidas esperamos que aprendiesen  algo de Pale Spectres, encargados de sucederlas en el escenario Indoor. El grupo proveniente de París nos dejó con una sonrisa de oreja a oreja gracias a un entusiasmo que acabó calando en la audiencia, y es que cuando una banda lo pasa bien sobre el escenario (y para esto es necesario saberse y ensayar las canciones) todo está a su favor. Si a eso le unimos unas canciones inofensivas pero realmente bonitas, especialmente las incluidas en su disco para la disquera española Little Treasures, tenemos el combinado ideal para que su directo sea un éxito, como así sucedió. Lo de Indietracks, el festival en sí, va camino de convertirse en algo así como un acontecimiento mítico en la escena Indie Pop, así sucederá el día que desparezca, de modo que todo grupo minúsculo (los más grandes juegan en otra liga) que se suba a cualquiera de sus escenarios debería de tener al menos el entusiasmo de Pale Spectres, cualquier otra cosa no debería de caber en una escena y un festival tan insignificantes (en términos absolutos) como los que tratamos.

Todos los años, cuando se empieza a publicar el cartel de Indietracks, tenemos la costumbre de ir marcando aquellos grupos que sin duda son una apuesta segura. Digamos que lo que más nos gusta del festival, o al menos al mismo nivel que lo que más pueda gustarnos, es descubrir nuevas bandas, pero un festival con bandas absolutamente desconocidas no justificaría los esfuerzos personales, familiares y económicos que todos los años supone desplazarse hasta Derbyshire. Este año The Understudies estaban en la lista de apuestas seguras, el descubrimiento del grupo en un Indietracks de hace tres años fue una auténtica sorpresa avalada por su posterior actuación en nuestro entrañable Madrid Popfest.  The Understudies lo tiene todo para darse a conocer a un público más amplio del que actualmente les disfruta; unas canciones sobresalientes, un sonido personal, actitud sobre el escenario, competencia en la interpretación…sin embargo difícilmente podrán ir más allá con dos únicos 7” publicados y quedándoles la asignatura pendiente de un Lp de debut para el que están más que capacitados. No sabríamos decir si esta última actuación ha sido la mejor que les hemos visto, la de Indietracks 2010 juega con la baza de habernos descubierto a la banda y la del Madrid Popfest tiene a su favor jugar en (nuestra) casa, pero lo cierto es que a nivel artístico la banda ha crecido una barbaridad, su cantante se muestra sobrado para llenar el escenario principal de Indietracks y el sonido de la banda es cada vez más elaborado (especialmente en esta ocasión, con la ayuda de Miguel de Felt Tips y la de A Little Orchestra). Si a eso le unimos hits como la nueva Erika K, la inmensa A Girl I Used to Knock About With, Wanting vs. Getting…el terreno para un concierto sobresaliente está perfectamente abonado y ese fue el resultado de su actuación, quedando para el recuerdo como uno de los mejores momentos de la última edición del festival. Ahora solo nos queda cruzar los dedos para ver si los británicos se animan a grabar su primer larga duración…

Con Milky Wimpshake lo nuestro es una sucesión de desencuentros, por una u otra razón siempre nos perdemos sus actuaciones. Esta vez el problema era su coincidencia horaria con When Nalda Became Punk, grupo a cuyo concierto no íbamos a dejar de asistir, así pues de nuevo nos quedamos con la miel en los labios. De nuevo, y ya van tres veces, no pudimos asistir a una actuación de Milky Wimpshake, pero es una cuestión de prioridades y por desgracia parece que esta banda siempre tiene las de perder.  Si la memoria no nos falla, este año When Nalda Became Punk eran la única representación nacional en Indietracks, por aquello de la amistad habíamos estado hablando con ellos a lo largo del día y de nuevo nos tropezamos, como sucediera con Pale Spectres, con esa actitud que consideramos indispensable para subirse a cualquier escenario del festival británico, y es que la banda gallega se veía realmente entusiasmada, también algo nerviosa, ante su actuación en el escenario Indoor, con los problemas típicos de sonido que se aprecian en esta ubicación y sin posibilidad de probar sonido.

Hablar del trabajo de tus amigos no resulta sencillo, lo habitual es hablar bien de ellos por aquello de evitarte problemas, sin embargo por aquí nunca hemos caído en la condescendencia, de modo que resulta obligado decir que When Nalda Became Punk nos gustan infinitamente más en disco que en directo. Por una parte porque dos de los tres conciertos que les hemos visto tuvieron un sonido infame derivado de las condiciones de los locales en los que tuvieron lugar, por otro lado porque tenemos un problema con sus programaciones que en el cara a cara no nos convencen, sonándonos un poco como de juguete. Echamos en falta, en especial por ese Indie Pop que practican, una batería real, cosa que probablemente iría en contra de su ideal estilístico (estamos pensando en alguno de sus gustos) pero que entronca más con nuestras preferencias, que aun siendo similares no acaban de coincidir.

Por fortuna la actuación de When Nalda Became Punk en Indietracks no se pareció en nada a otras que recordamos y por fin pudimos asistir a una actuación suya que, salvando algunos pequeños inconvenientes de sonido, estuvo a la altura de A Farewell To Youth, un disco que aunque no se haya dicho nada de él aquí por la poca actividad que mantenemos últimamente, nos parece de lo mejorcito que ha producido el Indie Pop en este año 2013. Como decíamos, no solemos caer, nunca lo hemos hecho, en la adulación gratuita, de modo que decir que A Farewell To Youth nos parece el más reciente exponente del lado más joven y despreocupado (que no bobalicón ni feliz) del Indie Pop es una afirmación sincera surgida de las decenas de escuchas que le hemos dado a este magnífico debut. Es por ello que teníamos ganas de ver a la banda por primera vez en forma de cuarteto, no sabemos si las pocas indicaciones que tuvieron tiempo de hacerle al técnico de sonido fueron suficientes, pero obviando algún pequeño problemilla, lo cierto es que canciones como Summer, You and Me, When Itâ€ll Come o Moderns, You Should Stay Home hicieron que el público se contagiase de la ilusión (con Antonio grabando y haciendo fotos desde el escenario) con la que los gallegos afrontaban su concierto, consiguiendo que el directo de When Nalda Became Punk fuera uno de los de mejor ambiente (que no asistencia) de todo el fin de semana.

The Secret History eran, al menos para nosotros, uno de los platos fuertes de Indietracks 2013. Desde que allá por 1997, en plena decadencia del Indie Pop, descubriéramos a unos desconocidos My Favorite por su participación en el recopilatorio Pop American Style de March Records, hemos sido absolutamente fans de la música de Michael Grace. De My Favorite devoramos con fruición todos y cada uno de los discos de la banda que cayeron en nuestras manos y lo de The Secret History no le ha ido a la zaga, puesto que el nivel de los temas de la actual banda de Michael Grace es como mínimo igual al de My Favorite. Basta fijarse en la alineación actual del grupo para caer en la cuenta de que en realidad cuatro de los componentes han estado en ambos proyectos, no siendo una locura decir que en realidad lo único que ha cambiado ha sido, además del nombre, la sustitución de las voces femeninas del grupo.

Si The Secret History fueron uno de los motivos principales para desplazarnos a Indietracks este año, su actuación fue sin duda alguna una de las tres mejores del fin de semana, probablemente la segunda mejor de todas las que contemplamos. Incomprendidos por algunos, fundamentalmente por culpa de la estética hortera ochentera que se gastaba Michael Grace (allá ellos, cuyos prejuicios les impidieron disfrutar de una actuación brillante), lo de The Secret History en Indietracks no fue más que la confirmación de que la banda está muy por encima del nivel del festival británico. Y no lo decimos solo por un repertorio que deja fuera de juego a la mayoría de las bandas con las que se las pudiera comparar, si no por un saber estar sobre el escenario que está a años luz de la práctica totalidad de las bandas Indie Pop. Michael Grace no paró ni un segundo, moviéndose nerviosamente por el escenario, bailando de manera espasmódica, envolviéndose con una bandera norteamericana que terminaría rasgando con descaro (aunque pidiendo disculpas a quién se pudiera sentir ofendido) en la recta final de su actuación, arrimándose a Lisa Ronson cada vez que tenía que unir su voz a ella…pero sobre el escenario no solo estuvo él, la mencionada Lisa Rodson junto con Jamie Allison Babic deslumbraban, la primera más inquieta y espontánea, la segunda absolutamente guardando las distancias con una imagen sexy, ambas poseedoras de unas voces fantásticas. Mientras, el resto de la banda, todo competencia a sus instrumentos, en un segundo plano mientras disfrutaban de la actuación.

Si a semejante competencia sobre el escenario le unimos temas como Johnny Panic, Eleanor (The City and the Sea), Johnny Anorak, Age of Victoria, God Save the Runnaways o rescates memorables del repertorio de My Favorite, como las inmensas Absolute Beginners Again o The Suburbs Are Killing Us…al final la sensación que queda es de haber tenido la suerte de confirmar que todos los años de militancia detrás de unos músicos se ha visto recompensada con el concierto que justamente hubiéramos deseado contemplar (vale, más corto de lo que nos hubiera gustado, pero ya se sabe que en los festivales las cosas son así).

Casi sin tiempo para respirar, con los últimos aplausos a The Secret History echábamos a correr hacia el escenario Indoor para disfrutar del último tercio de la actuación de los siempre simpáticos Mc Tells, unos verdaderos veteranos a los que poca gente llegó a tomar en serio en su momento, probablemente por la casi legendaria irregularidad de sus discos. Claro que todo se olvida todo cuando te posicionas frente al escenario y miras la cara, los gestos, la manera de ser frente al micro de Paul. Uno no puede dejar de tener la impresión de que, aun superándonos en edad, Paul tuvo que ser uno de esos críos traviesos con los que es imposible enfadarse…y todavía lo es, equivocándose en la letra de una canción y consiguiendo la complicidad del público con sus gestos indescifrables dirigidos a Harvey Williams, como disculpándose por su torpeza. De igual modo que una sensación de tristeza te invade cuando Paul se despide anunciando que ése ha sido el último directo de los Mc Tells, que nunca habrá una nueva resurrección de la banda, y tú te das cuenta de que ha sido su último concierto y no has sido capaz de verlo íntegramente…hablar de lo que fue el concierto de los Mc Tells resulta absolutamente superfluo cuando te das cuenta de que has asistido al final de una banda y sabes que ahora sólo te quedará recurrir a sus discos, a sabiendas de que nunca más habrá nuevas canciones.

Todos los años tenemos alguna pataleta por las coincidencia en el cartel de Indietracks, este año hubo alguna que nos dejó fuera de juego, pero hasta ahora y en toda la historia del festival no hemos visto metedura de pata como fue la de hacer coincidir en dos escenarios las actuaciones de The Pastels y The Brilliant Corners, dos grupos que comparten totalmente un público que rabió cuando llegó el momento de tomar la difícil decisión por optar por ver íntegramente una de las actuaciones y unos minutos de la otra. Lo nuestro no era cuestión de decidir, desde el preciso instante en el que se anunció a The Brilliant Corners estaba claro que ninguna otra banda superaría las ganas que teníamos por ver al grupo de Dave Woodward. Así  pues, resignados, nos situamos frente al escenario principal sabiendo que solo disfrutaríamos de The Pastels durante veinte minutos. Un tiempo en el que no tuvimos la fortuna de que sonara algún tema veterano del repertorio de los escoceses, pero que fue más que suficiente para descubrir que los Pastels, por fin y después de veinte años, habían aprendido a tocar sus instrumentos, aunque el comentario generalizado fue que todo aquello sonaba a las mil maravillas por la influencia de Gerard Love, de Teenage Fanclub, que acompañaba a Stephen y Katrina en el directo. De no haber abandonado tempranamente la actuación de The Pastels ahora estaríamos diciendo que su concierto fue uno de los mejores de Indietracks 2013, puesto que lo que pudimos ver nos emocionó tanto o más que lo logra Slow Summits, su último trabajo en estudio, pero las nubes se cernían sobre nosotros e interpretamos este signo como una señal que indicaba que The Brilliant Corners estaban esperándonos…

Había llegado el momento, el concierto más especial de Indietracks (del que no hicimos ni una foto porque no era cuestión de perdernos ni un segundo de actuación) disponía a dar inicio, confesamos sin rubor que hasta sentíamos cierto hormigueo en el estómago, no en vano habíamos comprado nuestro primer disco de los Brilliant Corners más de veinte años atrás…una actuación mediocre hubiera sido tan decepcionante, hubiera hecho tanto daño al recuerdo que tenemos de la banda…pero no, lo acaecido durante la actuación de la banda de Dave Woodward en Indietracks fue un acto de justicia divina, quizás obrado por un dios menor, pero en todo caso una justicia que les puso justo donde la banda merecía. Sin duda muchos de los que allí estuvimos afirmaríamos que tuvimos la suerte de presenciar la mejor actuación que banda alguna que se haya subido a ninguno de los escenarios del festival. Mirábamos a nuestra derecha e izquierda y veíamos en las primeras filas caras conocidas, emocionadas por una actuación fuera de toda duda, pero al mismo tiempo nos encontrábamos con otros rostros que nunca hubiéramos apostado que fueran de fans de la banda, aunque durante el fin de semana ya se habían escuchado muchos comentarios acerca de lo esperada que era la actuación de los de Bristol…finalmente su concierto superó todas las expectativas.

Seamos francos, somos seguidores histéricos de los Brilliant Corners, pero ni el más descabellado fan de la banda diría que la carrera del grupo fueimpecable. Los inicios, los primeros singles en SS20, fueron tibios, encontrándonos con una banda de querencia garajera que en nada se parecía a lo que vino después, de igual modo que durante los momentos previos a la explosión mancuniana Dave Woodward y sus compinches se dejaron largo el pelo, empezando a vestir camisas psicodélicas y estropeando el fin de la carrera del grupo. Ahora, lo que hubo entre unos inicios rebeldes y un final mediocre fue puro almíbar, sin duda una banda que por momentos facturó el mejor Jangle Pop jamás compuesto e introdujo la trompeta en su música de una manera tan certera que no se nos ocurre ningún otro grupo en el que el sonido de este instrumento sea tan difícil de disociar de su estilo como sucede con The Brilliant Corners. No hubiera tenido sentido mezclar canciones de diferentes etapas y sobre todo, de diferente valía, de modo que la banda optó por tomar la decisión más inteligente y conformar un repertorio absolutamente centrado en sus mejores y más populares temas, lo que convirtió el concierto de los Brilliant Corners en Indietracks en el concierto soñado por cualquier seguidor del grupo, a saber: Brian Rix, Jimâ€s Room, Trudy is a Squeel, Delilah Sands, Your Feet Never Touch the Ground, Someboy Up ThereLikes Me, Teenage…todas ellas (si la memoria no nos falla) y otras muchas conformaron un listado de temas que nos llevaron a la más absoluta felicidad, rematada con un bis a cargo de una Meet Me On Tuesday que fue interpretada hasta en dos ocasiones por el grupo, al haber agotado el repertorio preparado para la ocasión.

Finalizado el concierto el intercambio de impresiones arrojó un resultado unánime a favor del encumbramiento de la actuación como momento memorable en Indietracks. La sensación de haberlo dado todo, banda y público, era patente, lo cual nos impedía darnos cuenta de que el cielo caía en ese momentos sobre nuestras cabezas y que el concierto final de la segunda jornada de Indietracks, a cargo de los escoceses Camera Obscura no se iba a poder desarrollar en el escenario principal del festival. Poco a poco la noticia fue corriendo de boca en boca y el público comenzó a inundar la nave que alberga el segundo escenario del festival. Todo esto hizo que ante la expectativa de presenciar (otro) aburrido concierto de Camera Obscura, especialistas en publicar grandes discos y dormir a las piedras en directo, tomáramos la feliz decisión de encaminarnos hacia el hotel para tomar una cena en condiciones mientras disfrutábamos de una buena cerveza y comentábamos la jornada. Después todo transcurrió de una manera muy distinta a como imaginábamos, pero esa es otra historia…

Hace unas semanas recibíamos una comunicación del batería de la banda peruana Eva & John dándonos a conocer la publicación un pequeño flexi de dos temas que supone (entendemos que así es, ya que no hemos encontrado nada que lo contradiga) el debut discográfico de esta banda absolutamente desconocida para nosotros hasta ahora. Es curioso comprobar la poca música que nos llega de Suramérica, estamos convencidos de que hay mucho más allá de la decena (siendo generosos) de bandas que a todos nos vienen a la mente. Como en U.S.A., U.K. o Europa seguro que hay muchos chavales haciendo música en sus habitaciones y garajes de sus casas, solo que la precaria infraestructura discográfica de muchos de aquellos países les imposibilitan ir un poco más allá y obtener un mínimo reconocimiento.

Por fortuna Eva & John ya han logrado iniciar su andadura gracias a este flexi que nos presenta dos breves pero contundentes y arrebatadoras piezas. César Gutiérrez se encarga de abrir el single con un sonido que manifiesta, o así parece, la devoción de la banda por los sonidos del Pop británico de la segunda mitad del la década de los 80â€s, aquello que vino a llamarse C-86 y que en realidad fue un término incapaz de definir un sonido concreto. César Gutiérrez (confesamos desconocer la historia del personaje) se muestra deudora de la facción más ruidosa de todo aquel Pop (The Jesus & Mary Chain marcan el camino), pero siempre bajo el control de la melodía a la que se encuentra subordinada. Si nos olvidamos de la dicción del cantante de la banda también podríamos imaginarnos alguna banda española de los estertores de la movida. En cualquier caso, lo que importa es que César Gutiérrez es un tema adictivo que engancha a la primera escucha con un ritmo y melodía que se clavan a fuego en la memoria, algo de lo que no todas las bandas pueden presumir en su debut.

Ciempiés completa este pequeño single y lo hace de una manera más…vamos a decir cavernícola, y empleamos este término porque por momentos encontramos un aire a lo Beat Happening en esta canción de letra minimalista que ofrece el contrapunto de trazo grueso (no exento de cierta dulzura) a la más efectiva e inmediata César Gutiérrez, aunque no por ello nos deja de gustar casi tanto como aquella.

Puede que recibiéramos el flexi de Eva & John con buena predisposición por la añoranza del formato en el que está grabado, pero aquí al fin y al cabo lo que importa es la música y este disco merece toda nuestra atención por cuanto lo que en él hay contenido nos parece un aperitivo realmente suculento que nos deja con ganas de escuchar más canciones de esta banda peruana de la que nos gustaría saber y escuchar más cosas. Mientras tanto, y para aquellos que estén interesados en el disco, quizás lo más recomendable sería contactar con la banda a través de su bandcamp, facebook o el correo evayjohn@gmail.com, realmente merecen la pena.

Hay muchos festivales, sí, pero ninguno es como Indietracks. Pensad en un Madrid Popfest…pues Indietracks es algo parecido pero durante tres días, dos de los cuales se plantean en jornadas casi maratonianas que comienzan antes de las doce del mediodía y terminan cuando el día ya ha expirado…tiempo durante el cual se puede asistir a multitud de conciertos, comprar decenas de discos, tumbarte en la hierba mientras charlas con gente que muchas veces sólo ves durante el Indietracks…y todo ello en un ambiente extremadamente relajado donde no te encuentras, como pasa en España, con los típicos soplapollas que luego te juzgará por tu imagen (y en Indietracks hay estéticas de todos los tipos), por un entusiasmo en primera fila de concierto que según lo establecido no corresponde con tu edad, o por cualquier estúpido detalle que llame la atención de sus mentes (supuestamente muy modernas ellas) cuadriculadas.

Por supuesto que Indietracks no es perfecto, quizás su mayor defecto, por ser el único estrictamente musical, sea el de la elección de los cabezas de cartel, donde en ocasiones el festival falla estrepitosamente. Sin olvidar ese muermo de cierre de edición 2011 a cargo de Herman Dune este año nos temíamos lo peor, especialmente por unos Camera Obscura que siempre han destacado por sus conciertos absolutamente soporíferos. También echamos en falta la supresión de los conciertos en los trenes, donde por muy bucólica que resulte la experiencia, es imposible escuchar música en condiciones…más cuando estos conciertos, por ser acústicos, podrían celebrarse en una pequeña carpa donde la música sí se apreciaría. Otras cuestiones no pasan de ser más que anecdóticas y con visos absolutamente personales, como es el tema de que sea prácticamente imposible alimentarse en condiciones, o que la cerveza pueda conseguirse fría…pero en la misma balanza de cuestiones anecdóticas, por ser extra musicales, destacaríamos el gran peso que tiene la amabilidad de toda la organización y sus esfuerzos porque todo vaya rodado durante el fin de semana.

Tras esta introducción vayamos con la música, después de un año de ausencia aterrizábamos en el aeropuerto de East Middlands dispuestos a repetir el ritual de todos los años, esto es; transporte hasta nuestro alojamiento, el Ripley Premier Inn, el hotel más cercano y cómodo al festival que sin embargo en esta ocasión se encontró menos poblado de caras conocidas que de costumbre, debido sin duda a que la dirección del hotel se ha percatado de que el fin de semana de Indietracks llenan a rebosar y han optado por subir considerablemente sus precios, haciendo de este hospedaje una opción menos atractiva de lo que fue en otros años. En cualquier caso el buen hacer del personal del hotel hace que siga mereciendo la pena pagar más por este hotel. Una vez alojados convenientemente nos dispusimos a dar buena cuenta de la que sería la única comida decente de todo el fin de semana y rápidamente nos dirigimos a tomar el tren que nos conduciría al reciento.

La tarde del viernes sigue estando protagonizada por tres únicas bandas alojadas en el escenario principal, cuestión que año tras año nos hace debatir sobre su conveniencia, pues para aquellos que nos desplazamos el primer día siempre sabe a poco poder disfrutar de tres únicos conciertos. Este año las tres bandas encargadas de abrir el festival eran unos todavía desconocidos Big Wave, las alocadas The Tuts y los escoceses Bis, grupo cuyos mejores tiempos pasaron hace bastante pero que siempre hicieron gala de conciertos realmente divertidos.

Tenemos debilidad por los detalles, de modo que a Big Wave teníamos ganas de escucharles tan sólo por ser paisanos de unos veteranos de los que ellos probablemente ni siquiera hayan escuchado nombrar, The Morrisons, un pequeño grupo de finales de los 80â€s que en su día, y con tan solo un 12” y un flexi, se convirtieron en favoritos absolutos. Big Wave no tienen nada que ver con The Morrisons, frente a la elegancia de aquellos, este jovencísimo quinteto se inspira más bien en un Noise Pop (nos apetece recuperar esta etiqueta tan de los 90â€s españoles) repleto de melodías cuyo discurso hacen propio. Indietracks a veces tiene la costumbre de situar en el escenario principal a grupos que apenas han dado de sí, como años atrás lo hizo con unos Veronica Falls que después han crecido de manera increíble. Lo de Big Wave no es, ni mucho menos, para tanto, tan solo un pequeño 7” titulado Only You era su carta de presentación, pero aun así supieron llenar a la perfección el escenario outdoor. Cierto que con más ideas que canciones, aunque estas no faltaran, con temazos como el mencionado Only You o Goldmine, protagonista de su último lanzamiento, en un formato tan incomprensible en pleno 2013 como es la cinta de casete. El concierto del quinteto fue un aperitivo francamente delicioso que dejó un estupendo sabor de boca, con una jovencísima líder y vocalista que lo dio todo durante la actuación y una banda que, excepción hecha de una teclista que parecía aburrirse en extremo (cosa de los nervios, sin duda), disfrutó durante toda su actuación.