¡Ahora critico yo!

Atrapado por el pasado (Campbell's way) 2. Los Hombres G

2023-01-16T09:00:00.001+01:00

Suelo tener el vicio, una vez disfruto de algún contenido audiovisual, de seguir un rastro, de que una cosa me lleve a otra para seguir descubriendo rincones del séptimo arte y crear así un ciempiés eterno: un director, una actriz, un estilo de hacer cine, un leitmotiv…

En este caso, estaba en la Wikipedia leyendo sobre la historia de los Hombres G, ya que acababa de ver, disfrutándolo mucho a pesar de mi predisposición inicial a odiarla, ‘Voy a pasármelo bien’. El tráiler me había dado a entender que se había hecho un ‘Mamma Mia’ en toda regla, es decir, habían creado una trama con más o menos lógica para ir enchufando uno tras otro los grandes éxitos de los Hombres G. Mi intención de machacarla se desvaneció al minuto y medio y disfruté la peli como un enano.

Estaba en la Wikipedia, como decía, y descubrí el origen del nombre del grupo. Siempre pensé que los miembros del grupo eran tan soberbios que se pusieron el nombre pretendiendo ser los hombres Guapos, o los Grandes o los Guays (para mí, que por culpa de mi hermana mayor los escuchaba a todas horas, eran los Gilipollas)… y resulta que tenía que ver con James Cagney y la película ‘Contra el imperio del crimen’ (G-Men, en original).

Evidentemente, me fui de cabeza a verla ya que era otro de esos clásicos pendientes al que nunca le había encontrado el momento adecuado. Y ¡Oh, sorpresa, qué maravilla! Está muy bien tramada y tiene una resolución muy redonda, que luego ha sido copiada hasta la saciedad.

¡Qué manera de dirigir por parte de William Keighley! Un hombre que no ha pasado a la historia con letras doradas a pesar de haber dirigido superclásicos como este, o como el Robin Hood de Errol Flynn.

¡Qué persecuciones en coche! Grabadas 60 años antes de ‘Ronin’ y 80 años antes de la saga ‘Fast&Furious’. Y eso que aquí no había ni un solo efecto digital y, como mucho, se permitían acelerar un poco el ritmo de reproducción para que pareciera que corrían más.

Reconociendo sus carencias, que son muchas y variadas, la disfruté tanto como la protagonizada por Raúl Arévalo y Dani Rovira que, sea dicho de paso, lo hacen bastante mejor que James Cagney y Ann Dvorak.

Así, tanto ‘Voy a pasármelo bien’ como ‘G-Men contra el imperio del crimen, son dos películas que he podido disfrutar mucho, de manera seguida (cosa poco frecuente), con absolutamente nada en común. Bueno, una sola letra, esa G mayúscula que en un film hacía sufrir a los gángsters y en otro a los mamones.

Atrapado por su pasado (Campbell’s way) 1. La caza

2023-01-09T09:00:00.001+01:00

1. La Caza (Thomas Vinterberg, 2012)

Lo primero que debo decir es que cuando me pongo a ver una película, intento hacerlo bajo dos premisas: (1) tener el mínimo de inputs de esa cinta en concreto, para estar tan poco influenciado como sea posible, y (2) hacerlo con la mente en blanco, intentando no hacer vínculos con otros films si no es que son la secuela de aquél o la continuación del otro. Con ‘La Caza’ (maravillosa película de Vinterberg bastante alejada de aquel movimiento Dogma con el que se dio a conocer junto a Von Trier), no fue posible.

Y es que estuve todo el rato con la duda: a los 15 minutos de película, cuando se lía parda con el personaje de Mads Mikkelsen (soberbio, por cierto) se creó en mi cerebro el link con ‘La Calumnia’ (William Wyler, 1961), con las interpretaciones magistrales de Audrey Hepburn y Shirley McLaine, y ya no me abandonó.

La base es la misma: la mentira de una niña hace que se desarrolle toda una historia de hundimiento. Hundimiento físico de los protagonistas, que son las víctimas aparentes, pero también el hundimiento moral de todos los que les rodean, que dejan caer sus máscaras de hipocresía para que puedan salir a flote sus instintos más primarios, sus reacciones más viscerales.

Al final, las dos películas son víctima de su tiempo y así como en la película de Wyler la mentira habla sobre la homosexualidad, una temática muy tabú en el momento y hoy en día (en principio) superada, ‘La Caza’ trata del abuso infantil, lacra que si bien ha existido siempre salió a la superficie con el nuevo milenio.

¿Sabía Vinterberg de la existencia de ‘La calumnia’? Creo estar convencido de que sí y la duda es si se trata de un plagio voluntario o de una coincidencia inconsciente. ¿Es homenaje o es “inspirado en…”? ¿O no tiene nada que ver una con la otra? Y lo más importante: ¿Por qué tuvo tanto reconocimiento ‘La Caza’ y se recuerda tan poco a la meritoria ‘La Calumnia’?

Dos grandísimas películas, que merecerían columna individual cada una, pero que estarán unidas en mi mente para siempre.

¡Cierren las puertas romboides!

2023-01-03T09:00:00.001+01:00

El nombre de ésta columna de opinión es para los más acérrimos seguidores de Star Wars un momento mítico y concreto de la epopeya galáctica de George Lucas. La primera. La única. La original. La buena, vamos.

Hacia el final de la película, cuando todos los implicados en la trama pululan por el interior de la Estrella de la Muerte cada cual a lo suyo, nos encontramos a Han Solo y Chewbacca escapando de un grupo de stormtroopers por los pasillos de ese terror tecnológico que ha construido el Imperio (Darth Vader dixit). El capitán de los soldados ordena en voz alta, se supone que a algún subalterno que está en el puesto de mando de la nave, que "cierre las puertas romboides". En ese momento, Han y Chewie, que corren tratando de esquivar los disparos láser de los soldados, atraviesan una puerta que se cierra tras ellos. Al llegar los soldados y encontrarse con el paso cerrado, el capitán del grupo exclama "¡abran las puertas romboides, abran las puertas romboides!".

Ese fue mi primer contacto con la voz de Pepe Mediavilla. En ese momento no sabía quién era, pero me resultaba curioso observar que cada vez que un stormtrooper abría la boca para decir algo siempre sonaba la misma voz.

Durante años pensé que era el caso de un actor de doblaje que hace varios papeles muy ocasionales. "Hombre en bar", "policía", "marinero en cubierta"... diferentes personajes de una película con una única frase que podía doblar el mismo actor sin que nadie notase que eran la misma persona. Entonces, un día llegó George Lucas con la nueva trilogía y nos descubrió que muchos de los stormtroopers eran clones y en ese momento, algo que probablemente se hizo para agilizar el doblaje, quedó como un acierto total dentro del mismo.

Durante los primeros años de carrera como actor de doblaje, Pepe Mediavilla interpretó este tipo de papeles y poco a poco fue consiguiendo asociar su voz a personajes más importantes. Su potente voz encaja perfectamente con personajes duros y en muchas ocasiones malvados, pero al mismo tiempo su gran vis cómica también queda como un guante en personajes mucho más bondadosos.

En 1980, el estreno de 'Brubaker' provoca un punto y aparte dentro de la carrera de Mediavilla puesto que es la primera vez que pone voz a Morgan Freeman aunque todavía no es una asociación total. En las siguientes películas, Freeman alterna su voz en castellano con otros actores pero cuanto más famoso se hace el actor más habitual es oirle con la voz de Mediavilla.

'Sin Perdón', 'Cadena Perpétua' y 'Seven' son grandes éxitos de taquilla y marcan el comienzo de una asociación vocal permanente que, salvo en ocasiones puntuales, continuó hasta la muerte de Mediavilla. Es la más longeva de su carrera aunque probablemente no la más conocida.

En 2001 Pepe Mediavilla acaba siendo descubierto por el gran público tras prestar su voz a Ian McKellen en la saga de 'El Señor de los Anillos', cuya interpretación de Gandalf es ya inmortal: uno de sus mejores y más alabados trabajos.

El gran Pepe Mediavilla nos dejó en 2018 pero tan sólo tenemos que dirigirnos hacia la Tierra Media (o recorrer los pasillos de la Estrella de la Muerte) para volver a reencontrarnos con él y su potente voz.

A más ver, mis valientes hobbits. Mi labor ha concluido. Aquí, al fin, a la orilla del mar, llega el adiós a nuestra Compañía. No diré "no lloréis", pues no todas las lágrimas son amargas.

Atrapado por el pasado (Campbell's way) 0. ¿Por qué?

2023-01-02T09:00:00.001+01:00

En mi cabeza, un tanto perturbada, siempre he separado la historia del cine en tres grandes etapas:1) Lo nuevo, que lo enmarco entre mediados-finales de los 90 y la actualidad. 2) Lo moderno, que llegaría hasta lo nuevo y empezaría a finales de los 60, con la aparición de esas películas que marcarían un antes y un después en la historia del cine, una manera de hacer diferente ('El graduado', 'Easy Rider', '2001: Una odisea del espacio'...) y 3) El cine clásico, que engloba desde los obreros saliendo de la fábrica hasta lo moderno.

Desconozco el motivo exacto, pero sin duda me quedo con este último apartado. ¡Ni mucho menos desprecio los otros! Mi peli favorita es 'El Padrino', flipé con 'Star Wars', no hay reposición en la tv de Indiana Jones que no me atrape por vigésimo cuarta vez, me agarró a la butaca el biopic 'Bohemian Rapsody' y me hipnotizó la belleza de 'Melancholia', de Von Trier.

Pero aunque disfrute mucho de Hoffman, de Pitt, de Hathaway, de Johansson, de Redford o de Streep, me quedo sin duda con los otros, los anteriores: el bueno de James Stewart, el rollete que se llevaba Cary Grant, la elegancia en el baile de Gene Kelly y Ann Miller, la preciosa serenidad de Grace Kelly, el poder actoral de las dos Hepburn: Katherine y Audrey. Y me quedo con Wilder, Wyler, Truffaut, Hitchcock, Capra, Ford, Huston, Fellini...

Prefiero el cine clásico porque me sugiere más autenticidad. Como si las conversaciones de Bogart y Bacall fueran las primigenias y nadie las hubiera tenido antes. La originalidad de lo primerizo acaba siendo priorizado a la perfección de la que se ha conseguido desarrollar más y, no lo niego, mejor en épocas posteriores.

Prefiero el cine clásico porque sólo los Monty Python o Friends me han hecho reír tanto como Chaplin o Laurel & Hardy.

Lo prefiero porque personajes como Hedy Lamarr, Joan Crawford, Bela Lugosi o la familia de los musicales de la Metro, ahora son imposibles y las grandes estrellas de hoy en día son caricaturas de sí mismos.

Por eso, desde esta columna tengo la desafiante tarea de atraer a mi mundo a todos aquellos desaventurados que osáis adentraros en él. Intentaré convencer de las maravillas del blanco y negro a todos los que consideráis que 'El Club de la Lucha' es ya una "película antigua" (¡odio esta expresión!).

De ahí el título de esta columna, Atrapado por su pasado, no sólo como homenaje a otro genio como de Palma, sino para ir descubriendo juntos la belleza del origen, de aquello que ocurrió por primera vez (desde un movimiento de cámara a un género cinematográfico entero), de aquellos actores y actrices que inventaron los métodos, las maneras y los estilos. De los directores que inventaron el cine que hoy en día conocemos y que disfrutamos no solo en las salas, sino en todo tipo de pantallas.

¡Pasad y disfrutad!

5 películas que no presagiaban grandes carreras

2022-12-30T09:00:00.001+01:00

Parece fácil hacerse un hueco en el cine cuando se tiene mucho talento, pero no todos los directores han tenido los grandes inicios de carrera de Steven Spielberg, Ridley Scott o Robert Redford… Hoy veremos cinco ejemplos de directores que tuvieron inicios complicados, con películas muy inferiores a la calidad que nos demostraron mucho más adelante.

El tren de Bertha (Boxcar Bertha, 1972)

Película muy irregular con escenas de auténtica serie B, como el tiroteo final. Es una película sencilla que no aspira a más de lo que ofrece. Se deja ver, pero no dirías que ninguno de sus protagonistas, Barbara Hershey y David Carradine llegaran a nada. Tampoco su director.

Director: Martin Scorsese (Taxi Driver, Casino, Toro Salvaje, Uno de los nuestros…)

Sal y Pimienta (Salt and Pepper, 1968)

Ni siquiera es entretenida. Película hecha para evitar el aburrimiento entre borracheras en Las Vegas, quiso ser una vía de lucimiento para Sammy Davis Jr. y Peter Lawford, que no se lucen para nada. Para ser una película ligera, 100 minutos de aburrimiento siguiendo una investigación que no interesa, es demasiado.

Director: Richard Donner (Superman, La profecía, Arma Letal, Los goonies…)

Saludos (Greetings, 1968)

Locura incomprensible que mezcla la historia de un obseso con el asesinato de Kennedy, un futuro fotógrafo/cineasta y un intento de evitar el reclutamiento para Vietnam. Ni el debut de Robert de Niro la salva. Situaciones inconexas y malas ubicaciones de cámara. Se entiende que quisiera romper con lo establecido, pero acaba rompiendo el alma.

Director: Brian de Palma (Atrapado por su pasado, El precio del poder, Los intocables de Elliot Ness, Missión: Impossible… )

Piraña II: Los vampiros del mar (Piranha part two: The spawning, 1981)

Segundas partes nunca fueron buenas (aunque este director nos demostrara años después que podía hacer la excepción) y segundas partes de películas malas suelen ser aún peores. Piraña 2 está llena de clichés mal desarrollados y de voluntad de sorpresa fallida. Si uno tiene afán completista y la quiere ver, allá cada uno con su tiempo libre.

Director: James Cameron (Terminator I i II, Titanic, Avatar…)

El cuchillo en el agua (Nóż w wodzie, 1962)

Al final, es cierto que la escasez de recursos ayuda poco. Pero… ¿quién daría recursos después de ver esta película? Mal actuada, mal guionizada y con una dirección poco firme. Cierto es que el cine polaco de los 60 nos es tan lejano que no ayuda a su visualización, pero creo que para los polacos (aunque la mandaran a los Oscars y fuera una de las cinco nominadas) tampoco fue fácil.

Director: Roman Polanski (La semilla del diablo, Chinatown, El Pianista, La venus de las pieles…)

Cinco grandes directores, cinco grandes fiascos como películas. Por suerte, tuvieron las oportunidades, los medios y los recursos para seguir en el intento, ya que sería inimaginable un universo sin sus películas.

GENTE CORRIENTE - Cuando el niño guapo, también es listo

2022-12-29T09:00:00.002+01:00

Hay debuts y debuts. No es lo mismo intentar hacerte un hueco en la dirección viniendo de nuevo, que si ya estás metido en la industria. Hoy os explico que he visto Gente Corriente, la primera película como director de Robert Redford.

A primera vista, con apenas 5 minutos de metraje, ya sabes de qué irá la película, aunque quizá no sabes cómo se adentrará en esos terrenos tortuosos de la psicología. Redford lo hace poco a poco, empieza con un par de tonterías, como si te fuera a contar algo banal y las va engrandeciendo hasta que te topas con una tormenta de sentimientos que te abruma.

En gran parte, el mérito es de sus dos actores principales: Un Donald Sutherland contenido, muy contenido, pero expresivo a la vez, que muestra la caldera interna a punto de explotar. Sin duda uno de sus mejores papeles. Por otro lado, el debutante Timothy Hutton, que con apenas 19 años es capaz de hacernos comprender el tormento y la culpa, el deseo y el miedo, la esperanza y la demanda, el amor y el duelo y tutti quanti sentimientos de un adolescente, todos mezclados en su justa medida y cada uno con sus matices, para ofrecernos una actuación antológica.

Judd Hirsch y una jovencísima Elizabeth McGovern les ayudan y los cuatro juntos contrarrestan la actuación pétrea de Mary Tyler Moore (nominada a mejor actriz, más por su guion que por su actuación…) que resta al conjunto general.

A Hollywood le encanta que sus niños guapos se demuestren además listos, algo que se vería repetido más adelante con Kevin Costner, Mel Gibson o George Clooney entre otros. Antes que a todos estos guaperas, la academia premió a Robert Redford y su película debutante con 4 Oscar: Mejor película, director, guion y actor secundario (merecidísimo, para Hutton).

En definitiva, es una grandísima película a la que hay que darle 20-25 minutos de margen para una presentación pausada de los personajes que, en la siguiente hora y media, te atraparán sin remedio.

Nota final: 8

CORTINA RASGADA - Una obra (no tan) menor de Hitchcock

2022-12-08T09:00:00.002+01:00

Que Hitchcock es uno de los grandes directores de la historia del cine es una obviedad. Y aunque se le reconocen también algunas películas fallidas (‘Pero…¿Quién mató a Harry?’, ‘Topaz’…), quizá no acaben siendo malas y, sin duda, son superiores al mejor film de muchos otros directores. ‘Cortina rasgada’ es un ejemplo de ello.

Cortina rasgada es hija de una época y de un momento histórico. La guerra fría estaba en su apogeo, en el momento más tenso entre los dos lados del muro de Berlín, y el telón de acero (esta es la cortina a la que se refiere el título) separaba a los buenos de los malos. Hitchcock se pone al servicio de los buenos con una película que no es de terror, ni de suspense prácticamente, sino de intrigas políticas y un poco de espionaje.

A pesar de no ser la mejor producción de Hitchcock, no debemos olvidar quien estaba tras las cámaras. El talento le supuraba e, incluso sin querer, nos deja escenas como la del autobús, o la del teatro, simplemente magistrales. En realidad no pasa nada, y ya sabes que lo que podría pasar no pasará porque sería el fin de la película, pero la tensión es genuina y atrapa al espectador contra la butaca (o debería decir contra el sofá…) sin remedio.

A pesar de contar con un reparto inmejorable en ese momento, éste es seguramente uno de sus puntos flojos. Julie Andrews sorprende en la primera escena en una actitud poco “marypoppiniana”, pero después adopta el papel de acompañante del protagonista y no lo suelta en ningún momento. Su actuación no aporta nada a la película, aunque tampoco estorba porque, como digo, no hace nada.

Tampoco Paul Newman, grande entre los grandes, nos regala aquí ninguna gran actuación. La contención de su personaje, un frío científico, le ata tanto que apenas si expresa nada y en las escenas en las que se supone que está tenso tiene la misma cara que cuando está indeciso o cuando está asustado. Parece que un actor sin nombre se hubiera puesto una careta de Paul Newman y hala, a correr.

En general es una película entretenida, con actuaciones justitas por parte de sus protagonistas y directamente malas del resto del reparto, a quien no actuar en su idioma original le pesa. Hay, como decía, algunas escenas magistrales que te recuerdan quien manda en el mundo del cine por muchos años que pasen y que, como no podía ser de otra manera, el que tuvo, retuvo.

Nota final: 6'5

3x04 Jordan Peele, una persona transvulsa

2022-11-12T12:11:00.000+01:00

Transvulso: dícese de aquel que está trastornado y convulso a partes iguales.

¿Podemos aplicar esto a la figura de Jordan Peele? Nuestra opinión es que sí, puesto que la palabra nos la hemos inventado nosotros.

3x03 Jim Henson y sus moñecos

2022-11-12T12:10:00.003+01:00

3x02 Películas para dar el cante

2022-11-12T12:05:00.002+01:00

3x01 El verano es para ver cine

2022-10-24T19:00:00.002+02:00

01x06 ¿Envejecen las películas o envejecemos nosotros?

2021-07-15T09:04:00.005+02:00

01x05 Cine de culto: ¿es Domhnall Gleeson hijo de si mismo?

2021-06-18T09:25:00.003+02:00

01x04 Emma Watson da para lo que da y la moda de los actores tras las cámaras

2021-06-06T11:02:00.004+02:00

Episodio número 4 de ¡Ahora critico yo! con los mismos personajes de siempre: Charlie, David y Tirso. En este episodio caen un par (o más) de palos a Emma Watson y se repasa los casos de actores que han pasado a dirigir películas.

01x03 El doblaje: el arte que consigue que Nicolas Cage parezca buen actor

2021-05-28T10:00:00.005+02:00

A lo largo de la historia siempre ha habido eternos debates que nos han quitado el sueño ¿Piña en la pizza? ¿Tortilla de patatas con o sin cebolla? ¿Doblaje o VOSE? En esta ocasión, David, Charlie y Tirso vuelven al eterno debate y comentan, critican y destacan (una vez más) sobre el doblaje.

01x02 Robin Williams, su barba y la paradoja de Nicolas Cage

2021-04-16T08:55:00.002+02:00

Volvemos a por más: esta semana repasamos la carrera de Robin Williams, uno de los actores más carismático de finales de los 80 y todos los 90.

01x01 Copias, homenajes y Nicolas Cage

2021-03-26T16:40:00.001+01:00

Os presentamos el podcast de ¡Ahora critico yo! Dónde Charlie, David y Tirso comentamos nuestras impresiones e idas de olla sobre el cine. En esta ocasión repasamos algunos de los remakes que más nos han marcado, con un invitado especial: Nicolas Cage.

Mulán (2020). Todo mal.

2020-09-10T10:00:00.001+02:00

Tras darle una infinidad de vueltas en mi cabeza, he decidido abordar el tema de 'Mulán' (Niki Caro, 2020), la nueva adaptación de carne y hueso de Disney. No os voy a engañar: la nueva adaptación de la distinguida compañía no me gustó nada, una vez más han demostrado haber vendido su alma al diablo para poder llenarse el bolsillo.

⚠️ALERTA SPOILER: al no tratarse de una crítica al uso, más bien de un artículo sobre lo que pudo y no fue, tal vez se me escape algo. Si continuas leyendo lo harás BAJO TU RESPONSABILIDAD, INSENSATO.

Tal vez, lo que todos esperábamos era una adaptación que nos transportase a la niñez. Ciertamente ese sea nuestro error. Pero lo cierto es que 'Mulán' (Tony Bancroft, Barry Cook, 1998) era muchísimo más película que su adaptación. Si la intención de Disney era transformar una cinta de animación "infantil" en una obra más madura: primer error. 'Mulán' (1998) ofrece al espectador una reflexión profunda sobre el papel de la mujer dentro de una sociedad machista, como lo es era China en su día.

Tampoco podemos decir que la nueva 'Mulán' sea más adulta u oscura, puesto que originalmente Shan-Yu imponía infinitamente más que ahora. ¿Recordáis la escena de 'Mulán' (1998) del campamento derruido y el peluche de la cría? Cito textualmente una de sus frases justo antes de atacar un poblado:

"Esta muñeca será de alguna niña, hay que devolvérsela"

¡Si señor! En esta ocasión (2020) Shan-Yu es un mero títere de un nuevo personaje, que no nos aporta absolutamente nada y que, finalmente, acaba siendo un bonachón. Topicazo al canto.

Contrariamente, al tratarse de una película de origen asiático, podría haber ido más allá y tomar como ejemplo 'Hero' (Yimou Zhang, 2002) o 'Tigre y Dragón' (Ang Lee, 2000). Es cierto que picar en ambas obras es ir muy lejos, no obstante no hay que dejar la ambición a un lado, pudiendo ofrecer una obra maestra y dejar a todo el mundo aplaudiendo desde su butaca. Cabe destacar que 'Mulán' (2020) ha tenido 22 años de historia del cine más que su antecesora para ver que proyectos tienen éxito y cuáles no.

La gota que colma el vaso sea y que refuerce toda la teoría del poco esfuerzo, cariño y dedicación que han dedicado en esta adaptación, sea la falta de ideas para poder desarrollar la versión 2.0 de Mulán. Hago hincapié en el simple hecho que, habiendo quitado uno de los personajes clave, la obra llegue a durar media hora más.

¿Esfuerzo? ¡Tengo chi, colega!

Sumando la tontería del chi, como excusa de que Mulán es una gran luchadora porque tiene una habilidad especial gracias al chi. Y os preguntaréis: ¿pero 'Mulán' (1998) no nos enseñaba que todo esfuerzo tiene su recompensa? Nada más lejos de la realidad, para Disney eso no existe: ahora Mulán es super sayan y con un mínimo esfuerzo acaba con ~~Freezer~~ Shan-Yu.

Puedo entender que se ahorrasen las canciones y el tono cómico de la original. Podría llegar a esforzarme y valorar porque han borrado un personaje tan clave como Mushu. Sin embargo, lo que no entiendo es que dejando todo esto de lado, el resultado final sea una obra mediocre que olvidaremos en un tiempo. No por nada en especial, más bien por no mancillar una de esas obras que muchos recordamos con cariño.

¿Y a ti quién te ha invitado a esta fiesta?

Nota final: 3

La "magia" de Disney: los refritos de nuestra niñez

2020-09-07T10:00:00.002+02:00

"Hollywood está falto de ideas". Una frase que, a día de hoy, esta cada vez más en boca de todos y aunque nos duela, somos incapaces de negarlo. Vivimos en una época donde las secuelas, precuelas, adaptaciones sin sentido y los refritos fríos están a la orden del día. Pero si dentro del mundillo hay alguien que se lleve la palma, es la grande e inacabable Disney.

En los últimos años, la famosa franquicia de Mickey Mouse ha transformado un buen puñado de éxitos de nuestra niñez en recreaciones de carne y hueso: 'Alicia en el país de las maravillas', 'Cenicienta', 'La Dama y el Vagabundo', 'Aladdin' o 'Mulan' son algunos ejemplos. Y no es algo pasajero o que vaya a terminar en breves: Disney tiene programadas otros seis proyectos y algunos rumores más. ¿Es realmente necesario?

~~Ni de puta coña.~~ No. La realidad es que, por desgracia, Disney ha dejado de apostar por películas de animación con fuerza y carácter, hace muchísimo que no tenemos una obra de animación de calidad para los más pequeños. Si tiramos de memoria, los mayores éxitos de la compañía en el cine morderno, los firma Pixar. ¿O a caso recordáis alguna película después de 'Zootrópolis' que sea tan buena como ésta? Es cierto que ha habido proyectos interesantes como 'Enrededados', 'Big hero 6' o 'Vaiana', pero desde esta última han pasado ya cuatro años. Por cierto, no menciono 'Frozen', porque no hay nada más sobrevalorado que 'Frozen', por Dios.

No obstante, está claro que cuando algo lleva el sello Disney, las masas acudirán al cine sin pensarlo dos veces. Naturalmente, si se trata de una cinta que, además, tratará de transportarnos a nuestra niñez ahí ya nos tienen ganados. Porque desengañémonos: la realidad es que preferiremos mil y una veces volver a ver una nueva adaptación de 'El Rey León', que jugárnosla con un proyecto nuevo, novedoso y que pueda cautivarnos. ¿Qué no? Los números no mienten señoría:

El Rey León (2019): 1,656,943,394$

Frozen (2013): 1,280,802,282$

Alicia en el País de las Maravilla (2010): 1,025,467,110$

Zootropolis (2016): 1,023,784,195$

La Bella y la Bestia (2017): 1,242,805,359$

Aladdin (2019): 1,050,693,953$

El Libro de la Selva (2016): 966,550,600$

De siete películas, solo dos son originales de Disney. El resto adaptaciones de carne y hueso. Un punto extra si miramos los años de estreno de las mismas: en los últimos 4 años, Disney ha recaudado muchísimo más con este tipo de obras que con sus obras originales. Aunque si cogemos dichas películas y miramos sus notas:

El Rey León (2019): 6,9

Frozen (2013): 7,4

Alicia en el País de las Maravilla (2010): 6,4

Zootropolis (2016): 8

La Bella y la Bestia (2017): 7,1

Aladdin (2019): 7,0

El Libro de la Selva (2016): 7,4

Mulán (2020): 5,6

Enredados (2010): 7,7

Vaiana (2016): 7,6

Es más que obvio que calidad no significa ganar pasta gansa. Y vuelvo a mi pregunta anterior: ¿es realmente necesario? La respuesta para Disney, una empresa que factura millones, será: si. Porque los espectadores iremos al cine a ver copias baratas que ya nos sabemos de memoria, desde otro punto de vista, creyendo que tendremos calidad. Cuando lo que realmente deberíamos hacer todo es ir a apoyar los proyectos más novedosos, ambiciosos y originales.

Porque Disney sabe que si en su plataforma de streaming pone 'Mulán' a 22€, un precio superior a una cuarta parte de lo que cuesta la suscripción anual, la gente lo va a pagar. Así pues, señoras y señores, niños y niñas, la culpa no es de Disney, por hacer películas facilonas, faltas de ideas, que ya hemos visto una y otra vez, la culpa es nuestra por no apoyar los proyectos más ambiciosos que Disney nos ha dado. Con cuentagotas, pero nos los ha dado.

Joyas ocultas: I AM WOMAN de Unjoo Moon

2020-07-11T10:00:00.000+02:00

Por desgracia (y por motivos personales/laborales) nuestro paso por el BCN Film Fest fue más corto de lo deseado. No por ello, nos quedamos con mal sabor de boca, pues pudimos ver dos joyas ocultas. La primera de ellas, el biopic sobre aquella mujer que un día se abrió paso en el panorama músical entre tanto hombre, Helen Reddy.

¿Por qué es una joya oculta?

Inspiradora, concientizadora, entretenida e interesante, así se presenta la opera prima de Unjoo Moon (sus anteriores trabajos fueron dos cortos y un documental sobre el gran Tony Benett). Su obra nos habla precisamente de como Helen Reddy llegó al estrellato y, posteriormente, inspiró a toda una generación de mujer a alzarse por sus derechos con su canción: I Am Woman.

Se trata de una joya oculta por el gran impacto que causa en el espectador, al ofrecernos un trocito de historia que muchos desconocíamos. De hecho, y perdonadme, pensaba que era una película de ficción, lo mejor de todo es la grata sorpresa que se lleva uno al ver que Helen Reddy es real y que todo lo que hizo, tanto en lo musical como en lo feminista, tuvo tantísimo impacto.

Esa es toda la fuerza que nos ofrece Moon con su 'I am Woman', una película que todos deberíamos mirar por el simple hecho de entrar en conciencia, de aprender sobre Helen Reddy (Tilda Cobham-Hervey). No tan solo como mujer, si no como alguien que consigue llegar a alcanzar sus sueños.

Hay que destacar que Reddy no es tan conocida como otros por nuestras tierras y siempre es más difícil llevar a cabo un biopic sobre este tipo de famosos. Gracias a 'I am woman', también conoceremos otras figuras de gran importancia en la vida de Reddy, como lo son Jeff Wald (Evan Peters), marido y manager de Reddy, además de famoso manager musical y cinematográfico de la época. Asi como Lilian Roxon (Danielle MacDonald), la creadora de la famosa enciclopedia del rock, otra mujer luchadora que se abrió paso en un sector plagado de hombres.

Por todo ello, recomiendo la visualización de 'I am Woman', una película entretenida que, además de conocer al personaje de Helen Reddy, os pondrá en tesitura sobre el papel de la mujer en la sociedad de los sesenta hasta los noventa. De visionado obligatorio para aquellos menos concientizados.

6 motivos para ver COLOR OUT OF SPACE

2020-07-04T10:00:00.000+02:00

COLOR OUT OF SPACE: Viva el terror cósmico.

Es complicado adaptar a Lovecraft.

Pocas películas han logrado acercarse al universo del escritor y la mayoría se han conformado con poder capturar algo de su espíritu. Por fortuna, Richard Stanley es un tipo peculiar, algo inconsciente y con el grado de locura ideal para para adaptar el relato corto de “El color del espacio exterior”. Entiende lo esencial del relato, sabe llevarlo a su terreno y hacerlo suyo.

Nicolas Cage on fire.

Nicolas Cage encabeza el reparto, recién salido de la psicotrópica 'Mandy', que le sirvió para dar rienda suelta a toda su locura y así poder estar más comedido en 'Color Out of Space'. Pero eso no quiere decir que aquí no aparezca el Nicolas Cage más histriónico de los últimos años. ¿Acaso un proyecto como éste podía estar interpretado por alguien que no fuese Cage?

Mezcla de estilos.

La película coge lo mejor del cine de invasores extraterrestres de los años 50 y los remakes de esas mismas películas realizados en los 80 y lo glorifica añadiendo a la ecuación la aparición de alpacas mutantes, insectos extraterrestres y seres amalgamados más propios del cine de Brian Yuzna o de John Carpenter.

El color del dinero.

Su presupuesto ajustado luce como si fuera 3 veces más alto, combinando unos CGI más que correctos, con unos efectos prácticos estupendos. Acompañados por una inquietante banda sonora electrónica a cargo de Colin Stetson que le da a la película un toque ochentero y atemporal al mismi tiempo.

“It’s just a colour...”

En el relato original no se especifica color alguno sino algo imposible de describir, pero la película opta por inundar cada fotograma de un precioso e hipnótico color púrpura. Es gracias a la fotografía de Steve Annis, quien genera una atmósfera incómoda y, como no podía ser de otra manera, muy marciana.

No todo es perfecto.

Si hay algo que no convence en 'Color Out of Space' son las tribulaciones personales de cada uno de los integrantes de la familia protagonista. Están expuestas de manera torpe y es algo que no va a tener consecuencia con el futuro que les espera a cada uno de ellos. Es más, el personaje que menos manifiesta sus miserias, el de Nicolas Cage, es el que mejor funciona. Al fin y al cabo, la locura que les invade es lo único que importa. Y para demostrar eso, ya sabemos que Cage es único.

Si os habéis quedado con ganas de más, recuperad 'Granja Maldita', versión del mismo relato realizada en 1987.

BCN Film Fest. Día 2: ¡SEGUIMOS ACREDITADOS!

2020-07-01T10:00:00.000+02:00

Seguimos con las crónicas del BCN Film Festival, aunque no os vengáis muy arriba pues tan solo quedará otra más (por falta de tiempo, claro). Así que sin más dilación, las dos películas que vimos el viernes 26 de junio.

Corpus Christi (Jan Komasa, 2019)

Hay veces que sin saber que es aquello que vas a visualizar, tienes un palpito que te dice: "esta será buena". Muchas veces te equivocas, pues sin saber nada las pretensiones pueden ser exageradamente altas. No obstante, están esas veces que solo puedes aplaudir por el gran trabajo hecho. Y es que el largometraje polaco, firmado por Jan Komasa, no es que sea buena, es que es tremenda.

'Corpus Christi' se presenta como una obra intensa, interesante y adictiva, en la que Daniel (Bartosz Bielenia) se hará pasar por cura en un pequeño pueblo para así poder evitar el reformatorio. Lo que no sabe Daniel es que, a medida que vaya ejerciendo de padre, se involucrará más y más en la vida de sus feligreses.

¡Qué maravilla! De verdad, no exagero nada al deciros que 'Corspus Christi' es un film que te mantiene enganchado a la gran pantalla de inicio a fin. El personaje de Daniel nos encanta, pues nos creemos su historia de pe a pa. A ello súmale las idas y venidas del personaje, las trama oculta del pueblo y todos sus secretos, por no hablar del pasado oscuro del propio Daniel, increíble.

Por todo ello funciona tan bien la cinta con origen polaco. Su interés es exponencial, nos veremos envueltos en la vida de Daniel y sufriremos en sus propias carnes las victorias y sus desgracias, venidas y por venir. El factor humano está más que latente en la obra de Komasa, por ello es tan exquisita. No se trata de un drama típico, se trata de un trocito de la triste vida de Daniel intentando hacer algo bueno por los demás. Quien, por cierto, es interpretado por un Bartosz Bielena (al que desconocía, por supuesto) que encumbra el papel de Daniel, espero no ser el único que se haya fijado en esto y le lluevan papeles al joven actor polaco.

Mi recomendación es que no dudéis y le deis una oportunidad, puesto que en otras circunstancias no la habríais visto, ni yo tampoco, pero para eso estamos. Para mi: la sorpresa, revelación y, por supuesto, mejor película del BCN Film Fest.

Nota final: 8

La verdadera historia de la banda de Kelly (Justin Kurzel, 2019)

Otra de las películas que más ganas tenía de ver, no era otra que la protagonizada por George MacKay, Nicholas Hoult, Essie Davis, Charle Hunnam y el eterno Russel Crowe. Aunque también tenía mis miedos, pues no sé porque, las películas de festivales con repartos más o menos conocidos, suelen acabar mal. Esta ha quedado a medio camino de todo.

Como no podía ser de otra manera, la película de Justin Kurzel, nos situa de lleno en la vida de Ned Kelly (George MacKay), un famoso bandolero australiano de mediados/finales del siglo XXIX. Desde el comienzo nos avisan que no se trata de una obra basada en hechos reales, dando a entender que no todo lo que explican es cierto. La película nos cuenta lo desgraciado que fue Kelly, tanto en su niñez como en su edad adulta. Precisamente, la obra se divide en dichas dos partes: la niñez de Kelly y la edad adulta.

Muy a mi pesar, la mejor parte de toda la cinta es la primera, puesto que no sabes por donde va a salir el joven Kelly o que se encontrará. Nos muestra a un chaval fuerte, atrevido y que no se deja amansar por nadie, con un buen ritmo y ganas de querer saber más sobre el joven Kelly.

La obra en si es buena, interesante y, hasta cierto punto, amena. Todos los personajes que aparecen tienen su aquél, gustan, son malvado, todos ellos, pues parece que la bondad no estaba presente en Australia por esa época (o al menos en el mundo de Kelly). Gustan mucho Hoult, quien muestra un registro diferente a lo visto hasta ahora en su carrera. También el pequeño papel de Crowe o Hunnam. MacKay, al cual le están cayendo suculentos proyectos, tampoco lleva mal su papel. Pero de entre todos quería destacar la gran Essie Davis, quien de nuevo vuelve a interpretar de manera sobervia el papel de una madre (recordemamos a Davis de 'Babadook').

No obstante, al entrar en la edad adulta, la cinta parece perder credibilidad. En un comienzo, todo parece llevar un rumbo, Kelly aguanta todo lo que puede hasta que dice basta, algo que esperamos, pero es precisamente ese basta lo que no nos creemos y es en ese punto cuando la película pierde sentido y vaga esperando acabar.

La conclusión final es que la obra de Kurzel tenía mucho que ofrecer, sin embargo llegados a cierto punto del argumento se pierde y vaga sin un rumbo fijo. Gustan los personajes, pero no tanto la manera en la que se llevan o el rumbo que toman. Pese a todo, interesante.

Nota final: 6

La duración de las películas: evitemos Godzillas innecesarios, por favor.

2020-06-29T11:00:00.000+02:00

Últimamente me doy cuenta que, cada vez más, me fijo mucho en la duración de un largometraje. A veces suele ser antes de empezar la visualización del mismo, para saber en que embolada me voy a enrolar. Sin embargo, otras veces es al terminar, por dos motivos: o bien se me ha hecho cortisima o bien me ha parecido un auténtico coñazo.

Y partiendo de esta última premisa, muchas veces me pregunto porque nadie se da cuenta que hay películas que deberían de ser cortadas antes o, si más no, divididas en dos partes. Tampoco quiero que se me malinterprete, puesto que hay películas de casi tres horas de duración (o más) que he disfrutado como un crío. Hablamos de 'La lista de Schindler', toda la saga de 'El señor de los anillos', 'Titanic', 'El lobo de Wall Street' o las dos últimas entregas de 'Los Vengadores'. Del mismo modo, soy carne de festival de cine de terror, en el cual trago muchísima basura o bazofia que apenas llega a la hora y media de metraje.

La pregunta pues, no es tanto cuanto debería de durar una película, como medida universal en la que debamos regirnos, en la que no debes de pasarte de X tiempo dependiendo del genero o lo que se explique. Más bien se trataría de hacer retrospectiva sobre que quiero que la gente vea, cuanto tiempo estoy dispuesto a invertir en una película que sea amena. Es ahí donde reside el ritmo de la misma o lo que se esté explicando. Sería un sacrilegio reducir 'La lista de Schindler', por ejemplo, pero no lo sería tanto si hablásemos de, por ejemplo, 'Midsommar'.

Hablemos pues de 'Midsommar' por hablar de una película cualquiera, también me habría servido '2001: Odisea en el espacio', pero eso lo dejaremos para otra ocasión. En el caso de 'Midsommar', bien es cierto que el ejercicio que nos propone Ari Aster, en su película de casi dos horas y media, es un bello ejercicio de cine con muchísimos fotogramas para enmarcar, pero ¿realmente merece el espectador estar, durante dos horas y media, viendo florituras y de más? ¿A caso no podríamos haber recortado el metraje para que, una película interesante, visualmente atractiva y ambiciosa, no cayese en un ejercicio repetitivo que llega a estancarse?

Asimismo, en el caso de 'Midsommar', existen predecentes de otras dos obras que se asemejan en cuanto a su trama y estilo: 'La bruja: Una leyenda de Nueva Inglaterra' (Robert Eggers, 2015) y 'The Wicker Man' (Robin Hardy, 1973). Ambas duran hora y media. La primera tiene la misma esencia de 'Midsommar', es un terror psicológico muy bien llevado, en el que se ve poco pero te mantiene atento. Con 'The Wicker Man' podemos afirmar que se trata de una película en la que 'Midsommar' se basa. Ambas buenísimas, aclamadas con el paso del tiempo por el publico y la crítica y duran, exactamente, una hora menos que 'Midsommar'.

Bien cierto que es que si una película de hora y media de metraje se hace pesada, hay algo que no se está haciendo bien. No obstante, a fin de cuentas, nadie puede negar que Spielberg o Peter Jackson no hiciesen un ejercicio brutal a nivel cinematográfico con sus obras de más de tres horas de duración, de las cuales podemos rescatar la famosisima escena de la niña en 'La lista de Schindler', ejercicio visual de belleza pura.

Por todo ello, lanzo dicha pregunta: ¿qué películas has creído que, por su duración, pierden calidad? Está claro que todo autor decide cuanto metraje invierte en sus obras y que podremos aceptar de mejor o peor manera, nadie puede negar eso. Aunque del mismo modo, el propio espectador puede decidir salir de la sala o apagar la TV cuando se siente algo estafado o perdido, pues la película ha perdido su rumbo.

BCN Film Fest. Día 1: ¡ESTAMOS ACREDITADOS!

2020-06-28T12:38:00.002+02:00

Lo primero: ¡PERDÓN! Quería haber subido cada crónica diaria al día siguiente de las proyecciones, pero no me ha dado la vida y, en fin, voy con dos días de retraso. Pero vaya, vamos a lo importante: HEMOS SIDO ~~PUTO~~ ACREDITADOS PARA DAR COBERTURA AL BCN FILM FEST.

La verdad es que pensábamos que no íbamos a tener la oportunidad de ir como prensa, puesto que estamos de relanzamiento del blog y a duras penas hemos publicado cosejas. Sin embargo: ¡aquí estamos! Ha sido toda una sorpresa: mil gracias.

Ahora sí, sin más florituras os dejo las dos reseñas de las películas que si pudimos ver: 'Uno para todos' de David Ilundain y 'Pinocchio', de Matteo Garrone.

Uno para todos (David Ilundain, 2019)

'Uno para todos' se presenta como una obra que trata de concienciarnos sobre lo duro que puede ser para unos niños de primaria el bullying o la reinserción de un alumno enfermo en el aula. Y en el centro de todo emerge la figura del profesor interino, en este caso Aleix (David Verdaguer), el cual deberá gestionar, de la mejor manera posible, esta situación.

Con un ritmo sosegado, 'Uno para todos' se desenvuelve de manera interesante, sin hacerse pesada y es gracias al factor humano que la película funciona. No se trata de un drama al uso, tan solo una historia que bien podría ser real y que nos da sobre que pensar.

Ilundain nos ofrece una película de dos horas entretenida, con un mensaje que nos hará reflexionar, sobre si cuando fuimos niños fuimos justos y honestos, al mismo tiempo que lo hace con los padres de esos niños. Realmente es gracias al factor niño que encontramos ese mensaje, pues son ellos los hacen y deshacen todos los problemas de la película, dándonos una lección sobre las buenas obras y lo poco que cuesta admitir un error y ser honestos.

La gran parte de culpa la lleva Aleix, quien carga a sus espaldas con todo el peso de la obra. El personaje interpretado por David Verdaguer (el cual cada vez me gusta ver más en una película, bravo por él) es el motor de la obra. De hecho, y como nota negativa, podemos achacarle a la obra que el otro personaje de peso (obviando a los niños) es Anna (Patricia López Arnaiz) el cuál no aporta ABSOLUTAMENTE nada. Las escenas en las que aparece son puro relleno y, si lo sacásemos de la obra, no notaríamos el cambio.

Una buena manera de ingaurar el BCN film fest: con una película curiosa, con mensaje y, como no, producto de la casa. Muy recomendable.

Nota final: 7

Pinocchio (Matteo Garrone, 2019)

¿Quién mejor que un italiano para llevar un live action del famoso cuento patrio, Pinocchio? Seguramente eso fue uno de los motivos que llevó a Garrone para adentrarse en esta loca aventura, en la que volvemos a ver el famoso cuento de Carlo Collodi llevado a la gran pantalla. ¿Y funciona? Pues si, pero no al mismo tiempo.

Nos maravillamos al comienzo al ver al carismático Roberto Begnini como Gepeto, el cuál interpreta con su toque cómico de ver el mundo. La realidad es que nos encanta la puesta en escena de 'Pinocchio', la facilidad que Garrone nos sumerge en el famoso cuento de Collodi y lo mágica que resulta.

Pero, PERO y siempre hay un pero, pasada la hora y pico, la película se vuelve repetitiva en si mismo. La obra de Garrone dura unas dos horas, cuando el famoso film de Disney tan solo hora y media. Si, es cierto que esta adaptación es más fiel al cuento de Collodi, pero llega un punto que parece que la película se estanca, en la que no dejamos de ver, una y otra vez, como Pinocho escoge mal en todas sus decisiones. ¿Y qué ocurre siempre? Que alguien le saca las castañas del fuego para, como no, volver a meterse en sus emboladas.

Bajo mi punto de vista, cuando tratas de llevar una adaptación a la gran pantalla de nuevo, pues es un cuento recurrente y conocido en la cultura popular, debes marcar la diferencia. Y si, Garrone, con su espectacular puesta en escena, lo consigue. Pero todo se pierde cuando sentimos que la obra se estanca en un ejercicio repetitivo que parece no tener fin.

Nota final: 5

THELMA, una historia vacía

2020-06-23T10:00:00.000+02:00

'Thelma' es una película de origen noruego que nos sitúa en el centro de la vida de la propia Thelma (Eili Harboe), una joven que acaba de ingresar en la universidad. Thelma, de padres creyentes, es una chica introvertida que todo le viene de nuevas, como ese pollito que acaba de salir del cascarón y no sabe hacia donde ir. A diferencia del pollito, cuando Thelma entra en contacto con su primer amor, empezarán a ocurrir cosas un tanto extrañas: como ataques epilépticos o pájaros estampándose contra las ventanas.

Antes de empezar a destripar la obra de Joachim Tier, hay que entender que se trata de una película de supuesto terror, sobre la traumática vida de Thelma, quien esconde un gran secreto. A mi parecer, la película aguanta un nivel de interés moderado, en el que vamos descubriendo, poco a poco, que misterio envuelve a Thelma. Por desgracia, si lees cualquier sinopsis de la película, sabrás de que va todo. ¿El factor sorpresa? Desechado por el inodoro, porque has decidido saber de que va la obra que vas a ver, sin más.

Es por ello que 'Thelma' es una película con una historia vacía, puesto que se trata de alimentar el gusanillo del espectador con posibles teorías sobre que narices le ocurre a Thelma, porque le pasan esas cosas o porque sus padres son tan fríos, rectos y misteriosos con ella.

Tal vez su magia resida más en las pequeñas cosas que no somos capaces de ver. Bien es cierto que, pese a su pausado ritmo, la obra tiene su aquél y no llega a parecerte una pérdida de tiempo. Pero cuando ya llevas una hora y sabes lo que Thelma trata de descubrir desde antes de darle al play, poco sentido tiene seguir haciéndote preguntas.

Asimismo, Thelma tampoco es un personaje capaz de cargar sobre sus espaldas todo el peso de la cinta de Tier. Las escenas que más nos inquietan o en las que mostramos más interés, son las del pasado de Thelma, donde se empieza a vislumbrar un poco que le ocurre. Sin embargo, todo lo relacionado con Thelma cuando está en la universidad, su día a día y de más, acaba por aborrecernos.

Muy a mi pesar, la dirección que toma la película es errónea siempre que acabes leyendo la sinopsis de la misma, donde ya se ha descubierto todo el pastel. Pese a todo, su lento ritmo no aborrece hasta el punto de querer quitarla y su fotografía es impecable.

Nota final: 5