Across The Universe - DVD e Blu Ray disc

Il mito dei Beatles

2008-07-30T07:28:00.001-07:00

Eredità e lascito del più grande gruppo della storia del pop
Ci eravamo affezionati al blog, inutile negarlo. Ma il sole del resto non smette di sbuffare irrequieto; e così facciamo sempre più fatica ad accendere quel computer, proprio mentre il conducente del treno annuncia l'ultima fermata. Eccoci nel punto in cui non avremmo voluto trovarci: la fine della corsa. Come confrontarsi dunque, in chiusura, col mito Beatles ad oltre 40 anni dalla sua nascita? Questione assai spinosa... In cuor nostro speriamo solo che, anche grazie ad un film splendido e inventivo come "Across The Universe", qualcosina abbiamo comunque finito per raccontarla.

Per questo ultimo capitolo ci limiteremo più che altro a dare i numeri, tanto per ribadire l'unicità assoluta di questi quattro ragazzacci nella storia (passata, presente e futura) della musica e cultura pop: a loro spetta il più alto numero di album in vetta alle classifiche UK (ben 15), a loro spetta il più alto numero di copie mai vendute nel mercato discografico USA. Secondo l'etichetta EMI, già nel 1985 le vendite complessive del catalogo Beatles avevano superato il miliardo di copie nel mondo! Numeri impressionanti, forse irripetibili, che raccontano di un'esperienza che è andata ben al di là della musica e il costume. I beatles sono in estrema sintesi un mito; e allora scomodiamo per una volta il dizionario, al fine di cogliere in maniera corretta il significato di una parola a dire il vero un po' abusata: «nella tradizione culturale o religiosa di una civiltà, narrazione simbolica e sacrale di imprese compiute da divinità, eroi, personaggi leggendari e sim., che spiega le origini del mondo, di un popolo, di fenomeni naturali, di istituti sociali, di valori culturali, ecc.» Dunque non c'è dubbio che di mito si tratti: in questa storia troviamo infatti tradizioni culturali, imprese ed eroi capaci davvero di spiegare le origini di istituti sociali e valori culturali per noi fondamentali.
I Beatles, dunque, non solo hanno influenzato una miriade di gruppi musicali vecchi e nuovi, non solo hanno rappresentato un paradigma di riferimento per chiunque abbia voluto confrontarsi coi segreti della forma canzone (songwriting, produzione, arrangiamenti). I Beatles hanno lasciato segni e simboli all'interno dei codici del nostro tempo, finendo per fagocitare qualunque modalità comunicativa, dai video-game ai cartoon, dagli spot televisivi all'industria cinematografica. State pur sicuri che non ci abbandoneranno mai.

Across the Universe: il film, il musical, i Beatles

2008-07-28T03:43:00.000-07:00

Il musical non è un genere cinematografico ma un stato d’animo. Rispecchia l’anima dei suoi realizzatori ma anche quella dei suoi spettatori. Julie Taymor ha diretto diversi musical a Broadway, e anche alcune rappresentazioni operistiche, oltre naturalmente al cinema, con due opere come Titus e Frida che, come abbiamo già detto, hanno qualcosa di fortemente musicale nella loro struttura. Così, avendo sempre a che fare con l'arte e con la musica, firma un film che rilegge la storia di un giovane negli anni'60 in chiave musicale, ed usa le canzoni dei Beatles come ispirazione per i suoi colori, il ritmo e l’ambientazione che ci propone. Un film che da una parte ha qualcosa di familiare e dall’altra qualcosa di unico. Across the Universe è un insieme di quadri musicali, ognuno con un suo carattere che, oltre a descrivere le vicende, rappresentano anche le atmosfere, con la saturazione dei colori, e le coreografie molto vicine a quelle del musical anche classico. Bisogna però sottolineare che il film di Julie Taymor non è comunque un film sui Beatles, bensì commentato dalle canzoni dei Beatles, i cui testi si rinnovano e acquisiscono nuova linfa, poiché la Taymor getta uno sguardo al passato e uno al presente. Usando uno stile modernissimo da videoclip, la regista riesce ad offrirci il ritratto di un'epoca straordinaria e dannata allo stesso momento. Un'immersione nella cultura degli anni ’60 che si sposta dall'operaia Liverpool al creativo Village, saltando a piè pari la Swinging London. Insomma stile, arte, mood del flower-power, una New York ricca di incitamenti e fermenti degli anni '60 fino alla controcultura hippy del Greenwich Village. Uno stimolo multiforme fatto di colori. E passiamo alla musica: gli arrangiamenti spaziano dal gospel al rock, dal blues al pop, e gli esiti riescono il più delle volte ad entusiasmare. Divertente I want you intonato da uno Zio Sam digitale a caccia di soldati da spedire in Vietnam; particolarmente toccante il parallelismo tra fragole sanguinanti e caduti sul campo di battaglia per Strawberry Fields Forever; emozionanti le versioni gospel di Let it be e il finale ottimista, ma mai in modo gratuito, di All you need is love. E ovviamente superlativi gli attori nonostante la giovane età: da Jim Sturgess e Evan Rachel Wood e da Joe Anderson, Dana Fuchs e Eddie Izzard fino a Spencer Liff, T.V. Carpio, e i cammeo di Bono, Joe Cocker e Shalma Hayek sono veramente tutti strepitosi sia quando cantano che quando recitano. Ma ciò che più colpisce in Across the Universe è proprio la leggerezza con cui la Taymor, aiutata nelle scelte musicali dal marito compositore Elliott Goldenthal e nelle ottime coreografie dal grande Daniel Ezralow, osa sfidare il mito, accontentando sia i nostalgici che chi non rientra nelle schiere dei fan del quartetto di Liverpool.

Cinema e pacifismo

2008-07-25T05:51:00.000-07:00

Across the Universe di Julie Taymor ha scelto di mettere in scena, aiutato dal periodo in cui è ambientato, uno dei temi più battuti dal grande cinema fin da i suoi albori: quello del pacifismo. Che si tratti della guerra in Vietnam o quelle nella vecchia Europa, oppure dei mille e più conflitti in giro per il mondo, la settima arte, con poche sole eccezioni, si è schierata con la pace e mai con la belligeranza. E dato che il ventesimo secolo ha visto alcune delle guerre più sanguinarie di tutti i tempi e il ventunesimo sembra non essere da meno, i film che si sono avvicinati a queste tematiche sono moltissimi, così tanti che è difficile rendergli omaggio in uno spazio come il nostro. Ed alcuni sono dei veri e propri capolavori. Facciamo allora un po’ di storia. Nel 1937 Jean Renoir gira un straordinario poema pacifista come La grande illusione, con Jean Gabin e l’enorme Erich Von Stroheim, ambientato durante la Prima Guerra Mondiale. Ma già nel 1930 l’americano Lewis Mileston aveva portato sullo schermo il romanzo pacifista di Erich Maria Remarque All’ovest niente di nuovo denunciando gli orrori di ogni guerra. Il cinema ha sempre sostenuto che il conflitto bellico è uno sporco gioco che rende tutti vittime e carnefici allo stesso momento. Tesi che viene dimostrata da pellicole come il cupo e claustrofobico Per il Re e per la Patria di Joseph Losey ma anche dall’eccezionale dittico di Stanley Kubrick formato da Orizzonti di gloria, film ambientato durante la Prima Guerra Mondiale, e Full Metal Jacket, durante la guerra in Vietnam. Dicono che siamo tutti pacifisti perché nessuno vorrebbe la guerra. Ma è proprio così? Nel 1971 uno tra i più prestigiosi sceneggiatori del cinema americano, vittima del maccarthismo, firma il suo unico film come regista, E Johnny prese il fucile, un’opera disperata contro l’insensatezza della guerra e contro la crudeltà calcolata del potere. E la figura del soldato ridotto a un troncone e coperto da un lenzuolo bianco non si dimentica facilmente. Sempre negli anni ’70 il megaconcerto Woodstock filmato da Michael Wadleigh lancia il maggiore messaggio pacifista: love, peace and music! In anni più recenti è la volta di un regista come Steven Spielberg a dire la sua sulla Seconda guerra mondiale e i suoi orrori con ben due pellicole come Salvate il soldato Ryan e soprattutto con Schindler’s List. In Italia, invece, Gillo Pontecorvo firma con La battaglia di Algeri un grido contro tutti i conflitti. Infine film come No man’s Land di Danis Tanovic e soprattutto La Polveriera di Goran Paskaljevic gettano uno sguardo impietoso sulla guerra in Jugoslavia denunciando una escalation di disperazione, violenza e morte. Dimostrando così che la pace per l’umanità è ancora molto lontana.

Musica e controcultura negli anni '60

2008-07-23T07:21:00.000-07:00

The Times They Are A-Changhin'
Beatles iniziatori, Beatles pionieri, Beatles rivoluzionari. Qualunque argomento fin qui affrontato ce li ha sempre mostrati lì, nella prima linea della grande stagione di cambiamento che caratterizzò gli anni '60. Eppure, da un punto di vista strettamente politico, non c'è dubbio che il gruppo di Liverpool rivestì un ruolo consapevolmente defilato, quasi di secondo piano. Osservatori più che attivisti, commentatori sociali più che agit-prop. I Beatles, anche quando si avvicinarono a temi politici (il gap generazionale in While My Guitar Gently Weeps, i dogmatismi del movimento in Revolution1, il sostegno alla candidatura come Governatore della California per il guru Timothy Leary in Come Togheter) sembrarono sempre molto più interessati alla musica che a tutto il resto.

Ben altro coinvolgimento misero in scena i menestrelli del folk-revival del Greenwich Village: Joan Baez, Peter, Paul and Mary, il carismatico Bob Dylan; ma anche voci nere come Odetta e Mahalia Jackson. Musicisti-cantastorie che scrissero letteralmente la colonna sonora del movimento per i diritti civili, salvo poi essere scaricati (Dylan) quando azzardarono l'attacco di un cavo alla chitarra per flirtare col "diavolo" elettrico (vedi la famigerata performance del 1965 al Newport Folk Festival). Altro fenomeno significativo del sentire controculturale d'allora fu il leggendario rock-musical "Hair". Messo in scena per la prima volta nell'Ottobre del 1967, fu un'ingenua e magniloquente piece teatrale che mescolava in maniera inedita pacifismo, libertà sessuale, psichedelia e una nuova forma di spiritualità che preannunciava l'avvento dell'Età dell'Acquario.

Sulla scia di quello stesso movimento hippie, che vedeva nell'uso delle droghe un'opportunità di crescita e liberazione, sorse sulla sponda opposta del continente una scena psichedelica particolarmente sensibile al clima di cambiamento in atto. Parliamo principalmente di Jefferson Airplane, Grateful Dead, Crosby, Stills&Nash e in parte Janis Joplin. Discorso diverso va fatto invece per Doors e Velvet Underground che, nonostante l'evidente ruolo di gruppi anti-establishment e la fascinazione per la frontiera psichedelica (the doors of perception), furono forse i primi a prendere le distanze dalla retorica dell'Estate dell'amore, raccontando, con spirito nichilista ed inquieto, il lato oscuro dell'uomo.
Che quel sogno del resto fosse sulla soglia dell'incubo fu ben chiaro a tutti nel Dicembre del 1969, quando al Free Concert di Altamont, una festa in musica si trasformò in tragedia. L'utopia rock era forse al capolinea: dall'estate dell'amore al buio della morte.

Il ’68 raccontato al cinema: ribellione, musica e libertà

2008-07-22T02:01:00.000-07:00

68, in gradi Celsius, è la temperatura ideale per sviluppare la pellicola in bianco e nero. Questo è un destino. Perché il Sessantotto è un periodo coloratissimo che però, a posteriori, può essere raccontato solo attraverso la pellicola in bianco e nero. Anche se poi nei migliori film che hanno raccontato quel periodo irripetibile c’è sempre stato un pizzico di fantasmagoria in più che serve ad arrivare a quelle immagini psichedeliche che sono diventate il suo simbolo, fra vitalità e disperazione. Il ‘68 è un tema che ha toccato soprattutto il cinema europeo, anche se i suoi echi sono arrivati fino al cinema hollywoodiano con le sue pellicole indipendenti. E Across the Universe di Julie Taymor cita quel periodo e quell’ immaginario cinematografico capace di dire tutto e il contrario di tutto, allargando a dismisura i confini del visibile. Ribellione è la parola d’ordine per un film come Easy Rider - Libertà e Paura con la sua straordinaria colonna sonora, contro le sovrastrutture patriottiche che restringono le frontiere mentali e geografiche. Se il film di Peter Fonda e Dennis Hooper è il capostipite di questo piccolo genere cinematografico, ci sono alcune altre pellicole imprescindibili sullo stesso tema. Fragole e sangue di Stuart Hagman è ambientato durante un’ occupazione universitaria vista dalla parte del suo protagonista, l’occhialuto studente Simon, mettendo in scena la contestazione giovanile con un sottofondo westcoastiano-beatlesiano (memorabile la brutale carica della polizia finale scandita dalla bellissima Give Peace a Chance). Stessa aria (e stessi colori) tira nell’incursione americana del maestro italiano Michelangelo Antonioni. Zabriskie Point è un inno al ribellismo giovanile con una colonna sonora che combina i Pink Floyd con Jerry Garcia dei Greadful Dead e con (come minimo) due sequenze memorabili: quella in cui i ragazzi amoreggiano nel deserto e l’esplosione finale dei simboli del benessere. Ma le ribellioni sessantottine al cinema hanno mille sfaccettature: da quella trasversale e totale, come quella che Pasolini ci lancia nella più ostica delle opere con il suo Salò, e quella sessuale nell’Ultimo tango a Parigi di Bernardo Bertolucci, fino a quella contro la tirannia del linguaggio formalizzato in campo cinematografico de El topo di Alejandro Jodorowski e de La Cinese di Jean-Luc Godard fino a Paradise Now di Sheldon Rochlin, ripresa cinematografica dell'omonimo spettacolo del Living Theatre. Una serie di film che hanno voluto denunciare la dolorosa imperfezione di un mondo che pretendeva di essere il migliore possibile, ma che, con i suoi mille errori di ingenuità e i suoi eccessi, ha contribuito almeno a migliorarlo un po’.

Prospettive di un cinema interattivo: Blu-Ray Disc, BD-Live e 3D

2008-07-21T09:55:00.000-07:00

Negli interventi precedenti abbiamo sottolineato quanto sia importante l’esperienza del Blu-Ray Disc e di come esso rappresenti una strada senza ritorno. Abbiamo sottolineato la straordinaria forza impattante delle immagini di questo nuovo supporto, la cui rivoluzione non si limiterà a suoni e immagini. Le potenzialità che offre il Blu-Ray Disc sul piano dell’interattività sono immense. Al momento il problema è di natura soltanto tecnologica: noi, avendo grazie al disco ottico una memoria tanto ampia e una velocità così elevata, siamo di fronte a possibilità di interazione praticamente infinite. Avendo a disposizione quel tipo di memoria e implementando gli applicativi tecnologici si possono sviluppare una mole enorme di funzioni: il BD-live è una di queste per esempio. Il problema semmai è che non bastano solo i contenuti ma diventa fondamentale l'utilizzo degli stessi. Più accelereranno l'implementazione, più sarà fatto tutto questo prima ancora che questa tecnologia diventi un fenomeno di massa, e più sarà facile poter sfruttare appieno queste applicazioni.
Nei prossimi anni questi sviluppi saranno fondamentali anche per portare nelle case un’altra esperienza che già adesso cattura l’attenzione dell’immaginario collettivo: il 3D. Dovremo ancora aspettare, certo, ma intanto il supporto ce l'abbiamo già perchè il Blu-Ray Disc, avendo una capacità così enorme di memoria, è già pronto per il 3D. Quello che manca per portare il 3D nelle case sono i display che arriveranno quando sarà disponibile a livello commerciale e popolare l'Oled. Quei tempi non sono tanto lontani ma ci vorrà comunque del tempo ed è presumibile che si svilupperà prima per il mercato delle sale cinematografiche, per poi arrivare in quello dell’Home Entertainment.

Across the Universe e il cinema sul Vietnam

2008-07-16T08:27:00.000-07:00

Dalla molteplicità dei temi che la regista Julie Taymor ha scelto di inserire nel suo musical moderno, Across the Universe, quello degli echi della guerra del Vietnam è uno tra i più comuni nelle pellicole ambientate negli anni ‘60. Da questo punto di vista, se volessimo scegliere un’altra opera che si avvicina all’energia del film della Taymor, quella è Hair, del 1979, del regista ceco, trapiantato in America, Milos Forman. Scegliamo Hair non solo per il fatto che sia anche esso un musical, ma perché condivide con Across the Universe la stessa visione psichedelica nella sua messa in scena. Ma questi non sono gli unici film che ci hanno parlato della “sporca” guerra. La ferita del conflitto (perso) con il Vietnam percorre tutto il cinema statunitense soprattutto tra gli anni Settanta e Ottanta, creando quasi un genere. Attraverso queste pellicole avviene soprattutto il riscatto dell'America, dopo il tradimento degli ideali democratici dei padri. Ma attenzione: non tutti i film che raccontano lo scontro tra Usa e Vietnam sono film drammatici o film di guerra, esattamente come non lo sono quelli della nostra e di Forman. Tra i primi che lo hanno rappresentato è stato, nel 1969, lo splendido Mash di Robert Altman, farsa bellica in cui la guerra è vista come un circo tragico, disperato ed inconcludente. Lo stesso spirito lo troviamo qualche anno più tardi nella strampalata commedia controcorrente e impudentemente antiamericana di Barry Levinson Good Morning Vietnam. Ispirato a un personaggio reale, è un film che, dimenticando finalmente le brutalità nella giungla vietnamita, si basa unicamente sulle battute da caserma sparate a raffica dal protagonista, il bravo Robin Williams, e sulla sua straordinaria colonna sonora. Ovviamente la parte del leone la fanno pellicole più cupe e di alto spessore drammatico in cui la brutalità summenzionata ritorna. Pellicole firmate da registi delle volte eccezionali come Stanley Kubrick, che nel 1987 realizza l’anti-eroico e disperato Full Metal Jacket. Ma forse il film più celebre sulla sporca guerra rimane il bellissimo Apocalypse Now, che Francis Ford Coppola ha confezionato nel 1979. Ovviamente non bisogna dimenticare il reazionario e agile Berretti Verdi di Ray Kellogg e John Wayne, il visionario Birdy – le ali della libertà di Alan Parker, il robusto I guerrieri dell’inferno di Karel Reisz, il commovente e psicologico Tornando a casa di Hal Asby, l’imprescindibile dittico di Oliver Stone con Platoon e Nato il 4 luglio e lo scattante Rambo di Ted Kotcheff. Bisogna però ammettere che, nonostante tante riflessioni, poco è cambiato nel corso degli anni. E così il grande cinema americano continuerà ad occuparsi delle sue guerre in giro per il mondo. Cambierà solo il paese dove sono ambientate.

Martin Luther McCoy

2008-07-15T05:58:00.000-07:00

Storia di JoJo, talento diviso tra musica e cinema
Certo quel nome altisonante non deve averlo aiutato troppo. Ti presenti, e subito vedi fioccare attorno a te sorrisini e sguardi attoniti, che rimandano inevitabilmente a due paragoni con la storia: da un lato il padre del movimento per i diritti civili, dall'altro il padre della riforma protestante. Diciamoci la verità, più una zavorra che uno sprone. Eppure Martin Luther McCoy non si è fatto intimorire. Anzi. Per esorcizzare cotanto fardello, ha deciso che nella sua carriera musicale doveva tagliare via il cognome, McCoy, e affidarsi al solo Martin Luther. Come a dire: se proprio quel nome deve essere preponderante, che lo sia fino in fondo; nel bene e nel male qualcuno si ricorderà di me.

Un paio di dischi all'attivo passati quasi inosservati: "The Calling", del 1999, e "Rebel Soul Music" del 2004, uscito sulla sua label indipendente Rebel Soul Records. Amicizie importanti (The Roots, Cody ChesnuTT) e pose fotografiche a metà tra Lenny Kravitz e Jimi Hendrix che però non gli sono valse il lasciapassare per il successo. La ragione è presto detta: bello e bravo, ma un po' derivativo. Una formula che in estrema sintesi prevede voce soul da micione sexy, chitarrismo hard-psycho-rock e arrangiamenti un po' demodé. I modelli sono il succitato Lenny, ma anche altre due esperienze fondamentali del cosiddetto black rock: Keziah Jones e i Living Colour.

E invece, quando tutto sembrava destinato a non decollare mai, sarebbe stato il cinema a dargli una mano e lanciare forse definitivamente quel talento dal nome impegnativo. Dopo il ruolo in "Across The Universe" infatti, le cose appaiono per lui finalmente in discesa. Un ruolo perfetto del resto, sorta di Jimi Hendrix al servizio della diva Sadie, al secolo Dana Fuchs. A lui la regista Julie Taymor affida una delle frasi più significative del film, guarda caso già usata in uno dei nostri post d'apertura: «La musica è l'unica cosa che ha un senso ormai: se la suoni a tutto volume, tiene a bada i demoni».
Ma la parte del leone ovviamente l'assume quando veste i panni a lui più congeniali, quelli del chitarrista di razza. Sentire e vedere per credere la struggente versione di While My Guitar Gently Weeps estratta direttamente dal film. In attesa di vedere se il suo nuovo lavoro discografico, "Serial Thriller", sarà finalmente capace di regalargli il successo anche con la musica.

Across the Universe e la rinascita dei film musicali

2008-07-14T07:05:00.000-07:00

Across the Universe di Julie Taymor con la sua elegante estetica da videoclip è ciò che più si avvicina, paradossalmente, ad una esperienza del genere musicale legata al suo glorioso passato. Negli ultimi anni abbiamo visto molti tentativi di rinnovare questo genere del cinema classico creduto ormai morto e sepolto. Ma se pellicole come Il Fantasma dell’opera o The Producers hanno il sapore, anche un po’ polveroso, da palcoscenico, film come questo della Taymor oppure quelli di un Baz Luhrmann recuperano il dinamismo e la visionarietà di questo genere cinematografico. Perciò forse non è corretto parlare di rivisitazione (post)moderna del musical classico, quanto del tentativo di restituire ad un genere hollywoodiano intramontabile nuova linfa, nuova visibilità e un nuovo pubblico, partendo proprio dalle sue caratteristiche peculiari. Fin dall'inizio il musical si è infatti imposto, grazie ad una decisa contaminazione tra generi cinematografici e una riflessione sugli elementi primari del cinema stesso, ossia il tempo e lo spazio, come qualcosa di estremamente duttile e innovativo. Dal melodramma alla commedia, dal giallo al western, arrivando persino alla fantascienza (che cos’e’ in fondo 2001: Odissea nello spazio di Kubrick se non un musical con una enorme partitura in cui la macchina da presa con i sui movimenti sostituisce i balletti?), i film musicali in un perfetto equilibrio tra dare ed avere, fino quasi alla fine degli anni ’60, contaminano e vengono continuamente contaminati dall'enorme numero di generi cinematografici che di volta in volta vengono a contatto con essi. Cosa che continua con queste nuove pellicole. Ma anche dal punto di vista della forma le cose non sono molto cambiate anche se si sono decisamente evolute. In film come Romeo + Juliet e Moulin Rouge, ambedue dell’australiano Baz Luhrmann, ma anche in questo Across The Universe di Julie Taymor, più che la logica narrativa interessa un principio legato all’estetica e allo stile. Così ci troviamo davanti ad un enorme collage musicale e visivo, che trova il suo spazio di irripetibilità nella stravagante disposizione dei frammenti sonori. E per non perdersi all’interno di questo immenso caleidoscopio, lo spettatore si può appigliare unicamente al continuo riferirsi e ri- riferirsi al cinema classico. Ma anche alla musica. Una musica rock-pop contemporanea, seppur frammentata e spezzettata, come quella dei Beatles, oppure brani come Lady Marmelade delle Labelle e Lovefool dei Cardigans sono delle hit esattamente come sono state le canzoni di Judy Garland e di Fred Astaire nella loro epoca. In fondo scalare le classifiche e’ sempre stata un prerogativa del genere musicale.

I "favolosi" Beatles in Italia

2008-07-11T09:16:00.001-07:00

Giugno '65: arrivano gli scarafaggi!
Che sia stato un tour indimenticabile per quei fortunati spettatori che vi presero parte, non c'è dubbio alcuno; i 'ragazzi' non sarebbero mai più tornati a suonare dal vivo in Italia. Magari però, dietro i lustrini della leggenda, bisognerebbe anche ammettere che di mitologico (a parte la loro presenza) vi fu ben poco: 35 minuti a concerto, nessuna scenografia, nessun effetto speciale, un solo riflettore ad illuminare il palco anonimo. Ma erano davvero altri tempi per la musica dal vivo.
Tre le città coinvolte, 8 gli appuntamenti previsti, uno al pomeriggio e uno alla sera: 24 Giugno Velodromo Vigorelli di Milano, 26 Palasport di Genova, 27 e 28 Teatro Adriano di Roma. Performance che, per quanto spartane, non sembra siano state poi troppo dissimili da quelle pubblicizzatissime dell'Ed Sullivan Show. Ma si sa, l'Italia, oggi come allora, era poco più che una provincia nel grande impero del music business. Ecco spiegato allora perché, nonostante tutto ciò avvenne in concomitanza con la vera esplosione mediatica del gruppo, in tanti anni i Beatles non abbiano praticamente mai fatto cenno a quelle date italiane.

Si narra che a convincere l'impresario triestino di origine ungherese, Leo Wachter, a portare quei capelloni in Italia fossero state alcune tra le più influenti famiglie ambrogine d'allora: da un lato spronate dai propri figli musicisti (New Dada, che poi finiranno per aprire alcune di quelle date), dall'altro pronte a mettere sul piatto argomenti molto convincenti; una partecipazione sulle spese della data meneghina. Oltre ai succitati New Dada, apriranno la kermesse anche Fausto Leali, Angela, Guidone e gli Amici, Le Ombre e Peppino di Capri, quest'ultimo anche autore di un celebre filmato amatoriale girato al Vigorelli. Un clamore mediatico che scatenò automaticamente un disperato bisogno d'esserci, tanto tra i VIP che le persone comuni. Nelle date romane, in prima fila, si registrò per esempio la presenza di gran parte del jet-set di Cinecittà: Anna Magnani e il figlio Luca, Catherine Spaak, Rosanna Falk, Giorgio Albertazzi, Luchino Visconti.
Tantissime infine le richieste per un'intervista esclusiva. Il manager del gruppo, Brian Epstein, ospitò privatamente Gianni Bisiach, cloui che grazie ad un memorabile servizio del Novembre '63, aveva fatto conoscere a tutta Italia i "favolosi" Beatles. Il gruppo dal canto suo, ricevette nel backstage l'amico Ricky Gianco, conosciuto un paio d'anni prima a Londra.
Ma l'unico ad ottenere l'onore di un'intervista esclusiva ufficiale fu il solo ed inimitabile Gianni Minà. Sì, proprio lui. Ne avrà quest'uomo di cose da raccontare ai nipotini...

8 Dicembre 1980 - Muore John Lennon

2008-07-10T02:41:00.000-07:00

Death of a Hero
Per chiunque avesse già l'età della ragione, quella sera di 28 anni fa fece male come una lama nella carne. Fu una notizia terribile. Impossibile da dimenticare. Una fredda notte newyorkese che, con cinque colpi di pistola, avrebbe cambiato drasticamente la fisionomia di un sogno: "The dream is over" cantava Lennon in God. Il sogno era finito davvero; forse per sempre.
John e Yoko vivevano allora un periodo felice : "Double Fantasy" era appena uscito nei negozi di dischi, il lavoro sanciva il ritorno di John alla musica dopo 5 anni di silenzio dedicati per lo più al piccolo Sean, conteneva alcune canzoni splendide, e prefigurava per lui una nuova primavera artistica (Life Begins at 40). Era la prosecuzione di un sogno: dalle utopie generazionali dell'estate dell'amore, al raggiunto equilibrio degli affetti privati ((Just Like) Starting Over). Ma il sogno fu bruscamente interrotto da un uomo, Mark David Chapman, che già in passato aveva sofferto di gravi crisi maniaco-depressive.

Quel martedì, prima di colpirlo a morte la sera con una calibro 38, lo aveva già incontrato nel pomeriggio facendosi autografare una copia di "Double Fantasy" (esistono persino degli scatti dell'amico e fotografo di John, Paul Goresh, che ritraggono quell'incontro). Poi la sera, dopo una seduta di registrazione presso i l Record Plant Studio, John, anziché mangiare fuori, decide di tornare presso la sua residenza al Dakota Building per salutare Sean. Ad attenderlo, appartato, c'è ancora quell'uomo ossessionato, che appena qualche giorno prima ha lasciato l'albergo di Honolulu firmandosi John Lennon. Yoko scende per prima dalla Limousine, a 5 mt. di distanza la segue John. Chapman lo chiama: "Mr Lennon!". John non fa in tempo a girarsi e 5 colpi di pistola lo raggiungono, 4 dei quali al corpo. Il custode del Dakota prima disarma Chapman, poi chiama i soccorsi. E' chiaro sin dal principio che la situazione è drammatica, Lennon perde copiosamente sangue, un colpo gli ha attraversato l'aorta. Quando la polizia giunge sul posto trova Chapman seduto quieto sul marciapiede che stringe al braccio una copia de "Il giovane Holden" di Salinger. All'interno, inquietanti note scritte di suo pugno: "This is my statement". In seguito dichiarerà che la sua vita si era totalmente immedesimata con quella dell'antieroe del romanzo, Holden Caulfield.

Chapman verrà condannato ad una pena detentiva compresa tra i 20 anni e l'ergastolo. Attualmente si trova ancora presso il carcere di Attica. Alla notizia della sua morte McCartney, forse ancora sotto chock, dichiarerà lasciando tutti interdetti: "E' una scocciatura, no?". Ma gli dedicherà una canzone d'amore, Here Today, nell'album "Tug Of War". Lo stesso farà Harrison in All These Years Ago, con Ringo e Paul presenti ai cori. Tra i tanti tributi postumi piovuti dal mondo dello spettacolo, val la pena ricordare i due sentiti omaggi di Elton John (The Man Who Never Die e Empty Garden), amico fraterno di John nonché padrino di Sean.
Nel 2000 Yoko Ono ha inaugurato il John Lennon Museum a Saitama, in Giappone. Nel 2002, la sua città natale, Liverpool, ha cambiato nome all'aeroporto ribattezzandolo Liverpool John Lennon Airport, adottando come sottotesto una frase contenuta in Imagine: "Above us only sky". Nell'Ottobre del 2007, sempre Yoko, ha inaugurato in Islanda l'Imagine Peace Tower, sopra la quale è scritto in 24 lingue differenti "Immagina la pace". Sta a noi, oggi, dare a quel sogno una chance.

Joe Anderson, talento da vendere

2008-07-07T10:24:00.000-07:00

Max, il nome del personaggio che interpreta Joe Anderson nel colorato Across the Universe di Julie Taymor, proviene da una delle canzoni più belle dei Beatles come Maxwell's Silver Hammer tratta dall’album Abbey Road del 1969. Nato nel 1982 in Inghilterra, Joe Anderson studia fotografia, frequenta il Richmond upon Thames College e la Weber Douglas Academy of Dramatic Art di Londra. Figlio di attori, il padre Miles Anderson è un volto noto delle scene e della tv brittanica, il giovane Joe dopo aver vissuto in una barca per un certo tempo, dimostrazione del suo carattere ribelle, comincia una carriera attoriale di discreto successo. Inizia con qualche partecipazione teatrale e debutta sul grande schermo nel 2004, a 22 anni, nell’horror Creep che vede come protagonista la tedesca Franka Potente. Dopo essere apparso in alcuni episodi delle serie televisive L’ispettore Barnaby e Afterlife, nel 2006, ottiene il primo ruolo di assoluta rilevanza interpretando il nipote di Beethoven in Io e Beethoven della regista polacca Agniezska Holland. Il 2007 è un anno d’oro per il giovane attore. Infatti lo troviamo nei panni del nostro Max, il teenager spedito nella guerra del Vietnam: “prima del provino non avevo mai cantato nemmeno una nota”, dice Joe “forse per questo sono piaciuto tanto a Julie”. E Joe ha mostrato infatti un vero talento anche canoro interpretando questo personaggio. La musica entra così a far parte della sua vita artistica e subito dopo arriva il personaggio di Peter Hook, bassista dei Joy Division nel film del fotografo Anton Corbijn dal titolo Control. In seguito interpreterà Henry Austen, accanto a Anne Hathaway, nel film in costume Becoming Jane, sulla vita della scrittrice Jane Austen. Tra le sue ultime fatiche segnaliamo High Life e The 27 club, inediti in Italia, e soprattutto l’horror sopranaturale Rovine, dove Joe è Mathias il ragazzo tedesco che due giovani coppie incontrano in Messico, e che porterà l'intero gruppo alla ricerca del fratello in cima a una piramide Maya maledetta.

Le cover dei Beatles pt.2

2008-07-05T20:57:00.000-07:00

Dagli U2 a Sergio Mendes, nel segno dei Beatles
E bravo Tommy. Coglie al volo l'occasione del post dedicato alle cover dei Beatles per ricordarci come gli U2 - che almeno a livello di popolarità ne hanno raccolto lo scettro - abbiano più volte manifestato il loro incondizionato amore per i 4 di Liverpool. In particolare mi piace sottolineare la sua citazione del discorso di Bono in apertura di Helter Skelter: «This is a song Charles Manson stole from the Beatles. We're stealing it back». Cosa loro, cosa del grande popolo del rock'n'roll, assolutamente da proteggere e conservare. Un orgoglio da British Invasion di ritorno che contagiò anche i Police all'apice del loro successo americano; dinanzi alla folla urlante dello Shea Stadium di New York (luogo ove si consacrò il mito USA dei Fab Four) il modesto Sting sentì tra i due momenti un'inestricabile analogia: «We would like to thank the Beatles for lending us their stadium». Più che altro, un'ambiziosissima speranza camuffata da passaggio del testimone. E che dire poi dei terribili fratelli Gallagher, sempre in gara tra loro a chi la spara più grossa; anche sui Beatles. Liam (a proposito: canzone preferita, Across The Universe!) una volta si lasciò scappare che se mai un giorno avesse incontrato un extraterrestre, lo avrebbe certamente mandato a quel paese: perché qualunque fosse il suo pianeta, di sicuro non potrebbe vantare i Beatles.

Tra i grandi del rock che si sono avvicinati al prezioso catalogo Lennon-McCartney segnaliamo - tra i tanti - David Bowie (anch'egli alle prese con Across The Universe, su "Young Americans"), gli Aerosmith (Come Togheter e Helter Skelter), i Deep Purple (Help!) e Crosby, Stills, Nash&Young (Blackbird e Drive My Car). Ma, come sottolineavamo l'altra volta, mai come con i Beatles, la forma canzone trova piena universalità attraverso tributi provenienti da ogni genere e latitudine: penso al jazz (la strepitosa Blackbird per solo basso eseguita da Jaco Pastorius, oppure il disco "New Standard" di Herbie Hancock, all'interno del quale il celebre pianista afroamericano ha inserito Norwegian Wood), ma anche alla musica brasiliana. Sua maestà Caetano Veloso, in un vecchio disco del '75 ("Qualquer Coisa") ne infila addirittura 3 in sequenza: Eleanor Rigby, For No One e Lady Madonna. Ma la parte del leone la gioca soprattutto il redivivo Sergio Mendes che, con in suoi Brasil 66, negli anni ha fatto di quelle canzoni un vero e proprio feticcio musiculturale. Guardate il video di Day Tripper e fate buon viaggio!

Across the Universe e il favoloso mondo beatlesiano

2008-07-03T09:57:00.000-07:00

Rientriamo per un momento nel colorato mondo di Across The Universe e scopriamo come Julie Taymor abbia costruito nelle immagini del suo film un tessuto fitto di citazioni dall’universo beatlesiano, nonostante il quartetto di Liverpool non venga mai menzionato nel film. Le citazioni e i rimandi sono molto ben amalgamati nella sceneggiatura, con frasi che richiamano le canzoni dei Beatles e personaggi che ricordano quelli che si aggiravano intorno al gruppo. Andiamo a scoprirne alcune.

Il concerto sul tetto di Sadie cita lo storico ultimo live dei Beatles che si è tenuto sul tetto della loro etichetta, il famoso Rooftop Concert di cui abbiamo già parlato in uno dei precedenti interventi.
Il pullman colorato, che appare nel film, è un lampante riferimento a quello usato per il Magical Mystery Tour.
Liverpool, la città dove è nato il protagonista, è anche la città da cui proviene il quartetto.
Dr. Robert, il personaggio che interpreta Bono nel film, è ispirato tanto al famigerato medico-pusher newyorkese che allo scrittore della Beat Generation Neal Cassady.
Nell'appartamento di New York, Max gioca con un martello, facendo così esplicito riferimento alla canzone da cui prende il nome Maxwell's Silver Hammer.
Prudence entra nella vita dei ragazzi attraverso una finestra, esattamente come dice il testo della canzone: She came in through the bathroom window.
La casa discografica "Strawberry", corrisponde nella realtà alla “Apple Corps”, che viene poi citata anche in un’altra sequenza in cui Jude disegna una mela verde.
In una sequenza all’inizio del film, un lavoratore del cantiere navale dice a Jude che quando era giovane affermava che a sessantaquattro anni se ne sarebbe già andato, ma lavora ancora nel cantiere. In questo caso il riferimento va a una canzone che non fa parte della colonna sonora: When I'm Sixty-Four, scritta dal solo Paul McCartney e per questo non inserito nel film che contiene solo brani scritti dal binomio Lennon – McCartney.
Nella sequenza iniziale di Hold Me Tight, le immagini ambientate a Liverpool mostrano un locale in cui si vede una band formata da quattro giovani con giubbotti di pelle che cantano in una nicchia di mattoni. Tutto richiama molto il Cavern Club, dove i Beatles si esibirono in centinaia di occasioni durante i primi anni di attività.
E la lista è molto più lunga…

Diventa amico di Across The Universe!

2008-07-02T09:43:00.000-07:00

Sei un fan di Across The Universe? Ami i Beatles e le loro canzoni? Ti è piaciuto questo blog e vuoi dirlo a tutti?

Fai sapere a tutti i tuoi amici che sei amico di Across The Universe, dei suoi magici colori e delle sue canzoni leggendarie. Puoi utilizzare i banner qui sotto per includerli (embed) nel tuo sito o blog.

Banner 200x90

Banner Piccolo 120x200

Banner Badge 100x100

Le cover dei Beatles pt.1

2008-07-01T07:49:00.000-07:00

Tributi e omaggi nel tempo e nello spazio
Prendendo spunto da alcuni commenti postati dai frequentatori di questo blog - penso in particolare a Morgan, che sottolineava la versione di Lucy In The Sky With Diamonds interpretata da Elton John, e Pepper, che invece ricordava come la stessa canzone fu indirettamente omaggiata dai Pink Floyd di Let There Be More Light - abbiamo pensato bene di lanciare un paio di sguardi (sommari) sulla miriade di cover version che da anni vedono come protagoniste le canzoni dei Beatles.

La cosa divertente della faccenda è che, essendo i 4 unanimamente riconosciuti come la più autorevole cornucopia di canzoni pop (linguaggio universale per antonomasia), la pioggia dei tributi è sempre stata particolarmente trasversale, tanto in termini geografici che di stile musicale. Si va dalla solita Giamaica (un'isola dall'attitudine onnivora, che ingoia e fagocita qualsiasi musica) alla nostra Italia, ben rappresentata qui dal disco "Mina canta i Beatles" che abbiamo voluto mettere in bella vista (disco uscito nel '93 nella cui copertina la tigre fa il verso a "Revolver"). Tuttavia vogliamo incentrare questo primo paragrafo in particolare sullo scambio d'amorosi sensi nato sin dal principio tra i Beatles e la musica afroamericana.

Partiamo innanzitutto dal presupposto che nel loro secondo disco, "With The Beatles", sono presenti omaggi al re del rock'n'roll nero, Chuck Berry (Roll Over Beethoven) e al soulman Smokey Robisnon (You've Really Got a Hold On Me); il tutto amplificato dalla versione assemblata per il mercato USA, in cui figuravano anche Long Tall Sally, classico dell'altro gigante del rock'n'roll nero, Little Richard, e Money, firmata invece da Berry Gordy, il padre della Motown. In particolare la leggendaria etichetta di Detroit, sullo slancio di un'affinità elettiva più che evidente, restituirà con gli interessi cotanto amore: in primis proprio Smokey Robinson, ma anche Le Supremes di Diana Ross, Gladys Knight & The Pips, Stevie Wonder e Marvin Gaye. Con quest'ultimo - a dire il vero - impegnato a dare una melensa rilettura di Yesterday. Il celebre brano cantato da McCartney, oltre ad essere la canzone con più cover nella storia della musica, sembra nutrire un particolare fascino nei confronti delle grandi voci. Non solo Marvin Gaye dunque: con le sue note malinconiche si sono cimentati mammasantissima come Frank Sinatra, Ray Charles e Sarah Vaughan. Restando nell'ambito della grande musica nera poi, non possiamo certo dimenticare le cover di mostri sacri come Al Green, Aretha Franklin, Ella Fitzgerald, Ike & Tina Turner, Otis Redding, Wilso n Pickett, gli Earth, Wind & Fire.
Ma sarebbe un errore circoscrivere l'appeal di quelle canzoni alla sola spiritualità afroamericana. Mai come con i Fab Four, infatti, la musica è una questione colour blind, che davvero trascende razza, classe e genere.
Ne riparleremo a breve...

Le canzoni dei Beatles in "Mi Chiamo Sam", con Sean Penn

2008-06-30T08:25:00.000-07:00

Mi chiamo Sam e amo i Beatles

Confrontarsi con il repertorio dei Beatles al cinema: quale autore non accetterebbe questa sfida con un misto di orgoglio, timore ed entusiasmo? Un’occasione analoga a Across the Universe è stata quella colta dalla regista Jessie Nelson nel 2001 per la colonna sonora del suo film Mi chiamo Sam (I Am Sam), interpretato da Sean Penn e Michelle Pfeiffer. Anche in questo caso le cose sono andate straordinariamente bene! Ovviamente grazie alle stupende canzoni del quartetto di Liverpool, che nel film vengono riarrangiate per l'occasione da artisti di grande calibro quali Eddie Vedder, Nick Cave, Ben Harper, Aimee Mann, Sheryl Crow e Rufus Wainwright, tanto per fare qualche nome, ma la lista è ancora molto ricca. I brani dei Beatles utilizzati nel film sono infatti ben 17. E pensare che la scelta di non adottare le canzoni originali è stata forzata, come afferma la regista, per evitare che la produzione spendesse più per acquistare i diritti delle canzoni dei Beatles che per tutto il resto.
Particolarmente riuscita è stata la scelta dei singoli brani che accompagnano alcune delle sequenze più belle del film, in cui Sean Penn veste i panni del papà amoroso, anche se mentalmente ritardato, di Dakota Fanning. Ogni canzone è un commento sublime agli eventi raccontati dalle immagini: Across the Universe sembra dire "nulla potrà cambiare il tuo mondo" mentre Sam gioca con sua figlia, giusto qualche minuto prima dell'arrivo dei "cattivi" assistenti sociali che gliela portano via; You've Got to Hide Your Love Away, quando Sam va a far visita a Lucy dalla famiglia affidataria ma poi si nasconde preferendo non farsi vedere, pensando che ormai Lucy sia felice con la nuova famiglia; Two of Us con Sam e la piccola Lucy sull'altalena; Lucy in the Sky with Diamonds, sottolineando il verso "e lei se ne andata", quando la mamma "naturale" di Lucy scappa appena uscita dalla clinica lasciando Sam da solo con la bimba; e infine Blackbird, quando Sam lancia l'uccello di carta dall'albero verso Lucy e poi dalla sua cameretta fino al balcone dell'appartamento di Sam.
Un’altra occasione per apprezzare la grande abilità dei FabFour nel confezionare brani pieni di sentimenti e assolutamente memorabili.

Rumours e misteri sulla leggendaria morte di McCartney

2008-06-27T07:04:00.001-07:00

Paul Is Dead?
Una delle storielle più macabre e al contempo divertenti emersa negli anni attorno ai Beatles è senza alcun dubbio quella che fa riferimento alla presunta morte di Paul McCartney, vicenda già parzialmente accennata in uno dei primi post del blog. Secondo i sostenitori della tesi del complotto, sarebbero centinaia i segnali lanciati dagli stessi Beatles, tra frasi sibilline registrate al contrario e simbologie disseminate ad arte sulle copertine dei dischi.
Tutto prese forma nell'Ottobre del 1969 quando Russ Gibb, dj radiofonico di Detroit, ricevette una misteriosa telefonata in cui si affermava che McCartney fosse morto; a riprova di ciò, sostenne l'ascoltatore, bastava ascoltare al contrario il brano Revolution9, dove una voce pronunciava la frase "Turn me on, dead man". Dieci giorni più tardi, un noto radio-jock di una potentissima stazione newyorkese (WABC), riprese il discorso irradiandolo in ben 38 stati americani. Di lì in poi, l'effetto domino fu incontrollabile.

La leggenda in linea di massima narra che Paul McCartney morì il 9 Novembre del 1966, durante le sessions di Sgt. Pepper's, in seguito ad un incidente stradale. Prova di ciò sarebbe soprattutto la copertina del disco "Abbey Road", quella del famoso attraversamento delle strisce pedonali: Paul è l'unico in completo e piedi scalzi (abitudine con cui si sepolgono i cadaveri), è l'unico fuori sincrono rispetto al passo degli altri e, sopra ogni cosa, c'è la targa della macchina di Paul con su scritto 28IF; per i professionisti della dietrologia più spinta: 28 anni se Paul fosse stato vivo ai tempi di quello scatto. Altre evidenze "incontrovertibili" giacerebbero nei rumori di un incidente d'auto inclusi nelle canzoni Revolution9 e A Day In The Life e nella coda di Strawberry Fields Forever, dove John parrebbe dire "I buried Paul" (in realtà diceva "Cranberry sauce"). A suggellare cotanta surrealtà, l'ipotesi che il "nuovo" Paul fu reclutato attraverso un regolare contest cui vari sosia vennero sottoposti dagli altri tre. Il mito racconta che alla fine l'abbia spuntata un ex-poliziotto, uno talmente calato nella parte che, per rendere più verosimile la somiglianza, si sottopose anche ad un intervento di chirurgia plastica.

Una bufala in piena regola, sospesa a metà tra gioco macabro, paranoia e goliardia, cui si sono prestati gli stessi Beatles. John, nel suo album solista del 1971, "Imagine", all'interno della canzone How Do You Sleep? commenta sarcastico: "Those freaks was right when they said you was dead" ("Quei pazzi avevano ragione quando dicevano che eri morto"). Ma il massimo fu l'autoparodia dello stesso Paul nel live-album del 1993 "Paul Is Live" (compresa citazione della celebre copertina). Roba degna della mente di Matt Groening, il creatore dei Simpsons, che ovviamente non si è fatto sfuggire l'occasione per graffiare un po' anche lui sulla leggenda attraverso il suo irriverente cartoon.

Evan Rachel Wood, una ragazza fortunata

2008-06-25T09:56:00.000-07:00

Una famiglia artistica, padre, madre e fratello sono attori mentre la sorella Dana fa la musicista. Una carriera lunga quasi quindici anni, un bellissimo film come Thirteen, molta tv e adesso il grande successo di Across the Universe, che permette a questa stupenda ragazza di vent’anni di dimostrare tutto il suo talento anche come cantante. La carriera di Evan Rachel Wood inizia con un'occasione perduta: avrebbe dovuto essere, infatti, Claudia, la bambina vampirizzata da Tom Cruise, in Intervista col Vampiro, ruolo che è andato a Kirsten Dunst. Ma nonostante ciò Hollywood ha dato subito credito alla giovane attrice. Così riesce ad ottenere diverse parti in pellicole di successo come Amori & incantesimi e S1m0ne, dove interpreta la figlia di Al Pacino. Partecipa poi ad alcuni episodi della serie tv Profiler, ma la popolarità arriva grazie al film Thirteen dove, con estrema forza, interpreta una ragazzina di tredici anni che finisce nel tunnel della droga. Il film fa scalpore, il suo modo di recitare così intenso a soli sedici anni colpisce sia la critica che il pubblico tanto da meritare una nomination al Golden Globe come Miglior Attrice Drammatica. In seguito viene scelta da Ron Howard per il suo horror-western The Missing accanto a Cate Blanchett e Tommy Lee Jones. Negli anni seguenti prende parte ai film Litigi d'amore, Down in the Valley, accanto ad Edward Norton, e Correndo con le forbici in mano e inoltre presta la sua voce al film d'animazione The Reef - Amici per le pinne. Nel 2005 si vede di nuovo soffiare da Kirsten Dunst la parte di Claire in Elizabethtown. Ma la musica entra a far parte della sua vita: proprio quell'anno partecipa al videoclip del brano Wake Me Up When September Ends dei Green Day, con l'attore Jamie Bell, con il quale successivamente si fidanza. In Across the Universe interpreta Lucy (in the Sky With Diamonds) e canta ben sei canzoni anche se non quella da cui prende il nome il personaggio, che viene eseguita dagli U2 durante la magnifica sequenza dei titoli di coda realizzata da Kyle Cooper. Evan Rachel dice che il personaggio di Lucy è molto vicino alla sua personalità e che la considera “davanti per la sua epoca”. Al momento è fidanzata con Marilyn Manson (si proprio lui!) e nel 2007 ha partecipato al video clip di Heart-Shaped Glasses. Una ragazza veramente fortunata…

Across the names pt.2

2008-06-24T13:24:00.000-07:00

Nomi e canzoni nel segno dei Beatles
Come promesso, continua il nostro viaggio all'interno dei protagonisti del film e il divertente gioco di specchi tra i loro nomi e le canzoni dei nostri amati Fab Four.
Dopo aver raccontato qualche aneddoto sui nomi più smaccatamente celebrativi, Jude e Lucy, eccoci ad un paragrafo per palati fini e veri intenditori dove racconteremo qualcosa di più su Max, Sadie, Prudence e relative implicazioni canzonettistiche.

Joe Anderson, già nei panni del bassista Peter Hook nel film (Control) che Anton Corbijn ha dedicato ai Joy Division, in Across The Universe veste i panni dell'esuberante Max. Molte le analogie col personaggio cantato da McCartney in Maxwell's Silver Hammer. Innanzitutto è uno studente, e proprio come lui mette in luce un carattere ai limiti della psicosi. Sadie lo accoglie (assieme a Jude) nella sua casa con parole inequivocabili: «Siete tutti così pulitini... però di quelli che potrebbero ammazzare la nonna a martellate». A scanso d'equivoci, lo zio Teddy, nella scena del Thanksgiving Day, gli si rivolge chiamandolo direttamente Maxwell. Quanto alla canzone poi, possiamo dire senza timore che si trattò di uno dei più grossi pomi della discordia emersi tra Paul e John. Un malevolo Lennon la definì uno dei primi esempi di canzone per nonne composta da McCartney, che «fece di tutto per farla diventare un singolo, ma non ci riuscì mai, né mai avrebbe potutto».

Abbiamo già accennato alla cantante Sadie, sorta di sensuale Janis Joplin interpretata nel film da Dana Fuchs. Il suo nome fa riferimento a Sexy Sadie, canzone scritta da Lennon in India durante il celeberrimo stage di meditazione trascendentale presso il guru Mahesh Yogi. E' lo stesso John ad ammettere che la canzone è un sarcastico ritratto del Maharishi, frutto della cocente delusione provata dopo i (presunti) abusi sessuali perpetrati ai danni di alcune donne del gruppo. Ciò nonostante, nel momento della pubblicazione, lo spiritualissimo Harrison chiederà ed otterrà un cambio di nome della canzone che in principio avrebbe dovuto intitolarsi molto più esplicitamente Maharishi. Curiosità: il verso «What have you done / you made a fool of everyone» è una citazione di I've Been Good To You di Smokey Robinson & The Miracles.

Dulcis in fundo, la dolce Prudence, la piccola bellezza asiatica attanagliata da una sofferta passione saffica. Il riferimento del suo nome va alla famosa Dear Prudence, una delle canzoni più belle contenute nel White Album. La canzone fu dedicata da Lennon a Prudence Farrow, sorella dell'attrice Mia, entrambe presenti al suddetto Ashram in India. Per la cronaca: a differenza dei ragazzi di Liverpool, tanto le due sorelle che Mike Love dei Beach Boys finirono per conseguire l'attestato di insegnanti di meditazione trascendentale. Per la curiosità: a differenza della solita line-up, il brano presenta McCartney alla batteria; il vecchio Ringo in quell'occasione sbattè la porta in seguito a divergenze interne, salvo poi tornare all'ovile a brano finito, con tanto di mazzo di fiori pronto ad accoglierlo sulla batteria.

Video - Intervista a Elliot Goldenthal e Dana Fuchs

2008-06-23T10:27:00.000-07:00

Ecco un altro piccolo assaggio dei contenuti speciali tratti dal Blu-Ray Disc di Across The Universe. Elliott Goldenthal, che ha curato la colonna sonora, e Dana Fuchs parlano delle musiche del film e della grande emozione provata nel partecipare a questo film.

Across the names pt.1

2008-06-20T08:46:00.000-07:00

Canzoni e nomi nel segno dei Beatles
Tra le peculiarità che caratterizzano il film Across The Universe, c'è quella d'aver dato ad ogni singolo protagonista un nome liberamente ispirato alle canzoni dei Beatles. Alcuni sono di percezione immediata (Jude, Lucy, Prudence), altri (Max, Sadie) meritano invece una conoscenza della materia un pochino più approfondita. Ecco perché ci è parso opportuno ripercorrere aneddoti e genesi di ognuna delle canzoni incriminate.
Si parte ovviamente dal protagonista Jim Sturgess, Jude nella pellicola della Taymor. Ovvio il riferimento ad Hey Jude, primo singolo edito dalla Apple Records, brano scritto da Paul McCartney come consolazione per il piccolo Julian Lennon, allora alle prese col divorzio dei genitori (erano i tempi in cui John s'invaghì di Yoko Ono). In principio si sarebbe dovuta chiamare Hey Jules, ma presto Paul si rese conto che Jude suonava molto meglio. John per tanti anni si disse convinto che la canzone in realtà fosse indirizzata a lui, l'incapacità inconscia da parte di Paul d'accettare la separazione che stava maturando tra i due. Julian, dal canto suo, scoprì invece d'esserne il destinatario solo 20 anni dopo.

Altra associazione ovvia è quella tra il nome dato alla bella Evan Rachel Wood, Lucy, e la celeberrima Lucy In The Sky With Diamonds. Curioso pensare come la figura dello scrittore inglese Lewis Carroll faccia da raccordo tra la sua esperienza artistica e la canzone: lei figura tra i protagonisti di Phantasmagoria, il debutto cinematografico di Marylin Manson dedicato proprio all'autore di Alice nel paese delle meraviglie; lo stesso risulta essere il co-responsabile dietro le visioni di Lucy In The Sky With Diamonds, almeno stando alle dichiarazioni di John (l'altro fu suo figlio Julian, che attraverso un disegno raffigurante la compagna di classe Lucy gli fece tornare in mente la sua passione di bambino per Carroll). Questo nonostante le mille insinuazioni sull'acronimo (LSD) e l'ammissione nel 2004 da parte di Paul che quelle immagini erano in maniera «piuttosto ovvia» ispirate anche dall'acido lisergico. Curioso notare infine come anche in Mi chiamo Sam, Sean Penn chiama sua figlia Lucy Diamond per lo stesso motivo.
TBC...

Da Londra a New York: arrivano i Beatles!

2008-06-19T02:28:00.000-07:00

1964: allarme a New York, arrivano i Beatles! è il film con il quale, nel 1978, Robert Zemeckis ha debuttato al cinema aiutato dal suo amico Steven Spielberg, che in quest'occasione ha ricoperto il ruolo di produttore esecutivo. Il titolo originale, I wanna hold your hand, è l’americanizzazione del titolo di uno dei singoli che hanno permesso ai Beatles di penetrare nel mercato statunitense; in effetti, I Want to Hold Your Hand fece definitivamente esplodere il fenomeno della Beatlesmania, e diede inizio alla cosiddetta British Invasion delle classifiche di vendita americane. E anche nel caso del film di Zemeckis sono proprio loro, il quartetto di Liverpool, con la loro musica e le loro canzoni i grandi protagonisti. Pellicola questa che riprende, aggiorna e velocizza il ritmo e le gag dei film con i Beatles di Richard Lester. 1964: allarme a New York, arrivano i Beatles! racconta l'arrivo del quartetto a New York nel '64 per partecipare all'Ed Sullivan Show! Zemeckis mostra l'isterismo di massa delle teenager, alla ricerca di ogni sorta di cimelio riguardante i Fab Four, soffermandosi in particolare sulle vicende di tre ragazze, una innamorata di Paul McCartney, un'altra fotografa in erba e la terza che si è lasciata convincere a seguire il concerto. Le tre incontrano altrettanti ragazzi e arrivati a New York, i sei cercano insieme di entrare nell'albergo che ospita il quartetto inglese. Il film è brioso e surreale con una serie di gag divertenti messe in fila senza soluzione di continuità. Dal punto di vista tecnico, invece, particolarmente riuscita le sequenza del concerto, in cui le immagini dei veri Beatles che s'intravedono dai monitor e dalle telecamere s'integrano alla perfezione con le controfigure che invece si agitano sul palco. Colonna sonora stupenda, composta da una ventina di canzoni dei Fab Four (ovviamente...). Nel cast una giovane Nancy Allen futura moglie di Brian De Palma e il comico Will Jordan, che interpreta il suo primo Ed Sullivan, più divertente che mai. Jordan ha interpretato infatti Sullivan ben altre cinque volte e sempre con risultati esilaranti.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

2008-06-18T06:16:00.000-07:00

Storia, simbologie e leggende del disco più famoso della storia del rock
Sembrava un giovedì come un altro quel 1 giugno del 1967. Eppure, dopo l'uscita del feticcio Sgt. Pepper's, nulla sarebbe più stato come prima nel circo barnum del rock'n'roll. Per dirne una: il grande Brian Wilson, di fronte alla sua monumentale bellezza, rischiò seriamente di smarrire ragione e spirito nel disperato tentativo ("Smile") di eguagliarne i fasti. Perché oggi sembra tutto scontato, ma allora fu davvero un cataclisma di proporzioni epocali.

Nella primavera di quell'anno McCartney si trova in vacanza in California. Ormai anche lui si è persuaso che i Beatles devono abbandonare l'attività live e concentrarsi esclusivamente su progetti dal respiro ambizioso. L'idea che gli viene in mente è un concept album che ruoti attorno ad una fantomatica band dal nome curioso e lunghissimo, proprio come quei bizzarri gruppi psichedelici che imperversavano nella west coast d'allora. Di ritorno a Londra non trova immediato entusiasmo tra i suoi bandmates, ma tutto sembra tornare in perfetta armonia grazie alla fantasiosa idea della copertina. Suo principale artefice sarà il gallerista Robert Fraser, uno dei paladini dell'arte moderna nella Londra degli anni '60. A disegnarla ci penseranno Peter Blake e sua moglie Jann Haworth. Il collage mostra più di 70 personalità provenienti dal mondo dell'arte, della letteratura, del cinema e della politica; in più, per espressa volontà di George Harrison, figureranno anche alcuni guru indiani. Tra i personaggi più curiosi segnaliamo il satanista Aleister Crowley, il compositore Karlheinz Stockhausen, lo psicologo Carl Gustav Jung, e l'esploratore David Livingstone. Ma in bella mostra troviamo anche figure più familiari come Bob Dylan, Marylin Monroe, William Burroughs, Karl Marx, Oscar Wilde e Marlon Brando. Gli aneddoti più divertenti vanno dalle statue di cera degli stessi Beatles, così come rappresentate allora al museo di Madame Tussauds, alla bambola dell'attrice Shirley Temple con indosso un golfino dei Rolling Stones (che a loro volta ricambieranno sulla copertina di "Their Satanic Majesties Request").

Musicalmente parlando, si perpetua il lavoro sugli esperimenti di studio attraverso l'utilizzo creativo di echo, riverberi e nastri mandati al contrario. Gli arrangiamenti si fanno a tratti molto complessi, si rafforza il legame spirituale con l'India (sitar e tamboura presenti in moltissime tracce) e si utilizzano strumenti insoliti come l'harpsichord (Fixing A Hole) e l'harmonium (Being For The Benefit of Mr. Kite). Il disco, dopo un esordio bruciante al n°8 determinato esclusivamente dagli ordini, si piazza in vetta alle chart UK e ci resta stabilmente per 23 settimane. E' il primo disco inglese a mettere le liriche sul retro-copertina, ma soprattutto è il primo disco rock in assoluto ad aggiudicarsi il Grammy Award come miglior album dell'anno. Il Times lo descrive «Un passaggio decisivo nella storia della civiltà occidentale»; persino Jimi Hendrix gli renderà omaggio, suonando ripetutamente la titletrack dal vivo nei mesi immediatamente successivi all'uscita. Non mancheranno anche alcune critiche beffarde: Frank Zappa, per esempio, dichiarerà su Rolling Stone che i ragazzi «were only in it for the money» e, non pago, parodiò quella grandeur nel successivo "We're Only In It For The Money". Ma furono per lo più voci isolate e orgogliosamente controcorrente.
A chiudere il cerchio ci penserà proprio la rivista rock quando, nel 2003, finirà per eleggerlo come miglior album di tutti i tempi. Il resto... forse è ormai storia degna d'esser studiata sui banchi di scuola.

Across The Universe e l’esperienza Blu-ray

2008-06-17T07:09:00.000-07:00

Contenuti e immagini dell’alta definizione

Nel precedente post mi ero occupato dello straordinario lavoro creativo sui colori effettuato in Across The Universe. Questo soprattutto in relazione al fatto che la Sony Pictures Home Entertainment ha deciso di selezionare per la pubblicazione su Blu-ray i titoli che ritiene più idonei, compresa la pellicola in oggetto. Spesso mi viene chiesto se questo nuovo formato avrà lo stesso impatto che ebbe il DVD al cospetto della VHS. In realtà credo di poter dire che commercialmente parlando non sarà così; non certo per un fatto di qualità o tecnologia, ma per un motivo molto più semplice: quando nel ‘97 (in Italia nel ’98) viene lanciato il DVD, il quadro sociale e tecnologico è completamente diverso. Oggi la comunicazione si è spostata su più fronti, non c'è più soltanto la televisione, ma forme che guardano tanto alla sfera dell’intrattenimento che della comunicazione, da internet (con tutto quello che comporta) fino ai telefonini. Ecco perché l'impatto sarà meno forte; ma è una strada senza ritorno, e in qualche misura con margini persino migliori.

Penso ai tempi lunghi che occorsero al DVD per imporsi definitivamente sul mercato: nonostante fosse senza dubbio più pratico della VHS – quest’ultima più pesante, vecchia, polverosa e per certi versi anche fragile – all’inizio fece un po’ fatica ad affermarsi, specie perchè con quel formato non era più possibile registrare. Nel Blu-ray questo avverrà in maniera diversa perché, già l'anno prossimo, arriveranno invece i registratori Blu-ray, che evidentemente agevoleranno ancora di più tempi e modi della sua diffusione. Ma c’è soprattutto un altro aspetto: manca l'esperienza. L'esperienza del Blu-ray è assolutamente fondamentale, non tanto come suono, ma come immagine. È talmente impattante, che rappresenta una strada senza ritorno.

È come l’IMAX per il cinema. Con una differenza però: l'IMAX è pensato più per le immagini che per i contenuti. Oggi si comincia ad affermare negli Stati Uniti con film di grande impatto commerciale, ma inizialmente era soltanto una forma tecnologica alternativa, pensata esclusivamente per documentari ed affini. L'alta definizione invece è un compendio fra i due, fra contenuto ed esperienza visiva, e questo la rende commercialmente molto più forte. Anche per via di costi decisamente più bassi. Ma anche l’IMAX è destinato ad uno sviluppo importante.