Al'cambuse

Moonspell - The Butterfly Effect

2012-07-04T22:13:00.001+02:00

A la fin des années nonante, certains groupes officiant dans un style gothique-dark-death metal ont brusquement eu envie de changer de cap, avec une orientation plus douce, électronique, ambiant...Et qui n'ont pas convaincu le public. C'est le cas de Paradise Lost, qui malgré des albums qui tenaient la route a dû revenir à une formule plus traditionnelle pour survivre. C'est aussi le cas de Moonspell, avec Sin/Pecado et The Butterfly Effect, sur lequel nous nous penchons ici. The Butterfly Effect, un album difficile à cerner, pas spécialement bon mais pas foncièrement mauvais non plus.

On sent chez Moonspell l'envie d'expérimenter, de découvrir de nouveaux terrains de jeux...Mais on a l'impression que le groupe ne sait pas toujours quoi faire de ses idées. Les morceaux accrocheurs, qui tiennent la route du début à la fin sont rares (deux en fait, Soulsick et Lustmord). Sur le reste de l'album on retrouve des bonnes idées mais elles ne tiennent généralement pas sur la longueur, les morceaux manquent de liant...C'est comme si le groupe avait voulu expérimenter de nouveaux ingrédients sans trouver ni les dosages ni les bonnes recettes pour rendre le disque digeste. Ca sent la tergiversation, on a des idées mais on ne sait pas comment les ordonner, quoi mettre en avant et au final le tout sonne un peu plat. Il n'y a rien de vraiment transcendant, les guitares manquent de tranchant, les effets électroniques ne sont pas toujours cohérents et la voix de Fernando Ribeiro manque de chaleur et d'émotion alors qu'elle peut parfois nous transporter très loin.

En conclusion, The Butterfly Effect est le reflet d'un groupe qui se cherche mais ne s'est pas trouvé. Patience, ça viendra...

Moonspell, The Butterfly Effect, Century Media, 1999.

Käsky (Tears of April) - 2008

2012-07-04T21:27:00.002+02:00

Film finlandais inédit dans nos contrées, Käsky est le genre de films que l'on peut rattraper en seconde partie de soirée sur Arte et qui nous ouvre les portes sur certaines histoires méconnues chez nous. Et l'histoire finlandaise est une grande nébuleuse dans son ensemble, d'où l'intérêt de jeter un œil sur un cinéma tout aussi méconnu.

L'intrigue a lieu en 1918, quelques mois après la révolution bolchévique. La Finlande, jusqu'alors duché de l'empire russe, demande et obtient son indépendance. Mais le pays plonge dans une guerre civile entre Rouges soviétiques et Blancs royalistes/indépendantistes. Les Rouges comptent de nombreuses femmes dans leurs rangs, fait historique qui sert de point de départ à l'histoire. Un bataillon féminin est capturé et toutes ses combattantes sont exécutées sans jugement, à l'exception de Miina, capturée par un officier ayant soudain un acquis de conscience. Ce dernier veut lui faire bénéficier d'un jugement et l'amène au juge Hallenberg, réputé juste. Mais qui révélera une personnalité très scabreuse...

Bien qu'il s'ancre dans un cadre historique, le film est plus une étude de caractères qu'une fresque historique.Le fil rouge du film, c'est la relation entre Miina et le Jaeger Aaro Harjula. Mais plus que l'histoire d'amour entre la Rouge et le Blanc (ben oui vous vous attendiez à quoi?), c'est véritablement le juge Hallenberg qui est le plus intéressant personnage du film. Il est considéré comme un intellectuel "humaniste", mais il manie les exécutions à tour de bras. Cet "homme bon" agit comme un chef de tribunal contre-révolutionnaire, alcoolique et déviant. La performance de l'acteur incarnant ce personnage est une des principales qualités du film, tout comme la photographie qui nous propose des images superbes.

Au niveau des bémols, pointons une trame un peu planplan et un pitch convenu, l'histoire d'amour impossible entre 2 personnes que tout oppose, merci mais on connaît. Aku Louhimies (à qui l'on doit Levottomat) a tout de même le mérite de filmer ça avec retenue en évitant les scènes larmoyantes et neuneu. Par contre, il se lâche quand il s'agit de tourner les scènes de sexe. Mais vu sa filmographie, il semble habitué...

Fiche Imdb
Réalisateur: Aku Louhimies
Casting: Samuli Vaurano, Pihla Viitala, Eero Aho, Riina Maidre...

Channel Zero - Feed'Em With a Brick

2011-10-29T17:04:00.007+02:00

Janvier 2010, Channel Zero marque le petit monde musical belge avec une reformation des plus réussie de l'histoire et enfile 6 concerts sold-out à l'Ancienne Belgique (1800 places). Du jamais vu!

Après ce coup inattendu et réussi, c'est tout naturellement que Channel Zero se produit sur de gros festivals style Werchter ou Graspop. Sur scène, retour convaincant...Mais il faut également convaincre sur disque pour que l'année 2010 ne soit pas qu'un feu de paille. Gros défi quand on est une figure légendaire de la scène metal belge. Mais défi 100 fois relevé tant ce Feed'Em with a Brick est réussi!

Feed'Em With a Brick est l'album que tous les groupes "reformés" aimeraient pondre. Solide, cohérent, inspiré, et qui soutient aisément la comparaison avec les albums qui ont fait la réputation de Channel Zero. Dès Hot Summer, le morceau d'ouverture, on sent que le groupe est bien au dessus de Black Flowers, single sorti à la va-vite juste avant le Grand Chelem de l'AB. Preuve que le quartet a écrit bien mieux: ce single n'est pas repris sur l'album. En 45 minutes, les trois Belges et l'Américain Mickey Dooling (désormais abonné aux vols transatlantiques et qui co-produit aussi l'album) livrent 12 excellents morceaux, aux riffs dévastateurs ou plombant. Des morceaux variés et cohérents, on passe de l'uppercut Angel's Blood, au plus posé Side Lines ou le saccadé Capital Pigs le plus naturellement du monde.

Cet album confirme aussi ce que l'on savait déjà: Franky De Smet-Van Damme est une perle de chanteur: une voix très typée, toujours aussi puissante (Electric Showdown) et capable de se moduler vers des sommets, comme sur Ocean qui clôt l'album tout en beauté. Ajoutons une production épaisse à l'américaine de Logan Mader et on obtient un album costaud, engagé et dangereux pour les cervicales. Welcome back!

Reste maintenant à conquérir les scènes au-delà du Benelux, acquis déjà à la cause des Bruxellois et qui le restera sans doute...

17/20

Channel Zero, Feed'em with a Brick, Roadrunner Records, 2011

AC/DC @ Stadefrance 18/06/2010

2010-06-23T20:58:00.005+02:00

Que les choses soient claires: on ne va pas à un concert d'AC/DC pour être surpris. On n'y va pas pour écouter l'une ou l'autre rareté sortie des limbes de la discographie du groupe. Ce n'est pas dans leur style et puis le public s'en cale. Pour preuve: la setlist de la tournée Black Ice 2010 est la même que celle de 2009, à un poil près: Un vieux classique remplace une nouveauté: High Voltage à la place de Anything Goes. Pour le reste, c'est pareil. Mais le fan d'AC/DC n'y prête pas attention. Pour preuve: 80 000 personnes ont une fois de plus répondu présentes dans ce Stade de France qu'AC/DC avait déjà rempli l'an passé. Et quand on sait que le groupe a rempli un stade à Nice trois jours plus tôt, on ne doute plus de la fidélité des fans français. Ce qui importe, c'est le spectacle, et ça les Boys austraux savent y faire, à défaut de nous surprendre.

AC/DC, c'est une locomotive rock'n'roll parfaitement huilée, à l'image de celle qui déboule sur scène pour Rock'n'roll Train. Tout s'enchaîne sans anicroches, même les temps morts ont l'air calculé. Brian Johnson parvient à garder le public sous son contrôle rien qu'en usant des paroles d'usage. La soi-disant surprise pour le public de Paris, Dirty Deeds Done Dirt Cheap, est jouée depuis 2009 à tous les concerts du groupe. Mais on s'en fiche, on gueule waiii quand même. C'est du déjà-vu, mais c'est bien fait et ça fonctionne. Comme Angus Young qui fait son striptease sur The Jack et montre son beau calbar "AC/DC", on sait comment ça marche mais on s'y laisse prendre. C'est jouissif, drôle et l'entrain des 80 000 personnes est communicatif. D'autant plus que les caméras qui projettent le concert sur grand écran ne ratent pas les plus belles biches perchées dans la foule et qui ne se font pas prier pour exposer leurs poitrines. Il faut vraiment être un pisse-froid mal luné pour ne pas s'amuser durant un tel moment. Outre le spectacle que propose AC/DC sur scène, il y a aussi celui du public, qui arbore fièrement ses cornes de diable clignotantes et fait belle impression dans le noir.

Après un concert sans fautes, les Australiens emballent le show avec un excellent final, soit un enchaînement High Voltage/You Shook Me All Niht Long/Whole Lotta Rosie et Let There Be Rock. L'occasion de gonfler la poupée Rosie, qui enjambe la locomotive servant de décoration au groupe et d'écouter Angus triturer sa Gibson et se rouler par terre durant son long solo sur le dernier morceau avant rappel, incluant bien évidemment Highway to Hell et les coups de canons de For Those About To Rock.

Bref, sans surprises faut-il le rappeler, mais c'était bien joué, du professionnalisme à l'état pur...Mais cela valait-il 80 euros pour autant? Si vous n'avez jamais vu, oui! Car un concert d'AC/DC ça vaut la peine d'être vécu. Si déjà vu et que vous n'aimez pas trop la redite, passez votre chemin, vous risquez d'être déçu, surtout si vous êtes en gradin à 100 m de la scène. Enfin, si vous avez des places (presque) gratuites, ce serait bête de se priver d'un tel spectacle, surtout quand Slash assure la première partie! Ce soir, c'était la fête à la Gibson...

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Megadeth@AB: Ah, il y a un nouvel album?

2010-06-12T23:26:00.013+02:00

C'est dans une Ancienne Belgique affichant complet que la bande à Dave Mustaine revient visiter Bruxelles en ce 8 juin, un an après leur concert en première partie de Judas Priest. Cette fois Megadeth revient en tant que tête d'affiche et peut se vanter de remplir l'AB sans aucun support, tant la première partie Halestorm est inconnue au bataillon et artistiquement...bof quoi. Un rock fort avec une furie au chant. Musicalement il n'y a pas de quoi fouetter un chat, mais ça balance tout de même et ça plaît assez bien au public, une première partie qui remplit son rôle.

Le public est donc à point pour accueillir Megadeth qui débute à 21h tapante (aah la légendaire ponctualité de l'AB). Et c'est parti pour un concert d'une rare intensité dans ce temple bruxellois de la musique live. Dès l'entame de Dialectic Chaos, énorme mouvements de foule dans la fosse où une poignée de furieux se chargera d'entretenir une ambiance incandescente toute la durée du set. Comme à son habitude, Dave Mustaine enchaîne les morceaux, presque sans temps mort et sans jamais s'adresser au public, à l'exception d'un "here we go now" à l'entame de Holy Wars. Morceau après lequel se succéderont tous les titres de Rust in Peace, emblématique album sorti il y a de cela 20 ans, prétexte d'une tournée consacrée à ce monument du thrash metal. Cette focalisation sur Rust In Peace se fait malheureusement au détriment du dernier-né, Endgame : seul deux morceaux de cet album ont été joués.

Si jouer l'entièreté de Rust in Peace assure à Megadeth un soutien total du public en lui balançant les plus belles pièces de son répertoire, cela n'a pourtant pas que des effets positifs. Le concert devient très prévisible puisque le groupe enchaînent les titres dans le même ordre que sur l'album. La setlist est d'autant plus prévisible qu'en dehors de Rust In Peace, on a eu droit aux hits joués et rejoués comme Trust, Symphony of Destruction ou A Tout le Monde...N'aurait-il pas mieux valu avoir 2-3 titres du dernier album plutôt qu'un de ces sempiternel morceaux? Enfin, tant qu'on est dans les bémols, signalons la voix assez en retrait par rapport aux instruments. Pour mieux cacher les carences vocales de l'ami Dave? Même s'il a une voix unique, le rouquin n'a jamais été un grand chanteur, ce qui s'entend d'ailleurs après 1h30 de concert et une voix fortement essoufflée.

Malgré ces quelques réserves, Megadeth a tout de même assuré un show de grande facture, grâce à des musiciens irréprochables, un son impeccable (aaah la sono de l'AB...) des solos parfaitement exécuté et une setlist peut-être prévisible mais efficace. Le public était conquis, au grand ravissement de Dave Mustaine qui n'a pas manqué de le remercier, particulièrement sur sa façon de scander Mega-Deth en rythme sur les riffs de Symphony of Destruction.

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Soul Kitchen (2009)

2010-04-27T15:39:00.005+02:00

Fatih Akin s'est révélé au grand public grâce à deux drames couronnés par la critique, Gegen die Wand (Ours d'Or à Berlin) et Auf der andere Seit (prix du scénario à Cannes). Pour ce film, le réalisateur allemand change radicalement de style et se lance dans la comédie avec Soul Kitchen. Pourquoi? Pour se donner un gros bol d'air, puisque selon lui ses précédents films le "déprimaient". Il est vrai qu'après deux drames puissants, on puisse comprendre qu'Akin ait envie de se divertir un peu.

Le film raconte les déboires de Zinos, Allemand d'origine grecque et propriétaire du restaurant Soul Kitchen dans la banlieue d'Hambourg...Enfin, restaurant est un bien grand mot pour désigner un vieux hangar où la friteuse est le principal outil de travail. Zinos enchaîne les déconvenues : sa copine part travailler à Shangaï, son frère est en liberté conditionnelle et vient squatter son restaurant, le fisc le poursuit et il retrouve un vieux "camarade" d'école devenu promoteur immobilier véreux...Pour couronner le tout, il se coince le dos et doit trouver un remplaçant pour cuisiner. Il engage un chef talentueux mais caractériel, refusant de cuisiner les plats de fast food habituels et qui se met en tête de réviser la carte.

Bien que la comédie ne soit pas le terrain habituel de Fatih Akin, ça ne l'empêche pas d'être très à l'aise dans le style et de proposer un film dynamique. Les personnages sont typés, bien joués et attachants. L'intrigue est bien en place et déroule sans aucun souci. Le film est prévisible, ne révolutionne pas la comédie mais fonctionne. Avec des ingrédients de base, le réalisateur allemand nous concocte une cuisine honnête, que l'on déguste avec plaisir. Même si le but était de proposer une comédie désopilante (on n'ira pas jusque là), Akin ne tombe pas dans le piège du gag lourd qui se prolonge à l'infini. Certaines scènes auraient pu virer à de la vulgarité gratuite, ce qui n'est jamais le cas. Il distille une bonne dose de clichés qui colore ses personnages, mais sans les rendre indigestes. Une preuve qu'un grand réalisateur peut diriger une comédie légère tout en laissant transparaître son talent. Soul Kitchen raconte l'histoire du restaurant voulant proposer de la bonne cuisine avec du surgelé, mais également celle du cinéaste voulant offrir des films de qualité avec des ingrédients de film pop corn.

Avec Soul Kitchen, Fatih Akin propose une comédie prévisible mais chaleureuse et sympathique, soutenue par des acteurs attachants et talentueux, dont Moritz Bleibtreu que l'on a pu voir dans des perles du cinéma allemand comme Das Experiment ou Lola rennt. Signalons aussi une belle collaboration gréco-turque, puisque le scénario est coécrit par le réalisateur d'origine turc et par l'acteur Adam Bousdoukos d'origine grecque...

Fiche Imdb
Réalisation: Fatih Akin
Casting: Adam Bousdoukos, Moritz Bleibtreu, Birol Ünel, Phelin Roggan...

Hermano - Live at W2 (2004)

2010-04-13T21:49:00.007+02:00

Depuis 1998, Hermano se charge sporadiquement de remettre les pendules du rock dur à l’heure. Formé par le bassiste Steve Dandy Brown, Hermano compte dans ses rangs le fameux John Garcia, ex-frontman des légendaires Kyuss. Après deux albums studios flairant bon le rock lourd désertique, Hermano enchaîne avec un live, un vrai, enregistré dans un petit club de Den Bosche au Pays-Bas. Un concert désigné comme étant le meilleur de l’année 2004 auquel le public habituel du W2 ait assisté, ce qui annonce la couleur…

Live At W2 est effectivement un album qui vous réconcilie avec le concept d’album live. Un album où l’énergie et la spontanéité du concert ressurgissent tels quels, sans devoir recourir à divers artifices. C’est fiévreux, comme sur "Cowboy Sucks" qui ouvre le set sur les chapeaux de roue, c’est précis et acéré comme sur "My Boy", c’est parfois calme mais toujours tendu, ça rappelle parfois Kyuss ("The Bottle"), mais surtout ça déménage à l'image du très punk "Quite Fucked". Les musiciens sont en place, précis et permettent à John Garcia de se transcender sur des morceaux comme "Life", "5 to 5" ou "Roll Over", où il atteint des sommets. Variant les ambiances, passant de l’explosion à des tonalités plus sombres, John Garcia ne se contente pas de confirmer son talent. Il se paye le luxe de bluffer son petit monde avec une reprise du "TNT" d’AC/DC. Une reprise qui passe comme une lettre à la poste tant l’exécution est parfaite et en adéquation avec le reste du concert.Avec ce Live At W2, Hermano nous livre un concentré d’énergie et de rock des plus authentiques. Un album déchaîné, suintant de spontanéité et d’honnêteté. Un album auquel tous les albums live devraient ressembler. Bref, un modèle.

Hermano, Live At W2, Suburban Records, 2004.

Fantastic Mr. Fox - 2009

2010-04-08T17:41:00.004+02:00

Mr Fox est un voleur de poules repenti. Après avoir écumé les fermes des environs, il se range et se contente de tenir une chronique que personne ne lit dans la gazette animalière locale. Mais il a du mal à contenir son instinct d'animal sauvage, et bien vite il replonge dans le larcin. Ce qui n'est pas du goût des trois plus méchants fermiers de la région, Bean, Bunce et Boggis, décidé à lui faire la peau. Mais c'est sans compter sur le Fantastic de Mr. Fox.

Fantastic Mr. Fox est une des surprises les plus réjouissantes de ce début d'année. Il marque la rencontre de deux univers, celui de Wes Anderson et de Roald Dahl. On a pu apprécier Wes Anderson grâce à des comédies décalées comme La Famille Tenenbaum. En quelques films, ce réalisateur s'est imposé à certains cinéphiles comme réalisateur culte et a créé son propre univers. On pourrait craindre que celui-ci ne phagocyte celui très particulier de Roald Dahl, un des écrivains les plus adulés outre-manche et outre-atlantique.

Qu'on se rassure, ce n'est pas le cas puisque Wes Anderson se met au service de l'écrivain et tente de nous restituer son univers british et champêtre, via la technique de "stop motion", c'est-à-dire l'animation de figurines image par image. une technique que l'on retrouve dans les Wallace & Gromit par exemple. Un choix judicieux et à contre-courant de la tendance "tout à la 3D" qui sévit actuellement. La "Stop Motion" reste infiniment plus charmante que de froides images de synthèse, ce qui rend ce film très agréable à regarder et lui donne un côté artisanal en totale adéquation avec l'univers de Dahl.

Mais la technique ne suffit pas pour faire un bon film, il faut aussi un bon scénario et des personnages attachants, ce que les partisans du "tout à la 3D" ne comprennent pas toujours... Ici, les concepteurs n'ont pas oublié ces préceptes essentiels. Le scénario et fidèle à l'esprit de Roald Dahl, qui se combine bien avec l'humour du réalisateur. Partant d'un livre pour enfants, Anderson parvient à faire un film que les adultes peuvent apprécier, sans pour autant détourner l'histoire de son public d'origine. Les personnages sont typés et agréables grâce à un casting de voix 3 étoiles (George Clooney, Bill Murray, Meryl Streep), des dialogues piquants et une animation très bien maîtrisée. Ajoutons-y une morale anarcho-écologique, une bande-son rock'n'roll des grands espaces et vous voilà prêts à passer 1h27 de bon temps.

Fiche Imdb
Realisateur: Wes Anderson
Casting: George Clooney, Merryl Streep, Bill Murray, Willem Dafoe, Owen Wilson...

Tout est sous Contrôle

2010-04-05T13:23:00.008+02:00

Vendu comme étant le roman de l'interprète du Dr House, Tout est sous contrôle est en réalité antérieur à la vie de star télé internationale de Hugh Laurie. Artiste anglais de séries télés et écrivain à ses heures, ce roman, paru en Angleterre sous le titre The Gun Seller, date de...1996. Ce n'est donc pas un livre écrit par un Dr. House ultraconnu qui chercherait à surfer sur la vague du succès, mais plutôt un thriller humoristique typiquement anglais écrit par un "inconnu" puisque Hugh Laurie avait signé d'un pseudonyme son manuscrit. Enfin traduit en français, son roman est diffusé par un éditeur qui n'a pas le goût du risque. Carton assuré aujourd'hui alors qu'il y a 15 ans, qui aurait acheté un obscur bouquin d'un acteur inconnu sous nos latitudes, si ce n'est éventuellement par la voix de Jasper, un des méchants des 101 Dalmatiens?

Cette mise au point étant faite, attachons-nous un peu au contenu de cet ouvrage dans lequel, vous l'aurez compris, on ne peut pas retrouver l'esprit du Dr House puisqu'il n'existait pas encore. Ce que l'on peut par contre constater, c'est que Hugh Laurie a une personnalité propre qui a indubitablement joué sur celle du plus sarcastique et misanthrope docteur télévisuel. Les similitudes entre ce dernier et Thomas Lang, son héros, sont légions. Tout deux solitaires, cassant, désabusés, portés sur le whisky et amoureux des belles bécanes.

Dans Tout est sous contrôle, Thomas Lang, ancien militaire, est pris dans un imbroglio inextricable quand il veut avertir Alexander Woolf, homme d'affaire américain, qu'un contrat est sur sa tête...Et pour cause puisque c'est à Thomas que l'on a proposé ce contrat. Dès cet instant, tout va de travers pour Thomas, qui se retrouve pris dans une affaire le dépassant de toute part, allant de la CIA à des industriels peu scrupuleux...

Hugh Laurie propose une parodie de policier à l'anglaise, dans laquelle il prend à contrepied les poncifs du genre. Il détourne allègrement les clichés, nous balance des réflexions cyniques et manie un art de la métaphore très...personnel. Mais malheureusement, les piques sont trop nombreuses et assez inégales. L'intrigue, touffue, est rendue difficile à suivre par une écriture trop digressive et dilue un peu trop le texte. Bref, ça manque de mordant alors que cela ne devrait pas. Hugh Laurie aurait gagné à rendre son écriture un peu plus sobre et être plus parcimonieux quant à ses pensées sarcastiques, qui dès lors auraient gagné en efficacité. Ici, on se contente de sourire de temps à autre, sans plus. On s'y prend aussi à décrocher, tant certains raccords paraissent abracadabrants, baisse d'attention oblige?

Tout est sous contrôle reste tout de même un bouquin honnête, assez plaisant par moment, écrit par un personnage gagnant à être connu hors de son costume de médecin. Un deuxième livre est en route, gageons que 15 ans plus tard, l'écriture aura gagné en efficacité...

LAURIE (H.), Tout est sous contrôle, Sonatine, Paris, 2009.
Edition originale: The Gun Seller, 1996.

Enfant 44

2010-03-29T12:03:00.003+02:00

Premier roman d'un jeune auteur anglais nommé Tom Rob Smith, Enfant 44 a fait forte impression, au point se susciter la convoitise de Ridley Scott qui prévoit de l'adapter prochainement au cinéma. Et effectivement, c'est le genre de roman qui ne met pas dix pages à s'emparer de toute votre attention et ne vous libère qu'une fois arrivé à l'épilogue. La colle de Tom Rob Smith contient deux éléments puissant: le mode d'écriture, soit un thriller efficace, et le contexte, l'URSS de Staline.

Leo, officier du MGB, la police d'Etat chargée du contre-espionnage, passe du rôle de l'officier modèle à celui de paria contraint à l'exil. En cause? Le corps d'un enfant retrouvé le long d'une voie ferrée à Moscou. La famille est convaincue d'un assassinat. Hors, cela n'existe officiellement pas en URSS, puisque c'est un mal capitaliste. Leo est donc chargé de remettre la famille dans le droit chemin et de les convaincre de la thèse de l'accident. Si Leo est aussi dogmatique que le service qui l'emploie, le doute finit par s'installer quand, sans raisons particulières, il tombe en disgrâce aux yeux de ses supérieurs. Contraint à l'exil avec sa femme Raïssa dans une ville perdue de l'Oural, il découvre d'autres enfants morts dans les mêmes conditions qu'à Moscou...

Inspirés de fait réels, Tom Rob Smith nous délivre une enquête suffocante. Un couple d'exilés se retrouve dans une infernale spirale de la disgrâce, confronté à un appareil étatique où la raison a définitivement rejoint le goulag. La première partie du roman est passionnante, tant le décor dépeint par l'auteur est déshumanisé, un environnement où toute confiance a disparu, où une action peut entraîner des effets non-voulus et d'une portée insoupçonnée. Un environnement où chacun de vos gestes peut vous envoyer au goulag, sans même y avoir pensé, où tout peut basculer d'un instant à l'autre, sans raisons apparentes. Tom Rob Smith n'élude rien de l'horreur du régime stalinien et cette cruauté est bien plus que du sadisme gratuit puisqu'elle permet de réaliser à quel point ce fut la période la plus noire pour la Russie.

C'est cet aspect documentaire que ce roman mérite d'être lu, plus que pour l'intrigue finalement. Car si cette dernière débute bien, elle est parsemée de clichés et offre une conclusion un peu trop belle pour être vraie. Une fin qui aura néanmoins permis au livre de se faire remarquer par un réalisateur des plus hollywoodiens...

SMITH (T.R.) Enfant 44, Belfond, Paris, 2009.
Disponible en poche chez Pocket
Titre original: Child 44, Simon & Chuster, Londres, 2008.

A Serious Man - 2010

2010-01-18T23:15:00.004+01:00

Avec A Serious Man, les frères Coen nous livrent sans doute leur film le plus personnel et le plus touchant. Personnel car ils nous replongent à la fin des années soixante dans une famille juive du fond du Minnesota, les jours précédant la Bar Mitzvah ("communion" juive) du fils. Si l'on ne sait pas que les Coen sont d'origine juive, cela se devine durant le film tant la plongée (décalée) dans la culture juive nous semble réelle et sincère.

Comme tout bon Coen, le pitch part dans tous les sens, et les plus improbables. Les mauvaises nouvelles s'accumulent autour de Larry Gopnik: Sa femme lui apprend un beau soir que plus rien ne va entre eux et qu'il faudrait songer au divorce. Elle fréquente Sy Ableman, ami du couple, et afin de se remarier dans les règles de la religion, elle emmerde son mari pour obtenir un divorce rituel. Dans le même temps, son frère Arthur, légèrement dérangé, squatte le salon et la salle de bain en permanence et traîne dans des salles de jeu prohibées. Le fils fume de l'herbe et est un obsédé de télé tandis que sa fille ne pense qu'à sortir et se refaire le nez...Rien ne va plus pour le pauvre Larry qui ne peut même pas se soulager dans le travail puisqu'un étudiant coréen tente de le corrompre. Une accumulation petites déconvenues qui lui rendent la vie impossible alors qu'il ne demande rien à personne.

Si vous n'en étiez pas convaincu, il serait temps de l'être: Les frères Coen sont presque certainement les plus grands cinéastes de ces 25 dernières années. Il le prouve encore en dirigeant admirablement des acteurs, tous de parfaits inconnus, mais attachants et qui excellent dans leur rôle. Les dialogues sont une fois de plus un délice et certaines associations d'idées uniques. Enfin, seuls les Coen parviennent avec autant de maestria à détourner une scène dramatique en moment loufoque et vice-versa. Drôle, acide et émouvante, Cette comédie noire est un des films les plus intéressants des Coen, notamment grâce à une fin surprenante et frustrante sur le coup, mais qui vous fera longuement réfléchir sur les soucis du traintrain quotidien et relativiser vos petits malheurs. A Serious Man est un film qui demande du spectateur une réflexion après coup, afin de l'apprécier à sa juste valeur. En cela, il est moins direct et abordable qu'une comédie de stars comme Burn after Reading, leur précédent film. Beaucoup de spectateurs n'effectueront aucun travail réflexif, introspectif, ou n'en parleront pas entre eux. De ce fait, ils n'enfonceront pas la porte ouverte des Coen, regretteront qu'elle n'ai pas été fermée et ne l'apprécieront pas comme il se doit. Contrairement à Burn After Reading que l'on aime beaucoup durant la projection mais que l'on ne considérera pas rétrospectivement comme un de leurs films majeurs, A Serious Man sera sans doute reconnu comme un chef-d'œuvre, mais dans une dizaine d'année...comme tous les grands films des Coen.

Fiche Imdb
Réalisation: Joel & Ethan Coen
Casting: Michael Stuhlbarg, Richard Kind, Fred Melamed, Sari Lennick...

Miller's Crossing - 1990

2010-01-09T21:00:00.012+01:00

Lorsque l'on évoque la filmographie des frères Coen, on ne pense pas immédiatement à Miller's Crossing. Pourtant, il est leur seul film à figurer dans la listes des 100 meilleurs films du Time Magazine. Incongru? Pas vraiment puisqu'il s'agit probablement d'un des films de gangsters les plus originaux de ces vingt dernières années. Le pitch est pourtant classique. Leo, parrain irlandais, a les autorités de la ville en poche et règne en maître sur le crime organisé. Mais il voit sa suprématie menacée par un rival italien colérique, Johnny Caspar. Refusant tout compromis, Leo lance une guerre des gangs qui risque de l'isoler. Tom, son second semble se désolidariser de son patron en perte de vitesse. Mais l'histoire est bien plus complexe que le pitch le laisserait entendre et son traitement est tout sauf classique.

Les Coen parviennent à traiter d'un sujet multitraité et violent avec humour et originalité, grâce à une excellente écriture et une mise en scène impeccable. Un exemple parmi d'autres, le manège qu'opère la caméra entre le cadavre d'un homme de main, le gamin qui retrouve ce cadavre, le chien qui l'accompagne le gosse, tour qui se termine par le vol de la moumoute du gangster, détail savamment exploité par la suite. C'est ce genre de petits détails minutieusement mis en scène qui permettent aux Coen de distiller leurs traits d'humour, de rendre absurde certaines scènes et de les dédramatiser du même coup. Interpellant puisque l'on rit à des instants sensés être dramatique! Dans leur travail de renouveau du film noir, ils sont aidés par des acteurs inconnus du grand public mais excellents, parvenant à surjouer juste ce qu'il faut. Ce qui permet de rendre drôle certaines situations en évitant le ridicule ou la grosse farce. Marcia Gay Harden est une parfaite manipulatrice et femme fatale, Albert Finney (Leo) apparaît comme un parrain près à sombrer à cause de ses sentiments amoureux tardifs et Gabriel Byrne (Tom), malmené par tous, tente de faire triompher sa force cérébrale aux milieu des coups qui pleuvent.

Miller's Crossing contient bon nombre d'ingrédients qui caractériseront d'autres films des Coen, comme Fargo cinq ans plus tard. Film à redécouvrir et à apprécier à se juste valeur...Comme un des cent meilleurs films du XXe siècle?

Fiche Imdb
Réalisation: Joel Coen, Ethan Coen
Casting: Gabriel Byrne, Albert Finney, Marcia Gay Harden, John Turturro...

Klute - 1971

2010-01-04T23:23:00.009+01:00

Tom Gruneman disparaît de la circulation. Six mois plus tard, l'enquête du FBI n'ayant rien donné, son patron Peter Cable engage John Klute, détective de province et ami du disparu afin de retrouver sa trace. La seule que Tom a laissée est une lettre obscène à une call girl de New York nommée Bree. Celle-ci est harcelée depuis peu de mystérieux coups de téléphone. Après avoir refusé de collaborer avec Klute, Bree aide le détective dans ses recherche, se rendant compte qu'elle y a plutôt intérêt.

Porté par un excellent duo d'acteurs (Donald Sutherland et Jane Fonda) le film joue sur l'intéressant contraste entre le côté fermé de Klute et très dévoilé de Bree. On en apprend beaucoup sur la personnalité de Bree au travers des intermèdes qu'elle s'offre avec sa psychiatre, tandis que Klute reste un mystère...Un climax s'installe dès le début du film et la tension monte continuellement tandis que le prédateur se rapproche de sa proie. La musique lancinante achève de glacer le spectateur. Klute, c'est deux excellents acteurs (dont un couronné par un oscar, Jane Fonda) face à un personnage malsain et sadique typique des années septante. Un film qui nous rappelle qu'Hollywood connaissait son age d'or durant cette décennie...

Fiche Imdb
Réalisation: Alan J. Pakula
Casting: Donald Sutherland, Jane Fonda, Charles Scioffi

Fish Tank - 2009

2010-01-03T23:52:00.004+01:00

Fish Tank est la deuxième réalisation d'Andrea Arnold, jeune réalisatrice qui s'inscrit dans la lignée du cinéma social anglais, cru et pas drôle. Ne vous attendez donc pas à un film folichon puisqu'il s'agit d'une famille désoeuvrée dans un quartier pourri à l'est de Londres, où une mère et sa fille passent leur temps à s'engueuler très courtoisement à coup de "fuck", "bitch", "whore" et autres qualificatifs fleuris. Mia, l'adolescente, est donc très colère contre sa maman qui le lui rend bien. Elle se réfugie dans sa seule passion, le hip hop et répète ses pas dans un vieil immeuble désaffecté. Un beau jour débarque le nouveau petit copain de sa mère qui semble débarqué d'un autre monde. Entendez par là qu'il est poli, gentil et attentionné. Mia ne va pas tarder à avoir un peu (trop?) le béguin pour lui. Débute alors une relation triangulaire qui débouchera sur quelques éléments inattendus...

Le cinéma "social" est souvent peu aimé du public à cause de films "chiants", "déprimants" et un côté bricolage-caméras à l'épaule qui vous file la nausée. Certaines réalisations méritent toutefois une attention particulière pour leur côté remuant. Fish Tank fait sans aucun doute partie de cette catégorie. On entre sans concessions dans l'univers de l'ex-working class devenue "misery class". L'Angleterre, ses exclus et ses particularités, nous apparaît plus vraie que nature grâce à une mise en scène excellente et des acteurs impeccables, notamment l'amatrice Katie Jarvis qui incarne Mia.

Arnold parvient à trouver le ton juste pour brosser le portrait de l'adolescente. Elle n'épargne rien et n'édulcore jamais son propos sans tomber dans le sentimentalisme. Si la distance entre les personnages et le public empêche quelque peu une les élans de sympathie, cette froideur est largement compensée par la tournure tortueuse et cruelle de ce récit, scotchant jusqu'au bout.

Fiche Imdb
Réalisation: Andrea Arnold
Casting: Katie Jarvis, Kierston Wareing, Michael Fassbender, Rebecca Griffiths

Foreign Correspondent (Correspondant 17) - 1940

2009-12-30T17:19:00.003+01:00

Deuxième film américain d'Hitchcock sorti en 1940, Foreign Correspondent est un des oubliés du réalisateur, et à juste titre. Car si certains films méconnus du grand réalisateur anglais mérite d'être redécouvert, ce n'est pas vraiment le cas de ce film d'espionnage de pré-guerre, qui n'a pas résisté à l'épreuve du temps. Ce film raconte l'histoire d'un correspondant envoyé par un journal new-yorkais en Europe afin de ramener des éléments prouvant que la guerre est imminente. Il enchaîne les stéréotypes, personnages comme décor (forêt de moulins pour illustrer les Pays-Bas). Dans l'ensemble, le film, trop long, manque de rythme. Il a également une tendance à nous montrer de façon trop prononcée les éléments importants de l'intrigue, via des gros plans un peu trop prolongé, genre "vous avez vu là, juste là, l'homme qui se salit les mains pour faire croire qu'il est vraiment vagabond?"

Le spectateur est également face à trop d'invraisemblances: un tireur tire sur un important diplomate et trouve le temps de s'enfuir alors que la foule et la police l'entoure. La romance éclair (Johnny Jones tombe amoureux de la fille en deux jours et veulent se marier en aussi peu de temps!), est tout aussi invraisemblable qu'artificielle, pas moyen d'y croire une seconde. Bref beaucoup de choses qui ne collent pas trop dans ce Hitchcock moyen, mais qui se distingue tout de même par certaines scènes, comme la fuite du criminel sous une forêt de parapluie ou le crash en mer de l'avion qui ramène nos héros aux Etat-Unis. Le film a également une certaine valeur en tant que document d'époque, un appel aux États-Unis à agir alors que Londres commence à crouler sous les bombes allemandes...

Fiche Imdb
Réal: Alfred Hitchcock
Casting: Joel McRea, Laraine Day, Herbert Marshall, George Sanders...

Duck Soup (La Soupe aux canards) - 1933

2009-12-11T13:09:00.003+01:00

Freedonia est un état en quasi faillite. Pour le sauver, la fortunée Gloria Teasdale (Margaret Dumont, la "Marx Sister") accepte de prêter quelques millions à condition que le dirigeant en fonction démissionne et qu'il soit remplacé par Rufus T. Firefly alias Groucho Marx. Ce dictateur cynique et incompétent ne va pas tarder à semer la panique. Cherchant à écarter l'ambassadeur de Sylvania, M. Trentino, Rufus finit par déclarer la guerre à Sylvania. De son côté,Trentino envoie deux espions loufoques et incompétents pour voler les plans de guerre de Rufus T. Firefly...

Considéré par certains fans comme le meilleur film des Marx Brothers (qui sont de vrais frères), Duck Soup est une succession de répliques truculentes et de scènes loufoques. Le film est au croisement du cinéma parlant, muet et de la comédie musicale. Il parvient à doser avec sagesse chacune de ces caractéristiques, bien que les passages chantés soient un moins digestes que le reste. Ce qui ne gâche cependant pas le plaisir de redécouvrir une comédie aux scènes cultes (surtout le gag du faux miroir, où deux Rufus T. Firefly se font face dans une parfaite synchronisation) et aux dialogues jouissifs de moquerie ou d'absurdité. Impossible en visionnant ce chef d'œuvre des années 30 de ne pas sentir l'influence que les Marx Bros ont pu avoir sur les rois de l'humour nonsense, les Monty Python.
A noter qu'il s'agit du dernier film avec Zeppo Marx.

Fiche Imdb
Réalisateur:Leo McCarey
Casting: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Zeppo Marx, Margaret Dumont, Louis Calhern...

Cape Fear - 1962/1991 (Les Nerfs à Vifs)

2009-12-07T21:46:00.019+01:00

Cape Fear est à la base un thriller de John Lee Thompson,un duel psychologique entre deux monstres sacrés: Gregory Peck et Robert Mitchum. Ce film est revisité trente ans plus tard par Martin Scorsese qui dirige Robert de Niro, dans le rôle tenu par Mitchum.

Le point de départ du film est simple. Un ancien taulard, Max Cady, retrouve Sam Bowden, avocat respecté et père de famille propre sur lui. Max tient Sam pour responsable de ces années d'emprisonnement. Décidé à lui faire payer ces huit ans d'emprisonnement, Max harcèle Sam, en étant attentif à ne rien commettre d'illégal. L'avocat est de plus en plus esseulé, au fur et à mesure que la menace se précise et que Max rôde autour de sa fille...

Le pitch est commun aux deux films, qui se distinguent surtout par les caractères des personnages. Dans la version de J.L. Thompson, l'antagonisme est clair entre Gregory Peck et Robert Mitchum. Le premier est un avocat intègre et respecté, marié et père d'une petite fille. Il est aussi droit dans son travail que dans sa vie conjugale et s'acquitte de son devoir de citoyen, en ayant été témoin à charge de Max Cady et de ce fait condamné pour agression sexuelle. Mitchum est lui une parfaite crapule solitaire, le parfait contraire.
Dans la version de Scorsese, c'est plus nuancé. Max Cady est toujours un sale voyou, beaucoup plus malsain et violent d'ailleurs. Par contre, Sam Bowden est loin d'être le chevalier blanc incarné par Peck. Son implication dans l'emprisonnement de Max est plus important dans cette nouvelle version: avocat du prévenu, il omet volontairement un rapport favorable au violeur. Pas toujours intègre dans son travail, il n'hésite pas non plus à flirter avec l'illégalité pour résoudre un problème. Sa vie conjugale est peu reluisante également, infidèle à une épouse hystérique loin d'être la femme idéale et dont la fille est en pleine crise d'adolescence...On est loin de la famille idéale unie autour de Gregory Peck.

Autre temps autres moeurs, tout est beaucoup plus explicite et ambigu dans Cape Fear version Scorsese: la violence et le sexe sautent plus à l'écran, l'ambiance est plus malsaine tandis que le Cape Fear version Thompson se caractérisait par une certaine retenue. En découlent deux défauts diamétralement différents pour ces deux opus. Là où Scorsese est dans l'exagération la plus totale et pousse parfois le bouchon un peu loin (Max Cady réalise tout un trajet sous une voiture à la seule force des bras), Thompson est parfois un peu lisse, Mitchum n'apparaissant pas toujours aussi vicieux et machiavélique qu'il aurait dû l'être. Ces remarques n'empêchent toutefois pas de prendre du plaisir devant chacune des deux versions, à la base un très bon thriller que s'est fidèlement et intelligemment réapproprié Scorsese.

Cape Fear 1962
Fiche Imdb
Réalisateur:J.L.Thompson
Casting: Gregory Peck, Robert Mitchum, Polly Bergen...

Cape Fear 1991
Fiche Imdb
Réalisateur: Martin Scorsese
Casting: Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange, Juliette Lewis, Robert Mitchum, Gregory Peck

War of the Worlds (La Guerre des Mondes) - 1953

2009-12-06T23:56:00.005+01:00

Sorti huit ans après la fin de la seconde guerre mondiale, War of The Worlds s'inscrit dans sa lignée, les trois mots d'ordres étant chaos, mort et destruction. Heureusement, contrairement à la seconde guerre, la guerre des monde est une fiction, bien que le peuple américain y ait cru lorsque H.G. Wells lut quelques passages à la radio de son roman du même nom, qui inspira le film.

Tout démarre lorsqu'une météorite s'abat à proximité d'une petite ville. Malheureusement, la météorite n'en est pas vraiment une puisqu'elle abrite des extra-terrestres pas très gentils. On apprend par la suite que ces derniers sont des martiens qui trouvent l'herbe plus verte chez nous et décident d'en prendre possession, tout en rayant l'espèce humaine qui n'aurait sans doute pas été disposée à partager. Au milieu de ce brol apocalyptique, le Dr. Forrester et sa belle tentent de sauver l'humanité avec le concours d'une équipe scientifique. En plus de ses prouesses techniques délicieusement désuètes aujourd'hui, d'un jeu et de dialogues comme on en fait plus, le film est surtout intéressant quand il nous montre la bestialité s'emparant de la masse humaine face à une catastrophe imminente. Tous les moyens sont bons pour être le premier à s'enfuir, peu importe si cela compromet toute chance de sauver l'humanité, plus rien ne compte à par sa propre vie. « Dans ce monde, plus rien n'a de valeur, même l'argent! » dira un des protagonistes. Une vie humaine non plus n'a pas de valeur, mais là le film n'invente rien...Ce film recèle aussi de quelques aberrations (comme on en voit encore aujourd'hui). Par exemple, une bombe atomique explose à 1 km de milliers de personnes...qui à part une égratignure et un peu de poussière n'ont aucune lésion.Mais là où le film prend un sérieux coup de vieux, c'est pour son aspect cucul chrétien avec une fin présentée comme un miracle divin et certains dialogues fort plombés.
Exemple: "Nous avons calculé que les martiens pourront détruire la terre en six jours." "Six jours, c'est le temps qu'il a fallu à Dieu pour la construire." Genre de dialogues que l'on peut encore entendre dans certaines productions d'aujourd'hui...Non le cinéma n'a pas vraiment changé en cinquante ans.
Malgré ces quelques "pompiètreries", War of The Worlds reste un film sympathique à voir...en y ajoutant une petite dose de second degré.

Fiche Imdb
Réalisateur: Byron Haskin
Casting: Gene Barry, Ann Robinson, Les Tremaine...

The 39 Steps (Les 39 marches) - 1935

2009-12-04T14:35:00.011+01:00

Comment devrait réagir un homme chez qui surgit une femme se prétendant être un agent secret? Une femme poursuivie par deux tueurs et détentrice d'informations de la plus haute importance concernant la sécurité nationale? Quelle que soit la réaction, notre homme a 9 chances sur 10 de se retrouver dans la mélasse, ce qui ne manque pas d'arriver. Accusé du meurtre de la femme, recherché par la police et les espions adverses, il s'enfuit en Écosse pour tenter de retrouver les contacts de l'espionne . Traqués par des hommes qui ont toujours une longueur d'avance sur lui, il se heurte à l'incrédulité de son histoire, peu convaincante.

Ce film d'Hitchcock contient les ingrédients qui feront le succès de nombre de réalisations suivantes. Un homme innocent en fuite qui se retrouve seul contre tous par un malheureux concours de circonstances. Et qui devra se démerder seul puisque les personnes sur qui il pense pouvoir compter ne sont pas ceux qu'il pense être. Hitchcock nous livre un long métrage très palpitant, court et aux nombreux rebondissements. L'intrigue qui se déroule en grande partie en Ecosse permet également quelques notes d'humour, en tacklant les gens du cru sur leur accent, leur radinerie et leurs noms imprononçables.

Si ce film est l'un des plus importants de la première partie de carrière d'Hitchcock, il n'est pas exempt de tout défauts. Certains enchaînements ne sont pas toujours très clairs et on se demande par quelle miraculeuse pirouette notre héros s'en sort ou retrouve l'interlocuteur adéquat. De plus les ennemis, censés être de redoutables professionnels, sont parfois consternant de bêtise. Mais ces imperfections n'occultent pas vraiment les qualités d'un film au final particulièrement ingénieux...

Fiche Imdb
Réalisation: Alfred Hitchcock
Casting: Robert Donat, Madeleine Caroll, Lucie Mannheim, Godrey Tearle, Wylie Watson...

Metallica - Death Magnetic (2008)

2009-12-01T19:31:00.007+01:00

Death Magnetic est sans aucun doute l'album le plus attendu du plus grand groupe de thrash metal. Leur précédent essai, St-Anger, avait déjà provoqué d'impatients trépignements, mais les fans durent vite déchanter: Noyé au milieu de tensions diverses et de luttes d'ego(1), St-Anger servit de catharsis au groupe afin d'éviter le split. En résulta un album rageur, déconcertant et...inécoutable. Ce n'est jamais bon quand un artiste se sert de son medium comme exhutoire et c'est souvent au détriment de son public. Lars Von Trier, avec son abominable Antichrist, l'a démontré récemment dans un autre domaine. Envers Metallica , les attentes sont énormes après une décennie de vaches maigres (voire deux dirons les mauvaises langues). D'autant que le groupe fait mousser les fans depuis trop longtemps: deux ans passés en studio, des annonces assurant un retour au thrash metal des débuts...Bref on espère l'album de la décennie.

Et on est rarement satisfait dans ces cas-là: trop d'attentes ne génèrent souvent que de la frustration. Les premières écoutes déçoivent d'ailleurs, et pour plusieurs raisons. D'abord, où est cette foutue basse? Nous voilà revenu au travers du Metallica de ...And Justice for All, à la basse inexistante. Du coup l'ensemble manque de coffre, de lourdeur, le rouleau compresseur est un peu grippé. Et là on se souvient que l'album a eu besoin de deux ans de gestation studio pour voir le jour et débarque un mixage discutable...Frustrant.
Deuxièmement, aucune composition ne retient l'attention au point de lui attribuer le statut de masterpiece, au niveau des "One", "Master of Puppets" ou "Creeping Death" d'antan. L'album a cependant l'avantage de s'écouter en intégralité, sans crise de zappette aiguë.
Enfin, la production de l'ensemble laisse dubitatif. Le nouveau producteur Rick Rubin (Slayer, Beastie Boys...) encourage le groupe à se recentrer sur ce qui a fait leur succès à leurs débuts. "Jouez comme un jeune groupe qui doit percer, sortez vos tripes", a-t-il en gros déclaré. Mais voilà, Metallica les sort peut-être un peu trop ses tripes: des solos interminables, des morceaux à rallonge...On a l'impression que le groupe a peur de couper, qu'il dilue le potentiel d'impact de ses morceaux et finit par perdre l'attention de son auditeur. De plus, comment ne pas sourire au contraste entre cet album et son prédécesseur? L'un vomit des soli de tous les sillons et l'autre n'en tolère pas un seul...Bref cela manque quelque peu d'équilibre.

Death Magnetic n'est pas la masterpiece tant attendue. Et pourtant, si l'on évite les comparaisons avec ses illustres prédécesseurs de la belle époque, il est loin d'être à jeter. Avec le recul, il faut bien admettre que le début de l'album est une tuerie. Des morceaux comme "All Nightmare Long", "That Was Just Your Life" ou encore le premier single "The Day That Never Comes" prouvent que Metallica est encore capable de grandes choses. Qu'il peut encore être extrêmement agressif, pondre des riffs ravageurs tout en gardant un sens de la mélodie. L'album réussit au moins deux choses: à prouver que les musiciens ont retrouvé un niveau digne de leur standing et à établir la jonction entre l'album ...And Justice For All de 1989 et le Black album de 1991. Mais lorsque l'on compare l'instrumental Suicide & Redemption avec les irréprochables Orion (1986) ou The Call of Ktulu (1984), ou que l'on réécoute la trilogie The Unforgiven, on se rend compte que le groupe est en deçà des sommets des eighties. Des sommets qui semblent aujourd'hui impossible à réatteindre, la plupart des artistes de cette génération semblant avoir fait le tour de la question. Reste un bon album aux morceaux taillés pour la scène. Pour preuve, Metallica en joue la moitié au minimum à chaque concert depuis un an.

(1) Voir l'excellent documentaire Some Kind of Monster

Metallica, Death Magnetic, Vertigo/Universal, 2008.

Sleuth (1972)

2009-11-26T12:08:00.001+01:00

Adaptation d'une pièce de théâtre d'Anthony Schaffer, Sleuth nous plonge dans le manoir d'un auteur à succès de romans policiers, Andrew Wyke. Celui-ci invite Milo Tindle, coiffeur et fils d'immigré italien pour une discussion, au sujet de leur point commun: la femme d'Andrew, amante de Milo. Andrew déclare vouloir s'en débarasser mais s'inquiète que Tindle ne puisse satisfaire ses goûts de luxe. Il lui propose donc de voler les bijoux de sa femme, dans une mise en scène qui permettra à Andrew d'arnaquer son assurance. Milo toucherait le solde de la revente des bijoux et Andrew la prime. Un accord win-win à première vue, sauf que...Andrew est un tordu, obsédé de jeu et que celui-ci ne s'arrêtera pas à un simple faux vol.

A partir de cette mise en scène ( a priori simple mais qui se révèle être frappadingue), s'en enchaîne d'autres, où les personnages mettent en place des coups plus tordus les uns que les autres. Embrumé, le spectateur ne sait plus si les personnages sont sérieux ou s'ils se livrent à un nouveau bluff, un cran plus vicieux. Pour les deux protagonistes, le réel est devenu une mise en scène, Andrew vit dans un univers d'intrigues et Milo se prend progressivement au jeu.

Mankiewitz parvient à tenir en haleine le spectateur jusqu'à la dernière seconde, dans ce presque huit-clos où n'apparaissent jamais plus de deux personnages sur l'écran. Les dialogues cyniques portés par un excellent duo d'acteurs servent parfaitement un scénario machiavélique. Pour la dernière réalisation de sa carrière, Manckiewitz frappe très fort et nous laisse un dernier chef-d'oeuvre.

Réalisateur: J.L. Manckiewitz
Casting: Michael Caine, Laurence Olivier
Fiche Imdb

No Prayer For The Dying (1990)

2009-11-24T19:44:00.007+01:00

No Prayer for The Dying est considéré en général comme un des moins indispensables albums d'Iron Maiden, malgré qu'il contienne le premier single N°1 du groupe au Royaume-Uni (Bring your Daughter...To the Slaughter). Mais le succès commercial de l'album ne fut pas un succès critique, et ce pour plusieurs raisons.

No Prayer... fait suite au monumental album Seventh Son of a Seventh Son. Ce dernier marqua un sommet dans la carrière du groupe qui n'a cessé de complexifier sa musique depuis ses débuts. Seventh Son of a Seventh Son était une sorte d'aboutissement du groupe dans cette voie, album concept, très travaillé autant musicalement que dans le concept. A cette pièce maîtresse succède un album voulant marquer un retour aux sources, à un heavy metal plus direct. Bref, fini l'utilisation de synthés et envolées lyriques de Bruce Dickinson, qui chante ici plus bas qu'auparavant et de façon plus criarde.
Le départ d'Adrian Smith, en quête d'autres horizons artistiques, a sans doute guidé cette nouvelle orientation artistique. Le guitariste avait progressivement pris une grande importance dans l'écriture. Son départ a indéniablement causé un manque, que Steve Harris, principal compositeur, comble difficilement. Il aura d'ailleurs de plus en plus de mal à le faire, au vu des albums des années 90, moins percutant que la moyenne du groupe.
Le chanteur Bruce Dickinson, autre pilier du groupe, débute en parallèle sa carrière solo, qui le motivera progressivement plus qu'Iron Maiden.

Et pourtant, même s'il faut reconnaitre que cet album est en deçà de ce qu'a pu proposer le groupe auparavant, il n'est pas pour autant à jeter. Spécialement grâce à tout une série de morceaux qui dégage une certaine mélancolie ("No Prayer for The Dying", "Public Enema Number One"), d'autres qui recellent de belles trouvailles ("The Assassin"), dans l'ensemble, les compositions se tiennent, excepté l'une ou l'autre, à l'image de "Hooks in You". Mais c'est un album moins ambitieux que par le passé,en roue libre. "Mother Russia", le morceau épique de l'album, illustre la tendance de l'album: le morceau soutient difficilement la comparaison avec ses illustres prédécesseurs ("Seventh Son of a Seventh Son", "Alexander the Great"), mais reste prenant. Car même en mode mineur, Iron Maiden reste dans le haut du panier. C'est ça être un groupe génial...

Iron Maiden, No Prayer for The Dying, EMI, 1990

Mièvrerie pour sauver la planète

2009-11-24T18:11:00.006+01:00

Les grandes causes humanitaires peuvent-elles justifier des atrocités auditives? La question se pose une fois encore avec cette abominable reprise de "Beds are Burning", le plus célèbre morceau des Midnight Oil. A la base, se morceau est un plaidoyer en faveur des aborigènes, spoliés de leur terres par les Anglo-Saxons. Aujourd'hui reprise par le collectif "tck tck tck (time4climatejustice)", c'est devenu une revendication pour une politique active en faveur de l'environnement et un moyen de sensibilisation des édiles politiques à l'approche du sommet de Copenhague. Ce mégasommet était à l'origine une occasion unique pour prendre des mesures drastiques afin de lutter contre le réchauffement climatique, mais prend la route du coup dans l'eau. Belle initiative citoyenne me direz-vous, que de ne pas lacher la bride malgré tout...Malheureusement ce genre de bazar ne fonctionne jamais et agace plus qu'il ne sensibilise. Tout est ridicule dans ce projet, dont le nom illustre bien la calamité de la chose. Voir défiler 60 (!) stars internationales de la chanson et du cinéma le temps d'une reprise banale de 4 minutes, c'est s'assurer une foule de clichés les plus ridicules les un que les autres: des envolées lyriques inadéquates (faut bien se démarquer des autres), des choeurs parlés insupportables (pour les rappeurs qui ne savent pas chanter), des artistes de tout horizon mais trop différents que pour être cohérent ensemble (faut bien montrer que toute la planète est concernée par le climat)...Tout cela donne naissance à un morceau infâme (plus encore que We are the world de Vous-savez-qui, qui avait au moins le mérite d'être une chanson originale) porté par des stars en pleine campagne de communication et qui passera en radio jusqu'au 7 décembre, date de début de sommet...

Bref, depuis le mois d'octobre, date où a été lancé ce morceau et jusqu'au 7 décembre, cela nous aura donné 2 mois pour nous taper la tête contre les murs, avec l'appui bienveillant de nos braves stations radiophoniques...Et le pire, c'est que cela ne servira à rien. Vous verrez après le 7 décembre, des commentaires du style "Très timide déclaration à l'issue du sommet mondial"...Et non, Hu Jin Tao, Vladimir Poutine et d'autres n'auront pas entendu une seule fois le message que nous tous auront subi pendant deux mois...

Suspicion (Soupçons) - 1941

2009-11-24T00:43:00.010+01:00

Suspicion est réalisé durant la seconde année de la carrière hollywoodienne d'Hitchcock. Film américain donc, bien que l'intrigue se déroule dans la campagne anglaise. L'intrigue est fort simple. Lina (Joan Fontaine), fille de bonne famille, tombe amoureuse de Johnnie (Cary Grant). Ce dernier est un type fantasque et sympathique, mais qui n'est en fait qu'un bon à rien qui se crible de dettes en jouant aux courses et va de plans foireux en plan foireux pour s'en sortir. Fort naïve au début, Lina découvre la situation délicate de son mari et se met à douter de lui: de sa passion pour les romans policiers, de ses absences qu'elle pense liées à des événements suspects...

Le film ne devient véritablement intéressant que quand le doute s'installe autour du gentil et désinvolte Johnnie, interprété par un troublant Cary Grant. Celui-ci devient un personnage flou, inquiétant, mettant sa femme mal à l'aise, elle qui à la base était naïvement amoureuse de son homme.On oublie les maladresses de la première partie pour se plonger dans cet univers tendu où la personnalité sombre de Johnnie monte crescendo. Cette montée est constante jusqu'à une dernière scène, voulue par le studio mais désavouée par Hitchcock. La fin reste cependant assez ambiguë pour permettre d'entretenir le mystère...

Ce film n'est pas resté comme un classique d'Hitchcock, mais vaut néanmoins la peine d'être vu pour Cary Grant, qui sort ici du canevas d'acteur de films romantiques. Les scènes entre le couple et Nigel Bruce jouant un ami de Johnnie au tics de langage dignes d'un gluon valent également le détour.

Fiche Imdb
Réalisateur: Alfred Hitchcock
Casting: Cary Grant, Joan Fontaine, Nigel Bruce, Sir Cedric Hardwicke...

The Remains of the Day - Les Vestiges du jour (1994)

2009-11-18T21:07:00.008+01:00

Adaptation du roman du même nom de Kazuo Ishiguro, ce film a probablement offert à Anthony Hopkins l'un de ses meilleurs rôles. Il campe un majordome, Mr Stevens, qui fut au service pendant 30 ans d'un lord anglais, lord Darlington. Lorsque Miss Kenton (Emma Thompson), une ancienne employée du manoir renoue contact avec Mr Stevens, les souvenirs des années 1930 ressurgissent chez le majordome. Avant la seconde guerre défilèrent au manoir une série de diplomates internationaux avant la seconde guerre. Aveuglé par le nazisme, Lord Darlington ne voit pas les desseins belliqueux de l'Allemagne, il va jusqu'à appuyer un pacte de paix avec l'Allemagne nazie et justifier les lois antijuives. Plus qu'un sympathisant nazi, Lord Darlington apparaît plutôt comme un brave homme mais de la vieille école, avec une guerre de retard et complètement abusé par ses interlocuteurs, nettement plus aguerri à la realpolitik. Au centre de tous ces mouvements diplomatiques, Stevens ne voit rien, ou ne veut rien voir. Un majordome fait toujours confiance à son maître et ne remet jamais en cause ses choix.

The Remains of the Day a été huit fois nominé aux Oscars mais n'a décroché aucune statuette , ce qui est bien dommage car il cumule les qualités. Premièrement, le scénario, qui développe une histoire à trois niveaux: l'Histoire, celle de l'avant-guerre, l'histoire du manoir et sa vie quotidienne, et enfin l'histoire entre le majordome Mr Stevens et Miss Kenton. Deuxièmement, l'Américain James Ivory réalise une oeuvre dans la plus pure tradition...anglaise. C'est visuellement superbe, qu'il s'agisse des paysages de la campagne anglaise comme de l'intérieur du manoir. Le jeu d'acteur est juste, sobre et digne. Le casting est cinq étoiles, les seconds rôles incarnés par Emma Thompson, James Fox, Christopher Reeve et Hugh Grant sont à la hauteur de l'époustouflante prestation d'Hopkins. Ensuite, si l'action est absente de ce film, on ne s'ennuie pourtant pas une seconde car nous sommes captivés par la psychologie de chaque personnage, par leurs travers et convictions, leurs affrontements feutrés en apparence et la fibre professionnelle jusqu'au-boutiste du majordome, qui ne veut ni voir ni entendre, alors que des décisions aux conséquences incalculables se trament autour de lui...Film à voir.

Réalisateur: James Ivory
Casting: Anthony Hopkins, Emma Thompson, James Fox, Christopher Reeve, Hugh Grant...
Fiche Imdb