800 spaghetti westerns

Stewart Granger

2012-01-30T10:47:00.000+01:00

Actor de origen británico (Londres 1913-Los Ángeles 1993) nacionalizado estadounidense en 1956, cuyo verdadero nombre era James Lablanch Stewart, por lo que tuvo muy pronto que cambiar su nombre para no coincidir con el de la pujante estrella hollywoodiense, y que se convertiría, gracias sobre todo a su prestancia (era alto, esbelto y elegante) en un icono del cine de aventuras y de capa y espadas durante la década de los cincuenta, llegando a ser considerado el sucesor natural de Errol Flyn.

Sus primeros pasos en el mundo de la interpretación, tras haber recibido clases en la prestigiosa Webber-Douglas School of Dramatic Art, los dio simultáneamente en el teatro, con obras como “The Cardinal”, “The sun never sets” y “Rebeca” (obra de Daphne du Marier que sería adaptada al cine por Alfred Hitchcock), y el cine (debutó en 1933 con “A Southern Maid”). Pronto se verá encasillado en papeles de galán debido a un sistema de producción (tenía contrato con la productora Gainsborough) excesivamente mimético del norteamericano, hecho que denunció en innumerables ocasiones y le llevó a repudiar esta etapa al no haber podido escoger los papeles a interpretar.

De su primera época destacan filmes como “Perfidia” dirigida en 1943 por Leslie Arliss, con el que volvería a trabajar al año siguiente en “Love Story”, que le emparejó con Margaret Lockwood y James Mason (uno de sus grandes amigos especializado en roles negativos), “Fanny by Gaslight” (1945) de Anthony Asquith en la que volvió a coincidir con Mason, “Waterloo Road” también de 1945 y con John Mills de protagonista, la adaptación de la obra de Bernard Shaw “César y Cleopatra” pareja interpretada por Claude Rains y Vivien Leigh, “La mansión de los Fury” dirigida por Marc Allégret en 1948 y “Adán y ella” (1949) en la que tuvo como pareja a Jean Simmons, actriz con la que se casaría al año siguiente.

Gracias a su popularidad creciente, Hollywood pronto se fijó en él y la Metro Goldwyn Mayer le ofreció el papel del aventurero Allan Quatermain en la exitosa adaptación, realizada en 1950 por Compton Bennet y Andrew Marton, del clásico de aventuras escrito por H. Ridger Haggard “Las minas del rey Salomón” que le emparejó con Deborah Kerr, actriz con la que formaría una estable pareja artística.

A partir de ese momento y durante toda la década de los cincuenta los éxitos se suceden con películas que adaptaban obras intemporales de la literatura juvenil como “Tres soldados” (1951) adaptación de un relato de Rudyard Kipling, realizado por Tay Garnett, con Walter Pidgeon y David Niven; “Scaramouche” (1952) realizada por George Sidney, que también le dirigió junto a Jean Simmons y Deborah Kerr en ”La reina Virgen”, y basada en una novela del tantas veces llevado a la pantalla Rafael Sabatini en la que se debatía entre el amor de Eleanor Parker y el de Janet Leigh; “El prisionero de Zenda” (1952) adaptación dirigida por Richard Thorpe, con el que volvería a trabajar al año siguiente en “Todos los hermanos eran valientes” (otra notable película de aventuras protagonizada por Robert Taylor y Ann Blyth), que le volvió a reunir con Deborah Kerr y James Mason; o “Los contrabandistas del Moonfleet” gran adaptación realizada por Fritz Lang en 1955 de la imperecedera novela escrita por J. Meade Falkner. Películas en las que, además, demostró sus grandes cualidades como espadachín.

También se le pudo ver en otros géneros como el western en la notable “La última caza” dirigida en 1956 por Richard Brooks con Robert Taylor en el papel de un racista cazador de bisontes; el thriller victoriano con la estupenda “Pasos en la niebla” (1955) de Arthur Lubin, de nuevo con su mujer Jean Simmons; y el drama en “Cruce de destinos” realizada en 1956 por George Cuckor, en la que tuvo como coprotagonista a Ava Gardner, con la que volvería a coincidir al año siguiente en la sosa comedia “La cabaña” dirigida por Mark Robson. Esta gran década finalizaría con su participación en la deliciosa comedia dirigida por Henry Hathaway y protagonizada por John Wayne “Alaska, tierra de oro”.

En la década siguiente su popularidad comenzará a eclipsarse, apareciendo en títulos menos importantes realizados tanto en Europa como en los EEUU. De esta época destacan el drama bíblico dirigido en 1962 por Robert Aldrich “Sodoma y Gomorra”, el largometraje bélico “Secreta invasión” (1964) típica producción de Roger Corman que repetía el esquema de “Doce del patíbulo”, la parodia dirigida en 1963 por Sergio Corbucci “El día más corto” en la que tuvo un pequeña papel o la fallida “El último safari” (1967) del casi siempre fiable Hathaway.

Es en esta década en la que se producirá su debut en el western hecho en Europa al protagonizar como Old Surehand tres películas basadas en los libros de Karl May ambientados en el Oeste.

Durante las dos siguientes décadas apenas se le pudo ver en la gran pantalla (destaca una breve aparición en “Patos salvajes”, film bélico dirigido en 1978 por Andrew Victor McLaglen con Richard Burton, Richard Harris y Roger Moore), siendo más frecuentes sus apariciones en televisión (entre otras, se le pudo ver de 1970 a 1971 en veinticuatro episodios de “El Virginiano”).

Filmografía "Eurowestern":

1964.- “Los buitres”.
1965.- “El asalto de los apaches”.
1965.- “Justiciero de Kansas”.

"Clint Dispara!"(Libro)

2012-01-26T12:26:00.000+01:00

Nuevo libro que aparece en España sobre el eurowesten, en ese caso centrado en la trilogía de Leone sobre "El hombre sin nombre", también conocida como "Trilogía del dolar".
En cerca de 400 paginas varios autores nos explican con detalle como se gestaron, y como se rodaron, aquellas fenomenales películas.
Aquí podéis haceros con un ejemplar del mismo aparte de poder saber más sobre él..

YO SOY LA REVOLUCIÓN (Video)

2012-01-25T12:12:00.000+01:00

Vídeo de Daniel Andrés sobre este clásico del spaghetti.

AGÁCHATE MALDITO

2012-01-23T02:02:00.002+01:00

AGACHATE,MALDITO (GIU LA TESTA)
España/Italia
1972
Director: Sergio Leone
Reparto: James Coburn, Rod Steiger, Romolo Valli, Maria Monti, Rik Battaglia, Franco Graziosi, Antoine Saint-John, Vivienne Chandler, John Frederick, Aldo Sambrell.
Argumento : Sergio Leone, Sergio Donati, Luciano Vincenzoni.
Director de Fotografía : Giuseppe Ruzzolini
Música : Ennio Morricone

Coproducción italo-española de 1972 realizada por Sergio Leone que junto a “Hasta que llegó su hora” (“Érase una vez en el Oeste” en el original) de 1968 y “Érase una vez en América”, filmada en 1984, conforma una especie de trilogía (de hecho la película en principio se iba a titular “Érase una vez la revolución”) tras la exitosa del Dólar que a mí me parece superior, no sólo porque la primera y tercera películas de esta trilogía creo que son las mejores rodadas por el director romano, sino porque en su conjunto las historias me parecen mucho más ambiciosas y los personajes más complejos. Así, si en la primera trilogía nos narraba sucesivamente la historia de un pistolero sin escrúpulos que buscaba el beneficio propio, en la segunda la alianza de dos pistoleros para acabar, por diversos motivos como la venganza y el cobro de la recompensa, con un grupo de forajidos y en la tercera la búsqueda de un tesoro escondido por tres individuos poco fiables; en esta nueva trilogía, con un marcado tono crepuscular, nos va a relatar el fin de una forma de vida. De esta forma, en “Hasta que llegó su hora” desarrolla el tema de la transformación del Oeste a través de la construcción del ferrocarril y, con él, la llegada de la civilización y el fin de la vida de los pistoleros basada en la rapidez con sus revólveres; en ésta el final de una forma de vida basada en la aventura representada en el revolucionario romántico, interpretado por James Coburn, envuelto en una revolución que nada tiene de romanticismo sino que como se indica en una cita de Mao Tse-tung al principio de la película “Es un acto de violencia”; y en “Érase una vez en América” el fin del gangsterismo clásico que tuvo su mayor apogeo en los años de la ley seca, con unos gángsteres que o se amoldaban a los nuevos tiempos y a las nuevas estructuras de poder e influencia o perecían. Es decir, todos los protagonistas de esta segunda trilogía están condenados a su desaparición al extinguirse el mundo que hasta entonces habían habitado.

Además frente a los personajes más esquemáticos de la primera trilogía con un Clint Eastwood tan sólo preocupado por sus ganancias en la seminal “Por un puñado de dólares” aunque al final mostrará su lado más altruista al salvar al personaje encarnado por Marianne Koch; un Lee Van Cleef del que sólo conocemos su deseo por vengar el asesinato de su hija a manos del Indio y que se alía con el típico cazador de recompensas, interpretado por Eastwood, del que tampoco tenemos información y con el que tan sólo establecerá una relación de mutuo respeto en ”La muerte tenía un precio”; y en “El bueno, el feo y el malo” unos Eastwood y Wallach poco fiables que continuamente se están engañando, junto con un Van Cleef que es la encarnación de la maldad; creo que los personajes de esta nueva trilogía son más ricos y presentan más aristas, además de contar con más información sobre los mismos y ser más complejas las relaciones entre ellos. Así incluso un asesino tan frío como Frank deja entrever su lado más humano en la escena de cama con Claudia Cardinale e, incluso, la inseguridad, dada su edad, respecto a su futuro, por lo que busca desesperadamente obtener la cantidad suficiente de dinero para establecerse como un “hombre honrado”; o en la película que nos ocupa del personaje de Sean, el revolucionario interpretado por Coburn, conoceremos su doloroso pasado que ha determinado su presente y ha forjado su carácter.

Por último en la segunda trilogía cobran gran importancia dos temas tratados bajo un prisma pesimista: el amor y la amistad. Así el amor es arrebatado violentamente a los protagonistas (el asesinato por parte de Frank de la nueva familia de Jill en “Hasta que llegó su hora”) o es concebido como algo imposible o inalcanzable (Cheyenne con respecto a Jill en “Hasta que llegó su hora” y, sobre todo, Noodles en relación con Deborah en “Érase una vez en América”). Mientras que la amistad es un sentimiento en la mayoría de los casos traicionado (en “Érase una vez en América” Max no sólo traiciona a sus amigos sino que prácticamente le roba la vida a Noodles; mientras que en esta película le ocurrirá algo parecido a Sean, ya que la traición de su amigo le supondrá el exilio, es decir el desarraigo, y el fin de su forma de vida, incluida la pérdida de su amor).

SINOPSIS: Méjico 1913. Juan Miranda, un bandido mejicano, tras conocer casualmente a Sean Mallory, un experto artificiero irlandés contratado para encontrar minas de plata, le propondrá atracar el banco de Mesa Verde. Pero aunque el robo es un éxito, el resultado del mismo distará mucho del esperado ya que en la actualidad es una cárcel utilizada por el ejército de Huertas, por lo que el asalto convertirá a Juan en un inesperado líder revolucionario al haber liberado a los presos confinados en ella.

Película en la que Leone nos muestra su visión sobre la revolución mejicana alejada del idealismo y romanticismo mostrados en otros filmes, de ahí la importancia de la cita de Mao Tse-tung al inicio de la película. De esta manera, la revolución, según Leone, surge de la necesidad y el hambre y no es nada más que violencia, crueldad, traición y muerte revestida de grandes ideales, como expone, en una gran escena, un lúcido Juan a Sean, mientras este último lee un libro de Bakunin que posteriormente arrojará al barro, al señalar que los poderosos (“los que saben leer”) utilizan a los pobres (“los que no saben leer”) que son los que ponen los muertos mientras ellos comen y discuten tranquilamente alrededor de una mesa; escena que comenzaba con un clarificador por parte de Juan “Mi patria somos yo y mis hijos”. Por tanto, es la película con una mayor carga política de las rodadas por el director romano, en la que en primer lugar criticará la situación de miseria del campesinado mejicano en una de las escenas iniciales en la que vemos cómo representantes del clero y de la alta burguesía menosprecian a Juan comparándole con una bestia, incluso uno de ellos llega a decir “¿Han visto ustedes? Hasta entiende. Sólo le falta hablar”, para posteriormente mostrar de qué forma los intelectuales, encarnados en el médico delator, utilizan la miseria y desesperación de éstos convirtiéndoles en carne de cañón. De hecho históricamente la acción se desarrolla tras el éxito revolucionario que llevó a la presidencia a Madero, para, tras la traición del general Huerta, volver a la situación de explotación anterior, por lo que todo el sufrimiento padecido por el campesinado mejicano no sirvió prácticamente para nada, como expresa al inicio de la película, mientras se atiborra a comida, un irónico miembro del clero cuando señala que “Vamos, vamos. Hasta los peones en el fondo tienen sus justos derechos, al fin y al cabo han ganado una revolución”.

El guión, obra del propio Leone junto a Sergio Donati y Luciano Vicenzoni, dos habituales en sus películas, estructura la historia en dos partes con tonos totalmente diferentes, perfectamente ensambladas a partir del enfrentamiento en el puente. Así tenemos una primera parte, hasta el mencionado enfrentamiento, con un tono más ligero y predominio de la comedia en la que se nos presenta a los protagonistas y asistimos al inicio de su amistad; mientras que en una segunda parte, para mí la mejor, el tono empleado es mucho más oscuro, grave y dramático y en ella comprobaremos como los dos personajes principales, una vez inmersos en el proceso revolucionario, lo perderán prácticamente todo. De ahí el amargo, desesperanzado, patético y estupendo final en el que Juan se pregunta “Y ¿Qué pasa conmigo ahora?”, porque ha perdido todas sus referencias, todo su mundo.

Película, por tanto, muy ambiciosa por parte de Leone para la que contó con un elevado presupuesto y que formalmente me parece una maravilla, con esa estética sucia e impronta visual tan propia de él; así como por la forma en que utiliza la maravillosa, variada y muy apropiada (con temas que van desde los marcadamente cómicos a los épicos y líricos) banda sonora compuesta por el gran Ennio Morricone.

En cuanto a los aspectos positivos, creo que hay que hacer mención a otro de los elementos sobre los que se sustenta el filme, la gran actuación de los dos interpretes principales. Rod Steiger, un actor por el que no siento especial simpatía, creo que está extraordinario como Juan (junto a “En el calor de la noche” es una de las mejores veces que le he visto) haciendo creíble a un personaje con el que podría haber caído fácilmente en la sobreactuación y al que dota de una gran hondura; un iletrado Juan Miranda que entroncaría con los protagonistas de los dos primeros filmes de Corbucci ambientados en la revolución mejicana, ya que como Paco Román de “Salario para matar” en un primer momento intentará valerse del caos para enriquecerse, mientras que como el Vasco de “Los compañeros” se convertirá por casualidad en un líder revolucionario. Por otra parte, James Coburn está simplemente magnífico como Sean, el solitario, bebedor y, en principio, cínico irlandés, torturado por un pasado trágico que le ha marcado profundamente, pero que en el fondo sigue siendo el mismo romántico e idealista que se enroló en las filas del IRA.

Pero a pesar de todos estos aspectos positivos creo que no se puede afirmar que la película sea redonda. En primer lugar porque se hace más evidente la tendencia de Leone a hipertrofiar sus filmes; tendencia que se inició con “El bueno, el feo y el malo”, continuó con el resto de sus películas y que en ésta es más clara, tanto con planos mantenidos hasta la exasperación, como con escenas que creo no aportan nada al desarrollo de la película y la alargan sin necesidad, por ejemplo la del encuentro en el tren de Juan con el doctor. Por otra parte creo que el filme presenta en algunos momentos problemas de continuidad narrativa con escenas que se suceden sin ningún tipo de ilación, como en la que vemos a Sean borracho y con la ayuda de Juan hacer volar la torre de un campanario, en donde parece que faltase alguna secuencia explicándonos cómo llegaron allí, o aquella, por otra parte magnífica por su dramatismo, en la que Juan y Sean contemplan los cadáveres de todos sus compañeros, incluidos los hijos de Juan, que sin tener más información sucede a la del ataque en el puente, para, a continuación, contemplar a Sean viendo a sus compañeros fusilados que han sido delatados por el doctor . El problema no sé si se deberá a un montaje caótico y descuidado, a la incapacidad narrativa del propio Leone con una mala utilización de la elipsis, posibilidad que no creo, o a que la versión que he visto, con ciento cincuenta minutos de duración, no sea la original y haya sufrido algunos cortes (quizás lo más probable).

Comentaros que tengo el DVD puesto a la venta por Wild West que, con una duración de 150 minutos a pesar de que en la carátula pone 157, respeta el formato original y cuenta con una buena imagen, salvo alguna escena nocturna en la que el cielo se ve un poco pixelado, y un aceptable sonido; pero no tiene ningún extra.

En definitiva, a pesar de sus defectos y de haber sido generalmente infravalorada, me ha parecido un gran largometraje, tanto por sus propios valores como por su coherencia con respecto a la filmografía de Sergio Leone y de su trilogía conocida popularmente como “Once upon a time”, por lo que creo debería ser una película a reivindicar.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 9
MÚSICA: 8

MEDIA: 8,2

"Los españoles del western", premiado.

2012-01-19T00:56:00.000+01:00

Foto propiedad de Paco Bonilla / Almería en corto

Los españoles del western, de Juan Gabriel García (editorial Círculo Rojo) ha sido distinguido como Mejor Libro de Cine de 2011 en los Premios ASECAN (Asociación de Escritores Cinematográficos de Andalucía). Competía en esta categoría con los libros La violencia machista en el cine (Trinidad Núñez y Yolanda Troyano Coord.) y Tod Browning, de José Manuel Serrano Cueto. Los Premios ASECAN 2012 se entregarán el próximo 4 de febrero en la sede en Córdoba de la Filmoteca de Andalucía.

ASECAN apunta que “Juan Gabriel García (Almería, 1979) plantea su libro Los españoles del western como un homenaje y una reivindicación de los directores, los intérpretes, los técnicos y los paisajes españoles vinculados con este género tan cinematográfico y tan ligado además a la geografía almeriense. El autor, que a pesar de su juventud tiene una amplia experiencia como periodista, crítico e investigador cinematográfico, recoge en este libro una serie de entrevistas con personajes de todos los ámbitos del cine, como por ejemplo los actores Álvaro de Luna y Pilar Velázquez, los directores Joaquín Luis Romero Marchent y Eugenio Martín y el productor José Frade”.

Los españoles del western se presentó en la edición de 2010 del Festival Internacional ‘Almería en corto’. En este trabajo, con prólogo del cineasta Enzo G. Castellari, Juan Gabriel García mantiene una serie de entrevistas con veintiún hombres y mujeres de cine que, a través de una amena y apasionada conversación, abren su corazón para recordar su oficio y otros muchos aspectos sobre sus experiencias en el séptimo arte.

La relación de personajes entrevistados en este libro la integran dos directores, Joaquín Luis Romero Marchent y Eugenio Martín; un productor, José Frade; un director de producción, José Salcedo; una script, Margarita Pardo; dos directores artísticos, José Luis Galicia y Gumersindo Andrés (también diseñador de vestuario); un ambientador, Julián Mateos; un operador de cámara, Ricardo García Navarrete; un especialista, Miguel Pedregosa; un responsable de efectos especiales, Juan Ramón Molina; un montador, Alfonso Santacana; un maquetista, Emilio Ruiz; un extra, José Galera Balazote, más conocido como Pepe ‘El Habichuela’, y siete actores: María Silva, Aldo Sambrell, Álvaro de Luna, Eduardo Fajardo, José Sancho, Simón Andreu y Pilar Velázquez.

Juan Gabriel García explica que “este reconocimiento constata la reivindicación por parte de la crítica y los investigadores de la importancia del western europeo en el ámbito social y cultural de este género cinematográfico que popularizó Almería en todo el mundo. Este libro homenajea a todos aquellos que nos hicieron ver y soñar que el salvaje Oeste no se encontraba tan lejos de nuestra casa”.

Rod Cameron

2012-01-17T10:15:00.003+01:00

Actor canadiense (Alberta 1910-Georgia 1983) cuyo verdadero nombre era Nathan Roderick Cox que, a pesar de verse encasillado por lo general en filmes de serie b, gozó de gran popularidad durante casi tres décadas (40, 50 y 60) y cuenta con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

De complexión robusta, gran altura (medía casi dos metros) y rasgos duros comenzó en el cine doblando a estrellas como Fred McMurray o Buck Jones en las escenas arriesgadas.

Su primera aparición en un largometraje importante tuvo lugar en 1940 con “Policía Montada del Canadá” filme dirigido por Cecil B. De Mille e interpretado en los principales personajes por Gary Cooper y Paullette Goddard.

Contratado por la Paramount Pictures, y a pesar de que rodó interesantes cintas de otros géneros como las bélicas “Wake island” y “Comandos” ambas dirigidas en 1942 por John Farrow , el filme dirigido ese mismo año por George Sherman “Corazones en llamas” con Fred McMurray, Paullette Goddard y Susan Hayward o sus interpretaciones protagónicas como el agente Rex Bennett en dos largometrajes dirigidos por Gordon Spencer Bennet, su imponente físico quedaría definitivamente asociado a los westerns de bajo presupuesto que rodó tanto para la mencionada compañía como para otras menores, sobre todo la Republic o Monogram, bajo la dirección de reputados artesanos como Lesley Selander, Edward Luwig o Joseph Kane y entre los que destacan “La dama de la frontera” (1945) junto a Yvonne de Carlo, con la que había trabajado en dos ocasiones, entre ellas “Salomé, la embrujadora”, “Piratas de Monterrey” (1947) que le emparejó con María Montez, “Dakota Lil” (1950) protagonizada por George Montgomery, otro habitual de la serie b, con el que también había trabajado en “La hija de Belle Starr”, “Senderos de violencia” (1955) junto a John Payne, “El gavilán pistolero” (1963) con el también recurrente en westerns de bajo presupuesto Rory Calhoun, y la injustamente olvidada “Quinientos dólares vivo o muerto” (1965) con el eterno malvado Dan Duryea como un cazador de recompensas y un numeroso grupo de antiguas estrellas del western como Buster Crabbe, Richard Arlen, Bob Steele e, incluso, Bronco Billy.

En 1964 protagoniza su primer western hecho en Europa, “La pistolas no discuten” filme apegado a los cánones clásicos del género en el que dio vida al inmaculado sheriff Pat Garret, para en años sucesivos protagonizar otros dos euro westerns.

Paralelamente desarrolló una fructífera carrera de televisión, no sólo como actor invitado en series de tanto renombre como “Laramie”, “Bonanza”, “Perry Mason” o “El Virginiano” sino como actor principal en tres de ellas de gran éxito que le dieron una enorme popularidad: “City detective” en la que apareció como el teniente Bart Grant en sesenta y un episodios entre 1953 y 1955,”State Trooper” en la que encarnó en ciento cuatro episodios entre 1956 y 1959 al teniente Rod Blake y “Coronado 9” con treinta y nueve episodios emitidos de 1959 a 1961.

Su última aparición delante de una cámara tuvo lugar en 1978 para un episodio de la serie de televisión “Proyecto UFO: Investigación OVNI”.

Como curiosidad señalaros que volvió a interpretar en 1971 al sheriff Pat Garret en el largometraje dirigido por Dennis Hooper “La última película”.

Filmografía SW:

1964.- “Las pistolas no discuten”.

1964.- “El sendero del odio”.
1966.- “Hombres desesperados”.

WINCHESTER BILL

2012-01-13T09:36:00.002+01:00

Winchester Bill (Voltati... ti uccido)
1967
España/Italia
Director: Alfonso Brescia
Reparto: Richard Wyler, Fernando Sancho, Eleonora Bianchi, Conrado San Martín, Lucio Rosato, Ric Burton Jr., Luis Induni, Franco Pesce, Massimo Righi, Spartaco Conversi, Ruffino Ingles, Rafael Hernandez, Richard Burton.

Guión: Maria del Carmen Martinez Roman, Renato Poselli
Fotografía: Alfonso Nieva
Música: General Music of Rome

Coproducción italo-española de 1967 filmada, bajo su seudónimo habitual de Al Bradley, por el italiano Alfonso Brescia, guionista y director que comenzó a mediados de los años sesenta con las típicas películas de sandalias y espadas tan en boga en ese momento y presenta una amplia filmografía aunque de escasa relevancia, con filmes de limitado presupuesto y en muchos casos dentro de los que se denomina cine de explotación, como sus conocidas películas de ciencia ficción (“Battaglie negli spazi stellari”, “Anno zero. Gerra nello spazio” y “La guerra de los robots”) realizadas en tiempo record (se estrenaron entre 1977 y 1978) con el objeto de explotar el éxito del filme de George Lucas “La guerra de las galaxias” (1977).

Dentro del spaghetti western se ocupó de la dirección de siete largometrajes como “Killer calibre 32” (película comentada en este blog) un intento de conjugar la típica película de detectives con el western protagonizada por el recurrente Peter Lee Lawrence y tan prescindible como el filme que nos ocupa, “Il giorno Della violenza” otra vez protagonizada por Peter Lee o los dos filmes de aventuras basados ligeramente en novelas de Jack London y desarrollados en Canadá “La spaconatta” (1974) y “Zanna Bianca e il cacciatore solitario” (1975) ambos con la pareja Robert Woods e Ignazio Spalla como protagonistas.

SINOPSIS: Sam es el propietario de una mina de oro que sufre los desmanes del Bicho y su banda de bandoleros mejicanos contratados por Ted Shaw, un magnate ambicioso y sin escrúpulos, que pretende adueñarse de todas las minas de la región. Pero todo cambiará con la llegada de Billy Walsh, un famoso pistolero apodado “Winchester Bill”, que se posicionará a favor de Sam, protegiéndole de los ataques del Bicho.

La película es un subproducto nacido bajo la sombra del éxito de los westerns hechos en Europa, con clara vocación de servir de relleno en las programaciones dobles y con evidentes carencias presupuestarias, hecho que va a afectar al filme no sólo en la labor de ambientación sino también en su credibilidad. Pero aún siendo notorias las limitaciones presupuestarias, creo que es más grave la falta de ideas existente en el guión firmado por María del Carmen Martínez Román (escritora con bastante experiencia en este subgénero ya que intervino, entre otros, en los libretos de las interesantes “Oro maldito” y “Réquiem para el gringo”, además de convertirse a partir de 1970 en una habitual en el cine del madrileño José Luis Merino). Así nos encontramos con un libreto que apenas desarrolla la historia y, ante la escasez de propuestas, recurre constantemente a las consabidas peleas, por lo que el spaghetti se hace tremendamente aburrido y repetitivo; además de contar con una historia de amor tópica y poco creíble, un plan urdido por Winchester Bill consistente en enfrentar a Ted con el Bicho tan simple que provoca el sonrojo o escenas poco verosímiles como aquella en la que Ted y el sheriff en plena calle, en donde les puede oír todo el mundo, se ponen a conversar sobre sus pérfidos planes. Incluso cuenta con un inesperado giro final en el que se revela la verdadera identidad de varios personajes cuya resolución, que no os cuento, sólo me provocó la risa.

Al inconsistente guión hay que añadir la descuidada y precipitada labor de dirección de Alfonso Brescia con planos que no casan y con una continua y cansina obsesión por mostrarnos en un primerísimo plano los ojos del protagonista. Además falla estrepitosamente en las abundantes escenas de peleas que están muy mal coreografiadas y, sobre todo, en el que debía de ser el espectacular enfrentamiento final a tres bandas entre los hombres de Ted, del Bicho y de Bill con una dirección confusa que lo convierte en un “totum revolutum”, en el que, incluso, llegué a contar tres veces la misma acción consistente en ver cómo un individuo lanzaba dinamita a unos pistoleros a caballo situados a comienzos de la calle principal.

Por si fuera poco, y no sé si debido a la falta de presupuesto, resulta que la banda sonora corresponde a otros spaghettis (en los títulos de crédito nada se dice sobre el autor). Así se “tomó prestado” el estupendo tema principal compuesto por el maestro Antón García Abril para, la ya comentada en este blog, “Adiós Texas” aunque en una versión instrumental y no en la cantada por Don Powell. También escuché otros dos temas, uno muy mal insertado en la trama, que igualmente me resultaron familiares pero no he podido identificar su origen.

Para interpretar a Winchester Bill se escogió al soso y poco expresivo actor británico Richard Wyler que, tras un aceptable debut en el que su estilo hierático casaba perfectamente con el más expansivo de Tomás Milian en “El precio de un hombre”, no protagonizaría ningún spaghetti reseñable. En este caso da vida, con sus limitados recursos interpretativos, a un famoso y enigmático pistolero que de forma poco creíble se pasea por todas partes sin revólveres, como invitando a cualquiera a que le mate. Junto a él dos veteranos que poco pueden hacer por salvar la función: Conrado San Martín dando vida al ambicioso Ted, representante del capitalismo más salvaje ya que no sólo quiere adueñarse de todas las minas, sino que, al establecer una especie de monopolio, pretende pagar salarios de miseria a sus trabajadores; y Fernando Sancho, de lo poco salvable de la película, en el sempiterno papel de bandido mejicano con incontinencia verbal como “El Bicho”, el poco fiable y algo ingenuo aliado de Ted. En papeles secundarios nos encontramos al habitual de este subgénero Spartaco Conversi como Sam, personaje que nos dará una sorpresa sobre su verdadera identidad al final; Eleonora Bianchi, en su último papel para el cine, como la voluble hija de Sam a la que no hay quien entienda, ya que pasa en una misma escena de tratar a Bill con desprecio a cuidar de sus heridas solícitamente, para en la siguiente, y sin saber las razones, estar locamente enamorada de él,y finalizar la película con su antiguo pretendiente; y Luis Induni en su típico papel de sheriff, en este caso una marioneta de Ted.

En definitiva un pobre, tópico y, sobre todo, aburrido spaghetti que no aporta nada al género, por lo que su visión creo que es sólo recomendable para los incondicionales del mismo.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 3
AMBIENTACIÓN: 3
DIRECCIÓN: 3
ACTORES: 4
MÚSICA: 1

MEDIA: 2,8

Gian Maria Volonte (Homenaje)

2012-01-05T21:15:00.001+01:00

Homenaja realizado por Daniel Andrés al actor Gian Maria Volonte.

José Nieto

2012-01-04T09:00:00.003+01:00

Actor español (Murcia 1902-Huelva 1982), cuyo verdadero nombre era José García Nieto, que desarrolló una brillante y prolífica carrera cinematográfica, habiendo intervenido en más de ciento cincuenta películas y episodios para televisión.

Tras desempeñar varios trabajos (botones en una compañía de seguros, novillero, caballista, etc) se decantará por la interpretación, comenzando a dar sus primeros pasos en el teatro en donde fue descubierto por Florián Rey, quien le proporcionó un papel en la adaptación a la pantalla grande del clásico de la novela picaresca española “El Lazarillo de Tormes” (1925).

De esta época destacan sus interpretaciones en “Gigantes y cabezudos“(1926) también de Florián Rey o “La condesa María” dirigida en 1928 por Benito Perojo.

Con el comienzo de la nueva década y la llegada del cine sonoro, es contratado por la Paramount para hacer, junto a su amigo José Crespo, adaptaciones al español de éxitos rodados en inglés. El contrato con la todopoderosa compañía lo prolongaría durante unos años como actor de doblaje una vez que se perfeccionó este sistema.

Tras la guerra civil vuelve a España y se convierte durante las décadas de los cuarenta y cincuenta en uno de los grandes galanes del cine español, generalmente interpretando héroes militares, aunque no desdeñó los papeles de villano. Así se le pudo ver en películas de marcado carácter propagandístico como “Escuadrilla” (1941) que dirigida por Antonio Román le emparejó con Alfredo Mayo, otro de los grandes galanes de la época;“Raza” (1942) dirigida por Saenz de Heredia y con guión del mismísimo Francisco Franco bajo el seudónimo de Jaime de Andrade, en la que volvió a coincidir con Alfredo Mayo; la modélica película de aventuras “Los últimos de Filipinas” (1945) realizada por Antonio Román en la que compartía protagonismo con Armando Calvo; o “El tambor del Bruch” (1948) de Ignacio F. Iquino con Ana Mariscal. También participó en películas religiosas entre las que cabe señalar “La señora de Fátima” (1951) de Rafael Gil y, sobre todo, “Marcelino pan y vino” (1954) un gran éxito debido a Ladislao Vajda; además de aparecer en dramas de la calidad de “Alba de sangre” (1948) de Rafael Gil, que le emparejó con la gran diva mejicana María Félix, el estupendo filme desmitificador de la figura del bandolero “Carne de horca (1953) de Ladislao Vajda con Rossano Brazzi y Emma Penella, o la adaptación de la novela de Blasco Ibáñez realizada por Juan de Orduña “Cañas y barro” (1954).

A mediados de los cincuenta y durante la siguiente década, gracias a su perfecto inglés y a sus habilidades como jinete, se convertirá en una presencia habitual de las producciones rodadas por los estadounidenses en España, lo que le permitió trabajar con grandes directores internacionales y con gran parte de las más importantes estrellas de la época. En estas superproducciones tendría pequeños papeles pero muy bien retribuidos pudiéndosele ver en filmes tan conocidos como son ”La princesa de Éboli” (Terence Young, 1955) con Olivia de Havilland y Gilbert Roland, “Alejandro el Magno” (Robert Rossen, 1956) con Richard Burton y Frederich March, “Orgullo y pasión” (Stanley Kramer, 1957) que, ambientada en la Guerra de la Independencia, estuvo protagonizada por Cary Grant, Sofía Loren y Frank Sinatra, “Salomón y la reina de Saba” (King Vidor, 1959) interpretada por Gina Lollobrigida y Yul Brynner, sustituto a última hora de Tyrone Power que había muerto de un ataque al corazón, la adaptación de la vida de Jesús, realizada por Nicholas Ray en 1961, “Rey de reyes”, director con el que repetiría en la magnífica “55 días en Pekín” (1963) con Charlton Heston, David Niven y Ava Gardner, la epopeya romántica “Doctor Zhivago” (David Lean, 1965) o la excelente película de Orson Welles “Campanadas a medianoche” (1965).

Durante la década de los sesenta también se le vio en las típicas coproducciones europeas originadas por el auge del cine de género, entre las que se encuentran los euro western; así tras participar en “Tierra brutal” (1961), el primer western rodado en España, su nombre formaría parte de los títulos de crédito de otros once westerns hechos en Europa.

Con la siguiente década y al haber cambiado los gustos del público comienza su decadencia y, aunque no le faltó trabajo, los títulos en los que intervino carecen de relevancia dentro de su filmografía, salvo honrosas excepciones como “El jardín de las delicias” dirigida en 1970 por Carlos Saura, el estupendo thriller de Isasi-Isasmendi “Un verano para matar” (1973) junto a Karl Malden, “Hay que matar a B.” (1975) de José Luis Boreau con Darren McGavin, Stèphane Audran y Patricia Neal y “El huerto del francés” (1978) dirigida e interpretada por Paul Naschy.

José Nieto se despedía de la pantalla grande, tras más de cincuenta años, en 1980 con “Hijos de papa”, una olvidable comedia que no hace justicia ni a su talento ni a su curriculum.

Filmografía SW

1961.- “Tierra brutal”.

1964.- “El hombre del valle maldito”.
1964.- “Los rurales de Texas”.
1965.- "El proscrito del río Colorado"
1966.- “Kid Rodelo”.
1966.- “Pampa salvaje”.
1967.- “Los despiadados”.
1971.- “El bandido Malpelo”.
1971.- “El sol bajo la tierra”.
1971.- “El oro de nadie”.
1972.- “Una cuerda al amanecer”.
1973.- “Caballos salvajes”.

Teaser "Y la Muerte le seguía"

2011-12-30T11:46:00.001+01:00

Encuentran un negativo escondido de un western de Leone

2011-12-28T11:05:00.000+01:00

(Noticia extraida de la web "Sergio Leone Web Boarder").
¿Que puede valer un nuevo western de Leone?
Imposible de saber.
Pues hará como unos meses, un par de italianos encontraron en unos archivos olvidados de Cineccita un negativo, que parece ser que contiene lo que parece ser unos 40 minutos de metraje de un western, rodado en la epoca del spaghetti. Dicho material está sin sonido ni montado, es solo lo rodado.
Pero la noticia saltó cuando, al mirar en los archivos, encontraron el nombre de la película durante el rodaje (que no se sabe cual es), y al lado, el nombre del director; Sergio Leone.
Como es normal, se sabe realmente poco del asunto, ya que el secretismo en Italia sobre el asunto es total, pero la verdad es que sería una gozada poder ver algo de lo rodado por el maestro en "bruto".
Estaremos atentos a la noticia.

FELIZ NAVIDAD!!!

2011-12-23T08:12:00.000+01:00

Nominación "Los españoles en el western"

2011-12-22T11:29:00.000+01:00

Foto Juan Sánchez

El libro "Los españoles en el western", de Juan Grabiel García Cantón ha recibido una nominación para la categoría de Mejor Libro de Cine de los Premios ASECAN 2012.
Le deseamos que logre ganar el premio.

PECOS Y EL TESORO DE MOCTEZUMA

2011-12-21T14:50:00.001+01:00

Pecos y el tesoro de Moctezuma (Pecos è qui: prega e muori )
1967
Italia
Director: Maurizio Lucidi
Reparto: Robert Woods, Luciana Gilli, Enrico Crisa, Ignazio Spalla, Umberto Raho, Piero Vida, Carlo Gaddi, Brigitte Wentzel, Fred Coplan, Luigi Casellato, Poldo Bendandi, Mirella Panfili, Simon Lafitte, Giuseppe Castellano, Elio Angelucci, Fred Coplan, Mauro Mannatrizio, Gino Barbacane, Osiride Peverello

Guión: Fernando di Leo, Adriano Bolzoni, Augusto Caminito
Fotografía: Franco VillaMúsica: Coriolano Gori

Segunda entrega de las andanzas del pistolero mejicano Pecos Martínez filmada tan sólo unos meses después de la estimable “Mi nombre es Pecos” prácticamente por el mismo equipo: el actor principal (Robert Woods), el director (Maurizio Lucidi), el director de fotografía (Franco Villa), Adriano Bolzoni como guionista, al que se sumaron otros dos escritores habituales de este subgénero como son Augusto Caminito (“Los largos días de la venganza”, “El último pistolero”, “Los profesionales del oro”) y Fernando Di Leo (“El retorno de Ringo”, “Joe el implacable”, “Los profesionales del oro”), por lo que se hacen aún más llamativas las grandes diferencias que presenta con el filme original, quedando como únicos nexos de unión entre una y otra el personaje de Pecos, un pistolero, tan rápido como letal con sus colts, de nacionalidad mejicana pero con la mayoría de los atributos del antihéroe propio de este subgénero que, en esta ocasión, se mostrará menos taciturno y más expansivo; y algún guiño a la primera película como cuando se presenta, a lo James Bond, con la frase “Mi nombre es Pecos” o la manera que tiene de acabar con “El Supremo”. Por lo demás, si con la primera nos encontramos con un spaghetti western oscuro, grave y muy violento que gravitaba en torno al tema de la venganza, en esta ocasión asistimos a la típica película de aventuras, más ligera, con ciertos toques de humor generalmente protagonizados por los tres músicos (la presentación de éstos -Pepe, Paco y Pinto- me recordó a los personajes de la película de Walt Disney rodada en 1944 “Los tres caballeros”) y cuyo tema principal es la búsqueda por un grupo de aventureros de un tesoro escondido en la selva mejicana.

SINOPSIS: Antes de morir, el malherido sobreviviente de una masacre perpetrada por los hombres de “El Supremo” (un megalómano asesino que se declara descendiente de Moctezuma y pretende conquistar Méjico) entrega a tres músicos mejicanos el plano de un tesoro. Éstos, junto con el pistolero Pecos al que conocieron en una cantina, marcharán a Texcoco (antigua ciudad del imperio azteca), lugar controlado por “El Supremo” y sus forajidos, en busca del tesoro. La aventura no ha hecho más que comenzar.

Extravagante propuesta basada en la famosa leyenda del tesoro de Moctezuma (algunas fuentes sostienen que permanece todavía enterrado, mientras otras afirman que gran parte del mismo fue saqueado por los conquistadores y perdido en la famosa Noche Triste) que no sólo palidece en comparación con el primer largometraje protagonizado por Pecos al mostrarse, para mí, muy inferior, sino que como filme independiente tampoco funciona debido las carencias mostradas por el guión, la dirección y la ambientación.

Así nos encontramos con un guión decepcionante por proceder de escritores con interesantes libretos en su haber y, sobre todo, delirante, en el que todo vale, desde una banda de forajidos que son la ingenuidad personificada y se dejan engañar fácilmente por nuestro antihéroe hasta la existencia de personajes que no aportan nada a la trama pero están ahí para dar un poco de color, pasando por situaciones absurdas como el hecho de que los pistoleros asesinen a los enviados para efectuar el canje de las mujeres que retienen como rehenes, que el dichoso tesoro se encuentre en la misma pirámide habitada por los bandoleros sin que éstos, que llevan tiempo buscándolo, se hallan dado cuenta o que sea muy secreta su ubicación pero una especie de ermitaño, casualmente gran amigo de Pecos, le indique a éste el lugar exacto en donde se encuentra.

Como aspectos positivos, muy pocos, del guión creo que hay que citar alguna frase afortunada, como la de Pecos en relación con el tesoro, todo un axioma, al señalar que “El dinero es creación del diablo. Por eso hizo las monedas redondas, para que rodarán y la gente tuviera que correr tras ellas”; o la acertada identificación de cada uno de los tres lugartenientes del Supremo con un pecado capital; así, Dago representa la gula, Frenchy personifica la lujuria y Rayo encarna la avaricia; mientras que en “El Supremo” predominan la soberbia y la ira. De esta forma el guión hunde sus raíces en la moral católica.

En cuanto a la dirección por parte de Murizio Lucidi no puede ser más rutinaria y frente al primer filme caracterizada por la preocupación en la planificación de las escenas, así como por su concisión y agilidad, aquí nos encontramos con una dirección más vulgar y con escenas y situaciones de relleno que, tras un correcto comienzo, ralentizan la acción, dando lugar a un filme disparatado y aburrido, en el que además no se les saca ningún partido a los escenarios naturales en donde se desarrolla la acción.

Por último, el tercer elemento que falla estrepitosamente es la ambientación debido fundamentalmente a la escasez presupuestaria, lo que, a diferencia de la primera película en la que se logró solucionar el problema centrando la acción en el pueblo, incide negativamente en la credibilidad de este largometraje que necesariamente requiere más escenarios y dinero. Así, por ejemplo, “El Diablo” y sus hombres viven en una pirámide azteca de dimensiones ridículas que da el cante de estar hecha con cartón piedra, además de encontrarse ubicada en un paraje sin ningún rastro de más vestigios cuando se supone que es la ciudad precolombina de Texcoco; los interiores de la misma cuentan con una decoración paupérrima que queda bastante cutre; y resulta ridículo que “El Diablo” pretenda conquistar Méjico con el dichoso tesoro cuando no dispone de más de veinte hombres.

Tampoco la banda sonora lógicamente de inspiración fronteriza y compuesta, al igual que en su antecesora, por Coriolano Gori es memorable, aunque cuenta con un par de temas, con trompeta solista, aceptables, pero ensombrecidos por el que tocan los tres músicos que se repite cansinamente y me resultó muy pesado.

Por lo que se refiere a los actores, Robert Woods vuelve a interpretar de forma satisfactoria a Pecos, al que se nos presenta tan astuto o más que en la primera película y como un individuo más abierto (incluso se permite el lujo de sonreír en varias ocasiones) en el que parece no quedan rasgos de la tristeza y amargura provocadas por su doloroso pasado. Junto a él Erno Crisa interpreta a un patético Supremo, individuo autoproclamado descendiente de Moctezuma que viste ridículamente con un traje negro y una cinta roja para el pelo, vestimenta más propia de un filme de artes marciales; unos correctos Ignazio Spalla, bajo el nombre de Pedro Sánchez, y Carlo Gaddi, en su debut en este subgénero, como Dago y Frenchy respectivamente, dos de los tres lugartenientes del Supremo; y Umberto Raho, en un papel muy diferente al interpretado en el primer filme, como Pinto, uno de los tres músicos, personaje pretendidamente cómico que no me hizo ninguna gracia,

Por último comentaros que tengo el DVD puesto en circulación por Jenymar en su Serie Texas, que no sólo no respeta el formato original sino que la calidad de la imagen deja mucho que desear. Otra tomadura de pelo de esta casa y van…

En resumen, un intento fallido, para mí, consistente en combinar dos géneros, en principio no tan alejados, como son el spaghetti y las películas de aventuras, debido fundamentalmente a un disparatado guión y a la falta de un presupuesto adecuado necesario para dar mayor veracidad a la historia narrada.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 3
AMBIENTACIÓN: 2
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 5
MÚSICA: 4

MEDIA: 3,6

MI NOMBRE ES PECOS

2011-12-19T10:44:00.001+01:00

Mi nombre es Pecos (Pecos è qui: prega e muori )
1967

Italia
Director: Maurizio LucidiReparto: Robert Woods, Luciana Gilli, Enrico Crisa, Ignazio Spalla, Umberto Raho, Piero Vida, Carlo Gaddi, Brigitte Wentzel, Fred Coplan, Luigi Casellato, Poldo Bendandi, Mirella Panfili, Simon Lafitte, Giuseppe Castellano, Elio Angelucci , Fred Coplan, Mauro Mannatrizio, Gino Barbacane, Osiride Peverello
Guión: Fernando di Leo, Adriano Bolzoni, Augusto Caminito
Fotografía:Franco Villa
Müsica: Coriolano Gori

Producción italiana de 1966 que supuso el segundo largometraje, tras haber rodado un “péplum” el año anterior, de Maurice A. Bright, en realidad Maurizio Lucidi, un director con una filmografía no demasiado extensa, con cuatro spaghettis en su haber, y poco relevante que, en esta ocasión, contó como protagonista con Robert Woods, un espigado actor norteamericano “descubierto” por los hermanos Balcázar al que le ofrecieron un contrato para protagonizar varios spaghettis, entre ellos “Los pistoleros de Arizona” y “Viva Carrancho” en los que compartió protagonismo con Fernando Sancho, que se convertiría en una de las presencias recurrentes de este subgénero (protagonizó más de veinte spaghettis en diez años) aunque generalmente en largometrajes de bajo presupuesto. Este hecho quizás pueda explicar su menor popularidad frente a otros actores a pesar de su versatilidad, lo que le llevó a interpretar desde héroes clásicos más propios de los westerns serie b como es el caso de Johnny Blith en “Starblack”, pasando por personajes más ligeros y desenfadados como el de Gregor McGregor en “Siete pistolas para los McGregor” o malvados como el explotador dueño de la mina de “Viva Carrancho”, hasta personajes más graves, en los que para mí estuvo sobresaliente, como el perturbado asesino de “Black Jack”, el alcoholizado pistolero que no puede huir de su pasado de “El puro se sienta, espera y dispara” o el personaje que interpreta en la película que nos ocupa. Además frente a la mayoría de los principales actores de este subgénero que se forjaron un prototipo de antihéroe, como es el caso de, por ejemplo, Franco Nero, por lo menos en sus primeros westerns, y Anthonny Steffen que, siguiendo la escuela de Eastwood, generalmente interpretaron a personajes taciturnos y lacónicos; Giuliano Gemma al que mayormente se le recuerda por sus actuaciones más dinámicas y expansivas, siempre con la sonrisa en los labios; Gianni Garko caracterizado por sus elegantes e irónicos pistoleros; George Hilton que aportó un carácter más desenfadado al antihéroe típico de este subgénero; o Fernando Sancho que generalmente dio vida al prototipo de mejicano dicharachero y excesivo; a Robert Woods, en principio, no se le identifica con ningún estereotipo, lo que creó a larga quizás le perjudicase.

SINOPSIS: Los habitantes de Houston viven aterrorizados por la banda de Joe Clane que ha tomado el pueblo en su intento por recuperar el producto del robo del banco de Laredo, 80.000 dólares, escondido en Houston por un traidor con ayuda de un vecino cuya identidad desconocen. Hasta allí llegará Pecos Martínez, un enigmático pistolero mejicano tan rápido con el revólver como parco en palabras, que tiene una dolorosa cuenta pendiente con Joe. El enfrentamiento será inevitable.

Interesante spaghetti que desarrolla dos subtramas (el intento de recuperar el botín por parte de unos sanguinarios pistoleros que no se detienen ante nada y ante nadie, y el ajuste de cuentas entre Pecos y Joe) presididas por la codicia, la venganza, la violencia y el racismo, y perfectamente entrelazadas gracias a un hábil y esquemático guión del especialista Adriano Bolzoni, aunque escasamente original tanto en las situaciones (cabalgadas, palizas al antihéroe) como en los temas desarrollados, y que es claramente deudor de la película “Django”, desde la primera y sobresaliente escena en la que vemos vagar por un desierto a Pecos cargando con una silla de montar hasta aquella desarrollada en el cementerio en la que vemos la tumba de su familia, pasando por ciertos personajes (el avaricioso predicador recuerda a aquél al que cortaba una oreja el general Rodríguez), el escenario en donde se desarrolla la acción (un pueblo fronterizo con apariencia fantasmal tomado por unos pistoleros) o ciertos guiños como el hecho de que en el pasado al médico le destrozarán las manos como le ocurría al personaje encarnado por Franco Nero.

Como elemento más llamativo de la película nos encontramos con el propio personaje de Pecos, ya que, en una clara inversión de los papeles, nos vamos a encontrar a un mejicano dando vida a un personaje reservado a los estadounidenses. Así, hasta ese momento los personajes de nacionalidad mejicana habían aparecido como grandes terratenientes, humildes campesinos víctima de la violencia estadounidense o de sus propios gobernantes, forajidos o, en el mejor de los casos, como compañero del protagonista; pero aquí nos encontramos con un mejicano que actúa como el típico antihéroe de los spaghettis y presenta la mayoría de sus características.

Al mismo tiempo me ha llamado la atención, quizás también como consecuencia de la influencia de “Django”, la crudeza y violencia de determinadas escenas máxime si tenemos en cuenta el año de su realización. De esta forma veremos arrastrar sin contemplaciones a un individuo que ha recibido varios balazos y se está desangrando, asistiremos a dos intentos de violación, contemplaremos como es asesinado a sangre fría y sin ningún tipo de remordimiento un indefenso personaje al mismo tiempo que es torturada una mujer e, incluso, contemplaremos cómo el protagonista se ensaña con uno de los pistoleros acribillándole a balazos y la forma brutal con la que calma su sed de venganza en la secuencia final; escenas en las que, además, no se nos ahorra la visión de la sangre.

Por lo que respecta a Maurizio Lucidi creo que consigue una película ágil, sin tiempos muertos y en las que las abundantes escenas de tiroteos y peleas no parecen meros rellenos para alargar el filme; además de rodar varias secuencias muy buenas, como la ya mencionada del inicio o aquella en la que varios forajidos golpean al héroe y sitúa la cámara fuera del saloon, por lo que vemos la paliza a través de los cristales satinados. Su trabajo, además, estuvo beneficiado por la gran labor de Franco Villa como director de fotografía.

En cuanto a la banda sonora, compuesta por Coriolano Gori, cuenta con un gran y apropiado tema principal, “The ballad of Pecos” muy bien cantado por Bob Smart pero se trata de una copia descarada del gran éxito de The Animals “The house of the rising sun”. También se puede escuchar repetidas veces otro tema de corte épico bastante aceptable.

Otro de los aspectos sobresalientes es la dirección de actores lo que redunda en las buenas interpretaciones de todos ellos. Robert Woods está impecable como el pistolero mejicano Pecos que se muestra en su venganza tan brutal como los pistoleros con los que quiere acabar. Pier Paolo Capollini, en su única incursión en este subgénero, está muy acertado encarnado a Joe Kline, el despiadado jefe de la banda de forajidos. Umberto Raho está realmente bien en su papel de avaricioso, traicionero y peculiar predicador, mientras que la banda de Kline está interpretada por habituales como Peter Carsten, la mano derecha de aquél, Max Deane, en realidad Massimo Righi o, en sus primeros papeles dentro de este subgénero, George Eastman, cuya enorme presencia física y buen hacer no pasó desapercibido participando a continuación en dos filmes de Ferdinando Baldi y otros dos de Giussepe Vari, y Pietro Maletanza, alias Peter Martell. Estos dos últimos coincidirían, en esta ocasión en roles positivos, en la estimable “Chiakmull”.

Como curiosidades comentaros que el encargado de los decorados fue Demofilo Fidani que al año siguiente debutaría tras la cámara recibiendo el apelativo del Ed Wood del spaghetti, mientras que como cameraman aparece el futuro rey del porno italiano Joe D’Amato.

Por último comentaros que la película gozó del suficiente éxito para unos meses después rodarse una segunda parte de las aventuras de Pecos con, prácticamente, el mismo equipo que se tituló “Pecos y el tesoro de Moctezuma”.

En definitiva, un oscuro, violento y no demasiado conocido euro western que, a pesar de su falta de originalidad y sus evidentes carencias presupuestarias (la mayor parte de la historia se desarrolla en el mismo escenario), creo que no defraudará a los amantes de este subgénero ya que ofrece lo que se espera de un buen spaghetti, además de estar aceptablemente narrado y contar con personajes bien perfilados y creíbles.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 5
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MÚSICA: 5

MEDIA: 6,2

Muere Alberto de Mendoza

2011-12-17T11:50:00.000+01:00

El pasado lunes 12 nos dejaba el actor Alberto de Mendoza en la madrileña Clínica de la Luz, donde llevaba varios días internado por una insuficiencia respiratoria.
Actuó en más de 190 películas, entre ellas tres spaghettis.
Descanse en paz.

PARA MI EL ORO, PARA TI EL PLOMO

2011-12-16T17:32:00.000+01:00

Para mi el oro, para ti el plomo (Lo chiamavano Tresette... giocava sempre col morto)

1973
Italia
Director: Giuliano Carnimeo
Reparto: George Hilton, Cris Huerta, Ida Galli, Sal Borgese, Umberto D'Orsi, Rosalba Neri, Alfio Caltabiano, Nello Pazzafini, Dante Cleri, Pasquale Coletta, Luigi Pagnani, Furio Meniconi, Pietro Ceccarelli, Fortunato Arena, Aldo Cecconi, Veriano Genesi, Carla Mancini , Ottorino Polentini, Maurice Poli, Claudio Ruffini, Sergio Smacchi, Franco Ukmar, Aldo Dell'Acqua, Bruno Boschetti, Tony Norton, Goffredo Unger
Guión: Tito Carpi
Fotografía: Stelvio Massispani
Música: Bruno Nicolai

En 1973, fecha de realización de este largometraje, el western hecho en Europa se encontraba en decadencia debido, sobre todo, al gran número de westerns realizados que en la mayoría de los casos se limitaban a repetir los mismos esquemas y situaciones, con lo que se provocó la lógica saturación en el mercado. Por todo ello, no es de extrañar que, dada la gran acogida que tuvieron entre el público los dos westerns sobre Trinidad dirigidos por Enzo Barboni bajo el seudónimo de E. B. Clucher y protagonizados por la pareja Hill-Spencer, proliferasen los spaghettis en tono de comedia (este mismo año se rodaron, entre otros, la segunda parte de las andanzas de Providenza, “Carambola”, “Ninguno de los tres se llamaba Trinidad”, “Los tres superhombres en el Oeste”, “Todos para uno, golpes para todos” o “A Dios rogando y con el puño dando”) en los que se abandonaron las esencias de este subgénero a cambio de unas propuestas cada vez más esperpénticas, surrealistas y, en la mayoría de los casos, pueriles que terminaron por acabar con el euro western.

SINOPSIS: Tresette, un famoso pistolero, junto con Bambi, el desastrado sheriff de Manzana Podrida, es contratado por McPherson, el prohombre del mencionado pueblo, para llevar un cargamento de oro hasta Dallas. Por el camino, a pesar de haberse disfrazado de comerciantes, tendrán que enfrentarse a diferentes bandas de delincuentes (Los Calvos, Los Emigrados, Los Frailes) además de con un pistolero que persigue incansablemente a Tresette. Enfrentamientos de los que saldrán airosos para comprobar, cuando llegan a su destino, que han sido víctimas de una conspiración que intentarán desbaratar.

Mediocre spaghetti dirigido de forma rutinaria por Giuliano Carnimeo un director con querencia por la comedia, responsable de cuatro de las cinco entregas, incluida la protagonizada por George Hilton, de Sartana (un personaje caracterizado, al igual que su modelo James Bond, por su ironía y la utilización de gadgets), y creador de Aleluya, también interpretado por Hilton, con el que incrementó los elementos cómicos en sus westerns, para decantarse abiertamente por la comedia bufa con el personaje de Tresette.

El largometraje cuenta con un flojísimo guión del especialista Tito Carpi (habitual en los westerns de Carnimeo y Castellari) que desarrolla una historia bastante simple, con un tono similar al de su modelo (los mencionados spaghettis de Barboni) y con unos gags que también remiten a las películas de Trinidad. Así nos vamos a encontrar con gags visuales basados, básicamente, en peleas de corte humorístico en los que, incluso, en un claro homenaje a los antiguos filmes de la Keystone, se recurre a la cámara rápida; homenaje que es también notorio en la refriega con tartas sostenida por los dos héroes en la pastelería de Miss Marlene, la socia de McPherson. Junto a estos gags visuales, muchos de ellos propios de los dibujos animados, también abundan los pretendidamente ingeniosos basados en juegos de palabras como aquél en el que el pistolero que persigue a Tresette le dice: “Ha llegado tu hora” y éste le responde “A éste le debe funcionar mal el reloj. Son diez veces las que me ha dicho lo mismo y esa hora no llega” o en la que el mismo pistolero le ofrece un colt para batirse y Tresette lo rechaza afirmando: “No, no. Me da asco tocar las pistolas de los demás”. El resultado es una película repetitiva hasta el aburrimiento en el que se reiteran hasta la saciedad las mismas situaciones y en la que tan sólo algún gag aislado funciona frente a la mayoría de chistes fáciles y situaciones ridículas. Demasiado poco para los más de noventa minutos que dura la película.

Al frente del reparto se encuentra una de las presencias habituales de este subgénero, el uruguayo George Hilton, actor que colaboró habitualmente con Carnimeo y no sólo en sus westerns (también protagonizó “Las lágrimas de Jennifer", un aceptable giallo junto a la estrella erótica Edwige Fenech, actriz a la que le une una buena amistad y con la que formaría pareja artística bajo las órdenes de Sergio Martino). En este caso se muestra cómodo en el papel de Tresette, un personaje con claras influencias tanto de Sartana, por la utilización de gadgets (en este película unos carillones con sorpresas) como de Aleluya (de hecho en la versión que he visto le llaman así). Como su compañero Bambi, nos encontramos al también recurrente actor portugués Chris Huerta tratando de emular a Bud Spencer en el personaje de Bambino, comparación de la que, para mí, sale mal parado. Junto a ellos y en papeles menores dos actores que desarrollaron gran parte de su carrera en el género de la comedia como son Umberto D’Orsi en el papel del pérfido y avaricioso McPherson y Salvatore Borghese como Salvatore Papalardo, el líder de la banda de los emigrados que aparece en una absurda y tópica escena en la que se presenta a los sicilianos como mafiosos y celosos compulsivos. También aparecen por ahí unas desaprovechadas Ida Galli, bajo su seudónimo de Ewelyn Stewart, y Rosalba Neri, la primera en el rol de Miss Marlene, la socia de McPherson y la segunda como la sufrida esposa de Salvatore y objeto de sus enfermizos celos, y Nello Pazzafini como el jefe de los bandidos llamados los frailes, que también protagoniza otra ridícula escena. Por último, cabe señalar el rol del incansable pistolero que persigue a Tresette con nulos resultados y a cuya presencia le precede el sonido de un tango interpretado, parece ser, por un tal Tony Norton (supongo que se trata de un seudónimo) al que creo ya había visto en ambas entregas de Trinidad con una imagen muy parecida. Para mí uno de los personajes más logrados, mezcla del Coyote, el enemigo del Correcaminos, puesto que, como le ocurría a aquél con los productos ACME, siempre sale mal parado al ser la víctima principal de los artilugios de Tresette, y el robot interpretado por Yul Brinner en “Almas de metal”, ya que como él viste entero de negro e insiste una y otra vez en enfrentarse con los protagonistas.

Como curiosidades señalaros que la película rinde homenaje, no sé si como declaración de su intención de combinar ambos géneros, tanto a “La muerte tenía un precio” en una secuencia de un duelo en el que se escucha la música del carillón; como a “Con faldas y a lo loco”, ya que en la escena en la que un pistolero que está cortejando a Bambi descubre al levantarle el velo que tapaba su cara que en realidad es un hombre se da una situación parecida y se repite la frase “Nadie es perfecto” con la que acababa la obra maestra de Billy Wilder.

Por último, comentaros que el largometraje debió de gozar del suficiente éxito como para que al año siguiente volviéramos a ver a George Hilton interpretar a Tresette acompañado de nuevo por Cris Huerta en el filme, también dirigido por Carnimeo, “Di Tresette cen’è uno, tutti gli altri son nessuno”, película que no he visto y no sé cómo se tradujo en España.

En definitiva, un pobre y vulgar spaghetti cómico muestra de la decadencia y degeneración a la que llegó este género, máxime teniendo en cuenta que, para mí, es superior a otros de este mismo estilo; por lo que sólo lo recomiendo para aquellos a los que les guste el spaghetti paródico, que no es mi caso.

PUNTUACIÓN:
HISTORIA: 2
AMBIENTACIÓN: 4
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 5
MÚSICA: 4

MEDIA: 3,8

Ernest Borgnine

2011-12-12T11:43:00.001+01:00

Actor estadounidense (Connecticut 1917) nacido en el seno de una familia de emigrantes italianos cuyo verdadero nombre es Ermes Effron Borgnino que cuenta con una dilatada carrera (más de doscientas apariciones entre el cine y la televisión en sesenta años).

Relegado por lo general a papeles secundarios o, en el mejor de los casos, a coprotagonista, es un claro ejemplo de aquellos actores irrepetibles que, con tan sólo su personalidad, hacían creíble a cualquier personaje que interpretaban. Así, debido a su físico rotundo y mirada amenazante fue inicialmente encasillado en papeles negativos que, en muchas ocasiones, destilaban actitudes sádicas, pero gracias a su versatilidad superó este tipo de papeles para ofrecernos otros cargados de emotividad y sensibilidad.

Tras pasar por la armada (se enroló en 1935 y combatió en la II Guerra Mundial) se inscribe en la Escuela Randall de Arte Dramático y sus primeros pasos en el teatro los da en Virginia, para debutar en Broadway con la obra “Harvey”.

En 1951 hace su primera aparición en el cine (ese año rodaría tres filmes) y en televisión en la serie “El capitán Vídeo y los guardianes del universo”, pero no es hasta 1953 cuando le ofrecen un papel a su medida que sirvió para que Hollywood se fijara en él. Así, bajo las órdenes de Fred Zinemann daría vida al sádico sargento “Fatso” Judson que protagonizaba un enfrentamiento mortal con Montgomery Clift justo antes del ataque a Pearl Harbour en la magnífica superproducción “De aquí a la eternidad”, película que contó con un gran reparto encabezado por Burt Lancaster, Deborah Kerr, Donna Reed y Frank Sinatra. A ésta le siguieron sus apariciones en largometrajes, la mayoría westerns, tan destacados como la maravillosa “Johnny Guitar” dirigida en 1954 por Nicholas Ray, “Veracruz” realizada ese mismo año por Robert Aldrich (director con el que trabajaría asiduamente) protagonizada por Gary Cooper y, de nuevo, Burt Lancaster, o “Conspiración de silencio” un soberbio alegato antirracista filmado por John Sturges en 1955 con unos impecables Spencer Tracy y Robert Ryan, en el que coincidió con Lee Marvin, otro duro con el que se emparejaría en varias ocasiones. Ese mismo año asombra a la crítica con su interpretación llena de sensibilidad del bondadoso carnicero Marty en la película homónima por la que obtuvo el Oscar al mejor actor. Esta película le dio la oportunidad de interpretar a personajes positivos en westerns como “Jubal” (1956) y “Arizona, prisión federal”, ambos dirigidos por el especialista Delmer Daves o la modélica película de aventuras “Los vikingos” (1958) de Richard Fleischer con Kirk Douglas, que también la produjo a través de su Brynna, y la pareja de moda Tony Curtis-Janet Leigh.

Con la llegada de la década siguiente participará en grandes superproducciones con amplios repartos como “Barrabás” (1961) de, otra vez, Richard Fleischer y protagonizada por Anthony Quinn, “El vuelo del Fénix” (1965) de nuevo con Robert Aldrich, que contó con un gran e internacional reparto masculino encabezado por James Stewart, el estupendo y exitoso film bélico también dirigido por Robert Aldrich “Doce del patíbulo” con Lee Marvin convertido en estrella o el drama bélico “Estación Polar Cebra” (1968) de John Sturges protagonizado por Rock Hudson. Además protagonizará la serie “Barco a la vista” de la que se emitieron 138 episodios entre 1962 y 1968. Pero, sin duda, su mejor papel de esta década fue el de Dutch, el leal compañero de Pike, interpretado por William Holden, en uno de los westerns más violento, y al mismo tiempo lírico y hermoso, jamás realizado, “Grupo salvaje” (1969) la obra maestra de Sam Peckinpah.

Es en ese mismo año cuando toma contacto con el western hecho en Europa en la interesante “Los desesperados” (Julio Busch), para aparecer en tres euro westerns más.

A partir de los años setenta, a pesar de trabajar regularmente aumentando sus apariciones en televisión, el interés de su filmografía decrece de forma notable, destacando sus papeles de teniente de policía en la notable película de catástrofes “La aventura del Poseidón” (1972) dirigida por Ronald Neame y protagonizada por Gene Hackman, el de violento maquinista que persigue incansablemente a un vagabundo, interpretado por Lee Marvin, durante la Gran Depresión en “El emperador del Norte” (Robert Aldrich, 1973), el de cruel padre de Tom Canty en la adaptación que en 1977 hizo Richard Fleischer de la novela de Mark Twain “El príncipe y el mendigo”, el de taxista en una Nueva York controlada por los delincuentes en la fantasía futurista de John Carpenter “1997: rescate en Nueva York” (1981) o el de un anciano cansado de vivir en la depresiva “Another harvest moon” (2004).

En la actualidad, con noventa y cuatro años, sigue en activo habiendo participado en dos filmes en 2011, la película de animación “The lion of Judah” y la comedia “Snatched”.

Filmografía SW:

1969.- Los desesperados

1971.- Hannie Caulder
1971.- Miguel Pro
2004.- Blueberry

EL PISTOLERO QUE ODIABA LA MUERTE

2011-12-05T14:51:00.000+01:00

El pistolero que odiaba la muerte (Il pistolero segnato da Dio)

1968
Italia
Director: Giorgio Ferroni
Reparto: Anthony Steffen, Richard Wyler, Luisa Baratto, Giovanni Cianfriglia, Gia Sandri, Andrea Bosic, Nello Pazzafini, Massimo Righi, Tom Felleghy, Marco Stefanelli, Benito Stefanelli, Furio Meniconi, Fedele Gentile, Ennio Balbo, Rina Franchetti, Ugo Adinolfi, Valentino Macchi, Riccardo Pizzuti, Lucio De Santis, Luigi Marturano, Enrico Chiappafreddo, Sal Borgese, Bruno Boschetti, Pietro Ceccarelli, Luigi Ciavarro, Paolo Magalotti, Renzo Pevarello, Mimmo Poli, Romano Puppo, Franco Ukmar
Guión: Augusto Finocchi, Giorgio Ferromi, Remigio Del Grosso
Fotografía: Sandro Mancori
Música: Carlo Rustichelli

Producción italiana de 1968, es decir en pleno apogeo del spaghetti western tanto por la cantidad de euro westerns rodados (en torno a los noventa) como por la calidad de los mismos (ese año se filmaron spaghettis capitales como “Salario para matar”, “El gran silencio” o “Tepepa”, todos ellos con sus correspondientes reseñas en este blog), realizado por Giorgio Ferroni, un veterano director (sus primeras películas datan de los años treinta) bastante interesante pero, a mi entender, poco valorado quizás por el hecho de que los westerns que rodó a mediados de la década de los sesenta bajo el seudónimo de Calvin J. Padget están más cercanos al espíritu y al lenguaje del western clásico norteamericano que a los postulados e innovaciones “sergioleonianas”. De esta forma, en su "Trilogía Gary" protagonizada por Giuliano Gemma nos vamos a encontrar al típico héroe, que carece de la ambigüedad moral de los antihéroes europeos, enfrentado a una situación que, en principio, lo supera y pone en cuestión su integridad moral y su honorabilidad. Así, en “Un dólar agujereado” (1966) Gary O’Hara es un ex confederado que tan sólo busca reinsertarse en la sociedad con un trabajo digno pero se verá involuntariamente involucrado en un complot cuyo objetivo es acabar con su hermano; en “El hombre del Sur” (1966), una especie de adaptación al lejano Oeste de la obra de Julio Verne “Miguel Strogoff, el correo del zar” que quizás es su western más flojo, Gary Diamond, un teniente confederado en las postrimerías de la Guerra de Secesión, acepta embarcarse en una misión llevando un mensaje de vital importancia para evitar una masacre lo que supone en principio traicionar a su propio bando; y, por último, en “Wanted…no soy un asesino” (1967) Gary Ryan es un honrado sheriff enfrentado a una conspiración que le señala falsamente como un asesino.

SINOPSIS: Gary McQuade, apodado Huracán West, es la gran atracción de un circo ambulante por su habilidad con los colts; además del ídolo de Tony, un muchacho que perdió a sus padres en las luchas entre colonos y ganaderos en Montana durante la década de los ochenta en el siglo XIX. Incapaz, debido a un trauma infantil, de utilizar la violencia, es humillado por un pistolero local, por lo que abandonará el circo y buscará refugio en la bebida, en un proceso de degradación moral y física del que sólo se sobrepondrá con el secuestro de Tony.

La película cuenta con un guión en el que participaron, además del propio Ferroni, dos escritores habituales en sus westerns (Remigio del Groso y Augusto Finochi) más elaborado de lo habitual en este subgénero, en el que se relata una historia amarga y sombría tratándose temas fundamentales como el sentimiento de culpa (Gary vive traumatizado por un acontecimiento que le marcó en el pasado al provocar involuntariamente una estampida en la que murió su hermano. Así, señalará “¿Sabes qué es esto? Una cicatriz que llevo en el alma” mientras enseña la antigua herida que le hizo su padre por haber provocado la estampida) o el de la redención, ya que, a través del secuestro de Tony, el personaje de Gary tendrá la oportunidad de por fin superar su traumático pasado y de liberarse de los fantasmas que le atenazan ante situaciones violentas. Además de contar con unos personajes inusualmente bien perfilados y, en el caso del protagonista, con una mayor complejidad psicológica de lo que era habitual en este subgénero.

El guión, estructurado en tres partes, desarrolla dos arcos argumentales que confluyen hábilmente en el último tercio de la película. Así, en una intensa y breve introducción vemos como la familia de Tony es masacrada por los hombres de Coleman, un poderoso ganadero; para en la parte central, el filme centrarse en la figura de Gary, su amistad con Tony y su posterior proceso de degradación al haber quedado como un cobarde entre su propia gente y, lo más importante, ante sí mismo; mientras que en el último tercio, Tony es secuestrado por los hombres del pistolero que humilló a Gary con el objeto de apropiarse de los 30.000 dólares que su padre escondió antes de morir, con lo que al intervenir Gary no sólo vengará a los padres de Tony sino que se rehabilitará moralmente.

Por lo que respecta a la dirección de Giorgio Ferroni, se aleja de los excesos y tics típicos del spaghetti para, con un lenguaje más clásico y un ritmo pausado, centrarse en el drama que vive Gary, obligado a llevar una vida impostada. Pero esto no quiere decir que la película carezca de la violencia y de las escenas de acción propias de este subgénero con las típicas peleas en el saloon que queda destrozado, dos largas y estupendas secuencias de tiroteos que sirven de apertura y cierre al film (sobre todo la última está muy bien rodada y en ella, como un claro antecedente del filme ya comentado en este blog “La colina de las botas” pero sin el, para mí, molesto tono cómico de ésta, cobran gran importancia los miembros del circo con sus respectivas habilidades), la usual paliza al héroe e, incluso, una poco frecuente escena en la que se tortura al niño; aunque, a diferencia de la mayoría de los spaghettis, todas ellas están al servicio de la historia contada y bien integradas en la narración.

Lástima que la versión que he visto de este sugerente western esté masacrada (apenas dura 75 minutos frente a la hora media de su metraje original) con lo que el desarrollo de la historia se resiente, apreciándose tanto la falta de planos explicativos como de escenas enteras.

En cuanto a la banda sonora, es obra de Carlo Rustichelli que en esta ocasión compuso un tema principal totalmente descontextualizado al ser más apropiado para un “peplum” que para un western. También suena otro, a semejanza de las marchas militares con el que se identifica a la troupe circense, mucho más acertado.

Sobre los actores, Anthony Steffen, hijo del piloto de fórmula 1 Manoel De Teffe, que se convertiría en uno de los iconos de este subgénero con más de veinticinco westerns rodados en once años, hace una inusual, por estupenda, composición como el atormentado y cobarde Gary al que llegan a tratar como a “un payaso de feria”. Es, sin duda, uno de los mejores trabajos que le he visto, demostrando que no sólo era capaz de responder magníficamente en las escenas de acción sino que podía salir airoso, a pesar de sus limitaciones, ante papeles con una fuerte carga dramática. Enfrentados a él dos personajes negativos bien interpretados por sus respectivos actores; por una parte nos encontramos con Richard Wyler, un actor británico que tras probar suerte en EEUU volvió a Europa, en un rol, como un ambicioso ganadero llamado Coleman, muy diferente al de su debut en este género en la indispensable “El precio de un hombre” (spaghetti ya comentado en este blog); y por otra, con un magnífico Giovanni Cianfriglia, alias Ken Wood, que ya había trabajado junto a Steffen en la estimable y también comentada en este blog “Huracán sobre Méjico”, como un frío pistolero mano derecha de Coleman. El resto del reparto se compone de rostros habituales de este subgénero como una poco aprovechada Luisa Baratto bajo su seudónimo de Liz Barrat, en el papel de una compañera de circo enamorada del personaje interpretado por Steffen, con el que también había coincidido en “Huracán sobre Méjico”; Nello Pazzafini en un inusual rol positivo al encarnar al director del circo o el esloveno Andrea Bosic como el padre de Tony. Mención aparte creo que hay que hacer del niño Marco Stefanelli (hijo de Benito Stefanelli, un doble y maestro de armas reconvertido en actor al que hemos podido ver, entre otras, en “El día de la ira” o “La muerte de un presidente” y con, también, un pequeño papel en esta película) que está perfecto encarnando a Tony.

En definitiva, un curioso e interesante euro western bastante desconocido que, creo, merece ser rescatado del olvido.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7

AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 7
MÚSICA: 5

MEDIA: 6,2

EL FORASTERO SILENCIOSO

2011-12-02T11:39:00.001+01:00

El forastero silencioso (Lo straniero di silenzio)

1969
Italia/Usa/Japón
Director: Luigi Vanzi
Reparto: Tony Anthony, Lloyd Battista, Kin Omae, Rita Maura, Sato Kanji Ohara, Raf Baldassarre, Yoshio Nukano, William Conroy
Guión: Vincenzo Cerami, Giancarlo Ferrando, Lloyd Battista, Tony Anthony
Fotografía: Mario Capriotti
Música: Stelvio Cipriani

La película, una coproducción italo-japonesa-estadounidense filmada en 1969 (otras fuentes la datan un año antes) aunque, por diversos problemas legales con la distribuidora (la poderosa Metro Goldwyn Mayer), su estreno se demoró hasta mediados de la década siguiente (1974, 1975 o 1977 según las fuentes consultadas), constituye un claro antecedente, junto a “Sol rojo” (largometraje, ya comentado en este blog, dirigido en 1971 por el bondiano Terence Young), de la corriente surgida a mediados de la década de los setenta consistente en fusionar el spaghetti western con el cine de artes marciales, que contó con numerosos ejemplos como “Mi nombre es Shangai Joe” (1973), “La ley del kárate en el Oeste” (1973), ”El kárate, el colt y el impostor” (1974) o “El regreso de Shangai Joe” (1975); ya que en esta tercera y última entrega de las aventuras de "El Extranjero" en la que volvieron a colaborar el actor, guionista y productor Tony Anthony y el director Luigi Vanzi, los guionistas situaron a nuestro protagonista en Japón tras la Restauración Meiji que puso fin al Shogunato.

Asimismo, al desarrollarse la acción de la película en la tierra de Kurosawa, la trilogía sobre “El Extranjero” tuvo un final, no sé si buscado, bastante coherente al volver al origen y cerrar el círculo tanto de esta trilogía como de la del dólar. En este sentido, cabe recordar que Tony Anthony, para la creación de su extranjero, tomó como modelo al hombre sin nombre concebido por Leone-Eastwood en “Por un puñado de dólares”, película que, a su vez, se basó en el filme “Yojimbo” (1961) del maestro japonés.

Además, este largometraje no sólo puso punto final al primer tríptico sobre este personaje sino que sirvió de puente para una nueva saga, en este caso inconclusa, en la que, al parecer, “El Extranjero” viajaría a través del tiempo a diferentes lugares. Saga de la que solamente se llegó a filmar la disparatada y surrealista “Get mean” (filme de 1976 dirigido por Ferdinando Baldi, también comentado en este blog) con nuestro antihéroe en una España medieval habitada por bandoleros a lo Curro Jiménez e invadida por musulmanes y…vikingos.

SINOPSIS: Nos encontramos en la región de Klondike al noroeste de Canadá en 1884. Antes de morir, un japonés, al que perseguían unos pistoleros y recibió la ayuda de “El Extranjero”, le entrega a éste un pergamino por el que su legítimo dueño ha ofrecido 20.000 dólares. “El Extranjero”, sin dudarlo, embarcará junto a su fiel caballo hacia Japón, en donde vivirá numerosas aventuras y deberá superar innumerables obstáculos, incluidos la barrera idiomática, las diferencias culturales y el enfrentamiento entre dos clanes rivales.

Esta tercera parte es fiel tanto a las dos primeras como a su modelo. Así el motor de la película es un tesoro (aquí el pergamino por el que ofrecen 20.000 dólares, mientras que en las otras eran, respectivamente, un botín custodiado por el ejército nordista y una diligencia cubierta de oro), el antihéroe sufrirá una violenta paliza mostrando su lado más vulnerable (en ésta incluso es zarandeado, golpeado y arrojado, a modo de escarnio, sucesivamente contra unos cerdos y a un charco), en el tramo final se enfrentará a sus enemigos con una especie de escopeta y se vuelve, como en la primera, a reducir el diálogo al mínimo (aquí además no se traduce a los japoneses con lo que se consigue el efecto de que el espectador se identifique con el protagonista y sus problemas para comunicarse). Mientras que como su modelo, “Por un puñado de dólares”, “El Extranjero” en Kosaka se va a encontrar con dos clanes enfrentados por el control del pueblo a los que servirá sucesivamente con el objeto de enriquecerse. Además, como ocurriría en sus próximos proyectos como “El justiciero ciego” o “Get mean” en los que Luigi Vanzi sería sustituido por el veterano Ferdinando Baldi (“Adiós Gringo”, “El clan de los ahorcados”, “Tierra de gigantes”, todas ellas ya reseñadas) en la dirección, se incrementan las situaciones cómicas y, como si fuese un sello característico de su cine, se ruedan planos en los que Anthony se dirige a la cámara para formular una máxima entre grotesca e irónica. En esta por ejemplo, una vez que acaba con los bandidos en la introducción, comenta a la cámara: “Hay un problema, que todos queremos tener algo por nada”.

Como aspectos positivos, aparte de la idea novedosa de enfrentar a un pistolero con el mundo oriental, nos encontramos con la gran labor de ambientación, con un Japón permanentemente lluvioso, beneficiada por un presupuesto bastante holgado para este tipo de largometrajes (en la producción participó Anthony y, de nuevo, Allen Klein); y la banda sonora de la que otra vez se encargó Stelvio Cipriani, quien compuso un gran y acertado tema principal a caballo entre los de aventuras y los westerns.

Pero, a pesar de estos aspectos positivos y de un comienzo muy prometedor, creo que el largometraje no termina de funcionar por el guión, en el que también intervino Tony Anthony junto a su antagonista en el largometraje Lloyd Battista y Vicenzo Cerami (“El desesperado”, “Tierra de gigantes”, “El justiciero ciego”), y por la dirección de Luigi Vanzi; así la película carece de una mínima progresión dramática y de una línea argumental clara, proliferando escenas que poco aportan a la historia, como aquella de la sauna, con una estética más propia del cine gótico, en la que dos japonesas, como si fueran dos vampiras de un filme de la Hammer, pretenden acabar con el protagonista; con lo que el resultado es un largometraje confuso, deslavazado e inconexo con continuos saltos en la narración, resultado en el que no sé si influyó decisivamente el hecho de que la versión que nos ha llegado no es la integra concebida por Anthony al haber sufrido, por lo que he leído, numerosos cortes.

Por lo que respecta a los actores, de nuevo nos encontramos a Tony Anthony dando vida a esta especie de remedo paródico del hombre sin nombre, mostrándose en esta tercera entrega más irónico que de costumbre. Interpretando a su enemigo principal y en el único papel importante reservado a un occidental aparece Lloyd Battista (actor norteamericano que ha desarrollado su carrera básicamente en televisión aunque llegó a cabalgar junto a John Wayne en Chisum y seria fundamental, como interprete y guionista, en los siguientes proyectos de Anthony como las mencionadas “El justiciero ciego” y “Get mean” o “Yendo hacia ti” curioso western en 3D y “El tesoro de las cuatro coronas”, ambos también dirigidos por Baldi) que interpreta de forma excesiva a un mercenario americano al servicio de uno de los clanes enfrentados, propietario de una ametralladora (clara alusión a la primera película de la trilogía y al modelo de Leone) y que presenta como peculiaridad la necesidad de usar gafas. También figura en los títulos de crédito el indispensable Raf Baldasarre en una pequeña colaboración, aunque no le distinguí. El resto, lógicamente, son actores japoneses desconocidos para mí y con una marcada tendencia al histrionismo.

En definitiva, una interesante idea que, aunque contó con un presupuesto aceptable para ponerla en pie, creo se malogró tanto por un guión como por una dirección que no supieron desarrollarla adecuadamente.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 4
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 3
ACTORES: 4
MÚSICA: 6
MEDIA: 4,8

La biblia del western

2011-12-01T11:57:00.000+01:00

Una nueva web sobre el spaghetti y el western ha nacido.
Se trata de "La Biblia del western", y su peculiaridad es que en ella podremos encontrar, en visionado directo desde youtube, algunas películas que tanto nos gustan.
Esperemos que todo le vaya bien en esta genial idea de acercar aún más el spaghetti y el western a todos.
Podeis pasaros por ella pinchando AQUI.

UN HOMBRE, UN CABALLO, UN COLT

2011-11-30T14:29:00.003+01:00

Un hombre, un caballo, un colt (Un uomo, un cavallo, una pistola)
1967
Italia/Alemania/Usa
Director: Luigi Vanzi
Reparto: Tony Anthony, Dan Vadis, Daniele Vargas, Marco Guglielmi, Jill Banner, Marina Berti, Raf Baldassarre, Mario Novelli, Ettore Manni, Giuseppe Addobbati, Fortunato Arena, Silvana Bacci, William Conroy, Arturo Danesi, Antonio Danesi, Mario Dionisi, Silvana Catenacci, Renato Mambor, Filippo Antonelli, Arnaldo Mangolini, Fred Coplan, Franco Scala, Roberto Chiappa, Silvana Fiorini, Asaynoa Runachagua, Mario Castrichelli, Bruno Arié, Luciano Catenacci
Guión: Tony Anthony, Bob Ensescalle, Giuseppe Mangione
Fotografía: Marcello Masciocchi
Música: Stelvio Cipriani

Coproducción italo-germano-estadounidense de 1967 también conocida como “The Stranger returns”, segunda película sobre el personaje del Extranjero realizada como consecuencia de la acogida muy favorable, sobre todo en los EEUU, de “Un dólar entre los dientes”, por lo que se contó con un mayor presupuesto gracias a la implicación de tres compañías, entre las que se encontraba la Primex Italiana (pequeña productora responsable a principios de los setenta de varios notables poliziescos como “La policia agradece” dirigida en 1972 por Steno o “Corrupción de menores” realizada por Massimo Dallamano dos años después), y en la que se contó, básicamente, con el mismo equipo que en la primera: el actor principal, con Tony Anthony dando vida de nuevo al personaje además de implicarse en el guión del film; el director Luigi Vanzi, de nuevo bajo el seudónimo de Vance Lewis, que realiza un trabajo más convencional; o el director de fotografía, elemento clave en la primera película, Marcello Masciochi.

SINOPSIS: El Extranjero en esta ocasión topará con la famosa banda conocida como “El tesoro de la frontera”, llamada así al haberse puesto precio a la totalidad de sus miembros por 10.000 dólares, que se ha apoderado, tras matar a todos sus ocupantes, de una diligencia cubierta de oro; por lo que decidirá enfrentarse a la banda con el objeto de cobrar la recompensa que ofrecen por ellos, además de apropiarse de la diligencia, para lo que contara con la ayuda de un peculiar predicador.

El largometraje respeta el esquema y los temas de la primera película de la trilogía, así nos encontramos con un botín codiciado por unos forajidos, la presencia del ejército en un poblado fronterizo, la tortura al antihéroe, las traiciones (en este caso representadas en un integrante del grupo) y el posterior enfrentamiento, menos conseguido y espectacular que el del filme anterior, del Extranjero con los miembros de la banda a los que va aniquilando con una recortada, aunque en esta ocasión la escopeta cuenta con cuatro cañones. Es decir nos volvemos a encontrar con una historia presidida por la avaricia, la deslealtad y la venganza. Pero, al mismo tiempo, presenta notables diferencias con su antecesor

En primer lugar cuenta con un presupuesto más holgado, hecho que se aprecia tanto en las localizaciones (más abundantes que en su antecesora), como en la ambientación y en el reparto, con un incremento apreciable de los personajes.

En segundo lugar frente a la minimalista banda sonora de su predecesora, la compuesta en esta ocasión por Stelvio Cipriani, quien repetiría en el tercer film de la trilogía y volvería a colaborar con Anthony, entre otras, en “El justiciero ciego” (película ya comentada en este blog) se caracteriza por su variedad y riqueza. Así cuenta con un notable tema principal con claras influencias de las composiciones de Morricone, además de otro interesante pero que se utiliza sin ninguna finalidad dramática y de forma repetitiva (sobre todo en la escena de la tortura del antihéroe). También se escucha otra composición de influencia mejicana y, como en la primera película en un claro guiño a “Por un puñado de dólares”, una especie de silbido con el que se identifica al protagonista.

Por otra parte se introducen elementos humorísticos a través fundamentalmente de la figura del predicador o en determinadas escenas como aquella en la que le obligan a “El Extranjero” a cavar dos tumbas, lográndose, para mi gusto, una correcta dosificación de estas secuencias cómicas. Además consiguen no llegar al esperpento y a la chabacanería de otras producciones posteriores de Anthony como “El justiciero ciego” y, sobre todo, la delirante “Get Mean” (filme que cuenta con su correspondiente reseña).

Por último, también se produce un importante aumento de los diálogos entre los personajes.

Pero todas estas virtudes, para mí, quedan bastante desdibujadas ante el hecho de que en esta segunda parte se pierde parte de la frescura, atmósfera sombría y malsana y, básicamente, capacidad de síntesis de la primera, con un trabajo del director menos original. Así nos vamos a topar con escenas que no aportan nada al filme, como la extraña, por surrealista, secuencia inicial en la que vemos al protagonista a lomos de su caballo en medio del desierto portando un parasol rosa, en lo que no sé si será un pequeño homenaje a aquella de “El bueno, el feo y el malo” en la que Elli Wallach también llevaba un quitasol mientras Eastwood se achicharraba, o la escena en la que el jefe de la banda dispara sobre una mejicana para quitarle el vestido de tirantes, sin que sepamos nada sobre el destino de la mujer ya que no vuelve a salir en la película; otras que, para mi gusto, se alargan en exceso mientras suena de forma repetitiva y machacona uno de los temas musicales, como la ya comentada de la tortura al protagonista, para la que los bandidos se sirven de una de las diligencias; y algunas sin sentido, como aquella en la que, en medio del tiroteo final, uno de los forajidos ve comida y tranquilamente se pone a devorarla y, claro, es pillado por “El Extranjero”, quien, en una decisión muy lógica, se siente en la mesa con el pistolero con el objeto de probar los manjares.

Por lo que respecta al elenco actoral, Tony Anthony vuelve a encarnar, mostrando para mí sus carencias interpretativas, al Extranjero, un individuo del que en esta película tenemos más información; así junto a su vulnerabilidad (se deja zarandear por el jefe de la banda) y su astucia, ambos rasgos ya apuntados en el primer largometraje, conoceremos su falta de habilidad manual (es incapaz de liarse un pitillo correctamente), su infalibilidad con el revólver (creo que en la primera no llegaba a desenfundarlo) o su generosidad (le cede la recompensa obtenida por la captura de los miembros de “El tesoro de la frontera” al predicador). Marco Gugliemi, actor al que volveríamos a ver en “Bandidos” como uno de los miembros de la banda de Billy Kane y en “Corre Cuchillo…corre” como un asesor francés (ambas películas ya comentadas) se hace cargo del papel del predicador, un estrafalario charlatán que protagoniza algunas escenas cómicas y que como personaje no me pareció muy convincente, ya que aparece y desaparece a gusto de los guionistas y porta una serie de objetos, como la famosa escopeta de cuatro cañones o una especie de cohetes, que le restan credibilidad. Daniele Vargas, sin duda para mí el mejor intérprete de todos, encarna convincentemente al oficial postal que en un giro de guión nos dará una pequeña sorpresa. Dan Vadis (uno de esos hercúleos actores, como steve Reeves o Gordon Mitchell, habituales de la famosa Playa del Músculo, que formaría parte de la trouppe de Mae West para, posteriormente, probar suerte en Europa en el pujante “peplum” y, tras la decadencia de este subgénero, en el spaghetti aunque sin demasiada fortuna), da vida, como ya le ocurrió en “El hombre del Sur” (también reseñada en el blog), con su hieratismo habitual a En Plein el malévolo jefe de la banda de forajidos. Como miembros de la misma aparecen Raf Baldaserre, habitual en los filmes de Anthony, en un papel de pistolero con alguna deficiencia mental que siempre está riendo, y un casi irreconocible Mario Novelli en el papel de Austin, un maniaco sexual. El reparto se completa con la presencia casi testimonial de una madura Marina Berti, la inolvidable esclava enamorada de Petronio en “¿Quo Vadis?”, en el rol de Ethel, la mujer del oficial postal, y Ettore Manni, otro actor con amplia experiencia en el cine de sandalias y espadas, como el teniente Stafford

En resumen un aceptable y entretenido spaghetti que, comparándolo con el primero de la trilogía, creo cuestiona el hecho de que un mayor presupuesto dé como resultado una mejor película.

PUNTUACIÓN:

GUIÓN: 5
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 5
ACTORES: 5
MÚSICA: 6

MEDIA: 5,6

Y la muerte le seguía (Corto)

2011-11-24T17:05:00.000+01:00

Se prepara un cortometraje ambientado en el oeste, y rodado en Almeria.
Dirigido por Ángel Gómez Hernández, aquí tenemos las primeras imagenes del mismo, además de un cartel aún no definitivo.
Con un reparto formado por Gale, Peter Van Randen, Macarena Gómez, Juanma Lara, Pedro Casablanc, Alberto Ferreiro, Diego Arjona y Lidia San José.

Homenaje a Aldo Sambrell

2011-11-22T18:44:00.000+01:00

ALDO SAMBRELL SERÁ HOMENAJEADO EN CINEMAD

Cinemad, Festival de Cine Independiente y de Culto de Madrid dedicará mañana, miércoles 23 de noviembre, un homenaje al desaparecido característico español Aldo Sambrell, especialista en cine de género, sobre todo western.

El pasado 2010 falleció en Alicante uno de los actores españoles más recurrentes por el western europeo. Aldo Sambrell, que participó en todos westerns de Sergio Leone, recibirá mañana un homenaje póstumo gracias al festival madrileño Cinemad, que proyectará en el Instituto Europeo de Diseño de Madrid dos cortometrajes y un largo: El masticar de los muertos en sus tumbas (Óscar Suárez, 2005), Río seco (José Manuel Serrano Cueto, 2006) y Arizona vuelve (Sergio Martino, 1970). Será a partir de las 19:30, después de que Cándida López Cano, conocida también como Candice Kay, ofrezca unas palabras de recuerdo.

UN DÓLAR ENTRE LOS DIENTES

2011-11-13T11:57:00.003+01:00

Un dólar entre los dientes(Un Dollaro tra i denti )
1966
Italia/Usa
Director: Luigi Vanzi
Reparto: Tony Anthony, Frank Wolff, Jolanda Modio, Gia Sandri, Raf Baldassarre, Aldo Berti, Antonio Marsina, Salvatore Puntillo, Fortunato Arena, Rossella Bergamonti, Ugo Carboni, Giovanni Ivan Scratuglia, Lars Bloch, Angela Minervini, Elio Angelucci, Nicola Di Gioa, Enrico Capoleoni, Arturo Corso, Loris Bazzocchi
Guión: Warren Garfield, Giuseppe Mangione
Fotografía: Marcello Masciocchi
Música: Benedetto Ghiglia

Coproducción italo-estadounidense de 1966, aunque fue estrenada a principios de 1967, también conocida como “A Stranger in town” que, junto con “Un hombre, un caballo, una pistola” realizada al año siguiente y “El forastero silencioso” realizada en 1969, conforma la trilogía sobre “El extranjero” un enigmático pistolero con el que la Metro Goldwyn Mayer, que distribuyó la trilogía en los EEUU, quiso dar la replica al hombre sin nombre de Leone-Eastwood cuyos derechos en los EEUU correspondían a la United Artists.

El tríptico obedece a un proyecto personal de su protagonista, Tony Anthony (un inquieto actor de origen italiano cuyo verdadero nombre es Roger Pettito que participaría en el guión de las dos últimas películas de la trilogía e, incluso, coproduciría la tercera) en el que cobró gran importancia para ponerlo en pie la implicación de Allen Klein (manager de The Beatles) al que pudo acceder Tony gracias a su amistad con el director y guionista Saul Swimmer con el que había colaborado en un par de películas en los EEUU, y cuya dirección se encargó a Luigi Vanzi, bajo el seudónimo de Vance Lewis, un realizador con escasa experiencia tras la cámara pero que supo dar un toque personal a esta primera película.

SINOPSIS: Un enigmático pistolero tras llegar a un pueblo cuasi fantasma llamado Cerro Gordo le propone a Águila, jefe de un grupo de forajidos mejicanos, robar un cargamento de oro custodiado por el ejército estadounidense a cambio de quedarse con la mitad del botín. Pero, tras dar el golpe, es traicionado por los bandoleros por lo que desde ese momento ideará un plan para vengarse de los forajidos y recuperar el dinero.

La película presenta fuertes similitudes con la seminal “Por un puñado de dólares”, no solamente en la trama, aunque más esquematizada; sino también tanto en las situaciones, así por ejemplo se inicia con la llegada al pueblo del taciturno pistolero, hay una mujer joven con un hijo de corta edad que es secuestrada y se ve obligada a mantener relaciones sexuales con el jefe de la banda, el antihéroe recibe una enorme paliza justo antes de comenzar su venganza tras haberse repuesto y nos encontramos con un enfrentamiento final entre “El Extranjero” y Aguila calcado al de su modelo (aquí el protagonista se protege tras una vagoneta de hierro en vez de con una plancha y se repite el duelo cargando sus respectivas armas los dos contrincantes, aunque en esta película el antihéroe porta una escopeta de cañones recortados y el villano una ametralladora, en vez del colt y el Winchester que empuñaban los contendientes en el largometraje de Leone); como en los personajes ya que “El Extranjero” está inspirado en el hombre sin nombre ál que parodia, además de presentar un aspecto todavía más desastrado (en vez de un poncho lleva una manta vieja), mientras que el personaje de Águila es un calco de Ramón Rojo, incluso en las primeras escenas no se separa de su Winchester, y la secuencia en la que con la ametralladora acaba con los prisioneros mejicanos es un claro guiño a la escena del río en la que Ramón terminaba con los soldados yankis.

Pero aunque el largometraje está, por tanto, fuertemente inspirado en el de Leone (incluso creo que hay otro guiño al siguiente western dirigido por éste ya que los bandidos, como los hombres del Indio, tienen su guarida en una iglesia abandonada) presenta, a pesar del muy limitado presupuesto que se aprecia sobre todo en las escasas localizaciones, ciertas virtudes y elementos personales, no sólo al simplificar, como antes señalé, la trama, que aparece estructurada en dos partes diferenciadas, primando en la primera la avaricia representada tanto en el deseo o codicia de un bien ajeno (inicio del film y planteamiento del robo) como en la traición (interludio en el que el antihéroe se ve engañado por Águila), mientras que en la segunda predomina la ira bajo la forma de la venganza (la parte más larga con un intento fallido de recuperar el botín por parte del antihéroe, lo que le cuesta ser salvajemente golpeado, y el posterior enfrentamiento de éste con los miembros de la banda de Águila, a los que va aniquilando en un estupendo tramo final), o al reducir las líneas de diálogo a la mínima expresión, ya que en buena parte de la película no se habla y priman las imágenes acompañadas de los dos temas musicales (los ocho primeros minutos, por ejemplo, carecen de diálogos); sino también, al saber crear una atmósfera, a la que sin duda no es ajena la labor de Marcello Maschiochi como director de la fotografía, mucho más sombría y decadente que la de su modelo, con un pueblo prácticamente abandonado que da la sensación de estar cayéndose a pedazos y con unos personajes negativos caracterizados por su brutalidad y su avaricia.

Quizás el elemento menos acertado sea la banda sonora compuesta por Benedetto Ghiglia que ahonda en el carácter minimalista del film con un aceptable tema principal con predominio de la guitarra que, para mi gusto, se repite en exceso llegando a ser un poco pesado, y otro que prácticamente es un rasgueo de guitarra, para mí, bastante insoportable. Además también en la banda sonora hay otro guiño a “Por un puñado de dólares”, en esta ocasión con una especie de silbido (no sé si se trata de una flauta) que se suele identificar con el protagonista.

Por lo que respecta a los actores, tenemos como antihéroe a Tony Anthony, interprete que hasta ese momento sólo había protagonizado en Estados Unidos tres películas por lo que decidió probar suerte en Europa, que se limita a estar por ahí dado lo escasamente trabajado de su personaje, mientras que Frank Wolff, otro norteamericano emigrado al viejo continente, hace una buena composición, basándose para mi en Gian Maria Volonte, de Águila, un megalómano y sádico bandido (no duda en amenazar con una navaja a un bebé para obtener información de su madre o en fusilar a los soldados mejicanos para probar la ametralladora), además de necesitar constantemente que le confirmen sus hombres que es “un hombre justo”. En papeles secundarios aparecen dos veteranos del spaghetti, el habitualmente malvado Raf Baldaserre, otro amigo de Anthony con el que contaría para sus futuros proyectos, como la mano derecha de Águila y Alberto Berti en el papel de Marinero, otro miembro de la banda apodado de esa forma porque disfruta ahogando a sus víctimas, entre ellas un sacerdote; además de dos actrices, Jolanda Modio, que también aparecería en “Cara a cara”, en un personaje, sin nombre, muy parecido al desempeñado por Marianne Koch en “Por un puñado de dólares” y Gia Sandri como Maruca, un personaje bastante curioso ya que se insinúa, por la forma cómo trata a Jolanda Modio, su tendencia lésbica e, incluso, su sadismo ya que lleva siempre un látigo y disfruta utilizándolo.

En resumen un brutal y violento spaghetti western que a pesar de su escaso presupuesto, alguna situación inverosímil (no se sabe, porque es prácticamente imposible, cómo escapa el protagonista de la guarida de la banda de Águila) y sus fallos (no se respeta la unidad de tiempo, así hay una escena que se desarrolla de noche en el interior mientras que en el exterior es de día) me ha parecido muy digno y entretenido, además de contar con un gran tramo final.

PUNTUACIÓN:
GUIÓN: 6
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 6
MÚSICA: 4
MEDIA: 5,6