ACERVO DO CINEMA

LOPE (2010)

2026-11-09T00:30:00.000-03:00

Cinebiografia de poeta espanhol é convencional, mas eficiente e com belo visual barroco

O cinema brasileiro está cada vez mais ganhando espaço em outros países e o talento de nossos atores, diretores e equipes técnicas conquistando o respeito e a admiração do público, crítica e, principalmente, de quem faz cinema em todos os cantos do mundo. A prova disso é que frequentemente encontrarmos nos créditos de muitas produções internacionais os nomes de alguns brasileiros. Este é o caso de Lope, uma requintada produção de época europeia dirigida por Andrucha Waddington, o homem por trás das câmeras de Eu, Tu, Eles e Casa de Areia, por exemplo. Mesmo não possuindo uma extensa filmografia, alguns de seus trabalhos chegaram a ser exibidos em importantes festivais internacionais e chamaram a atenção. Nesta coprodução entre Brasil e Espanha o cineasta mantém o mesmo bom nível de seus trabalhos anteriores e sem inovações, mas isso não faz desta obra um projeto menor em seu currículo, pelo contrário, ele se mostra maduro e confiante para contar a história de uma personalidade do mundo das artes pouco conhecida fora do território espanhol. Em seu primeiro filme fora do Brasil, utilizando o idioma espanhol nos diálogos, Waddington aproveitou todo o espírito teatral de uma história verídica, mas bem ao estilo dos grandes romances escritos séculos atrás.

Felix Lope de Verga (Alberto Ammann) é um jovem e galanteador poeta que deseja ter seus trabalhos reconhecidos e não mede esforços para conseguir o que quer. Em meados do século 16, o dramaturgo volta da Guerra dos Açores para Madri decidido a não lutar mais pelo seu país natal e querendo seguir seu sonho de com seus textos modificar a cara das produções teatrais unindo humor e drama em uma mesma história. Para realizar seu sonho, Lope busca a ajuda do antipático empresário teatral Jeronimo Velázquez (Juan Diego), mas convencê-lo de seu talento não é uma tarefa fácil, porém Elena (Pilar López de Ayala) pode ser a salvação do rapaz. Filha do empresário, ela logo se sente atraída pelo dramaturgo e começa um romance às escondidas, já que ela é usada pelo pai para conseguir favores de homens ricos e o próprio escritor passa a ter seu trabalho explorado. Enquanto isso, Lope também se envolve com outra mulher, Isabel (Leonor Watling), uma amiga de infância de família recatada. O Marquês de Navas (Selton Mello) se apaixona por ela e contrata o poeta para escrever versos para conquistá-la, mas não demora muito e a moça descobre o verdadeiro autor das palavras amorosas. Desafiando regras e barreiras sociais e sem pensar nas consequências, o escritor então acaba despertando a ira de muita gente.

A escolha de um estrangeiro para levar às telas uma homenagem a um ídolo da cultura espanhola gerou críticas da imprensa local, mas a mídia brasileira também não exaltou a obra. As poucas críticas que surgiram seguiram o viés de malhar a opção do diretor em realizar um filme convencional e com um apuro técnico invejável para se aproximar ao máximo dos requisitos necessários para que seu longa ganhasse uma estética europeia, afinal o cinema do continente é muito conhecido pelos visuais arrebatadores de seus épicos. Realmente, talvez até o momento o cineasta não tinha se envolvido em um projeto tão rico em detalhes de cenografia, figurinos e maquiagem, tudo no melhor estilo barroco, o que sem dúvida rende belas imagens para a equipe de fotografia e edição trabalhar, o que valoriza muito o trabalho. Não há problema algum em se preocupar com a estética, desde que o enredo não decepcione como acontece neste caso. A narrativa acompanha o início da vida adulta de Lope, que nasceu em 1562 e faleceu em 1635, e sua busca incessante para conseguir viver da sua arte. O roteiro é feliz em sua apresentação sucinta do personagem da sua juventude até alguns anos de sua maturidade mostrando suas conquistas e desventuras, mas sem se estender até a sua velhice, lugar comum em que as cinebiografias caem. O espectador consegue absorver o suficiente para conhecer o essencial sobre o artista e de quebra ter uma visão da Espanha da época, como funcionavam as companhias teatrais e as ligações e conchavos dos nobres que ditavam as regras da sociedade.

O argentino Ammann interpreta o personagem-título com muito vigor e é o grande destaque, mesclando em sua interpretação características de outras figuras que o cinema tratou de imortalizar, desde a sensualidade digna de Don Juan De Marco até a inteligência e o dom com as palavras de Cyrano de Bergerac, passando ainda pelo entusiasmo de revolucionar o teatro tal qual Jean-Baptiste Moliére fez na França. Alguns reclamam do tom heroico que o intérprete imprimiu em seu protagonista, mas Lope com sua latente rebeldia talvez quisesse mesmo ser um herói, o homem que representaria a explosão da angústia e repressão do povo espanhol. Os demais atores apresentam interpretações corretas e críveis, mas é preciso puxar a orelha dos nossos representantes no elenco. Mesmo longe da terrinha, o diretor deu oportunidade para Mello e até Sônia Braga fazerem pequenas participações. O ator mostra-se pouco a vontade e atua como se estivesse em uma novela mexicana, mais robótico impossível, e a veterana atriz, figurinha fácil em obras internacionais que pedem uma mulher com características latinas, está irreconhecível sob uma maquiagem que a transforma em idosa, mas piscou os olhos e ela já saiu de cena.

Apesar de alguns probleminhas narrativos e de direção, Lope é um bom filme que consegue envolver o espectador com o olhar romântico jogado sob a vida do personagem central que em alguns momentos é um pouco ambíguo e deixa o espectador na dúvida se ele é o mocinho ou o vilão da história. A lente da câmera de Waddington parece tão encantada pelo protagonista quanto o próprio era apaixonado pelos seus sonhos e ideais, um convite irresistível para participarmos da narrativa. Selecionado para os Festivais de Veneza e Toronto, o título ainda concorreu a sete prêmios Goya, o Oscar espanhol, vencendo nas categorias Melhor Canção Original e Melhor Figurino. Tal experiência certamente influenciou os futuros trabalhos do cineasta, sempre em busca de aprimoramentos, mas é uma pena que os anos passam e parece que nossa imprensa parece só ter foco para exaltar a miséria e as paisagens áridas que nosso cinema insiste em registrar em busca de elogios e prêmios e pouco se importando em agradar ao grande público. Vez ou outra, um refresco de romantismo e fantasia é bom para nossos olhos.

Drama - 106 min - 2010

OS PEQUENINOS (1997)

2026-11-08T00:30:00.000-03:00

Apesar de previsível para agradar crianças, longa conquista adultos despertando nostalgia

Qual criança nunca imaginou que pequenas criaturas podem habitar o interior das paredes ou do chão da sua casa? Tal fantasia povoa o universo infantil há décadas, tanto que em meados da década de 1950 a escritora Mary Norton sentiu-se instigada a desenvolver tal argumento dando origem a fábula "The Borrowers", que também é o título original do filme dirigido por Peter Hewitt que no Brasil ganhou a genérica alcunha de Os Pequeninos. Em inglês o nome tem um significado mais irônico, algo traduzido como "aqueles que tomam emprestado", e realmente é quase isso que eles costumam fazer. Medindo aproximadamente dez centímetros, eles têm facilidade para entrar sorrateiramente na casa dos humanos e fazer alguns empréstimos de objetos, mas que na verdade jamais são devolvidos. Tudo o que colocam as mãos eles inventam uma maneira para aproveitar em suas casas, ou melhor, casa. Sim, no singular mesmo.

Aparentemente, ao longo dos anos o grupo destes pequeninos homenzinhos acabou se dispersando até que sobrou apenas a família Clock cujo patriarca, o Sr. Pod (Jim Broadbent), luta diariamente para manter a sobrevivência de todos. Constantemente ele acompanha seus filhos Arrietty (Flora Newbigin) e Peagreem (Tom Felto) no trajeto até o interior da casa da família Lender, de quem são de certa maneira vizinhos ou até mesmo inquilinos, em busca de alimentos e bugigangas conquistados através de planos meticulosamente estruturados como se fossem estratégias de guerra ou resgate, mas a fonte está para secar. Joe (Aden Gillett) e Victoria (Doon Mackichan) se surpreendem ao escutarem da boca do advogado Ocious P. Potter (John Goodman) que sua tia recém-falecida não fez um testamento comprovando que ela deixava para eles a casa onde vivem, mas o casal jura que tal documento existe, porém, se não for encontrado rapidamente eles perderão o direito de reivindicar a propriedade.

Na verdade trata-se de uma trapaça do inescrupuloso e rechonchudo advogado que não vê a hora de demolir a residência e construir no lugar a Pottersville, um espaço que abrigaria mais de vinte famílias bem de vida onde atualmente apenas um clã decadente reside. A essa altura Pete (Bradley Pierce), o único filho dos Lender, que já desconfiava que existissem outras pessoas habitando sua casa, consegue capturar Arrietty, mas para a surpresa da pequenina ele não é o vilão que seu pai tanto tinha medo. O garoto revela que logo irá se mudar com seus pais para uma nova casa e promete que dará um jeito de levar ela e sua família junto às escondidas. Acomodados dentro de uma caixinha, no entanto, os filhos de Pod acabam caindo da mudança para o desespero da mamãe Homily (Celia Imrie) que teme o que pode acontecer aos seus pequenos (sem trocadilhos).

Contudo, Arrietty e Peagreem são espertos o bastante e conseguem voltar à antiga casa onde descobrem os planos de Potter e tentam impedi-lo roubando o testamento que ele estava prestes a destruir, porém, o gordinho toma conhecimento da existência das criaturinhas e tenta se livrar do problema com a ajuda de Jeff (Mark Williams), um abobalhado exterminador de pragas. A partir deste momento o roteiro escrito por Gavin Scott e John Kamps ganha ares de Esqueceram de Mim. O vilão sofre um bocado com as emboscadas criadas pelos irmãos Clock que, embora pequenos, possuem inteligência e agilidade feito gente grande. Enquanto isso, Pete se encarrega de levar os pais das criaturinhas ao encontro dos filhos, mas tal gancho acaba sendo mal explorado assim como outras ideias.

Apesar de algumas soluções fáceis e do maniqueísmo na descrição do Bem e do Mal, algo clichê, mas necessário para também levar lições de moral ao público-infantil, Os Pequeninos não deixa de ser atraente aos espectadores mais crescidinhos que devem se envolver com a trama graças ao ritmo ágil, piadas inocentes e da atmosfera nostálgica que recria graciosamente a Londres da metade do século 20. Aliás, os cenários repletos de quinquilharias lembram a uma tradicional casa de vovó e a parcimônia no uso de efeitos especiais agrega à obra um gostinho de matinê antiga irresistível, algo acentuado pela alusão do início ao fim ao filme Querida Encolhi as Crianças (muitos exemplos de coisas que para os adultos são insignificantes, mas para quem é pouco maior que uma formiga se tornam verdadeiras ameaças e desafios) e até uma sequência que faz uma releitura de uma cena-símbolo de qualquer adaptação do conto "As Viagens de Gulliver". Ótimo programa familiar.

Comédia - 89 min - 1997

Leia também a crítica de:

O MUNDO DOS PEQUENINOS (2010)

A TERRA ENCANTADA DE GAYA (2004)

QUERIDA ENCOLHI AS CRIANÇAS (1989)

OS ESTRANHOS (2008)

2026-11-07T00:30:00.000-03:00

Jovens mascarados amedrontam e encurralam casal em uma cabana por puro sadismo e psicopatia

Filmes inspirados em fatos reais, teçam críticas negativas ou positivas a eles, de uma maneira geral, sempre fica a dúvida até que ponto as verdadeiras histórias foram respeitadas e o quanto foi inventado. Os Estranhos vende a ideia de ser inspirado no assassinato brutal de um casal em fevereiro de 2005 em uma casa de veraneio, mas tal ocorrência nunca foi confirmada. Posteriormente, o diretor e roteirista Bryan Bertino afirmou ter se baseado nos assassinatos verídicos envolvendo uma família décadas antes e também em um fato ocorrido em seu bairro e que marcou sua infância. Buscando criar envolvimento com o espectador, mas sem sucesso imediato, o filme começa mostrando James (Scott Speedman) chegando em sua casa de campo acompanhado da namorada Kristen (Liv Tyler), mas existe um clima pesado entre eles. Ela acabara de recusar o pedido de casamento do rapaz, mas serão obrigados a dividir o mesmo teto nesta noite, porém, não necessariamente o mesmo espaço. Todavia, não poderão se fazer de cegos, surdos e mudos por muito tempo, pois a calada da noite lhes reserva um verdadeiro pesadelo que de certa forma os unirá... e para sempre! Já é madrugada quando uma jovem bate firmemente na porta da casa procurando por outra garota. Não demora muito e ela volta e refaz a pergunta. Na terceira vez o questionamento é mais incisivo e o pânico toma conta do casal que percebe estar sendo ameaçado por jovens mascarados que rondam a residência.

A trama se resume ao casal tentando fugir da casa inúmeras vezes, mas sempre barrados pelos criminosos que não parecem dispostos a roubar. O intuito é amedrontar o máximo possível até poderem dar literalmente o golpe de misericórdia em suas vítimas. No final das contas o que temos não é a representação de um crime especificamente, mas sim a condensação de uma série de ocorrências cada vez mais comuns, pessoas torturadas e assassinadas apenas para saciar o desejo masoquista de dementes. Em áreas remotas dos EUA tais atos são corriqueiros e algumas regiões até ficaram marcadas negativamente, o que nos leva a perguntar o por quê de ainda existirem pessoas que se aventuram no isolamento? O pior é que os personagens de histórias do tipo parecem totalmente alheios ao que acontece em filmes de suspense e horror, pois praticamente cometem todos os deslizes e burrices de outras vítimas. Estão sempre nos lugares e horas erradas e as vezes parecem no fundo clamar para serem encontrados pelos vilões. James e Kristen não fogem à regra. Ela fica um pouco sozinha na casa já sabendo que o perigo a ronda, o rapaz se mete a valentão enfrentando a escuridão do lado de fora, procuram se esconder em um celeiro repleto de objetos cortantes e não esquecem nem de pedir socorro pelo bom e velho rádio amador que ironicamente acaba os denunciando. Qualquer adolescente que tenha visto ao menos uma fita de serial killer já deve manjar todos estes clichês.

Os bandidos parecem bem mais espertos conseguindo prever as atitudes do casal e lhes pregar sustos na surdina. Eles são legítimos representantes de psicopatas do cinema, herdando inclusive o dom de aparecerem e desaparecerem num estalar de dedos como o percursor Michael Meyers de Halloween - A A Noite do Terror. Aliás, em sua estreia atrás das câmeras, Bertino parece ter se inspirado neste clássico do terror, criando um clima de tensão semelhante ao longa de John Carpenter, mas não mantendo sua cadência. O medo de ser atacado impacta inicialmente, mas pouco a pouco vai cedendo espaço ao tédio e a trama parece se arrastar mesmo com sua duração relativamente curta. Todavia, há que se elogiar a inversão de expectativas. O trailer, com uma perturbadora trilha sonora, vendia a ideia de que uma carnificina seria oferecida, mas o diretor guarda o gore para o ato final e pontua sua obra com sustos eficientes utilizando com sabedoria a câmera, os ruídos em substituição aos rompantes acordes que geralmente entregam os sustos antes da hora e a baixa iluminação que lembra a de um lampião. Aliás, quem já viveu a experiência de passar uma noite sem luz elétrica em uma casa de campo deve curtir o clima da fita. Ao mesmo que tempo que cria uma atmosfera aconchegante, a casa parece claustrofóbica e esconder um perigo a cada canto, principalmente quando a ameaça dá sinais de que tem passe livre para seu interior.

Como já dito, Bertino se inspirou em um fato que o impactou quando criança. Uma moça bateu à porta de sua casa em plena madrugada perguntando por alguém que não morava lá e na manhã seguinte sua família descobriu que seus vizinhos haviam sido assaltados. Coincidência ou não, o fato é que o roteiro não explora a riqueza de tal gancho. As ruas se tornaram um ambiente de perigo constante, mas nem dentro de casa estamos totalmente protegidos. É justamente o medo dessa sensação de constante insegurança que o filme propõe, mas parece se intimidar a certa altura. Apesar de todos os clichês, o diretor busca redenção dos julgamentos negativos propondo um final ligeiramente diferente que nos deixa uma triste mensagem: estamos à mercê da sorte nesses tempos de extrema violência. Os vilões simplesmente justificam a noite de tortura pelo fato do casal se encontrar na residência. Deram o azar de estarem lá quando o trio também estava na área. Se não fossem James e Kristen certamente outros incautos seriam torturados como fica a deixa para uma sequência.

Remetendo à trama do pouco conhecido Eles, suspense francês também supostamente baseado em fatos reais, Os Estranhos a olho nu é uma grande bobagem, mas tem seus méritos aqui e acolá, como a ótima edição que sempre corta repentinamente as cenas em que os mascarados ficam de caras limpas, assim preservando suas identidades e o mistério. Economizando nos litros de sangue, o objetivo da fita é provocar o espectador com cortes abruptos do silêncio com ruídos estarrecedores, forçá-lo a ver coisas que os protagonistas não veem e o que existe de mais estranho na produção é que a ambientação e as atuações monossilábicas, porém, catalisadoras dos vilões é que fazem quem assiste se perguntar o que faria no lugar das vítimas. A atuação insossa dos protagonistas poderia comprometer tudo, mas Bertino é esperto e vai munindo de informações o espectador que sabe de antemão o que pode acontecer, porém, não tem como interferir nos rumos da trama o que torna a experiência mais angustiante. A conclusão deixa latente essa sensação de impotência quanto a violência, uma reflexão escancarada da obra, mas que espantosamente poucos captam.

Terror - 86 min - 2008

O MENINO DO PIJAMA LISTRADO (2008)

2026-11-06T00:30:00.000-03:00

Nota 9 Mesmo com o clichê da guerra vista pelo olhar inocente infantil, longa cativa e emociona

Os horrores da guerra vistos através do olhar inocente das crianças é algo comum no cinema. São vários os exemplos de filmes que emocionaram o mundo com essa fórmula, mas aparentemente as obras que misturam tempos difíceis com o universo infantil passaram a não ser bem vistas pela crítica que as consideram produções manipuladoras, feitas sob medida para levarem os espectadores ao choro fácil, recheadas de clichês e que não acrescentam nada de novo em relação a tantos outros títulos que se dedicam a falar sobre guerrilhas. Isso pode justificar a repulsa que sofreu O Menino do Pijama Listrado. O diretor e roteirista Mark Herman adaptou o best-seller homônimo de John Boyne com o desafio de equilibrar a emoção e a crueldade contidas nas páginas do livro e conseguiu um resultado para partir os corações até dos mais insensíveis e deve ser neste objetivo que encontramos as explicações para seu relativo fracasso nas bilheterias. Para o espectador de fim de semana, sair do cinema entristecido é coisa para metidos a intelectual e estes, por sua vez, colocam expectativas demais em cima das adaptações literárias e geralmente se decepcionam. Ao ler um livro criamos a nossa própria visão da história em nossa mente, mas quando os escritos se tornam imagens reais estamos acompanhando a versão sonhada por um diretor que também não realiza tudo da forma como deseja tendo que adequar seu projeto a questões de orçamento, publicidade, produção entre outras coisas.

A trama se passa em meados dos anos 1940, na Alemanha, quando Ralf (David Thewlis), um oficial nazista, assume um cargo em um campo de concentração e isto faz com que ele e sua família deixem Berlim para irem viver em uma área desolada onde o pequeno Bruno (Asa Butterfield), seu filho mais novo, não está se adaptando a rotina pacata e sem amigos. Ele é obrigado a tentar se divertir sozinho e não pode sair dos arredores de casa, assim sua maior diversão é tentar descobrir o que acontece em um campo cercado que ele observa de longe da janela do seu quarto. Certo dia, por acaso, Bruno acaba se aproximando do local e conhece Shmuel (Jack Scanlon), um garoto judeu que sempre está vestido com uma roupa listrada e próximo a cerca. O alemãozinho acredita que todos que estão atrás dela estão trajando pijamas e que as crianças têm total liberdade para se divertirem. O judeu, ao contrário, tem completa noção de sua triste realidade. Bruno passa a visitá-lo frequentemente surgindo entre eles uma amizade, mas o garoto nem imagina o que se passa naquele local e muito menos dentro de sua própria casa. Sua mãe Elza (Vera Farmiga) faz de tudo para esconder a verdade do filho, mas seu pai não se importa em ser cruel e não pensa nas consequências de seus atos. Porém, como diz o ditado, aqui se faz aqui se paga e essa família alemã poderá rever seus conceitos da pior maneira. A narrativa pode ser convencional e repetitiva, mas o final não floreia os fatos, doa a quem doer.

É impossível não se envolver com a bonita história de amizade de dois meninos semelhantes, mas com uma diferença gritante para a política e sociedade da época. A ideia de estarem separados por uma cerca deixa explícita a ruptura existente entre os povos como se de um lado estivessem os nobres com sua altivez característica e do outro a plebe cabisbaixa, bem ao estilo de castas dos tempos medievais, mas ainda um modelo de sociedade preconceituosa que perdura até hoje em menor ou maior grau em todos os lugares do mundo. Pelo que aprendemos na escola, podemos criar a ideia de que todo e qualquer alemão legítimo representante da raça ariana era conivente com os atos cruéis do Holocausto, mas a personagem de Farmiga está aqui para provar o contrário. No início a mãe parece saber demais e protege seu filho da verdade, mas aos poucos percebemos que nem ela própria tinha noção do trabalho do marido. Quando descobre o quanto Ralf é cruel ela se revolta, mas já é tarde para livrar a sua filha Gretel (Amber Beattie) da admiração pelo nazismo. A garota tenta apresentar a realidade dos fatos ao irmão ingênuo, mas a mãe está sempre a postos para colocar panos quentes em tais situações que poderiam ser incendiárias. Com esse contraponto da personagem Elza a produção escapou de participar de um furacão ainda maior de críticas negativas, afinal poderia correr o risco de ser tendenciosa e ser repudiada em alguns países.

Esta produção é daquelas em que a fotografia e a edição não são meros elementos técnicos, mas são essenciais para a compreensão do enredo e transformá-lo em algo universal. Se para entendermos certas peculiaridades históricas precisamos prestar atenção no desenvolvimento dos personagens, as imagens criadas para mostrar a relação de amizade entre o garoto cristão e o judeu é que são essenciais. Claro que os diálogos que travam são emocionantes e realçam a dura realidade de um e a fantasia do outro, mas quando os vemos lado a lado separados pela cerca percebemos em suas caracterizações mais alguns pontos que reforçam a ideia de que vivem em grupos sociais distintos, desde o figurino, passando pela postura e até a ambientação. Cabe também lembrar da ironia imposta. Bruno tem o direito de ir e vir em uma área repleta de vegetação, mas ainda assim se sente preso e solitário, porém, acredita que Shmuel é que tem sorte por poder brincar o dia todo e usar roupas confortáveis, embora o garoto esteja sempre sozinho e com ar entristecido. O grande trunfo de O Menino do Pijama Listrado está em não querer chocar o espectador. Não é preciso mostrar explicitamente pessoas morrendo para termos noção das atrocidades do Holocausto, afinal todos com um mínimo de escolaridade ou conhecimentos cinematográficos já sabem um pouco sobre os atos cruéis aos quais milhões de inocentes foram submetidos.

Herman sutilmente insere elementos ou diálogos com os quais concluímos o triste fim dos judeus. Por outro lado, a opção em centrar o foco no drama das crianças, embora funcione muito bem, acaba criando a sensação de que a produção se resume a mais do mesmo. Todavia, aqui veremos mais uma pequena fração do que foi a Segunda Guerra Mundial que somada a lembranças de outros filmes acaba por compor um painel importantíssimo da História do mundo. No fundo, esta revisitação do conflito Holocausto versus infância, crueldade versus inocência, guarda pontos semelhantes ao mundialmente famoso A Vida é Bela, colocando um garoto no centro da narrativa que não faz ideia das atrocidades que ocorrem à sua volta e acredita que quase tudo na vida se resume a brincadeiras. Hoje, distante do calor do momento de seu lançamento, esta obra pode ser apreciada mais profundamente e livre das pressões impostas pelo mercado, afinal todos sabemos que um final que não poupa o emocional do espectador dificilmente renderia milhões. Nem todo best-seller resulta em um campeão de bilheteria, mas toda boa história é atemporal e merece ser apreciada. Ao subirem os créditos finais talvez você se pergunte: será que quem critica negativamente este filme realmente o assistiu até o último minuto?

Drama - 94 min - 2008

Leia também a crítica de:

A MENINA QUE ROUBAVA LIVROS (2013)

A VIDA É BELA (1997)

OS ANJOS DA GUERRA (2001)

BEM-VINDOS AO MEU MUNDO (2014)

2026-11-05T00:30:00.000-03:00

Leve e sarcástica, comédia critica a busca pela fama e o interesse pela vida alheia

A busca pelos quinze minutos de fama sempre foi um tema abordado pelo cinema, mas desde o final da década de 1990 tonou-se obrigatória sua discussão em tempos de realities shows e redes sociais que transformam anônimos em celebridades instantâneas, mas até quando tal fama consegue perdurar? É essa a discussão proposta por Bem-vindos ao Meu Mundo, produção independente que critica o poder de sedução da super exposição levando o indivíduo a perde a noção do bom senso e do ridículo. A solitária e bipolar Alice Klieg (Kristen Wiig) sempre gostou da ideia de ser flagrada por uma câmera e sua imagem ser visualizada por milhares de pessoas, mas os pensamentos se intensificam quando dá a sorte de faturar uma bolada na loteria. Inocentemente ela acredita que o dinheiro lhe trará a chance de brilhar e se tornar famosa e para isso acontecer entra em contato com uma emissora de TV decadente oferecendo milhões para comprar um horário para exibir um programa roteirizado, dirigido e estrelado por ela mesma.

Grande apreciadora de Oprah Winfrey, ela passa a assistir incessantemente os seus trabalhos para se inspirar e convencer Rich Ruskin (James Marsden), o dono da emissora, a produzir uma temporada de sua atração batizada de forma homônima ao filme. Através das consultas com o doutor Daryl Moffet (Tim Robbins), ficamos sabendo que Alice sofre de um sério transtorno de personalidade e ter um programa no qual ela é o centro das atenções obviamente acarretará uma sucessão de imprevisibilidades. A primeira é o protesto de alguns profissionais da emissora, como Deb (Jennifer Jason Leigh), que não vê sentido em uma atração dedicada a falar sobre memórias e experiências de uma anônima. Mesmo assim, necessitando de dinheiro urgentemente, Ruskin acaba cedendo e produz o sonho de Alice e para surpresa dos incrédulos o programa se torna um verdadeiro fenômeno de repercussão. Contudo, o sucesso sobe à cabeça da moça a ponto de causar danos em sua relação com algumas pessoas antes muito próximas a ela, como sua melhor amiga Gina (Linda Cardellini). A obsessão pela fama até a leva a investir em um romance com o irmão do magnata da emissora, Gabe (Wes Bentley).

Nessa espiral de loucura, a trama escrita por Eliot Laurence mescla humor, drama e uma boa dose de vergonha alheia. Em destaque temos uma protagonista feminina forte, exagerada e muito interessante. Alice tem um universo próprio e uma inocência misturada a certo egoísmo capaz de gerar tanto empatia quanto repúdio, mas indiscutivelmente ela nos faz rir de situações insanas. Impossível conter o riso ao vê-la na abertura do programa entrar no cenário dentro de um cisne e fazendo caras e bocas ou quando por longos minutos degusta um pedaço de bolo ao vivo. São cenas aparentemente tolas, mas no fundo que revelam bastante da personalidade da protagonista que conduz seu programa quase de modo amador, colocando em prática improvisos que na verdade são frutos de sua bipolaridade, ainda que o longa não se aprofunde na questão do transtorno. De certa forma, os espectadores do tal programa acabam se identificando com sua apresentadora que alimenta sonhos, afinal se uma mulher sem muito a dizer conseguiu seu espaço na mídia qualquer um também poderia conseguir, basta ter dinheiro para tanto.

O Show de Truman talvez tenha sido o primeiro filme de grande repercussão entre público e crítica com tal temática mostrando a vida de um homem que desde seu nascimento foi acompanhado e manipulado diante das câmeras. Com menos criatividade envolvida, mas com tom crítico tão acentuado quanto, Ed TV foi lançado pouco tempo depois apresentando um desconhecido que é convidado a protagonizar um reality acompanhando sua rotina, mas sem muito a dizer ou a fazer para entreter o público, a produção acaba interferindo no que deveria ser um show de realidade acrescentando conflitos para aumentar a audiência, porém, causando problemas para a vida pessoal do rapaz. No geral, os dois filmes colocam em xeque aquela estranha curiosidade pela vida alheia inerente a todos os seres humanos, por menor que seja o interesse. Não seria errado ou exagero dizer que Bem-vindos ao Meu Mundo traz resquícios das duas obras, mas amplia o foco da exposição por cercar o cotidiano de uma mulher que cresceu sonhando com os holofotes. Já diz o ditado popular, quem nunca comeu melado quando come se lambuza e Alice vai aproveitar ao máximo a oportunidade.

Mais do que fazer piada da bizarrice que no fundo move esse de tipo de entretenimento televisivo, o longa tem como principal qualidade apresentar um melancólico retrato de uma sociedade que se acostumou e agora ensina as novas gerações a revelar tanto sobre a própria rotina que passou a encená-la, inclusive assumindo personagens, em busca de audiência ou curtidas em redes sociais. Dirigido por Shira Piven, esta é uma produção bastante original, crítica e que brinca com o absurdo sem desrespeitar a inteligência do público. Uma pena que ao final fique a sensação de que o argumento poderia render muito mais, assim como a própria Wiig que, certa de que seria um trabalho importante em seu currículo, se entrega totalmente à personagem demonstrando fôlego para ir além.

Comédia - 105 min - 2014

72 HORAS (2010)

2026-11-04T00:30:00.000-03:00

Apesar de reciclar clichês, longa prende atenção com ritmo ágil e trama de cunho emotivo

Tudo que é demais uma hora enjoa. Filmes que misturam ação e suspense hoje em dia dificilmente surpreendem ou podem ser classificados como excelentes. A reciclagem de temas e até a estagnação de certos atores repetindo papéis nestes gêneros levaram as produções do estilo para o limbo. Felizmente, vez ou outra, surge algum nome em potencial para dar uma sacudida nesse cenário e quem sabe trazer de volta os bons tempos em que perseguições e tiroteios rendiam elogios e não eram apenas um amontoado de cenas carregadas de adrenalina, mas sem propósitos definidos. Um nome quente para o reestabelecimento da saúde deste campo era o de Paul Haggis que viu sua carreira ascender de forma meteórica depois de se envolver em projetos sérios e premiados, como Crash - No Limite e No Vale das Sombras. Seja como roteirista, diretor ou ainda acumulando as duas funções, este profissional decidiu se aventurar em algo no melhor estilo hollywoodiano: um filme que entretém, com um enredo interessante, um ator de peso encabeçando o elenco, no entanto, algo facilmente esquecível. Assim é 72 Horas, um thriller de ação cujo enredo gira em torno de um homem comum que se mete a cometer verdadeiras loucuras para fazer justiça com as próprias mãos, ou melhor, com o próprio cérebro, já que seus planos são um tanto mirabolantes.

O professor universitário John Brennan (Russell Crowe) levava uma vida perfeita até que sua esposa Lara (Elizabeth Banks) foi presa acusada de um crime que alega não ter cometido. Após três anos de vários recursos negados pela justiça, a mulher acaba desenvolvendo tendências suicidas por não suportar a distância de seu filho que está crescendo longe dela. Brennan percebe que só há uma saída: tirá-la da prisão custe o que custar. Ele então aprende, por exemplo, a arrombar carros e abrir fechaduras de segurança e até consegue conversar com o ex-prisioneiro Damon Pennington (Liam Neeson) que escapou inúmeras vezes da carceragem e lhe dá dicas do que vai ter de enfrentar. É um caminho sem volta e é preciso estar disposto a tudo, inclusive a matar. Agora, Brennan e Lara terão apenas 72 horas para fugir e tentar ir o mais longe possível levando com eles o filho. A julgar pelo tom dramático inicial, com uma discussão do casal, é difícil imaginar o caminho que o roteiro irá seguir, a ponto de culminar em um último ato cheio de adrenalina para deixar os espectadores se contorcendo e torcendo por um final feliz para a família, até porque quando tem criança envolvida o lado piegas e sentimental das plateias fala mais alto.

Crowe foge (ou quase) dos estereótipos do herói que passa por poucas e boas e sempre escapa ileso. Seu objetivo de reunir a família facilita a identificação com o espectador. Com seus medos e equívocos, Brennan se aventura por um mundo desconhecido para ele até então no qual precisa aprender truques e segredos que certamente não gostaria jamais que seu próprio filho tomasse conhecimento. Sempre com olhares desconfiados, transparecendo a sensação de um indivíduo que sabe que suas ações são erradas e que a qualquer momento pode ser pego pela polícia, muitos podem considerar uma interpretação menor no currículo do astro, um papel aquém de suas possibilidades. A escolha do ator se deve a sua versatilidade, já ter demonstrado vulnerabilidade em trabalhos mais dramáticos e apreço por projetos de ação de suspense. Se para Crowe o longa pode ser simplista demais, para Banks significou a grande chance de sua carreira até então mais focada no humor e sem grandes destaques. Aqui ela tem alguns momentos interessantes, segura bem a adrenalina quando preciso e empresta a emoção e a sensibilidade necessárias para também transformar sua criação em algo crível e não apenas uma coadjuvante bonita ao lado do galã da história. O restante do elenco secundário é usado praticamente de enfeite, sem perfis bem desenvolvidos e tramas que não chegam a lugar algum, como a insinuação de que Brennan poderia se relacionar com uma mãe solteira ou alguns policiais e detetives que surgem para dizerem frases tolas ou de efeito.

É até difícil acreditar que esta era a primeira vez que Haggis experimentava um gênero mais popular, conseguindo trabalhar com um roteiro que transita do drama para o suspense quase que perfeitamente, já que a introdução é um tanto apressada, mas nada que afugente o espectador. O argumento não é original, mas o diretor não quis trabalhar com qualquer roteiro capenga visando lucros rápidos acompanhados de críticas negativas. Para sua estreia como diretor no campo de ação, a qual também se encarregou do roteiro, optou por basear-se no thriller francês Tudo por Ela. O resultado da versão americana atinge com eficácia as pretensões do cineasta que consegue a proeza de conduzir o crescente clima de tensão sem se esquecer do desenvolvimento dos personagens centrais, deixando assim a trama bem mais empolgante do início ao fim. Entretanto, obviamente a produção não fica livre dos clichês, como as diversas vezes em que o casal quase é capturado, mas sempre conseguindo escapar ileso, o que gera algumas sequências inverossímeis.

A opção por um final mais trágico ou inesperado contribuiria para a obra se tornar marcante e até combinaria melhor com a narrativa que até então prevalecia, mas por ser o primeiro trabalho destinado a um grande público Haggis foi esperto e não quis se arriscar. Não que isso desmereça seu trabalho, pelo contrário, mas o cineasta poderia ter trabalhado um viés que acabou sendo esboçado, mas morreu em questão de minutos: Lara em certo momento na prisão se mostra descontrolada e reclamando a respeito do marido e filho, o que poderia gerar o gancho da dúvida se depois de tanto trabalho para livrar sua esposa Brennan teria o amor dela de volta. Esse questionamento é bem mais a cara de uma história escrita por um profissional que desde o início da carreira demonstrou interesse por roteiros que exploram as relações e sentimentos humanos. De qualquer forma, 72 Horas é um daqueles filmes que você começa a assistir sem grandes pretensões e acaba surpreendido positivamente encontrando uma obra madura, bem conduzida e muito envolvente apesar da embalagem aparentemente descartável.

Suspense - 122 min - 2010

EU QUERIA TER A SUA VIDA (2011)

2026-11-03T00:30:00.000-03:00

Troca de corpos de trintões tenta dar um gás a tema batido, mas pesa com humor chulo

Dizem que na televisão nada se cria tudo se copia, mas tal ditado cai também como uma luva para o cinema. O tema troca de corpos já foi aplicado há inúmeras comédias no melhor estilo sessão da tarde e nos últimos anos, com a escassez de ideias, parece que produtores e diretores encontraram na fórmula batida uma maneira de sobreviver. O mote de duas pessoas insatisfeitas que trocam de corpos, ou melhor, de personalidade em um passe de mágica e que assim passam a dar mais valor ao seu próprio modo de viver e compreender o do outro já rendeu até mesmo em terras brasileiras. Se Eu Fosse Você e sua continuação não fizeram mais nada que adaptar um conteúdo cinematográfico tipicamente hollywoodiano para algo mais próximo da nossa realidade e os resultados foram fantásticos talvez pelo ineditismo da iniciativa pela raquítica indústria de cinema local que busca enfrentar gigantes nas bilheterias. Em Eu Queria Ter a Sua Vida, o diretor David Dobkin arriscou requentar a premissa, mas achou que buscando um humor mais adulto no estilo de Se Beber Não Case, dos roteiristas Jon Lucas e Scott Moore, os mesmos que assinam o texto deste projeto, conseguiria fazer um filme que se destacasse em meio a tantas produções semelhantes, porém, acabou realizando um trabalho irregular que tem alguns bons momentos, mas no geral mais constrange do que diverte.

Mitch (Ryan Reynolds) é um solteirão que conquista as mulheres com sua beleza e lábia, trabalha como ator em produções duvidosas, mas em compensação tem bastante tempo livre para fazer o que quiser. Ao contrário da promiscuidade e vagabundagem do amigo, Dave (Jason Bateman) é um advogado de prestígio, tem uma vida financeira confortável, é casado, tem três filhos, mas não curte sua vida como queria por sempre estar as voltas com a rotina do trabalho e da família. Este homem responsável tem certa inveja do estilo de vida de Mitch e este, por sua vez, gostaria de ser um cara bacana como o amigo, respeitado, com estabilidade financeira e uma esposa amorosa, algo difícil de crer que seja o sonho de um cara que parece curtir a pinta de eterno garotão. Ambos desejam secretamente a vida um do outro e certa noite, após uma bebedeira, seus desejos se realizam, mas de maneira diferente do que planejavam, a começar pela forma como a mágica acontece. Urinando sobre uma fonte em espaço público ambos dizem ao mesmo tempo a simbólica frase que dá título ao filme. Em seguida um blecaute ocorre e quando eles se dão conta um foi parar no corpo do outro e agora terão que lidar com situações até então incomuns tanto profissionais quanto pessoais.

O regrado Dave, por exemplo, terá que se virar para atuar em um filme soft para adultos e até tentar realizar os desejos de uma grávida assanhada. Enquanto isso, Mitch terá que fechar um importante negócio com uma empresa japonesa e tentar segurar seus instintos para respeitar a mulher do amigo. Seguem-se então tiradas espertas alternadas com piadas grosseiras que causam risos involuntários como a cena em que Jamie (Leslie Mann), a esposa de Dave, aparece toda sensual e rebolativa para logo depois acabar de maneira bizarra com a alegria de Mitch que na carcaça do amigo estava em êxtase pensando que finalmente realizaria uma de suas maiores fantasias sexuais. Parece que a intenção maior era parodiar esse tipo de produção que explora os conflitos de personalidade e caráter quando se está literalmente na pele de outro, mas roteiristas e diretor foram preguiçosos e exageraram na dose de escatologia e apelo sexual. Seguindo a tendência das comédias feitas por homens de meia idade e para agradar público idem, além é claro das mulheres, mais uma vez temos aqui adultos infantilizados aprendendo na marra que amadurecer implica responsabilidades e renúncias de algumas coisas, uma lição que já foi aprendida, por exemplo, por Owen Wilson em Passe Livre, longa que guarda certas semelhanças com o filme assinado por Dobkin. Além do viés do marmanjão ganhando um tempo para viver tudo aquilo que não podia mais pelas implicações e preconceitos da idade e das cenas mais ousadas, claro que aqui não falta uma conclusão com teor moralista.

Após quase duas horas em que o espectador pode imaginar o quanto poderia ser divertido viver uma rotina diferente da sua lá vem as cenas finais com um belo discurso para em resumo dizer que nada melhor que sermos nós mesmos e aceitarmos os caminhos que a vida e/ou cada um projetou para si mesmo. É importante ressaltar que o enredo enfoca muito mais a rotina de Dave tanto quando ele está em seu próprio corpo como quando ele está habitando o do amigo, uma maneira sutil de injetar exaltação aos valores morais em meio ao anarquismo ao mesmo tempo em que mostra que um personagem sem bagagem emocional e histórico de vida como é Mitch só serve mesmo para encher linguiça afinal, logo pelas suas primeiras cenas, ninguém pode ter a esperança de que o cara não é um bom vivant que precisa de um esculacho para acordar para a realidade. Todavia Reynolds interpreta seu personagem com competência, mas Bateman ainda se sobressai, embora sua presença em mais uma comédia nos passe a ideia de limitação de talento ou medo de ousar e experimentar coisas novas. Optaram pelo caminho mais curto e descartável para prender o espectador: palavrões, nudez e escatologia, infelizmente um vício das comédias hollywoodianas.

As situações embaraçosas provocadas pelo desconhecimento das intimidades e a adaptação ao cotidiano do verdadeiro eu no corpo de outro rendem geralmente bons momentos, mas dificilmente surpreendem. Todos sabem que tal experiência transformará as pessoas que a vivenciaram em alguém bem melhor capaz de ficar feliz com as imperfeições de sua vida e a respeitar o modo como o outro segue sua trajetória, por mais que os meios sejam os mais depreciáveis possíveis. Quanto maior o contraste entre as personalidades a serem trocadas mais fértil deve se tornar a ideia de fazer humor através dos choques das diferenças. O fato é que pela narrativa em si Eu Queria Ter a Sua Vida não vale muita coisa, mas pela vibração e trabalho conjunto de seus protagonistas a coisa muda de figura tornando-se interessante a sucessão de fracassos de cada um até que eles chegam à previsível conclusão de que nada melhor que sua vida anterior. Final revelado? Alguém esperava algo diferente? O importante é acompanhar o desenrolar dessa troca de personalidades que poderia ser aprofundada revelando a adaptação do certinho que tem a chance de ser solteiro novamente e ficar de pernas pro ar e a do garanhão que agora precisa tentar ser temporariamente um chefe de família e um profissional exemplar.

Comédia - 112 min - 2012

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2026-11-02T00:30:00.000-03:00

Acontecimentos inexplicáveis revelam segredos que desafiam os limites entre a vida e a morte.

Um casarão localizado em uma região afastada onde seja dia ou noite a melancolia impera, uma névoa intensa trata de deixar o ambiente ainda mais angustiante e os sons provenientes do vento se chocando contra árvores e janelas podem deixar qualquer um com arrepios na espinha. Esses são velhos clichês dos filmes de terror, porém, quando bem utilizados podem ainda funcionar perfeitamente ou até mesmo superar expectativas. É em uma ambientação assustadora dessas que o diretor Alejandro Amenábar realizou Os Outros, uma das melhores produções de suspense ou horror do início do século 21. Se explicitar o que causa medo já não tem mais efeito, porque não tentar o contrário? Assim o cineasta e roteirista chileno fez muita gente roer as unhas apostando em ruídos, silêncios perturbadores, fatos inexplicáveis e no mais velho truque para causar temor: o escuro. Às vezes uma sinopse batida rende muito mais que um enredo mirabolante. Eis a prova. A trama se passa na remota Ilha de Jersey, logo após a Segunda Guerra Mundial, onde Grace (Nicole Kidman), uma mulher religiosa e assustada com tudo o que aconteceu no período do conflito, vive em uma grande e isolada mansão junto com seus pequenos filhos, Anne (Alakina Mann) e o caçula Nicholas (James Bentley). Os três sonham com o dia em que Charles (Christopher Eccleston), o chefe da família, retornará da guerra.

Mãe e filhos levam uma vida monótona e triste presos dentro de casa. A sensação de desolação é ainda maior porque a maioria dos ambientes da mansão está sempre com as janelas tapadas por cortinas escuras e apenas a luz de velas é utilizada. As crianças sofrem de uma rara doença e não podem ser expostas à luz solar, assim eles não tem amigos e são educados rigidamente por Grace dentro de casa, esta que dá ênfase ao conteúdo cristão em suas aulas. A rotina do trio irá mudar completamente com a inesperada chegada de novos serviçais. Bertha (Fionnula Flanagan), Sr. Turttle (Eric Sykes) e a jovem muda Lydia (Elaine Cassidy) parecem conhecer perfeitamente a casa e seus serviços agradam a proprietária, todavia, desde o primeiro dia em que os empregados colocam os pés naquele lugar muitas coisas estranhas passam a acontecer e colocam a vida das crianças em risco. Seguem-se então ruídos, portas que se abrem e fecham sozinhas, sons de passos e conversas e assim Grace começa a investigar qual a relação dos seus subordinados com os estranhos acontecimentos. Na conclusão, nos deparamos com uma inversão de valores. Sem esmiuçar demais, digamos que o que comumente consideramos causadores de pânico neste caso é a vítima da situação.

Obviamente, hoje em dia a conclusão acachapante do longa já é de domínio público, mas mesmo assim não estraga o prazer de acompanhar a um excelente filme de terror à moda antiga. Também há muitas pessoas que ainda resistem a assistir ao menos uma vez por puro medo. Seja inédito ou repeteco, é certo que sempre vale a pena conferir este trabalho que consegue mesmo com cenários e elenco enxutos resultados impressionantes. Além de atuações perfeitas e de um roteiro que não subestima a inteligência do espectador, outro grande trunfo que Amenábar conseguiu foi criar uma atmosfera única e envolvente. É praticamente impossível não se sentir fazendo parte da história e viver intensamente as mesmas emoções e dúvidas dos personagens. Se o roteiro é bom isso já é o suficiente para captar nossa atenção e nos guiar por outros caminhos, mas esta produção vai além. Dá vontade de assistir várias vezes apenas para apreciar cada detalhe da residência ornamentada com objetos típicos do início do século 20 e cores escuras para acentuar o clima de tristeza e mistério do local. Poucas produções conseguiram captar a essência de uma casa mal assombrada com tanta veracidade e requinte.

Amenábar também não deixa a peteca cair quando o assunto é a condução da trama e a direção dos atores. Claro que para muitos a premissa deste título não apresenta nenhuma novidade e até aponte para um final previsível, mas o interessante é observar como o cineasta orquestra seu suspense. O clima único que ele consegue estabelecer é de deixar qualquer um de olhos arregalados e com a aflição de que a qualquer momento algo inesperado poderá surgir, assim quando chegamos ao ápice da narrativa o que parecia óbvio ganha contornos de surpresa. O que também difere esta produção de tantas outras semelhantes é que o espectador não se encontra em meio a uma montanha russa de sustos gratuitos. O enredo é desenvolvido cuidadosamente dosando bem as sequências de arrepiar com outras cujos diálogos são essenciais para compreendermos o conjunto. Com auxílio da fotografia e edição minuciosamente trabalhados, a preocupação do cineasta é envolver ao máximo quem assiste de modo que seja possível sentir calafrios a cada nova sequência, mesmo que elas não tenham o objetivo de assustar. Merece atenção uma das raras passagens em ambiente com iluminação mais presente. É quando Grace descobre um sótão repleto de quinquilharias dos antigos moradores. Sem fazer estardalhaços, a cena aparentemente tranquila reserva dois sutis sustos de gelar a alma. É ver pra crer.

Kidman na época vivia o esplendor de sua carreira. No mesmo ano em que colhia elogios por sua atuação no musical Moulin Rouge também dividia a opinião dos críticos que não sabiam em qual dos dois longas ela estava melhor. Neste suspense ela tem uma interpretação contida inicialmente, mas pouco a pouco as dúvidas e medos de sua personagem criam identificação com o espectador, seja pela fé posta a prova, o instinto de proteger a família ou as dificuldades para esconder seu próprio pânico. O restante do elenco também desempenha seus papeis de modo exemplar, merecendo destaque as crianças, mas principalmente a atuação da veterana Flanagan que consegue do início ao fim guardar o grande segredo da história. Seu tom comedido de falar e agir deixa o espectador na dúvida sobre o caráter da personagem, mas ainda assim enxergamos nela uma bondosa senhora, um trabalho apontado como digno de prêmios, algo que não se concretizou. Aliás, o Oscar ignorou completamente a produção não conferindo nem ao menos indicações pela excepcional parte técnica. Os Outros é um daqueles filmes que lidam com o sobrenatural que dificilmente encontram substitutos. Tinha tudo para ser apenas mais um trabalho banal sobre uma casa mal assombrada, mas consegue marcar a memória do espectador e instigá-lo a rever a obra várias vezes na busca de detalhes para uma melhor compreensão.

Suspense - 101 min - 2001

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2026-11-01T00:30:00.000-03:00

Mesmo com alguns tropeços narrativos, nada diminui o apreço pela delicadeza do conjunto

Fundado em 1985, o estúdio japonês de animação Ghibli ficou conhecido pelos belas e emocionantes histórias que se propôs a contar, sempre evocando temas difíceis ao público infantil tais como abandono, rejeição, doenças, guerras, fobias dos mais variados tipos e até mesmo a morte. O segredo do sucesso está na forma delicada como esses assuntos são abordados, diluídos em roteiros bem construídos e com personagens que evoluem, assim as produções da companhia agradam as mais variadas idades. Conquistam crianças com seu colorido aquarelado e diferenciado e os adultos com suas narrativas cheias de conteúdo complexo e ao mesmo tempo pureza ímpar. As Memórias de Marnie traz em sua essência todas as características que fizeram a fama do estúdio narrando a experiência única e enriquecedora vivida pela jovem e solitária Anna que perdeu seus pais muito cedo e desde então vive com Yoriko, sua tutora, que preocupada com a saúde frágil da garota e suas constantes crises de asma decide mandá-la para uma temporada em um bucólico vilarejo junto aos seus tios Setsu e Kiyomasa. Sempre introvertida e com dificuldades para lidar com as pessoas, principalmente da sua mesma faixa etária, ela encontra na habilidade para desenhar a melhor forma para se expressar.

Justamente buscando inspiração para rascunhar é que Anna em uma de suas andanças pelo campo se depara com um belo casarão isolado à beira-mar. Chama ainda mais sua atenção a imagem de uma garotinha com longos cabelos loiros que se depara na janela de um dos quartos. No entanto, em uma segunda visita ao local ela encontra a casa como se estivesse abandonada e moradores da região afirmam que há anos ninguém mora lá. Instigada, a menina volta outras vezes ao local e acaba fazendo amizade com a tal criança que se apresenta como Marnie. Imediatamente elas se identificam e começam a trocar confidências deixando no ar que ambas tem problemas do passado mal resolvidos. Todavia, como explicar os constantes sumiços de Marnie? E sua mansão que em uma noite está em clima de festa e cheia de convidados e no outro dia está silenciosa e com móveis cobertos por lençóis? O longa é uma adaptação do livro "When Marnie Was There" da britânica Joan G. Robinson publicado em 1967, e embora lide com assuntos pertinentes à cultura inglesa do período pós-guerra, como a orfandade e a decadência da aristocracia, ainda coloca em primeiro plano a história de uma personagem feminina complexa e o contato com a natureza como fator essencial para transformações, duas das principais características do estúdio Ghibli, assim como o uso de elementos sobrenaturais. Contudo, neste caso a trama é bem mais realista e introspectiva.

Anna é como uma outsider, termo comumente utilizado para rotular pessoas que não se encaixam a estereótipos sociais e tampouco se identificam com grupos. Ela é uma criança problemática, teme o contato das pessoas, revela ter algum tipo de barreira na relação com sua tutora, uma somatória de fatores que a levam a se sentir diferente. A possibilidade de caminhar descalça pela grama, sentir o toque da água em sua pele e respirar ar puro do campo automaticamente a faz se libertar de amarras e consequentemente a se transformar. É na natureza que ela encontra elementos prazerosos, de segurança e que também enfrenta temores, como ventanias e a subida repentina da maré. As mudanças na fisionomia da personagem são feitas sutilmente no traço do desenho, mas emocionalmente é perceptível a troca de semblante, vide os seus esforços para manter a amizade com Marnie, algo que sente como uma necessidade para alimentar sua ânsia de viver. É desse contato que a visitante da cidade grande, acostumada ao arredio cotidiano de uma metrópole, passa a adotar uma nova postura diante da sociedade e mesmo quando não está na companhia da amiga começa a dar sinais de força e superação. Uma prova disso é a amizade que acaba firmando com Sayaka, uma menina vizinha dos seus tios e com quem os primeiros contatos foram marcados por aspereza e grosserias, mas o mundo dá voltas.

Apesar de abordar mais uma vez a espécie de um ritual de passagem de uma jovem solitária para a descoberta de um novo universo que intrinsecamente lhe traz amadurecimento, tal qual os argumentos de A Viagem de Chihiro e O Castelo Animado, este trabalho não leva a direção do mestre Hayao Myiazaki que apenas acolheu o projeto em sua empresa. O comando do longa ficou nas mãos de Hiromasa Yonebayashi, animador do Ghibli desde 1997 e que já tinha provado seu talento como diretor-solo em sua animação de estreia O Mundo dos Pequeninos. O diretor também é o responsável pelo roteiro, crédito que divide com Keiko Niwa e Masashi Ando, conseguindo realizar uma belíssima atualização do argumento original para a cultura oriental sem perder o foco principal. A grande questão não era discutir se Marnie é de fato um fantasma ou a criação de uma mente perturbada como fonte de escapismo. O gancho principal seria falar da importância do amor, da amizade, da compreensão e da confiança em alguém na vida de qualquer ser humano. A relação estabelecida entre Anna e Marnie permite que ambas troquem confidências, exponham seus medos e se permitam a experimentar coisas novas. É uma pena que no clímax o roteiro mude drasticamente o tom minimalista e revele com excesso de informações e didatismo a real ligação entre Anna e Marnie, algo que destoa do estilo Ghibli que geralmente dispensa resoluções fáceis e mastigadas.

A revelação do segredo de Marnie que deveria ser emocionante acaba quebrando o ritmo cadenciado adotado até então e, ironicamente, revelando certa pressa em encerrar à obra, como se o estúdio estivesse a soar que precisava encerrar suas atividades. Até os personagens coadjuvantes acabam sendo esquecidos e não são desenvolvidos, apesar de seus perfis inicialmente serem demarcados por interessantes características. Todavia, tal deslize não desqualifica a obra que no conjunto é mais uma joia do estúdio tingida com cores esmaecidas e com um avanço quanto a movimentação e sonorização de elementos como a vegetação e a água, embora as imagens estáticas ainda sejam emblemáticas. As Memórias de Marnie por alguns anos foi encarado como o derradeiro projeto dos estúdios Ghibli. Na verdade Myiazaki, um dos fundadores da empresa, decidiu tirar um período sabático a fim de reorganizar a empresa, principalmente pensar em nomes para assumir o legado. Tal obra então deve ser encarada como a prova definitiva de que a produtora não pode fechar suas portas. Seus trabalhos são necessários, um patrimônio cultural para a humanidade.

Animação - 103 min - 2014

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HALLOWEEN - A NOITE DO TERROR (1978)

2026-10-31T00:30:00.000-03:00

Obra sobrevive à ação do tempo dando uma aula de como estimular o medo sem o apelo explícito

Os festejos do Dia das Bruxas é uma das mais tradicionais comemorações dos EUA, mas a moda acabou se estendendo a outros países. No Brasil, escolas tentam manter vivo o hábito da busca dos doces ou truques e as baladas convidam o público a participarem fantasiados, mas sem dúvida a grande tradição para comemorar a data por aqui é a reunião caseira para curtir filmes de terror na companhia de pipoca, refrigerante e outras guloseimas. Halloween – A Noite do Terror é um título obrigatório, um marco do gênero que envelhece cultuado por nostálgicos e angariando novos adeptos, todavia, não estranhe se ouvir algumas críticas negativas ao longa. Falam tanto desse filme, mas cadê o sangue e a adrenalina? Sim, muita gente deve assistir e em um primeiro momento não ver nada de mais na produção, contudo, o diretor John Carpenter não ficou conhecido como mestre do terror por acaso. Em 1978, em um de seus primeiros trabalhos, mesmo com orçamento restrito soube usar a criatividade e compreendeu como poucos o que é o medo, um sentimento subjetivo e pessoal, ou seja, cada um pode compreendê-lo de uma maneira diferente. Por exemplo, a escuridão pode ser perturbadora para alguns que tem estômago forte para ver cenas de mutilações e vice-versa.

Escrito por Carpenter em parceria com Debra Hill, O filme começa com a câmera assumindo a posição da visão do assassino que espreita-se pelos cantos de uma casa coberta pela penumbra. Ao entrar em um dos quartos, uma jovem desnuda é violentamente esfaqueada, mas a câmera registra o momento de forma recatada. Somente depois descobrimos que o frio assassino é um garoto de apenas seis anos, flagrado pelos pais com uma faca ensanguentada e um olhar frio desprovido de qualquer tipo de sentimento em relação ao que cometera com a própria irmã. Internado em um hospício, quinze anos mais tarde Michael Myers (Tony Moran) foge e imediatamente começa a matar. Ataca um motorista na estrada para ficar com suas roupas e o carro (como sabe dirigir é pifiamente explicado) com o qual parte para Haddonfield, sua cidade natal a poucos quilômetros do manicômio. Em seu encalço está o Dr. Sam Loomis (Donald Pleasence), seu psiquiatra que chegou a conclusão que não há tratamento para Myers, sendo o isolamento sua única forma de mantê-lo vivo. Ele vai até a antiga casa do paciente, há anos abandonada e considerada amaldiçoada, e constata que o vilão passou por lá e matou sua fome devorando um cachorro, mais uma prova de sua total demência. Contudo, o assassino tem uma incomum inteligência para articular crimes. Rouba a lápide do túmulo da irmã, assalta uma loja para munir-se de facas e cordas e começa a rondar a região elegendo a jovem estudante Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) seu alvo preferencial, uma tímida garota que irá passar a noite do Dias das Bruxas trabalhando como babá, mas horas antes já sente que está sendo perseguida por alguém misterioso, porém, como é dia das pessoas saírem fantasiadas e pregarem peças acredita que tudo é apenas uma brincadeira.

Seria muito fácil arranjar uns oito ou dez amigos salientes para a mocinha e sustentar o filme em cima da expectativa de saber quem será a próxima vítima, mas Carpenter opta pela economia de mortes. Apenas quatro são flagradas (fora a citada da introdução), mas nada é mostrado de forma explicita, o que certamente frustra os adeptos de sangue e vísceras. A preocupação é criar um clima para que o espectador sinta a presença onipresente do vilão. Com a escuridão quase ininterrupta, a cada nova cena deixamos nossos olhos passearem por todos os detalhes do cenário em busca de algum indício de que o assassino está à espreita, contudo, nunca temos a certeza se a imagem que vemos é de fato a mesma que o vilão aprecia. Talvez por isso o assassino em pessoa apareça tão pouco, afinal a excepcional construção do clima obrigatoriamente já o faz habitar nosso subconsciente naturalmente dando a impressão de que ele está em todos os lugares. Embora sempre lembrado como grande ícone do terror ao lado de seus sucessores Jason Voorhees (Sexta-Feira 13), Freddy Krueger (A Hora do Pesadelo) e até mesmo de seu antecessor Leatherface (O Massacre da Serra Elétrica), Myers representa a personificação do medo de forma econômica. Sua máscara desprovida de semblante, seu porte que revela sua força descomunal e suas aparições geralmente em meio à escuridão e acompanhada de uma trilha sonora marcante e de arrepiar (composta pelo próprio Carpenter) são o bastante para causar frio na espinha. Para os adultos ele representa o temor de na rua ou dentro de sua própria casa vir a ser vítima de um psicopata. Para as crianças, Myers é o temido bicho-papão, aquele monstro que leva embora quem é desobediente.

Myers Também pode assumir o papel daquela assombração que vez ou outra temos a impressão de sentir a presença ou cujo vulto faz sombra nas paredes. Contudo, para sentirmos a real ameaça que este homem representa talvez seja preciso fazer um esforço para voltarmos aos anos 1970 e assim descobrir o que significou seu surgimento. Como um dos percussores do subgênero slasher, praticamente todos os clichês batem cartão. Temos o assassino mascarado e que parece imortal, suas emboscadas quase sempre infalíveis, a libertinagem fazendo alusão ao prenúncio da morte e uma penca de sustos falsos, enfim tudo aquilo que você já viu em outras obras da seara. Todavia, a maioria dos filmes similares pecam por não saberem estimular o medo. O roer das unhas é imposto com cortes de cenas acelerados acompanhados de efeitos sonoros estridentes, assim o espectador é sempre avisado quando uma morte acontecerá e não raramente os gritos se transformam em gargalhadas ou frustrações. Frente a enorme concorrência de fitas slashers que tomaram de assalto o cinema e o mercado do home vídeo nos anos seguintes, e até pelo excesso de continuações da própria franquia, Myers ao longo dos anos tornou-se uma máquina de matar descontrolada, algo já notado logo na primeira sequência lançada em 1981 que já contava com um alto número de corpos mutilados. A terceira parte da saga tentou manter o vigor do título sem a figura de Myers, provavelmente vislumbrando uma longa coleção de filmes que pudessem trabalhar com os mais variados estímulos de terror sem a dependência do já então célebre assassino, mas não teve jeito. O mascarado voltou em muitas outras sequências, cada vez mais sedento por mortes e sempre tendo Laurie ou alguém ligado a ela como principal alvo, independente de estabelecer uma conexão entre todos os filmes, assim a qualquer momento a franquia pode ser reestabelecida escolhendo algum capítulo aleatório para dar continuidade.

Quem é dos tempos das fitas VHS e quando filmes na TV eram um evento sabe o gostinho de assistir algo que antes no cinema era proibido. A sensação de quebrar uma barreira era equivalente a de um amadurecimento repentino e o mesmo seria representado no filme. Fisicamente é inegável o medo que Myers provoca, mas poucos param para pensar que psicologicamente ele também representa os temores inerentes ao crescimento. A jovem que sobrevive a sua perseguição jamais recuperaria a inocência de antes, algo que perdeu em apenas uma noite e que faz alusão ao tabu da virgindade. Sabemos que liberdade sexual sempre existiu, mas na época ainda era uma grande afronta aos bons costumes, assim as ações do assassino também podem ser vistas como um puritanismo torpe afinal suas primeiras vítimas são os personagens mais saidinhos, embora fique latente seu prazer aliado à dor. Os mais castos acabariam saindo com vida do massacre como uma espécie de mensagem moralista ao público-alvo da obra. Medo de crescer? Promiscuidade? Representação do Mal? Sabemos que as reais respostas das intenções de Halloween – A Noite do Terror apenas Carpenter poderia oferecer. Aqui é apenas uma das várias interpretações que o filme pode ter, mas o que é incontestável é que esta obra prova que seu sucesso não é em vão. Dificilmente você olhará para um canto escuro como antes. Ouvir uma respiração ofegante então...

Terror - 91 min - 1978

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2026-10-30T00:30:00.000-03:00

Sátira a filmes de terror limita-se a oferecer apenas erros e vergonhas de seus similares

Quando estreou o primeiro filme da série Todo Mundo em Pânico ninguém duvidava que muitos capítulos iriam vir a seguir, afinal de contas material para satirizar jamais faltaria. O problema é que após o original perdeu-se o fio da meada (o mínimo que segurava as pontas) e os roteiros começaram a atirar para tudo quanto é lado sem chegar a lugar algum. Variando os gêneros a serem achincalhados, outros derivados dessa linha, como Deu a Louca em Hollywood, Super-Herói- O Filme e Espartalhões, mostraram esgotamento da fórmula e não geraram continuações, provando o oportunismo que os sustentavam. A ideia basicamente é fazer alguns trocados tirando sarro de produções famosas, de preferência recentes para não exigir demais do cérebro do público-alvo dessas fitas. Vendo por esse lado, Stan Helsing tinha potencial para ir além, a começar pelo seu título que evoca a lendária figura de Van Helsing, o caçador de monstros.

Na noite de Halloween, Stan (Steve Howey) está a caminho de uma festa na companhia dos amigos Teddy (Kenan Thompson), Nadine (Diora Baird) e Mia (Desi Lydic), mas antes precisa fazer uma entrega para seu chefe em um lugar distante. Pegando um atalho, já sabemos que as coisas vão sair dos trilhos. O quarteto vai parar em um sombrio condomínio onde no passado funcionava uma produtora de filmes de terror, mas cujas atividades foram interrompidas por causa de um grave incêndio. Opa! Acidentes mal resolvidos, lugares assombrados, uma cidade que dá toque de recolher à meia-noite... até que o argumento tem potencial, mas tudo é desperdiçado pelo roteirista e diretor Bo Zenga que parece apenas querer brincar de alinhavar porcamente referências a filmes de terror, conseguindo risadas amarelas de alguns poucos que conseguem entender as piadas, afinal quem não é fã de sangue e tripas deverá ficar boiando.

Stan poderia ser um descendente do citado herói da antiguidade e, em pleno século 21, combater assombrações modernas oriundas do cinema como Freddy Krueger, Jason Vorhees e Michael Meyers, mas a vontade que temos é de que estes monstros não estejam de brincadeira e realmente trucidam o babaca protagonista e sua turma de amigos descerebrados. Depois os próprios vilões poderiam fazer o favor de matarem uns aos outros. São péssimos! Para uma produção que quer casar humor e terror, no mínimo, a banda podre deveria ter um pouco de sangue frio e astúcia, mas a turma reunida aqui parece ter sido pinçada nas ruas durante o carnaval e ainda por cima embriagados. Assim, além dos já citados vilões que fizeram História e aqui são reduzidos a pó, Zenga também joga fora a oportunidade de extrair boas sátiras de produções como O Massacre da Serra Elétrica, Brinquedo Assassino, Olhos Famintos entre tantas outras que ficaram de fora. Os personagens são tão maus caracterizados que alguns demoramos um tempo para identificar, mas isso é o de menos já que o público-alvo rapidamente irá se esquecer que o intuito da produção seria satirizar filmes de horror.

Piadas de conotação sexual explícita tomam conta da produção, mas a maioria não funciona assim como todo o resto. Até uma subtrama envolvendo um misterioso caronista chega a ser inserida, porém, abandonada sem nada a acrescentar a essa colcha de retalhos cheia de buracos. Nem mesmo o fato do protagonista trabalhar em uma videolocadora, ainda que na época já um negócio em decadência, inspirou algumas boas piadas que poderiam surgir explorando alguns títulos famosos. No final das contas, Stan Helsing se causa algum tipo de reação cômica deve ser daquele espectador ruborizado diante de algo tão absurdo e que ri de si mesmo por perder tempo com tal bobagem que não passa de um amontoado de cenas sem sentido. Ainda é triste saber que o saudoso comediante Leslie Nielsen, em uma de suas últimas atuações, tenha topado participar de algo tão vulgar e com um papel indigno de seu talento, um dono de bar que gosta de se vestir de mulher.

Embora os protagonistas sejam extremamente irritantes, ainda assim o roteiro desperdiça preciosos minutos tentando criar um mínimo de empatia com o espectador, mas tudo é em vão. Passagens que deveriam ser engraçadas tornam-se arrastadas e extremamente ridículas em mãos sem talento, além dos diálogos serem os mais previsíveis possíveis, deixando tudo mais constrangedor ainda. A inverossimilhança é característica marcante deste subgênero, mas Zenga extrapola os limites do nonsense. Como as sátiras a produções de horror e suspense vira e mexe continuarão a pipocar, seria bom que produtores, roteiristas, diretores, elenco e até faxineiros e copeiros dos estúdios se dessem ao trabalho de ver alguns bons títulos da seara, como Todo Mundo Quase Morto e Zumbilândia. Quem sabe assim aprendessem alguma coisa a respeito de uma fórmula que não está completamente enterrada, mas que carece de sangue novo e de preferência reforçado em termos de criatividade, capricho e boa vontade.

Comédia - 90 min - 2009

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TODO MUNDO EM PÂNICO (2000)

PEQUENO DEMÔNIO (2017)

TODO MUNDO HISPÂNICO (2009)

EU OS DECLARO MARIDO... E LARRY (2007)

2026-10-29T00:30:00.000-03:00

Defendendo a diversidade, longa ressalta o valor da amizade, do respeito e da solidariedade

Adam Sandler não é um excepcional sinônimo para o gênero comédia. Não para aqueles que apreciam um humor de qualidade ou até mesmo satírico. Seus trabalhos são puro nonsense. Todavia, o ator conquistou uma legião de fãs e geralmente extrapola o aproveitamento de sua fama com atuações exageradas e repetitivas, porém, não se pode negar que é um astro que permite que seus companheiros de cena também se destaquem. Deixando o humor físico e as caras e bocas de lado (bem, nem tanto assim), Sandler divide com seu velho amigo Kevin James as boas piadas de Eu os Declaro Marido... E Larry, uma eficiente comédia na qual eles interpretam dois héteros tentando se passar por gays para ganharem benefícios de um programa social do governo. Embora a primeira vista possa parecer mais uma produção para achincalhar a imagem dos homossexuais, na realidade o humor aqui é usado de forma agradável e consciente levando uma mensagem otimista e reflexiva ao público, afinal todos têm direito a serem felizes, mas o caminho para alcançar tal felicidade cabe a cada um escolher e aos demais só resta ao menos respeitarem. Apesar de levantar a bandeira da diversidade social, o recado mais forte que esta comedia nos deixa é sobre a valorização da amizade, principalmente nos momentos de dificuldades.

Chuck Levine (Sandler) e Larry Valentine (James) são dois destemidos bombeiros que não são unidos apenas profissionalmente, mas também são grandes amigos quando estão longe dos incêndios e resgates. Larry ficou viúvo muito cedo e se preocupa com o futuro dos filhos, mas devido a problemas burocráticos não consegue colocá-los como beneficiários em seu seguro de vida. Para tanto ele precisaria se casar novamente, mas ele ainda não superou a perda da esposa e sabe que não pode confiar em qualquer mulher quando há dinheiro em jogo. O jeito é recorrer ao seu grande amigo que tem com ele uma dívida de gratidão por ter salvo sua vida em um incidente de trabalho. Em nome da amizade, Chuck topa então viver uma união de fachada com Larry para ajudá-lo, porém, pegando muita gente de surpresa, esta relação revelada repentinamente é colocada em xeque de imediato. Muitas pessoas aderiram a união com alguém do mesmo sexo para conseguirem benefícios, portanto, todos os casais gays precisavam ter suas vidas minuciosamente avaliadas, assim os bombeiros ficam na mira do chefe linha dura, o Capitão Tucker (Dan Aykroyd), e do oficial de justiça Clint Fitzer (Steve Buscemi), ambos suspeitando que os rapazes estão aplicando um golpe. Obrigados a transformar o casamento de mentirinha em realidade, ao menos quando estão em locais públicos, os amigos vão ter suas rotinas acompanhadas bem de perto por Alex McDonough (Jessica Biel), uma advogada especializada em direitos dos homossexuais por quem Chuck acaba se apaixonando, assim complicando ainda mais as coisas.

Os dois protagonistas funcionam mais ou menos como o casal de homem e mulher típico das comédias românticas: aparentemente são completamente opostos, mas aos poucos percebem que se complementam e não podem viver um sem o outro. Contudo, só amizade, nada mais. A principal diferença entre eles está no modo como se comportam e encaram a vida. Chuck é animado, tem sempre uma piada ou um comentário irônico na ponta da língua e conquistar mulheres é seu hobby preferido. Já Larry é mais acanhado, sereno, evita badalações e não tem uma vida muito alegre desde que ficou viúvo. As características dos personagens são bem defendidas por seus intérpretes e a maneira como cada um trabalha o humor é o ponto-chave. Sandler, embora mais comedido que de costume, ainda está exagerado e não dispensa uma ou outra piada bizarra. Ele não é nada refinado, mas parece que percebeu que a temática é um pouco mais séria que os roteiros que lhe caem nas mãos. De machista radical seu personagem aos poucos vai se tornando mais humanizado e percebendo o quanto o preconceito é cruel. Já James mostra-se mais sutil e trabalha a comédia economizando palavras, mas compensando com olhares e gestos que evidenciam seu dilema. Tentando ao máximo levar a farsa adiante, fica claro seu desconforto com a situação, pesando o fato da consciência de estar atrapalhando a vida de um amigo em prol de sua felicidade.

O diretor Dennis Dugan, com extensa lista de parcerias com Sandler tendo como destaque a comédia-família O Paizão, deu carta branca para que seus protagonistas improvisassem nas cenas, o que talvez explique como uma comédia que podia ser repleta de piadas de mau gosto consiga ser leve e divertida. Existe certo senso de realidade na produção. Apesar do tema convidativo ao escracho e polêmicas, é importante ressaltar a habilidade dos roteiristas Barry Fanaro, Jim Taylor e do conceituado Alexander Payne, este último vencedor do Oscar pelo texto de Sideways - Entre Umas e Outras e Os Descendentes. Embora aposte em tiradas preconceituosas e debochadas, o enredo acaba por deixar ao final uma mensagem politicamente correta para abrandar os ânimos como, por exemplo, na cena do baile à fantasia quando Chuck e Larry são ofendidos e humilhados intensamente. A sequência é finalizada com um discurso a favor da diversidade sexual dito em alto e bom por Sandler em um dos raros momentos de lucidez de seu personagem. Todavia, não demora muito e lá está ele de volta com suas caras e bocas, além de trejeitos estereotipados, novamente bancando a "amiga" confidente de sua advogada durante uma tarde de compras.

Entre piadas homofóbicas e mensagens que condenam o preconceito, Eu os Declaro Marido... E Larry aborda de forma leve um tema espinhoso, retratando com bom humor os problemas que no dia-a-dia são vividos por aquelas pessoas que fogem do padrão engessado do que é considerado tolerável ou natural dentro de uma sociedade hipócrita e preconceituosa. Embora não seja um filme com momentos de gargalhar e com uma introdução que não promete grande coisa pela frente, é certo que o desenvolvimento da trama acaba por surpreender trazendo algum conteúdo relevante. Como já dito, a exaltação da amizade verdadeira e da solidariedade, além da sensibilidade despertada pelos conceitos sobre discriminação, fazem esta comédia valer a pena. De quebra, os saudistas ainda podem se divertir com alguns hits famosos do passado embalando as desventuras do casal fake e matar as saudades do ator Richard Chamberlain, gay assumido e ativista GLS, em uma pequena ponta atestando o valor da produção quanto a causa e aproximando a discussão do público jovem sem fazer pressão.

Comédia - 110 min - 2007

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SERÁ QUE ELE É? (1997)

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2026-10-28T00:30:00.000-03:00

Trajetória de um dos maiores golpistas dos EUA é instigante, mas extremamente resumida

Um homem consegue trocar de identidades com facilidade várias vezes ao longo de sua vida e até engana a própria esposa por muitos anos. Argumento ótimo para uma telenovela? E se ele fosse baseado em fatos reais renderia um bom filme? O diretor Mikael Salomon ficou em cima do muro entre as mídias para contar uma história que de tão mirabolante é difícil de acreditar. Pelo capricho técnico da produção e premissa, Quem é Clark Rockefeller? poderia muito bem ser um produto de cinema, mas como telefilme acabou prejudicado pela duração enxuta e mal aproveitamento de um material extremamente instigante. O roteiro de Edithe Swensen narra a história de Christian Karl Gerhartsreiter, um alemão condenado a cumprir uma sentença de 27 anos de reclusão em solo norte-americano acusado de assassinato, mas sua ficha criminal é extensa. Na adolescência ele se mudou para os EUA e desde então passou a assumir diversas identidades. Colecionador de arte, capitão de navio, astrofísico, executivo de fama internacional, aristocrata inglês, médico e, por fim, contador com inclinação à filantropia. O ator Eric McCormack, famoso pelo seriado "Will e Grace", assume o papel do falsário quando ele passa a usar a identidade de Ckark Rockefeller e o enredo se concentra primeiramente nos eventos que aconteceram em sua vida a partir de 1995, ano em que se casou com Sandra Boss (Sherry Stringfield), uma bem-sucedida executiva.

O casal teve uma única filha e durante anos o impostor levou uma vida próspera às custas do dinheiro da esposa. Contudo, chegou um momento em que a mulher se cansou de sustentá-lo, ainda mais diante de estranhos fatos que começou a notar em relação ao marido. Resumidamente a trama é essa, mas é nos detalhes do passado obscuro do protagonista e na maneira como ele foi desmascarado que reside o ponto de interesse da obra, ainda que se tratando de um filme feito para a TV foi preciso aglomerar o máximo de informações possíveis em um curto espaço de tempo. Mesmo assim é uma opção acima da média para o formato. Muitos pontos poderiam ser mais bem desenvolvidos, como a crítica inserida a respeito do deslumbramento que a fama e o dinheiro provocam. Só assim para explicar o fascínio que Gerhartsreiter exercia a cada nova identidade que assumia, sempre se posicionando como alguém de sucesso e de cultura elevada. Rockefeller, por exemplo, seria o rebento de uma das famílias mais nobres do solo norte-americano, certamente um rótulo que ajudou a conquistar a confiança e o coração de Sandra. O filme começa já com o casal separado há cerca de oito meses e durante todo este tempo o rapaz estava sem ver a filha Snooks (Emily Alyn Lind), mas sua ex-mulher aceita que eles tenham um encontro desde que vigiados por alguém de sua confiança. Tanto cuidado em vão. Ele já tinha arquitetado um plano para fugir com a menina que não compreende a situação e até acha divertido viajar sozinha com o pai.

A partir deste ponto a narrativa se divide entre as investigações e longos flashbacks que tratam de narrar a trajetória do vigarista, mas só na segunda metade é que teremos contato com os perfis falsos criados por ele anteriormente. Cerca de quinze anos antes, Sandra conheceu aquele que seria seu futuro marido e imediatamente se sentiu atraída pelo seu perfil culto e refinamento. Pouco tempo depois ele lhe contou uma triste história a respeito da perda precoce dos pais que lhe rendeu um trauma, tudo para convencê-la de que ele precisava de uma mulher como ela (leia-se rica e ingênua) ao seu lado para se tornar o homem de sucesso que sempre desejou ser. O sogro quando o conheceu o achou excêntrico e nenhum convidado compareceu à cerimônia de casamento respeitando a vontade do noivo de que a ocasião era exclusiva para a mulher que amava brilhar. A essa altura o espectador já está se questionando sobre a qualidade do texto, mas o rótulo de baseado em fatos reais nos força a ver até onde pode chegar a farsa. Como todos que conheciam o casal não comentavam sobre os hábitos introspectivos do rapaz? Simplesmente alegavam que como herdeiro da fortuna e tradição de um clã respeitável ele podia tudo, mas ninguém teve curiosidade em bisbilhotar sobre essa suposta origem de sangue nobre? O poder e o dinheiro realmente cegam as pessoas.

Durante as investigações, liderada pela agente do FBI Norton (Regina Taylor), alguns fatos chamam a atenção e tendem a colocar Sandra em maus lençóis. O nome do foragido não consta em nenhum cadastro de documentos e a esposa aceitou sempre assinar seu nome como de solteira alegando que o ex-marido é obcecado por segurança e cuidava de todos os assuntos relativos a documentações da família, tomando cuidado de não divulgar endereços ou telefones nem mesmo a pessoas próximas. Chama a atenção como uma mulher, longe de ser uma ignorante, compactuava com todas as excentricidades do companheiro, inclusive concordar que ele ficasse em uma casa isolada cuidando da filha enquanto ela passava toda semana em outra cidade trabalhando duro para alimentar os supostos investimentos dele em negócios dos quais ela nada sabia. De qualquer forma, antes de ser vista como cúmplice, esta mulher é peça fundamental no plano de capturar Rockefeller. Todavia, os departamentos de polícia de outras localidades estão dispostos a reabrir antigos processos conforme vêm à tona as peças que formam o complicado quebra-cabeças que é a vida de Gerhartsreiter que começou sua trajetória criminal com apenas 17 anos. Na Alemanha, ele conheceu um casal americano e usou a mínima intimidade que conquistou para conseguir permissão para viajar com eles. Já nos EUA, alegando ser de uma rica família germânica, cativou a confiança de mais alguns inocentes que lhe deram apoio durante algum tempo, mas não demorou muito para a relação amistosa se desgastar. Para conseguir seu green card e poder permanecer em solo ianque, casou-se apressadamente, mas a união durou apenas um dia.

Já em meados da década de 1980, Gerhartsreiter teve uma relação muito próxima a um jovem casal que desapareceu misteriosamente, embora a família tivesse sido informada que eles decidiram fazer uma longa viagem e sem planos para voltar. A autenticidade de tal mensagem foi questionada e apesar de algumas suposições faltavam provas concretas para a polícia capturar o falsário, mas quando restos mortais do casal foram encontrados ao lado da pousada onde ele vivia mais uma vez foi necessário assumir uma nova vida e é então que Sandra entra na jogada. Quem é Clark Rockefeller? termina mostrando a modesta pena que o meliante pegou por conta do sequestro da filha e dos crimes secundários que realizou para mantê-la sob sua custódia, mas sua história merece uma atualização, seja na TV ou no cinema, já que os 27 anos de reclusão citados no início do texto se referem ao tal duplo assassinato e foram decretados posteriormente à realização deste filme. Aliás, as condutas da defesa e a do próprio acusado mereciam mesmo uma análise mais profunda. Desde invocar problemas de insanidade, passando por conceitos de telepatia até chegar ao ponto do acusado dispensar qualquer advogado e investir em sua autodefesa, a vida deste homem realmente prova que o absurdo é uma realidade.

Suspense - 87 min - 2010

EM SEU LUGAR (2005)

2026-10-27T00:30:00.000-03:00

Com premissa típica de filme água-com-açúcar, mescla de drama e comédia surpreende

Sapatos são uma verdadeira obsessão das mulheres. Precisando ou não, dificilmente alguma resiste quando os vê em promoção ou encontra algum modelo ou cor que cairia perfeitamente para usar com aquela roupa que está encostada simplesmente por não combinar com nada. O estilo ou forma de usá-los também pode indicar muito sobre a personalidade, algo mostrado na mescla de drama e comédia Em Seu Lugar que mostra o relacionamento conturbado das irmãs Feller que em comum tem apenas o sobrenome e a coincidência de calçarem a mesma numeração. Rose (Toni Collette), esteja dentro ou fora do peso, mantém sempre o mesmo tamanho de calçados, assim não se importa em gastar horrores com os mais variados modelos, principalmente quando esta triste ou nervosa, porém, não os usa, ao contrário de sua irmã Maggie (Cameron Diaz) que prefere utilizá-los como ferramentas de sedução, um atalho para aproveitar ao máximo a vida. O comportamento das duas em relação aos sapatos resume suas personalidades. Enquanto a mais velha é estudiosa, esforçada, bem-sucedida e muito encanada com seu visual, a caçula é desligada, não quer saber de trabalhar, procura comparecer ao máximo de festas e eventos possíveis e é muito preocupada com a vaidade. Não a toa elas vivem as turras, mas nem por isso deixam de ser irmãs.

Expulsa da casa do pai Michael (Ken Howard) pela madrasta Sydelle (Candice Azzara) após uma bebedeira, Maggie não tem para onde ir e acaba se mudando para a casa de Rose que, obcecada por limpeza e organização, não aguenta o estilo desregrado da irmã e a certa altura a relação se torna insuportável. Após uma traição amorosa por conta da caçula, elas brigam para valer. Mais uma vez Maggie tem que fazer suas malas e agora vai procurar Ella (Shirley MacLaine), a avó que vive em um luxuoso condomínio para idosos, mas curiosamente todos julgavam estar morta há anos. A chegada da espevitada loira causa alvoroço entre os demais moradores, mas as maiores mudanças acontecem mesmo nos rumos das vidas das irmãs. Rose abandona seu emprego como advogada e do nada decide se tornar uma cuidadora de cachorros. Já Maggie procura parar de pensar só em curtição e paqueras e dedicar seu tempo a atividades mais produtivas e solidárias. Pela introdução, a adaptação do livro homônimo de Jennifer Weiner pode enganar e vender a imagem de mais uma comédia romântica estritamente para o público feminino, mas felizmente toma um caminho mais digno e adulto. Oscilando entre o drama e a comédia, mas jamais assumindo por completo um gênero específico, o roteiro de Susannah Grant não oferece surpresas ou originalidade alguma, mas ganha pontos pela maneira convincente que é desenvolvido.

O espectador não encontra dificuldades para se convencer das brigas e reconciliações entre as irmãs, pois há um cuidado em não queimar etapas. Quem assiste está sempre compreendendo as razões pelas quais as personagens agem, geralmente impulsivamente, fazendo a história fluir com naturalidade e sem a necessidade de mocinhas melosas, heróis, vilões ou momentos de catarse máxima. Com a entrada de MacLaine na trama, cujo sumiço da personagem por anos é explicada quando Maggie encontra cartas escondidas por seu pai, o filme foge da banalidade e dos clichês relativos ao relacionamento entre as irmãs e passa a tratar o amadurecimento de ambas de forma mais virtuosa, mas sem perder o viés tragicômico que dá o tom do início ao fim. As cenas passadas no retiro de idosos são responsáveis por algumas das melhores sequências e diálogos. Nesse ponto, o roteiro deixa as protagonistas um bom tempo sem contato, mas nem por isso deixa o ritmo cair, uma estratégia para acentuar ainda mais a dependência que as irmãs tem uma da outra apesar das diferenças. Por mais que todos saibam que no ato final elas irão se reencontrar e fazes as pazes, não é por este momento exatamente que o espectador anseia. O interesse maior é acompanhar como cada uma delas consegue, em primeiro lugar, solucionar os seus problemas pessoais para então se sentirem seguras para uma reconciliação e acharem um ponto de equilíbrio. O roteiro só peca por não ousar no final e garantir um happy end, inclusive uma resolução para o problema entre Ella e Michael, além de errar ao colocar a madrasta Sydelle com ares de bruxa de conto de fadas.

Então amador na representação do universo feminino, o diretor Curtis Hanson consegue tirar o melhor proveito de seu elenco e da temática. Diretor de obras tão díspares como A Mão Que Balança o Berço, Garotos Incríveis, 8 Mile - Rua das Ilusões e do premiado Los Angeles - Cidade Proibida, surpreende seu traquejo para lidar com um texto mais sensível e aparentemente banal. Aliás a falta de pretensão é o principal atrativo de Em Seu Lugar. Os excessos conhecidos de tantas outras fitas voltadas ao público feminino aqui não ganham espaço e nem fazem falta. A produção não se propõe a analisar o papel da mulher moderna na sociedade ou algo do gênero, mas se preocupa em contar uma tocante e singela história de amizade e laços familiares. Desde as primeiras cenas estabelecendo as diferenças de personalidades entre as protagonistas, Hanson leva o espectador a crer que elas terão perfis estereotipados, o que de fato não deixa de acontecer, mas a condução da narrativa é feita de uma maneira tão eficaz que o longa vai conquistando o espectador pouco a pouco e rapidamente nos esquecemos que estamos diante do velho clichê da garota bonita e fútil e da mulher que usa a inteligência para compensar sua falta de vaidade. Assim, é essencial o trabalho das atrizes.

Fazer caras e bocas para a câmera e desfilar em roupas justas ou minúsculas nunca foi problema para Diaz, porém, sua personagem exige que a certa altura ela deixe o sex appeal de lado e passe a agir como alguém comum e com responsabilidades. A seu favor, a displicência de Maggie com praticamente tudo é justificada pelo problema da dislexia que lhe causa dificuldades para novos aprendizados. Já Collette pode não ter o mesmo poder de fascínio da colega no cenário hollywoodiano, mas não raramente chama a atenção com atuações desafiadoras mesmo quando como coadjuvante. Aqui ela é uma das protagonistas com um perfil com várias camadas a serem reveladas. Por mais que transmita a imagem de alguém segura e bem sucedida, sua Rose aos poucos revela-se frágil e dependente de uma boa relação com a irmã. Por fim, a veterana MacLaine mostra-se muito a vontade em um papel secundário, porém, não menos importante, e revela a humildade característica de uma atriz de seu porte. Com duração acima da média, esta é um produção que sem dúvidas surpreende quem espera mais do mesmo. Ser um passatempo diferente já é o bastante.

Drama - 130 min - 2005

VIAGEM A DARJEELING (2007)

2026-10-26T00:30:00.000-03:00

Irmãos tentam solucionar problemas pessoais e familiares buscando inspiração na Índia

Após o funeral do pai acontecido há um ano, três irmãos já beirando a casa dos quarenta anos se reencontram em uma viagem de trem rumo a uma terra que inspira o lado místico e espiritual de qualquer um e assim têm a oportunidade de resgatarem os laços fraternais, mas sentem que só após verem a mãe terão a sensação de dever cumprido e memória do falecido honrada. O argumento de Viagem a Darjeeling é relativamente simples, mas sabendo ser um filme do diretor Wes Anderson a única certeza é que excentricidade é a palavra de ordem. Depois que Os Excêntricos Tenembaums causou certo burburinho entre cinéfilos, o nome do cineasta rapidamente transformou-se em uma espécie de grife cinematográfica, contudo, o filme em questão, apenas o seu quinto longa, mostra que sua obsessão por explorar o cotidiano de famílias bizarras não demorou a dar sinais de cansaço, até porque mais uma vez Owen Wilson, Bill Murray e Anjelica Huston aceitaram viver excêntricos papéis, assim como também ocorreu no longa anterior de Anderson, A Vida Marinha com Steve Zissou. Sai de cena o barco e o fresco clima marinho de um para dar espaço ao trem e as altas temperaturas exaladas pelas paisagens do outro. Não é errado dizer que praticamente só muda a ambientação das tramas, mas também não é certo resumir que a louca viagem proposta rumo à Índia é apenas uma reedição do texto anterior do diretor.

Dividindo os créditos de roteirista com Roman Coppola e o ator Jason Schwartzman, Anderson dá continuidade a sua jornada por territórios desconhecidos e voyeurismo acerca de tipos estranhos contando a história dos irmãos Whitman. Francis (Wilson), Jack (Schwartzman) e Peter (Adrien Brody) estão sem se falar há um ano, mas decidiram realizar uma viagem pela Índia a bordo do trem Darjeeling Limited com o objetivo de acabarem com a barreira existente entre eles e também para se limparem espiritualmente. Entretanto, devido a incidentes envolvendo a compra de analgésicos sem prescrição médica, o uso de um xarope local para tosse e um spray de pimenta, além de outros tantos tropeços, a viagem logo muda de rumo e faz com que os rapazes fiquem perdidos no meio do deserto com exatas onze malas, uma impressora e uma máquina plastificadora. Contudo, a vontade de reencontrar Patricia (Huston), a mãe que agora vive como missionária, faz o trio ter coragem para enfrentar as adversidades e assim cumprir suas metas. A ideia a princípio seria realizar um road movie sobre reconciliação e redenção, mas o fator curiosidade é saber qual seria a interpretação deste estilo de filme dentro do universo particular de Anderson. A começar pela escolha de quase toda a ação dentro de um trem fictício e da mística Índia como locação, o diretor não buscava contar apenas mais uma história acerca de um clã disfuncional, mas também abordar o choque social e cultural da individualidade e materialismo dos visitantes ocidentais com a paz e o desprendimento do povo oriental.

O trio de roteiristas viajou para à Índia para se inspirarem e acabaram adicionando na trama algumas situações divertidas ou embaraçosas pelas quais passaram, principalmente nas várias viagens de trem que fizeram. Assim como as ruas indianas são conhecidas pelo caótico trânsito e paisagens que combinam ostentação e miséria, dentro do transporte que intitula originalmente o filme as coisas não são diferentes. As pessoas se amontoam e poluem ainda mais o visual do ambiente já dotado de cores vibrantes e acessórios que indicam o quão luxuoso era o Darjeeling Limited no passado, uma criação digna de elogios e que o diretor faz questão de apresentar cada cantinho com sua câmera que passeia livre e prazerosamente. Certamente muitos ricaços e famosos viajaram neste trem, mas hoje seus usuários são pessoas comuns, ou melhor dizendo, gente tão problemáticas quanto os protagonistas. Francis, o mais velho dos irmãos, é quem organizou o reencontro como uma missão em agradecimento pela segunda chance para viver após sobreviver a um grave acidente com intenções suicidas (ironicamente na vida real Wilson supostamente teria tentado se matar pouco antes do início das filmagens). Jack, o mais novo, é um escritor que no momento ocupa seu tempo e mente controlando a caixa de mensagens telefônicas da ex-namorada a qual possui a senha, tudo para saber como ela está vivendo longe dele. Por fim, Peter é quem mais aparenta não ter superado a perda do pai visto que leva na viagem vários objetos pessoais do falecido, como navalhas de barbear e seus óculos, e seus sentimentos se confundem agora que seu primeiro filho está prestes a nascer.

Juntos os irmãos buscam vivenciar algum tipo de experiência religiosa que os ajude a superar seus problemas e uni-los novamente. Entretanto, ao que tudo indica, a bagagem que levarão de volta dessa viagem é de bens materiais mesmo, além de velhas frustrações somadas a algumas novas. Logo na primeira parada do trem a trupe já é corrompida pelo bichinho do consumismo, um prenúncio de que a reunião não atingirá seus objetivos, até porque muitas brigas e confusões estarão por vir. As coisas degringolam mesmo quando vem a tona que a real intenção de Francis é reencontrar Patricia que decidiu viver reclusa em um mosteiro indiano longe de tudo e de todos. Os irmãos mais novos sentem o peso do abandono da mãe, ainda mais ao saberem que ela deixou explícito através de uma mensagem que não queria mais que eles a procurassem, mas acabam aderindo ao plano de reencontrá-la, mesmo porque não teriam outra alternativa. Por conta das várias trapalhadas que provocam no trem, o trio é obrigado a seguir viagem sozinho, contando apenas com a sorte, e as circunstâncias inevitavelmente promovem a união entre os irmãos. Apesar de todas as excentricidades, é possível criar identificação com estes personagens no fundo melancólicos, afinal todos buscam de alguma forma a felicidade e sabemos o quanto é difícil enfrentar barreiras e vícios que nos impedem de chegar a esse objetivo.

É preciso destacar que o filme é precedido por um curta-metragem, o “Hotel Chevalier”, no qual Schwartzman teve a colher de chá de vivenciar o histórico recente de vida de seu personagem antes das filmagens do longa. Jack está em um hotel em Paris quando recebe um telefonema de sua ex-namorada (Natalie Portman – chamando a atenção por aparecer em alguns takes nua) dizendo que está na cidade e deseja revê-lo. Os elementos cênicos e até mesmo diálogos fazem a ponte com o longa de fato, o que ajuda a entender a obsessão de Jack em vigiar a distância a ex-mulher de sua vida. Mesmo com esse bônus, isso não quer dizer que Jack tenha mais destaque que seus irmãos. O roteiro sabe dar importância a todos de maneira uniforme. Enquanto Jack sofre de amor, Francis como o mais velho sente-se na obrigação de servir como figura paternal e Peter reluta contra a dependência das lembranças do pai ao mesmo tempo em que sabe que em breve terá uma criança dependente de seus cuidados, mas em comum todos têm consciência de que estão com suas vidas desestruturadas. Para aproveitar ao máximo Viagem a Darjeeling é preciso estar livre de preconceitos ou do fanatismo em torno do nome de Anderson. Só assim para avaliar honestamente esta obra que não é excepcional, mas o conjunto de pontos positivos justificam uma boa nota. Em tempo: onde fica o citado Murray nesta trama? Compondo uma piada de bastidores, o ator entra em cena logo no início com visual desgrenhado e correndo para embarcar no trem, mas chegou atrasado e acabou ficando de fora da história. Coisas do universo peculiar de Anderson.

Comédia - 90 min - 2007

GRANDES OLHOS (2014)

2026-10-25T00:30:00.000-03:00

Longa aborda relação de casal de artistas plásticos baseada em submissão e mentiras

A expressão popular que diz que atrás de um grande homem sempre existe uma grande mulher parece inspirada na história de Walter Keane e Margareth Ulbrich. Quem são eles? De fato, seus nomes não são muito famosos, mas no passado com certeza figuraram nas páginas de jornais, mais precisamente nas seções policiais. Grandes Olhos retrata a trajetória pessoal e profissional destes artistas plásticos a partir do momento que iniciam uma relação marcada por interesses, mas ainda assim com certo romantismo que aos poucos cedeu espaço ao egocentrismo dele e a anulação da mulher. A trama se desenvolve a partir de meados da década de 1950 quando Margareth (Amy Adams), fugindo do marido junto com a filha pequena, decide recomeçar sua vida em outra cidade. Com um talento peculiar para desenhar figuras humanas, principalmente crianças, sempre dotadas de grandes olhos que revelavam certa tristeza, contudo, seu trabalho não era valorizado e assim se contentava em pintar decorações em móveis e a ganhar alguns poucos trocados fazendo retratos em feiras. Em uma delas acaba conhecendo o carismático Keane (Christoph Waltz), que também não tinha sucesso vendendo seus quadros de cenários parisienses. Os dois acabam se apaixonando e se casam rapidamente para que ela não perdesse a guarda da filha provando ter condições para criá-la em um ambiente familiar. No início tentam ajudar um ao outro, mas tudo era muito difícil e humilhante, com o casal chegando a alugar paredes de um clube noturno para poderem expor seus trabalhos, mas as pessoas passavam batidas pelas obras de arte e quando as viam costumavam zombar, principalmente das pinturas de Margareth.

Quando finalmente alguém se interessa em adquirir uma imagem com os tais grandes olhos, Keane, embriagado, acaba assumindo a autoria do quadro. A partir deste momento ele propõe a esposa que ela faça as pinturas e ele as assine justificando que havia preconceito com o trabalho de artistas mulheres. Apaixonada pelo marido e decepcionada com sua carreira, Margareth acaba aceitando a ideia e durante um bom tempo aparentemente mostrava-se satisfeita com a situação, mas tudo muda quando o sucesso sobe à cabeça de Keane. Ainda que as vendas de quadros não atinjam um nível satisfatório, Keane com seu astuto olhar empresarial descobre uma forma de multiplicar seus lucros vendendo réplicas em forma de pôsteres, cartões, pratos decorativos, canecas e tudo o mais que pudesse ser estampando com as imagens das crianças de grandes olhos. É nesse momento que Margareth toma conhecimento do potencial de seu trabalho e que deixou desperdiçar, mas ainda assim sabe que precisaria do marido para continuar a dar uma boa vida para filha, pois ele detinha o tino comercial. Quando tenta em paralelo firmar seu próprio nome com um novo tipo de pintura, pessoas com olhos mais fechados e expressando certo cansaço e desânimo, reflexos de seu próprio estado emocional, ela percebe o egoísmo do marido que disputando preferências de compras, espaços em exposições e, principalmente, espaço na mídia, sempre dava um jeito de diminuir o trabalho da esposa e quando possível escondê-lo.

A farsa começa a desmoronar quando Keane deseja a todo custo expor em um importante evento focado em educação e direitos infantis e exige que a esposa faça a maior e mais ambiciosa de suas telas retratando rostos de crianças de diversas nacionalidades marchando como se estivessem rumo a um futuro sem esperanças, contudo, a obra acaba sendo duramente julgada por John Canaday (Terence Stamp), um renomado crítico, que pública um artigo rotulando o painel como a própria definição do mal gosto e uma criação sem alma ou aspiração artística, algo como um produto feito sob encomenda. Se a essa altura o casamento já estava mal, o episódio foi a gota d’água para Margareth resolver mais uma vez se separar e depois de um tempo revelar ser a autora das pinturas dos grandes olhos, assim travando uma batalha na justiça para ter seu trabalho finalmente reconhecido. Revelar o ponto de decadência do artista não é spoiler algum, qualquer busca por seu nome na internet pode revelar tais detalhes. E outra, os roteiristas Scott Alexander e Larry Karaszewski não acompanham o desenrolar dos fatos pela visão dos protagonistas apenas como figuras públicas, mas invadem suas intimidades deixando claro desde o início o pacto do casal, assim já sabemos que mais cedo ou mais tarde a verdade virá a tona, caso contrário não haveria motivos para o filme existir.

O interessante é acompanhar a relação íntima dos protagonistas em paralelo a continuidade da farsa até sua revelação, ainda que Keane a defendesse sem sucesso até falecer enquanto Margareth continuou pintando, mas nunca chegou a ser um expressivo nome do ramo, pois sua arte não fazia parte de um movimento em específico e considerada, no fundo, desprovida de originalidade ou grandes técnicas. Desde a infância, devido a um problema passageiro de audição, ela se acostumou a usar seus olhos para tentar compreender o mundo e, a julgar por seus quadros, sua visão sempre foi um tanto melancólica. Colecionador de obras de Keane, ou melhor dos trabalhos de Margareth, Tim Burton encarregou-se de filmar esta história real bastante peculiar. Conhecido por filmes com temáticas fantásticas, estranhas e não raramente góticas, nos últimos tempos o diretor vinha exagerando na dose de espetáculo, assim é bastante interessante o ter no comando de um drama simples e com certo quê de produção independente. Todavia, o material não foge completamente do universo ao qual está acostumado, ainda que nitidamente só percebemos a assinatura do diretor em uma ou outra cena quando Margareth enxerga os grandes e tristes olhos nas pessoas reais, inclusive nela mesma, o primeiro sinal de alerta para a submissão que a cegou. Grandes Olhos aborda uma história protagonizada por pessoas, de certa forma, fora dos padrões. Keane, ao que tudo indica, era um homem charmoso e de lábia, mas Waltz o representa com propositais exageros. Não conseguimos enxergar o personagem como um vilão e sim ter pena dele, ainda que jamais nos posicionamos a seu favor. Facilmente o rotulamos como alguém patético ou perturbado e que teve a sorte de encontrar uma companheira ludibriável e já bastante reprimida por convenções sociais. Inicialmente, parece haver sentimentos verdadeiros por parte dele, mas os mesmos são suplantados conforme sua ganância e orgulho crescem.

Já Adams passa praticamente metade do filme como uma coadjuvante por conta do perfil da personagem, mas depois dá uma guinada. Nesse ponto o filme se renova apresentando uma Margareth mais segura e empenhada a provar sua independência através de seu trabalho, ainda que se apegue a conselhos de numerologia ou religiosos como forma de incentivo. Submissa ou empoderada, o fato é que a personagem é o que segura a atenção equilibrando a narrativa, embora fosse um perfil bastante complexo e que poderia ser melhor explorado. Para não ser um filme muito longo, infelizmente a edição mostra-se apressada, principalmente quanto ao desenvolvimento inicial da relação dos artistas. Seguindo a cronologia das situações, Burton apenas pincela alguns fatos de suas vidas quase seguindo uma linha de raciocínio jornalística. Ainda que seja uma produção sem grande criatividade narrativa e deixe o gostinho de quero mais quanto a exploração do estilo da pintora, é uma obra bastante agradável e acima da média quando levamos em consideração os últimos e questionáveis trabalhos de Burton.

Drama - 106 min - 2014

Leia também a crítica de:

GOLPE DE GÊNIO (2009)

POLLOCK (2000)

AS PALAVRAS (2012)

QUANDO AS LUZES SE APAGAM (2016)

2026-10-24T00:30:00.000-03:00

Explorando satisfatoriamente a escuridão, longa peca ao expor seus segredos rapidamente

Já tivemos os tempos áureos das fitas de seriais killers, a época em que monstros clássicos da literatura tomaram de assalto a sétima arte, a onda das refilmagens de terror orientais e também o leve sopro de originalidade vindo das produções de horror e suspense assinadas por diretores e roteiristas espanhóis que mesmo quando são importados para Hollywood costumam deixar marcas próprias em suas obras. E não podemos deixar de mencionar também sobre a febre da edição de imagens de fitas amadoras supostamente reais, vertente que não tardou a enjoar tamanha repetição do recurso, mas logo os produtores já tinham uma nova brilhante ideia para tirar da cartola, ou melhor, neste caso da internet. Com a fácil e superexposição, muitos cineastas amadores ou profissionais em início de carreira fizeram da rede mundial de computadores sua vitrine. Bastaram apenas três curiosos e intensos minutos de um curta-metragem assinado por David F. Sandberg para James Wan, diretor de Invocação do Mal, decidir bancar a extensão do projeto. Assim nasceu Quando as Luzes se Apagam, uma obra compacta e com méritos próprios para receber alguns elogios. A premissa é das mais interessantes. Um ser sobrenatural está literalmente tirando o sono de uma família dia e noite, basta alguém se arriscar a ficar no escuro. No entanto, um pequeno feixe de luz é o suficiente para que a ameaça desapareça, ainda que temporariamente. A trama então explora uma fobia bastante comum, porém, por um viés ligeiramente original.

Martin (Gabriel Bateman) está constantemente tendo problemas na escola por não dormir direito, tanto pela dor de ter perdido seu pai recentemente quanto pelas preocupações com sua mãe, Sophie (Maria Bello), uma mulher que já a algum tempo apresenta sinais de demência. Ela demonstra que mantém contato amistoso com Diana (Alicia Vela-Bailey), a tal estranha criatura soturna que também aparece para o menino, porém, para atormentá-lo. O porto-seguro do garoto se torna Rebecca (Teresa Palmer), sua irmã mais velha que também revela que enquanto morava com a mãe sofria os mesmos temores quanto às visões, além do abalo com a ausência do pai que na época pediu o divórcio. Portanto, o ciclo de infortúnios se repete. O bom é que este suspense não é gratuito ou pelo menos não é em vão totalmente. Calcado em um razoável drama psicológico, é possível considerar que Diana é de fato um fantasma na vida desta família, uma espécie de materialização dos assuntos mal resolvidos entre eles. Rebecca ficou traumatizada com os episódios que vivenciou em sua infância e que lhe trouxeram danos na maturidade, como o fato de preferir a solidão. Independente e morando sozinha, ela até tem um namorado, Bret (Alexander DiPersia), mas deixa claro que abomina qualquer tipo de relação íntima mais estreita, assim morar juntos nem pensar. O exemplo de seus pais enraizou uma imagem de que o casamento é uma bobagem que mais cedo ou mais tarde só traz sofrimento. Com seu irmão os laços afetivos também não são lá muito sólidos, mas a identificação com seus problemas ajuda a uni-los em prol de um bem maior.

Como toda mocinha de produções do tipo, é óbvio que Rebecca vai bancar a detetive e rapidamente encontra as respostas que queria. Algumas fotos e anotações do passado de Sophie revelam o mistério, mas para deixar tudo bem explicadinho ao espectador o roteiro do próprio diretor em parceria com Eric Heisserer faz questão que os poucos personagens reiterem a história do espectro uns aos outros, uma forma também de espichar a trama. Nada mais natural para um produto originado de um breve curta-metragem desprovido até mesmo de diálogos. A ideia simplesmente girava em torno de uma mulher que ao apagar a luz do corredor antes de dormir se depara com um estranho vulto. Ao acionar o interruptor tal imagem some, mas reaparece quando ele é desligado. Detalhe, cada vez que o ambiente está no escuro a silhueta parece se locomover e chegar mais próximo a ela. É dessa premissa que surge o desafio do longa: criar um prólogo explicativo para tal ação e imaginar suas consequências, e é justamente a gênese do suposto fantasma que complica a fita. Seu histórico não soa muito coerente, assim como sua ligação com Sophie. No pacote das justificativas também está a morte de Paul (Billy Burke), o pai dos protagonistas que é violentamente assassinado, uma introdução para contextualizar sobre o modo de agir da entidade maligna, curiosamente uma sequência que renderia um ótimo curta independente. Pena que Sandberg não abra espaço para quem assiste investigar junto aos personagens e logo recorra a um didatismo quase infantil para explicar seu projeto, uma falha que prejudica o clímax.

O que garante alguns pontos extras é o cuidado ao apresentar a escuridão como uma ameaça. Tal fobia já foi a matéria-prima de muitos filmes, mas quase todos pecavam na relação texto versus imagem. Se o argumento diz que os espectros surgem em meio ao breou total, a escorregadela vem do fato de em várias oportunidades os personagens se esquecerem disso e procurarem abrigo justamente onde não há luz para protege-los. Quando as Luzes se Apagam felizmente nos poupa destes erros estapafúrdios e lida bem com o jogo de claridade e sua ausência. A premissa diz que Diana surge no escuro, assim teoricamente ela nunca desparece e pode estar à espreita em qualquer canto pronta para atacar. Um quarto pode estar iluminado, mas sempre há alguma zona obscura, como a parte debaixo da cama que pode servir como seu esconderijo. Um tiro de revólver pode produzir uma pequena faísca de luz e afastar o espectro, mas não é tão eficiente quanto a luz de velas ou até mesmo a bateria do celular, embora dependendo da posição Diana pode surpreender com um ataque. O interessante é que mesmo com todas as precauções a casa de Sophie não é um ambiente seguro e de onde menos se espera o mal pode surgir. É um labirinto sem saída e a entidade se faz onipresente. Apesar do cuidado com o jogo de luzes que evita que o espectador fique de olho na tela totalmente negra só ouvindo diálogos ou gritos, mal de muitas fitas que querem brincar com a proposta, ainda assim o filme não consegue manter o clima de tensão necessário.

Passado o impacto inicial, o leque de truques de Sandberg mostra-se escasso. Com elenco enxuto, não há banho de sangue, tampouco empilhamento de vítimas, e os sustos que deveriam garantir a diversão perdem força devido as revelações prematuras do roteiro. Chega a ser irônico que para uma entidade que vive no escuro seu passado, motivações e fraquezas sejam clareadas em tempo recorde. Com isso o drama familiar também perde energia, mesmo com os esforços dos atores. Bello é especialista em interpretar mulheres problemáticas e sua personagem poderia deixar no ar a dúvida se os temores de seus filhos são frutos de sua doença mental ou se realmente há uma ameaça sobrenatural, mas o texto deixa claro que o mal existe e é dependente de Sophie. De qualquer forma, mesmo sem reviravoltas e tampouco cenas sangrentas, a obra de orçamento limitadíssimo tem como grande mérito lembrar que criatividade é o que move o cinema e mesmo no ato final quando os sustos se intensificam eles não soam repetitivos pela opção do diretor em explorar variados tipos de iluminação como única arma para se proteger de Diana. Bem, pelo menos a maneira paliativa já que a verdadeira solução revela-se um clichê hollywoodiano.

Terror - 81 min - 2016

MATINEE - UMA SESSÃO MUITO LOUCA (1993)

2026-10-23T00:30:00.000-03:00

Longa homenageia os filmes trashs e o espírito nostálgico da obra ajuda a cativar o público

Quem nunca se divertiu algum dia na vida com um filme trash, aqueles cuja produção é precária e as interpretações amadoras ou canastronas, que atire a primeira pedra. Obras do tipo, por mais que hoje possam ser criticadas, certamente marcaram a infância ou a adolescência de muitas gerações. Aparentemente tolos, é preciso ressaltar que trabalhos do tipo tiveram seu período de importância. Durante as décadas de 1950 e 1960, a população de todo o mundo respirava um pouco mais aliviada com o fim do pesadelo que foi a Segunda Guerra Mundial, embora alguns focos conflituosos ainda existiam em diversos países e a Guerra Fria já dava sinais de vida. Mesmo assim, a época parecia propícia para mudanças e assim muita coisa foi modificada no cotidiano de milhares de pessoas e os modismos americanos se espalharam por todos os cantos do mundo, incluindo o modelo de produções representantes de um cinema escapista que visava atender aos anseios de plateias que desejavam esquecer as tristezas e se divertir sem culpa alguma, afinal de contas não se sabia se no outro dia estaria vivo, o grande ensinamento deixado pela guerra. A divertida e nostálgica comédia Matinee – Uma Sessão Muito Louca resgata um pouco da essência desse período fazendo uso da metalinguagem.

A trama roteirizada por Charlie Haas se passa na cidade de Key West, localizada na Flórida, há poucos quilômetros de Cuba. O local está passando por um momento conturbado em 1962 com a crise dos mísseis instalados pela União Soviética na ilha, o medo toma conta da pacata região e todos os habitantes temem a possibilidade de um ataque nuclear. O jovem Gene Loomis (Simon Fenton) também está preocupado, pois seu pai é oficial da Marinha e foi convocado para atuar nas ações desenvolvidas pelo governo norte-americano para evitar uma nova guerra, mas isso não o impede de frequentar o cinema e se divertir com os filmes do produtor Lawrence Woolsey (John Goodman), famoso por seus filmes trashs. O adolescente está ansioso para a pré-estreia de "Mant, O Homem-Formiga", sobre um sujeito que durante a realização de um tratamento dentário é picado por uma formiga que foi exposta a radiação e acaba se transformando em uma criatura metade formiga e a outra parte humana. O produtor, acompanhado da atriz Ruth Corday (Cathy Moriart), vai pessoalmente à Key West para cuidar dos preparativos do evento de lançamento e prepara uma série de truques especiais para acompanhar a sessão, como a aparição de alguém vestido como o monstro que intitula o filme fictício, tudo com a intenção de chamar a atenção do Sr. Spector (Jesse White), dono de uma grande rede de salas de exibição que poderia se interessar pelo filme e levá-lo para outras cidade e estados.

Gene, acompanhado do irmão mais novo Dennis (Jesse lee) e de seus amigos Stan (Omri Katz), Sherry (Kellie Martin) e Sandra (Lisa Jakub), assim como os demais espectadores, provavelmente não esperavam o que poderia vir a acontecer em uma inocente matine de cinema. Enquanto o conflito entre americanos e russos esquenta do lado de fora, dentro da sala de exibição o clima também pega fogo e a molecada vibra com o Homem-Formiga. E Woolsey se entusiasma vendo que finalmente conseguiu fazer sua plateia gritar e suar de medo quando mais nada parecia assustar no mundo do entretenimento perante as atrocidades que se via fora do escurinho do cinema na vida real. Talvez só não tivesse consciência de que tinha criado um legítimo exemplar de filme B. Subgênero que há décadas faz sucesso, os populares trash movies antigamente eram os responsáveis por lotar salas de exibição com adolescentes querendo se assustar, dar risadas ou simplesmente ter uma desculpa para namorar. Eram os tempos da liberação feminina e da rebeldia dos jovens e um programinha que para os adultos poderia ser considerado maldito para os adolescentes era um respiro, a maneira que encontravam para extravasar a ansiedade e matar curiosidades. Apesar de parecerem datadas, produções do tipo, protagonizadas por monstros nojentos, trazendo ao público situações bizarras ou com títulos e enredos engraçados que se levam a sério demais, continuam sendo produzidas, assim perpetuando a arte de fazer cinema com poucos recursos, simplesmente por amor ao ofício ou para fazer a alegria de uma plateia cativa.

Um dos pupilos de Steven Spielberg, o diretor Joe Dante, responsável por produtos marcantes da década de 1980 como Grito de Horror e Gremlins, sempre gostou da união de elementos de terror e de humor e usou todo seu repertório cultural do assunto para realizar esta comédia, uma divertida homenagem a cultura de massa oriunda da metade do século passado, sua matéria-prima predileta. O personagem de Goodman é inspirado em William Castle, famoso produtor e diretor de fitas trash do passado que também usava truques para promover suas criações, como campainhas embaixo das poltronas para soarem em momentos estratégicos ou até um esqueleto atravessando a sala de projeção para provocar a histeria do público. Porém, o produtor do filme de dentro do filme não é tão anárquico, é até muito comportado. Goodman deixa transparecer em suas falas e gestos a emoção de se fazer cinema e levar entretenimento a tantas pessoas, mas nada muito melancólico a ponto de estragar o clima de confusão que se instaura durante o lançamento do filme dentro do filme. Recheado de citações a sucessos fantasiosos, o próprio longa fictício é inspirado em A Mosca da Cabeça Branca, clássico trash, que por sua vez foi refilmado sob o título A Mosca que, apesar de lançar mão de efeitos especiais avançados, não reprimiu sua essência de assustar, divertir e até mesmo enojar.

Com Matinee – Uma Sessão Muito Louca, Dante conseguiu captar com perfeição o clima e a expectativa gerada por uma simples ida ao cinema e proporcionar ao espectador uma agradável viagem no tempo que serve para conhecer uma importante vertente da História da sétima arte. Vale ressaltar também a estética com ares de produção antiga. Propositalmente algum recurso de envelhecimento de imagens pode ter sido utilizado durante as filmagens, mas é certo que o passar do anos agregou um irresistível apelo nostálgico à obra. Opção para curtir munido de pipoca e refrigerante para entrar no clima, em tempos que assistir filmes para muitos se tornou um ato solitário, frio, consumista e dependente da conexão com a internet, vale a pena olhar para o passado e quem sabe se entusiasmar novamente a frequentar as salas de exibição ou se sentar no sofá da sala com amigos e familiares em torno da TV, ambas situações que são um excelente exercício de sociabilidade e que caíram em desuso. Tem coisas que no passado eram muito melhores. Assistir filmes é uma delas.

Comédia - 98 min - 1993

REGRAS DO AMOR (2008)

2026-10-22T00:30:00.000-03:00

Romance soa forçado e nem mesmo os clichês são desenvolvidos de forma eficiente

Rapaz arrogante conhece por acaso uma garota que exala felicidade em altas concentrações, ambos se apaixonam, mas logo um fato inesperado surge para estragar o relacionamento. Quantos filmes você já assistiu com tal premissa? A lista é gigantesca sem dúvidas, mas se produções do tipo ainda são feitas é porque existe público a fim de reviver as mesmas emoções. Regras do Amor literalmente segue as normas do subgênero em que se enquadra, os romances dramáticos, mas no final das contas não agrega nada de novo, pelo contrário, até deixa a desejar em alguns aspectos. A trama começa nos apresentando Jack (Freddie Prinze Jr.), um jovem executivo que não vê a vida como um conto de fadas. Muito dedicado ao trabalho, felicidade para ele sempre foi sinônimo de ostentação. Ter um carro invejável, roupas de marcas famosas e poder pagar jantares em restaurantes finos seriam as armas necessárias para conquistar quantas mulheres quisesse, mas ele nunca entendeu o ditado que diz que as melhores coisas da vida conseguem-se de graça.

Seus conceitos começam a mudar quando ele conhece a bela e espirituosa Jill (Taryn Manning), uma aspirante a atriz. Coincidentemente no mesmo dia o rapaz tem uma reunião para definir a garota propaganda de um dos produtos que a empresa em que trabalha cuida da publicidade. Rapidamente os dois acabam ficando amigos e Jack a convida para dividir o apartamento com ele, visto que ela estava morando em um albergue. Todavia, ele já deixa claro que o convite não é uma cantada, apenas um gesto de solidariedade. Conversa fiada! É óbvio que eles vão se apaixonar e até fazem um manual com algumas regras que ambos devem seguir para o relacionamento funcionar bem. A primeira e principal lei é sempre ser honesto e é justamente neste quesito que o caldo entorna. Jill esconde do namorado que tem uma grave doença que a obriga a se ausentar de vez em quando para a realização do tratamento internada em um hospital. Com os constantes sumiços da moça, Jack passa a se questionar se não pulou etapas importantes e comuns a qualquer relacionamento a dois.

O roteiro de Peter Stebbings e Vanessa Parise, esta última também diretora e intérprete de Lucy, melhor amiga de Jill, começa envolvente, mas aos torna-se cansativo, só agradando mesmo aos aficionados pelo gênero. A pouca duração da fita não dá abertura para o relacionamento dos protagonistas se desenvolver de forma crível. Eles parecem amigos que dividem um apartamento diariamente e vez ou outra também a cama, mas não há química suficiente entre eles. Quando a moça está internada, que poderia ser o grande pulo do gato da produção, não sentimos o sofrimento de Jill que então ganha a companhia de Holly (Hannah Lochner), uma garota mais nova que sofre da mesma doença e vê na história de amor que a colega conta uma esperança para não desistir do tratamento e um dia poder viver uma emoção igual. Claro que Jill a faz acreditar que o namorado sabe de seu problema de saúde e a apóia incondicionalmente, mas nem nos momentos em que procura manter a farsa de pé Manning consegue fazer crescer sua interpretação.

Já Prinze sabe bem como fazer o papel de garotão, embora na época já estivesse passando um pouco da idade, mas também não consegue transmitir com credibilidade seu apreço pelos bens materiais como o personagem exigia. Rapidamente coloca uma estranha dentro de casa e está fazendo planos para o futuro. Para contribuir com seu currículo de piores cenas, registro que, diga-se de passagem, deve ser extenso, o ator aqui protagoniza uma cena pretensiosamente dramática na qual tenta expor que Jack é um artista e com seu trabalho pode mudar a vida das pessoas, mas o discurso não cola quando o que está em jogo é uma publicidade para fazer os jovens voltarem suas atenções para um gel de cabelo há anos no mercado, porém, esquecido. Todavia, as falhas não são apenas dos intérpretes. A direção engessada de Parise não dá oportunidade para seus protagonistas brilharem e lhe falta traquejo para lidar com uma situação delicada e dramática quando se tem como público-alvo adolescentes sonhadoras.

Sem qualquer tipo de ousadia, Parise lança mão dos costumeiros clichês do início ao fim. É possível prever a sequência de acontecimentos que vão culminar na separação do jovem casal a certa altura e nem mesmo os momentos vexatórios nos quais algum personagem tenta passar um mensagem profunda sem sucesso não foi deixado de fora. Bastante raso para uma premissa razoavelmente consistente, Regras do Amor é perfeito para uma sessão da tarde para garotas ou casais de adolescentes que usam qualquer desculpa para ficarem juntos. Pela premissa não tinha mesmo jeito de se tornar uma obra inesquecível, mas as indicações dos perfis de Jack e Jill poderiam render personagens bem mais interessantes, assim consequentemente situações mais envolventes e um filme melhor. Ironicamente a palavra tedioso é repetida diversas vezes ao longo da narrativa. Será uma brincadeira da própria diretora quanto suas impressões conforme as filmagens avançavam?

Romance - 87 min - 2008

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PRONTA PARA AMAR (2011)

IRONIAS DO AMOR (2008)

DOCES ENCONTROS (2007)

POR UM FIO (2002)

2026-10-21T00:30:00.000-03:00

Enxuto em custos e duração, longa prende atenção com trama tensa e criativa

Pela lógica, quanto mais sucessos um diretor acumula, mais generosos os estúdios e produtores ficam garantindo orçamentos polpudos para seus próximos projetos. Joel Schumacher tem em seu currículo diversos filmes com toda pinta de blockbuster, mas a julgar por Batman e Robin e Em Má Companhia, por exemplo, não sabe lidar com muito dinheiro em jogo. Curiosamente, seus melhores trabalhos são aqueles realizados quase de forma independente, com recursos escassos e cronograma limitado. Por Um Fio é um deles. Trata-se da situação angustiante vivida por Stuart Shepard (Colin Farrell), ou simplesmente Stu, um jovem e ambicioso relações públicas que não se importa em mentir para conquistar seus objetivos, sejam eles profissionais ou pessoais. É dessa forma que ele consegue fazer seus clientes ganharem na mídia, mas também é com base em meias-verdades que ele enrola sua esposa Kelly (Radha Mitchell) e sua amante Pamela (Katie Holmes), esta com quem se comunica sempre de uma mesma cabine telefônica pública para evitar rastros em seu celular. Certo dia, logo após conversar com a moça, o telefone toca e ele decide atender a chamada e, para seu espanto, a voz do outro lado da linha o informa que ele está sob a mira de um rifle e o proíbe de desligar a chamada demonstrando saber muitos detalhes sobre sua vida particular.

Aparentemente, as intenções do bandido é dar uma lição no rapaz e mostrar que o mundo não gira em torno dele. Enquanto tenta convencer o franco-atirador a deixá-lo ir embora, Stu é cercado por uma grande escolta da polícia, mas não para salvá-lo. Uma mulher que desejava usar o telefone é destratada pelo rapaz aflito e ela o denuncia, assim o relações públicas mais do que nunca precisa ter jogo de cintura e usar sua lábia para enrolar o criminoso na ligação e ao mesmo tempo lidar com os policiais liderados pelo Capitão Ed Ramey (Forest Whitaker) que não se dão conta do que está ocorrendo e o tratam como um indivíduo perigoso e descontrolado. Basicamente sustentado por um confronto verbal entre dois personagens e em tempo real, o filme busca manter a adrenalina em alta e ininterrupta a partir do momento que o conflito é estabelecido, o que não demora muito a acontecer felizmente. Escrito por Larry Cohen, que havia proposto o mesmo argumento décadas antes para Alfred Hitchcock que o recusou, este suspense não se deixa prejudicar pelo espaço limitado no qual a ação acontece, já que o roteirista mantém um constante clima de tensão ao jogar seu protagonista em situações cada vez mais complexas e desafiadoras.

Inicialmente, a voz ameaçadora alega estar apenas observando de longe os movimentos de Stu, mas não demora muito a dar pistas de que está muito mais próximo da vítima do que ela própria imaginava. Em paralelo, a interferência de outras pessoas que insistem em utilizar o telefone acaba gerando um confronto explosivo capaz de deixar o espectador, única testemunha do que se passa dentro e fora da cabine, com vontade de entrar dentro do filme para defender o protagonista. Para torturá-lo ainda mais psicologicamente, o maníaco também consegue atrair para a armadilha as mulheres com quem ele se relaciona, recurso apenas para dar um respiro feminino à tensa atmosfera. O enredo apoia-se em uma interessante metáfora com a cabine funcionando como uma espécie de confessionário e colocando o vilão na posição de um padre ou até mesmo como Deus forçando o pecador a revelar e se arrepender de seus atos, mesmo que não seja por livre e espontânea vontade. O algoz brinca e manipula a situação ao seu bem querer usando como arma os próprios segredos da vítima e a partir disso o roteiro propõe uma reflexão sobre invasão de privacidade e até mesmo sobre como cada indivíduo conduz sua vida, muitas vezes tomando atitudes sem pensar nas consequências para outras pessoas e até para si mesmo.

Interessante perceber como nos cinco minutos iniciais já é estabelecido com eficiência o caráter desprezível do protagonista, ilustrando ao público os motivos que o levaram a ficar na mira do maníaco. Curiosamente, custa ficarmos a favor do rapaz e acompanhamos com prazer sua desconstrução do homem confiante e antipático para a figura de um covarde e patético. Deixando vícios de superproduções de lado, o longa custou uma ninharia e foi todo rodado em apenas doze dias em locações reais, mas a produção sofreu atrasos para seu lançamento, até mesmo nos cinemas americanos, por conta de um episódio real de grande repercussão envolvendo um franco-atirador. A espera acabou sendo de certa forma benéfica. Na época das filmagens Farrell ainda era praticamente um ilustre desconhecido, o tipo que você sabe que já viu em algum filme, mas não lembra nem mesmo de seu personagem. Por Um Fio só foi lançado depois que ele se destacou como vilão em Demolidor - O Homem Sem Medo e estrelou o thriller de ação O Novato. O ator praticamente carrega o filme nas costas, já que os coadjuvantes tem espaço mínimo, embora Kiefer Sutherland também chame a atenção simplesmente emprestando apenas sua voz imponente e boa dicção ao franco atirador, deixando latente o cinismo e rancor de seu personagem. Isso é o bastante para o ator criar um vilão fascinante pela sua forma peculiar de encarar o mundo e agir. É claro que em versões dubladas perde-se o bônus da participação de Sutherland, mas também pode ser um ponto benéfico, pois sem referências visuais de quem empresta a voz ao criminoso a ideia de imaginá-lo como seria fisicamente torna-se ainda mais instigante.

O filme não chega a durar uma hora e meia, mas apresenta um vasto leque de situações para prender a atenção. O plano do maníaco caminha de vento em pompa e ganha o reforço dos populares que cercam a cabine e ajudam a aumentar a tensão criando conflitos paralelos, além do próprio Stu com suas atitudes e reações descontroladas fomentar a ideia de que ele é um bandido. É uma pena que muitas das situações que surgem acabam sem resoluções, pois o foco na reta final é todo voltado ao acerto de contas entre o acuado e seu algoz, mas nada que desabone a obra que mostra-se bem criativa ao retratar a deterioração psicológica e emocional de seu protagonista preso em um espaço reservado e claustrofóbico ironicamente incrustado em meio a uma grande e movimentada metrópole. Todos voltam suas atenções para a cabine, mas ao mesmo tempo ele está sozinho. Hoje a fita tem até certo apelo nostálgico visto que cabines telefônicas praticamente estão extintas e uma refilmagem contemporânea acabaria com a limitação que move o conflito. Com um celular seria muito fácil para Stu prender o assassino na linha e disfarçadamente buscar ajuda. Tomara que não inventem de refilmar o roteiro, muito menos com a desculpa de modernizá-lo para se conectar com novas gerações.

Suspense - 81 min - 2002

FOI APENAS UM SONHO (2008)

2026-10-20T00:30:00.000-03:00

O medo de assumir o fracasso arruína a relação de jovem casal preso a convenções e ilusões

Os grandes pares românticos do cinema, principalmente aqueles da chamada Era de Ouro de Hollywood, são lembrados por trocarem um beijo apaixonado ao término de seus filmes invocando o famigerado felizes para sempre. O tempo passou e as histórias românticas sofreram transformações, assim outras formas de manifestar o amor, diga-se de passagem, mais realistas, também originaram cenas memoráveis, como abrir mão de um relacionamento em nome de um bem maior ou dar continuidade ao sentimento mesmo após a morte. Neste último caso poderia ser rotulado o mega sucesso Titanic, mas uma obra de tanta importância e opulência deixou um sabor amargo para os seus milhares de fãs com seu triste final. Durante muitos anos foi alimentada a expectativa de que Kate Winslet e Leonardo DiCaprio voltassem a formar par romântico e desta vez com direito a um final feliz, assim foram criadas muitas expectativas em torno do reencontro em Foi Apenas um Sonho. A julgar pelo burburinho positivo da crítica e as menções em premiações, estava na cara que esta produção não se tratava de um romance água-com-açúcar. Trata-se de uma obra intimista e angustiante que aborda o vazio existencial que assola os casais quando a relação cai na rotina e a euforia cede espaço à frustração.

Adaptado do romance "Revolutionary Road" (título original do filme), do autor Richard Yates lançado em 1962, o enredo gira em torno do casal April (Winslet) e Frank Wheller (DiCaprio) e narra fatos de suas vidas desde o primeiro encontro. É preciso estar atento que em sua primeira metade os eventos são narrados de forma não-linear. Na década de 1950, já casados, aparentemente eles transbordam felicidade a ponto de se julgarem pessoas especiais e dignas de um padrão de vida mais elevado. Todavia, tal obsessão também significará a ruína desta união. Frank trabalha como vendedor de seguros, mas está insatisfeito profissionalmente embora seu salário banque uma vida confortável aos dois filhos pequenos e à esposa, esta que é uma atriz frustrada que acabou se conformando com a vida de dona-de-casa. Já percebendo que a relação estava estremecida, o casal busca uma chance de recuperar o entusiasmo dos tempos de namoro em um novo lar e compram uma casa na rua cujo nome batiza o romance original e faz alusão a revolução que tomará de assalto suas vidas. Os primeiros tempos na residência são muito bons e massageiam o ego dos Wheller que realmente se sentem pessoas privilegiadas tendo um endereço requintado mesmo em uma região de subúrbio, algo enaltecido pela corretora de imóveis Helen Givings (Kathy Bates) que se encanta pelos jovens pombinhos logo que procuram seus serviços.

Fazendo amizade, a vendedora passa a visitá-los com frequência ao lado do marido Howard (Richard Easton) e do filho John (Michael Shannon), um ex-matemático com alguns problemas mentais que sofreu com os tratamentos desumanos disponíveis na época e que precisava de amigos na mesma faixa etária para se readaptar a sociedade. É justamente a insanidade deste rapaz, no sentido de não ter papas na língua, que dá o pontapé inicial para a crise dos vizinhos. Considerados por todos no bairro como exemplos a serem seguidos, John parece ser o único a perceber que os Wheller não são felizes e a compreender seus anseios, tanto que, entre outros tantos conselhos, alerta Frank que para ser um adulto de verdade é preciso ter um trabalho e a constatação dita por alguém mentalmente comprometido soa como um golpe certeiro, mas necessário. Na companhia de seguros ele simplesmente tinha uma ocupação para sustentar a família que formou precocemente, mas não gostava do que fazia e no meio da multidão sumia facilmente. Dessa forma, acaba lhe caindo a ficha que não é melhor ou pior do que ninguém, simplesmente é um ser humano comum que abriu mão dos sonhos para sobreviver às adversidades. As frustrações profissionais do marido e da mulher acabam acarretando problemas para a relação conjugal, tanto que Frank possui uma amante no trabalho, mas vendo o casamento balançar April propõe que eles tentem recomeçar a vida abandonando o conformismo e apostando no acaso.

O casal então concorda em ir morar em Paris onde as estatísticas indicam que ela poderia ter um emprego bem remunerado em algum órgão do governo e assim o marido poderia se dedicar aos estudos visando uma carreira mais promissora, no entanto, alguns contratempos acontecem e adiam irremediavelmente a mudança. Quantas pessoas seguem infelizes suas trajetórias com medo de apostar suas fichas em algo incerto, mas com chances de ser extremamente benéfico? Sonhar é muito bom, mas transformá-lo em realidade não é simples. Mais difícil ainda é se conformar quando eles são praticamente impossíveis de serem concretizados. Os Wheller vendiam a imagem de casal invejável, mas no fundo eles mesmos sabiam que não tinham vidas perfeitas. Naquela época, o mundo começou a voltar suas atenções para o chamado "american way of life" ou em bom português o estilo vencedor dos norte-americanos traduzido em belos cenários, porém, insossos e que escamoteiam seus vazios existenciais. As casas em tons claros, com belos jardins e desprovidas de cerca transmitem uma falsa impressão de felicidade e sucesso, ideias que os protagonistas compraram provavelmente na ilusão de que isso poderia resolver seus problemas guardados em segredo. Desmantelar esse pensamento narcisista e utópico parece ser uma obsessão do diretor Sam Mendes que em seu trabalho de estreia, Beleza Americana, já abordava a temática sem medo algum, ousadia que rendeu ótima bilheteria e muitos prêmios, o que prova que as novas gerações da terra do tio Sam não querem mais propagar mentiras. Todavia, Foi Apenas um Sonho não seguiu o mesmo caminho de sucesso.

Talhado para ser lembrado nas principais premiações, o longa estava indo bem na caminhada em busca de láureas, mas os votantes do Oscar praticamente ignoraram a produção oferecendo apenas três menções, entre elas a indicação de Shannon a Melhor Ator Coadjuvante. Seu personagem realmente se destaca por parecer o único que não vive de aparências e o responsável por trazer os protagonistas para a realidade, propositalmente fazendo seus comentários pertinentes, mas um tanto incômodos, em meio a jantares e reuniões sociais para desmanchar falsos sorrisos. É uma pena que o roteiro de Justin Haythe não dê mais espaço ao rapaz. Este era para ser um filme de Winslet e DiCaprio e assim foi feito. A dupla agarrou seus papéis com unhas e dentes e conseguem transmitir com segurança e credibilidade todas as nuances de um casal em crise. O rancor, as desconfianças e as tentativas para reconquistar a harmonia se fazem presente, mas duas horas de filme é pouco para tudo que a narrativa poderia render, ainda mais pela opção em se ater as brigas dos Wheller. De qualquer forma, assistir a uma série de discussões sob clima pesado e claustrofóbico, apesar do cenário de sonhos, poderia ser torturante, mas diante de interpretações tão vigorosas isso se torna um grande prazer.

Drama - 119 min - 2008

UM DIVÃ PARA DOIS (2012)

2026-10-19T00:30:00.000-03:00

Com foco no público mais maduro, obra diverte a todas as idades e traz reflexões

As comédias românticas tendem a privilegiar os amores adolescentes ou as neuroses de jovens adultos que teimam em não crescer ou lutam o quanto podem para se adequar ao perfil das pessoas de sua faixa etária, o que implica muitas vezes em busca desesperadas por um parceiro só para dizer que tem alguém para amar e ser amado. Quando o foco é voltado a conflitos envolvendo casais maduros, automaticamente sentimos um diferencial, mesmo que no fundo as situações clichês se façam presentes e o final feliz esteja garantido. Um Divã Para Dois é um ótimo e raro exemplo de filme que aposta em humor de bom gosto para agradar um público que geralmente sente não ter opção para rir. É certo que a turma de meia ou terceira idade hoje em dia está bem mais animadinha e aceitando certos modernismos, mas ainda privilegiam certas tradições como a manutenção da instituição que é o matrimônio. Isso não significa apenas manter respeito mútuo ou aparentar perante a sociedade que o casal está feliz mesmo após tantos anos de união. Sexo é vital, mas anda em falta em muita união e em alguns casos mais graves nem o amor dá mais sinais de vida, faltando até aquela palavra de carinho diária tão necessária. O diretor David Frankel conseguiu realizar uma obra extremamente divertida, sem um pingo de vulgaridade e ainda por cima incômoda. Muitos espectadores podem se identificar com o conflito do casal protagonista e podem se aborrecer ou optar por assistir o longa até o fim e tirar algum proveito dele em benefício próprio.

Mirando mais especificamente no público mais maduro e de classe média, o roteiro de Vanessa Taylor consegue a proeza de se comunicar com uma plateia bem mais ampla, afinal em praticamente todo o mundo quem tem mais idade se sente rejeitado e privado de fazer certas coisas. Qual filho já crescidinho nunca teve a curiosidade de saber se seus pais ainda mantêm uma vida sexual ativa? O problema é descobrir que eles podem gastar suas energias fora de casa e com outros parceiros, o que não é o caso de Kay (Meryl Streep) e Arnold Soames (Tommy Lee Jones), casados há pouco mais de trinta anos e cujo inimigo é a rotina que os fez se acostumar com a monotonia. O casal não tem planos para o futuro e sabe que o amor entre eles ainda existe, mas não conseguem demonstrar. Ou melhor, Kay até tenta se aproximar do marido de forma mais íntima, mas é gentilmente repelida por ele que se aproveita da desculpa de que cada um dorme em um quarto próprio por conta de suas manias, como o controle diferenciado da temperatura do ambiente. No entanto, eles não brigam e são nulas as suspeitas de traições de ambas as partes. Para serem felizes, basta ele saber que a esposa está cuidando dos afazeres da cozinha e ela, por sua vez, que o marido está na sala assistindo tediosos programas esportivos. Aliás, um super pacote de canal pago é o presente que Arnold deu à mulher no último aniversário de casamento, algo que ele irá aproveitar bastante tanto quanto o aquecedor de água com o qual a presenteou em outra ocasião para terem um banho mais relaxante (individualmente, é claro). E onde fica o romantismo dos primeiros anos de convivência? Onde estão as flores, as joias e os chocolates?

Com os filhos já criados e fora de casa, os Soames se acostumaram a levar o cotidiano na base do piloto automático e assim, como para a maioria dos casais já a algum tempo juntos, a necessidade dos agrados individuais tornou-se obsoleta, sendo mais vantajoso um presente para o lar, algo que será compartilhado entre os dois. Kay não se conforma mais com essa situação e resolve tomar uma séria decisão: recorrer a terapia de casal. Ao tomar conhecimento do conceituado Dr. Feld (Steve Carell), ela resolve investir as economias em uma viagem de uma semana na qual iniciarão um tratamento psicológico que pode salvar ou terminar de destruir esse casamento definitivamente. Obviamente, Arnold reluta inicialmente negando que existam problemas entre eles para serem resolvidos em um divã, embora no fundo o que pese contra a viagem seja o fato de sair da rotina e, o pior de tudo, gastar dinheiro com o que julga desnecessário. Ele reclama de pagar pela comida em restaurantes, do preço do hotel, mas nada supera o baque que sofre no consultório do terapeuta. A razão de ele estar lá é a queixa da esposa pela falta de sexo. Já sabia disso, mas não imaginava que a esposa teria coragem de expor esse detalhe íntimo na frente de um estranho com direito a pormenores que o colocam em uma tremenda saia justa. Kay anseia especificamente pelo ato sexual, mas sim de um toque delicado em seu ombro ou uma bela palavra que exprima que ainda existe amor por parte de seu marido, mas ele muito durão há anos se nega a demonstrar o mínimo de carinho.

Na realidade, o que prende este casal é o constrangimento, é pensar que as pessoas podem comentar qualquer gesto mais íntimo, mesmo que seja um simples entrelaçar de mãos ou troca de beijo-selinho durante um passeio por um parque, preocupação remanescente de gerações anteriores quando era comum casais serem desfeitos ainda muito jovens por conta da morte de uma das partes. Ver a pessoa viúva em companhia de outra em situações mais íntimas era dar assunto para os fofoqueiros de plantão. Não é o caso, mas os protagonistas parecem relutar a aceitar que os tempos mudaram e que os casais de mais idade têm todo o direito de viverem as mesmas emoções que os jovens. Até Kay que tem a iniciativa do tratamento sente-se incomodada no fundo, como demonstra as várias vezes que leva sua mão a boca dando um leve tapinha como uma espécie de autopenitencia. Até o livro recomendado pelo doutor ela busca na livraria como se fosse algo proibido. O longa deixa subentendido tal medo em várias cenas, mas o palco é armado para perguntas e respostas objetivas rondando o comportamento sexual e afetivo dos protagonistas, mas jamais de forma agressiva, pelo contrário. Quase que oferecendo uma sessão de terapia também aos espectadores, Um Divã Para Dois aborda o sexo sem constranger, principalmente pela opção intimista de desenvolver a trama.

O espectador é convidado a fazer parte da intimidade do casal, algo que fica ainda mais latente pelo visual dos cenários que inspiram aconchego. O roteiro poderia facilmente descambar para o humor pastelão, cabendo até a fantasia do terapeuta se aproveitar da fragilidade de sua paciente e assim comprar briga com o maridão dela que com o orgulho ferido finalmente demonstraria amá-la de verdade. Felizmente a abordagem é madura e respeitosa propondo o acompanhamento das fases de reestruturação de um relacionamento combalido, desde o evidente distanciamento captado quando os cônjuges se sentam no sofá do consultório de terapia até a reaproximação na cama, também podendo ser no chão duro desde que o clima favoreça o romantismo. Por isso é justificável as várias tentativas frustradas de Kay em reaquecer a relação, não soando repetitivas. Jones e Streep demonstram uma química perfeita em interpretações totalmente críveis que flertam com o humor e o drama, transformando esta produção não apenas em um mero passatempo, mas sim em uma obra a ser lembrada pelo frescor que carrega consigo a um gênero tão saturado e que não raramente esquece-se de divertir o público, preferindo entediá-lo ou constrangê-lo.

Comédia romântica - 100 min - 2012

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2026-10-18T00:30:00.000-03:00

Previsível e emotivo ao extremo, obra cativa com drama realista e protagonistas sinceras

O cinema de cunho religioso tem público cativo, mas talvez não o suficiente para justificar os investimentos no filão visto pelos mais céticos como uma forçada propagação de crenças e dogmas. Todavia, os grandes estúdios não querem perder os espectadores mais conservadores e as pequenas produtoras que trabalham com temáticas de fé e redenção desejam ampliar sua penetração no mercado. Nada melhor do que um acordo entre ambas as partes, assim Hollywood abriu espaço e seus cofres para que roteiros do subgênero gospel ganhassem uma injeção de qualidade técnica e elencos de apelo popular, como é o caso de Milagres do Paraíso. A trama escrita por Randy Brown narra os percalços vividos por Christy Beam (Jennifer Garner) para tentar salvar a vida de sua filha Annabel (Kylie Rogers) que quase morreu por duas vezes, mas salvou-se sem que a ciência encontrasse explicações.

Os primeiros minutos são dedicados a apresentar o cotidiano dessa família bastante devota, mostrando a harmoniosa relação existente com o patriarca, o veterinário Kevin (Martin Henderson), e as outras filhas do casal, Abbie (Brighton Sharbiro), amante de futebol, e Adelynn (Courtney Fansler), uma grande fã da cantora Taylor Swift. Destacar tais gostos e atividades dos personagens é uma forma de afastar o estereótipo de que uma pessoa religiosa viva em um isolamento cultural ou social. A família Beam comparece sempre que possível na igreja, mas aos domingos o programa é obrigatório para agradecer às bênçãos que recebe e pedir para que assim continue, contudo, certa vez acaba surpreendida por uma notícia. Annabel começa a ter estranhos sintomas que nenhum médico consegue identificar em relação a uma doença específica. Vários diagnósticos são dados e a cada nova tentativa de cura o quadro da menina piora, mas Christy não hesita até mesmo em ir para outra cidade a fim de conseguir a ajuda do Dr. Nurko (Eugenio Debez), um renomado médico que obviamente está com a agenda cheia para os próximos meses, mais um empecilho para testar a fé da mãe desesperada.

Qual pecado essa mãe, o seu marido ou até mesmo a própria filha teriam cometido para receberem tal castigo? É claro que Deus não abandonaria a família e após certa insistência Christy consegue que o tal médico tome conhecimento do caso, mas os problemas não cessam. É descoberto que Anna sofre de uma grave anomalia intestinal, uma paralisia que impede a completa digestão de alimentos, algo sem cura e com alta taxa de mortalidade. O desenvolvimento da doença até seu agravamento é apresentado de forma bastante didática, no melhor estilo dos filmes de autoajuda nos quais os personagens precisam chegar ao fundo do poço para então alcançarem a redenção. Contudo, como desgraça pouca é bobagem, quando tudo parece perdido e todos estão desolados Annabel ainda sofrerá mais um revés. A garota acaba se envolvendo em um acidente com uma árvore, no entanto, há males que vem para o bem e o ocorrido com ela comprova tal teoria.

Já viu essa história antes? As semelhanças com O Céu é de Verdade são gritantes, não a toa ambas as produções são da mesma equipe de produtores que não quiseram ousar e apenas repetiram o que deu certo no longa anterior que também abordava um garotinho com uma doença grave que abala a fé de sua família. Se ele chegou a conhecer o céu por alguns minutos, com Annabel não é diferente e seus relatos a respeito do paraíso impressionam. A diretora Patricia Riggen, dos também emotivos Sob a Mesma Lua e Os 33, lança mão de todos os clichês possíveis para levar o espectadores às lágrimas ou ao menos ficar com um nó na garganta. É impossível acompanhar a trama e não se colocar no lugar da mãe desesperada. Garner consegue tocar a emoção do público com uma atuação segura e convincente alternando momentos de desespero com outros em que tenta amenizar as situações para não desanimar a filha. A pequena Rogers também esbanja carisma e naturalidade ao compor um perfil que tinha tudo para ser piegas, mas nos contagiamos com a alegria de viver de Ryan e seus esforços para aguentar a cansativa rotina hospitalar.

A cura repentina da garota pode pode soar como uma tentativa de forçar a barra para um final feliz, mas o longa se baseia em fatos verídicos, o que nos faz crer que de fato milagres acontecem. Inclusive, durante os créditos finais, são apresentados os membros da real família agraciada pela graça da cura. Tal episódio é narrado em um livro escrito pela própria Christy Beam, assim é quase impossível ter uma visão mais crítica ou racional sobre o ocorrido. Se os envolvidos estão convencidos de que o poder da fé os ajudou e tem a prova disso que nem a ciência consegue explicar, quem há de questionar? Justamente não ter brechas para levantar opiniões divergentes parece ser o intuito destas produções de cunho religioso. Seu público cativo que ter suas crenças reforçadas e quem sabe a mensagem dos roteiros tocar os corações dos mais céticos ou ao menos os ensinem a respeitar a fé alheia. Pela ótica e expectativas do público-alvo, então Milagres do Paraíso cumpre sua tarefa com louvor.

Drama - 109 min - 2016

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2026-10-17T00:30:00.000-03:00

Com violência gráfica e estética suja, obra inova com vilão que mata e se isenta de culpas

Toda geração merece um grande filme de terror para marcá-la. Quem não tem um exemplar do gênero como uma recordação da juventude, seja pelas noites de insônia que ele lhe causou, a terapia forçada que exigiu, a zoeira com os amigos ou a desculpa para poder dar uma namoradinha? A turminha dos anos 2000 estava fadada a não ter essa lembrança em meio a tantas produções fracas, sequências desnecessárias e muitas refilmagens, mas eis que em 2004 um diretor estreante surpreendeu o mundo todo com Jogos Mortais, um verdadeiro fenômeno do cinema em diversos sentidos, a começar por suas raízes. Recém-formados no curso de cinema, o diretor James Wan que assina o roteiro em parceria com seu colega de faculdade Leigh Wahnnell, também ator, rodaram uma única cena do filme e com ela buscaram o apoio de um estúdio para financiar o projeto. Recepcionados com reticências na maioria das visitas, eles conseguiram alcançar seus objetivos.. De um trabalho amador desacreditado o filme acabou ganhando a honra de encerrar o Festival de Toronto e faturou muito mais que seu baixo orçamento que foi consumido em pouquíssimos dias de filmagens. Essa é a prova que dinheiro não é tudo no cinema. Criatividade ainda vem em primeiro lugar e abusando de uma trilha sonora pesada, estética suja, câmera tremida e violência gráfica Wan fez uma obra inspiradora para outros cineastas.

A trama é das mais claustrofóbicas possíveis, coisa que a muito não se via no cinema de horror. Dois estranhos, Dr. Lawrence Gordon (Cary Elwes) e o fotógrafo Adam (Wahnnell), despertam atordoados dentro de uma banheiro imundo e cheio de sangue por todos os lados, ambos acorrentados e sem a menor ideia de onde estão e do que aconteceu. Esta cena não é o ápice do longa, pelo contrário, é só a primeira sequência torturante entre tantas outras que virão a seguir. Cada personagem está de um lado do banheiro preso a canos das paredes, o que limita bastante seus movimentos, e entre eles existe o cadáver de um homem que aparentemente atirou contra sua própria cabeça e junto do corpo existe um gravador e em seu bolso uma fita cassete na qual existem instruções para um macabro jogo de tensão psicológica. Conforme as horas passam e suas verdadeiras personalidades e segredos são revelados, a dupla descobre a automutilação como forma de tentar saírem com vida de lá, porém, apenas um restaria para contar história. Esta é uma obra que parece ter sido concebida a partir de sua conclusão. Tendo o fim já delineado em suas mentes, Wahnnell e Wan foram construindo um quebra-cabeça engenhoso capaz de fazer o espectador ter vontade de rever imediatamente o filme a fim de juntar as peças mais cautelosamente após o primeiro impacto. O espectador vai se familiarizando com a trama conforme os personagens vão trocando e recebendo informações, pistas que precisam ser recolhidas para uma compreensão melhor do final, diga-se de passagem, um desfecho que agrada e desagrada o público em proporções semelhantes.

Mas afinal quem é o responsável por prender estes dois desconhecidos e quais suas intenções? Quem comanda os tais jogos mortais é o assassino Jigsaw (Tobin Bell), apelido que significa enigma. Ele é chamado assim por causa de uma cicatriz em forma de quebra-cabeças que deixa na pele de suas vítimas, a quem obriga cometer verdadeiras atrocidades não só nos corpos dos outros, mas também em seus próprios. Todavia, o assassino em questão não é essencialmente um homicida. Fugindo da linha mais tradicional de seriais killers, Jigsaw teoricamente não mata ninguém. Ele aprisiona alguns infortunados para vivenciarem seus sádicos jogos, os coloca em situações limites e usa todo seu poder de persuasão para os instigarem a matar alguém ou até mesmo se automutilarem em busca da libertação. O resultado é que a maioria acaba se suicidando. A obsessão pela morte e pelo masoquismo de Jigsaw não provém de traumas da infância ou problemáticas sexuais e ironicamente seus atos têm um quê de benevolência. Suas vítimas ao que tudo indica são pessoas que vivem de maneira torpe e que precisam aprender a dar mais valor a vida e é justamente isso que suas bizarras armadilhas tentam ensinar. Ele as coloca em uma situação limite onde podem escolher morrer ou causar muito sofrimento ou até mesmo a morte de outra pessoa para sobreviverem, um jogo egoísta e perturbador conduzido através de uma televisão e aparece como um sinistro boneco com voz disfarçada que assiste com prazer uma espécie de sádico reality show.

Só como aperitivo, imagine uma garota com uma armadilha de ferro presa em sua cabeça trancada por um cadeado. Se ela não achar a chave no tempo determinado, se ela tiver sorte ainda, viverá por anos e anos fazendo plásticas para refazer sua face que será dilacerada em segundos. Ela já sabe onde está a chave, mas o problema é que para recuperá-la deverá abrir a barriga de seu namorado e retirá-la de seu estômago, com o detalhe que ela pensa que ele já está morto, mas na realidade só está dopado. Uma vida em troca da outra, a velha lei do olho por olho. Até que ponto um indivíduo pode chegar para garantir sua sobrevivência? Por trás de todo o sangue e violência, o longa coloca em discussão tal temática, mas não espere um material para uma tese. Na mente psicótica de Jigsaw, se uma vítima consegue escapar de uma de suas mirabolantes armadilhas ela é uma vitoriosa e começa a ver as coisas com outros olhos, mas não necessariamente de forma positiva. Em outras palavras, o sobrevivente fica tão cheio de ódio dentro de si que passa a perpetuar a onda de violência, mas é óbvio que tais atos tão cruéis estão chamando a atenção da polícia. O tenente Tapp (Danny Glover) é o escolhido para conduzir as investigações e rastrear os imprevisíveis passos do assassino, porém, sua tarefa acaba virando também sua obsessão já que Jigsaw é o responsável pela morte de seu fiel parceiro de trabalho em uma situação que estavam prestes a capturá-lo. O espectador acompanha a trama ora em tempo real ora em flashbacks, momentos importantes para compreender detalhes como o envolvimento do policial no caso, o motivo de Gordon e Adam estarem presos no banheiro e se aprofundar na mente insana do assassino.

Aqui o lance não é saber quem será a próxima vítima necessariamente, mas sim saber de que forma mirabolante ela irá morrer ou sofrer horrores. Com muita criatividade Wan consegue deixar quem assiste roendo as unhas e suando frio de tanta tensão graças aos seus caprichados takes escatológicos e que capturam com perfeição o sofrimento dos torturados, ainda que o diretor tenha precisado cortar ou atenuar algumas sequências para conseguir uma censura mais branda. Os filmes de terror não gozam de grande prestígio junto a crítica, salvo algumas raras produções, mas não se pode negar que esta carnificina em ambiente claustrofóbico merece destaque. Jogos Mortais foi um bem-vindo respiro ao gênero, todavia, como quase tudo na vida, o excesso faz mal. O que começou bem acabou se tornando um caça-níquel frenético com lançamentos de novos capítulos em profusão. O sétimo filme da franquia era divulgado como o último, mas os produtores não pensaram duas vezes antes de reciclar fórmulas de sucesso e assim Jigsaw ganhou sobrevida e sem previsão de sua saga masoquista chegar ao fim.

Terror - 104 min - 2004

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2026-10-16T00:30:00.000-03:00

Com um gigantesco crocodilo como vilão, longa aposta mais no suspense que na carnificina

Houve um tempo em que os filmes de animais assassinos estavam em alta. Geralmente pautados em cima de enredos sobre mutações genéticas que deram errado, a mescla de suspense e horror não demorou muito a ser rotulada como trash, produções que causam risos involuntários devido as condições precárias, além de situações e atuações um tanto bizarras. Na época das videolocadoras fitas do tipo eram lançadas aos montes, mas nos cinemas o espaço sempre foi restrito. Agora os animais-vilões acharam lugar cativo em alguns canais de TV fechada e serviços de streaming que garimpam pérolas do subgênero (não é um elogio, é no sentido irônico mesmo), como é o caso de Morte Súbita. O ponto de partida é o básico da seara. Uma excursão pelas águas do Parque Nacional Kakadu, no norte da Austrália, conhecidas pelos gigantescos crocodilos que as habitam, se transforma em um verdadeiro pesadelo. Guiados pela corajosa Kate (Radha Mitchell), o passeio seguia bem, mesmo com a desagradável intromissão do ex-namorado dela, o rude Neil (Sam Worthington), até que ela desvia o caminho planejado para socorrer um suposto pedido de ajuda disparado por um sinalizador em uma parte mais densa do rio onde são surpreendidos por um ataque de algo que não conseguem identificar (no meio de um rio cheio de crocodilos, dãããã).

Com a embarcação danificada, os turistas ficam ilhados a espera de socorro, mas a maré sobe com rapidez e em questão de poucas horas o local será submerso. Entre os acuados está o jornalista Pete McKell (Michael Vartan), que em um primeiro momento mostra-se fechado e evita contato com seus companheiros de viagem como Simon (Stephen Curry), o viúvo Russell (John Jarratt), Allen (Geoff Morrell) e sua esposa Elizabeth (Heather Mitchell), além da filha do casal, a jovem Sherry (Mia Wasikowska). Contudo, eles terão que se unir para fugir do local que além do avanço das águas guarda um perigo ainda maior: um gigantesco e agressivo crocodilo. Então já sabemos que vai ter muito corre-corre, gritaria, estrondos e que os personagens vão ser devorados um a um até sobrarem os heróis que desde o início são anunciados. Errado! Fugindo do batido tema do animal geneticamente modificado que se torna ameaça, o diretor e roteirista australiano Greg McLean, do sádico e perturbador Wolf Creek - Viagem ao Inferno, foi buscar inspiração em histórias de seu próprio país-natal. Na década de 1970, a Austrália somou muitas mortes por conta de ataques de um enorme réptil a barcos pesqueiros. Com mais de cinco metros de comprimento, seu esqueleto hoje é exposto em um museu.

Apesar da premissa típica de um filme B, o cineasta insere algumas pequenas diferenciações para não transformar sua obra em uma carnificina gratuita e por tabela cômica. Ele economiza no horror e no choque visual e investe no suspense construindo uma atmosfera de tensão crescente. A introdução não busca impacto e o bichão demora a aparecer. A apresentação dos personagens é feita em paralelo a exibição de belas imagens de um cenário pantanoso e de sua flora e fauna, mas o clima de documentário sobre a natureza pouco a pouco se esvai a medida que vão surgindo os problemas do grupo. Contudo, os fãs de violência explícita devem se decepcionar. O grande chamariz da fita só revela suas escamas por completo no clímax, assim McLean segue a cartilha de Steven Spielberg, guardadas as devidas proporções, que fez escola com o clássico Tubarão. Antes a presença do animal é mais sugestionada, sendo fiel ao comportamento real dos crocodilos. Silenciosos, observadores e inteligentes, aguardam a distração de seus alvos para atacar. Quando o bichão entra em cena pra valer seu visual não decepciona. Bastante realista em seu vagaroso caminhar, mas ágil e certeiro em seus ataques, a criatura rendeu ao filme o prêmio de melhores efeitos especiais do Australian Film Institute, um grande reconhecimento para uma produção de baixo orçamento e com temática automaticamente rotulada como trash.

Uma das melhores sequências é quando os refugiados da ilha precisam fazer uma travessia pendurados em cordas. Qualquer descuido e podem vir a se afogar ou serem devorados pelo crocodilo que pode estar em qualquer lugar submerso. O diretor coordena várias cenas de roer as unhas ampliando a tensão com ambientes escurecidos e praticamente ausência de trilha sonora ou efeitos de som estridentes, assim dá para se arrepiar com a respiração ofegante dos personagens e estalar dos galhos de árvores. Obrigados a deixarem diferenças de lado e se unirem para sobreviverem, a trama acaba ganhando em dramaticidade apostando nos conflitos humanos e deixando em segundo plano a relação homem versus animal que só ganha força no ato final que, diga-se de passagem, deixa a desejar em termos de emoção no previsível confronto entre a fera e McKell que desde o início posa de herói. Morte Súbita tem o mérito de não demonizar o réptil e destacar que seus ataques são simplesmente respeitando instintos de sua natureza e para proteger seu território. Isso sem precisar apelar apara discursos fajutos em defesa do ecossistema, melhor ainda.

Se acerta nesses pontos, todavia, o roteiro repete o erro mais comum desse tipo de produção: construção de personagens. É primordial que o espectador crie laços com quem está em cena para sofrer junto a angústia dos momentos tensos bem como sentir a perda quando forem devorados, mas os perfis criados não cativam, além de serem estereotipados e interpretados por um elenco no piloto automático. Tem o afrontador, o exibido, o desbocado, o sabe-tudo, a adolescente chorona e nem o mocinho da fita nos convence simplesmente porque em sua apresentação inicial restringe-se a fazer cara de paisagem. Aliás, o primeiro ato desperdiça preciosos minutos justamente apresentando imagens da natureza, que embora belas atrapalham o ritmo. Não há nem uma tomada como se fosse a ótica do crocodilo espreitando os turistas para dar uma instigada, algo que até o mal feito Anaconda apresenta. No mais, mesmo com diversos problemas, McLean realiza um representante acima da média para o chamado eco-horror e que felizmente ficou só em um fita, evitando o constrangimento de uma ridícula franquia tal qual aconteceu com Pânico no Lago.

Terror - 92 min - 2007

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