AcroArte

Isso é Arte???

noreply@blogger.com (Luis Alfredo Moutinho da Costa) — Tue, 26 Apr 2011 10:28:00 +0000

"Arte é Arte ou é Merda"
(Portinari, apud E. Galeano em Espelhos)
“Pós-tudo, ex-tudo, nada”
Augusto de Campos (15/09/2005)
Uma artista inglesa expôs e vendeu a uma galeria, por 350 mil dólares, a cama onde ela passou a noite trepando e onde havia várias camisinhas usadas. Isso é arte?
O artista belga Win Delvoye enviou para a Bienal de Veneza uma lata contendo seu cocô. A obra foi denominada “Merda do artista”. No ano seguinte, ele industrializou o processo, criando, com um projeto de 200 mil dólares, uma engenhoca que fabrica merda, vendendo cada latinha dessa merda por 1.000 dólares. Em 2002 uma dessas latinhas foi comprada pela Tate Galery por quase um milhão de libras. Isso é cocô, quer dizer, isso é arte?
Vito Aconti, ex-marido de Marina Abramovic montou numa galeria uma instalação chamada Seedbed, que consistia em que ele ficasse sobre um estrado se masturbando durante oito horas por dia, durante duas semanas, dizendo em voz alta todas as fantasias que os assistentes lhe despertavam. Arte?
Haggens descobriu um método de plastificar os cadáveres e realizou algumas exposições com esses seres mortos que passaram por esse processo (pós-moderno) de mumificação. Aí havia gente com o ventre aberto, fetos, animais pela metade, enfim, aquilo que se chama de “museu de horrores”.
Na Feira Internacional de Arte Contemporânea, em Paris, em 1975, a performance de Herman Nitsch, patrocinada pela galeria Rodolf Stadler, consistia numa série de missas negras. Resultado: no dia seguinte ainda havia 2 cm de sangue sobre os 250 metros da galeria.
Marina Abramovic, em 1972, apresentou a obra Ritmo 0, que consistiu em ficar parada junto a uma mesa sobre a qual havia alguns objetos: uma arma, um machado, mel, tinta, perfume, baton, azeite, etc. Ela ficava ali exposta e à disposição dos expectadores que tinham num cartaz orientação de como atuar naquela obra de arte: “há 72 objetos sobre a mesa que podem ser usados em mim conforme desejado. Eu sou o objeto”. Como noticiou a imprensa, “seis horas depois suas roupas haviam sido rasgadas e a arma tinha sido apontada para sua cabeça”. Assim ela apenas radicalizou outra performance quando, certa feita, passou 12 dias na Sean Kelly Galery totalmente exposta à curiosidade do público enquanto passantes, bêbados, operários curiosos viam todas as suas intimidades.
Esses são apenas alguns dos exemplos das dezenas de obras de “arte contemporânea” que têm seu estatuto de valor estético questionado por Affonso Romano de Sant'Anna no seu ousado livro Desconstruir Duchamp: arte na hora da revisão (editora Vieira & Lent, 2003). A partir da grande receptividade de um artigo publicado no jornal O Globo, no ano de 2001, denominado “Arte – um equívoco alarmante”, Sant'Anna acabou escrevendo mais 50 artigos. Eles são saborosos de se ler, instigantes na suas argumentações e ousados em suas proposições sobre os rumos da arte atual.
O livro dá o diagnóstico: a arte meteu-se num grande imbróglio. Os culpados: Duchamp e uma legião de curadores, leiloeiros, marchands e galeristas que decidem o que é arte e o que tem valor enquanto tal. Pouco resta aos críticos, ensaístas e historiadores da arte, condenados ao silêncio e ao temor da contestação à ordem artística vigente.
E ao artista resta alguma decisão? Quantos artistas não estão traumatizados, paralisados, congelados de medo diante do desejo de pintar figuras, como se os talibãs os fossem pegar em flagrante?, questiona Sant'Anna.
Mas, diz o autor, é preciso começar a contestar os próprios contestadores que, de um momento para outro, se petrificaram, se academizaram, se midiatizaram. Segundo seu diagnóstico, Duchamp deu um xeque-mate na arte há quase 100 anos e, desde então, ela ficou paralisada, prisioneira de sua própria revolução. E é Duchamp, pai da arte conceitual, e seus correligionários, os alvos principais dos ataques de Sant'Anna.
Afinal, não foi o próprio abusado Duchamp que dizia que seus seguidores haviam se tornaram vítimas de sua própria artimanha? “Joguei o urinol na cara deles como desafio e agora eles o admiram como um objeto de arte por sua beleza estética”.
“Embora o urinol tivesse desaparecido daquela exposição em Nova York, para onde Duchamp o enviou, ele começou a produzir cópias de seu urinol, a assiná-las para diversos museus para inseri-las no sistema artístico que condenara. Só em 1964 autenticou oito outras peças semelhantes, caindo na repetição que tantas vezes condenou. O anti-artista virou artista, a anti-arte, arte. O feitiço virou contra o feiticeiro. O contestador sucumbiu à cultura do mercado. E, no final da década de 90, a Tate Gallery de Londres comprou uma das cópias por quase um milhão de libras”, diz Sant ´Anna.
Pensar Duchamp através de suas próprias problematizações é desconstruir o desconstrutor. O livro se encarrega dessa tarefa blasfema com muita propriedade.
O urinol nos revelou que todos podemos ser artistas, basta termos a atitude de escolher um objeto qualquer e denominá-lo arte. O trabalho braçal teve dessa forma seus dias contados (técnica para quê?). O que interessa é a receita, não o bolo. Interessa o conceito, não o fazer. Dessa forma tudo pode ser arte... se assim o quisermos.
Se tudo é arte, nada é arte. Se uma gosma espermática ou um bule velho de café podem ser arte, qualquer leigo, sem o mínimo talento para a arte, poderia se perguntar: por que não eu também? Calma lá, tudo bem que democratizamos o “talento”, mas nem todos podem ser chamados de “artista”. Apenas os que o sistema artístico, composto por leiloeiros, curadores, galeristas e divulgadores (não críticos de arte), amparados numa estratégia de marketing que renderá alguns bons dólares, decidir chamar de artista será artista. Estes produzirão o que veremos nas Bienais distribuídas pelo mundo afora.
Interrogações: quem nunca sentiu uma enorme insatisfação, um tremendo vazio, diante de uma coleção de obras “contemporâneas” expostas nas mais famosas galerias e bienais de arte do mundo? Quem nunca sentiu que ali não havia grande coisa para se apreciar ou que desse o que pensar? Quem é que após estar diante da presença arrebatadora da pintura de um Edward Munch, de um Francis Bacon (participantes anos atrás da Bienal de São Paulo na seção “histórica”), quem é que num momento desse não percorreu a Bienal com tremendo desgosto pelo que era ali exposto como o melhor da criação “contemporânea” (arte é contemporânea? Goya e Rembrandt são apenas o passado, ou o presente e o futuro também?). Não seria, pensamos, uma covardia expor esses gigantes diante das míseras expressões artísticas contemporâneas? Aliás, a curadora da próxima Bienal de São Paulo já se encarregou de desfazer essa humilhação, retirando o “núcleo histórico” da próxima exposição.
Texto extraído de: http://www.digestivocultural.com/colunistas/coluna.asp?codigo=1709

E agora ouçam Bienal, de Zeca Baleiro e José Ramalho, cantada por Zeca Baleiro. Até que ponto chegou esta merda de arte contemporrânea? Zeca Baleiro responde (dica de Júlio Machado, poeta atento)

Sumário de Acroarte
Isso é Arte?
Botticelli-Uma Deusa Vestida
Botticelli-A Virgem Maria Despida
Botticelli-Suas Mulheres
Delacroix-Um Quadro em Prosa
Vênus ao Espelho
As Três Graças
Flora-Deusa das Flores

Botticelli – A Virgem Maria Despida

noreply@blogger.com (Luis Alfredo Moutinho da Costa) — Wed, 13 Oct 2010 11:15:00 +0000

No Nascimento de Venus (1486), ao inverso do quadro Primavera, Botticelli despe a Virgem Maria (ver neste Blog Botticelli – Uma Deusa Vestida).

Vênus foi concebida quando o Titã Cronos castrou o deus Urano e os seus genitais caíram ao oceano, fecundando-o. É a Vênus Anadyomene, aquela que sai da “espuma do mar”. Botticelli apresenta uma deusa desnuda, desembarcando na ilha de Chipre em uma concha aberta, impulsionada pelo deus do vento e sob uma chuva de rosas brancas. O quadro é uma pintura alegórica que justapõe, não só elementos mitológicos gregos e romanos, como também funde a deusa pagã com a Virgem cristã.
A figura da direita representa a ninfa Flora, que personifica a primavera. Em seu movimento, ela se adianta para cobrir a nudez da deusa. Seu vestido e manto, ambos estampados de flores, são mais uma alusão à primavera, estação onde os poderes sensuais de Vênus estão no auge. À esquerda está Zéfiro, deus do vento do ocidente, com a esposa raptada – Clóris. No quadro Primavera Botticelli também retrata as duas ninfas, ilustrando um poema de Ovídio, no flagrante onde Zéfiro transforma Clóris em Flora, a deusa das flores.

Assim como ocorreu no quadro Primavera, também aqui não parece haver muita dúvida sobre a intenção do pintor de representar a transfiguração de um sincretismo religioso. Botticelli fora largamente influenciado pela obra do filósofo florentino Marsilio Ticino. Nessa obra, "Ficino tentava mesclar as concepções pagãs e a teologia medieval em uma única doutrina. Por oposição a uma Vênus inferior, terrena, sua Vênus Celeste simbolizava a humanidade, a compaixão, o amor, e sua beleza abria as portas do céu aos mortais" (Rose Marie & Rainer Hagen, 1997).

O casal Hagen vai ainda mais longe. Na Idade Média, atribuíam-se os símbolos tradicionais de Vênus, as rosas, por exemplo, à personagem que dominava o cenário artístico e era o polo oposto, a Virgem Maria. “Acontece o mesmo com a concha. Em relação com a deusa pagã, a concha representava, tal como a água, a fertilidade e ainda, devido à sua semelhança com o sexo feminino, o prazer dos sentidos e a sexualidade”. “Mas, quando forma uma abóboda sobre a madona do retábulo de São Barnabé (à direita, em baixo) simboliza a virgindade”. A ambivalência desse símbolo indica mais um ponto em comum entre as figuras míticas da Antiguidade e da Idade Média.

Botticelli despe a Virgem
inverte a concha
e dá à luz Vênus

Reparem que Botticelli poderia até mesmo ter usado o mesmo modelo nas duas representações.

Isso é Arte?

noreply@blogger.com (Luis Alfredo Moutinho da Costa) — Tue, 07 Sep 2010 11:39:00 +0000

"Arte é Arte ou é Merda"
(Portinari, apud E. Galeano em Espelhos)

“Pós-tudo, ex-tudo, nada”
Augusto de Campos (15/09/2005)

Uma artista inglesa expôs e vendeu a uma galeria, por 350 mil dólares, a cama onde ela passou a noite trepando e onde havia várias camisinhas usadas. Isso é arte?

O artista belga Win Delvoye enviou para a Bienal de Veneza uma lata contendo seu cocô. A obra foi denominada “Merda do artista”. No ano seguinte, ele industrializou o processo, criando, com um projeto de 200 mil dólares, uma engenhoca que fabrica merda, vendendo cada latinha dessa merda por 1.000 dólares. Em 2002 uma dessas latinhas foi comprada pela Tate Galery por quase um milhão de libras. Isso é cocô, quer dizer, isso é arte?

Vito Aconti, ex-marido de Marina Abramovic montou numa galeria uma instalação chamada Seedbed, que consistia em que ele ficasse sobre um estrado se masturbando durante oito horas por dia, durante duas semanas, dizendo em voz alta todas as fantasias que os assistentes lhe despertavam. Arte?

Haggens descobriu um método de plastificar os cadáveres e realizou algumas exposições com esses seres mortos que passaram por esse processo (pós-moderno) de mumificação. Aí havia gente com o ventre aberto, fetos, animais pela metade, enfim, aquilo que se chama de “museu de horrores”.

Na Feira Internacional de Arte Contemporânea, em Paris, em 1975, a performance de Herman Nitsch, patrocinada pela galeria Rodolf Stadler, consistia numa série de missas negras. Resultado: no dia seguinte ainda havia 2 cm de sangue sobre os 250 metros da galeria.

Marina Abramovic, em 1972, apresentou a obra Ritmo 0, que consistiu em ficar parada junto a uma mesa sobre a qual havia alguns objetos: uma arma, um machado, mel, tinta, perfume, baton, azeite, etc. Ela ficava ali exposta e à disposição dos expectadores que tinham num cartaz orientação de como atuar naquela obra de arte: “há 72 objetos sobre a mesa que podem ser usados em mim conforme desejado. Eu sou o objeto”. Como noticiou a imprensa, “seis horas depois suas roupas haviam sido rasgadas e a arma tinha sido apontada para sua cabeça”. Assim ela apenas radicalizou outra performance quando, certa feita, passou 12 dias na Sean Kelly Galery totalmente exposta à curiosidade do público enquanto passantes, bêbados, operários curiosos viam todas as suas intimidades.

Esses são apenas alguns dos exemplos das dezenas de obras de “arte contemporânea” que têm seu estatuto de valor estético questionado por Affonso Romano de Sant'Anna no seu ousado livro Desconstruir Duchamp: arte na hora da revisão (editora Vieira & Lent, 2003). A partir da grande receptividade de um artigo publicado no jornal O Globo, no ano de 2001, denominado “Arte – um equívoco alarmante”, Sant'Anna acabou escrevendo mais 50 artigos. Eles são saborosos de se ler, instigantes na suas argumentações e ousados em suas proposições sobre os rumos da arte atual.

O livro dá o diagnóstico: a arte meteu-se num grande imbróglio. Os culpados: Duchamp e uma legião de curadores, leiloeiros, marchands e galeristas que decidem o que é arte e o que tem valor enquanto tal. Pouco resta aos críticos, ensaístas e historiadores da arte, condenados ao silêncio e ao temor da contestação à ordem artística vigente.

E ao artista resta alguma decisão? Quantos artistas não estão traumatizados, paralisados, congelados de medo diante do desejo de pintar figuras, como se os talibãs os fossem pegar em flagrante?, questiona Sant'Anna.

Mas, diz o autor, é preciso começar a contestar os próprios contestadores que, de um momento para outro, se petrificaram, se academizaram, se midiatizaram. Segundo seu diagnóstico, Duchamp deu um xeque-mate na arte há quase 100 anos e, desde então, ela ficou paralisada, prisioneira de sua própria revolução. E é Duchamp, pai da arte conceitual, e seus correligionários, os alvos principais dos ataques de Sant'Anna.

Afinal, não foi o próprio abusado Duchamp que dizia que seus seguidores haviam se tornaram vítimas de sua própria artimanha? “Joguei o urinol na cara deles como desafio e agora eles o admiram como um objeto de arte por sua beleza estética”.

“Embora o urinol tivesse desaparecido daquela exposição em Nova York, para onde Duchamp o enviou, ele começou a produzir cópias de seu urinol, a assiná-las para diversos museus para inseri-las no sistema artístico que condenara. Só em 1964 autenticou oito outras peças semelhantes, caindo na repetição que tantas vezes condenou. O anti-artista virou artista, a anti-arte, arte. O feitiço virou contra o feiticeiro. O contestador sucumbiu à cultura do mercado. E, no final da década de 90, a Tate Gallery de Londres comprou uma das cópias por quase um milhão de libras”, diz Sant ´Anna.

Pensar Duchamp através de suas próprias problematizações é desconstruir o desconstrutor. O livro se encarrega dessa tarefa blasfema com muita propriedade.

O urinol nos revelou que todos podemos ser artistas, basta termos a atitude de escolher um objeto qualquer e denominá-lo arte. O trabalho braçal teve dessa forma seus dias contados (técnica para quê?). O que interessa é a receita, não o bolo. Interessa o conceito, não o fazer. Dessa forma tudo pode ser arte... se assim o quisermos.

Se tudo é arte, nada é arte. Se uma gosma espermática ou um bule velho de café podem ser arte, qualquer leigo, sem o mínimo talento para a arte, poderia se perguntar: por que não eu também? Calma lá, tudo bem que democratizamos o “talento”, mas nem todos podem ser chamados de “artista”. Apenas os que o sistema artístico, composto por leiloeiros, curadores, galeristas e divulgadores (não críticos de arte), amparados numa estratégia de marketing que renderá alguns bons dólares, decidir chamar de artista será artista. Estes produzirão o que veremos nas Bienais distribuídas pelo mundo afora.

Interrogações: quem nunca sentiu uma enorme insatisfação, um tremendo vazio, diante de uma coleção de obras “contemporâneas” expostas nas mais famosas galerias e bienais de arte do mundo? Quem nunca sentiu que ali não havia grande coisa para se apreciar ou que desse o que pensar? Quem é que após estar diante da presença arrebatadora da pintura de um Edward Munch, de um Francis Bacon (participantes anos atrás da Bienal de São Paulo na seção “histórica”), quem é que num momento desse não percorreu a Bienal com tremendo desgosto pelo que era ali exposto como o melhor da criação “contemporânea” (arte é contemporânea? Goya e Rembrandt são apenas o passado, ou o presente e o futuro também?). Não seria, pensamos, uma covardia expor esses gigantes diante das míseras expressões artísticas contemporâneas? Aliás, a curadora da próxima Bienal de São Paulo já se encarregou de desfazer essa humilhação, retirando o “núcleo histórico” da próxima exposição.

Texto extraído de: http://www.digestivocultural.com/colunistas/coluna.asp?codigo=1709

Sumário de Acroarte

Isso é Arte?
Botticelli-Uma Deusa Vestida
Botticelli-A Virgem Maria Despida
Botticelli-Suas Mulheres
Delacroix-Um Quadro em Prosa
Vênus ao Espelho
As Três Graças
Flora-Deusa das Flores

Delacroix - Um Quadro em Prosa

noreply@blogger.com (Luis Alfredo Moutinho da Costa) — Tue, 07 Sep 2010 11:38:00 +0000

Essa pintura ilustra a capa dos Pequenos Poemas em Prosa, de Charles Baudelaire (Cia das Letras, 1976), lido em 1980. Foi somente ao relê-lo, trinta anos depois (2010!), que notei o quadro de Delacroix. Mais um amor a primeira vista! (A escolha do editor não se justifica, pois não há qualquer ligação entre os conteúdos dos poemas e da ilustração. Mas, valeu pelo presente fortuito e inesperado). Eugène Delacroix é considerado um dos maiores representantes do romantismo francês. Na sua obra convergem a “voluptuosidade de Rubens, o refinamento de Veronese, a expressividade cromática de Turner e o sentimento patético de seu grande amigo Géricault”. O pintor sublimava os sentimentos através da cor com maestria, Embora tenha escrito que “nem sempre a pintura precisa de um tema” – um lema posterior das primeiras vanguardas, ele vai entrar em contradição com a maioria de suas obras.

Inspirado pela e durante a guerra de independência da Grécia (1821-1829), o artista vai produzir uma obra inigualável, “L'espoir desarmé” - Ekphrasis de "La Grèce expirant sur les ruines de Missolonghi”, de 1827 (Museu de Bordeaux). Esse tributo se dá através de uma quase-alegoria retratando o final da batalha de Scio (Quios), onde 20.000 gregos foram mortos a facada pelos turcos. Uma mulher representando a Grécia, com toda sua majestade, de mãos e braços abertos, retrata a “esperança desarmada”. Seria o fim da Grécia “terminando em ruínas (“expirant sur les ruines”)? Ao fundo, no canto direito superior, vê-se uma figura de um capitão otomano em típica pose altiva de vitorioso. No canto inferior direito a mão de um soldado comparece entre os escombros como testemunha dos milhares de gregos massacrados. As cores se aproximam de uma paleta monocromática, e o acentuado “claro-escuro” sublinha o aspecto funesto do drama.

O termo grego Ekphrasis serve de prefácio enfático ao entendimento da obra. João Adolfo Hansen, professor da FFLCH, da USP, explica: phrazô = “fazer entender”, e a raiz ek=”até o fim”. O quadro é um discurso pictórico que põe sob os olhos com energeia e vividez aquilo que deve ser mostrado. Conheço poucas obras de arte com tal amalgamação e “continuidade” entre o título e seu conteúdo, como se não pudesse existir um sem o outro. O quadro a Primavera de Botticelli (examinado mais adiante), é uma delas, mas seu título não perde o significado pela ausência do mesmo. Pode-se dizer que “La Grèce...” comunga com uma “escrita pictórica”, se arriscamos inverter o sentido de “imagem escrita”, conceito esse introduzido e desenvolvido pela escritora libanesa Nada Moghaizel em seu livro exemplar, Images Écrites.

Da Internet retirei o poema abaixo, com o mesmo título e em louvor ao quadro de Delacroix. O autor, da Academia de Letras de Clermont Ferrand, França, assina com o bizarro codinome “mushroom”(!). Uma tentativa de qualquer homenagem é válida, mas o resultado é frustrado por versos que não retratam a intenção exposta pelo pintor. A poesia está falando de uma outra personagem, uma outra “mulher”. Não há aqui a mínima Ekphrasis ligando o poema, aliás, um belo soneto, à ilustração.

Seule dans cette obscurité effrayant

Cherchan toujours son amour évanoui

Elle se perd dans ces noirceurs qui la tourmentent

Et l'oppressent. Elle n'entend rien, plus aucun cris.

Sombres et immobiles, les pierres parsèment

Le sol pour se faire happer par les abîmes.

A chaque pas, la lumière qu’elle sème

Eclaire les ombres, même les plus infimes.

Mais dans les méandres de ses froides pensées

Un sentiment d’injustice naît et se propage.

Ces longs cheveux noirs finissent par se mêler

Aux ombres de la mort. Et elle reste en cage

Enchaînée à la bêtise la plus totale

Impuissante à une mort aussi brutale

O poeta britânico Lorde Byron talvez nutrisse a mesma paixão de Delacroix pela Grécia. Esse país sugeria todos os temas susceptíveis de exaltar sua alma desejosa de libertação de um academicismo e prestes a conquistar sua liberdade. A Grécia encarnava um apelo às origens de uma civilização ameaçada. Era uma luta entre o berço da civilização dita “ocidental” e a civilização oriental. A morte de Byron na batalha de Missolonghi, em 1824, leva essa exaltação ao seu paroxismo.

O “Massacre de Scio” é um relato de Delacroix pintado no mesmo ano da batalha (à esquerda). Finalmente, em 1830, o pintor vai então homenagear a vitória grega pintando “La Liberté guidant les peuples” (acima, à direita). Essas duas obras estão expostas no Louvre.

Botticelli - Suas Mulheres

noreply@blogger.com (Luis Alfredo Moutinho da Costa) — Tue, 07 Sep 2010 11:32:00 +0000

Curiosidade: segundo alguns autores, durante mais de três séculos as obras de Botticelli foram largamente ignoradas. No século XIX o pintor passou por uma ressurreição. A recuperação é feita inicialmente por dois ingleses, o celebrado crítico de arte John Ruskin (1819-1900) e o poeta e pintor Dante Rossetti (1828-1882). Até a década de 1860 havia a opinião generalizada que Botticelli limitava o seu atrativo à preferência dada às mulheres feias (?!). Pode? A beleza de suas ninfas, deusas e figuras femininas em geral é incontestável. Vejam alguns rostos irrepreensíveis, a seguir.


Simonetta Vespucci Museu Städel, Frankfurt	Madonna da Eucaristia Isabella S.Gardner Museum,Boston	Minerva e o Centauro Galeria degli Uffizi

Flora (Primavera) Galleria degli Uffizi	Madonna del Libro Museo Poldi Pezzoli (Milão)	Madonna de la Melagrana Galleria degli Uffizi

Madonna Wemyss Nat. Gal. Edimburgo	Madonna Magnificat Galleria degli Uffizi	Nascimento de Venus Galleria degli Uffizi

Quase nada se sabe de sua vida particular. Mulheres imaginadas e concretizadas através de sua arte.

Flora

noreply@blogger.com (Luis Alfredo Moutinho da Costa) — Tue, 07 Sep 2010 11:26:00 +0000


La Primavera di Stabia Afresco romano (c. 100 A.D,) descoberto em Vila Arianna (Castellmare di Stabia, Italia), hoje no Museu Arqueológico Nacional de Nápoles	Flora (1790)Angelika Kauffmann (1741-1807), pintora neoclássica suíça.	Flora (1913) Louise Abbéma (1853–1927), pintora e escultora francesa da belle époque

Flora Do quadro A Primavera (1485), de Boticelli .	Flora Do quadro Nascimento de Vênus (1482), de Boticelli	Flora. Godess of blossom and flowers (1894) ().* De Morgan Foundation, London. Evelyn De Morgan (1855-1919), pintora inglesa da escola pré-rafaelita

(*) A seguinte inscrição é encontrada no scroll perto do pé de Flora, no canto direito inferior:

“Io venge da Firenze e sona Flora
Quella citta dai Fior prende Normanza
Tia Fiori son nata ed or cambio dímera
Fra i monte della scozia avio mea stanza
Accoglietemi ben e vi sia caro
Nelle nordiche nebbie il meo Tesoro”

Ilustrações que evidenciam a influência de Botticelli no quadro “Flora”, de De Morgan.Morgan teria se inspirado na postura do rosto de Vênus, no estampado florido do vestido e na cor do manto da figura de Flora do Nascimento de Vênus.

“Nascimento de Vênus” (1485), de Botticelli

Flora de De Morgan

Notar o arco do pescoço, inclusi-ve sua acentuada convexidado, e a inclinação do rosto da Vênus de Botticelli (acima) e da Flora de De Morgan.
Destaques para a seme- lhança do estampado de flores das vestimentas de Flora nos dois quadros

Vênus e o Espelho

noreply@blogger.com (Luis Alfredo Moutinho da Costa) — Tue, 07 Sep 2010 11:23:00 +0000

Foi em uma visita à National Galery, Londres, em 1986. Talvez por ser de Libra, fui capturado pela imagem de um quadro de Diego Velásquez (1599-1660). La Venus del Espejo. O retrato de Vênus de costas era um motivo erótico visual comum para os grandes mestres, mas esse é especial. Não fosse ele o pintor real, não teria escapado da Inquisição. É o único nú do pintor.
Vênus reclinada em uma cama mira-se em um espelho sustentado por Cupido, seu filho. O pintor dá à deusa um trato mundano. As formas são extremamente sensuais, com pernas longas, cintura fina, quadris largos e nádegas proporcionais.
As curvas de seu corpo são inigualáveis. É duplamente um clássico, pois jamais irá perder sua modernidade.
O mesmo não pode ser dito das outras Vênus “ao espelho”, não menos famosas, e que são louras. Compare-se com: 1) o quadro de Ticiano (1473-90) (à esquerda), pintor visto como o maior do Renascimento veneziano, onde cupido está mais despido do que a deusa barriguda; 2) com a Vênus de Veronese (1528-88) (á direita), pintor maneirista da Renascença italiana, roliça, com pouca cintura e nádegas cobertas pudicamente; 3) ou com Rubens (1577-1640) (à esquerda, abaixo), pintor flamenco, barroco, que bem caracteriza o tipo de beleza da época com as nádegas opulentas. A presença da velha arranjando seus cabelos destoa da eterna juventude da deusa do amor.
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As Três Graças

noreply@blogger.com (Luis Alfredo Moutinho da Costa) — Tue, 07 Sep 2010 11:22:00 +0000

Destaque dado ao pintor paulista contemporâneo Cláudio Canato. As Três Graças.
"Canato tem a ousadia de declarar que seu trabalho se baseia nos artistas renascentistas como Botticelli, Caravaggio, Ticiano e mesmo Rembrandt", comenta David Angeli no Blog Retratos da Vida. Um artista que cabe sob medida em nossa proposta de provocar e incentivar um “neo-renascimento”.

As Charites (Χάριτες) na História da Arte

Três quadros de Antonio Canova (1757-1822)
Pintor e escultor neoclássico italiano


(c.1815) Mármore. (Museu Hermitage, São Petersburgo)	(c.1799) Tempera em papel, Museu Canova, Possagno, Itália	(1799) Óleo sobre Tela Museu Canova, Possagno, Itália


Cupido e as Três Graças (1817-19) Bertel Thorwaldsen (1770-1844), Escultor Dinamarquês neoclássico.	As Três Graças (1604) Hans Von Aachen(1552-1615), Museu Nacional de Artes, Romania Pintor maneirista alemão


Afresco em Pompéia Museo Archeologico Nazionale. Nápole, Itália	c. 1505, Rafael. Museu Condé, Chantilly, França	Homenagem a Rafael David Hamilton,1988 Fotografia


George F. Watts (1817-1904)	c, 1505, Rafael. Museu Condé, Chantilly, França	1763, Carle Van Loo Museu de Artes Los Angeles

1831, James Pradier, Louvre	Michael Parkes Galeria Jean Stephen, MPL. EUA	Praça da Fonte, Chinon, França

Botticelli – Uma Deusa Vestida

noreply@blogger.com (Luis Alfredo Moutinho da Costa) — Wed, 01 Sep 2010 09:41:00 +0000

O primeiro contato que tive com Botticelli, ao vivo e a cores, mas sem grandes impactos, foi no Museu do Louvre em 1968. Entretanto, iriam se passar mais de vinte anos para que eu pudesse me impregnar com duas de suas obras. Foi na Galleria degli Uffizi, Florença, em 1991, onde estão expostas A Primavera (restaurado em 1978) e o Nascimento de Vênus (restaurado em 1987)

A Primavera, de 1481 (a partir da esquerda: Mercúrio, as Três Graças, Vênus (?) e Cupido, Flora, Clóris e Zéfiro), festeja a chegada da estação. Para a quase unanimidade dos historiadores de arte a composição representaria o império de Vênus no qual penetram o amor, a alegria, a fertilidade e a estação com a sua profusão de flores. Seria a deusa a protagonista presente?

Desconhece-se quem primeiro identificou perto de quarenta espécies vegetais (!), incluindo alguns frutos e várias flores. No meio do bosque das laranjeiras surge a personagem que questionamos ser Vênus. Por cima dela o seu filho Cupido, com os olhos vendados, atira sua flecha de amor em uma das Graças. Cupido vai além do quadro ao ilustrar que o “amor é cego”.

O artista coloca, com extrema sutileza, a cabeça de Vênus no centro de um “vitral” circular dominado pelo azul do céu, ao fundo, e ramos de folhagem (à direita). O círculo é induzido por dois arcos de circunferência, um de cada lado da deusa, formado por dois troncos curvos de árvores. Essa “auréola” empresta à deusa um ar de “Madonna”, aparência que é ainda reforçada pelo véu em sua cabeça inclinada, pelos cabelos cobertos, pela veste recatada e gesto litúrgico da mão direita. É flagrante a diferença com a deusa do Amor nua e de cabelos esvoaçantes do Nascimento de Venus.

Na extremidade direita do quadro surge a divindade de Zéfiro, deus do vento do ocidente, brisa amena que banha o bosque de orvalho e cobre a terra com o perfume de inúmeras flores. A poesia lírica romana de Ovídio teria servido de inspiração a Botticelli. O deus é figurado no momento do rapto de Clóris (à esquerda). Zéfiro está representado sob a forma de um ser azul esverdeado tentando agarrar uma ninfa de vestes transparentes (Clóris) e que olha para o deus com espanto. Da sua boca caem flores (“quando fala, seus lábios expelem flores” (Ovídio)) que se misturam com as que decoram o vestido de outra figura ao lado dela – Flora. Flora dá um passo à frente e tira do regaço as rosas que deita no jardim. Como deusa das flores, com esse gesto, ela simboliza a imagem do título do quadro: início da Primavera. Ovídio poematiza o princípio da estação como o momento da metamorfose quando Zéfiro transforma a ninfa Clóris em Flora, a deusa das flores “Eu hoje sou Flora, aquela que era chamada de Clóris”.

As Três Graças, servas de Vênus, estariam configurando três aspectos do amor: beleza, desejo e felicidade? Seriam elas, Tália, a que traz flores, Aglaia, brilho e esplendor e Eufrosina, júbilo e alegria. Com vestes transparentes, bailam alegres e de mãos dadas. Em outra mitologia, as Graças representam os espíritos da terra fértil em seu ciclo de dar, receber e devolver seus produtos. (Uma origem simbólica do que os ecologistas chamam de “sustentabilidadade”?). Ao lado elas está Mercúrio, o mensageiro dos deuses, que fecha o quadro à esquerda. Ele é reconhecido pelas suas sandálias aladas; o caduceu na mão direita espanta as nuvens do céu; o sabre demonstra a sua função de guardião do bosque. Mercúrio, filho de Maia, já foi venerado como o deus de Maio, mês das flores, em antigo calendário agrícola romano.

A ênfase dada à figura majestosa da deusa Flora realça as rosas jogadas no chão. e seu “passo à frente” – a entrada na/da primavera!

São raras outras alegorias com tal poder de síntese. Uma escrita pictórica que desprende uma metáfora surpreendente. Não encontrei nenhum autor que tenha dado tal destaque. Que melhor enredo para uma escola de samba?!

Com exceção da dupla Zéfiro-Clóris, Botticelli pinta “blocos de significação” (Mercúrio, as Graças, etc.) em espaços vizinhos que pouco, ou nada, conversam entre si. Clóris e Flora são figuras mitológicas diacrônicas. No entanto, esses elementos atuam em harmonia, como frases e parágrafos que, juntos, vão contar uma história e dar sentido à obra. Como tantas outras obras clássicas, um cenário onde a ação transcorre como numa montagem teatral.

Contudo, uma contradição permanece. Temos aqui uma Madona cercada por mitos romanos e gregos, ou uma Vênus vestida e pudica? Sua fisionomia de castidade é uma reminiscência da Virgem Maria, e não da deusa do amor sensual. A presença de Cupido não implica a presença de Vênus. A maçã – fruto de Vênus, é transformada em laranja, que era um símbolo da saúde, e não do amor. Botticelli pinta três metamorfoses: Maçãs em laranjas, Clóris em Flora e Vênus na Nossa Senhora.

Não parece haver muita dúvida sobre a intenção do pintor de representar a transfiguração de um sincretismo religioso. Como também não há dúvida de que Botticelli fora largamente influenciado pela obra do filósofo florentino Marsilio Ticino. Nessa obra, "Ficino tentava fundir as concepções pagãs e a teologia medieval numa doutrina. Por oposição a uma Vênus inferior, terrena, sua Vênus Celeste simbolizava a humanidade, a compaixão, o amor, e sua beleza abria as portas do céu aos mortais" (Rose Marie & Rainer Hagen, 1997).

Em sua outra grande obra, o Nascimento de Venus, Botticelli faz o inverso ao despir a Virgem Maria (ver neste Blog Botticelli - A Virgem Maria Despida).