ACERVO DO CINEMA

VOCÊ É O PRÓXIMO (2011)

2026-07-17T00:30:00.000-03:00

Sadismo e violência explícita garantem tensão constante aliados a ótimo e mórbido texto

Se em décadas passadas John Carpenter, de Halloween - A Noite do Terror, e Wes Craven, de Pânico, eram sinônimos de terror, agora é o momento de passar o bastão para outros. James Wan, de Invocação do Mal, é “o cara” quando o assunto é meter medo, mas correndo por fora temos também Adam Wingard... Quem? Realmente seu nome ainda não tem o poder de atrair público aos cinemas, mas já tem sua turminha de fãs virtuais. Com um ritmo de trabalho acelerado, suas produções de baixo orçamento e calcadas em violência e realismo certamente fariam sucesso caso o mercado de locação estivesse em voga, assim como bombam entre os adeptos de download e assistir online. O ABC da Morte e V/H/S são alguns dos longas lacradores que lançou, mas que para nós brasileiros só se tornaram conhecidos pela internet. Enquanto Wan tem o respaldo de grandes produtoras e distribuidoras a seu favor, Wingard conta com a sorte do boca-a-boca do público. De olho nesses sucessos paralelos, Você é o Próximo acabou se tornando uma experiência, ainda que tímida, para ver a repercussão do trabalho do diretor em circuito comercial.

A trama gira em torno da família Davison que vai um passar um fim de semana em uma casa de campo para comemorar o aniversário de casamento dos patriarcas Paul (Rob Moran) e Aubrey (Barbara Crampton). O primeiro convidado a chegar é Crispian (A. J. Bowen) que traz a namorada Erin (Shami Vinson), uma tímida e doce ex-aluna sua. Frustrado com os rumos de sua vida, ele é o tipo que almeja demais, porém, não é destemido e inveja seu irmão mais velho Drake (Joe Swanberg), considerado o orgulho da família com um emprego estável e já formando sua própria família com Kelly (Sarah Myers), esta que no fundo esconde sua infelicidade. Já Felix (Nicholas Tucci) seria a ovelha negra do grupo, desajustado, misterioso e que se relaciona com Zee (Wendy Glenn), uma companheira tão excêntrica quanto ele. Por fim, a caçula Aimée (Amy Seimetz) é o xodó de todos, mas não deixa de ter um problema a tiracolo visto que seu namorado Tariq (Ti West) é um diretor de cinema incompreendido. Os vinte minutos iniciais que servem para apresentar tais personagens são pontuados por pistas do que está por vir, podendo até tornar-se óbvio o mistério antes mesmo das ameaças surgirem, mas nada que desmereça a produção. O negócio aqui é suspense, violência e sangue, muito sangue!

Se o protocolo da educação pede para manter as aparências, o reencontro da família tenta (com dificuldades) seguir o padrão, mas quando chega a hora do jantar o clima de festa cai totalmente por terra ao ser interrompido por conta de antigas rivalidades e mal-entendidos que vêm à tona, principalmente por conta de Drake que é provocador e não perde a chance de ficar calado. No entanto, quando a discussão está em seu clímax todos são surpreendidos por uma janela que é quebrada por uma flecha arremessada do lado de fora da casa. A partir deste momento o clã passa a ser atormentado e literalmente dilacerado por um grupo de psicopatas usando sugestivas máscaras de animais. O tigre, o cordeiro e a raposa comumente são alvos de caça, mas aqui invertem o jogo e são os caçadores. O clã desconhece a razão para ser vítima do ataque e os feridos e os mortos vão surgindo em velocidade recorde, porém, Erin surpreende com a forma racional que lida com a situação. Humilde, ela não consegue esconder o desconforto ao conhecer os pais do namorado rico, ainda mais percebendo que a sogra temperamental não faz a menor questão de disfarçar que não gostou dela. No entanto, sem ter como pedir socorro por telefone com as linhas bloqueadas e sem vizinhos por perto (preste atenção na introdução), a garota mostra sua superioridade e coragem que até o namorado desconhecia e lidera um plano de ataque aos invasores. A personagem é o grande destaque da produção invertendo expectativas. Ela seria o tipo perfeito para ser a mocinha histérica cuja participação se resumiria a gritos, fugas e talvez até uma cena de nudez gratuita, mas sua determinação em sobreviver e lutar pela vida de pessoas que mal conhece criam vínculo com o espectador, fazendo com que até deixemos de questionar como tudo parece estar a seu favor quando bola seus planos mirabolantes. Tudo bem, ela explica que teve uma infância sofrida, que precisou aprender a se defender, mas vamos combinar que é muita sorte (para ela) que um dos bandidos finque o pé em um prego estrategicamente posicionado em uma madeira. Que dirá então ter um liquidificador à mão para literalmente estraçalhar uma cabeça!

A premissa pode nos fazer lembrar de produções como Uma Noite de Crime e Os Estranhos, mas a trama escrita por Simon Barrett não se preocupa apenas em exibir violência gratuita ou se prende ao suspense psicológico. A ideia era buscar realismo. Todos os dias casos bizarros de assassinatos viram manchetes em jornais e nos EUA histórias de massacres é o que não faltam. Se já é assustador quando ocorrem por conta de fatalidades, como não se chocar quando toda uma família é trucidada estrategicamente? O que eleva a produção, fora os requintes de crueldade extrema, é que ela não fica refém das cenas de morte e tortura. Pouco a pouco alguns personagens vão se revelando interessantíssimos e mesmo quando montamos o quebra-cabeças ainda na metade do filme ficamos intrigados para ver como tudo isso irá acabar. O gênero terror é movido por tendências e já tivemos o auge dos “slashers movies”, aqueles dos mascarados indestrutíveis, a época dos remakes de terrores orientais e o próprio Wingard fez escola usando em outros trabalhos o “found footage”, o uso de fitas com imagens supostamente caseiras e reais. Desta vez o diretor foi revisitar um estilo mais usado na década de 1970, quando fitas do gênero serviam para criticar problemas sociais e políticos. O modo cru como a violência é exacerbada nos faz lembrar do longa O Massacre da Serra Elétrica original que acabou se tornando um clássico do gênero usando a antropofagia e o sadismo para peitar as atrocidades da Guerra do Vietnã.

Você é o Próximo também tem potencial para tanto com seu tema atemporal, afinal vivemos em uma época em que a vida de um ser humano parece um tanto desvalorizada quando se está em jogo dinheiro ou vingança. A satisfação pessoal vem em primeiro lugar. Até hoje nos sentimos instigados com histórias de assassinatos do passado e infelizmente falar que o futuro será só de paz e amor é uma utopia. Casos como o retratado no filme continuarão acontecendo e queira ou não alimentando a indústria de entretenimento. Usando humor negro em momentos oportunos, indo direto ao assunto sem muita enrolação e escamoteando alguns equívocos e clichês alinhando muito bem texto, climatização e uma edição caprichada, Wingard despretensiosamente criou uma obra que daqui alguns anos virará referência sobre uma época e até mesmo de um estilo de fazer cinema. Literalmente, um dia, ou melhor noite, é da caça e o outro do caçador. Mesmo sabendo desde o início quem levará a melhor, a experiência sádica do longa compensa totalmente.

Terror - 95 min - 2011

SECRETARIAT - UMA HISTÓRIA IMPOSSÍVEL (2010)

2026-07-16T00:30:00.000-03:00

Obra aborda a superação de uma mulher em um universo predominantemente masculino

Beisebol, tênis e futebol americano. Estes são alguns dos esportes prediletos do público norte-americano, mas pode ser acrescentado nesta lista também o hipismo. Só assim para explicar a grande quantidade de filmes envolvendo o universo das corridas de cavalos. Para muitos esse tipo de produção é coisa do passado, mas certamente há nicho de público para a temática. Vira e mexe algum novo título surge, alguns até apadrinhados pela crítica como Seabiscuit - Alma de Herói e Cavalo de Guerra que chegaram a ser indicados ao Oscar. Fato é que a maioria das produções do tipo são lançadas com pouco marketing ou diretamente para consumo doméstico como, por exemplo, Sonhadora, Flicka e Alma de Campeão, todos a respeito da relação de amizade entre humanos e equinos. Abandonando o clichê dos animais falantes e apostando mais no realismo, geralmente tal seara opta pelo caminho do drama edificante que agrada aos mais velhos e ainda serve para passar algumas boas lições a respeito de amor e solidariedade aos jovens. Nesta cenário enquadra-se Secretariat - Uma História Impossível que ainda tem a vantagem de narrar uma trama baseada em fatos reais.

A personagem-título é uma égua que permanece no posto de um dos equinos mais velozes do mundo, contudo, ela não é a verdadeira protagonista dessa produção. Na verdade o foco é na história de superação de Penny Chenery (Diane Lane). Em meados da década de 1970, quando sua mãe veio a falecer e seu pai Chris (Scott Glenn - desperdiçado, quase sem falas) adoece, a então dona-de-casa decide que é hora de assumir os negócios da família mesmo nunca tendo muito contato com os assuntos referentes a fazenda onde nasceu e foi criada. O local já rendera muito dinheiro e garantia o sustento do clã, mas suas terras não eram mais férteis e manter o estábulo gerava mais gastos que lucros. Penny então assume as rédeas do empreendimento que precisa ser reerguido e ainda enfrentar um mundo dominado por homens do qual ela era completamente alheia. Empolgada com o desafio, ela procura a ajuda de Lucien Laurin (John Malkovich), um experiente domador de cavalos para treinar Secretariat, uma égua que inicialmente ninguém arriscaria suas fichas em uma competição, mas acaba se tornando a grande aposta para devolver o prestígio do rancho.

Apesar de reticente, a insistência da novata fazendeira faz com que Laurie aceite a proposta e se surpreendendo com o sucesso do animal nas competições, o que anima sua dona ainda mais, contudo, sua dedicação ao trabalho acaba atrapalhando sua vida pessoal, a obrigando a viver afastada dos três filhos e despertando o ciúmes de Jack Tweedy (Dylan Walsh), seu marido que não compreende o entusiasmo e a determinação da esposa em querer reerguer uma fazenda falida. Contudo, ela não se fez de submissa ao companheiro e o enfrentou para conquistar o que desejava, uma atitude bastante condenável naqueles tempos. O que poucos conseguem compreender é que esta mulher não estava preocupada com o quanto de dinheiro poderia lucrar, mas seu objetivo tinha cunho afetivo, simplesmente honrar o legado de sua família e preservar aquilo que um dia seria de seus filhos na esperança de que eles seguiriam seus passos. Além disso, quando se casou, praticamente abdicou de suas próprias vontades e esta seria a chance de voltar a dar um sentido à sua vida.

Enfrentando preconceitos impostos por sua condição social elevada e também por ser uma dama fora dos padrões condizentes para a época, Penny abriu caminho para que outras mulheres se aventurassem não só no universo das corridas de cavalos, mas também a conhecerem e se aprimorarem em diferentes profissões antes dominada pelos homens. Secretariat sagrou-se tríplice coroado (no esporte é uma alcunha popularmente dada ao vencedor três vezes seguidas de uma competição em uma mesma temporada) após quase três décadas sem que algum equino norte-americano repetisse tal feito. Até a época da produção do filme nenhum outro animal conseguiu alcançar seus recordes e sua dona, por sua vez, ainda ostentava o título de Primeira Dama das Corridas de Cavalos. Com assinatura dos estúdios Disney, o que já garante o selo de qualidade e de produto livre para todas as idades, o longa segue a risca a cartilha das produções edificantes. Enredo tocante, personagens superando desafios e tirando boas lições dos momentos de dificuldades, paisagens de encher os olhos e um ritmo bucólico e nostálgico.

Muitos produtores tentavam há anos levar esta história para os cinemas, mas a verdadeira Penny sempre recusava as propostas. Talvez por poder de certa forma supervisionar os trabalhos, inclusive aparecendo no meio da plateia assistindo a vitoriosa corrida de sua égua, ela acabou cedendo e uniu forças com o diretor Randall Wallace. O resultado é uma obra digna e fiel para homenagear duas figuras que fazem parte da cultura e trajetória norte-americana. Não se prenda a preconceitos que possa criar com base no desnecessário subtítulo que a fita ganhou no Brasil. Secretariat - Uma História Impossível é uma bela produção que toca de leve em questões polêmicas, retrata um período de ascensão do movimento feminista e que nos transporta a um tempo e cenários que inerentemente desperta boas memórias. Todavia, aos avessos a tramas açucaradas, fica o aviso: previsível e lacrimejante, a obra assume tais características com a mesma convicção que a protagonista encara seus desafios. Pudera, o roteiro é de Mike Rich, o mesmo dos dramas Encontrando Forrester e Meu Nome é Radio, mas parece que ele aprendeu a equilibrar as emoções e aqui apresenta um texto mais maduro e contido. Embora o resultado final esteja longe de inesquecível, esta é uma ótima opção para reunir a família no sofá em uma tarde ociosa.

Drama - 106 min - 2010

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2026-07-15T00:30:00.000-03:00

Longa, além de abusar dos clichês, peca em um ponto crucial: simplesmente não assusta

Para quem acompanha a carreira do cineasta Sam Raimi seu apreço pelo gênero de horror não é nenhuma novidade. Sua estreia em The Evil Dead - A Morte do Demônio já comprovava isso. Era de se esperar que viria a concretizar seu sonho de ser proprietário de uma produtora especializada em fitas de terror e suspense, a Ghost House, mas também havia expectativa que seria mais criterioso na escolha dos projetos que investiria. Entre a estreia da companhia com o remake oriental de O Grito e o original 30 Dias de Noite, no meio do caminho ele deu o aval para a realização de O Pesadelo que tinha tudo para dar certo, afinal de contas pretendia narrar a história do lendário bicho-papão, nos EUA mais conhecido como o monstro do armário. Quem na infância nunca passou ao menos uma noite em claro prestando atenção ao menor ruído ou sombra? O problema é que para o jovem Tim Jensen (Barry Watson) a historinha para assustar e forçar criancinhas a se comportarem não morreu com a puberdade e o atormenta ainda na vida adulta. Ele jura que quando tinha oito anos viu seu pai sendo tragado para dentro do armário de seu quarto por uma estranha criatura na calada da noite, contudo, toda a sua família sustenta a hipótese que o patriarca simplesmente foi embora de casa deixando tudo e a todos para trás.

A mãe do protagonista nunca se recuperou do choque e após algum tempo internada em uma clínica acabou falecendo. Agora sem família, Jensen precisa tomar coragem e voltar à casa onde passou sua infância para tratar da venda do imóvel, mas principalmente tentar exorcizar de uma vez por todas os seus temores. Além da incerteza do que de fato aconteceu com seu pai, ele ainda sofre com pesadelos com a mãe, algo a ver com o sentimento de culpa de nos últimos anos a ter abandonado. O roteirista Eric Kripke, então em evidência com a famosa série de TV "Supernatural", falha vergonhosamente ao tentar assustar o espectador usando e abusando de clichês e também não convence com o draminha psicológico e emocional do protagonista. A trama, escrita em parceria com Juliet Snowden e Stiles White, segue um caminho previsível com a suposta entidade maligna perseguindo Jensen e outras pessoas de seu círculo social, como seu tio Mike (Philip Gordon), sua namorada Jessica (Tory Mussett) e Kate (Emily Deschanel), uma antiga amiga de infância. Como de praxe, também temos aqui uma criança com ar misterioso e peça-chave para a resolução da trama. Franny (Skye McCole Bartusiak) aparece no enterro da mãe do rapaz e depois ele a reencontra escondida em sua antiga casa, tudo porque ela quer saber se é verdade que o pai dele foi levado pelo bicho-papão.

A julgar pelo título nacional genérico, já não era para se esperar grande coisa, mas o diretor Stephen T. Kay, parece ter se esforçado para realizar um dos piores filmes do gênero de todos os tempos. Com meia dúzia de personagens nada interessantes e um arsenal de sustos falsos, a produção vai enrolando o espectador, embora a fita seja bastante curta, mas sem história para contar parece se arrastar em demasia. As supostas cenas de horror são concentradas no ato final que escamoteia defeitos e qualquer compromisso com as leis da física abusando de uma eficiente e ligeira edição de imagens que eclipsam o olhar do espectador. Os mais desatentos podem nem perceber a vexatória aparição do vilão em carne e osso, mas certamente não passarão despercebidos os péssimos efeitos especiais. Se tivesse sido lançado uns quinze ou vinte anos antes, certamente o título faria carreira de sucesso. No auge das videolocadoras produções do tipo, que prometiam e não cumpriam, não paravam nas prateleiras, mas os tempos mudaram. Quando o público já estava mais seletivo, fugindo de títulos genéricos e selecionando um ou dois filmes para curtir no fim de semana, já não havia mais espaço para bobagens como esta.

O pior de tudo é que nem podemos classificar como uma fita trash, aquele tipo de produção mal feita e que acaba arrancando gargalhadas do espectador de tão tosco que é. Kay não demonstra talento nem para tripudiar em cima do material que tem em mãos, mas também começa e termina o projeto sem objetivo claro, a não ser contribuir para denegrir o gênero. Já que o protagonista tem pânico de armários, o diretor investe pesado em closes de portas e maçanetas e enquanto sugestiona o medo não se sai tão mal. Como já dito, quando decide materializar o bicho-papão as coisas desandam de vez e não abre mão de uma cena-clichê com uma banheira imunda de onde pode emergir a criatura que tanto amedronta o protagonista. Nesta sequência tentaram criar o contorno de uma assombração na água agitada lembrando o efeito utilizado no ótimo O Homem Sem Sombra. Apenas tentaram, fique claro. Até as horrendas, porém, amáveis assombrações da Monstros S/A geram mais expectativas. Aliás, diga-se passagem, a animação soube trabalhar o argumento do temor que habita armários de uma maneira muito mais criativa, o que já tornaria a realização do filme de Kay antiquada e desnecessária.

Em meados da década de 1980 já havia sido produzida uma fita assumidamente trash sobre o monstro do armário e é curioso que Raimi ao dar o aval para as filmagens não tenha percebido o potencial muito mais cômico que aterrorizador da lenda. Seria bem mais divertido se desde o inicio tivesse algum sujeito fantasiado perseguindo pessoas e arrancando sangue de groselha tal qual o início da carreira do produtor. Infelizmente, a equipe preferiu levar a sério o trabalho. Kay nem mesmo se esforçou para dar uma roupagem nova a temática tal qual foi feito em No Cair da Noite lançando cerca de dois anos e com argumento parecido. No caso o enfoque era a lenda da Fada dos Dentes que com o rosto desfigurado ao ser queimada como bruxa matava qualquer um que ousava encará-la e este foi o destino do pai do protagonista que quando adulto também precisa exorcizar seus medos. Não é grande coisa também, mas ao menos tinha uma atmosfera interessante já que o fantasma só aparecia no escuro o que forçava os personagens a estarem sempre em busca de um mínimo feixe de luz. Já O Pesadelo certamente não assusta nem criancinha, mas desperta bocejos e induz ao sono como poucos. Realmente encará-lo é um pesadelo.

Terror - 86 min - 2004

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2026-07-14T00:30:00.000-03:00

Protagonizado por casal de autistas, filme poderia ter situações mais bem exploradas

Se as relações amorosas entre pessoas totalmente sadias já são complicadas imagine como deve ser para um autista viver tais experiências. É esse ponto de vista que salva a comédia romântica Loucos de Amor da mesmice. O roteiro de Ron Bass, vencedor do Oscar por Rain Man, é baseado na história verídica de Mary e Jerry Newport, narrada num artigo publicado pelo Los Angeles Times. A trama começa nos apresentando à Donald Morton (Josh Harnett), um jovem motorista de táxi que é aparentemente sem noção e azarado. Muito tagarela, ele se distrai facilmente e constantemente bate o carro, assim ele já passou por praticamente todas as empresas de táxi de sua cidade, mas ele não é um bobalhão, pelo contrário, é muito inteligente e tem uma espantosa habilidade para lidar com números e se comunicar com pássaros. Ele sofre da Síndrome de Asperger, um problema relacionado ao autismo, mas que se diferencia pelas dificuldades de interação social e apreço por rotinas.

Sentindo-se um estranho no mundo, o jovem só fica a vontade quando está junto de outras pessoas com perturbações semelhantes, assim frequenta rotineiramente um grupo de apoio a deficientes e nele conhece Isabelle Sorenson (Radha Mitchell), uma moça que desde criança procura lidar com seus problemas de maneira positiva, vendo com bons olhos até mesmo o fato de muitos homens a terem assediado quando era adolescente, assim ela se sentia importante para alguém. A primeira conversa dos jovens é literalmente coisa de doido, mas por fim acabam se acertando, afinal de contas nenhum deles sabia como se comportar em um primeiro encontro, ainda mais quando fica no ar um clima de romance. O problema é que ela é feliz, consciente de suas limitações e muita agitada enquanto ele é mais fechado, metódico e não lida bem com sua síndrome. Em comum, são amantes dos bichos e compactuam em tentar viver esse amor, mas para isso um deles terá que ceder ao estilo de vida do companheiro ou terão que achar o equilíbrio entre a alegria exagerada de um e a melancolia inquietante do outro.

O diretor Peter Naess, indicado ao Oscar de filme estrangeiro por Elling, demonstra boa vontade para construir um tipo de história de amor que não vemos com frequência no cinema e quando ela dá as caras é repleta de momentos histriônicos ou sentimentais ao extremo, proporcionando a chance de seus intérpretes surpreenderem e concorrer a prêmios, afinal os críticos adoram personagens problemáticos que exigem despudor e mínimo de vaidade dos atores. Talvez por isso mesmo é que sentimos que esta comédia romântica não chega a atingir seu clímax e não consiga emocionar totalmente. Há uma inversão de expectativas. Quando se fala em autismo logo nos vem a cabeça a preconceituosa imagem de pessoas com rostos de traços característicos, andar melancólico e falas balbuciantes e desconexas, mas o problema dos protagonistas neste caso poderia passar despercebido caso o diretor não se preocupasse em inserir diversas cenas de seus cotidianos aparentemente aleatórias, contudo, essenciais.

Ficamos mais íntimos do universo particular compartilhado pelos protagonistas acompanhando seus diálogos com outros deficientes ou a visita do casal ao parque de diversões, descobrindo qual o modelo de casa que almejam ter ou até mesmo nos divertindo com eles passeando pelas ruas fantasiados, ela de Mozart e ele de baleia (passagem que justifica o título original "Mozart and the Whale"). Todas sequências servem para avaliarmos qual o grau de dificuldade que a Síndrome de Asperger lhes impõem para um convívio harmonioso com a sociedade e até mesmo para levarem uma vida a dois. Apesar dos momentos de devaneios, no fundo eles vivem dilemas iguais a pessoas comuns. Sentem vergonha, querem amar, desejam ser respeitados e alternam momentos de alegria, tristeza e raiva. Contudo, a fixação por padrões e rotinas acaba deixando a busca pela independência um tanto mais difícil.

O perfil de Isabelle camufla um pouco suas imperfeições justamente porque ela aprendeu desce cedo a lidar com as desvantagens da síndrome, mas para Donald, que cresceu obcecado pelo desejo de ser visto como uma pessoa completamente normal, tudo é mais complicado, algo que fica explícito quando ele decide levar seu patrão para jantar em sua casa e pede, gentilmente, para que sua namorada se esforce para se comportar. É aí que surge a grande briga do casal por um motivo bastante comum em qualquer relacionamento: as dificuldades em aceitar e respeitar como o outro é para depois exigir o mesmo para si. Apesar da rusga, obviamente o final feliz está garantido em Loucos de Amor. Título esquecido infelizmente, vale uma garimpada pelo simples fato dos protagonistas fugirem completamente do estilo fútil dos casaizinhos de comédias românticas convencionais, mais preocupados com aparências que sentimentos.

Comédia romântica - 94 min - 2005

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2026-07-13T00:30:00.000-03:00

Suspense enxuto e com tom melancólico é uma boa pedida aos amantes do gênero

O título pode remeter a um longa de terror, mas não se engane, eis aqui uma trama policial madura com pitadas de romance, mais um daqueles filmes típicos que antigamente preenchiam as madrugada na televisão: suspense meia-boca que funciona momentaneamente contando com interpretações razoáveis, mas que está fadado ao esquecimento sem o mínimo esforço. Será mesmo? Por infelicidade a resposta é sim. Todavia, O Voo da Coruja não é das piores produções, até que é bem realizado tecnicamente, tem um roteiro bacana e, o melhor, tem um final digno que não constrange o espectador. O problema é que a produção não tem a dose de adrenalina que muitos amantes de suspense pedem, parecendo inclusive uma obra datada, um produto daqueles que eram lançados antigamente aos montes para abastecer com exclusividade o mercado de vídeo, mas é bom lembrar que sempre podem existir surpresas positivas entre os títulos pouco divulgados.

Robert Forrester (Paddy Considine) está se separando da esposa Nickie (Caroline Dhavernas) e mudou-se para uma pequena cidade onde sua maior distração é observar às escondidas o cotidiano de sua vizinha Jenny Thierolf (Julia Stiles), embora nem ele mesmo saiba o porquê deste fetiche. Certo dia, os dois acabam se encontrando, descobrem coisas em comum e começam a manter uma amizade que caminha para um relacionamento mais sério, mas ela já namora com Greg Wyncoop (James Gilbert), este que é muito ciumento e não vai deixar isso barato. Já desconfiado da proximidade da moça pelo sujeito, o rapaz explode quando ela pede para eles darem um tempo para reavaliarem seus sentimentos. Os rivais se enfrentam e Forrester acaba ferido e inconsciente. Quando acorda percebe que está em uma enrascada.

Wyncoop está desaparecido e há suspeitas de que ele esteja morto e agora Forrester precisa correr contra o tempo para provar sua inocência, mas sua ex-mulher está a postos para contribuir com as investigações sujando ainda mais sua imagem relembrando seu passado problemático. O diretor Jamie Thraves, que também assina o roteiro, optou por uma narrativa melancólica para contar a história de duas pessoas que vivem uma estranha relação. Eles não se sentem atraídos por conhecerem bastante um sobre o outro, mas o mistério é que os envolvem, a ausência de informações é que faz surgir a faísca que os une. Pode parecer estranho que alguém convide um desconhecido para entrar em sua casa e que quase que imediatamente surja um sentimento de amor ou atração entre eles, mas histórias como essa não são invenções do cinema e acontecem na realidade com uma frequência maior do que imaginamos. Algumas podem acabar com finais felizes, mas a maioria termina em tragédias como no caso do filme.

Até quase a metade do longa esta bizarra história de amor é conduzida em banho-maria e com diálogos irregulares e alguns desconexos. Para quem não desistir do filme até então, a segunda metade compensa o esforço. A partir do momento em que o protagonista é acusado de assassinato, mesmo alegando que só golpeou o rival como um ato de autodefesa e que ele ainda estava com vida a última vez que o viu, a narrativa abre caminho para uma intricada trama policial com boas reviravoltas e uma participação maior da ex-mulher do protagonista, uma personagem que inicialmente parece sem função alguma, mas depois surge com força para complicar ainda mais a situação do antigo marido.

Baseado no romance "The Cry of The Owl", de Patricia Highsmith, que já havia sido adaptado para o cinema em 1987 pelo cineasta francês Claude Chabrol, O Voo da Coruja é um pequeno e eficiente suspense que prende a atenção dos espectadores que não gostam de todos os fatos mastigadinhos ou simplesmente entregues nos primeiros minutos. Até subirem os créditos finais muitas coisa pode acontecer. Ah, e quanto a coruja do título é explicado no filme que ela é um símbolo de que algo ruim está para acontecer, possivelmente algum caso de morte. Coitadinhas das guardiãs da noite. De símbolo de sabedoria rebaixadas a sinal de mau agouro.

Suspense - 101 min - 2009

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2026-07-12T00:30:00.000-03:00

Comédia com animais falantes é cheia de clichês e com trama romântica desinteressante

Filmes com bichos falantes é um dos clichês mais antigos do cinema, porém, já há um bom tempo não são sinônimos de sucesso. O Zelador Animal tentou revigorar tal seara e os roteiristas Nick Bakay, Rock Reuben, Jay Scherick e David Ronn acabaram enveredando por um caminho perigoso. Os bichinhos não estão aqui apenas para fazer graça ou infernizar a vida do protagonista, mas atuam também como conselheiros amorosos. Com direção de Frank Coraci, a produção tem um punhado de piadas visuais e no texto, mas é uma pena que boa parte delas não funcione por serem clichês ou por abusarem da grosseria. O gancho romântico também não é lá muito adequado, podendo entediar os pequenos, que possivelmente não devem entender os valores em jogo, e não surtir efeito entre os grandinhos por sua previsibilidade. Nada contra romances para crianças, mas quando a produção leva a assinatura do ator Adam Sandler como um dos produtores a situação torna-se preocupante. Conhecido por piadas escatológicas ou de duplo sentido, aqui ele ainda ganha a companhia de Kevin James com que já havia contracenado em Eu os Declaro Marido e... Larry. O ator rechonchudinho aparece nos créditos como produtor e roteirista, além de viver o protagonista, Griffin Keyes, um cara gente boa, amigo de todos e que há muitos anos trabalha como zelador de um jardim zoológico, emprego digno e que adora.

Keyes é perdidamente apaixonado pela namorada Stephanie (Leslie Bibb), uma garota fútil e vaidosa a quem ele pede em casamento em um romântico passeio a cavalo por uma praia deserta em meio ao pôr-do-sol, mas nem todo esse cuidado para criar um clima envolvente foi capaz de evitar o pior de seus pesadelos. Ela não só recusa o pedido como também o humilha por conta de sua falta de ambição, afinal ela não quer de forma alguma conviver o resto da vida com macacos, girafas, leões, entre outros bichos. Cinco anos se passaram desde esta decepção e o rapaz não a esqueceu, mas quis o destino que eles se reencontrassem durante a festa de casamento do irmão do zelador, o que fez com que reascendesse o fogo da paixão em ambos. O problema é que este romântico crônico ainda está com o mesmo padrão de vida e a garota, embora um pouco arrependida do que fez, está acompanhada de Gale (Joe Rogan), um cara metido a besta e que passa a medir forças com seu concorrente ao coração da jovem. Para não perder esta segunda chance de conquistar a mulher da sua vida, Keyes está disposto a tudo para reconquistá-la e para tanto vai ganhar uma ajuda inesperada.

Existe um pacto entre os animais de que eles não podem falar com os humanos, mas diante da gravidade da situação eles resolvem quebrar o voto de silêncio para ajudar aquele que sempre lhes dedicou total atenção. E assim a bicharada ataca de conselheiros amorosos e passam a dar dicas para o zelador reconquistar seu grande amor, obviamente lições dentro daquilo que a natureza deles propicia, assim, sem questionar muito, o protagonista passa vez ou outra a caminhar e urrar feito um urso no cio e a demarcar território com seu xixi, por exemplo, mas as técnicas de acasalamento do mundo animal visam exclusivamente a procriação. No universo dos humanos construir uma família atualmente deve ser um dos últimos itens levados em consideração na hora de uma união, sendo mais importante saber o que os cônjuges ganharão social e financeiramente com o casamento. De qualquer forma, cheios de boas intenções, os bichos ficam felizes ao ver que as dicas serviram para encorajar Keyes, mas não contavam que Stephanie os queria ver bem longe ainda desejando que o zelador abandone seu emprego e procurasse outro que possa bancar sua vida fútil e ser compatível com seu status social.

O plano então agora é outro. Os amigos do zoológico decidem convencer Keyes de que tal relação não é amor de verdade e literalmente na lábia querem fazer a sua cabeça para continuar no mesmo trabalho, consequentemente continuando a ser o cara legal que todos eles aprenderam a amar como um parente. Essa é a hora do cuidador acordar do sonho e cair na realidade e a deixa para o longa expor sua lição de moral: as pessoas devem lhe amar como você é e para tanto é preciso que você em primeiro lugar ame a si mesmo com todos os seus defeitos e qualidades. Para resgatar seu amor próprio é claro que existe uma moça bacana de plantão, Kate (Rosario Dawson), que nutre certo carinho pelo gordinho, porém, respeita o sentimento que ele tem pela loira aguada e todos os seus conselhos e momentos de aproximação visam a sua felicidade. Não é surpresa alguma qual será a decisão do protagonista faltando cinco minutos para o término do filme. Para completar o enredo, existem algumas tramas paralelas desnecessárias, destacando-se apenas as intervenções de Venom (Ken Jeong), um apaixonado por serpentes, aquele personagem idiota que geralmente diverte mais que os principais.

Depois de revelado que os animais podem se comunicar com o protagonista, o roteiro fica sem trunfo algum para segurar a atenção e se torna uma produção de uma piada só: a bicharada no comando e o humano necessitado na posição de adestrado. E realmente são os animais o chamariz da produção, não podia ser diferente, embora o visual das espécies seja prejudicado pelo excesso de computação gráfica. O leão é o mais crível de todos os e está anos-luz de Bernie, o gorila solitário que deveria ser o grande foco de identificação de Keyes. Apesar de cenas divertidas, como o passeio que os dois dão pela cidade com direito a uma paradinha em um barzinho, o macacão destoa do conjunto parecendo alguém fantasiado, além do fato dele saber coisas demais para alguém que vivia trancado e sozinho em uma jaula. Para curtir O Zelador Animal realmente não há outra forma que deixar o espírito crítico de lado e embarcar na fantasia, em uma história onde tudo pode acontecer, inclusive um gordinho pouco confiante e nada sedutor ser disputado por duas lindas mulheres.

Comédia - 102 min - 2011

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Remake de obra oriental acerta ao manter elementos do original, mas também corrige erros

Diga o nome de um filme de teror que você não resiste em rever de tempos em tempos. Os fãs do gênero certamente buscarão a resposta lá no fundo do baú e dirão que o seu preferido é O Exorcista ou O Bebê de Rosemary, por exemplo. Poderão também recorrer aos longas de monstros clássicos vividos por Bela Lugosi ou Christopher Lee ou se ater a um período mais recente marcado pelas franquias Jogos Mortais ou Invocação do Mal. Mas e algum título da safra dos remakes orientais produzidos em Hollywood? Ah, aí o bicho pega e todo mundo tem vergonha de assumir que pelo menos uma vez na vida ficou de pernas bambas ao ver uma assombração de olhinhos puxados. O período mais fértil dos remakes de horror orientais marcou os primeiros anos do século 21, um movimento cinematográfico que gerou milhões, mas fatalmente chegou à saturação. Tudo que é demais cansa e a qualidade das produções declinou tanto do lado ocidental quanto do oriental. É certo que nenhuma delas tem potencial de obra-prima, mas não podemos negar que essas tais refilmagens em sua maioria são divertidas e cumprem seus objetivos: causar sustos, arrepios, gritarias e serem esquecidas rapidamente (ou não, depende de cada um). O Grito é um bom exemplo desse tipo de produção.

Logo no início tomamos conhecimento de uma crendice japonesa. Quando alguém morre em um momento de raiva nasce uma maldição no local onde tal pessoa se encontrava na hora da morte, assim quem entra em contato com o espaço acaba sendo amaldiçoado e ele e todos a sua volta correm o risco de morrer. Em Tóquio encontramos a estudante americana Karen Davis (Sarah Michelle Gellar) que foi morar lá para acompanhar o namorado Doug (Jason Behr) e trabalha como voluntária em um centro social. Certo dia lhe é solicitado que ela substitua uma jovem que não foi trabalhar e sumiu misteriosamente. Sua tarefa é cuidar de Emma Williams (Grace Zabriskie), uma senhora de idade que sofre de letargia associada à demência. Quando chega ao local, Karen encontra essa mulher sozinha demonstrando um comportamento estranho, muito calada e com olhos assustados, enquanto o resto da casa parece abandonado. A voluntária trata de Emma e tenta dar um jeito na bagunça da casa, mas sentindo uma vibração negativa e ouvindo barulhos estranhos ela passa a explorar melhor o local e ao abrir um armário acaba liberando uma maldição que até então desconhecia. Agora ela precisa tentar salvar sua vida e a de outras pessoas com quem convive, mas para cortar este mal pela raiz só mesmo tomando medidas drásticas.

Adotando uma narrativa não linear, a primeira parte do filme exige um pouco mais de atenção. Por meio de flashbacks são apresentadas diversas cenas que serão de muita importância para compreendermos os eventos futuros. Bill Pullman faz uma participação logo no início sem falar uma palavra sequer, mas apresentando-se como a primeira vítima da tal maldição. Depois acompanhamos como a família americana Williams chegou a casa e como todos os membros foram rapidamente tomados pelo espírito maligno. Mais a frente tais cenas farão sentido quando ficamos sabendo mais sobre o passado dessa residência e de seus antigos habitantes, Kayako (Takako Fuji) e o filho Toshio (Yuka Ozeki). Bem, filmes sobre casas assombradas existem às pencas em solo americano, mas qual o problema de refilmar uma história similar oriental de grande sucesso? Nenhum desde que se respeite a obra original. Para não errar em nada (ou pelo menos o mínimo possível), Takashi Shimizu foi incumbido de assumir a direção e o texto da adaptação de seu próprio trabalho, "Ju-On: The Grudge", aliando a sutileza e o estilo narrativo japonês aos exageros hollywoodianos. E a mistura deu muito certo. É bom deixar claro que esta atualização da obra não é apenas uma produção caça-níquel, mas também melhora e corrige erros do exemplar japonês. O remake tem personagens mais bem estruturados e fáceis de distinguir, o clima de claustrofobia e terror foi intensificado e o final foi repensado.

Foi uma boa ideia também manter a ação em solo nipônico e resgatar parte do elenco original, como os atores que interpretam os fantasmas, pequenos detalhes que contribuem e muito para dar certo ar de novidade a este terror americanizado. Vale ressaltar ainda que algumas cenas são idênticas as do original, mas aqui ganham um impacto maior devido a polida de imagem oferecida pela equipe de fotografia e pelos efeitos especiais empregados de melhor qualidade, mas usados com parcimônia provando que quanto mais realista melhor o terror. É de gelar o sangue sequências como a primeira aparição de Toshio, ver uma aparição esgueirando-se na escadaria de incêndio ou ainda o embate final literalmente cara a cara entre a mocinha e a tal maldição. O bacana do roteiro, co-escrito por Stephen Susco, é que ele não enrola e desde os créditos iniciais, embalado por uma sinistra trilha musical, já estamos tomados pelo sentimento de medo. Aqui não tem enrolação. É difícil encontrar algum filme de terror que surpreenda, mas ainda assim seus diretores queimam os miolos para tentar envolver o espectador e disfarçar ao máximo a previsibilidade de suas histórias. Já Shimizu em poucos minutos de filme coloca na mesa boa parte de suas cartas, mas não deixa o jogo esfriar. Se a maldição é aparentemente sem fim, a todo instante nos indagamos qual será o final de Karen?

Segundo escritores nipônicos, o mal apresentado sem forma definida é o que impacta o espectador, afinal de contas lidar com o desconhecido desperta a curiosidade e o medo naturalmente. Neste caso, por exemplo, o fantasma de Toshio não está totalmente preso à tal casa amaldiçoada e tem livre arbítrio para ir buscar suas vítimas em outros endereços, porém, é algo indestrutível. Todavia, se o diretor capricha nas cenas de mortes e nos sustos, por outro lado jogou fora a oportunidade de elevar sua obra a um patamar mais elevado. Uma das regras básicas de uma produção de terror é tentar criar em pouco tempo uma relação entre espectador e personagens para que seja possível sofrer com seus dramas, mas Shimizu arriscou-se ao simplesmente criar um frágil elo entre os coadjuvantes (em rápidas participações) e a protagonista, contudo não é que deu certo? Gellar tem carisma suficiente para levar a história adiante, mas é bacana ver que até os personagens menores que somem rapidamente de cena receberam uma atenção especial. Quando eles estão em foco, nem nos lembramos da mocinha. É muito fácil dizer que O Grito é um filme ruim, mas em uma análise mais profunda é possível perceber que este trabalho transforma a previsibilidade e a rapidez em seus aliados. Não há sentimentalismo barato, o clima de claustrofobia é constante e não há preocupação em surpreender o espectador nas sequências de morte, apenas saciá-lo recorrendo aos clichês típicos.

Terror - 91 min - 2004

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Ninguém melhor que Whoopi Goldberg para viver uma freira que de santa não tem nada

Igreja é um lugar para rezar, idolatrar o Senhor, fazer caridades e até lamentar ou se entristecer dependendo das circunstâncias que o levam à missa ou a uma passada rápida para acender uma vela para algum santo, mas para Whoopi Goldberg esse templo do louvor provavelmente deve ser sinônimo de muita felicidade e dinheiro na conta bancária graças a comédia Mudança de Hábito, um estrondoso sucesso mundial. Muita gente o tem como uma grata lembrança da infância ou da adolescência e o fato de ser uma produção lançada há tempos não impede que novas gerações se divirtam com as confusões da cantora Deloris Van Cartier (Goldberg) que se apresenta em um cassino sem muito sucesso, afinal os frequentadores estão mais interessados em bebidas e apostas. Certa noite ela acidentalmente testemunha um assassinato cometido pelo seu namorado, o gângster Vince LaRocca (Harvey Keitel), que acaba fugindo após fracassar na tentativa de silenciar a cantora. Depois que declara à polícia tudo e mais um pouco do que sabe a respeito do bandidão, Deloris é colocada no programa de proteção às testemunhas sob a batuta do tenente Eddie Souther (Bill Nunn) que a ajuda a ser aceita em um convento, o último lugar que alguém poderia desconfiar que ela pudesse se esconder.

Atendendo então pelo nome de irmã Mary Clarence, a testemunha deveria permanecer no local até que o fugitivo fosse capturado, mas ela mesma não poderia esperar que essa temporada em um local completamente diferente do que estava habituada traria mudanças significativas tanto para ela quanto para suas novas companhias. No entanto, obviamente no início as coisas não são fáceis e Deloris precisa fazer o possível e o impossível para se adaptar a pacata rotina do local, mas seu jeito extrovertido acaba se sobressaindo e isso não agrada a Madre Superiora (Maggie Smith). Seria possível uma mulher desbocada, que frequentava inferninhos e adepta de algumas falcatruas, ainda que leves, se regenerar à força? Recebê-la no convento seria um ato de caridade, mas ainda assim a veterana religiosa se arrepende da decisão acreditando que a presença de uma falsa freira tiraria as demais irmãs do caminho imposto pelo Senhor, assim ela tenta levar o problema aos ouvidos do Bispo O’Hara (Joseph Maher), o diretor do convento que pede para a Madre ter um pouco de paciência. Havia problemas mais graves a serem resolvidos, como o risco da instituição encerrar suas atividades devido a falta de recursos financeiros já que as pessoas estavam cada vez mais distantes da Igreja.

Já que a Madre exige que Deloris se comporte como uma legítima freira, a cantora por sua vez se vê no direito de passar sua visão a respeito do convento, ou seja, as razões que levaram os fiéis a abandonar a fé. Responsabilizada de reger o coral, ela resolve inovar e dar vida às canções sacras impondo ritmo e timbres de vozes vibrantes. O resultado é que ela acaba conseguindo encher as missas de jovens que não se interessavam por religião e resgatar os desertores, todos atraídos pelas músicas e clima de alegria, assim as doações também voltam. Até a mídia se interessa em registrar esse movimento de resgate da fé, assim o estranhamento inicial da Madre acaba se transformando em admiração acompanhando a empolgação do Bispo. A própria regente percebe que não é mais a mesma a partir do contato com a religião, mas é óbvio que quando tudo está dando certo inevitavelmente ela terá que enfrentar o passado que volta a lhe perseguir. O roteiro de Paul Rudnick (assinando sob o pseudônimo Joseph Howard), já é uma história clássica e por mais que se saiba que o final feliz está garantido nada estraga o prazer de assistir a esta obra do diretor Emile Ardolino que já acumulava em seu currículo mais dois clássicos das sessões da tarde, Dirty Dancing – Ritmo Quente e Três Solteirões e Uma Pequena Dama.

A expectativa em torno deste lançamento era grande justamente por causa de sua protagonista que pouco tempo antes havia ganhado o Oscar de atriz coadjuvante por Ghost – Do Outro Lado da Vida, assim entrando para o primeiro time de estrelas de Hollywood. Antes desta atuação cômica incidental em uma obra tão lacrimosa, Goldberg já era rotulada como humorista de mão cheia, embora seus projetos não vingassem. Tal fama só veio a aumentar após Mudança de Hábito. Realmente a atriz estava em ótimo momento profissional, mas a maré boa durou pouco e se estendeu somente até a sequência desta comédia lançada um ano depois. Desde então, Goldberg tem se envolvido em projetos menores, sem muita projeção. Mesmo assim ela deixou sua marca e transformou a irmã Clarence em um personagem icônico. Os pontos altos do longa são as cenas em que ensaia um coral de freiras um tanto desafinadas e desmotivadas, com destaque para as atuações coadjuvantes de Kathy Najimy e Wendy Makkena, respectivamente as irmãs Mary Patrick e Mary Robert, a gordinha animada e a magrela tímida que conquistam a simpatia do público automaticamente. Já a veterana Smith não tem muitas oportunidades para sorrir, aparecendo quase todo o tempo sisuda e com expressões de preocupação, mas o perfil da Madre Superiora lhe caiu como uma luva e rendeu cenas memoráveis batendo de frente com a novata no sacerdócio.

Sem dúvidas é hilário acompanhar o cotidiano de Clarence com suas colegas de convento, uma adaptação de ambas as partes até atingir o mínimo de equilíbrio, sendo que o roteiro consegue reciclar situações com piadas inspiradas e que fluem com total naturalidade. Goldberg é imprescindível praticamente o tempo em cena e realmente se entregou ao papel. Apesar de aparentemente ter se divertido muito com este trabalho, curiosamente dizem que os bastidores não foram dos mais amigáveis para a atriz que constantemente tinha atritos com a equipe, talvez porque a primeira opção para dar vida à Deloris era Bette Midler. Certamente com outro perfil de protagonista o filme seria completamente diferente, talvez nem se tornasse o sucesso que foi e continua sendo. É impossível imaginar outra no lugar da debochada Goldberg. Sua escalação contribui inclusive para acentuar alguns aspectos críticos. Sinceramente, dificilmente alguém diz que já viu uma freira negra ou que conheceu alguma que usava linguajar popular repleto de gírias. Seriam elas proibidas na casa de Deus?

Comédia - 100 min - 1992

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Através de um homem comum seduzido pelo poder, nazismo é abordado de forma original

O período marcado pelas atrocidades do nazismo é uma vergonha histórica, mas que rende muito ao cinema. O Pianista, O Leitor e O Menino do Pijama Listrado são algumas obras da década de 2000 que abordaram a temática e contaram com o apoio da mídia para divulgação, uma sorte que não teve o cineasta brasileiro Vicente Amorim quando lançou Um Homem Bom, uma produção de origem inglesa e que merece consideração pela abordagem diferenciada que apresenta. Baseado na peça do escocês Cecil Philip Taylor, este drama acompanha alguns anos da vida do pacato professor de literatura John Halder (Viggo Mortensen), um pai de família introspectivo que suporta Helen (Anastasia Hille), sua esposa problemática, um sogro intrometido (Ralph Riach), uma mãe doente (Gemma Jones), além de lamentar o pouco tempo livre para se dedicar aos filhos. Em 1937, em pleno alvoroço que se encontrava a cidade de Berlim, na Alemanha, com a ascensão do ditador Adolf Hitler, o tal homem bom do título decide escrever um romance de ficção defendendo a eutanásia, a prática de induzir pessoas à morte para acabar com o sofrimento de anos vegetando por conta de alguma doença crônica ou sem cura. O próprio vivia esse dilema em casa com a mãe senil.

Halder é chamado para uma conversa com o presidente do comitê de censura que analisa todas as obras literárias para ver se elas atendem as normas éticas e morais defendidas pelo governo. Apreensivo com a convocação, o escritor tem uma grande surpresa ao saber que seu trabalho agradou as autoridades políticas, inclusive sendo convidado a fazer parte do grupo mais próximo de Hitler. É aí que o filme mostra seu diferencial, já que os nazistas sempre são retratados como vilões, verdadeiras máquinas de matar, mas esta obra aborda um lado mais humano da questão, algo raro, porém, também um caminho perigoso a ser percorrido. O grande trunfo do roteiro de John Wrathall é lançar um olhar interno sobre o nazismo, mostrar suas entranhas e revelar como cidadãos comuns eram seduzidos a fazer parte dele. Em determinado momento da narrativa, uma das alunas do protagonista, diante de uma passeata do partido nazista repleta de civis entusiasmados, faz uma indagação-chave para a compreensão do enredo: algo que deixa as pessoas tão felizes pode ser ruim? Talvez por não ser um chefe de família bem sucedido e ser apenas mais um a exercer a profissão de educador, apesar de inspirar os alunos com suas aulas, o professor vê na filiação ao Partido Nacional-Socialista a chance de provar seu valor. O grupo político queria se cercar de intelectuais, as melhores mentes do país unidas em um só espírito era o lema, e o tema do livro de Halder viria a calhar para justificar sua filiação já que o Führer e seus aliados eram obcecados por questões médicas, com direito a experiências e estudos científicos que não raramente mostravam-se atos desumanos.

O ditador recebia muitas cartas de pessoas pedindo a autorização para acabarem com o sofrimento de parentes doentes, assim o escritor deveria direcionar seus futuros textos para divulgar a eutanásia como um bem para a humanidade. Como uma pessoa esclarecida como Halder poderia participar de um regime tão cruel? O caos econômico que assolou o mundo após a Primeira Guerra Mundial ajudou na popularização de Hitler que surgiu como um salvador, alguém com um discurso firme e defensor do povo alemão. Além disso, na realidade, historicamente é defendida a ideia de que a maior parte da sociedade alemã desconhecia o genocídio de judeus nos campos de concentração nazista, tanto que mesmo se aliando ao sistema o professor continuou mantendo a amizade com Maurice Gluckstein (Jason Issacs), um psicólogo judeu que tenta aconselhar o amigo neste período de tantas mudanças, como a respeito de seu envolvimento com Anne Hartman (Jodie Whittaker), uma das alunas que passa a assediá-lo até que o convence a abandonar a família. A garota é jovem, bonita, culta e sofisticada, o modelo de mulher ideal para acompanhar um homem nos eventos sociais do Führer. A vida de Halder falsamente troca as sombras pela luz. Quando era casado e um homem comum, vivia em uma casa escurecida, triste e suas refeições eram basicamente ensopados de legumes que era o que havia de mais barato para se preparar. Entrando na roda política e assumindo um novo amor, seus dias ganham vida e os banquetes e jantares finos tornam-se corriqueiros. A luz artificial dos salões de festas e convenções reforça a ideia de sucesso. A iluminação das cenas então é de suma importância, pois funcionam como metáfora ao estado de espírito do protagonista. Quando está fora de seu lar opressor ele parece mais a vontade, uma outra pessoa.

Conforme surgem os convites para eventos e sugestões para manter um padrão de vida semelhante aos demais do partido, tudo aceito de bom grado, Halter vê sua situação financeira e social melhorar com uma rapidez inacreditável, o que acaba criando uma rusga entre ele e Gruckstein, este que o acusa de ter traído seus ideais em troca de poder e dinheiro. O professor chega a dizer que o psicólogo deveria sair da Alemanha não por ser judeu, mas pelo fato de não haver lugar para alguém que discorda da política adotada pelo país . Após alguns anos separados, os dois se reencontram quando o judeu vai lhe pedir ajuda para comprar uma passagem para voltar à Paris e nesta sequência percebemos a ausência de maniqueísmos da obra. É errado resumi-la a história do homem bom cuja ganância o levou para o mau caminho. Halder até tenta realizar o pedido, mas ao ver as dificuldades para se comprar a passagem em seu nome, podendo criar as suspeitas de que estaria desertando do regime político, ele acaba desistindo. O deslumbramento o cegou e não permitiu que ele percebesse o nascimento do Holocausto e quando se dá conta tenta correr desesperadamente contra o tempo para salvar o amigo judeu e quem sabe resgatar o seu verdadeiro eu. De 1933 à 1942, o longa acompanha a trajetória do protagonista enfatizando como suas decisões não alteraram apenas o rumo de sua vida, mas também das pessoas que o cercam. Como se levado pela maré, o personagem se desenvolve ao sabor dos acontecimentos e mostra como pequenas decisões individuais podem se refletir na coletividade.

Mortensen, com uma atuação contida na medida certa, se faz onipresente em todas as cenas e trava diálogos memoráveis com Isaacs, falas repletas de conteúdo que valem por uma aula de História. Aliás, apesar de amargar praticamente o ostracismo, Um Homem Bom deveria ser incorporado ao planejamento escolar por propor uma perspectiva diferenciada deste período marcado por atrocidades. Não que o longa vá transformar os nazistas em santos, pelo contrário, há também os momentos que a crueldade do grupo é revelada, mas aqui temos um ponto que os livros didáticos costumam ignorar. Muitos civis se associaram a Hitler sem ter pleno conhecimento das atitudes que regiam seu governo e quando a Segunda Guerra Mundial estourou é que a ficha caiu, mas virar a casaca neste momento era sinônimo de morte certa. Amorim, cujo único longa-metragem que assinou até então era o nacional pouco visto O Caminho das Nuvens, realizou um trabalho sofisticado, mas ao mesmo tempo de fácil comunicação com o público. Sua mensagem é perfeitamente assimilável e atemporal. Mais que apresentar o Holocausto sob uma nova ótica, o diretor fala sobre o comportamento do ser humano e a respeito do ideal de sucesso.

Drama - 95 min - 2008

O RETRATO DE DORIAN GRAY (2009)

2026-07-08T00:30:00.000-03:00

Adaptação abandona espírito do clássico romance para investir em suspense e atrair jovens

O sonho da eterna juventude é uma utopia que atravessa séculos despertando discussões e fantasias, tanto que é um argumento comumente utilizado no campo artístico-cultural, tendo inspirado desde as artes plásticas até o cinema, passando obviamente pela literatura e o teatro. Todavia, ser jovem para sempre pode ter um preço alto e é preciso refletir a respeito das consequências negativas e do que é preciso compactuar ou abrir mão para ter tal dádiva. É esse olhar que temos em O Retrato de Dorian Gray, suspense de época baseado no romance homônimo do dramaturgo irlandês Oscar Wilde, famoso por contos que revelam lados sórdidos ou que criticam de forma bem humorada a burguesia de sua época. Aqui ele deixa os sarcasmos de lado para abordar de forma mais aterrorizante e dramática o culto a beleza. Adaptado até para humorísticos de televisão, todos já tiveram contato de alguma forma com a história do homem que vendeu sua alma ao Diabo em troca de reconquistar sua juventude para ganhar o amor de uma mulher. Aqui temos mais uma releitura deste argumento. O roteiro, assinado por Toby Finlay, se passa na lúgubre Londres do século 19 e gira em torno de Dorian Gray (Ben Barnes), rapaz que herdou os bens e fortuna de um parente e agora quer se adaptar ao estilo de vida da alta sociedade inglesa. Logo em seu primeiro evento social, Gray faz amizade com Basil Hallward (Ben Chaplin), um pintor que fica tão impressionado com os traços perfeitos do jovem que pede para ele posar para um de seus quadros.

Estarrecido com a sua própria beleza na tela, o modelo não resiste a força persuasiva de Lorde Henry Wotton (Colin Firth), um sujeito de caráter duvidoso e comportamento estranho que seduz o novo amigo a viver em busca da beleza eterna e do prazer sem limites. Tal convivência acaba levando-o a se afastar dos planos de constituir uma família e certo dia ele questiona se não haveria a possibilidade de trocar sua alma em troca da manutenção de sua juventude e beleza intactas para sempre. O pedido é aceito e o passar dos anos são sentidos por sua imagem no quadro que pouco a pouco vai absorvendo as marcas de expressões e até os ferimentos conquistados pelo rapaz que se aventura em orgias sexuais regadas a bebedeiras e com direito a masoquismo, afinal sofresse o que for sua pele sempre era regenerada e voltava à perfeição. O galã das antigas não mudou por conta apenas de sua auto sedução. Após uma decepção amorosa, Wotton incentiva Gray a não ter escrúpulos e saciar suas vontades sem medo das consequências chegando ao ponto de fazer apostas a respeito do desempenho sexual do rapaz que, diga-se de passagem, não dispensa até mesmo fazer sexo com outros homens e tem fôlego e cinismo até para ir para a cama com uma jovem e depois com a sua mãe recompondo-se em questões de minutos. Quanto mais crimes e pecados comete, mais a pintura fica horrenda e consequentemente alimenta sua insana vaidade. Sua verdadeira alma só reaparece em algumas cenas isoladas marcadas por algumas lágrimas que deixa escapar, mas logo a tentação da luxúria volta a seduzi-lo.

O lorde e seu pupilo sentem uma inegável atração sexual um pelo outro, mas tal sentimento jamais é manifestado diretamente, sendo explícito mais nas trocas de olhares. Contudo, as boas relações entre eles ficam estremecidas muitos anos depois quando Gray se interessa e é correspondido por Emily (Rebecca Hall), filha de Wotton, este que já com idade avançada talvez reavaliou suas condutas erradas do passado e finalmente percebeu o monstro que ajudou a criar e agora quer afastá-lo a todo custo de sua herdeira. A garota foi criada para o filme, não existe no livro, talvez uma forma de espantar o fantasma do homoerotismo da história. Hallward chega a sentir desejo pelo seu modelo e até poderia viver esse amor mesmo que fosse apenas através do prazer carnal que motivava Gray, porém, sua insistência para rever o quadro e até o expor como sua máxima obra de arte acaba irritando o jovem que mais uma vez age impulsivamente para evitar que seu segredo venha à tona. É importante ressaltar que quem deseja assistir a esta obra deve estar ciente de que não encontrará explicações para a dádiva ou maldição, depende do ponto de vista, da juventude eterna, simplesmente é um elemento fantasioso utilizado para tecer pertinentes críticas e reflexões a respeito de temas que continuam completamente atuais como o culto a aparência, a importância da beleza interior e os efeitos negativos do pecado da soberba, afinal quem aproveitaria passivamente o passar dos anos em boa forma sem zombar dos demais pobres mortais fadados a aguardar a morte definhando pouco a pouco?

Apesar do argumento interessante, o longa não foi um sucesso, pelo contrário, colheu poucos elogios sendo a maioria destinados as partes técnicas, ainda assim com ressalvas. Ironicamente, Wilde gostava de criticar em seus textos a beleza exterior da burguesia e o quão vazia ela era em seu interior, mas esta adaptação de seu romance mostra-se justamente mais preocupada com o visual do que com o conteúdo propriamente dito. O diretor Oliver Parker é conhecedor do universo do dramaturgo, afinal já havia dirigido outras duas versões de suas obras, O Marido Ideal e Armadilhas do Coração, trabalhando com a crítica em tom bem humorado. Já em O Retrato de Dorian Gray o cineasta precisou mudar o tom, mas o drama que envolve o argumento poderia não cativar novas plateias, assim ele optou por praticamente reinventar o texto original. Parker adotou os elementos triviais de um suspense clássico, ainda mais tendo a velha Londres como cenário. Um velho casarão como palco principal, a cidade tingida em cores escuras, a névoa sempre presente, flashbacks evocando pesadelos, enfim elementos góticos não faltam, mas o diretor desejava se comunicar com plateias mais jovens. Além de usar sangue sem necessidade em alguns momentos, bastava o quadro para vez ou outra impactar com suas feridas expostas, o diretor tratou de mastigar ao máximo a essência do romance evitando que seu trabalho ficasse complexo demais

Por curiosidade, a carga homoerótica da trama que hoje nos soa mais tolerável, na época da publicação original do romance custou a carreira de Wilde. Acusado de manter um relacionamento com um garoto menor de idade, trechos do livro foram utilizados no julgamento para apoiar sua condenação. É claro que alguns valores e opiniões em evidência na época do autor já estão obsoletos para o século 21, mas ainda assim existem elementos que não precisariam ser tão simplificados. De qualquer forma, o filme apenas esteticamente se assemelha a uma produção de horror, com direito a sons de arrepiar e ambientação típica de filmes tradicionais de vampiros ou casas assombradas, mas na realidade o roteiro trilha mais o caminho do drama mostrando de forma coerente a transição do êxtase experimentado pela dádiva conquistada para a sensação de opressão que o obriga a esconder eternamente seu quadro, afinal se ele for destruído Gray inevitavelmente morrerá. Servindo como inspiração para mais de uma dezena de obras cinematográficas, a nova versão do clássico conto não é de todo ruim, até deixa claro nos diálogos mensagens sobre como os seres humanos se acostumaram a abdicar de suas vontades para atender convenções, obviamente deixando a lição de moral para aqueles que desejarem afrontar os padrões.

Suspense - 112 min - 2009

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2026-07-07T00:30:00.000-03:00

Em crise, casal se vê em meio a desconfianças, frustrações e consequências familiares

Mais difícil que escrever um roteiro ou concluir suas filmagens só mesmo a etapa de batizar um projeto. Alguns filmes só ganham título após todas as fases de produção terem sido concluídas, quando já se tem a ideia concreta do que o produto será. Outros trabalhos só ganham seu pontapé inicial, inclusive a redação da história, quando já estão intitulados. Dar nome a um filme é muito complicado e é curioso quando a junção de algumas simples palavras podem passar ao público sentidos diferenciados. A Vida Secreta dos Dentistas é um bom exemplo. Embora seja claramente uma obra alternativa pela penca de indicações e participações em festivais que ostenta, com certeza quem se arrisca a assistir a este trabalho guiando-se pelo título se decepciona. Ele remete a muitos espectadores a ideia de comédia, mas o nome cai como uma luva para este drama conjugal que envolve obviamente os dentistas, seus assépticos ambientes de trabalho e uma temática universal, mas cujo ritmo lento e ausência de momentos arrebatadores podem ser vistos como empecilhos. Baseado no romance "The Age of Grief", de Jane Smiley, o roteiro de Craig Lucas acompanha o cotidiano do casal Dana (Hope Davis) e David Hurst (Campbell Scott) que não dividem apenas a cama, mas também trabalham juntos em um consultório dentário. Quando estão em casa eles dedicam atenção para as três filhas pequenas, porém, no trabalho mal se falam optando por respeitarem suas individualidades. E tempo para eles dois? Percebe-se que a aparente limpeza da clínica pode esconder certas sujeiras.

Dana é apaixonada por ópera e participa do coro de uma produção teatral e em breve irá fazer uma apresentação. No dia do espetáculo, David encontra motivos para desconfiar que sua mulher o traia e passa a perceber que ela tenta se esquivar constantemente da família e do trabalho, provavelmente para poder ter seus encontros com o amante. Ao contrário da reação da maioria dos maridos traídos, ele resolve levar toda a situação com panos quentes, mas sem tirar os olhos de cima da esposa, chegando até mesmo a ter visões dela tendo relacionamentos com outros homens no próprio consultório. Todavia, a ruptura da família parece eminente, mas um problema inesperado de saúde que atinge a todos os membros pode uni-la novamente. Uma boa sacada do roteiro, embora seja um clichê, é a introdução de um personagem extra para bagunçar ainda mais a relação de um casal. Em determinado momento, Dave começa a sofrer alucinações e sua imaginação acaba sendo materializada em forma de um sarcástico alter ego, Slater (Denis Leary), que surge primeiramente como um delírio enquanto ele voltava para casa após o trabalho. Depois tal aparição começa a se tornar constante, aparecendo como um paciente que acaba emitindo comentários cheios de veneno a respeito do casal Hurst e dando conselhos duvidosos para tentar ajudar Dave a lidar com a esposa, um papel semelhante ao daquele diabinho que aparece de repente para tentar o inocente, mas aqui disfarçado de conselheiro amoroso.

Filmes com pretensões de serem reconhecidos como obras alternativas, ainda que busquem alguma comunicação com as plateias mais populares, e que mantenham o foco das atenções em pequenas situações do cotidiano de seus personagens não precisam necessariamente apresentar um tradicional final feliz ou então podem apostar em uma felicidade momentânea. É por esse viés que esta obra se baseia, apresentando apenas um fragmento, uma etapa da vida de um casal que passa por dificuldades no relacionamento, algo comum após certo tempo de união. Para justificar a trama, fatos comprometedores vão surgindo para aumentar as desconfianças do marido a respeito da traição da esposa, mas a própria vida se encarrega de intervir de certa forma para unir o casal novamente e consequentemente a família. Pela opção de Dave em não falar sobre suas desconfianças e não concordar com o comportamento leviano de Dana, ele acaba sem querer alimentando uma união de fachada que não faz apenas mal a ele ou a esposa, mas atinge em cheio também as filhas. A tensão psicológica e emocional que se instala no seio desta família acaba evoluindo para um quadro de doença física. Pouco a pouco todos os membros do clã começam a sentir enjoos, dores no corpo e distúrbios intestinais, mas o diagnóstico do médico não aponta um resultado conclusivo. As suspeitas são de que tais sintomas sejam manifestações somáticas provocadas por nervosismo em excesso. Só por este gancho, que reflete muito dos malefícios dos novos tempos em que manter as aparências parece uma regra para se viver bem perante a sociedade, já vale uma conferida nesta obra.

O diretor Alan Rudolph constrói uma investigação da vida de uma núcleo familiar americano de classe média, explorando o trabalho, o convívio cotidiano e centralizando as dúvidas e conflitos na pele do personagem de Scott que está em crise de meia idade, acha seu emprego enfadonho e talvez não tenha percebido que se a esposa o trai é porque ele próprio não se dedica mais ao casamento, o velho problema pelo qual a maior parte dos casais passa com a chegada dos filhos. No meio desse turbilhão de emoções, que ao mesmo tempo em que capta as emoções do espectador também pode incomodar, o diretor tenta refrescar as coisas através do personagem de Leary responsável por bons e divertidos palpites. O protagonista leva a situação da dúvida da traição cozinhando em fogo brando, como se esperasse a esposa tomar a iniciativa de acabar com o relacionamento e ou assumisse o que fez e pedisse perdão. Só mesmo quando as coisas se tornam mais explícitas sua conduta muda, uma metáfora implícita aqui, como aquele sujeito que só procura os serviços do dentista em último caso. Aliás, tudo aqui pode ser visto através de um ângulo odontológico, o que já fica explícito pela abertura que faz uma explanação sobre a composição das estruturas dentárias explicitando o velho ditado que diz que você é o que você come, mas acrescentando ainda que muito da personalidade de um indivíduo pode ser deduzido através dos seus cuidado para manter a saúde bucal.

A união dos protagonistas é tão artificial quanto a sensação que temos ao escovar os dentes com um creme dental que promete clareamento instantâneo e as cáries são representadas pelos desentendimentos velados do casal. As tentativas para colocar nos eixos a vida conjugal neste caso se arrastam por um bom tempo, assim como um tratamento dentário. Por fim, fica para os pacientes a decisão se levam os procedimentos até o fim ou se vão preferir transformar uma dor aguda em um problema crônico. A Vida Secreta dos Dentistas é uma obra singular, sensível e com um roteiro linear e sem surpresas, mas a condução do tema foi bem explorada e de forma muito digna, sem recorrer aos clichês dos filmes sobre traição, seguindo a risca a tradição dos longas que já nascem irremediavelmente impregnados de aura alternativa. Todavia, faltam elementos para tornar esta obra um produto acima do regular. A passividade do casal principal em alguns momentos talvez seja o grande problema. De qualquer forma, tal qual uma ida ao dentista, esta é um opção que deixa você com uma sensação diferenciada ao subirem os créditos finais. Boa ou ruim, tudo depende da sensibilidade de cada um.

Drama - 101 min - 2002

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2026-07-06T00:30:00.000-03:00

Adam Sandler se supera no quesito mau gosto e protagoniza comédia apelativa e de pouca graça

Adam Sandler construiu sua carreira tendo como alicerce os projetos humorísticos. Já se arriscou no drama com o subestimado Reine Sobre Mim, mas foi com comédias simpáticas do tipo Como se Fosse a Primeira Vez e Click que ele projetou seu nome de vez. Infelizmente, a cada bom projeto que aceita participar em contrapartida ele assume também um papel em uma produção de gosto duvidoso em seguida. Ele já estava em um bom patamar da carreira em 2008 e certamente não deviam lhe faltar convites para bons trabalhos, mas então o que o motivou a protagonizar o besteirol Zohan – O Agente Bom de Corte? A resposta só pode ser uma proposta milionária ou agenda vazia de compromissos na época. Só assim para explicar tamanha decadência. O ator faz o papel-título, um agente do alto comando militar israelense que teve suas férias na praia interrompidas pelo chamado de uma nova missão. Ele fica sabendo que Fantasma (John Turturro), um terrorista palestino que havia capturado há pouco tempo, conseguiu escapar mais uma vez e precisa ser encontrado o mais rápido possível. Porém, esse serviço tão importante não é o trabalho dos sonhos de Zohan.

Por incrível que pareça, na realidade, Zohan sempre nutriu o desejo de ser cabeleireiro e este novo confronto veio em boa hora para ele colocar um plano em prática: fingir sua própria morte e partir para Nova York, o local onde tudo acontece. Apesar de querer deixar para trás sua vida de guerras e batalhas, rapidamente ele descobre que não é tão fácil escapar das suas raízes. Até aí a história caminha de maneira aceitável e com as piadas grotescas já esperadas, mas as coisas mudam quando ele consegue um emprego em um salão de beleza. Algumas poucas piadas inteligentes e realmente engraçadas são diluídas no meio de uma avalanche de situações vexatórias que vem a seguir que exploram ao máximo o apelo sexual inserido forçosamente ao enredo. O jeito antiquado de agir, se vestir e o preconceito com as pessoas que denunciam pelas características físicas suas origens da parte mais conflituosa do Oriente atrapalharam Zohan que se desaponta com a falta de oportunidades de trabalho. Sua esperança renasce quando encontra Oori (Ido Mosseri), um vendedor de uma loja de eletrônicos que é localizada em um bairro americano onde israelenses e palestinos convive em harmonia. Além de uma mensagem de incentivo, o comerciante também lhe apresenta à Dalia (Emmanuelle Chriqui), uma palestina que é dona de um são de cabeleireiros que aceita empregar Zohan.

Como num passe de mágica, rapidamente Zohan passa a conquistar as clientes oferecendo serviços que vão muito além do corte e pintura de cabelos. Ele coloca por água abaixo o estereótipo de que homem que corta cabelos tem boas chances de ser homossexual. Todas as clientes, principalmente as que já passaram dos cinquenta anos, são convidadas por ele a conhecerem os fundos do salão e receberem um trato especial. Porém, tudo que é bom dura pouco. Sua fama vai chamar a atenção e logo seu paradeiro não será mais segredo, assim os fantasmas dos tempos do exército voltam a persegui-lo. Embora existam alguns momentos de lucidez neste enredo que tenta abordar de forma bem humorada (desde quando isso é possível?) a guerra travada entre israelenses e palestinos, na qual até os americanos metem o bedelho, o resquício que guardamos de lembranças desta comédia é o pior possível. As questões ideológicas e históricas passam batidas e as cenas que ficam em nossa memória são as dezenas de vezes em que Sandler rebola seu quadril de forma explicitamente erótica, além de que quase todos os seus diálogos são carregados de palavras chulas e piadas de duplo sentido. Se ainda estivesse em início de carreira tal tropeço até poderia ser compreensível, mas para um ator que já estava a um tempo razoável na praça não.

Os risos são garantidos por causa dos absurdos que vemos em cena, mas não espere humor de qualidade e evite assistir esta pérola com crianças ou pessoas que ficam constrangidas com facilidade. As piadas asquerosas e apelativas são oferecidas aos montes do início ao fim através de um roteiro tolo escrito pelo próprio Sandler em parceria com Robert Smigel e Judd Apatow, este último que acabou ganhando notoriedade pelo divertido O Virgem de 40 Anos. A premissa razoável até poderia ter rendido uma boa trama, mas parece que todos os envolvidos na produção confiaram demais no poder de atração do astro protagonista que já contava com um público cativo que aplaudia praticamente tudo o que ele fazia (e ainda é assim). O diretor Dennis Dugan, que já havia trabalhado com Sandler em Um Maluco no Golfe, O Paizão, Eu os Declaro Marido e... Larry e tantas outras produções, sabia que tinha o ingrediente principal para render nas bilheterias, o que de fato aconteceu, então para que se preocupar com a história? Basta adicionar piadas de mau gosto e juntar alguns coadjuvantes tão rasos quanto um pires e pronto.

Sobra uma ceninha ou outra até para o ator Rob Schneider, como um motorista de táxi que também trabalha com telemarketing, e para a cantora Mariah Carey que ainda insiste em fazer pontas no cinema mesmo depois de ter fracassado quando tentou protagonizar seu próprio longa. Zohan – O Agente Bom de Corte poderia ser um registro crítico e bem humorado sobre a inutilidade dos conflitos, desconstruir o mito do homem das guerras desprovido de sonhos e sensibilidade e até mesmo rascunhar uma solução para guerrilhas absurdas que surgem por questões ideológicas, políticas ou religiosas, porém, optou-se pelo caminho mais fácil. Para que ser criativo e marcar época sem ter o cofre cheio? Melhor ser um entretenimento ligeiro e esquecível, mas que agrade aos jovens que certamente protagonizaram cenas tão grotescas quanto as do longa assistindo-o munidos de refrigerante e pipocas e gargalhando da imbecilidade de uma história que é um ultraje a inteligência de qualquer pessoa. Sandler e companhia neste caso se superaram, de forma negativa obviamente.

Comédia - 113 min - 2008

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2026-07-05T00:30:00.000-03:00

Popular personagem da literatura inglesa cativa com sua bondade, ingenuidade e jeito atrapalhado

Os EUA é uma verdadeira fábrica de personagens populares e icônicos criados para livros, televisão, quadrinhos e cinema, porém, suas famas atravessam fronteiras com enorme facilidade. Provavelmente todos os países tem o mesmo potencial para lançar tipos interessantes, mas talvez não o mesmo traquejo para torna-los universais. Alguém já imaginou nossos folclóricos Saci Pererê ou Currupira ou até mesmo os personagens do "Sítio do Pica-Pau Amarelo" formando fila nos cinemas ou nas livrarias americanas por exemplo? Já Maurício de Souza encontrou no marketing social as vias para levar Mônica e sua turma para centenas de países, conseguindo projeção atingindo certos nichos de público, mas nunca houve notícias de que os filmes da trupe tenham bombado fora do Brasil. E o que dizer do ursinho inglês Paddington?... Quem? Certamente é este desconhecimento que fez o filme-família As Aventuras de Paddington passar em brancas nuvens pelo Brasil, uma grande injustiça com uma produção caprichada e divertida, embora previsível e bastante infantil, porém, de fácil identificação com os adultos de coração e mente abertos. Felizmente, na arrecadação mundial a fita foi um sucesso tonando-se um dos filmes voltados às crianças mais bem sucedidos produzido fora de Hollywood.

O pequeno e educado urso do título foi criado em 1958 pelo escritor Michael Bond e desde então protagonizou diversas aventuras literárias e até estrelou uma série de animação para a televisão na década de 1970, mas fora do território britânico ele é um desconhecido, mesmo após o lançamento do filme cuja intenção era popularizar sua imagem e certamente abrir caminho para uma franquia cinematográfica acompanhada de licenciamento de produtos. A narrativa tem um prólogo em preto-e-branco apresentando um pequeno e antigo filme gravado pelo explorador Montgomery Clide (Tim Downie) em busca de uma rara espécie de ursos nas florestas do Peru (forçando a globalização da trama?), animais com quem acaba fazendo amizade e prometendo hospedagem caso algum dia resolvessem passear pela longínqua Londres. Durante o tempo que conviveu especificamente com uma família deles, o estudioso lhes ensinou um pouco de sua língua e passou o hábito de comer marmelada, segundo os próprios ursos o alimento perfeito para suprir as necessidades diárias de um membro da espécie. Décadas mais tarde, esse clã vive uma tragédia sobrando apenas o caçula e sua tia que acha melhor mandá-lo em busca do tal explorador levando junto o chapéu vermelho que o britânico havia deixado de lembrança.

Após enfrentar uma longa viagem de navio, obviamente bem escondido e sobrevivendo à base de potes e mais potes de marmelada que basicamente eram sua bagagem, o ursinho vai parar na estação de trem de Paddington, na Inglaterra, onde é encontrado pela família Brown que resolve batizá-lo com o mesmo nome do local. Bem, nem tudo são flores. Quem se comove mais com a situação é a Sra. Brown (Sally Hawkins), mais inclinada a caridades e que lhe promete abrigo até encontrar o explorador, mas a ideia não agrada nada ao Sr. Brown (Hugh Bonneville) que vê o urso como uma possível ameaça e quer se livrar o mais rápido possível dele. Os filhos do casal também reagem de maneiras opostas. Enquanto o caçula Jonathan (Samuel Joslin) se anima com a possibilidade de ter uma espécie de irmão com idade compatível, a adolescente Judy (Madeleine Harris) repudia a ideia e teme que seja apontada como uma esquisitona. Em sua nova casa, Paddington aprende os costumes locais, lida com um monte de objetos que desconhecia e percebe que a adaptação não será tão fácil, assim como para a família que o acolheu que terá que aprender a lidar com as diferenças e deixar aflorar o espírito de solidariedade. E tudo que vivencia e descobre o bichano relata em cartas que pretende enviar à sua tia (diga-se de passagem, esquecida pela trama). Paralelo a isso, o bichano ainda terá que escapar da maquiavélica Millicent (Nicole Kidman), uma taxidermista que trabalha no Museu de História Natural e que tem verdadeira obsessão em empalhar um exemplar desta espécie rara para ter seu nome reverenciado entre os cientistas e zoologistas, além de ter um outro motivo pessoal para incentivá-la nesta missão.

Escrito e dirigido por Paul King, o filme se resume a fazer graça com as dificuldades do protagonista em conviver com o mundo civilizado e a sociedade humana e as peripécias da vilã para capturá-lo. Aliás, carregando propositalmente na caricatura, Kidman deixa aflorar seu lado cômico que é tão pouco requisitado. Sua atuação descomprometida, no bom sentido, transparece na tela e curiosamente quase que o papel lhe escapou, já que sua agente achava que o projeto não lhe interessaria. No entanto, a premiada atriz nem quis ler a sinopse e aceitou de imediato o trabalho. A popularidade do ursinho na Inglaterra pesou na escolha. Fora Kidman, que embora australiana tem sua imagem irremediavelmente ligada à cultura norte-americana, o elenco é predominantemente britânico, mas com rostos bastante conhecidos pelo mundo. Vale um destaque para a divertida participação da veterana Julie Walters como a Sra. Bird, uma tia dos Brown que acaba fazendo as vezes de governanta da residência, responsável pelos momentos de humor mais genuínos (entenda-se não apoiados nas confusões do urso). Falando nisso, algumas alterações dos diálogos para a versão dublada em português tiram um pouco do charme da produção, mas para não perder a piada foi a solução encontrada, ainda que não a melhor. Substituindo inserções que certamente só fazem sentido aos britânicos, não deixa de soarem estranhas, por exemplo, citações aos times de futebol Corinthians e Flamengo e ver o ursinho exaltando a saudação “fala mano”. Podem funcionar com as crianças, mas para os adultos coisas do tipo quebram um pouco o encantamento da trama que envolve pela ingenuidade e beleza visual, a começar pela criação do protagonista.

Utilizando a mesma técnica que consegue mesclar criações digitais com atores reais, algo já visto em filmes como Scooby-Doo e Os Smurfs, Paddington não é apenas super fofo, mas apresenta um avanço deste tipo de trabalho visto que há um cuidado até mesmo quanto ao movimento dos pelos do bichano, algo bem nítido na cena em que ele toma um banho e usa o secador de cabelos. Além do visual, apresentando um bairro inglês que parece pinçado do passado e cenários coloridos e detalhistas que lembram a casas de bonecas, a dinâmica do ursinho com o clã dos Brown lembra bastante ao longa O Pequeno Stuart Little cujo tema principal também é a adoção de um animal por uma família humana e os personagens são igualmente cativantes. Por trás das piadas e lições de amizade e tolerância, o longa ainda aborda sem muito alarde a preservação da natureza e das espécies, uma indireta com a elegância típica britânica para eles próprios, já que na Inglaterra a caça ainda é um hobby em alta, mas King não força a mensagem. Com humor, delicadeza e um quê de sofisticação, As Aventuras de Paddington é uma deliciosa opção para reunir a família como há muito tempo não se via.

Comédia - 95 min - 2014

A LENDA DO CAVALEIRO SEM CABEÇA (1999)

2026-07-04T00:30:00.000-03:00

Clássico literário reúne elementos perfeitos para o estilo Tim Burton de fazer cinema

Longe do estilo trash ou do lema sangue é a alma do negócio, Tim Burton construiu sua carreira basicamente pautado pelo gênero de horror e suspense, mas conseguiu imprimir um estilo único de assustar. Quer dizer único não é mais, pois já existem diversos cineastas copiando seu estilo gótico ou surreal de contar histórias que flertam com o medo, o humor e o drama. Todavia, ainda falta para muitos a criatividade e a sutileza de Burton para tocar projetos semelhantes aos seus. Talvez sejam as suas particularidades que nos encantem, por exemplo, em A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça, longa rotulado como terror, mas com certo quê de conto de fadas macabro. Todos os elementos que fizeram e ainda fazem a fama do diretor estão presentes nesta produção que pode ser considerada uma obra-prima do gênero. Personagens bem trabalhados, ambientação minuciosamente escolhida, humor negro, bizarrices e o tom gótico já são marcas registradas do diretor e aqui todas elas são imprescindíveis para a condução da narrativa que faz com que por alguns momentos o espectador esqueça que é um filme de terror que está vendo tamanho o lirismo e o aspecto onírico de algumas cenas. Mas claro que também há sangue para agradar aos fãs do gênero.

A trama é baseada em um popular conto de horror do americano Washington Irving, que por sua vez baseou-se possivelmente em uma lenda germânica. Na virada do século 18, o pequeno vilarejo rural de Sleepy Hollow está sofrendo com o pânico gerado pelos boatos de que todas as noites o fantasma de um homem sem cabeça vaga pelas ruas a procura de seu crânio. O estranho é que parece que ele surge predestinado a decepar corpos escolhidos previamente, e nem as mulheres ou crianças são poupadas. O excêntrico detetive nova-iorquino Ichabod Crane (Johnny Depp), famoso por solucionar casos baseando-se em conceitos racionais e científicos, é chamado com urgência para dar seu parecer da situação e acalmar os ânimos. Inicialmente, ele tenta apresentar soluções lógicas para o problema investigando as possíveis ligações entre as vítimas para assim chegar a um assassino de carne e osso, mas não demora muito para seu ceticismo ir por água abaixo. Todos na cidade têm alguma história amedrontadora sobre o tal Cavaleiro sem Cabeça e o próprio Crane se depara com ele em uma noite sombria. A partir desse momento sua mente se divide. Ele passa a acreditar em partes no folclore local, mas ainda assim acredita que existe uma resposta lógica, porém, quanto mais se aprofunda nas investigações, mais sobrenatural o caso se torna. Para enfrentar o desconhecido, o detetive contará com o apoio de Katrina Van Tassel (Christina Ricci), uma jovem que pode ser a chave de todo o mistério, mas ao mesmo tempo corre o risco de ser a próxima vítima.

O elenco conta com verdadeiros medalhões, alguns pouco reconhecíveis devido a maquiagem e figurinos, mas alguns merecem ser destacados, como Miranda Richardson interpretando Lady Van Tassel, a madrasta de Katrina, uma mulher maquiavélica e cheia de segredos, e Christopher Walken, especialista em interpretar tipos estranhos, assumindo aqui o papel do Cavaleiro. Embora aparecendo em poucas cenas e sem falas, apenas grunhindo, sua aparição obviamente é de fundamental importância, ainda mais contando com seu visual naturalmente exótico. O ator Casper Van Dien interpreta Brom Van Brunt, um valentão que cobiça o amor de Katrina e enxerga em Crane um rival. Curiosamente, esse triângulo amoroso não é bem trabalhado no longa, deixando apenas no ar os indícios desta relação, ao contrário do livro original. Na obra de Irving, Crane e Brunt competem pelo amor da moça e durante uma noite de festa o valentão conta a lenda do Cavaleiro sem Cabeça no intuito de assustar o rival. Ao voltar para casa, o detetive é surpreendido pelo fantasma de um homem que perdeu a cabeça durante um conflito na época da Revolução Americana e depois dessa noite ninguém jamais voltou a vê-lo. A história não é conclusiva, apenas se sabe que provavelmente o franzino investigador faleceu, e deixa para o leitor refletir se a lenda é uma realidade ou se o próprio Brunt é quem se disfarçou e deu cabo do inimigo.

O roteirista Andrew Kevin Walker fez um excepcional trabalho de adaptação que só cresceu nas mãos de Burton, ainda que o script já estivesse escrito anos antes do projeto entrar em produção e nem havia o nome do gótico diretor atrelado. Logo nos primeiros minutos temos a certeza de que estamos diante de um produto tipicamente "burtiniano" que faz uma homenagem às antigas produções de horror. Já nos créditos iniciais somos convidados a participar de um universo fantástico e ao mesmo tempo aterrorizante. Neblina, árvores gigantescas e secas com galhos retorcidos e até uivo de lobos ajudam a compor uma ambientação perfeita de uma cidade isolada, triste e misteriosa. Isso sem falar na sequência que antecede tal abertura, uma introdução espetacular que é na verdade o real convite ao espectador, pois reúne todos os elementos que compõem o restante do filme. Venha participar deste mistério ou desista imediatamente ao ver alguém decapitado logo nos primeiros minutos. Sem precisar extirpar corpos a olhos nus, o cineasta conseguiu fazer um trabalho amedrontador e conta com recursos para ultrapassar barreiras e agradar até mesmo quem repudia filmes de terror justamente pelo excesso de sangue e violência explícitos geralmente empregados. Neste caso o impacto com cenas do tipo é quase nulo e o que nos impressiona mesmo é o requinte e o capricho da produção. Desde o uso da neblina proposital, passando pelos figurinos de época, a predileção por cores frias, a iluminação primorosa, a trilha sonora sombria e até as trucagens usadas para as aparições do Cavaleiro, tudo aqui nos faz lembrar filmes clássicos de terror, aqueles dos tempos dos castelos, carruagens e conflitos entre nobres e plebeus.

Burton foi fiel ao seu estilo e se mostra muito a vontade para fantasiar neste mundo sinistro, palco para Depp mais uma vez desenvolver um personagem marcante e repleto de particularidades. Alternando momentos de humor involuntário, outros de seriedade e mais um punhado de sequências em que explora seu lado heroico, o ator firmava aqui sua terceira parceria com Burton até então. Acostumado a atuar quase sempre adornado por recursos de maquiagem e figurinos pesados, em sua visão Crane surge de cara limpa, o que colabora ainda mais para tornar a figura do medroso investigador em algo crível. Vale lembrar que, conforme seu costume, o cineasta acaba encontrando uma maneira de jogar um olhar contemplativo sobre a figura representante do mal, reforçando a ideia de que o vilão seria um ser marginalizado ou uma vítima da sociedade. Talvez a cena mais chocante seja a do Cavaleiro indo em busca de sua cabeça e exterminando toda uma família, inclusive uma criança, mas tudo filmado de forma velada e com citações para o entendimento de quem assiste sem precisar explicitar. A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça é uma deliciosa mistura de gêneros que resgata o que há de melhor no cinema, a criatividade, algo que Burton sempre manteve em primeiro lugar em sua filmografia, ainda que precise atender as expectativas do mercado. É em seu caráter nostálgico e artesanal que a obra esconde seus poderes de persuasão e sedução.

Vencedor do Oscar de direção de arte

Terror - 105 min - 1999

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2026-07-03T00:30:00.000-03:00

Apesar da ideia batida, fita ganha fôlego com limitações da mocinha e vilão sem escrúpulos

A Netflix virou a casa das pequenas produções de horror e suspense. Pequenas em todos os sentidos. Além do baixo orçamento, são produções de durações enxutas, roteiro engessado e elenco com no máximo três pessoas, sem contar um ou outro que surge em poucas cenas e em nada agregam. Contudo, é preciso constatar: a maioria resulta em excelentes passatempos. Claro que isso se você não for muito exigente e tiver boa vontade para engolir certos exageros e devaneios e Hush - A Morte Ouve não foge à regra, apesar da premissa curiosa e os primeiros minutos serem instigantes. O que uma pessoa surda, muda e solitária faria para se defender no caso de ser perseguida por um psicopata? Mantida para causar impacto, a palavra em inglês do título significa silêncio e isso é ao que basicamente se resume a vida da escritora Maddie (Kate Siegel) que perdeu a audição e a capacidade de falar ainda muito jovem por conta de um problema de saúde.

Como a maioria dos profissionais da área, a moça escolheu viver isolada em uma casa de campo onde poderia se inspirar e criar com mais tranquilidade, tendo como único contato pessoal a vizinha Sarah (Samantha Sloyan). Certa noite, surge em sua porta um criminoso (John Gallagher Jr.) disposto a não violentá-la sexualmente, mas sim psicologicamente e até a morte. O diretor Mike Flanagan não enrola e logo coloca vítima e algoz frente a frente, mas não sem antes usar a técnica da câmera fazendo as vezes da visão de um personagem. O psicopata, mascarado e armado com flechas, não mantém certa distância para observar seu alvo. Ele literalmente se põe a observar Maddie plantado em sua porta e ainda ousa a provocar com batidas no vidro, uma maneira de se divertir antes de entrar em ação, afinal de contas fizesse o barulho que fosse ela nem se daria conta por causa de sua deficiência.

O bandido consegue entrar com facilidade na casa, mas não ataca a jovem de imediato. Primeiro surrupia o seu iphone para através de fotos evidenciar sua presença e quando a moça se dá conta que está em perigo consegue a tempo prender o bandido do lado de fora, mas na verdade é ela quem está presa em uma armadilha em sua própria casa. Com tudo meticulosamente calculado, o criminoso trata de furar os pneus do carro de Maddie e cortar a energia elétrica, assim são apenas os dois em um jogo travado em limitado espaço físico e sob a penumbra da noite. Se o vilão consegue entrar na casa e se aproximar da vítima facilmente, por que não fez o que pretendia de uma vez? Muitos podem questionar a estupidez do psicopata e reclamar das tentativas ridículas da moça em tentar fugir, todas obviamente a colocando em risco eminente, mas não há explicações plausíveis para atos de pessoas cruéis e insanas assim como na hora da tensão dificilmente alguém seria capaz de bolar um plano brilhante de fuga com todos os riscos calculados.

A oportunidade faz o ladrão da mesma forma que encoraja quem está em perigo. O negócio é não se preocupar com detalhes facilmente percebidos por quem está de fora da situação e embarcar no jogo de gato e rato proposto pelo roteiro escrito pelo diretor em parceria com sua protagonista. Casados na vida real, o argumento surgiu de uma despretensiosa conversa entre os dois divagando sobre os perigos de uma mulher viver sozinha em um ambiente distante de tudo e de todos, ainda com o acréscimo dela ter certas limitações para levar uma vida completamente normal, o que traz certo frescor ao tema já bastante explorado e desobriga a produção de recorrer a recursos sonoros estridentes. Se já é assustador ouvir sinais de que está em perigo, imagine não poder identificar sons e depender apenas da visão ou tato. Dessa forma, Flanagan explora bastante as aparições repentinas do algoz assim como a vigília da vítima à expectativa de algum momento de descuido dele para fugir.

Gravado em tempo recorde e com um mínimo de diálogos, sendo os de Maddie legendados, Hush - A Morte Ouve claramente tem inspiração em outros filmes da mesma seara como, por exemplo, o francês Eles e o hollywoodiano Os Estranhos, nos quais ataques domiciliares são realizados sem motivos aparentes, o que pouco implica quando o que está em jogo é o grau de tensão que a trama quer alcançar. Nesse ponto, a produção se sobressai com um crescente clima nervoso ativado pelas excelentes atuações. Gallagher passa boa parte do tempo com seu rosto exposto, revelando o grau de insanidade ou audácia de seu vilão que não se importa em ser identificado, afinal tem a certeza que sua vítima não escaparia com vida. Já Siegel equilibra-se entre o pavor e a coragem e demonstra sensibilidade ao compor uma deficiente longe do estereótipo de coitadinha e mais próxima do que esperamos do perfil de uma heroína. Só é uma pena que a conclusão seja extremamente previsível, mas o importante é ser surpreendido pelos caminhos que levaram a tal clímax.

Suspense - 87 min - 2016

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2026-07-02T00:30:00.000-03:00

Diane Keaton novamente interpreta uma mulher neurótica, mas ainda assim rouba a cena

O título Minha Mãe Quer Que Eu Case já leva direto ao assunto sobre o que se trata esta comédia romântica, mas a objetividade da produção para por aí. A trama é estendida além do necessário para narrar o dilema de uma jovem que deve escolher entre um marido rico e sisudo ou o amor puro e a leveza de uma vida ao lado de um cara divertido e descolado, porém, que vive à base de trocados. Não é difícil adivinhar qual dos pretendentes Milly (Mandy Moore) irá desposar. Ela é a caçula de uma família comandada pela neurótica Daphne (Diane Keaton), dona-de-casa que sem ter com o que se preocupar ocupa seu tempo pentelhando suas filhas das quais se orgulha de ter criado sem precisar de um homem ao lado. As mais velhas, Maggie (Lauren Graham) e Mae (Piper Perabo), parecem conformadas e lidam bem com os incisivos palpites da mãe, porém, a mais nova esconde um estilo um pouco rebelde por trás da faceta de boa moça. Independente financeiramente e já morando sozinha, a doceira Milly não tem sorte na vida amorosa, embora aparentemente goste de provar de um cardápio variado de homens.

Na tentativa de desencalhar a jovem, Daphne resolve colocar em segredo um anúncio em um site de encontros. Muitos candidatos surgem, um mais estranho que o outro, porém, nada mais anormal que o fato de ser a futura sogra de um deles quem se apresenta para realizar a seleção. Munida de um roteiro de perguntas, parece que ela no fundo tenta encontrar o parceiro ideal que nunca teve, assim fica encantada pelo arquiteto Jason (Tom Everett Scott), um rapaz bonitão, bem-sucedido, de família tradicional e que cultiva um padrão de vida elitizado. Após um encontro armado pela alcoviteira, Milly realmente demonstra interesse por tal pretendente, mas o destino também coloca em seu caminho Johnny (Gabriel Macht), um pai solteiro que ganha a vida dando aulas de música e tocando em restaurantes. O que lhe falta de dinheiro e ambição sobra em alegria, atenção e carinho, ao contrário do arquiteto que aos poucos começa a demonstrar impaciência, sisudez e dominação, ainda que de leve.

Outrora uma atriz de peso equivalente a uma Meryl Streep, é triste ver que Keaton vem desprestigiando a si mesma contentando-se com a mesmice, reciclando minimamente um único tipo de personagem estereotipado e se envolvendo em produções que em nada agregam em seu currículo. Abusando de caras e bocas e trejeitos exagerados, a veterana até consegue tirar do espectador alguns sorrisos, mas ao final fica a sensação que a diversão é constatar o declínio de sua carreira. Ela não vive mais o desafio de se transformar em personagens, transparecendo que os perfis que lhe são oferecidos é que devem ser adequados à sua personalidade. Até seu estranhíssimo jeito de se vestir parece emprestar às mulheres que interpreta. Daphne se resume a uma criatura ensandecida porque não há o que sustente seu perfil. Viúva? Separada? Namoradeira? Por que tanta superproteção com as filhas? Elas têm um mesmo pai ou são frutos de relacionamentos diferentes? Nada sabemos sobre essa mulher, a não ser o fato de que sua vida sexual é frustrada a julgar pelo seu fascínio quando descobre um site de encontros eróticos. Suas filhas mais velhas também não têm função na trama, mesmo Maggie que é psicóloga, teoricamente a mais inteligente e equilibrada do clã, é pouco acionada, participando digamos de um esquete de humor paralelo à trama principal com um de seus pacientes, este que como único elemento realmente com um pouco de graça ganha a honra (ou seria a obrigação?) de encerrar o filme.

A carismática Moore, conhecida entre o público adolescente pelo clássico romântico Um Amor Para Recordar, amargou anos como coadjuvante em produções apagadas e quando teve a chance de voltar a ser protagonista parecia não saber o que fazer, tanto que na reta final Keaton volta a chamar os holofotes para sua personagem ao engatar um romance com Joe (Stephen Collins), ninguém mais ninguém menos que o pai de Johnny, o pretendente que a própria passou o filme todo tentando afastar de sua pimpolha. Engraçado que a tagarelice de Daphne nesse ponto é substituída por mímicas e um caderninho de anotações devido a uma laringite. Será que ela conquistaria um amor a essa altura da vida com sua língua afiada e ativa? A roteirista Karen Leigh Hopkins teve a fabulosa ideia para esta trama a partir de uma conversa que ouviu na sala de espera de um consultório médico na qual uma mulher gabava-se por ter arranjado encontros amorosos adequados para a filha. Em colaboração com Jessie Nelson, que já esteve mais inspirado quando escreveu A História de Nós Dois ou Uma Lição de Amor, o resultado é uma narrativa que se limita a repetir clichês sem nem ao menos tentar recicla-los para disfarçar, não dispensando nem mesmo uma cena de torta na cara sem função alguma.

O diretor Michael Lehmann, da comédia adolescente 40 Dias e 40 Noites, tenta agradar jovens e também ao público mais velhinho, mas fica em cima do muro. Não adiciona a pimenta necessária e exagera no açúcar da receita, abusando principalmente do humor visual cercando-se de tudo que já foi testado e aprovado em produções do gênero em cenas que nem sempre são bem adaptadas à trama. Para cada sequência um pouco mais decente parece que temos que aguentar o quarteto em cor-de-rosa soltar a voz em vexatórios números de canto à capela. Johnny? Jason? Alguém ainda quer entrar para a família? Minha Mãe Quer Que Eu Case deixa a embaraçosa e decaída mensagem de que cedo ou tarde uma mulher precisa de um homem ao lado para ser feliz, o que deve deixar as feministas de cabelo em pé. E é essa retórica que parece guiar nos últimos tempos a carreira de Keaton, mesmo no elogiado Alguém Tem Que Ceder. Como não ser seduzida pela lábia de um Jack Nicholson, não é?

Comédia Romântica - 102 min - 2007

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2026-07-01T00:30:00.000-03:00

Com menos humor que de costume, Disney acerta com enredo ligeiramente mais dramático

O passado da Disney ficou marcado por princesas e heroínas doces e sonhadoras. A ingenuidade das moças também era característica dos rapazes quando protagonistas dos contos, como no caso do boneco de madeira Pinóquio, e até animais como Bambi resgatavam tal pureza nas telas. Os anos passaram, o criador do estúdio faleceu, a crise assolou os profissionais que tentavam dar continuidade a sua obra e histórias água-com-açúcar já não conquistavam nem mesmo as crianças. Quando buscaram inspiração em contos com mais dramaticidade, como A Pequena Sereia, embora floreando um pouco as coisas, a Disney conseguiu se reerguer e tomar coragem para projetos mais ousados como é o caso de Mulan, longa baseado em um milenar poema chinês. Roteirizado a dez mãos por Rita Hsiao, Chris Sanders, Philip LaZebnik, Raymond Singer e Eugenia Bostwick-Singer, a trama começa mostrando os hunos invadindo a China liderados pelo inescrupuloso Shan-Yu e ofendidos com a construção da Grande Muralha. Para enfrentar os invasores, o Imperador ordena que cada família ceda um homem para se juntar ao exército, mas antes disso somos apresentados à Mulan que está às voltas com os preparativos para aquele que deveria ser o grande momento da sua vida, o dia em que seria avaliada por uma casamenteira que lhe arranjaria um bom marido e assim traria honra à sua família conhecida por venerar tradições. No entanto, a jovem não nasceu para ser uma dona-de-casa submissa.

De espírito naturalmente livre, Mulan é alegre, corajosa e inteligente e seu compreensivo pai a respeita e a ama do jeito que ela é. O amor entre eles é tão grande que ela não pensa duas vezes quando sabe da convocação imperial. Como seu pai é o único homem do clã, mas já está com idade e debilitado, a jovem decide assumir seu lugar na batalha e defender a honra de seus familiares para que esqueçam a vergonha de ter sido rejeitada para o casamento. Durante a noite, Mulan rouba a armadura e a espada do pai, corta seus cabelos na altura dos ombros, enfrenta uma tempestade e assume uma identidade masculina ao chegar no campo de treinamentos. Todavia, ela não estará sozinha. Os espíritos de seus ancestrais decidem protege-la e ordenam ao falante e atrapalhado dragão Mushu que acorde a estátua do guardião da família, porém, ele acaba quebrando-a. Desesperado, mas pensando na possibilidade de tornar-se um novo guardião, ele decide acompanhar a jovem nessa jornada na qual ela enfrentará grandes desafios durante os pesados treinos e também quando ficar frente a frente com os hunos, mas sua maior batalha sem dúvidas será esconder sua verdadeira identidade e sentimentos do Capitão Lee Shang, o líder do exército chinês, por quem se apaixona à primeira vista.

Embora venha de uma família simples e nem tenha se casado com um nobre, a simpatia, beleza, nobreza e de certa forma a delicadeza de Mulan lhe asseguraram lugar cativo entre as princesas Disney. Ainda que trabalhe o seu desejo de conquistar um grande amor, o roteiro procura deixar as fragilidades da personagem em segundo plano e investe na representação da mulher disposta a mudar paradigmas em uma época e em um país guiados por convenções e tradições que engessavam o sexo feminino. Para contar esta história com teor mais adulto e polêmico é óbvio que o conto original precisou sofrer alterações para ser adaptado de forma a agregar as características que fizeram a fama do estúdio. A mensagem de otimismo se faz presente com a decisão de Mulan não abaixar a cabeça por conta de não ser a moça prendada e recatada que a sociedade e sua própria família esperavam, assim ela busca a superação arriscando-se na guerra, mas honrando o nome e principalmente demonstrando seu amor incondicional pelo seu clã. Apesar do argumento mais dramático, somos transportados para o universo da chinesinha de forma prazerosa e envolvente graças ao equilíbrio que existe com o humor. Mushu é o alívio cômico com seus sarcasmos e piadas de duplo sentido, mas ao mesmo tempo que sua protegida parte numa viagem de autoconhecimento e provação, o dragãozinho também faz o mesmo para ganhar uma promoção com os espíritos protetores.

Ainda que com espaço reduzido que o normal, a trilha sonora também tem papel fundamental na condução da história, destacando-se algumas sequências. A primeira em que a protagonista está indo ao encontro da casamenteira traz uma canção que resume em letra e melodia todo tradicionalismo da China imperial. Quando decide ingressar no exército e assumir o perfil masculino, a transformação da jovem é marcada por uma retumbante trilha instrumental que oferece a mesma dramaticidade da música que acompanha o treinamento de Mulan e dos outros homens para a guerra. Aliás, tal canção é interrompida para ceder espaço a uma das cenas mais tristes da animação quando o exército de Lee encontra uma aldeia totalmente dizimada pelos hunos. A imagem de uma bonequinha abandonada em meio ao cenário desolador é de cortar o coração. O mesmo se pode dizer da sequência em que o exército chinês é atacado de surpresa por centenas de seus algozes. Aliando técnicas convencionais e computadorizadas, além de recursos sonoros de primeira, as imagens são memoráveis e intensas e lembram a famosa cena do estouro da manada de guinus que marcou O Rei Leão.

Os diretores Tony Bancroft e Barry Cook se debruçaram sobre o projeto por quatro anos a fim de encontrarem a melhor forma de adaptar uma história densa e cheia de mensagens históricas e comportamentais a fim de agradar adultos e crianças sem repetir o excesso de dramaticidade de Pocahontas e O Corcunda de Notre Dame, tampouco se perder na adrenalina e colorido que marcaram Hércules, as três produções que antecederam a aventura da chinesinha. Todavia, se superaram na criação de Shan-Yu, um dos vilões mais cruéis de todos os tempos do estúdio, sem um mínimo senso de humor, assim como também surpreenderam com os traços da animação, delicados e realistas, chegando ao ápice no encerramento com a representação da festa do ano novo chinês. Belo, emocionante, divertido e maduro na medida, Mulan é um ponto de virada na trajetória da Disney e certamente também deve mexer com os sentimentos de quem a assiste, seja pela primeira vez ou repeteco, afinal de contas estamos sempre em busca de novos objetivos e nos renovando assim como a chinesinha que ganhou uma segunda aventura em 2004 lançada diretamente em vídeo.

Animação - 88 min - 1998

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2026-06-30T00:30:00.000-03:00

A partir de especulações acerca de famoso quadro, obra homenageia pintor holandês

O cinema sempre encontrou na vida de artistas plásticos uma rica fonte de inspiração, afinal são vários os casos de pintores que viveram de forma excêntrica, embebidos em um clima boêmio, sofrendo decepções amorosas ou com doenças e até mesmo tendo uma morte um tanto dolorosa ou curiosa. Filmes sobre a trajetória de consagrados pintores geralmente são comuns, mas talvez recriar, mesmo que em partes, a vida deles através de uma de suas obras é um tanto curioso, ainda mais quando o nome em questão não é muito famoso mundialmente. Esse é o caso de Moça com Brinco de Pérola que recria a vida, ainda que enfocando determinado período, do pintor holandês Johannes Vermeer a partir de uma de suas obras que também dá título ao filme. O artista é pouco conhecido, ao menos no Brasil, mas essa ausência de informação só torna a experiência de assistir a esta produção ainda mais interessante, pois a acompanhamos sem fazer pré-julgamentos. Sem saber qual o movimento artístico ao qual ele pertence e tampouco sobre suas inspirações, o que uma de suas obras poderia transmitir sentimental ou intelectualmente? Certamente é essa indagação que levou o diretor Peter Webber a se interessar pelo romance de Tracy Chevalier que se baseia em uma história verídica, porém, faz questão de lembrar que traz a tona os fatos parcialmente.

Resumidamente o enredo é uma especulação acerca da dúvida de quem seria a garota com olhar e sorriso enigmáticos que aparece no tal quadro que intitula o filme. A pintura é considerada por alguns estudiosos da área como o equivalente para a cultura holandesa o que a Monalisa representa na História da arte italiana. A biografia de Vermeer também é envolta em segredos e poucos sabem algo de sua vida e até mesmo sobre seu trabalho. Aliás, quase a metade do número estimado de suas telas permanece desaparecida. Sendo assim, o longa, tal qual o livro, apoia-se em suposições baseadas em estudos sobre a época, mas as afirmações não podem ser consideradas totalmente verídicas, um fato que não trabalha contra o próprio filme, pelo contrário, instiga ainda mais o espectador a procurar conhecer mais sobre o criador e sua arte. A trama se passa no século 17 em Delft, na Holanda, quando a camponesa Griet (Scarlett Johansson) é obrigada a deixar sua casa para ir morar com a tumultuada família do artista plástico Johannes Vermeer (Colin Firth). A residência é habitada pela avarenta Maria (Judy Parfitt), que nunca deixa de vigiar a vida da filha Catharina (Essie Davis), a mãe dos vários filhos do artista. Em seu estúdio, o pintor trabalha arduamente com pintura em tela, mas leva meses para completar cada encomenda, fato que dificulta a situação financeira da família. O artista passa a sentir apreço pelo trabalho da nova criada e ela se revela apta para auxiliá-lo em seu ateliê. O pintor começa a lhe ensinar noções de pintura, mas as aulas na verdade são pretextos para os dois passarem mais tempo juntos, assim, conforme cresce o interesse do rapaz pela moça, também aumentam os ciúmes de sua esposa.

Griet também atrai a atenção do rico Van Ruijven (Tom Wilkerson), com quem Vermeer negocia seus trabalhos, e Pieter (Cillian Murphy), o filho de um açougueiro que a corteja de forma tímida. Ruijven faz ao pintor uma encomenda sedutora: pede que ele faça um retrato de Griet. Gananciosa, Maria autoriza o trabalho sem pensar que isso alimentaria o ciúme da própria filha. A jovem criada, por sua vez, aceita posar para o quadro, mas não resiste a tentação e acaba vivenciando suas vontades carnais com Pieter. A essa altura o artista e sua musa inspiradora estão entregues emocionalmente um ao outro, porém, tal intimidade crescente desperta inveja e brigas, podendo tornar-se um escândalo familiar que ultrapassasse os limites das paredes da casa. Esta produção tem como uma de suas marcas o tom intimista e as emoções contidas. Os protagonistas não precisam vivenciar uma cena de beijo ou um toque corporal mais íntimo para percebermos que há sentimento entre eles. Tudo é transmitido através de gestos, olhares e expressões faciais que alcançam êxito graças a química existente entre Scarlett e Firth que não precisam nem falar muito para tornar crível esta relação que não chega a ser platônica, porém, jamais vivenciada em sua plenitude. A atriz recebeu muitos elogios pela atuação e dividiu os holofotes consigo mesma pelo seu trabalho em Encontros e Desencontros em um ano em que despontava ao estrelato, mas o Oscar a ignorou.

Por outro lado, a interpretação contida do ator inglês, fartamente caracterizado para o papel, recebeu algumas críticas negativas, certamente vindas de pessoas que não conseguiram adentrar na atmosfera do longa. E olha que recursos para auxiliar nessa imersão é o que não faltam. Cenários, figurinos, fotografia e trilha sonora caprichados são de praxe em produções de época, mas quando o assunto principal envolve o mundo das artes plásticas o requinte e cuidados são ainda maiores e isso fica evidente aqui. A bela reconstituição cenográfica faz um retrato da Holanda de meados do século 17 e a direção de fotografia teve a delicadeza de procurar dar a cada cena um aspecto de pintura usando os mesmos tons de cores que causam os efeitos de luz e sombras nas obras de Vermeer. Moça com Brinco de Pérola não foi feito para ser apreciado por plateias numerosas, o que fica claro pela narrativa intimista, mas isso não significa que seja um produto destinado apenas para a elite. Qualquer pessoa pode se reeducar e afinar seu gosto cinematográfico, porém, para tanto é necessário vencer preconceitos e se entregar à história em questão. O enredo pode parecer simplório, inclusive com pitadas fortes de referências ao conto da Cinderela, obra do roteiro de Olivia Hetreed, mas esconde por trás de seu verniz questões relevantes, como toda a pressão que o pintor sentia dentro de sua própria casa, já que sua família só considerava seu trabalho quando ele rendia dinheiro, e até da própria sociedade, no caso de não poder viver sua vida da maneira que desejava para não afrontar convenções.

No fundo, esta é mais uma versão materializada do sentido do ditado os opostos se atraem. Vermeer é um homem das artes, mais velho, tem o intelecto mais desenvolvido, tem posses financeiras medianas e é respeitado na sociedade. Griet é pobre, muito jovem, sem estudo, não conta com apoio familiar e nas ruas praticamente passa despercebida, no entanto, sua inexplicável sensibilidade para alquimias de cores ou descobrir a melhor angulação para pintar a aproxima do artista, ao contrário da esposa do mesmo que cada vez parece mais distante e indiferente ao seu trabalho. Em outros tempos, Griet e Vermeer poderiam ter vivido o amor como amantes, mas naquela época as diferenças de classe, de cultura e até de religião impossibilitaram essa resolução, apesar de que só os mais corretos respeitavam fielmente essas convenções. Para finalizar, é impossível não destacar a cena final quando é feita uma fusão entre a imagem da serviçal posando para o quadro e a obra original. Sem dúvidas um deleite para os amantes de arte e cultura.

Drama - 99 min - 2003

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2026-06-29T00:30:00.001-03:00

Sátira a paranoia e a ganância dos americanos coloca astros vivendo papeis atípicos

Os irmãos Joel e Ethan Coen, que dividem diversas funções quando planejam um novo filme, parecem que nunca deixaram de estar em evidência desde a década de 1980. A imprensa mundial trata de transformar a estreia de cada novo trabalho dos cineastas em um verdadeiro evento, os apaixonados por cinema ficam de olho no nascimento de novos possíveis filmes cults e o público se divide entre aqueles que não compreendem as obras da dupla e aqueles que são fãs confessos de sua filmografia, se bem que nessa turma que fala que gosta pode haver um bom número de viajantes que só confirmam o positivismo para não serem rotulados de bobões, incultos e afins. Sim, a filmografia dos Coen ganhou uma imagem de algo tão interessante, crítico e inovador que até gera certo pavor em alguns de confessarem que não apreciam o tipo de trabalho deles. Depois que eles ganharam o Oscar por Onde os Fracos Não Têm Vez aí sim remar contra a maré seria quase como um suicídio para alguns. O fato é que depois de enveredarem por uma narrativa mais séria eles voltaram as suas raízes destilando veneno na comédia Queime Depois de Ler, uma sátira aos filmes de espionagem que tanto lucram e enchem os cofres de Hollywood.

Como os Coen não dão ponto sem nó, esta narrativa está cheia de boas alfinetadas para a sociedade americana, porém, recados que também servem para pessoas de outros países. Muitos adoram e consideram uma das comédias mais inteligentes já feitas. Para outros, o filme é esquisito demais e não dá para ser levado a sério, mas há uma razão para tal repulsa. O elenco, repleto de estrelas talentosas e premiadas, encarna tipos totalmente diferentes. O longa tira um sarro com alguns estereótipos que circundam o cinemão hollywoodiano e seus bastidores. Cada personagem é um ser patético e quem dá vida a eles são grandes astros que infelizmente possuem uma imagem engessada aos olhos do público. Talvez aí esteja o segredo do repúdio que este filme causa para alguns. Não é todo mundo que acha divertido ver os galãs George Clooney e Brad Pitt interpretando sujeitos vazios e apatetados, tampouco aprovam a pouco glamorosa Tilda Swinton para fazer papel de amante ou ver Frances McDormand querendo rejuvenescer e abocanhando um dos protagonistas. Esses são apenas alguns exemplos da ousadia dos cineastas neste trabalho aparentemente ingênuo, mas a ideia é muito boa convenhamos. Dar papeis fora dos padrões aos quais os atores estão acostumados é um exercício e tanto para eles e um respiro para os espectadores que podem ver outras facetas dos intérpretes, como o sério John Malkovich fazendo exercícios físicos guiando-se por um programa de televisão, uma cena um tanto bizarra.

Ironizando tudo que é possível, o longa acaba mostrando que todos temos um lado ridículo e fantasioso e existe identificação com quem assiste de forma sadia, sem nunca ofender. O roteiro, de autoria dos próprios Coen, é cheio de reviravoltas envolvendo um grupo de pessoas distintas, mas que tem a burrice como elemento de identificação. A história começa quando Osbourne Cox (Malkovich), um agente da CIA, é expulso da companhia e passa a dedicar seu tempo para escrever no computador suas memórias contendo detalhes reveladores. Katie (Tilda), sua esposa, fica espantada ao saber da demissão, mas logo deixa o assunto de lado por estar mais interessada em seu amante, Harry Pfarrer (Clooney), um policial fajuto que nunca usou sua arma. Enquanto isso, Linda Litzke (Frances), funcionária de uma rede de academias, faz planos para realizar algumas cirurgias plásticas e tem no bobalhão Chad Feldheimer (Pitt), um professor de ginástica, seu melhor amigo. Justamente essa dupla atrapalhada acaba descobrindo um CD no vestiário de onde trabalham e se interessam pelo conteúdo. Os números e informações que encontram julgam serem de arquivos confidenciais e então eles pretendem lucrar com isso. Mal sabem eles que um corre-corre por nada está prestes a começar.

Os caminhos deles vão se cruzando de formas tortas e cada um precisa aprender a lidar com a vida dupla que são obrigados a sustentar. Somente o professor paspalhão da academia e que se acha o maioral consegue manter-se fiel a sua personalidade e, por um golpe de sorte talvez, é graças a ele que ocorre uma virada na trama. Apesar dos tipos estranhos que criaram, os Coen sabem dar a todos eles uma dose de humanidade que evita que caiam no caricatural. Todavia, as cenas mais engraçadas ficam a cargo de dois elementos fora do núcleo principal. David Rasche e J. K. Simmons interpretam dois agentes que ficam analisando o desenrolar dos fatos que envolvem roubo, chantagem, sonhos, traições e até morte, tudo por causa de um arquivo digital que não vale nada. Outros trabalhos do Coen, como Fargo e O Grande Lebowski, também possuem enredos que são desenvolvidos em cima de fatos insólitos criados através de equívocos e mal entendidos dos personagens, porém, aqui eles apostaram bastante também no humor visual (que o diga a personagem Linda que se espanta com uma cadeira muito especial). Apesar de o roteiro ser uma perseguição em busca do nada, somente Cox sabe disso, fora das telas ele tem muito a dizer, como a respeito da paranoia e da ganância financeira, este último mais um tema bastante comum na filmografia dos Coen.

As situações fantasiosas que os personagens criam beirando ou até mesmo ultrapassando os limites da loucura são um dos pontos-chaves para a fácil identificação do espectador. Qualquer um pelo menos uma vez na vida já fez jus ao velho ditado "quem conta um conto aumenta um ponto" e aqui temos a materialização do conteúdo da frase. Também é destacada a importância da imagem, da estética nos dias atuais. Em contrapartida, a mulher que busca a perfeição em seu corpo e o seu colega de trabalho que esbanja boa saúda e beleza física não possuem nada no cérebro que os faça ser invejados. No conjunto, os Coen conseguiram reunir um elenco invejável graças ao poder que seus nomes exercem, mas não souberam aproveitar toda essa turma, a maioria já vencedores dos principais prêmios de cinema, inclusive o Oscar. Alguns se sobressaem e outros parecem não achar o tom do personagem. Todavia, os cineastas conseguiram aliar, ou melhor, criticar o cinema de massa inserindo algumas mensagens pertinentes nas entrelinhas do roteiro, assim mantendo a essência da filmografia de humor negro que conquistou a crítica mundial, ainda que neste caso a imprensa especializada não tenha se derretido totalmente ao talento dos irmãos. Com chances de se aproximar de um público maior, na realidade, Queime Depois de Ler só precisa de um voto de confiança por parte da plateia que deve ao menos tentar assistir para tirar suas próprias impressões. Só é uma pena que provavelmente muitos chegarão a conclusão de que o título mais adequado seria "Queime Depois de Assistir".

Comédia - 96 min - 2008

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2026-06-28T00:30:00.002-03:00

Comédia romântica narra bem bolada trama atrelada a um irresistível visual vintage

A década de 1960 deixou saudades para muitas pessoas. Reviravoltas políticas, conflitos a favor de atos libertários, a moda peculiar e rebelde, as canções que faziam críticas de forma escamoteada, artistas sendo banidos de seu país natal... Epa! Essa é uma visão muito nacional e dramática dos tempos do iê-iê-iê. Melhor guardarmos como lembrança dessa época o lado romântico visto pela ótica hollywoodiana deliciosamente exagerada de Abaixo o Amor. A palavra vintage costumava ser usada para se referir as melhores safras de vinho de determinado tipo ou região, mas passou a ser sinônimo de coisas que simbolizam períodos aleatórios do passado. Assim tal palavra é transcrita em forma visual literalmente a cada segundo desta comédia romântica que mostra um momento importante para o movimento feminista ao mesmo tempo em que tenta jogar por água abaixo a teoria de que as mulheres podem viver sem os homens. O diretor Peyton Reed foi habilidoso para construir uma trama inteligente e divertida que agrada a ambos os sexos. O filme já começa de forma irresistível com a abertura feita em animação com uma agradável e contagiante canção, tudo para o espectador já entrar no túnel do tempo.

Logo somos apresentados a sociedade predominante machista, mas a época já apontava mudanças e as mulheres começavam a ir à luta em busca de seus lugares no mercado de trabalho e a brigar por direitos iguais. A escritora Barbara Novak (Renée Zellweger) chega a Nova York cheia de esperanças de fazer sucesso com seu livro (homônimo ao filme), mas acaba se decepcionando com a recepção fria a seu trabalho cujo objetivo é provar que as mulheres podem ser felizes e independentes sem precisarem de um homem ao lado. Porém, ela ainda teria a chance de mudar as coisas. Graças a ajuda de sua amiga Vicki (Sarah Paulson) ela consegue divulgar seu livro pegando carona no sucesso de uma música de mesmo título, além de uma rápida passagem por um programa de TV, assim da noite para o dia a sua vida muda completamente e sua obra consegue vender que nem água no deserto e ficar em primeiro lugar na lista dos mais procurados. Os homens naturalmente não gostaram nada desse lançamento, mas um em especial se incomodou um pouco mais. O conteúdo do livro atinge negativamente o estilo de vida do jornalista metido a galã Catcher Block (Ewan McGregor), que decide se aproximar da autora e conquistá-la, assim desmentindo todas as teorias revolucionárias da jovem e conseguindo a grande matéria de sua vida.

Os roteiristas Eve Ahlert e Dennis Drake se inspiraram nos filmes Confissões à Meia-Noite e Médica, Bonita e Solteira para escrever esta história aparentemente simples, mas que acaba ganhando contornos mais complexos quando o tal jornalista resolve fingir ser uma pessoa completamente diferente para conquistar a escritora. Ele finge ser Zip Martin, um rapaz do interior que é astronauta e por isso nunca ouviu falar na tão famosa Bárbara. É claro que a certa altura o jornalista vai se dar conta que realmente se apaixonou por ela e que será difícil explicar a sua farsa e ainda mais complicado a garota entender seus argumentos, pois ela também já estará completamente entregue ao amor. Mesmo sendo previsível, o enredo ganha fôlego graças ao roteiro afinado, a ambientação, figurinos e trilha sonora escolhidos a dedo e ao trabalho dos coadjuvantes. A personagem Vicki também acaba participando sem querer de uma farsa amorosa. Ela se apaixona pelo melhor amigo e chefe de Block, Peter MacMannus (David Hyde Pierce), este que não busca apenas diversão, mas sim um casamento sólido. Porém, ele se complica com as mentiras do amigo e até sua sexualidade passa a ser questionada. Tanto o casal principal quanto o coadjuvante têm muita química e conseguem arrancar boas risadas dos espectadores. Além do elenco afiado, Reed também tomou cuidado para que tudo em seu filme fizesse referência ao clima dos agitados anos dourados, desde os movimentos acelerados dos personagens, passando pelo figurino colorido e a decoração cheia de detalhes e novidades tecnológicas da época.

Destaque para a edição de cenas usando o recurso de ações simultâneas dividindo a tela para provocar humor ou marcar passagens de tempo, um recurso muito comum em seriados antigos de TV. Dessa forma, é quase impossível não se impressionar com o excepcional casamento de áudio e imagem como, por exemplo, nas cenas de ligações telefônicas entre os protagonistas, inclusive uma bem insinuante. Apesar de ser empolgante, divertido e só mesmo sendo um chato de galochas para achar algum defeito gritante, a produção não foi bem nas bilheterias. Seu lançamento ocorreu em uma época concorrida em que Hollywood despejou ao mesmo tempo nos cinemas muitos filmes blockbusters, como adaptações de quadrinhos, projetos aguardados e sequências de sucessos, assim muitas obras excelentes acabaram passando despercebidas. Já que a regra é tempo é dinheiro, quem não rendeu o esperado logo nos primeiros dias teve de ceder lugar para outros títulos nos cinemas. Abaixo o Amor foi uma das vítimas desse pensamento que rege o mundo dos negócios e passou em brancas nuvens, não conseguindo nem mesmo virar campeão de repises na TV. Infelizmente o público ignorou a produção completamente.

Mesmo sem ter premiações em seu currículo, esta comédia vale muito a pena para aqueles que sentem saudades ou para quem deseja conhecer um pouco mais sobre a década dos anos 1960, um tempo que deixou saudades, marcou a vida de muita gente e quando a cultura americana passou definitivamente a ditar modas, atitudes, entre tantas outras coisas que passaram a ser perpetuadas pelo mundo todo através das mais variadas formas de arte e bens de consumo. Iniciado com uma canção e finalizado da mesma forma, o grand finale fica por conta de Zellweger e McGregor soltando a voz e dançando para nosso deleite (eles já haviam feito isso respectivamente em Chicago e Moulin Rouge). Podemos ter a sensação de que o filme poderia ser mais marcante caso o diretor, especialista nas antigas comédias-família da Disney, como Se Meu Fusca Falasse, optasse pelo gênero musical, afinal de contas a trilha sonora excepcional e contagiante deve permanecer por alguns momentos na mente dos espectadores mesmo após os créditos finais, além do fato de que essa seria mais uma referência ao passado quando as produções musicais estavam em alta. De qualquer forma, nostálgicos e simpatizantes do passado divirtam-se!

Comédia romântica - 101 min - 2003

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2026-06-27T00:30:00.009-03:00

Fantasia acerca de lenda dos bastidores de um clássico é uma bela homenagem ao cinema

Os vampiros são alguns dos personagens mais recorrentes da história cinematográfica. Desde os tempos do cinema mudo as temidas criaturas da noite conquistaram seu espaço sendo Nosferatu a obra do tipo mais marcante deste período. Datado do ano de 1922, este clássico do terror expressionista alemão foi o primeiro filme a ser originado do famoso livro "Drácula", assinado por Bram Stoker e que sete décadas mais tarde ganharia sua versão-coqueluche pelas mãos de Francis Ford Coppola. Neste espaço de tempo, centenas de filmes de vampiros surgiram e em cada um eles se apresentavam com alguma novidade. Sedutores, perversos, divertidos, depressivos, românticos e até versões femininas e infantis tivemos. É óbvio que tudo que é demais enjoa e a maioria das produções de vampirismo automaticamente são tachadas como trashs. Em meio a estagnação da imagem desse mito no final do século 20, o diretor E. Elias Merhige trouxe um sopro de originalidade curiosamente revisitando o citado clássico mudo de F. W. Murnau. O ator Max Schreck fez uma personificação tão assustadora de um vampiro naquela época, tanto no visual quanto no comportamento, que diversas de suas cenas permanecem até hoje vivas no imaginário coletivo. Sua imagem excêntrica e curiosa que impressionava a todos no set deu origem a lenda de que ele realmente era um mordedor de pescoços e é justamente esse o gancho trabalhado em A Sombra do Vampiro, um presente aos cinéfilos que encontram aqui subsídios para uma nostálgica, intrigante e ao mesmo tempo agradável viagem no tempo.

Terror, suspense, drama, filme de arte ou de humor negro? É até difícil classificar este trabalho único e criativo. Experimental seria a palavra mais adequada. Impedido de filmar a história do Conde Drácula tal qual no romance de Stoker, já que a viúva do escritor não cedeu os direitos da adaptação, Murnau (John Malkovich) fez algumas adaptações na história original, como batizar o personagem principal de Conde Orlok, e estava disposto a fazer de seu filme a obra mais autêntica do cinema. Para tanto ele toma uma decisão ousada e excêntrica: contrata um vampiro de verdade para ser o protagonista. A escolha também ajuda o diretor a arrancar atuações mais realistas do restante do elenco que imediatamente fica curioso e intrigado, pois ninguém conhece Schreck (Willem Dafoe) e estranham seu comportamento nos bastidores e em cena. Sempre caracterizado como o personagem, só querendo filmar a noite e apresentando certa agitação nas cenas em que há sangue mesmo de mentirinha, a explicação dada é que este intérprete tem um método rigoroso e metódico de trabalho e nem mesmo nas horas de folga deixa de viver sua criação. Para conseguir que esta sinistra figura convivesse entre os simples mortais sem causar problemas, foi fechado um acordo. Murnau lhe ofereceu o pescoço da mocinha da obra, Greta Schröder (Catherine McCormack), mas a recompensa viria apenas quando as filmagens fossem concluídas. Porém, conforme o tempo passa, fica insustentável segurar os instintos de Schreck e as coisas complicam quando o diretor de fotografia Wolfgang Müller (Ronan Vilbert) adoece e existe a desconfiança de que o ator estaria envolvido no caso.

Conhecendo os fatos reais que originaram esta história, não fica difícil para o espectador se entregar ao espírito do filme. O desenvolvimento da ideia fascinante de imaginar o que poderia ter acontecido durante a sinistra produção ficou a cargo do roteirista Steve Katz. Trabalhar com a metalinguagem não é uma tarefa fácil, assim como também é difícil se equilibrar entre o suspense e o humor, tomando o cuidado de não transformar a obra em um terror ou num pastelão. As piadas contidas aqui são involuntárias, é como se o espectador esboçasse um sorriso para disfarçar o próprio medo, principalmente porque o roteiro enfatiza bastante a estranheza do protagonista. Coube ao excelente Dafoe viver tal figura sob uma caprichada maquiagem que acentuava o aspecto estranho e bizarro do Schreck original. Deveríamos ter medo ou ódio desta criatura, mas podemos sentir até mesmo pena como na cena em que tece comentários tristes a respeito de sua condição de viver eternamente e dependente do sacrifício dos outros. Certos momentos revelam também seu lado inocente como uma criança deslumbrada com os equipamentos utilizados para as filmagens. Sua ingenuidade fica ainda mais latente ao vermos que ele não percebe que está sendo enrolado pelo diretor obcecado em fazer o projeto mais realista possível. Dessa forma, o Murnau de Malkovich mostra-se ainda mais monstruoso que sua própria descoberta, pois coloca toda a sua equipe em risco em nome de seu reconhecimento como profissional.

Entre cenas de bastidores e das filmagens do longa, inclusive algumas recriações de sequências do longa original homenageado, o clima de suspense fica no ar graças ao trabalho apurado das equipes técnicas que capricharam nos cenários, edição e, principalmente, na iluminação e fotografia, áreas que proporcionaram uma coloração em tons sépia para as cenas, o que confere uma aura nostálgica irresistível e imprimem um visual gótico. De quebra, o longa demonstra às novas gerações que não é preciso ter em cena litros de sangue jorrando ou corpos esquartejados para causar a sensação de medo. Do início ao fim é possível sentir algum tipo de calafrio, mas não chega ao ponto de causar pesadelos. Talvez esse seja o motivo do longa ter se tornado sucesso em um nicho de público específico. Os cinéfilos se divertem desbravando os mistérios acerca da famosa produção dos primórdios do cinema caçando referências sutis ao clássico e a própria época contemplada. Para quem desconhece a lenda cinematográfica e se irrita facilmente com produções de ritmo lento, esta não é uma opção das mais recomendadas. Mesmo assim, A Sombra do Vampiro é uma interessante produção que faz uma homenagem ao cinema e ressuscita com dignidade a imagem do vampiro em sua versão mais clássica.

Em uma época em que os vampiros caminham livremente pela luz do dia, lutam contra lobos e se entregam a paixões avassaladoras por humanos, é bom relembrar as raízes desses enigmáticos personagens em um trabalho que, guardada as devidas proporções, homenageia uma época em que o cinema era feito por curiosos e apaixonados por essa arte e não apenas visando lucros. Lembranças que ficaram num passado remoto, mas que de tempos em tempos são recriadas por alguns poucos entusiastas. Curiosidade: se você achou esta obra talhada para fanáticos por cinema alternativo, saiba que o produtor é ninguém menos que Nicolas Cage, o rei dos filmes-pipoca, atualmente mais conhecido como rei dos filmes-fracassos. Todavia, é louvável seu desprendimento e consciência. Muito provavelmente não se sentindo preparado para dar vida ao lendário Murnau e tampouco trabalhar a complexidade da composição do personagem vampiro, Cage foi generoso oferecendo os papeis a outros atores renomados e que já haviam provado não se esquivarem de desafios, um contraponto interessante ao próprio enredo que coloca Malkovich para defender um homem disposto a arriscar vidas em nome de seu narcisismo e obsessão.

Suspense - 92 min - 2000

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2026-06-26T00:30:00.000-03:00

Apesar de trocar o catolicismo pelo judaísmo, longa sobre possessão não foge de clichês

Filmes a respeito de invocações demoníacas existem aos montes e suas produções não cessam, afinal há um público-cativo cujo apreço parece ser identificar num produto inédito referências a outras obras de temática semelhante. Não é a toa que muitos títulos da seara trabalham pelo viés do catolicismo, não raramente colocando religiosos que perderam a fé como alvos em potencial para almas atormentadas dominarem seus corpos e como solução, em geral, recorrem a rituais de exorcismos. Só por trabalhar a temática dentro do universo judaico, Oferenda ao Demônio já traz certo frescor a este subgênero do terror, contudo, não lhe recobra prestígio e reforça deficiências. Acompanhamos o regresso de Art (Nick Blood) à casa de seu pai Saul (Allan Corduner), de quem se distanciou há anos. O motivo para a reaproximação está no ventre de Claire (Emily Wiseman), a esposa do rapaz que está prestes a dar a luz. Crianças são sempre bem-vindas para ajudar a reatar laços familiares, mas neste caso também significa colocar o rapaz novamente em contato com as tradições judaicas, embora sua esposa não seja da mesma religião, e voltar a lidar com a morte. O luto é o tema central da narrativa, o que desencadeia os problemas que a tal família enfrentará.

Saul é médico legista e mantém no subsolo de sua casa um necrotério exclusivamente para judeus e seu filho costumava ajudá-lo a preparar os corpos para o sepultamento. Simultâneo ao retorno de Art, a comunidade judaica local lida com o desaparecimento da menina Sarah (Sofia Weldon) e também chega para a necropsia o cadáver de Yosille Fishbein (Anton Trendafilov), vítima de um suicídio e portando uma espécie de amuleto, um artefato onde está aprisionado um poder maligno. Logo no início do filme, tal personagem aparece fazendo algum tipo de ritual para trazer sua esposa de volta, que pode estar morta ou sob o poder de algum ser sobrenatural. A sequência não é demorada, mas é muito bem aproveitada pelo diretor Oliver Park que dedica atenção aos detalhes, como a leitura dos passos do ritual e a tensão de Fishbein ao manipular a faca que colocaria fim a seu sofrimento. Apesar do prólogo ser intrigante e com uma atmosfera soturna e tensional, infelizmente o restante do filme não segue a mesma linha. O roteiro é mais preocupado em estabelecer que as relações familiares conturbadas se sobressaiam à questão sobrenatural, talvez para fugir do lugar comum, mas a tentativa é em vão.

Art não deseja de fato reestabelecer a harmonia familiar, mas sim sanar problemas financeiros aproveitando-se da inocência do pai, contudo, o plano é descoberto por Heimish (Paul Kaye), grande amigo de Saul, e um momento que poderia ser de catarse acaba sendo desperdiçado quando a narrativa mal chega a sua metade. Só as tensas relações estabelecidas entre o trio, se bem trabalhadas, já seriam suficientes para segurar um filme, mas a ideia não era fazer um drama e sim um filme de terror. Como o próprio título deixa explícito, as atenções se voltam ao bebê de Claire que é ameaçado por uma entidade maligna aprisionada no tal amuleto de Fishbein e que acaba sendo libertada por um descuido de Art. Mesmo assim, ao espectador são entregues eventuais cenas de causar arrepios, mas no geral o longa é morno e o tal demônio demora a aparecer, além de sua criação visual decepcionar por destoar do conjunto. Seria mais adequado apenas sugestionar a presença do Mal, afinal o próprio cenário é propício a delírios e sustos. Além de abrigar um necrotério em seu subsolo, o casarão onde praticamente toda a ação se desenrola é por si só agoniante e clausrofóbico, com uma decoração carregada de tapeçarias, o que ajuda a criar a sensação de que mesmo razoavelmente iluminada a residência parece imersa em um clima fúnebre constante.

Quem já assistiu a outros filmes com temática semelhante certamente consegue prever com antecedência os clichês que permeiam o longa, mas por ter certo ineditismo na abordagem religiosa ficamos com a expectativa de que algo poderá vir a surpreender, negativa ou positivamente. Diversidade e inclusão, Oferenda ao Demônio também é sobre isso, ou ao menos teve a chance de se sobressair e desperdiçou. O roteiro de de Hank Hoffman e Jonathan Younger não se aprofunda nos aspectos culturais que envolvem o judaísmo, tradições que impactam o comportamento dos personagens, e tampouco trabalha alguma tensão entre Claire e o sogro pelo fato de não ser judia. Com desenvolvimento confuso, lento, previsível e cansativo para o espectador, um bom argumento é desperdiçado e o elenco fica refém de personagens suscetíveis ao vacilo, principalmente o casal protagonista, afinal quais pais em sã consciência se sentiriam bem em aguardar os últimos instantes de uma gestação em um ambiente literalmente tão fúnebre?

Descartando os conhecidos rituais de exorcismos, com discursos escandalosos e pessoas se estrebuchando, o último ato é recheado de acontecimentos e simbologias colocando Art em um looping temporal que pode indicar que o seu sofrimento e o da esposa não terá fim até que a entidade das trevas leve consigo o bebê. Com uma edição frenética e uma injeção de adrenalina, tais sequências são caóticas, mas no bom sentido visto que desperta a atenção do espectador entediado pelo que acompanhou até então. Pena que seja tarde demais. A cena derradeira impacta, porém, deixa certas indagações no ar ficando clara a intenção de Park querer fazer de sua obra algo muito maior que suas reais possibilidades. Ainda assim, há de se elogiar o diretor pelo bom aproveitamento do cenário e por usar o mínimo possível de efeitos sonoros ou cortes bruscos de cenas para provocar sustos. Com um texto melhor lapidado, principalmente quanto ao núcleo familiar apresentado e suas questões do passado e presente a serem esclarecidas, esta poderia ser uma obra acima da média e provocativa ao espectador, mas o rótulo de filme de terror dificilmente abre espaço para discussões do tipo.

Terror - 93 min - 2022

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Devendo em romance e humor, longa também peca pela falta de química dos protagonistas

Entre uma comédia romântica e um romance propriamente dito, embora ambos geralmente envolvam casais que vão passar os filmes às turras para no final se entenderem, o primeiro gênero costuma agradar mais ou agregar mais público por servir de desculpa para os homens se entreterem com uma história de amor. O que acontece é que algumas produções do tipo as vezes são vendidas de forma errada como é o caso de Novidades no Amor, que apesar da leveza é um romance enfadonho com pouquíssimas cenas de humor, além do título vender mal a ideia. De novidades o longa escrito e dirigido por Bart Freundlich não tem absolutamente nada. Sandy (Catherine Zeta-Jones) é uma quarentona recém-divorciada que junto com os dois filhos pequenos se muda para Nova York para recomeçar a vida. Sempre que precisa ela conta com a ajuda de Aram Finklestein (Justin Bartha), um jovem quinze anos mais novo que trabalha na cafeteria que fica no primeiro andar de seu prédio, e que aceita ganhar alguns trocados extras cuidando de suas crianças.

Pouco a pouco, o jovem e a balzaquiana vão descobrindo afinidades e criando afeição até que se descobrem apaixonados. Agora eles terão que enfrentar as dificuldades comuns a um romance entre pessoas com relativa diferença de idade. Ela terá que saber lidar com piadinhas e perguntas de curiosos, convencer os filhos que o babá será mais que um simples amigo da família e, principalmente, ela própria aceitar dar uma nova chance ao amor e superar seus receios. O companheiro, por sua vez, terá que amadurecer e superar o preconceito da própria mãe quanto ao relacionamento. Claro que para sustentar o longa, os protagonistas não tem apenas o dilema amoroso a resolver. Sandy é formada em jornalismo, mas não tem experiência profissional alguma. Abriu mão da carreira para cuidar da família e da casa e agora se vê tardiamente à mercê do restrito mercado de trabalho. Aram também é diplomado, mas é outro que não encontra seu lugar na vida profissional e contentou-se com o emprego como atendente, muito porque sua vida perdeu o sentido depois que descobriu que a ex-namorada estava com ele apenas pelo interesse de que com o casamento pudesse garantir seu visto de permanência nos EUA.

Claro que como toda obra água-com-açúcar que se preze os problemas do casal serão resolvidos rapidamente, assim Sandy consegue um trabalho que lhe garante um padrão de vida razoável e Arom redescobre o prazer de viver quando a conhece, embora a ambição de encontrar uma ocupação melhor permaneça adormecida por puro comodismo, afinal depois de servir cafés basta subir alguns andares para assumir o papel de babá no andar de cima. Além de paquerar a patroa, como uma criança grande ele ainda pode se divertir com os filhos dela jogando videogame e fazendo bagunça. A temática do relacionamento entre uma mulher mais velha e um homem mais jovem é bastante corriqueira no cinema, citando só como alguns exemplos Terapia do Amor e Nunca é Tarde Para Amar lançados alguns anos antes. Mudam-se os atores e cenários, mas geralmente tais enredos giram em torno de rapazes imaturos que forçosamente aprendem a lidar com responsabilidades para garantirem independência e assim assumirem uma relação que exige serenidade e compreensão para lidarem com críticas e piadinhas.

Pode parecer estranho que produções dos primeiros anos do século 21 ainda abordem o preconceito com este tipo de relação, mas elas só refletem a imagem da sociedade antiquada que ainda sobrevive e predomina na maior parte das culturas. Aparentemente temos mais liberdades nesses novos tempos, mas não é a mesma coisa ser um entusiasta da luta a favor de uma causa ou ter que lidar com a mesma em seu círculo de amizades ou familiar. Curioso que a própria Zeta-Jones é casada com um homem 25 anos mais velho, o ator Michael Douglas, mas desde o início da relação não sofreram constrangimentos, ao menos não escancarados, talvez por serem ricos e famosos. Já sua personagem e seu affair são pessoas comuns que não estão blindadas pelos holofotes. Novidades no Amor carece de mais conflitos externos para desenvolver a relação do casal protagonista, porém, seguindo essa linha, possivelmente não haveria espaço para a comédia, ainda que Freundlich ofereça o humor em doses mínimas e quase imperceptíveis.

No conjunto, o grande problema do longa é o fato do casal não cativar, não há química entre seus intérpretes e a aproximação entre os personagens soa abrupta. Assim, não há muito o que se esperar deste trabalho de Freundlich que assim como em Totalmente Apaixonados, seu filme anterior, é calcado em estereótipos, piadas sem graças e forçadas e atuações artificiais. Nem mesmo as crianças, Sadie (Kelly Gould) e Frank Jr. (Andrew Cherry), conseguem ser espontâneas. Bastante irregular, tentando construir uma narrativa séria e ao mesmo tempo divertida, o longa se sai melhor quando flerta com temas envolvendo a convivência em família, o que o aproximaria mais de um drama. Pena que a obsessão em entregar um romance force a barra para acreditarmos em uma relação cujo problema não é exatamente a diferença de idade e sim a falta de empatia e sentimentos verdadeiros.

Comédia romântica - 94 min - 2009

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Com duas tramas paralelas, longa perde fio da meada e é desenvolvido de forma enfadonha

Tentando construir um suspense intrigante e que segurasse a atenção do espectador até o fim, David Ontaatje acabou se enrolando até o pescoço. Produtor, roteirista e diretor de O Inquilino, ele ousou ao ter a ideia de refilmar o primeiro thriller assinado pelo mestre do suspense Alfred Hitchcock, um de seus primeiros trabalhos ainda nos tempos do cinema mudo. Com várias linhas narrativas a serem trabalhadas usando apenas imagens para construir um enredo conciso, esse trabalho não é um dos mais lembrados na filmografia do famoso cineasta, todavia, tem o seu valor, principalmente pela época que representa dentro da História da sétima arte. Ondaatje procurou reinventar o mesmo enredo adicionando diálogos e reunindo todos os clichês possíveis dos filmes da seara dos suspenses policiais. A premissa é até interessante, mas na intenção de jogar pistas falsas para o espectador brincar de detetive, o diretor acabou se atrapalhando e deixou diversas pontas a serem aparadas.

A trama gira em torno de um assassino serial que está assombrando as ruas de West Hollywood vitimando as prostitutas da região. Coincidentemente, seus atos buscam recriar com o máximo de detalhes os crimes cometidos em meados do século 19 pelo lendário Jack, o Estripador. O agente Chandler Manning (Alfred Molina) está em seu encalço, mas precisa lidar com o fato de que provavelmente capturou e condenou à morte um inocente sete anos antes, um homem que estava sendo investigado por duas mortes que guardavam características semelhantes com a onda atual de assassinatos, assim tudo indica que o verdadeiro criminoso está de volta. Quanto mais o detetive se envolve com as novas investigações, mais as coisas ficam enroladas para o seu lado, inclusive passando a ser apontado também como um provável suspeito. Paralelamente a esses eventos, Helen Bunting (Hope Davis) aluga o quarto dos fundos de sua casa para Malcolm (Simon Baker), um misterioso escritor que chega à cidade na mesma época em que a onda de assassinatos é retomada. De imediato, o rapaz consegue seduzir a mulher que aceita o negócio sem nem mesmo checar referências.

A ideia de ligar os assassinatos em série contemporâneos aos crimes cometidos no passado pelo famoso estripador é uma boa sacada, mas por que só agora essa ficha caiu na cabeça do agente policial? Sete anos antes tais evidências já poderiam ter sido utilizadas nas investigações e assim quem sabe salvar um inocente. Sabendo que cometeu um erro, Manning já vinha pesquisando o lendário Jack poucos meses antes da nova onda de crimes o atormentar, porém, sua fixação acaba o colocando como um suspeito potencial. Conforme avança nas investigações, ele próprio produz provas contra si mesmo sem se dar conta. Paralelamente a essa entediante investigação, acompanhamos a história do tal inquilino do título, um braço do roteiro um pouquinho só mais interessante. O casal Bunting, (Davis e Donal Logue), ganha uma renda extra alugando um quarto em uma edícula aos fundos da casa onde vivem. Desta vez a mulher fecha o acordo com um rapaz misterioso sem pedir a opinião do marido, este que aos poucos desconfia que o novo residente não existe, é apenas uma invenção da mente perturbada da esposa que ainda sofre com a perda do único filho, fato ocorrido justamente sete anos antes.

Revelar mais sobre o enredo é estragar a experiência de acompanhar este suspense, embora seja uma produção que desperdiça um excelente argumento. Talvez em uma primeira exibição não fique muito clara as resoluções, valendo uma revisão para prestar mais atenção a certos detalhes. Todavia, assista quantas vezes julgar necessário, provável que jamais a satisfação seja plena. Ao subirem os créditos finais ficamos com a estranha sensação de que achamos O Inquilino um passatempo razoável, mas ainda temos a consciência de que muitas peças não se encaixam no final da história. Até mesmo o misterioso Malcolm parece uma peça estranha no conjunto, mas alguém dúvida que a última cena é toda dele? Seria um truque para deixar o espectador com uma interrogação após um falso final ou realmente a inserção de tal sequencia é só para justificar o título? Com um personagem sedutor e que pouco ou nada sabemos, Baker tinha a chance de finalmente viver um papel de peso e marcante, mas a direção fraca de Ontaatje não lhe permite um bom desenvolvimento.

Quem se destaca mesmo é Davis com uma personagem que esconde a carta na manga do roteiro até o final. Ao mesmo tempo que ela interage com seu inquilino, inclusive o enxergando como uma possibilidade de um relacionamento extraconjugal para suprir as amarguras de seu casamento falido, o roteiro vai enxertando a ideia de que ela não está em seu juízo perfeito. Malcolm seria de fato uma invenção de sua cabeça ou existe realmente e mexe tanto com os hormônios e sentimentos dessa mulher a ponto dela fazer de tudo para esconder sua presença quando julga necessário? Talvez o roteiro fosse mais interessante focando nesse possível amor platônico, mas quer ir além de suas possibilidades e fazer a qualquer custo o gancho dos assassinatos ter relevância e, para tanto, o cineasta prefere se cercar de clichês como tentar reeditar o estereótipo da dupla improvável colocando em cena Street Wilkenson (Shane West), um jovem investigador com quem Manning sempre bate de frente querendo provar sua experiência e competência.

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2026-06-23T00:30:00.000-03:00

Apesar do ótimo elenco e qualidades técnicas, obra é tão fria quanto a paisagem que retrata

O nome do diretor Lasse Hallström, de Regras da Vida e Chocolate, é o que basta para se ter uma assinatura de sinônimo de qualidade. Realmente este sueco realiza produções geralmente acima da média que aliam narrativas tocantes a detalhes técnicos perfeitos, assim suas obras costumam ser entregues ao público em embalagem de luxo, mas nem sempre a fórmula funciona como prova Chegadas e Partidas que nem mesmo caiu no gosto da crítica especializada. Baseado no romance "The Shipping News", escrito por E. Annie Proulx e vencedor do prêmio Pulitzer em 1993, a narrativa gira em torno de Quoyle (Kevin Spacey), um nova-iorquino infeliz e melancólico que se acostumou com seu cotidiano sem graça. Ele vive com o dinheiro que consegue em empregos esporádicos e seu tempo livre é ocupado por lembranças desagradáveis de sua infância. Abandonado pela mãe e sofrendo maus tratos do pai, ele desenvolveu uma espécie de demência ou fobia que o impedem de almejar a própria felicidade.

Sem objetivos a alcançar, Quoyle simplesmente deixa que a força dos acontecimentos guie seus passos. Sua vida melhora levemente quando conhece por acaso Petal (Cate Blanchett), uma vigarista sedutora que percebendo a personalidade maleável deste homem logo tratou de tirar algum proveito. Como ele ainda não havia experimentado o amor, facilmente caiu na ilusão de que poderia ser feliz ao lado de alguém que lhe dedicou alguns poucos minutos de atenção e lhe proporcionou uma noite inesquecível. Eles se casam, logo ela engravida, mas a convivência nunca foi das melhores sendo que a esposa procurava diversão com outros homens sem fazer muita questão de esconder sua infidelidade. Quoyle, sempre submisso, talvez se sentisse na obrigação de aturar as afrontas, seja pelo medo de demonstrar alguma atitude ou até mesmo por consideração, afinal de contas foi graças a Petal que ele tem o maior tesouro de sua vida, a filha Bunny (papel revezado pelas trigêmeas Alyssa, Kaitlyn e Lauren Gainer). Se tornar pai o ajudou a compreender melhor a si mesmo. embora ainda acreditasse que era invisível para a maioria, mas ter alguém que dependia de seu sustento e que lhe amava com todos os seus defeitos o forçou, por exemplo, a se fixar em um emprego assumindo a tipografia como sua profissão. Porém, como diz o ditado, alegria de pobre dura pouco.

Quando Bunny tinha em torno de uns seis anos, Quoyle sofre três baques seguidos que o fazem repensar o sentido de sua vida. Seus pais se suicidam, Petal sofre um acidente de carro no qual falece e ainda recebe a noticia de que a esposa adúltera estava prestes a vender a própria filha. Ao saber desses tristes acontecimentos, Agnis Hamm (Judi Dench) vai visitar o sobrinho e o convence a se mudar com a filha para Newfoundland, também conhecida como Terra Nova, uma pacata cidade pesqueira na costa do Canadá, lugar onde viveram seus ancestrais, diga-se de passagem, pessoas que tiveram um passado negro. Forçado a encarar seus medos, fracassos e a se adaptar a um novo cotidiano, essa era a chance de Quoyle reescrever sua trajetória. Completamente desconhecido no local, caberia somente a ele mesmo escolher os passos a serem dados e deixar para trás a imagem que é um zero à esquerda. Até a mudança de cidade o longa usa cerca de uns vinte minutos para resumir o apático universo em que está inserido o protagonista, algo que poderia ser positivo caso o restante da narrativa acompanhasse o ritmo acelerado, mas infelizmente as expectativas caem minuto a minuto diante da vagarosidade dos acontecimentos. Apesar dos cortes rápidos que podem confundir, é quase possível afirmar que a introdução soa mais interessante que todo o resto.

Blanchett com pouco tempo de cena conquista a atenção com sua desprezível personagem e poderia travar cenas memoráveis com um Spacey acuado, mas aí como ocorreria a virada do protagonista? De qualquer maneira, o argumento desenvolvido após o prólogo é dos mais interessantes. Em meio a uma paisagem gélida e habitada por seres solitários, seria reconfortante acompanhar alguém reencontrando ou no caso finalmente conhecendo o prazer que é viver. São as mudanças no comportamento de Quoyle que determinam o fluxo da narrativa, aí a explicação para a lentidão do desenrolar do enredo. Seu amadurecimento surge com a necessidade que encontra em se impor em diversos papéis que até então apenas ensaiava. Bunny não compreende o repentino sumiço da mãe e o pai precisa trabalhar na cabeça dela a verdade sem cultivar a mágoa. Mal amado pela ex-esposa, ele tem que se impor como um homem seguro para cativar a reservada viúva Wavey Prowse (Julianne Moore) por quem se apaixona. Por fim, profissionalmente, de tipógrafo repentinamente ele é promovido a repórter, ocupação que lhe exige um olhar mais apurado sobre as coisas.

Com olhar mais otimista, Quoyle encara o desafio de dirigir tardiamente sua própria vida e testar o seu dom com a escrita, o problema é que praticamente nada acontece em Newfoundland para virar manchete, sendo que qualquer acidente ganha destaque exagerado (são essenciais fotos de detalhes que possam causar impacto). O jeito é escrever sobre coisas que fazem parte da cultura e rotina local, ou seja, as notícias marítimas, embarque e desembarque de cargas, mas em sua jornada de autoconhecimento o repórter começa a perceber que podem ser muito interessantes as histórias dos moradores. Fica nítido que Hallström buscou desesperadamente realizar uma produção com verniz europeu, captando belas imagens e, como de costume, se cercando-se de um elenco renomado para dar credibilidade à fita. O problema é que até as interpretações são prejudicadas quando o texto não flui de forma eficiente. O roteirista Robert Nelson Jacobs procurou deixar o texto original mais acessível ao público, mas talvez as partes descartadas tenham feito falta. O livro tem uma trama bastante complexa misturando drama, humor negro, lirismo, polêmicas e eventos sobrenaturais. É triste constatar que apesar do início promissor Chegadas e Partidas não consegue envolver e se torna enfadonho a cada novo gancho de trama que puxa, arrematando a colcha de retalhos com linha muito frágil.

Drama - 111 min - 2001

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