Pantalla Adicta

Restless

2012-01-29T16:10:00.001+01:00

Esos acordes al principio ya me emocionaron y me predispusieron a disfrutar de la película. No hay mejor forma de empezar una historia que introducirla con los genios de Liverpool (The Beatles).

Restless es una película en la que Gus Van Sant nos habla de la muerte. La muerte nos da miedo, nos intriga, nos fascina. Todos reaccionamos a ella de modo diferente. Los personajes de Restless parecen no temerle. Los conocemos en un funeral: Enoch (Henry Cooper) asiste a ellos por afición, Annabelle (Mia Wasikowska) está allí despidiendo a su amigo. Y luego está el espíritu de un soldado japonés (Ryo Kase), una especie de acompañante de Enoch en sus aventuras.

Trailer subtitulado

Me gustó mucho la escena en la que Enoch “presenta” a Annabelle a sus padres, es muy dulce y una forma simple de conocer más sobre los personajes. Me gustaron muchas escenas, los diálogos son muy buenos. Me gustó mucho la interpretación de Henry Hopper y Mia Wasikowska, ambos resultan naturales en sus roles. Me gustó muchísimo la paleta de colores de la película, con sus tonos dorados y ocres, con es fotografía cálida. Y los exteriores, muy bonitos. Y el detalle del caleidoscopio. Y ciertos silencios. No me sorprende que me gustasen tantas cosas, el cine de Gus Van Sant suele gustarme muchísimo.

Shame

2012-01-27T15:24:00.001+01:00

Shame es incómoda. Quizás avergüence al espectador (las risitas en la sala donde asistí al preestreno -gracias a la invitación de Cines Renoir- me hacen sospechar que sí). Y creo que debería. Personalmente sentí vergüenza. No por los desnudos, ni por las escenas de sexo, sino por la historia que nos cuenta. La frase que dije a mi acompañante apenas se encendieron las luces fue: “Esta película me partió el corazón”. Y confieso que no esperaba que eso sucediese.

No os puedo contar mucho, porque hablar de la trama implicaría hablar de cosas que se deben descubrir durante la película. Pero sí os diré que aunque parece que no ocurre nada, todo el tiempo estamos obteniendo pistas, o al menos a mí se me hizo así (pasé toda la película elaborando conjeturas). Diré que me gustó más Carey Mulligan que Michael Fassbender, pero que me ha gustado el trabajo de los dos. Que la banda sonora es buenísima. Y que tiene momentos muy buenos. Y buenos diálogos. En suma, es una película que no sé si recomendaría a cualquiera; pero que vale la pena ver. La verdad es que me sorprende no verla entre las nominadas a los Oscars.

Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR)

2012-01-25T15:50:00.001+01:00

El International Film Festival Rotterdam (IFFR) es un festival anual de cine. Se celebra a fines de enero en Rotterdam, Países Bajos. El IFFR se caracteriza por presentar una programación diversa y buscar el relacionamiento de los cineastas con la audiencia (no hay alfombras rojas, cineastas y público se mezclan en el mismo ambiente).

Historia

La primera edición del festival se celebró en junio de 1972, con el nombre de Film International. Desde el comienzo se perfiló como un festival promotor de lo alternativo, innovador e independiente, especialmente producciones de países en desarrollo.

En 1983 se creó CineMart, que sirve de conexión para productores y les ayuda a encontrar fondos para sus producciones. También se creó, en 1988, el fondo Hubert Bals para apoyar a cineastas de países en desarrollo.

En 1995 se introdujo la competencia en el festival: los premios VPRO Tiger Awards.

Sedes del IFFR

Pathé, en Schouwburgplein: Se trata de uno de los cines más grandes del país, y el que tiene la pantalla más grande.
De Doelen: Es la taquilla central durante el festival.
Cinerama: Es un antiguo cine, con siete salas y más de mil butacas. Cuenta con una sala de espera con mesas de lectura y bebidas.
WORM: Sede principal de las actividades Starting from Scratch: proyecciones, performances, talleres, fiestas, etc.
Old Luxor Theatre: Se trata de un cine de 1917, uno de los más importantes de Rotterdam. Ha sido renovado, pero manteniendo su atmósfera.
Rotterdamse Schouwburg: Es uno de los centros artísticos más importantes de Rotterdam.

Las aventuras de Antoine Doinel

2012-01-23T17:05:00.001+01:00

Hacía ya demasiado tiempo que no veía cine francés. Al menos demasiado para lo que acostumbro. Tenía ganas de Truffaut, y de Jean-Pierre Léaud. Así que me decidí por continuar la historia de Antoine Doinel ,el mismo personaje de Les Quatre Cents Coups.

Primero hice un rápido paseo por el segmento Antoine et Colette de L’amour à vingt ans, donde Antoine tiene 17 años y vive como un adulto independiente. Trabaja y asiste a conciertos de música clásica. En uno de ellos se fija en una chica, y decide conquistarla. Son 30 minutos que valen la pena ver, porque nos introducen a lo que veremos en las siguientes películas de la saga.

Baisers Volés nos sorprende aún más al encontrarnos a un Antoine ¡soldado! Y luego le vemos en situaciones bastante extrañas e impredecibles. Como en la vida misma, la historia de Antoine cambia de un año a otro y da giros bastante inesperados. Eso sí, Antoine sigue manteniendo su esencia.

Baisers Volés es un capítulo simpático de la vida de Antoine, que nos ayuda a entender hacia dónde va y quién le acompañará. Tiene un tono de comedia, bastante más ligero que Les Quatre Cents Coups. De todas formas, me sigo quedando con el primer capítulo de la historia, ya que veo a Antoine et Colette y Baisers Volés como dos películas de “relleno”. Por supuesto que otros pensarán diferente, y verán en Baiser Volés una comedia muy bien lograda. No digo que no lo sea, simplemente no genera en mí lo mismo que Les Quatre Cents Coups. Eso sí, Jean-Pierre Léaud me parece un talento natural, que interpreta a Antoine a la perfección.

En Domicile Conjugal nos encontramos con el matrimonio Doinel: Antoine y Christine están compartiendo sus vidas. Antoine se dedica a vender flores, Christine da clases de violín. Viven en medio de un caos, no sólo dentro de casa: los vecinos también parecen llevar el mismo estilo de vida que ellos. Por supuesto que a ellos no les afecta en nada, se les ve muy enamorados. Pero también existen obstáculo en la vida matrimonial de la pareja: la aparición de una mujer los pone a prueba.

Mi personaje favorito de esta Domicile Conjugal, además de Antoine, es la vecina que le acosa. Me causa mucha gracia la situación y las reacciones de Antoine. Otra cosa que me gusta muchísimo es el epílogo, siempre me hace sonreír.

L’amour en fuite es el último capítulo de la historia de Antoine. Lo encontramos en medio de un romance con otra mujer y a punto de firmar el divorcio con Christine. Entonces aparece en su vida alguien que ya conocemos: Colette. La de L’amour à vingt ans. Y sorprendentemente, es Colette la que ahora está interesada en Antoine.

A través de la novela que Antoine escribió, y en algunas escenas en las que los personajes recuerdan el pasado; Truffaut utiliza flashbacks de todas las películas con Antoine como protagonista (también los hay que no han salido en ninguna de las películas). El recurso funciona muy bien, y personalmente lo disfruto porque invita a repasar las escenas y fijarnos en otros detalles. Y como los propios personajes, de alguna forma recordamos la vida de Antoine y sonreímos con los momentos que compartimos con él.

En este último capítulo de su historia, Antoine también se encuentra con el amante de su madre. Las mujeres de su vida también nos cuentan su parte de la historia. Y al final, Antoine parece resolver todos esos capítulos que cargaba a sus espaldas, y avanza. Pero cómo y con quién avanza, eso no os lo cuento.

Espero que este recorrido por la vida de un personaje como Antoine (que ocupó gran parte de la vida de Jean-Pierre Léaud), el trabajo de años de un directorazo como Truffaut, os inspire a ver todas las películas de la saga. Realmente valen la pena.

Festival de Sundance

2012-01-19T15:27:00.001+01:00

El festival de Sundance es el festival anual de cine independiente más importante de la industria. Durante diez días en el mes de enero, el estado de Utah, en los Estados Unidos, se convierte en zona festivalera, cediendo ciudades como Park City, Salt Lake City y Ogden a las personalidades de la industria. Las categorías de competencia de Sundance son: cine dramático y cine documental (largometrajes y cortometrajes). Fuera de competencia, las secciones reciben nombres como “NEXT!”, “New Frontier”, “Spotlight” y “Park City At Midnight”.

Historia

El Festival de Sundance se inauguró bajo el nombre de “Utah/Us Film Festival” en agosto de 1978. Fue fundado por Sterling Van Wagenen, John Earle y Cirina Hampton Catania. En ese festival se proyectaron, entre otras: A Streetcar Named Desire, Midnight Cowboy y Mean Streets. En un principio, la idea era proyectar sólo películas norteamericanas, dar al cine independiente la oportunidad de competir en un festival, presentar retrospectivas y paneles de discusión, y entregar el premio Frank Capra (el primero se entregó a Jimmy Stewart). Lo que pretendían era dar un espacio a los cineastas que trabajaban fuera de la industria de Hollywood.

El éxito del festival se adjudica a dos factores: Robert Redford (residente en Utah y gran implicado en el festival) y el aporte de los grandes estudios de Hollywood. En 1981 el festival se celebró entre septiembre y enero, y se trasladó a Park City. El traslado se adjudica al consejo de Sydney Pollack, quien supuestamente sugirió celebrarlo en invierno y aprovechar la atracción de las estaciones de esquí. Entre 1984 y 1985, se cambió el nombre a Sundance Film Festival, aunque el cambio no fue oficial hasta 1991.

Con el paso del tiempo, el Festival de Sundance, un festival de bajo perfil para películas independientes de bajo presupuesto, evolucionó hasta convertirse en uno de los festivales más mediáticos y reconocidos de la industria. Lo interesante de la situación es que el festival siempre ha intentado mantener su perfil original, con campañas como la “Focus On Film” de 2007. En 2010 se introdujeron cambios como la categoría “NEXT!” (películas de presupuestos muy bajos), y el programa Sundance Film Festival U.S.A, en el que se proyectan ocho películas del festival en ocho cines de los Estados Unidos.

D'amour et d'eau fraîche

2012-01-17T16:29:00.001+01:00

D’amour et d’eau fraîche es una película que habla de un tema actual. La protagonista,una joven con estudios universitarios, intenta sobrevivir en París mientras busca un trabajo estable para sobrevivir. Esto es justamente lo que me atrajo de la película, y lo que me invitó a elegirla para ver y votar primera en My French Film Festival (del que ya os he hablado el año pasado).

Lo interesante de la historia es que luego toma un giro diferente: conoce a un chico en una de las entrevistas, hacen buenas migas, y él le invita a pasar el verano en el sur. El problema: el chico está metido en cosas turbias. El resto hay que verlo, claro.

Los trabajos de Anaïs Demoustier y Pio Marmaï me gustaron mucho. Los dos transmiten buena química y me resultaron bastante naturales en sus papeles.

Trailer en VO sin subtítulos

D’amour et d’eau fraîche es una película de 2010, así que aún si no la veis a través de la web del festival, podréis encontrarla en otros sitios. Os la recomiendo.

Curiosidades de Léon

2012-01-13T18:03:00.001+01:00

Hoy quiero hablaros de Léon, una de mis películas favoritas de la infancia. Sí, de la infancia. Vi Léon siendo una niña, y me enamoré perdidamente del cine de Luc Besson, de Jean Reno y de Gary Oldman. He perdido la cuenta de la cantidad de veces que la he visto desde entonces. Eso sí, cada vez que la veo me siento como la primera, y me enamoro de ella otra vez.

Espero que si ya la habéis visto, que imagino que sí, os invite a volverla a ver. Y creo que no hace falta aclarar que en esta entrada hay spoilers de la película, ¿verdad?

Cuenta la leyenda que Léon fue creada como una película de relleno. El rodaje de The Fifth Element se había retrasado, y en lugar de cancelar todo, Luc Besson se dedicó a Léon. En sólo un mes escribió el guión, y en tres rodó la película.

La idea de la que nace Léon surgió mientras Besson trabajaba en La Femme Nikita. En el tercer acto de Nikita, Victor (el personaje de Jean Reno) se presenta para limpiar las secuelas de la misión de Nikita. Besson sintió que ese personaje tenía mucho potencial, así que decidió crear una historia que se enfocase en él. Ambos personajes (Léon y Victor) visten similar, y el título original del guión era “The Cleaner” (el apodo de Victor).

En ese primer guión, el nombre completo de Léon era Leone Montana. Además, el final era más “fuerte”: luego de que Stansfield (Gary Oldman) mataba a Léon, Mathilda abría su chaqueta y el espectador descubría que llevaba granadas debajo. Besson decidió cambiar el final porque temía que el espectador no aceptase la transformación de Mathilda de niña inocente a asesina.

Según la actriz Maïween –quien tiene un papel al principio de la película-, Léon está basada en su relación amorosa con Luc Besson: ella le conoció con 11 años y se enamoró con 15, Besson tenía 32. Otro dato interesante es que Léon tiene dos montajes diferentes: uno norteamericano (sin todas las escenas de tensión sexual entre Mathilda y Léon), y uno europeo (donde sí aparecen estas escenas). El montaje europeo es el que encontramos en la Edición Especial y el DVD que lleva el nombre “International Cut”. Creo que podemos decir que la mayoría hemos visto el montaje internacional, y que no nos hemos perdido de nada.

Durante el rodaje

Como en toda película, durante el rodaje ocurrieron algunas cosas dignas de contar:

Mientras se rodaba con coches de policía, un ladrón casualmente salió de una tienda a la que acababa de robar. El ladrón se encontró frente a frente con el set de la película y, al ver a todos esos “policías”, decidió entregarse.
La segunda toma, en la que vemos New York a través de un recorrido por sus calles, se consiguió al estudiar el patrón de las luces de tráfico para asegurarse de que “la cámara” no encontrase luces rojas durante su recorrido.
En la escena en la que Stansfield interroga al padre de Mathilda, el personaje de Oldman se comporta de un modo bastante intrusivo. Michael Badalucco (el padre de Mathilda) confesó que no sabía que Gary Oldman iba a olerle y acercarse a él del modo en que lo hizo, y que lo que vemos en pantalla es su reacción cien por ciento genuina (se sentía intimidado y nervioso).
Todos los interiores del departamento de Léon fueron rodados en París, y los exteriores, incluido el corredor, fueron rodados seis semanas antes en New York.

Casting

Mathilda:

La primera opción para el papel de Mathilda fue Liv Tyler; pero se la consideró demasiado mayor (tenía 15 años).
El director de casting, Todd M. Thaler, rechazó a Natalie Portman por considerarla demasiado joven. Portman no se dio por vencida y volvió a audicionar, interpretando la escena en la que Mathilda lamenta la muerte de su hermano. Obtuvo el papel en el instante. Fue su debut en el cine, con 11 años.

Natalie Portman audicionando para el papel de Mathilda

Léon:

Luc Besson declaró que el papel siempre fue para Jean Reno. Sin embargo, en el DVD Edición Deluxe, se dice que Mel Gibson y Keanu Reeves también estaban interesados en interpretar a Léon.
Jean Reno decidió interpretar a un Léon con un poco “retrasado y emocionalmente reprimido” para que los espectadores pensaran que era incapaz de abusar de una niña. Según Reno, Léon no concibe la idea de una relación física con Mathilda. Por ello, en las escenas en las que se discute la relación dejó que el personaje de Natalie Portman las controlase emocionalmente.

Otros:

Samy Naceri era casi un debutante cuando interpretó a un SWAT en Léon. Sus diez días en el set impresionaron tanto a Besson que cuando escribió Taxi siempre le tuvo en mente para el papel protagonista.

En la película

Siempre hay pequeños detalles que algunos notamos y otros no. Algunos son intencionales, otros quizás son casualidad. Espero que los que integran la siguiente lista os inviten a revisar la película, aunque sea para comprobarlos:

Léon Gaumont fue un inventor que desarrolló técnicas cinematográficas junto a los hermanos Lumière a fines del siglo XIX. El nombre de la productora de Léon es Gaumont. ¿Casualidad?
La planta de Léon es una aglaonema, que en inglés se pronuncia “ag-leon-ema”.
Los padres de Natalie Portman no querían que ella saliese fumando en la película. Pusieron como condición en el contrato que sólo fumase en cinco escenas en las que ella no inhalaría ni exhalaría humo, y que Mathilda dejase de fumar en algún momento de la película. Contad las escenas en las que sale con un cigarro, son cinco. Ni una más, ni una menos. En ninguna veréis a Natalie inhalar o exhalar humo. Y el personaje deja de fumar (Léon le pide que haga tres cosas: dejar de fumar, dejar de decir groserías y no verse con el tío que tiene pinta rara).
Stansfield (Oldman) dice que él y sus secuaces aparecerán al mediodía. En casa de Léon vemos un reloj que marca las 11:58. La secuencia que sigue dura exactamente dos minutos, por lo que los malos aparecen exactamente al mediodía.
Mathilda se registra junto a Léon bajo el nombre "MacGuffin". "MacGuffin" es un término cinematográfico acuñado por Alfred Hitchcock: indica un elemento trivial en una película, cuyo único propósito es que ayude a que la trama continúe (como la escena).
Natalie Portman dijo que nunca había visto una película de Marilyn Monroe antes de rodar Léon. Así que para la escena en la que se disfrazó de ella se inspiró en una escena que había visto en Wayne’s World.
El personaje interpretado por Willi One Blood figura como “1st Stanfield Man”, pero durante la película Malky se refiere a él como “Willi” y Stanfield le llama “Blood”.
Stansfield está obsesionado con Beethoven. Poco después de rodar Léon, Gary Oldman interpretó a Beethoven en Immortal Beloved.
Cuando se hizo la proyección de prueba de Léon, ésta incluía una escena en la que Mathilda le pide a Léon que sea su amante. Las risas nerviosas de la audiencia frente a esta escena destruían el tono de la película, así que se cortó esta escena para el estreno en cines. En esta misma prueba, Léon obtuvo un puntaje pésimo.
En la versión internacional de Léon, Besson aparece al final de la película. ¿Lo habéis visto?

Bueno, aquí se termina. Os dejo tres fotos más del rodaje que pesaba incluir de tener más información que incorporar; pero me he quedado corta y son dignas de ser compartidas.

The Last Cookie: animación 3D made in Francia

2012-01-11T16:52:00.001+01:00

Hoy os dejo un corto de animación 3D, dirigido por tres estudiantes de Artes y Tecnología de la Imagen de la Universidad Paris 8 (Francia): Guillaume Boizanté, Mickaël Lalo e Isabelle Lemaux. Espero que os guste, a mí me resultó bastante divertido.

Drive: otro acierto en la carrera de Ryan Gosling

2012-01-09T19:58:00.001+01:00

Ryan Gosling, ese chico que me ha conquistado –y a muchos más- durante 2011 (aunque ya hacía tiempo que le venía siguiendo la pista). Carey Mulligan, la chica que adoré en An Education y Never Let Me Go, y de la que quería ver más. Y algo me decía que sería algo así como una versión moderna de Taxi Driver –yo y mi imaginación-… Estaba claro que tenía que ver Drive.

La música ochentera le dio un toque diferente. Realmente no esperaba que este tipo de banda sonora quedase tan bien en este tipo de película, y menos con el tipo de montaje que se utilizó. Me equivoqué. Mucho. Quedó fantástico. Y no sólo lo “ochentero”, sino el total de la banda sonora. Me gustó mucho.

La verdad es que sabía que iba a ver algo de lo que iba a ver; pero estaba tan metida en la historia cuando sucedió, que me cogió bastante por sorpresa. La verdad es que me shockeó bastante lo que vi. Y, salvando las distancias, creo que mi imaginación no estaba tan errada. Creo que no sólo está “inspirada” por Scorsese, creo que Drive tiene mucho de varias películas anteriores. Y me gusta. Me gusta el resultado de esa mezcla de influencias.

La piel que habito

2012-01-05T16:51:00.001+01:00

Esperaba ansiosa lo nuevo de Almodóvar. Los abrazos rotos me había dejado con ganas de más, así que la espera por La piel que habito se me hizo eterna. Moría de curiosidad por ver con qué iba a sorprendernos, moría por ver a Antonio Banderas bajo sus órdenes una vez más.

¿Cómo hablar de La piel que habito sin desvelar nada de la trama? Aunque dudo que a estas alturas queden personas que no la hayan visto. Diré que me pareció un guión bastante simple para lo que acostumbra escribir Pedro Almodóvar, o que ya me acostumbré a sus historias. Que el final es bastante predecible, a la par que bonito. Que visualmente me conquistó, como todo lo que ha hecho Almodóvar estos últimos años. Y que, para lo retorcido del tema, me pareció una película sencilla y muy bonita.

Antonio Banderas está muy bien en su papel, aunque quizás un poco “blando”. Imaginaba a su personaje más frío. Aunque también entiendo que sea así, dada su relación con Vera (que no analizaré para no contar toda la película). Elena Anaya al principio me resultaba incómoda, pero a medida que comprendí la historia tenía sentido que así fuese.

En resumen, creo que la película, dentro de su sencillez, sigue manteniendo la esencia de Almodóvar. Dicen que con los años los directores de cine se ponen más profundos y se animan a otras cosas. Creo que Almodóvar está evolucionando hacia algo un poco más “comedido” dentro de su estilo, y quiero seguir viendo sus creaciones, ver hacia dónde nos lleva.

Resumen 2011

2011-12-30T23:56:00.001+01:00

¡Se nos termina el año una vez más! Como hice en 2010, os dejo un trailer con algunas de las películas estrenadas este año. ¿Cuántas de ellas habéis visto? ¿Cuáles fueron las mejores? ¿Cuáles desilusionaron? ¿Cuántas quedan por ver?

2011 pasó demasiado rápido. No he tenido tiempo de reflexionar, y aún no sé si ha sido un buen o mal año a nivel personal. Como siempre intento que cada año haya una experiencia memorable; y como suelo llevarme sorpresas agradables, normalmente no me puedo quejar. Podría haber sido mejor, sí; pero creo que no fue tan malo. Al menos para mí. ¿Qué tal vuestros 2011?

A nivel cinematográfico debo confesar que vi más de lo que escribí por aquí, y que estuve viendo muchísima ficción para televisión. Creo que ha sido positivo, aunque también sospecho que la mayoría de las veces escribí sobre películas que me inspiraron y me gustaron. ¿Lo comprobamos?

Lo positivo:

Lo negativo:

Aquello que no puedo clasificar:

Parece que sí, que me ha gustado la mayoría de lo que he visto. Y también que he visto varios de los títulos que están apareciendo en los premios, cosa que no suele ocurrir (siempre estoy apurando unos cuantos títulos antes de los Oscars). Queda bastante por ver, y alguna que otra cosilla ya está esperando ser publicada. Por lo pronto os dejo, deseando que el 2012 llegue lleno de cosas buenas para todos, con muchas oportunidades y experiencias nuevas; y con mucho cine del bueno. ¡Nos leemos!

The Tree of Life: cuando el cine nos hace pensar

2011-12-27T16:20:00.001+01:00

La cantidad de opiniones completamente opuestas acerca de The Tree of Life despertó mi curiosidad al punto en que moría por verla. Apenas empezó, me pasó que –contrario a lo que me habían dicho- me enganché muchísimo y adoré las imágenes que veía. Me gustó el contraste que se planteó entre los personajes y también la forma en que son presentados.

Brad Pitt está maravilloso en su papel de padre/guía. Siempre dije que me parecía que era un buen actor, pero cuando hace papeles como éste es cuando lo confirmo.

Jessica Chastain definitivamente me ha ganado (¡con sólo dos películas!). Luego de verla hacer un papel que poco tenía en común con este en The Help, y viendo lo que es capaz de hacer bajo las órdenes de Terrence Malick, compro. Me encanta esta mujer y quiero ver más de ella. Y creo que ha sido una elección correcta para el papel de Lady Di, lo va a bordar.

Y Sean Penn, ¿qué decir de un ACTORAZO que a mis ojos es incapaz de hacer algo mal? Puede aparecer en pantalla medio segundo y mirar fijo a la nada, que para mí ya se merece un Oscar. Bueno, no tanto, pero casi. Verlo ya es para mí un placer, y lo que hizo lo hizo muy bien.

En cuanto a la película en sí, tanto a nivel banda sonora, como fotografía y montaje, es maravilloso. Las imágenes del espacio acompañadas de música coral me dejaron sin aliento. Me costó bastante relacionarlas al principio con la historia, al igual que me costó captar en un principio qué tenían que ver los diálogos con las imágenes en algunas escenas. Realmente es de esas películas en las que hay que prestar atención (o rebobinar cada dos minutos si estamos viendo el DVD).

Entiendo a la gente que se cabreó al ver la película, básicamente porque hay momentos en los que uno piensa “¿pero qué estoy viendo?”. Pero por otro lado, me recuerda de algún modo a cuando vi Hiroshima Mon Amour por primera vez. Me costó entender la relación entre algunas imágenes y seguramente habrá gente que se aburrió al verla. The Tree of Life es una película difícil de ver, más para un público que está acostumbrado a que se le de todo masticado y no tener que pensar mucho.

Personalmente, disfruto viendo y reflexionando, así que por cada imagen que aparecía en pantalla me preguntaba qué era lo que quería decir con ella, y la relacionaba con la anterior. Me gustó mucho hacer este tipo de conexiones y de algún modo “jugar” con las imágenes que veía. Pero entiendo que el espectador que va al cine a divertirse se sienta estafado. Normal, está frente a una película diferente. Y maravillosa.

Me lo pasé genial viendo The Tree of Life. Además de parecerme una belleza a nivel visual, la película me despertó sensaciones, me hizo recordar cosas de mi propia infancia, y me hizo reflexionar acerca de la vida, los amigos, la familia, el bien y el mal, la pérdida de la inocencia. Y creo que mis sensaciones no estuvieron muy lejos de la intención de Terrence Malick con esta película.

Un dato interesante: Las imágenes del universo, esas que digo que intenté conectar… el dato es que la intención no era más que conceptual. No eran parte de la narración, simplemente conceptos relacionados. Son opciones, de esas que a mí me gustan mucho. Y me atrevo a decir que si esas personas que salieron de las salas de cine se hubiesen quedado un poco más, habrían visto una película magnífica. A veces hay que abrir un poco la mente y no reaccionar negativamente ante algo nuevo. O quizás se trataba de una treta del propio Malick, una forma de hacer pasar al espectador por una prueba visual antes de entregarles la película. Sea como sea, para mí es un trabajo excelente.

Por último, os recomiendo que visitéis la web creada para la peli, que está diseñada a partir de los dos caminos que se pueden tomar: el del padre y el de la madre.

Curiosidades navideñas: ¡Qué bello es vivir!

2011-12-24T17:21:00.001+01:00

Se trata de la única película que Frank Capra produjo, financió, dirigió y coescribió; quien confesó más de una vez que It’s a wonderful Life es una de sus películas favoritas. Originalmente, It’s a Wonderful Life iba a ser estrenada en 1947; pero Technicolor no pudo entregar copias de Simbad the Sailor para el estreno navideño de la RKO de 1946, y se decidió que se estrenase la película de Frank Capra. Los títulos no se corrigieron, y por ello podréis ver que la película tiene un copyright de 1947.

It’s a Wonderful Life debutó una semana después de The Best Years of Our Lives (William Wyler). Fue un desastre de taquilla – recaudó 3,3 millones y costó 3,7- y no fue exitosa en los premios de la Academia ese año. Sin embargo, ha obtenido varios reconocimientos:

Fue votada la número 1 en la lista de películas “100 Years, 100 Cheers” del American Film Institute (2006)
Elegida la Película más poderosa de todos los tiempos por el American Film Institute (2006)
Es el número 20 en la lista de las Mejores películas de todos los tiempos (2007)
Ocupa el tercer puesto en a listo de las 10 mejores películas fantásticas (2008)
Fue segunda en la votación de la Mejor película que no obtuvo Oscars de la BBC (2004)

Algunos datos técnicos y secretos de rodaje

It’s a Wonderful Life fue rodada durante una ola de calor. Tanto calor hacía, que Frank Capra decidió suspender el rodaje durante un día pata que el equipo se recuperase. Se utilizó un total de 350.000 pies de cinta. La película terminaba con “Oda a la Alegría” sonando, no “Auld Lang Syne”. Cuando la composición original de Dimitri Tiomkin fue eliminada, se decidió recurrir a las composiciones de Alfred Newman para The Hunchback of Notre Dame. De ahí sale el “Aleluya” del coro.

Antes de It’s a Wonderful Life, los copos de nieve que se utilizaban para las películas eran copos de maíz pintados de blanco. Como los copos de maíz causaban demasiado ruido el diálogo debía doblarse posteriormente. Capra quería grabar el sonido directamente; por lo que se desarrolló un nuevo efecto para la nieve con la espuma química que se utiliza para apagar fuego, agua y jabón. La mezcla se expulsaba a alta presión a través de un ventilador para recrear la nieve cayendo, sin sonidos molestos. En total, se utilizaron 6.000 galones de “nieve”. El departamentos de efectos de la RKO recibió un premio de la Academia por el nuevo invento.

El nombre “Bedford Falls” es una combinación de Bedford Hills (en Westchester County New York), y Seneca Falls, un pequeño pueblo a medio camino de Rochester y Syracuse. El pueblo que menciona el empleado del banco, Elmira, es un pueblo real, cercano a Seneca Falls. El set de “Bedford Falls” se construyó en dos meses, y fue uno de los sets más largos construidos para una película norteamericana: cubría un total de 4 acres del rancho de Encino de la RKO. Además, incluía 75 tiendas y edificios, un distrito industrial y un área residencial. La calle principal cubría un total de 300 yardas. Las escenas de Bailey Park fueron rodadas en La Crescenta, California. El suelo del gimnasio -que se abre para revelar una piscina- era real: era el del gimnasio de la Beverly Hills High School en Los Angeles.

Frank Capra quería que las escenas resultasen reales hasta para los actores, por lo que decidió rodar el primer beso entre Stewart y Reed al mismo tiempo que rodaba la conversación telefónica, con Sam Wainwright (Frank Albertson) en otro set (la oficina de Wainwright en New York) en el estudio Pathe de la RKO. James Stewart estaba nervioso de rodar esta escena: era su regreso a Hollywood después de la guerra. La escena se rodó en una toma, sin ensayo, y funcionó tan bien que parte del abrazo tuvo que ser cortado porque resultó demasiado apasionado para los censores.

Cuando el tío Billy abandona borracho la casa de George, se escucha cuando se choca contra unos cubos de basura en la acera. La realidad es que, durante el rodaje, un miembro del equipo dejó caer parte de su material de trabajo en ese preciso momento. Los actores continuaron con la escena -se escucha “¡Estoy bien, estoy bien!”-. Capra decidió utilizarlo en el corte final, y dio al utilero diez dólares como premio “por mejorar el sonido”.

Para la escena en la que Donna Reed lanzaba una roca a la ventana de Granville House, Capra contrató a alguien para que lo hiciese por ella. Para sorpresa de todos, Donna Reed lanzó tan bien que rompió la ventana.

Mientras se rodaba la escena en que George reza en el bar, James Stewart estaba tan emocionado que comenzó a llorar. Frank Capra editó la toma para que el plano fuese más cercano que el original, ya que quería captar la expresión facial del actor.

En la escena del puente, en la que Clarence salva a George, fue rodada en un lote trasero durante un día caluroso (aproximadamente 30ºC). Si observáis atentamente, veréis a un sudoroso James Stewart.

De carteles: 1) En el momento en que el oficial Bert dispara a George, la S, la V y la I del cartel de “Pottersville” se apagan, 2) Aunque en los créditos se llama “Mr. Potter”, sabemos -por la escena en su oficina- que el personaje se llama “Henry F. Potter”.

Dalton Trumbo, Dorothy Parker, y Clifford Odets no recibieron crédito por su trabajo en el guión. Además, hubo un cambio en el guiópn original: Clarence debía confrontar a Potter sobre lo que hizo a George, y tenía que ocurrir justo después de que Potter gritase "And Happy New Year to you, in jail!" (¡Y feliz año nuevo para ti, en la cárcel!).

El guión tiene dos líneas de “diálogo secreto” que se dicen a través de una puerta (podréis oírlas si subís mucho el volumen). Son dichas al final de la escena en la oficina de Bailey, en la que aparecen Bailey, George y Potter. Después de que George dice a Potter “no puedes decir eso de mi padre”, su padre le saca de la habitación, entonces se ve a George fuera de la oficina. En ese momento, George escucha: POTTER: ¿Cuál es la respuesta? BAILEY: Potter, acabas de humillarme frente a mi hijo.

Sobre el casting

Jean Arthur fue la primera elección de Frank Capra para el rol de Mary. Lo rechazó, porque ya tenía un compromiso en Broadway.
Sheldon Leonard aceptó interpretar a Nick (el bartender) para poder comprar entradas para un partido de los Dodgers.
Lionel Barrymore convenció a James Stewart de que interpretase a George.
El rol de George Bailey fue desarrollado por otro estudio para ser interpretado por Cary Grant. Cuando Frank Capra heredó el proyecto, lo reescribió para James Stewart.
Era el primer papel protagónico de Donna Reed.
Se consideró a Vincent Price para el papel de Mr. Potter.
Se ofreció a Ginger Rogers el papel de Mary, pero ella no aceptó. También se ofreció este papel a Laraine Day, pero tuvo que rechazarlo porque estaba ocupada con “The Locket”.

James Stewart volvió a interpretar a su personaje en una versión para la radio de una hora, emitida por la NBC en 1949; y en otra de media hora adaptada por la “Screen Director’s Playhouse”. Stewart y Donna Reed ya lo habían hecho juntos en 1947, en el primer “Lux Radio Theatre” (marzo) y en “Camel Screen Guild Theatre” (diciembre). En la versión de Lux, en lugar de ponerse los pétalos de Zuzu en el bolsillo, George tiene una campana con la que Zuzu suele jugar.

Una navidad en stop-motion

2011-12-22T14:10:00.001+01:00

Os dejo un pequeño regalo navideño adelantado. Este cortometraje navideño, Winter Tale, me parece de lo más tierno. ¡Espero que os guste!

Melancholia

2011-12-18T18:30:00.001+01:00

“The Earth is evil. We don’t need to grieve for it.”

(La Tierra es malvada. No debemos lamentarnos por ella)

Estoy enamorada de las secuencias iniciales del cine de Lars von Trier. Me pasó con Antichrist y se repitió con Melancholia: es empezar la película y quedo de boca abierta, completamente enamorada de lo que veo. Genio máximo, la combinación de imágenes y música que consigue este hombre me quita el sueño. Melancholia comienza con una mezcla de imágenes que resumen el tema de la película, un poco siguiendo la línea estética de Antichrist.

Y no sólo en la estética coincide con Antichrist, sino que utiliza una forma de narrar la historia similar, a partir de capítulos. Cada capítulo se centra en una de las hermanas. Al principio y al final de la película, la fotografía continúa en la línea estética de su trabajo anterior. Luego parece irse más por el camino de Dogville, con alguna cosilla que me recordó a Dancer in the Dark. La música es maravillosa a lo largo de toda la película, me gustó muchísimo.

Tanto Kirsten Dunst como Charlotte Gainsbourg hacen un trabajo correcto en la película. A Charlotte Gainsbourg la he visto hacer cosas mejores, pero me ha gustado como interpretó a su personaje. Kirsten Dunst también me gustó, aunque creo que de por sí este tipo de personaje pega con ella y su cara.

El final es, como todo lo que hace Lars von Trier, una mezcla de preciosidad con incomodidad. Pero fue uno de los pocos momentos perturbadores de la película. De hecho, sufrí mucho menos viendo Melancholia de lo que sufrí con, por ejemplo, Antichrist. Lo que me desilusionó un poco es que esperaba que -como en Antichrist- la película tuviese alguna especie de mensaje, de idea, algo. Creo que aquí no lo hay. Sí se observa el comportamiento del ser humano frente a determinadas situaciones; pero poco más. Quizás el tema es ese, cómo cada una de las hermanas se enfrenta al final de algo. Y a la melancolía, claro.

Debo decir que comparada con lo que he visto antes de Lars Von Trier, Melancholia es un trabajo flojo. No me gustó tanto, no me removió por dentro como lo han hecho las otras. Es una pena, porque esperaba enamorarme perdidamente de ella. Eso sí, visualmente no falla, una belleza. Quizás es que, en el fondo, disfruto cuando las películas de Von Trier me hacen sufrir.

Sleeping Beauty: lejos del cuento de hadas

2011-12-15T17:25:00.001+01:00

Quise ver Sleeping Beauty incluso antes de saber de qué se trataba. Luego de ver el trailer, estaba obsesionada con verla.

“Rise up and walk. None of your bones are broken”

(Levantate y anda. No tienes huesos rotos)

Con Sleeping Beauty me angustié desde la primera escena. Sabía que no era una película “fácil”; pero la escena del comienzo me puso los pelos de punta. Me gustó. Me gusta que las películas me hagan sentir cosas, y más me gusta que empiecen fuerte.

Emily Browning me gustó mucho, no esperaba que lograse interpretar un personaje con tantos matices de un modo tan creíble. Lucy es bastante fría y cínica, pero tiene algo que hace que a uno le caiga simpática. Me gustó la relación de Lucy con Birdman (Ewen Leslie), porque es quizás el momento en que se la ve más humana. Después, durante el resto de la película, el personaje es tan extraño y enigmático como la historia. Y las escenas junto a él son quizás las más bonitas y metafóricas.

A medida que pasaban los minutos, la película comenzó a hacerse más incómoda, cosa que esperaba. Y no sólo eso, sino que también Lucy empezó a ser algo más que un personaje frío con algunos momentos de humanidad. La única escena que no me resultó creíble fue la que se supone que es la más desgarradora. En ella Emily Browning parece demasiado forzada. Me sorprendió, porque en el resto de la película hizo un trabajo muy bueno.

Una cosa que no noté hasta cerca del final es que la película no tiene banda sonora. Sólo sonido ambiente salvo en alguna escena específica. Siempre digo que la música, como todos los demás elementos de una película, es esencial para contar una historia. Y sin embargo, las películas que he visto sin banda sonora me han demostrado que no hace falta musicalizar la historia para que funcione. Y Sleeping Beauty es un ejemplo perfecto de ello: funciona genial sin música, y cuando recurre a ella consigue el efecto buscado naturalmente.

Trailer en V.O. sin subtítulos

No sé si recomendarla. A mí me pareció interesante. Incómoda, pero interesante. Y no es incómoda al nivel Von Trier, aunque tampoco tan fascinante como el material del director. Quizás un poco. Creo que sí, que puede definirse como una versión más light del cine de Lars Von Trier. Al menos yo lo veo así.

One Day

2011-12-12T18:26:00.001+01:00

Anne Hathaway es razón suficiente para querer ver cualquier película. Al menos para mí. Así que no había duda de que veria One Day. Y más cuando la forma de contar la historia es tan atractiva como la que ofrece: el mismo día a través de los años. Me gustó mucho el montaje, y cómo se presentó cada día. Me gustó el antagonismo de los personajes y cómo está contado. La banda sonora de cada año está bien representada. Lo mismo hay que decir de los peinados, cortes de pelo y el vestuario.

El acento de Anne Hathaway merece un punto aparte. Creo que está inspiradísimo en Emma Thompson. Y no sólo el acento, sino el personaje completo. Quizás un poco de Helena Bonham Carter, pero en su mayoría, es Emma. Fue raro verla, pero una vez me acostumbré al acento, todo me resultó más natural. Es gracioso como cuando un actor inglés cambia su acento al americano no me choca tanto como cuando es el americano que imita al inglés.

De Jim Sturgess, a pesar de haberle visto en otras ocasiones, me había quedado la imagen de Across the Universe. El personaje es bastante detestable, y lo hace bastante bien. Me gusta que su personaje, pese a ser detestable, tiene algo que hace que ni Em ni nosotros queramos dejar de verlo y saber qué pasa con su vida.

Trailer subtitulado

Podría decirse que la película es predecible; pero al menos yo no esperaba que pasase lo que pasa. Al menos no al principio. Las reflexiones finales me parecieron muy bonitas. El final, las escenas finales: maravillosas.

You better buckle up, adventure calls!*

2011-12-02T15:57:00.001+01:00

Este año no he tenido unas verdaderas vacaciones. Me hace falta desconectar y tachar algunas cosillas de la bucket list, así que me iré de aventura unos días. Espero regresar con las pilas cargadas y alguna experiencia que compartir, que mi destino tiene muchos rincones cinematográficos.

¡Hasta pronto y que veáis muchas buenas pelis en mi ausencia!

*Cita del piloto de una de mis series favoritas esta temporada, Pan Am.

The Help: calentando motores para los Oscars

2011-12-01T15:28:00.001+01:00

La sociedad americana desde los ojos del “servicio”, las encargadas de hacer aquello que las norteamericanas sureñas de clase alta no hacían: limpiar, cocinar, criar hijos. En realidad, creo que prácticamente lo mismo que hoy en día: las mujeres de clase alta, al menos algunas, siguen dependiendo del servicio de otras personas para hacer lo que ellas no hacen.

Tenía muchas ganas de ver a Emma Stone en un papel dramático. Me encantó verla hacer algo que le exige más que hacerme reír (para lo que es buenísima). Su papel es el de una mujer avanzada para su época, que tiene que soportar que la juzguen y critiquen por ser diferente.

Me ha gustado Bryce Dallas Howard en el papel de una racista, que logra escandalizar hasta a sus amigas con las cosas que es capaz de decir sin que se le mueva un pelo. No resultó nada difícil detestar al personaje. Aunque no es difícil, considerando las cosas que hace.

Jessica Chastain me conquistó desde la primera escena. El personaje es adorable, amigable y su relación con Minny me hizo sonreir constantemente. La decisión de elegirla como antagónico del personaje de Bryce Dallas Howard es perfecta: ambas son relativamente similares físicamente y sus personajes tienen el mismo comportamiento, sólo que opuesto. Excelente.

Viola Davis y Octavia Spencer hacen un trabajo excelente. Si bien les ha tocado trabajar con personajes que tienen mucho en común con otros personajes de este tipo de películas, están muy bien ambas en los papeles que les tocan y resultan creíbles.

Me gustó la forma en que está contada la historia, cómo se enfoca en las criadas a través de la historia que cuenta Aibileen.Y cómo lo combina Tate Taylor con la relación entre Aibileen y Skeeter; sin dejar de lado lo que pasa en la vida de Skeeter. Me gustó que no se enfoque solamente en la historia de Aibileen, sino que nos cuenta a través de ella lo que vivían todas las mujeres de la época.

Trailer subtitulado

The Help cubre una cantidad de temas que aún siguen siendo actuales. Habla de cosas que no sólo ocurrían en el sur de los Estados Unidos, habla de cosas que hoy en día siguen ocurriendo, y habla de un modo que consigue que reflexionemos sobre ellos. The Help grita Oscar. Y espero que se lleve varias nominaciones, especialmente por los trabajos de las actrices (aunque espero que Meryl Streep se lleve el suyo por su trabajo como Margaret Thatcher). Se las merece, todas y cada una de las mujeres que trabajaron en The Help han hecho un trabajo maravilloso.

Wristcutters, una historia de amor

2011-11-28T18:03:00.001+01:00

Una especie de mundo paralelo/purgatorio, donde los suicidas viven vidas semi-normales? ¡Tenía que ver Wristcutters!

Lo interesante de la película es cómo los personajes asumen esta nueva vida rápidamente, y cómo interactúan en este mundo alternativo que carece de reglas; pero funciona casi como el mundo real, incluida la existencia de policías. Por otro lado, eso es completamente normal, considerando que los personajes viven en un mundo similar y van a comportarse de modo similar a como lo hacían en vida.

No voy a contar más de la trama porque vale la pena que la veáis sin saber mucho más. ¿Por qué? Porque al menos yo no me esperaba el final (o no quise esperarlo), y espero que vosotros tampoco. Porque así la película conseguirá lo que consiguió en mí. ¿Qué? ¡Pues a verla y a comentar qué os pareció el final!

Trailer en inglés, sin subtítulos

This is where we live: libros y stop-motion

2011-11-25T19:55:00.001+01:00

Hace un tiempo compartí un corto de Spike Jonze que estaba ambientado en una librería. Hoy quiero compartir uno que también está inspirado y creado a partir de libros. De sus hojas, para ser más exacta.

Los creadores del corto se presentan así:

Bienvenidos a nuestra ciudad –nuestro mundo- de libros. Aquí es donde vivimos.

This is where we live fue rodado para el 25º aniversario de 4th Estate Publishers y producido por Apt Studio y Asylum Films. Se rodó en 2008, con un dolly casero, y tardaron tres semanas.

The Darjeeling Limited: Un viaje por la India con Wes Anderson y sus personajes

2011-11-20T15:53:00.001+01:00

Tres hermanos. Un viaje por la India. Owen Wilson, Jason Schwartzman y Adrien Brody dirigidos por Wes Anderson. La película es la continuación de un cortometraje que había visto hace un tiempo y que me había gustado mucho, Hotel Chevalier, así que había que verla.

Lo primero que me gustó fue el colorido. La fotografía capta perfectamente el ambiente y le da vida a los colores. El tren y su decoración son excelentes. No sé suficiente sobre la India como para saber si los trenes son como el Darjeeling Limited; pero al ser un elemento que combina perfectamente con lo demás que se ve en la película, me creo que sean así.

Otra cosa que me llamó la atención es que los “secretos” entre los hermanos no son el elemento principal del guión, sino que son simplemente una forma de presentar a los personajes y el tipo de relación que hay entre ellos. También que haya elementos del cortometraje, como la música y algunos datos que continúan la historia; pero que en general no sea una continuación per se de la historia (simplemente es lo que ocurrió con uno de los personajes después del encuentro). Y me gustó mucho, pero mucho, el final.

Trailer subtitulado

Ahora tengo algo que confesar: por más que veo con muchas ganas todo lo que puedo de Wes Anderson, no termino de entenderlo. Todo comenzó con los Tennenbaum, que vi después de cansarme de escuchar que era una obra maestra. A mí no me movió un pelo. No capté el mensaje. Lo mismo me pasó con Life Aquatic, a la que tampoco le encontré la gracia. Hotel Chevalier sí me gustó, y por ello quise ver The Darjeeling Limited. Y en este caso, si bien no capturé todo lo que supongo que se pretendía decir, mi forma de ver la historia fue diferente. Quizás eso signifique que deba volver a ver las otras películas, puede que sea ahora que termine de entenderlas. Porque, si bien no es exactamente igual, en The Darjeeling Limited encontré varios puntos en común con The Royal Tennenbaums. Son una huella de estilo de Anderson como guionista, sí; pero si esta vez me resultó más interesante, por algo es.

Le gamin au vélo

2011-11-16T20:35:00.001+01:00

Había leído que se trataba de una película especial. La recomendaban mucho, así que tenía muchas ganas de verla. Sin embargo, debido al tema de la historia, nunca estaba de ánimo para verla. Y una noche fría y ociosa, decidí que era hora de encontrarme con la historia del niño y su bicicleta.

Le gamin au vélo es la historia de un niño abandonado. Su padre le ha dejado en un orfanato, y Cyril (Thomas Doret) decide encontrarle. Cuando va a buscarle, descubre que en el piso donde vivían ya no hay nadie; pero el destino le tiene una sorpresa: alguien tiene su bicicleta. Con su bicicleta y la ayuda de la mujer que se la devuelve, Cyril comienza la búsqueda de su padre.

La relación de Cyril con Samantha (Cécile de France) es extraña, por decir algo. Me cuesta entender cómo una persona que no le conoce decide asumir su cuidado de la nada. Pero claro, sin este elemento la historia no podría haber funcionado (y tampoco es que sea algo extraño, muchas historias en la ficción comienzan así). De hecho, la relación resulta muy bonita, a pesar de que al principio no logre comprender cómo puede formarse de la nada.

En cuanto a la bicicleta, Cyril tiene una relación muy particular con ella. Todos, de pequeños, hemos tenido un juguete o una bicicleta a la que le tuvimos mucho cariño. La de Cyril no sólo es eso, sino que es lo único que le queda del padre. Y gracias a ella, comienza a relacionarse con gente que influye en su historia personal. No quiero entrar mucho más en el análisis de la historia para no soltar spoilers; pero ya sabréis por el título que la bicicleta es especial.

Trailer en V.O., sin subtítulos

La sensación que me dejó es también un tanto extraña. Una especie de amargura, tristeza y pena. Pero como digo siempre, cuando una película nos despierta algo, es porque es buena. Así que confirmo que vale la pena verla.

Beginners: Cómo empezar a vivir en cualquier momento de tu vida

2011-11-13T18:12:00.001+01:00

Imagina que tu padre te confiese, con setenta años, que es gay. Así comienza Beginners. Con un Ewan McGregor comedido, triste, haciendo el papel de un hijo que tiene que superar la muerte de su padre (Christopher Plummer). Un hijo que vivió la muerte de su madre por culpa del cáncer, que asumió la noticia de la sexualidad de su padre y su nueva vida (incluida su nueva pareja, interpretada por Goran Visnjic). Un hijo que luego de perder a su padre -también como consecuencia del cáncer- asume el cuidado de su mascota, un simpático Jack Russell que es completamente dependiente de su nuevo dueño. Y entonces, un día, conoce a una chica en una fiesta de disfraces (Mélanie Laurent). El resto, bueno, para saber el resto tendréis que ver la peli.

Me gustó que la película está contada desde una especie de paralelismo entre lo que vivió el protagonista con sus padres y su propia historia, con algunos detalles (imágenes que podrían ser pensamientos, símbolos, pistas para comprender mejor al personaje). Además, el personaje de Ewan McGregor es diseñador gráfico, y a través de sus dibujos conocemos más de sus pensamientos, emociones y sentimientos.

Adoré la relación del personaje de Ewan McGregor tanto con su padre como con Anna (Mélanie Laurent). Adoré la comparación de su historia con la de sus padres, la forma en que enumera los elementos y detalles de su vida y la historia –que me recuerda mucho al estilo de Jean-Pierre Jeunet-. La música y el piano, que por momentos sonaba tan similar al piano que musicalizaba la historia de Amélie Poulain… maravilloso.

Trailer subtitulado

Os dejo un detalle: la película es en parte autobiográfica. El padre del director (Mike Mills) salió del clóset luego de la muerte de su esposa. Quizás por esto, la película resulta cercana y casi como si fuese un amigo el que no está contando su historia.

Lars y la chica real

2011-11-06T21:07:00.001+01:00

Lars and The Real Girl es una película curiosa. La historia en sí parte de algo que podría resultarnos un poco inverosímil, aunque en realidad no lo es tanto. Sí sería extraño que nos encontrásemos un caso de estos; pero que los hay, los hay.

La historia de Lars es una historia interesante. La historia de un hombre solitario, que “sufre un trastorno” o simplemente es incapaz de relacionarse de un modo “normal”. Hasta que Bianca aparece en su vida. Entonces, Lars empieza a comportarse como la sociedad exige, y sin embargo todos piensan que está loco. Y lo que es aún más curioso, todos le siguen el juego: familia, compañeros de trabajo, su médico…

Me pregunto si en la vida real esto ocurriría. Sí, le seguimos el juego en algunas fantasías a la gente; ¿pero al punto que se lo siguen en la película? ¿Sería bueno aceptar y alentar las fantasías de las personas? En cierto modo, las personas del pueblo ayudan a Lars al seguirle el juego. Él marca las reglas, ellos sólo reaccionan naturalmente. Bianca se transforma en una parte de la comunidad, lo que lleva a Lars a interactuar con ellos de un modo más “natural”. De alguna forma, la entrada de Bianca en las vidas de todos fue positiva. Aún para Lars (la razón no la diré, que os contaría toda la peli).

El trabajo de Ryan Gosling es, como siempre, buenísimo. Lo mejor de la película. Empiezo a creer que no hay nada que este muchacho pueda hacer mal. El resto del cast está muy bien, también. Esta es una de esas películas en las que la historia es más importante que cualquiera de los aspectos técnicos. No hay planos maravillosos, no hay una fotografía que enamore, ni un guión que sorprenda demasiado. Sin embargo, la película me resulta buena, sencilla, tierna. Me ha hecho reflexionar un poco sobre algunas cosas, que creo que es lo que se pretendía. Y me quedo con esas preguntas que despertó en mí.