Alejandralia

MARCEL MARCEAU, EL POETA DEL SILENCIO

2023-04-15T23:11:00.003+02:00

“Nada es concebible en el mundo sin el amor,

que es verdaderamente el comienzo de la razón”.

(Marcel Marceau)

“El poeta del silencio”, el más grande mimo del sil siglo XX, convertido en una leyenda por su talento creador inigualable.

Ana Alejandre

Marcel Mengel que era su verdadero nombre, aunque refirió usar el nombre artístico de Marcel Marceau con el que se hizo famoso mundialmente, está considerado el más grande mimo del siglo pasado. Creó su escuela de Mimodrama, creada en la década de los años sesenta, que se hizo famosa internacionalmente. Fue el creador de un género y un estilo de pantomima teatral que es conocido y respetado en todo el mundo y en cuyo seno se han formado varias generaciones de artistas de la pantomima teatral.

Nacido el 22 de marzo de 1923, en Estrasburgo (Francia), este año se conmemora el I Centenario de su nacimiento. Su ascendencia era judía, y se cambió el apellido durante la II Guerra Mundial, sabiendo la persecución que sufrían los judíos. Su padre fue asesinado en el campo de exterminio nazi de Auschwitz.

. Después de finalizar sus estudios em el Liceo Mayor de Estrasburgo y en el Liceo Fustel de Coulanges, su vocación artística le llevó a estudiar las artes decorativas en la ciudad de Limoges, famosa mundialmente por sus porcelanas desde el siglo XVIII. Ciudad a la que llegó con su familia, huyendo hacia el interior de Francia tras la invasión alemana y donde residió toda su vida. Fue en esa época cuando sufrió la pérdida de su padre, carnicero kosher, al que había detenido la Gestapo y enviado a Auschwitz donde fue asesinado. También estudió la técnica de la pintura manual de la porcelana, Ganó el Premio Masson, con tan solo17 años, por su habilidad en los esmaltes.

A la muerte de su padre y con Francia ocupada por los nazis, él, y su hermano lo pasaron muy mal, como muchos otros franceses, y prefirieron enfrentarse a la adversidad y no vivir ocultos. Para ello decidieron luchar contra los nazis en la medida de sus posibilidades. Fue entonces cuando cambiaron su apellido judío Mengel por el de Marceau y se alistaron ambos a la Resistencia francesa, la que había surgido para combatir contra la ocupación nazi en Francia y contra el gobierno de Vichy, durante la II Guerra Mundial.

Por haber sido movilizado y pasar a la Resistencia y por el hecho de que su padre había sido asesinado por su condición de judío, fue cuando decidió trasladar niños judíos procedentes de orfanatos, desde Francia a Suiza, para librarlos del terror nazi. Salvó entre 350 a 400 niños judíos, según sus biógrafos, jugándose la vida y utilizando su arte de mimo y su sentido del humor con los que convencía a los niños de que era un juego en el que no podían hablar ninguno ni hacer ruido, mientras los distraía con su arte mudo inigualable. El grupo infantil era comandado por George Loinger, jefe de la unidad secreta de la Resistencia francesa llamada Oeuvre de Secours aux Enfants y primo de Marceau, Unidad que era un grupo de ayuda a los niños judíos para alejarlos del terror de la Francia ocupada por el ejército alemán con su siniestra ideología nazi. Esto les permitió salvar a esos centenares de pequeños de caer en manos de los nazis y sus macabros propósitos. Para ello tenían que evitar el peligro de viajar con grandes grupos de chicos y no ser advertidos por las tropas alemanas, para lo que su experiencia de mimo le ayudó a tan difícil empresa, convenciendo a los niños de que tenían que guardar absoluto silencio porque era un juego; propósito que consiguió porque los menores aceptaban de buena gana y se divertían con ese extraño y silencioso juego que les proponía aquel payaso mudo y saltarín que les divertía con sus piruetas y ocurrencias tan inverosímiles como ingeniosas.

Era toda una proeza propia de un artista que afirmaba:“Desafortunadamente nunca podremos destruir al mal, pero el bien existe y debe madurar”. Y los frutos de esa maduración fue, en su caso, salvar a esos casi cuatrocientos niños de un futuro atroz sí cayeran en poder de los nazis, por el simple hecho de ser judíos.

La influencia más importante recibida por Marceau fue la de Charles Chaplin, con su inefable personaje, Charlot. El propio Marcel admitió que cuando era niño y veía las películas de Charlot, notaba que otros niños se reían, aunque él lloraba porque se daba cuenta de la tragedia que subyacía debajo de los gags de humor que el genial Chaplin hacía sobre la miseria, la orfandad, y el desamparo, todo lo que el propio Chaplin sufrió en su vida hasta que alcanzó la fama. La mente de artista de Marceau le hacía penetrar en lo más profundo del alma humana, poniendo de relieve lo esencial. Ya decía el genio de la pantomima: “El mimo hace visible lo invisible e invisible lo visible”.

La influencia de Charlot fue tan grande para el mimo que, después de haber visto una actuación en directo de Charlot, fue cuando Marceau se interesó por todo lo relacionado con la actuación. Al finalizar la II guerra Mundial, comenzó sus estudios en el teatro de Sarah Bernhardt de París y en el que su debut fue como Arlequín en “Baptiste”.

Marceau era un artista capaz de transmitir toda la gama de las emociones humanas: tristeza, humor, ternura, miedo, belleza, ingenuidad, amor, respeto, sufrimiento, alegría, pena, tragedia, soledad, y en todos los matices que cada una de estas emociones o sentimientos puede mostrar.

Mimo es un término que proviene del griego antiguo que significa imitador o actor; es decir, el arte de la actuación silenciosa. Sus orígenes fueron los teatros atenienses de la Grecia preclásica, aunque dicho arte es milenario, Marcel Marceau fue sin duda alguna su más grande exponente en el siglo XX, quien escribió la línea que separa dicho arte antes de su propia aparición en escena y hasta su retiro con más de ochenta años.

Ha dejado su inconmensurable enseñanza de la pantomima que han seguido varias generaciones de mimos, pero hasta ahora no ha habido ninguno que tenga el talento creador, innovador y personalísimo que mostró Marceau toda su vida, dejando un legado tras de sí, sutil e inmaterial, pero de profunda belleza, que podría resumir en una de sus frases que mejor le define:” Con el silencio se dicen menos tonterías Se dicen sólo las esenciales”

Como actor y espectador de la vida que fue, como todo gran artista, en una época convulsa como fue la II Guerra Mundial que asoló a toda Europa, quiso y supo expresar con el silencio el horror que había vivido y contemplado y el mundo que surgió de aquel infierno bélico con sus millones de víctimas. Lo hizo desde la ternura, la comprensión, la piedad y la belleza, sin una palabra de protesta, de repulsa por lo que ya era pasado e irreparable. sino con ese silencio que también era su mejor arma y su forma de expresión más genuina, más sincera y eficaz. Era un actor que miraba a su alrededor y describía lo que veía, bueno o malo, pero lo contemplado y vivido inspiraba a su mente de artista para hacer una obra de arte en las tablas con sus espectáculos Él dijo una vez: “Los actores, igual que los periodistas, somos los historiadores del ahora”.

Todo ese caudal creativo, que deglutía y asimilaba su talento creador, creó el personaje que lo hizo famoso en 1947, “Bip”, personaje tierno, simpático, romántico y sentimental, inspirado en el actor Charles Chaplin y su inolvidable personaje “Charlot”. A través de “Bip” se puede ver la evolución del Pierrot del siglo XIX hasta dicho personaje creado por Marceau, “Bip”, con su cara pintada de blanco, pantalones anchos, suéter de rayas y una vieja chistera y con él, su alter ego, viajó incansablemente y triunfó en las más importantes ciudades del mundo.

Marceau creó obras y pantomimas y montó su representación en los más importantes escenarios del mundo que alcanzaron la fama internacionalmente. Se pueden destacar entre dichas creaciones (1"Mort avant l'aube" 947), "Le manteau" (1951), "Don Juan" (1964), "Candide" (1971) y "Jardin Public" (1949), en la que él mimo interpretaba 10 personajes.

En el cine participó también, primero con el director francés Roger Vadim en 'Barbarella' (1968) y con Mel Brooks en 'La Dernière folie' (“La última locura) (1976), filme mudo, a pesar del año en el que fue rodada, y en la que su interpretación es inolvidable y magistral. Estas dos películas aumentaron aún más su fama internacional.

Fue tan calurosa la acogida del público desde siempre a este genial artista que, además de que había creado una escuela de pantomima para la formación de los aspirantes a mimos en la que enseñaba todo el fundamento y técnica de este antiguo arte, sus actuaciones en solitario recibían el favor de un público entusiasmado, por lo que llegaba a hacer más de trescientas representaciones en un año.

El gran artista que afirmaba que: "La palabra no es necesaria para expresar lo que se siente en el corazón", fue reconocido y aplaudido internacionalmente, sobre todo en Estados Unidos, país en el que su movimiento de la "marcha contra el viento” supuso una total revolución en la escena teatral, que inspiró, entre otros artistas, el "Moonwalk", de Michael Jackson.

Y el arte definió la vida de este artista que nos fascinaba y emocionaba a todos porque hablaba con el silencio, pero desde la más absoluta y pura belleza porque como él había dicho: “¿Acaso los momentos más conmovedores de nuestra vida no nos encuentran sin palabras?”.

Marceau falleció el 22 de septiembre de 2007 y fue enterrado en el célebre cementerio parisino Pere Lachaise.

En su último y definitivo viaje a la eternidad de Marcel Marceau, el epitafio que podría resumir la vida de este artista, mimo, actor, maestro de pantomima , creador, y héroe anónimo, es su propia frase que resume toda la vida de un artista excepcional que no necesitó la palabra para expresarlo todo y hacerlo con tal sensibilidad y belleza que ha conmovido a todos los espectadores de sus creaciones, porque la vida, vista por el genio de un artista, es como un sueño y por eso decía “El camino más corto que separa al sueño de la realidad es el arte”.

ENNIO MORRICONE

2020-07-15T22:00:00.024+02:00

Ennio Morricone, el compositor de las estrellas

Ana Alejandre

Ennio Morricone (10 de noviembre de 1928 - 6 de julio de 2020) el legendario compositor italiano reconocido mundialmente por sus composiciones musicales para más de quiinientas películas, ha muerto,el pasado 6 de julio, a los 91 años. Falleció en una clínica de la capital italiana donde estaba hospitalizado a raíz de una caída que le causó una fractura de fémur.

Su obra musical comprende más de 500 bandas sonoras para cine y televisión y fue ganador de un Oscar honorífico en 2006 y otro en 2016 por poner música a Los odiosos ocho de Quentin Tarantino,

Morricone empezó a tocar la trompeta desde muy jovencito, un instrumento al que se aficionó porque ya lo tocaba su padre, Fue un compositor precoz porque compuso su primera obra a la edad de seis años. Siempre creó su música pensando en las historias para las que la componía y nunca cayó en el error de querer convertir el cine en una sala de baile.

Con sólo diez años, y tras la experiencia adquirida en la orquestina aficionada de Constantino Ferri, Morricone se matriculó en el Conservatorio de Santa Cecilia para estudiar trompeta bajo la égida de Umberto Semproni, Tres años después fue escogido entre otros estudiantes para formar parte de la orquesta de dicho conservatorio, con la que realizó una gira por el Véneto bajo la dirección de Carlo Zecchi.

Por sus excepcionales dotes para la armonía, el profesor Roberto Caggiano le aconsejó iniciar estudios de esta disciplina. Al finalizar el curso en sólo seis meses, le sugirió que dirigiera su formación hacia la composición. Al siguiente año lo hizo y comenzó a estudiar con Carlo G. Gerofano y Antonio Ferdinandi.

El director Alberto Flamini lo eligió como segundo trompa para su orquestina, en la que doblaba las líneas del primer trompeta, que era Mario Morricone, su propio padre. Con este bagaje musical llegó a los escenarios profesionales, tocando en diversos hoteles de Roma para las tropas americanas establecidas en territorio italiano cuando finalizo la II Guerra Mundial

Comenzó profesionalmente como compositor de películas en, 1961 en el que realizó su debut cinematográfico con la banda sonora de la película El federal, de Luciano Salce. Posteriormente, le llegó la fama mundial con la música de películas del género western de Sergio Leone, como Por un puñado de dólares y El bueno, el feo y el malo, entre otras. También, compuso las bandas sonoras de películas tan famosas como La misión, Cinema Paradiso, Los intocables de Eliot Ness o Novecento.

Su muerte ha acaecido con muy poca diferencia cronológica con la concesión, el pasado 5 de junio, del Premio Princesa de Asturias de Las Artes 2020, junto al compositor estadounidense John Williams, por haber enriquecido con su talento musical cientos de películas.

Morricone había manifestado por escrito, con ocasión de haberle sido concedido el Premio Princesa de Asturias de las Artes, que “He elegido escribir música como una forma de comunicación. La música, de hecho, sin que haya nadie que la escuche, no tiene sentido”, Había mostrado una gran ilusión de viajar a Oviedo para recibir tan prestigioso galardón, y conocer a la Familia Real, cita que la muerte ha truncado.

Las composiciones de Morricone están inspiradas y se sustentan sobre dos grandes pilares musicales como son Johann Sebastian Bach e Ígor Stravinski. “So,n ellos dos los polos determinantes”, según reconoció él mismo en un libro-entrevista con su gran amigo, Giuseppe Tornatore.

Hay que destacar en toda su obra musical la gran importancia del silencio, al que consideraba que era música también como los sonidos o quizás más, Afirmaba que, si se deseaba penetrar profundamente en su música, se debía buscar entre las pausas para llegar a conocerla en su esencia.

Conoció y estudió todas las especialidades de la composición musical. Por ello, y por ser un gran trabajador, era uno de los compositores cinematográficos más prolíficos del mundo, con composiciones icónicas entre as que destacan, además de las ya citadas La misión (1986) y Cinema Paradiso (1988), otras como son las bandas sonoras de renético (1988), Bugsy (1991), Malèna (2000 )y El hombre de las estrellas (1995), entre otras.

También, compuso música de cámara, piezas sinfónicas, óperas y cientos de canciones para artistas de música ligera y pop. En 2018, con motivo de su nonagésimo aniversario, Morricone inició la gira llamada The Final Concerts World Tour como despedida definitiva de los escenarios. La gira comprendió la visita a más de 35 ciudades europeas con un total de más de cincuenta conciertos.

Entre las muchas distinciones que recibió a lo largo de su extensa carrera musical, destacan la de Caballero de la Legión de Honor de Francia y Comendador, Gran Oficial y Caballero de Gran Cruz de la Orden al Mérito de la República Italiana. También, ha recibido 27 Discos de Oro y 7 de Platino y numerosos galardones: varios BAFTA, Globos de Oro, Grammy, David de Donatello, el León de Oro a toda una carrera en Venecia (1995) y el Polar de la Música (Suecia, 2010).

En 2006 se le concedió el Oscar honorífico a toda su carrera y en 2016 ganó el Oscar y su tercer Globo de Oro por la banda sonora de Los odiosos ocho de Tarantino, como ya se ha dicho anteriormente, y estrenó su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.. El Papa Francisco le concedió la Medalla de Oro Pontificia y en 2020 recibió el Premio Camille de la Alianza Europea de Autores y Compositores a los logros de una vida.

Este compositor de las estrellas, porque no solo compuso para el cine de Hollywood, sino para cantantes de música moderna y pop, ha dejado una riquísima y variada obra musical que ha hecho soñar a varias generaciones que lo recordarán a través de su inolvidable música que ha quedado como testimonio del impresionante talento creador de un hombre que comenzó tocando de niño la trompeta para terminar tocando el corazón de los espectadores y oyentes que le recordarán, en su ausencia definitiva, a través del celuloide, de los discos y vídeos en los que ha dejado la profunda impronta de su talento creador que ha engrandecido muchas películas con su música irrepetible e inolvidable,

Descanse en paz.

¡ARTURO FERNÁNDEZ, UN CABALLERO EN EL ESCENARIO Y EN LA VIDA

2019-07-07T20:54:00.001+02:00

Arturo Fernández

Ana Alºlandre

El pasado jueves, 4 de julio, murió Arturo Fernández, actor de cine y televisión, director y productor teatral, a sus juveniles 90 años. Permanecía en activo y seguía, incansable, montando, representando y dirigiendo obra tras obra de teatro, a las que asistía siempre su público fiel, que veían en él la imagen imperecedera de la bonhomía, de la calidez sincera, de la elegancia sin estridencias, de la más auténtica simpatía sin impostura, genuina como lo era su sonrisa, su mirada pícara y ese aire birlón que tienen muchos tímidos que esconden así su temor a no ser aceptados o no caer bien a la concurrencia.

Llevaba varios meses alejados de las tablas por la enfermedad que lo ha llevado a la tumba. Es seguro que le hubiera gustado morir sobre un escenario, entre los bastidores, viendo al público aplaudirle o reírse como lo hacía siempre en todas sus funciones, en las que el humor y la ironía que destilaba de sus personajes arrancaba las carcajadas del público, pero sin tener que recurrir a la chabacanería, a la vulgaridad, al humor estropajoso que abunda tanto actualmente. En sus puestas en escena cuidaba hasta el último detalle, desde el decorado hasta el vestuario de los protagonistas, desde las luces hasta el sonido, buscando ofrecerle a público lo que este merecía por los muchos años de fidelidad y aplausos, de risas y de admiración hacia un actor que no tiraba la toalla, porque la bajada de telón definitivo sería cuando la muerte viniera a buscarle y pudiera poner fin a su carrera de actor y a su vida. No entendía esta última fuera de los escenarios o de los platós cinematográficos.

Galán entre los galanes, alto, apuesto y de fina estampa como la de un aristócrata al que le faltan los blasones, pero le sobra educación, gallardía y buenas maneras. Tenía ese raro encanto, poco usual, de encandilar a las señoras y despertar una sonrisa de complicidad en los señores. Era un caballero de los que ya no quedan, siempre educado, cortés, galante con las señoras a las que dedicaba sus piropos siempre acertados, delicados, a los que acompañaba con una sonrisa que hacía desfallecer a cualquier mujer a los que se los dedicaba, pero sin acercarse, ni de lejos, al límite que separa al piropo galante de la zafia grosería.

Fernández consiguió éxito, fama, dinero y todo cuanto ambicionaba. Atrás quedaba su Gijón. natal, donde nació el 21 de febrero de 1929, donde confiesa que su madre y él pasaron hambre, cuando su padre tuvo que emigrar a Francia por cuestiones políticas. Con tan solo 21 años hizo su debut teatral gracias a la recomendación de Jesús Puente, primero en la compañía de Conchita Montes y, después, en la de Rafael Rivelles. Anteriormente fue futbolista e intentó ser boxeador, a quien sus fans le llamaban ·El Tigre del Piles”, en alusión a un conocido lugar de Gijón.

El teatro le dio popularidad y le abrió las puertas del cine que fue el medio que le lanzó a la fama. Rodó una gran variedad de películas, la mayoría comedias comerciales y, en muchas de ellas fue acompañado por la actriz Lina Morgan como coprotagonista. También tuvo la oportunidad de actuar en películas del llamado género negro o policíaco, como son los títulos “Distrito Quinto” (1957) y “Un vaso de wisky” (1958). Su mejor época cinematográfica fue en las décadas de los 60 y 70 del pasado siglo. Entre los títulos cinematográficos que tiene en su filmografía,, cabe destacar en el género de comedia; “Las chicas de la Cruz Roja” (1958), “La casa de la Troya ”· (1959), “La tonta del bote” (1970),,“Truhanes” (1983) por citar las más populares entre más de 90 películas.

En su vida fue afortunado, no solo en el cine y el teatro, sino en la faceta más personal y privada como es la relación amorosa. Hubo dos mujeres importantes en su vida. La primera, María Isabel Sensat Marqués, la aristócrata con la que contrajo matrimonio, el 22 de marzo de 1967, y se separaron en 1978. De esa unión nacieron dos hijas y un hijo que ya le hicieron abuelo. Nunca dijeron ninguno de los dos los motivos de su separación, en un absoluto gesto de elegancia y discreción por ambas partes.

La segunda pareja le ha acompañado hasta su muerte, Carmen Quesada, la abogada a la que conoció cuando Arturo tenía 50 años y ella solo 21. Era el año 1980. Desde entonces no se han separado y han formado una pareja sólida, bien avenida y feliz, aunque no tuvieron hijos. Ella ha sido la mujer de su vida, su compañera sentimental que le dio estabilidad, compañía, amor y dicha compartida. En 2018 se casaron, quizás por la avanzada edad de él o porque ya empezaba a notar que la enfermedad estaba comenzando a hacer en él sus siniestras labores.

Autodidacta, sin haber cursados estudios más que los primarios, era gran lector y curioso por saber más, no solo de su profesión, sino de la vida, del arte, de la historia y de este universo fascinante en su grandiosa belleza que nos rodea. Sobre todo, le interesaba la amistad que cultivaba con mimo y lealtad a sus muchos amigos (conservaba los de siempre, los de cuando era un niño o joven) lo que es algo muy raro encontrar en el mundo del famoseo y el espectáculo. La fama siempre obnubila la memoria y los amigos de antes de ser famoso se difuminan en el recuerdo de quien busca nuevas amistades por serles poco convenientes, interesantes o representativas, las que tenía cuando era un desconocido más, sumido en el anonimato.

En los últimos años se volcó más en el teatro, especializándose en la llamada “alta comedia”, de la que era un experto tanto en montaje, dirección y producción y en lo más importante en su calidad de actor, como galán intemporal por el que no pasaba el tiempo ni mermaba su capacidad interpretativa, su simpatía natural y ese atractivo que todas las mujeres reconocían en ´él a pesar de su edad,. Pero esta mayor dedicación al teatro no supuso el abandono del cine, pues su última película la rodó en 2006. Además, en esos años. intercalaba su participación en series de televisión muy populares como fueron la de “Truhanes” (1995) que anteriormente fue también llevada al cine en 1983 con el mismo título, y en ella ruvo como coprotagonista al inolvidable Francisco Rabal.. Otras series televisivas de éxito fueron “Esta casa es un lío” (1996-2000) y “Como el perro y el gato” (2001).

Fue, precisamente, en este año en el que interpretaba dirigía y producía la obra “Alta seducción”, en Sevilla, cuando tuvo que anular las representaciones por encontrarse mal, con fuertes dolores de espalda. Fue operado del estómago que le venía dando problemas desde hacía mucho tiempo, y ya no pudo reincorporarse de nuevo al escenario del teatro Quintero de la capital hispalense, porque la muerte le sorprendió el jueves pasado..

Con su muerte no solo ha desaparecido un actor de comedia excelente, sino un hombre bueno, optimista, amigo de sus amigos y con un amor incondicional a la vida, representante de un estilo de vida, de una estética, elegancia y forma de estar y ser que ya está en peligro de extinción, en esta sociedad maleducada, zafia, vulgar, chabacana y proclive a todos los extremismos, modas chirriantes, alienación, despersonalización, y vaciedad, en la que el actor gijonés era como un recordatorio constante de que hay otra forma de vivir y estar en el mundo más civilizada, educada, cortés, gentil y respetuosa con los demás y, sobre todo, más optimista, alegre y sonriente. Popularizó, por su uso continuado, el diminutivo de “chatín/a”, como forma cariñosa de dirigirse a su interlocutor, en un simpático gesto de afecto y cordialidad que despertaba la sonrisa en el aludido y en quienes le oían.

No hay que olvidar lo que dijo Hemingway: “Hay que reconocer que las personas alegres, siempre son buenas”. Ningún otro comentario podría definir más acertadamente a este gran actor y mejor persona que acaba de fallecer. Un verdadero caballero en el escenario y en la vida, al que hay que agradecerle su constante derroche de simpatía, amor a la vida, alegría y magisterio de la interpretación, elegancia, cortesía y respeto, cualidades que no deben faltar jamás en la sociedad actual, ya que las necesita más que nunca y de las que, después de la muerte de Arturo Fernández, está doblemente huérfana.

Descanse en paz.

ARETHA FRANKLIN

2018-08-19T16:53:00.001+02:00

Aretha Franklin

Ana Alejandre

El reciente fallecimiento de Aretha Frankli, el pasado jueves, 16 de agosto, aquejada de un cáncer de páncreas que le fue diagnosticado en 2010, pone de relieve la figura de esta artista que se habla casi retirada de la vida musical por consejo médico.

La verdadera representante femenina del soul y que era un estanderte feminista, tuvo unas de las voces más importantes y personalísima que la hizo auparse a la fama desde los lejanos años de su niñez, cuando cantaba gospel en la iglesia en la que ejercía su padre de pastor, en la ciudad de Chicago.

Nacida en una humilde casa de Memphis (Tennessee, EE.UU.) en marzo de 1942. Hija de un padre mujeriego y autoritario, a pesar de su condición de pastor baptista , vivió la separación de sus padres cuando solo contaba 6 años y la muerte de su madre cuando ella tenía 10. Conoció el sufrimiento en su infancia de abusos físicos y psicológicos, aunque estas amargas experiencias no pudieron empequeñecer su talento musical.

Su vida tuvo un paralelismo, en cuanto a una infancia desgraciada con las vidas de las cantantes Etta James o Tina Turner, aunque haya muchas diferencias musicales entre las tres. Aretha tuvo el trauma de un embarazo a los 12 años (hijo del que se pensó al principio que era de su propio padre, Clarence LaVaughn C.L. Franklin, un pastor de una iglesia baptista en Chicago y que era un eclesiástico muy poco convencional, aunque se demostró que el padre era un compañero de colegio de Aretha. Una de las biografías de la artista afirma que su padre celebraba orgías en el mismo templo en el que daba sermones con voz grave y cavernosa. Después, tuvo otro hijo, a los 14 años, de otro joven distinto. Todo ello la llevó a sufrir de adulta la adicción al alcoholismo y la lucha contra su sobrepeso.

La revista americana People reconoció que Aretha “tuvo una infancia dura”, según escribió David Ritz, uno de sus biógrafos, lo que la llevó a querer mantener ocultas esas zonas más escabrosas de su vida, y tratando de aparentar una vida menos traumática delante de los focos y de la vista de todos. Ese deseo de mantener la oscuridad de su vida al resguardo de miradas curiosas, fue la que le llevó hasta el alcoholismo y quizás la bulimia..

A pesar de la traumática experiencia de su doble maternidad siendo tan niña, no le hizo renunciar a su deseo de ser cantante y marchó a Nueva York con 18 años. A los niños los criaron su abuela y una hermana de esta.

Inició su carrera en solitario con un repertorio de música soul que tenían la influencia del gospel, lo que caracterizaba su estilo desde entonces. Realizó sus primeras grabaciones a principios de la década de los 60, y con ellas alcanzó cierta popularidad a mediados de dicha década, por lo que comenzó a ser llamada como la reina del soul por su extraordinaria voz y a la fuerza expresiva de sus interpretaciones. Ya en 1967 llegó a vender más de un millón de copias con su álbum I Never Loved; y con su versión del tema de Otis Redding llegó a estar en el número uno de la listas de éxitos en EE:UU, al igual que en el Reino Unido.

Otros temas famosos de Aretha fueron Con Live at the Fillmore West (1971) y Young, Gifted and Black (1971), en los que incluyó el rythm and blues en su estilo lo que le valió conseguir un Grammy.

En la década de los 80 prosiguió su carrera con colaboraciones con Annie Lennox y George Michael. Después de transcurridos siete años grabó A Rose Is Still a Rose(1988), álbum que posee un estilo más próximo al soul, y en el que dio preferencia a la voz, dándole también protagonismo a los temas sobre la religión, aburrida de los amorosos que eran los habituales en su canciones, abarcando más aquellos que trataran sobre la condición humana.

Fue en 1980 cuando fue la estrella central del primer concierto Divas Live, en el que Aretha actuó junto a Celine Dion, Gloria Estefan, Mariah Carey y Shania Twain.

En su carrera musical de más de cincuenta años Aretha Franklin recibió numerosos galardones y reconocimientos; y en su discografía se encuentran más de sesenta trabajos.

Su desconfianza hacia los representantes y mánagers, le hacía exigir cobrar por adelantado y en efectivo. El motivo era las muchas estafas por parte de estos agentes hacia los cantantes de raza negra a la hora de pagar, pagándoles menos que a su colegas blancos, según afirmaba en un artículo publicado en Time. Por ello, no era extraño ver a la cantante con pilas de dinero en su camerino, antes de iniciar sus conciertos, junto a sus pertenencias personales, según afirman testigos que vivieron esos momentos.

Su actitud de desconfianza provenía del conocimiento de las prácticas habituales que reinaban en el mundo de la música, en el que a los cantantes negros se les pagaba poco y, en muchas ocasiones, se les estafaba con los royaltis, es decir, los derechos de sus canciones. Aretha creía que la gente tiene como naturaleza la voluntad de hacer daño y aprovecharse ce los demás. Por ello, cuando cobraba por adelantado, como ya se ha dicho, metía el dinero en un bolso y se lo daba a su personal de seguridad o lo mantenía con ella durante la actuación.

El agente Dick Alen, escribió en su libro biográfico Respect: The life of Aretha Franklin, que la artista utilizaba ese mismo dinero para pagar a sus empleados siempre en negro. No pagaba los impuestos ni llevaba ningún tipo de contabilidad o registro, por lo que años, más tarde, tuvo un grave problema con el fisco estadounidense.

Aretha Francklin fue una mujer que sufrió una infancia difícil y en la que soportó abusos físicos y psíquios, pero eso le hizo más fuerte y desconfiada, pero no menos generosa en su arte y como persona, a pesar de que la vida le había enseñado que fiarse demasiado no es bueno, sobre todo de los más cercanos (padre, marido, agentes) porque de ellos siempre puede provenir el mayor dolor, la mayor decepción y la más absoluta desconfianza del prójimo, aunque cuando cantaba su voz de cristal dejaba inundar de luz y belleza sus inolvidables interpretaciones.

Descanse en paz

TERELE PÁVEZ, ACTRÍZ INCOMENSURABLE

2017-08-22T16:49:00.002+02:00

Terele Pávez: actriz inconmensurable

Terele Pávez, actriz

Ana Alejandre

Este espacio dedicado al cine, a los directores, actores y actrices que han dedicado su vida, su talento y sus dotes al teatro, no puede pasar por alto a Terele Pávez (Bilbao, 1939), la gran actriz trágico-cómica, aunque relegada muchas veces a papeles secundarios a los que alzaba hasta el protagonismo absoluto que eclipsaba a los verdaderos protagonista de la obra teatral o película en cuestión.

Su muerte, acaecida por un derrame cerebral, el pasado viernes 11 de agosto, ha dejado un hondo vacío en el teatro y el cine español que nadie podrá llenar porque Terele Pávez, la gran actriz y ser humano excepcional, grande en su humanidad muchas veces doliente y controvertida, en su apasionamiento por la vida y la interpretación, en su generosidad sin límites y su autenticidad entrañable, hacía que ningún papel que interpretara fuera pequeño, pues su interpretación alcanzaba cotas de genialidad, humanidad y desgarro que asombraba a directores, actores y al público que veíamos en ella a la gran actriz que era y que debía haber llegado a ocupar el primer puesto en el Olimpo de los triunfadores del arte escénico y cinematográfico que muchas veces lo ocupan actores y actrices sin talento, vocación ni oficio, sólo por tener un físico atractivo y un padrino complaciente.

El triunfo le llegó tardíamente, aunque todos los que trabajaban con ella sabían que sus dotes y talento interpretativos eran excepcionales y únicos dentro de la escena española y, también, del cine en el que cosechó muchos éxitos en papeles secundarios que destacaban por encima de los interpretados por los actores que encarnaban a los protagonistas.

Terele Pávez formaba parte de una famosa saga de artistas, fue nieta y bisnieta de los compositores Manuel Penella Moreno y Manuel Penella Raga, respectivamente, y hermana menor de las también actrices Emma Penella y Elisa Montes, además de tía de la actriz Emma Ozores.

Sobre las tres hermanas pesó siempre una losa de plomo moral que las hizo sentir vergüenza e ignominia de ser hijas de quien se considera culpable directo del asesinato del poeta Federico García Lorca. Su padre era Ramón Ruíz Alonso, diputado de la CEDA, (onfederación Española de Derechas Autónomas), durante la Segunda República. La actriz confesó, en una entrevista hace años, que llegaron a ocultar el apellido de su padre, pero esa etapa pasó y terminó diciendo que fue siempre un buen padre.

Esta amarga experiencia le hizo rechazar hace unos años el papel protagonista de La casa de Bernarda Alba, que propuso el director teatral Juan Carlos Pérez de la Fuente. Pávez le confesó a una periodista, Rosana Torres, que la entrevistó, que ignoraba si Pérez de la Fuente desconocía quién había sido su padre o si solo buscaba, al ofrecerle dicho papel, un montaje con morbo.

En sus últimas interpretaciones en el cine lo hizo bajo la dirección de Álex de la Iglesia en películas tan famosas y taquilleras como El día de la Bestia (1995), La Comunidad, Balada triste de trompeta, Las brujas de Zugarramurdi (por esta película recibió el Premio Goya 2014 a la actriz de reparto), Mi gran noche y El bar

Su colaboración con este director, bilbaíno como la propia actriz, comenzó en una época en la que ella estaba apartada del cine y el teatro y que eran períodos recurrentes de aislamiento que alternaba con su participación en montajes teatrales y películas importantes.

Sus inicios como actriz fueron bajo las órdenes del genial Luís García Berlanga, en la película Novio a la vista (1953). Durante las dos siguientes décadas participó en películas propias de la época de la Transición en papeles secundarios, como fue el caso de Tatuaje (1969) de Bigas Lunas.

Consiguió un gran éxito en su interpretación de Régula, en Los santos inocentes (1983), adaptación cinematográfica de la obra homónima de Miguel Delibes, que fue dirigida por Mario Camus. Su actuación fue aclamada por la crítica y el público que empezó a ver en ella las extraordinarias dotes artísticas que pudo mostrar y que en películas anteriores, en personajes más anodinos y banales, no le permitieron hacerlo.

Después de Los Santos inocentes participó en otras películas como fueron Réquiem por un campesino español, El Lute II, Laura, del cielo llega la noche, y Diario de invierno. Estas dos últimas películas las hizo dirigidas por Gonzalo Herralde y Francisco Regueiro respectivamente, y le supusieron sendas nominaciones como mejor actriz de reparto (su sempiterna condición de segundona, siendo tan inconmensurable actriz) en los premios Goya de 1987 y 1988.

A partir de entonces, parecía haber desaparecido de la escena para disgusto de quienes admirábamos su increíble talento interpretativo, hasta que el ya citado Álex de la Iglesia le dio el papel de una viuda resentida y retrógrada en El día de la bestia (1995). También trabajó a las órdenes de otros directores, como fue Gerardo Vera que la dirigió en La Celestina (1996) y a partir de 2002 comenzó a participar en la serie televisiva Cuéntame cómo pasó.

Tiempo más tarde, saltaron las noticias alarmistas de que había sido vista durmiendo en la calle en compañía de un indigente y en un estado lamentable provocado por el alcohol. La actriz dijo que ni era alcohólica ni vivía en la calle, sino que ese día “me quedé dormida mientras hablaba con un amigo” y hay que añadir que ese amigo era indigente.

Su regreso al teatro que fue su “alma mater”, fue con la obra «El cojo de Inishmaan», dirigida por Gerardo Vera, junto a Marisa Paredes, entre 2013 y 2014. También participó en montajes teatrales de títulos clásicos como “Fedra” (1982) en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, “Lisístrata” (Manuel Martínez Mediero, 1980) o “La Celestina”. También, fue dirigida a lo largo de su carrera por Adolfo Marsillach, Miguel Narros y Jaime Salom.

Ahora, a raíz de su fallecimiento, vendrán los homenajes, los reconocimientos y las condolencias por haber perdido a tan gran, grandísima actriz, mientras que en vida se le escatimaron los premios, los papeles de protagonista que por méritos propios merecía, sin duda alguna, y las ocasiones de lucimiento de su talento único, irrepetible y extraordinario que le hacía ser una gran actriz, tan grande que todos los papeles se le quedaban pequeños.

Mujer de gran carácter y corazón aún más grandes, temperamental, apasionada, auténtica y sincera en sus manifestaciones, sin un ápice de artificio, ni divismo -como tantas supuestas actrices que han pasado por el cine y el teatro y sólo queda de ellas el recuerdo de sus desnudos, de su divismo ridículo y de su falta total de talento interpretativo-, con mirada penetrante en sus oscuros ojos en los que se veía su timidez, su deseo insanciable de recibir afecto, el dolor que llevaba consigo de aquella niñez desbaratada por las acusaciones de ser hija del asesino de García Lorca de lo que parecía pedir perdón sin tener ninguna culpa. Vivía con su único hijo Carolo –a pesar de la sorpresa que eso cuasaba entre quienes la conocían y que a ella le sorprendía más aún-, quien dice a raíz de su muerte que podía vivir dos vidas con todo el amor que le dio su madre, esa mujer fuerte de alma y cuerpo del que habla la Biblia, pero frágil y vulnerable como todo ser que se entrega siempre aq su familia, sus amigos, a su pasión como era su vocación interpretativa, al igual que hacía con todos los seres que tuvieron el privilegio de tratarla. A pesar de su fama de carácter fuerte, de su genio, de su espontaneidad que rezumaba un profunda humanidad que le salía por los ojos, se manifestaba en su voz ronca y cazallesca, en la que se adivinaban todas las luces y sombras de una vida, la suya, que no fue fácil como no lo es nunca para quienes llevan el corazón en la mano, sabiendo que se lo pueden romper y, después, se lame sus heridas sin rencor y pensando que la vida es así pero que ella también era “así” y no pod´`ia dejar de serlo, única, diferente, vital, apasionada y sincera en un mundo lleno de hipocresía, de disimulo y disfraz como es el del espectáculo, pero también el de la vida de la gente normal, en el que todos parecen llevar su corazón a buen resguardo y envuelto en celofán para que no se lo dañen . Terele Pávez lo llevaba en las manos, en los ojos, y en esa generosidad sin línites que no sabe de cálculos, ni medidas, ni medias tintas. Esa generosidad que sólo nace en quien vive, asiente, ama, sufre y también goza cuando llega el momento, aceptando que en la partida de la vida unas veces se gana y otras se pierde, pero eso es lo que hace al hecho de vivir más apasionante, más intensamente gozoso o doloroso, pero le da sentido a la propia vida porque no se ajusta aun guión, a un plan preconcebido, a un cálculo propio de mentes pequeñas, estrechas y un tanto mezquinas pero tan numerosas.

Descanse en paz, Terele Pávez, la grandísima actriz que ha dejado en el recuerdo de todos quienes la vieron actuar el recuerdo imborrable y la evidencia indiscutible de que, para tener su inconmensurable talento, era necesario ser muy grande, mucho, tanto humana como artísticamente. Sólo el verdadero artista pone el corazón en lo que hace, la autenticidad y la entrega que esta incomparable actriz ofreció a lo largo de su carrera artística para el gozo de los espectadores que ahora lloran, lloramos, su muerte.

BOB DYLAN, INSÓLITO PREMIO NOBEL DE LITERATURA

2017-02-26T03:06:00.001+01:00

Un Premio Nobel de Literatura controvertido e inoportuno

Bob Dylan

AnaAlejandre

El premio Nobel, concedido al cantante Bob Dylan ha llenado de estupor al mundo literario, en general, pues, reconociendo sus méritos musicales y el valor poético de sus canciones, no es suficiente para darle un premio literario que debe ser concedido únicamente a un escritor con una obra notable, extensa y, especialmente, literaria.

Flaco favor le ha hecho la Fundación Nobel a la literatura al elegir a un candidato como ganador que no representa al mundo de la literatura -tan necesitado de apoyo a su labor y reconocimiento por parte de las diversas instituciones culturales, además del de la sociedad a la que sirve ofreciéndole sus obras literarias-, dándoselo a un artista, a un músico, cantante, compositor y cualquier otra denominación del mundo de la música, en un acto de menosprecio a las muchas candidaturas de escritores que han sido presentadas a dicho premio a las que ha antepuesto la extraña candidatura de un compositor que, con la brevedad del texto de sus canciones, ha desbancado a las ricas, abundantes y variadas obras literarias para las que fue creado dicho premio.

El mundo de la literatura sufre una crisis permanente y en los últimos años aumentada por la llegada de nuevas formas de ocio creadas por la tecnología: internet, videojuegos, móviles, tabletas, etc., que han ido desplazando paulatinamente al libro en los hábitos de muchos españoles -ciñéndonos solo a nuestro país aunque es un fenómeno universal-, lo que ha creado verdaderos retos de supervivencia a muchas editoriales, especialmente las medianas y pequeñas que han tenido que echar el cierre. Esto siempre redunda en contra de los propios lectores que cada vez van tener menos variedad en la oferta de contenidos culturales de los que el libro es su mayor exponente, porque los grandes grupos editoriales impondrán su criterio de lo que hay que publicar según los resultados en las ventas; siendo, por tanto, este el criterio a seguir para publicar las obras literarias con merma de la calidad, variedad y libertad por parte del lector que tendrá que conformarse con los best-seller infumables que las grandes editoriales publicitan a bombo y platillo cuando saben que son obras de pseudoliteratura, solo aptas para el consumo de lectores poco exigentes que fagocitan las novedades que les ofrecen con mucha publicidad sin preguntarse su calidad literaria, en un mimetismo feroz de "hay que leer lo que los demás leen", seguido sin criterio alguno.

Mientras tanto, las novedades literarias se acumulan, estimuladas las editoriales por la campaña navideña que acaba de finalizar y que, pese a todos los pronósticos, parece haber sido mejor en relación con la del año anterior, como si este aumento en las ventas fuera el tímido anuncio de que la economía comenzara a repuntar su triste caída y los compradores parecen tener un cierto optimismo, queriendo así conjurar la crisis pasada. No hay mejor baremo para medir el nivel económico de una sociedad que cuando se gasta dinero en cosas que no son de primera necesidad o básicas, como son los libros, audiovisuales o entradas de espectáculos.

El Premio Nobel de este año aumentará, sin embargo, la venta de CDs y DVDs del reciente premiado, pero no la de los libros que seguirán siendo los segundones en el deseo de compra de muchos españoles porque no tienen mandos ni botones ni pantalla que es lo que cuenta para muchos. El libro solo necesita la pantalla de la imaginación del lector, el mando de las manos para pasar la página al leer y el botón que enciende el interés para iniciar la lectura. Para muchos, lo divertido es que el artefacto en cuestión lo haga todo, mientras que la lectura es algo personal que necesita atención, curiosidad y concentración. Demasiado esfuerzo en esta sociedad virtual a la que el Premio Nobel ratifica con su premio eligiendo a un músico como ganador. La literatura la hacen ahora los cantantes porque son a ellos a los únicos que escuchan muchos ciudadanos, esos que no leen.

Esperemos que en los próximos premios Grammy se premie a un escritor, por eso de la justicia distributiva. Al fin y al cabo, la buena literatura lleva implícita una gran dosis de musicalidad que hay que reconocer, al igual que ha reconocido la Fundación Nobel la carga poética del músico Bob Dylan, el reciente galardonado con un premio del que no ha querido hacer comentario alguno, en un gesto de soberbia y menosprecio al que reafirma al decir que no asistirá a la gala de entrega de dicho premio que está demostrando que le viene ancho, largo y le sobrepasa en muchos aspectos.

La Fundación Nobel debería replantearse si este tipo de decisiones no pone aún más obstáculos a los escritores, al mundo editorial y a los demás agentes que hacen posible que los libros lleguen a las manos de los lectores, cuando dicho premio fue instituido para ser un espaldarazo a quienes escriben y no para dárselo a quienes ejercen otras profesiones, muy dignas y respetables, pero que no están relacionadas directamente con el mundo del libro, ese gran transmisor de la cultura y el conocimiento al que, también, la Fundación Nobel le ha dado la espalda.

CHAVELA VARGAS, LA CANTANTE DE VOZ Y PIEL OSCURAS Y ALMA BLANCA

2016-08-10T21:51:00.001+02:00

por Ana Alejandre

Chavela Vargas

Isabel Vargaz Lizano (San Joaquín de Flores, Costa Rica, 2019 – Cuernavaca; México, 2012) cantante mexicana, aunque nacida en Costa Rica.

Si los datos de filiación intentan describir la identidad de una persona, de Chavela Vargas no dicen nada que la pueda definir, solo cuál fue el lugar de nacimiento y el de su muerte y las respectivas fechas en las que ocurrieron esos dos hechos, los más importantes de la vida de un ser humano porque abren y cierran el paréntesis temporal que es toda vida.

En ella no se cumplía el sometimiento a esas cuestiones puramente civiles, pues cuando un entrevistador le dijo que, aunque se decía mexicana había nacido en Costa Rica., ella rápidamente le respondió mostrando su fuerte carácter y determinación:”Oiga, usted, amigo, los mexicanos nacemos donde nos da la gana”.

En Chavela se adivinaba la infancia desdichada cuya memoria le acompañaría siempre, por el desamor de sus padres que se divorciaron y la dejaron al cuidado de sus tíos. En su niñez padeció poliomielitis, pero sobre todo padeció la falta de cariño y protección de unos padres distantes y despreocupados. Sería por ello que amaba apasionadamente a sus amigos, a sus amantes, porque en su vida no conoció la frialdad ni el término medio. Ella lo daba todo, en el escenario y también en su vida privada.

México la acogió cuando tenía 17 años y en ese país al que cantaba, vivió más de ochenta años. Sólo cuando tenía 84 confesó que era lesbiana. Entre sus amantes se cuenta Frida Kahlo, la pintora y poetisa mexicana, esposa del célebre muralista mexicano Diego Rivera que la martirizó con sus continuos adulterios, además de estarlo ya por la poliomielitis que Frida sufría y las secuelas de un accidente que le hizo tener que someterse a más de 32 operaciones quirúrgicas y estar largos períodos de tiempo acostada. Chavela vivió largas temporadas en el domicilio del matrimonio Rivera.

Por esa profundidad de sentimientos y lealtades, cuando falleció el compositor y cantante José Alfredo Jiménez, su padrino en la vida musical y compañero de las noches de parranda, de música, tequila y emoción, cayó borracha ante su féretro, mientras lloraba desgarradoramente. La viuda del difunto les dijo a quienes asistían al sepelio y se escandalizaban ante aquella demostración excesiva de dolor: “Dejenla, ella está sufriendo tanto como yo”.

Tuvo amistad con otros muchos artistas importantes de otras disciplinas como fueron Picasso, Juan Rulfo, Pablo Neruda, Agustín Lara, Gabriel García Márquez, Nicolás Guillén y un largo etcétera. Decía que con todos ellos cenaba una vez al año en cualquier parte del mundo en el que se encontraran.

Chavela, sin embargo, no obtuvo el pleno éxito en México hasta los años 90, pues aunque su estilo era peculiar y muy personal, fue hasta los 90 una figura marginal en la música mexicana con actuaciones modestas en teatros y en la televisión de su país. A partir de los 70 se retiró por problemas personales ocasionados por el alcoholismo. Fue Pedro Almodóvar, quien la ayudó, a partir del encuentro casual que tuvieron en los años 90, a luchar contra el alcoholismo al que consiguió vencer y no volvió a beber en sus últimos veinte años de vida. A partir de entonces, Chavela empieza a conseguir en México el éxito total que merecía, dando conciertos, filmando películas y actuaciones en televisión, así como cantando en Nueva York, Buenos Aires, Madrid y un largo etcétera que la catapultó a la fama.

Su carácter vitalista siguió siendo igual hasta su muerte. A sus 93 años dijo que “A esta edad la vida se ve mucho mejor. Hagan la prueba”. Su sentido de la generosidad y su deseo de no molestar lo definió bien cuando decía que “quería morir en domingo y que la enterraran un lunes o martes para no tener que estropearle el fin de semana a nadie”.

Poco antes de morir publicó, en 2012, su libro-disco “Luna grande” en homenaje a García Lorca, poeta al que admiraba profundamente. Años atrás, en 2001, publicó sus memorias “Y si quieren saber de mi pasado…” que habla de los aspectos más íntimos de su vida, esa apasionada vida que le salía por los poros al igual que el alma cuando cantaba con la voz ronca de quien supo de la derrota, pero nunca se dejó vencer.

Chavela Vargas, la mujer con voz y piel oscuras y alma clara, chamana que conocía los secretos de la Naturaleza, vivió una larga vida en la que hubo de todo: amores y desamores, alegrías y tristezas, lealtades y traiciones, fama y soledad, pero nunca tuvo lugar en ella la mediocridad, la falsedad ni la tibieza del corazón. Todo en Chavela Vargas era un ronco clamor a la vida, a sentimientos profundos, pasiones tormentosas, a sufrimientos constantes y a soledades irredentas. Todo ello se dibujaba en su rostro lleno de arrugas que trazaban, con sus profundos surcos en la carne, el exacto mapa emocional de una vida en la que los sentimientos marcaron la ruta a seguir, aún con el peligro de caer en el precipicio de la autodestrucción, ayudada por el lastre del alcoholismo en el que quiso ahogar sus penas, desengaños y soledades.

Su fuerte carácter, la voz rota, quebrada de esta mujer apasionada ha marcado un hito en la música mexicana, especialmente como intérprete de las canciones rancheras y boleros a los que les dio una nueva musicalidad, un tono diferente al que usaban los cantantes masculinos, habituales intérpretes de esas composiciones que siempre hablan de amor y desamor, de posesión y olvido, entre humo de cigarros, vasos de tequila y el rasgueo de guitarrones.

Chavela ponía en sus canciones algo más que su voz tan peculiar y rota, pues en ella el alma desgarrada y atormentada de esta mujer se oía en su ronco eco, acompañada por el sonido de las guitarras que coreaban, con el requiebro de sus cuerdas, los lamentos de amor, despecho, rabia y ternura que brotaban de su garganta de graves imposibles en una voz femenina. Ese desgarro vocal venía desde muy atrás, en su longeva vida de 93 años, por las muchas noches de desvelo y el consumo continuo de tequila que, según dijo poco antes de morir, habían sido muchos miles de litros a lo largo de su vida.

Ella conoció todo aquello que conforma la vida de todo ser apasionado, auténtico y noble que conoce el dolor, pero también la alegría de estar vivo y de sacarle a esta su más preciado jugo, a través de la música y de una vida plena en la que no cabe más claudicación que al amor y sus miserias y grandezas. Del amor y sus luces y sombras, Chavela Vargas sabía demasiado.

Sólo hay que oírla cantar para darse cuenta de ello.

ANTONIO BUERO VALLEJO; UNA VIDA DEDICADA AL TEATRO

2016-01-20T23:48:00.001+01:00

aAlejandre

Antonio Buero Vallejo, dramaturgo

Hablar de Antonio Buero Vallejo (Guadalajara,1916- Madrid, 2000) es como hacerlo de una parte importante del teatro español del siglo XX, especialmente de la segunda mitad de dicho siglo.

Renovador del teatro junto a otras dos figuras como son Miguel Mihura y Alfonso Sastre -autor del que hablamos en la anterior edición de El arte de Talía-, después de la Guerra Civil española. Polemizó con Sastre sobre el papel del teatro durante la Dictadura, siendo partidario Buero Vallejo de utilizar todas las posibilidades que la censura franquista daba, aún siendo escasas, para poder escribir teatro y representarlo, cuestión que Sastre rechazaba por considerarla una forma de claudicación y eligió la actitud más radical, lo que le impidió poder representar muchas de sus obras y tener problemas políticos.

Aunque sus estudios le llevaban hacia la pintura, pues estudió en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, le atraía también el arte escénico. Fue combatiente del lado republicano y cuando finalizó la guerra fue condenado a muerte, aunque la pena le fue conmutada por la de cadena perpetua y permaneció en la cárcel desde 1939 hasta 1946, acusado de "adhesión a la rebelión". Conoció en prisión a Miguel Hernández con el que inició una fuerte amistad que mantuvo hasta la muerte del poeta.

Cuando fue liberado comenzó a colaborar en diversas revistas como dibujante y como autor de pequeñas obras teatrales, pero su salto a la fama no le llegó hasta 1949, año en el que obtuvo el premio Lope de Vega por su obra Historia de una escalera.

También en la década de los 50 en escribió y estrenó en España y en el extranjero obras que son importantes en su producción teatral como La tejedora de sueños, La señal que se espera, Casi un cuento de hadas, Madrugada, Hoy es fiesta o Un soñador para un pueblo.

Otros títulos emblemáticos en su obra son En la ardiente oscuridad (1950), llevada al cine y dirigida por Daniel Tinayre, en 1959; El concierto de San Ovidio (1962); El tragaluz (1967) que se mantuvo en cartel casi nueve meses; Diálogo secreto (1984); Lázaro en el laberinto (1986); Música cercana (1989), y otros muchos títulos hasta llegar a la treintena de obras.

Aunque tuvo problemas de distinta índole con la censura franquista, en los años 60 estrena otros títulos como El concierto de San Ovidio, Aventura en lo gris, o Las Meninas, en cuyo estreno, ocurrido en 1960, obtiene un clamoroso éxito que marcó un hito en su carrera. Además, escribe versiones de obras de Shakespeare como son Hamlet, príncipe de Dinamarca, y otra de Bertolt Brecht, Madre Coraje y sus hijos.

En la década de los 70, ya instaurada la democracia en España, sigue estrenando obras entre las que destacan: Jueces en la noche, Caimán y Diálogo secreto, además de su versión de El pato silvestre, de Henrik Ibsen, en 1982.

Además de su éxito en el teatro, también cultiva su otra pasión: la pintura. Publica su obra Estampas, en la que aparecen pinturas y textos inéditos del autor. Publica su última obra, Misión al pueblo desierto, en 1997, obra que fue estrenada en Madrid dos años después.

Su carrera se vio jalonada de éxitos y reconocimientos: ingresa en la Real Academia Española en 1971 y poco después es nombrado socio de honor del Círculo de Bellas Artes y del Ateneo de Madrid. Es nombrado presidente de honor de la Fundación Fomento del Teatro en 1998.

También es miembro de diversas academias, comités y sociedades de América, Portugal, Alemania y Francia.

En 1986 recibe del Premio Miguel de Cervantes por toda su trayectoria literaria como colofón a toda una vida dedicada al teatro.

Bibliografía y premios de antonio Bubero Vallejo

2016-01-20T23:30:00.000+01:00

Antonio Buero Vallejo, dramaturgo

BIBLIOGRAFÍA

Obras teatrales por orden de estreno:
Historia de una escalera (1949)
En la ardiente oscuridad (1950)
La tejedora de sueños (1952)
La señal que se espera (1952)
Casi un cuento de hadas (1953)
Madrugada (1953)
Irene o el tesoro (1954)
Las cartas boca abajo (1957)
Hoy es fiesta (1955)
Un soñador para un pueblo (1958)
Las Meninas (1960)
El concierto de San Ovidio (1962)
Aventura en lo gris (1963)
El tragaluz (1967).
Primer Acto (1967).
La doble historia del doctor Valmy (1968)
El sueño de la razón (1970)
La detonación (1977)
En La llegada de los dioses (1971),
La Fundación (1974). Una alegoría sobre la libertad, y las diversas formas (desde la negación a la lucha) en que nos rebelamos contra la esclavitud.
Jueces en la noche (1979)
Caimán (1981)
Diálogo secreto (1984)
Lázaro en el laberinto (1986)
Música cercana (1989)
Las trampas del azar (1994)
Misión al pueblo desierto (1999)

PREMIOS

1949 Premio Lope de Vega por Historia de una escalera.
Premio de la Asociación de Amigos de los Quintero por Las palabras en la arena.
1956 Premio Nacional de Teatro y Premio María Rolland por Hoy es fiesta.
1957 Premio Nacional de Teatro por Las cartas boca abajo.
1958 Premio Nacional de Teatro y Premio María Rolland por Un soñador para un pueblo.
1959 Premio de la Crítica de Barcelona por Un soñador para un pueblo.
Premio de Teatro de la Fundación Juan March por Hoy es fiesta.
1960 Premio María Rolland por Las Meninas.
1962 Premio Larra y Premio de la Crítica de Barcelona por El concierto de San Ovidio.
1967 Premio El Espectador y la Crítica y Premio Leopoldo Cano por El tragaluz.
1970 Premio El Espectador y la Crítica y Premio Leopoldo Cano por El sueño de la razón.
1971 Premio Leopoldo Cano por Llegada de los dioses.
1974 Premios Leopoldo Cano, Mayte, El Espectador y la Crítica, Long Play, Le Carrousel y Foro Teatral por La Fundación.
1976 Premios El Espectador y la Crítica, Leopoldo Cano, Radio España y Maratón Radio Popular por La doble historia del doctor Valmy.
Medalla de Oro de la Gaceta ilustrada.
1977 Premio El Espectador y la Crítica por La detonación.
Miembro fundador de la Unión de Ex Combatientes de la Guerra de España y de la Asociación de Ex Presos y Represaliados de la Guerra Civil.
1980 Premio Nacional de Teatro por el conjunto de su obra.
Medalla de Plata del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
1981 Premio El Espectador y la Crítica y Premio Long Play por Caimán.
1984 Premios El Espectador y la Crítica, Long Play y Ercilla por Diálogo secreto.
Medalla Valle-Inclán de la Asociación de Escritores y Artistas.
ABC de Oro.
1986 Premio Pablo Iglesias.
Premio de Literatura en Lengua Castellana Miguel de Cervantes.
Premio El Espectador y la Crítica por Lázaro en el laberinto.
1987 Es nombrado Hijo Predilecto de Guadalajara, y se le entrega la Medalla de Oro de la ciudad.
Consejero de Honor de la Sociedad General de Autores.
1988 Medalla de Oro de Castilla-La Mancha.
Socio de Honor de la Asociación de Escritores y Artistas.
1991 Presidente de Honor de la Asociación de Autores de Teatro.
1993 Homenaje en la I Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos en Alicante.
Homenaje en Murcia con la presentación del Libro de estampas.
Homenaje en los cursos de verano de la Universidad Complutense, en el Escorial.
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
1994 Medalla de Honor de la Sociedad General de Autores de España.
1995 Se da el nombre de Antonio Buero Vallejo al Teatro de Alcorcón (Madrid).
1996 Homenajes del Ateneo de Madrid, de la Asociación de Autores de Teatro, del Festival de Otoño y de la Universidad de Murcia.
Premio Nacional de las Letras Españolas, por primera vez otorgado a un dramaturgo.
1997 Medalla de Honor de la Universidad Carlos III de Madrid.
Medalla de la Universidad de Castilla-La Mancha.
Medalla de Oro de la provincia de Guadalajara.
Banda de honor de la «Orden de Andrés Bello» de la República de Venezuela.
Premio a las Letras de la Comunidad de Madrid.
1999 Premio Max de honor.

ENLACES

http://www.cervantesvirtual.com/bib_autor/buerovallejo

http://sacm.jccm.es/biblioteca_regional/buero_vallejo/vallejo/buero_vallejo/index_2.html
.htmwww.geocities.com/yosemite/trails/6431/buero.htm

www.miguelhernandezvirtual.com/biblioteca%20virtual/coetaneos/index.php?ident=7

www.britannica.com/EBchecked/topic/83572/Antonio-Buero-Vallejowww.britannica.com/EBchecked/topic/83572/Antonio-Buero-Vallejo

CHARLIE CHAPLIN, EL GENIAL POETA DEL HUMOR

2015-08-26T21:48:00.002+02:00

AnaAlejandre

Charlie Chaplin, actor, director, compositor y productor inglés fue el pequeño hombre de las tres “b” que le definen como una caricatura en blanco y negro (bombín, bigote y bastón); siempre vestido de oscuro, con una sempiterna mueca de tristeza velada por una tímida sonrisa, hizo una revolución personal y única en el humor de principios del siglo XX que ha llegado hasta hoy como un precioso legado artístico que perdura hasta nuestros días y lo seguirá haciendo en el futuro, generación tras generación, porque los espectadores quedamos fascinados por la humanidad que se desprende del genial personaje Charlot que creó el hombrecillo triste que sabía hacer reír al público y llevarlo hasta las lágrimas, porque conocía y manejaba a la perfección los difíciles resortes del humor que él llevó hasta la perfección nunca igualada, tanto en sus películas como en sus actuaciones personales,. Y en todas ellas mostraba la capacidad de un genio para crear obras maestra propias de un talento insuperable que le ha hecho ser un referente obligado de la cinematografía mundial.

Su verdadero nombre era Charles Spencer Chaplin y fue hijo de padres actores y cantantes de variedades de origen judío que obtuvieron en su momento un cierto éxito, especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero remendón, igualmente de menuda como su famoso hijo y con una bonita voz. El nacimiento de Charles se produjo,en un mal momento que sufría su familia, tras el abandono del padre que dejó a mujer e hijos para seguir el rastro alcohólico de su adicción etílica, lo que dejó a la madre al cuidado de sus dos hijos Sidney y Charles, cuando estaba en plena ascensión en su carrera artística, con el nombre de Lily Harvey, aunque ya empezaba a tener problemas por fallarle la voz, lo que se agravó en plena actuación en Aldershot en la que su voz se quebró en mitad de una canción. Fue entonces cuando el pequeño Charles, de sólo cinco años, fue empujado al escenario por el empresario, y sin amedrentarse tuvo la genial idea de imitar a su madre no sólo en la voz, sino también en el desmayo final entre las risas del público que asistía divertido ante la actuación del pequeño niño que ya mostraba el talento cómico y la capacidad de improvisación de todo ser tocado por la mano de la inspiración y el talento artístico.

El fracaso provocado por el fallo vocal y los problemas económicos fueron determinantes para quebrar la salud mental de Hanna Hilkl que empezó a mostrar señales inequívocas de enajenación mental. Por ese motivo, tanto la madre como los niños pasaron a vivir en un asilo, y los dos hermanos pudieron asistir, por un corto plazo de tiempo, a la escuela para niños pobres de Hanwell, y allí los hermanos Chaplin empezaron a someterse a la rígida disciplina y también a sufrir las humillaciones y burlas de los niños con mejores recursos económicos.Toda esta orfandad y, míseria desamparada aparecen refeljadas en sus películas porque fue el marco que rodeó su difícil niñez en la que las privaciones constantes y la penuria fueron sus únicos acompañantes .Especialmente, cuando su madre fue internada en un manicomio, en 1896, fue cuando los hermanos Chaplin se sintieron doblemente huérfanos del cariño y protección paternales.

Fue al año siguiente cuando Charlie comenzó a actuar en compañías teatrales de poco renombre como actor infantil. En 1910, decidió marchar a EE.UU. en gira con la compañía para la que trabajaba y se quedó a vivir en dicho país definitivamente dos años después.

Su debut en el cine no llegó hasta 1913 en películas de la Keystone, de Mack Sennett. Aunque el personaje del vagabundo de andares típicos, pantalones anchos, zapatos imposibles, bombín, bigote y bastón de bambú que configuran al personaje, no apareció hasta 1914, en la película Carreras de autos para niños (o Carreras sofocantes) y fue protagonista de más de 60 películas, entre las que se incluye El vagabundo (o Charlot vagabundo, en 1915). en las que llenaba la pantalla con la ternura infinita de un personaje que tocaba todos los registros de una humanidad frágil y vulnerable pero siempre rebelde ante la injusticia y los abusos que siempre padecían y padecen los más débiles, ante los que mostraba siempre una actitud compasiva que le hacía ser admirado y querido por el público.

En 1915, se asoció a la compañía Essanay y, posteriormente con la Mutual y con la First National, hasta conseguir tener sus propios estudios en Hollywood, en 1918, el sueño dorado de cualquier actor y director, lo que le permitía poder llevar a cabo sus proyectos en total libertad. Fundó, en 1919, junto con Mary Pickfford, Douglas Fairbanks y D.W. Griffith la productora United Artists corporation, en la que permanecería hasta 1952.

Aunque la relación de su filmografía se puede ver a continuación de este artículo, se puede afirmar que sus películas más importantes como actor, director y productor fueron las rodadas en el cine mudo con los títulos: El chico (1921), El peregrino (1924), La quimera del oro (1925), El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936 que fueron todas ellas récords de taquilla, a pesar de que se habían rodado cuando ya había aparecido y estaba en pleno auge el cine sonoro. Los títulos posteriores fueron El gran dictador (1940), Monsieur Verdoux (1947), en la que aparece por última vez al personaje de Charlot, Después, le siguieron Candilejas (1952) y Un rey en Nueva York (1957). Además dirigió sin protagonizarlas, Una mujer de París (1923) y La condesa de Hong Kong (1967), protagonizada por Sofía Loren y Marlon Brando, donde hace un pequeño papel. Es autor, además de la música de la mayoría de sus películas, en un alarde de creatividad único en la cinematografía mundial.,

A pesar de su éxito mundial, a finales de la década de los 40 y principios de los 50, Chaplin fue víctima de la persecución del Comité de Actividades Antiamericanas, por su tendencia ideológica de izquierdas. Por ese motivo, abandonó Estados Unidos, en 1952, para residir en Suiza. Sin embargo, volvió en 1972 brevemente para recibir varios premios, entre ellos un Oscar honorífico por sus contribuciones a la cinematografía.

Chaplin supo crear y amalgamar con absoluta perfección el estilo de interpretación muy personal que provenía del típico payaso de circo, aunándolo con el de mimo, creando así una fusión en la que se destaca la expresividad gestual, la agilidad acrobática no exenta de elegancia y la elocuencia facial, todo ello dotado de un ritmo insuperable. ¨Todas estas excelentes características se ven conjuntamente en el pequeño vagabundo Charlot, personaje que encarna un símbolo universal de la más absoluta e irrenunciable individualidad que sigue indemne a pesar de todas las pruebas, calamidades y desgracias que siempre persiguen a todos los soñadores que no se resignan a la injusticia social y a la crueldad humana. Sus armas con las que combate a la gran farsa del mundo es la crítica a través de la más sublime comedia en la que se encuentran ecos de la tragedia clásica pero en lenguaje moderno y con el sabio uso del humor más puro, unido a las dotes interpretativas de Chaplin y su profundo conocimiento del alma humana que se ponen de manifiesto en los guiones que escribía, en los que late la más absoluta autenticidad de un poeta que denuncia a la sociedad en la que vive, pero, en vez de utilizar el verso, utiliza el humor como arma imbatible para denunciar la injusticia, el dolor y la fragilidad de toda vida humana y así poder conjurarlo y derrotarlo a través de la sátira y el patetismo melodramático; pero, también y especialmente, con el siempre manifestado amor hacia el ser humano y a su libertad irrenunciable.

Todo este bagaje de genio creador e interpretativo le dio fama universal, a la que no pudo vencer la irrupción del cine sonoro en 1920 que, al utilizar el sonido de los diálogos, podría haber sido fatal para anular la pantomima, recurso interpretativo del que dependía en gran manera su propia creación. En esa época también se acrecienta su preocupación por los graves problemas políticos y sociales de esos años, hecho que le fue llevando paulatinamente a dejar el papel del vagabundo, lo que hizo en 1947 como ya se ha indicado, para encarnar a personajes concretos. El inicio de esa nueva etapa lo marca la película titulada El gran dictador, film en el que ya utiliza los recursos del cine sonoro por primera vez

Es autor también de dos libros Mi autobiografía (1964) y Mi vida en el cine (1975).

Murió el día de Navidad de 1977, en Corsier-Sur-Vevey, Suiza., donde residía con su cuarta y definitiva esposa, Oona O’Neill, hija del famoso dramaturgo irlandés Eugene O’Neil,l con la que tuvo seis hijos, entre ellos la actriz muy conocida en España, Geraldine Chaplin.

Filmografia de Charlie Chaplin

2015-08-26T21:00:00.001+02:00

1914

Escena de "El chico"

Charlot periodista (Marking a Living).

Carreras sofocantes (Kid Auto Races at Venice).
Aventuras extraordinarias de Mabel (Mabel's Strange Predicament).
Todo por un paraguas (Between Showers).
Charlot y el fuego (A Film Johnnie).
Charlot en el baile (Tango Tangles).
Charlot extremadamente elegante (His Favorite Pastime).
Un amor cruel (Cruel, Cruel Love).
Charlot, huésped ideal (The Star Boarder).
Mabel y el auto infernal (Mabel at the Wheel).
Charlot de conquista (Twenty Minutes of Love).
Charlot camarero (Caught in a Cabaret).
Charlot y la sonámbula (Caught in the Rain).
Charlot sufragista (A Busy Day).
El mazo de Charlot (The Fatal Mallet).
Charlot, ladrón elegante (Her Friend the Bandit).
Charlot, árbitro (The Knockout).
Mabel, vendedora ambulante (Mabel's Busy Day).
Charlot en la vida conyugal (Mabel's Married Life).
Charlot, falso dentista (Laughing Gas).
Charlot "regisseur" (The Property Man).
Charlot pintor (The Face on the Bar-Room Floor) . La pícara primavera (Recreation).
Charlot, artista de cine (The Masquerader).
Nueva colocación de Charlot (His New Profession).
Charlot y Fatty en el café (The Rounders).
Charlot, conserje (The New Janitor).
Jes, rival de Charlot (Those Love Pangs).
Charlot panadero (Dough and Dynamite).
Mabel y Charlot en las carreras (Gentleman of Nerve).
Charlot domina el piano (His Musical Career).
Charlot se engaña (His Trusting Place).
Aventuras de Tillie. El romance de Charlot (Tillie's Punctured Romance).
Charlot tiene una mujer celosa (Getting Acquaninted).
Charlot prehistórico (His Prehistoric Past).

1915

Fotograma de "Charlot cambia de oficio"

Charlot cambia de oficio (His New Job).
Charlot trasnochador (A Nigth Out).
Un campeón de boxeo (The champion).
Charlot en el parque (In the Park).
Charlot vagabundo (The Tramp).
Charlot en la playa (By the sea).
Charlot trabajando de papelista (Work).
Charlot, perfecta dama (A Woman).
Charlot, portero de banco (The Bank).
Charlot marinero (Shanghaied).
Charlot en el teatro (A Night in the Show).
Carmen (Carmen).
Charlot, licenciado de presidio (Police).
Aventuras de Charlot (Triple Trouble).
La revista de Charlot (The Essanay Chaplin Revue).

1916

Charlot, encargado de bazar (The Floorwalker).
Charlot bombero (The Fireman).
Charlot, músico ambulante (The Vagasond).
Charlot, a la una de la madrugada (One A. M .).
El conde (The Count).
Charlot prestamista (The Pawnshop).
Charlot, tramoyista de cine (Behind the Screen).
Charlot, héroe de patín (The Rink).

1917

Charlot en la calle de la Paz (Easy Street).
Charlot en el balneario (The Cure).
Charlot emigrante (The Immigrant).
El aventurero (The Adventurer).

1918

Imagen de "Armas al hombro"

Vida de perro (A Dog's Life).
¡Armas al hombro! (Shoulder Arms!).
The Bond . 1919 Al sol (Sunnyside).
Un día de juerga (A days pleasure).

1920

El chico (The Kid).

Fotograma de "El Chico"

1921

Vacaciones (The Iddle Class).

1922

Día de paga (Pay Day).
El peregrino (The Pilgrim).

1923

Una mujer de París (A Woman of Paris).

1925

La quimera del oro (The Gold Rush).

1927

El circo (The Circus).

1930

Luces de la ciudad (City Lights).

1935

Escena de "Tiempos modernos"

Tiempos modernos (Modern Times).

1940

Fotograma de "El gran dictador"

El gran dictador (The Great Dictator).

1946

Monsieur Verdoux (Monsieur Verdoux).

1952

Candilejas (Limelight).

Candilejas

1956

Un rey en Nueva York (A King in New York).

1966

La condesa de Hong-Kong (A Countess From Hong-Kong).

ELVIS PRESLEY, EL BLANCO QUE CANTABA COMO UN NEGRO

2014-11-17T23:20:00.001+01:00

Ana Alejandre

Elvis Presley

Cantante y actor estadounidense (Tupelo (Mississipi), 8 de enero de 1935- Memphis, 16 de agosto de 1977) cantante y actor al que llamaban «el Rey del rock and roll» o simplemente «el Rey», fue no sólo un icono cultural, sino que después de su temprana muerte, se convirtió en un mito al igual que otros artistas que murieron jóvenes como Marilyn Monroe o James Dean.

Con sólo 19 años comenzó su fulgurante carrera musical en la que conocería el éxito de multitudes, convirtiéndose en el mejor cantante del rock and roll, -además de haber hecho popular la música afroamericana-, y en un símbolo sexual para millones de fans de los cinco continentes.

Fue llamado a filas en 1958. Durante su estancia en el campo de instrucción en EE.UU., su madre murió prematuramente, a los 46 años, por una insuficiencia cardíaca. Su muerte desoló profundamente a Elvis que estaba muy unido a ella y con la que tenía una relación basada en la mutua confianza que les llevaba a llamarse con motes cariñosos. Después, durante su estancia en Alemania, donde fue destinado por el ejército para continuar su servicio militar, conoció a la que sería su esposa, por entonces una adolescente de 14 años, Priscilla Beaulieu, con la que se casaría en 1967 y se divorciarían en 1973, y de cuyo matrimonio nació una niña que después, paradojas del destino, sería la esposa por breve tiempo de otro cantante famoso e idolatrado que murió muy joven también, como fue Michael Jackson

Volvió a retomar su carrera artística en 1960, una vez finalizado el servicio militar. En ese año su apoderado durante dos décadas, Tom Parker, le convenció en la década de los sesenta para que se dedicara más al cine y a grabar bandas sonoras que a la música en directo, no volviendo a los escenarios para dar conciertos hasta 1968, en un especial de televisión que le valió varias giras musicales más tarde y conciertos en Las Vegas.

En 1973 dio un concierto retransmitido vía satélite, Aloha from Hawaii que fue visto por más de 1.500 millones de espectadores en todo el mundo, lo que le catapultó aún más al podio de la fama universal.

Deslumbrado por el éxito y espoleado por sus muchos compromisos musicales y cinematográficos, a lo que se sumaba su propio fracaso matrimonial que le dejó desolado, comenzó a resbalar por la escarpada pendiente del consumo de alcohol, drogas, barbitúricos y medicamentos que lo convirtieron en un hombre sólo, derrotado por su propia fama, su vida personal y sentimental inestable, con diferentes amantes sucesivas después de su divorcio, y por su soledad absoluta aunque permanentemente estaba rodeado de gente que vivía de él y lo consideraba una fuente inagotable de dinero, la llamada "mafia de Memphis".

Su aspecto físico se transformó -aunque conservaba las largas patillas que eran su marchamo de identidad personal-, en una imagen deformada por el aumento de peso, el abotargamiento de las facciones que lo convertían en una caricatura de sí mismo, del hombre que luchaba desesperadamente para seguir manteniendo el control de su vida, sabiendo que ya estaba herido de muerte, mientras recibía las ovaciones del público que le seguía fielmente en sus actuaciones, enfundado en sus trajes blancos de flecos y bordados con lentejuelas de colores que trataban de imitar a los famosos trajes de cowboy, en versión festiva y de espectáculo.

Elvis Presley, el blanco que cantaba como un negro, murió en pleno y caluroso mes de agosto de 1977, ya sin el respaldo protector de sus guardaespaldas que le acompañaban desde sus inicios musicales, porque su padre decidió despedirles por ser bruscos con los fans, lo que valió a Elvis muchas demandas, aunque también se corría la voz que los había despedido por hacer demasiadas declaraciones sobre la grave drogadependencia de Elvis.

Elvis Presley fue el cantante más completo del panorama musical estadounidense del siglo XX, porque dominaba todos los géneros musicales, entre ellos el country, el pop, las baladas, el gospel y el blues, demostrando que en sus genes se mezclaban sus orígenes escoceses, irlandeses, alemanes y hasta los que provenían de una tatarabuela india cherokee. Llegó a ser conocido, por sus movimientos sensuales que despertaban el entusiasmo del público en sus actuaciones, y ser llamado "Elvis, la pelvis", lo que le molestaba profundamente.

Su voz de infinitos registros se sigue oyendo en las innumerables grabaciones de discos que dejó, sus conciertos grabados, películas, actuaciones en radio y televisión, dejando el profundo eco de una voz portentosa que parecía clamar desde el micrófono la triste realidad de un hombre que, habiéndolo tenido todo, no tenía nada más que la soledad y la sensación de derrota íntima y personal que le llevó a buscar consuelo, olvido de sus fantasmas interiores y la seguridad perdida, en las drogas, los barbitúricos y el alcohol, en una constante huida, aunque nunca llegó a ninguna parte que no fuera el centro de su propia y absoluta soledad que lo mató, famoso, millonario, premiado y reconocido por todos, pero el éxito no pudo nunca ofrecerle la felicidad que le negaban sus continuos fracasos sentimentales y la sensación de que todo lo que había conseguido no valía nada en comparación con lo que había perdido por el camino, por esa senda estrecha y escarpada donde fue cosechando éxitos, dinero, fama y soledad, al mismo tiempo, en un cóctel peligroso y mortal de necesidad.

Su casa de Memphis, en la que quedó sumido en la inconsciencia de la que no despertó jamás, ahora es un lugar de peregrinación, como si de un santuario se tratara, visitado por cientos de miles de fans cada año que siguen produciendo incontables ganancias para sus herederos, que viajan desde todo el mundo para llegar, ver y tocar la suntuosa casa en la que vivió y murió un mito al que adoran, lugar en el que están expuestos sus discos de oro y platino, premios, trajes, fotos, recuerdos de una vida malograda que consiguió el éxito, pagando por ello un precio demasiado caro, porque Elvis sólo existía sobre un escenario, recibiendo el aplauso del público, pero que después se apagaba igual que los focos al terminar el espectáculo en el que se había convertido su propia vida, la que quedó inerte definitivamente en ese sueño eterno en el que se sumergió, por efecto de las drogas y los medicamentos y por el peso de la propia fama que terminó aplastándolo, poniendo fin al hombre para que naciera el mito que ahora es y será siempre, inmutable y eterno, en el Parnaso del que nunca bajará para convertirse de nuevo en un ser mortal, pleno de contradicciones y miedos que lo llevaron a la muerte.

Página oficial

http://www.elvis.com/

MICHAEL JACKSON, NEGRO Y BLANCO

2014-04-30T00:10:00.001+02:00

Michael Jackson al final de su vida convertido
en una caricatura de sí mismo

Ana Alejandre

Michael Joseph Jackson, conocido como Michael Jackson, cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop y su diversas variantes, por lo que se le atribuye el sobrenombre de el "Rey del Pop", nacido en Gary (Indiana), 29 de agosto de 1958 y fallecido en Los Ángeles (California), 25 de junio de 2009.

Este artista, negro con alma blanca, comenzó su carrera musical a los cinco años, uniéndose al grupo formados por sus hermanos y llamado al principio de The Jackson Five, y posteriormente como The Jackson. Desde my pronto se convirtió en el líder del grupo por sus extraordinarias facultades para bailar y cantar. Bajo el patrocinio de Berry Gordy's, el grupo se hizo famoso gracias a sus discos y a sus conciertos y apariciones televisivas. El primer álbum de Michael en solitario Got to Be There (1971) lo lanzó a la fama como artista en solitario.

Después de dejar el conjunto musical familiar, hizo el papel de Espantapájaros en el film musical El mago (1978) de Sidney Lumet y grabó el Off the Wall (1979), que incluía varias composiciones suyas. Su disco Trhiller (1982), obtuvo ocho premios Grammy y pasó a ser el álbum más vendido de la historia hasta ese momento.

Michael Jackson en la cima de la fama

Poco después volvió a unirse a sus hermanos para realizar juntos una gira de seis meses, después de que The Jacksons sacara el disco Victory (1984). Además, obtuvo un resonante éxito al componer junto a Lionel Richie la famosísima canción We Are the World (1985). tema que fue interpretado conjuntamente por más de 40 cantantes famosos y cuyos beneficios obtenidos, tanto por el disco y el video correspondiente, se destinaron a diversas organizaciones dedicadas a la lucha contra el hambre en el mundo.

Siguieron sucediéndose, uno tras otro, los éxitos de este artista en solitario como fue el disco Bad (1987) que tanto el sencillo que le dio nombre como el video de la canción se convirtieron en superventas. Al igual sucedió con Dangerous (1992) y con la canción Remember the Time de ese mismo año. Más tarde, en 1995, publicó Scream y también Chilhood y seis años después sacó Invincible (2001).

Su biografía salió publicada en 1988 con el título de Moonwalk. Su figura ya empezaba a verse envuelta en diferentes escándalos por acusaciones de pederastia, aunque éstas no le restaban un ápice de admiración por parte de sus millones de fans que apostaban siempre por su inocencia, y le obligó a hacer frente a demandas millonarias por parte de los padres de los niños supuestamente abusados por el artista. En sus últimos años de vida, su fama se vio ensombrecida por el eco de las continuas denuncias sufridas por dicho motivo, y su salud se resentía también por las continuas operaciones y tratamientos que sufría para conseguir ser blanco y dejar la negrura de su piel y facciones propias de su raza que nunca aceptó.

Michael Jackson cuando aún ho había
empezado su proceso destructivo

Esa búsqueda de la blancura que su propia naturaleza le negaba y que le convirtió, poco a poco, en una caricatura de sí mismo, con la mascarilla que le tapaba la cara para evitar contaminaciones por los fuertes tratamientos que sufría para aclarar su piel y también tener que ir bajo un negro paraguas que evitaba que los rayos solares pudieran tocar su blanca piel artificial que conseguía a base de injertos y de terribles tratamientos blanqueantes que lo iban convirtiendo cada vez más en una imagen monstruosa, ambigua, a lo que ayudaba el maquillaje de ojos y boca que usaba fuera del escenario también.

Todo esto le iba convirtiendo no en el blanco que siempre soñó ser, sino en el blanco de todas las críticas y miradas estupefactas de quienes veían su espantosa transformación en una máscara en la que las diversas operaciones le habían borrado la expresión del rostro, el de una persona normal de cualquier raza o color, para convertirlo en una espantosa imagen artificial, como de muñeca de barraca de feria pintarrajeada, que ocultaba el espantoso drama que vivía quien no aceptaba su raza, su imagen física, por lo que trataba inútilmente de ser un hombre blanco postizo que en todo momento recordaba al hombre negro que subyacía debajo de todo aquel espanto de tratamientos blanqueantes y cirugía estética, de cremas y potingues que no podían borrar de su rostro lo que la naturaleza le había dejado como herencia natural y vitalicia, es decir, su propia condición de hombre negro. Además padecía de vitíligo y lupus como afirman sus más allegados, lo que le obligaba a extremar las precauciones y convertirse así en un enfermo perenne, cubierto de mascarillas para prevenir las posibles infecciones e impedir que el sol le diera en su rostro blanqueado y desprovisto de rasgos y expresión alguna, lo que le convertía en una patética máscara viviente de un ser asexuado,.

Por eso, una noche cualquiera, la del 25 de junio de 2009, tratando de huir del insomnio perenne que sufría, murió por una dosis excesiva de tranquilizantes y somníferos que le pidió desesperadamente a su médico de cabecera, cayendo definitivamente en el profundo pozo del sueño eterno, cuando ya la ruina económica le estaba cercando, aunque su talento musical seguía intacto, al igual que la admiración de todos sus fans que le lloran desde entonces, por su talento inigualable y su capacidad creativa que ha dejado una obra excepcional dentro de la música pop de la que siempre demostró ser el rey aún no destronado.

Vínculos:

Su discografía, temas on line y todo lo relativo a su obra musical, se puede ver:

http://www.vagalume.com.br/michael-jackson/discografia/

PETER LIK, EL MAGO DEL PAISAJE

2013-10-13T23:38:00.003+02:00

Azul Tranquilo

por Ana Alejandre

Peter Lik, fotógrafo de fama mundial, nacido en Melbourne, Australia, hijo de inmigrantes checos después de la II Guerra Mundial, empezó su afición a la fotografía cuando tenía ocho años cuando recibió de sus padres, como regalo de cumpleaños, una cámara de fotos Kodak Brownie, la que despertó su vocación por la fotografía, pues empezó a ser el fotógrafo familiar, afición que continuó en su juventud en los viajes que realizaba por Australia, generalmente acompañado por su amigo y fotógrafo profesional Michael Plumridge.

De formación autodidacta, Lik tuvo un comienzo duro en su carrera, hasta que decidió marchar a los Estados Unidos, en 1984, decisión que marcó un hito en su trayectoria profesional porque en dicha etapa inició su experiencia con las cámaras panorámicas de formato medio en sus viajes por Alaska, durante el recorrido que realizó por los 50 estados americanos que le supuso 5 años y recorrer 50.000 millas y 1.000 rollos de película. Este proyecto al que califica como el "desafío más grande de mi vida", dio como resultado su libro "El espíritu de América".

Anciant Spirit

El viaje que realizó por territorio americano le fascinó y decidió quedarse a vivir en EE.UU., donde comenzó a realizar fotografías para tarjetas postales.

Regresó a Australia para fotografiar la inmensidad de la Gran Tierra del Sur y abrió su propia empresa editorial de bellas artes y también su primera galería en Cairns, su ciudad adoptiva.

En la actualidad cuenta con trece galerías en total, tanto en Australia como en Las Vegas (EE.UU.), Hawai y Noosa.

Scacred Sunrise

En su afán de abrir nuevos mercadeos para sus fotografías, creó una empresa LIK USA, con una docena de empleados que tiene como fin atender los innumerables pedidos de sus fotografías que reciben de aficionados de todo el mundo que las valoran y demandan continuamente en innumerables encargos.

Su fama como fotógrafo es mundial y está reconocido en innumerables países donde se cotizan sus fotografías como auténticas obras de arte, demandadas por innumerables coleccionistas, entre los que se cuentan una lista interminable de famosos de todo tipo y condición, desde presidentes de gobierno, hasta estrellas del espectáculo y desde deportistas de élites a financieros que coleccionan sus

Tree Live

bellísimas fotografías, consideradas como bellos objetos de culto. Esto le ha permitido facturar hasta ahora más de 200 millones de dólares con la venta de sus imágenes, alguna de las cuales, como es el caso de One, vendió por un millón de dólares.

Ghost

Su fama le ha permitido tener un programa de televisión propio en el canal del tiempo "The water Channel". también ha publicado una decena de libros y un ebook en la AppStore. Su serie de la NBC producida TV, "From the Edge con Peter Lik", ha convertido a Peter Lik en un nombre conocido popularmente.

Entre los muchos premios que ha recibido, están el Maestro fotógrafo concedido por el el Instituto Australiano de Fotografía Profesional (AIPP) y la Asociación de Fotógrafos Profesionales de América (PPA) y becas del Instituto Británico de Fotógrafos Profesionales (BIPP) y de la Real Sociedad Fotográfica (RPS).

Paz interior

Dos de los logros más importantes de su carrera son la ya citada venta millonaria de su fotografía "One" y la exposición de dos de sus más emblemáticas imágenes "Ghost" y la titulada "Paz interior", en el Museo Nacional Smithsoniano de Historia Natural en Washington DC.

Otras fotografías suyas consideradas obras maestras son "Ancient Spirit", "Sunrise Sagrado", "Corazón de Ángel", "Tree of Life", además de la ya citada "Ghost".

Cada serie de imágenes de edición limitada que realiza es acogida con entusiasmo por los coleccionistas de todo el mundo, la que se manifiesta en las últimas ventas con precios récord que van en aumento.

Hearth angel

Peter Lik, con su cámara a modo de pinceles, no sólo capta la realidad paisajística, sino que la transforma en una obra de arte a fuerza de imaginación, paciencia y saber esperar el momento oportuno en el que la luz se transforma en una infinita paleta de colores imposibles que dotan a la Naturaleza, a los objetos, en elementos plásticos de belleza etérea, imposible y perturbadora, porque el objetivo de su cámara se convierte en el ojo que penetra en lo más esencial, secreto y auténtico del paisaje fotografiado para obtener así una visión panorámica, holística, que nos desvela el misterio que encierra la Naturaleza, cuando el esplendor de la luz hace brotar la belleza mágica que posee esa inagotable fuente de verdad y belleza.

Libros de Peter Lik y vínculos

2013-10-13T23:30:00.000+02:00

Peter Lik y su cámara

Libros

Las Vegas: Beyond the Neon (2010)
Peter Lik's 25th Anniversary Big Book (2009)
Hawaii: The Aloha Spirit (2007)
Las Vegas and Beyond (Edición limitada)
Maui: Hawaiian Paradise (2005)
Australia: Images of a Timeless Land (2004)
Australia: Images of a Timeless Land (Edición limitada)
Spirit of America (2003)
Spirit of America (Edición limitada)
San Francisco (2001)
Peter Lik Catalogue: Volume 2

Vínculos:

http://www.lik.com/

http://www.peterlikaustralia.com.au/

WOODY ALLEN, ARTISTA POLIFACÉTICO Y CONTROVERTIDO

2013-01-31T01:48:00.001+01:00

Imagen de Woody Allen en la actualidad

por Ana Alejandre

Woody Allen, director de cine, guinista, actor y escritor, cuyo verdadero nombre es Allan Steward Könisberg, nació el 1 de diciembre de 1935 , en el barrio de Brooklyn, Nueva York. De ascendencia judía y con orígenes ruso-astríacos, su familia era de clase acomodada, pues el propio Woody Allen la describe en estos términos: «burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa».

Woody cursó estudios hasta los ocho años en una escuela judía. Posteriormente asistió a clase en una escuela pública de Midwood High School.

Aprendió a tocar el violín durante su infancia, y pasados los años llegaría a ser un extraordinario clarinetista, lo que le lleva a tocar con frecuencia ante el público, acompañado por una banda de jazz, The new Orleans Jazz Band. Sus conocimientos musicales le sirvieron para seleccionar las bandas sonoras de sus películas. Estas actuaciones musicales ante el público las llevaba a cabo, hasta 1997, en el Micha'els Pub de Nueva York; pero a partir del momento en que dicho local cerró, pasó a tocar junto a la banda que le acompaña en el Café Carlyle, con sesiones que se celebran cada lunes, costumbre que sólo se ve interrumpida por sus obligaciones cinematográficas

Una de sus obsesione es la total aversión que siente hacia los túneles largos y ascensores, parece ser que proviene de que en sus primeros años siempre estuvo al cuidado de niñeras porque sus padres trabajaban, y de la experiencia negativa que tuvo con una de ella, cuando contaba tres años de edad, porque la niñera que entonces le cuidaba se acercó a su cuna, lo cogió en brazos y lo envolvíó en una colcha mientras le decía: «¿Ves? Ahora mismo podría ahogarte y lanzarte a la basura y nunca nadie sabría lo que ha pasado». Sin embargo, no cumplió su amenaza y lo volvió a dejar en su cuna.

Su primer cambio de carácter se produce cuando cumplió cinco años, lo que le convirtió en una niño introvertido y solitario, Parece ser que fue provocado por su ingreso en al escuela pública 99 de Brooklyn, a la que el propio Allen describió como "una escuela para maestros con trastornos emocionales".

El paso a la escuela secundaria no solucionó el problema de su aversión a la escolarización. Sin embargo, destacaba en las redacciones, en las que siempre descollaba su gran y satírico sentido del humor; además de practicar deportes como el rugby y el boxeo. De esos años de adolescencia comenta: «Yo no quería ser Bogart, tampoco quería ser John Wayne. Yo sólo quería ser el capullo de la clase, quería ser ese chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido y cae bien a todo el mundo».

A los quince años comenzó a publicar chistes para columnistas de prensa con el pseudónimo de Woody Allen, pseudónimo que adoptó definitivamente cuando contaba diecisiete años. Después, escribió para artistas de radio y televisión. Cuando finalizó sus estudios secundarios, pasó a formar parte del equipo del humorista televisivo Sid Caesar. Comenzó a trabajar individualmente, y empezó a dirigir sus propios espectáculos en la cadena de hoteles Borrsch Belt de Nueva York, donde habían trabajado anteriormente humoristas de la talla de Jerry Lewis.

Ingresó en la Universidad de Nueva York a finales de 1953, donde cursó diversas materias entre las se contaba Producción cinematográfica. Sin embargo, no asistía a las clases, porque le interesaban mas las proyecciones de películas que ofrecía dicha asignatura. El primer semestre lo acabó con pésimas notas en varias asignaturas y dejó dichos estudios sin iniciar el segundo semestre. Uno de sus profesores le había dicho en cierta ocasión:" No eres material de Universidad. Creo que tendrías que recibir ayuda psiquiátrica, porque me parece que no tendrás mucha suerte para encontrar trabajo". Consejo que parece ser que siguió, porque empezó a consultar a su primer psiquiatra en 1959, y lo ha seguido haciendo hasta el presente.

En 1957 obtuvo su primer premio Sylvana Award. A partir de 1961 a 1964, trabajó como humorista en nightclubs. Fue en uno de ellos, Bue Angel, en 1960, donde lo descubrió y contrató el productor de cine Charles K. Feldman como guionista y actor para ¿Qué tal, Pussycat? (1965), dirigida por Clive Donner. En ese mismo año, conoció a dos personas que han sido dos importantes influencias en su vida: sus agentes Jack Rollins y Charles Joffe.

Dirigió su primera película como director en 1966, Lily la tigresa. A ese título le siguieron Toma el dinero y corre (1969) película escrita y dirigida por él, en la que interpreta el papel de un ladrón y para la que fue muy difícil encontrar una productora que aceptara producirla, y sólo fue Palomar Pictures la que aceptó dicho proyecto aunque no estuvo muy satisfecha con el resultado, a pesar de ser un auténtico éxito de publico. Firma un contrato con United Artists, en 1970, productora creada por Charles Chaplin, con la que se comprometía para rodar tres películas, aunque el estudio le otorgó el control total sobre su producción, algo que era inusual para cualquier director casi primerizo en aquella época, (privilegio que no disfrutaron ni siquiera directores de la fama de Coppola, Mazursky o Scorsese). y rodó su segunda película

.Bananas (1971), Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar (1972), El dormilón (1973) y La última noche de Borís Grushenko (1975), siempre con Allen en su papel característico de antihéroe un tanto despistado, torpe y carente de habilidades sociales.

Annie Hall (1977), sin embargo, fue su primer film en el que se inspira en temas más serios y con la que obtuvo cuatro premios Oscar (mejor película, director, guión y actriz principal), que fue protagonizada por Diane Keaton, , con quien hizo pareja Allen en la mayoría de películas en dicha época. Una anécdota relevante de Woody Allen es que a dicha ceremonia de entrega no asistió, aduciendo después que se le había olvidado, cuando la verdadera razón era que se había quedado ese mismo día tocando el clarinete con su banda. Este gesto no fue acogido con demasiadas simpatías en los ambientes cinematográficos, y el propio Woody ha dicho que si no fuera por la excelente acogida que tienen sus películas en Europa, no podría seguir haciendo cine.

Títulos posteriores fueron Interiores (1978), un pesimista drama psicológico, Manhattan (1979), que supuso su vuelta a la comedia y está considerada como un clásico de la historia del cine, rodada en blanco y negro y con impresionantes panorámicas de Manhattan: Recuerdos (1980), que supone una obra autobiográfica, y La comedia sexual de una noche de verano (1982), en la que la trabajó con Mia Farrow, que sería después su compañera sentimental y de la que se separó en 1994

Woody Allen consigue, a partir de entonces, con estas películas el éxito como director y gionista tanto como actor, con películas que ambienta en Manhattan, barrio muy querido para él, y es uno de los primeros directores estadounidenses que reivindica el cine europeo y a figuras como Ingmer Bergman.

Las películas se suceden incansables, en una sucesión vertiginosa: Zelig (1983), Broadway Danny Rose (1984), La rosa púrpura de El Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Días de radio (1987), Otra mujer (1988), Delitos y faltas (1989), Historias de Nueva York (un episodio, 1989), Sombras y niebla (1991), Maridos y mujeres (1992), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway (1994), La maldición del escorpión de jade (2001) y Melinda y Melinda (2004).

Sus últimas películas han sido, Medianoche en París, que constituyó -un éxito de crítica y público y por la que le otorgaron su segundo Globo de Oro y su cuarto Oscar. Después rodó A Roma con amor, que fue grabada en Roma y que está formada por cuatro historias que tienen como telón de fondo a la Ciudad Eterna y ofrece el característico humor de Allen.

Sus inquietudes creativas no se han reducido al cine y el teatro, pues escribió y publicó dos colecciones de narraciones humorísticas, Getting Even (1971) y Sin plumas (1976). El relato de su trayectoria personal y profesional, escrito por Eric Lax apareció en 1991 con el título de Woody Allen, la biografía.

Sus últimas películas (2005 – 2012) han sido rodadas en Europa, continente en el que ,tiene siempre excelentes críticas, especialmente en Francia.

Pero también se interesó por el teatro y escribió y actúo en dos obras:: Los USA en zona rusa (1966, llevada al cine en 1969) y Sueños de seductor (1969) llevada al cine en 1972.

Su última obra es la película Blue Jasmine.

Citas de Woody Allen

2013-01-31T01:44:00.000+01:00

Woody Allenen una imagen de hace años

Otra curiosa imagen de Woody Allen

(citas extraídas de los guiones de muchas de sus películas, por lo que son citas literarias)

"El amor es la respuesta, pero mientras usted la espera, el sexo le plantea unas cuantas preguntas."

“El sexo sin amor es una experiencia vacía. Pero como experiencia vacía es una de las mejores”.

“Sólo existen dos cosas importantes en la vida. La primera es el sexo y la segunda no me acuerdo”.

“El sexo sólo es sucio si se hace bien”.

Es curioso que se le denomine sexo oral a la práctica sexual en la que menos se puede hablar.

El amor es la respuesta, pero mientras usted la espera, el sexo le plantea unas cuantas preguntas.

“Echo de menos la época donde el aire era limpio y el sexo sucio”

“El sexo entre dos personas es una cosa hermosa; entre cinco es fantástico…”.

“El sexo es como jugar al bridge. Si no tienes un buen compañero, más vale que tengas una buena mano”.

“Masturbarse es hacer el amor con la persona que más quieres”.

“La vocación del político de carrera es hacer de cada solución un problema”.

“En realidad, prefiero la ciencia a la religión. Si me dan a escoger entre Dios y el aire acondicionado, me quedo con el aire”.

“El dinero no da la felicidad, pero procura una sensación tan parecida, que necesita un especialista muy avanzado para verificar la diferencia”.

“Mi forma de bromear es decir la verdad. Es la broma más divertida”.

"No solo de pan vive el hombre. De vez en cuando, también necesita un trago."

"No creo en una vida más allá, pero, por si acaso, me he cambiado de ropa interior."

"No me asusta la muerte, pero prefiero no estar allí cuando ocurra."

"El dinero es mejor que la pobreza, aun cuando sólo sea por razones financieras."

"Si no te equivocas de vez en cuando, quiere decir que no estas aprovechando todas tus oportunidades."

"El cerebro es mi segundo órgano favorito."

"El miedo es mi compañero más fiel, jamás me ha engañado para irse con otro."

"No conozco la clave del éxito, pero sé que la clave del fracaso es tratar de complacer a todo el mundo."

“A las cuatro de la mañana nunca se sabe si es demasiado tarde o demasiado temprano”.

“Creo que el cerebro es el más sobrevalorado de los órganos”.

“En resumen, me gustaría tener algún tipo de mensaje positivo que dejarles. Pero no lo tengo. ¿Aceptarían dos mensajes negativos?”

“La eternidad se hace larga, sobre todo al final”.

“La música japonesa es una tortura china”.

“Las palabras más bellas de nuestro idioma no son “¡Te quiero!”, sino “¡Es benigno!”

“La muerte de Freud, según Ernest Jones, fue el incidente que causó la ruptura definitiva entre Hemholtz y Freud, prueba de ello es que en muy contadas ocasiones volvieron a dirigirse la palabra”.

“Mis padres me pegaron muy poco. De hecho, me parece que sólo lo hicieron una vez durante toda mi infancia: empezaron el 23 de diciembre de 1942 y acabaron en la primavera de 1944”.

“No me aceptaron en el ejército, fui declarado inutilísimo. Sí, en caso de guerra sólo podría ser prisionero”.

“No puedo escuchar mucho a Wagner porque enseguida me entran ganas de invadir Polonia”.

“No puedo morirme, tengo úlcera y morir es una de las peores cosas para eso”.

“¡Si Dios tan solo me diera una clara señal!…, como hacer un generoso depósito a mi nombre en un banco suizo”.

“Todo hermano se interesa por una hermana, sobre todo si esa hermana es de otro”.

“Algunos matrimonios acaban bien, otros duran toda la vida”.

“Hoy en día la fidelidad solo se ve en los equipos de sonido”.

“La marihuana causa amnesia y… otras cosas que no recuerdo”.

"Te voy a contar una historia tremenda acerca de la anticoncepción oral: le dije a esa chica si quería hacer el amor conmigo y me dijo que no".

"Antes, por cinco marcos, el mismo Freud te trataba. Por diez marcos, te trataba y te planchaba los pantalones. Por quince, Freud permitía que tú le trataras a él, y eso incluía una invitación a comer".

"Soy lo suficientemente feo y lo suficientemente bajo como para triunfar por mí mismo".
"Prefiero que me incineren a que me sepulten, y ambas cosas a un fin de semana con mi mujer".

"¿Puede el hombre conocer el universo?, ¡Dios santo!, no perderse en Chinatown ya es bastante difícil".

"La diferencia entre la muerte y el sexo es que la muerte es algo que puede hacer uno solo y sin que nadie se ría después de ti".

"Hay peores cosas en la vida que en la muerte. Si has pasado una tarde con un vendedor de seguros sabes a lo que me refiero".

"Nietzsche dice que nosotros viviremos la misma vida nuevamente. ¡Dios!, yo tendré que ver de nuevo a mi agente de seguros".

"No entiendo como no hay más gente bisexual, si esto duplica tus posibilidades de ligar el fin de semana".

"Una esposa dura tanto como un matrimonio, pero una ex-esposa es para toda la vida".

"Yo sufría de incontinencia cuando era pequeño, y como solía dormir con una manta eléctrica, estaba continuamente electrocutándome".

"Me gusta leer pornografía en Braille".

"La última vez que estuve dentro de una mujer fue cuando visité la estatua de la Libertad".

"Las mujeres más lindas resultan casi siempre las más aburridas, y ese es el porqué, de que ciertas personas no crean en Dios".

"Para ti soy ateo. Para Dios, soy la fiel oposición".

"No creo en las relaciones extramatrimoniales. La gente debería aparearse para siempre, como las palomas, o los católicos".

"El hombre consta de mente y cuerpo, pero el cuerpo es el único que se divierte".

"No quiero alcanzar la inmortalidad mediante mi trabajo, sino simplemente no muriendo".

"Por alguna razón me aprecian más en Francia que aquí. Los subtítulos deben de ser realmente buenos".
"Recuerdo a los profesores de nuestra escuela pública. Teníamos un dicho: Los que no saben enseñan, y los que saben enseñar dan clases de gimnasia. Y, claro está, los que no sabían nada de nada, venían a enseñar a nuestra escuela”

"En Beverly Hills no tiran la basura, la convierten en televisión".

"Yo creo que la vida está dividida en lo horrible y lo miserable. En esas dos categorías. Y lo horrible son los enfermos incurables, los ciegos, los lisiados... No se cómo pueden soportar la vida, me parece asombroso. Y los miserables somos todos los demás. Así que al pasar por la vida deberíamos dar gracias por ser miserables. Por tener la suerte de ser miserables".

"No hago gimnasia, yo prefiero atrofiarme".

"Yo me crié en la confesión israelita, pero al hacerme adulto me convertí al narcisismo".

“Me interesa el futuro porque es el sitio donde voy a pasar el resto de mi vida”.

Filmografía de Woody Allen

2013-01-31T01:40:00.000+01:00

Filmografía

Woody AlleFilmografía

2010 - Conocerás al hombre de tus sueños. Director, Guionista
2009 - Si la cosa funciona. Director, Guionista
2008 - Vicky Cristina Barcelona. Director, Guionista
2007 - Cassandra´s dream. Director, Guionista
2006 - Scoop, actor, Director, Guionista
2005 - Match point
2004.- Melinda y Melinda
2002.- Un final made in Hollywood
2001.- La maldición del escorpión de Jade
2000.- Granujas de medio pelo
1999.- Acordes y desacuerdos
1998.- Celebrity
1997.- Desmontando a Harry
1996.- Todos dicen I love you
1995.- Poderosa afrodita
1994.- Balas sobre Broadway
1993.- Misterioso asesinato en Manhattan
1992.- Maridos y Mujeres
1991.- Sombras y Niebla
1990.- Alice
1989.- Historias de Nueva York
1987.- Dias de radio
1986.- Hannah y sus hermanas
1985.- La rosa purpura de El Cairo
1984.- Broadway Danny Rose
1983.- Zelig
1982.- Una noche de verano
1980.- Recuerdos
1979.- Manhattan
1978.- Interiores
1977.- Annie Hall
1975.- La última noche de Boris Grushenko
1973.- El dormilón
1972.- Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y no se atrevió a preguntar
1971.- Bananas
1966.- Toma el dinero y corre
1966.- Lily la tigresa

Otras películas de Woody Allen

2013-01-31T01:33:00.000+01:00

Woody Allen

Como actor

(Sin ser el director).

1965: What's New Pussycat?, ¿Qué hay de nuevo, Pussycat? / ¿Qué tal, Pussycat?, de Clive Donner.

1967: Casino Royale, de John Huston.

1972: Sueños de seductor (Play It Again, Sam), de Herbert Ross.

1976: The front (El testaferro /La tapadera), de Martin Ritt.

1987: El Rey Lear (King Lear), de Jean-Luc Godard.

1991: Scenes from a mall, Escenas en una galería/ Escenas en un centro comercial de Paul Mazursky.

1998: Los impostores (The Impostors), (cameo), de Stanley Tucci.

1998: Antz, como la voz de la hormiga Z. (Hormiguitaz / Hormigaz), Eric Darnell y Tim Johnson.

2000: Cachitos picantes (Picking up the pieces), de Alfonso Arau.

2000: Company Man (Maestro de espías / Lío en La Habana), de Douglas McGrath.

2012: Paris Manhattan ( Paris Manhattan), de Sophie Lellouche

Como guionista

(Sin ser director)

1965: What's New Pussycat?, ¿Qué hay de nuevo, Pussycat? / ¿Qué tal, Pussycat?.

1972: Sueños de seductor (Play It Again, Sam).

Otras obras

Televisión

1971: Hombres en crisis (Men Of Crisis: The Harvey Wellinger Story)

1994: No te bebas el agua (Don't Drink the Water)

1995: La pareja despareja (The Sunshine Boys)

Libros

Guiones

Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar (Everything You Always Wanted to Know About Sex (But Were Afraid to Ask), 1972), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1986, Fábula, 2003, traducción de José Luis Guarner.

Annie Hall (Woody Allen y Marshall Brickman, 1977), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1981, Fábula, 1999, traducción de José Luis Guarner.

Interiores (Interiors, 1978), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1987.

Manhattan (Woody Allen y Marshall Brickman, 1979), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1981, Fábula, 1999, traducción de José Luis Guarner.

Stardust Memories (1980), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1981, Fábula, 2000, traducción de José Luis Guarner.

Zelig (1983), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1984, Fábula, 2004, traducción de Jaime del Leal y Ariel Collazo.

Hannah y sus hermanas (Hannah and her Sisters, 1986), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1987, Fábula, 2000, traducción de José Luis Guarner.

Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors, 1989), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1992, Fábula, 2007.

Maridos y mujeres (Husbands and Wives, 1992), Tusquets, Fábula, 1993.

Misterioso asesinato en Manhattan (Manhattan Murder Mystery, Woody Allen y Marshall Brickman, 1993), Tusquets, Fábula, 1995

Balas sobre Broadway (Bullets Over Broadway, Woody Allen y Douglas MacGrath, 1995), Fábula, 1998, traducción de Claudio López Lamadrid.

Anything Else / Todo lo demás (2003), Ocho y medio, 2003, versión bilingüe.

Melinda and Melinda / Melinda y Melinda (2004), Ocho y medio, 2004, versión bilingüe.

Teatro

No te bebas el agua (Don’t Drink the Water, 1967), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1985, Fábula, 2006, traducción de José Luis Guarner.

Sueños de un seductor (Play It Again, Sam, 1969), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1983, Fábula, 2005, traducción de Manuel Sáenz de Heredia.

La bombilla que flota (The Floating Light Bulb, 1982), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1984, Fábula, 2006, traducción de José Luis Guarner.

Adulterios. Tres comedias en un acto (Three One-Act Plays, 2003), Tusquets, Marginales, 2006, Fábula, 2008, traducción de Silvia Barbero.

Textos breves (cuentos, ensayos, pequeñas piezas teatrales…)

Cómo acabar de una vez por todas con la cultura (Getting Even, 1972), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1974, Fábula, 1996, traducción de Marcelo Covián.

Sin plumas (Without Feathers, 1975), Tusquets, Cuardernos Ínfimos, 1976, Fábula, 1997, traducción de José Luis Guarner.

Perfiles (Side Effects, 1980), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1980, Fábula, 2001, traducción de José Luis Guarner.

Cuentos sin plumas (Complete Prose, 1989), Tusquets, Andanzas, 1991, traducción de Marcelo Covián, contiene íntegros los tres libros anteriores.

Pura anarquía (Mere Anarchy, 2007), Tusquets, Andanzas, 2007, traducción de Carlos Milla Soler.

Woody Allen, Premios y nominaciones

2013-01-31T01:26:00.000+01:00

Woody Allen

Premios Óscar

Desde 1977 a 1911 ha sico candidato 24 veces a los Premios Oscars, habiendo ganado en cinco ocasiones: en 1997 ganó tres Oscar para el mejor guión, director y película original por Anni Hall; En 1986 ganó el Oscar al mejor guión original por Hannah y sus hermanas; y en 2011, volvió a ganar el Óscar al mejor guión original con Media noche en París (Midnight in Paris).

Premios Globos de Oro

Desde 1978 a 1912 ha sido candidato 13 veces y ganador en dos ocasiones: en 1986, por el mejor guión por La rosa púrpura de El Cairo; y en 1912, al mejor guión por Medianoche en París .

Premios Adircae

En 2006 ganó el Premio Adircae a la mejor prelícula extranjera por Match Point.

Otros reconocimientos

En 2002 recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes,

En junio de 2007 es investido Doctor Honoris Causa por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.

En octubre de 2008, recibe la Espiga de Honor del festival, durante la celebración de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci).

WHITNEY HOUSTON, LA VOZ DE TERCIOPELO

2012-06-28T18:43:00.001+02:00

por Ana Alejandre

Witney Houston en el cénit de su carrera
musical

La reciente, inesperada y trágica muerta de Whitney Houston, que fue encontrada, el sábado 11 de febrero de este año, en la bañera de su habitación en un hotel de Beverly Hills, en Los Ángeles, pone en evidencia los claroscuros de una vida célebre en el mundo de la música por su prodigiosa voz que la convirtió en la década de los ochenta y noventa en una artista admirada por todos, además de tener una gran belleza e insuperable fotogenia que lució en muchas películas en las que mostró sus dotes de actriz, pero no pudieron superar su talento musical y esa voz de terciopelo que no ha tenido parangón en el mundo de la música pop.

witney Houstony su hija

Las circunstancias que rodearon su muerte han sido motivo de polémica, aunque parece haber sido causada, entre otras, por el consumo de cocaína, lo que han demostrado las conclusiones de la autopsia del cadáver que se dieron a conocer el 22 de marzo de 2012, y confirmaron que la muerte se produjo debido a un ahogamiento accidental, provocado por ,una enfermedad arterioesclerótica y el consumo de cocaína, substancia que parecía haber sido inhalada poco antes de producirse la muerte y de la que la policía encontró restos de esa droga en la habitación del hotel donde se hospedaba. También se encontraron durante la autopsia restos de somníferos que usaba de forma habitual. No ha sorprendido que sea la cocaína una de las causas de su muerte, aunque muriera ahogada, al perder el conocimiento dentro de la bañera donde la encontraron desnuda y boca abajo personas de su séquito, según han manifestado sus familiares más allegados, porque de todos era sabida la adicción a las drogas que padecía, con altos y bajos, desde su fallido matrimonio con Bobby Brown, otro músico de color, con el que estuvo casada y de cuyo matrimonio nació la única hija de Whitney Houston, Bobbi Kristinai , que en la actualidad tiene 19 años.

witney Houston y su marido y una amiga

Whitney Houston nació en 1963, hija de la cantante Cissy Houston y prima del otro icono de la música pop, Dionne Warwick. Comenzó a cantar en un coro cuando tenía once años. En años posteriores colaboró con cantes de rhythm and blues como Chaka Khan y Lou Rawls.

Edito su primer disco Whitney Houston, en 1985 del que se vendieron más de quince millones de copias. Ese mismo año consiguió su primer premio Grammy con la canción Saving All My love for You. En 1987, consiguió su segundo Grammy con Whitney, disco que también tuvo iguales ventas millonarias.

A partir de 1992, año en la que intervino junto a Kevin Costner en la película El guardaespaldas, dirigida por Mick Jackson, supuso un gran éxito porque la canción incluída en la banda sonora de dicho film I Will Always Love You, se ha convertido en el disco sencillo o single más vendido de todos los tiempos, lo que le supuso otro premio Grammy. En ese mismo año contrajo matrimonio con Bobby Brown y empezó su largo periplo por el oscuro mundo de la droga..

A partir de entonces, participó en la banda sonora de varias películas, y grabó otros discos, pero ninguno alcanzó el éxtio obtenido con I will Always Love You, y no fue hasta 2009 cuando grabó I look to you, que volvió a obtener un gran éxito de crítica y público.

discografía y filmografía de Whitney Houston

2012-06-28T18:30:00.000+02:00

witney Houston

DISCOGRAFÍA

Álbumes de estudio

1985: Whitney Houston

1987: Whitney

1990: I'm Your Baby Tonight

1998: My Love Is Your Love

2002: Just Whitney...

2003: One Wish: The Holiday Album

2009: I Look to You

Bandas sonoras

1992: The Bodyguard

1995: Waiting to exhale

1996: The Preacher's Wife

2012: Sparkle

Recopilatorios

2000: Whitney: The Greatest Hits

2001: Love, Whitney

2007: The Ultimate Collection

Conciertos en vivo

1994: The Concert for South Africa (2 cd's)

2008: Song for You: Live (álbum en DVD)

FILMOGRAFÍA

Cine

otra imagen de witney Houston

§ The Bodyguard (El guardaespaldas) (1992)

§ Waiting to Exhale (Esperando un respiro) (1995)

§ The Preacher's Wife (La Mujer del Predicador) (1996)

§ Sparkle (2012)

Televisión

§ Gimme a Break! (1984)

§ Silver Spoons (1985)

§ Cinderella (1997)

Publicidades

§ Dr Pepper/Seven Up (1983)

§ Coca-Cola (1986 y 1988)

§ SANYO (1990)

§ AT&T (1994 y 1995)

Productora

§ Cinderella (1997) - TV

§ Whitney Houston: Fine (2000) - Videoclip

§ The Princess Diaries (2001) - Película

§ The Cheetah Girls (2003) - TV

§ The Princess Diaries 2: Royal Engagement (2004) - Película

§ The Cheetah Girls 2 (2004) - TV

§ The Cheetah Girls 3 (2006) - TV

§ Sparkle (2012) - Película

Letras de canciones de Witney Houston

2012-06-28T18:00:00.000+02:00

witney Houston

All The Man that I Need

I used to cry myself to sleep at night

but that was all

before he came

i thought love had to hurt to turn out right

but now he's here

it's not the same

Chorus:

he fills me up

he gives me love

more love than i've ever seen

he's all i've got

he's all i've got in this world

but he's all the man that i need

And in the morning when i kiss his eyes

he takes me down

and rocks me slow

and in the evening when the moon is high

he holds me close

and won't let go

he won't let go

Greates Love of Oll

I believe the children are our are future

teach them well and let them lead the way

show them all the beauty they possess inside

give them a sense of pride to make it easier

let the children's laughter remind us how we used to be

everybody searching for a hero

people need someone to look up to

i never found anyone who fulfill my needs

a lonely place to be

so i learned to depend on me

Chorus:

i decided long ago, never to walk in anyone's shadows

if i fail, if i succeed

at least i'll live as i believe

no matter what they take from me

they can't take away my dignity

because the greatest love of all

is happening to me

i found the greatest love of all

inside of me

the greatest love of all

is easy to achieve

learning to love yourself

it is the greatest love of all

I believe the children are our future

teach them well and let them lead the way

show them all the beauty they possess inside

give them a sense of pride to make it easier

let the children's laughter remind us how we used to be

chorus

And if by chance, that special place

that you've been dreaming of

leads you to a lonely place

find your strength in love

I have nothing

Share my life,

take me for what i am.

'cause i'll never change

all my colors for you.

Take my love,

i'll never ask for too much,

just all that you are

and everything that you do.

I don't really need to look

very much further/farther,

i don't wanna have to go

where you don't follow.

i will hold it back again,

this passion inside.

can't run from myself,

there's nowhere to hide.

(your love i'll remember forever.)

Chorus:

don't make me close one more door,

i don't wanna hurt anymore.

stay in my arms if you dare,

or must i imagine you there.

don't walk away from me.

(no, don't walk awya from me. don't you dare walk away from me.)

i have nothing, nothing, nothing

if i don't have you, you (you, you, you./if i don't have you, oh, oo.)

You see through,

right to the heart of me.

you break down my walls

with the strength of your love.

I never knew

love like i've known it with you.

will a memory survive,

one i can hold on to?

I don't really need to look

very much further/farther,

i don't wanna have to go

where you don't follow.

i will hold it back again,

this passion inside.

can't run from myself,

there's nowhere to hide.

(your love i'll remember forever.)

I look to you

As I lay me down

Heaven hear me now

Im lost without a cause

After giving it my all

Winter storms have come

And darkened my sun

After all that I've been through

Who on earth can I turn to

I look to you

After all my strength is gone

In you I can be strong

I look to you

Yeah

And when melodies are gone

In you I hear a song

I look to you

After losing my breath

There's no more fighting left

Sinking to rise no more

Searching for that open door

And every road that I've taken

Lead to my regret

And I don't know if Im gonna make it

Nothing to do but lift my head

I look to you

Yeah

And when all my strength is gone

In you I can be strong

I look to you

Oh yeah

And when melodies are gone

In you I hear a song

I look to you

(my levies have broken, my walls have come)

Coming down on me

(crumbling down on me)

All the rain is falling

(the rain is falling, defeat is calling)

Set me free

(i need you to set me free)

Take me far away from the battle

I need you

Shine on me

I look to you

After all my strength has gone

in you I can be strong

I look to you

and when melodies are gone

In you I hear a song

I look to you

yeah

I look to you

oooooooh

I look to you

I wanna dance with somebody

Clocks strikes upon the hour

and the sun begins to fade

still enough time to figure out

how to chase my blues away

i've done alright up 'til now

it's the light of day that shows me how

and when the night falls loneliness calls

Chorus:

oh! wanna dance with somebody

i wanna feel the heat with somebody

yeah! wanna dance with somebody

with somebody who loves me

I've been in love and lost my senses

spinning through the town

soon or later the fever ends

and i wind up feeling down

i need a man who'll take a chance

on a love that burns hot enough to last

so when the night falls

my lonely heart calls

Chorus

(somebody who)

somebody who loves me

(somebody who, somebody who)

to hold me in his arms

i need a man who'll take a chance

on a love that burns hot enough to last

so when the night falls

my lonely heart calls

Chorus x2

Oo oo! (dance)

come on baby (dance)

whoo! yeah (dance)

now wiggle this (dance)

don't you wanna dance (dance)

with me baby (dance)

don't you wanna dance (dance)

with me boy

hey don't you wanna dance (dance)

with me baby!

with somebody who loves me

Don't you wanna dance

say you wanna dance

don't you wanna dance (dance)

Don't you wanna dance

say you wanna dance

don't you wanna dance (dance)

Don't you wanna dance

say you wanna dance

uh-huh (dance)

with somebody who loves me

oo-oo (dance)

oo-oo-oo (dance)

hey baby!

I will always love you

So i go, but i know i will think of you every step of the way

so i'll go, but i know

i'll think of you ev'ry step of the way.

And i will always love you.

i will always love you.

you, my darling you. hmm.

Bittersweet memories

that is all i'm taking with me.

so, goodbye. please, don't cry.

we both know i'm not what you, you need.

And i will always love you.

i will always love you.

(instrumental solo)

I hope life treats you kind

and i hope you have all you've dreamed of.

and i wish to you, joy and happiness.

but above all this, i wish you love.

And i will always love you.

i will always love you.

i, i will always love you.

You, darling, i love you.

ooh, i'll always, i'll always love you.

I’m every woman

Whatever you want

Whatever you need

Anything you want done baby

I'll do it naturally

Cuz I'm every woman (every woman)

It's all in me

Chorus:

I'm every woman

It's all in me

Anything you want done baby

I'll do it naturally

I'm every woman

It's all in me

I can read your thoughts right now

Every word from A to Z (woh woh woh)

I can cast a spell

Secrets you can't tell

Mix a special groove

Put fire inside of you

Anytime you feel danger or fear

Then instantly, I will appear

Repeat Chorus

I can sense your needs

Like rain unto the seeds

I can make a rhyme

Of confusion in your mind

And when it comes

To some good old-fashioned love

I got it, I got it

got it got it baby

Repeat Chorus

I ain't braggin'

Cuz I'm the one

Just ask me

Ooh it shall be done

Don't bother to compare

I got it got it

got it got it baby

Repeat Chorus

I'm every woman (Chaka!)

Hehehe my girl!

LEONARD COHEN, ARTISTA POLIFÁCETICO

2011-09-06T16:34:00.004+02:00

Introducción

por Ana Alejandre

La concesión del Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2011 a Leonard Cohen ha puesto de manifiesto la calidad poética de este cantautor que expresa, a través de la música y con esa ronca voz que le caracteriza, las imágenes sugerentes de nuestra época, versificando musicalmente y mostrando así su talento poético que, según el jurado del mencionado premio ha fundamentado dicha concesión porque en el "imaginario sentimental" creado por Leonard Cohen, "la poesía y la música se funden en un valor inalterable".

Es una buena noticia que la música de nuestro tiempo tenga el respaldo de un premio de la importancia del Príncipe de Asturias concedido a uno de sus más insignes creadores e intérprete.

Otro de los músicos que pasan a englobar la larga lista de mis favoritos por lo que le dedico este espacio que espero sea del agrado de todos los lectores de este blog.

Leonard Cohen

Biografía

por Ana Alejandre

Nació en 1934 en en Westmount, en las afueras de Montreal, en el seno de una familia judía practicante. Su padre era propietario de una tienda de corte y confección y falleció cuando Cohen tenía nueve años. Cursó estudios primero en un colegio hebraico y, posteriormente, en la Universidad McGill de Montreal.

Desde muy temprano se sintió atraído por la música por lo que a los 15 años formó un trío de música country and western, el grupo Buckskin Boys, y en 1956 publicó sus primeros poemas con el título de, Let Us Compare Mythologies, apareció en 1956 editado por las McGill Poetry Series, aunque sólo era un estudiante de los primeros cursos.

Estuvo viajando por un período de cinco años y, a partir de 1961, residió sucesivamente en Nueva York, Grecia y Cuba. Fue en este último año cuando publicó The Spice Box of Earth que obtuvo una gran popularidad en los círculos de poesía canandiense. Viajó a la isla de Hydra, en Grecia, y publicó Flowers for Hitler (Flores para Hitler) en 1964, y también sus obras narrativas (novelas) The Favourite Game (1963) y Beautiful Losers (1966).

The Favourite Game, de 1963, es la novela de aprendizaje o bildungsroman autobiográfico de un joven que intenta hallar su propia identidad en la escritura, y también se puede considerar así a la siguiente obra Los hermosos vencidos (Beautiful Losers), aunque ésta última no lleva al éxito del personaje principal, ya que siguiendo las ideas contemporáneas en boga, lleva a la destrucción a los personajes, utilizando un estilo y lenguaje rico, profundo y lírico, pero no exento de una evidente crudeza, en una mezcla de lo sagrado y lo profano, de lo puramente sexual imbricado en lo religioso, en una simbiosis de misticismo y realismo. Están escritas ambas obras con un estilo provocador y vanguardista en el que predomina la estética de la generación Beat.

Sin embargo, fueron sus primeros poemarios, La caja de especias de la tierra (1961) y Flores para Hitler (1964), los que tuvieron una gran acogida por el público, tanto por los temas como por la modernidad de su escritura.

Cohen se trasladó a los Estados Unidos y empezó a participar como cantante en los festivales folk. Judy Collins consiguió que la canción Suzanne se alzara como un gran éxito en 1966. Esta canción está inspirada en Suzanne Verdal, la anciana esposa de un amigo íntimo de Cohen, el escultor Armand Vaillancourt.

El primer álbum, Songs of Leonard Cohen, se publicó en 1967 y contiene una versión de Suzanne. En 1977, Death of a Ladies' Man es producido por Phil Spector, obra que se aleja del minimalismo en el que se había instalado el artista. Recent Songs, un albúm más clásico, se publica en 1979, y en 1984 Various Positions, es un nuevo álbum en el que predomina el enfoque espiritual ofrece un título ya famoso en la obra de Cohen: Hallelujah.

La discográfica Columbia rechaza lanzar el álbum en los Estados Unidos, país en el que Cohen ha obtenido siempre un menor éxito que en Europa y Canadá. En 1986 participa en un episodio de Dos policías en Miami. En 1988, I'm Your Man significa un evidente giro en su trayectoria artística en cuanto a las letras y música.. Parece tener una gran importancia en dicho cambio el uso habitual de Los sintetizadores y sus letras son mucho más comprometidas y ofrecen evidentes muestras de humor negro.

En 1994 se produce un paréntesis en la actividad musical de Cohen que se retira a un monasterio budista en Mount Baldy, cerca de Los ángeles, después de finalizar la promoción de su álbum The future. En dicho centro de meditación es Cohen es ordenado monje budista zen, como Jikan Dharma con el sugerente nombre de «El silencioso». Abandona dicho centro en 1999, después de ese período de silencio artístico y es después de volver de su retiro cuando compone y publica su álbum Ten New Songs en 2001 y, posteriormente, Dear Heather en 2004 que fue el resultado de la colaboración con la cantante de jazz, Anjani Thomas.

Po problemas de índole económica con su antigua representante Kelley Lynch, denuncia a ésta, en 2005, por un posible delito de apropiación indebida (cinco millones de dólares), obteniendo sentencia favorable, pero la ex representante se da a la fuga.

En 2006 publica su nuevo libro de poemas Book of Longing y en dicho año se estrena el documental Leonard Cohen.: I'm Your Man, que recoge una serie de entrevistas realizadas expresamente para dicho documental y contiene actuaciones en directos de diversos artistas realizados para un concierto en homenaje de Cohen.

Leonard Cohen reside actualmente en el barrio portugués de Montreal, su ciudad natal. En 2008 volvióa los escenarios, con 73 años, iniciando así una gira mundial, que obtuvo una apoteósico recibimiento tanto por la crítica como el público y que le proporcionó un respiro económico después del desastre financiero que le supuso la huida de su representante con todas las ganancias de toda su trayectoria artística.En 2009 se publica el nuevo álbum Live in London, que recoge la grabación de uno de los conciertos de esta gira.

En 2009 salió a la venta el disco Live At The Isle Of Wight 1970, un CD + DVD que recogía la histórica actuación de Cohen en el Festival de la Isla de Wight, en 1970, ante 600.000 personas.

Finalmente, en 2010, sale a la venta Songs From The Road, un CD + DVD que recoge 12 temas grabados en diferentes actuaciones de la gira mundial que llevó a cabo entre 2008 y 2009.

Le fue concedido el Premio Príncipe de Asturias de las Letras de 2011

Temas musicales

.Sus tres ejes temáticos que subyacen en toda su obra son el amor, la religión y las relaciones de pareja. Sin embargo, el peculiar estilo de este cantautor se basa más en el sabio uso de los juegos de palabras, a modo de guiños literarios, y metáforas poéticas que a las reglas convencionales de la música folk.

A todo ello se une que Cohen interpreta sus canciones, las susurra más que las canta, con una voz personalísima y grave, que ha tenido una gran infuencia en otros intérpretes musicales, además de que sus canciones han sido interpretadas por infinidad de artistas de los cinco continentes. Por estar su música impregnada de una gran carga de pesimismo, la prensa lo ha considerado "el depresivo no químico más poderoso del mundo".

Los temas recurrentes en la obra de Cohen son el amor y el sexo, la religión, la depresión psicológica, y la música en sí. El amor y el sexo son temas habituales en la música popular; y la gran experiencia de Cohen como novelista y poeta le proporciona una gran sensibilidad especial para tratarlos. Suzanne, a la que se considera que fue la primera canción de Cohen que obtuvo una entusiasta aceptación de todo tipo de público, habla de cierto tipo de amor unido a la meditación religiosa, simbiosis que igualmente se produce en Joan of Arc.

A su vez, Famous Blue Raincoat ofrece la visión de un hombre cuyo matrimonio se ha roto a causa de la infidelidad de su esposa con un amigo de él.Aunque ha utilizado como inspiración otros temas como puede ser la política , siempre los ha recreado con cierta ambigüedad que ha lastrado su aceptación por parte del público, a pesar de la calidad de su letra y música de dichas composiciones.

Everybody Knows toca varios temas entre los que destaca su sentido espiritual y parece que trata de forma no explícita, pero si sugerida, en una estrofa del grave problema del sida, conn esa ambigüedad que parece buscada por el propio autor..

En Sisters of Mercy es una canción dedicada el amor auténtico, más basado en lo identificación y comprensión con el otro que en el sexo y que parece haber encontrado en una habitación de hotel con dos mujeres de Edomonton..

Chelsea Hotel #2 relata su aventura con Janis Joplin de un modo poco sentimental.

Discografia, obras y bibliografía

2011-09-06T16:33:00.001+02:00

Discografía

· Songs of Leonard Cohen (1968)

· Songs from a Room (1969)

· Songs of Love and Hate (1971)

· New Skin for the Old Ceremony (1974)

· Death of a Ladies' Man (1977)

· Recent Songs (1979)

· Various Positions (1984)

· I'm Your Man (1988)

· The Future (1992)

· Ten New Songs (2001

· Dear Heather (2004)

Recopilatorios y conciertos

Live Songs (1973)
The best of Leonard Cohen (1975)
More Best of Leonard Cohen (1997)
Live in Concert (1994)
Field Commander Cohen: Tour of 1979 (2001)
The Essential Leonard Cohen (2002)
Live in London (2009)
Live At The Isle Of Wight 1970 (2009)
Songs From The Road (2010)

eReediciones

Songs of Leonard Cohen
Songs from a Room
Songs of Love and Hate

Leonard Cohen en DVD:

Leonard Cohen: I'm Your Man (2005)
Live in London (2009)
Songs From The Road (2010)

Homenajes

Aunque existen más de treinta álbumes en homenaje a Cohen, los más destacables son los siguientes:

I'm Your Fan (1991)
Tower of Song (1995)
Disparen a Cohen (2005)
Leonard Cohen: I'm Your Man (2006)
According to Leonard Cohen / Según Leonard Cohen (2007)

Libros

Let Us Compare Mythologies (poesía), 1956
The Spice-Box of Earth (poesía), 1961
The Favourite Game (novela), 1963
Flowers for Hitler (poesía), 1964
Beautiful Losers (novela), 1966
Parasites of Heaven (poesía), 1966
Selected Poems 1956–1968 (poesía), 1968
The Energy of Slaves (poesía), 1972
Death of a Lady's Man (poesía), 1978
Book of Mercy (poesía), 1984
Stranger Music (poemas y canciones), 1993
Book of Longing (poemas y dibujos), 2006

Libros traducidos

Flores para Hitler, Visor
El libro del anhelo, Lumen
La energía de los esclavos, Visor
La caja de especias de la tierra, Visor
Comparemos mitologías, Visor
Parásitos del paraíso, Visor
Memorias de un mujeriego, Visor
Poemas escogidos + Nuevos poemas, Editorial Plaza y Janés
El libro de los salmos, Editorial Fundamentos
Canciones, Editorial Fundamentos
Canciones II, Editorial Fundamentos
El juego favorito, Editorial Fundamentos
Los hermosos vencidos, Editorial Fundamentos
Un acorde secreto, Editorial Celeste
Canciones y nuevos poemas (parte 1), Editorial Edicomunicaciones
Canciones y nuevos poemas (parte 2), Editorial Edicomunicacione

Obras sobre Leonard Cohen

Abel, David F.: Leonard Cohen, melodía poética. Editorial La Máscara
Manzano, Alberto: Conversaciones con un superviviente. Editorial Lenoir.
Manzano, Alberto: Leonard Cohen. Editorial Unilibro
Manzano, Alberto: Soldado de la vida. Editorial Celeste
Manzano, Alberto: Palabras, poemas y recuerdos de Leonard Cohen. Ediciones Alfabia (2009)
Nadel, Ira: Leonard Cohen. Editorial Cátedra
Vassal, Jacques: Leonard Cohen. Editorial Júcar
(En francés) Tordjman, Gilles: Leonard Cohen. Le Castor Astral (2006)