Xavier Nueno, investigador barcelonés nacido en 1990, se ha hecho con la 54ª edición del Premio Anagrama de Ensayo. Lo hace con La revuelta de los copistas. Cómo el conocimiento perdió el juicio, un trabajo que gira alrededor de la privatización del saber y de su conversión en mercancía. El galardón está dotado con 10.000 euros y lo concede un jurado formado por Jordi Gracia, Pau Luque, Remedios Zafra, Daniel Rico y las editoras Silvia Sesé e Isabel Obiols.

El manuscrito se impuso entre 340 originales procedentes de 24 países, una cifra que da idea del peso de un premio con medio siglo de recorrido. El ensayo llegará a las librerías el 21 de octubre, según han confirmado quienes han presentado la obra, y se presenta como una mirada incisiva, aunque con humor, al desarrollo de la inteligencia artificial.

Una biblioteca que se ha convertido en negocio

La tesis central del libro es que las empresas tecnológicas se han apropiado del acervo intelectual y creativo que durante siglos custodieron bibliotecas y archivos. Después, según denuncia el autor, ese fondo común se nos revende o se nos realquila mediante suscripciones, como si fuera un conocimiento recién inventado. La biblioteca, sostiene Nueno, está bajo asedio y se ha convertido en una de las maquinarias de monetización más rentables del presente.

Para explicar ese recorrido, el ensayo se apoya en figuras que suelen quedar en segundo plano: copistas, estenógrafos, bibliotecarios, archiveros, programadores, técnicos y abogados. Detrás de cada avance algorítmico hay una cadena de trabajo humano que a menudo desaparece del relato público. El autor rastrea historias silenciadas y pleitos perdidos para mostrar que la automatización no nace de la nada.

Uno de los puntos que más subraya es que la aparente magia de los algoritmos oculta el esfuerzo acumulado por generaciones de autores y profesionales. El verdadero éxito de estas máquinas consiste en esconder el trabajo humano que las sostiene, ha advertido Nueno durante la presentación. Frente a los mensajes catastrofistas, el investigador sostiene que esos horizontes apocalípticos suelen ser lanzados por los propios tecnoligarcas y sus consejos de administración.

Ese relato, añade, no es neutral: en muchas ocasiones se activa cuando en Estados Unidos se anuncia un contrato millonario y sirve para reducir competencia o para que las adjudicaciones públicas acaben concentradas en unos pocos centros. El autor evita el tono apocalíptico y prefiere fijarse en las responsabilidades concretas de quienes gestionan esos sistemas, desde programadores hasta despachos jurídicos.

Del sueño humanista a la caja negra algorítmica

La pregunta de fondo recorre todo el ensayo: qué queda del viejo sueño humanista del conocimiento universal cuando la inteligencia artificial se nutre de todo el saber almacenado durante milenios y las empresas tecnológicas buscan sobre todo rédito privado. Nueno parte de una experiencia personal y académica para reconstruir cómo se ha llegado hasta aquí, desde los motores de búsqueda hasta las bibliotecas contemporáneas.

El autor es doctor en Estudios Visuales y de Medios por la Universidad de Harvard y actualmente enseña e investiga en la Escuela Politécnica Federal de Lausana. Lleva más de una década estudiando cómo almacenamos y divulgamos el conocimiento, con especial atención a la historia de los motores de búsqueda y a la organización de los fondos bibliotecarios desde el siglo XIX.

El jurado ha destacado que se trata de un libro sólido en lo académico, pero escrito de forma clara para un público amplio, con ironía sutil y sin caer en el partidismo. Su mirada combina literatura, historia y actualidad para humanizar unos procesos que a menudo se presentan como pura tecnología. La obra se aleja de las profecías catastrofistas y evita las simplificaciones, aunque no renuncia a señalar responsabilidades.

La propuesta final no es romántica ni nostálgica. Nueno defiende que las humanidades incorporen el mundo técnico y tecnológico a su discurso, porque hoy están mal equipadas para interpretar el presente, mientras que las ciencias aspiran a dejar atrás lo humano. La misión del ensayo es hacer más habitable el mundo abstracto de los algoritmos, los centros de datos y las tecnologías digitales, de modo que la ciudadanía pueda tomar posición sin traducirlo todo a eslóganes.

La obra de Xavier Nueno se presenta como una indagación sobre cómo el conocimiento pasó de estar custodiado en bibliotecas a convertirse en un activo que las grandes tecnológicas explotan y revenden. El Premio Anagrama de Ensayo reconoce así una crítica documentada a la conversión del saber en mercancía, sin quedarse en el lamento y proponiendo claves para entender y discutir el presente de la inteligencia artificial.

Jaime Lorente se pone detrás de la cámara en El mal hijo, una adaptación libre de la novela de Salvador S. Molina que supone su primera experiencia como realizador. La cinta se presentó en la sección New Directors del Festival de San Sebastián y después llegó a las salas españolas con distribución de Karma Films.

El relato se acerca a Rubén, un chaval de once años que ve cómo su padre desaparece y termina viviendo con una abuela a la que apenas conoce. A partir de ahí, la película explora las heridas familiares, la adicción, el silencio y la culpa en un entorno rural donde todo parece detenido en el tiempo.

Una ópera prima con raíces murcianas

El proyecto nace de una novela de Salvador S. Molina que Lorente ha convertido en un trabajo personal de largo recorrido. El actor, conocido sobre todo por series como La casa de papel o Élite, firma también el guion junto al autor del texto original y sitúa la historia en su Murcia natal, aunque buena parte del rodaje se llevó a cabo en Gran Canaria.

La acción se sitúa en un entorno rural de Murcia y se apoya en una atmósfera opresiva y rural para contar la descomposición de un núcleo familiar. La película mezcla drama familiar, ecos de thriller y un retrato social áspero, con personajes que viven al límite y arrastran secretos y violencias heredadas.

Rubén crece entre la ausencia de un padre consumido por las drogas y una madre poco preparada para ejercer como tal. La figura de la abuela Pascuala se convierte en el principal sostén del chaval, mientras el Tío Juanji añade tensión a la vida cotidiana con sus reclamaciones y su carácter violento.

Con el paso de los años, el protagonista pasa de ser un niño que observa a convertirse en un joven marcado por lo que ha visto en casa. La adicción y los modelos familiares funcionan como motores de una historia que habla de cómo ciertos patrones se repiten de generación en generación.

Personajes y reparto

El reparto está encabezado por Susi Sánchez en el papel de Pascuala, una mujer de carácter firme que intenta proteger a su nieto. Junto a ella aparecen Miguel Ángel Puro como el padre adicto, Óscar de la Fuente como el Tío Juanji y Félix Arráez y Naiara Carmona en el resto del elenco.

Rubén tiene dos intérpretes: Abel de la Fuente en la etapa infantil y Hugo Arbués cuando el personaje ya es adulto. Varias críticas han coincidido en destacar el trabajo del reparto, en especial la presencia de Susi Sánchez y la evolución del protagonista, como uno de los puntos más sólidos de la película.

La relación entre Pascuala y su nieto ocupa el centro emocional del relato. No se plantea como un vínculo edulcorado, sino como un amor exigente y lleno de grietas, atravesado por la enfermedad, la pobreza y las decisiones moralmente discutibles que la abuela debe tomar para sacar adelante a los suyos.

La cinta se divide en dos etapas mediante un salto temporal. Esa estructura permite ver al Rubén niño y también al joven que arrastra las consecuencias de una infancia sin referentes estables, una fractura que condiciona su forma de estar en el mundo y su manera de relacionarse con los demás.

Recepción y aspectos técnicos

En el apartado técnico, la fotografía corre a cargo de Elías M. Félix y la música de Luismi Glez Bedmar, con Niño de Elche en el tema principal. El montaje es de Regino Hernández y la producción reúne a Carmen Aguado, Frank Ariza y Manu Vega dentro de un proyecto español de AF Films distribuido por Karma Films.

La recepción ha sido dispar. Hay reseñas que subrayan la fuerza de las interpretaciones, la fotografía y la atmósfera rural y opresiva, mientras otras consideran que el guion se dispersa al mezclar drama, thriller y mafias. Esa falta de unanimidad no impide que la ópera prima de Lorente haya llamado la atención en San Sebastián.

La película se presentó oficialmente en New Directors, dentro del Festival de San Sebastián, antes de su llegada a los cines. En el reparto figuran Susi Sánchez, Miguel Ángel Puro, Hugo Arbués, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente, Félix Arráez y Naiara Carmona, con Jaime Lorente y Salvador S. Molina al frente del guion.

Ficha técnica

• País y año: España, 2026.
• Título original: «El mal hijo».
• Dirección: Jaime Lorente.
• Guion: Jaime Lorente y Salvador S. Molina.
• Producción: Carmen Aguado, Frank Ariza y Manu Vega.
• Productoras: AF Films.
• Distribución: Karma Films.
• Presentación: New Directors del Festival de San Sebastián.
• Fotografía: Elías M. Félix.
• Música: Luismi Glez Bedmar y Niño de Elche en el tema principal.
• Montaje: Regino Hernández.
• Reparto: Susi Sánchez, Miguel Ángel Puro, Hugo Arbués, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente, Félix Arráez y Naiara Carmona.

El mal hijo se queda con la historia de un chaval que busca su sitio en una familia rota y con una abuela que trata de romper la cadena de dolor. La ópera prima de Jaime Lorente combina el retrato rural, el drama familiar y el thriller, se apoya en un reparto muy reconocible y llega al público como una propuesta dura, seca y centrada en las consecuencias de las ausencias.

El novelista británico Julian Barnes ha llegado a Oviedo para cumplir con los actos previos a la entrega del Premio Princesa de Asturias de las Letras. La capital asturiana se convierte así en el centro de atención de lectores y medios, con la ceremonia del viernes como cita principal de una semana en la que también se recibe a otros galardonados.

El autor fue recibido en el Hotel de la Reconquista por la directora de la Fundación Princesa de Asturias, Teresa Sanjurjo, alrededor de las cinco de la tarde. Una banda de gaitas puso música al recibimiento, y Barnes, que llegó acompañado por su esposa, posó brevemente ante los periodistas antes de entrar en el edificio.

Llegada a Oviedo para recoger el galardón

La presencia de Barnes en Oviedo tiene un significado especial: el Premio Princesa de Asturias de las Letras distingue una trayectoria consolidada y lo coloca junto a figuras de primer nivel de la literatura contemporánea. El fallo del jurado se conoció meses atrás y ahora toca la parte más pública, con la recepción de los premiados y la entrega de los galardones.

En la misma tarde también llegaron los científicos David Klenerman, Shankar Balasubramanian y Pascal Mayer, premiados en Investigación Científica y Técnica. Fueron recibidos poco después, igualmente con gaitas, de modo que la jornada se convirtió en una sucesión de llegadas, saludos y fotografías ante los medios.

Barnes, nacido en Leicester en 1946, publicó su primera novela, Metrolandia, en 1980. Desde entonces ha construido una obra en la que tienen cabida la ficción, el ensayo y una mirada muy personal sobre la memoria, el amor y el paso del tiempo. Su nombre se asocia a premios como el Man Booker, que ganó por El sentido de un final, y a distinciones como la de Caballero de las Artes y las Letras de Francia.

Una trayectoria marcada por el reconocimiento internacional

El jurado ha subrayado su capacidad para mirar la tradición literaria y artística desde una perspectiva europea. En su valoración se destaca que Barnes reelabora con mirada europeísta la historia de la literatura, el arte, la música e incluso la gastronomía, hasta alcanzar un estilo propio. No se trata solo de acumular referencias, sino de integrarlas en relatos que hablan de emociones reconocibles.

A lo largo de su carrera ha combinado novelas de gran acogida con trabajos de no ficción y textos de carácter ensayístico. Entre sus títulos más conocidos están El loro de Flaubert, con el que fue finalista del Booker, y El sentido de un final, que le valió el prestigioso galardón en 2011. Su obra ha sido leída como una de las más personales de las letras británicas, y su capacidad para abordar asuntos serios sin grandilocuencia ha sido una de las claves de su recepción.

Su última novela, Despedidas, apareció en enero y se ha presentado como el cierre de su etapa novelística. La obra vuelve sobre asuntos que han acompañado buena parte de su producción: la amistad, la memoria, el amor y las decisiones que marcan una vida. El premio llega en un momento de balance para un autor que ha mantenido una relación muy estrecha con la literatura europea.

El peso de una obra que mira a Europa

La concesión del Premio Princesa de Asturias de las Letras se suma a una lista amplia de reconocimientos internacionales. Barnes se ha movido con soltura entre la novela, el ensayo y la reflexión sobre la creación artística, y su presencia en Oviedo ha generado una expectación notable entre quienes siguen de cerca la actualidad literaria.

Con la entrega del galardón, la capital asturiana vuelve a reunir a figuras de ámbitos muy distintos. En el caso de Barnes, la distinción reconoce una producción extensa y una voz reconocible, capaz de pasar del humor a la melancolía sin perder el pulso narrativo. Oviedo acoge así el reconocimiento a un narrador que ha hecho de la duda y la memoria una seña de identidad.

La semana continuará con más llegadas y actividades, pero la presencia de Julian Barnes ya ha dejado una de las imágenes más esperadas: la de un escritor consagrado que recibe en España un premio de gran prestigio. Su obra, marcada por la reflexión sobre el amor, la pérdida y el paso del tiempo, queda ahora en el centro del mapa literario con motivo de un galardón que también mira a la cultura europea.

Marvel Television ha puesto sobre la mesa el futuro de Daredevil: Born Again y lo ha hecho con un mensaje que mezcla cierre y puerta entreabierta. Brad Winderbaum, responsable del área televisiva de la compañía, ha sostenido que la intención era que esta etapa terminase con una tercera temporada. La afirmación llega después de que se haya dado por hecho que la producción dirá adiós en esa entrega, así que el debate está servido: no es lo mismo un final decidido desde el principio que un cierre condicionado por los resultados.

Para entender el asunto conviene no quedarse solo con el titular. El plan creativo y el rendimiento en la plataforma parecen dos piezas que Marvel intenta encajar sin que una anule a la otra. De ahí que las explicaciones del ejecutivo puedan sonar a veces a defensa del trabajo hecho y, al mismo tiempo, a recordatorio de que las cifras mandan. Esa doble lectura está en el centro de casi todo lo que se ha contado sobre el final de la serie.

Un cierre planteado como trilogía televisiva

Winderbaum ha explicado que la serie original de Netflix contó con tres temporadas y que Born Again estaba pensada para completar otras tres. La comparación que ha usado es la de los tomos recopilatorios de cómics: dos colecciones de tres volúmenes cada una, colocadas una al lado de la otra en la estantería. Es una forma bastante gráfica de presentar el proyecto como una etapa cerrada, aunque no necesariamente como el último capítulo imaginable del personaje.

Esa idea de colección ayuda a entender por qué desde Marvel se habla de un final de ciclo. No se trataría de un corte improvisado, sino de una estructura que, sobre el papel, tenía un principio y un cierre. Otra cosa es que, en la práctica, la continuidad de una franquicia televisiva dependa también de factores menos literarios, como la respuesta del público y el coste de mantener vivo un universo compartido.

Charlie Cox, intérprete de Matt Murdock, también ha dejado declaraciones que apuntan en una dirección parecida. En la Comic-Con de Nueva York habló de más planificación y cierto acompañamiento emocional en esta etapa, algo que encaja con la versión de un recorrido diseñado con más antelación. Aun así, el actor no ha cerrado la puerta a volver y ha reconocido en más de una ocasión que no sabe si su papel ha terminado del todo.

El peso de las audiencias y el límite de las campañas

El otro lado de la balanza lo pone la audiencia. Winderbaum ha subrayado que las cifras reales de reproducción son su principal herramienta de influencia a la hora de defender o descartar proyectos. En ese contexto ha mencionado la campaña #SaveDaredevil, muy presente entre los seguidores, y ha añadido una idea que resume bien el momento: además de pedir que se salve al personaje, hace falta que la gente vea la serie.

La frase tiene miga porque, si el final estaba planificado, ¿por qué insistir tanto en los datos? Ambas explicaciones pueden ser compatibles: una historia puede estar concebida para tres temporadas y, aun así, ampliarse si el éxito comercial lo justifica. Lo que parece claro es que Marvel ya no presenta sus series como piezas aisladas, sino como apuestas dentro de un engranaje más amplio en el que el rendimiento pesa mucho.

También hay que tener cuidado con las interpretaciones precipitadas. Que una campaña en redes sociales no mueva por sola una producción no significa que los fans no importen; significa que el ruido digital no sustituye al consumo efectivo. En plataformas, los minutos vistos, las tasas de finalización y el interés sostenido suelen hablar más alto que los hashtags. Esa lógica se aplica a Daredevil y a prácticamente cualquier serie actual.

Qué puede pasar con Matt Murdock después del cierre

El final de Born Again no implica necesariamente que Matt Murdock desaparezca del Universo Cinematográfico de Marvel. Winderbaum ha hablado de tomarse un respiro y decidir qué viene después para el personaje. Es una formulación prudente, pero deja margen para futuras apariciones, ya sea en otra serie o en una película. No hay que confundir esa posibilidad con un anuncio cerrado.

Por su parte, Charlie Cox ha animado a los seguidores a seguir mostrando interés y ha bromeado con la idea de mantener viva la campaña. Ni él ni Marvel han confirmado un proyecto concreto para continuar la historia después de la tercera temporada. La puerta está entreabierta, sí, pero no hay contrato público, calendario ni producción oficialmente presentada. Cualquier concreción futura pasaría por un anuncio de la compañía.

Lo mismo ocurre con Vincent D’Onofrio y su Wilson Fisk. El personaje ha ganado peso en las historias del vigilante y su presencia en otras tramas del UCM podría tener sentido, pero hablar de planes concretos sería ir más allá de lo publicado. De momento, lo sólido es que la serie cierra una etapa y que ambos intérpretes seguirían ligados a sus papeles si Marvel decide recuperarlos.

Fecha y estado de la tercera temporada

La tercera entrega todavía no cuenta con una fecha oficial cerrada. Las informaciones manejadas hasta ahora sitúan su llegada en primavera de 2027, y algunas filtraciones apuntan a marzo como referencia en Disney+. Son datos que conviene tratar con cautela, porque no proceden de un comunicado definitivo y porque los calendarios de estreno suelen moverse con facilidad.

Lo que sí parece asentado es que esta temporada servirá como cierre de la etapa iniciada con Born Again, no como una cancelación repentina a mitad de camino. Esa diferencia importa: Marvel ha querido presentar el final como una conclusión de ciclo, aunque el interés del público y la evolución de la franquicia puedan reabrir la historia más adelante. La clave estará en ver si el personaje vuelve en otro formato o si, por el contrario, se queda en el recuerdo de una trilogía televisiva.

Visto lo visto, Daredevil: Born Again afronta su tercera tanda como el cierre de una colección de seis temporadas si se suman las de Netflix y las de Marvel Television. La versión oficial habla de un plan pensado con antelación, mientras que la letra pequeña recuerda que las audiencias siguen pesando. Matt Murdock puede despedirse de esta etapa, pero no necesariamente del UCM: la puerta queda abierta a un regreso que, eso, todavía no está confirmado.

Arturo Pérez-Reverte continúa demostrando que la edad no es un obstáculo para su creatividad. A sus 74 años, el escritor cartagenero tiene previsto lanzar el próximo 20 de octubre su nueva novela, ‘La hipótesis más peligrosa’, de la mano de Alfaguara. En esta obra, vuelve a mezclar aventura, historia y una profunda reflexión sobre el Mediterráneo. Pero su actividad no se limita a la ficción: sus declaraciones sobre el rumbo de Europa, el paso del tiempo y la naturaleza humana no dejan indiferente a nadie. Su verbo afilado sigue generando titulares.

En los últimos meses, Pérez-Reverte ha sacado a la luz ‘Misión París’, una nueva entrega de la serie del capitán Alatriste, y ‘Enviado especial’, un volumen que reúne sus crónicas como corresponsal de guerra. Ahora, con ‘La hipótesis más peligrosa’, se sumerge en un relato de iniciación que también funciona como un recorrido por la historia del Mare Nostrum. El autor no se ha quedado callado: sus opiniones sobre la vejez, la juventud o el declive de Occidente han tenido una gran repercusión en medios y redes sociales.

Un viaje iniciático por el Mediterráneo

La nueva novela tiene como protagonista a Cal Gadea, un adolescente de 16 años que, tras la muerte de su madre, decide buscar a su padre, Asier Lerrant. Lo localiza en un puerto del Mediterráneo y, a bordo de un velero que transporta arte robado, ambos emprenden un viaje que los llevará desde Calpe, en Alicante, hasta la ciudad libanesa de Tiro. Se trata de una historia de iniciación en la que el joven aprende a navegar, a anticiparse a los peligros y a entender que la vida, al igual que el mar, tiene unas reglas que no siempre se pueden controlar.

A lo largo de la travesía, la trama combina elementos policíacos, sentimentales y sobrenaturales. El autor ha definido a Lerrant como un hombre reservado, de carácter áspero y complicado de interpretar, mientras que Cal representa la rebeldía y el enfado de una generación que se siente defraudada. La novela recorre episodios históricos como la caída de Masada, la batalla de Lepanto, el ataque a Gibraltar, la construcción del canal de Suez o la Primera Guerra Mundial, todos ellos vistos a través de la mirada de un padre que parece haber vivido mil vidas.

Alfaguara ha anunciado una primera edición de 180.000 ejemplares, y la obra llegará también a Latinoamérica en las próximas semanas. Pérez-Reverte acumula más de 27 millones de lectores en todo el mundo y su obra ha sido traducida a más de 40 idiomas. El respaldo de la crítica y del público es incuestionable, aunque el autor insiste en que su objetivo es comprender, no juzgar.

El título de la novela alude a un principio básico tanto en la mar como en la guerra: conviene prepararse para lo más probable, pero tomar precauciones pensando en lo peor. Esa filosofía impregna toda la obra, en la que el mar se convierte en un personaje más. No en vano, Pérez-Reverte es un navegante experimentado que desde hace más de tres décadas recorre el Mediterráneo en su velero.

El Mediterráneo como patria y memoria

Pérez-Reverte ha confesado que, con los años, ha llegado a sentir que su verdadera patria es el Mediterráneo. Ha explicado que se siente más en casa en lugares como Procida, Estambul o Tiro que en grandes capitales como París, Nueva York o Londres. El mar se ha convertido en su refugio y en el escenario donde mejor mira su pasado.

El autor sostiene que el Mediterráneo siempre ha sido un espacio caótico y mestizo, marcado por guerras, revoluciones, invasiones y piratería. A su juicio, Europa intentó civilizar ese mar, pero el proceso ha terminado invirtiéndose: ahora es el Mediterráneo el que está descivilizando el continente. Según su visión, cada patera que cruza una frontera, cada migración, extiende la influencia de ese mar convulso por Europa.

En sus intervenciones públicas, el escritor ha llegado a afirmar que quizá Europa merezca ser recolonizada por el Mediterráneo, una idea que ha generado un intenso debate. Lejos de buscar la polémica, Pérez-Reverte argumenta que el Mediterráneo es un espacio de culturas superpuestas, de mezcla y de locura, y que esa vitalidad terminará por imponerse a la rigidez del norte de Europa.

El autor también ha reflexionado sobre el paso del tiempo y la pérdida de certezas. Recuerda que en su juventud acumulaba muchas seguridades, mientras que ahora, con la edad que tiene, son las dudas las que predominan. Esa curiosidad constante es lo que, según él, le mantiene vivo intelectualmente y le impulsa a seguir escribiendo novelas.

Los jóvenes, la guerra y la condición humana

La nueva novela también aborda la situación de los jóvenes. Pérez-Reverte considera que los adolescentes están enfadados porque se les ha educado para un mundo que no se corresponde con la realidad y, cuando descubren el engaño, reaccionan con rabia. Él mismo se siente identificado con esa rabia: recuerda que a los 15 años suspendió varias asignaturas y su padre lo enroló en un pesquero durante dos meses, una experiencia que le hizo volver a estudiar.

El escritor considera que el videojuego será el gran soporte narrativo del futuro, aunque también defiende que la novela sigue siendo hoy una herramienta insuperable para entender el mundo. Para Pérez-Reverte, la lectura permite comprender hasta el horror, mientras que en la vida tendemos a condenar o aplaudir sin entender.

La violencia y la condición humana son temas recurrentes en su obra. El escritor, que cubrió 18 conflictos armados durante 21 años como corresponsal, está convencido de que el ser humano es un asesino por naturaleza. Según explica, hemos creado mecanismos cómodos y teorías morales, pero en el fondo seguimos conservando instintos ancestrales. La regresión, advierte, es muy sencilla: basta una circunstancia extrema para que aparezca el asesino que llevamos dentro.

El autor también ha reflexionado sobre la soledad. Ha insistido en que nadie puede escapar a ella, ni siquiera en los momentos finales de la vida. Lejos de dramatizar, lo ve como una condición inherente a la vida humana, algo que el mundo que hemos construido se encarga de disimular pero que nunca desaparece del todo.

Con ‘La hipótesis más peligrosa’, Arturo Pérez-Reverte vuelve a demostrar que sigue siendo una de las voces más personales y escuchadas de la literatura española. A través de esta novela, invita a reflexionar sobre la historia, la memoria y el papel del Mediterráneo en un mundo cambiante. Sus opiniones sobre la juventud, la vejez, la guerra y la condición humana completan el retrato de un escritor que, a sus 74 años, no ha perdido ni un ápice de curiosidad ni de capacidad para generar debate. Su legado se agranda con cada nueva obra, y todo apunta a que seguirá dando que hablar durante mucho tiempo.

La figura de Lola Suárez vuelve a colocarse en el centro de la actualidad cultural canaria. El Gobierno de Canarias ha elegido a esta escritora y docente para protagonizar el Día de las Escritoras Canarias, una cita que este año pone el foco en su dilatada labor dentro de la literatura infantil y juvenil y en su empeño por acercar los libros a distintas generaciones.

El homenaje tendrá lugar el martes 20 de octubre, a las 19:00 horas, en el Espacio La Granja de Santa Cruz de Tenerife. La convocatoria será abierta al público hasta que se complete el aforo y mezclará el reconocimiento institucional con una propuesta escénica pensada para recorrer la obra y la memoria de la autora.

Un reconocimiento institucional con sello canario

La ceremonia arrancará con la intervención de Migdalia Machín, consejera de Universidades, Ciencia e Innovación y Cultura del Ejecutivo autonómico, que será la encargada de hacer entrega del diploma a Lola Suárez. Después, la escritora y docente Ana Belén Hormiga Amador repasará la biografía y la trayectoria profesional de la homenajeada.

Con este gesto, la Administración canaria quiere reconocer el valor literario y pedagógico de una autora que ha sabido unir la creación con la enseñanza. Su obra ha servido para que muchos jóvenes se asomen a la cultura, la historia y las tradiciones del archipiélago, y también para reforzar el hábito lector en las aulas y en las bibliotecas.

Una velada entre música, memoria y palabra

El tramo final del acto estará dedicado a la escena. Se representará «La huella de Lola, entre la calima y la maresía», una pieza construida a partir de algunos de los textos más representativos de Suárez. La dirección corre a cargo de Nacho Cabrera, de Teatro La República, y sobre las tablas estarán Sara Álvarez y Toni Báez, con Antonio Brito al piano.

La propuesta pretende llevar la literatura al terreno teatral y hacer que el público se encuentre con los personajes, los recuerdos y las señas de identidad que atraviesan la producción de la escritora. La música y la interpretación servirán de hilo conductor para una velada que no se limita a la entrega de un galardón.

Trayectoria de una autora ligada a las aulas

Nacida en Arrecife en 1955, Lola Suárez se trasladó a La Laguna en 1973 para estudiar Magisterio y Pedagogía. Desde entonces ha compaginado la docencia con la escritura, la actividad cultural y su implicación en movimientos de renovación pedagógica. Su nombre está vinculado desde joven a la revista de literatura infantil y juvenil Marañuela.

Su producción literaria incluye cuentos, relatos y leyendas, y su compromiso con la difusión de las letras la ha llevado a participar en congresos, talleres, encuentros con autores y clubes de lectura. También ha estado presente en iniciativas como el programa PIALTE, el grupo Atalanta, el Museo de los Cuentos y el Festival de Cuentos de Los Silos.

Esa mezcla de creación y pedagogía ha convertido su trabajo en una herramienta para transmitir el patrimonio cultural canario y acompañar a las nuevas generaciones en su relación con la lectura. Su obra no se queda en el papel: funciona como una puerta de entrada a la historia y a las tradiciones de las islas.

Nuevas publicaciones y mirada a la adolescencia

Su actividad creativa sigue viva. En 2026 ha publicado ¿Quién es Bruno?, editado por Diego Pun Ediciones e ilustrado por Lana Corujo. El libro se adentra en el universo emocional de la adolescencia y aborda asuntos como la amistad, la identidad, la pertenencia al grupo y los cambios personales.

Esa atención a las emociones y a las etapas de crecimiento encaja con su trayectoria como docente y con su interés por acompañar a los lectores jóvenes. No en vano, su nombre se ha consolidado como una de las voces de referencia de la literatura infantil y juvenil en Canarias.

El Día de las Escritoras Canarias y su nómina de autoras

La conmemoración se celebra anualmente desde 2018 con el objetivo de visibilizar la contribución de las mujeres a la literatura y reivindicar su legado. La cita se desarrolla en torno al 15 de octubre, festividad de Teresa de Jesús, y en 2026 alcanza su novena edición.

A lo largo de estas ediciones, el reconocimiento ha recaído en autoras como Elsa López, Isabel Medina, Olga Rivero Jordán, María Teresa de Vega, Roberta Marrero, Cecilia Domínguez Luis, María Joaquina de Viera y Clavijo y Alicia Llarena. Con la elección de Lola Suárez, la nómina se amplía con una escritora que ha unido creación, docencia y difusión cultural.

La entrada al acto del 20 de octubre será libre hasta completar aforo, una fórmula que busca abrir la celebración a lectores, docentes y curiosos. La cita tendrá lugar en el Espacio La Granja, en Santa Cruz de Tenerife, y combinará el homenaje institucional con la representación teatral inspirada en su obra.

La trayectoria de Lola Suárez queda así unida a una fecha que reivindica el papel de las mujeres en las letras canarias. Su vinculación con la literatura infantil y juvenil, su labor en las aulas, su participación en iniciativas de fomento de la lectura y su atención al patrimonio cultural de las islas explican por qué el Gobierno de Canarias ha decidido dedicarle esta nueva edición. El acto del 20 de octubre servirá para repasar su biografía, entregarle el diploma, escuchar una semblanza a cargo de Ana Belén Hormiga Amador y ver sobre el escenario una pieza teatral que traduce su universo literario en música, memoria y palabra. La entrada libre hasta completar aforo permitirá que el público se acerque a una autora que ha acompañado a varias generaciones de lectores y que sigue publicando y participando en la vida cultural del archipiélago.

El actor Javier Semprún ha fallecido este domingo en Valladolid a los 74 años. La compañía Teatro Corsario, una de las formaciones que ayudó a crear, ha confirmado la noticia. Nació en 1952 y estuvo ligado durante décadas a la actividad escénica de la ciudad, hasta el punto de convertirse en una de las caras habituales de su desarrollo teatral.

Su nombre aparece unido a la historia reciente de las tablas vallisoletanas. Dio sus primeros pasos como intérprete en los años setenta, primero en la Compañía Teloncillo y después en el Corral de Comedias, bajo la dirección de Juan Antonio Quintana. Aquella etapa inicial le sirvió para asentarse en el oficio antes de dar el salto a un proyecto propio.

Trayectoria teatral y fundación de Teatro Corsario

En 1982 puso en marcha Teatro Corsario junto a Fernando Urdiales, Rosa Manzano y Luis Miguel García. Con Urdiales al frente hasta 2006, Semprún intervino sin interrupciones en casi todos los montajes de la compañía. Esa vinculación prolongada le convirtió en uno de los nombres esenciales para entender el recorrido del grupo.

A lo largo de su carrera alternó la actuación y la dirección. Entre sus trabajos más conocidos figuran ‘El cuervo’ (2009), a partir de Edgar Allan Poe, que llevó como actor principal y director, y ‘El patio’ (2016), de Spiro Scimone, donde igualmente firmó la dirección y actuó.

Danza, cine y reconocimientos

También colaboró con otras disciplinas y compañías. En 2010 se sumó al Ballet Contemporáneo de Burgos para ‘Los girasoles rotos’, con coreografía de Sabine Dahrendorf. Dos años después fue actor invitado por La Zaranda en ‘El régimen del pienso’, espectáculo con el que giró por escenarios de España, Europa y América.

Su presencia en pantalla llegó con filmes como ‘Celda 211’ y ‘La isla del viento’. En 2011 fue reconocido como mejor actor por la Unión de Actores de Castilla y León y en 2013 recibió el Premio Giordano Bruno por su recorrido profesional. En 2018, ‘El patio’ se hizo con el Premio Estación Norte en el XIX Festival Internacional de Artes de Calle de Valladolid (TAC).

En 2020 se le concedió el Premio de Teatro Provincia de Valladolid. El jurado subrayó su entrega y su destreza sobre las tablas, tanto en textos clásicos como actuales, además de su implicación con la vida cultural de la ciudad y con Teatro Corsario.

Con su marcha, Valladolid pierde a uno de los nombres que ayudaron a construir Teatro Corsario y a mantener viva una manera de entender las artes escénicas. Su paso por la interpretación, la dirección, la danza, el cine y los premios deja una huella amplia en Castilla y León, aunque su papel como cofundador y actor de la compañía seguirá siendo el rasgo más recordado de su biografía.

Los clubes de lectura han dejado de ser ese círculo cerrado que se reunía en una sala de biblioteca para comentar un clásico. En España, cada vez más personas los entienden como una forma de ocio compartido que cabe en una cafetería, en un bar, en una librería de barrio o incluso en una pantalla. La conversación sobre libros sigue ahí, pero con ella llegan la amistad, las recomendaciones cruzadas y una excusa perfecta para quedar.

El último Barómetro de Hábitos de Lectura sitúa en el 66,2% a la población mayor de 14 años que lee por ocio, con un avance notable entre los más jóvenes. Ese dato ayuda a explicar por qué los encuentros literarios ya no se miden solo por los títulos elegidos, sino por la comunidad que generan y por la capacidad de mezclar lectura con actualidad, cine, viajes o simple charla.

Un formato que sale de las bibliotecas

La evolución es clara: los clubes han conquistado cafeterías, parques, bares y vinotecas, y también han saltado al terreno digital. Hay grupos que se organizan por WhatsApp, Telegram, Discord o Zoom, lo que permite comentar una novela sin compartir ciudad. A eso se suma el empuje de fenómenos como BookTok o Bookstagram, donde las recomendaciones y los finales comentados se convierten en clubes virtuales de lectura y conversación pública.

La librería Serendipias, en Tres Cantos (Madrid), es uno de los ejemplos que muestran esa diversificación. Tras una década organizando encuentros, ha creado clubes por edades: para niños de ocho y nueve años, de diez a doce, juvenil, new adult y adultos. La responsable del establecimiento, Elena Martínez Blanco, explica que la idea es convertir la cita en una experiencia lectora, con café y tarta para romper el hielo o fiestas en el grupo de new adult.

La pandemia marcó un antes y un después. Andrea López, editora en Planeta, señala que durante aquellos meses la lectura pasó de ser un acto principalmente solitario a compartirse en redes sociales y crear comunidades en torno a libros y personajes. Después llegaron formatos más ambiciosos, como las Fiestas de la Lectura, en las que cada asistente puede llevar su propio libro, leer un rato y comentar impresiones con otros.

Burgos convierte los clubes rurales en una red de participación

La Diputación Provincial de Burgos ha presentado el II Encuentro de Clubes de Lectura con Perspectiva de Género, que se celebrará el 15 de octubre en Melgar de Fernamental, coincidiendo con el Día Internacional de las Mujeres Rurales. La portavoz provincial, Inmaculada Sierra, ha subrayado que el programa arrancó en 2021 con 12 grupos y ahora reúne a 302 mujeres en 35 clubes repartidos por la provincia.

El proyecto ha servido para llevar la lectura a municipios de Las Merindades y La Bureba, donde los grupos funcionan como espacios de encuentro y convivencia. Además de comentar obras, las participantes han dado el salto a la escritura con Enredadas con los relatos, un libro editado por la Imprenta Provincial que reúne microrrelatos de más de 150 mujeres. Los textos abordan la igualdad y las experiencias personales de sus autoras.

María José Saiz de la Maza, representante del club de Melgar de Fernamental, ha defendido que estos grupos ayudan a las mujeres rurales a expresarse y pensar por sí mismas. La jornada incluirá una conversación con la escritora Elvira Valgañón, el espectáculo Ellas cuentan de Estrella R., una comida de convivencia y una visita por los lugares más representativos de la localidad.

Nuevos públicos, géneros variados y una rutina contra la soledad

Los clubes ya no entienden de edades cerradas. Hay convocatorias de inscripción para niños y niñas de Primaria y ESO, con grupos que se adaptan según la demanda, y también iniciativas para adultos y familias, como la que impulsa la Biblioteca del IES San Rosendo con una primera reunión en la Vinoteca Segundo, en la plaza del Concello. La variedad de públicos convive con una oferta que va del thriller a la novela romántica, la fantasía, el ensayo, el manga o la novela gráfica, siguiendo la tendencia de clubes de lectura en España para todos los públicos.

Más allá de lo literario, muchos participantes encuentran en estas citas una rutina y un lugar de encuentro en un contexto donde la soledad no deseada preocupa cada vez más. La lectura compartida ayuda a hablar con desconocidos, crear amistades y mantener conversaciones cara a cara. De hecho, algunas convocatorias se han vinculado a semanas contra la soledad, como la organizada por el Hospital Sant Joan de Déu en torno a Quartet de tardor, de Barbara Pym.

La especialización también ha llegado a los contenidos. Hay talleres y clubes que exploran la dramaturgia, las voces de los personajes y los silencios del texto teatral, con experiencias coordinadas desde redes de clubes de lectura. En paralelo, la vitalidad de estos grupos llega a alterar la agenda local: las bibliotecas municipales de Piélagos en Renedo y Liencres han anunciado el cierre al público por una salida con sus clubes de lectura, mientras la Biblioteca Condes de la Mortera mantendrá su horario habitual.

Lo que empezó como una reunión para comentar un libro se ha convertido en una malla de convivencia, participación y encuentro que atraviesa pueblos, ciudades y plataformas digitales. Los clubes de lectura siguen siendo espacios íntimos de lectura, pero ahora también son una puerta a la amistad, una herramienta de igualdad en el medio rural y una forma de ocio que compite con las pantallas sin renunciar a ellas. La clave está en que el libro ya no es el punto final, sino el punto de partida de una conversación mucho más amplia.

En los pasillos del recinto alemán se han presentado diferentes sistemas de certificación pensados para acreditar el origen humano de un texto, al tiempo que se encadenan las polémicas en países como Francia, España, Reino Unido o Canadá. La pregunta de fondo resulta fácil de enunciar y complicada de contestar: ¿hay manera de saber si una novela la ha escrito una persona o una máquina?

Sellos para distinguir lo humano

La respuesta de buena parte del sector ha pasado por crear marchamos que avalen que detrás de un libro hay una mano humana. En Francia, la plataforma de autoedición Librinova ha puesto en marcha una etiqueta de «creación humana» que obliga al escritor a pasar antes por un programa de detección y por una entrevista con un auditor encargado de revisar su proceso de escritura. En torno a doscientas obras cuentan ya con este distintivo, según ha explicado Charlotte Allibert, cofundadora de la compañía, quien ha subrayado que el miedo a ser señalado por usar IA crece sobre todo entre quienes se autopublican.

Al otro lado del canal de la Mancha, la firma emergente Books By People ofrece su propio certificado, apoyado en unos criterios de «literatura orgánica». La norma exige que quien firma el libro sea quien lo ha escrito, aunque se tolera un empleo puntual de la tecnología para corregir faltas de ortografía o repasar la gramática. Esme Dennys, cofundadora de la iniciativa, ha señalado que la idea es construir un marco «global, transparente y fiable» sobre el que editores y autores puedan apoyarse. Los sellos editoriales que se suman pagan una cuota y después pueden solicitar que sus títulos lleven la marca correspondiente; cinco editores independientes se han adherido al proyecto por ahora.

En Estados Unidos, la asociación de escritores Authors Guild lanzó el sello «escrito por un humano», sustentado en una declaración del propio autor. Unos 6.500 libros lucen ya esta etiqueta. En Canadá, organizaciones como Writers’ Trust o la Fundación Giller han aprobado también limitaciones sobre los textos generados con algoritmos, y en Francia el escritor Gaspard Koenig defiende una etiqueta bautizada como «Livre sanctuaire — 100 % humain».

No todo el mundo ve en estos marchamos la solución. Sebastian Guggolz, al frente de la Asociación de Editores y Libreros de Alemania, advirtió durante la feria de que el asunto no se puede reducir a una división binaria entre libros con IA y sin ella. A su juicio, limitarse a medir el grado de uso de la tecnología resulta insuficiente y la discusión debería ser mucho más profunda: cómo lograr que las prácticas del sector sean de verdad transparentes. Comparte esa inquietud quien teme que los criterios dejen demasiado margen a la interpretación o que sea relativamente sencillo burlar los controles.

El caso que hizo temblar al Goncourt

El detonante de buena parte del terremoto fue la polémica en torno al escritor haitiano-canadiense Thélyson Orélien, de 38 años. Su primera novela, C’était ça ou mourir («Era eso o morir»), que narra el viaje de un maestro que escapa de la violencia de las bandas en Haití hasta recalar en Canadá, había ganado el Prix du Roman Fnac y figuraba entre los finalistas del Premio Goncourt y del Renaudot cuando una cuenta anónima en la red social X publicó capturas de la herramienta Pangram que la señalaban como «100 % IA».

El autor negó las acusaciones y denunció ataques motivados por el racismo. Su editorial, Éditions du Boréal, con sede en Montreal, recordó que el primer borrador se escribió en 2017, años antes de que los modelos de lenguaje generativo estuvieran al alcance del público general. En una declaración posterior, Orélien reconoció haber echado mano de herramientas de IA «aquí y allá» para consultar expresiones idiomáticas de otros idiomas, pero insistió en que el texto, la estructura y la trama salieron «directamente de sus entrañas». «Al atribuir a una máquina un texto que es mío, han cuestionado mi humanidad», llegó a escribir.

La Academia Goncourt retiró la obra de su lista larga el 25 de septiembre, al considerar que con toda probabilidad era en gran medida producto de una inteligencia artificial. El Prix Renaudot y el Prix Médicis no lo hicieron de inmediato. La editorial suspendió la gira de prensa del autor, que regresó a Quebec, y el libro —el mayor éxito de ventas de su sello en sesenta años, con acuerdos de traducción a una veintena de idiomas— quedó en el aire. A todo ello se sumaron señalamientos de plagio en un relato firmado en 2012, donde una investigación del diario canadiense La Presse detectó pasajes ya publicados por Louis Pauwels y Jacques Bergier en Le Matin des magiciens. Orélien pidió disculpas por lo que calificó como errores de juventud, pero reclamó que no se mezclaran ambas cuestiones. Philippe Claudel, presidente de la Academia, ha planteado ya modificar el reglamento para prohibir expresamente el uso de IA.

España: uno de cada tres superventas autopublicados, bajo sospecha

El foco también ha apuntado al mercado español. En febrero, Devuélveme mi país, del político Alvise Pérez, alcanzó el número uno de ventas en Amazon. Semanas después, Pangram atribuyó el 97 % de su texto a una máquina. El volumen, autopublicado y con diez ediciones en ocho meses, se convirtió en la cara más visible de una investigación de El País según la cual uno de cada tres superventas autopublicados en España presenta trazas de inteligencia artificial. Pérez rechazó las conclusiones en una carta al periodista firmante del trabajo, aseguró que lo redactó «palabra a palabra» y comparó los detectores con un horóscopo por su fiabilidad.

El diario partió de las listas de más vendidos de Amazon.es y de Casa del Libro, a las que añadió los ganadores de trece premios literarios, y analizó 119 títulos disponibles para adultos, escritos originalmente en español y publicados en 2025 o 2026. Tres fragmentos de mil palabras por libro pasaron por Pangram. El resultado: 35 de los 119 títulos mostraban alguna presencia de IA y 13 superaban el umbral del 50 %. Todos los del segundo grupo eran autopublicados y, en su mayoría, novelas románticas. El caso más extremo fue Mr. Sterling: Romance con el CEO, firmado con el seudónimo Violeta Dark, al que la herramienta atribuyó el 100 % del texto; ese nombre acumula 109 libros en Amazon desde marzo de 2025. Le siguieron Mi jefe es el Anticristo (versión sexy), de Estrella Correa, con un 86 %; El asesino del mapa, de Pablo Poveda, con un 75 %; y Novia del CEO por Navidad, de Leila Yoon, con un 53 %.

Entre los sesenta libros de editorial analizados ninguno rebasó el 50 %, aunque nueve presentaban alguna traza, y en los quince ganadores de premios literarios no se detectó un uso apreciable. Como grupo de control, el diario procesó 56 libros de 2019 y 2020, anteriores a la irrupción de los modelos generativos: todos dieron 0 %. Un estudio científico publicado en agosto sobre 14.419 libros electrónicos autopublicados en Amazon a escala global estimó que uno de cada cinco superaba el 25 % de uso sustancial de IA; en la muestra española esa proporción ascendía al 39 %. Publicar un libro con contenido generado no es ilegal: la plataforma Kindle Direct Publishing exige declarar si la obra incluye material producido por IA, pero no lo prohíbe, y la falta de mecanismos de verificación eficaces deja muchos títulos circulando sin advertencia alguna.

Detectores que fallan y autores que lo pagan

La fiabilidad de las herramientas es uno de los flancos más discutidos. La propia OpenAI retiró su detector en 2023 por su baja precisión, y no existe ningún método cien por cien fiable para determinar si un texto se ha escrito con ayuda de IA. Entre las pistas que suelen repetirse están las fórmulas de contraste del tipo «no es solo X, es Y», las enumeraciones de tres en tres, los conectores de manual, un lenguaje inflado y un ritmo demasiado uniforme, con frases de longitud parecida y un tono plano. También llaman la atención los calcos del inglés, las citas o estudios inventados y unas conclusiones que resumen lo ya dicho sin aportar nada.

Juan José Millás lo tiene claro. Preguntado en A vivir que son dos días, de la Cadena SER, sobre si leería una novela sabiendo que la ha escrito una máquina, el escritor valenciano respondió: «Cuando sepa que son buenas, sí. A mí lo que me interesa es la bondad de la obra». Recordó que nadie necesita conocer la identidad del autor del Lazarillo para disfrutarlo y añadió que muchos reportajes sobre el tema están mal hechos por desconocer la cantidad de falsos positivos: textos de Borges, contó, daban un 80 % de «creados por inteligencia artificial», y un fragmento de Foucault sobre Las meninas, un 70 %. Millás no descarta que la IA llegue a firmar alguna novela genial en no mucho tiempo, aunque hoy lo ve imposible.

Los falsos positivos han estado en el centro de un caso sonado. El 6 de octubre, el escritor zimbabuense Simbarashe Steyn Kundizeza recibió en Londres el Premio Caine de escritura africana, dotado de 10.000 libras (unos 11.800 euros), por su relato corto The Blue Fighter. Cinco días después, The Atlantic publicaba un artículo de la escritora Vauhini Vara en el que señalaba que Pangram marcaba casi todo el texto como generado por IA. La fundación del premio abrió de inmediato una revisión y anunció un «enfoque centrado en el ser humano», con entrevistas a los jueces, relectura del relato y conversaciones con el autor sobre sus métodos de trabajo. Ellah Wakatama, presidenta del consejo de administración, rechazó que un detector pueda funcionar como prueba definitiva. El relato había sido elegido entre 407 candidaturas de 27 países africanos, con un jurado presidido por la periodista de la BBC Bola Mosuro, y varias voces de la comunidad literaria africana han cuestionado que estas herramientas arrastren sesgos contra determinados estilos de escritura.

Un estudio de Stanford ha documentado numerosos falsos positivos al evaluar ensayos en inglés firmados por hablantes no nativos. Sobre esa base, el escritor y editor James Folta ha defendido en Literary Hub que la incertidumbre generada por los detectores puede perjudicar de forma desproporcionada a autores de tradiciones lingüísticas o estilísticas poco representadas y que los jurados deberían apostar por la investigación humana antes que por una puntuación algorítmica. En una línea parecida, el mexicano Jorge Volpi rechaza prohibir la IA de manera tajante y apuesta por la transparencia y la responsabilidad última del autor, al tiempo que critica que el jurado del Goncourt delegara paradójicamente en una máquina la evaluación de si un texto era humano.

Otras polémicas y el pulso por regular

El fenómeno no se limita a los premios. Antes del caso Orélien, la editorial francesa Hachette canceló la publicación en Estados Unidos de la novela de terror Shy Girl, de Mia Ballard, y retiró el libro de la venta en Reino Unido tras las acusaciones de uso de IA. Ballard negó haber recurrido a la tecnología, aunque reconoció al New York Times que una persona a la que había contratado para editar el libro sí la había utilizado. La práctica del ghostwriting, por cierto, lleva décadas asentada en la industria sin apenas cuestionamientos: las memorias del tenista Andre Agassi, por ejemplo, las escribió el periodista J. R. Moehringer después de 250 horas de conversaciones con el deportista. Lo que cambia ahora es la escala y la velocidad: un solo seudónimo llegó a publicar 109 libros en Amazon en poco más de un año.

Las posturas dentro del sector son de lo más variopinto, tanto que muchos reclaman separar cuestiones que se mezclan con demasiada facilidad: la autorización para entrenar modelos, la protección de voces e imágenes, la compensación a los creadores, la obligación de declarar el uso de IA y el valor del trabajo humano. Autores como Margaret Atwood, Kazuo Ishiguro, George R. R. Martin, Jonathan Franzen, James Patterson o Ted Chiang han tomado postura, cada uno a su manera, sobre la creación, los derechos de autor y el control sobre el uso de sus obras. En el cine, Guillermo del Toro ha mostrado su rechazo a la IA generativa, mientras James Cameron o Ben Affleck exploran sus posibilidades; Scarlett Johansson ha puesto el foco en el consentimiento para usar una voz parecida a la suya. En la música, Paul McCartney, Elton John, Billie Eilish, Björn Ulvaeus y Kate Bush han salido en defensa de los derechos de los creadores. En Japón, Rie Qudan ha experimentado abiertamente con respuestas de IA incorporadas a una novela publicada.

Con semejante panorama, la cuestión de quién figura como autor de un libro se ha convertido en un asunto de confianza entre quien escribe, quien edita y quien lee. Los sellos de autoría humana apenas dan sus primeros pasos, los detectores arrojan probabilidades y no veredictos, y las instituciones buscan fórmulas para no dejar fuera a nadie por una sospecha mal fundada. Mientras tanto, en España y en el resto de Europa, el debate sigue abierto entre quienes defienden que lo que importa es la calidad del texto y quienes avisan de que la transparencia sobre cómo se ha hecho cada obra será, a partir de ahora, tan relevante como la obra misma.

El Certamen Internacional de Bandas Ciudad de València ya tiene obra obligatoria para su próxima edición: «Las ruinas circulares», firmada por el compositor valenciano Francisco Coll. La pieza toma el título de uno de los relatos más conocidos de Jorge Luis Borges y se escuchará en el Palau de la Música dentro de la 139.ª convocatoria del certamen.

La elección no es un simple guiño literario. Coll ha explicado que no busca narrar el cuento ni seguir su argumento, sino capturar su atmósfera y algunas de sus obsesiones: la circularidad, la memoria, la identidad y la relación entre quien crea y aquello que queda creado. Es decir, Borges funciona como punto de partida, no como libreto.

Una partitura que traduce a Borges al sonido

La obra arranca con una fanfarria inicial y va desplegando materiales muy diversos. Hay corales solemnes, cánticos y danzas construidas sobre ritmos repetitivos, con ecos ancestrales pero también con guiños a músicas urbanas contemporáneas. Esa convivencia de mundos encaja con el estilo de un autor poco amigo de repetir fórmulas.

Coll ha señalado que, después de años dedicado a la música orquestal y a la ópera, había llegado el momento de escribir para banda sinfónica. Para él, la banda aparece como un organismo con identidad propia, no como una simple versión reducida de la orquesta. La pieza, por tanto, está pensada desde dentro de esa tradición y con voluntad de ampliarla.

El vínculo con «Las ruinas circulares» permite jugar con la idea de un tiempo que vuelve sobre sí mismo. El relato de Borges aborda el sueño, la creación y la duda sobre quién sueña a quién. Llevar ese material al terreno musical exige renunciar a la anécdota y trabajar con texturas, repeticiones y contrastes.

Francisco Coll, un creador con proyección internacional

Francisco Coll nació en Valencia en 1985 y estudió en los conservatorios superiores de Valencia y Madrid. Más tarde se trasladó a Londres, donde pasó por la Guildhall School of Music y trabajó junto a Thomas Adès, entre otras figuras. Su formación combina la tradición española con una mirada muy abierta a la creación europea actual.

Su música ha sonado en salas y festivales de Europa y América, con encargos e interpretaciones de formaciones como la Filarmónica de Los Ángeles o la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. Ese recorrido le ha dado una experiencia poco habitual para afrontar un encargo destinado a una banda sinfónica.

El certamen valenciano no es un marco cualquiera. Se trata de una de las citas bandísticas más longevas de Europa y, en cada edición, reúne formaciones de distintos países. Que la obra obligatoria dialogue con Borges añade un aliciente cultural a la competición, más allá del resultado técnico.

Así será la próxima convocatoria

La 139.ª edición del Certamen Internacional de Bandas Ciudad de València se celebrará en el Palau de la Música del 14 al 18 de julio de 2027. Las agrupaciones interesadas podrán solicitar su participación del 19 al 26 de octubre de 2026, una ventana breve que obligará a mover papeles con cierta antelación.

La organización mantiene cinco secciones: honor, primera, segunda, tercera y libre. En la sección de honor podrán competir hasta cinco bandas; en primera, cinco; en segunda, seis; en tercera, seis; y en la sección libre, cinco. Cada formación solo podrá inscribirse en una de ellas.

Entre las novedades figura la creación de un reconocimiento para la sociedad musical que gane tres menciones de honor en diez años. También se exigirá una declaración responsable para asegurar que las bandas, sobre todo las extranjeras, acuden con su plantilla habitual. Con ello se pretende garantizar la igualdad de condiciones.

Un palmarés con acento internacional

La edición de 2026 dejó un palmarés muy repartido. La Societat Musical Instructiva Santa Cecília de Cullera se llevó el primer premio y la mención de honor de la sección de honor con 352 puntos. En primera venció la Banda Sinfónica Associação Recreativa e Musical Amigos da Branca, de Portugal.

En segunda se impuso la Societat Musical Santa Cecília de Xelva. La tercera sección fue para la Orchestra Fiati Maria SS di Custonaci, de Italia, y la sección libre para la Lithuanian Symphonic Wind Orchestra, de Lituania. En total, cinco secciones y ganadores de cuatro países, una muestra del alcance del certamen.

Ese carácter internacional convive con una tradición muy asentada en la Comunitat Valenciana. El certamen no solo premia la afinación o la potencia, también mide la capacidad de contar algo con la música. La presencia de Borges, a través de Coll, apunta en esa dirección: una obra que invita a escuchar ideas antes que argumentos.

La cita de 2027 queda así marcada por el encuentro entre literatura y banda sinfónica. «Las ruinas circulares» servirá de hilo conductor para las formaciones que aspiran a destacar en el Palau de la Música. El reto será traducir a sonido el laberinto borgiano sin perder de vista la identidad de cada banda. La combinación promete dar que hablar tanto en el ámbito musical como entre los lectores del escritor argentino.