A Arte da Fotografia

Panning: um divertido efeito para fotos em movimento

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 1 Dec 2011 10:25:00 -0800

A forma mais simples de obtê-los é deixar a câmera parada, idealmente em um tripé, enquanto o objeto a ser fotografado se move à sua frente. A velocidade vai depender da situação: quanto mais rápido o movimento que se deseja capturar, menos será preciso diminuir a velocidade.

Mas existe uma outra forma bem mais divertida, ainda que muito mais difícil, de capturar movimento: o panning. Neste caso, em vez de manter a câmera fixa, você terá que movê-la para acompanhar a passagem do sujeito da foto. O resultado, quando o panning é bem feito, será um sujeito nítido sobre um fundo borrado, geralmente com linhas na direção do movimento. Sabe aquelas fotos de corridas de automóveis, em que só o carro parece estar em foco? São ótimos exemplos de panning.

Para nós, amadores, o segredo do panning é ter muita paciência. Para capturar as duas imagens que ilustram esta coluna (e que estão longe de estarem perfeitas), eu devo ter tirado quase cem fotos. Na maioria delas, ou a imagem está totalmente borrada, ou sequer consegui enquadrar o sujeito da foto. Ainda bem que a fotografia digital acabou com os limites da tentativa e erro.

Algumas dicas que ajudam são usar o foco manual, quando disponível, pré-ajustado para o ponto onde o sujeito vai passar, colocar a câmera no modo de disparo contínuo e começar a acompanhar o objeto a ser fotografado algum tempo antes de ele passar por você, para o movimento da câmera ser mais contínuo. Dependendo de quantas fotos a sua câmera conseguir capturar em sequência, pode “largar o dedo” desde o início do movimento ou esperar o sujeito chegar mais perto.

Se você não tive um amigo disposto a passar pedalando na sua frente dezenas de vezes, uma boa forma de treinar o panning é ir para uma rua relativamente movimentada e ficar fotografando os carros que passam. Ou, melhor ainda, ir a um parque de diversões e ficar ao lado de qualquer brinquedo que tenha movimentos contínuos, como um carrossel.

Como diminuir a velocidade

Um obstáculo para quem quer experimentar fotografar em baixa velocidade é que a maioria das câmeras mais simples não oferece ajustes manuais. Mesmo assim, às vezes dá para improvisar. Se a câmera tiver ajuste de sensibilidade (ISO), que normalmente fica no modo automático, trate de colocá-lo no menor valor possível – geralmente ISO 100 ou inferior. Com menor sensibilidade à luz, a câmera será obrigada a diminuir a velocidade.

É bom lembrar que essa dica vale também para as câmeras com modo manual, pois em ambientes muito iluminados pode não ser possível reduzir a velocidade o suficiente sem superexpor (ou “estourar”, como se diz no meio) a foto. E como fotos estouradas têm muito menos informação do que as subesxpostas, que às vezes até dá para recuperar no computador, é preciso evitar o problema na hora da captura.

Se, mesmo com ISO e abertura no mínimo, a cena continuar clara demais para a velocidade que você quer usar, a solução pode ser um filtro de densidade neutra (ND). Algumas câmeras avançadas até oferecem este recurso digitalmente, mas o mais comum são mesmo os filtros tradicionais, atarrachados à frente da lente. Entre outras coisas, são ótimos para fotografar cachoeiras, dando aquele efeito de “véu” mesmo em paisagens bem iluminadas.

FONTE: techtudo.com.br

HDR: o colorido universo das fotos com grande latitude de exposição

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 1 Dec 2011 09:41:00 -0800

Há duas semanas discutimos as limitações de latitude de exposição das câmeras digitais e, na semana passada, explicamos como começar a contornar o problema usando a técnica de bracketing ou fotografando em modo RAW. Pois agora é o momento de juntar tudo isso nas chamadas fotos HDR, abreviatura de High Dynamic Range, de alta latitude de exposição. Dê só uma olhada nas fotos do grupo dedicado a HDR no Flickr, como esta aqui, de autoria de Jan Sefti, reproduzida sob licença Creative Commons:

Fotos assim tanto podem ser obtidas através da combinação de múltiplas imagens capturadas com diferentes exposições (isso mesmo, usando bracketing), quanto do pós processamento de arquivos RAW, que por si só já permitem algum ajuste da exposição. De um jeito ou de outro, o resultado almejado são fotos em que os detalhes da cena estejam presentes tanto nas áreas de sombra quanto de luz.

Uma ótima referencia para quem pretende se aprofundar no universo das fotos HDR e domina bem o inglês é a série Art of HDR Photography, de Uwe Steinmueller, assim como todos os outros artigos sobre o assunto que o fotógrafo já publicou em seu site. Mas para quem só quer ter uma idéia de como a técnica funciona e fazer algumas experiências, espero que esta coluna sirva como um ponto de partida.

Em tempo: fotografia HDR é frequentemente associada a imagens supercoloridas, às vezes um tanto psicodélicas e artificiais. Sim, estes efeitos podem ser obtidos com a técnica, mas também podem ser simulados com filtros que só dão um “visual HDR” sem realmente aumentar a latitude de exposição. Da mesma forma, fotos HDR não precisam necessariamente ter esse aspecto exagerado – só não podem ter detalhes perdidos nas sombras e luzes.

Como criar uma imagem HDR

Alem de uma sequência de arquivos com exposições variadas como a que geramos com o bracketing, produzir uma foto HDR requer um programa capaz de fundir as imagens. O poderoso Adobe Photoshop já faz isso há algum tempo através do recurso “Merge to HDR”, mas foi apenas na versão CS5 que a Adobe passou a oferecer ferramentas mais completas para criar essas imagens.

Só que o Photoshop está longe de ser a única opção para criar HDRs. Programas dedicados, como o HDR Efex Pro, da Nik Software; o HDR Express, da Unified Color; e o Photomatix, da HDRsoft, produzem excelentes resultados (até melhores que os das versões CS4 e anteriores do Photoshop) e, dependendo das suas necessidades, podem sair bem mais barato.

Na tela abaixo, usamos o Photomatix Pro 4 para fundir as cinco imagens do pinheirinho que apareceram no exemplo de bracketing da coluna anterior, mas se você quiser brincar com o programa antes de sair fotografando especialmente para isso, pode baixar do próprio site da HDRsoft alguns pacotes de 3 fotos, como estas de Veneza, bem mais profissionais.

Se as fotos em questão tiverem sido capturadas com o uso de um tripé e sem movimentos na cena, a fusão automática pode funcionar de primeira, com as configurações padrão do programa. Neste caso, basta escolher um dos modos predefinidos ou brincar com os ajustes de contraste e saturação até obter um resultado que lhe agrade.

Quando existem leves variações de enquadramento e/ou objetos que se moveram entre uma foto e outra, é importante ativar a opção de alinhamento pela justaposição de elementos (matching features) e a redução de “fantasmas” (ghosting artifacts) nas opções de pré-processamento. Já se as fotos originais são RAW, sem filtro de ruído, ou simplesmente a sua câmera gera muito ruído, trate de ativar a opção correspondente (reduce noise).

Sem saída

Uma aparente contradição da fotografia HDR é que, nem os monitores de computador comuns, nem as impressoras fotográficas são capazes de reproduzir a profundidade de cor armazenada nos arquivos de 32 bits que estamos criando. Os JPGs comuns, de 8 bits, também não. Ora, de que adianta ter esse trabalho todo, então, se não há como “dar saída” para tanta informação?

É aí que entra o recurso do mapeamento tonal (tone mapping), quase sempre usado na hora de gravar ou exportar uma imagem processada em HDR. Não vou discutir os detalhes técnicos dessa prática (até porque, honestamente, só entendo uma parte deles), mas basta saber que, em linhas gerais, ela explora características da visão humana para nos convencer de que estamos vendo um contraste maior do que seria possível exibir em determinada mídia.

Entre outras coisas, o mapeamento tonal se vale da percepção do contraste local (entre áreas próximas da imagem) em oposição ao contraste global (da foto como um todo). E se a fotografia HDR como conhecemos hoje só faz sentido no ambiente digital, a técnica de mapeamento tonal vem dos tempos do filme. Quem sabe não volto a este assunto em uma futura coluna?

FONTE: techtudo.com.br

Lentes tilt-shift e miniaturas simuladas

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 1 Dec 2011 09:23:00 -0800

Se você já ouviu falar em tilt-shift, é bem provável que o termo tenha sido associado a um certo tipo de fotografia em que cenas de verdade ganham a aparência de miniaturas, como se tivessem sido capturadas em uma cidade de brinquedo. O grupo Tilt-shift Miniature Fakes, do Flickr, e as 50 fotos selecionadas pela Smashing Magazine são uma boa referencia para imagens assim.

Só que, na verdade, tilt-shift é o nome de um tipo de lente desenvolvida para dar às câmeras reflex o mesmo controle sobre o foco disponível em suas antecessoras (aquelas de fole, por exemplo). Uma lente tilt-shift como a da foto ao lado, vendida nos EUA por quase US$ 2 mil, pode até ser usada para produzir aqueles efeitos de miniatura, mas não é para isso que ela foi inventada – muito pelo contrário

Não mencionei este detalhe quando escrevi sobre o foco das câmeras fotográficas, mas a verdade é que a distância em que a imagem aparecerá mais nítida não é um ponto, e sim um plano (porque, afinal, a imagem em si é um plano). Normalmente, como este plano é paralelo ao sensor, acaba não fazendo muita diferença. A não ser que a lente seja capaz de inclinar o plano de foco – justamente o significado do tilt na denominação das lentes em questão.

Já em relação ao shift, a idéia é deslocar a lente em relação à câmera de modo a enquadrar melhor o assunto sem precisar inclinar a câmera. Por que? Geralmente para evitar distorções por causa da perspectiva, principalmente em fotos de arquitetura. Sabe quando tiramos fotos de um prédio e ele parece inclinado para trás? É isso que o recurso de shift se propõe a evitar.

A ironia é que essas lentes, criadas para controlar distorção ou permitir que uma área maior da foto ficasse em foco, acabaram sendo usadas para desfocar propositalmente um pedaço da imagem – é o chamado foco seletivo, a razão de ser de acessórios como a divertida LensBaby, sobre a qual escreverei em uma futura coluna. Mas não se preocupe… na era digital, não é mais preciso gastar nem um centavo em lentes especiais só para simular miniaturas.

Como reproduzir o efeito tilt-shift digitalmente

As falsas miniaturas normalmente associadas às lentes tilt-shift têm três características básicas: foco extremamente seletivo, contraste elevado e saturação idem. Além disso, o ideal é começar com uma imagem tirada de cima para baixo, já que raramente uma miniatura de verdade é fotografada de outro ângulo. Em nosso exemplo, usaremos esta vista do Rio Tâmisa, em Londres, capturada do alto da roda-gigante London Eye.

No Photoshop, usamos a ferramenta de Quick Mask junto com a de Gradient (o famoso degradê) para selecionar a área que deverá ficar em foco (mais ou menos a altura do barco em primeiro plano) e aplicamos o filtro de Lens Blur, para desfocar todo o resto (com uma transição suave proporcionada pelo degradê). Depois, é só aumentar a saturação e o contraste para obter o seguinte resultado:

Gostou? Que tal, então, fazer a mesma coisa de uma maneira ainda mais fácil, que dispensa até o Photoshop? Basta acessar o site TiltShiftMaker, fazer o upload da foto e se divertir com os ajustes de foco, saturação e assim por diante – tudo online, como no exemplo ao lado. Para fazer o download do resultado em alta resolução é preciso pagar US$ 5, mas dá para se divertir bastante com a ferramenta sem pagar nada.

Já se a câmera que você mais usa é a do iPhone, não faltam opções de aplicativos que produzem efeitos de tilt-shift. De nome mais do que óbvio, o TiltShift, da Imimux, é um dos mais flexíveis, com diversos formatos de abertura, mas o que mais impressiona é o TiltShift Video, de Fidel Lainez, capaz de produzir o efeito nos filmes capturados com o aparelho.

FONTE: techtudo.com.br

Light painting: pinturas de luz esbanjam criatividade desde Picasso até a foto digital

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 1 Dec 2011 09:16:00 -0800

Você já ouviu falar em light painting? Esta técnica fotográfica, literalmente traduzida como “pintura de luz”, existe há pelo menos 60 anos: lá nos idos de 1949, o célebre fotografo Gjon Mili capturou uma série de emblemáticas pinturas de luz do não menos famoso Pablo Picasso, atualmente expostas numa galeria virtual da Life:

Assim como várias outras técnicas, o light painting vem se popularizando na última década graças às câmeras digitais – vide o sucesso de grupos como o Light Painting – The Real Deal, no Flickr, e de coletâneas como esta da Tripwire. Afinal, agora é muito mais fácil conferir se o experimento está dando certo e corrigir detalhes, sem precisar esperar a revelação do filme.

Existem dois tipos de pinturas de luz: aquelas em que a iluminação é apontada direto para a câmera, criando rastros luminosos como tubos de neon, e outras mais sutis, em que a fonte de luz é usada para iluminar seletivamente uma imagem. Em outras palavras, no primeiro tipo a própria luz se torna o assunto da foto, enquanto no segundo, ela só revela ou destaca detalhes do assunto.

A maioria das fotos das galerias mencionadas acima são do primeiro tipo, talvez porque seja a técnica mais fácil de executar e com resultados mais chamativos. Nela, tanto se pode mover as fontes de luz diante da câmera, quanto mover a própria câmera, como neste exemplo em que o americano Kevin Dooley ficou andando com a sua máquina ao redor de uma árvore de Natal:

Uma experiência bem mais radical é o chamado camera toss, em que o fotógrafo arremessa a câmera para o alto e deixa o acaso e a gravidade decidirem a imagem que será capturada. Como isso geralmente é feito no escuro, para registrar trilhas de luzes, não deixa de ser um exemplo de light painting em que é a câmera que se move. Só que se você não tomar cuidado, pode se tornar um passatempo meio caro.

Por mais que essas imagens abstratas sejam divertidas, no entanto, os melhores exemplos de light painting são como as obras de Mili e Picasso: desenhos luminosos relativamente concretos. E você não precisa nem saber desenhar a mão livre (e às cegas) – basta traçar o contorno de algum objeto para obter efeitos interessantíssimos, como a “guitarra elétrica” do inglês Sean Rogers:

A guitarra, na verdade, pode até ser considerada um híbrido dos dois tipos de light painting que citei no início da coluna, já que a mesma luz que deixou o rastro ao seu redor serviu para realçar detalhes do instrumento em um ambiente originalmente escuro. Se a fonte de luz não tivesse sido apontada para a lente, não haveria o rastro e o resultado seria semelhante à imagem desses suculentos tomates capturados pelo italiano Marco Fillinesi:

Confesso que gosto mais desses exemplos mais sutis (e raros) de pintura de luz, em que o desafio está mais em obter uma iluminação agradável como a dos retratos tradicionais – vide os exemplos da “garota tímida” capturada pela alemã Geraldine Feltekatze – do que em criar efeitos especiais.

Mas claro que isso é só minha opinião pessoal e não significa que eu não aprecie também os light paintings mais ousados, como os que um grupo de estudantes criou usando um monte de aspiradores de pó robôs Roomba. Aliás, agora estou pensando em amarrar uns leds no rabo da nossa cadela para ver no que dá.

Experimente o light painting

Para criar suas próprias pinturas de luz, você vai precisar de uma câmera capaz de registrar exposições longas e de uma ou mais fontes de luz como pequenas lanternas, aqueles chaveiros com leds ou até velas. Alem, é claro, de um ambiente suficientemente escuro e, na maioria dos casos, de um tripé ou outro tipo de apoio para manter a câmera parada enquanto você vai “pincelando” a cena com a sua lanterna ou coisa parecida.

A velocidade a ser usada vai depender muito das condições do ambiente e da intensidade das fontes de luz, então experimente começar em torno de um ou dois segundos e ir aumentando até ficar satisfeito com o resultado. Para a câmera não captar luz demais, tome o cuidado de configurar a sensibilidade (ISO) para um valor baixo e, se possível, escolher uma abertura intermediária.

Outro detalhe importante é o foco: se a câmera contar com foco manual, o ideal é ajustá-lo antecipadamente, para evitar que o autofoco “mire” no lugar errado ou, nas fotos abstratas, que uma câmera desfocada acabe captando muito mais luz do que o desejado. Por fim, se a câmera for ficar parada, use aquele recurso de disparo automático, apos uma contagem regressiva, para ter certeza de que o apertar do disparador não vai fazê-la tremer.

FONTE: techtudo.com.br

Macrofotografia: fotos dos mínimos detalhes

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 1 Dec 2011 09:05:00 -0800

Você certamente já ouviu falar de “fotos de macro”, a forma mais popular de nos referirmos à macrofotografia. E, muito provavelmente, ouviu a expressão aplicada a imagens que, tecnicamente, não eram macros de verdade. Tudo porque, hoje em dia, usa-se o termo macro para qualquer foto bem próxima (em close-up, portanto) de objetos bem pequenos – como aquelas capturadas usando o modo simbolizado por uma florzinha na maioria das digitais compactas.

Pois saiba que, originalmente, para ser considerada macrofotografia, uma foto deve capturar uma imagem em que o objeto tenha, pelo menos, o mesmo tamanho que no mundo real. Ou seja, uma foto de uma mosca com 3mm de comprimento deve retratar o inseto com os mesmos 3mm ou mais. Se o tamanho do objeto na foto for igual ao do mundo real, temos uma macro 1:1. Se for o dobro, é 1:2, e por aí vai.

Ah, mas vale lembrar que tudo isso diz respeito ao tamanho da imagem no filme ou sensor, e não na foto impressa (quase sempre uma ampliação) ou na tela do computador. Como o sensor de uma compacta costuma ser pouco maior do que a própria mosca, já dá para imaginar por que as macros de verdade são tão raras neste tipo de câmera.

Por outro lado, as câmeras compactas são excelentes para fotografar objetos pequenos de bem perto – mesmo que, a rigor, a técnica devesse ser chamada de close-up, mas não de macro. Isso acontece graças à generosa profundidade de campo proporcionada pelas lentes de distancia focal real muito menor do que sua equivalência às câmeras de 35mm.

Na verdade, até as EVIL e a maioria das reflex digitais são melhores para closes e macros do que as câmeras de filme e as poucas DSLRs equipadas com sensores full-frame, de dimensões iguais às de um negativo de 35mm. Ironicamente, embora sensores maiores capturem imagem de melhor qualidade, quando o assunto é profundidade de campo, menos é mais. Câmeras com sensores grandes precisam de lentes específicas para macro, como a Canon EF 100mm Macro da foto ao lado, que custam, no mínimo, o preço de uma máquina compacta capaz de bons macros sem acessório algum.

Para entender por que isso acontece, imagine uma câmera Micro Four Thirds, cujo sensor tem a metade do tamanho de um fotograma de 35mm, resultando em um fator de conversão de 2X. Nessas câmeras, uma lente 50mm se comporta como uma 100mm sob quase todos os aspectos – exceto a profundidade de campo. Já se pensarmos numa compacta como a Canon SX30 IS, cuja lente 4,3-150,5mm equivale a uma 24-840mm (fator de conversão de 5,58X), temos o equivalente a 100mm com a lente ajustada para pouco menos de 18mm!

Como distancias focais (reais) maiores se traduzem em menos profundidade de campo, obter a aproximação de uma 100mm com uma 50mm ou uma 18mm representa um ganho e tanto em profundidade. Nem sempre essa profundidade de campo adicional é vantajosa – é por causa dela que as câmeras compactas não conseguem desfocar o fundo das fotos como as reflex. Mas para close-up e macros, é uma grande vantagem, já que não precisam das caras lentes especializadas.

Equipamento improvisado

Para quem não tem acesso a uma reflex com uma legítima lente macro, existem algumas alternativas para melhorar suas fotos de objetos pequenos. Se a câmera em questão aceitar filtros, é possível atarraxar um ou mais filtros de close-up à frente da lente, como se fossem óculos de leitura. O acréscimo de mais camadas de vidro diminui a qualidade da imagem e a luminosidade, mas funciona.

Para quem já tem uma reflex, mas não a lente macro, outra opção são tubos extensores, encaixados entre a câmera e uma lente comum para reduzir a distancia mínima de foco. Mas uma gambiarra ainda mais ousada é montar uma lente comum invertida – seja direto no corpo da máquina, com um anel inversor, seja à frente de uma outra lente, com um anel acoplador. Só tome cuidado para o peso da lente extra não danificar a outra.

Iluminação é um desafio à parte

Como a macrofotografia requer o uso de aberturas pequenas para maximizar a profundidade de campo, a cena precisa ser muito bem iluminada. Pior: o elemento frontal da lente costuma ficar tão próximo do objeto que projeta sua sombra sobre a imagem e impede o uso do flash embutido ou mesmo de um flash externo comum. Quando isso acontece, é hora de apelar para um flash de macro.

Os modelos mais comuns são os chamados flash circulares, com um orifício onde se encaixa a lente e um disco iluminado por múltiplos tubos fluorescentes ou leds. Mais recentemente, alguns fabricantes passaram a produzir também sistemas de iluminação para macro com leds montados em hastes flexíveis, que permitem que a luz seja direcionada a qualquer ponto da cena

FONTE: techtudo.com.br

Regras da composição fotográfica

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 31 May 2011 18:50:00 -0700

Falar sobre câmeras fantásticas ou técnicas inovadoras de edição de imagem pode ser divertido, mas algumas das lições mais importantes no mundo da fotografia não envolvem praticamente tecnologia nenhuma. Hoje vamos falar sobre as mais básicas e comuns regras de composição fotográfica: se você dominá-las, conseguirá transformar uma simples foto casual em algo maior e muito mais atraente. E elas são tão simples que mesmo o mais iniciante entre os fotógrafos pode seguí-las.

Siga a “regra dos terços”

Muitas pessoas podem já ter alguma familiaridade com essa regra, já que ela é simplesmente onipresente: todos os filmes e programas de TV fazem uso constante dela, e também os fotógrafos profissionais sem exceção. Em resumo, a regra diz que suas fotos serão mais interessantes se o assunto principal não estiver no centro da imagem, mas sim fora dele: à direita, à esquerda, acima ou abaixo.

Para entendê-la, imagine duas linhas verticais cruzando a imagem, dividindo-a em três partes iguais. Imagine também duas linhas horizontais. Com isso ela irá se parecer com um tabuleiro de jogo da velha, como abaixo:

^{Divida mentalmente a imagem em "terços", e evite colocar o assunto no centro}

O segredo está em posicionar o assunto principal da foto em qualquer um dos pontos de intersecção das linhas, ou ao longo de uma delas, como os pássaros na foto abaixo. E se você tem uma câmera moderna, talvez nem precise imaginar as linhas: a maioria tem uma opção para exibir na tela uma “grade”, que são justamente as linhas-guia usadas na regra dos terços. Consulte o manual da sua.

Tire proveito das diagonais.

Mais um truque usando linhas: se você quiser adicionar um ar dramático à sua foto, procure uma forma de incluir uma linha diagonal. Trace mentalmente uma linha de um canto ao outro da cena, e procure algum elemento que siga mais ou menos ela. Isto deixará sua foto mais dinâmica e adicionará energia à cena, como se estivesse “puxando” o observador para dentro dela. A diagonal pode atravessar a imagem inteira, mas isso não é necessário. O mesmo efeito pode ser obtido com uma diagonal parcial, como abaixo:

^{A diagonal (marcada em laranja) deixa a imagem mais dinâmica}

Quebre a monotonia

Esta é divertida: você sem dúvida já viu fotos em que a maior parte da cena está preenchida com mais ou menos a mesma coisa: um campo gramado, uma pilha de moedas, pedras, peixes ou estrelas no céu. Estas fotos seriam realmente monótonas se isso fosse tudo, mas geralmente o fotógrafo incorpora à cena um elemento “fora do lugar” que atrai seu olhar como um imã. Tendo isto em mente, a regra diz que você deve procurar cenas em sua maioria uniformes, e então quebrar o padrão com um elemento que perturbe seu fluxo ou organização naturais.

As flores no meio das lápides

Procure a simetria, e então perturbe-a

Regras foram feitas para serem quebradas. A regra da simetria visa capturar a simetria encontrada na natureza, e há várias formas de fazer isso. Você pode fotografar uma cena em que as duas metades da foto são basicamente idênticas, por exemplo. Ou fazer uma foto de um objeto que já é naturalmente simétrico, como uma flor.

Mas as coisas ficam melhores quando você incorpora à regra o que aprendeu sobre monotonia e decide “apimentar” a cena com algumas variações. Surpreenda o espectador tornando um lado da imagem não-simétrico ou, como neste exemplo, perturbe a simetria de uma flor colocando apenas parte dela na cena.

^{Fotografe apenas parte de uma flor para quebrar a simetria e chamar a atenção}

Posicione o movimento “dentro” do quadro

Uma das coisas que mais gosto de fotografar são cenas em movimento. Gosto de capturar a essência da velocidade e energia no que é por definição uma forma de arte estática. Mas é importante saber como introduzir movimento em sua foto. Ao fotografar um carro em movimento, um avião, um bando de pássaros ou um cachorro correndo, faça com que o movimento aponte para “dentro” da cena, e não para fora dela.

Trocando em miúdos: coloque o objeto fotografado nas extremidades da cena (no primeiro ou último terço, por exemplo) e apontando para o centro do quadro, dando “espaço” para o movimento. Veja o exemplo abaixo.

^{O cavalo está em uma das extremidades, e se move rumo ao "centro" do quadro}

6 dicas para tirar lindas fotos

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Sat, 7 May 2011 09:48:00 -0700

Muitas vezes fazemos viagens maravilhosas e visitamos lugares incríveis, com paisagens lindas ou monumentos históricos e nada mais natural que querer registrar cada momento da viagem, então tiramos várias fotografias com nossas câmeras digitais e quando retornamos para casa e revemos as fotografias percebemos que não ficaram tão boas assim, ou seja, a fotográfica não capitou toda a beleza do local. Existem varias técnicas e macetes para fotografar melhor, varias configurações e equipamentos, selecionei algumas dicas fáceis de utilizar para pessoas com qualquer tipo de maquina fotográfica, com certeza melhorarão muito suas fotos.

A HORA MÁGICA

É a hora em que podemos captar as cores mais intensas da paisagens, temos os efeitos das sombras suaves e contraste e saturação perfeitos. Mas que hora é essa? Bem não é exatamente um horário especifico, mas aproximadamente meia hora antes do por do sol ou se você gosta de acordar cedo meia hora antes do nascer do sol, neste pequeno período a incidência da luz muda muito rapidamente criando varias nuances belas e diferentes.

Nascer do Sol


Pôr do Sol

FUJA DO CLICHÊ

Colocar o assunto no meio da foto é comum, tirar fotos de pessoas, monumentos enquadrando bem no meio da foto, experimente colocar a pessoa em um canto do enquadramento e captar o ambiente também, o mesmo vale para coisas, por exemplo, você pode captar uma construção ou monumento enquadrando-o no canto da fotografia, os outros elementos que saírem nas fotos mostrarão de maneira mais realista o tamanho do monumento em relação ao conjunto e a harmonia entre eles.

CONHEÇA SEU EQUIPAMENTO

É preciso conhecer as configurações de sua câmera, mesmo não sendo sofisticada, a maioria das câmeras tem ajuste de cores e de “brancura” experimente alterar um pouco as configurações principalmente para dias muito ensolarados a ordem é experimentar, além disto sua câmera com certeza oferece outros recursos leia o manual!

ENTENDA O FLASH

Parece incrível, mas às vezes o dia está ensolarado e vamos tirar uma foto contra o sol e o retrato sai escurecido, o mesmo vale quando tiramos fotos de algo com uma fonte de luz ao fundo, a fonte de luz ou a luz do sol ficam brilhantes e o assunto da foto escurecido, nessas horas pode-se usar o flash mesmo de dia para captar tudo e não deixar que a fonte de luz mate a foto é o que chamamos de flash de preenchimento. Flash desnecessário, o flash só alcança uma distância de aproximadamente 5 metros mais que isso não adianta… na hora de fotografar shows e espetáculos não é necessário flash, a luz do palco é suficiente, o flash só vai deixar as cabeças das pessoas a sua frente mais brancas.

FIRMEZA

É muito chato percebemos que tiramos um monte de fotos borradas e tremidas por simples falta de firmeza na hora de capturar a imagem então não se esqueça de segurar sempre a câmera com as duas mãos, use um mini tripé, apoie os braços no peito e aperte o botão com suavidade para não tremer.

MEXA-SE

Você só tira fotos de pé… então está na hora de se mexer, tente tirar fotos de outros ângulos além dos usuais, abaixe, deite no chão, tire a foto por cima, com certeza você encontrara perspectivas incríveis.

Foco: a busca por fotos mais nítidas

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 28 Apr 2011 11:37:00 -0700

Muitas vezes aquelas fotos pouco nítidas eram resultado de uma tremida na hora do clique. Mas também é comum nos referirmos a todas essas fotos meio borradas como “fora de foco”, ainda que isso nem sempre seja verdade. Mas, afinal, o que exatamente é o tão falado foco e como as câmeras fazem para encontrá-lo?

Embora possa significar várias outras coisas, no campo da ótica, foco é o ponto onde os raios de luz provenientes de um determinado ponto do objeto convergem. Em outras palavras, é onde a imagem de um ponto continua sendo um ponto, sem perda de nitidez. Fora desta distancia ideal, a imagem começa a ficar borrada e o ponto vai se transformando em uma mancha maior.

Exemplo de Bokeh

Um detalhe interessante é que essa “mancha” não é necessariamente um círculo. Na verdade, ela tem o formato da abertura da lente, que pode ser circular mas frequentemente se parece mais com um pentágono, quando o diafragma tem cinco lâminas. Isso fica especialmente evidente quando o fotógrafo deliberadamente desfoca o fundo de uma imagem, fazendo os pontos mais brilhantes se transformarem em manchas arredondadas – o chamado bokeh. E é por causa dele que muita gente prefere lentes com diafragmas de mais lâminas.
Na prática, há uma certa tolerância tanto à frente quanto atrás do ponto ideal em que a imagem continua razoavelmente nítida – é a tal profundidade de campo sobre a qual falamos na coluna sobre velocidade e abertura. Para quem não lembra, quanto menor a abertura, maior a tolerância do foco, motivo pelo qual as tais focos de fundo desfocado só são possíveis com aberturas maiores e são tão difíceis de produzir com câmeras compactas.

Como a câmera encontra o foco?

No tempo da fotografia convencional, as câmeras lidavam com o foco basicamente de três formas: com lentes de foco fixo, com foco manual ou com foco automático. As lentes de foco fixo, as mais usadas em câmeras baratas e ainda hoje presentes nos modelos descartáveis e na maioria dos celulares, têm o foco permanentemente ajustado para o infinito. Como elas dependem quase que totalmente da tolerância da profundidade de campo, são ruins para capturar imagens de objetos próximos. Sem falar que a nitidez nunca será a mesma. Por outro lado, são as mais baratas de produzir e, por não terem partes móveis, não precisam de energia.
Com o foco manual, é o fotografo que precisa encontrar o ajuste ideal da lente, geralmente girando um anel à sua volta ou, no caso das digitais compactas, acionando um par de botões nada práticos. Já no foco automático, ou simplesmente autofoco, é a câmera que se encarrega disso. Na época do filme, algumas câmeras chegaram a usar ultra-som e infravermelho para medir a distancia até o objeto, no chamado autofoco ativo (não confunda com aquela luzinha usada para ajudar no foco, que só ilumina a cena), mas a maioria, inclusive as digitais, se vale de sensores integrados ao conjunto ótico – o autofoco passivo.

Phase detection ou contrast measurement?

Nas câmeras digitais, o autofoco passivo pode funcionar de duas formas: detecção de fase ou avaliação de contraste. Os modelos reflex costumam usar a primeira técnica, que se vale de prismas e espelhos para separar a imagem em duas – uma proveniente de cada extremidade da lente – e comparar a intensidade da luz em cada uma delas. Com o resultado, a câmera “sabe” se precisa afastar ou aproximar o foco para obter o resultado ideal.
Já nos modelos compactos, com raras exceções, a técnica empregada é a medida do contraste. Neste caso, a câmera avalia o contraste entre pixels adjacentes e vai ajustando o foco até encontrar o maior contraste possível. Como fotos nítidas têm mais contraste que as borradas, justamente por causa da transformação de um ponto em uma mancha sem nitidez mencionada acima, a técnica costuma produzir bons resultados.
O grande problema da medida de contraste é que a câmera nunca sabe se deve afastar ou aproximar o foco para melhorar a nitidez, o que faz com que a lente fique “caçando” o foco por mais tempo. Além disso, em fotos escuras ou com pouco contraste, a câmera pode não conseguir encontrar o foco. E, naturalmente, como depende do sensor de imagem, este método não era viável no tempo das câmeras de filme – o que explica porque o foco fixo era tão comum, até em modelos mais caros. Ainda bem que isso tudo ficou para trás!

Como evitar olhos vermelhos

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 28 Apr 2011 08:14:00 -0700

O problema é tão comum que, hoje em dia, não existe mais câmera que não ofereça algum tipo de “redutor de olhos vermelhos”. Estes recursos vão de uma luz auxiliar ou aquela piscada do flash antes da captura da foto até correções digitais, realizadas na própria câmera, depois que o estrago está feito. E, se a câmera não corrigir, não faltam opções de programas de tratamento de imagem que, com maior ou menor eficiência, prometem eliminar os desagradáveis olhos vermelhos.

Melhor do que consertar, no entanto, é evitar. E, para isso, precisamos entender por que algumas fotos com flash provocam olhos vermelhos e outras, não. Como todos devem imaginar, o problema é causado pelo reflexo da luz do flash no fundo dos nossos olhos, onde a grande concentração de vasos sanguíneos ajuda a produzir a coloração vermelha. Para combater os olhos vermelhos, então, é preciso impedir que esse reflexo chegue na lente da câmera.

Talvez você já tenha ouvido ou reparado que pessoas de olhos claros sofrem mais com esses reflexos. É verdade, mas não exatamente por causa da cor da íris, e sim porque elas também costumam ter menor concentração de melanina no corpo como um todo – inclusive no olho. Sem a melanina para absorver a luz, as chances de reflexo aumentam. E quanto aos animais, que freqüentemente exibem reflexos esverdeados em vez de vermelhos, não é que o sangue deles seja de outra cor, mas por causa das dimensões e pigmentos de seus olhos.

É tudo uma questão de ponto de vista

Imagine um triangulo cujos vértices estejam localizados no flash, na lente e no fundo do olho da pessoa a ser fotografada. Para a luz refletida atingir a lente, a ponta desse triângulo imaginário precisa “caber” na pupila do olho – aquele orifício escuro que se contrai quando olhamos para a luz e se dilata quando estamos em um ambiente escuro. Quanto mais dilatada a pupila, maiores as chances do flash produzir olhos vermelhos, pois o ângulo com que a luz consegue entrar e sair do olho aumenta.

É por isso que, em situações de pouca luminosidade (nas quais nossas pupilas se dilatam), a incidência de olhos vermelhos é maior. Isso explica, também, o funcionamento dos redutores de olhos vermelhos: a luz emitida pela câmera antes da captura, ao provocar a contração da pupila, reduz o ângulo em que o flash consegue atingir o olho e voltar para a lente.

A forma mais natural de evitar olhos vermelhos, no entanto, é deixar nossas pupilas em paz e mexer nos outros vértices do triângulo. Afinal, se diminuirmos seus ângulos, o ângulo do vértice que chega ao olho aumentará, eliminando o reflexo. E diminuir os outros ângulos é tão simples quanto aproximar a câmera da pessoa fotografada ou, se possível, afastar o flash da lente.

Já reparou que as câmeras mais avançadas costumam ter um flash do tipo pop-up, que se eleva acima do corpo da câmera quando é requisitado? É justamente para aumentar a distancia dele para a lente. Nas ultracompactas, por outro lado, as dimensões da câmera já são tão reduzidas que não há como afastar suficientemente o flash, o que faz com que elas sofram mais com olhos vermelhos.

Por fim, mesmo câmeras com flash externo, bem afastado da lente, podem ser afetadas pelo problema quando a foto é tirada de muito longe, pois a distância até o olho joga contra a separação do flash. Pior: como estes flashes costumam ter um alcance muito superior aos embutidos, seu uso a longa distancia, apontados para os olhos de alguém, praticamente garante os reflexos indesejados.

O que fazer na prática

No dia-a-dia, o que tudo isso quer dizer é que devemos evitar fotos com flash de pessoas olhando para a câmera em ambientes pouco iluminados, ficar o mais próximo possível delas (nada de zoom, portanto) e, se a câmera permitir, usar um flash externo mais distante da lente. Se o flash puder ser indireto, rebatido no teto ou difuso, melhor ainda.

Caso nada disso seja possível e a pessoa a ser fotografada estiver disposta a colaborar, sempre se pode pedir que ela olhe fixamente para alguma fonte de luz antes da foto ou que não olhe na direção da câmera. Se não, o jeito será apelar para as ferramentas de correção de olhos vermelhos, que reduzem a saturação desses tons e o brilho na região de cada olho. Ou então chutar o balde e fazer como na época do filme, em que algumas lojas de fotografia vendiam uma caneta hidrocor para você encobrir os reflexos já nas fotos impressas.

Diferença entre CMOS e CCD

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 28 Apr 2011 08:04:00 -0700

O primeiro tipo de sensor, abreviatura de Charge Coupled Device, é disparado o mais comum em câmeras compactas. Seu rival, o Complementary Metal Oxide Semiconductor, está presente nas duas extremidades do mercado: webcams simplezinhas e câmeras de celulares, na base da pirâmide; e reflex profissionais e compactas superpremium, no topo. Mas como isso é possível?
Anos atrás, quando a fotografia digital começava a se disseminar, os sensores CMOS, de produção mais barata e resolução limitada, eram sinônimo de câmera popular. Raros eram os fabricantes de primeira linha – aquelas marcas que eu recomendo – que se arriscavam a usá-los em câmeras fotográficas, o que praticamente limitava os CMOS a webcams, pencams e cameretas de marcas esdrúxulas. Ainda hoje, podem ser encontrados nesse tipo de câmera, na maioria dos cameraphones e naquelas digitais infantis, normalmente gerando resultados de qualidade duvidosa.
Já os CCDs, então capazes de resoluções mais altas do que os CMOS do mesmo período e muito menos suscetíveis a ruído, ficaram tradicionalmente associados às câmeras “de verdade”. Suas únicas desvantagens, alem do custo, eram o maior consumo de energia e uma relativa lentidão na transferência da imagem para o processador da câmera – o que contribui para o chamado lag do visor.

CMOS

CCD

Só que, lá pelas tantas, fabricantes do peso de Canon e Kodak passaram a usar uma nova geração de CMOS em suas reflex topo-de-linha. E, como se pode imaginar, estes sensores não ficam devendo em nada para os rivais CCDs. Pelo contrário: já está mais do que provado que, para estas aplicações, a tecnologia CMOS proporciona mais qualidade a um custo de fabricação menor, e ainda gastando menos energia.

Ativo ou passivo?

Tecnicamente, a principal diferença entre CCD e CMOS é onde os sinais elétricos gerados em cada um dos milhões de fotodiodos responsáveis por capturar os fótons que compõem uma imagem são amplificados, convertidos e digitalizados. Nos CCDs, isso acontece fora do sensor propriamente dito, enquanto nos CMOS o processo se dá separadamente para cada pixel da imagem, bem no ponto do sensor em que ele é registrado. Por conta dessa diferença, sensores CCD também são chamados de “passivos” e os CMOS, de “passivos”.
Em outras palavras, o CCD despeja uma enxurrada de sinais analógicos em um circuito externo, enquanto o CMOS trata cada pontinho da imagem e já envia tudo digitalizado para o processador da câmera. Por conta da maior complexidade, os CMOS inicialmente sofriam muito com a interferência de um componente no outro, o que provocava ruído. Sem falar que espremer tudo isso no espaço de cada pixel só era possível em sensores maiores, de menor densidade – não por acaso, aqueles usado nas câmeras reflex.
Há cerca de um ano, com o advento dos sensores retroiluminados que mencionamos na coluna sobre ruído, estes CMOS de última geração começaram a marcar presença em uma variedade maior de câmeras compactas. Neles, o problema do espaço foi resolvido virando o sensor de cabeça para baixo, de modo que os componentes adicionais fiquem na superfície oposta à responsável pela captura da imagem, diminuindo a interferência.
Mas se os sensores CMOS são tão mais complexos do que os CCDs, por que eu escrevi mais de uma vez que o seu custo de fabricação é menor? Em parte, porque CMOS é, na verdade, uma referencia à tecnologia usada não só na construção destes sensores, mas na de microprocessadores, controladores, alguns tipos de memória e vários outros componentes. A conseqüência disso, existem muito mais linhas de fabricação de CMOS do que de CCD no mundo, beneficiando os sensores com a economia de escala. E a gente, é claro, agradece!

Como Fotografar Flores

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 21 Apr 2011 17:54:00 -0700

Flores estão entre os temas mais populares na fotografia, mas apresentam alguns desafios. Manter a cor, o foco e evitar “borrões” resultantes de um movimento inesperado.

Mantenha o foco

Não há uma “forma certa” de fotografar flores, mas a estratégia mais comum é usar o “Modo Macro” da câmera. Com isso você pode preencher a cena com as partes mais interessantes da flor, ao mesmo tempo em que desenfatiza o fundo.

Mas a fotografia em Macro tem suas peculiaridades. A profundidade de campo, por exemplo, é pequena, podendo chegar a 2 cm ou menos dependendo de quão perto você está do objeto a ser fotografado e da câmera. Com isso é necessário pensar sobre a composição da cena. Você quer colocar toda a flor em foco, ou apenas parte dela? Tudo bem se a maior parte da imagem ficar fora de foco?

Se você quiser manter a maior parte da imagem em foco, deve levar em conta as opções disponíveis para controlar a profundidade de campo. Como você provavelmente já sabe, a abertura é a principal forma de fazer isto. Para fotografar fotos em close recomendo colocar a câmera no modo Prioridade de Abertura (Aperture Priority, ou Av).

^{Fotografei esta rosa com pouquíssima profundidade de campo,

de modo que o fundo e o primeiro plano ficassem desfocados}

Quanto maior o “Número f”, maior será a profundidade de campo (mas, infelizmente, maior também o tempo de exposição). É necessário equilibrar a profundidade de campo com a velocidade do obturador para que você não produza acidentalmente um “borrão” resultante de movimento inesperado da câmera ou do objeto fotografado.

Uma forma menos óbvia de controlar a profundidade de campo é ajustar a distância focal da lente. Se sua lente tem zoom, tente reduzí-lo ao máximo, abrindo o campo de visão. Em resumo: quanto maior a distância focal, menor a profundidade de campo.

Por último, mas não menos importante, a distância entre a câmera e o objeto a ser fotografado também afeta a profundidade de campo. Quanto mais próximo você ficar da flor, menor será a profundidade de campo. Então, se você conseguir se afastar um pouco poderá conseguir mais espaço para deixar tudo em foco.

^{A flor está perpendicular ao eixo da lente,então fica inteiramente em foco}

Considere também a perspectiva. Explico: se você fotografar uma flor de forma que tenha ampla profundidade de campo, pode ter problemas para manter tudo em foco. Que tal tentar fotografar a mesma flor de outro ângulo, de forma que ela esteja perpendicular ao eixo da lente? Se o objeto for principalmente plano - ou seja, tiver mais ou menos a mesma distância até a lente em todos os pontos do quadro - uma grande profundidade de campo não é tão importante.

Cuide da nitidez

Agora que você já sabe como manter tudo em foco, temos que pensar em como “congelar” a ação. As flores não vão a lugar nenhum (a não ser que você esteja querendo fotografar Trífides), mas elas são alguns dos objetos mais irritantemente instáveis que você pode querer fotografar.

Antes de mais nada, você tem que estar estável: recomendo o uso de um tripé. Você terá de lidar com uma baixa velocidade do obturador, especialmente se você estiver fotografando com um Número-f alto para maximizar a profundidade de campo, e isso pode facilmente abrir espaço para borrões causados pelo movimento da câmera.

Mas as flores também se movem, e um tripé não irá resolver isso. Mesmo uma brisa gentil pode fazer com que as pétalas oscilem. Você já deve saber que é possível minimizar o problema fotografando com uma maior velocidade do obturador, - seja sacrificando a profundidade de campo ou aumentando o ISO. Além disso você pode exercitar a paciência e esperar o vento parar. Por várias vezes deixei minha família “plantada” enquanto eu esperava um momento de calmaria, tirando no máximo quatro ou cinco fotos ao longo de uma hora.

Uma opção melhor? Leve alguma coisa para bloquear o vendo. Pode ser tão simples quanto uma folha de papel ou pedaço de cartolina, ou um daqueles refletores flexíveis que você pode comprar em lojas de fotografia. De qualquer forma, peça a alguém para ajudar a bloquear o vento para que você possa fazer as fotos.

Não se esqueça das cores

Como conseguir uma exposição perfeita? Dá pra escrever um livro inteiro sobre o assunto, mas a regra mais importante é evitar fotografar próximo ao meio-dia. Quando o sol está à pino você terá um monte de fotos com alto contraste e áreas que estarão dramaticamente subexpostas ou superexpostas. E a luz do sol não é sua amiga na hora de preservar as cores delicadas e muitas nuances nas pétalas de uma flor.

Você vai conseguir suas melhores fotos em dias encobertos ou quando o sol está “baixo” no céu, de manhãzinha ou no final da tarde. Elas ficarão melhores ainda se forem feitas sob a sombra, de modo que não haja luz direta do sol sobre a flor.

^{Para fazer esta foto me posicionei no chão,

debaixo da flor, colocando-a contra o azul do céu}

Mas as regras foram feitas para serem quebradas. Para uma mudança de ares, experimente fotografar “debaixo” da flor, colocando-a contra o céu para um rico fundo azul. Nesse caso, faça várias fotos ajustando ligeiramente a exposição entre elas para ter certeza de conseguir o resultado desejado.

Loucuras para uma boa foto

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Thu, 24 Mar 2011 17:31:00 -0700

Todo o fotógrafo para realizar um bom registro precisa realizar verdadeiras acrobacias, foi o que aconteceu nessa foto abaixo, para registrar essa foto fui obrigado a subir no telhado do complexo poliesportivo que tem mais ou menos uns 10 metros de altura. Tudo porque de outro lugar ou ângulo não conseguiria atingir o meu objetivo. E com esse exemplo falo a vocês que querem se tornarem fotógrafos, na hora de fazer um registro analise todas opções, veja o melhor ângulo, e se for preciso, faça loucuras para realizar a foto, pois quando você ver o resultado final, terá a certeza que tudo valeu a pena.

Dicas para fotografar o Natal e a família

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Wed, 22 Dec 2010 04:48:00 -0800

O Natal é uma época super fotogênica. As luzinhas piscando, as árvores e brilhos, a família quase sempre reunida, as festas e a comida… neste momento tão bonito até mesmo os clichês podem ter um significado gostoso para cada um de nós. Por isso seguem algumas dicas para tirar fotos bonitas no natal:

Use uma abertura ampla e capture as luzes

Luzes de natal (essas pequenas de enfeite, que eu chamo de “pisca-pisca” embora as mais fotogênicas sejam as que não piscam) fazem ótimos fundos para fotos quando bem utilizadas. Um Bokeh realizado com luzinhas faz o fundo ficar bonito e contextualizado – sem dúvida sabemos que é Natal.

Faça fotos da família

Ao invés de juntar todo mundo admito que prefiro fotografar um ou dois de cada vez, de forma bem espontânea. Como, pelo menos em uma parte da minha família, todos se reúnem realmente somente no natal, é ótimo ter uma lembrança de cada um.

Mas é claro que uma foto com todo mundo não pode faltar. As fotos não ficam particulamente lindas, mas a carga emocional faz sua parte ao vermos nós e os priminhos novinhos, os tios com cabelo e todo mundo mais jovem! Essas fotos ganham cada dia mais valor!

Fotografe os detalhes

A comida, os efeites, o lar enfeitado e a própria árvore são detalhes que rendem fotos aconchegantes e cheias de significado.

5 dicas para fazer suas fotos impressas durarem mais

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Mon, 13 Dec 2010 07:33:00 -0800

Sem o cuidado adequado, as fotos impressas em sua impressora doméstica podem se apagar rapidamente. Veja como mantê-las por muito mais tempo.

É uma triste verdade, mas o brilho de suas fotos impressas em casa não irá durar para sempre. Com o tempo as cores irão enfraquecer e os detalhes vão se perder. Entretanto, há algumas formas simples e eficientes de prolongar a vida de suas imagens impressas. Se você quer deixá-las vibrantes e coloridas por muitos anos, adote as seguintes medidas preventivas:

1. Compre equipamento de qualidade

Invista em uma boa impressora, evite cartuchos genéricos ou remanufaturados e use o papel fotográfico recomendado pelo fabricante de sua impressora. Papel genérico, cartuchos “compatíveis” e sistemas de tinta “bulk” podem parecer um bom negócio a princípio, mas as impressões vão durar muito mais se você seguir à risca as recomendações do fabricante. A Epson, por exemplo, diz que fotos impressas com seu papel e tinta próprios duram até 200 anos quando armazenadas em local escuro, ou 96 anos se exibidas atrás de um vidro.

2. Invista em um álbum

Colocar fotos impressas em um álbum aumenta sua longevidade, já que isso as protege da luz. Dê um passo além e invista em um álbum que use papel “para arquivo” sem ácido. Eles não são tão caros quanto você pensa.

3. Use um porta-retratos

Coloque suas fotos em um porta-retratos, protegidas por um vidro e longe da luz do sol. Uma das formas mais fáceis de estragar uma foto é colocá-la em um local que recebe a luz direta do sol na maior parte do dia, já que a radiação ultravioleta degrada os pigmentos que compõem a tinta. Para os melhores resultados, coloque seus porta-retratos em um local iluminado por luz artificial.

4. Evite a umidade

Evite guardar as fotos em locais úmidos como um armário no porão ou no sótão. A temperatura ambiente é muito menos nociva à impressão, embora um local fresco, seco e escuro seja o ambiente ideal.

5. Evite empilhar

Evite empilhar as fotos uma sobre a outra assim que elas saem da impressora. Em vez disso, espere a tinta secar completamente para evitar que as fotos grudem uma na outra e causem falhas na impressão. Embora não seja sempre necessário, a HP recomenda que você espere até 24 horas antes de empilhar suas fotos.

Uso de cores contrastantes

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 11:23:00 -0800

Existem cores que, se usadas em conjunto, dão harmonia e equilíbrio para uma foto (ou pintura, ou peça de design, ou filme…) – são cores que se complementam e descobrimos isso analisando o círculo cromático:

Algumas combinações básicas e que você já deve ter visto bastante são amarelo com roxo e vermelho com verde. Essas cores são opostas no círculo cromático, e uma cor quente complementa uma cor fria. Usar duas cores opostas (complementares) é quase sempre garantia de uma boa foto!

Várias outras combinações funcionam tão bem quanto essas, como cores próximas entre si na escala, tríades… e o seu bom senso. Cores pastéis normalmente combinam bastante entre si independentemente do tom, por exemplo. Você pode simular a combinação de várias cores usando sites como o Color Scheme Designer ou encontrar palhetas harmônicas para inspiração no Adobe Kuler.

Uso de cores na prática

O uso de cores opostas é fácil de ser notado na produção de um clipe da Alicia Keys (sim, eu fico notando essas coisas rs.) Veja essa foto de um paparazzo: ela usa como cenário as clássicas mesas e cadeiras de plástico amarelas brasileiras e uma roupa roxa para contrastar (com alguns detalhes e sapatos em amarelo!) O visual fica harmônico e agradável. O clipe vai ficar muito bonito!

A natureza sabe que essa combinação é irresistível e por isso é fácil encontrar muitas fotos, lindas, como essa:

Outro uso super tradicional é do vermelho com o verde. Um dos filmes mais lindos de todos os tempos – O Fabuloso Destino de Amélie Poulain - usa e abusa dessa palheta de cores. Aliás é bem interessante notar como quase 100% do filme foi filmado usando o contraste dessas duas cores. Lindo!

Abaixo está o quarto dos meus sonhos!

Laranja com azul é outra combinação clássica e certeira:

Mas não só de opostos no círculo cromático é feita uma foto harmônica. Com bom senso você usa as cores para passar a sensação desejada. Por exemplo: Verde com amarelo bem saturado, verde com azul pastel, verde com outros tons de verde e principalmente verde com tom de pele!

Além disso o uso de cores mais neutras (como o bege / tom de pele, marrom ou mesmo cinza) junto com outras combinações ajuda a manter o equilíbrio da imagem que usa várias cores contrastantes.

O interessante é que essas se aplicam não só na fotografia, mas em qualquer arte visual. Emprestamos da natureza e da ciência o que há de mais belo e equilibrado para construirmos nossas fotos.

5 dicas para fotografar casais

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 10:44:00 -0800

Dia dos namorados chegando… o amor está no ar… e não há nada melhor para guardar este momento do que fotografar todo este romance!

Pra mim fotografar casais, do ponto de vista da direção, é a coisa mais fácil do mundo! Só não é mais fácil do que crianças (que são sempre espontâneas) – isso porque casais apaixonadinhos se agarram, beijam, fazem carinho, dão risada e têm um brilho nos olhos ao olhar para o amado ou amada… e a gente nem precisa pedir nada, eles fazem isso “automaticamente” rs… assim nosso trabalho fica fácil. Mas algumas dicas são bem importantes caso você queira fotografar todo esse amor:

1. Adicione no ensaio o que é significativo para aquele casal

Use no seu ensaio o que tem a ver com o casal. Converse e descubra o que eles têm que é só deles e use na sessão! Abaixo um exemplo de um casal de amigos meus que adoram um cinema – ele especificamente é um cinéfilo de carteirinha. Conseguimos “emprestar” uma sala de cinema por uma horinha e fizemos fotinhos lá! Na falta da projeção real usei um amigo segurando um flash algumas fileiras acima deles. Essa foto não ficou somente esteticamente bacana, mas ficou com um significado real para esse casal.

2. Casais adoram um beijo, mas não fotografe só isso!

Se a gente não presta atenção 80% das fotos de um ensaio com casal saem com beijo! Sério! Tudo bem que beijo é sempre muito bonito e romântico, mas preste atenção para registrar também olhares, carinhos e risadas!

3. Mas um pouco de beijo não faz mal…

…porque ele também é essencial

4. Dê atenção aos dois!

Nada de fazer as fotos “focando” mais em um dos dois! Quando fotografamos casais temos que lembrar que os dois são igualmente importantes! Oras, um casal é feito de duas pessoas que se amam, porque dar mais destaque a uma só?

5. Peça para eles fecharem os olhos…

…para conseguir uma foto ainda mais romântica e verdadeira (essa dica é porreta, garanto!

Fotografia Sensual: Introdução – Deixando a cliente à vontade

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 10:03:00 -0800

Depois de aparecer na mídia (novela, jornais e matérias para todo lado) o Ensaio Sensual virou moda e as mulheres começaram a se interessar de verdade em ter fotos íntimas, seja para elas mesmas ou para presentear alguém. De um ou dois anos para cá vários fotógrafos resolveram aproveitar a demanda e começar a oferecer esses serviços – mas quando se trata de um tipo de foto considerada “tabu” como essa temos que tomar cuidado com tudo. Desde a parte de deixar a pessoa confortável com si mesma, até a parte de cuidar com a tênue linha entre sensualidade e vulgaridade.

Por isso quero falar um pouco sobre o assunto! Neste post o foco vai ser em como deixar sua cliente à vontade.

Dica para as fotógrafas mulheres: seja pró-ativa, alegre e engraçada. Fotógrafas mulheres fazem com que as clientes se sintam à vontade afinal elas sabem muito bem como é ser mulher!

Dica para os fotógrafos homens: tenham assistentes mulheres, tenham produtoras mulheres… tenham qualquer apoio feminino possível. Enquanto sua cliente está sendo maquiada ou está se trocando alguém vai precisar quebrar o gelo, e essa é a tarefa das mulheres que estão em volta. Fique quietinho, não faça piadinhas de mal gosto.

É óbvio que se você é homem pode sim entrar para a área de ensaios sensuais. Só estou mostrando que não vai ser moleza. Existem vários fotógrafos homens nas grandes revistas e portais, mas lembre-se que eles lidam com modelos, atrizes e pessoas públicas. Quando estamos lidando com pessoas comuns, gente como a gente, não é tão simples. É preciso conseguir muita confiança.

Entenda o que favorece cada tipo de corpo

É claro que fotografar uma ex-bbb escolhida a dedo é fácil. Mas não dá para contar com o “corpo perfeito” em mulheres normais: cheias de defeitinhos e inseguranças. Por isso saiba muito bem (pesquise referências no Flickr, por exemplo) quais poses e ângulos são mais adequados para quem é mais cheinha, para quem tem bunda demais, bunda de menos, e por aí vai. Ao mostrar algumas fotos para sua cliente ela vai ver que todo mundo tem sua beleza sim, e que você sabe mostrar isso nela. A confiança vai crescer e as inseguranças, sumir.

Faça do Ensaio uma brincadeira!

Isso é essencial. Até mesmo os ensaios das grandes revistas são dirigidos de forma descontraída. Os ensaios com mulheres “comuns” devem ser pura brincadeira. Use e abuse de música alta (que tal Cyndi Lauper? Lady Gaga?) – pense em um encontro de amigas (como um chá de Lingerie) e se divirta!

Fotografia Sensual: Diferenciando o Vulgar do Sensual

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 08:36:00 -0800

Diferenciar o vulgar do sensual pode parecer algo bastante complicado à primeira vista, mas não vou discutir a parte “subjetiva” da diferença entre os dois, e sim a diferença prática usando foco e luz. Depois, partimos para a direção!

O “sensual”, na nossa fotografia, vai se diferenciar do vulgar escondendo mais do que mostrando! Vamos ver como conseguir isso.

Foco

Ter uma lente bastante clara não te ajuda somente na hora de fotografar com pouca luz, mas também te ajuda a conseguir uma profundidade de campo curta e assim adicionar mais mistério na imagem de um corpo. Focando somente no rosto, por exemplo, você “mostra mas não mostra” o que está embaçado, trazendo a sensualidade à tona.

Iluminação

A luz utilizada também seguirá o mesmo objetivo: esconder bastante e mostrar um pouquinho! Por isso use e abuse de sombras para adicionar mais mistério.

Direção

A direção, deve seguir a direção tradicional de um ensaio feminino, adicionando alguns “olhares 43” (que dependendo da sua modelo deverá ser mais trabalhado ou “brincado” para ficar natural.) A regra aqui é não forçar: não forçar um olhar muito sensual, não forçar uma pose muito desconfortável e não forçar algo que a modelo não é. Se não mantermos a naturalidade e estilo de cada modelo o resultado pode acabar ficando brega. Fazer fotos de olhos fechados ou olhando para baixo ajuda sua modelo a ficar mais confiante.

Composição: o guia definitivo da Regra dos Terços na fotografia

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 08:16:00 -0800

As áreas de design, arte e fotografia têm muitas regras em comum. Talvez pela característica encontrada em todas: a percepção de estética e a nossa reação à ela.

Regras são feitas para serem seguidas – e quebradas

Não são “regras” que alguém simplesmente inventou, são regras que existem para que quem está vendo a peça consiga entender o que o designer/artista quer passar, e de uma forma agradável.

Pois bem, vou tratar de uma regra super-falada, mas que nunca custa frisar pois é bem importante. Ela é usada desde a época quando fotografias não existiam (pois é, houve uma época assim) e quem retratava em telas a realidade eram os pintores.

Além do indivíduo que vê a foto conseguir viajar o olhar do jeito que o fotógrafo previu, essa viagem é muito mais agradável quando utilizamos as regras certas ao criar nossas composições – seja uma foto, uma pintura ou um cartaz.

Regra dos terços – um resumo

Não é necessária muita explicação para entender essa regra: pegue a sua imagem e desenhe mentalmente um “jogo da velha” nela. Os pontos importantes da sua foto devem ficar em alguma das 4 convergências dessas linhas recém-desenhadas. Se existirem linhas na imagem, dê preferência em posicioná-las junto às linhas do jogo da velha. Abaixo, nos pontos vermelhos, você vê aonde enquadrar os itens preferenciais da foto:

Usando as convergências – imagens mais fáceis

O segredo é que cada foto tem suas características próprias e nem sempre é fácil definir o que vai nas bolinhas. Abaixo você vê um exemplo quando a decisão não é tão difícil: como o objetivo era dar destaque ao passarinho ele foi colocado em uma das convergências.

Imagens mais complexas

Essa foto do Museu Oscar Niemeyer (o “queridinho” dos fotógrafos de Curitiba) pode até parecer que não tem nada de mais, mas se olharmos mais “de perto”, veremos a regra dos terços em várias instâncias.

1. O exato centro do cone do meio encontra-se com a borda do cone que está em primeiro plano neste ponto, onde há uma convergência.

2. Os dois cones em segundo plano ocupam o lugar da linha que divide a foto em três horizontalmente.

3. O fim do cone em primeiro plano acontece bem na linha que divide a foto em três verticalmente.

4. Um pequeno detalhe que achei que deixou tudo mais interessante: essa borda que divide um dos 9 quadros da foto diagonalmente.

Eu diria que é brilhante se a foto não fosse minha… rs…

Horizontes

Às vezes, como em uma foto de paisagem, você vai se concentrar nas próprias linhas do terço. É mais simples do que você imagina: não centralize o horizonte. Não centralize a árvore. Não centralize o monumento. Não centralize as linhas.

Se o céu está mais interessante, deixe ele em evidência colocando a linha do horizonte no terço inferior.

Se o céu não tem nada demais e você quer dar destaque para o que está abaixo dele, coloque a linha do horizonte posicionada no terço superior.

Quebre essa e outras regras de vez em quando

Pela-mor-de-Deus gente. Estou frisando a regra dos terços que tem como lei a “não centralização” dos pontos de interesse na imagem, mas existem outras regras, e temos que usar o bom senso e a experiência para juntá-las e criar a composição mais harmoniosa possível.

Nesta foto dá para ver também, claramente, o princípio da simetria. E sim, a foto está centralizada verticalmente. O segredo é não só saber a regra, mas também quando utilizá-la.

Apesar da foto estar centralizada verticalmente encontramos o fim da escada na linha do terço inferior, as luminárias nas convergências superiores e os olhos da estátua na linha do terço superior.

Como fotografar Shows e Espetáculos

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 08:06:00 -0800

Vejo muitas fotos de shows e espetáculos que são um desastre. Pra ser sincero, a maioria. Vem de erros básicos como ISO e velocidade. A busca da facilidade de se usar um ISO alto acaba com qualquer foto de show.

Brinco sempre que essa é uma área da fotografia amiga da dor. Porque sair de uma sessão de fotos de show ou espetáculo é sair de um grande desgaste do braço, um “acessório” determinante nas fotos.

1.Equipamento

Em shows e espetáculos, as condições de iluminação são críticas e o uso de flash é totalmente desaconselhável, na maior parte das vezes, por vários motivos. O principal deles é que provavelmente você vai incomodar àqueles que assistem e os que se apresentam. Em peças teatrais é proibido o uso do flash. O segundo é que o flash vai tirar todo o clima da apresentação. O uso de objetivas claras é uma necessidade, caso contrário compensar isso será bem complicado, mas não impossível. Uma tele-objetiva é necessária porque dependendo da altura do palco o ideal é estar mais afastado para não se ter apenas fotos de baixo pra cima.

2.ISO

O principal erro que se pode cometer para esse tipo de fotografia é colocar um ISO muito alto. Devido à quantidade de áreas de sombra que normalmente existem, tratando-se de iluminação de palco, o ruído vai estragar sua imagem. Então eu sempre aconselho que se use ISO máximo 800 e em casos extremos 1000. Mais que isso você não mais terá uma foto excelente (perfeita), por melhor que seja o redutor de ruído da sua câmera. Lembre-se: você está fotogrando um motivo cuja iluminação foi pensada para criar áreas claras e áreas de sombra dura. Evite ter uma foto com todas as partes claras, a sombra é sua amiga.

Abaixo um exemplo de foto (à esquerda) com ruído e (à direita):

Peça O Direito Ao Grito

3.Abertura

É preciso fotografar 100% manual pois usando qualquer outro tipo de programa da máquina fica inviável o controle absoluto. A abertura vai depender da sua objetiva, mas mesmo que tenha uma f/2.8 ou maior eu não aconselho o uso de uma abertura tão grande a não ser que seja um close. Caso contrário você terá o foco numa área muito restrita pois a profundidade de campo será pequena. Uso sempre abertura por volta f/4.0, quando quero deixar apenas uma pessoa focada e abertura f/8.0 pra mais de uma.

Abertura f/4.0, primeiro plano focado:

Espetáculo Dingou Béus – Companhia de Comédia Os Melhores do Mundo

Abertura f/8.0 com todos os artistas focados:

Espetáculo Sexo, a Comédia – Companhia de Comédia Os Melhores do Mundo

4.Velocidade

É geralmente aqui em que a dificuldade aparece. Não dá pra fotografar shows e espetáculos com tripé, porque a movimentação do artista inviabiliza a máquina parada. Só que com ISO em no máximo 800 e abertura não tão grande, a velocidade tem que ser baixa e aí haja braço. Sim, o segredo pra uma boa foto de show é o braço. Jamais menos de 1/30, mesmo com IS, porque o próprio movimento do artista vai estragar sua foto. 1/40 é uma velocidade boa se você não estiver usando uma tele, caso contrário 1/100 com uma objetiva entre 200 e 400mm. Infelizmente achar a velocidade ideal dependendo da luz de palco, vem com a prática, pois o gráfico em nada vai te ajudar e provavelmente mostrará uma falsa subexposição, assim como o fotômetro. Alguns movimentos são benéficos, como mãos ou o instrumento se movendo. Esse tipo de movimento é seu amigo, não se preocupe com uma imagem 100% estática. Mas lembre-se que o rosto precisa estar estático.

Show Marco Lobo Quinteto

5. Enquadramento

Nada melhor do que a boa e velha regra dos terços para determinar um bom enquadramento. O uso dessa regra te dará pelo menos 70% de chance de acertar. Estude-a e use, não só pra fotos de espetáculos e shows, mas para fotos em geral. Vejo muitos problemas de enquadramento que seriam resolvidos pelo simples conhecimento dessa regra. Cuidado para não colocar na linha imaginária inferior e ficar com um quadro estranho.

Aprenda aqui como utilizar a regra dos terços na fotografia.

Show Kleiton e Kledir

6.Qualidade da Foto

Fotografar em RAW vai facilitar muito caso você tenha uma iluminação muito fraca e precise clarear a foto na pós produção. Não gosto de recorrer a esse recurso, mas às vezes é necessário. Então nesse ponto o Adobe Lightroom. vai salvar sua vida se você tiver fotografado em RAW. Mesmo porque em JPEG provavelmente a máquina vai interpretar a luz como quiser e você não terá um resultado real. Caso preciso usar o Lightroom, use os recursos de Fill Light e Blacks, além de poder aumentar um pouco a exposição.

7.Pontos gerais a serem observados

Evite inclinar a linha do horizonte. Muitas pessoas pensam que isso vai dar “movimento” à foto e o que se tem é, na maior parte das vezes, apenas uma imagem brega;

Nem sempre o artista em primeiro plano deve ser seu motivo principal. Olhe com carinho para todos os músicos em palco;

No final do show ou espetáculo sempre haverá uma saudação final, fique atento para pegar esse momento;

Aquele momento especial vai surgir rapidamente, então esteja a postos;

Cuidado com iluminação vermelha, ela não é muito bem interpretada nos sensores das máquinas digitais;

Vai publicar a foto na internet? Marca d’água nela. Esse tipo de imagem é uma das que mais são “roubadas”. Tenha também o cuidado de colocar suas informações nos Metadados de cada foto;

Prática é tudo porque os recursos da máquina não te ajudarão muito. Então treine o olhar, veja o trabalho, analise velocidade e abertura e acostume-se a ser um “fotômetro”.

No mais, boas fotos e bom show

Show Pedro Vasconcellos e Eduardo Belo

Por que não usar flash em shows e espetáculos de palco

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 07:33:00 -0800

Nos últimos dias tive duas experiências interessantes relacionadas ao (mal) uso de flash. Assisti a reapresentação do show do Bon Jovi no Youtube. E percebi muitas pessoas usando flash em suas câmeras.

Todo mundo quer guardar um pouco de Bon Jovi

Então vamos ao que interessa: por que não usar o flash em shows, teatro, dança e outras apresentações de palco?

1. Não adianta

Não entendo como as pessoas que usam flash nessas situações não percebem: não adianta nada! A não ser que você esteja a 1 metro do palco o seu flash não vai ter força suficiente para iluminar o assunto de forma que faça diferença na foto final, principalmente se estamos falando de câmeras compactas! O flash, nessas situações, só serve para iluminar as cabeças de quem está na sua frente.

2. Se funcionar estraga o clima

Digamos que você tem um flash potente e está perto do palco: o flash até vai chegar no seu assunto, mas vai acabar com toda a iluminação planejada para aquela apresentação. Resultado: sua foto vai ficar com cara de ensaio, com toda aquela iluminação pensada pelos engenheiros de luz destruída e transformada em uma única luz feia a uniforme. É isso que você quer? Não, né?

As luzes de palco são sempre bastante fortes e planejadas para criar o clima específico daquela apresentação. Embora o ambiente pareça escuro (pois o público fica na escuridão mesmo) ninguém precisa de flash, confia em mim. Se a foto saiu borrada é porque você está longe demais ou sua câmera não aguenta a situação, então não há o que fazer. Pare de tirar fotos e assista.

3. É falta de respeito

Embora as duas razões anteriores sejam fotograficamente importantes a terceira é pra mim a mais: tem a ver com uma palavrinha chamada respeito.

O flash piscando atrapalha quem está se apresentando (principalmente quando estamos falando de apresentações em que é preciso muita concentração, como o Balé) e atrapalha quem está querendo assistir.

Até mesmo em um show como o do Bon Jovi, que possui efeitos mais malucos e piscantes de luzes, os flashes atrapalham. Me irritei quando vi que a iluminação no início de uma música estava bem pontual, e lá vinham os flashes iluminar tudo e picar nas sombras, estragando todo o clima.

Respeito por quem está se apresentando e por quem está assistindo com você é o principal motivo para não usar flash.

4. Você está lá para fotografar ou assistir?

Se você foi contratado para fotografar um espetáculo, tudo bem, mas se você está lá como público… pra quê fotografar? Vejo pessoas que ficam um show inteiro com a câmera na mão! As fotos ficam horríveis e você não aproveita o momento. Cadê o bom senso? Tire uma foto pra “provar” que esteve lá para seus amigos mas depois pare e assista. É para isso que você está lá, afinal.

5. “Não sei desligar” não é desculpa

Quem usa a câmera sempre no automático não sabe nem como desligar o flash. O que custa ler só isso no manual?

7. Distância Focal

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 07:28:00 -0800

Você deve conhecer como “zoom”. A distância focal define o campo de visão de uma lente.

A distância focal é medida em mm (milímetros) e define o quanto você consegue ver a partir de uma lente. Quando maior o valor, mais “fechado” será o ângulo de visão de uma lente. Quando esse valor é menor, mais “aberto” será o ângulo de visão de uma lente.

Veja abaixo exemplos para entender melhor. Nestes exemplos o fotógrafo está sempre na mesma distância do assunto fotografado, a única coisa que muda é a lente!

6. Foco e profundidade de campo

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 07:24:00 -0800

Esses dois item definem a nitidez da nossa imagem – onde fica essa nitidez (foco)? Quantas partes da foto ficarão nítidas (profundidade de campo)?

Foco

Todo mundo conhece o foco. Quando tiramos uma foto queremos que nosso destaque, no geral, esteja nítido e visível. O foco pode ser manual ou automático. Manualmente você gira o anel da sua lente. Nas lentes automáticas você pressiona o botão do obturador somente um pouco (meio-toque) e a câmera irá fazer o foco automaticamente.

Profundidade de campo

A profundidade de campo define o quanto os objetos “próximos” do objeto que você decidiu ser o foco estarão focados também.

Vamos passar a chamá-la de “DOF”, pois é mais curto. DOF vem de “Depth of field”, Profundidade de Campo em inglês.

Quando o DOF é maior quer dizer que tanto os objetos à frente do escolhido como ponto focal quanto os que estão atrás também ficarão com um bom foco.

Quando o DOF é menor os objetos à frente e atrás do objeto escolhido como ponto focal ficarão sem foco antes.

Observe a comparação para entender melhor:

Neste caso somente o tamborzinho está em foco. A profundidade de campo é menor e os objetos em volta estão desfocados.

Quando a profundidade de campo é maior os objetos em volta continuam nítidos (mas nunca tão nítidos quanto o ponto principal de foco)

Fatores que influenciam a profundidade de campo

Abertura
Quanto maior a abertura, menor o DOF – e vice-e-versa.

Proximidade com o objeto
Quanto mais próximo do objeto você estiver, menor o DOF – e vice-e-versa.

Distância focal
Quanto maior a distância focal (“zoom”), menor o DOF – e vice-e-versa. Falaremos mais sobre Distância Focal na próxima lição.

Veja alguns exemplos de uso do DOF:

Toda a paisagem está em foco, desde o céu até o chão, graças a uma abertura de f22 e uma distância focal de 18mm

fundo desfocado graças à utilização de uma abertura f1.8

5. O que é Balanço de Branco?

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 07:19:00 -0800

O Balanço de Branco faz com que as cores da nossa foto sejam iguais às cores da realidade, dependendo da luz que está iluminando nossa cena.

Lembra que no começo contei que a luz bate em tudo que está por aí e reflete nos nossos olhos e na câmera? Então: o balanço de branco existe porque existem vários tipos de luz por aí. E dependendo da luz que bate na nossa cena as cores podem ficar diferentes. Isso acontece porque cada tipo de luz tem uma temperatura de cor.

Ok, vamos por partes: às vezes fotografamos com a luz do sol. Às vezes fotografamos com uma luz artificial como o flash ou uma lâmpada. Nosso olho é muito esperto então conseguimos ver as cores corretamente em qualquer situação, mas as câmeras nem sempre são tão espertas então precisamos contar para ela qual luz estamos usando para que ela a interprete da forma correta. Assim o vermelho vai continuar vermelho e o azul vai continuar azul e – como é de se imaginar – o branco continuará branco.

Temperatura de cor

A diferença entre uma luz e outra é a temperatura de cor – medida normalmente em Kelvins.

Todo mundo já tirou uma foto iluminada por lâmpada que ficou amarelada. Isso acontece porque a câmera não estava preparada para a temperatura de cor dessa luz.

Procure no seu manual a forma de mudar o Balanço de Branco na sua câmera: normalmente você encontra todas as opções que você precisa: luz do sol, sombra, tungstênio (aquela lâmpada antiga que gasta mais energia), lâmpada fria, tempo nublado, luz de flash, entre outros.

Também é possível medir manualmente a temperatura de cor. Mas primeiro use os ajustes automáticos para depois procurar fazer isso.

Com o balanço de branco deixamos a imagem com as cores reais, como a do meio.

4. O que é ISO ou ASA?

noreply@blogger.com (Grupo de Fotografia Em Foco) — Tue, 7 Dec 2010 07:15:00 -0800

ISO é a sensibilidade do sensor ou do filme. Quanto maior o valor mais sensível é. E quanto mais sensível mais luz é absorvida.

O último fator que controla a luz de cada exposição é a sensibilidade chamada de “ISO”. Você também vai escutar alguns chamarem de “ASA”, embora seja uma nomenclatura mais abandonada.

Quanto maior o valor ISO mais sensível será o sensor ou o filme. No geral, quando temos uma situação de bastante luz deixamos o valor ISO mais baixo para que a foto não fique superexposta. Quanto temos pouca luz deixamos o valor de ISO mais alto para que a foto não fique subexposta.

Os valores de ISO variam muito de câmera para câmera. Você vai encontrar valores de 80 a 3200 e muitos outros além (também chamados de “alta sensibilidade”).

O ISO e suas consequências

Mais uma vez a mudança desse valores não afeta somente a exposição: no caso do ISO quanto maior o valor de sensibilidade mais ruído será encontrado no resultado final.

O ruído é uma aberração que deixa a imagem com “pontilhados” de iluminação e cores – deixando a imagem menos nítida.

Veja exemplos abaixo:

ISO 200 - Imagem limpa e nítida

ISO 3200 - Podemos notar na imagem manchas de iluminação e cores, o famoso ruído. Principalmente na cor preta.