Achille della Ragione

𝗕𝗨𝗢𝗡 𝗩𝗜𝗔𝗚𝗚𝗜𝗢 𝗠𝗔𝗘𝗦𝗧𝗥𝗢

2025-05-16T18:33:00.051+02:00

Venerdì 16 maggio 2025, si è serenamente conclusa l'esistenza terrena del

Dr. Achille della Ragione

I funerali sono stati celebrati sabato 17 maggio alle ore 17:00, nella chiesa del Corpus Christi in via Manzoni 225 - Napoli

È difficile descrivere in poche parole le tante qualità di Achille della Ragione, che nella sua vita è stato: padre di famiglia, medico, scrittore, maestro di scacchi, esperto d'arte e animatore culturale.

Possiamo solo dire, che resterà un punto di riferimento importante, per tutti coloro che lo hanno conosciuto o lo conosceranno tramite i suoi scritti raccolti in questo blog.

Mike Buongiorno, Sabina Ciuffini ed un giovane Achille della Ragione,

in una puntata del 1972 di Rischiatutto

Gli studi

Il lavoro come medico ginecologico

La passione per l'arte

Organizzatore di visite
guidate a Napoli

Maestro di scacchi

Scrittore

Gli amici del salotto culturale

La famiglia

Una Maddalena di Andrea Vaccaro

2025-05-13T21:08:00.007+02:00

Fig.1 Maddalena Maddalena
Andrea Vaccaro
(Napoli collezione privata)

Il quadro in fig.1 che illustreremo in questo articolo, è una replica autografa di Andrea Vaccaro di un celebre dipinto conservato in Sicilia.

La Maddalena penitente è un dipinto a olio su tela di Andrea Vaccaro, un artista italiano del diciassettesimo secolo. È conservato presso la Galleria Regionale del Palazzo Abatellis di Palermo (fig.3). Proviene da Napoli in qualità di dono del re Ferdinando II delle Due Sicilie. Fu da me pubblicato nella mia monografia sull'artista.

Fig.2 copertina monografia

L'opera (fig.1) appartiene a un tema iconografico molto diffuso nella pittura religiosa, nel quale Maria Maddalena si pente delle proprie azioni passate e decide di seguire gli insegnamenti di Gesù, divenendone una discepola. Non si trattò dell'unica volta nel quale questo tema venne affrontato dal Vaccaro. La donna viene raffigurata molto spesso davanti a un libro aperto o a un teschio, e in questo quadro appaiono entrambi, in basso a sinistra. La donna porta le mani al petto e alza la testa, volgendo il suo sguardo verso l'alto. Lo sfondo nero dal quale emerge la figura mette in risalto la penitenza in solitudine della Maddalena.

Il Vaccaro fu artista abile nel dipingere donne, sante che fossero, pervase da una vena di sottile erotismo, di epidermide dorata, dai capelli bruni o biondi, di una carnalità desiderabile sulle cui forme egli indugiò spesso compiaciuto col suo pennello, a stuzzicare e lusingare il gusto dei committenti, più sensibili a piacevolezze di soggetto, che a recepire il messaggio devozionale che ne era alla base.

Egli si ripeté spesso su due o tre modelli femminili ben scelti, di lusinghiere nudità, che gli servirono a fornire mezze figure di sante martiri a dovizia tutte piacevoli da guardare, percepite con un’affettuosa partecipazione terrena, velata da una punta di erotismo, con i loro capelli d’oro luccicanti, con le morbide mani carnose e affusolate nelle dita, con le loro vesti blu scollate, tanto da mostrare le grazie di una spalla pallida, ma desiderabile. I volti velati da una sottile malinconia e con un caldo languore nei grandi occhi umidi e bruni, che aggiungono qualcosa di più acuto alla sensazione visiva delle carni plasmate con amore e compiacimento.

Achille della Ragione

Fig.3 Maddalena penitente
Andrea Vaccaro
(Palermo, Galleria Nazionale)

A spasso tra le ville di Posillipo, tra ricordi e malinconia

2025-05-10T08:51:00.077+02:00

In questo percorso narrativo, voglio condividere con i lettori, una serie di ricordi legati alla mia frequentazione di alcune ville di Posillipo. Una sorta di amarcord che copra sei chilometri sessanta anni. Forse a Napoli non c'è nessuno che come me ha avuto il privilegio di godere dell’amicizia o della conoscenza degli eredi di un patrimonio di pietre e di cultura, che dell'antichità classica è giunto a noi e che tutti dovremmo conoscere, ma soprattutto salvare dall’incuria degli uomini e dalla furia devastatrice del tempo.

Per chi volesse conoscere in maniera esaustiva la storia delle ville descritte in questa veloce carrellata, non ha che da consultare i celebri libri scritti sull’argomento, quali quello di Renato De Fusco, uscito nel 1990, ma ancora in commercio. O la bibbia su Posillipo, il 4° monumentale volume di Italo Ferraro, dalla lettura esaltante e dal costo esorbitante. O anche in mio recente libro: "Le ville di Posillipo' consultabile gratuitamente in rete.

Fig.1

Il racconto comincia lì dove sorgeva la villa di Vedio Pollione, divenuto ricco col commercio del grano ed amico dell’imperatore Augusto ed in epoca moderna la dimora di Franco Ambrosio, anche lui re del grano e sodale del potente ministro Cirino Pomicino. E fu proprio il braccio destro di Andreotti a favorire il nostro incontro per visionare uno spettacolare quadro di Luca Giordano (fig.1) e preparare il relativo expertise.

Dopo aver ammirato il dipinto e sorbito un eccellente caffè, il padrone di casa candidamente chiese:

«Vogliamo andare a teatro?»
«Vi è qualche spettacolo interessante da vedere all’Augusteo o al Diana?»
«Intendevo visitare il mio teatro personale»

Con grande meraviglia ci recammo in un’area contigua alla sua villa dove potemmo ammirare, ben conservato, uno splendido teatro in grado di contenere 2mila spettatori (fig.2), un Odeion e altre strutture di sommo interesse archeologico, da un ninfeo a delle antiche terme.

Negli anni, per fortuna dei Napoletani e per sfortuna del nostro anfitrione, il monarca del grano incappò in una serie di disavventure giudiziarie, che si conclusero con l’esproprio delle sue proprietà, le quali, passate allo Stato, sono ora di godimento pubblico e sono visitabili ogni giorno, basta percorrere via Coroglio, e attraversare a piedi la Grotta di Seiano. L’imponente Grotta di Seiano è una galleria realizzata in epoca romana dall’architetto Lucio Cocceio, che fu riportata alla luce, riaperta e riadattata nel 1840 da Ferdinando II di Borbone. Il traforo, lungo 780 metri, attraversa tutta la collina tufacea di Posillipo, collegando così l’area di Bagnoli a quella di Posillipo, dove troviamo il Parco sommerso della Gaiola ed il parco archeologico della villa di Pollione.

Ricordiamo che il colpo di grazia al percorso terreno del nostro ospite: Franco Ambrosio, fu la sua morte violenta: ucciso nella sua villa il 15 aprile 2009, dalla servitù che voleva rubare i gioielli di famiglia.

Fig.2

Trovandoci a parlare di scalogna, accenno brevemente a due mie fugaci visite, ospite di Gianpasquale Grappone, della sua dimora posta sull’isolotto della Gaiola (figg.3, 4 e 5)) e celebre non tanto per il fantastico parco sommerso che lo circonda, quanto per un’oscura maledizione che da decenni incombe sui proprietari e dalla quale credevo fossero immuni i visitatori. Viceversa, siamo nel 1978, e dopo pochi mesi dalla frequentazione della casa del noto assicuratore d’assalto, fummo entrambe coinvolti in una penosa disavventura fiscale, dalla quale ho impiegato anni e anni per uscire indenne.

Peggior sorte ebbe Gianpasquale Grappone, che nel 1978 dopo il fallimento della sua società di assicurazioni, la Lloyd Centauro, finì in galera travolto dai debiti. Ed il giorno in cui la villa fu messa all’asta, la moglie Pasqualina morì in un tragico incidente stradale. Per la cronaca diciamo che la villa della Gaiola ora è solo un rudere disabitato ed è di proprietà della Regione Campania che ha creato il Parco archeologico della villa di Pollione che comprende anche l'area marina della Gaiola.

Fig.3

Fig.4

Fig.5

[Continua]

I salotti culturali e la qualità della vita

2025-05-04T21:49:00.014+02:00

A Napoli, la qualità della vita migliora anche attraverso i salotti culturali. In questi cenacoli veniamo a contatto con la gente e costruiamo relazioni vere, in cui la cultura è strumento di emancipazione e la diversità è riconosciuta come ricchezza. Questi momenti rappresentano molto più di semplici eventi culturali: sono esperienze collettive di crescita e di bellezza, che parlano di equilibrio, responsabilità e gioia di vivere.

Il salotto culturale di Achille della Ragione, coniuga passato e presente, radici e futuro. Il locale che lo ospita, è esposto a ovest, e regala lo spettacolo suggestivo dei tramonti sui Campi Flegrei. Immerso nella bellezza di una villa monumentale, tra profumi di glicine e fiori d’arancio, questo luogo è espressione del genio napoletano di Achille della Ragione: uomo generoso, di sottile intuito e grande cultura. Qui la riflessione si accompagna all’arte e all’eleganza, in un dialogo costante tra passato e presente, tra radici e futuro.

La qualità della vita comincia da qui: dal rispetto, dall’ascolto e dalla possibilità di condividere il bello. Se esperienze di questo tipo, autentiche, spontanee, quasi mistiche fossero registrate tra gli indicatori delle classifiche sulla qualità della vita pubblicate annualmente da Il Sole 24 Ore, Napoli otterrebbe certamente un punteggio più alto nella voce “Cultura e Tempo Libero”, testimoniando una vivacità culturale e umana che altrove è difficile replicare.

Domenico Esposito

https://www.napolivillage.com/cultura/domenico-esposito-i-salotti-culturali-di-napoli-larte-del-sapere-vivere-e-qui/

Auguri di buona Pasqua!

2025-04-20T01:00:00.001+02:00

Che questa giornata porti con sé la dolcezza della primavera, la speranza di un nuovo inizio e tanti momenti felici da condividere con le persone che amate!

Vergogna

2025-04-15T12:52:00.016+02:00

Da mesi centinaia di amici mi sollecitavano a riprendere le visite guidate, per cui nonostante le mie gravi condizioni di salute, ne ho prevista una sabato scorso alle ore 15:00 alla mostra di De Vito, che si tiene al museo diocesano di Napoli.

Ho diffuso la notizia attraverso molte mail ed avevo ottenuto 70 adesioni telefoniche o via mail. Alle 13:30 mi avvio, 40 euro di taxi all'andata e 40 al ritorno.

Si presentano solo 8 adepti, a cui si uniscono alcuni turisti. Un vero scandalo per cui ho deciso che dopo 32 anni NON vi saranno più altre visite guidate

Chi vorrà conoscere le bellezze di Napoli dovrà iscriversi ad una delle tante associazioni a pagamento, dotate di guide impreparate.

Addio e buona fortuna

Achille della Ragione

Un capolavoro di Luca Giordano

2025-04-13T01:30:00.000+02:00

fig.1 - Luca Giordano -
Distribuzione del pane e dei pesci - 160x120 -
Caserta collezione privata

Luca Giordano ha dipinto circa 2000 quadri, cominciando la sua attività a 8 anni ed il soggetto del quale parleremo in questo articolo fig.1 è un vero capolavoro, sul quale tornerà dalla Spagna sull'altare della chiesa di Donnaregina nuova.

Di ritorno dalla Spagna, nei suoi ultimi anni di vita, Luca Giordano realizza due gigantesche tele per il presbiterio di Donnaregina, al fine di celebrare il mistero dell’Eucaristia attraverso i segni più sacri per i cristiani: pane e vino, cibi normali scelti simbolicamente dal Cristo per restare accanto ai credenti sino alla fine del mondo. In questo dipinto, Gesù spezza il pane per distribuirlo alle folle che lo seguono, cercando nella sua parola il pane di vita. La Moltiplicazione dei pani diventa così un’anticipazione della passione, morte e risurrezione, in cui il Cristo verrà egli stesso spezzato per diventare cibo dell’anima, divisibile nel sacramento eucaristico, secondo l’esempio fornito dal Messia durante l’Ultima Cena.

Il primo miracolo è conosciuto anche come il "miracolo dei cinque pani e due pesci", perché il Vangelo di Giovanni riporta che cinque pani d'orzo e due piccoli pesci forniti da un ragazzo furono usati da Gesù per nutrire una moltitudine. Secondo il Vangelo di Matteo, quando Gesù udì che Giovanni Battista era stato ucciso, partì di là su una barca e si ritirò in disparte in un luogo solitario. Luca specifica che il posto era vicino a Betsaida. Le folle seguirono Gesù a piedi dalle città. Quando Gesù sbarcò e vide una grande folla, ebbe compassione di loro e guarì i loro malati. Quando si avvicinò la sera, i discepoli andarono da lui e dissero: «Il luogo è deserto ed è ormai tardi; congeda la folla perché vada nei villaggi a comprarsi da mangiare» (Matteo 14,15). Gesù disse che non c'era bisogno che se ne andassero, e ordinò ai discepoli di dare loro qualcosa da mangiare. I discepoli gli dissero che avevano solo cinque pani e due pesci, e Gesù gli chiese di portarglieli. Gesù ordinò alla gente di sedersi in gruppo sull'erba. Nel Vangelo di Marco le folle sedevano in gruppi di 50 e 100, e nel Vangelo di Luca, Gesù ordina di dividere la folla in gruppi di 50, sottintendendo che c'erano 100 gruppi.

Prendendo i cinque pani e i due pesci e alzando lo sguardo al cielo, Gesù rese grazie e spezzò i pani. Poi li diede ai discepoli e i discepoli li diedero al popolo. Mangiarono tutti e si saziarono, e i discepoli raccolsero dodici ceste piene di pezzi avanzati. Mangiarono circa cinquemila uomini, oltre a donne e bambini. Nel Vangelo di Giovanni, la moltitudine si radunò intorno a Gesù attratta delle guarigioni che aveva compiuto, e la moltiplicazione dei pani è considerata un ulteriore segno (greco: σημεῖον) che Gesù è il Messia, il profeta che (secondo la promessa in Deuteronomio 18,15 deve venire nel mondo)

Questo miracolo, che appare solo in Marco e Matteo, è anche conosciuto come il miracolo dei sette pani e pesci, poiché il Vangelo di Matteo fa riferimento a sette pani e alcuni piccoli pesci usati da Gesù per sfamare una moltitudine. Secondo il Vangelo di Matteo, una grande folla si era radunata e stava seguendo Gesù.

«Allora Gesù chiamò a sé i suoi discepoli e disse: «Sento compassione per la folla. Ormai da tre giorni stanno con me e non hanno da mangiare. Non voglio rimandarli digiuni, perché non vengano meno lungo il cammino». E i discepoli gli dissero: «Come possiamo trovare in un deserto tanti pani da sfamare una folla così grande?». Gesù domandò loro: «Quanti pani avete?». Dissero: «Sette, e pochi pesciolini». Dopo aver ordinato alla folla di sedersi per terra, prese i sette pani e i pesci, rese grazie, li spezzò e li dava ai discepoli, e i discepoli alla folla. Tutti mangiarono a sazietà. Portarono via i pezzi avanzati: sette sporte piene. Quelli che avevano mangiato erano quattromila uomini, senza contare le donne e i bambini. Congedata la folla, Gesù salì sulla barca e andò nella regione di Magadan sul lago di Tiberiade»

Se dovessimo ipotizzare il valore del quadro in oggetto dovremmo partire da 70.000 euro

Achille della Ragione.

fig.2- Luca Giordano -
Distribuzione del pane e dei pesci -particolare-
Caserta collezione privata

Roberto De Simone ci ha lasciato

2025-04-07T13:17:00.006+02:00

Roberto De Simone, a soli 91 anni, è volato in cielo. Vogliamo ricordarlo con un capitolo che gli dedicai nel mio libro: "Quei napoletani da ricordare".

Un grande genio «compreso»

Musicista, musicologo, regista, etnologo, uomo di teatro, riscopritore dell’enorme patrimonio dell’opera buffa e della musica folcloristica; un vulcano inarrestabile dotato di una vastissima cultura e di una fervida fantasia, che gli consente di portare avanti un discorso teatrale legato alle matrici più profonde e complesse della cultura napoletana senza mai cadere nell’erudizione o nella rievocazione archeologica. Questo è Roberto De Simone napoletano insigne nato nel 1933 in una vecchia casa della Pignasecca.

Il maestro non è soltanto figlio d’arte, bensì anche nipote, pronipote, lontano discendente di artisti sia dal lato paterno che materno, che hanno abituato sin da piccolo Roberto a masticare una grande varietà di linguaggi teatrali, facendogli respirare sin da bambino un’atmosfera artistica.

Il nonno lavorava nel teatro con la compagnia di De Muto e nel cinema ne «L’oro di Napoli» e nell’«Arcidiavolo», la nonna cantava le operette più in voga negli anni Venti, zia Marietta ammaliava il pubblico del Bellini con le arie di «Carmen» e del «Trovatore» mentre il papà di Roberto, Attilio, oltre che attore è stato suggeritore di professione.

Dal lato materno l’inclinazione è tutta per la musica classica. Uno zio suonava nell’orchestra del San Carlo il violoncello, mentre la cugina Laura studiava pianoforte e cantava e sarà proprio lei a dare le prime lezioni al maestro, all’età di otto anni. In seguito studierà con la maestra Tita Parisi che lo accoglie in Conservatorio e lo ricorda come «un allievo magnifico, un musicista nato, studioso ed intelligente».

Lo studio del pianoforte è per un po’ interrotto durante la guerra, perché la famiglia De Simone padre, madre e sei figli, tre maschi e tre femmine, deve sfollare per alcuni mesi prima ad Ariano Irpino e poi a Somma Vesuviana.

Tornato a Napoli ricomincia a frequentare il Conservatorio al quale negli anni affiancherà gli studi al liceo classico preparandosi da privatista e sostenendo gli esami al Vittorio Emanuele ed al Genovesi.

Le giornate scorrono tutte eguali: studio ed esercitazioni, esercitazioni e studio. Unica distrazione qualche passeggiata a piedi per il centro antico della città prospiciente il Conservatorio di San Pietro a Majella. Molte ore a frequentare la famosa biblioteca della scuola con un amore per la ricerca che non verrà meno negli anni a seguire.

A 14 anni debutta in pubblico eseguendo il concerto in re minore di Mozart alla Sala Scarlatti, ottenendo un lusinghiero successo e la prima recensione da parte del critico Achille Longo.

Nel 1956 esce diplomato dal Conservatorio con il voto più alto in pianoforte: un brillantissimo dieci e lode, rarissimo a quei tempi. Sembrava più che spianata una grande carriera di concertista, ma l’inattesa scomparsa del padre a soli 46 anni, costrinse il giovane De Simone a cercarsi un lavoro. Ed i lavori nei primi mesi saranno molti: compone la colonna sonora di lavori radiofonici, impartisce lezioni private, suona più di uno strumento nella Scarlatti ed addirittura lo vediamo in via Acton in un club per americani interpretare brani di Gershwin e Cole Porter o partecipare come organista alla trasmissione televisiva «Senza Rete». Durante questi anni appena il lavoro gli lascia un po’ di tempo libero intraprende un’affascinante serie di viaggi nella cultura popolare meridionale. Da ognuno di questi viaggi torna sempre, oltre che arricchito nello spirito, con la borsa zeppa di materiale di studio. Cominciano a svilupparsi le sue numerose collezioni che affollano oltre misura la sua casa: strumenti musicali, pastori del presepe, statuine delle anime del purgatorio, libri esoterici. E su tutto questo materiale studia, legge e scrive per ore e ore interrompendo soltanto per passare alla tastiera del pianoforte; una vita da certosino, da sgobbone, facilitata dalla scarsa necessità di dormire.

Gira in lungo e in largo per la campagne del meridione, affascinato dalle favole dei contadini, dalle antiche parlate dei cafoni.

Approfondisce le opere di De Martino e gli studi antropologici di Carpitella; raggiunge i paesini più sperduti e prende appunti su tutto: canti, favole, preghiere, duetti, cantilene, proverbi, dicerie popolari. Compie un viaggio straordinario nel linguaggio sotterraneo della gestualità e della ritualità pagana, che, scopre, come Levi, essere la religione che pregna la vita delle campagne meridionali. Il risultato di queste continue esplorazioni è un’immensa documentazione e raccolta di dati e materiale, che negli anni seguenti si concretizza in incisioni, opuscoli e cofanetti. Tali incessanti peregrinazioni sono anche la spina di uno stile di vita che non cambierà più nel futuro del maestro e gli farà sempre prediligere il contatto con le tradizioni popolari attraverso le persone. Egli scopre che il luogo dove si agisce è sempre il centro dell’azione, ove si assiste alla ritualizzazione della vita. Si appassiona al problema della follia e prende in esame come essa venga considerata nelle antiche culture e tradizioni e quale enorme potere catartico essa possegga. Scopre che il folle spesso è anche saggio, possiede virtù ordinatrici e nello stesso tempo dirompenti, operando con la sua pazzia, a volte lucida, ampi varchi nelle certezze del prossimo da cui spesso è perseguitato con grande collera.

Esamina alcune grandi feste popolari quali le antiche celebrazioni del Carnevale, in cui la follia viene rappresentata come un rovesciamento della condizione normale, in cui la comunità assurge ad un rituale liberatorio collettivo, o la tradizionale festa di Piedigrotta di Napoli che fino a pochi anni fa veniva vissuta con grande partecipazione da quasi tutta la popolazione e che si manifestava con mascheramenti, con danze violente e con una serie di atteggiamenti e di manifestazioni trasgressive in cui la violenza però non si esprimeva in aggressioni verso la comunità o all’esterno della stessa, ma veniva scaricata all’interno di un gioco con profondi affetti catartici come nei riti cibelici di ispirazione pagana da cui derivava.

E giungiamo alla metà degli anni Sessanta quando attraverso l’incontro che De Simone ha con Eugenio Bennato, Carlo D’Angiò e Giovanni Mariniello si viene a creare il nucleo storico della Nuova Compagnia di Canto Popolare. Il gruppo comincia ad approfondire il repertorio campano di musiche antiche ed ai tre si aggiungono ben presto Beppe Barra e Fausta Vetere.

Tutte le sere si prova nella casa del maestro, si fanno i primi spettacoli all’Instabile dove un giorno va a vederli Eduardo De Filippo, il quale entusiasta della loro carica vitale li segnala a Romolo Valli che li invita al Festival di Spoleto nel 1972 dove la NCCP ottenne un lusinghiero successo ripetuto nel 1974 sullo stesso palcoscenico con la «Canzone di Zeza» e con la «Cantata dei Pastori» al teatro San Ferdinando di Napoli.

La Nuova Compagnia di Canto Popolare si proponeva, in una società che tutto consuma vorticosamente e non ha memoria del passato, neanche di quello recente, di riprodurre filologicamente, confrontandosi con linguaggi diversi, delle espressioni musicali di tempi lontani, rendendole comprensibili a chi vive oggi e le ha dimenticate.

Dopo queste esperienze De Simone approda al teatro musicale, forma espressiva che usa tutto, che mescola linguaggi, tecniche, che confonde le carte, che gioca, si diverte, canta, balla, ride, scherza, infrange convenzioni, suggerisce lacrime, suppone angosce. Un’espressione brutale, un’esperienza interiore che si proietta in gioco, in rito, in festa, oppure un gioco, una festa che proietta sulla scena l’esperienza interiore di ciascuno.

Ed è in questo periodo di attività frenetica che nasce il capolavoro del maestro «La Gatta Cenerentola», un’opera nella quale l’autore si collega in parte al teatro antico e in parte a quello settecentesco. De Simone sceglie una favola perché è così più facile fornire elementi ritualizzanti alla gestualità dell’attore il quale può assegnare un significato alla rappresentazione, spingendo in alcuni casi la stessa rappresentazione fino alla più delirante fantasia. Nel 2° e nel 3° atto vi è la ricerca e l’incontro tra mondo maschile e mondo femminile vista con l’occhio della cultura mediterranea. Alcune scene come «Il canto delle lavandaie» hanno una forza e sprizzano un’energia travolgente che entusiasmano il pubblico in maniera totale.

L’opera presentata per la prima volta a Spoleto nel 1976 è stata replicata all’infinito raccogliendo sempre un successo travolgente di critica e di pubblico.

La Gatta cenerentola è un’opera lontana dal gusto napoletano ancorato ai lavori di Viviani e di Scarpetta nei quali la comicità è dovuta ad una visione distorta del mondo partenopeo prodotta dalla borghesia, dove però manca del tutto l’elaborazione del simbolo e della metafora teatrale.

Gli attori interpreti di questa opera spesso, pur essendo delle splendide «macchine teatrali» sono fini a se stessi e ripetono pedissequamente un modello culturale superato senza alcun addentellato con la realtà attuale.

De Simone più volte si lamenta che nell’allestimento di uno spettacolo teatrale mancano buoni attori per le parti minori oltre che buoni elettricisti e costumisti. Come pure mancano buoni macchinisti e direttori di scena, oppure attori che fanno una carriera di seconde parti. Oggi tutti vogliono fare i protagonisti, tutti vorrebbero essere il regista o il divo.

Dopo il 1979 De Simone mette in scena, con la collaborazione di Mico Galdieri una serie di opere tutte di grande successo dalla «Festa di Piedigrotta» di Viviani alle «Zite ’n galera» di Leonardo Vinci, dall’«Opera buffa del giovedì santo» al «Eden Teatro», da «Lucilla Costante» alla «Donna del bell’umore» una «Messa in memoria di Pasolini» uno straordinario omaggio al grande scrittore da poco scomparso, ed infine «Mistero Napoletano» che presentato anche all’estero ottiene anche nei teatri tedeschi con un pubblico «prussiano» un grande successo, segno che anche degli spettatori con una mentalità così diversa dalla nostra, possono essere presi e permeati da una storia così profondamente e arditamente napoletana.

Nel frattempo scrive, instancabile, numerosi saggi e collabora con Sergio Bruni nell’allestimento di una antologia della canzone napoletana.

Pur producendo divisioni e polemiche, De Simone nel suo campo non ha rivali e come giusto riconoscimento ha anche la nomina a direttore artistico del San Carlo. Seguirono numerose regie liriche con incursioni sempre più frequenti nel melodramma. Egli esplora in maniera esaustiva tutti gli autori del Settecento, tra i quali predilige Pergolesi. Confessa che sarebbe attirato dalla regia di grandi autori come Pirandello, Shakespeare o Brecht ma non sarebbe soddisfatto della sola prosa, essendo in lui troppo viva la dimensione ritmico sonora della lingua per poter prescindere dalla musica. In ogni caso studia a fondo la drammaturgia in quel periodo dibattuta tra tradizione e nuove tendenze.

Prepara nel centenario della sua nascita un omaggio a Viviani, ricavando dai suoi brani più corali un pannello sonoro poetico musicale intitolato «Carmina vivianea».

Cerca a lungo le radici del linguaggio di Pulcinella, studiando tutto ciò che si conosce sulla maschera di Acerra.

Dal pozzo senza fondo costituito dai cassetti e gli scaffali della sua biblioteca, piena di carteggi, pentagrammi cassette registrate e quaderni zeppi di appunti ricava una raccolta di commedie tutte inedite, scritte dal 1629 al 1724 giocate sul personaggio di Pulcinella.

Il lavorio intellettuale è incessante, la sua curiosità filologica lo fa muovere a meraviglia tra le commedie di Goldoni e gli scritti di Galilei, la storia del teatro comico napoletano di Altavilla, la topografia di Napoli di Capasso, l’intera raccolta di Cerlone, le opere di Tommaso e di Jung, ma egli non dimentica mai di essere un artista che vive nel suo tempo e che le indagini più importanti sono quelle sul linguaggio dei giovani di oggi, per capire come nasce un nuovo gergo come quello dei «paninari» e soprattutto quali sono i percorsi linguistici dei ragazzi che lo usano.

Nel 1990 una delusione gli viene dalla mancata nomina di direttore artistico del Mercadante, carica in cui per un gioco politico gli viene preferito Maurizio Scaparro. Il maestro da tempo stava lavorando alacremente ad un piano di rilancio del teatro, una struttura carica di gloria, ma ridotta allo sfascio per una cattiva gestione amministrativa.

Era perciò sicuro che quella carica spettasse a lui, ma pare che la guida del palcoscenico più prestigioso della Campania debba essere vietata agli esperti carismatici del settore. Per curiosità neanche Eduardo De Filippo riuscì mai, anche al colmo della gloria, a raggiungere la direzione dello «Stabile».

Nello stesso anno giungono però due grandi riconoscimenti: l’assegnazione del Premio Napoli come più illustre napoletano ed il trionfo alla Scala con Muti nella direzione del «Nabucco».

Nella regia del Nabucco, De Simone esegue una rilettura dell’opera in tono romantico medioevale facendo divenire vero protagonista dell’opera il rapporto tra gli uomini ed il Sovrumano, così che quando gli Dei si allontanano crollano gli imperi.

Per un impegno così importante, che per ogni uomo di spettacolo equivale ad una sorte di consacrazione, De Simone pensò di creare un quartetto di napoletani, volendo al suo fianco, oltre a Muti, gli amici di sempre Carosi autore delle scene e Odette Nicoletti ideatrice dei costumi.

Un grande impegno profuso nelle prove, con De Simone, presente sempre in ogni luogo, col pianoforte come punto di riferimento, suonando di continuo prima tutta l’opera e poi le parti dei protagonisti, dei comprimari, dei coristi e delle comparse, una per una a scaglioni, a ondate.

Dopo ogni successo teatrale Roberto tornava a studiare, studiare ancora studiare, in questo l’antico allievo del Conservatorio di San Pietro a Majella non si è mai smentito. Egli legge e scrive durante le ore del giorno, ma per comporre la musica predilige le ore notturne, perché vi è più tranquillità e col silenzio l’ispirazione e la concentrazione sono più intense e si possono percepire con più chiarezza voci che giungono da lontano e soprattutto voci che provengono dal passato o dalla propria coscienza.

E così, giorno dopo giorno, notte dopo notte, il maestro col suo ostinato lavoro e la sua ferrea determinazione produce sempre nuovi capolavori per la sua gioia e per la gloria di tutti i napoletani.

Un capolavoro di Francesco Fracanzano

2025-04-04T12:30:00.000+02:00

fig.1 - Francesco Fracanzano
- San Pietro penitente - 70x95 -
Caserta collezione privata

Il San Pietro penitente (fig.1-2) di cui ci occuperemo in questo nostro breve saggio, appartenente ad una collezione casertana, fa parte della maggiore produzione di Francesco Fracanzano: la rappresentazione di mezze figure di santi e filosofi, investigati con crudo realismo, una moda nata nella bottega del Ribera a Napoli ed affermatasi poi anche in provincia grazie ai suoi discepoli, tra i quali, si annovera anche il grande Luca Giordano, che più volte ritornerà sul tema nel corso della sua lunga carriera, dilatando oltre misura la sua fase riberesca, identificata erroneamente dalla critica con un periodo unicamente giovanile. Tra i più convinti seguaci del valenzano si distingue Francesco Fracanzano, il quale nel 1622, dalla natia Monopoli, si trasferisce con la famiglia nella capitale, entrando giovanissimo nell’ambiente artistico partenopeo, grazie anche al matrimonio, celebrato nel 1632, con la sorella di Salvator Rosa. Lavorando con il Ribera ne recepì la stessa predilezione per la corposità della materia pittorica e ripropose spesso i soggetti più richiesti dalla committenza.

Nel volto del santo trasuda una massa pittorica levigata, più morbidamente plasmata e vibrante di vita. Qualche indulgenza ad un gusto manieristico più abboccato, un certo compiacimento formalistico, un senso morale più allentato ed una cura del dettaglio che si evince da alcuni particolari.

Il San Pietro penitente è impregnato anche da un potente naturalismo nella descrizione dei tratti somatici, indagati con severità nei solchi delle rughe, in linea con la lezione del Ribera, anche se il volto, intenso e vigoroso, comincia a rivelare i nuovi valori cromatici, sconosciuti nella produzione giovanile del pittore, per cui la collocazione cronologica dell’opera va posta nel corso del V decennio del secolo, quando il rigore naturalistico comincia a cedere alle lusinghe di una tavolozza tenera e raffinata.

Il De Dominici accenna all’attività del Fracanzano nella bottega del Ribera: ”il maestro molto lo adoperava nelle molte richieste di sue pitture... mezze figure di santi e di filosofi”. Nessuno di questi quadri, attribuibili con un buon margine di certezza alla sua mano, è firmato o datato, probabilmente perché spesso dovevano passare per autografi del maestro e ad avvalorare questa ipotesi ci soccorrono di nuovo le parole del biografo ”il Maestro molto lo adoperava nelle molte richieste di sue pitture e massimamente per quelle che dovevano essere mandate altrove, ed in paesi stranieri... egli è così simile all’opera del Ribera che bisogna sia molto pratico di lor maniera chi vuol conoscerlo... nell’esprimere la languidezza delle membra, nella decrepità dei suoi vecchi”.

Forniamo ora dei cenni della biografia del pittore, invitando chi volesse approfondire l’argomento e visionare circa 150 foto a colori dell’artista a consultare la mia monografia “Francesco Fracanzano opera completa”, digitando il link

http://www.guidecampania.com/dellaragione/articolo82/articolo.htm

Figlio del pittore Alessandro e fratello di Cesare, Francesco, nel 1622, si trasferisce a Napoli per entrare nella bottega del Ribera. Fu successivamente maestro di Salvator Rosa, quest'ultimo fratello di Giovanna, nonché sua moglie. Per un certo periodo le sue attività sono state condivise con il cognato Salvator Rosa e con Aniello Falcone, specializzato in scene di battaglia.

Di stampo caravaggista, la sua pittura fu inizialmente accostata alla scuola dello Spagnoletto e più in particolare a quella del Maestro dell'Annuncio ai pastori. Col tempo poi, la sua arte si è allontanata dall'influenza tenebrista per assumere stili più luminosi e chiari. I capolavori del Fracanzano sono riconosciuti su tutti nelle due tele con Storie della vita di San Gregorio Armeno del 1635 nella chiesa di San Gregorio Armeno a Napoli. Il figlio, Michelangelo, fu anch'egli pittore; tuttavia non riuscì mai ad eguagliare il successo del padre.

Se dovessimo avanzare una ipotesi sulla valutazione di questo quadro di Francesco Fracanzano con San Pietro penitente, potremmo dire intorno a 40mila euro

Achille della Ragione

fig.2 - Francesco Fracanzano
- San Pietro penitente - particolare -
Caserta collezione privata

Una eccezionale visita guidata

2025-04-02T20:31:00.001+02:00

Amici esultate, nonostante le mie precarie condizioni di salute, ho organizzato una spettacolare visita guidata alla collezione De Vito, ricca di 35 dipinti del Seicento napoletano, che si terrà sabato 12 aprile, alle ore 15:00 nel museo di Donnaregina nuova. Vi consiglio di consultare un mio scritto sull'argomento, ricco di foto e filmati, che troverete sul mio blog www.dellaragione.eu

All'ingresso chi si qualifica per mio amico avrà uno sconto del 50%. Gradirei che chi conta di venire, me lo comunica alla mia mail achilledellaragione@gmail.com

Diffondete la notizia ad amici, parenti, collaterali ed affini

Achille della Ragione

Il Seicento napoletano della Collezione De Vito in mostra a Donnaregina

2025-03-26T15:15:00.030+01:00

Video intervista

È in mostra al Museo Diocesano di Donnaregina a Napoli, la raccolta di Giuseppe De Vito (Portici 1924 – Firenze 2015), grande collezionista e studioso di pittura napoletana del Seicento. Questa collezione è di norma conservata in villa Olmo a Vaglia, presso Firenze, sede della Fondazione Giuseppe e Margaret De Vito per la Storia dell’Arte Moderna a Napoli, fondazione costituita nel 2011 con lo scopo di promuovere gli studi su questo periodo artistico.

Giuseppe De Vito, con la sua fondazione ha raccolto una ricca collezione di quadri antichi. Sono 35 tele di medie e grandi dimensioni tutti capolavori della pittura del Seicento napoletano, perché raccontano il “secolo d’oro della pittura napoletana” (che poi è diventato anche il nome di una rivista di settore, di cui ho tutti i fascicoli nella mia libreria).

Questi quadri sono esposti, nella sala del coro superiore del Museo Diocesano di Donnaregina. Ci sono i pittori «figurativi del naturalismo caravaggesco» e quelli che avviarono la «trasformazione barocca» (tra cui Caracciolo, Stanzione, de Ribera, Cavallino, Falcone, Vaccaro, Preti e Luca Giordano), e ci sono anche i «pittori specialisti della natura morta» (Recco e Ruoppolo in prima linea).

Sono tutti nomi di Artisti che furono scelti dall’Ufficio Toponomastica del Comune di Napoli per le vie del moderno quartiere Vomero. Perciò ritrovarne qualcuno per un Vomerese è come sentirsi a casa.

Sono opere dei pittori che avevo già visto sui manuali di storia dell’arte e sulla rivista fondata proprio da Giuseppe De Vito. Ma ammirare queste tele da vicino è stato emozionante, brillano come appena usciti dalla bottega, densi di colore e di chiaroscuro, con sguardi profondi, umani e pensierosi. In queste figure la verità della natura è drammatica, filosofica, immersa nello spazio vuoto del buio e della luce.

Il mausoleo Schilizzi, una potenziale attrazione turistica

2025-03-25T17:58:00.010+01:00

Abito da mezzo secolo a Posillipo, ma solo ieri sono riuscito a visitare il mausoleo Schilizzi, l’originale monumento funebre in stile egizio, con annesso parco, che con piccoli lavori di manutenzione, potrebbe trasformarsi in una interessante attrazione turistica, oltre a costituire un corroborante polmone di verde per la popolazione alla disperata ricerca di giardini dove trascorrere ore liete.

Sul finir dell’Ottocento doveva essere la tomba di una ricca famiglia livornese, ansiosa di gareggiare con i più potenti faraoni, è divenuto poi da decenni un sacrario in memoria dei tanti giovani che hanno sacrificato la vita per la patria nel corso della 1^ guerra mondiale. Il panorama è mozzafiato, con Capri in primo piano, gli alberi maestosi, i prati numerosi, senza considerare la calma serafica che emana da un luogo di memorie, che induce alla meditazione. Cosa aspettano le istituzioni con una spesa modesta a restituirlo degnamente alla fruizione di indigeni e forestieri?

Fin qui ho riportato il testo di una lettera che ho inviato ai giornali napoletani con la speranza di smuovere le torbide acque della burocrazia. Vogliamo ora aggiungere qualche notizia storica per gli appassionati delle ricchezze culturali ed artistiche napoletane.

Il mausoleo Schilizzi è una monumentale tomba inserita in uno splendido parco, dotata di una maestosa scalinata e di uno scorcio di panorama indimenticabile. Fu costruita alla fine dell’Ottocento per volere di Matteo Schilizzi, un banchiere livornese attivo in città quando Napoli era una capitale europea del commercio.

Nel 1880 Matteo Schilizzi dopo essersi trasferito a Napoli chiama uno dei più illustri architetti, Alfonso Guerra, per farsi costruire una tomba di famiglia, in stile neo-egizio, che rappresentasse il suo potere. Sceglie Posillipo, ancora poco urbanizzata e quindi molto verde, perché fosse la tomba fosse ben visibile da tutta la città. Nel 1889 però il progetto viene interrotto, e Schilizzi muore nel poco dopo.

Alla morte di Alfonso Guerra nel 1920, suo figlio Camillo, anche lui architetto, ha l'intuizione di trasformare l'edificio in Sacrario Militare, per ospitare le spoglie dei caduti della recente Grande Guerra. Grazie all'interesse di personaggi come Armando Diaz e Benedetto Croce, ma soprattutto ad una colletta popolare, il Comune di Napoli riesce ad acquistare il Mausoleo ed a completarlo, con l'aggiunta delle cripte inferiori, dove saranno sepolti i caduti della Seconda guerra Mondiale e gli eroi delle Quattro Giornate di Napoli.

Attualmente il monumento è chiuso al pubblico e viene parzialmente riaperto solo in occasione del 25 aprile e della festa delle Forze Armate del 4 novembre per la deposizione di una corona in memoria dei Caduti perchè ha problemi statici e di sicurezza avendo bisogno di un restauro conservativo che purtroppo viene da troppi anni procrastinato.

A sentire gli abitanti del luogo, ogni tanto al tramonto, sembra che il mausoleo si animi, si odono passi ed altri rumori non identificati, molti credono che sia il fantasma di Matteo Schilizzi che vaga inquieto nel parco alla disperata ricerca di una degna sepoltura. Più probabile che sia la voce della città, che richiama al dovere i suoi amministratori, impegnati unicamente a spartirsi fondi e ad accaparrarsi biglietti omaggio per le partite del Napoli.

Elogio di un ammiratore

2025-03-22T12:05:00.020+01:00

Achille

mi hai dato l'indirizzo della tua dimora ed ho constatato, attraverso Google Maps, che hai una casa principesca. Poi ho incominciato a leggere la tua biografia e mi sono dispiaciuto delle tue sofferenze fisiche, dei giorni passati in sala di rianimazione, e di quelle psicologiche e morali per il soggiorno a spese dello stato.

Ho riso molto leggendo molti tuoi aneddoti ma allo stesso tempo mi sono dispiaciuto per le moltissime schifezze da te subite. Hai amato molto la tua famiglia e la tua Elvira, che deve essere una donna eccezionale. Sei stato un uomo di valore e fottitene di tutti i detrattori! Quello che alla fine mi è più piaciuto della tua personalità è la tua onestà intellettuale.

La tua spavalderia ti ha dato belle soddisfazioni ma purtroppo le hai pagate a caro prezzo. Sei nato guascone che puoi farci... Più leggevo delle tue vicissitudini e più mi tornavano in mente quelle raccontate da Alessandro Dumas. Da adolescente eri spavaldo, temerario, Intra...prendente e così sei rimasto. Una intelligenza superiore che ha dato i suoi frutti.

Ti auguro una buona giornata e spero di venire venerdì per salutarti. Ero già affezionato a te ma ancora più lo sono oggi dopo aver letto la tua biografia. In natura purtroppo di frutti ce ne sono dolci e amari...

Salvatore Martinelli

Salotto letterario del venerdì
2024

Salotto letterario del venerdì
2025

Amici del salotto letterario

LE FONTANE DI NAPOLI

2025-03-16T05:52:00.000+01:00

In copertina
La fontana del Sebeto
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Prefazione

Le fontane di Napoli sono numerose, molto belle e costituiscono un'attrazione per i turisti. Molte fontane hanno condiviso la storia della città. La loro costruzione ebbe spesso non solo carattere di abbellimento, ma fino all'Ottocento, anche una necessità per l'approvvigionamento idrico della popolazione più povera.

Di molte esiste solo il ricordo e lo scopo del libro è anche quello di indurre le autorità a farsi promotori di una conservazione più degna.

Buona lettura

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In 3^ di copertina
La fontana di piazza Sannazzaro

Indice

Prefazione
La sirena Partenope e la fontana delle zizze
La sirena di piazza Sannazaro
La fontana del Sebeto
La Fontana Esedra - La fontana più grande di Napoli
Fontana del Gigante
La fontana del Nettuno
La fontana del la Selleria
La fontana di Monteoliveto
La fontana del Formiello
La fontana del carciofo
La fontana del Belvedere
La fontana del Tritone
La fontana di Santa Lucia
Le fontane della Scapigliata e del Capone
La fontana della tazza di porfido
La fontana del leone
La fontana della Maruzza
Fontane di piazza Mercato
Fontana di San Gregorio Armeno
La fontana degli incanti
Fontana della Duchessa
La fontana del marinaretto
Fontane di Santa Chiara
I chiostri di Santa Maria La Nova
Chiostri della Certosa di San Martino
Chiostro di Monteverginella
Le fontane del chiostro di San Lorenzo Maggiore
Le fontane dei chiostri dei Girolamini
Le fontane del palazzo reale
Chiostro di Santa Maria del Carmine
Chiostro di Santa Teresa degli Scalzi
Chiostro di Santa Maria Regina Coeli
Chiostro dei Santi Marcellino e Festo

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In 4^ di copertina
La fontana delle zizze

Chiostro di Santa Maria del Carmine

2025-03-15T18:33:00.000+01:00

Il cosiddetto Chiostro degli affreschi, la cui originaria struttura gotica fu alterata da successive ricostruzioni verso la fine del ‘500, presenta alle pareti affreschi seicenteschi di Giovanni Balducci con Storie dei profeti Elia ed Eliseo e Storie di Santi carmelitani.

Nel mezzo dell’ala meridionale sorge una torretta con orologio settecentesco a quadrante in maiolica arabescata di scuola napoletana; di fronte a questo vi è una meridiana settecentesca.

Al centro del chiostro, nel ‘700, c’era una peschiera oltre alla bella vasca marmorea e alle due statue femminili che ancora adesso si conservano.

Chiostro di Santa Teresa degli Scalzi

2025-03-14T18:09:00.000+01:00

L’antico complesso carmelitano di Santa Teresa degli Scalzi, dopo le soppressioni ottocentesche degli ordini religiosi, fu assegnato nel 1885 all’Educandato Regina Margherita sino al 1927, quando divenne sede dell’Istituto Paolo Colosimo per i non vedenti, che tuttora vi si trova.

Il chiostro piccolo è stato completamente coperto e adibito a sala interna, la cosiddetta Sala delle vendite, utilizzata anche come sala concerti.

Il chiostro grande, a pianta rettangolare con splendido puteale in marmo e ornato da alcune essenze arboree, non presenta modifiche sostanziali se non la chiusura mediante finestre delle arcate.

Chiostro di Santa Maria Regina Coeli

2025-03-13T17:02:00.000+01:00

L’imponente chiostro del complesso di Santa Maria Regona Coeli, con lussureggiante giardino, su cui prospettano gli ambienti conventuali fu realizzato nel 1682 su progetto di Francesco Antonio Picchiatti; qui sono collocati i busti di San Vincenzo de' Paoli e di Santa Giovanna Antida Thouret, fondatrice dell’Ordine delle Suore di Carità di San Vincenzo de’ Paoli che tuttora occupano il monastero.

Il puteale di marmo posto al centro è molto particolare essendo contornato da quattro piccoli obelischi piramidali alternati a sfere di marmo.

Chiostro dei Santi Marcellino e Festo

2025-03-12T17:00:00.000+01:00

Nel giardino all’interno del chiostro del complesso conventuale dei Santi Marcellino e Festo, tra piante d’importazione più o meno esotica, e piante appartenenti a quella che doveva essere la vegetazione del luogo al momento della fondazione altomedievale dei monasteri basiliani, vi sono elementi architettonici e scultorei di varie età e di varia provenienza: un’edicola circolare neoclassica con colonne ioniche, una piccola fontana cinquecentesca con quattro teste di cane scolpite nella pietra.

Dalla terrazza oltre il giardino si ha una bella veduta sull’Oratorio della Scala Santa, eretto su disegno di Luigi Vanvitelli nel 1772, cui si deve il cortile d’accesso con bel giardino a palme ornato da una fontana, che la particolare situazione orografica del sito pone ad un livello inferiore a quello del chiostro.

Le fontane del chiostro di San Lorenzo Maggiore

2025-03-11T17:32:00.000+01:00

Il chiostro del complesso monastico di San Lorenzo Maggiore, più volte ristrutturato fino ad assumere l’aspetto attuale, risalente al ‘700, di forma rettangolare con archi su pilastri, presenta un puteale in marmo e piperno di Cosimo Fanzago sormontato da una statua di San Lorenzo, emergente tra i resti dell’antico Macellum.

La struttura circolare emersa poco distante dal puteale è stata identificata come la base di un piccolo tempio con colonne. La condotta e il canale di scarico dell’acqua dimostrano che nella zona centrale del tempietto vi era una fontana.

Le fontane dei chiostri dei Girolamini

2025-03-10T17:28:00.000+01:00

Il Chiostro minore del complesso dei Girolamini, costruito verso la fine del ‘500 su disegno di Giovanni Antonio Dosio, è a pianta quadrata su colonne di marmo ornato da venti archi a tutto sesto, sorretti da sedici colonne e otto semicolonne con al centro il puteale seicentesco in raffinato marmo bianco, un tempo alimentato dalle acque dell’acquedotto della Bolla.

Notevole è la pavimentazione in cotto alternato a piastrelle in maiolica con fondo bianco e decorazioni blu. Particolarità delle mattonelle è che mentre queste rappresentano le otto punte dell’Immacolata, una sola è diversa dalle altre, rappresentando invece l’ordine di Malta.

L’ampio e magnifico Chiostro maggiore seicentesco, detto degli Aranci, cinto da pilastri di piperno e con un rigoglioso aranceto nella corte centrale, è posto ad un livello inferiore rispetto al portico. Al centro di ogni lato vi sono delle brevi scale di piperno con ringhiere in ferro battuto che consentono di raggiungere il giardino. Al centro del chiostro vi è un puteale, in passato anch’esso alimentato dall’acquedotto della Bolla.

Chiostri della Certosa di San Martino

2025-03-09T23:00:00.000+01:00

All’interno della Certosa di San Martino sono presenti tre chiostri: Chiostro dei Procuratori, Chiostrino del Refettorio e Chiostro Grande.

Il Chiostro dei Procuratori, elegante realizzazione di Giovanni Antonio Dosio del ‘500-‘600, a portico e loggia, presenta al centro un raffinato puteale con vasca ornata da teste di mostri.

L’elegantissimo Chiostrino tardo cinquecentesco del Refettorio presenta al centro un elegante puteale in marmo ornato da ferro battuto.

Al centro del Chiostro Grande vi è il bel puteale tardo cinquecentesco attribuito al Dosio, falso pozzo ma in realtà punto di luce per la grande cisterna sottostante cinta da balaustra, cui scende una scala interna con gradini di tufo. Il chiostro è dotato di un complesso sistema di raccolta delle acque piovane che risale probabilmente agli inizi del ‘600 e che a sua volta sostituì un altro insieme di cisterne ingegnato da Tino di Camaino. Il puteale, di forma ottagonale, è decorato da teste di mostri e presenta una vasca in marmo sorreggente due colonne doriche e tre obelischi oltre a una decorazione a ghirlande ed aquile.

Chiostro di Monteverginella

2025-03-08T00:47:00.000+01:00

Il chiostro del complesso conventuale di Santa Maria di Montevergine, detta Monteverginella, ad alte arcate e di accentuata forma rettangolare, con porticato a pilastri di piperno scanalati, ubicato nell’adiacente Casa delle Salesiane, fu eretto tra il ‘500 e il ‘600.

Il pozzo seicentesco è situato al centro, circondato da aiuole. Si racconta che durante il secondo conflitto mondiale, in seguito all’esplosione di una nave americana, un grosso frammento di metallo fosse caduto nel chiostro senza provocare danni.

In ricordo dello scampato pericolo, nel 1940 le Salesiane collocarono il frammento ai piedi della statua in marmo bianco della Madonna, che da allora non è stato mai spostato.

I chiostri di Santa Maria la Nova

2025-03-07T11:20:00.000+01:00

Nel complesso monumentale di Santa Maria la Nova vi sono due chiostri cinquecenteschi.

Il chiostro minore, detto anche di San Giacomo per il ciclo di affreschi con Storie della vita di San Giacomo della Marca, è di forma rettangolare, circondato sui quattro lati da un colonnato con colonne ioniche che poggiano su un muretto interrotto in quattro punti, dove un cancelletto in ferro battuto permette l'accesso alla corte centrale, nella quale è presente un elegante puteale in marmo, al quale l’acqua arrivava attraverso un ramo dell’acquedotto della Bolla.

Il chiostro maggiore, detto anche di San Francesco, perché in origine erano presenti degli affreschi dedicati alla vita del Santo, è a pianta quadrata e in stile toscano con nove arcate su ciascun lato, colonne in marmo bianco e capitelli in granito; il puteale al centro presenta la semplice struttura di un pozzo circolare.

Fontane di Santa Chiara

2025-03-06T00:42:00.000+01:00

Il chiostro di Santa Chiara, realizzato nel 1739-42, si deve all'estro creativo di Domenico Antonio Vaccaro, il quale lo trasformò completamente, mantenendo della costruzione angioina gli archi del portico su pilastri ottagonali e creando un raffinato laico giardino rustico, decorato da riggiole maiolicate di Donato e Giuseppe Massa, rappresentanti di una nota scuola napoletana di ceramica, che riprendono paesaggi e scene bucoliche napoletane.

Nel chiostro trovano posto, tra il verde lussureggiante dei pergolati e i vivi colori delle maioliche, due fontane. Una con una sola vasca e un’altra a tazza, montata su un basamento con quattro piccoli leoni del XIV secolo.

Come dimostra la raffigurazione sul dossale di uno dei sedili maiolicati al centro del chiostro, la fontana trecentesca ornata da leoni doveva far parte del chiostro già prima dell'intervento di ristrutturazione settecentesco del Vaccaro, il quale suddivise lo spazio in quattro quadranti all'interno dei quali sistemò le aiuole con il giardino rustico.

La fontana della tazza di porfido

2025-03-05T20:22:00.000+01:00

La fontana della Tazza di porfido, detta anche fontana delle Quattro stagioni o anche delle Paparelle, si trova al centro di un ampio piazzale della Villa Comunale di Napoli.

In questa posizione fu costruita una prima fontana in occasione dei lavori di apertura della villa e vi fu collocato un gruppo scultoreo in stucco rappresentante Partenope e il Sebeto eseguito da Giuseppe Sanmartino. Questo fu rimosso nel 1791 allorché Ferdinando IV decise di collocarvi il Toro Farnese antica statua romana proveniente dalle terme di Caracalla. Anche il toro Farnese venne rimosso nel 1826 per essere custodito nel Museo archeologico nazionale già Real museo borbonico. Fu deciso allora di sostituire il Toro Farnese con una vasca (la tazza), realizzata da un blocco monolitico in granito egizio, proveniente del tempio di Nettuno a Paestum, ma collocata nella cattedrale di San Matteo a Salerno già dall'XI secolo.

La fontana originale col Toro Farnese

Fontana della Tazza di porfido in un dipinto ad olio del 1909 di Eliseu Visconti

La fontana è composta da una grande vasca circolare con un grosso "scoglio" in pietra lavica al centro. L'antica vasca poggia su quattro leoni disegnati dall'architetto Pietro Bianchi e a loro volta collocati su uno scoglio di pietre laviche. Al centro della conca è presente una testa di Medusa.

Viene definita popolarmente 'a funtana d'e paparelle per il fatto che nella vasca in passato nuotavano gruppi di oche o anatre. Intorno allo spazio circolare della fontana sono sistemati quattro busti raffiguranti allegoricamente le stagioni (di qui la denominazione delle Quattro Stagioni): i busti collocati su dei lunghi piedistalli raffigurano rispettivamente Flora, allegoria della primavera; Cerere, simbolo dell'estate; Bacco con un grappolo d'uva, in rappresentazione dell'autunno (il periodo della vendemmia) e infine un vecchio che cerca di avvolgersi nei suoi panni cenciosi per riscaldarsi, simbolo dell'inverno.

Particolare