Las fachadas medianeras de València van a dejar de ser simples paredes en blanco para convertirse en soportes de grandes murales dedicados al cómic español y valenciano. El Ayuntamiento ha puesto en marcha una ruta permanente de arte urbano que llevará a las calles algunos de los personajes más reconocibles de la historieta, reinterpretados por ilustradores actuales.

Esta apuesta cultural quiere reforzar la identidad de València como ciudad de referencia del noveno arte, aprovechar su larga tradición historietística y ofrecer al vecindario, a quienes visitan la ciudad y al turismo cultural un recorrido que sea a la vez estético, didáctico y accesible para todos los públicos.

Una ruta permanente de murales con personajes icónicos

La iniciativa, impulsada por la Concejalía de Acción Cultural, Patrimonio y Recursos Culturales, contempla la creación de un recorrido estable de murales en medianeras vistas repartidas por diferentes barrios. Sobre estas superficies se plasmarán figuras clásicas como Pumby, Carpanta, Superlópez, Zipi y Zape, el Capitán Trueno, Mortadelo y Filemón, las hermanas Gilda, la familia Cebolleta, Anacleto o El Guerrero del Antifaz, entre muchos otros.

El objetivo es que estos personajes, que durante décadas han formado parte de la memoria colectiva a través de los tebeos, “salten del papel a la pared” y se integren en el paisaje urbano. La selección combina referentes del cómic español en general con un peso destacado de series y autores vinculados directamente a València.

Según ha explicado el concejal José Luis Moreno, la idea es convertir las calles en recorridos culturales de calidad con el cómic como protagonista, acercando este lenguaje a un público amplio, no necesariamente lector habitual de historietas. La ruta se concibe como un circuito abierto que podrá ampliarse con nuevas intervenciones en función de la disponibilidad de espacios y del presupuesto futuro.

La intervención se ha pensado de manera flexible para que cada barrio pueda acoger itinerarios temáticos diferenciados, generando propuestas específicas que dialoguen con la historia, el carácter y el tejido social de cada zona. Se plantea así un turismo cultural complementario al más convencional, que ponga el foco en la creación gráfica y el patrimonio narrativo.

Diálogo entre clásicos y creadores contemporáneos

Uno de los aspectos más llamativos del proyecto es el diálogo generacional que propone. Personajes creados por autores históricos como José Escobar, José Sanchis o Francisco Ibáñez serán reinterpretados por ilustradores valencianos actuales, que actualizarán su estética para hacerla atractiva a ojos del público contemporáneo.

Esta reinterpretación no se limita a un simple cambio de estilo gráfico: los ilustradores actuales adaptarán las obras a las características concretas de cada medianera, al entorno urbano inmediato y al espíritu del barrio donde se sitúe el mural. Después, artistas urbanos especializados en gran formato serán los encargados de trasladar estas versiones a las fachadas.

De este modo, la ciudad combinará el legado clásico del tebeo con lenguajes visuales actuales, subrayando que el cómic continúa evolucionando y que sigue siendo un medio vivo, capaz de conectar con nuevas generaciones sin perder su vínculo con quienes crecieron leyendo estas historietas.

El concejal Moreno ha definido la iniciativa como un “tributo a una forma universal de contar historias”, que reconoce tanto la creatividad española y valenciana como a todas las generaciones de lectores que han acompañado a estos personajes durante décadas. La propuesta pretende, además, derribar el tópico que reduce el cómic a un producto exclusivamente infantil.

Un museo al aire libre vinculado al Centro del Cómic Micharmut

La ruta de murales se concibe como una extensión urbana del futuro Centro del Cómic Micharmut, que se ubicará en el centro histórico, en el antiguo Centro del Excursionista. La intención municipal es que este equipamiento cultural actúe como punto de partida del recorrido, que se irá desplegando progresivamente por otros barrios.

El barrio del Carme se ha señalado como lugar inicial de la intervención, aprovechando la concentración de medianeras disponibles y su relevancia como área histórica y cultural. Desde allí, el circuito se ampliará gradualmente, conforme se cierren acuerdos con las comunidades de propietarios y se dote de más recursos al programa.

El Ayuntamiento ha identificado ya alrededor de una decena de medianeras vistas en el centro de la ciudad, en su mayoría de titularidad privada. Se han iniciado los contactos con las comunidades para explicar el alcance de la actuación, las condiciones técnicas y organizativas, y para solicitar las autorizaciones necesarias para intervenir en los paramentos.

La iniciativa dispone este año de una partida de 80.000 euros procedente de los presupuestos participativos VLC Participa 2025-2026. Este importe permitirá iniciar las primeras intervenciones y sentar las bases de un proyecto que se concibe sin límite cerrado, condicionado a la financiación que se pueda ir incorporando en ejercicios posteriores.

Para el consistorio, esta red de murales debe funcionar como un “museo al aire libre” que integre el arte de las viñetas en la vida cotidiana, al estilo de referentes europeos como Bruselas o Angulema, donde el cómic forma parte visible del espacio público y de la oferta cultural dirigida tanto a residentes como a visitantes.

Más de cien obras seleccionadas y enfoque pedagógico

El diseño de la ruta se apoya en un estudio encargado en marzo de 2024 a la Cátedra de Estudios del Cómic Fundación SM-Universitat de València, codirigida por Álvaro Pons y Noelia Ibarra. El encargo consistía en analizar las obras y personajes más emblemáticos del cómic español y valenciano para determinar cuáles podían incorporarse a circuitos de arte urbano.

Como resultado, se ha elaborado una selección de más de un centenar de obras y autores que han configurado una iconografía propia y perdurable en la memoria colectiva. La lista abarca tres grandes periodos históricos: 1940-1969, 1970-1999 y 2000-2020, con el fin de ofrecer una visión amplia de la evolución del medio y de su impacto cultural en España.

Entre los títulos elegidos se encuentran “Arrugas”, de Paco Roca; “Estamos todas bien”, de Ana Penyas; o la serie “13, Rue del Percebe”, de Francisco Ibáñez, junto a muchas otras obras que representan distintas sensibilidades, géneros y formatos. La intención es incluir tanto historieta humorística y de aventuras como cómics de memoria, ensayo gráfico, medicina gráfica o periodismo en viñetas.

El estudio ha cuidado especialmente la presencia de autoría valenciana, que supondrá entre un 30% y un 50% de los títulos incorporados al circuito. Asimismo, se ha buscado un equilibrio entre autores y autoras, y una representación diversa de personajes masculinos y femeninos, con atención explícita a la pluralidad de miradas y experiencias.

Cada mural irá acompañado de una ficha técnica accesible mediante código QR. A través de este recurso digital, cualquier persona podrá consultar información sobre el autor o autora, el argumento de la obra, el contexto histórico en que surgió, su impacto sociocultural y una bibliografía recomendada. El recorrido se plantea así como una experiencia divulgativa apta para todo tipo de públicos, desde quienes se acercan al cómic por primera vez hasta aficionados especializados.

València, una ciudad con larga tradición historietística

La propuesta no surge de la nada: València ha sido un centro clave del cómic español durante buena parte del siglo XX y XXI. La presencia de editoriales como Editorial Valenciana o Editorial Maga contribuyó a consolidar la ciudad como una verdadera capital del tebeo en las décadas de 1940 y 1950.

De esos años salieron personajes tan populares como El Guerrero del Antifaz, Pumby, Roberto Alcázar y Pedrín, Purk el hombre piedra o las Historias del FBI, que se convirtieron en iconos de la cultura popular en todo el país. Estas series ayudaron a muchas generaciones a evadirse en un contexto social y político complejo, y han quedado grabadas en el imaginario colectivo.

En los años 80, la llamada Nueva Escuela Valenciana supuso una renovación estética de gran calado en el panorama nacional e internacional. Autores como Miguel Calatayud, Mariscal, Sento, Daniel Torres, Manel Gimeno, Micharmut o Mique Beltrán aportaron un estilo fresco y colorista que impregnó no solo los tebeos, sino también la cartelería, el diseño gráfico y el mobiliario urbano de la ciudad.

Ese impulso se ha prolongado en el siglo XXI con figuras reconocidas como Paco Roca, Ana Penyas, Miguel Ángel Giner o Cristina Durán, cuyas obras han recibido premios importantes y han contribuido a proyectar la imagen de València fuera de nuestras fronteras. Esta continuidad histórica refuerza la idea de la ciudad como uno de los grandes polos creativos del cómic en Europa.

El estudio de Pons e Ibarra recuerda que el cómic, desde las revistas TBO o Pulgarcito hasta las producciones actuales, ha sido un crisol de iconografías que han pasado al imaginario común, acompañando los cambios culturales de la sociedad española y demostrando que las viñetas pueden tratar cualquier temática, más allá del entretenimiento infantil.

Un proyecto transmedia para romper estereotipos

Más allá de la capa puramente decorativa, la ruta de murales se plantea como un proyecto multimodal y transmedia que quiere explorar todas las posibilidades del cómic como lenguaje. La intención es aprovechar el espacio público para generar una auténtica “alfabetización visual” y mostrar que las historietas son capaces de abordar desde la fantasía y la aventura hasta la memoria histórica, el ensayo o la divulgación científica.

Según han subrayado los responsables de la Cátedra de Estudios del Cómic, el proyecto aspira a proyectar la imagen de València como ciudad que valora su creatividad y la utiliza como herramienta educativa y emocional. Este enfoque entronca con una tendencia internacional que vincula el noveno arte con ámbitos como la educación, la medicina gráfica o el periodismo.

La dibujante Julia Cejas, autora del cómic explicativo de la propuesta, ha valorado la iniciativa como una oportunidad para llevar a la calle las obras más destacadas del cómic y hacer que se integren en el día a día de la ciudadanía. A su juicio, estos murales pueden despertar recuerdos, generar curiosidad y subrayar la diversidad y la calidad de las y los ilustradores.

En paralelo, el Ayuntamiento insiste en que la ruta quiere atraer también a un turismo cultural específico, interesado en el arte urbano y el cómic, sumándose a la oferta de otras ciudades europeas que ya explotan este tipo de circuitos. La intención es que las intervenciones vayan articulando un itinerario coherente, donde las diferentes obras mantengan vínculos conceptuales y visuales entre sí.

La iniciativa se ha presentado públicamente en el Centro Cultural Nave 3 Ribes, en un acto en el que, además del concejal Moreno y de los codirectores de la Cátedra, han participado numerosos representantes del mundo del cómic, la ilustración y el diseño gráfico, lo que refleja el interés del sector en vincularse a una propuesta con vocación de continuidad.

Con esta ruta de medianeras dedicadas al cómic, València da un paso más para consolidarse como “ciudad del cómic” a nivel nacional e insertarse en el mapa europeo del muralismo vinculado al noveno arte. El despliegue de los primeros murales, previsto gracias a la dotación inicial de 80.000 euros y a la colaboración de los propietarios de los inmuebles, será la prueba de fuego de un proyecto que aspira a crecer en número de obras, barrios implicados y públicos interesados en descubrir la ciudad a través de sus viñetas hechas muro.

Los amantes de la fantasía épica llevan años disfrutando de los mundos imaginados por Brandon Sanderson, un autor que se ha consolidado como una de las voces más influyentes del género. Sus sagas interconectadas dentro del Cosmere, su ritmo de publicación y su cercanía con los lectores le han situado en una posición destacada frente a otros nombres consagrados.

En los últimos tiempos, la conversación en el fandom gira en torno a un mismo asunto: la llegada del universo de Sanderson al cine y a la televisión gracias a un acuerdo con Apple. Este movimiento, que afecta especialmente a Nacidos de la bruma y El Archivo de las Tormentas, podría cambiar el equilibrio de fuerzas en la fantasía moderna y acercar aún más su obra al gran público europeo y español.

Brandon Sanderson frente a George R. R. Martin: dos modelos de éxito

Dentro del género fantástico, suele compararse a Brandon Sanderson con George R. R. Martin, creador de Canción de hielo y fuego. Martin lleva más años en activo y ha gozado de un reconocimiento masivo, especialmente desde la irrupción de Juego de tronos, mientras que Sanderson se ha convertido en la gran referencia contemporánea para quienes buscan sagas largas, coherentes y en constante expansión.

En términos de producción literaria, Sanderson supera ampliamente a Martin si se mira solo el número de libros publicados en las últimas dos décadas. Mientras la saga principal de Canción de hielo y fuego lleva años sin una nueva entrega, el autor del Cosmere mantiene un ritmo de escritura casi inalcanzable, con nuevas novelas, proyectos secretos y sagas que se entrelazan entre sí.

Sin embargo, en el plano económico, la balanza sigue inclinándose del lado de Martin. Estimaciones como las de Celebrity Net Worth sitúan el patrimonio de George R. R. Martin en torno a los 120 millones de dólares, frente a una cifra cercana a los 50 millones en el caso de Sanderson. La diferencia no responde tanto a la cantidad de libros como al alcance de las adaptaciones audiovisuales y el impacto del merchandising asociado.

La clave está en que Juego de tronos se convirtió en una franquicia global a través de la serie televisiva, con años de emisión, precuelas, productos derivados y un catálogo continuo de licencias que siguen generando ingresos. En contraste, hasta hace poco el Cosmere no había dado aún el salto a la gran pantalla ni a las plataformas de streaming, lo que limitaba su proyección más allá del público lector.

Apple entra en juego: el acuerdo que puede cambiar el tablero

El panorama empezó a moverse cuando Brandon Sanderson anunció un acuerdo con Apple para adaptar parte del Cosmere. El plan pasa por llevar Nacidos de la bruma al cine en formato película y desarrollar El Archivo de las Tormentas como serie para Apple TV, un paso que muchos seguidores consideraban inevitable pero que el autor había preferido posponer hasta encontrar el socio adecuado.

En un contexto en el que plataformas como HBO Max o Apple TV compiten por grandes franquicias, la apuesta por Sanderson resulta lógica: su obra ofrece un universo amplio, consistente y con un enorme potencial seriado. Mientras HBO capitalizó el éxito de Martin, Apple busca ahora una gran marca de fantasía propia con capacidad para atraer tanto al público lector como a quienes solo consumen series y películas.

Una de las particularidades de este acuerdo es el alto grado de participación directa del propio Sanderson. A diferencia de lo que ocurrió con Martin y la adaptación de Juego de tronos, el creador del Cosmere ha querido implicarse en la toma de decisiones clave para mantener la coherencia interna de sus mundos.

El propio autor ha explicado que está trabajando personalmente en el guion de la película de Nacidos de la bruma, lo que le permite trasladar al lenguaje cinematográfico los elementos fundamentales de su universo. Según la barra de progreso que comparte en su web oficial, el libreto de Mistborn se encontraría ya completado en torno a un 72 %, dato que él mismo ha ido actualizando durante sus comunicaciones semanales.

El Archivo de las Tormentas: una serie en manos de Apple TV

La otra gran pata del acuerdo con Apple es la adaptación de El Archivo de las Tormentas como serie de televisión. Aunque los detalles oficiales siguen siendo limitados, Sanderson ha ido dejando caer información en distintos formatos, especialmente en su podcast semanal Intentionally Blank y en vídeos de su canal de YouTube.

En uno de los episodios recientes de su podcast, el autor invitó a su esposa, Emily Sanderson, para comentar la primera temporada de la serie Murderbot de Apple TV. A raíz de esa conversación, desveló que uno de los responsables ejecutivos implicados en Murderbot es el mismo que trabajará en la adaptación de El Archivo de las Tormentas, un dato que muchos seguidores interpretan como una buena señal sobre la seriedad del proyecto.

Sanderson explicó que, cuando vio el resultado de la serie de Murderbot, sintió alivio al comprobar el enfoque del equipo y pensó: “Se lo vendí a él”, en referencia a ese ejecutivo concreto. Aunque no se han hecho públicos más nombres ni fechas cerradas, sí se ha confirmado que el escritor figurará como coproductor ejecutivo una vez que la producción de la serie esté plenamente en marcha.

En paralelo a su trabajo con la película de Nacidos de la bruma, el autor ha señalado que también está implicado en la preparación del episodio piloto de El Archivo de las Tormentas. Esta doble dedicación indica que, pese a estar todavía en una fase inicial, el desarrollo avanza y Apple tiene intención de construir a medio plazo una franquicia sólida basada en su obra.

A día de hoy, tanto la serie de El Archivo de las Tormentas como la película de Nacidos de la bruma parecen proyectos aún lejanos, al menos en lo referente a su estreno. No obstante, los pequeños anuncios, las actualizaciones de progreso y la implicación directa del autor se interpretan como señales de que el engranaje ya está en marcha, algo que no pasaba hace apenas unos años.

Relación con los fans y auge de su figura en la fantasía actual

Más allá de las cifras o de los contratos con grandes plataformas, uno de los rasgos que más diferencias marca entre Brandon Sanderson y otros escritores es su relación constante con la comunidad lectora. El autor mantiene varios canales de comunicación abiertos, desde el podcast Intentionally Blank hasta directos, vídeos explicativos, guías de lectura y actualizaciones periódicas sobre sus proyectos.

Esa cercanía se refleja también en el ecosistema de contenidos que se ha generado alrededor de su obra. En redes sociales y plataformas de vídeo proliferan guías para leer a Sanderson en un orden recomendado, repaso de sagas como Mistborn o El Archivo de las Tormentas, e incluso análisis detallados del Cosmere pensados para quienes se asoman por primera vez a su universo.

En estos contenidos creados por fans y divulgadores suele destacarse que la enorme productividad del autor puede resultar abrumadora para quienes quieren empezar “por el principio”. Por eso se publican propuestas de orden de lectura, explicando con claridad por dónde iniciar con Nacidos de la bruma, cuándo saltar a El Archivo de las Tormentas y cómo ir encajando el resto de piezas sin perderse en la cronología.

Mientras tanto, George R. R. Martin afronta una situación más delicada con su base de lectores. La larga espera de Vientos de invierno ha generado cierta frustración, especialmente después de que la serie televisiva alcanzara y superara los libros publicados. Sanderson, en cambio, ha construido su imagen pública alrededor de la productividad, la transparencia y un contacto directo y frecuente con quienes siguen su trabajo.

Todo este contexto contribuye a que una parte del público y de la crítica hable ya de Brandon Sanderson como “el nuevo rey de la fantasía”, una etiqueta que circula con fuerza en internet y que resume la percepción de que su figura domina el panorama actual del género, al menos en lo que se refiere a nuevas sagas, volumen de obra y proyección de futuro.

¿Puede el Cosmere competir con el fenómeno Juego de tronos?

La gran incógnita ahora es hasta qué punto las adaptaciones del Cosmere impulsarán el reconocimiento comercial de Sanderson hasta situarlo en niveles comparables a los que consiguió Martin con Juego de tronos. La experiencia demuestra que una serie de éxito en una plataforma de alcance global puede multiplicar las ventas de libros, disparar las licencias y convertir una saga literaria en un fenómeno cultural transversal.

En el caso de Martin, el impacto de la serie de HBO no solo se tradujo en un incremento masivo de lectores, sino también en regalías procedentes de merchandising y de acuerdos de explotación de la marca. Ese flujo constante de ingresos es el que explica, en parte, la gran diferencia económica entre ambos autores, más allá de quién escriba más o menos novelas.

Si las adaptaciones de Nacidos de la bruma y El Archivo de las Tormentas funcionan bien tanto en territorio europeo como en el mercado internacional, no sería descabellado pensar que la brecha entre Martin y Sanderson podría ir reduciéndose en los próximos años. La base de fans ya existe; lo que faltaba era una ventana audiovisual potente que acercara estos mundos a quienes no leen fantasía de manera habitual.

Al mismo tiempo, el hecho de que Sanderson mantenga un mayor control creativo ofrece cierta tranquilidad a quienes temen una adaptación excesivamente libre. El autor ha insistido en preservar la esencia de su obra, lo que podría favorecer una recepción más positiva entre los lectores de larga trayectoria y contribuir a una transición más fluida entre las páginas y la pantalla.

Mientras llega el momento de ver materializado el Cosmere en cine y televisión, muchos seguidores aprovechan para ponerse al día con sus sagas, explorar títulos menos conocidos de su catálogo o descubrir otras series de ciencia ficción y fantasía que empiezan a ganar visibilidad en Apple TV, como Murderbot, cuya calidad ha sido valorada por el propio Sanderson en su podcast.

La sensación general en el mundo del fantástico es que Brandon Sanderson se encuentra en un punto de inflexión: con una obra ya consolidada, una comunidad fiel y un acuerdo audiovisual de gran alcance, el salto a un nuevo nivel de popularidad parece cuestión de tiempo, siempre que las adaptaciones cumplan las expectativas y logren conectar con el gran público más allá del nicho lector.

El clásico de Shakespeare vuelve a ponerse de moda, pero no como una pieza de museo, sino como un texto vivo que se reescribe sobre el escenario y en diálogo con el público de hoy. En Madrid, el Teatro Español apuesta por una versión radicalmente contemporánea, mientras en otros rincones de Europa y del mundo surgen lecturas igualmente atrevidas, desde enfoques neurodiversos hasta propuestas de aire cinematográfico y redes sociales.

En este contexto de renovado furor por el príncipe danés, la nueva producción Hamlet.01 se instala en la sala Margarita Xirgu como una de las apuestas más singulares de la temporada madrileña, acercando el universo shakespeariano al espectador actual mediante el humor, la reflexión y una cercanía poco habitual en las versiones clásicas.

Hamlet.01 en el Teatro Español: fechas, formato y punto de partida

El Teatro Español de Madrid programa Hamlet.01 del 21 de mayo al 21 de junio en la sala Margarita Xirgu, con funciones a las 19:30 horas y una duración aproximada de 120 minutos. La pieza, escrita y dirigida por Sergi Belbel a partir del primer acto de la tragedia de Shakespeare, se presenta como una lectura libre de ese arranque de la obra, concebida expresamente para el público del siglo XXI.

Bajo ese marco, la función deja a un lado la estructura habitual del drama en verso para adoptar lo que su propio equipo define como stand-up tragedy. Es decir, un híbrido entre el monólogo de comedia en vivo y la profundidad trágica del original, donde el príncipe danés se convierte en un narrador que toma la palabra sin intermediarios y se dirige directamente a quienes ocupan las butacas.

El proyecto nace de la fascinación y, a la vez, del desconcierto de Belbel ante la complejidad del personaje y del texto. En lugar de ofrecer una versión canónica, el dramaturgo opta por desmenuzar las dudas, contradicciones y fantasmas del protagonista, utilizando un lenguaje escénico cercano, irónico y muy atento a las inquietudes contemporáneas.

La producción está impulsada por el propio Sergi Belbel y el actor Enric Cambray, con la colaboración de la compañía Primera Rèplica, dentro de la programación del Teatro Español, espacio gestionado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

Una stand-up tragedy que rompe la cuarta pared

En escena, el montaje plantea un juego claro: Hamlet sale de la ficción tradicional, se quita la máscara de personaje trágico distante y adopta los códigos de la comedia en directo. El protagonista explica, comenta y cuestiona las escenas y conflictos del primer acto, como si compartiera con el público un análisis en voz alta de su propia historia.

Desde este enfoque, la pieza hace que el príncipe danés se parezca más a un monologuista que a un héroe clásico: utiliza la broma, la ironía y cierta irreverencia para hablar de venganza, resentimiento, promesas rotas y el eterno «ser o no ser». El resultado es una experiencia participativa donde los asistentes dejan de ser meros observadores y pasan a ocupar un papel activo en el desarrollo del discurso.

La ruptura de la cuarta pared no es solo un recurso escénico vistoso; se convierte en una manera de subrayar hasta qué punto los dilemas de Hamlet pueden seguir dialogando con las preocupaciones actuales. Las dudas sobre el sentido de la vida, la presión de un mundo que no cumple lo prometido o la tentación del suicidio aparecen aquí tratadas con lucidez y cercanía, sin solemnidades impostadas.

Este tono híbrido, que combina entretenimiento y reflexión, permite que la obra funcione como un ejercicio de pensamiento compartido. No se trata de repetir un clásico de memoria, sino de ponerlo en crisis en tiempo real, delante del público, y comprobar qué preguntas siguen interpelando con fuerza cuatro siglos después.

Enric Cambray, un Hamlet en solitario ante el público

Uno de los rasgos más llamativos de Hamlet.01 es su formato interpretativo: Enric Cambray asume en solitario el reto de encarnar al príncipe danés durante las casi dos horas que dura la función. No hay reparto coral, ni corte danesa alrededor; todo el peso dramático y cómico recae en un único actor.

Este planteamiento convierte el espectáculo en un ejercicio de alta exigencia, donde Cambray debe sostener el ritmo del monólogo, gestionar la interacción con la sala y moverse con naturalidad entre la confesión íntima, el comentario ingenioso y los momentos de verdadera densidad emocional. El público se convierte, de algún modo, en confidente, juez y cómplice de lo que el personaje decide contar.

El trabajo actoral apuesta por una proximidad casi cotidiana: Hamlet se sienta al borde del escenario, lanza miradas directas a las primeras filas y se permite desarmar el aura solemne que suele rodear sus grandes parlamentos. Frente al habitual «ahora llega el gran discurso» del «ser o no ser», la propuesta sugiere un pensamiento que se escapa a ratos, como una idea que cualquier persona puede haber tenido en un día difícil.

Esta reinterpretación conecta con una tendencia más amplia de las producciones recientes del clásico en todo el mundo: actores que rebajan la grandilocuencia y presentan al príncipe danés como alguien reconocible, atravesado por las mismas inseguridades y agotamientos que mucha gente experimenta hoy, entre noticias sombrías y crisis encadenadas.

Teatro accesible, cercano y en clave contemporánea

Además de su enfoque formal, Hamlet.01 incorpora una vertiente muy concreta de accesibilidad. El montaje incluye una función accesible el 12 de junio, con audiodescripción y sobretitulado para personas sordas, una medida que encaja con la voluntad del Teatro Español de abrir sus contenidos a públicos diversos y con distintas necesidades.

La combinación de lenguaje cercano, humor y dispositivos de accesibilidad técnica hace que esta versión resulte especialmente adecuada para espectadores que se aproximan por primera vez a Shakespeare o que en su momento lo percibieron como un territorio demasiado académico. Lejos de pedir un conocimiento previo del texto, la puesta en escena invita a entrar desde cero, sin miedo al verso ni al inglés isabelino.

Al mismo tiempo, la obra plantea un debate sobre cómo se pueden abordar hoy los grandes clásicos sin que pierdan su fuerza. Belbel, partiendo de su propio desconcierto ante la densidad del original, propone un lenguaje escénico híbrido, donde la comicidad y la reflexión coexisten y el análisis del personaje se hace a plena luz, sin tapujos. De este modo, la función funciona también como una especie de taller en directo sobre qué significa adaptar a Shakespeare.

Este intento de actualizar el mito escénico del príncipe danés no se queda en el mero guiño contemporáneo. La pieza busca que el público se pregunte cómo encajar sus propias frustraciones, miedos y deseos de cambio en un mundo que a menudo parece gobernado por fuerzas opacas, un terreno donde Hamlet, con su tendencia al bloqueo y a la duda, sigue siendo una figura inquietantemente vigente.

Hamlet en ebullición: de Madrid al auge global del príncipe danés

El aterrizaje de Hamlet.01 en el Teatro Español se produce en un momento en el que la tragedia de Shakespeare atraviesa, a nivel internacional, un nuevo ciclo de popularidad y relecturas. En Nueva York, Londres, los Berkshires o Perú proliferan montajes que exploran la obra desde caminos muy distintos, demostrando que el clásico no deja de transformarse.

En la escena anglosajona, una producción del National Theatre ha recalado en la Brooklyn Academy of Music con Hiran Abeysekera como protagonista, mientras una película traslada el drama a la comunidad surasiática de Londres, con Riz Ahmed al frente. Esta cinta sitúa al príncipe en un entorno empresarial corrupto, subrayando la incomodidad de ser cómplice de un sistema que se percibe como podrido, algo que muchos espectadores asocian con el clima político actual.

La figura de Hamlet también se ha colado con fuerza en el entorno digital y musical: Anthony Hopkins ha recitado fragmentos del célebre «ser o no ser» en TikTok; una ficción cinematográfica sobre la gestación del mito, centrada en la pérdida que pudo inspirarlo, ha dado lugar a premios de la Academia; y hasta una canción inspirada en Ofelia ha llegado al número uno en listas de éxitos, demostrando que el universo del príncipe danés no es patrimonio exclusivo de los escenarios.

En paralelo, compañías como The Acting Company experimentan con versiones en verso moderno encabezadas por mujeres, y propuestas como Hamlet, Sweet Prince introducen miradas queer sobre el personaje. Todo ello configura un mapa en el que la identidad, el género y la diversidad se suman a los viejos temas de la venganza y la traición, ampliando el alcance simbólico del texto.

Neurodiversidad, redes sociales y nuevas formas de contar a Shakespeare

Entre las experiencias más singulares que se han sumado a este auge reciente destaca el Hamlet neurodiverso de la compañía peruana Teatro La Plaza, presentado en el circuito off-Broadway. En esta versión, ocho intérpretes hispanohablantes con síndrome de Down asumen el protagonismo, convirtiendo la obra en un alegato sobre la presencia de cuerpos y voces habitualmente excluidos de los grandes relatos culturales.

Su directora, Chela De Ferrari, ha subrayado que el trabajo con estos actores la devolvió a algo esencial del texto: bajo toda la brillantez filosófica de Hamlet, late un ser humano expuesto que se pregunta cómo existir en un mundo que le malinterpreta una y otra vez. Cuando uno de los intérpretes repite el «ser o no ser» emulando a Laurence Olivier, con la imagen del clásico proyectada al fondo, el famoso parlamento adquiere una urgencia nueva, ligada al derecho mismo a ocupar el espacio público y artístico.

En el terreno de las redes, pequeñas compañías como Mad Spirits Theatre Company exploran la divulgación shakespeariana en plataformas como TikTok e Instagram. Mediante doblajes de audios en tendencia y fragmentos de comedias de televisión o canciones pop, asignan a personajes como Ofelia o Claudio los diálogos de series actuales, generando cruces inesperados entre la cultura de masas y el teatro isabelino.

Esta estrategia, que combina humor y pedagogía, busca que nuevas generaciones se acostumbren al universo de Shakespeare sin verlo como un bloque de «inglés antiguo» inaccesible. Lecturas en directo, comentarios de escenas y juegos de identificación con personajes convierten al dramaturgo en un invitado más del ecosistema digital.

El fenómeno encaja con la idea, defendida por especialistas en Shakespeare, de que Hamlet es especialmente apropiado para una época marcada por el cansancio y la saturación de malas noticias. Para algunos académicos, la obra ofrece al público un marco legítimo para «entrar» en emociones como la angustia o la desesperanza y, al mismo tiempo, un conjunto de ideas para empezar a procesarlas.

La huella de Hamlet en el teatro europeo contemporáneo

Mientras el príncipe de Dinamarca recorre escenarios internacionales, en Europa también se detectan ecos evidentes del clásico en nuevas dramaturgias. Un ejemplo reciente es Dinamarca, de Lluïsa Cunillé, estrenada en la Sala Beckett de Barcelona tras haberse publicado en 2017 y convertirse en un referente para estudiosos sin haber pisado hasta ahora el escenario catalán.

El director Albert Arribas define la obra como «el Hamlet de Lluïsa Cunillé», al centrarse en dos personajes —una madre mayor y su hijo— marcados por el resentimiento y el deseo de venganza ante un futuro prometido que nunca llegó. Ambos viven encerrados en casa, atrapados por el fantasma de una vida que debía ser gloriosa y no fue, y se plantean, a su manera, si merece la pena seguir viviendo o no.

Arribas subraya que el texto revisita fantasmas muy cercanos a los de la tragedia shakespeariana: promesas rotas, expectativas frustradas, una posible tentación de suicidio y la sensación de estar atrapados en un espacio mental y físico que se estrecha. La obra, interpretada por Pere Arquillué e Imma Colomer, se construye como un «partido de tenis» verbal, con más de 160 pausas, 25 de ellas largas, que subrayan silencios, dudas y cambios de máscara.

Dinamarca confirma hasta qué punto la sombra de Hamlet puede filtrarse en creaciones que, sin adaptar directamente el texto isabelino, dialogan con él en profundidad. La lucha por la vitalidad, la fragilidad de la identidad o el choque entre fantasía y realidad son temas que Cunillé aborda desde un minimalismo implacable, pero que remiten de forma clara a las preguntas de fondo que planteaba el príncipe danés.

Un clásico que sigue cambiando para seguir vivo

La llegada de Hamlet.01 al Teatro Español, la expansión de proyectos como el Hamlet neurodiverso, las versiones cinematográficas ambientadas en contextos contemporáneos o las reinterpretaciones europeas de tono íntimo confirman un mismo movimiento: la tragedia de Shakespeare continúa mutando para seguir interpelando al presente. Lejos de cristalizarse en una única forma «correcta», la obra parece renovarse cada vez que se cruza con un idioma, un elenco o un público distintos.

Desde Madrid, esta nueva stand-up tragedy firmada por Sergi Belbel se suma a ese conjunto de miradas que entienden a Hamlet no como un monumento intocable, sino como un espacio donde poner en juego dudas muy actuales: cómo enfrentarse a un mundo que no cumple lo prometido, de qué manera gestionar la rabia y el agotamiento o qué papel nos reservan los relatos colectivos. Que sea a través del humor, de la neurodiversidad, de una madre y un hijo encerrados en su piso o de un actor solo frente a una sala llena, lo cierto es que el príncipe danés sigue encontrando formas nuevas de hablarnos, también desde los escenarios españoles.

La Feria del Libro de Valladolid afronta una nueva edición con la mirada puesta en quienes llenarán las bibliotecas del mañana: los lectores infantiles y juveniles. Durante diez días, la Plaza Mayor se transforma en un gran escenario al aire libre donde se mezclan libros, cómics, narración oral, música en vivo y actividades participativas pensadas para que las familias se sientan como en casa.

El certamen redobla su apuesta por una programación ambiciosa y diversa, en la que conviven nombres consolidados de la narración oral, figuras destacadas de la ilustración contemporánea y propuestas que experimentan con nuevos lenguajes. Todo ello con un denominador común: acercar la lectura a las nuevas generaciones desde el juego, la creatividad y la mezcla de disciplinas.

La Plaza Mayor, epicentro de libros, cómic e ilustración

El arranque oficial será el viernes 29 de mayo, cuando la Plaza Mayor se convierta en un punto de encuentro multidisciplinar donde los stands de librerías y editoriales compartirán espacio con talleres, escenarios y zonas de creación en directo. La feria se prolongará durante diez jornadas consecutivas, con una agenda continuada de mañana y tarde y acceso libre hasta completar el aforo del pabellón principal.

La organización ha querido que este año la ilustración participativa tenga un papel protagonista desde el primer minuto. Por eso, el pistoletazo de salida lo dará la creación colectiva del llamado Muro Ilustrado, una intervención gráfica abierta al público coordinada por los ilustradores Jorge Consuegra y Alberto Sobrino, programada para el viernes 29 a las 18.00 horas.

Esta propuesta de gran formato funciona como carta de presentación del espíritu de la feria: un espacio donde niños, jóvenes y adultos puedan dibujar, experimentar y contar historias con otros lenguajes diferentes al texto, pero íntimamente ligados al mundo del libro.

Durante los diez días, la Plaza Mayor se consolida como un auténtico escenario cultural al aire libre, en el que el paseo habitual entre casetas se ve acompañado por citas de narración oral, conciertos, charlas y demostraciones de ilustración, favoreciendo que el público se quede más tiempo y descubra propuestas que quizá no tenía en mente cuando llegó.

En esta edición se refuerza además la presencia del cómic y la narrativa gráfica, dos formatos que han ganado terreno entre lectores jóvenes y que se integran de lleno en la programación con talleres, encuentros y clases magistrales.

Talleres creativos para acercar el cómic y la edición a los más jóvenes

Uno de los ejes de la feria es su completa oferta de talleres infantiles y juveniles, pensados para que los más pequeños no solo escuchen historias, sino que también las creen. Entre las propuestas más llamativas se encuentra el taller de estampación de La Oveja Estelar, previsto para el domingo 31 a las 19.30 horas, donde los participantes podrán experimentar con tintas, texturas y plantillas para diseñar sus propias piezas gráficas.

El cómic tendrá un peso específico gracias a la presencia de Juanjotagé, ilustrador granadino conocido por su trabajo en la serie Detectives Zopencos. El autor impartirá clases magistrales de narrativa gráfica en dos sesiones: el sábado 6 a las 19.30 horas y el domingo 7 a las 11.30 horas. En estos encuentros mostrará cómo construir personajes, dar ritmo a una historia en viñetas y combinar texto e imagen para enganchar al lector.

Este tipo de actividades van más allá de la mera anécdota: buscan que niños y adolescentes comprendan que el proceso de creación de un libro ilustrado o un cómic implica muchos oficios y pasos diferentes, desde la idea inicial hasta la edición final. La intención de la feria es que quienes se acerquen a estos talleres se vayan con ganas de seguir leyendo… y también de seguir dibujando.

A lo largo de los diez días no faltarán otros talleres especializados vinculados a la ilustración, la escritura creativa o el álbum ilustrado, con especial cuidado en los horarios familiares para que pequeñas y pequeños puedan participar sin prisas y en un ambiente cercano.

Con este enfoque, la Feria del Libro de Valladolid se consolida como un espacio en el que la animación a la lectura no se limita a recomendar títulos, sino que se apoya en dinámicas prácticas que convierten al público joven en protagonista de la creación.

Cuentacuentos, narración oral y autores de referencia en el pabellón

El Pabellón de la Feria, instalado en la propia Plaza Mayor, se convierte en el refugio de la palabra dicha y la narración oral. Por su escenario pasarán algunos de los cuentistas y compañías más reconocidos del panorama nacional, con propuestas tanto para público familiar como para adultos.

Entre las citas más esperadas destaca la presencia de Los Titiriteros de Binéfar, que presentarán su premiado espectáculo «El abrazo» el sábado 30, en doble sesión a las 11.30 y a las 18.00 horas. Su teatro de títeres, música y humor es ya un clásico en festivales y ferias de toda España, y su paso por Valladolid refuerza el carácter itinerante y popular de la narración oral.

El contador Félix Albo ofrecerá dos sesiones diferenciadas, adaptadas a distintos públicos: una especialmente pensada para adultos el sábado 30 a las 19.30 horas, y otra de carácter familiar el domingo 31 a las 11.30 horas. Con su presencia, la feria recuerda que la tradición de escuchar historias no es exclusiva de los más pequeños y que los relatos contados en voz alta pueden seguir sorprendiendo a oyentes de cualquier edad.

La literatura infantil de autoras de referencia tendrá espacio propio con las presentaciones de Raquel Díaz Reguera y Susanna Isern. Díaz Reguera presentará sus novedades el sábado 30 y el domingo 31, ambas a las 13.00 horas, mientras que Susanna Isern compartirá sus universos imaginativos con el público el domingo 31 a las 18.00 horas, en una cita muy esperada por quienes siguen sus álbumes ilustrados.

En la recta final del programa, la palabra viajera y el folclore tomarán el relevo con la participación de Diego Magdaleno, que acercará el repertorio tradicional el viernes 5 a las 18.00 horas y el sábado 6 a las 13.00 horas, y con la narradora Ana Griott, cuya actuación está prevista para el sábado 6 a las 18.00 horas. Ambas propuestas subrayan el vínculo de la feria con la tradición oral y el patrimonio inmaterial.

Cómic, vanguardia y poesía: la feria mira hacia el futuro

La edición de este año incorpora un bloque claramente orientado a la vanguardia y las nuevas formas de contar historias. El cómic contemporáneo tendrá un espacio destacado con la charla de la ilustradora y autora Carla Berrocal, que ofrecerá una ponencia sobre el lenguaje del tebeo actual y sus posibilidades expresivas el viernes 5 a las 19.30 horas.

Con esta intervención se refuerza la idea de que el cómic ha dejado de ser un formato menor para convertirse en un territorio creativo de primer nivel, capaz de abordar desde historias infantiles hasta temas sociales complejos, y de conectar especialmente bien con las generaciones más jóvenes.

La poesía también tendrá un papel relevante en el programa. El lunes 1 a las 19.30 horas se celebrará un recital a cargo de los Poetas Perversos, una propuesta que combina voz, puesta en escena y juego con el lenguaje para acercar el verso a un público amplio. Esta presencia poética se completa con una experiencia interactiva, «Palabras a la carta», que reunirá a autores como Redry, Lidia Towiz, María Sotelo y Zero el martes 2 a las 19.30 horas.

En esta actividad, el público tendrá un papel activo, ya que las palabras, temas o emociones sugeridos por los asistentes se convierten en materia prima para construir textos y lecturas en tiempo real. De este modo, la feria explora fórmulas para que la creación poética se perciba como algo cercano y participativo, lejos de la imagen solemne que en ocasiones se le atribuye.

Con este bloque de cómic y poesía, el programa demuestra su voluntad de mirar hacia adelante, integrando formatos híbridos y experiencias en vivo que conectan con las inquietudes culturales de la juventud, pero sin perder de vista el diálogo con las tradiciones literarias.

Música, radio en directo y un cierre con sabor escénico

Además de los libros y la narración oral, la Feria del Libro de Valladolid incorpora otros lenguajes escénicos que contribuyen a dinamizar la Plaza Mayor y a atraer a públicos diversos. Uno de los momentos más singulares será la emisión en directo de Radio Clásica el sábado 6 a las 11.30 horas, una oportunidad para asomarse a los entresijos de un programa radiofónico mientras se disfruta de un ambiente literario.

En paralelo, y en el mismo tramo horario, el Círculo de Recreo acogerá el reto mental de Fernando Puga, una propuesta que mezcla juego intelectual, experimentación y entretenimiento, y que se incorpora al programa como guiño a quienes disfrutan con los desafíos de ingenio y el pensamiento lateral.

La música también tendrá su espacio con el concierto de la cantante Rocío Torío, programado para el domingo 7 a las 13.00 horas. Su actuación pondrá ritmo al último día de feria, creando un puente entre la programación matinal y las actividades de la tarde, y reforzando la idea de que la lectura y la música pueden compartir escenario con naturalidad.

El broche final llegará con la clausura teatral de Alicia Maravillas, prevista para el domingo 7 a las 18.00 horas. Este cierre escénico sirve como despedida festiva, pensada especialmente para público familiar, y mantiene hasta el último momento el tono lúdico y participativo que ha marcado toda la programación.

Como en el resto de actividades, tanto la emisión de radio como el concierto y la clausura teatral serán de entrada libre hasta completar aforo, una política que facilita que cualquier persona que se acerque a la Plaza Mayor pueda sumarse a la propuesta cultural sin barreras económicas.

Con una combinación muy medida de libros, cómic, narración, ilustración, música y poesía, la Feria del Libro de Valladolid se consolida como una de las citas literarias más dinámicas del panorama español, especialmente en lo que respecta a la formación de nuevos lectores. La apuesta por la programación infantil y juvenil, la presencia de nombres destacados de la creación actual y la apertura a lenguajes de vanguardia convierten a la Plaza Mayor, durante diez días, en un laboratorio cultural al alcance de toda la ciudadanía.

El Premi Vila d’Ascó se ha consolidado en esta nueva edición como una de las citas literarias y culturales más singulares del calendario en Cataluña, reuniendo narrativa, poesía, fotografía y microrrelato bajo un mismo paraguas. La gala, celebrada en la conocida Nit de la Cultura de Ascó, ha puesto el foco en nuevas voces y miradas contemporáneas que se acercan sin tapujos a temas incómodos, cotidianos y, a menudo, poco amables.

En este contexto, el gran protagonista de la noche ha sido el escritor mallorquín Pere Carbonell, que se ha alzado con el Premi Literari Vila d’Ascó gracias a una novela tan provocadora como incisiva. Junto a él, otros autores han visto reconocidas sus obras en los distintos apartados del certamen, demostrando que el proyecto impulsado por el Ayuntamiento de Ascó mantiene un alto nivel de participación y diversidad creativa año tras año.

El Premi Literari Vila d’Ascó para Pere Carbonell

El jurado del XXXVIII Premi Literari Vila d’Ascó ha distinguido la novela Bombolles de xampany, de Pere Carbonell, una obra que combina sátira mordaz, humor ácido y crítica social en un relato que se mueve entre el exceso y la intimidad. El galardón, dotado con 3.600 euros y la publicación del libro a través de Grup 9 Editorial, supone un importante impulso para la trayectoria del autor dentro del circuito literario en catalán.

La historia se sitúa en una Mallorca nocturna y desatada, lejos de la postal turística idílica. Tres amigos recién graduados deciden celebrar el fin de la carrera con una salida de fiesta que comienza como un simple desahogo y termina convirtiéndose en una noche de excesos en Magaluf, donde el alcohol, la presión del grupo y las decisiones impulsivas desencadenan una cadena de acontecimientos difíciles de controlar.

Según ha valorado el jurado, la novela se levanta sobre una sátira provocadora y políticamente incorrecta que no tiene reparos en mostrar personajes decadentes, situaciones límite y la cara menos amable de la juventud de fiesta. A partir de esa madrugada desbocada, las apariencias se resquebrajan y afloran tensiones soterradas, secretos inesperados y traiciones que ponen en jaque la supuesta solidez de la amistad entre los protagonistas.

Uno de los puntos que más se ha destacado es la capacidad de Carbonell para retratar la fragilidad de los vínculos humanos y cómo una sola noche puede alterar de arriba abajo la percepción que cada personaje tiene de sí mismo y de quienes le rodean. La obra mezcla momentos de crudeza, escenas grotescas y pasajes más íntimos, en los que el foco se desplaza de la juerga colectiva a las consecuencias emocionales y morales de lo vivido.

En el plano estilístico, la novela está narrada en tercera persona y en tiempo presente, un recurso que, según el jurado, refuerza la sensación de inmediatez y de estar asistiendo en directo a aquello que sucede. El texto combina con fluidez diálogo, descripción y narración, con un lenguaje actual y un tono muy pegado a la realidad de los jóvenes, algo que ha sido especialmente valorado en el fallo.

Otro rasgo remarcado es el uso del catalán con expresiones propias de Mallorca, un guiño a la procedencia del autor que dota al relato de un color local reconocible y lo diferencia de otras propuestas. Carbonell, nacido en Palma en 1999 y graduado en Educación Primaria y Filología Catalana, ya había publicado anteriormente las novelas El despertador de la vida y Les ombres del despertador, además de diversos artículos sobre sociolingüística e identidad mallorquina, y ahora ve cómo esta tercera obra encuentra proyección a través del premio.

Una noche de cultura con múltiples premios Vila d’Ascó

Más allá del principal premio de narrativa, la Nit de la Cultura de Ascó ha sido el escenario en el que se han anunciado y entregado el resto de galardones que acompañan al Premi Vila d’Ascó, configurando un pequeño mapa de la creación actual en los Països Catalans. La combinación de poesía, narrativa juvenil, fotografía y microrrelato ofrece una panorámica diversa y a la vez coherente, donde se cruzan generaciones, géneros y formatos.

En poesía, el XXXI Premi de Poesia Joan Perucho Vila d’Ascó ha sido para Joan Carles González, de Mataró, por la obra Els anells de Saturn. Se trata de un reconocimiento dotado con 2.400 euros y la publicación en la colección Poemes de Edicions Saldonar, lo que garantiza que el poemario llegue al circuito lector especializado y a bibliotecas interesadas en la poesía contemporánea en catalán.

El ámbito juvenil también ha tenido su espacio con el XXXVI Premi de Narrativa Breu per a Joves Sant Jordi, donde se premian relatos breves de autores que todavía están dando sus primeros pasos en la escritura. En la categoría de 14 a 17 años, la ganadora ha sido Mariona Blanch Pedrola, de Móra d’Ebre, con el texto Memòries d’una amant; en la franja de 18 a 20 años, el premio ha recaído en Nerea Ortiz Domènech, de Ascó, por el relato Una carta cap al cel, evidenciando así el apoyo del certamen al talento emergente de la propia localidad y su entorno.

La fotografía también tiene un peso específico dentro del conjunto. El XXXVIII Premi de Fotografia Vila d’Ascó ha distinguido a varios autores, con un protagonismo especial para Ramon Serra Sans, de Terrassa, que ha sido doblemente premiado. Junto a él, han sido reconocidas las obras de Teresa Martorell Rull y Mariona Batiste López, ambas de Ascó, así como las de Jordi Castellví Segarra, de Flix, y Abel Borràs Garcia, de L’Ametlla de Mar, conformando un listado que combina miradas locales y comarcales sobre el entorno.

En el terreno del microrrelato, el VII Premi de Microrelats Sant Jordi Vila d’Ascó, dedicado en esta edición a los héroes y heroínas cotidianos, ha recaído en Àngel Fabregat Morera, de Belianes (Lleida), por el texto Castells de sorra. El relato se aproxima a la figura de un niño con discapacidad que pasa los domingos de verano bajo la protección de su madre, atrapado entre el deseo de formar parte del grupo y la sensación de exclusión, una historia breve pero cargada de simbolismo sobre la vulnerabilidad y la resistencia diaria.

Todos estos premios están impulsados por el Ayuntamiento de Ascó, que lleva años sosteniendo la iniciativa y ampliando su alcance. En esta edición se han recibido más de 350 obras procedentes de diferentes puntos de los Països Catalans, una cifra que confirma el interés que despierta el certamen entre autores consolidados y nuevos creadores, tanto en el ámbito literario como en otras disciplinas artísticas.

La Nit de la Cultura y los Premi Vila d’Ascó funcionan así como un escaparate de lo que se está escribiendo y creando en lengua catalana en el ámbito de España y, en particular, en el eje formado por las comarcas de Tarragona y el resto del territorio catalán. La presencia de propuestas que oscilan entre la sátira urbana, la introspección poética, la mirada juvenil y la sensibilidad fotográfica confirma que el certamen se ha convertido en una cita de referencia cultural en el calendario cultural de la zona.

En conjunto, esta edición del Premi Vila d’Ascó deja una fotografía bastante nítida del momento creativo actual: una narrativa que no rehúye temas incómodos, una poesía atenta a las resonancias simbólicas, jóvenes autores que se atreven con historias intensas y una serie de miradas visuales y microrrelatos que ponen el acento en las experiencias cotidianas. Todo ello, arropado por una organización que continúa apostando por la difusión y el reconocimiento de la cultura en catalán desde un municipio que ha hecho de la literatura y las artes una de sus señas de identidad.

La tragedia de Rey Lear vuelve a cobrar vida en una versión que abandona por completo los castillos, las coronas y la iconografía medieval para situarse en un teatro contemporáneo, donde el poder ya no se mide en territorios, sino en focos, aplausos y control creativo. Esta nueva puesta en escena, dirigida por Angélica Rogel y encabezada por Luis de Tavira, utiliza el propio universo teatral como campo de batalla emocional.

Lejos de quedarse en una simple actualización estética, el montaje explora con crudeza la vejez, la ingratitud, la necesidad de reconocimiento y la ceguera del poder. El viejo monarca se transforma en un director escénico que reparte su compañía entre sus hijas, provocando un desplome íntimo y familiar que resuena con la dureza del presente: familias rotas, egos desbocados y un mundo donde la adulación pesa más que la verdad.

Un Rey Lear que ocurre entre camerinos, focos y telones

En esta versión, Lear ya no gobierna un reino feudal, sino un teatro que es, a la vez, su hogar, su legado y su trampa. El gesto que pone en marcha la tragedia no es la división de tierras, sino la cesión de una compañía dramatúrgica a sus hijas, un movimiento que parece inocente pero que acaba por desgarrar tanto a la familia como al propio espacio escénico.

Angélica Rogel sitúa la acción entre bastidores: se ven elementos de vestuario, aparatos de iluminación, espejos de camerino y el artificio teatral queda completamente expuesto. No hay intención de ocultar el truco; al contrario, el público entra en un territorio donde los personajes parecen estar ensayando sus afectos, sus traiciones y sus luchas de poder, como si el teatro fuera el verdadero reino en disputa.

Este enfoque convierte la obra en una radiografía brutal de la condición humana, más que en una tragedia histórica al uso. La apariencia lo domina todo: los personajes se protegen tras disfraces —el hijo ejemplar, el bufón, el mendigo salvador— mientras se mueven entre luces y sombras que subrayan sus zonas más oscuras. El espectador se ve arrastrado a un juego incómodo, colocado frente a un espejo sin maquillaje donde la verdad rara vez sale indemne.

En lugar de coronas y pelucas, predominan prendas actuales, tonos neutros y objetos funcionales que recuerdan a cualquier sala de ensayos. La austeridad visual obliga a fijarse en la palabra, el cuerpo y el gesto, reforzando la dimensión íntima del derrumbe: lo que se desmorona no es solo una familia, sino un modo de entender el poder, el amor y la herencia.

El resultado es un espacio-recinto en crisis, donde cada decisión del protagonista provoca una reacción en cadena. Todo lo que ocurre en escena tiene consecuencias, desde una confesión mal recibida hasta un arrebato de cólera, y ese eco permanente va llevando a personajes y público hacia una tormenta emocional que ya no se puede detener.

La mirada de Angélica Rogel: clásicos sin solemnidad ni museo

Angélica Rogel lleva años construyendo una línea de trabajo muy reconocible dentro del teatro contemporáneo, en complicidad con el productor Óscar Uriel. Sus montajes —entre los que se encuentran títulos como Titus o Hamlet— dialogan entre sí a través de la tragedia, la identidad, la violencia emocional y la extrema fragilidad de lo humano.

En Rey Lear, esa exploración alcanza uno de sus puntos más sólidos. Rogel propone una lectura ferozmente contemporánea de Shakespeare, despojándolo de solemnidad museística para devolverle su potencia más incómoda: la de un teatro que no adorna el dolor, sino que lo expone sin filtros. La obra no se contempla a distancia como un clásico intocable; se vive desde dentro como si estuviera escrita hoy.

La directora insiste en que en esta tragedia la ingratitud y la soberbia son grandes fracturas de lo humano. Su puesta en escena subraya cómo el protagonista ha confundido, durante años, adulación con lealtad y poder con verdad. El viejo Lear, aquí convertido en director de teatro, ha vivido rodeado de halagos y pleitesía, hasta que el propio dispositivo teatral que controla se vuelve contra él y le devuelve un reflejo que no puede soportar.

Rogel juega además con el tono y el ritmo: hay momentos de humor, chistes y amoríos que atraviesan el escenario, lo que acentúa todavía más los golpes de dolor cuando llegan. En medio de la tormenta hay instantes de clarividencia, y la locura del personaje se perfila casi como un lugar desde el que comprender mejor el mundo. El Lear que aparece en escena puede estar desquiciado, pero su lucidez a veces corta más que cualquier razonamiento cuerdo.

Para la directora, esta versión de Rey Lear funciona como una lección de vida incómoda, un bálsamo que duele. La puesta en escena interpela al público sobre lo que somos, sobre las decisiones que tomamos y sobre la forma en la que habitamos un mundo al que llegamos llorando, como recuerda la célebre frase shakesperiana: “al nacer lloramos por haber llegado a este gran escenario de locos”.

Luis de Tavira: un Lear tiránico, roto y profundamente humano

Uno de los grandes focos de atención del montaje es, sin duda, la interpretación de Luis de Tavira, figura clave de la escena teatral que afronta por primera vez un texto de Shakespeare. La resonancia entre el personaje y el actor es evidente: ambos son hombres marcados por una vida entera dedicada al teatro, con el peso del tiempo sobre los hombros y la sensación permanente de tener que lidiar con lo que dejan atrás.

Su Lear aparece en escena como un padre tiránico y orgulloso, acostumbrado al poder y al halago, que descubre demasiado tarde que ha vivido ciego por la soberbia y la ira. De Tavira lleva al límite los arrebatos de furia del personaje, especialmente cuando sus hijas le niegan refugio incluso ante la amenaza de una gran tormenta. Ese rechazo se traduce en un desplome físico y emocional que el actor trabaja con una precisión devastadora.

Sin embargo, el montaje se cuida de no convertir al protagonista en un mito intocable. Lo que vemos es a un hombre roto, un padre que empieza a darse cuenta, al final de sus días, de que ha estado muerto en vida, sostenido únicamente por el eco de los aplausos y el miedo que generaba. Cuando todo eso desaparece, solo queda un cuerpo viejo que se aferra a la locura como último refugio.

Rogel describe este trabajo de De Tavira como el de un Lear intimidante, conmovedor y entrañable a la vez: un hombre de 80 años acostumbrado a que nadie le lleve la contraria, que de pronto se topa con lo único que no puede comprar ni domesticar, personas que le quieren lo suficiente como para decirle la verdad de frente, aunque duela. Es esa tensión entre el terror que provoca y la compasión que despierta lo que da una dimensión nueva al personaje.

En el programa de mano, el propio actor escribe una reflexión que encaja de lleno con el espíritu de la obra: «el teatro, que es el arte de la vida, nos recuerda a veces la hora de nuestra muerte». Desde esa idea, su Lear aparece como alguien que, ante la cercanía del final, se da cuenta de que sigue vivo “apenas, todavía”, y que aún tiene tiempo de mirar atrás con lucidez, aunque ya no haya posibilidad de deshacer el daño.

Un reparto coral y un minimalismo que lo fía todo a la palabra

Aunque el foco dramático recae en Lear, la puesta en escena se sostiene sobre un reparto que funciona como un verdadero organismo colectivo. Las actrices y actores no solo encarnan personajes individuales, sino que dan forma al propio universo teatral en el que la acción sucede, amplificando el derrumbe del protagonista.

Mayra Batalla y Mariana Gajá construyen unas hijas duras, complejas y emocionalmente ambiguas, lejos de lecturas simplistas de bondad o maldad. Frente a ellas, la figura de la hija más joven —encarnada por Diana Sedano, que también asume el rol del Bufón— aporta una sensibilidad particular. Su famosa confesión de amor hacia el padre, limitada a un sincero “te quiero tanto como siento, nada más que eso”, descoloca a un Lear acostumbrado a la grandilocuencia y al halago vacío.

En la segunda línea dramática, Mauricio García Lozano y Alejandro Morales sostienen con fuerza las tramas derivadas de Gloucester y Edmundo, esenciales para mostrar otros tipos de engaño, lealtad y ceguera. El elenco se completa con intérpretes como Mariana Giménez, Roberto Pichardo, David Calderón y Raúl Villegas, entre otros, que se mueven entre personajes y funciones escénicas, reforzando esa idea de que en el teatro nadie está nunca en un solo sitio.

El diseño escénico, a cargo de Javier Ángeles (escenografía), Patricia Gutiérrez (iluminación), José Manuel Majul (vestuario) y Ana Isabel Vallejo (diseño de imagen), apuesta por un minimalismo radical y una exposición total del artificio. No hay decorados grandilocuentes ni reconstrucciones históricas detalladas: bastan una mesa, unas sillas, focos visibles y elementos de trabajo cotidiano de una compañía teatral para levantar un reino entero en crisis.

Esta elección potencia la cercanía con el espectador: la mirada se desplaza a las relaciones humanas, a las fracturas emocionales, al lenguaje que se usa para herir o para proteger, y al peso de los silencios. La escena es dinámica pero nunca recargada; el enigma del teatro se revela precisamente por lo que se decide no ocultar. De ese modo, Shakespeare demuestra, una vez más, que no necesita monumentalidad visual para sacudir a quien mira.

Una tragedia clásica que dialoga con un presente lleno de heridas

Tras más de cuatro siglos, Rey Lear conserva una fuerza incómoda que este montaje actualiza sin perder la esencia del texto original. La vejez como estorbo, la familia rota por el ego, el miedo a perder el control y la obsesión por ser amado se presentan aquí en estado crudo, casi como si fueran heridas recién abiertas.

La obra subraya cómo la ingratitud se convierte en una de las grandes grietas de lo humano: el protagonista atraviesa la experiencia de ser rechazado por quienes más quiere y, solo entonces, empieza a comprender la ceguera en la que ha vivido. La tormenta exterior refleja la tormenta interior, pero también abre la posibilidad de una cierta claridad, un entendimiento tardío de lo que realmente importa cuando ya no sirven ni los títulos ni el prestigio.

A lo largo de la función, el espectador comparte la sensación de estar dentro de un enorme escenario de locos, tal y como sugiere Shakespeare en una de sus frases más recordadas. El teatro Helénico se convierte así en un espacio donde el público no solo observa, sino que se reconoce en la mezcla de amor, rencor, miedo y necesidad de aprobación que agita a los personajes.

Esta propuesta, fruto de la colaboración entre Woo Teatro y el productor Óscar Uriel, se presenta como un recordatorio incómodo pero necesario: cada decisión arrastra consecuencias, y toda acción, por pequeña que parezca, tiene un rebote que tarde o temprano vuelve sobre quien la ha puesto en marcha. En ese juego de causa y efecto se construye un montaje que, sin aspavientos, deja un poso difícil de sacudir al salir de la sala.

Al final, el Rey Lear de Angélica Rogel y Luis de Tavira confirma que los clásicos siguen siendo un espejo afilado del presente: basta con cambiar el castillo por un teatro y las coronas por focos encendidos para comprobar que el poder, la fragilidad y la búsqueda de amor siguen siendo, hoy como ayer, el núcleo de nuestras grandes tragedias cotidianas.

Durante unos días de mayo, Barbastro deja de ser solo un punto en el mapa para convertirse en un tiempo compartido: un fin de semana en el que las palabras ocupan plazas, librerías, museos y salones de actos. La quinta edición de Barbitania ha vuelto a transformar esta ciudad del Somontano en una gran casa de la literatura, donde conviven lectores, autores, editores, periodistas, músicos y vecinos en torno a un mismo hilo conductor.

Ese hilo, en 2026, es la casa como categoría literaria y experiencia vital: el hogar que se hereda o se pierde, el piso que se busca y no aparece, la habitación donde se empezó a leer o a escribir, las viviendas atravesadas por guerras, exilios y mudanzas. Barbitania propone pensar la vivienda como refugio y frontera, memoria íntima y relato colectivo, y lo hace desde una programación que combina conversación, pensamiento crítico y una cercanía muy pegada al territorio.

Un festival que crece desde una tradición literaria sólida

Barbitania no surge de la nada, sino como prolongación natural del histórico Certamen Literario Ciudad de Barbastro, que reúne desde hace décadas el Premio Internacional de Novela Ciudad de Barbastro y el Premio Internacional de Poesía Hermanos Argensola. Cada año se reciben más de 1.400 manuscritos entre ambas categorías, llegados de distintas comunidades autónomas y de numerosos países de Europa y América Latina, cifra que en esta quinta edición vuelve a marcar un récord de participación.

La propia organización del festival insiste en que primero existía un premio muy consolidado y, después, llegó el deseo de construir a su alrededor cuatro días de programación argumentada. Bajo la coordinación de la catedrática de Literatura María Ángeles Naval, barbastrense, el festival se diseña casi como si fuera un ensayo: se escoge un tema central, se organiza en torno a él una treintena larga de actividades y se busca que cada mesa, cada encuentro y cada recital se encadenen con sentido.

En esta V edición, celebrada del 14 al 17 de mayo, Barbastro reafirma esa doble identidad: por un lado, ciudad de premios literarios con una trayectoria de más de medio siglo; por otro, sede de un festival contemporáneo que mira a la realidad actual, a los cambios del mercado del libro y a los nuevos formatos de difusión cultural.

El vínculo entre certamen y festival se cristaliza en el CLB/Barbitania, la marca con la que el Ayuntamiento de Barbastro reúne tanto los galardones como la programación cultural de estos días, apoyada por instituciones como la UNED Barbastro, el Ministerio de Cultura y Deporte, la Diputación Provincial de Huesca y la Comarca del Somontano.

Fechas, estructura y cifras de la quinta edición

La quinta edición de Barbitania se celebra entre el jueves 14 y el domingo 17 de mayo, cuatro jornadas en las que Barbastro se convierte en uno de los principales focos literarios del país. El programa reúne a más de 40 participantes y en torno a 40 actividades que se despliegan por toda la ciudad, desde el Centro de Congresos hasta el Museo Diocesano, pasando por la UNED, librerías históricas, plazas y otros espacios culturales.

La concejala de Cultura, Pilar Abad, ha subrayado que esta cita confirma el compromiso de la ciudad con un proyecto cultural estable, ligado tanto al fomento de la lectura y la escritura como a la creación de sinergias con el sector editorial. No se trata solo de otorgar premios, sino de garantizar la edición y circulación de las obras ganadoras a través de catálogos de referencia como Galaxia Gutenberg (novela) y Visor (poesía).

Según los datos municipales y del propio Gobierno de Aragón, este año se han presentado alrededor de 650 originales a la categoría de novela y unos 700 a la de poesía, que se traducen en más de 1.400 manuscritos recibidos. Tras la selección de los jurados, la lista queda reducida a siete finalistas en novela y seis en poesía, que optan a unos premios dotados con 20.000 y 10.000 euros respectivamente, además de la publicación.

La pasada edición superó los 2.000 asistentes entre todas las actividades, con público procedente especialmente de Aragón, pero también de otros puntos de España, atraído por una programación que, como destacan los organizadores, «no se encuentra igual en otros lugares». La idea se mantiene: un festival de escala manejable, pensado para conversar con calma y sin la presión de las grandes capitales.

La casa como hilo conductor: habitar, recordar, escribir

El lema de 2026 sitúa la casa y el hogar en el centro del debate literario. La organización plantea el habitar como un acto profundamente narrativo: cada domicilio es escenario de historias mínimas que, a la larga, contienen las fracturas y tensiones de su época. Aparecen así asuntos como la memoria familiar, las mudanzas forzadas, la vivienda que se pierde por una crisis económica o las casas atravesadas por conflictos bélicos.

La ciudad de Barbastro se concibe durante esos días como una casa colectiva de la literatura: un lugar al que se entra sin cita previa para escuchar, preguntar y discutir, un refugio simbólico en el que la identidad se ensaya en voz baja. La casa se entiende también como metáfora de la propia literatura, «un sitio al que volvemos y que nos sostiene», en palabras que resumen bien el espíritu de esta edición.

Más allá de la metáfora, el festival conecta este lema con debates muy actuales: la vivienda como problema social, la precariedad del acceso al hogar en las generaciones más jóvenes, las herencias familiares y las mudanzas constantes que marcan muchas biografías contemporáneas. Las mesas redondas y conversaciones cruzan estos temas con la experiencia de autores que han vivido el exilio, la migración o el cambio de lengua.

De fondo, late una idea que se repite en varias intervenciones: algunos lugares dejan de ser solo espacios físicos para convertirse en tiempos. Barbastro no sería únicamente una ciudad, sino una franja del calendario que se enciende cada primavera, un período que muchos lectores, escritores y profesionales del libro relacionan ya con encuentros, lecturas y descubrimientos.

Un cartel de voces diversas: de Gioconda Belli a Manuel Vilas

El programa de este año reúne a algunas de las figuras más reconocidas de la literatura contemporánea en español junto a autores de trayectorias emergentes y voces internacionales. Entre los nombres más destacados aparecen Gioconda Belli, Luis García Montero, Manuel Vilas, Juan Manuel de Prada, Carlos Zanón, Elvira Navarro, Lara Moreno, Aurora Luque, Jon Juaristi, Benjamín Prado, Jorge Carrión, Corina Oproae, Joaquín Pérez Azaústre, Jordi Amat, Leonardo Cano, Juan Trejo, Natalia Moreno, Carlos Marzal, Julio Espinosa, Nicolás Tsabertidis y Cristina Consuegra, entre muchos otros.

La nicaragüense Gioconda Belli aporta su mirada marcada por la memoria política, el cuerpo como territorio y la experiencia del exilio, con obras ya clásicas como «La mujer habitada» que siguen leyéndose como manifiestos sobre la casa entendida como patria portátil. Luis García Montero, una de las voces fundamentales de la poesía española de las últimas décadas, participa en conversaciones que cruzan memoria familiar y escritura, mientras que Manuel Vilas regresa a su Barbastro natal convertido en uno de los novelistas más leídos y reconocidos internacionalmente, presentando su nueva obra «Islandia» (Destino, 2026).

También forman parte del cartel autores que han sido premiados en anteriores ediciones del Certamen Literario o que mantienen una relación duradera con la ciudad, como Aleksandra Lun, Jorge Carrión o Leonardo Cano, cuyas novelas y ensayos han contribuido a consolidar el prestigio de los galardones. Su presencia sirve para trazar una especie de genealogía de libros «no obvios», obras que, como señalan algunos jurados, podrían haberse quedado fuera en otros concursos más inclinados a premiar fórmulas seguras.

Junto a estas figuras, el programa incluye a creadores vinculados a la gestión cultural y a los medios de comunicación, como Berna González Harbour, Eva Orúe o Cristina Consuegra, que ayudan a pensar cómo circula hoy la literatura, qué papel juegan los prescriptores y cómo conviven la crítica, las reseñas y los nuevos formatos de recomendación.

Literatura y realidad: memoria, identidad, migraciones y ciudades

Buena parte de las conversaciones programadas abordan la relación entre literatura y realidad contemporánea. En las mesas se habla de identidad, memoria histórica, infancia, desplazamientos migratorios, transformación de las ciudades, cambios en la familia o nuevas formas de comunicación cultural, siempre desde perspectivas muy diversas entre sí.

Autores como Luis García Montero y Jon Juaristi dialogan sobre cómo la poesía de los años ochenta y noventa convirtió la memoria familiar en un territorio literario, con las habitaciones de la infancia como matriz de toda escritura posterior. En otras sesiones, Juan Manuel de Prada, Juaristi y Antonio Orejudo revisan los linajes nacionales que se construyeron en la Edad de Plata, utilizando las casas señoriales como metáforas de un país que se estaba inventando a sí mismo.

Las experiencias de infancias marcadas por fronteras políticas y lingüísticas aparecen en el diálogo entre Corina Oproae y Aleksandra Lun, que rememoran casas de Polonia y Rumanía donde aprendieron a leer en una lengua que luego abandonarían para escribir en español. Ese traslado no es solo geográfico, sino casi orgánico: cambiar de idioma implica reformular la casa interior donde se alojan los recuerdos.

La mirada hacia el presente urbano se refuerza en conversaciones sobre la transformación material del libro en la era de los podcasts y audiolibros, con intervenciones de Berna González Harbour, Antonio Martínez Asensio y Eva Orúe, moderadas por la gestora cultural Cristina Consuegra. El debate se centra en cómo la escucha y la oralidad modifican la forma de habitar los textos, y en qué medida la digitalización altera los modos tradicionales de lectura.

Dimensión internacional: guerras, exilios y cambio de lengua

La presencia de autores internacionales otorga al festival una clara dimensión europea y global. El escritor turco Zülfü Livaneli participa en una conversación sobre guerras, exilios y memoria histórica junto a la traductora y escritora Monika Zgustova, donde repasa episodios de la historia reciente de Turquía a través de las casas otomanas cambiadas de manos tras expulsiones, huidas y ocupaciones sucesivas.

Livaneli reflexiona sobre cómo esas viviendas vaciadas y reocupadas funcionan como símbolo de las mudanzas forzadas que marcan el siglo XX y parte del XXI, situando la propiedad y el despojo en el núcleo oculto de muchos conflictos bélicos. Escuchar estas historias en un auditorio pequeño de Barbastro, lejos de los grandes circuitos mediáticos, tiene una intensidad particular que el propio festival se empeña en preservar.

Por su parte, Corina Oproae y Aleksandra Lun aportan la perspectiva de quienes han cambiado de lengua de escritura, relatando cómo la casa de la infancia se vincula a un idioma que ya no es el de su creación literaria actual. Ese traslado lingüístico se narra como un movimiento interior: la casa que uno lleva consigo ya no coincide del todo con el paisaje sonoro en el que vive.

Gracias a estas intervenciones, Barbastro se inserta en un circuito literario europeo e internacional, sin perder la escala local ni la proximidad con el público. La ciudad oscense se presenta así como un punto de cruce entre historias del Este europeo, del Mediterráneo oriental y de América Latina, que dialogan con la realidad española actual.

Oralidad, radio y podcasts: la literatura se escucha

Uno de los rasgos distintivos de Barbitania es su apuesta por los formatos sonoros y digitales. El festival cede un espacio destacado a la radio en directo y a los podcasts literarios, recuperando la tradición oral de contar historias ante un público presente mientras se exploran nuevas maneras de llegar a lectores que quizá no frecuentan los libros en papel.

El periodista y crítico Antonio Martínez Asensio participa con su programa «Un libro una hora», en el que dramatiza clásicos y relatos contemporáneos, y que en esta ocasión incluye versiones escénicas de cuentos de Emilia Pardo Bazán y Carmen Martín Gaite. La idea es devolver a estos textos su dimensión de voz, sacarlos del soporte silencioso y compartirlos en un espacio donde se nota hasta la respiración del público.

La escritora y periodista Berna González Harbour graba en directo un episodio de su podcast «Qué estás leyendo», acompañada de autores como Elvira Navarro y Antonio Orejudo. Sobre el escenario, la conversación fluye entre recomendaciones, anécdotas y reflexiones sobre la lectura, mientras los asistentes siguen en vivo un formato que habitualmente consumen a través del móvil o los auriculares.

El cartel del festival, obra de Isidro Ferrer, sintetiza bien esta intención: muestra un libro transformado en piano, con las páginas convertidas en teclas. La imagen funciona como una metáfora de lo que busca Barbitania: devolver a la literatura su condición sonora, sacarla un rato de las pantallas y reunir a cuerpos que escuchan y a voces que dicen, en un mismo espacio físico.

Programación inaugural y «Kilómetro cero»: la redolada también cuenta

La primera jornada de la V edición arranca en el salón de actos de la UNED Barbastro con la sección «Los libros de la redolada: Kilómetro cero». Esta propuesta selecciona y visibiliza novedades de proximidad, escritas y editadas en el entorno próximo a la ciudad, con la intención de reforzar el vínculo entre creación literaria y territorio.

En este marco, el periodista y escritor Mariano Gistaín conversa con Laura Latorre y José Luis Esteban sobre sus libros «Un martes cualquiera» y «Malaria». Después se suman Sol Otto, Agustín Faro y Marta Borraz para dialogar en torno a «La mujer de Marcos», «Parada 4.57. Última estación» y «Años de vida». Las charlas permiten descubrir proyectos nacidos muy cerca de Barbastro, demostrando que la literatura de la zona no es un simple complemento, sino parte central del ecosistema del festival.

La tarde continúa en el Museo Diocesano de Barbastro con la presentación de «Islandia», la novela más reciente de Manuel Vilas, en conversación con Carlos Marzal. Ambos autores comparten reflexiones sobre memoria, familia, duelo y creación literaria, en uno de los encuentros más esperados de la jornada inaugural.

El cierre del primer día llega en el Centro de Congresos de Barbastro con el espectáculo «Claves líricas en concierto», a cargo de Teo Cardalda y María Monsonis, integrantes del dúo Cómplices. Cardalda, que formó parte de la mítica banda Golpes Bajos, presenta aquí un proyecto donde musicaliza poemas de Ramón María del Valle-Inclán, construyendo una especie de «ópera pop» que mezcla baladas, rock y rap.

Sobre el escenario, Cardalda encarna a Valle-Inclán y Monsonis interpreta a Josefina Blanco, su esposa. Durante algo más de una hora, se desgranan una docena de poemas, acompañados por proyecciones de imágenes históricas cedidas por la familia del autor gallego. La propuesta subraya que la literatura puede habitar también el formato concierto, sin perder densidad ni hondura.

Premios literarios: novelistas y poetas en el centro

En paralelo a las actividades del festival, Barbastro acoge el fallo de los premios del Certamen Literario, que constituye uno de los momentos más esperados de la semana. El viernes 15 de mayo se dan a conocer los ganadores del Premio Internacional de Novela Ciudad de Barbastro (57.ª edición) y del Premio Internacional de Poesía Hermanos Argensola (58.ª edición), junto a otros galardones integrados en el CLB/Barbitania.

El jurado del Premio Internacional de Novela Ciudad de Barbastro, presidido por Ignacio Martínez de Pisón y formado por Lara Moreno, Juan Manuel de Prada, Inés Plana, Manuel Vilas, Joan Tarrida, Carlos Zanón y Elvira Navarro, selecciona en primer lugar 29 manuscritos de los 650 presentados, y de ahí reduce la lista a siete finalistas. La obra ganadora recibe 20.000 euros y se publica en la editorial Galaxia Gutenberg, lo que sitúa el premio entre los más relevantes en lengua española.

En el caso del Premio Internacional de Poesía Hermanos Argensola, el jurado está integrado por Aurora Luque (presidenta), Antonio Lucas, Gioconda Belli, Carlos Marzal, Benjamín Prado, María Ángeles Naval y Jesús García Sánchez. Tras una primera criba que deja 34 poemarios preseleccionados de un total de 700, se eligen seis finalistas. La obra premiada obtiene una dotación de 10.000 euros y su publicación en Visor Poesía, sello de referencia en el ámbito hispánico.

Además de estos grandes galardones, se anuncian los resultados del Certamen Internacional de Relato de Humor Hiperbreve Joaquín Coll-La Mueca del Pícaro, del XIV Premio de Novela en Aragonés Ziudá de Balbastro y del XXVII Premio Escolar de Narrativa. De este modo, el CLB/Barbitania cubre todo el arco de la creación, desde estudiantes que empiezan a escribir hasta autores con trayectoria internacional.

En esta ocasión, se ha reconocido también el trabajo de autores como Marina Perezagua, premiada con el galardón de Novela Ciudad de Barbastro, y del poeta Javier Vicedo, ganador del Hermanos Argensola, nombres que se suman a una lista donde figuran en ediciones anteriores Javier Tomeo, Eduardo Mendicutti, Carmen Kurtz, Jorge Carrión, Aleksandra Lun o Leonardo Cano. El historial refleja una línea de elección que apuesta con frecuencia por libros singulares, a veces difíciles de encasillar.

Jóvenes lectores, talleres y participación ciudadana

Otro de los pilares del festival es la atención a la formación de nuevos lectores y escritores. Barbitania programa talleres de escritura dirigidos a niños, adolescentes y adultos, donde se trabajan el microrrelato, la narrativa, la poesía y el periodismo literario. El objetivo es proporcionar herramientas narrativas y poéticas, pero también generar un espacio de juego, curiosidad y escucha.

Entre quienes imparten estas actividades figuran Care Santos, David Lozano, Aurora Luque, Inés Plana y Antonio Lucas, que adaptan sus propuestas a distintos niveles y edades. Se trata de sesiones prácticas en las que se escriben textos breves, se comparten lecturas y se comentan recursos para mejorar la expresión escrita, todo ello en un entorno distendido.

El festival incluye asimismo la entrega del Premio Escolar de Narrativa, cuyo fallo se comunica en un acto específico en el que intervienen jurados y escritores invitados. La sesión, conducida por Álvaro Alcaine, cuenta con la participación de figuras como David Lozano y Care Santos, que leen el acta, comentan los textos premiados y dialogan con los estudiantes.

La implicación de centros educativos como el IES Hermanos Argensola y la presencia de docentes y alumnos en mesas de radio en directo o en coloquios refuerzan la idea de que el festival no es un acontecimiento aislado, sino un proceso que se prepara durante meses en las aulas y en las bibliotecas escolares de la ciudad.

Este enfoque participativo contribuye a que la comunidad local sienta Barbitania como algo propio, no como un evento impuesto desde fuera. Los jóvenes lectores no solo ocupan las butacas, sino que se convierten en protagonistas de la programación, bien como autores en ciernes, bien como entrevistadores y moderadores.

Música, artes escénicas y librerías históricas

Barbitania concibe la literatura como una experiencia que desborda el libro y se expande hacia la música, el teatro y otras artes. Además del ya mencionado «Claves líricas en concierto», el programa incluye recitales poéticos acompañados de guitarra acústica, espectáculos híbridos y propuestas escénicas que mezclan interpretación teatral con lectura dramatizada.

El recital «Divinos y Diversos», por ejemplo, reúne a poetas y músicos en una celebración compartida de la palabra, donde la poesía abandona por un rato el formato académico y se vuelve cercana, casi de barra de bar o de sobremesa entre amigos. En estas sesiones, la oralidad se convierte en el centro y los versos se escuchan antes de ser leídos.

El festival también aprovecha para poner en valor el tejido librero de la ciudad. Librerías con una trayectoria de décadas, como Castillón —con más de un siglo de historia— o Moisés, abierta desde 1936 y trasladada posteriormente a Barbastro desde Binéfar, se convierten en escenarios de presentaciones y firmas.

En esta edición se rinde un homenaje especial a la librería Ibor, que durante 75 años ha formado parte de la vida cultural barbastrense. Su legado, construido «página a página», se recuerda tanto en gestos institucionales como en las palabras de quienes han sido clientes, amigos o colaboradores de sus libreros.

El alcalde Fernando Torres y la concejala Pilar Abad insisten en que la cultura debe ser también un motor de desarrollo económico y social para Barbastro, sumándose a otros atractivos y potencialidades de la ciudad. Entre los proyectos recientes se incluye la instalación en la Plaza del Mercado de esculturas dedicadas a los Hermanos Argensola, poetas que dan nombre al premio de poesía, y la próxima inauguración de la nueva Biblioteca municipal en el rehabilitado edificio centenario de los Almacenes de San Pedro.

Apoyo institucional y proyección para Aragón

La vicepresidenta y consejera de Presidencia, Justicia y Cultura del Gobierno de Aragón, Mar Vaquero, ha participado en el acto de inauguración oficial de la quinta edición, donde ha subrayado el impacto nacional e internacional del festival. En sus palabras, Barbitania se ha convertido en un referente para la comunidad autónoma y en un motor que dinamiza la economía local gracias a la llegada de visitantes, medios y profesionales del sector cultural.

Durante su visita, la vicepresidenta ha firmado en el Libro de Honor del Ayuntamiento y ha recorrido librerías como Ibor y Castillón, donde ha mantenido encuentros con familiares de los libreros recientemente fallecidos, Víctor Castillón padre y Beni Ibor. En sus intervenciones, Mar Vaquero ha recordado que ambos fueron figuras clave para la vida cultural de la ciudad, dedicando su trayectoria a orientar y acompañar a lectores de varias generaciones.

El Gobierno de Aragón ha reiterado su compromiso con el sector del libro y con proyectos que, como Barbitania, refuerzan el arraigo de la cultura en el territorio. A través de apoyos económicos, colaboración institucional y presencia en los actos, se busca consolidar un ecosistema en el que convivan editoriales, librerías, bibliotecas, festivales y autores.

El alcalde Fernando Torres, por su parte, ha defendido la apuesta del consistorio barbastrense por una política cultural sostenida en el tiempo, que no persiga solo el impacto puntual o el reclamo turístico, sino la construcción de un calendario estable de actividades. El Certamen Literario y Barbitania son, en esta estrategia, dos pilares fundamentales.

La participación de medios como Onda Cero Cinca, que ha realizado programas especiales desde el Centro de Congresos con entrevistas a María Ángeles Naval, Pilar Abad, docentes y alumnos del IES Hermanos Argensola, así como a escritores como David Lozano, Care Santos o José Luis Esteban, contribuye a amplificar el alcance del festival más allá de la ciudad.

Barbastro como tiempo literario compartido

A lo largo de cuatro días, Barbastro se consolida como un territorio literario donde confluyen tradición y experimentación, premios de larga trayectoria y formatos nuevos como los podcasts, la radio en directo o los espectáculos híbridos. Las librerías históricas, la nueva biblioteca en marcha, los premios internacionales y el festival Barbitania componen un ecosistema cohesionado que convierte a la ciudad en una referencia para lectores y escritores en España y en Europa.

Más que un simple evento, Barbitania actúa como una casa abierta a las palabras, donde la literatura se piensa, se discute y se celebra desde muchos ángulos: el de quienes escriben desde el exilio, el de quienes cambian de lengua, el de los jóvenes que empiezan a contar sus primeras historias o el de los libreros que han sostenido durante décadas el hábito de la lectura. Cada mayo, esa casa vuelve a levantarse en Barbastro y quienes la habitan durante unos días se marchan con la sensación de que, en algún punto del calendario, hay un lugar al que merece la pena regresar.

El lema «Está en los libros» se ha convertido estos días en Badajoz en algo más que una frase hecha: es el eje de un certamen escolar que ha llevado a cientos de estudiantes a sumergirse en la literatura y a descubrir cómo una novela histórica puede dialogar con sus propias vivencias recientes. El escenario no podía ser más propicio: la 45ª Feria del Libro de la ciudad, que ha incorporado este concurso como una de sus citas educativas estrella.

En esta edición, el protagonismo ha recaído sobre «El diario de la peste», de Espido Freire, una obra que conecta el Toledo de finales del siglo XVI con inquietudes muy presentes en los jóvenes de hoy. A partir de esta lectura común, colegios e institutos han trabajado durante semanas para presentar proyectos, reflexiones y actividades creativas que demuestren, con hechos, que buena parte de lo que vivimos, tememos y esperamos está, efectivamente, en los libros.

Un concurso escolar con la literatura como punto de encuentro

El concurso «Está en los libros» se enmarca dentro del programa escolar de la Feria del Libro de Badajoz, con el objetivo declarado de reforzar el vínculo entre aulas, bibliotecas y espacios culturales de la ciudad. Lejos de ser un simple certamen de redacciones, la iniciativa busca que el alumnado trabaje la lectura de manera activa: analizando personajes, contextos históricos, emociones y paralelismos con la realidad actual.

En esta ocasión, el colegio Santa Teresa de la capital pacense ha sido el gran ganador, mientras que el IES Domingo Cáceres ha quedado finalista. Ambos centros han destacado por la calidad de sus propuestas, que combinan el análisis literario con formatos creativos muy variados: desde presentaciones y murales hasta pequeños ensayos y debates en clase, siempre tomando la novela de Freire como hilo conductor.

La entrega de trofeos se ha celebrado en plena Feria del Libro, con el respaldo institucional del Ayuntamiento. El acto ha contado con la presencia del alcalde de Badajoz, Ignacio Gragera, y del concejal de Cultura, José Antonio Casablanca, que han querido subrayar la importancia de que las nuevas generaciones encuentren en los libros un espacio de reflexión, conocimiento y convivencia.

Más allá de los premios, el certamen pretende consolidar una tradición de encuentros anuales entre escritoras con el público más joven, aprovechando el tirón de la feria para que la lectura no se quede solo en el aula, sino que ocupe también plazas, carpas y casetas de firmas.

Espido Freire, la autora que empezó contando historias en verano

Uno de los momentos más esperados de «Está en los libros» ha sido el encuentro directo entre Espido Freire y el alumnado del colegio Santa Teresa y del IES Domingo Cáceres. Tras la entrega de premios, la autora se ha sentado con estudiantes y profesorado para hablar, sin demasiada solemnidad, de cómo nació «El diario de la peste» y de por qué siempre tuvo claro que era una historia pensada para chicos y chicas.

En esas primeras narraciones orales, la escritora preguntaba a los más pequeños qué temas les inquietaban o atraían. Según contaba a los estudiantes, muchas de las respuestas la sorprendieron: los miedos a perder a los padres, a quedarse solos, a que el mundo que conocían cambiara de golpe. Esa mezcla de temores y curiosidad infantil se fue sedimentando hasta cristalizar, años más tarde, en la novela que hoy leen chicos y chicas en los institutos.

Freire confesó que, de joven, ya había leído obras como «Robinson Crusoe» o «Diario del año de la peste» y que la fascinaba la gran peste negra que arrasó Europa en la Edad Media. A partir de esa preocupación histórica y de aquellas conversaciones con sus primos, imaginó la figura de Elena, una adolescente enfrentada a un mundo en crisis que, sin embargo, busca la manera de seguir adelante.

«El diario de la peste»: Toledo, epidemias y ecos del presente

La novela elegida para articular el concurso transporta al lector al Toledo de 1598, en pleno brote de peste. Allí, Elena Hurtado observa cómo su entorno cambia a un ritmo vertiginoso: calles vacías, temor al contagio, noticias confusas y decisiones difíciles que afectan a su familia y a su comunidad. El escenario, aunque remoto en el tiempo, no resulta tan ajeno para una generación que ha crecido con mascarillas, cuarentenas y clases a distancia.

Durante el encuentro, la escritora invitó a los estudiantes a detectar paralelismos entre esa epidemia histórica y la pandemia de la Covid-19. Sin caer en comparaciones simplistas, la conversación derivó hacia cómo reaccionan las sociedades ante el miedo, las limitaciones de la vida cotidiana y la necesidad de apoyarse en otros cuando todo parece tambalearse.

El libro, ganador del XXII Premio Anaya de Literatura Infantil y Juvenil 2025, ha sido concebido como una puerta de entrada al pasado para lectores jóvenes. En lugar de un tratado académico, ofrece una narración cercana que permite comprender cómo vivían los jóvenes de otra época momentos de incertidumbre comparables a los actuales, con sus propias dudas, afectos y contradicciones.

El certamen «Está en los libros» ha aprovechado esa conexión para que la lectura no se limite a seguir una trama, sino que sirva de base para debates en clase sobre historia, ciencia, salud pública o incluso ética: qué decisiones se toman en una crisis, quién cuida de quién, qué papel juegan las autoridades y qué responsabilidades asume cada persona.

Leer juntos para construir comunidad

Espido Freire aprovechó su intervención para ir más allá de la anécdota literaria y recordar al alumnado que los libros no solo alimentan la inteligencia individual, sino que ayudan a entender que formamos parte de una comunidad. A su juicio, las historias compartidas -las que se leen y las que se cuentan en voz alta- contribuyen a tejer lazos en momentos de desconcierto colectivo.

Al hilo de la charla, la autora evocó la reciente experiencia de la pandemia de Covid-19 y episodios como los temores a apagones o crisis inesperadas. No se trataba de sembrar alarma, sino de subrayar que la literatura puede ofrecer referentes para pensar estos acontecimientos con cierta perspectiva, sin quedarse solo en el ruido inmediato de las redes o las noticias fugaces.

En un contexto en el que gran parte de la información llega a golpe de notificación, el concurso «Está en los libros» reivindica un tipo de lectura más pausada, muchas veces asociada al libro en papel. Sin entrar en la guerra entre formatos, las actividades propuestas en los centros participantes han insistido en la importancia de encontrar ratos de quietud para leer, comentar y dejar que una historia cale con calma.

La propia celebración de la Feria del Libro de Badajoz, con sus casetas, encuentros y firmas, ofrece un contrapunto a la cultura del consumo inmediato de contenidos. Docentes y organizadores coinciden en que llevar al alumnado a la feria, ponerles cara a los autores y otorgarles un protagonismo real en un concurso con nombre propio es una forma muy concreta de decirles que su relación con los libros importa.

Cuando las historias siguen sonando después de cerrar la última página

Más allá de la crónica del evento, la filosofía de «Está en los libros» enlaza con una idea muy sencilla: los buenos libros no se acaban cuando se cierran. Docentes y estudiantes que han participado en el certamen destacan que determinadas frases, escenas o personajes reaparecen tiempo después, a veces en una conversación familiar, otras en el momento más inesperado.

En las aulas, a partir de la novela de Espido Freire, han aflorado emociones tan distintas como la ilusión, la curiosidad, la nostalgia o el miedo, que el propio alumnado ha aprendido a poner en palabras. En algunos grupos, la lectura se ha acompañado de pequeñas tertulias al estilo de una sobremesa de Sant Jordi: cada quien comentaba qué parte del libro le había removido más y por qué.

Para muchos profesores, este tipo de iniciativas demuestran que la lectura compartida sigue teniendo un poder que no se agota en las actividades obligatorias. Algunos estudiantes han llegado a la feria simplemente intrigados por conocer a la autora que imaginaron de pequeños leyendo otros títulos, y han salido con ejemplares firmados, listas de nuevas lecturas y la sensación de que la literatura no es algo lejano ni reservado a especialistas.

Desde Badajoz se lanza también una invitación abierta: la conversación en torno a los libros no termina con el concurso. Cualquier lector puede sumarse contando qué obra le marcó, qué primera frase le atrapó o qué emoción se le quedó pegada al recibir un libro como regalo. Al fin y al cabo, si algo ha dejado claro esta edición de «Está en los libros» es que, cuando las historias se comparten, la experiencia lectora se multiplica y ayuda a entender mejor tanto el pasado como el presente.

El Cabildo de Tenerife ha puesto en marcha el I Premio Insular de Narrativa ‘Nicolás Estévanez Murphy’, un nuevo certamen literario que nace con vocación de convertirse en un referente para la narrativa contemporánea vinculada al Archipiélago canario. La iniciativa se dirige a creadores que mantienen un lazo estrecho con las islas, ya sea por nacimiento o residencia continuada.

Con esta convocatoria, la corporación insular busca reforzar el tejido cultural canario y ofrecer una plataforma sólida a quienes trabajan la narrativa extensa en lengua castellana, apostando por obras inéditas y por una participación que respete de forma estricta la autoría y la originalidad del texto.

Un nuevo certamen literario para autores canarios o residentes

El Premio Insular de Narrativa ‘Nicolás Estévanez Murphy’ se configura como una iniciativa cultural del Cabildo de Tenerife a través de su Consejería de Cultura, Museos y Deportes, aprobada en Consejo de Gobierno. El objetivo principal es reconocer obras de narrativa extensa que todavía no hayan visto la luz editorial y que estén directamente vinculadas al contexto canario.

Podrán concurrir al premio escritores nacidos en Canarias o autores que acrediten estar empadronados en cualquier isla del Archipiélago durante, al menos, los tres últimos años. De esta forma, se garantiza que el talento que se quiere impulsar mantenga una relación real y continuada con la vida cultural de la región.

La convocatoria se plantea con alcance regional y también nacional, en la medida en que busca proyectar a los autores canarios más allá de las fronteras insulares, posicionando a Tenerife y al conjunto de Canarias como un foco importante de creación literaria en España.

Desde el área de Cultura se insiste en que el premio aspira a consolidarse como un referente estable en el calendario literario, llamado a repetirse en futuras ediciones para crear una trayectoria y un catálogo de obras ganadoras con identidad propia dentro del panorama narrativo en castellano.

Dotación económica y proyección editorial de la obra ganadora

El galardón está respaldado por una dotación económica de 10.000 euros para la obra que resulte ganadora, una cifra que sitúa este premio entre las convocatorias de narrativa más relevantes promovidas desde una institución insular. El Cabildo refuerza así su apuesta por la creación literaria como un ámbito profesional que requiere apoyo real.

Además de la cuantía económica, el certamen incorpora el compromiso institucional de editar y difundir la obra vencedora. Esto supone que el premio no se limita a una recompensa puntual, sino que ofrece a la persona ganadora una puerta de entrada al circuito editorial y una mayor visibilidad pública. Editar y difundir la obra vencedora facilita su llegada a lectoras y lectores tanto en Canarias como en otros puntos de España.

El consejero insular de Cultura y Museos, José Carlos Acha, ha subrayado que esta parte del premio es clave para favorecer la proyección pública y editorial del libro seleccionado, facilitando su llegada a lectoras y lectores tanto en Canarias como en otros puntos de España.

De forma paralela, el Cabildo recuerda que esta convocatoria se enmarca en un esfuerzo más amplio de apoyo al sector cultural, que incluye, entre otras medidas, líneas de subvenciones destinadas a empresas y proyectos artísticos de la isla para los próximos años, con el objetivo de dinamizar la vida cultural y creativa.

Requisitos de participación: obras inéditas y extensión definida

Las bases del Premio Insular de Narrativa ‘Nicolás Estévanez Murphy’ establecen que solo podrán presentarse obras inéditas de narrativa extensa, escritas íntegramente en lengua castellana. No se admitirán textos ya publicados, ni total ni parcialmente, en ningún formato o soporte.

En cuanto a la longitud, las obras deberán situarse en una franja de entre 150 y 250 páginas, lo que acota claramente el tipo de manuscritos que se buscan: narraciones amplias, con un desarrollo sólido de personajes, trama y contexto, alejadas del relato corto o de formatos más breves.

Estas condiciones responden a la voluntad de que el premio se centre en la narrativa de largo recorrido, ofreciendo un espacio para novelas o textos extensos que requieran un trabajo de construcción literaria más prolongado y complejo.

La exigencia de que el contenido sea completamente inédito pretende, asimismo, garantizar la novedad de las propuestas presentadas y asegurar que el reconocimiento recaiga sobre obras que se dan a conocer por primera vez gracias a esta convocatoria.

Defensa de la autoría: prohibición de la inteligencia artificial creativa

Uno de los puntos más llamativos de las bases del premio es la prohibición expresa del uso de inteligencia artificial para la generación del contenido creativo de las obras participantes. La organización solo permite herramientas de apoyo técnico no creativo, como correctores ortográficos o asistentes de maquetación.

Con esta medida, el Cabildo de Tenerife quiere proteger la autenticidad y la integridad literaria de los manuscritos que opten al galardón, dejando claro que el texto debe ser fruto exclusivo del talento y del trabajo de la persona autora.

El vicepresidente insular, Lope Afonso, ha recalcado que la creación del premio responde al compromiso de la institución con el impulso al talento literario contemporáneo de las islas, poniendo en valor la capacidad de los propios escritores y escritoras para construir obras originales sin recurrir a soluciones automatizadas.

En un contexto en el que el uso de herramientas de IA en el ámbito creativo es cada vez más habitual, esta postura fija una línea clara: el reconocimiento literario que otorga el premio se dirige únicamente a la creación humana, entendida como un proceso personal, artesanal y consciente.

Homenaje a Nicolás Estévanez Murphy y fortalecimiento del tejido cultural

El certamen toma su nombre de , figura histórica vinculada a Canarias, cuya memoria se quiere honrar a través de un premio centrado en la excelencia narrativa. Al elegir esta denominación, el Cabildo refuerza el vínculo entre tradición, identidad insular y creación contemporánea.

Desde la Consejería de Cultura se subraya que la iniciativa pretende no solo reconocer obras concretas, sino también consolidar un referente literario con continuidad en el tiempo, que pueda ir sumando ediciones y autores destacados a su palmarés.

El lanzamiento del I Premio Insular de Narrativa ‘Nicolás Estévanez Murphy’ se integra así en una estrategia más amplia del Cabildo de Tenerife para fortalecer el ecosistema cultural de la isla y del conjunto del Archipiélago, generando oportunidades para creadores y agentes culturales.

Para escritores y escritoras con vínculo canario, el premio se plantea como una oportunidad real de dar un salto cualitativo en su trayectoria, tanto por la dotación económica como por la visibilidad derivada de la edición y promoción de la obra ganadora, que aspira a circular en el mercado editorial con el respaldo institucional de origen.

De cara a futuras convocatorias, la expectativa es que este galardón vaya configurando un espacio de reconocimiento relevante en el mapa literario español, situando a Canarias como un territorio especialmente activo en la promoción de la narrativa en castellano y favoreciendo la aparición de nuevas voces con proyección más allá de las islas.

Con esta combinación de apoyo económico, edición garantizada y defensa de la creación original, el Premio de Narrativa ‘Nicolás Estévanez Murphy’ se perfila como una herramienta clave para quienes trabajan la narrativa extensa desde Canarias o en estrecha relación con el Archipiélago, al tiempo que refuerza la imagen de Tenerife como un actor comprometido con la cultura y las letras en el ámbito estatal.

El descubrimiento, realizado por especialistas del Trinity College Dublin en los archivos de la Biblioteca Nacional Central de Roma, no solo devuelve a la escena una versión temprana del poema inglés más antiguo, sino que abre una ventana privilegiada a la circulación de textos entre Inglaterra e Italia durante la Edad Media y al propio prestigio del inglés antiguo en el contexto europeo.

Un hallazgo inesperado en los archivos de Roma

La copia perdida del Himno de Caedmon fue localizada en un volumen medieval que contiene la Historia eclesiástica del pueblo inglés, la célebre obra del venerable Beda redactada en latín en el siglo VIII. Este ejemplar, conservado en la Biblioteca Nacional Central de Roma, había sido catalogado como un manuscrito más de la Historia de Beda hasta que un proyecto de digitalización cambió su destino.

Como parte de un programa de puesta en línea de miles de manuscritos y libros raros, la biblioteca romana digitalizó el códice y lo hizo accesible a investigadores de todo el mundo. Fue entonces cuando los medievalistas Elisabetta Magnanti y Mark Faulkner, del Trinity College Dublin, advirtieron desde Dublín que aquel volumen escondía algo fuera de lo común.

Al examinar con detalle las imágenes digitales, los investigadores detectaron la presencia de un texto en inglés antiguo insertado en un punto clave de la obra de Beda. Tras un primer estudio a distancia, ambos especialistas viajaron a Roma para comprobar el hallazgo sobre el manuscrito original y confirmar que se trataba, efectivamente, de una copia temprana del Himno de Caedmon.

Según explica el equipo, la Historia eclesiástica de Beda es uno de los libros más copiados de toda la Edad Media, con cerca de dos centenares de manuscritos conocidos. Sin embargo, solo un reducido grupo pertenece a las fases más antiguas de transmisión del texto, lo que convierte a este ejemplar romano en una pieza de enorme relevancia filológica.

El Himno de Caedmon, el poema inglés más antiguo conocido

El texto descubierto corresponde al famoso Himno de Caedmon, una breve composición de apenas nueve versos que la tradición considera el primer poema escrito en inglés antiguo que se ha conservado. Su atribución se remonta al propio Beda, que en su historia relata la vida de Caedmon, un humilde pastor de vacas del monasterio de Whitby, en Northumbria.

De acuerdo con el relato medieval, Caedmon era un hombre sin formación que evitaba cantar en las reuniones por vergüenza. Una noche, tras retirarse al establo, habría tenido una visión de origen divino en la que se le ordenaba cantar sobre la creación. A partir de ese momento, habría empezado a componer versos religiosos en su lengua vernácula, el inglés antiguo.

El poema conservado alaba a Dios como creador del universo y de todas las cosas, y fue probablemente compuesto en el siglo VII. Su supervivencia se debe a que algunos copistas medievales lo incorporaron a los manuscritos de la Historia eclesiástica de Beda, bien en los márgenes, bien al final del pasaje latino que resume la anécdota de Caedmon.

Hasta ahora se conocían principalmente dos testimonios muy tempranos de este poema, conservados en Cambridge y San Petersburgo, donde el texto inglés aparece añadido en los márgenes o al final del relato en latín. La copia romana, en cambio, presenta una particularidad crucial: el poema se integra en el cuerpo principal del manuscrito, como parte orgánica del texto.

Una copia del siglo IX procedente de Nonantola

Los análisis paleográficos sitúan la elaboración del manuscrito romano en el siglo IX, y apuntan a que fue realizado por un monje de Nonantola, una abadía benedictina situada en el norte de Italia. Este centro monástico fue uno de los grandes focos de saber de la Italia medieval, conocido por su intensa actividad de copia y preservación de textos.

El copista de Nonantola transcribió cuidadosamente la Historia eclesiástica de Beda e incorporó el Himno de Caedmon en inglés antiguo dentro del propio discurso latino, y no como una simple anotación marginal. Ese gesto otorga al poema un estatus distinto: ya no se trata de un añadido secundario, sino de un elemento plenamente integrado en la obra.

En algún momento posterior, el volumen salió del circuito habitual de consulta y terminó en los fondos de la Biblioteca Nacional Central de Roma, donde permaneció durante siglos sin que se reconociera la importancia específica del pasaje en inglés antiguo. Pese a que el códice estaba catalogado, la singularidad del Himno había pasado inadvertida hasta la reciente revisión digital.

La cronología convierte a este manuscrito en el tercer testimonio más antiguo conocido del Himno de Caedmon y, al mismo tiempo, en la copia más antigua en la que el poema aparece completamente incorporado al texto latino. Antes de este hallazgo, la versión integrada más temprana databa de comienzos del siglo XII, de modo que el descubrimiento adelanta en unos trescientos años esa referencia.

Relevancia filológica: puntuación y variantes textuales

Más allá de su antigüedad, el nuevo manuscrito aporta información de primera mano sobre la transmisión textual del Himno de Caedmon y de la propia obra de Beda. Los investigadores han destacado la presencia de signos de puntuación poco habituales, como puntos intercalados y marcas de pausa que no aparecen en otras copias conservadas.

Estos detalles de puntuación ofrecen pistas sobre la manera en que se leían o recitaban los versos en ámbitos monásticos de la Italia del siglo IX. La forma de marcar las pausas y la estructura de las frases puede ayudar a reconstruir el ritmo original del poema y a entender cómo lo interpretaban los lectores medievales alejados de Inglaterra.

El códice romano también presenta pequeñas variantes textuales respecto a otros testimonios del Himno. Se trata de diferencias en algunas palabras o en el orden de ciertos términos, que permiten reconstruir con mayor precisión la genealogía de las copias y cómo fueron viajando y adaptándose a distintos scriptoria europeos.

Para especialistas como Mark Faulkner, profesor asociado de Literatura Medieval en el Trinity College, este manuscrito será clave para afinar la edición crítica de la obra de Beda y del propio poema. La comparación sistemática de las variantes ayudará a entender mejor cómo se difundió el texto desde Northumbria hacia el continente y qué cambios sufrió en el proceso.

El inglés antiguo en la Europa medieval

Uno de los aspectos más llamativos del descubrimiento es la constatación de que un texto en inglés antiguo circulaba por Italia en el siglo IX y se copiaba en un centro monástico de prestigio como Nonantola. El hecho de que el poema se integre en el cuerpo latino indica que el inglés ya gozaba de cierto reconocimiento como lengua digna de ser fijada por escrito en un entorno internacional.

Hasta ahora, la presencia documentada del inglés antiguo en manuscritos italianos era escasa y fragmentaria. Esta copia demuestra que, mucho antes de lo que se creía, frases completas en lengua vernácula inglesa eran copiadas y preservadas en bibliotecas del sur de Europa, contribuyendo a un paisaje lingüístico medieval más diverso de lo que solía imaginarse.

El manuscrito romano encaja, además, en un contexto de contactos intensos entre los monasterios ingleses y los centros religiosos de la Europa continental. Las peregrinaciones, los intercambios de reliquias y la circulación de clérigos propiciaron que libros y textos cruzaran fronteras con relativa frecuencia, transportando también lenguas y tradiciones literarias.

En este marco, el Himno de Caedmon funciona como un testimonio directo de cómo ciertos contenidos vernáculos podían viajar junto a las grandes obras en latín. Su presencia en Italia muestra que la cultura escrita medieval no se limitaba al latín eclesiástico, sino que incluía, en la práctica, fragmentos de lenguas habladas locales cuando se consideraban relevantes para el relato histórico o religioso.

Digitalización, cooperación internacional y nuevas perspectivas

El hallazgo romano se inscribe en un esfuerzo más amplio de la Biblioteca Nacional Central de Roma por digitalizar y difundir sus fondos de manuscritos y libros raros. El responsable de la Sala de Manuscritos y Libros Raros, el doctor Andrea Cappa, subraya que el objetivo es permitir que cualquier persona, desde cualquier país, pueda acceder a estos materiales sin necesidad de desplazarse físicamente.

La identificación del Himno de Caedmon desde un despacho en Dublín ejemplifica cómo la cooperación entre instituciones europeas y el uso sistemático de copias digitales pueden desencadenar descubrimientos que, hace apenas unas décadas, habrían resultado mucho más difíciles de lograr. La historia de este poema inglés más antiguo ilustra bien el potencial de las bibliotecas online.

Cappa insiste en que esta copia del siglo IX no es tanto un punto de llegada como un punto de partida para futuras investigaciones. Un único manuscrito puede abrir la puerta a numerosos hallazgos en campos tan diversos como la filología, la historia del libro, la lingüística histórica o los estudios sobre peregrinaciones medievales.

Para el Trinity College Dublin, el proyecto confirma también la importancia de seguir explorando sistemáticamente los fondos digitalizados de bibliotecas europeas. El caso del Himno de Caedmon demuestra que todavía quedan piezas clave por identificar en catálogos aparentemente bien conocidos, y que la combinación de nuevas tecnologías con trabajo de archivo tradicional sigue dando frutos.

Con la aparición de esta copia romana del Himno de Caedmon, el paisaje de la literatura medieval inglesa y de su proyección europea se hace un poco más nítido: el poema inglés más antiguo conservado no solo nace de la voz atribulada de un pastor de Northumbria, sino que también recorre, siglos después, los corredores de abadías italianas y bibliotecas nacionales, dejando constancia de una red de intercambios culturales que unió Inglaterra e Italia mucho antes de la Edad Moderna.