Arginati

Fluxus

arginati@gmail.com (Arginati) — Thu, 12 Feb 2026 05:53:00 +0100

Return of beast

una de las mas bellas creadas en 2025.

en el GRAN TALLER...

la amada casa (J.B.Justo 1743 - Caba)

tan amado, deseado...
Mi taller.

aquí sus frutos...

Título: Fluxus
Técnica: (complicada) acrílico S/lienzo

Medidas: 50x69 ctm,

Año: 2025

cuando se transforma la poesía en trazos...

sentimiento puro y duro que fluye del corazón..

Les deseo un gran año para tod@s de corazón.

#Art #LaConchaDeTuMadreConstantini #VisualArt #FKinYourAss

Kuartier IS DEAD

arginati@gmail.com (Arginati) — Fri, 2 Jan 2026 03:29:00 +0100

Rat in the kitchen...

Hay ratas que, tienen pseudos museos "y NO respetan obras de Arte" 37938/2017... 84248/2019

..cometiste casi todos los delitos...

MIS OBRAS..

son MIS OBRAS Y NO ESTAN A LA VENTA.

WARRIOR in the "PALACE ARGI - La Bestia 2026

#Art #LaConchaDeTuMadreConstantini #VisualArt #FKinYourAss

Bellezas

arginati@gmail.com (Arginati) — Wed, 31 Dec 2025 06:55:00 +0100

lo encarnizado.

Fragmento de obra 2025.

lo subyacente..

el ayer y el hoy..

carnal en estado puro..

el espíritu inmortal.

#Art #LaConchaDeTuMadreConstantini #VisualArt #FKinYourAss

Return: La Bestia

arginati@gmail.com (Arginati) — Tue, 16 Dec 2025 04:06:00 +0100

... en proceso.

Retourn

arginati@gmail.com (Arginati) — Mon, 15 Jan 2024 23:07:00 +0100

autorretrado en Cmaj7

Manifiesto Argi: TENGO SUEÑO..!!

Pepe..

arginati@gmail.com (Arginati) — Mon, 15 Jan 2024 23:01:00 +0100

mirá quien volvió ?

mirá la foto que viene a sacar....

a drede claro esta.

La vuelta a Cortázar en 80 Julios

arginati@gmail.com (Arginati) — Sat, 17 Jun 2017 08:12:00 +0200

A 100 años…

Para rendir homenaje a Julio Cortázar, a un siglo de su nacimiento se transmitió el programa especial “La vuelta a Cortázar en 80 Julios. A 100 años…

Participaron el narrador, ensayista, editor y catedrático, Hernán Lara Zavala, y el dramaturgo, poeta, ensayista, narrador y cineasta, Daniel González Dueñas.

Fuente: e-radio.edu.mx

Michael Maraden

arginati@gmail.com (Arginati) — Wed, 5 Apr 2017 05:48:00 +0200

Window Water Photon Grooving

Video de refracción de luz corta. Disparo en un iPhone 5.

Música: Sagas

Artesfera (3)

arginati@gmail.com (Arginati) — Wed, 28 Dec 2016 04:23:00 +0100

Dating Dalí

Nos fijamos en Dating Dalí, la "webserie" que da una vuelta de tuerca a la vida del artista surrealista español Salvador Dalí. Esta producción, que se estrena y distribuye íntegramente a través de Internet, es un proyecto pionero generado por Alonso Laporta, que es el creador de la novela y director de la serie, y Gon Alonso, que es el actor protagonista.

Dating Dalí, está dirigido a un público que busque la combinación de entretenimiento, arte y humor.

Episodio 3

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Ver capítulo anterior:

- Dating Dali: Episodio 1

- Dating Dali: Episodio 2

El movimiento fauve

arginati@gmail.com (Arginati) — Mon, 24 Oct 2016 12:48:00 +0200

La primacía del color

Por: Enrique Castaños

Con anterioridad a la aparición del movimiento fauve en el Salón de Otoño de París de 1905, ya existía un grupo fauve e incluso diversos estilos fauves. El grupo fauve, constituido antes de 1900, comprendía tres círculos distintos: en primer lugar, Matisse y sus condiscípulos de la época del estudio de Gustave Moreau y de la Academia Carriére: Marquet, Manguin, Puy, Camoin y Rouault; en segundo lugar, la llamada «Escuela de Chatou», con Derain y Vlaminck; en tercer término, el círculo de El Havre, al que pertenecían Dufy, Friesz y Braque. Dentro del grupo fauve también hay que incluir al holandés Van Dongen. Hoy nadie discute que Matisse, Derain y Vlaminck son los fauves más importantes, así como los más osados pictóricamente. Asimismo, Matisse fue el jefe y el eje de todos estos círculos, aunque Rouault y Vlaminck mantuvieron siempre una actitud más independiente.

El punto de partida del fauvismo, dirá Matisse, fue «la valentía para volver a la riqueza de recursos». En otro sentido, el fauvismo fue un movimiento sintético, que trató de usar y englobar los métodos del pasado inmediato. John Elderfield, en su magnífico estudio sobre el fauvismo que nos guiará en esta breve reseña, habla de un hilo importante que se desovilla a lo largo del fauvismo: el desarrollo de un neosimbolismo, un neoclasicismo y un imaginativo primitivismo, esto es, desde Lujo, calma y voluptuosidad (1904-1905) de Matisse, por un lado, hasta la serie de Bañistas (a partir de 1907) de Derain, por otro, momento en que la fase final del fauvismo «cezanniano» coincide con la naciente estética del cubismo.

Hacia 1900 el modo (principios y normas), no el estilo, impresionista seguía siendo el dominante en la pintura francesa, sobre todo a través de las versiones nabi (neosimbolista) y neoimpresionista, en la que el divisionismo de Signac era más popular entre los pintores jóvenes que el de Seurat. En André Derain. "Montañas de Colliure", 1905. Óleo sobre lienzo su periodo protofauve, es decir, desde finales de 1898 a 1901, Matisse hace un uso muy libre y nada programático de este neoimpresionismo, adoptando un divisionismo más metódico en el cuadro antes citado. Merece la pena, a este propósito, resumir la evolución de Matisse hasta 1904. De 1897 data su primer gran cuadro moderno, La mesa de comedor, que está muy cerca del lado nabi-intimista de la tradición impresionista. Después de la Naturaleza muerta a contraluz, de 1899, obra muy representativa del periodo protofauve basada en una técnica mixta que suponía un uso de la pincelada exagerada al modo impresionista y un uso asimismo de colores locales exagerados, Matisse desarrolla, desde 1901 hasta 1904, su llamado «periodo oscuro», caracterizado por un atemperamiento en la intensificación del color y por una mayor corporeidad y solidez en las figuras, esta última una clara influencia de Cézanne. La persistencia, no obstante, del color zonal en este periodo, debe interpretarse como una deuda contraída con el decorativismo plano de los nabis.

Por su parte, Derain, que entre principios de 1904 y la primavera de 1905 cubrió rápidamente varias etapas, sobre todo la neoimpresionista y la del color plano y zonal ya explorado por Matisse, y que también sufrió por entonces la influencia de Gauguin y de Cézanne, ya había escrito lo siguiente a Vlaminck en una carta de finales de 1901: «Estoy convencido de que la época de la pintura realista se ha acabado. Estamos a punto de embarcarnos en una nueva fase. No comparto la aparente abstracción de las telas de Van Gogh, aunque tampoco la discuto, pero sí creo que líneas y colores están íntimamente relacionados y gozan de una existencia paralela desde el principio mismo, y que nos van a permitir emprender una carrera sumamente independiente y libre… Vamos a encontrar así un campo, quizás no nuevo, pero sí más real, y, sobre todo, más simple en su síntesis». En el invierno de 1904-1905 Derain realiza algunas obras que pueden considerarse ya plenamente fauves, antes incluso y en gran medida por la ambición de superar a Matisse, inmerso entonces en su experiencia neoimpresionista. Entre ellas puede citarse El puente de Le Pecq, presentada en el Salón de los Independientes de 1905 y donde se combinan armoniosamente los estilos nabi, neoimpresionista e impresionista. Pero, a pesar de estos brillantes augurios, Derain no tuvo la suficiente seguridad en sí mismo para continuar por este camino en solitario. Después de ver las obras neoimpresionistas de Matisse de aquel invierno, vuelve también él a hacer obras en ese estilo, como las que realiza en Londres después de la primavera.

El fauvismo surgió definitivamente en Colliure en el verano de 1905, donde trabajaron juntos Derain y Matisse. En una carta a Vlaminck, le dice por entonces Derain: «Una nueva concepción de la luz que consiste en la negación de sombras… debo desechar cuanto concierne a la división de tonos» (esto es, cuanto concierne al principio del divisionismo de Seurat). Algunos años más tarde, dirá por su parte Matisse: «Lo que caracterizó al fauvismo fue nuestro rechazo de los colores imitativos; y el que con los colores puros obtuvimos reacciones más fuertes –reacciones simultáneas más llamativas–; y estaba también la luminosidad de nuestros colores…». El distanciamiento respecto a impresionistas y neoimpresionistas, comenta Elderfield, se produce desde el momento en que Derain trata las sombras y los reflejos como si tuvieran igual luminosidad. Esto suponía una forma nueva y depurada de colorismo, que plasmaba la luz mediante contrastes de tintas, no de tonos (aquí el término «tono» hay que entenderlo como el grado de intensidad, es decir, de luminosidad, de un color). Gracias a ello, no sólo se organiza el cuadro por superficies, sino que también se destaca la importancia de las áreas de color en fuerte contraste. Aunque los impresionistas no ignoraban el color que contenían las sombras, nunca dejaron de distinguir las zonas en sombra de las iluminadas, mediante variaciones tonales, uniendo pictóricamente estos dos tipos de zonas en una superficie uniformemente tramada. La actitud de Derain implicaba que los contrastes, y por consiguiente las áreas y zonas de color, adquirían una nueva importancia, pudiéndose prescindir de la uniformidad de factura impresionista. Todo ello podemos verlo en Vista de Colliure y Las montañas, Colliure, en los que la forma de aplicarse el color revela, sin embargo, cierta influencia tanto de Gauguin como de Van Gogh, esto es, colores planos y combinación de densidad de color y pincelada suelta.

En cuanto a Matisse, al comienzo de su estancia en Colliure sigue todavía bajo la órbita del neoimpresionismo. Pero muy pronto, en no poca medida por influencia del joven amigo, se desembaraza del divisionismo y adopta una especie de técnica mixta que va a continuar hasta principios de 1906, después de la muestra del Salón de Otoño. Un buen cuadro de este momento auroral es la célebre Ventana abierta, del verano de 1905. En este importante lienzo se aplican toques de color impresionistas y neoimpresionistas en el panorama que se ve por la ventana, mientras que el interior de la habitación está realizado a base de manchas toscamente aplicadas y zonas de tonos planos y bastante uniformes. En este cuadro, de otro lado, la forma en que las amplias áreas de colores complementarios quedan separadas por el motivo central tiene algunos precedentes en su obra protofauve, por ejemplo, en el Desnudo en el estudio, de 1899. Precisamente una de las constantes que descubrió en sí mismo por entonces Matisse fue esa manera de organizar la composición en la que los colores intensos no sólo podían yuxtaponerse, sino también mantenerse separados, equilibrándose a través de la superficie plana del lienzo, comunicándose entre sí desde los lados. Similar sistema de disposición de los colores aparece en el retrato que le hizo a Derain en Colliure. A partir de aquí, Matisse fue asentando su arte en los contrastes de zonas cada vez más amplias de colores complementarios, siendo toda su obra posterior una permanente investigación de las propiedades de la finísima película de la superficie del cuadro, que resiste la penetración óptica y que invita al ojo a recorrerla una y otra vez sin que se rompa su unidad. El cuadro titulado La línea verde, un retrato de su mujer del invierno de 1905-1906, inaugura el segundo estilo fauve, más preocupado por las zonas de color plano. A este respecto, dice Matisse: «Lo que creó la estricta organización de nuestras obras fue que la cantidad de color era su calidad», es decir, que para conseguir el máximo impacto con los colores, había que definir cuidadosamente sus zonas exactas.

Por lo que respecta a Vlaminck, hacia finales de 1905 y principios de 1906 consolida su estilo, convirtiéndose en el tercero de los grandes pintores fauves. Su arte era una búsqueda de la autoexpresión en sí misma, prescindiendo de los patrones estéticos (él fue, de hecho, el más próximo a la propuesta expresionista de Van Gogh). Si lo logró fue gracias a los tres atributos esenciales de su arte: una paleta limitada, dominada por los colores primarios; superficies enérgicamente modeladas y un instintivo, aunque excéntrico, sentido de la composición.

El bautizo del fauvismo, como bien recuerda John Elderfield, es uno de los episodios más emblemáticos del anecdotario del arte moderno. La explicación de Matisse es la siguiente: «Exponíamos en el Salon d’Automne; Derain, Manguin, Marquet, Puy y algunos otros habían colgado juntos sus obras en una de las grandes galerías. El escultor Marque exponía un busto infantil de estilo italiano en el centro de esta misma sala. Cuando Vauxcelles entró, exclamó: “¡Vaya, Donatello entre las fieras” [“Donatello au milieu des Fauves”]». El crítico Louis Vauxcelles, que ni mucho menos era adverso a los nuevos planteamientos artísticos, y que dedicó amplias y elogiosas páginas a comentar las obras más modernas del Salón, quiso hacer un juego de palabras: el nombre del célebre escultor renacentista por eso del estilo italiano de la obra de Marque, y la expresión «fieras» por el cromatismo intenso y agresivo de los pintores que allí exponían.

En los Independientes de 1906 el foco de todas las miradas fue Bonheur de vivre, de Matisse, un cuadro con el que el fauvismo consuma públicamente su separación del círculo neoimpresionista, y que, por ello mismo, disgustó a Signac. Las palabras que Maurice Denis había dicho de la pintura matissiana del Salón de Otoño de 1905 pueden aplicarse a este lienzo magistral: «La pintura de Matisse era incluso más abstracta que la de Van Gogh o que la de las decoraciones del arte oriental, algo más abstracto aún, una pintura al margen de toda contingencia, pintura en sí misma, puro acto de pintar… Hay, de hecho, una búsqueda de lo absoluto. Y, sin embargo, extraña contradicción, ¡este absoluto queda limitado por la más relativa de las cosas: la emoción individual!». También esa obra marcará la separación definitiva del fauvismo respecto de los nabis.

La exposición de los Independientes de 1907 supone la práctica terminación del fauvismo de Matisse y Derain, mientras que la muestra del Salón de Otoño del mismo año estableció la de los restantes miembros del grupo fauve. A partir de ese momento sus carreras iban a emprender caminos separados y, en muchos de ellos, sumamente diferentes a la revolución plástica que supuso la estética fauve.

Publicado originalmente en el diario Sur de Málaga el 23 de septiembre de 2005

El poder, los valores morales y el Intelectual.

arginati@gmail.com (Arginati) — Fri, 21 Oct 2016 13:48:00 +0200

Michel Foucault

Entrevista realizada a Michel Foucault en 1980 llamada “El poder, los valores morales y el Intelectual.”

Extraído del diario History of the Present Nº 4 (Primavera de 1988), 1-2,11-13.
Entrevistador: Michael Bess.
Traducción: Francisco Larrabe.

Esta entrevista se realizó el 3 de noviembre de 1980 por Michael Bess, estudiante graduado del Departamento de Historia en la Universidad de California, Berkeley. Foucault se encontraba en Berkeley para ofrecer las conferencias Howison (“Subjetivación y verdad”) los días 20-21 de octubre de 1980. Extractos de la entrevista aparecieron en un artículo escrito por el propio Bess y publicado el 10 de noviembre de 1980 en el diario estudiantil Daily Californian, de dicha universidad. La entrevista se desarrolló en francés y fue traducida por el propio Michael Bess.

- Hace un momento usted me contaba que es moralista…

En cierto sentido lo soy, en la medida en que creo que uno de los propósitos, uno de los sentidos de la existencia humana – la fuente de su libertad – es no aceptar nunca nada como definitivo, intocable, obvio o inmóvil. No se debería aceptar que ningún aspecto de la realidad se convierta en ley definitiva y anti humana para nosotros.

- Sin embargo, necesitamos aferrarnos, incluso de manera provisoria.

Sí, es cierto. Esto no significa que uno deba vivir en una discontinuidad indefinida. A lo que me refiero es que uno debe considerar todos los puntos de fijación, de inmovilización, como si fuesen elementos tácticos, estratégicos; como parte de un esfuerzo por devolver las cosas a su movilidad original, a su apertura al cambio.

Te mencionaba anteriormente los tres elementos de mi moral. Estos son (1) la negación a aceptar como evidente las cosas que se nos proponen; (2) la necesidad de analizar y conocer, dado que no podemos llevar a cabo nada sin la reflexión y el entendimiento – de ahí el principio de curiosidad; y (3) el principio de innovación: buscar en nuestras reflexiones aquellas cosas que nunca han sido pensadas o imaginadas. En resumen: negación, curiosidad, innovación.

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Un joven japones rehizo...

arginati@gmail.com (Arginati) — Fri, 22 Apr 2016 20:31:00 +0200

The Life of Pablo

..sin escucharla.

Tidal todavía no está disponible en Japón, los fans de Kanye West no han sido capaces de escuchar su último disco legalmente - por lo que un productor tomó el asunto en sus propias manos.

Si usted vive en un país occidental, es fácil asumir que sus hábitos de consumo de música reflejan las del resto del mundo - que nadie compra más música, que todo el mundo utiliza Soundcloud, que todo está en Spotify. De hecho, en Japón, las ventas físicas todavía superan enormemente a digital, mientras que los servicios de streaming como Spotify y Tidal tienen todavía por poner en marcha en el país.

Esto plantea un problema para los fans de Kanye West. El rapero del último opus, The life of Pablo, era hasta hace poco una exclusiva Tidal, lo que significa que el álbum estaba fuera de límites para cualquier persona en el país que quería escuchar el álbum sin descargarlo ilegalmente.

Frustrado con su indisponibilidad, un productor japonés decidió tomar el asunto en sus propias manos. TOYOMU, un productor de Kyoto, construyo su propia versión del álbum sin haber escuchado primero.

"En Japón, no podíamos escuchar TLOP oficialmente, debido a Tidal," dijo TOYOMU Palomas & aviones, "los servicios de suscripción en Japón son demasiado lentas, la mayoría de las personas siguen utilizando iTunes y comprar CDs. Pensé que sería una buena idea hacer todo el álbum sin escucharlo, (pero) quizás es el pensamiento inverso".

El resultado es : なんとなく印象III、パブロ (imaginando la "The life of Pablo"), una increíble outsider sobre el álbum construido con créditos muestra encontrada en WhoSampled, letras de genio, un text-to-speech TOYOMU generador, y la propia imaginación. En realidad, no tiene nada de sonido como el original Kanye's (aunque TOYOMU las decisiones creativas de hacer ocasionalmente golpeó cerca del rapero's), pero es convincente escuchar sin embargo.

Stream 印象III : なんとなく、パブロ (Imagining “The Life of Pablo”)

Debido a que bloquearon el reproductor de audio, tuve que publicarlo nuevamente pero con reproductor de youtube (video no reproductor de audio) , disculpen las molestias; la web libre es así.

1. Ultralight Beam
2. Father Stretch My Hands Pt. I ft. Kid Cudi
3. Pt. 2 ft. Desiigner
4. Famous ft. Rihanna and Swizz Beatz
5. Feedback
6. Low Lights
7. High Lights ft. Young Thug
8. Freestyle 4 ft. Desiigner
9. I Love Kanye
10. Waves ft. Chris Brown
11. FML ft. The Weeknd
12. Real Friends ft. Ty Dolla $ign
13. Wolves ft. Frank Ocean
14. Siiiiiiiiilver Surffffeeeeer Intermission
15. 30 Hours ft. André 3000
16. No More Parties In LA ft. Kendrick Lamar
17. FACTS (Charlie Heat Version)
18. Fade ft. Ty Dolla $ign and Post Malone
Fuente: dazeddigital.com

Convocatoria PyR Festival 2016

arginati@gmail.com (Arginati) — Thu, 21 Apr 2016 20:00:00 +0200

CIERRA el 31 de JULIO 2016 (inclusive)

Esta convocatoria está dirigida a cortometrajes construidos netamente con imaginería abstracta. ¡Nada de representación, sólo Puntos y Rayas como fines en sí mismos!

Invitamos a los autores a concentrarse en la expresividad de los elementos que constituyen el arte audiovisual en su estado más puro: Color, Movimiento, Forma y Sonido.

La participación es gratuita.

> Requisitos

· Los films deben estar realizados únicamente con imaginería abstracta, evadiendo la representación.

· Se acepta cualquier técnica: dibujo, vídeo composición, cgi, scratch, op·art, stop·motion, animación sin cámara...

· La banda sonora no puede contener palabras en ningún idioma. Si utilizas una canción, ésta debe ser netamente instrumental o contener voces inarticuladas.

· La duración máxima es de 8 minutos.

· Recomendamos enfáticamente enviar tu film en FULL HD / 1080p (1920 x 1080 / 24 fps / progresivo), ya que proyectaremos todos los trabajos seleccionados en esta resolución.

· Nuestros formatos de preferencia son .MOV | .MP4. Recomendamos no comprimir o utilizar el códec H264 o x264 (lossless).

> Participación

La participación está abierta a todas las personas del mundo, de cualquier edad y formación. La inscripción es gratuita y debe realizarse online antes del domingo 31 de Julio 2016 (inclusive).

El proceso de inscripción se hace a través de nuestra Zona de USUARIOS. Para tener acceso a ella, debes primero Registrarte.

El proceso de inscripción consta de 5 partes:

1. Registro de Usuario > Regístrate aquí
o si ya tienes obra seleccionada en PyR > Inicia sesión aquí
2. Registro de Autor
3. Registro de Coautores y/o Compositores (si los hubiera)
4. Inscripción del/los film/s
5. Envío del/los film/s online

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Clase del 9 de marzo de 1983

arginati@gmail.com (Arginati) — Wed, 12 Aug 2015 23:50:00 +0200

Michel Foucault

Curso en el Collège de France

Ciclo lectivo (1982-1983)

Segunda hora

Estadio del Gorgias — La obligación de confesión en Platón: el contexto de liquidación de la retórica — Las tres cualidades de Cálleles: episteme; parrhesía y éunoia — Juego agonístico contra sistema igualitario — La palabra socrática: básanos y homología.

Repito lo que he dicho: ésta es la última clase. Supongo que saben que es la última clase porque ya he sacado las conclusiones. Querría pues, a título en parte de adición y para llenar una laguna, volver a dos textos del Gorgias, en esencia a uno que a mi entender fija bastante bien [o, mejor], esboza al menos el tipo de relación que, en la parrhesía, debe instaurarse, ya no con el político, insistamos, ya no con el rétor, sino con el discípulo. Éste es el tercer aspecto, el tercer perfil, el tercer campo de actividad, campo de ejercicio de la parrhesía. [...] Había pensado [entonces] estudiar uno tras otro dos textos del Gorgias. Uno que revisaré de manera más sucinta, en cuanto se trata de un texto que, pese a la importancia que se le atribuye, no me parece que corresponda justamente a la parrhesía filosófica. Y luego otro en el cual Platón emplea la palabra parrhesía, y es el primer uso del término en lo que podríamos llamar el campo de las prácticas de la dirección de conciencia. Como es obvio, querría dedicarme a este segundo texto.

Para ser breve, lo que me gustaría decirles acerca del Gorgias es lo siguiente: como saben, en la clasificación posplatónica o neoplatónica se le dio el subtítulo de Perí tes rhetorikés ("Sobre la retórica"). Y se trata en efecto de una interrogación sobre la retórica, pero muy diferente de la que encontramos en el Fedro. En este diálogo, efectivamente, la crítica de la retórica se hace, como saben, a través de una imitación; juego complejo, toda vez que la retórica misma es un arte de la adulación, imitación a cuyo término, a propósito del amor, se muestra que no es el discurso retórico el capaz de hacer el elogio verdadero del verdadero amor, sino otro tipo de discurso que debe articularse, de manera permanente y continua, con la verdad en la forma de la dialéctica. El Gorgias, por su parte, plantea la cuestión de la retórica, pero la plantea de diferente forma, y de dos maneras.. La diferencia es doble.

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Publicaciones anteriores:

- Primera hora 1/2

- Segunda hora

- P rimera hora

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- Prinera hora

K de Kant

arginati@gmail.com (Arginati) — Sat, 13 Jun 2015 05:11:00 +0200

El Abecedario de Gilles Deleuze

es decir, por qué ocuparme de Kant..

Entrevista realizada por: Claire Parnet

* Publicaciones relacionadas:

- B de bebida

- C de cultura

- D de deseo

- F de felicidad

- I de idea

- J de alegría

- L de literatura

- N de Neurología

- O de Opera

- P de profesor

- Q de pregunta

- R de resistencia

- S de estilo

- T de Tenis

- U de uno

- V de viaje

- W de Witgesntein

Artesfera (2)

arginati@gmail.com (Arginati) — Sat, 16 May 2015 05:26:00 +0200

Dating Dalí

Dating Dalí, está dirigido a un público que busque la combinación de entretenimiento, arte y humor.

Episodio 2

The Residents

arginati@gmail.com (Arginati) — Fri, 17 Apr 2015 05:38:00 +0200

Baby Sex (1971)

Reel-To-Reel, ¼"

The Residents estaban haciendo un montón de grabación ya en 1956 de acuerdo con lo que dicen.

A una edad más tarde fueron ayudados en gran medida por un número de personas, tanto en San Mateo y en San Francisco. El grupo de chicas, La singularización Lawnchairs, contribuyó a muchas de las grabaciones que hizo Bob Tangney, Roland Sheehan, Jim Whitaker, PC Lithman, Zeibak y N. Senada.

1- We stole this riff.
2- Holelottadick.
3- Baby Sex
4- Deep sea diver song.
5- King Kong.
6- Cantaten to der dyin prunen.
7- Something devilish.
8- The fourth crucifixion.
9- Hallowed be thy wean - (1971).

La mayor parte de las grabaciones experimentales no han sido puestos en libertad y no hay planes actuales para hacerlo.

Dos álbumes conceptuales fueron completados pero no destinados al público. Ambos se registraron en San Mateo como el estudio de San Francisco no se agregó hasta 1972.

Warner Bros. Album 1970
Baby Sex 1971

Francis Bacon

arginati@gmail.com (Arginati) — Tue, 7 Apr 2015 01:05:00 +0200

"The South Bank Show"

Episodio: 8x25

Fecha de emisión: domingo 9 de junio de 1985.

Producido por LWT (ahora marca ITV Studios)
Original ITV canal (ITV1 / STV / UTV)

Play video

Parte de The South Bank Show series; David Hinton dirige este documental sobre el pintor británico Francis Bacon, conocido por sus retratos terribles de la humanidad. El programa consiste en una serie de conversaciones entre Bacon y entrevistador Melvyn Bragg, que empiezan con el comentario durante una presentación de feria en la Tate Gallery en Londres. Más tarde en la noche, el Bacon es seguido a través de diversos bares que cuelgan hacia fuera, la bebida y el juego. En otro segmento, Bacon ofrece un recorrido por su estudio de pintura y un vistazo a sus fotografías de referencia de los humanos distorsionados. El artista habla de sus teorías, influencias y obsesiones. Este título ganó un premio Emmy Award en 1985.

Clase del 9 de marzo de 1983

arginati@gmail.com (Arginati) — Fri, 3 Apr 2015 00:43:00 +0200

Michel Foucault

Curso en el Collège de France

Ciclo lectivo (1982-1983)

Primera hora

El vuelco histórico de la parrhesía: del juego político al juego filosófico — La filosofia como práctica de parrhesía: el ejemplo de Aristipo — La vida filosófica como manifestación de la verdad — La alocución permanente al poder— La interpelación de cada cual— El retrato del cínico en Epicteto — Feríeles y Sócrates — Filosofía moderna y coraje de la verdad.

Hoy es la última clase. Mi proyecto era, en primer lugar, terminar lo que estaba diciéndoles acerca de lo que es el filósofo parresiasta en Platón. Y procuré entonces captar algunos perfiles de ese filósofo parresiasta en las cartas Vil y vin y luego en el Fedro. Hoy querría hacerlo con referencia al Gorgias, que a mi juicio pone de relieve un tercer aspecto de la función parresiástica de la filosofía. Y después, claro está, contaba y sigo contando con concluir. Con la salvedad, ustedes me conocen, de que corría el riesgo de demorarme indefinidamente y no llegar a la conclusión. Me preguntaba en consecuencia si no habría que empezar por concluir, antes de pasar a esa tercera parte, ese tercer aspecto, ese tercer perfil del filósofo parresiasta. Estaba en esas cavilaciones cuando el [servicio de] fotocopiado me informó que la máquina no funcionaba y que el texto que yo quería repartir (el texto del Gorgias) no estaría listo antes de las diez como muy temprano, y eso si llegaba a tenerlo. Por consiguiente, el orden de las cosas ha determinado la serie de mis enunciaciones. Razón por la cual me veo forzado, obligado a empezar por la conclusión. La registrarán, por decirlo así, en un rinconcito de la cabeza, y a continuación, en la segunda hora, o al final de la primera y durante toda la segunda, volveré a cierto aspecto, insisto, de la parrhesía filosófica que, de una manera u otra, querría destacar porque tiene su lugar en el cuadro que me gustaría trazar. Perdónenme entonces esta inversión de las cronologías y las lógicas. Concluyamos pues, para comenzar.

En la primera parte del curso, recordarán, traté de analizar cierta forma de parrhesía tal como podía aparecer, ya fuera a través de un texto de Eurípides, ya a través de un texto de Tucídides. Y dicha forma de parrhesía puede ponerse bajo el signo, el símbolo, la marca de Pericles. Digamos, si les parece, que se trata del momento pericleano de la parrhesía, Y luego intenté esbozar en mayor o menor medida lo que podríamos llamar momento socrático-platónico de la parrhesía. Mientras que el momento pericleano se sitúa, desde luego, en la segunda mitad del siglo V a.c, habría que situar el momento socrático y platónico en la primera mitad e incluso en el comienzo mismo del siglo rv. Me parece que este momento platónico de la parrhesía es el que va a dominar por cierto tiempo, e incluso por mucho tiempo, la práctica filosófica. [...] En consecuencia, la primera parte era el momento pericleano de la parrhesía. El segundo era el momento platónico que, creo, domina al menos la historia de la filosofía considerada como una práctica determinada de verídicción.

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Artesfera

arginati@gmail.com (Arginati) — Thu, 19 Mar 2015 04:57:00 +0100

Dating Dalí

(18/03/15)

Dating Dalí, está dirigido a un público que busque la combinación de entretenimiento, arte y humor.

Episodio 1

Una aproximación..

arginati@gmail.com (Arginati) — Fri, 27 Feb 2015 04:21:00 +0100

..al Anti Edipo de Gilles Deleuze & Felix Guattari

por Marcelo F. Ponte

"Solo hay el deceo y lo social, y nada mas".

Gilles Deleuze y Felix Guattari.

L 'Anti Oedipe. p.32

I
Es tentador pensar que el deseo es el tema de El Anti Edipo (1972) de Gilles Deleuze y Felix Guattari. Motivos sobran. Deseo es la palabra que aparece y reaparece en una multitud de enunciados. Ubicuo, el deseo es puesto bajo un foco de luz para ser destacado y observado, desde diversos angulos. La mirada hace resaltar no solo al deseo en si —su insistencia— sino todo lo que le rodea, a todo aquello que de un modo u otro afecta —y de lo cual es, a su vez, efecto.

Pero desde luego, decir que el deseo es el tema de El Anti Edipo no implica necesariamente decir que el deseo es su unico tema. Es que el deseo no es un naufrago, no hay modo de encontrarlo a solas. La perspectiva deleuzeana gira alrededor del deseo como algo que —al merodearto— puede ser descubierto por todas partes, y asi, entra en interaccion con un vasto mundo de cosas —cosas con las que se topa— que pertenecen a ambitos o esferas aparentemente distanciadas.

Con la palabra que mas veces se encuentra deseo es maquina. Asi, ambos, deseo y maquina, pueblan, colorean y dan sustancia al devenir-texto de la reflexion. A deseo y a maquina son dos vocablos que nos cuesta hacer congeniar. Sin embargo, se intersectan en un espacio compartido, en un compuesto que los reúne. Aparecen en escena, entonces. juntos, como maquinas deseantes. Pero ya volveremos sobre esto.

El deseo —la "maquina" que el deseo es— entra en relacion con el limite y con el mas alla del limite, por eso entra en relacion tambien con la ley y con la transgresion.

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Fuente: educalab.es/intef

Isidore Isou

arginati@gmail.com (Arginati) — Thu, 12 Feb 2015 03:14:00 +0100

Poemes Lettristes

(1944-1999)

Isidore Isou, nacido en 1925 en Botosani, Rumania, es el fundador del Movimiento lettriste . En un primer momento, alrededor de 1945, su sistema concreto se limitó a un lugar común la escritura alfabética (el período de la escritura latina), más tarde se passe a un examen de las posibilidades inmediatas de letras y signos (el período de "multi-estilo") y para el "hypergraphy." así -denominado Poeta, polémica, pintor.

Según Isidore Isou existe una evolución poética que, de Baudelaire a Tzara, implica una profundización constante y la reducción de la materia poética, de la poesía a la frase, de la frase de la palabra, de la palabra al fonema, de la fonema a la sílaba, a la letra del alfabeto.

En 1945 se fundó en consecuencia un movimiento, "lettrisme", que propone la carta como el único material para un diferente poesía (autre poésie), una poesía basada en la belleza melódica de combinaciones alfabéticas. Al mismo tiempo experimentó con la escritura que él llamó hypergraphy. Hacia 1950 los miembros del grupo lettrisme, además de él Isou, fueron Maurice Lemaître, Jacques Spacagna, Roland Sabatier, Altagor, Gabriel Pomerand, Roberto Altmann, Jean-Louis Brau, Gil J. Wolman, François Dufrêne, pero los tres últimos, como hemos visto, a la izquierda del grupo hacia 1960 para establecer el movimiento ultra-letriste. El programa no fue más allá de lo que ya se había hecho por los dadaístas Hausmann y Schwitters en Alemania, Albert-Birot, y la Artaud de los experimentos en la glosolalia en Francia, y Krucenych y Iliazd en Rusia.

Tracks 1 a 13, desde el CD Isidore Isou: Poemes Lettristes 1944-1999 Alga Marghen, Italia, plana I 12VocSon033, 1999

1. Poeme pour broyer le cafard (1950)
2. Marbre pour Dante: Enfer, Purgatoire, Paradis (1950)
3. Boxe (1947)
4. Bonne nuit, Madagascar (1945)
5. Sonnet (1944)
6. Jungle (1945)
7. En souvenir de Gabriel Pomerand (1981)
8. Les Djinns (1981)
9. Improvisation (1999)
10. Invitation au voyage (1984)
11. Niege (1950)
12. Lances Rompues pour la Dame Gothique (1945): interlude (Isou-Dufrene) (1972); recherches pour un poeme en prose pure (1950); coda semantique (Isou-Dufrene)
13. Isou performed by Francois Dufrene

Sin embargo, the lettristes, Isou y Lemaître especialmente, lograron componer poemas fónicos que no son para ser ignorado - "coche le letrismo - poésie, musique, peinture -.. Est Un tout et Fiduciario de la ONU En poésie, además de mots en musique, plus d'instrumentos, seulement sur un columpio rythme, des ineuglements et des grognements spontanés. Quant à la peinture, qui l'objet Supprime, elle n'a coucher sur la toile des 'ah! oh! hola! pan! pan!' "(H. Morel en" Ce Matin ", 1947). En efecto, al igual que la letra del alfabeto, y más aún, el signo gráfico puede ser un elemento tan hermoso como un objeto decorativo. De estas obras, Isou de "Ritual Somptueux pour la selección des Espèces": singsongs solemnes de tipo africano. Paroxismos orgiásticos magistralmente distribuidos en un espectáculo sonoro pagana que la Tzara del período Cabaret Voltaire sería tal vez no han desdeñado a componer si hubiera dispuesto de medios técnicos de grabación y luego no disponible.

Fritz Lang

arginati@gmail.com (Arginati) — Fri, 6 Feb 2015 20:27:00 +0100

Metrópolis

(1927)

Una película expresionista de ciencia ficción alemana producida durante el corto período de la República de Weimar. Dirigida en 1927 por el director austriaco Fritz Lang, la película está en silencio y en blanco y negro.

El guión está escrito por Lang y su esposa Thea Von Harbou con actores como Brigitte Helm, Gustav Fröhlich, Alfred Abel y Rudolf Klein-Rogge.

Play Film

La película fue producida en el Babelsberg Studios por UFA

(Universum Film AG).

Frans Zwartjes

arginati@gmail.com (Arginati) — Sun, 1 Feb 2015 21:53:00 +0100

Spectator

(1970)

Frans Zwartjes es un cineasta, músico, luthier, pintor y escultor.

A finales de los años 60 fue uno de los primeros artistas visuales holandeses a tomar hasta el cine, inicialmente para documentar sus actuaciones y poco después como un medio independiente.

Sus obras alucinantes causaron furor, con psicológica imágenes en blanco y negro. La obra de Zwartjes incluye más de cuarenta películas y su estilo ha dejado un sello fuerte en al menos dos generaciones de cineastas experimentales en Holanda. Usted nunca ha visto algo como esto.

- Anthology Film Archive

(Play video)

Christian Manders y Moniek Toebosch acto el artista y su modelo. Escondido detrás de su cámara, el fotógrafo no puede obtener la cantidad suficiente de su embrujo modelo con las largas pestañas..

Clase del 2 de marzo de 1983

arginati@gmail.com (Arginati) — Sun, 11 Jan 2015 05:46:00 +0100

Michel Foucault

Curso en el Collège de France

Ciclo lectivo (1982-1983)

Serie de recordatorios sobre la parrhesía política — Puntos de evolución de la parrhesía política — Las grandes cuestiones de la filosofía antigua - Estudio de un texto de Luciano — La ontología de los discursos de veridicción — La palabra socrática en la Apología — La paradoja de la falta de compromiso político de Sócrates.

Para empezar hoy, querría marcar varias etapas del recorrido [...]. El hilo conductor que había elegido para el curso de este año era la noción de parrhesía, una noción compleja que, de tomarla en sus valores etimológicos o, en todo caso, sus valores corrientes, parece remitir a dos principios: el principio del libre acceso de todos a la palabra, por un lado, y por otro el principio un tanto diferente, claro está, de la franqueza con que se dice todo. En suma, ¿no consistirá la parrhesía en que todos puedan decirlo todo? La palabra, en cierto sentido, lo sugiere. De hecho, como recordarán, vimos que las cosas eran un poco más complicadas. En primer lugar porque la parrhesía no es la libertad de palabra, la libertad de hablar concedida a cualquiera. En realidad, la parrhesía parece estar ligada a una organización, si no exactamente legislativa, al menos instituida, consuetudinaria del derecho de palabra y de sus privilegios. En segundo lugar, se puso de relieve que la parrhesía tampoco era simplemente la licencia para decirlo todo, sino, por una parte, una obligación de decir la verdad, y, por otra, una obligación acompañada del peligro que entraña decir la verdad. Para el análisis de esas diferentes dimensiones de la parrhesía hice referencia a dos textos. [El primero,] que estudié de manera un poco más extensa, era Un, la pieza teatral de Eurípides, y [el segundo,] el texto en el cual Tucídides muestra de qué manera Pericles utiliza su parrhesia ante el pueblo ateniense, cuando tiene que intervenir a propósito de la guerra y la paz con Esparta. A través de esos dos textos se manifestaba que la parrhesía estaba, primero, ligada a! funcionamiento de la democracia. Recordarán que Ion la necesitaba para regresar a Atenas y fundar el derecho político ateniense básico. Por otro lado, Pericles se valía de su parrhesía —Tucídides lo muestra con insistencia- en las reglas de funcionamiento general de la democracia. La parrhesía funda la democracia y la democracia es el ámbito de la parrhesía. En primer término, por tanto, el lazo de pertenencia circular entre parrhesía y democracia.

Segundo, había procurado mostrarles que esa parrhesía suponía entonces una estructura institucional precisa, la de la segaría, es decir el derecho a tomar la palabra concretamente otorgado por la ley, por la constitución, por la forma misma de la politeia, a todos los ciudadanos. Ion, lo recordarán, no quería volver a Atenas como bastatdo, porque de hacerlo no tendría los derechos, los derechos iguales -reconocidos sólo a los ciudadanos, pero a éstos sin excepción- a tomar la palabra. Y Pericles sólo tomaba la palabra luego de todos los demás ciudadanos o, en todo caso, de todos los que habían querido tomarla y ejercido efectivamente sus derechos. El derecho de Pericles se inscribe pues en el juego de la isegoría. Ése era el segundo punto.

El tercer punto es que, aun cuando se inscriba en el campo igualitario de la isegoría, la parrhesía supone, implica el ejercicio de cierto ascendiente, un ascendiente político ejercido por unos sobre otros. Si Ion quería tener la parrhesta no era simplemente para ser un ciudadano como los demás, sino para poder figurar en el protón zygón ([en] primera línea) de los ciudadanos. Y si Pericles tomaba la palabra, y ésta tenía por lo demás los efectos que tenía, es porque -Tucídides lo recuerda- era el primer ciudadano de Atenas. Ésta es la tercera característica de la parrhesía.
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