La Feria del Cómic de Madrid ha cerrado su segunda edición con un fuerte salto de dimensión y actividad, consolidándose como uno de los encuentros de referencia para el noveno arte en la capital. Celebrada en el recinto de Matadero Madrid, en el distrito de Arganzuela, la cita ha reunido durante cuatro días a librerías, editoriales, autores y lectores en un entorno volcado con la cultura.

En esta nueva convocatoria, el número de casetas se ha disparado al pasar de 36 a 60, acompañado por un crecimiento notable de expositores y por un incremento del volumen de negocio global cercano al 34 % respecto al año anterior. La feria se afianza así como un espacio profesional y ciudadano que combina venta de libros, actividades culturales y encuentros con creadores.

La Feria del Cómic de Madrid duplica casetas y refuerza a las librerías

Uno de los datos más llamativos de esta edición es que la feria ha duplicado prácticamente el número de casetas en Matadero Madrid, pasando de las 36 del año anterior a un total de 60. Este aumento ha ido acompañado de un salto de expositores, que han crecido de 51 a 84, lo que se ha traducido en una oferta editorial más diversa y especializada para el público asistente.

Este modelo se basa en un sistema de gestión de casetas liderado por librerías, que actúan como intermediarias entre editoriales y lectores. Gracias a esta fórmula, los visitantes han encontrado catálogos muy cuidados, con presencia tanto de grandes sellos como de proyectos independientes, y un trato cercano por parte de los profesionales del libro.

El aumento de casetas no solo ha supuesto más metros de exposición, sino también una mayor visibilidad para distintos géneros y estilos de cómic, desde la novela gráfica de autor hasta las series más comerciales. El peso del cómic europeo, el estadounidense y el manga ha convivido con propuestas de corte infantil, juvenil y adulto, dando cabida a todo tipo de lectores.

Según los datos recabados por la organización entre los participantes, el volumen de negocio global ha crecido en torno a un 33,7 % respecto a la primera edición. Este comportamiento confirma que el aumento de casetas y expositores no solo responde a una ampliación física, sino también a una demanda real por parte del público y del propio sector editorial.

Crecimiento económico y consolidación como cita profesional

El impacto económico de la feria ha sido uno de los puntos destacados por librerías y editoriales. El incremento cercano al 34 % en ventas se interpreta como una señal de buena salud del cómic y la novela gráfica en España, así como de la capacidad del evento para generar negocio en un periodo concentrado de días.

Además del aspecto económico, la feria se ha consolidado como un espacio de encuentro profesional donde se han intensificado las relaciones entre distribuidores, editoriales, librerías y autores. Muchos sellos han aprovechado la cita para presentar novedades, testar la respuesta del público y reforzar vínculos con los puntos de venta.

Las casi trescientas sesiones de firmas programadas, un total de 297 encuentros con autores, han servido también como termómetro del interés del público y como herramienta de fidelización. Las colas constantes en buena parte de las casetas han reflejado el tirón de los creadores nacionales e internacionales que han pasado por Matadero.

Desde el Ayuntamiento de Madrid y la Asociación de Librerías de Madrid, organizadores de la cita, se ha remarcado que la Feria del Cómic de Madrid se ha convertido en un proyecto cultural estratégico para la ciudad, tanto por su aportación económica al sector del libro como por su papel en el acceso a la lectura y la cultura gráfica.

Reorganización del espacio y experiencia de público mejorada

La ampliación de casetas y expositores se ha acompañado de una profunda reorganización del espacio comercial en Matadero Madrid. La nueva distribución de los recorridos ha facilitado que el tránsito de visitantes fuera más cómodo, reduciendo cuellos de botella y evitando aglomeraciones en los puntos de mayor afluencia.

Uno de los retos clave era compatibilizar las colas para las firmas con el paso del resto del público. Gracias a la nueva disposición, las 297 sesiones de firmas se han celebrado de manera más ordenada, con menos interferencias en los accesos a casetas y a las zonas de actividades. Esta mejora en la circulación ha sido muy valorada por los asistentes.

La organización también ha tenido en cuenta la señalización, los puntos de información y el reparto de actividades por áreas, de modo que las distintas propuestas culturales se integrasen mejor en el conjunto del recinto. El resultado ha sido un aumento notable de la comodidad de visita, con aforos completos en buena parte de la programación sin sensación de saturación constante.

La implicación coordinada de librerías y editoriales en el diseño del espacio ha sido otro de los factores señalados por los agentes del sector. Esa colaboración ha permitido ajustar la feria a las necesidades reales de venta, firma y exposición de material, reforzando su perfil como encuentro pensado tanto para el público general como para los profesionales.

Programación cultural: firmas, manga y público infantil

Más allá de las cifras comerciales, la segunda edición de la Feria del Cómic de Madrid ha destacado por una programación cultural intensa y muy variada. La mayoría de las actividades han completado aforo, lo que pone de manifiesto el interés creciente por el cómic y sus formatos derivados.

El calendario de firmas ha sido uno de los grandes atractivos, con cientos de autores pasando por las casetas a lo largo de los cuatro días. Desde nombres consolidados del panorama nacional hasta nuevas voces y creadores internacionales, las firmas han constituido una oportunidad de encuentro directo entre lectores y artistas.

En el terreno editorial, el manga ha ganado un protagonismo especial, con un aumento significativo de títulos, colecciones y editoriales volcadas en este género. La programación ha respondido así a la fuerte demanda de público joven y a la consolidación del cómic japonés como uno de los motores del mercado en España.

El público familiar también ha tenido un lugar central. La feria ha reforzado su programación infantil con talleres y actividades pensadas para los más pequeños, entre ellos propuestas para aprender a dibujar cómics, sesiones participativas y encuentros adaptados a edades tempranas. Esta apuesta ha favorecido la presencia de familias completas en el recinto.

Los distintos perfiles de visitantes —lectores veteranos, aficionados al manga, público infantil y juvenil, curiosos que se acercaban por primera vez al mundo del cómic— han contribuido a que la feria se consolide como un evento intergeneracional y abierto, en el que conviven estilos y sensibilidades muy diversas alrededor de la historieta.

Impacto cultural en Matadero Madrid y el entorno

La celebración de la feria en Matadero Madrid ha tenido una repercusión destacada en la vida cultural y económica del entorno. Librerías, espacios culturales y proyectos vinculados al libro y a la ilustración se han visto beneficiados por la mayor afluencia de público en la zona durante los días del evento.

El recinto de Matadero, rehabilitado como centro de creación contemporánea, ha servido nuevamente como escenario idóneo para una cita que combina comercio, cultura y actividades abiertas. Su configuración de naves, plazas y espacios interiores ha permitido ubicar casetas, zonas de descanso y programación paralela de forma armónica.

Uno de los elementos que prolongan el efecto de la feria más allá de sus fechas oficiales es la exposición dedicada al cómic belga, organizada en colaboración con la Delegación general Valonia-Bruselas. Esta muestra permanecerá abierta en la Casa del Lector hasta el 9 de abril, de modo que los visitantes podrán seguir disfrutando de contenidos vinculados al noveno arte incluso después del cierre de las casetas.

La Casa del Lector, situada dentro del propio complejo de Matadero Madrid y gestionada por la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, mantiene durante todo el año una programación estable ligada a la lectura y la creación. La conexión entre esta institución y la feria refuerza la posición de Arganzuela como uno de los núcleos culturales activos de la ciudad.

Desde el punto de vista urbano, la feria contribuye a dinamizar el distrito con un flujo constante de visitantes, que no solo acuden a las actividades relacionadas con el cómic, sino que también consumen en establecimientos de la zona y descubren otros equipamientos culturales del entorno de Matadero.

Tras una segunda edición marcada por la duplicación de casetas, el aumento de expositores y el notable crecimiento del volumen de negocio, la Feria del Cómic de Madrid se afianza como una cita clave en el calendario cultural de la capital. El refuerzo del papel de las librerías, la diversidad de propuestas —con especial atención al manga y al público infantil—, la mejora de la experiencia de visita en Matadero y la proyección a través de iniciativas como la exposición de cómic belga apuntan a un evento con margen para seguir creciendo y consolidar, año tras año, el peso del noveno arte en la vida cultural madrileña.

El regreso de Eduardo Mendoza a las librerías con una nueva aventura de su célebre investigador sin nombre vuelve a poner al autor barcelonés en el centro de la conversación literaria en España. Coincidiendo con la temporada de grandes novedades editoriales de abril, su última novela se suma a un catálogo ya clásico que ha redefinido la narrativa contemporánea gracias a una combinación muy personal de humor, parodia y observación social.

En paralelo a este lanzamiento, sigue muy presente el reconocimiento institucional que supuso el Premio Princesa de Asturias de las Letras, que distinguió una trayectoria marcada por la mezcla de géneros, el espíritu lúdico y la capacidad de llegar a lectores muy distintos sin renunciar a la ambición literaria. La recepción crítica y el entusiasmo del público confirman a Mendoza como uno de los nombres clave de la literatura española actual.

«La intriga del funeral inconveniente»: el retorno del detective más disparatado

Con «La intriga del funeral inconveniente», publicada por Seix Barral, Mendoza recupera a su inolvidable detective anónimo, ese investigador tan perspicaz como desastroso que ya protagonizó novelas como «El misterio de la cripta embrujada» o «El laberinto de las aceitunas». En esta ocasión, todo arranca con algo aparentemente banal: la breve crónica de un entierro menor en un rotativo local que termina costándole el puesto al periodista que la firma.

Ese texto, en teoría irrelevante, desencadena sin que nadie lo prevea una reacción en cadena que saca a la superficie una compleja operativa financiera y una conspiración tan ambiciosa como chapucera. El despido del joven reportero se convierte así en la primera ficha de un dominó que llevará al veterano detective a adentrarse en una red de suplantaciones, engaños y maniobras turbias donde casi todo el mundo prefiere mirar hacia otro lado antes que afrontar la verdad.

El propio Mendoza arma la novela como una trama detectivesca disparatada en la que, más que descubrir quién ha cometido un crimen concreto, el enigma central es entender por qué hay tanto empeño en que nada se aclare. El humor, los malentendidos y los personajes secundarios extravagantes funcionan como un espejo deformante de la sociedad urbana, con especial atención a las pequeñas miserias de cierto poder económico y mediático.

Barcelona vuelve a ser el gran escenario de esta historia. La ciudad aparece de nuevo como un territorio reconocible y a la vez caricaturesco, un espacio donde conviven los barrios humildes y los despachos de traje y corbata, los cementerios apartados y las redacciones de periódicos precarios. La Barcelona de Mendoza continúa siendo una ciudad literaria, construida a base de ironía y costumbrismo, pero pegada al pulso real de la vida cotidiana.

Un hito dentro de la saga del detective sin nombre

La nueva novela se integra en la ya amplia serie protagonizada por el detective sin nombre, uno de los personajes más reconocibles de la narrativa española reciente. Desde su primera aparición en «El misterio de la cripta embrujada» (finales de los años setenta), este investigador salido de entornos marginales ha ido saltando de caso en caso a base de lucidez involuntaria, frases lapidarias y una capacidad casi innata para meterse en líos.

Tras aquella primera aventura, la secuela «El laberinto de las aceitunas» consolidó el modelo: una estructura de novela policíaca salpicada de humor negro, crítica de las instituciones y una galería de personajes secundarios que parecen sacados de la vida misma, solo que ligeramente exagerados. Con el paso del tiempo, esta saga se ha convertido en una especie de termómetro social en clave cómica, capaz de retratar el país desde las cloacas hasta los despachos.

En «La intriga del funeral inconveniente», Mendoza retoma ese universo después de una larga etapa de altibajos y silencios del protagonista. El detective reaparece tras más de una década de peripecias vitales y laborales, arrastrando las heridas y desgastes de los años, pero igual de dispuesto a lanzarse a una investigación que empieza siendo algo menor y termina implicando a figuras de mucho más peso del que parecía al principio.

Ese contraste entre la nimiedad del punto de partida y la desproporción de las consecuencias es uno de los sellos de la casa. El autor refuerza así la sensación de que, en su obra, la realidad española funciona muchas veces como una acumulación de chapuzas encadenadas, ocurrencias mal calculadas y operaciones de alto riesgo gestionadas con poca seriedad. El humor, más que un adorno, es el mecanismo que permite soportar la crudeza del retrato.

Un autor que reivindica el juego, la libertad y el placer de escribir

Más allá de sus tramas, la figura pública de Eduardo Mendoza ha ido ganando peso en los últimos años gracias a sus declaraciones sobre el oficio de escribir y sobre la lectura. El escritor insiste en presentar la literatura como una actividad esencialmente lúdica, una profesión sin grandes épicas ni sufrimientos obligatorios: para él, la escritura es ante todo un disfrute, no una condena.

En alguna ocasión ha bromeado con que no hay mejor trabajo que este: no hace falta apenas inversión en herramientas, solo papel y bolígrafo, no hay horarios estrictos y uno puede hacer lo que le apetezca, con la única condición de que después alguien quiera leerlo. Frente a la imagen del autor torturado, Mendoza se describe a sí mismo como un escritor relativamente ajeno a esos fantasmas interiores que tantos colegas aseguran tener, y recalca que en su caso el proceso creativo no es fuente de angustia.

Su postura respecto a la corrección política y la censura también ha sido clara. Considera lógico que cambien las sensibilidades con el paso del tiempo, pero se muestra contrario a reescribir el pasado o a depurarlo según los criterios actuales. Su receta, expresada con la llaneza que le caracteriza, invita a pasar página: si un libro incomoda, siempre queda la opción de dejarlo y escoger otro, sin necesidad de prohibirlo ni perseguirlo.

Esta defensa de la libertad creativa se complementa con una reivindicación de la lectura como una de las actividades más valiosas, no tanto por una obligación moral como por el placer y el conocimiento que aporta. Suele recordar con sorna que se puede llevar una vida perfectamente funcional sin abrir un libro, e incluso que hay gente culta que no por ello resulta necesariamente más sensata; aun así, insiste en que la ficción ofrece una forma de comprensión del mundo muy difícil de sustituir.

Según el propio Mendoza, la literatura permite observar cómo piensan y reaccionan las personas, nos confronta con la vida cotidiana y sus dilemas y genera mecanismos de identificación que ayudan a entendernos mejor a nosotros mismos y a los demás. Esa mirada se despliega en toda su obra, desde las novelas históricas hasta las sátiras más desenfadadas, siempre con una mezcla de distancia irónica y afecto por sus criaturas.

Una trayectoria clave en la narrativa española contemporánea

La expectación por «La intriga del funeral inconveniente» se explica también por el peso de la bibliografía previa del autor. Títulos como «La verdad sobre el caso Savolta», «La ciudad de los prodigios» o «Sin noticias de Gurb» no solo han sido éxitos de ventas, sino que han marcado un antes y un después en la manera de contar la realidad española en novela.

«La verdad sobre el caso Savolta» se considera a menudo el libro que abrió una nueva etapa en la narrativa de la Transición. Ambientada en la Barcelona de principios del siglo XX, combina intriga política, lucha obrera y corrupción empresarial en una estructura fragmentada y muy innovadora para su época. La obra mezclaba recursos del folletín, la novela negra y el relato documental, anticipando esa voluntad de cruzar géneros que luego se haría habitual en el autor.

Con «La ciudad de los prodigios», Mendoza se lanzó a una gran novela de largo aliento sobre la transformación de Barcelona entre las Exposiciones Universales de 1888 y 1929. A través del ascenso de un protagonista tan oportunista como carismático, la novela traza un vasto mapa de la modernización, los conflictos de clase, la especulación urbana y las ilusiones colectivas. Muchos la consideran su obra maestra por la capacidad de combinar crónica histórica, imaginación desbordante y un tono siempre entre serio y burlón.

En un registro totalmente distinto, «Sin noticias de Gurb» se ha convertido en un clásico del humor literario. La peripecia de un extraterrestre perdido en la Barcelona preolímpica, narrada en forma de diario por su compañero, es una sátira que, desde la ciencia ficción, disecciona la vida urbana, la publicidad, la política y las costumbres de finales del siglo XX. Su ingenio y frescura la han mantenido viva generación tras generación, tanto en España como fuera.

La faceta más abiertamente policíaca y paródica de Mendoza se asienta en la saga del detective sin nombre, cuyos primeros episodios son «El misterio de la cripta embrujada» y «El laberinto de las aceitunas». Ambas novelas cruzan la tradición de la novela criminal con un humor absurdo muy personal, en el que los bajos fondos, las instituciones religiosas, los negocios turbios y la burocracia forman parte del mismo paisaje deformado pero reconocible.

A esta lista se suma «Riña de gatos. Madrid 1936», una novela que se desplaza a la capital española en los meses previos al estallido de la Guerra Civil. A través de un argumento que mezcla arte, espionaje y tensiones políticas, el libro ofrece una mirada crítica y matizada sobre un periodo decisivo de la historia del país, manteniendo el gusto del autor por los personajes ambiguos y las situaciones en las que nada es del todo lo que parece.

En conjunto, la obra de Eduardo Mendoza se ha ido configurando como un puente entre la tradición y la experimentación, entre la alta literatura y el entretenimiento popular. Su capacidad para alternar la gran novela histórica con la comedia desenfadada, el relato costumbrista con la sátira de ciencia ficción, ha contribuido a ensanchar las fronteras de lo que se entiende por narrativa española contemporánea.

La publicación de «La intriga del funeral inconveniente» refuerza esa trayectoria y devuelve al primer plano al investigador más estrafalario de nuestras letras, al tiempo que confirma que el humor, cuando se usa con inteligencia, sigue siendo una de las herramientas más eficaces para hablar de poder, dinero, memoria y responsabilidades colectivas en la España y la Europa de hoy.

El Teatro Español de Madrid incorpora a su cartelera una nueva versión de Tras el ensayo, uno de los textos más personales del cineasta y dramaturgo sueco Ingmar Bergman. La propuesta llega a la Sala Margarita Xirgu con versión y dirección de Ernesto Caballero, que apuesta por un enfoque íntimo y muy centrado en la palabra.

El montaje se presenta como una aproximación sobria y concentrada al universo bergmaniano, donde las relaciones humanas, la memoria y el oficio teatral se entrecruzan de forma constante. Lejos de los artificios escénicos, la obra confía en la fuerza del texto y en el trabajo de los intérpretes para ir desvelando las capas emocionales que se esconden tras un simple ensayo.

Un clásico de Bergman que salta de la pantalla al escenario

La pieza parte del telefilme homónimo que Bergman estrenó en 1984, considerado una de sus creaciones más íntimas. En este texto, el autor se proyecta en la figura de Henrik Vogler, un veterano director de teatro que permanece solo en el escenario cuando el resto del equipo ya se ha marchado tras un ensayo.

Ese espacio vacío, iluminado apenas por los restos de luz de la escena, se convierte en un territorio casi mental donde aparecen recuerdos, afectos y viejas heridas. Las obsesiones artísticas de Vogler se mezclan con sus dudas personales, y el escenario, concebido normalmente como lugar de ficción, se transforma en un lugar en el que la vida se cuela sin pedir permiso.

En este contexto irrumpe Anna Egerman, una joven actriz de la compañía, cuya presencia desencadena una conversación intensa con el director. A la vez, se hace presente el recuerdo de Rachel, actriz del pasado y antigua amante de Vogler, que arrastra consigo un cúmulo de emociones sin resolver. Entre los tres se teje un complejo triángulo emocional que pone sobre la mesa el deseo, el paso del tiempo y el coste íntimo de la creación artística.

La obra avanza a través de un diálogo afilado que expone las contradicciones del creador: su ansia de control, su fragilidad, y esa lucha constante por encontrar un equilibrio entre el compromiso con el arte y las lealtades afectivas. En lugar de grandes giros argumentales, lo que se ofrece es un retrato minucioso del interior de un director que se sabe en la recta final de su carrera.

Todo ello sitúa a Tras el ensayo dentro de la línea más confesional de Bergman, donde la reflexión sobre el teatro como forma de vida pesa tanto como la propia trama. No es casual que el personaje principal permanezca literalmente en el escenario: es ahí, sobre las tablas, donde se define su identidad y donde también afloran sus mayores dudas.

Dirección de Ernesto Caballero y una puesta en escena austera

La versión que presenta el Teatro Español lleva la firma de Ernesto Caballero, que apuesta por una propuesta escénica austera, sin artificios excesivos ni grandes despliegues técnicos. La mirada del director se centra en el trabajo actoral, en el ritmo del diálogo y en la tensión que se construye entre los personajes a medida que avanza la conversación.

Esta apuesta minimalista permite explorar con claridad ese terreno inestable donde la ficción y la vida personal se desdibujan. Los intérpretes se mueven constantemente en la frontera entre el personaje y la persona, de modo que el espectador nunca tiene del todo claro dónde termina la escena y dónde empieza la confesión, algo muy en la línea del propio espíritu bergmaniano.

El montaje busca generar una atmósfera íntima, casi de ensayo a puerta cerrada, en la que el público se convierte en testigo cercano de lo que sucede. No hay grandes cambios de decorado ni efectos espectaculares: el foco está en la palabra, en los silencios y en las miradas que completan aquello que los personajes no se atreven a decir.

En esa línea, la dirección de Caballero subraya la dimensión introspectiva del texto, poniendo el acento en el envejecimiento artístico, el peso de la memoria y la relación de poder entre director y actrices. La obra no se limita a hablar de un montaje de teatro dentro del teatro, sino que indaga en cómo las vidas de quienes se dedican a este oficio quedan marcadas para siempre por lo que ocurre sobre el escenario.

El resultado es un espectáculo sobrio pero cargado de matices, que invita a seguir de cerca cada gesto y cada réplica. Sin grandes subrayados ni discursos explicativos, la pieza confía en la inteligencia del espectador para ir construyendo su propia lectura sobre lo que ve y escucha.

Reparto y equipo artístico en la Sala Margarita Xirgu

El elenco está encabezado por Emilio Tomé, que asume el papel de Henrik Vogler, ese director veterano que se queda solo tras el ensayo y se enfrenta a sus propios fantasmas. A su lado, Elisa Hipólito interpreta a Anna Egerman, la joven actriz que irrumpe en el escenario y mantiene con él un diálogo tan profesional como profundamente personal.

Completa el reparto Lucía Quintana como Rachel, figura del pasado de Vogler y antigua amante cuya presencia, física o evocada, desencadena buena parte de las tensiones que recorren la obra. Entre los tres se construye un tejido de relaciones marcado por la dependencia, la admiración, los reproches y una inevitable diferencia generacional.

En el apartado plástico, la escenografía e iluminación corren a cargo de Víctor Longás, que diseña un espacio desnudo pero muy sugestivo, con un uso de la luz que acompaña la deriva emocional de los personajes. El vestuario, firmado por José Cobo, se alinea con esta sobriedad general, al tiempo que define con precisión el lugar de cada figura dentro de la historia.

El ambiente sonoro es responsabilidad de Bastian Iglesias, cuyo trabajo refuerza la sensación de estar en un teatro que respira, donde cada eco y cada silencio cuentan. Sin imponerse al texto, el sonido ayuda a subrayar matices y cambios de tono, contribuyendo a esa atmósfera de ensayo prolongado en el que afloran emociones soterradas.

La combinación de estos elementos da lugar a una puesta en escena muy cohesionada, en la que todo parece girar alrededor de la palabra y del conflicto interior de los personajes. El Teatro Español, con esta producción, mantiene su apuesta por acercar al público grandes textos del teatro contemporáneo europeo, revisados desde una sensibilidad actual pero respetuosa con el original.

Fechas, espacio y función accesible en el Teatro Español

Esta versión de Tras el ensayo se presenta en la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español dentro de la programación madrileña de primavera. La obra se sitúa así en un contexto en el que el coliseo municipal continúa reforzando su vínculo con autores fundamentales de la escena europea, entre ellos un Bergman que sigue resultando muy vigente para el público actual.

Dentro de las funciones previstas se incluye una sesión accesible con audiodescripción y sobretitulado para personas sordas, programada para el viernes 24 de abril. Esta cita específica busca facilitar que espectadores con distintas necesidades puedan disfrutar del montaje en condiciones adecuadas.

Para quienes vayan a hacer uso del sobretitulado, se recomienda evitar las primeras filas de la sala y adquirir entradas a partir de la fila 5, de modo que la visibilidad de los textos proyectados sea la correcta. Se trata de un detalle práctico que puede marcar la diferencia en la experiencia de la función.

Con la llegada de Tras el ensayo, el Teatro Español no solo suma un título relevante a su programación, sino que subraya su compromiso con un teatro que combina reflexión, riesgo y cuidado por la accesibilidad. La elección de un texto tan concentrado en el oficio teatral encaja bien en una casa que, desde hace años, se ha convertido en punto de referencia para quienes buscan propuestas que vayan más allá del mero entretenimiento.

De este modo, el público madrileño tiene la oportunidad de acercarse a una obra que, aun siendo breve en su planteamiento, abre muchas puertas: la mirada sobre el trabajo creativo, la fragilidad de las relaciones entre directores y actrices, y el lugar que ocupa el teatro en la vida de quienes lo hacen. Todo ello, condensado en un escenario vacío tras un ensayo, demuestra hasta qué punto un espacio aparentemente silencioso puede estar lleno de voces, recuerdos y preguntas que siguen resonando mucho después de que se bajen las luces.

Altea ha tornat a situar-se aquests dies com a punt neuràlgic de les lletres valencianes contemporànies amb la celebració de la desena edició dels Premis Altea de Literatura i Investigació. La cita, que arriba a la dècada de trajectòria, confirma que el municipi de la Marina Baixa s’ha fet un nom propi dins el mapa literari del País Valencià.

En aquesta ocasió, la gala al Espai Mirador del Palau Altea Centre d’Arts va reunir més de dos-cents assistents entre creadors, responsables institucionals, representants d’entitats culturals i públic lector. En un ambient distés però carregat de simbolisme, la literatura va compartir protagonisme amb la música en directe, els homenatges i la reivindicació de la cultura en valencià com a eina de cohesió social.

Una dècada de premis i un rècord de participació

La desena convocatòria ha marcat un rècord de participació amb 133 originals presentats, repartits entre 79 manuscrits de novel·la i prosa creativa, 37 treballs de literatura infantil i juvenil i 17 obres d’assaig i investigació. Les xifres refermen uns guardons que, en només deu anys, han passat de ser un projecte local a consolidar-se com un dels certàmens més concorreguts de les lletres valencianes.

Impulsats per l’Ajuntament d’Altea i amb el suport de la Fundació Caixaltea, l’Acadèmia Valenciana de la Llengua, la Universitat d’Alacant, la Universitat Miguel Hernández, Aila Edicions i el Institut Alacantí de Cultura Juan Gil-Albert, entre d’altres, els Premis Altea s’han orientat des del principi a fomentar la creació literària en valencià i l’estudi del patrimoni cultural del territori. La implicació d’aquest ampli ventall d’institucions ha sigut un dels factors clau en el seu creixement.

La cerimònia d’enguany es va celebrar, com és tradicional, el cap de setmana de la vigília del Diumenge de Rams i es va retransmetre en directe pel canal oficial de l’Ajuntament. D’aquesta manera, el certamen manté una vocació de projectar la cultura valenciana més enllà de l’àmbit local i acostar-la a públics diversos.

Al llarg de la vetlada, es va recordar que el naixement dels premis va ser fruit d’una idea compartida fa una dècada per l’aleshores regidor de Cultura, Diego Zaragozí, l’alcalde Jaume Llinares, el president de Caixaltea José Miguel Cortés i el professor i editor Joan Borja, qui va convèncer-los de la necessitat de crear un certamen estable dedicat a la literatura i la investigació en valencià.

Un escenari on la literatura es barreja amb la música

La gala va estar conduïda pel periodista alteà Jeroni Alvado i va alternar la proclamació de premis amb actuacions musicals, parlaments i moments de record. Un dels punts forts de la nit va ser la presentació del disc Blau de mar, de l’Orquestra Blava, un projecte concebut específicament per commemorar el desè aniversari del certamen.

Durant l’actuació, l’Orquestra Blava va avançar algunes de les peces que formen part del nou treball, amb composicions de Toni Barber, Ximo Cano i Jaume F. Ripoll, i la veu de la cantant Mònica Ivars. El públic va poder comprovar com la música, present des de la primera edició, s’ha convertit en un element distintiu de la gala, aportant-li un to festiu i alhora intimista.

Segons va explicar Joan Borja, impulsor literari dels Premis Altea i director de la Càtedra Enric Valor, el llibre-disc Blau de mar és també una manera de deixar constància sonora d’aquests deu anys, en què l’Orquestra Blava ha posat la banda sonora en directe a cada edició i ha dotat l’acte d’un estil propi, entre l’elegància i la proximitat.

A més de la música, la vetlada va incloure detalls pensats per al públic assistent: més de dos-cents convidats van rebre un exemplar del volum Rondallari de Tàrbena, de Joan-Lluís Monjo, obra premiada en una edició anterior en la categoria d’assaig i investigació i publicada pel Institut Alacantí de Cultura Juan Gil-Albert, que recopila i estudia 235 contes populars del municipi de la Marina Baixa.

La combinació de literatura, música i obsequis culturals va reforçar la sensació compartida que els Premis Altea són una celebració col·lectiva del llibre i de la tradició oral, més que no una simple lectura d’actes i veredicte de jurat.

Memòria, gastronomia i genealogia cultural valenciana

La dimensió de memòria històrica va tenir un lloc destacat en la desena edició. La gala va incorporar una part gastronòmica amb plats típics alteans, alguns dels quals apareixen descrits en textos de Carmelina Sánchez-Cutillas i del seu avi, l’escriptor i erudit Francesc Martínez i Martínez. Aquest fil culinari va servir com a pont entre la literatura i el territori.

Un dels moments més emotius de la nit va ser l’entrega del Premi Estela d’Honor, guardó destinat a reconèixer figures alteanes ja desaparegudes que han deixat una empremta rellevant en la literatura, l’art o la investigació. Enguany la distinció va ser per al teòleg i rector Francesc Martínez Rostoll (1820-1891), peça clau en la genealogia cultural que connecta amb Francesc Martínez i Martínez i amb la mateixa Carmelina Sánchez-Cutillas.

El guardó consisteix en una reproducció de l’estela funerària ibèrica d’Altea la Vella i va ser recollit per Marisa del Romero Sánchez-Cutillas, filla de Carmelina, de mans de la regidora de Cultura, Pepa Victoria Pérez. Abans de lliurar-lo, la regidora va destacar l’orgull que suposa arribar a la desena edició i va remarcar que, encara que siga només per una nit, “Altea es converteix en capital de les nostres lletres”.

Pérez va subratllar el paper dels premis en la dignificació i projecció de la llengua valenciana, i va recordar que gràcies als textos de Rostoll podem acostar-nos a la llengua viva del segle XIX. També va evocar la figura de l’anomenada Casa Cervantes, habitatge emblemàtic d’Altea que el propi Rostoll va deixar en herència i que Carmelina recrea a Matèria de Bretanya.

En el seu torn de paraula, Marisa del Romero va agrair les reiterades mostres de consideració de l’Ajuntament d’Altea amb la seua família i va explicar com, en una cambra alta d’un armari, ella i el seu marit van localitzar un llegat de més de 2.000 folis manuscrits de Francesc Martínez Rostoll, que guardaven predicacions i textos religiosos en valencià de fa dos segles i que han donat al municipi perquè passen a formar part del seu fons documental.

Aquest llegat, canalitzat a través de la Càtedra Enric Valor de la Universitat d’Alacant, enriqueix de manera notable el patrimoni històric i lingüístic del poble i reforça la idea que els Premis Altea no només s’ocupen de la creació contemporània, sinó també de recuperar veus i materials clau per entendre la tradició cultural valenciana.

El Premi Francesc Martínez i Martínez d’Assaig i Investigació

En l’apartat d’assaig i investigació, el jurat va atorgar el Premi Francesc Martínez i Martínez a l’obra La capital artística del Mediterrani. L’Altea dels pintors i artistes (1960-1985), de Toni Bellón Climent. El guardó, dotat amb 3.000 euros i acompanyat del trofeu Penell, de l’escultor Serafín Cortés, reconeix un estudi que rescata l’època en què Altea es va convertir en refugi d’artistes i focus creatiu de primer nivell.

Doctor en Ciències Socials i especialista en patrimoni cultural, Bellón analitza en el llibre la vida quotidiana de la comunitat artística que va arrelar al municipi entre els anys seixanta i vuitanta del segle XX. Pintors, galeristes i creadors de projecció nacional i internacional van trobar a la costa alteana un espai de llibertat, un ambient bohemi i una xarxa de complicitats que van marcar una època.

El treball recorre tallers, galeries i espais de trobada, amb un protagonisme especial per indrets com el conegut Bodegón de Pepe, escenari de tertúlies i trobades entre artistes. A través de testimonis, documentació i anàlisi històrica, l’assaig ofereix un retrat coral de l’Altea creativa dels 60, 70 i 80, sovint anomenada “la capital artística del Mediterrani”.

En recollir el premi, Bellón va destacar la satisfacció personal que li ha reportat la investigació: segons va explicar, el procés d’escriptura li va permetre visitar estudis, assistir a inauguracions i compartir converses amb molts dels protagonistes encara vius o amb les seues famílies. També va remarcar que era “un orgull molt gran” incorporar-se al palmarès d’un certamen que considera ja un referent ineludible del panorama cultural valencià.

El jurat del premi d’assaig, integrat per especialistes com David Beltrá Torregrosa, Mar Iglesias Garcia i Míriam Ruiz Ruano, va subratllar en l’acta la contribució del llibre a la posada en valor del llegat artístic alteà i la seua capacitat per connectar investigació acadèmica i divulgació accessible per a un públic ampli.

Aventura, fantasia i història al Premi de Literatura Infantil i Juvenil

En la categoria de literatura per a joves lectors, el Premi Altea de Literatura Infantil i Juvenil, dotat amb 4.000 euros, va ser per a l’escriptor Ivan Carbonell Iglesias gràcies a la novel·la L’esguard del basilisc. L’autor, que ja havia guanyat el mateix guardó en la primera edició amb L’àmfora fenícia, reforça així una trajectòria consolidada dins del gènere.

El llibre proposa una aventura de fantasia ambientada a l’inici del segle XIV, en un Regne de València convuls, travessat per conflictes nobiliaris, amenaces exteriors i presències sobrenaturals. Un grup de joves protagonistes emprén un viatge per territoris com Xàtiva, Albaida, el Benicadell, Cocentaina i altres enclavaments emblemàtics del País Valencià, en una trama on s’encadenen tornejos, conspiracions, bruixes i criatures llegendàries.

El basilisc, figura mitològica molt coneguda pels lectors de fantasia, es converteix ací en símbol del perill extrem que els personatges hauran d’afrontar. Carbonell combina elements del fantasy i del romantasy amb la recreació històrica, amb l’objectiu que la novel·la siga alhora emocionant i una porta d’entrada a la història del territori per a les noves generacions.

En el seu discurs, l’autor va remarcar que vivim “un gran moment” per al fantasy entre el públic juvenil i va subratllar que obres com la seua beuen directament de les rondalles d’Enric Valor, els estudis de folklore i les llegendes valencianes. Per a Carbonell, la literatura juvenil pot funcionar com una via per aprendre història fora de l’aula, combinant entreteniment i coneixement.

El jurat de la modalitat, format per Nina Busquet i Figueras, Dari Escandell Maestre i Carme Manuel Cuenca, va posar en valor la capacitat del text per connectar amb el públic jove, l’agilitat de la narració i l’ús del valencià en un registre que integra llenguatge actual, imaginari fantàstic i referències patrimonials.

Tot allò que fa viure: introspecció i crítica al Premi Carmelina Sánchez-Cutillas

El guardó amb més dotació econòmica, el Premi Carmelina Sánchez-Cutillas de Novel·la i Prosa Creativa, valorat en 5.000 euros i sufragat per la Fundació Caixaltea, va recaure en l’obra Tot allò que fa viure, del professor i assagista Enric Balaguer Pascual. El premi inclou el lliurament del trofeu La mà del sol, escultura emblemàtica creada per l’artista alteà recentment desaparegut Pepe Azorín.

Balaguer, catedràtic de Literatura Catalana a la Universitat d’Alacant i reconegut estudiós de la literatura contemporània i de la denominada “literatura del jo”, presenta en aquest llibre un dietari que barreja reflexió acadèmica, memòria personal i mirada crítica sobre el present. Escrit en el context de la seua jubilació com a docent universitari, el volum s’articula en anotacions que combinen docència, vida quotidiana i consideracions sobre la cultura.

L’autor reconeix obertament la influència de Michel de Montaigne, que actua com a fil conductor de l’obra. No és casual que el subtítol del llibre siga «A la sombra de Montaigne», una mena de guiatge intel·lectual que Balaguer compara amb la devoció d’un franciscà pel seu sant fundador. El resultat és un text que es mou entre l’oració, l’homenatge, la invocació i la reflexió, amb un to proper però rigorós.

En recollir el premi, Balaguer va insistir en el paper dels llibres com a font de felicitat i coneixement i va reivindicar el valor de la lectura per fer “més intel·ligent el món” i ajudar a entendre i superar els conflictes. També va elogiar les institucions que aposten per la cultura i la literatura, subratllant que posar en circulació obres de qualitat té un impacte directe en la salut social.

El jurat del Premi Carmelina, integrat entre altres per Anna Esteve Guillén, Josep Martines Peres i Marc Pallarès Piquer, va destacar la solidesa literària de l’obra, la seua capacitat d’articular l’experiència íntima amb una observació penetrant de la realitat i el fet que encaixa a la perfecció amb l’esperit dels premis que porten el nom de Carmelina Sánchez-Cutillas.

Homenatge a Pepe Azorín i a la trajectòria dels Premis Altea

El record de l’artista Pepe Azorín, autor de la icònica escultura La mà del sol que simbolitza el premi principal, va planar sobre tota la cerimònia. A més d’estar present a través dels trofeus lliurats als guardonats, la seua obra va ser recordada amb l’exposició Temps a Altea, que continua instal·lada al Palau Altea, just a tocar de l’espai on se celebra la gala.

Durant un dels parlaments, Joan Borja va dedicar unes paraules especialment emotives a Azorín, remarcant que, gràcies a aquesta exposició encara penjada a les parets del Palau, era com si l’artista compartira la vetlada amb els assistents. El vincle entre l’obra plàstica d’Azorín i els Premis Altea, des dels primers anys del certamen, reforça la idea que el projecte va molt més enllà de la literatura estricta i abraça el conjunt de les arts.

La figura de Borja també va rebre un reconeixement explícit per part de l’organització. La regidora de Cultura, Pepa Victoria Pérez, li va lliurar un detall com a mostra d’agraïment, respecte i afecte per la seua tasca al llarg d’aquests deu anys, i el va qualificar de “persona clau” en la consolidació dels premis, tant pel treball de gestió com per l’impuls intel·lectual i comunicatiu.

En els discursos institucionals, el president de Caixaltea, Ignacio Ortiz, va remarcar el compromís de l’entitat amb la cultura i amb la llengua pròpia, i va presentar els Premis Altea com un reconeixement a l’excel·lència literària, però també com un estímul a l’emprenedoria cultural i a la implicació social. Ortiz va insistir que nits com aquesta fan evident la importància de comptar amb una entitat financera arrelada al territori.

L’alcalde d’Altea, Diego Zaragozí, va fer un repàs als deu anys de trajectòria del certamen i va tenir paraules d’agraïment per a tots els qui han presentat obres, per al personal organitzador i per a les institucions que han cregut en el projecte des del seu inici. Per a Zaragozí, els Premis Altea s’han convertit en un acte central del calendari cultural municipal i un espai per retre homenatge a les lletres valencianes.

En el tram final de la gala, l’alcalde va voler destacar el paper de l’Acadèmia Valenciana de la Llengua i, de manera especial, de la seua presidenta, Verònica Cantó, a qui va adreçar unes paraules de suport davant les dificultats polítiques que travessa la institució. Zaragozí va reivindicar la feina de l’Acadèmia i va lamentar qualsevol intent d’“asfíxia” d’un organisme que considera essencial per a la normalització lingüística.

Una xarxa institucional al servei de la cultura en valencià

A banda del suport de Caixaltea i de l’Ajuntament, els Premis Altea compten amb la participació de múltiples agents del teixit cultural valencià. Entre ells destaquen la Càtedra Enric Valor de la Universitat d’Alacant, la Universitat Miguel Hernández d’Elx, el Institut Alacantí de Cultura Juan Gil-Albert, el Col·legi Oficial de Bibliotecaris i Documentalistes, la Generalitat Valenciana i la Diputació d’Alacant.

La Universitat d’Alacant, en particular, ha volgut posar en relleu el fet que un dels seus professors, Enric Balaguer, haja sigut reconegut amb el Premi Carmelina Sánchez-Cutillas. Des de la institució acadèmica s’ha destacat que Tot allò que fa viure conjuga la mirada intel·lectual amb l’experiència personal en forma de dietari, amb la voluntat de captar “l’aire del nostre temps” i d’indagar en allò que resulta essencial per al benestar.

La col·laboració entre administracions locals, entitats financeres, universitats i organismes culturals ha fet possible que el certamen cresca en dotació, ressò i qualitat de les obres presentades. Aquesta aliança es tradueix, per exemple, en el compromís de la Direcció General de Cultura de la Generalitat Valenciana perquè els llibres guardonats arriben a totes les biblioteques públiques i agències de lectura del País Valencià.

Durant els parlaments, diversos representants institucionals van insistir en la idea que invertir en cultura no és un luxe, sinó una aposta estratègica per enfortir el teixit social, fomentar el pensament crític i donar visibilitat a la creació en valencià. En aquest sentit, els Premis Altea funcionen com un aparador on conflueixen veus emergents i autors amb trajectòries consolidades.

També es va remarcar el paper del jurat en les tres modalitats, format per especialistes en literatura, història i crítica cultural, que any rere any assumeixen una tasca de lectura i valoració de tots els originals, sovint amb nivells de qualitat molt ajustats, fet que demostra el bon moment que travessa la creació literària en valencià.

Després de deu edicions, els Premis Altea de Literatura i Investigació s’han consolidat com una cita imprescindible del calendari cultural valencià: un espai on es reconeix el talent literari, s’homenatja la memòria col·lectiva i s’enforteix una xarxa d’institucions i persones compromeses amb la llengua i la cultura. La combinació de rigor en els guardons, música en directe, recuperació patrimonial i implicació ciutadana fa que, any rere any, Altea torne a omplir-se de paraules, històries i projectes que miren al futur sense oblidar d’on venen.

La celebración del Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil, que tiene lugar cada 2 de abril, llega este año cargada de propuestas en bibliotecas, museos, universidades y calles de distintas ciudades españolas. Desde Andalucía a Madrid, pasando por iniciativas en el medio rural, la programación combina actividades lúdicas y formativas pensadas para que niños, jóvenes, familias y mediadores de lectura se acerquen a los libros de una forma cercana y participativa.

Buena parte de estas acciones miran a los clásicos de la literatura para la infancia -como Hans Christian Andersen o Carlo Collodi– pero sin perder de vista los desafíos actuales: cómo fomentar el hábito lector en tiempos de pantallas, cómo integrar la lectura en la vida cotidiana o cómo garantizar que todos los chicos y chicas tengan acceso a los libros, también en ámbitos rurales o en contextos donde la cultura llega con más dificultad.

Jornadas universitarias en Cádiz: Pinocho y el legado de Carlo Collodi

La Universidad de Cádiz se suma a la efeméride con las II Jornadas Internacionales del Día del Libro Infantil y Juvenil, que se celebrarán el 7 de abril en la Sala de Conferencias Alicia Plaza de la Facultad de Ciencias de la Educación, en el Campus de Puerto Real. La cita está impulsada por los grupos de investigación INEDLL y Télos, en colaboración con la Red Internacional de Universidades Lectoras (RIUL), y se plantea como un espacio de reflexión académica y educativa en torno a la literatura para la infancia y la juventud.

Este año, las jornadas giran en torno al bicentenario del nacimiento de Carlo Collodi (1826-2026), el creador de Las aventuras de Pinocho. A partir de este personaje, se propone analizar su vigencia ética, pedagógica y simbólica, así como su presencia en las reescrituras y adaptaciones contemporáneas. El objetivo es poner sobre la mesa por qué Pinocho sigue conectando con las nuevas generaciones y qué aprendizajes se desprenden de su historia en el contexto actual.

El encuentro está dirigido a profesorado universitario y de otras etapas, personal investigador, mediadores de lectura, estudiantes de educación y cualquier persona interesada en la literatura infantil y juvenil. El programa combina conferencias, una mesa redonda y un taller participativo, de modo que no se limita a la exposición teórica, sino que busca el intercambio de experiencias y recursos para el aula y otros espacios de mediación lectora.

La apertura institucional correrá a cargo de Lucía Pilar Cancelas y Ester Trigo Ibáñez, ambas de la Universidad de Cádiz, que contextualizarán la jornada y la efeméride dedicada a Collodi. A continuación, el escritor Gustavo Martín Garzo, Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil, ofrecerá la conferencia inaugural sobre la permanencia literaria y simbólica de Pinocho y su capacidad para seguir interpelando a niños y jóvenes en pleno siglo XXI.

La programación académica continuará con la intervención de Paula Rivera (Universidad de Cádiz), que abordará la figura de Pinocho desde la perspectiva creativa y pedagógica de Gianni Rodari, analizando cómo las propuestas del autor italiano amplían las posibilidades educativas del personaje. Tras una pausa, tomará el relevo Santiago Yubero, director del Centro de Estudios de Promoción de la Lectura y la Literatura Infantil de la Universidad de Castilla-La Mancha, quien profundizará en el valor educativo de Pinocho como herramienta para el desarrollo ético y emocional de la infancia.

Uno de los momentos centrales será la mesa redonda ¿Es Pinocho un buen modelo hoy?, en la que participarán Michel Santiago del Pino (Universidad de Cádiz), Pablo Moreno (IES Ciudad de Hércules) y Gema García (Biblioteca Pública Provincial de Cádiz). Este debate permitirá cuestionar el papel del personaje como referente actual, valorar sus luces y sombras y estudiar cómo se trabaja en escuelas y bibliotecas. La jornada cerrará con el taller participativo ¿Qué pasaría si…?, coordinado por Pilar Calderón y Rocío Maraver, dedicado a la creatividad y a la construcción de relatos a partir de la mentira como recurso literario.

Bibliotecas y museos andaluces: un mes completo de actividades

Más allá del ámbito universitario, la red de bibliotecas públicas y museos de Andalucía, dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte, ha diseñado para abril un amplio programa por el Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil. Se han previsto talleres, cuentacuentos, teatro, exposiciones bibliográficas y propuestas inclusivas en distintas provincias, con la intención de acercar la lectura a niños, adolescentes y sus familias desde contextos muy diversos.

La efeméride, vinculada al nacimiento del escritor danés Hans Christian Andersen -autor de títulos tan conocidos como El patito feo, El soldadito de plomo o La sirenita-, sirve como hilo conductor de una programación que combina el juego y la imaginación con el trabajo sobre el patrimonio y la memoria literaria. La Junta de Andalucía insiste en que el objetivo es fomentar el hábito lector desde edades tempranas, utilizando actividades participativas que resulten atractivas para el público infantil y juvenil.

En Cádiz, la programación arranca el 1 de abril con la inauguración en la Biblioteca Provincial de una exposición dedicada a Pinocho, aprovechando el segundo centenario del nacimiento de Collodi. La muestra, que incluye una guía de lectura, se podrá visitar hasta el 30 de abril y se complementa con un taller creativo de manualidades sobre el personaje. Además, se ofrece la posibilidad de conocer el Pinocho más gaditano a través de un títere de la colección de La Tía Norica expuesto en el Museo de Cádiz, como ejemplo de cómo el personaje se integró en la tradición del teatro de marionetas de la ciudad.

En Granada, la Biblioteca de Granada ofrecerá, entre el 1 y el 30 de abril, una selección de obras dirigidas al público infantil y juvenil. El 6 de abril, la Biblioteca de Andalucía ha organizado la actividad de narración oral ‘¡Cuidado, libros sueltos!’, pensada para que toda la familia disfrute de historias contadas en voz alta. El Museo Arqueológico de Granada acogerá el 7 de abril una mesa redonda centrada en cómo los cuentos pueden convertirse en herramienta para acercar la Arqueología al público más joven.

La programación granadina se completa con propuestas como el viaje a la Prehistoria que plantea el Museo de Almería el 10 de abril, a partir del cuento Atrévete a viajar a la Prehistoria, incluido en la colección ‘Cuéntame un Museo’. Por su parte, la Alhambra de Granada ha preparado para los días 11 y 18 de abril dos paseos literarios inspirados en el relato ‘Burak, el burro que soñaba con la Alhambra’, en los que se combina recorrido patrimonial e historias ambientadas en el conjunto monumental.

En la provincia de Málaga, la Biblioteca Provincial presentará desde el 6 hasta el 18 de abril una exposición bibliográfica con novedades en literatura infantil y juvenil. A ello se suma el Museo de Málaga, que el 2 de abril dará a conocer el cuento ‘La dama que perdió la cabeza’, inspirado en una escultura romana femenina de su colección. En Antequera, el Conjunto Arqueológico Dólmenes ha organizado para el 16 de abril el taller infantil ‘Cocina de palabras’, centrado en la creación de cuentos de tradición oral para los más pequeños.

En Jaén, la Biblioteca Provincial acogerá el 6 de abril una representación teatral de El patito feo, a cargo de la compañía Small Clowns, con dos pases previstos. La oferta se completa el 16 de abril con una sesión de cuentacuentos infantil del narrador Blas Rueda. Paralelamente, el Museo de Jaén pondrá en marcha desde el 1 de abril el taller familiar ‘Un gran viaje’, que invita a unir arte y folclore a partir de un cuento elaborado sobre su colección, y mantendrá hasta el 30 de abril la pieza destacada ‘Diosa de la sabiduría y de las artes’, un busto de Minerva incluido en la iniciativa ‘Un museo para todxs’, con vínculos a proyectos de acción social.

Cuentacuentos, talleres y cine para familias en bibliotecas locales

En el ámbito local, distintas bibliotecas municipales han preparado programas específicos por el Día del Libro Infantil y Juvenil, con propuestas pensadas para disfrutar en familia. En la Biblioteca María Teresa León, por ejemplo, se celebrará el martes 31 de marzo un cuentacuentos interactivo con taller de plastilina en torno al clásico de Caperucita Roja, dentro de los actos del Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil 2026.

La dinámica plantea un pequeño giro: en lugar de empezar contando el cuento, se propone a los menores crear primero a los personajes con plastilina. Los participantes modelarán a Caperucita y su cesta, al lobo, a la abuela y al leñador, para después enlazar esas figuras con la narración. Con ello se busca estimular la creatividad, la concentración y la paciencia, trabajando la atención al detalle y promoviendo un espacio tranquilo, ya que el juego con plastilina se considera relajante y útil para aliviar el estrés.

La actividad comenzará a las 12:00 horas y se prolongará durante aproximadamente una hora y cuarto. Está orientada a niños y niñas de entre 3 y 10 años, aunque los menores de 3 a 5 años deberán acudir acompañados de una persona adulta. Para garantizar una atención adecuada, se han establecido 15 plazas que se adjudicarán por orden de inscripción previa.

Para participar es necesario contar con el carné de biblioteca y formalizar la inscripción en la propia biblioteca a partir del 20 de marzo. Con este tipo de propuestas, se intenta que la visita al centro bibliotecario se convierta en una experiencia lúdica, en la que la lectura se asocia a juego, creatividad y socialización, y no solo al estudio.

En la Biblioteca de Maceda, la conmemoración del Día del Libro Infantil y Juvenil, que se celebra el 2 de abril, se extiende a lo largo de varios días. El 1 de abril a las 11:30 horas se llevará a cabo un taller de bombas de semillas, que une aprendizaje medioambiental y contacto con la naturaleza. El día 2, la biblioteca ofrecerá una sesión de cine con dos proyecciones: a las 18:00 horas se exhibirá O Grúfalo, dirigida a los más pequeños, y a las 19:00 horas se proyectará Salta!, recomendada para mayores de 8 años.

La literatura infantil y juvenil sale a la calle: exposición en Madrid

En la Comunidad de Madrid, la Asociación de Editores de Madrid, a través de su Comisión de Editores de Libro Infantil y Juvenil, ha puesto en marcha una exposición al aire libre con motivo del Día Mundial del Libro Infantil. La muestra reúne más de 60 láminas de la campaña ‘Libros a la Calle’ dedicadas específicamente a la literatura infantil y juvenil, que pueden visitarse en el espacio exterior situado entre Casa del Lector y la plaza de Matadero, en el entorno de Madrid Río.

El objetivo de esta exposición es recordar la importancia de acercar los libros a los más pequeños y reivindicar el papel de la lectura en la construcción de una sociedad que proteja el juego, la imaginación y el talento. Entre las autoras y autores representados figuran nombres muy reconocidos por los jóvenes lectores, como Begoña Oro, Jordi Sierra i Fabra, Mónica Rodríguez, Nando López, Pedro Mañas, Francisco Ibáñez, Gloria Fuertes, Quino, Ledicia Costas, Rafael Salmerón, Beatriz Giménez de Ory, Manuel Marsol, Roberto Santiago, Laura Gallego, José Antonio Cotrina o Elia Barceló, entre otros muchos.

La exposición se enmarca en el lema del Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil 2026, “Cultiva historias y el mundo florecerá”, e invita a pasear, mirar, leer y dejar que la imaginación se active a partir de los textos e ilustraciones. La iniciativa está dirigida tanto a jóvenes como a adultos, y se prolongará desde el 19 de marzo hasta el 17 de junio, ofreciendo tiempo suficiente para que la descubran tanto residentes como visitantes.

Esta muestra forma parte de la campaña ‘Libros a la Calle’, que desde hace casi 30 años lleva fragmentos de obras literarias a transportes públicos de la Comunidad de Madrid -metro, autobuses urbanos e interurbanos- con el fin de despertar la curiosidad lectora y acompañar los desplazamientos cotidianos con lecturas breves. La literatura infantil y juvenil ocupa un lugar significativo en esta propuesta, al dirigirse precisamente a quienes están dando sus primeros pasos como lectores y lectoras.

Declaración institucional del Gobierno: la lectura como derecho y herramienta democrática

Coincidiendo con la celebración del Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil, el Consejo de Ministros ha aprobado una declaración institucional en la que subraya la relevancia de la lectura entre la infancia y la juventud y la vincula con la construcción de sociedades democráticas. El texto, firmado por los ministros de Juventud e Infancia (Sira Rego), Cultura (Ernest Urtasun) y Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación (José Manuel Albares), pone el acento en el acceso a la cultura como una forma de promover el pensamiento crítico.

En la declaración se destaca que el acceso a la lectura contribuye a proteger el bienestar emocional y a reforzar el derecho de niños, niñas y jóvenes a desarrollarse en entornos que favorezcan su salud mental y su autonomía. Se señala que fomentar la lectura en estas edades supone apostar por una sociedad más crítica, igualitaria y democrática, y que leer no implica aislarse del mundo, sino relacionarse con él de manera más consciente, profunda y libre.

El texto institucional también reconoce el papel de la infancia y la juventud como sujetos culturales activos, no solo como receptores de contenido. De ahí que se insista en la necesidad de abrir espacios reales de participación, escuchar sus voces y garantizar su derecho a expresarse creativamente. La ministra Sira Rego ha defendido la lectura como un derecho básico para el desarrollo personal, que permite a niños, niñas y adolescentes ampliar sus horizontes de ser, pensar y actuar.

Homenajes a Hans Christian Andersen y conexión con la inclusión

La figura de Hans Christian Andersen, cuya fecha de nacimiento marca el Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil, también protagoniza actos específicos en algunas ciudades. En el centro cultural Alcazaba, por ejemplo, la Biblioteca Municipal Juan Pablo Forner ha organizado un homenaje en el que los centros educativos se reunirán para recorrer la vida y la obra del autor danés. La actividad incluirá la proyección de un vídeo biográfico y una sesión de cuentacuentos que recuperará historias como El patito feo, La sirenita o La reina de las nieves, que han marcado a generaciones de lectores.

En paralelo a este homenaje, la biblioteca municipal, junto con la editorial De la Luna Libros, ha programado la presentación del texto teatral ‘Emily Dickinson. Amor como los árboles’, de Marino González Montero, con la participación de la actriz Ana García. Aunque se trata de una propuesta dirigida a un público más adulto, se integra en el contexto de las actividades literarias de estos días, mostrando cómo la programación cultural en torno al libro infantil y juvenil puede convivir con otras iniciativas relacionadas con la poesía o el teatro.

La coincidencia del Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil con el Día Mundial de Concienciación sobre el Autismo, el 2 de abril, ha llevado además a incorporar actividades de corte inclusivo. En Granada, por ejemplo, la Biblioteca Provincial ha preparado para el 10 de abril un encuentro en torno al poder de la lectura y la escritura como herramientas de conexión, a cargo del escritor David Gómez, diseñado para poner el foco en la accesibilidad y la diversidad.

El Museo de Bellas Artes de Granada ha organizado para el 8 de abril un taller de arteterapia dirigido a miembros de la Asociación Granadina de Síndrome de Asperger-TEA, con un recorrido adaptado por la colección permanente y una posterior sesión de expresión artística. Estas propuestas enlazan lectura, arte y salud mental, reforzando la idea de que la cultura debe estar al alcance de todas las personas, con independencia de sus capacidades o circunstancias.

Lectura infantil y juvenil en el medio rural: #PueblosQueCuentan

Las conmemoraciones no se limitan a las grandes ciudades ni a las capitales de provincia. La iniciativa #PueblosQueCuentan, impulsada por el Grupo Planeta, ha llevado la literatura infantil y juvenil al municipio de Libros (Teruel), un pueblo de poco más de cien habitantes que se ha convertido en símbolo de revitalización cultural tras reunir unos 60.000 libros donados desde toda España para crear su biblioteca.

En esta segunda edición del proyecto, celebrada en la antesala del Día Mundial del Libro Infantil y Juvenil, han participado alrededor de 150 niños de tres colegios de la provincia de Teruel, que han tenido la oportunidad de conocer en persona a algunos de sus autores favoritos. La jornada ha transformado la plaza del pueblo en una pequeña feria del libro, con casetas, talleres y firma de ejemplares, brindando a los escolares del medio rural una experiencia lectora similar a la que se vive en eventos urbanos.

Entre los invitados se encontraban la escritora Susanna Isern, autora de la saga ‘Magic Animals’, y el equipo creativo de ‘Ana Kadabra’, formado por el ilustrador David Sierra y el escritor Pedro Mañas. Durante la jornada, los niños se acercaron para pedir firmas y dibujos, pero también para compartir ideas, personajes y tramas que les gustaría ver en futuras historias. Los autores han señalado que estos encuentros les ayudan a salir del aislamiento de la escritura y a regresar a su trabajo con la creatividad renovada.

La propia Susanna Isern insistió en la necesidad de adaptar los libros a las nuevas realidades, de manera que resulten suficientemente atractivos como para que los menores “se olviden un rato de las pantallas”. Los niños y niñas participantes resumieron las razones por las que les gusta leer: porque les entretiene, les hace felices, les reduce el estrés, les relaja y les permite desconectar un momento de la realidad cotidiana. La iniciativa #PueblosQueCuentan refuerza así la idea de que el acceso a la lectura no debería depender del lugar de residencia.

Con todos estos programas -desde las jornadas universitarias centradas en Pinocho hasta las actividades en bibliotecas y museos andaluces, la exposición madrileña de Libros a la Calle, los homenajes a Andersen o los proyectos rurales como #PueblosQueCuentan-, el Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil se consolida como una cita que va mucho más allá de una fecha simbólica en el calendario. La suma de iniciativas muestra un ecosistema en el que instituciones, editoriales, escuelas y mediadores de lectura colaboran para poner el foco en la infancia y la juventud como protagonistas de la vida cultural, ofreciendo espacios para leer, escuchar, crear historias propias y, en definitiva, reforzar el vínculo entre los libros y la experiencia diaria de quienes empiezan a construir su mirada sobre el mundo.

El Centro Cultural Casa de Vacas, en pleno Parque del Retiro de Madrid, se convierte durante unas semanas en puerto de llegada para una travesía artística muy particular: la que propone el cordobés Esteban Ruiz con su proyecto pictórico inspirado en Moby Dick. La muestra, titulada Moby Dick. The Dream of Captain Ahab, ofrece acceso gratuito y abre las puertas a todo aquel que quiera asomarse al universo de la ballena blanca desde un lenguaje visual contemporáneo.

Lejos de limitarse a una simple ilustración del clásico de Herman Melville, la exposición propone un diálogo entre arte, literatura y conciencia medioambiental. A través de una serie de lienzos de gran fuerza simbólica, Ruiz invita a pensar en la relación entre el ser humano y el océano, en nuestras obsesiones y en cómo nos enfrentamos a la inmensidad de la naturaleza que nos rodea.

Una exposición inmersiva en el Retiro

La muestra se celebra en el Centro Cultural Casa de Vacas, uno de los espacios expositivos más concurridos del Parque del Retiro, y puede visitarse del 2 al 26 de abril. El horario es amplio, de lunes a domingo, entre las 10:00 y las 21:00 horas, lo que facilita que tanto madrileños como visitantes se acerquen en cualquier momento del día a conocer el trabajo del artista andaluz.

Con entrada libre, la propuesta está pensada para un público diverso que no necesita formación previa en arte para disfrutarla. Las pinturas, cargadas de formas, volúmenes y texturas, están concebidas para resultar claras y legibles, de modo que el visitante pueda reconocer personajes, escenas y símbolos sin perderse en referencias demasiado crípticas.

El Ayuntamiento de Madrid ha resaltado que se trata de una exposición que busca interpelar al espectador. Las escenas marinas, las apariciones de la ballena y las alusiones al capitán Ahab se presentan como imágenes impactantes que animan a quien las contempla a posicionarse ante temas como la explotación del mar, la caza de cetáceos o la propia obsesión humana por dominar la naturaleza.

La organización del recorrido funciona casi como una pequeña narración visual: los cuadros se suceden como capítulos de una odisea, donde el mar, los cetáceos y la figura de Moby Dick marcan el ritmo del viaje. El visitante atraviesa, paso a paso, un itinerario que recuerda a la estructura de la novela pero trasladado a un lenguaje plástico figurativo y maduro.

Lejos del tono académico, la experiencia en sala se plantea como una aproximación sensorial al océano: colores intensos, contrastes de luz y una presencia constante del agua envuelven al público, que se ve arrastrado por cadencias y movimientos pictóricos que evocan el vaivén de las olas.

El origen del proyecto: del velero al lienzo

El germen de esta colección no surge en un estudio cerrado, sino en alta mar. En 2005, Esteban Ruiz realizó una travesía en el velero Trache a Horzier, una embarcación de 14 metros, entre las islas de Madeira y La Graciosa, en Canarias. Aquel viaje dejó una huella profunda: las impresiones de la luz, la fuerza del oleaje y la sensación de pequeñez ante el océano se grabaron en su memoria y terminaron cristalizando años después en sus pinturas.

Esa experiencia vital coincidió con una relectura atenta de la novela de Melville y con el descubrimiento de varios logbooks —cuadernos de bitácora— de barcos balleneros del siglo XIX. Los grafismos y anotaciones de aquellos registros históricos reforzaron la necesidad del artista de construir una nueva serie de obras en torno al universo ballenero y al mito de Moby Dick.

Ruiz suele explicar que para él, Moby Dick es una metáfora de la obsesión humana frente a la inmensidad de la naturaleza. En esta serie pictórica explora ese pulso entre el deseo de control del hombre y la fuerza indomable del mar y de sus criaturas, un conflicto que hoy, en plena crisis climática y debate sobre la biodiversidad, resuena con especial actualidad.

El proyecto se presentó inicialmente dentro del programa internacional ACCOBAMS, centrado en el estudio y la conservación de los cetáceos en el Mediterráneo. A partir de ahí, la colección no ha dejado de crecer, incorporando nuevas piezas y adaptándose a diferentes espacios y contextos expositivos tanto en España como en otros países europeos.

Para el artista, se trata de un trabajo que actúa como una especie de bitácora emocional: en cada lienzo vuelca vivencias, miedos y fascinaciones surgidos tanto de su contacto directo con el mar como de su inmersión en el libro de Melville y en los documentos históricos que lo rodean.

Moby Dick en clave pictórica: símbolos, personajes y mar

En esta exposición, Esteban Ruiz no se limita a representar escenas literales de la novela, sino que analiza e interpreta a los personajes y sus obsesiones para construir un discurso visual propio. La figura del capitán Ahab, la presencia amenazante y a la vez hipnótica de la ballena blanca, o el universo de la tripulación aparecen filtrados por un lenguaje figurativo muy personal.

Las obras se caracterizan por una estética clara, directa y simbólica. El artista recurre a piezas deliberadamente explícitas en las que los elementos formales —colores, contornos, ritmos— están pensados para guiar la mirada del espectador sin ambigüedades innecesarias. El objetivo no es confundir, sino provocar una lectura intuitiva e inmediata de lo que se está contando.

Esta claridad visual no implica falta de profundidad conceptual. Al contrario: tras esa superficie neta se esconde un intenso trabajo de taller, en el que Ruiz ha ido puliendo un lenguaje de madurez plástica, apoyado en la disciplina y en el estudio sistemático de los motivos marinos. Los cuadros funcionan como metáforas visuales de la obstinación, el miedo, la fascinación o el conflicto entre razón y deseo.

Buena parte de las composiciones se construyen a partir de ritmos y cadencias que recuerdan a los cantos de sirena. Hay una voluntad de traducir al plano pictórico la sensación de ser arrastrado por una fuerza mayor: el movimiento de las olas, el viento, las corrientes marinas. Esa idea de viaje irremediable se materializa en formas ondulantes, diagonales tensas y contrastes cromáticos muy marcados.

En palabras del propio artista, estas telas con estética limpia y contundente lo son también en el plano conceptual: en ellas se condensan sus sensaciones más intensas, sus temores y la huella que ha dejado en él el entorno marino. Todo ello da lugar a escenas de gran impacto visual que buscan que el público no se quede indiferente, sino que se sienta llamado a «tomar partido» ante lo que ve.

Trayectoria internacional de Esteban Ruiz

Detrás de esta muestra hay un creador con una larga trayectoria internacional. Nacido en Córdoba, Esteban Ruiz ha desarrollado buena parte de su carrera en París, ciudad en la que mantiene uno de sus talleres, que compagina con el estudio de Almodóvar del Río. Este doble anclaje entre Francia y Andalucía ha marcado también la evolución de su lenguaje plástico.

A lo largo de los años ha trabajado en otras ciudades clave del circuito artístico, como Nueva York, Washington o Tavira, y ha colaborado con diversas galerías y fundaciones europeas. Su producción forma parte de colecciones privadas repartidas por distintos países, lo que da una idea de la proyección que ha alcanzado su obra.

Antes de volcarse de nuevo en la pintura con esta serie sobre Moby Dick, Ruiz dedicó varios años a escultura e instalaciones. Este periodo le permitió experimentar con el espacio, el volumen y los materiales de otra manera, algo que ahora se percibe en la forma en que construye sus lienzos, llenos de profundidad, texturas y sensación de corporeidad.

Su trabajo se distingue por una disciplina creativa muy rigurosa y por una iconografía que oscila entre la sobriedad y la exuberancia cromática. Esa tensión entre contención y explosión de color se adapta bien al universo de Moby Dick, en el que la aparente calma del mar puede transformarse de golpe en tormenta.

En este proyecto concreto, el artista parece sintetizar las distintas etapas de su carrera: combina la experiencia internacional adquirida en grandes capitales culturales con una mirada muy personal sobre el paisaje marino que nace de vivencias directas, dando lugar a una propuesta que busca ser accesible y al mismo tiempo cargada de matices.

Datos prácticos para visitar la muestra

La exposición Moby Dick. The Dream of Captain Ahab puede visitarse en el Centro Cultural Casa de Vacas, situado en el Paseo de Colombia del Parque del Retiro, en Madrid. El calendario fijado abarca del 2 al 26 de abril, con un horario continuo de 10:00 a 21:00 horas todos los días de la semana, incluidos sábados y domingos.

El acceso es totalmente gratuito, lo que convierte la muestra en una opción atractiva tanto para quienes frecuentan habitualmente las salas de arte como para quienes simplemente pasean por el Retiro y deciden entrar a curiosear. No es necesario reservar ni adquirir invitación previa, basta con acercarse al centro dentro del horario de apertura.

Por su ubicación y por la temática, la exposición encaja bien en una jornada cultural en el corazón de Madrid: se puede combinar con un paseo por el parque, una visita a otros centros cercanos o una ruta literaria que incluya esta relectura plástica del clásico de Melville.

Para quienes se interesan por el cruce entre arte contemporáneo y temas ambientales, la propuesta ofrece un enfoque particularmente sugerente: el mar y los cetáceos no aparecen solo como escenario estético, sino como recordatorio de la fragilidad de los ecosistemas marinos y de la responsabilidad humana en su conservación.

Esta muestra en Casa de Vacas se presenta, en definitiva, como una buena oportunidad para acercarse a la obra de Esteban Ruiz en un momento clave de su trayectoria, en el que regresa con fuerza a la pintura para reinterpretar Moby Dick desde la experiencia vivida, la memoria del mar y una preocupación muy actual por el vínculo entre el ser humano y el océano.

El IX Premio de Novela Policía Nacional arranca una nueva edición con la mirada puesta en los amantes de la intriga, el suspense y el crimen narrado en clave literaria. La Fundación Policía Española, en colaboración con Editorial Planeta, vuelve a apostar por la narrativa negra en castellano con un certamen ya asentado en el calendario cultural.

En esta ocasión, el premio ofrece un único galardón dotado con 20.000 euros para la obra seleccionada por el jurado, sin accésits ni compensaciones adicionales. El plazo para presentar originales permanece abierto hasta el 15 de junio a las 23:59 horas, un límite que muchos autores tienen ya marcado en rojo en su agenda.

Un certamen centrado en la novela negra, policiaca y criminal

Este premio se dirige de forma específica a novelas enmarcadas en los géneros negro, policiaco o criminal, consolidándose como una convocatoria de referencia para quienes trabajan estas temáticas. La intención de las entidades organizadoras es reforzar la producción de historias que exploren el delito, la investigación y el entorno policial desde la ficción en eventos y festivales especializados.

De acuerdo con las bases difundidas por la Fundación, solo se evaluarán obras originales e inéditas, es decir, textos que no hayan sido publicados previamente ni hayan resultado premiados en otros concursos. Se busca así garantizar que la novela ganadora aporte una propuesta nueva dentro del panorama literario en lengua española.

Al tratarse de la novena edición, el galardón llega con un cierto recorrido a sus espaldas y con la etiqueta de premio ya consolidado entre los autores del género. Para muchos escritores de novela negra en España y en otros países hispanohablantes, esta convocatoria se ha convertido en una cita habitual a la que prestar atención cada año.

Además del reconocimiento económico, participar en este premio supone optar a una importante visibilidad y respaldo editorial, factores que pueden resultar determinantes para quienes buscan dar un salto en su trayectoria literaria dentro del ámbito del thriller y la narrativa criminal. Ejemplos de cómo un galardón impulsa la carrera literaria pueden verse en premios como el Dashiell Hammett.

Dotación económica y características del premio

El IX Premio de Novela Policía Nacional está dotado con 20.000 euros que se entregarán íntegramente a la obra ganadora. Las bases son claras en este punto: la cuantía no es divisible, por lo que no se contempla repartir el importe entre varias novelas ni establecer un sistema de finalistas remunerados.

El premio se concibe, por tanto, como un reconocimiento único, en el que una sola obra se alza con el galardón. Esta configuración refuerza la competitividad del certamen y subraya la exigencia de presentar un manuscrito sólido, trabajado y completamente terminado.

La naturaleza del concurso es estrictamente literaria y está pensada para novelas de largo aliento, no para relatos breves o experimentos fragmentarios. De hecho, uno de los requisitos técnicos que más destacan las bases es la necesidad de alcanzar una extensión mínima de 250.000 caracteres, lo que implica un desarrollo amplio de tramas, personajes y ambientaciones.

Por otra parte, el premio se orienta a reforzar el papel de la novela negra y policial en el mercado editorial en castellano, ofreciendo al título ganador una difusión que suele ir más allá del simple anuncio del fallo, gracias al respaldo de una editorial de gran peso como Planeta. Este tipo de visibilidad se integra en la dinámica de festivales como Pamplona Negra.

Quién puede presentarse: condiciones para los autores

La convocatoria está abierta a cualquier escritor mayor de edad, sin importar su país de origen, siempre que cumpla la normativa vigente en España en materia de mayoría de edad. Esta apertura internacional amplía el abanico de voces posibles dentro del certamen, siempre bajo una condición esencial: las obras deben estar escritas en lengua castellana. Festivales como Tenerife Noir ilustran cómo las convocatorias atraen a autores de distintos orígenes.

Las bases insisten en que solo se admitirán novelas originales e inéditas. Esto implica que los manuscritos no pueden haber sido difundidos en formato físico, digital, autopublicado ni seriado en ningún tipo de plataforma, ni haber resultado ganadores en otros concursos literarios.

Cada participante tendrá que decidirse por una única novela. No está permitido enviar más de una obra por autor, de modo que quienes se presenten deberán apostar por el proyecto en el que confíen plenamente. Esta limitación busca evitar una avalancha de textos de un mismo escritor y concentrar el esfuerzo creativo en una sola propuesta.

Otro de los aspectos fundamentales es que el manuscrito debe entregarse completamente finalizado. Las bases señalan expresamente que la novela no podrá ser objeto de modificaciones, añadidos ni correcciones una vez enviada, ni antes ni después del fallo del jurado, lo que obliga a revisar con máximo cuidado la versión que se remite al certamen.

Requisitos formales y extensión mínima de la obra

En el terreno técnico, la organización especifica que las novelas deberán contar con al menos 250.000 caracteres. Esta cifra, que se aleja del formato de relato corto, está pensada para garantizar historias con desarrollo narrativo amplio, trama bien hilada y personajes trabajados en profundidad.

Este mínimo de extensión exige, en la práctica, un proyecto literario ambicioso y bien estructurado, alineado con lo que se espera de una novela negra, policiaca o criminal de largo recorrido. Festivales y citas como Aridane Criminal son espacios donde se valoran propuestas de mayor envergadura.

Además, la obra tiene que remitirse en formato digital, aceptándose tanto archivos Word como documentos PDF. La elección de soportes electrónicos responde a un criterio de comodidad y eficiencia, que facilita el acceso del jurado a los textos y evita el manejo de copias impresas.

Otro elemento a tener en cuenta es que el envío de originales se realiza a través del formulario disponible en la web oficial del premio, alojada en el portal de la Fundación Policía Española. Es en ese formulario donde los autores deben adjuntar la novela y aportar sus datos personales, siguiendo las instrucciones que figuran en la convocatoria.

Este sistema centralizado permite que la recepción de manuscritos quede registrada y ordenada, simplificando el proceso de gestión interna y garantizando la trazabilidad de todas las candidaturas presentadas al IX Premio de Novela Policía Nacional.

Plazos, envío digital y proceso de participación

El periodo de presentación de obras ya está abierto y se mantendrá hasta el 15 de junio a las 23:59 horas, horario peninsular. A partir de ese momento, no se aceptarán nuevas novelas, por lo que conviene evitar los envíos de última hora que puedan verse afectados por problemas técnicos o de conexión.

Para formalizar la participación, los escritores deberán completar el formulario en la página web oficial del premio, donde se solicita la información básica del autor y se habilita el espacio para adjuntar el archivo de la novela en formato Word o PDF. No se contemplan envíos físicos ni remisión por correo postal.

El enfoque digital convierte el proceso en un trámite ágil y accesible desde cualquier lugar, siempre que se disponga de conexión a Internet. Esta modalidad, ya plenamente asentada en numerosos certámenes, permite que autores de distintas nacionalidades puedan concurrir en igualdad de condiciones.

Una vez enviado el manuscrito, la obra queda registrada a efectos de la convocatoria, y el participante no podrá sustituirla ni remitir una nueva versión. Las bases recalcan que la novela debe llegar en su forma definitiva y que no habrá margen para rectificaciones posteriores, por lo que conviene revisar con calma tanto el archivo como los datos proporcionados.

Según recoge la información publicada por la Fundación Policía Española, toda la normativa de la convocatoria está disponible de forma detallada en su sitio web institucional, donde se pueden consultar las condiciones completas, las cláusulas de participación y cualquier aclaración relativa al IX Premio de Novela Policía Nacional.

Un jurado de siete miembros con vínculos literarios y policiales

La evaluación de las novelas presentadas recaerá en un jurado compuesto por siete integrantes, todos ellos relacionados con el ámbito literario, editorial y policial. La idea es combinar diferentes perspectivas profesionales a la hora de seleccionar la obra ganadora.

La presidencia del jurado corresponderá a un representante de la Fundación Policía Española, mientras que la secretaría recaerá en un representante de Editorial Planeta. Junto a ellos se incorporarán dos policías con conocimientos literarios, designados a propuesta de la propia Fundación.

El panel se completa con dos escritores propuestos por la editorial y un autor de reconocido prestigio elegido de común acuerdo entre la Fundación Policía Española y Planeta. De este modo, el jurado aúna perfiles institucionales, experiencia editorial y trayectoria literaria consolidada.

La obra ganadora se determinará por unanimidad o, en su defecto, por mayoría de votos de los miembros del jurado. El fallo tendrá carácter inapelable, lo que significa que la decisión que se haga pública será definitiva y no estará sujeta a reclamaciones.

Esta configuración del jurado responde al propósito de garantizar una valoración amplia y plural de las novelas candidatas, incorporando la mirada del mundo policial y la del sector editorial, así como la de escritores en activo que conocen de primera mano las exigencias del género negro y criminal.

Fallo del premio y acto de anuncio en Madrid

Está previsto que el veredicto del IX Premio de Novela Policía Nacional se haga público en noviembre de 2026, en un acto presencial que tendrá lugar en la ciudad de Madrid. El evento reunirá a representantes de la Fundación Policía Española, de Editorial Planeta y a los miembros del jurado, además de invitados del ámbito cultural.

Durante esa cita se dará a conocer el nombre del autor o autora ganadora y el título de la novela seleccionada, cerrando así el proceso que se inicia con la recepción de originales en primavera. Será también el momento en el que se formalice la entrega del premio económico.

Entre el cierre del plazo de admisión en junio y el anuncio del fallo en noviembre, el jurado dedicará varios meses a leer, valorar y deliberar sobre las obras presentadas, atendiendo tanto a la calidad literaria como a la adecuación al género y al espíritu del certamen.

La organización subraya que el importe de 20.000 euros no puede dividirse entre varias novelas, por lo que el fallo siempre señalará una única obra como ganadora. No se contemplan empates ni repartos de la dotación, reforzando el carácter singular del reconocimiento.

Con este calendario, el premio se integra en la agenda literaria del año, situando su momento clave en el tramo final, cuando el sector suele concentrar ferias, encuentros con lectores y presentaciones, un contexto propicio para dar proyección a la obra ganadora.

El IX Premio de Novela Policía Nacional se presenta así como una oportunidad relevante para quienes escriben en castellano dentro del género negro, policial o criminal, combinando un incentivo económico destacable, la posibilidad de ganar visibilidad a nivel nacional y el aval de instituciones con peso en el ámbito policial y editorial. Las bases claras, la exigencia de una obra extensa y cerrada, y la composición de un jurado plural conforman un marco competitivo que invita a los autores a presentar su mejor historia de crimen e investigación.

La Plaza Mayor de Castellón vuelve a transformarse durante un fin de semana en un gran punto de encuentro para lectores, familias y aficionados a la cultura pop gracias a una nueva edición del Salón del Cómic y el Libro Infantil y Juvenil. La cita, ya consolidada, convierte el corazón de la ciudad en un espacio abierto donde conviven viñetas, literatura, talleres y actividades para todas las edades.

Este VIII Salón del Cómic de Castellón nace con la intención de seguir creciendo como referencia cultural y de ocio, mezclando propuestas lúdicas y programación literaria en un formato accesible. El enfoque municipal pasa por aprovechar el tirón del cómic y la literatura juvenil para dinamizar el centro urbano y el comercio local, al tiempo que se fomenta la lectura y la creatividad entre el público más joven.

Fechas, ubicación y formato de la cita

El evento se celebra del viernes 27 al domingo 29 de marzo en plena Plaza Mayor de Castellón, un emplazamiento que permite disfrutar de todas las propuestas a pie de calle. Este formato abierto facilita tanto la visita planificada como la llegada espontánea de quienes pasean por el centro y se encuentran con el salón casi sin buscarlo.

La organización insiste en ese carácter de espacio intergeneracional, en el que coinciden familias con niños, jóvenes seguidores de la cultura pop asiática, lectores habituales de cómic y curiosos que simplemente quieren un plan distinto de fin de semana. La Plaza Mayor se convierte así en un recorrido continuo de casetas, zonas de actividades y áreas de animación.

El concejal de Comercio y Consumo, Alberto Vidal, ha subrayado que la cita “apuesta por una programación de primer nivel, donde conviven el universo de la animación, la literatura y el cómic” en línea con la estrategia municipal de apoyar al tejido comercial del centro. La idea es que cada visita al salón pueda enlazarse con compras, restauración y otros servicios del entorno.

Ese planteamiento hace que el Salón del Cómic y el Libro Infantil y Juvenil no se limite a un simple encuentro sectorial, sino que funcione como herramienta de dinamización urbana. Las actividades se reparten a lo largo de las tres jornadas con horarios pensados para que haya vida en la plaza desde la mañana hasta la tarde.

La propia elección de la Plaza Mayor evita el aislamiento típico de los recintos feriales: la programación se integra en el día a día de la ciudad y facilita que cualquier persona pueda acercarse, incluso aunque no sea lectora habitual de cómic o literatura juvenil.

Personajes de animación, photocalls y gran tirón familiar

Uno de los ganchos más visibles del salón es la presencia constante de personajes de animación a lo largo del recinto. Durante todo el fin de semana, superhéroes, princesas y guerreras K-pop recorren la Plaza Mayor, protagonizando photocalls y actividades interactivas que llenan de color el centro de Castellón.

Estas propuestas están pensadas para que los niños puedan interactuar con sus personajes favoritos, hacerse fotos, participar en pequeñas dinámicas de juego y vivir la visita como una experiencia inmersiva. Esa combinación de ocio visual y participación se ha convertido en uno de los elementos más valorados por el público familiar.

Los photocalls temáticos, ambientados en mundos de superhéroes, cuentos y estética K-pop, generan un flujo constante de imágenes que acaban en redes sociales y que contribuyen a dar visibilidad al evento más allá de la propia ciudad. La organización busca precisamente ese efecto: que el salón sea tan fotogénico como participativo.

En esta edición se mantiene la apuesta por actividades presenciales y cercanas, en las que pequeños y mayores pueden hablar con los animadores, participar en juegos y recorrer la plaza sin necesidad de una planificación estricta. El enfoque es flexible, para que el salón funcione tanto como destino en sí mismo como complemento a un paseo por el centro.

Desde el Ayuntamiento se insiste en que este tipo de propuestas no solo entretienen, sino que también ayudan a vincular la lectura y el cómic con la diversión, algo clave si se quiere acercar los libros a quienes todavía no los han incorporado a su día a día.

Autores premiados y programación cultural de peso

Más allá de la parte lúdica, el Salón del Cómic y el Libro Infantil y Juvenil de Castellón refuerza su dimensión cultural con la presencia de autores e ilustradores reconocidos en el ámbito nacional. Entre los nombres confirmados destaca el Premio Nacional de Cómic Miguel Ángel Giner Bou, que encabeza un plantel de invitados habituales en circuitos especializados.

Junto a él participan creadoras y creadores como María Badia, Kiko Sánchez, Pablo R. Roca (Occimorons), Agustín Ferrer Casas y Pedro Cifuentes, que se reparten a lo largo de las tres jornadas en distintas actividades. La idea es que el público pueda acercarse a sus obras, conocerlos en persona y charlar con ellos en un ambiente distendido.

El programa prevé presentaciones editoriales, charlas, talleres para distintos niveles y firmas de ejemplares. Estas propuestas permiten profundizar en el proceso creativo, hablar de tendencias del cómic y la ilustración en España y ofrecer claves a quienes se plantean dedicarse profesionalmente al sector.

Las sesiones de firmas están teniendo una gran acogida, con colas de lectores que llevan sus cómics y álbumes infantiles para conseguir dedicatorias personalizadas. Para muchos niños, ese momento de conocer en persona a quien ha dibujado o escrito sus historias favoritas se convierte en uno de los recuerdos más especiales del fin de semana.

Este enfoque contribuye a que el salón no se quede en un mero escaparate de ocio, sino que adquiera el papel de punto de encuentro entre creadores, editoriales y público. La presencia de autores de primer nivel es uno de los factores que explican la madurez que ha alcanzado la cita en su octava edición.

Baile K-pop, cuentacuentos, concursos y dibujo en vivo

La programación general está pensada para que siempre haya algo en marcha, con propuestas diferenciadas según la franja de edad y el tipo de público. Una de las actividades con mayor tirón entre adolescentes y jóvenes es la clase gratuita y exhibición de baile K-pop, que conecta el salón con la cultura pop asiática y el universo fan.

Para los más pequeños, el calendario incluye cuentacuentos, talleres y juegos infantiles repartidos a lo largo del día. Estas sesiones se centran en animar a la lectura de forma cercana, con historias contadas en directo, dinámicas creativas y actividades plásticas vinculadas a los personajes de los libros y los cómics.

Uno de los momentos más llamativos es el dibujo en vivo sobre un vehículo Mitsubishi, una propuesta en la que ilustradores intervienen un coche en directo, convirtiéndolo en un lienzo rodante. Esta actividad sirve tanto de espectáculo visual como de ejemplo práctico del trabajo de los artistas invitados.

También regresa el concurso infantil de disfraces, centrado en superhéroes y personajes de cine y animación. Niñas y niños desfilan por la Plaza Mayor convertidos en sus referentes de ficción, en una cita que suele concentrar un importante número de espectadores y cámaras de fotos.

La combinación de baile, narrativa oral, talleres y concursos hace que el salón pueda adaptarse a distintos ritmos de visita: desde familias que pasan el día completo participando en varias actividades hasta quienes se acercan solo un rato para disfrutar de un espectáculo concreto.

Poetry Cómic Slam y apoyo al talento emergente

Entre las propuestas más originales de esta edición se encuentra el Poetry Cómic Slam, una actividad que mezcla poesía, viñeta y puesta en escena, y que en esta ocasión se centra en la Generación del 27. La iniciativa se desarrolla en colaboración con la Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló (EASD).

Este espacio permite explorar nuevas formas de contar historias, en las que texto e imagen se combinan en directo. Para el público, supone una manera distinta de acercarse tanto a la poesía como al cómic, alejándose de formatos más tradicionales y apostando por una experiencia más performativa.

La colaboración con la EASD incluye además la organización de “speed dates” entre alumnado y editores, breves encuentros en los que jóvenes ilustradores y diseñadores pueden mostrar su trabajo a profesionales del sector. Para muchos de ellos, es una oportunidad de recibir feedback especializado y, en algunos casos, de iniciar contactos de cara a posibles proyectos futuros.

Otra de las iniciativas destacadas es la creación de un cómic colaborativo, en el que estudiantes y otros participantes aportan páginas, viñetas o ilustraciones bajo una misma temática. Esta actividad subraya la idea de que el salón no solo es un lugar donde consumir cultura, sino también donde producirla.

Con este tipo de propuestas, el Salón del Cómic de Castellón refuerza su papel como plataforma para el talento emergente, más allá de la presencia de nombres consagrados. El resultado es un ecosistema en el que conviven autores veteranos, nuevas voces y público general en un mismo entorno.

Más de 25 expositores: editoriales, librerías y tiendas especializadas

En el ámbito profesional y comercial, la cita reúne a más de 25 expositores entre editoriales, librerías y establecimientos especializados. El apartado de cómic incluye sellos como GP Ediciones, Grafito, Unrated Comics, Sargantana, Akiba, ¡Blue! Cómics, Norma-Astronave, El Anillo de Sirio y Serendipia, que acercan a la Plaza Mayor sus novedades y catálogos consolidados.

La oferta se completa con editoriales centradas en literatura infantil y juvenil, entre las que figuran Malian, Unaria, Hola Monstruo, Tinturas, Cosquillas y La Batidora. Sus propuestas abarcan desde álbum ilustrado para primeras edades hasta novelas juveniles, pasando por proyectos educativos y títulos híbridos entre texto e imagen.

Junto a las editoriales participan tiendas especializadas como Jupiter, Surineki, Todojuguete, Comics de colección, Rincón de Duendes, Warp Zone, Gomu Gomu y Friki of Legend. Estas firmas aportan cómic de importación, merchandising, juegos de mesa, figuras y todo tipo de productos relacionados con el universo friki.

No faltan tampoco las librerías generales de la ciudad, representadas por espacios como Argot, Babel y Plácido Gómez, que refuerzan la conexión entre el salón y el tejido cultural permanente de Castellón. Su presencia contribuye a que la cita no se perciba como un evento aislado, sino como una prolongación de la oferta lectora disponible todo el año.

Este equilibrio entre grandes y pequeñas editoriales, comercio especializado y librerías de proximidad permite al visitante encontrar desde ediciones de autor hasta títulos para primeros lectores, pasando por cómic europeo, manga, superhéroes y grandes tebeos y narrativa juvenil de distintos estilos.

Impacto en la ciudad y respuesta del público

A medida que avanza el fin de semana, la afluencia de familias y aficionados confirma el peso que ha adquirido el salón en la agenda cultural de Castellón. Durante la segunda jornada se han visto talleres llenos, colas en las firmas de autores, grupos siguiendo las exhibiciones de K-pop y niños moviéndose de un photocall a otro con sus disfraces y compras bajo el brazo.

El concejal Alberto Vidal ha señalado que la respuesta ciudadana demuestra cómo el salón se ha consolidado como una cita “imprescindible” en la ciudad. Desde el consistorio se recalca que la Plaza Mayor se convierte estos días en un espacio de encuentro intergeneracional, donde confluyen cultura, ocio y actividad económica.

Las valoraciones municipales insisten en que este tipo de eventos fomenta la lectura y la creatividad entre los más jóvenes, al tiempo que ayuda a mantener vivo el centro urbano. Para los comercios de la zona, la llegada de visitantes supone un impulso adicional, con mayor movimiento en terrazas, tiendas y servicios cercanos.

De cara a la última jornada, la organización anima a la ciudadanía a acercarse a las actividades que quedan por celebrarse, con nuevos talleres, encuentros con autores y propuestas pensadas para que incluso quienes visiten el salón por primera vez puedan disfrutar de una programación completa.

Con esta edición, el Salón del Cómic y el Libro Infantil y Juvenil de Castellón se reafirma como una propuesta que combina cultura, ocio familiar y apoyo al comercio local en un formato abierto y participativo. La mezcla de personajes de animación, autores reconocidos, actividades para todas las edades y un amplio abanico de expositores confirma que la cita ha encontrado su propio modelo, capaz de atraer público diverso y de situar la Plaza Mayor como escenario central de la vida cultural de la ciudad.

La Mostra de Teatre se ha convertido en una cita imprescindible para quienes siguen de cerca la escena teatral en la Marina Baixa, similar a las celebraciones del Día Mundial del Teatro. Entre l’Alfàs del Pi y Benidorm, este ciclo de representaciones ha logrado consolidarse como un espacio estable donde conviven teatro amateur y profesional, con propuestas que van desde el drama más íntimo hasta la comedia gestual más desenfadada.

En l’Alfàs del Pi, la 24 edición de su Mostra de Teatre ha llenado la Casa de Cultura durante varias semanas, mientras que Benidorm ultima los detalles de su cuarta edición, dispuesta a reforzar la programación cultural del municipio. Ambas citas comparten un mismo objetivo: acercar las artes escénicas a vecindario y visitantes, con precios accesibles y una cuidada selección de montajes.

Una 24 Mostra de Teatre de l’Alfàs del Pi marcada por el éxito de público

La 24 Mostra de Teatre de l’Alfàs del Pi ha cerrado un mes intenso de actividad en la Casa de Cultura, por cuyo auditorio han pasado cerca de 3.500 espectadores. El certamen ha programado diez funciones principales, repartidas a partes iguales entre el ciclo amateur y el profesional, además de otras actividades paralelas que han consolidado el vínculo del público con el teatro, mostrando el talento local.

La primera semana se ha centrado en compañías amateurs que han congregado a unas 1.500 personas, evidenciando el tirón del talento local y de la afición teatral de la comarca. A partir de ahí, la Mostra ha encarado su tramo decisivo con la esperada semana dedicada a las compañías profesionales, para la que se preveía colgar el cartel de “Completo” en varias noches.

El concejal de Cultura de l’Alfàs del Pi, Manuel Casado, ha puesto el acento en que la respuesta del público ha sido extraordinaria, con el auditorio lleno en muchas de las funciones y una energía palpable en cada representación. Este respaldo, señala, confirma que el certamen es ya un referente cultural en la Marina Baixa y una pieza clave dentro de la programación anual del municipio.

Con once montajes en total entre todas las secciones, la Mostra ha apostado por combinar nuevas voces escénicas con nombres consolidados, enlazando propuestas intimistas con espectáculos colectivos de alta participación y cargados de humor.

“Un viaje sin retorno”: apertura intensa del ciclo profesional

El arranque del teatro profesional en l’Alfàs del Pi llegó con “Un viaje sin retorno”, dirigida por Ernesto Caballero. Esta función abrió oficialmente la semana grande de la Mostra con una historia centrada en el encuentro entre dos personajes marcados por decisiones pasadas que han dejado huella en sus vidas.

Protagonizada por Ana Ruiz y Álex Gadea, la obra plantea un cara a cara cargado de tensión en el que afloran la culpa, la necesidad de redención y las consecuencias de los actos. El montaje se articula como un montaje dramático y reflexivo en el que palabra y silencio comparten el mismo peso dramático.

La puesta en escena se caracteriza por su sobriedad visual y una cuidada construcción del espacio escénico, que funciona como territorio de tránsito y cambio. Sin artificios superfluos, la obra se apoya en la fuerza interpretativa del reparto y en un ritmo contenido que permite al espectador entrar en la intimidad de los personajes.

Según se desprende de la acogida del público, esta apertura ha logrado conectar desde la autenticidad y la cercanía, invitando a reflexionar sobre segundas oportunidades, decisiones irreversibles y la posibilidad de recomponer la propia vida incluso en circunstancias límite.

“We Love Disco”: Yllana convierte la Casa de Cultura en una pista de baile

Si “Un viaje sin retorno” apostaba por la introspección, la segunda gran parada profesional de la Mostra de l’Alfàs del Pi ha sido “We Love Disco”, de la veterana compañía Yllana, que llenó el auditorio hasta colgar el cartel de entradas agotadas.

El espectáculo, fiel al sello de la compañía, combina teatro gestual, música y comedia en un homenaje a la cultura disco de los años setenta y ochenta. Sobre el escenario se suceden escenas sin palabras, coreografías, gags visuales y situaciones disparatadas que rescatan el ambiente de las grandes pistas de baile, con bolas de espejo, luces y éxitos musicales reconocibles por varias generaciones.

La interacción con la sala fue uno de los elementos más comentados: el público formó parte activa de la función, respondiendo a los guiños de los intérpretes y dejándose arrastrar por el ritmo. Durante buena parte de la noche, la Casa de Cultura se transformó, en la práctica, en una discoteca en la que risa y música compartieron protagonismo.

Además del tono festivo, el montaje destaca por un vestuario llamativo y una escenografía cuidada, que mezclan nostalgia y humor sin caer en el simple ejercicio de recuerdo. Yllana refuerza así su vínculo con la Mostra de Teatre, donde la compañía ya figura también en el palmarés del Pi d’Honor.

“La mujer rota” y el Pi d’Honor 2026: la clausura más emotiva

El cierre de la 24 Mostra de Teatre de l’Alfàs del Pi se ha confiado a “La mujer rota”, un monólogo de gran carga emocional basado en el texto de Simone de Beauvoir. Bajo la dirección de Heidi Steinhardt, la actriz Anabel Alonso se pone en la piel de Murielle, una mujer que afronta en soledad la ruptura de su relación y el derrumbe de su mundo cotidiano.

A lo largo de la función, el público acompaña a la protagonista en un viaje interior que transita por el dolor, la lucidez y la necesidad de recomponerse. Sobre el escenario, Alonso sostiene un texto exigente tanto en lo emocional como en lo técnico, desplegando un registro dramático contenido que contrasta con la faceta más popular de su trayectoria cómica.

La obra aborda cuestiones como la dependencia emocional, la pérdida y el paso del tiempo, sin renunciar a momentos de honestidad cruda que interpelan directamente a la sala. La respuesta del público en la gala de clausura se tradujo en una prolongada ovación, con buena parte de los asistentes en pie al término del monólogo.

Tras la representación, el alcalde de l’Alfàs del Pi, Vicente Arques, hizo entrega del Pi d’Honor 2026 a Anabel Alonso, en uno de los momentos más emotivos de la noche. La intérprete, con más de cuarenta años de carrera entre teatro, cine y televisión, agradeció el reconocimiento subrayando el valor simbólico de un premio que llega cuando siente que aún le queda mucho por hacer sobre los escenarios.

Alonso quiso compartir el galardón con su equipo y puso en valor el esfuerzo de l’Alfàs del Pi por mantener una programación cultural estable, recordando que la cultura es un bien que requiere cuidado y apoyo institucional. Con este homenaje, su nombre se suma a un elenco de figuras de primer nivel que han recibido el Pi d’Honor en ediciones anteriores.

Un palmarés con grandes referentes de la escena española

El Pi d’Honor que otorga cada año la Mostra de Teatre de l’Alfàs del Pi se ha consolidado como un distintivo de prestigio dentro del panorama teatral español. El premio reconoce trayectorias amplias y aportaciones significativas a las artes escénicas, y a lo largo de los años ha ido configurando un palmarés muy valorado por la profesión.

Entre las personas galardonadas figuran nombres como Emilio Gutiérrez Caba, Juan Echanove, Juan Diego o María Luisa Merlo, referentes absolutos del teatro y la interpretación en España. Junto a ellos aparecen también Beatriz Carvajal, José Sancho, Lola Herrera, José Sacristán, Nati Mistral, Arturo Fernández o María Fernanda d’Ocón, entre muchos otros.

El listado se completa con figuras tan reconocidas como Nuria Espert, Amparo Rivelles, Verónica Forqué, José Luis López Vázquez o Concha Velasco, además de Gabino Diego, Rafael Álvarez “El Brujo”, Nancho Novo, Carlos Hipólito, Imanol Arias, Isabel Ordaz y Silvia Marsó. La compañía Yllana, clave en la programación de esta edición, también forma parte de este cuadro de honor.

Para la organización de la Mostra, este palmarés funciona como carta de presentación y como muestra del compromiso del certamen con el teatro de calidad. El hecho de que intérpretes de esta talla acepten el reconocimiento contribuye a reforzar la proyección del festival más allá del ámbito comarcal.

La distinción a Anabel Alonso en 2026 mantiene esta línea y refuerza la idea de continuidad generacional en la escena española, incorporando a una actriz que ha sabido moverse con soltura entre la comedia televisiva, el teatro de texto y propuestas más arriesgadas.

Semana profesional: del drama íntimo a la comedia musical y familiar

La semana profesional de la Mostra de Teatre de l’Alfàs del Pi ha ofrecido un recorrido amplio por distintos géneros y tonos, con la intención de llegar a públicos muy diversos. La programación ha unido propuestas dramáticas, comedias para público adulto y un montaje familiar de corte musical.

Tras “Un viaje sin retorno” y “We Love Disco”, el programa incluía la comedia “Se alquila”, con Andoni Ferreño y Agustín Bravo, que aportó un registro más ligero y cercano a la comedia de enredo contemporánea. Esta función se orienta a un público que busca pasar una velada divertida sin renunciar a un texto cuidado.

En esa misma línea de diversidad, la Mostra ha reservado un espacio para “Caperucita Roja ¿Un musical feroz?”, un espectáculo concebido para familias que reinterpreta el clásico cuento desde una perspectiva actual y musical. Con ello se pretende no solo atraer a la infancia al teatro, sino también fomentar que madres, padres y público joven integren las artes escénicas en su ocio habitual.

Este equilibrio entre drama, comedia y propuestas familiares forma parte de la estrategia del certamen para consolidar su base de asistentes. El objetivo es que la Mostra no se perciba como un evento puntual, sino como una cita anual que se espera con ganas y que permite descubrir nuevos montajes.

La impresión general, a tenor de los datos de asistencia y de las valoraciones del público, es que la semana profesional ha reafirmado el prestigio de la Mostra en el contexto provincial, al tiempo que refuerza su capacidad de atraer tanto a amantes del teatro como a espectadores ocasionales.

Benidorm impulsa su IV Mostra de Teatre con compañías locales y la participación de Yllana

Mientras l’Alfàs del Pi celebra la madurez de su 24 edición, el vecino municipio de Benidorm prepara la IV Mostra de Teatre en el Centre Cultural, una iniciativa que se ha ido consolidando como uno de los ciclos de referencia en la programación de la Concejalía de Cultura.

El evento se desarrollará entre el 22 y el 30 de mayo en el Auditori Rafael Doménech, con una combinación de una compañía profesional y tres amateurs, integradas por vecinos de Benidorm y de otras localidades de la Marina Baixa. Todas las funciones se celebrarán a las 20:00 horas, con entradas a la venta a través de la plataforma Viva Ticket.

El concejal de Cultura, Jaime Jesús Pérez, subraya que esta Mostra representa una gran oportunidad para los aficionados a las artes escénicas, al permitir que compañías locales compartan cartel con un montaje profesional de amplio recorrido. El objetivo municipal es, según sus palabras, acercar el teatro a residentes y turistas, ofreciendo propuestas diversas y a precios asequibles.

Las entradas para las funciones amateurs tienen un precio simbólico de 5 euros, mientras que la representación de la compañía profesional Yllana, junto a Primitial Brothers, se sitúa en 15 euros. Además, se ha previsto un abono de 22 euros para quienes deseen asistir a las cuatro sesiones programadas.

Desde el consistorio se insiste en que esta Mostra de Teatre de Benidorm ha pasado a ser un ciclo estable dentro de la agenda cultural, fruto del trabajo conjunto entre las compañías participantes y la Concejalía. Se anima al público a reservar sus entradas con antelación ante la previsión de buena respuesta de asistentes.

Programación de la IV Mostra de Teatre de Benidorm

La programación de la IV Mostra de Teatre de Benidorm se ha diseñado con la intención de combinar diferentes estilos y géneros, de modo que cualquier espectador encuentre una propuesta afín a sus gustos.

La inauguración, el viernes 22 de mayo, corre a cargo de Foromutis Teatre con “El Malentés”, de Albert Camus. Se trata de un drama que sitúa al público ante las consecuencias de demorar decisiones importantes o de no afrontar conversaciones necesarias, recordando que el tiempo y la falta de claridad pueden conducir a desenlaces irreparables.

Al día siguiente, el sábado 23 de mayo, será el turno de Alpí Teatre con “En la lluna”, de Alfredo Sanzol. Este montaje, protagonizado por seis intérpretes, funciona como un homenaje a la generación que fue joven en los años setenta y vivió de cerca la Transición española, hilando pequeñas escenas en clave principalmente de comedia.

La tercera propuesta amateur llegará el viernes 29 de mayo, cuando Tossal Teatre presente “Teràpia de grup”. En esta obra, siete personajes coinciden en la sala de espera de un prestigioso psiquiatra, cada uno con sus manías y conflictos personales. El médico nunca llega, y el público descubrirá en un desenlace inesperado el motivo de esa ausencia.

El broche a esta cuarta edición lo pondrá, el sábado 30 de mayo, la compañía profesional Yllana con “Gool”, un espectáculo centrado íntegramente en el universo del fútbol. Concebida como una sátira sobre el llamado deporte rey, la obra se apoya en el humor para recorrer las luces y sombras de un mundo apasionante y contradictorio, especialmente pertinente en un año en el que se celebra un Mundial.

Con este cartel, la Mostra de Benidorm pretende ofrecer una panorámica variada del teatro contemporáneo, en la que conviven textos clásicos del siglo XX, piezas generacionales y humor ligado a la actualidad deportiva, sin perder de vista la intención de llegar a un público amplio.

El conjunto de informaciones que llegan desde l’Alfàs del Pi y Benidorm dibuja un escenario muy vivo para la Mostra de Teatre en la Marina Baixa: por un lado, un certamen con trayectoria que refuerza su prestigio a través del Pi d’Honor y de una cuidada semana profesional; por otro, una propuesta en plena expansión que apuesta por el talento local y por la complicidad de compañías como Yllana. Entre ambas, el teatro gana presencia en la vida cultural de la comarca y se asienta como una cita que muchos espectadores marcan ya en su calendario año tras año.

El histórico Edificio Carolino de la BUAP se ha transformado durante diez días en el corazón de la vida cultural poblana gracias a una nueva edición de la Feria Nacional del Libro de la BUAP, conocida como FENALI. Esta 39 entrega ha reunido a lectores, estudiantes, familias y profesionales del sector editorial en una programación intensa que combina libros, arte, historia y creación contemporánea.

Con una afluencia que muchos participantes describen como más elevada que en años anteriores y con un protagonismo notable de la gente joven, la FENALI BUAP 2026 se consolida como una cita imprescindible en el calendario cultural de Puebla. Entre presentaciones de obras, talleres, conferencias, proyecciones y exposiciones, el Carolino se ha convertido en un espacio vivo en el que la lectura dialoga con otras disciplinas artísticas.

Una feria del libro en plena expansión dentro del Carolino

Durante esta edición, la feria ha desplegado más de 200 actividades repartidas en distintos espacios del Carolino, lo que ha permitido aprovechar tanto la planta baja como los pisos superiores del inmueble. Los pasillos, patios y salones se han llenado de stands editoriales, visitantes y programación simultánea, generando un ambiente de movimiento constante.

La rectora de la BUAP, Lilia Cedillo Ramírez, subrayó en la inauguración que los libros siguen siendo una compañía esencial y una fuente de conocimiento, al recordar que siempre “dan un consejo en el momento preciso” y alimentan la imaginación. Con esta idea como hilo conductor, la feria ha buscado acercar la lectura a públicos de todas las edades.

La comunidad universitaria ha tenido un papel central, no solo como público, sino también como protagonista de presentaciones, exposiciones y talleres. Estudiantes, docentes, investigadores y creadoras y creadores invitados han compartido experiencias, procesos y obras en un entorno abierto y accesible.

Desde la Vicerrectoría de Extensión y Difusión de la Cultura se ha insistido en que uno de los objetivos clave era mostrar la diversidad del talento universitario, más allá de la producción académica: música, artes escénicas, artes visuales, poesía y proyectos editoriales se han entrelazado en la programación.

En los pasillos del Carolino, el flujo de personas ha sido continuo, con picos de asistencia durante los fines de semana. Expositores y público han coincidido en que el recinto se convierte estos días en un auténtico punto de encuentro para quienes buscan novedades editoriales, actividades familiares y propuestas culturales alternativas.

Asistencia récord y aumento del público joven

Una de las características más comentadas de esta edición ha sido la creciente afluencia, sobre todo de público joven. Desde la organización se han manejado cifras que superan claramente a las de la feria anterior, con días en los que se han registrado entre 3.000 y 4.000 visitantes y fines de semana con picos de hasta 20.000 personas. Muchos de estos movimientos se observan también en ferias con intensa programación, donde el interés del público joven marca la agenda.

Responsables de la Vicerrectoría de Extensión y Difusión de la Cultura han destacado que la respuesta del estudiantado y de la juventud en general ha sido especialmente llamativa, con una participación muy activa en recitales, presentaciones, proyecciones y talleres creativos. Muchos de ellos acuden en grupo, recorren los stands y participan en actividades a lo largo de toda la jornada.

Los expositores señalan, no obstante, que la afluencia varía según el día y la franja horaria. Entre semana, especialmente por las mañanas, el flujo puede ser más tranquilo, mientras que por las tardes y los fines de semana el recinto se llena hasta casi su capacidad. Esta dinámica marca el ritmo de ventas y de interacción con el público en cada stand.

Desde el ámbito editorial se valora que, pese a las diferencias horarias, la feria mantiene un nivel de asistencia que la sitúa como una de las citas culturales más relevantes de Puebla. La presencia de familias completas, profesorado, alumnado de distintas facultades y visitantes de otros estados refuerza el peso regional del encuentro.

Algunas editoriales y personas expositoras han señalado que el reto sigue siendo mantener el interés en ciertos horarios, pero reconocen la buena organización del evento y la importancia de disponer de un espacio estable para el fomento de la lectura y el contacto directo con los lectores.

Libros que marcan la programación: historia, ficción y marketing editorial

Entre las presentaciones más comentadas destaca la participación del escritor de fantasía y terror Daniel SanMateo, quien dio a conocer su libro “El futuro fue ayer”. Se trata de una colección de relatos que se mueven entre el cyberpunk y la experimentación narrativa, con reflexiones sobre el misticismo, el tiempo, la vida y la muerte, en un tono que dialoga con sensibilidades contemporáneas.

En el terreno de la narrativa histórica, el ilustrador y autor José Luis Pescador presentó “La caída de Tenochtitlán”, un proyecto que combina documentación histórica, referencias visuales a la obra de José Clemente Orozco y textos del siglo XVI. La obra, estructurada en varios tomos, aborda episodios clave de la Conquista, como la masacre de Cholula, el papel de Malintzin en la toma de decisiones y el encuentro entre Moctezuma Xocoyotzin y Hernán Cortés.

Esta propuesta gráfica e histórica busca invitar a las lectoras y lectores a explorar nuevas fuentes, revisitar el periodo de la Conquista y cuestionar las interpretaciones más difundidas, abriendo la puerta a una visión más compleja de los choques culturales.

En el ámbito de la industria editorial contemporánea, la autora Pilar Gordoa presentó “El arte de conquistar lectores” en el Foro Carolino. Su libro, estructurado en diez capítulos, reúne casi tres décadas de experiencia en marketing editorial, con ejemplos prácticos y casos de estudio que ayudan a identificar audiencias, diseñar campañas y adaptar estrategias de promoción a los cambios del mercado.

La autora remarcó que el marketing de libros es un desafío constante, tanto para grandes sellos como para proyectos independientes, y que resulta clave contar con herramientas claras para llegar de forma efectiva a distintos perfiles de lector.

Presentaciones, foros y voces emergentes

A lo largo de los días, la FENALI ha acogido una serie de presentaciones que muestran la variedad de géneros y enfoques presentes en la feria. En el Salón de Proyecciones se llevó a cabo la presentación de “La mirada del estado. Inteligencia para la seguridad nacional de México”, de Jorge Alberto Vidal Urrutia, una obra que examina el papel de los aparatos de inteligencia en el ámbito de la seguridad nacional.

En paralelo, el Foro Carolino se convirtió en espacio para la poesía con “La espina del paraíso”, del poeta Víctor Manuel Toledo Contreras, quien compartió con el público su trabajo lírico y las reflexiones que lo atraviesan. La respuesta del auditorio puso de manifiesto el interés renovado por la poesía, especialmente entre asistentes jóvenes.

El Foro Lobo ha servido como plataforma para nuevas voces literarias vinculadas a la comunidad universitaria. Un ejemplo de ello fue la participación de Ángel García Andrade, estudiante de Sociología en la BUAP, que presentó su libro “Sector 343” y compartió su experiencia personal al publicar su primera obra, despertando curiosidad entre quienes aspiran a recorrer un camino similar.

Más allá de los nombres consolidados, la programación ha apostado por poner el foco en autoras y autores emergentes, dando cabida a proyectos autopublicados, editoriales independientes y propuestas que se mueven en los márgenes de los circuitos comerciales más habituales.

Esta mezcla de trayectorias consolidadas y nuevas generaciones ha contribuido a que la feria se perciba como un espacio abierto para descubrir voces distintas, sin limitarse únicamente a los grandes lanzamientos editoriales.

Poetas jóvenes, slams y maratones de lectura

Uno de los fenómenos más comentados de la FENALI BUAP 2026 ha sido el auge de la poesía entre el público joven. Desde la organización se ha detectado un incremento en la participación de poetas emergentes y en la asistencia a recitales, lo que ha dado a estas actividades un peso inesperadamente alto dentro del programa.

En el Paraninfo del Carolino tuvo lugar un Maratón de Poesía en el que participaron numerosas voces, desde creadoras y creadores con trayectoria hasta estudiantes que se animaron a compartir sus textos por primera vez ante el público. El ambiente, según asistentes, combinó respeto, curiosidad y cierta emoción colectiva.

En el Foro Sonoro se celebró el “Slam de Poesía. Voces Urbanas”, una propuesta que mezcla poesía oral, performance y participación del público. Este formato, más dinámico y cercano a la cultura urbana, ha resultado especialmente atractivo para chicas y chicos que se acercan a la literatura desde el rap, el spoken word o las redes sociales.

La presencia de estos espacios ha reforzado la idea de que la poesía sigue siendo un vehículo potente de expresión, capaz de adaptarse a nuevos lenguajes y contextos sin perder profundidad. Además, permite a muchos jóvenes reconocerse en discursos y problemáticas que sienten propias.

Responsables de la programación han señalado que este “despertar poético” entre la juventud es una de las sorpresas más gratas de la edición, y abre la puerta a incluir más propuestas de este tipo en futuras ferias.

Exposiciones artísticas y un Carolino convertido en galería

La feria no se ha limitado a los libros: el segundo piso del Carolino se ha llenado de exposiciones impulsadas por la Facultad de Artes Plásticas y Audiovisuales, que muestran el trabajo de estudiantes y egresados. Las muestras abarcan diferentes técnicas, temáticas y enfoques, convirtiendo los pasillos en una especie de galería itinerante.

Entre las exposiciones destacan títulos como “Flores, Muertes y Memoria”, “AMASHI: raíces que forman el alma” y “Sala Fanzine”, que proponen miradas diversas sobre la identidad, la memoria y los lenguajes gráficos alternativos. Cada proyecto invita al visitante a detenerse y observar con calma, más allá del ir y venir de la feria.

También llaman la atención las propuestas “Punk, Política y Práxis” y “Arráncame la vida: En los márgenes de Catalina”, que se asoman a la relación entre arte, crítica social y relecturas de personajes femeninos. La exposición “Artistas Naranjas” y la muestra “HECHOS para ser leídos” completan un recorrido que combina reflexión estética y compromiso con el entorno.

En el primer patio del Carolino, la presencia de artistas invitadas como la boliviana Alejandra Alarcón añade un matiz internacional a la programación visual, ampliando los marcos de referencia del público asistente.

Todo ello contribuye a que la FENALI se perciba no solo como una feria del libro, sino como un festival cultural amplio, en el que las artes visuales y la experimentación plástica dialogan directamente con la literatura y la reflexión académica.

Talleres, formación y participación activa del público

La dimensión formativa también ha tenido un peso significativo en esta edición. En el Salón Verde del Carolino, la Vicerrectoría de Extensión y Difusión de la Cultura ha coordinado una agenda de talleres abiertos tanto a la comunidad universitaria como al público en general.

Entre las actividades se encuentran talleres de estampación en grabado y linóleo, caricatura, pintura, modelado, collage y monotipia. Algunas de las propuestas incluyen ejercicios con figuras de barro, como el tradicional lobito, que conectan a las y los participantes con técnicas artesanales y plásticas de forma lúdica.

Estos talleres permiten que la feria no se limite a la experiencia de comprar o hojear libros, sino que ofrezca espacios de aprendizaje práctico y experimentación artística. Muchas familias y grupos escolares se acercan atraídos precisamente por este tipo de actividades.

A la oferta de la Vicerrectoría se suma el trabajo del personal de la red de Bibliotecas BUAP, que impulsa sesiones de lectura, redacción y fomento lector, buscando reforzar el vínculo de la comunidad con las colecciones bibliográficas de la universidad.

El resultado es un entorno en el que quienes asisten no son únicamente espectadores, sino participantes activos, ya sea a través de la escritura, la ilustración, la pintura o el intercambio de ideas en los distintos foros y salones.

Fomento de la lectura y tendencias editoriales

Desde el sector editorial presente en la feria se ha puesto el acento en la importancia de fomentar la lectura desde la infancia. Sellos especializados en literatura infantil y juvenil destacan colecciones de larga trayectoria, como “El Barco de Vapor”, utilizadas desde hace décadas en centros educativos para acompañar procesos de aprendizaje literario.

Las personas expositoras coinciden en que la formación de lectores no es algo que ocurra de manera espontánea, sino que requiere del compromiso de familias, docentes e instituciones culturales. Ferias como la FENALI ayudan a visibilizar catálogos, acercar autores al público y generar experiencias tempranas de contacto con los libros.

En cuanto a tendencias de lectura, algunas editoriales han subrayado el creciente interés por la literatura asiática. Títulos como “Indigno de ser humano”, del japonés Osamu Dazai, figuran entre los más buscados, sobre todo entre lectores jóvenes que se aproximan a estos autores a través de la cultura pop, el manga o las adaptaciones audiovisuales.

La feria funciona así como un termómetro de qué géneros, autores y procedencias están conectando con el público, al tiempo que ofrece una plataforma para que catálogos menos visibles encuentren a sus lectores.

Entre expositores hay consenso en que mantener espacios presenciales de encuentro en torno al libro sigue siendo fundamental, incluso en un contexto marcado por el auge de lo digital. El contacto directo con libreros, editores y autores aporta una dimensión que la pantalla no puede sustituir por completo.

Organización, accesos y servicios para visitantes

La organización de la FENALI BUAP 2026 ha puesto especial cuidado en facilitar la orientación del público dentro del Carolino. Para ello, la universidad dispone de personal fácilmente identificable mediante gafetes o camisetas alusivas a la feria, preparado para resolver dudas y guiar a las personas entre los distintos foros y salones.

Además, se ha habilitado un sistema mixto de información con programa en formato físico y digital. A la entrada del recinto, visitantes pueden tomar un programa impreso, mientras que en varios puntos se han colocado códigos QR que dan acceso al mapa y a la agenda completa desde el teléfono móvil.

La página oficial de la feria, alojada en fenali.buap.mx, reúne la programación detallada, horarios de actividades, datos de invitados y ubicación de los espacios. Esto facilita que el público planifique su visita, seleccione actividades específicas y organice recorridos por stands y exposiciones.

Un elemento muy valorado es que todas las actividades de la feria son de acceso gratuito, lo que elimina barreras económicas y permite que cualquier persona interesada pueda acercarse a la oferta cultural. La feria mantiene un horario amplio, de 10:00 a 20:00 horas, con actividades prácticamente continuas.

Quienes trabajan en la organización insisten en que la gratuidad y la diversidad de la programación son piezas clave para consolidar la FENALI como un proyecto de largo recorrido, alineado con la vocación pública de la BUAP y su compromiso con la difusión de la cultura.

Al cierre de esta edición, la FENALI BUAP 2026 se confirma como mucho más que una simple feria del libro: el Carolino se ha convertido en un espacio donde conviven historia, reflexión crítica, creación literaria, artes visuales y talleres participativos, con una asistencia que no deja de crecer y una presencia juvenil cada vez más visible. La combinación de presentaciones de obras, poesía, exposiciones, formación y acceso gratuito consolida a esta cita como uno de los principales motores culturales de Puebla y como un referente en el impulso sostenido de la lectura y la creación en el ámbito universitario.