Raw by Marz & Chew

marz_1 ¬ dans ma tête

2012-01-20T09:00:00.000+01:00

À force de faire des pochettes pour des albums et des mixes, on finit inévitablement, un jour, par vouloir s'y essayer. J'avais jusqu'à présent toujours évité toute tentative de création musicale personnelle tant cette tâche ne me semblait pas destinée.

J'ai beau écouter de la musique en permanence et être entouré de musiciens, je ne n'arrive pas à la matérialiser dans mon esprit.

Afin de contourner le problème, je décidais donc de lui associer mentalement des images dans le but de pouvoir m'y raccrocher. Ce mix est donc conçu comme un flux musical. Une sorte de film à la trame narrative volontairement scabreuse, reflet de l'immense "bordel organisé" qu'est mon esprit. Aucune ligne directrice, ni volonté de pérennisation, seul l'inconscient en guise de disc-jockey.

« Dans ma tête, 20 000 lieux nous séparent,
Dans ma tête, seule la vie est un cauchemar,
Dans ma tête, seule mon inconscience m' égare,
Dans ma tête, pas de place pour les bavards.
Dans ma tête, trop d'histoires ambigues,
Dans ma tête, trop de rêves superflus,
Dans ma tête, trop d'images confondues,
Dans ma tête, trop de souvenirs perdus. »

la cliqua

sélectionés par marz, mixés par gohan

la cliqua - dans ma tête
dmx - ready to meet him
doctor - jealousy and hate
pavillon 7b - la ballade du p'tit mec
vita noctis - hade
portishead - machine gun
john maus - do your best
farimont - bikini atoll
dj koze - der wallach
oz - dreamland
gohan - delinozor
luke abbott - more rooms
vincent oliver - el scar day ('more scary day than ever' remix by gohan)
marina and the diamonds - oh no! (active child remix)
lone - explorers
monomaniax - sexy tourismo (gohan barad-dûr remix)
heaven 17 - geisha boys and temple girls
dimmer - crystalator
the durutti column - II chant
asap rocky - peso (prod. by asap ty beats)
the durutti column - first aspect of the same thing
siouxsie and the banshees - dazzle (glamour mix)
tricky - bad dreams
pee x iggy standard - amstel 2 palma
shed - leave things
英雄本色 - 周潤發

Lettering in public space — workshop by François Chastanet

2012-01-06T12:14:00.002+01:00

"Lettering in public space" est un workshop qui a été mené par François Chastanet à Utrecht pour impakt.nl autour des pratiques de la lettre dans l'espace public. Inspiré de la tradition chinoise, l'exercice de la calligraphie dans la rue à l'aide d'un pinceau à pointe en mousse n'est pas sans rappeler ici une autre pratique qui nous est bien plus familière... Une chouette vidéo résulte de cette experience à la croisée des cultures.

«Je est un autre» n'est il pas?

ndrl: Interview de François Chastanet

Christrian Dotremont - Logogrammes

2011-12-31T17:07:00.000+01:00

Une très belle exposition a (eu) lieu à Pompidou sur Christrian Dotremont, malheureusement je la traite un peu tard car elle se finit aujourd'hui.

Présentation de l'exposition
Par Christian Briend, conservateur du musée national d'art moderne
Ce que je fais en somme, c'est exagérer la naturelle liberté de l'écriture. » Ainsi l'écrivain et artiste belge Christian Dotremont (1922-1979) résumait-il la pratique du logogramme, dont l'invention par lui en 1962 constitue une saisissante illustration des relations entre art graphique et littérature. Pour la première fois dans un musée français, le Centre Pompidou rassemble soixante-dix logogrammes sélectionnés parmi les plus beaux et les plus importants dans plusieurs collections publiques et privées belges et françaises.

À cette occasion, il dévoile un fonds récemment enrichi par la remarquable donation de Pierre et Micky Alechinsky. Né à Tervuren, près de Bruxelles, Dotremont, entre très tôt en contact avec les surréalistes belges. Après un séjour à Paris sous l'Occupation durant lequel il rencontre artistes et écrivains, il fonde en 1947 le groupe « surréaliste révolutionnaire », puis l'année suivante à Paris avec Appel, Constant, Corneille, Jorn et Noiret le groupe « international d'art expérimental » Cobra. Dotremont rencontre Pierre Alechinsky en 1949 avec lequel il collaborera souvent à des oeuvres à deux pinceaux. Deux ans plus tard, Dotremont reçoit une bourse de l'Institut danois pour étudier l'art populaire de ce pays. C'est à Copenhague qu'il rencontre celle qui sera épisodiquement sa compagne et lui inspirera de nombreux écrits, poèmes et logogrammes.

Atteint de tuberculose, Dotremont fait l'expérience du sanatorium, à Silkeborg, en compagnie d'Asger Jorn. Il relate ce séjour dans son roman La Pierre et l'Oreiller publié chez Gallimard en 1955. Peu après, il fait son premier voyage, déterminant, en Laponie finlandaise, où la contemplation des paysages immaculés a sa part dans l'invention du logogramme. Recherchant « l'unité d'inspiration verbale-graphique », Dotremont propose « des dessins de mot, des peintures de langage », habituellement tracés avec vigueur à l'encre noire et au pinceau sur des feuilles de papier blanc aux formats variables. Les logogrammes sont des poèmes, écrits en état de grande spontanéité, dont les éléments scripturaux, lettres de l'alphabet, chiffres arabes, ponctuations, se dégageant de la norme graphique, se trouvent « distordus, dynamisés, rendus méconnaissables ».

Pour préserver la signification de ces nuées de signes, à la lisibilité menacée, Dotremont reporte toujours le poème, l'aphorisme ou le petit dialogue, souvent humoristique, au crayon au bas de la feuille, d'une fine écriture d'écolier. En 1976, lors de l'un de ses nombreux séjours en Laponie, Dotremont est accompagné de Caroline Ghyselen, qui photographie « logoneiges » et « logoglaces » tracés avec un bâton dans « l'immense papeterie qu'est l'Extrême-Nord ».

Sémantique et typographie comme vecteur du webdesign. Un workshop à l'ESA

2011-12-06T10:44:00.001+01:00

La semaine prochaine je me suis vu attribuer l'animation d'un workshop à l'Esa (merci Perrine). J'ai choisi d'aborder les questions de sémantique et de typographie qui me semblent essentielles dans la conception actuelle du web.

L'internet est une substance mouvante où les images pédophiles côtoient aisément les théories sur le boson de Higgs (voire parfois se confondent) dans une anarchie certaine. Les réseaux virtuels, quant à eux, sont arrivés à maturation au point d'avoir une répercussion quantifiable dans le réél. On leur reconnait maintenant, à tord ou à raison, une implication dans les révoltes qui secouent le monde (Maghreb, Égypte, Syrie, Chine...). Et alors que les états peinent à endiguer ce phénomène, cette nouvelle forme de réalité, qualifiée d'augmentée, semble ouvrir de nouveaux espaces de libre expression.

Néanmoins cette migration de l'état réel au virtuel n'est pas sans conséquence et ouvre des nouveaux champs de réfléxion pour les designers et par extension pour les architectes.

Le communiqué du workshop:
Face à l’omniprésence toujours plus forte d’internet dans notre quotidien, nous tenterons pendant cette semaine de workshop d’appréhender les problématiques liées à l’information « en ligne ». Cet atelier aura pour ambition d’initier les premiers questionnements en terme de design d’interface et d'architecture de l'information au sein d’un projet de création de site internet.
Nous aborderons entre autres l’analyse de la structure typographique d’un document, ses niveaux de lectures, sa structure rédactionnelle, son rendu multi devices (smartphone, tablette, écran, papier) mais aussi l’utilisation d’images et d’animations à caractère fonctionnel.
Nous privilégierions à cet effet, l’utilisation de technologies open-source et émergentes telles que l’HTML 5/Css3, nouveaux fleurons du web capables de répondre aux exigences techniques et graphiques les plus pointues.

«Ma Ligne», Fuzi, Maximage, l'interview

2011-11-15T14:14:00.001+01:00

La beauté d’une balafre, la violence d’un trait, la radicalité du geste, la souffrance subite et affligée sont autant de thèmes qui resurgissent tout au long de cet ouvrage. Dans une mise en page sobre et efficace, le vandalisme si souvent réduit à une expression débile (par les auteurs eux-même d’ailleurs) prend ici une forme toute poétique.

Cette poésie brute, mainte fois occultée dans l’engouement commercial qui entoure aujourd'hui le graffiti, est pourtant à mes yeux l’essence de cette discipline.

J’ai donc tenté à travers cet entretien de retracer avec Fuzi et Maximage la genèse de cet ouvrage singulier paru aux éditions Patrick Frey.

L'interview

Depuis combien de temps as-tu entrepris ce travail d’archivage? Est-il inhérent à ta démarche depuis le début?
Il s’inscrivait dans mon quotidien de «graffeur». Depuis le début. Le graffiti m’a amené à la photo. J’ai ressenti très tôt la nécessité d’immortaliser ces moments, ces lieux et ces œuvres pour témoigner de cette époque.

Étonnamment l’écriture a tendance à rebuter les graffeurs, tu sembles pour ta part, prendre du plaisir dans cette forme d’expression. As-tu toujours écrit ou est-ce quelque chose de récent?

J’ai toujours beaucoup lu. Ecrire devenant d autant plus dur . Coucher sur le papier mon ressenti et que les gens l’ayant vécu et partagé avec moi soient touchés, fut la reconnaissance ultime de mon travail d’écriture.

Le fait d’avoir ouvert un blog a-t-il fait évoluer ta démarche? Si oui, dans quel sens? A-t-il initié ton souhait de faire un livre?

Le blog fut une étape; un choix: Sortir de la gloire clandestine du graffiti et me mettre en avant en tant qu’artiste dans un sens plus large. Le livre n’entre pas dans cette optique. Ma Ligne est un témoignage artistique sur 15 ans de mon quotidien. Je devais le faire pour en retirer l’essence poétique.

Tu travailles souvent avec des Suisses: y a-t-il une raison? As-tu une sensibilité particulière pour le design graphique et la typo made in Switzerland?

Je ne connaissais même pas jusqu’à l’existence du mot design graphique avant de côtoyer Maximage. J’ai appris et assimilé ces notions rapidement. Car ce projet je l’avais muri depuis plus de dix ans. Il fallait les bonnes personnes pour le mener à bien. Chaque décision a été prise en commun à chaque étape de la création du livre. Le résultat n’a souffert d’aucune contrainte. J’en tire une vrai fierté et une reconnaissance pour les gens qui ont travaillé à ce projet.

Comment avez-vous connu Fuzi? Et pourquoi avez-vous choisi de travailler avec lui? (pour Maximage)

Maximage > Ce projet est issu d’un album photo de Fuzi regroupant ces clichés et d’autres. Il nous l’a montré. L’objet était riche autant sur le fond que sur la forme et valait la peine d’être publié, ce que Fuzi avait déjà en tête.

De quelle manière avez vous atterri aux éditions Patrick Frey? Le livre est de facture assez luxueuse (sa fabrication comme son prix). Était-ce une volonté de viser l’ouvrage d’art? Le choix des photos, les textes semblent d’ailleurs plaider dans ce sens? Quelles réflexions ont précédé la création de l’ouvrage? (pour Maximage)

Maximage > Les décisions du design de ce livre sont en grande partie issues de l’objet original, qui a été «traduit» en livre. Notre volonté commune était de mettre au mieux les images en valeur, par le design et la qualité d’impression, mais aussi de leur permettre d’exister hors du contexte limité du mouvement graffiti, permettant ainsi un regard plus riche et libre de préjugés sur leur contenu. Cette approche nous a permis de travailler avec l’éditeur Patrick Frey.

Le caractère typographique a-t-il été spécialement développé pour Fuzi? Va-t-il perdurer dans sa communication et ses publications? (pour Maximage)

Maximage > Il a été développé pour ce projet en particulier. Certains éléments sont inspirés de caractères que l’on retrouve à l’intérieur des wagons. Nous ne connaissons pas encore l’avenir de ce caractère.

Il y a quelque chose de profondément romantique (au sens littéral du terme) dans ton travail, non?

Le book de photos dont ce livre est la transcription dans le fond comme dans la forme, a une vrai fonction d’archivage, froide et neutre dans la présentation (celle d’un book de photos classique que l’on peut retrouver dans chaque famille). Mais il représente aussi l’essence poétique de ma jeunesse . J’ai joué depuis le début sur le coté froid et commun de la présentation et son contenu artistique. Le lecteur est face à un bilan neutre, sans fioriture, ni explication. – limite juridique, policier – auquel il est habitué pour traiter ce genre de sujet. Il est face à ses émotions, ses valeurs et jugements. Le ressenti personnel est alors non biaisé et la notion communément admise du beau, mais aussi du bien et du mal est sans cesse remise en cause par la beauté esthétique du contenu: une banquette lacérée, un mégot de joint noyé de crachats dans la lueur jaune des néons crasseux, une vitre brisée, le vandalisme ne traduit plus le malaise supposé de ces auteurs, ni l’acte puni répréhensible mais une démarche consciente, primitive et profondément artistique. Le livre est une ode à la destruction Une célébration de l’esthétisme du vandalisme autant qu’un témoignage poétique d’un mode de vie.

Le rapport charnel presque sadomasochiste que tu entretiens avec les trains est-il l’unique avatar du graffiti? Ou est-ce une chose qui s'exprimait avant et en dehors de cette pratique? (Il n’est pas rare de croiser dans ce milieu des gens qui mènent des vies schizophréniques)

Ce rapport «charnel» est celui d’un passionné, il est lié aux trains car j’évoluais en banlieue à cette époque-là. J’aurais habité à la mer je t’aurais parlé de la beauté des mouettes peut-être. Il est certain que quand tu casses, tu lacères, tu marques ton nom avec une Baranne et que l’encre te coule sur les doigts, que tu passes ton corps par la fenêtre du train pour poser ton nom plus haut, le rapport physique aux éléments est omniprésent. De plus tout ce temps passé dans les trains crée un lien affectif avec le lieu. «C’était Ma Ligne» est la première phrase du livre mais aussi son titre. Ma Ligne, ce n’est pas un hasard. L’appropriation, la domination physique, mentale est au cœur de mes propos. Il y a toujours cette ambivalence entre la violence et l’amour / la beauté et la destruction. C’est cette connaissance, cet amour et cette démarche consciente de destruction qui fait l'intérêt et le fond de ces photos.

Quel regard portes-tu sur la ville?

Romantique, j’imagine. D’autant plus que j’en connais l'extrême réalisme tragique. On est en plein dans l’ambivalence dont je parle dans mon livre.

«L'ignorant style», tire-t-il son inspiration de l'art brut? Comment as tu été amené à pratiquer un trait que l'on pourrait qualifier de naïf? Graffiti scandinave?

Non il tire son inspiration du «faire autrement», comme tu veux, sans règles, écoles, ni pressions, si ce n’est celle de marquer un nom de façon illégale. Tout en gardant de grosses références assumées aux premières heures du graffiti new yorkais, tout ça fait à la sauce banlieusarde. C’était un état d’esprit lié à notre façon de vivre, anti-tout . Rien à voir avec l’art brut, dont je ne connaissais pas l’existence, ni du graffiti scandinave dont je n’avais vu à l époque que très peu et qui esthétiquement ne me parlait pas du tout. Après que ce soit, naïf peut-être, car on a su garder ce coté enfantin qui donne en partie une âme au truc, plutôt instinctif, mais techniquement nous ne l’étions pas pour la plupart, nous testions quelque chose de nouveau car nous ne tenions pas compte de l’avis ni du regard des autres que nous méprisions pour la plupart. Nous étions des meneurs, nous inventions. Les autres critiquaient et préféraient ne voir en nous que des cailleras. À l’heure du bilan, nous avons créé un style qui a dépassé de bien loin les frontières, qui parmi eux peut se vanter de ça?

Le groupe semble avoir une part importante dans ton processus de création? Au sein d'UV y avait-il émulation de groupe?

Le groupe était tout. J’ai longtemps fait que marquer le nom du groupe. Mettant de coté l’individualité forte de chacun et l’essence du graffiti (marquer son nom) au profit d’une représentation collective et du plaisir d’écrire (à l’instar des faux blazes). La solidarité, la fougue, la folie et l’émulation du groupe ont bien sûr pris une part importante dans ma création. Encore aujourd’hui. Et quand je parle du passé, j’utilise souvent le «nous». Cela représente beaucoup de bonnes choses, quelques mauvaises aussi; le groupe(et les individualités qui le constituent), est intrinsèquement lié à ce que je suis aujourd’hui, artistiquement comme humainement. Après, rentre en jeu la personnalité, l’égo qui fait que des têtes dépassent de la meute. Quand tu crées, tu es un individu, la notion de groupe s’atténue face à ton train ou ta toile; tu te retrouves avec ton individualité créatrice et ce que tu donnes est le fruit de ce que tu as vécu, de ce que tu es, mais de manière personnelle.

Quel regard portes-tu sur la scène graffiti actuelle?

Y en a plus, de plus gros, plus haut, c est bien. J’imagine un futur proche ou chaque personne aura été confrontée une fois dans sa vie a la nécessité de faire un tag illégalement. Pour s’affirmer à l'instar de l’alcool etc. Un passage obligé pour atteindre l'âge adulte .Une pratique rituelle rentrée totalement dans les mœurs. Si t’as jamais fait de graffiti mon fils, t’es pas un homme.

Pour finir, as-tu des nouveaux projets? (tags roms?)

Énormément de projets, liés à mes différentes activités, tattoo, peinture, photos, etc. Le projet auquel tu fais référence est lié à l’habitat des gitans catalans. Plus précisément à ceux de Perpignan. J’ai passé énormément de temps dans leurs quartiers afin de témoigner de pratiques d’écriture. Des listes de noms d’enfants (filles/garçons) apposées partout et avec tout moyen sur les murs. Je n’avais jamais était confronté à ce type d expression. Les enfants ont 11, 12, 13 ans, ils vivent le soir et s’approprient le quartier, pas comme un acte de dégradation mais comme un jeu, sous le regard bienveillant des parents. J’ai découvert une autre culture, avec d’autres règles et d’autres valeurs. Mais j’ai aussi retrouvé un esthétisme proche de celui que je traite dans Ma ligne. Ces façades, sales, remplies d’inscriptions, de taches, recèlent une beauté profonde dont je témoignerai prochainement dans un ouvrage.

—
Merci à Fuzi & Maximage

MA LIGNE
FUZI UVTPK

Photographs and texts
Hardcover / 134 pages
16.5 x 23 cm
Edition Patrick FREY
2011

Buy here

Françoise Pétrovitch au Musée de la Chasse et de la Nature

2011-10-30T22:45:00.003+01:00

Après être si souvent passés devant le musée de la Chasse et de la Nature sans y entrer, nous avons fini, poussés par la curiosité, par nous y rendre ce mois-ci. Nous pensions tomber sur un musée poussiéreux célébrant fièrement les 2000 ans de la chasse à courre (ou que sais-je d'autre), or c'est un musée totalement rénové abritant l'exposition de Françoise Pétrovitch que nous avons trouvé.

En effet, cette artiste invitée par la fondation, a disséminé son travail tout au long de la visite des collections. Que ce soit dans un tiroir ou entre deux hiboux, on entraperçoit un dessin ou une sculture qui s'amuse à jouer à cache-cache avec le visiteur.

Une bien sympathique manière de découvrir ce musée parisien méconnu...

Du 2 septembre 2011 au 8 janvier 2012
Musée de la Chasse et de la Nature
62 rue des Archives – 75003 Paris
De 11h à 18h tous les jours sauf les lundis et jours fériés
Tarifs: 6 euros plein tarif / 4,50 euros tarif réduit
Tél.: 01 53 01 92 40

Télécharger le dossier de presse
En savoir plus : www.chassenature.org
Voir le reportage de France 24 : www.france24.com

Fuzi Tattoo Flash Collection @ Paris

2011-10-11T10:53:00.001+02:00

En attendant l'interview de Fuzi & de Maximage que je devrais publier sous peu. Les amateurs pourront se rendre à la boutique Amusement de la Gaité Lyrique. Fuzi y expose ses flashs tattoos du 11 au 16 Octobre à l'occasion de la sortie de son second livre.

Samedi 15 octobre, à partir de 18h aura lieu une séance de tatouage dans un salon éphémère crée pour l événement.

contacts et rdv :
manuel@amusement.fr
fuziuvtpk@gmail.com

Plus d'info:
Le blog de Fuzi

Profession It Girl

2011-08-15T00:15:00.003+02:00

Un petit reportage pour les jours pluvieux d'été.

Disponible ici en téléchargement

Madame Grès @ musée Bourdelle

2011-08-12T18:45:00.000+02:00

Nous avons eu le loisir de visiter l'exposition retrospective consacrée à Madame Grès. Un vrai plaisir tant pour son travail que pour le musée Bourdelle.

Nous avons vraiment été touchés par son appropriation de la technique du drapé qu'elle a su faire évoluer durant toute sa carrière jusqu'à atteindre la quintessence.

A partir d’un vêtement qu’elle rêvait sans coutures, elle invente une économie de lignes et de volumes volontairement atemporelle – originelle, transformant le corps de la femme en déesse.
Robes asymétriques, drapées à l’antique comme moulées sur le corps, robes en volume lorsqu’elle travaille la faille ou le taffetas : ses exigences de création la différencient de ses contemporains. Insensible aux engouements passagers, aux tendances qui marquent les collections d’une saison, elle préfère « sculpter » des pièces uniques dont le nombre fait collection. On reconnaît un chef-d’œuvre de Madame Grès à sa pureté – l’apparente simplicité de son art dissimule toujours l’extrême complexité de son savoir-faire.

Madame Grès - La couture à l'œuvre par paris_musées
plus d'info: ici

crédit photos: Marz+Chew exceptées les deux dernières

B+P Swiss typefaces

2011-07-15T18:21:00.001+02:00

Nouvel article pour le typographe.

François Mazabraud à la galerie de Roussan

2011-06-07T14:34:00.025+02:00

Je suis tombé par hasard sur le travail de François Mazabraud qu'il présentait à la galerie de Roussan. Ici pas de «shooking» intitule, ni de parabole pédante, mais un travail franc et poétique. Une bouffée d'air frais au sein d'une scène contemporaine flirtant trop souvent avec le design (avec un discours bancale).

François Mazabraud semble avoir trouvé la bonne alchimie un travaille personnel mais pas nombriliste au fait du monde qui l'entoure. Une vraie expression contemporaine en somme.
Quelques unes de ses productions sont présentées à la galerie de la rue Jouye-Rouve.

«Zones d’ombre», 2011, bouleau, hêtre, loupe de peuplier, sycomore. Structure modulable.

Cette sculpture est inspirée d’une table de notaire conçue au XVIIIeme siècle, à l’origine de l’expression «les dessous- de-table», munie d’un seul tiroir coulissant qui permettait de faire passer des documents secrètement. Dans cette sculpture, j’ai repris le principe du tiroir traversant en essayant de l’actualiser en un réseau de tables au contours des paradis fiscaux. L'ensemble est modulable et s'adapte au lieu d'exposition. Ci-dessus la sculpture étend son réseau dans tout le sous-sol de la galerie allant jusqu’à contaminer les parties privées (lieu de stokage, cuisine) interdites et dissimulées aux spectateurs. Elle évoque un hypothétique circuit de blanchiment d’argent entre la Suisse, Bélize, le Delaware et le Guatemala

«Border line», 2011, chaussures italiennes en cuir pyrogravées, tailles 39 à 45, cables électriques.
Chaussures gravée de plan mafieux suspendue à la «L.A style» comme pour indiquer les zones de traffics de drogue.

"Calibri", 2011, onze silencieux d’armes filetés au même diamètre, dimension variable.
Une sculture fait de silencieux.

"Waste of secret", 2011, conteneurs à déchets, mécanismes de coffre fort à code digital et empreinte biométrique, 95 x 46 x 37 cm.
Poubelle coffre-fort faisant référence au marché des déchets de Napoli.

Me gustan las películas

2011-05-26T14:25:00.002+02:00

Lors de notre récent voyage à Madrid, nous avons fait la découverte d'une des dernières salles de cinéma porno madrilène, le Salax: désuète mais encore populaire (séance matinale uniquement). Nous y sommes allés non pas pour mater un film mais pour admirer les superbes affiches encore dessinées à la main.

Traduction (approximative): Aletta Oceane, Sa première fois

Traduction (approximative): Les infirmières bien bonnes
Les femmes sont les meilleurs psychanalistes jusqu'au jour de leur mariage.
Elles deviennent ensuite les meilleurs clientes.

Traduction (approximative): Mauvaise vie
quand on a 20 ans de plus qu'une femme,
c'est elle qui se marie avec vous.

Traduction (approximative): Culs, seins, matures

mrcrdsgn | conférence de Guerillagrafik | mercredi 18 mai | 18h30 | Université Paris 8

2011-05-16T23:03:00.004+02:00

— intervention de Thom Balmer —

L’atelier Guerillagrafik – fondée en 2006 par Marie d’Ornano, graphiste française et Thom Balmer, graphiste et typographe suisse – travaille principalement pour des clients de domaine culturelle et du milieu de la Photo. « Form follows Fonction, Ornament is crime » dixit le mouvement Bauhaus. GuerillaGrafik ne se considère pas comme artistes mais plutôt comme artisans ayant un regard créatif. La fonctionnalité s’exprime dans leur travail par des choix graphiques toujours en lien direct avec le contenu. Ainsi, la typographie n’est pas choisie en premier lieu selon des critères purement esthétiques mais par une réflexion argumentée sur le contenu. Comme le contenu change pour chaque commande, ils créent souvent un caractère typographique destiné à chaque projet.

Pour son intervention, Thom Balmer présentera dans une première partie l’identité visuelle de la Maison de la Poésie, Paris. signée par son atelier. Cette identité visuelle est entièrement basée sur le caractère typographique GGpoésie, conçu pour ce lieu. Le redesign en cours de réalisation montrera l’évolution d’une identité visuelle et d’un caractère dédié, synthétisant trois ans d’utilisation.

Dans un second temps, il présentera un travail de recherche personnel sur divers alphabets du monde entier comme l’alphabet arménien, arabe ou malayalam… Comme un carnet de voyages, Thom Balmer collecte au cours de ses séjours en Inde, en Asie ou au Moyen-Orient divers alphabets rencontrés et les interprète en créant le caractère typographique GGontogenèse, dont le dessin tente d’unifier les divers types d’expressions typographiques dans le monde.

www.guerillagrafik.com

Resto-de-Paris

2011-05-16T12:00:00.030+02:00

Nous vous annonçons la sortie du guide Resto-de-Paris d'Aude Baron, adapté du blog éponyme. Nous avons mené la direction artistique de ce projet en étroite collaboration avec Zoé Laugier pour les éditions Quespire. Bon appétit!

Le Didot du Musée d'Art et d'Histoire de St-Denis

2011-05-02T14:17:00.005+02:00

Assez incroyable ce Didot condensé malgré la non régularité de son dessin. Le «t» et le «g» présentent des «terminaisons» plutôt inattendues.

Merci à Benoît Bovis pour ces clichés pris au Musée d'Art et d'Histoire de Saint-Denis (22 bis rue Gabriel Péri, 93200 Saint-Denis, métro Porte de Paris)

Yamanote line | Shimbashi

2011-04-29T18:14:00.000+02:00

En 2009, nous avions commencé notre petit tour de la JR Yamanote line à Tokyo. Par manque de temps, nous vous avons laissés sur le quai de la station Hamamatsuchō. Remettons-nous en route pour atteindre Shimbashi situé dans le district de Minato, non loin du quartier de Tsukiji.

Shimbashi (新橋) traduit littéralement, signifie «nouveau pont»: c'est lui que nous voyons représenté sur le tampon, enjambant la rivière Shiodome.

En 1872, la gare de Shimbashi était le terminus de la première ligne ferrovière japonaise (Shimbashi-Yokohama). Cette ligne fut construite pour faciliter le flux de personnes et marchandises entre le port de Yokohama, où débarquaient les navires étrangers et Tsukiji où s'étaient installés les étrangers et hôtels pour étrangers.

photo: Kozaburo Tamamura (1882)

Aujourd'hui, le quartier de Shimbashi est un grand centre d'affaires, beaucoup de buildings y sont implantés dont la célèbre Nakagin Capsule Tower dessinée par Kisho Kurokawa.

la Nakagin Capsule Tower vue de l'intérieur, photo: wauidesign.com

Trois le matin, quatre le soir 朝三暮四

2011-04-23T15:01:00.009+02:00

Mentionner en mandarin «Trois le matin, quatre le soir» signifie que l'opinion se laisse abuser par des mots faux, qu'elle est vulnérable aux promesses démagogiques alors qu'il s'agit du pareil au même.
Ce proverbe en quatre mots est issu de l'histoire suivante:

Un éleveur de singes dans la pénurie déclara aux animaux qu'il ne leur donnerait plus que quatre châtaignes le matin et quatre le soir. Les singes manifestèrent leur ressentiment avec colère. Alors l'éleveur leur dit que pour céder à leurs exigences, il allait leur donner trois châtaignes le matin et quatre le soir, et les singes tout contents crurent avoir obtenu plus à manger. (Histoire de la littérature chinoise, Jacques Pimpaneau, éditions Philippe Picquier)

sources: www.sc.e-arts.com

Design

2011-04-19T15:51:00.005+02:00

Pourquoi en France, le terme design est-il mal compris? Comment cela s'est-il instauré, je ne sais point. Mais toujours est-il que celui-ci est souvent utilisé à tort et à travers.

Lassé par le côté péjoratif véhiculés par certains, je me permets de reproduire ici l'étymologie du mot design afin de clarifier ma position.

À la Renaissance, disegno (en italien) est l'un des concepts majeurs de la théorie de l'art. Il signifie à la fois dessin et projet. Au xvii^e siècle en France, les théoriciens de l'art le traduisent par dessein et conservent le double sens (l'idée et sa représentation).
En 1712, Shaftesbury introduit dans la théorie anglaise de l'art² le concept de design fidèle au sens de disegno. Ainsi, nous avons drawing pour le dessin en tant que tracé et design signifiant l'idée et sa représentation, le projet et son graphisme.
Néanmoins, ce double sens de design va se disjoindre rapidement pour suivre les théories de l'art dominantes de l'époque. Car c'est en 1750 en France que la distinction apparaît pour donner deux champs sémantiques distincts, celui du dessin (la pratique) et du dessein (l'idée) marquant une rupture fondamentale qui n'est pas sans rappeler la dualité matière/esprit de Descartes. À l'Académie royale de peinture et de sculpture, on enseigne désormais les arts du dessin et non plus du dessein.
C'est seulement au début du xx^e siècle, alors en plein essor de l'industrialisation, que l'on assiste à l'émergence internationale du terme design dans le sens de disegno, c'est-à-dire, la conception et la mise en forme. Cette définition moderne se concrétise dans le travail effectué au Bauhaus.

Aussi, le design est souvent confondu avec le stylisme d'objet lorsque l'exercice consiste à embellir un objet dans le but de séduire des consommateurs. D'ailleurs, en 1994, le ministre de la Culture français Jacques Toubon présente un projet de loi pour remplacer l'anglicisme design par stylique, provoquant l'incrédulité et les moqueries de la presse française. La loi Toubon sera fortement édulcorée dans son application, par le Conseil constitutionnel et cette disposition concernant le mot design, rendue caduque.
Sollicité par le marketing depuis les années 2000, ce mot est peu à peu devenu un argument publicitaire.

source wikipédia

Exposition sur Eric Gill

2011-04-19T15:13:00.005+02:00

Le British Museum consacre une salle d'exposition à l'œuvre de Eric Gill, artiste, sculpteur, typographe ayant marqué le royaume d'Angleterre de son sceau. Aujourd'hui encore son travail est omniprésent et marque un certain style anglais. Si cette exposition ne traite pas précisément de son travail de dessinateur de caractères, elle présente néanmoins quelques œuvres intéressantes comme ces pièces de monnaie arborant des signes anti-royalistes. Si vous vous baladez le long de la Tamise n'hésitez pas à y jeter un œil.

Eric Gill
public and private art
10 February –
7 August 2011
Room 69a
Free

Geoffroy Tory : imprimeur de François 1er

2011-04-12T10:32:00.003+02:00

Une rétrospective assez incroyable sur Geoffroy Tory à lieu au Musée national de la Renaissance. À ne pas manquer !

Conçue par le musée national de la Renaissance et la Bibliothèque nationale de France, cette exposition propose de découvrir une personnalité incontournable de l’univers du livre à la Renaissance : Geoffroy Tory (vers 1480-1533).
Précurseur des règles et usages de la langue française, il reçoit le soutien de François 1er et devient, le premier, imprimeur du roi. D’abord éditeur humaniste, puis traducteur, libraire et imprimeur, Geoffroy Tory est aussi un artiste de talent, créateur de caractères d’imprimerie propres à la transcription du français. Graphisme, typographie, reliure et illustration mais aussi grammaire, orthographe et ponctuation, cet humaniste, inconnu du grand public, explore tous les domaines de l‘édition quelques décennies seulement après l’invention de l’imprimerie.
Il s’illustre particulièrement dans la mise en page et le graphisme. À travers le parcours de sa vie, de Bourges à Paris en passant par Rome et Bologne, ses recherches et découvertes, créations et ambitions, seront pour la première fois mises en lumière dans une exposition qui présentera de nombreux ouvrages, gravures, et son chef d‘œuvre absolu : le Champ fleury, premier traité typographique à teneur philosophique dans lequel il conçoit des caractères à l’antique proportionnés selon le corps humain.

6 avril 2011 - 4 juillet 2011
Musée national de la Renaissance
http://expositions.bnf.fr/tory/index.htm
Château d'Écouen
95440 Écouen

Tarif plein : 4,5 €
Tarif réduit : 3 €
Tous les jours, sauf le mardi, de 9h30 à 12h45 et de 14h à 17h15 (l'hiver) et 17h45
(l'été : à partir du 16 avril). Fermé le 1er mai.

mrcrdsgn | videos > Patrick Join / Delo Lindo / Pierre Charpin / Inga Sempe

2011-04-06T17:45:00.001+02:00

mrcrdsgn | patrick jouin : 18 novembre 2009 from mrcrdsgn on Vimeo.

mrcrdsgn | Delo Lindo : mercredi 5 mai 2010 from mrcrdsgn on Vimeo.

mrcrdsgn | Pierre Charpin : mercredi 10 novembre 2010 from mrcrdsgn on Vimeo.

Inga Sempe from mrcrdsgn on Vimeo.

mrcrdsgn | conférence de Gavillet & Rust, mercredi 23 mars 2011

2011-03-21T16:15:00.001+01:00

mercredi 23 mars 2011, 18h30 à l’Université Paris 8
Entrée libre sous réserve de places disponibles

Typography In An Expended Field — intervention de Nicolas Eigenheer —
Le bureau Gavillet et Rust est à la fois un bureau de design et une fonderie. Cette particularité permet de disposer à la source d’outils typographiques, qui servent à la réalisation des projets, allant de la simple utilisation, à la « customisation », en passant par une nouvelle idée de caractère et parfois une nouvelle création.
Pour illustrer cela, Nicolas Eigenheer présentera l’identité visuelle du Frac Champagne-Ardenne, différents caractères qui ont été développé spécifiquement dans le cadre d’un projet (livre, identité) et la fonderie Optimo.

Gavillet & Rust
Gavillet & Rust est un studio de design graphique créé en 2001 par Gilles Gavillet et David Rust, et rejoint en 2006 par Nicolas Eigenheer. Ils travaillent pour des clients dans les domaines culturel et commercial avec un accent portés sur le design éditorial, les identités de marque et le développement de caractères typographiques grâce à leur fonderie de caractères numériques Optimo. Le studio est responsable de la direction artistique de l’éditeur JRP | Ringier depuis 2004. Leurs travaux récents incluent la conception éditoriale pour le Centre Pompidou à Paris, la direction artistique de Ikepod, la marque de montres du designer Marc Newson et l’identité de marque pour le label de Jay-Z, Roc Nation.

Nicolas Eigenheer
Nicolas Eigenheer vit et travaille en Suisse. Il est diplômé de l’écal (école cantonale d’art de Lausanne) où il a étudié en design graphique. Depuis 2006, il travaille avec le bureau Gavillet & Rust (www.gavillet-rust.com), avec qui il œuvre principalement au design de livres pour l’éditeur JRP-Ringier (www.jrp-ringier.com), mais aussi à la conception de divers imprimés pour des expositions ou pour des institutions, comme récemment le frac champagne-ardenne, dont le bureau a conçu l’identité visuelle. Dans le cadre de ces projets, il s’intéresse particulièrement à l’usage de la typographie et il développe parfois des caractères typographiques spécifiques, comme le caractère de titre Material (ww.optimo.ch), designé pour le livre Jim Shaw. Distorted Portraits & Faces ou le px-grotesk designé pour le livre Carsten Nicolai. Static Fades.

www.gavillet-rust.com
www.optimo.ch

Plexus Estienne | Carte Blanche à François Chay "Narration et nouveaux médias" : 14 mars à 18h

2011-03-12T20:43:00.015+01:00

Mon imminent confrère François Chay assure dans le cadre des conférences plexus, une carte blanche sur le thème « de la narration et des nouveaux médias ».

Il a convié pour l'occasion: – Melina Zerbib Le champ de la lecture et de la navigation sur les sites d'information. Après un BTS en communication visuelle option multimédia, Melina Zerbib suit la formation du DSAA création typographique de l’école Estienne. Pour son diplôme, obtenu en 2009, elle se penche sur les modèles graphiques actuels de la presse en ligne pour imaginer de nouvelles formes possibles de consultation de l’actualité sur le Web. Cela lui permet de participer à l’écriture du livre « Lisibilité des sites web. Des choix typographiques au design d’information » puis de travailler en tant que graphiste pour lemonde.fr. – Erik Escoffier, Béatrice Lartigue, Pierre Thirion www.mu-project.com
Le rapport numérique-tangible, porter une histoire sur de nouveaux supports.

Durant la formation Concepteur Réalisateur Multimédia aux Gobelins, Erik + Béatrice + Pierre ont travaillé sur un projet d'équipe de 5 personnes : le projet mü.
Le projet — une table interactive destinée aux enfants à l'école maternelle — propose une approche concrète et ludique de l'apprentissage à travers le conte. En 2008, ils rejoignent le collectif multimedia Lab212 (composé de concepteurs, graphistes et développeurs) pour continuer à explorer de nouveaux territoires. Aujourd'hui, ils sont porteurs du projet mü au sein de Prolab, l'incubateur de projets de Gobelins.

– Upian - Alexandre Brachet
www.upian.com
Les web documentaires et la narration non-linéaire.

En 1998, il fonde son studio de création : Upian. 12 ans plus tard, sa société s’est forgée une solide réputation internationale grâce à son travail, notamment sur les web-documentaires, et à son activisme. Alexandre Brachet a pris des risques très tôt pour défricher les nouvelles possibilités narratives et montrer que le web pouvait offrir des contenus de qualité. Thanatorama, Gaza Sderot ou Prison Valley sont des programmes qui ont tous rencontré un succès d'audience important en France et dans le monde.

facebook event:

http://www.facebook.com/event.php?eid=144742492255987

USER_FRIENDLY #2

2011-02-24T16:18:00.001+01:00

Deux invités de marque dont nous avions déjà parlé dans nos colonnes François Chastanet et Evan Roth seront présents le dimanche 27 février à la galerie plateforme .
Cet évenement sera pour moi l'occasion de confronter mon a priori négatif vis-à-vis du travail d'Evan Roth qui avait été l'auteur du mur de tags de la fondation Cartier en 2009. Si bien des sujets qu'il aborde pourraient trouver une résonance chez moi, il se trouve que pour l'instant, l'effet produit est proche du contraire. Ses productions s'apparentent à mes yeux à une succession de mots-clés alléchants et esthétiques cherchant le sensationnel. Dommage car le rapprochement hacker culture et graffiti est intéressant.
Qui viendra vera!

Ces rendez-vous USER_FRIENDLY proposent une rencontre directe et conviviale avec des projets d’artistes en cours ou récents. Ces événements mensuels sont principalement consacrés aux formes et questions induites par l’usage des médias numériques. Chaque rendez-vous est l’occasion d’un croisement entre plusieurs propositions complémentaires, leurs formes peuvent varier de la simple projection vidéo à la performance live en passant par des discussions, conférences ou débats.

Dimanche 27 février 2011 de 18h00 à 21h00
www.plateforme.tk
73 rue des Haies, 75020 Paris — métro Buzenval

FRANÇOIS CHASTANET: CHOLO WRITING //
François Chastanet présentera son deuxième ouvrage intitulé Cholo Writing: Latino Gang Graffiti in Los Angeles consacré aux graffitis gothiques des gangs latinos. L’écriture ‹cholo› constitue une des plus anciennes formes de graffiti au 20e siècle; apparue à Los Angeles dès les années 1940, elle a influencé l’expression visuelle des différentes cultures populaires en Californie, aussi bien les mouvements lowrider, surf, skate, rock et hip-hop.

francoischastanet.com

EVAN ROTH: GRAFFITI ANALYSIS //
Le graffiti se renouvelle avec les technologies numériques, les dispositifs de projections et l'esprit de partage open-source ou de bricolage des Fab Lab. Ces dynamiques sont largement investies par Evan Roth du collectif Graffiti Research Lab qui se consacre à mettre à la disposition d'artistes, graffeurs et activistes des outils de communication urbains open source.

evan-roth.com

BACK COVER n°4

2011-02-24T11:40:00.007+01:00

avec Catherine de Smet, Robin Kinross, Metahaven, Jost Hochuli, Wim Crouwel, Roland Früh, stdin

Back Cover, design graphique, typographie, etc. est une revue de réflexion et d’analyse des pratiques du design graphique et de la typographie mais aussi, plus largement, des arts visuels. Back Cover est une tribune pour des personnalités de tous pays qui font ou analysent notre univers visuel et son évolution en affirmant des partis forts à travers leur travail, leurs mots ou leurs images. Back Cover n’est pas une revue d’actualité. Elle propose des réflexions, des analyses critiques et historiques, des expériences individuelles et collectives.

Présentation du numéro 4 de Back Cover – en présence de contributeurs de la revue – et du tirage de tête (limité à 50 exemplaires) de On a day with no waves. A Chronicle of skateboarding, 1779–2009 de Raphaël Zarka.

Samedi 26 février à partir de 17h Castillo/Corrales (dont j'avais interviewé les galeristes), 65 rue Rébeval, 75019 Paris.

Conversation avec karel Martens
Robin Kinross et Karel Martens échangent, par écrans interposés, autour de la nouvelle reliure de Printed Matter, du fonctionnement de la revue Oase, et au sujet d’architecture et de design graphique.
par Robin Kinross

Une rencontre décisive
Wim Crouwel revient sur sa découverte de Schiff nach Europa. Il témoigne de la richesse structurelle et typographique de cet ouvrage conçu par Karl Gerstner en 1957.
par Wim Crouwel

Avant un manifeste
Peut-on encore écrire un manifeste sur le design ? Troisième et dernière partie du pamphlet White Night – Before a Manifesto.
par Metahaven

Écrire le design.
Vers une culture du code
Méthode, système, programme : Stéphanie Vilayphiou et Alexandre Leray présentent différentes approches de l’usage du code dans le processus de design et de création
par stdin

Un design de livre « systématique » ? Avec ce texte, écrit à l’occasion d’une conférence présentée pour la première fois lors d’une conférence à Munich en 2007, Jost Hochuli donne, exemples à l’appui, des indices sur sa méthode et questionne la notion de système dans son travail.
par Jost Hochuli

Une rencontre, sans nostalgie, avec une histoire de la typographie moderne Incontournable : tel est l’adjectif en usage pour définir le livre Modern Typography de Robin Kinross. Roland Früh, qui fut assistant de l’auteur durant deux années, revient sur l’ouvrage paru pour la première fois en 1992.
par Roland Früh

Graphistes et architectes. Quelques épisodes récents d’une histoire ancienne Le livre d’architecture comme espace où le graphiste peut déployer la totalité de sa pratique : Catherine de Smet présente quelques productions récentes.
par Catherine de Smet

langue: AnglaisFrançais | designer: deValence | format: 195mm × 280mm | pages: 60 pages | ISBN 9782917855157 | ISSN 19645392 | EAN 9782917855157 | thèmes: design graphique typographie

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