ART234 - Arte Contemporáneo

Lygia Pape en la Serpentine Gallery

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Thu, 12 Jan 2012 21:53:00 +0000

Para ler esta entrada en galego preme aquí

* Lygia Pape: Magnetized Space
Hasta el 19 de febrero
Serpentine Gallery - Londres
Los libros de Lygia Pape por María Clara Amado Martins

Ttéia 1, C - Lygia Pape

No había llovido en todo el día hasta que, después de pasar con apuro entre las últimas luces y casetas navideñas que resisten en Hyde Park, llegamos a los jardines de Kensigton, la otra mitad del parque en el que cuatros siglos antes Enrique VIII cazaba distraídos cervatillos. Pasamos por delante del Monumento al príncipe Alberto, quien por su muerte prematura no pudo evitar que su esposa le erigiese este colmo neogótico por el que habría de sentirse, en sus propias palabras, permanentemente ridiculizado. Más adelante, después de atravesar un sendero y cruzar el río Serpentine, que es un afluente del Westbourne, que a su vez es un afluente subterráneo del Támesis, llegamos a una coqueta casa del té levantada en 1934, reconvertida en museo de arte en 1970 y reformada como galería de arte contemporáneo veinte años más tarde bajo el patronazgo de la sloan ranger elevada a martir, Lady Di. Es la Serpentine Gallery, conocida sobre todo porque cada año un star system architect diseña un pabellón en los jardines que sirve para proyectar películas e impartir conferencias durante el verano. Por ahí han pasado Siza, Koolhas, Niemeyer, Nouvel, o el año pasado, Peter Zumthor. La entrada es gratuita, y la exposición que fuimos a ver, Magnetized Space, enseña una parte de la evolución artística de una figura mayor del arte brasileiro, Lygia Pape (1927-2004).

A comienzos de los años 50 en Brasil se llora el maracanazo y en Sao Paulo, además, unos tipos hablan de concretismo, una tendencia de la abstracción que sugiere que el arte debe liberarse de cualquier asociación simbólica con la realidad. Las líneas y los colores son concretos por sí mismos. Dicho en otros términos, la obra de arte no refiere a la realidad o a la emoción, sino unicamente a sí misma. O sea, tributando en la URSS. Sao Paulo una vez me pareció una ciudad de intelectuales desayunando pao com queijo y leyendo reseñas de A Folha. Mientras, en la acera de enfrente, un grupo de artistas de Rio que no se tomaban tan en serio a si mismos, dicen que aunque comparten algunas pautas generales, hay que poner un enfasis mayor en la intuición como parte clave del trabajo artístico. A eso lo llaman, sin cansarse mucho, Neococoncretismo, y lo lanzan en un manifiesto en el Jornal do Brasil en 1959. Dicen que el artista ya no es sólo un creador de prototipos industriales, que tiene libertad para experimentar y alterar con emociones y subjetividad el esfuerzo constructivo. Como un Mauro Silva con el pase de Valerón, o como dicen en el Guardian, modernismo con bossa nova. Una de las que firmó ese manifiesto fue Lygia Pape.

En la primera sala hay tres vídeos de tres performance. En uno se ve como Lygia se pincha una jeringuilla en la boca y se saca sangre. En otra sala hay dos fotografías de un grupo de gente observando a dos chicos danzar en una plaza de Rio. Nos comimos una magdalena de Proust al ver los dibujos de las aceras de basalto portuguesas, las de los mestres calceteiros. Y además hay algo en estas fotografías, en las ropas de la gente, en sus poses, en la circulación, que es Brasil entero. En la siguiente sala está una de sus instalaciones más celebradas, Livro do tempo. Consiste en 365 objetos de madera, cuadrados de 16x16 cm pintados con colores primarios y que son, en palabras de la autora, una forma de conocer el mundo. Dice también que paró en esa cantidad en el momento en que se percató de que estaba realizando una pieza al día (365 días del año), de que estaba marcando un tiempo de ejecución determinado con un sentido de pausa que percibía y valoraba como parte de la obra, algo que descartaban los matemáticos paulistas.

Y ya en la última sala nos gustó mucho la instalación Ttéia 1 C, que de alguna manera cierra una trayectoria añadiendo el formato tridimensional a las exploraciones geométricas que dominaron su obra. En esa sala oscura unos cuantos hilos de oro, oportunamente iluminados, crean unos ejes de luz brillantes que se entrecortan en ángulos remarcados, como los de una película expresionista alemana. Fue Lygia Pape la que creó esa atmósfera inmaterial, y de verdad, magnética.

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Wed, 04 Jan 2012 19:07:00 +0000

Os andamios ocultaban a Berenguela, e non quedeban cogomelos no Xa Chegou, e hai cinco minutos que pechara o Abastos, i esquivamos unha pista de xeo arrepiante na Quintana, e nas Crechas soaba britpop, e topamos tenderetes de souvenirs por riba da Rúa Nova, e o Modus estaba cheo de funcionarios, e cheiraba a Conde Roa, e semallaba que xa nin un só verme de luz brilaba en Compostela, a que trasnparentan as fotos de Jeff Wall no CGAC, ate o 26 de febreiro, e a da túa marabillosa compaña.

Reflejos fragmentados del posmodernismo

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Mon, 19 Dec 2011 09:57:00 +0000

Para ler este texto en galego preme aquí

* Posmodernism. Style and subversion 1970-1990
Victoria and Albert Museum, Londres
12 Libras. Hasta el 15 de enero de 2012

Durante la mañana había nevado y no subió de cuatro grados en todo el día. Llegamos algo tarde porque había una huelga de conductores en la línea Hammersmith. El último cuarto de la exposición lo vimos casi corriendo, como en la película de Godard, y quizá por eso nos saltamos la referencia a New Order que echamos de menos al salir. Every time i see you falling.

En el posmodernismo dicen que cabe el arte, la literatura, la filosofía y Tele5. La exposición en el Victoria & Albert Museum se centra en la vertiente estética y posmaterialista de las últimas décadas. Explora los orígenes del posmodernismo y su significado a través del diseño, aplicado sobre todo a la arquitectura, pero también a la moda, las artes gráficas y la artesanía (cerámica), y de su influencia en la cultura popular, sobre todo en el cine y la música. Sin apenas disquisiciones filosóficas.

La definición, se sabe, es complicada y problemática. Y controvertida. Dicen que fue una nueva ventana en un nuevo mundo, la que surgió cuando el modernismo, la tendencia que prevaleció en la cultura visual americana y europea durante buena parte del siglo XX, murió. Han decidido utilizar un marco temporal, de 1970 a 1990. Veinte años en los que los ideales representados por la ortodoxia racionalista de los objetos de la Bauhaus, de los edificios en estilo internacional, de la ropa simple y funcional y de las tipografías claras, fue derrotada por nuevas tendencias expresivas y una nueva permisividad más o menos tolerada. Surgió en ámbitos de estatus y dinero que, contradictoriamente, estaban ahí para desmantelarlo. Abrió un terreno incierto, ambiguo, teatral, teórico, lúdico, lujoso, ruinoso y luminoso. Un poco desolador, un poco desinteresado. Como un reflejo en un espejo roto.

Las salas de la exposición, intencionadamente, apenas están iluminadas, como los clubs malditos ochenteros. Como el Roxy. Y como el Rus, bromeó el otro. También nos acordamos del Bar de los Ron. El atrezzo con columnas clásicas de cinco metros en las primeras salas nos pareció. Entre los más de doscientos cincuenta objetos que vimos, me quedé con los diez que siguen son. Las mayúsculas son etiquetas de Jane Pavitt, una de las comisarias, que ayudan a entender el collage posmodernista. O como se diga.

ZIGURATS (Y GASOLINERAS)

1. Alexandro Mendini, Destrucción de la silla Lassú. 1974

Objeto proyectado, creado y destruido en 1974 por Alexandro Mandini, que además por entonces era editor de la legendaria revista de diseño y arquitectura Casabella y una de las personalidades del Diseño Radical italiano. Mandini toma una silla diseñada por él mismo, de formas muy puras, la coloca sobre unos escalones a modo de trono, de escala precolombina, la baña de gasolina, le prende fuego y toma unas cuantas fotografías del proceso. Como una proclamación, una de ellas es portada de la revista. Un evangelista diría que de lo que ardió renacerá algo nuevo de sus cenizas.

APRENDIENDO DE LAS VEGAS

2. Denis Scott Brown y Robert Venturi en el desierto de Las Vegas. 1966

Ambos eran arquitectos, estaban casados y eran los socios principales de una firma que hoy tiene su base en Filadelfia. Y antes habían sido profesores en Yale, y solían llevar a sus alumnos a Las Vegas, capital del juego y de la resaca capitalista. Querían mostrarles otra arquitectura diferente al modernismo de acero y cristal vigente por entonces. "Deslumbrados por el sol del desierto y sus signos, los dos amábamos y odiábamos lo que veíamos, sentimos como se despellejaba nuestra piel estética". En 1967, con sus alumnos, escriben Learning from las Vegas, un alegato en favor del poder comunicativo de la arquitectura. Sabían que las Vegas, y la América de autopistas y malls, resultaban abrumadoras, pero era también un exceso que la gente quería aquí y ahora, sin problemas de conciencia. Ese mismo año Bruno Zevi (Saber ver la arquitectura) había escrito que "el que decide abandonar el movimiento moderno puede escoger entre Versailles y Las Vegas". El clasicismo de altos vuelos y la cultura popular no se dieran la mano, pero tuvieron una cita.

PRESENCIA DEL PASADO

3. Charles Moore, Modelo de Piazza Italia, Nueva Orleans 1976-79

En los años 60 y 70 se jugó bastante con estilos arquitectónicos del pasado (clásico), es lo que algunos llaman historicismo. Una tendencia criticada con hostilidad, "pastiches", pero que después de todo, y mejor o peor, es una respuesta estilística plural y desprejuiciada al monolotisimo ortodoxo modernista. Este espacio de Charles Moore, clave de la arquitectura posmodernista, es monumental, excéntrico, grave pero simpático. Pretendía ser un un homenaje de la comunidad italiana local de Nueva Orleans a la ciudad, un espacio abierto compuesto principalmente de neones que se encendían durante la noche, con ornamentos clásicos fragmentados y una fuente central sobre un mapa de Italia que remata el conjunto. Además de los tres ordenes clásicos, Moore inventó para esta ocasión un nuevo orden que llamo Deli Order, ele ahí. Está en Nueva Orleans y podía estar en el kilómetro 456 de la NVI. Se restauró en 2004 y sobrevivio al Katrina.

Otro ejemplo similar y formidable del que se pueden ver algunos planos es Le espaces d´Abraxes, en Marne-la-Vallée (1972-82) de Ricardo Boffil, donde tres años más tarde Terry Gilliam rodó Brazil.

COLLAGE

4. Nils-Ole Lund, El futuro de la arquitectura, 1979.

No fue el posmodernismo un movimiento compacto, mas bien un lugar de convergencia entre profesionales con ideas o métodos afines, uno de ellos tan particular y sencillo como cortar y pegar. El collage postmodernista no trata de unificar o sintetizar en un todo las partes, como hacían los modernistas, simplemente pretende abarcar y plasmar, sin más discurso, la diversidad del mundo. Lund hizo unos cuantos collages mostrando paisajes de edificios del final del modernismo en ruinas, decaídos y devorados (reclamados) por la naturaleza.

APOCALYPSE THEN

5. Ridley Scott. Blade Runner, 1982

Tan fascinantes como las ruinas romanas son las que dejó el paisaje postindustrial. Del obejto modernista surgía la utopía y el progreso, del postmodernista la distopía y el punk. Este caos material es parte fundamental de la estética apocalíptica urbana. La mostró como nadie fue Ridley Scott en Blade Runner (1982). La película es una mezcla del estilo futurista mezclado con los años 40 (es del 82, es decir, cuarenta años antes y cuarenta después). En Los Ángeles, en 2019, nos dicen que nuestra identidad es un producto artificial surgido de la publicidad que vemos, de la ciudad en la que vivimos, de la televisión que vemos.

NEW WAVE

6. Grupo Memphis, Portada de la revista Domus, años 80.

Es a principios de los 80 cuando el posmodernismo pasa de la marginalidad a dominar el diseño durante toda la década. Nuevos efectos multiculor, teatralidad acusada, dinero sin complejos y subversión desganada se muestran sobre todo a través de la música (videoclips) y revistas. Destacan los diseñadores italianos, y en especial dos estudios, Alquimia, y sobre todo más tarde en Milán Memphis, nutrido de una pandilla de enfants terribles liderado por Etore Sotsass Jr. Dieron la vuelta al mundo, cuando costaba dar la vuelta al mundo, a través de la revistas Domus. Una etapa corta e intensa en la que la imágen lo era (casi) todo.

LA POSE

7. Cultur Club, Karma Chameleon, 1983.

Fue una época de bailarines, coreógrafos, directores de arte, estrellas pop, drag queens, fiesteros y clubs. Tomaron drogas, escucharon música y miraron las estrellas. Había en todos ellos un lenguaje de pastiche, de estilos destruidos y reconstruidos por ellos mismos que proporcionaban una apariencia sintética y artificial de la que alardear. Algunos tomaron estos elementos del ámbito del diseño y del arte y lo llevaron a los escenarios públicos, casi siempre con bandas sonoras más o menos optimistas. Ve tú que ahora Boy George.

LAURIE ANDERSON

8. Laurie Anderson le explica a su clon los secretos de la coreografía.

La vertiente feminista. En sus performance mezcló la guerra de sexos, la política americana, el lenguaje, la cultura occidental, y todo eso y más, a través de la poesía, el dibujo, la danza y la música (minimalista). Una parte de su discurso elevó a la condición de teoría general aspectos de la cultura posmodernista. Pocas mujeres han participado en el debate posmodernista, y hay quien dice que es un invento masculino para exluirlas. Dice Habermas en La Posmodernidad que fueron las mujeres las que rechazaron la vieja oposición entre teoría y práctica propia de estos años, la intervención crítica supone una injerencia política.

EL DINERO

9. Andy Warhol, Símbolo del dólar, 1981.

A principios de los 80 Warhol empieza con las serigrafías. Una de las primeras fue este símbolo del dólar gigante. Reconocía así el valor en el mercado de su propia obra, con ironía o sin ella. Fue una década de auge económico y surgió una subcultura artística obsesionada con el dinero y el estatus, pero que moriría bajo su propio peso. En la exposición dice Frederic Jameson, un crítico que se había tomado en serio la superfialidad de Warhol, que aquel encuentro entre arte y dinero fue fatal, "debieron ser declaraciones políticas potentes y no esto, pero no fue así, y no se por qué aún."

Si es verdad que hubo una parte crítica, especialmente en la Inglaterra de Teatcher. Por aquella época se produjeron una serie de pelotazos en Londres con la reconversió de los muelles, y varios artistas, sobre todo Peter Dunn y Loraine Lesson, criticaron aquellas acciones desde la ola posmoderna.

PROTECT ME FROM WHAT I WANT

10. Jenny Holzer, Protect me from what i want, 1985.

En 1985 la artista de Nueva York Jenny Holzer alquiló un espacio en Times Square que normalmente se utilizaba para uso comercial. Lo iluminó con seis palabras "Protect me from what i want", que suena a temazo de Placebo. Ella dijo que era lo que parecía, es decir, una advertencia. La valla está cara a cara con otros carteles asociados a un lujo accesible. Ahí están las temibles, o no, causas y efectos de nuestros deseos.

The special ones: ¿por qué el arte necesita la mirada crítica del Premio Turner?

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Fri, 09 Dec 2011 21:06:00 +0000

Do words have voices, instalación de Martin Boyce, ganadora del Turner.

Esta semana se ha entregado el Premio Turner con la confusión y el ruido habituales. El título de esta entrada lo he tomado de este artículo de Jonathan Jones en The Guardian, que me señaló Ángel de Compostela, y que defiende el premio con ese tipo de verdades simples, y categóricas, de las que es difícil escabullirse. Ahí va la traducción al español:

En una época en la que seguimos a multitud de artistas y glorificamos a lo más ordinario, el Premio Turner selecciona a un puñado de artistas extraordinarios que realmente merecen ese reconocimiento. Uno de los argumentos más fascinantes en el artículo de Charles Saatchi en The Guardian el sábado pasado es su afirmación de que muchas personas en el mundo del arte "simplemente no puede distinguir a un buen artista de otro peor" .

Esto nos lleva a una de las preguntas más interesantes de todo el panorama del arte contemporáneo actual. La misma cuestión que se plantea cada año cuando llega el Premio Turner, que es donde estamos ahora. Que se utiliza para denostar a todo el arte moderno y a los que les gusta, al igual que hace algún pintor Stuckista en una serie de pinturas caracterizandome a mí como su villano. Es mucho más difícil distinguir a las ovejas de las cabras que tratar de identificar lo que vale en el arte de nuestro tiempo. Eso es lo que dice Saatchi que no están haciendo los curadores, críticos, marchantes y coleccionistas. De hecho, él dice que no tienen tanto "ojo" como se les presupone, que sólo fingen que les gusta lo que esperan que les vaya a gustar a los demás.

Es cierto. En un momento dado, hay olas de entusiasmo en el mundo del arte por algunos artistas en particular que van más allá de las cualidades reales del artista. Piensa por un momento en un buen grupo de artistas contemporáneos reconocidos y yo te digo que alrededor del 70% de ellos no son tan buenos. Es lógico. El número de artistas consagrados y reconocidos en Gran Bretaña superan cualquier cifra real de posibles artistas verdaderamente excepcionales en un país en un momento concreto.

Cantidad, no calidad, es la razón de bienales y ferias de arte. Los críticos que visitan la Bienal de Venecia casi siempre aceptan que la gran mayoría de las obras son aburridas y triviales, las ignoran, y saltan sobre las cosas que les gusta. Este año sentí que era una buena Bienal porque me gustaron cinco o seis cosas entre varios cientos para escoger. Y es que realmente el arte es así: de entre los cientos de personas que quieren ser artistas, tienes suerte si uno tiene un talento genuino. Una gran imaginación y la capacidad de traducirla en arte se ve en raras ocasiones, e incluso a los mejores artistas puede que sólo sean verdaderamente bueno por unos pocos años.

La discriminación debe ser la primera regla de la escena del arte, porque no hay valor para nadie si lo glorificamos todo. El trabajo consiste en encontrar lo extraordinario, y apoyarlo.

Es interesante ver la pasión con la que el público de Nueva York respondió a la exposición póstuma de Alexander McQueen en el Met. Evidentemente, el mundo de la moda es mucho mejor que el mundo del arte discerniendo el talento real y celebrando a sus estrellas genuinas, y no a los *also-ran. El peor problema en el arte contemporáneo es esta suspensión de las facultades críticas, la disposición cobarde a afirmar que por definición lo nuevo y lo cool es siempre bueno.

Por eso el premio Turner importa. Es un momento en el que los artistas son juzgados en lugar de agruparlos a todos en un alegre carnaval. Una vez al año, en diciembre, un jurado se sienta en una sala y discute acerca de lo que es verdaderamente bueno en el arte de ese momento. A veces las decisiones me dejan perplejo y me enfurecen. Hacen mucho más daño a los perdedores que ayudan al ganador. Pero el jurado Turner tiene una oportunidad única para resistir a la marea de la moda acrítica y reconocer lo auténtico, a un puñado de artistas originales que de verdad merecen ese aplauso. Espero que el Turner de este año vaya a George Shaw, un verdadero artista si es que alguna vez he visto alguno. Y espero que los desacuerdos de los visitantes que disfruten las obras sean profundos y amargos, porque la crítica apasionada es la única cura para la monótona y triste entrega del arte a lo cool.

* Según el diccionario Oxford el término nació a finales del siglo XIX para nombrar a los caballos de carreras que no quedaban entre los tres primeros.

Culturgal 2011 Pontevedra

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Fri, 02 Dec 2011 19:35:00 +0000

Culturgal, a Feira das industrias culturais galegas. Artes escénicas, libro, creación audiovisual, deseño, internet e novas tecnoloxías. A radiografía anual de boa parte da cultura galega, desta vez no Pazo da cultura de Pontevedra e ate o próximo domingo. O PDF do programa aquí.

La Venencia, el despacho de Zapatero, Francesc Torrent y la RAE.

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Mon, 28 Nov 2011 22:36:00 +0000

Pasé un par de días en Madrid porque se casaba allí mi hermano un sábado resplandeciente. Pasé otra vez por la Venencia, esta vez con Ana y Antonio, y tomamos el jerez, amontillado, y las aceitunas, encurtidas, entre paredes de nicotina idiosincrática. Pasamos después por la galería en la que trabaja Antonio, que nos dijo que da a la ventana del despacho de Zapatero, y comentamos no se que de Adolfo Suárez. Habíamos quedado un par de horas antes en CentroCentro, que se define como un espacio nuevo para la reflexión colectiva sobre la vida y las culturas urbanas contemporáneas, en el emblemático y neoplateresco Palacio de Telecomunicaciones de Antonio Palacios en Cibeles. Madrid está montado. En el vestíbulo una becaria me contó que el ala trasera del palacio se sigue utilizando para tareas administrativas del Ayuntamiento de Madrid, y que le pusieron ese nombre porque está en el centro de Madrid y en el centro del paseo de las artes, que hasta no se si irá con mayúsculas. También me contó que había estudiado Historia del Arte en Colombia y que lo echaba de menos. Parecía que algo le preocupaba, como el recuerdo de alguna felicidad frustrada, ya no lo sabré. Antonio me dijo más tarde que Trotsky había llamado al edificio Nuestra Señora de las Telecomunicaciones en una visita en los años 30, pero no recuerdo la razón. Estuvimos buscando el escudo de Galicia que habíamos leído en El País que habían encontrado en la fachada en una restauración reciente, y lo encontramos. Dentro vimos la exposición de Francesc Torres Memoria fragmentada 11S. Artefactos en el hangar 17. "La instalación reflexiona sobre la memoria histórica, la memoria nacional, el luto social e individual y el proceso continuo para asimilar los traumas más profundos, a partir de las fotografías de algunos de los restos materiales recuperados de la Zona Cero, almacenados temporalmente en el Hangar 17 del aeropuerto JFKde Nueva York. En abril de 2009, Francesc Torres recibió el encargo del National September 11 Memorial Museum de fotografiar este espacio cerrado al público. Un lugar singular, de gran poder visual y emocional, transformado de forma espontánea y temporal en un “Museo de Historia Innatural”, como el propio artista lo define." Es un montaje sin alardes, sencillo. La mayoría de las fotografías muestran espacios grandes y tono cinematográfico, tendencia dominante en la fotografía contemporánea. Estas escenificaciones repensadas consiguen expandir la potencialidad narrativa de unas cuantas historias que se congelaron el 11 de septiembre de 2001, y muestran sin pudor la cotidianidad que quedó suspendida aquel día. Nos gustaron.

Un par de horas antes de todo esto caminaba con mis padres y mis hermanas por la calle Felipe IV, y al ver que pasábamos por delante de la sede de la RAE nos detuvimos y gritamos a coro: ¡almóndigas! ¡cederrones! ¡Alemaña! ¡cocretas!

Wallis Simspon y los derechos del espectador

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Tue, 11 Oct 2011 22:02:00 +0000

La primera vez que fui a la National Portrait Gallery me quedé un buen rato mirando este retrato, Wallis, Duquesa de Windsor. Me gustó la atmósfera, la calma y la belleza que transmitía. Al cabo de un par de meses volví porque quería mostrárselo a dos personas, pero ya no estaba. Di varias vueltas a la sala del siglo XX, en la planta baja, pero nada. Una de las comisarias me dijo que habían tenido que retirarlo por problemas de derechos de autor. El autor, Gerlard Brockhurst, murió en 1978, hace tiempo que dejó de tener problemas. Después he podido saber que es propiedad de Mohamed Al Fayed, que lo compró al adquirir la casona en la que vivían los duques en París, así se veía el cuadro en uno de los salones. No es sencillo encontrar más imágenes. Las dos fotografías de arriba las hice con un móvil a una reproducción en alta resolución en una pantalla de un ordenador gracias a la misma comisaria, que fue muy amable. No es igual, claro. Lo siento si incumplo algo. Bueno no, va por ti, guapa.

A cartografía do outro: arte e multiculturalismo.

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Sat, 01 Oct 2011 10:54:00 +0000

Este artigo pódese ler en español aquí.

A cartografía do outro: arte e multiculturalismo.

Hai uns vinte minutos que voltei do traballo. Antes de subir a casa pasei a mercar cocacola á tenda de Hamid. Cando Hamid peche a tenda ás dez irá á Asociación musulmá de Mile End, na mesma rúa. Ó saír da tenda pasaron dúas louras nórdicas, ou iso supuxen, que tal vez voltaban da universidade. Pola outra beirarrúa, diante da igrexa anglicana, camiñaba un mileurista con garavata e canso despois dunha longa xornada nalgunha oficina da City. Ao virar, na esquina con Hamlets Way, unha cuadrilla de mozos negros xogaba a amagar golpes de boxeo. Se nos axustamos ao sentido descritivo do multiculturalismo, é dicir, á coexistencia de diferentes etnias e culturas no seo dunha mesma identidade política territorial, entón Mile End, en Londres, é un barrio multicultural. Un lugar no que a complexidade converteuse na norma social.

No mesmo contexto, a só dúas paradas de metro, está Shoreditch, un distrito que hoxe é para Londres o que foron Camden ou Notting Hill nos oitenta ou o Soho nos noventa, unha meca de artistas e emprendedores do ámbito cultural. Na época victoriana era bastante popular polos seus teatros e tendas, despois mantívose nunha lenta decadencia ata que os bombardeos da Segunda Guerra Mundial relegárono ao esquecemento. Comezou a reverdecer cando nel se instalaron algúns líderes da Young British Artist a finais dos 90, e hoxe a industria cultural entrou de pleno, as galerías máis punteiras da cidade tiveron que abrir sucursais na zona. Pero Shoreditch aínda conserva un aire canalla e cutrelux sometido a un contexto multicultural creativo formidable, que cumpre o seu papel no cambio de patróns estéticos (que aínda na súa maioría responden á invención do gusto do XVIII con Baumgarten e Kant) e na procura de novas estratexias colaborativas moi propias de comezos de século XXI.

Supoñamos agora que unha obra de arte é un arquivo da acción humana na que poden converxer distintas ideas, crenzas ou tendencias nunha época. Hoxe en Shoreditch temos moitas ideas, crenzas e tendencias coincidindo nun espazo e nunha época. Dáballe voltas a esta idea volvendo en metro, tratando de buscar antecedentes, e concluín, ponédevos o cinto que aquí veñen as curvas, que talvez a primeira vez que se produciu unha concentración artística, urbana, revolucionaria e multicultural definitiva foi hai cinco séculos, nun dos berces da arte, a arquitectura e os xeados que saben a xeado, Florencia.

Se entras na Catedral de Florencia (6 euros fai un par de anos), camiñas un pouco, e xiras o pescozo á esquerda, ollarás dous grandes murais separados entre si por uns tres metros, moi semellantes entre eles a primeira vista. En cada un hai un cabaleiro medieval a cabalo retratado de perfil. O primeiro é de Paolo Ucello e nel aparece un cabaleiro hierático, como sacado do conxelador, sobre un cabalo simulado, que semella de madeira. No outro, de Andrea del Castagno, o guerreiro regresa airoso da batalla sobre un animal que trota como trotan os cabalos, que ten uns músculos que responden a uns movementos, a unha anatomía naturalista. Entre ámbalas dúas obras somentes transcorreron 20 anos, entón ¿Como foi posible este salto cualitativo tan grande en tan pouco tempo?

A comezos do século XV o comercio, e por tanto o diñeiro, a tea, a guita, o parné, a prata, é dicir, os cartos, estaban en Florencia, como hoxe están en Londres, Abu Dabi ou Moscova. Algo antes, no gótico, naceron, dalgún modo, os gremios profesionais (de médicos, xuíces, banqueiros, albaneis, mercadores de la, coiro, seda) que tiveron o seu apoxeo no Renacemento. Estes gremios eran capitaneados por familias, unha nova burguesía moi rica e poderosa que necesitaba a notoriedade e o prestixio que a nobreza adquirira durante xeracións. As batallas entre estas familias polo control político e económico da rexión eran continuas e tamén, por certo, moi crueis (a caída dos Medici!). Un dos métodos máis eficaces e determinantes para lograr ese prestixio era comprando arte e encargando novos proxectos ás figuras do momento. Que o pobo, pero sobre todo as outras familias, vexa a que artista puiden contratar, ou que palacio puiden levantar. Arte, política, e propaganda, sóanos.

Os artistas, que xeralmente son uns mortos de fame, sabían que o diñeiro e os mecenas estaban en Toscana, e até alí íanse. En moi poucos anos, nun espazo temporal limitado e nun espazo físico limitadísimo (a parte amurallada de Florencia pódese camiñar de punta a punta en 40 minutos), xuntáronse un numero extraordinario de artistas extraordinarios, e o máis novidoso, que coñecían a obra que estaban a facer os seus contemporáneos, chegados doutros lugares. Influéncianse entre eles, cópianse, promóvese a circulación de ideas, avánzase: nace o Quattrocento, un triunfo da reinterpretación do clasicismo grego e romano, pero tamén, dalgunha maneira, do multiculturalismo.

Hoxe tendemos (tendo) a caer no ombliguismo do presente e pensar que somos a suma dunha tradición analizada e mellorada, cada vez máis brillante, non sempre é así. Dentro da narrativa decimonónica que se estuda nas facultades de Historia da arte, foron as vangardas do século pasado, máis que calquera outro suspiro posmoderno, as que souberon representar mellor que calquera outro movemento o contexto do que noutras latitudes outras culturas e outros artistas representaban. Ademais foron aqueles homes vindos do frío para patear o pensamento burgués os que máis promoveron a inclusión e interrelación de diferentes continentes pola linguaxe da arte en todo o século XX. O resto, e até hoxe, é unha festa con dereito de admisión.

Pero entón cal é o activo multicultural no panorama artístico actual? Nin idea. Suponse que os produtores de arte seguen traducindo nunha linguaxe particular unha visión do mundo, moitas veces común ao conxunto da sociedade, e que o espectador aborda, e até pode descifrar, esa experiencia (persoal), pero tal vez cabe destacar un elemento que matizou e salientou nas últimas décadas a idea de multiculturalismo na relación entre artista e espectador, o desenvolvemento das novas tecnoloxías.

No debate, vaporoso, entre a tensión do local e o global, trenzado pola relación hipercomplexa de culturas, no que a interdependencia dos mercados nun contexto de cambio continuo borrou as fronteiras físicas, o risco máis demoledor do noso tempo é a tendencia á homoxeneización. Deberán ser as novas tecnoloxías, sobre todo internet, un medio que introduciu o consumo inmediato e a divulgación masiva nunha época na que o hiperreal achégase ao hiperfalso, protexidas e reforzadas, porque entón reforzaranse as oportunidades de xustiza entre diferentes identidades políticas e culturais, formando suxeitos políticos que reivindiquen garantías igualitarias ao dereito, clave, á información.

Un dereito que nos permite tamén aquí, en Mile End, superar a miopía da experiencia coa que chegamos e adquirir unha perspectiva intercultural que articula as nosas diferenzas, e que conecta ás minorías ás redes máis globalizadas con moita máis eficacia que o intervencionismo das políticas multiculturalistas estatais en función de expresións persoais (pertenza de clase, opción sexual, etc.). Un dereito que nos axuda a comprender a cartografía do outro, aínda que despois, previsiblemente, nos larguemos coas dúas louras nórdicas. Xa quixeramos..

Martin Creed en Vigo, hai que ir

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Thu, 22 Sep 2011 12:25:00 +0000

* Martin Creed. Obras
MARCO Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Ata o 2 de outubro

De Martin Creed falei máis dunha vez neste blogue. Aínda se pode ver a mostra Martin Creed. Obras, prorrógase ata o 2 de outubro. Unha boa oportunidade para ver obra do xenio inglés.

O proxecto do artista británico Martin Creed (Wakefield, Reino Unido, 1968), comisariado por Carolina Grau, enmárcase no formato de novas producións realizadas especificamente para o MARCO, e supuxo a súa primeira exposición individual en España. Gañador do Turner Prize en 2001, Creed combina a súa faceta de artista co seu grupo de música, formado en 1994.

Toda a planta baixa do MARCO está ocupada por unha soa obra, que inunda e á vez baleira o espazo expositivo. Work No. 247 Half the air in a given space [A metade do aire nun espazo dado], 2000, consiste en materializar a metade do aire contido nun espazo por medio de globos, modificando por completo a percepción do contorno. Creada por primeira vez en 1998, esta peza adquire nas salas do MARCO unha magnitude completamente descoñecida ata agora, pola súa monumentalidade e polas dimensións das salas. A exposición complétase cun conxunto de obras relacionadas coa música e o son, nunha das salas do primeiro andar.

Rita McBride en Madrid

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Tue, 13 Sep 2011 11:30:00 +0000

* Rita McBride. Civic citations
Galería BENVENISTE Contemporary (Madrid)
Del 15 de Septiembre al 12 de Noviembre de 2011

Rita McBride (Des Moines, IA, EEUU, 1960), docente en el departamento de escultura de la universidad de Düsseldorf, es conocida por su trabajo en torno a las prácticas escultóricas, campo en el que su obra articula una investigación en torno a lo público y las posibilidades contextuales de la intervención urbana. En este sentido cabe destacar Arena (Witte de With, 1997)—, o la reciente intervención Mae West (Munich, 2011). En Civic Citations —Benveniste Contemporary, 2011— presentará una serie de trabajos en formato de obra gráfica, escultura y vídeo que entroncan con los procesos de investigación y producción implícitos en su labor pública.

Además de los proyectos públicos mencionados su trabajo se puede encontrar en colecciones como FRAC-Bourgogne, en Dijon, Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam, Kunsthaus de Zurich y Winterthur de Suiza. Así mismo ha expuesto en centros como Witte de With Center for Contemporary Art (Rotterdam), Tate Modern (Londres), Whitney Museum (New York), New Museum (Nueva York), Queens Museum of Art (New York) y Moderna Museet (Stockholm).

Visto en Londres

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Tue, 23 Aug 2011 21:51:00 +0000

El estado del arte

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Sun, 14 Aug 2011 19:22:00 +0000

Por Julian Oliver

En 2004 Eleonora Aguiari llevó a cabo una intervención artística en una estatua de Lord Napier, envolviéndola con 80 rollos de cinta roja. Fueron necesarios cuatro días y cuatro personas para completar la transformación de este prominente monumento.

Quizás, una dimensión poética involuntaria de esta obra haya sido la cantidad de trabajo burocrático para que se pudiera realizar la intervención. La artista tuvo que pedir permisos al departamento de conservación del Victoria and Albert Museum, al departamento de conservación de la Royal College of Arts, obtener las autorizaciones del Patrimonio Inglés (propietarios de la estatua), del ayuntamiento de la ciudad de Westminster, de las juntas municipales de los barrios de Chelsea y Kensington (sobre cuyos límites se levanta la estatua), del rector de la Royal College of Arts e incluso del actual Lord Napier. (1)

A pesar de todo, esta “intervención autorizada” fue todo un éxito. Al estar en un lugar destacado fue vista diariamente por muchos turistas y devolvió cierto protagonismo a un monumento público que se había integrado tanto en el paisaje que a duras penas tenía visibilidad. En este sentido, la artista consiguió lo que se había propuesto: “[…] la estatua que simboliza el pasado militar o el imperialismo debería cubrirse para hacer visibles los tópicos del pasado.” (2)

Seguir leyendo en Salon Kritik

Cinco preguntas a Yuko Noda

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Thu, 16 Jun 2011 14:16:00 +0000

Two chair legs from the garbage - Yuko Noda

Hace unos dias fuí a una inauguracion en Shoreditch de artistas emergentes japoneses. Conocí a Yuko Noda, unos minutos antes había visto unos circulos concentricos hechos por ella con periódicos prensados que me habían gustado. Charlamos un rato y me contestó a estas preguntas.

1.- ¿De dónde eres? ¿Qué has estudiado y dónde?

Nací en Osaka, Japón. Estudié una licenciatura en diseño textil en la Universidad Seyka en Tokyo. En 1999 vine a Inglaterra, y cursé un master en Bellas Artes en el Central Saint Martins College of Art and Design.

2.- ¿Qué materiales utilizas?

Utilizo cualquier material disponible. Me importa el concepto de disponibilidad. No me refiero simplemente a poder tener un material determinado en las manos, también a su significado conceptual. La eleccion de un material es la eleccion de un contexto social. Suelo utilizar materiales que han sido claramente desechados.

3.- Entonces, ¿qué significado le das a tu trabajo?

No me ocupo de buscarle un significado. Admito que se puede pensar que mi trabajo puede conllevarlo, pero no me importa. Sería equivocado realizar cualquier afirmación o interpretación que siente precedente.

4. ¿Dónde te gustaría ver tu trabajo?
Esta diseñado para ser expuesto en galerías.

5.- ¿Qué otros artistas te gustan?

Sophie Calle, Keith Tyson, Felix Gonzales-Torres y Gillian Wearing.

10 consejos para estudiantes de Historia del Arte

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Mon, 16 May 2011 17:09:00 +0000

1. Si lo que ves en la imágen tiene forma de pito, en el examen di que es un símbolo fálico. No se atreverá a negarlo

2. Toma buena nota de lo que diga el profesor sobre la obra de Duchamp. En el examen pon lo contrario. Aprobarás.

3. Estudia a conciencia las formas y evolución de los ábsides románicos. Nunca sabrás por qué, pero por ahí se va media carrera.

4. No tires el programa de la asignatura el primer día en cuanto salgas por la puerta. Recicla.

5. Si dijo Euclides que por dos puntos diferentes sólo pasa una línea recta, también dijo que tú puedes trazar las líneas compositivas que te de la gana.

6. Buscar imágenes en google imágenes son las sandalias con calcetines de un historiador del arte.

7. Si te mandan leer un libro y te piden una recensión que incluya tu opinión personal, es fácil: es un libro cojonudo. Ah, una recensión es lo que tú quieres que sea.

8. El bullyng es un invento. Cuando un alumno hace una pregunta hay que reirse de él. Estás en una universidad española, acuérdate.

9. Se escribe Brunelleschi y Quattrocento.

10. Si durante los cinco años de licenciatura llegas a las 10.000 fotocopias, entras gratis en el Prado.

Good ideas?

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Sun, 15 May 2011 20:55:00 +0000

Visto ayer, en Shoreditch.

Kurosawa en el Museo del ABC

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Fri, 13 May 2011 20:16:00 +0000

* La mirada del samurai: los dibujos de Akira Kirosawa

Museo ABC de Dibujo e Ilustración [Cómo llegar]

Hasta el 12 de junio

Hace tiempo que los del nuevo Museo ABC de Dibujo e Ilustración me bombardean el email. No es algo tan malo, están empezando y tendrán ganas de darse a conocer. Pero lo hacen con esos emails cargantes o notas de prensa exageradas, muy locas, en Arial 10 y con muchas negritas, bastante habituales para anunciar exposiciones o eventos. Es un error, la mayoría de receptores los borramos sin apenas leerlas y deja una imágen pésima del remitente. Da mucha pereza.

De todas maneras lo visitamos el fin de semana pasado en una escapada relámpago a Madrid. Está en la calle Amaniel, pegado al Cuartel del Conde Duque y muy cerca del Bar Miño, donde hace cinco años vi un 1-2 del Dépor al Osasuna. El mismo edificio, nos cuenta el de seguridad, albergó en 1900 la primera fábrica de Cervezas Mahou en Madrid. La adaptación la ha hecho el estudio Aranguern & Gallegos, casi 4000m² repartidos en seis salas, dos de ellas para exposiciones, amplias y diáfanas, llenas de luz que entra por ventanales industriales. En el exterior se ha configurado una nueva plaza en torno a formas plateadas poligonales, sospechosamente inspiradas en las de los bajos e interiores del Caixaforum. Qué raro.

Por lo demás, el diario ABC, que es un periódico que se declara monárquico, ya me dirás, y que es bastante conservador, ha levantado un museo que tiene una apariencia bastante moderna. Dicen que nace para conservar, estudiar y difundir la Colección ABC, siendo un espacio abierto y plural, para un publico general y más especializado y unas cuantas formalidades más habituales que el tiempo dirá. Se supone que tienen una colección de más de 200.000 piezas desde 1891 hasta hoy, de más de 1.500 ilustradores y dibujantes. Que no es poco.

Acudimos para ver la exposición La mirada del Samurái: Los dibujos de Akira Kirosawa. Antes de dedicarse al cine, Kurosawa quiso ser pintor, y lo intentó con muchas ganas pero con poco éxito. Lo que aquí vimos son los stroryboards, la mayoría bocetos, de las películas La sombra del guerrero, Ran, Rapsodia en agosto, Los sueños de Akira Kurosawa, Espera un poco y El mar que nos mira. Leemos el texto de la entrada que a mediados de los setenta la industria cinematográfica japonesa atravesaba una crisis grave, y los productores se decantaban por películas comerciales de bajo presupuesto, películas de monstruos como Godzilla o la Yakuza. Kirosawa no lograba involucrar a ninguna productora japonesa con sus nuevos y caros proyectos, así que se aplico en la realización de estos dibujos a modo de guión gráfico para convencerles. Los vemos. Son coloridos, con encuadres diversos y pensados, en los que varía la iluminación o el vestuario. No siempre coincide con el resultado que vamos a ver en la pantalla, pero sí que le inspira. Cuando ya era un cinesta reconocido, Kurosawa reflexionaba irónicamente sobre el éxito de su regreso a la pintura "...es curioso que cuando de verdad intenté pintar bien sólo producía obra mediocre mientras que cuando me preocupaba de esbozar las ideas para mis películas fue cuando produje obras que la gente considera interesantes". O no tan curioso.

La iluminación demasiado tenue y mate en la sala no ayuda a destacar los dibujos como merecen. La estilización de algunas figuras y el grafismo me recordó a Castelao, que si hubiera tenido facebook seguro que se hubiera hecho fan de los ukuyo-e. Por las paredes se reparten citas elogiosas de otros directores sobre Kirosawa, y lo cierto es que salimos de allí con ganas de llegar a casa para volver a ver Dersu Uzala. Fue una buena idea.

Morte 1 by Cascarilleiro

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Tue, 19 Apr 2011 20:31:00 +0000

Era en la Idea Generation Gallery, el evento consistía en tomar una fotografía descontextualizando elementos del espacio urbano en la zona de Shoredicht y Brick Lane, durante un tiempo límite de dos horas, entregando la tarjeta al finalizar. La hice en la parte trasera del pub Old Blue Last. Lo rojo es basura y la luz la propia de una tarde nublada a las 15.00h. Debajo de mi cuerpo hay cartones de cajas limpias, que lo habéis pensado y se que debo aclararlo. Es lo más cerca que he estado de un capítulo de The Wire. La presenté bajo el seudónimo Cascarilleiro y se tituló Morte 1, a pesar de no haber Morte 2 ni sucesivas. Gustó a los que votaban y la colgaron en Idea Generation. Para ser razonable, le he puesto de precio dos millones de libras. También vinieron a la fiesta Gilbert and George.

Mick Rock y una pandilla de hedonistas ingleses

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Sun, 17 Apr 2011 13:56:00 +0000

El texto que va continuación iba a publicarse en ILike, pero luego lo cambiamos por otro. Aunque la exposición que menciono ha terminado, el catálogo está accesible en PDF aquí.

The man who shot the 70's

Estamos en la era de los vuelos baratos en la que mucha más gente que en la época de nuestros padres puede ir a muchos más lugares. Los escenarios urbanos de las grandes capitales, sus epicentros turísticos, se llenan de cybercafés, bares con alcohol barato para mochileros lonelyplanet, tiendas cutres de souvenirs y camisetas de equipos de fútbol y parejas de funcionarios en escapada de fin de semana. Al mismo tiempo desempolvan sus viejos iconos para atraer a un turismo low cost que no tiene mucha más intención que fotografiarse junto a esas postales. Por ejemplo aquí, en Londres, se promocionan más que nunca los autobuses rojos de dos plantas semivacíos, los taxis nuevos que intentan parecer antiguos (“altos para que cualquier caballero pueda entrar y salir sin quitarse el sombrero de copa”), las cabinas rojas en la era de la telefonía móvil, y una noria gigante en medio del pueblo que podría haber tenido un hueco en el capítulo de Marge Simpson contra el monorraíl.

Algo parecido ocurre con las programaciones de museos y galerías, basadas en un alto porcentaje en contenidos mainstream en detrimento de producciones más arriesgadas e innovadoras. Un buen ejemplo es la muestra que he ido a ver, The man who shot the 70's, la retrospectiva de la Idea Generation Gallery en la capital inglesa de la obra de Mick Rock: un buen puñado de fotografías icónicas en la capital más icónica del mundo.

No hay que confundir a Mick Rock (es su verdadero apellido) con Mickey Rourke. El primero es un fotógrafo inglés y el segundo es el actor americano raro. Esto va del primero, un hombre que se levantó una reputación tomando fotografías a algunas de las celebridades musicales más populares desde los años 70 hasta hoy. He dicho populares.

Mick estaba estudiando en la Universidad de Cambridge cuando utilizó por primera vez una cámara fotográfica y, según cuenta, fue en un estado de embriaguez in the highest degree como descubrió su talento, pero no aclara más. Algo más tarde fue su amigo Syd LSD Barret quien le pidió una fotografía para la portada de su primer álbum en solitario The Madcap Laughs, y desde entonces desarrolló su carrera profesional.

Algunas de sus fotografías más famosas las tomó entre el 71 y el 74, en pleno auge del glam british. A mí antes, en general, el glam me parecía un coñazo y con los años me ha ido pareciendo el mismo coñazo con más años. Esos desarrollos largos y esos virtuosismos toscos me aburren mucho, y la estética cabaretera de estampados de leopardo, plataformas y chisteras me parece el festival de fin de curso del instituto, pero lo que no se puede negar es que intentaron romper con la imagen del rockero macho que predominaba por entonces, y de alguna manera, lo lograron. Y se lo pasaron bien, y eran los 70. (Por cierto, Brandon Flowers, ya sabemos que tienes una chaqueta de plumas de gallina, ahora haz canciones).

Cualquier manual de Taschen dirá que el padre de esta pandilla de hedonistas británicos fue Sir David Bowie, y es verdad (junto a Marc Bolan), un tipo que trasciende a cualquier clasificación estilística, filosófica o sonido que exista. Lo voy a decir: Bowie es junto con Bob Dylan la influencia más importante en la cultura popular del último medio siglo.Pues bien, el Duque Blanco es la gran musa de esta muestra y lo ha sido del trabajo de Mick Rock durante los últimos 40 años.

Mick Rock conoció a Bowie en el 72 y lo contrató como fotógrafo oficial de la gira Ziggy Stardust. Eran jóvenes que hacían cosas que escandalizaban a sus padres, o como diría un cursi, vivían en alianza perpetua con la transgresión. En las fotografías podemos ver al autor de Rebel Rebel rezando, cantando, viajando en transporte público, en picado y contrapicado, desnudo, mirándose al espejo, con una Rickembacker, con un saxo y con una docena de cardados diferentes. Es una excelsa colección de fotografías tan voyeur como desafiantes, que logran capturar el espíritu libertario y voluptuoso de aquellos días liderados por el andrógino alter ego del pelirrojo Ziggy Stardust. Destaca el original de la famosa imagen costumbrista del almuerzo de Bowie y Mick Ronson en un tren camino a Aberdeen en el 73, y otra, inédita hasta ahora, en la que se abraza a Iggy Pop y Lou Red, quien por cierto parece que está, incluso, a punto de sonreír. A Bowie lo descubrí tarde, quizá porque cuando me tenía que haber gustado ya le gustaba mucho a mi hermano mayor y busqué en otros rincones. Hoy es el concierto de un músico vivo por el que más pagaría.

Otro famoso original que se puede ver es la famosa portada del álbum Queen II, en la que aparecen los cuatro queens de brazos cruzados y mandíbula levantada formando un rombo, y que años más tarde reutilizaron en el videoclip Bohemn Rapsody. Y para completar unos cuantos retratos de escritores y músicos, por ejemplo varios Warhol poniendo caras, otro espléndido de Ray Davies, unos cuantos de los Ramones y Syd Barret, y hasta uno de Lady Gaga, que no se tú, pero yo no se aún de que palo va esta chica.

Por cierto, Bowie colaboró con Mickey Rourcke en el disco Never Let Me Down, y le escribió el guión de Homeboy.

Homenaje (fallido) a Jas Ban Ader en las marismas de Tottenham Hale

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Thu, 14 Apr 2011 18:56:00 +0000

Sobre Jas Ban Ader puedes leer esto que escribí hace un tiempo.

Banksy en Seven Sisters

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Tue, 12 Apr 2011 22:10:00 +0000

O vello leva unha americana de pata de galo tres ou catro talles máis grande. Senta xunto á tola que leva uns minutos pedindo un cigarro a cada peón que pasa por diante da súa mesa na terraza do Open, en Seven Sisters. Dentro a maioría dos clientes son pensionistas, ou emigrantes que só falan do seu país para non sentir o remordemento de non estranalo. A tola bebe unha cocacola light pero érguese e marcha cando a dona do café lle di que deixe de molestar. A dona semella rumanesa ou búlgara, e sempre leva o mesmo sorriso vencido. Pídolle un cafe late, e tamén coma sempre, arde como o lume, non sabe facelo ou non lle importa. Entra o vello da americana grande e senta na miña mesa. Pregúntame se estudei algo e respondo historia da arte. Entón di once there came a guy and painted something on the back wall, but now they put a glass.

En la Galería Saatchi

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Wed, 06 Apr 2011 23:15:00 +0000

Jonathan Wateridge - Grupo Series N2 Sandinistas

La Galería Saatchi, que antes estaba cerca de la Tate a la orilla del Tamesis, se mudó en 2008 a Sloan Square, en Chelsea, la plaza donde está Tiffany&Co y donde los cincuentones frenan sus maserati cabrio junto a la acera para no hacer nada, para que los vean, para hacer el ridículo. En los alrededores hay tiendas caras con maniquíes blancos pero no de color tostado, como en los barrios de las zonas 3 y 4, y ya parezco el de un país en la mochila. Allí pasé la tarde del domingo.

Charles Saatchi fundó en 1970 con su hermano la agencia de publicidad Saatchi & Saatchi. Se hicieron bastante conocidos por el slogan "Labour isn´t working" (el Partido Laborista no funciona) para el Partido Conservador en las elecciones de 1979, en la que aparecía una larga cola de trabajadores en paro serperteando en un paisaje vacío. Siete años más tarde era la mayor agencia de medios del mundo. En 1988 visitó la exposición de estudiantes Freeze organizada por Damien Hirst, en ese momento no compró nada, o sea que sólo miró, como hacemos los demás. Dos años más tarde sí que le compró dos botiquines llenos de medicamentos y, sobre todo, un año después le adelantó los 25.000 dólares que necesitaba para comprar, transportar y preservar el tiburón tigre que se convirtió en La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, un título que sigue generando tanta discusión como la propia obra, y que parece ideado por un publicista, puntos suspensivos. Después vino la historia de los Young British Artist, el primer movimiento artístico reconocido en la Gran Bretaña de postguerra, consolidado en parte por sus adquisiciones. Se habla mucho de Saatchi y a él, que tampoco se queda callado, eso le gusta y le hace ganar mucho dinero. Charles Saatchi ha contribuido desde su status a fomentar la especulación que ha inflado, frivolizado y desvirtuado los precios del arte contemporáneo, pero también lo ha revitalizado en escenarios públicos, ha fortalecido la carrera de decenas de artistas, y ha reforzado la idea de que el arte contemporáneo es una buena inversión, o al menos que lo ha sido para él. En 2006 creó la web Your Gallery, la consolidación del fast art, aspirar a la fama inmediata, una especie de MySpace para artistas desconocidos, que hoy tal vez es la ruta más práctica para artistas que tratan de llegar a compradores y conseguir reconocimiento para su trabajo.

La nueva sede de la galería que visito recibe unos 600.000 visitantes al año, y ocupa el espacio de un antiguo palacio del Duque de York. Ahora están negociando con el gobierno para que una buena parte de su contenido sea cedido al estado y gestionado por ambas partes a través de una fundación que se llamaría Museum of Contemporary Art MOCA London, una plataforma que ya existe y trabaja en diferentes espacios del sur de Londres sin base estable.

La fachada, con cuatro antas dóricas y las típicas banderolas, está pidiendo permiso para ser un museo, y no se porqué me recordó al balneario en el que bailaba Mastroianni en Oci ciornie. En el interior, las 14 salas, son blancas y austeras, whitecube, un modelo que hoy es habitual, pero lo cierto es que Saatchi fue el pionero desde que abrió su primera sala de exposiciones en el 85 en un antigua fábrica de pintura en Boundary Road. La entrada es gratuita, un breve catálogo en blanco y negro con las obras expuestas comentadas cuesta una libra y media. Me llevé también el último número de la revista que editan, ART&MUSIC, que es casi un monográfico sobre Syd Barret. Domina las estancias una luz cenital mate muy clara que se refleja en el suelo de madera crema, se forma un ambiente gaseoso y traslúcido que acentúa a las obras como no recuerdo haber visto antes en otro espacio de exposiciones. Son salas amplias, unidas en el eje central del palacio por escaleras con barandillas de metacrilato, esa moda aparatosa en el prolegómeno de su desfase. En las paredes un cartel decía "Por favor tenga cuidado, no usamos cordones para proteger nuestras obras".

Había mucha pintura, mucho graffiti abstracto: Anser Krot, Tasha Amini y Dan Perfect. También el cuadro de los ciervos que hay en casa de nuestros padres, pero con sandinistas, de Jonathan Wateridge, y unas estupendas fotos de espacios despoblados que Ane Hardy ficciona en su estudio. A la salida hacía sol y el imbécil del maserati todavía estaba allí.

Campo adentro

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Wed, 30 Mar 2011 23:32:00 +0000

Guisantes asomando nunha hora en Oleiros o pasado febreiro

Cágome no medio rural, os da cidade veñen, ay ay, cuanto aire limpio, que bello paisaje, que lindos arbolitos. Non pasa ningún día sen que mexe no millo. Isto é o que canta Emilio José, o de Ourense, non aquel cantante moñas dos sesenta ou sesenta, vai a saber, no tema Sta. Uxia do disco Chorando apréndese (escoitar en Spotify). Os da cidade van ó campo, que é distinto que vivir no campo. Pareceume moi interesante esta proposta chamada Campo Adentro, que coñecín a través do facebook dun amigo, na que se ofrece un programa de residencias a artistas de diversas idades e procedencias, urbanas e rurais, para levar a cabo proxectos en entornos rurais. Aquí se pode coñecer ós artistas seleccionados, e en campoadentro.es toda a información.

London Street Photography

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Sat, 26 Mar 2011 00:37:00 +0000

* London Street Photography

Museum of London (dirección y horarios)

Hasta el 4 de septiembre

Brick Lane, 1978 Paul Trevor

En la city, como una especie de prolongación del Barbican Centre, el centro cultural más grande de Europa y uno de los edificios más feos de Inglaterra, está el Musuem of London. Es la zona más antigua de la ciudad, la de las ruinas romanas, y la más pujante, el metro cuadrado más caro de Europa (sólo residen 9.000 personas aunque entramos y salimos para trabajar más de 300.000 cada día). Zona de corbata y tacón fino, menús precocinados y cristales tintados. El café a 3,50£.

No es fácil encontrar el Museum of London, confundidos por las numerosas entradas, algunas cerradas por obras, los puentes que conectan las diferentes alas y las terrazas que entorpecen el paso. El vestíbulo es amplio, la sofisticación y funcionalidad que han alcanzado los ingleses en estos espacios aparentemente secundarios, y de reciente puesta en en valor en España, es formidable. El hito compositivo sería la reforma de Norman Foster en el British. Cafetería, tienda, recepción, información, ambiente diferenciado. Paras, respiras, te preparas y te zambulles.

Entramos a una institución que se fundó en 1976, el año en que Saul Bellow ganó el Pulitzer por El legado de Humbodlt y nació Diego Tristán, artista de La Algaba, comprando y juntando varias colecciones privadas que cuentan la historia de Londres, desde la prehistoria, pasando por el gran incendio de 1666, hasta hoy. Pero esta vez hemos venido a ver la exposición temporal: London Street Photography. Doscientas fotos de Londres, de 1860 a 2010. Recorrido cronológico, apenas texto, montaje muy elemental.

Titulares y tags. Del sepia al color. La primera etapa va desde 1860 hasta 1889. La prehistoria de la fotografía, pioneros cargando con equipos estereostópicos rudimentarios, apenas hay movimiento por los largos tiempos de exposición necesarios. La mayoría son fotografías a arquitecturas urbanas. Segunda etapa, de 1890 a 1929, the street camera was born, la metrópoli en movmiento. Picadilly Circus 1890 de Charles A Wilson: grandes arquitecturas neoclásicas entre caminos de barro y carrozas tiradas por caballos, como en aquellas fotografías de Ruth Matilda Anderson en los cantones de A Coruña a principios de siglo. Tercera etapa, de 1930 a 1945, los críticos, la fotografía como espejo de la sociedad, importante influencia de la inmigración del este, viento frío, expresionismo. Fog at Cambridge Circus, Charing Cross Road, de Wolfgang Suschitzky. Siguiente etapa, de 1946 a 1979, traumas después de la guerra, cambios sociales, influencia americana en aspiraciones y paisajes. El fotógrafo es parte del entramado cultural, es moderno. Fotografía de la calle, del cambio, documenta. Group of skinheads & hippies in Picadilly Circus 1969, de Terry Spencer. Y la última, de 1980 a 2010, color y mercado del arte, lo conceptual y lo digital. Todos hacemos fotos, nuevas formas de compartir, nuevas vías de exposición. También nuevas leyes anti-terror: el fotógrafo es sospechoso. Rosemary woks 2009, de Chris Rolley Brown, Oxford Street 1995, de Richard Bram.

30 St Mary Axe

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Tue, 22 Mar 2011 22:40:00 +0000

Hace cuatro años, a última hora de una tarde de abril, me crucé con Norman Foster en un pasillo de la facultad. No hubiese sabido que era él sino me lo hubiese advertido un profesor, que después le hizo una foto. Era un turista más de los que pasean por Santiago, pasaba por allí. Iba sólo, sin mochila, con un jersey de cuello vuelto y pantalones de pana*, y caminaba con las manos unidas en la espalda y el mentón levantado, como van las personas que se fijan.

De alguna manera, y de un tiempo a esta parte, me lo vuelvo a cruzar cada mañana de camino al trabajo. Cuando el tren llega a la altura de Stamford Hill, el barrio judio, comienza a distinguirse en el horizonte la torre 30 St Mary Axe, diseñada por Foster + Partners, y se va aproximando a ella como si se tratase de un enorme polo magnético, hasta dejarme a 100 metros del pepinillo, The Gherkin, como también la llaman aquí. Es el rascacielos que ha perturbado definitivamente el skyline de Londres, el nuevo icono de la city y su músculo financiero. Cuando Woody Allen quiere mostrar en Match Point que sus personajes triunfan en los negocios, los sitúa trabajando en las oficinas de las plantas más altas.

Anteriormente, en este espacio, había otro inmueble propiedad de la Baltic Exchange, una empresa que gestionaba el alquiler y venta de buques, pero en 1992 una bomba del IRA lo dejó practicamente en ruinas. Durante los años siguientes Patrimonio Inglés peleó para recuperar y restaurar al menos la fachada, y tal vez posteriormente reconstruir el edificio, pero se descartó. En el 96, Foster presentó la Torre del Milenio, con una altura de 386 metros, más del doble que la actual, pero también se rechazó porque provocaría el desvio de vuelos con procedencia o destino en Heathrow. Cuatro años más tarde, sin embargo, la corporación municipal sí dio el consentimiento al actual proyecto (180 metros - 40 plantas) bajo la condición de que no tapase ninguna de las sight lines, una planificación que dicta los diferentes lugares alrededor de Londres desde los cuales se debe ver la cúpula de St Paul.

Algo que realmente llama la atención de la torre es la escasa presencia que tiene al nivel de la calle, apenas se percibe la inmediatez de una masa tan aparatosa y futurista. El diámetro es mayor en la zona media, como el éntasis de las columnas griegas que explicaba Andrés Rosende ("observen este capitel esbelto, sublime, espléndido, fantástico"), y remata en el llamado foco, separado por aros de la estructura princpal, con un diseño intencionadamente similar al que tenía la fachada del anterior edificio.

Me imagino que una rascacielos así se hace como estímulo para atraer nuevas inversiones, pero también que tendrá unos efectos medioambientales y unos niveles de consumo energéticos cuestionables Me lo imagino, no lo se ciertamente. Me gusta, eso sí, el barroco helicoidal que lo envuelve, sus curvas aerodinámicas, como las del cohete de Tintín Objetivo: la luna, y el reflejo azul cobalto que proyecta en las tardes. Por lo que me cuentan y voy aprendiendo, el debate sobre la altura en de los edificios en Londres es eterno y feroz, y el pepinillo no ha hecho más que alimentarlo. Outra vaca no medio do millo.

* Tal vez no llevaba ni jersey de cuello vuelto ni pantalones de pana, pero así son las trampas de la memoria y sus reconstrucciones ficticias.

New London architecture, Kenneth Powell, London 2003, Ed. Merrell.
fosterandpartners.com

Recados

noreply@blogger.com (Andrés Rodríguez Morado) — Sat, 19 Mar 2011 21:07:00 +0000

Recados que han llegado estos días al email (nesnautica@gmail.com):

Medialab-Prado: Convocatoria abierta para recibir proyectos y trabajos teóricos sobre la visualización de infraestructuras (energéticas, transportes, comunicaciones...) para su desarrollo colaborativo en el taller que se celebra en Medialab-Prado del 14 de junio al 1 de julio. Visualizar es una línea de investigación y educación dirigida a explorar la cultura de los grandes datos y su impacto en la ciencia, la sociedad y las artes en la actualidad. Más en Visualizar'11.

Nueva exposición en el CGAC Abstracción Racional: "No longo periplo da abstracción, que logo vai cumprir un século da súa partida, foi constante a súa deriva en dous sentidos opostos e complementarios, ben polo camiño que prima a expresión inmediata, espontánea e direta, ben polo que se orienta segundo o cálculo, o rigor e a norma. Resulta constatable que nas dúas últimas décadas, pintores procedentes de tradicións nacionais tan diferenciadas como Richard Aldrich, José Loureiro, Nico Munuera e Juan Uslé coinciden, no entanto, nun entendemento común que sustenta as súas prácticas nunha base racional, que non constitúe nunca un sistema impositivo e pechado, e que se abre ao pulo momentáneo e impensado do artista."

Desde la Feria ART MADRID envían sus conclusiones, dicen que "La sexta edición de Art Madrid cerró sus puertas el pasado domingo consolidada defintivamente como una cita ineludibe para el arte español contemporáneo. En unos momentos de incertidumbre en el mercado del arte contemporáneo, la feria ha registrado nuevos récords de asistencia de publico, especialmente los dos últimos días, con más de 40.000 visitantes y con ventas ligeramente superiores a las de pasadas ediciones, sobre todo aquellas debidas a los coleccionistas privados. En este sentido, según una encuesta realizada por la organización entre los galeristas, éstos se muestran satisfechos en su mayoría y valoran positivamente la evolución del certamen".

El próximo 7 de abril, abren al público las dos nuevas exposiciones del Museo ABC de Dibujo e Ilustración: "La mirada del samurái. Los dibujos de Akira Kurosawa" y "Lorenzo Goñi : radiografías y retratos". La primera recoge los storyboard de Kurosawa para sus seis películas más conocidas; y la segunda, presenta una amplia selección de tres de las series más prestigiosas de Lorenzo Goñi presentes en la Colección ABC. Con estas exposiciones, el Museo ABC (Amaniel, 29-31 de Madrid) se suma a dos celebraciones, por una parte, el centenario del nacimiento de Goñi y, por otra, la culminación del "Año Kurosawa", también en el centenario de su nacimiento.

Vítor Mejuto expone en Gondomar (en la sala del IEM) una "escueta selección de mis piezas favoritas del último año y algún divertimento nuevo".

Hugo Costas expone en la Galería Metro de Santiago de Compostela, la muestra se llama "Pensar con las manos: Estudio de la anatomía de la imágen (más allá del deseo, más acá del fantasma)".

Fabio López "DOURONE" dice que es "de profesión ilustrador; y me dirijo a ustedes con la intención de enviaros mi trabajo para saber si existe la posibilidad de que en vuestra publicación dedicárais un espacio donde pueda enseñar y publicitar mi trabajo. Considero que es necesario dar a conocer mi labor para abrir campos futuros, por lo cual espero sea de vuestro agrado el material que os acerco. Desde ya y a la espera de una pronta respuesta, aprovecho la ocasión para saludaros y daros las gracias de antemano". Este es su portafolio.

Tomás Castaño y Salvador Nadal exponen en AEDAL Espacio de Arte.

Aldo Giannotti presenta en la Galería Rosa Santos de Valencia la muestra Lines and Square.

Carlos Alarcón expone Angustias en la Galería Beatriz Esguerra de Bogotá.

Eduardo García Villamizar expone Presencia en la Galería de arte contemporáneo Alonso Arte de Bogotá.

Susana Oza inaugura la exposición "Haciendo números" en la Galería Arte Imágen (C/Ramón y Cajal 5, A Coruña).

Sergi Robredo envía su último reportaje fotográfico en Borneo.