Alem do Olhar - Fotografia.

Resumo Semanal da fotografia

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 14 Feb 2025 16:49:00 -0300

As Principais Notícias e Tendências no Mundo da Fotografia

Novidade surgem o tempo todo, fique ligado!

Olá, fotógrafos! Sejam bem-vindos ao nosso resumo semanal, onde trazemos as principais notícias, lançamentos e tendências que estão movimentando o mundo da fotografia. Nesta edição, destacamos avanços tecnológicos, lançamentos de equipamentos, tendências criativas e eventos que você não pode perder. Vamos lá!

Lançamentos de Equipamentos: O Que Há de Novo no Mercado

2025 está repleto de lançamentos emocionantes. A Nikon e a Canon estão preparando as câmeras Z8 II e EOS R5 Mark II, respectivamente. Ambas prometem sensores avançados, recursos de IA integrados e estabilização aprimorada, tornando-as ideais para fotógrafos que buscam precisão e desempenho em qualquer situação.

Outro destaque é a evolução dos drones. Modelos como o DJI Neo e o HoverAir X1 ProMax estão incorporando IA para evitar obstáculos e ajustar composições automaticamente, oferecendo novas perspectivas para a fotografia aérea. Esses drones são perfeitos para quem deseja explorar ângulos únicos e criar imagens impressionantes.

Tendências Criativas: O Que Está em Alta

A fotografia autêntica e documental está em alta, com fotógrafos focando em capturar momentos genuínos e espontâneos. Essa tendência é especialmente popular em sessões de família, casamentos e fotografia de rua, onde a emoção e a história por trás da imagem são valorizadas.

O minimalismo também continua a influenciar a fotografia, com ênfase em composições limpas, uso de espaço negativo e cores vibrantes. Essa abordagem cria imagens impactantes e atemporais, perfeitas para redes sociais e portfólios.

E, claro, não podemos ignorar o revival da fotografia analógica. A nostalgia pelas câmeras vintage e técnicas de revelação tradicionais está conquistando corações, com fotógrafos buscando uma estética única e autêntica que só o filme pode oferecer.

Eventos e Destaques: O Que Aconteceu de Importante

Canon teve 62% das câmeras e lentes usadas para fotografar o Super Bowl LIX

A cobertura do Super Bowl LIX foi um marco para a fotografia esportiva, com fotógrafos utilizando equipamentos Canon de última geração para capturar ações rápidas com precisão. Tecnologias de rastreamento inteligente e sensores de alta performance foram essenciais para garantir imagens nítidas e cheias de emoção.

Além disso, a fotografia em Realidade Virtual (VR) está ganhando espaço, oferecendo experiências imersivas que colocam o espectador no centro da cena. Essa tendência é especialmente relevante para fotógrafos de paisagens e eventos, que podem explorar novas formas de contar histórias e engajar o público.

Tecnologia e Inovações: O Futuro da Fotografia

A Inteligência Artificial (IA) continua a revolucionar a fotografia, e 2025 promete ser um ano de grandes avanços. Ferramentas como o Adobe Sensei e o Luminar AI estão automatizando processos de edição, oferecendo sugestões de composição em tempo real e otimizando o fluxo de trabalho. A IA também está sendo integrada diretamente às câmeras, com recursos como rastreamento de sujeitos e ajustes automáticos de exposição, permitindo que fotógrafos se concentrem mais na criatividade do que em aspectos técnicos.

Outro destaque é a fotografia computacional, que está expandindo os limites da captura de imagens. Sensores quânticos e tecnologias avançadas permitem capturar dados além do espectro visível, ampliando a faixa dinâmica e a sensibilidade à luz. Fabricantes como Sony e Samsung estão investindo pesadamente nessa área, com lançamentos promissores previstos para os próximos meses.

E não podemos esquecer da conectividade 6G, que está transformando a maneira como fotógrafos compartilham e colaboram em projetos. Com a capacidade de enviar arquivos RAW de alta resolução em segundos, a 6G facilita sessões remotas e colaborações em tempo real, abrindo novas possibilidades para profissionais e entusiastas.

Dicas para Fotógrafos: Como se Manter à Frente

Explore Ferramentas de IA: Softwares como Luminar AI e Topaz Labs podem otimizar seu fluxo de trabalho, desde a organização até a edição final, permitindo que você se concentre na criatividade.
Invista em Sustentabilidade: Práticas sustentáveis, como o uso de materiais reciclados e a redução de viagens, estão se tornando essenciais para atrair clientes conscientes ambientalmente.

E aí, o que achou das novidades desta semana? Compartilhe suas opiniões nos comentários e não se esqueça de acompanhar nossas próximas atualizações. Até a próxima!

Fontes:

PetaPixel: https://petapixel.com

Digital Photography Review: https://www.dpreview.com

Fstoppers: https://fstoppers.com

Canon Rumors: https://www.canonrumors.com

Nikon Rumors: https://nikonrumors.com

Esperamos que este resumo tenha sido útil para você, fotógrafo! Fique ligado nas próximas edições para mais notícias e dicas. 📸✨

A Verdadeira História por Trás da Fotografia Icônica de David Kirby

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Mon, 20 Jan 2025 10:00:00 -0300

Uma fotografia que se tornou um símbolo da luta contra a AIDS.

David Kirby em seu leito de morte, Ohio, 1990- Teresa Frare

No mundo da fotografia e publicidade, algumas imagens transcendem seu propósito inicial, tornando-se ícones culturais. Uma dessas imagens é a famosa fotografia de David Kirby, que capta seus momentos finais cercado por sua família enquanto sucumbia à AIDS. Esta imagem, frequentemente atribuída erroneamente ao renomado fotógrafo Oliviero Toscani, na verdade, foi capturada por Therese Frare, uma estudante de jornalismo.

Em 1990, Therese Frare, então estudante na Universidade de Ohio, começou a documentar a vida de pacientes com AIDS no hospício Pater Noster House. Foi ali que ela conheceu David Kirby, um ativista gay cuja história de vida e morte tocaria o mundo. Kirby, que havia contraído HIV nos anos 80, escolheu passar seus últimos dias com sua família em Ohio, desejando morrer cercado pelos entes queridos.

A imagem de Kirby, tirada por Frare em seu leito de morte, foi publicada pela primeira vez na revista LIFE em novembro de 1990. A fotografia tornou-se um símbolo poderoso da epidemia de AIDS, destacando não apenas a devastação causada pela doença, mas também a dignidade e o amor inabaláveis de sua família. Esta imagem rapidamente ganhou notoriedade e foi amplamente divulgada em todo o mundo, principalmente após dar à Theresa a 2ª colocação no Photo Contest de 1991, da World Press Photo categoria General News.

A mãe de David Kirby, Kay, segurava uma fotografia de seu filho, tirada pelo fotógrafo de Ohio Art Smith, antes da AIDS -Therese Frare.

Em 1992, a United Colors of Benetton, sob a direção criativa de Oliviero Toscani, usou a fotografia de Frare em uma de suas campanhas publicitárias. Toscani era conhecido por suas campanhas provocativas e ousadas, que abordavam temas sociais importantes. No entanto, a utilização da imagem de Kirby na campanha gerou controvérsias, não só pelo conteúdo sensível, mas também porque muitos passaram a acreditar que Toscani era o autor da fotografia.

Esse equívoco, embora compreensível dado o contexto, obscurece a verdadeira autoria da imagem e a intenção de Therese Frare ao capturá-la. Frare, que sempre respeitou os desejos de Kirby e sua família, permitiu que a imagem fosse usada pela Benetton com a condição de que ela ajudasse a aumentar a conscientização sobre a AIDS, e não para ganho pessoal. Toscani, por sua vez, viu na fotografia uma oportunidade de dar visibilidade à crise da AIDS, alinhando-se com sua abordagem de publicidade como plataforma para discussão social.

David Kirby, Ohio, 1990- Teresa Frare

A campanha da Benetton utilizando a imagem de Kirby exemplifica o poder da fotografia em transcender sua função original e se tornar uma ferramenta de mudança social. No entanto, é crucial que se reconheça e celebre a verdadeira autora dessa imagem icônica. Therese Frare, com sua sensibilidade e respeito pelos retratados, capturou um momento de profunda humanidade que continua a ressoar até hoje.

A fotografia de David Kirby se tornou um marco não apenas na luta contra a AIDS, mas também na história da fotografia documental. Ela destaca a importância de honrar a verdadeira autoria e de entender o contexto em que essas imagens foram criadas. Embora Toscani tenha desempenhado um papel significativo ao trazer a imagem para uma audiência global, a obra de Frare permanece um testemunho de seu talento e compromisso com a verdade.

Ao celebrar a fotografia de Kirby, devemos também reconhecer o impacto duradouro que ela teve na conscientização sobre a AIDS. A imagem ajudou a desestigmatizar a doença, humanizando os pacientes e promovendo a empatia e a compreensão em um momento em que o medo e a ignorância prevaleciam. A colaboração entre Frare e a família Kirby foi fundamental para que essa mensagem fosse transmitida ao mundo.

Finalmente, é essencial que continuemos a discutir e aprender com histórias como a de David Kirby e Therese Frare. Elas nos lembram do poder da fotografia como meio de documentar a realidade, provocar discussões e inspirar mudanças. Ao honrar os verdadeiros autores e entender o contexto de suas obras, podemos apreciar plenamente o impacto de suas contribuições para a arte e a sociedade.

Fotografia utilizada por Oliviero Toscani em campanha da Benetton.

Fontes: LIFE, Correio Braziliense, MidiaMax, Veja, Notícias UOL, SAPO 24

A despedida de um gênio, o fotógrafo Oliviero Toscani

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 17 Jan 2025 11:50:00 -0300

A Importância de Oliviero Toscani na Fotografia e Publicidade

O fotógrafo italiano Oliviero Toscani, que faleceu no dia 13 de janeiro de 2025 aos 82 anos, deixou um legado inestimável na história da fotografia e publicidade. Conhecido por suas campanhas provocativas e inovadoras para a marca Benetton, Toscani transformou a publicidade de moda em um meio para manifestos políticos e sociais. Suas fotografias eram capazes de incitar discussões globais, em um tempo onde não havia internet e as chamadas redes sociais, e desafiar as normas sociais estabelecidas.

Desde os anos 1980, Toscani abordou temas polêmicos como racismo, religião, guerra, anorexia e AIDS em suas imagens, muitas vezes gerando controvérsias e até proibições em diversos países. As imagens, como a de uma mulher negra amamentando uma criança branca (1989), um homem moribundo com AIDS (foto de Therese Frare) e uma freira beijando um padre (1992), são exemplos de como ele usou a fotografia para chamar a atenção para questões sociais importantes. Essas imagens desafiavam a visão tradicional da publicidade, que geralmente evitava confrontar o público com temas tão sensíveis.

Toscani começou sua carreira como fotógrafo profissional ainda jovem, imortalizando momentos históricos como o funeral de Benito Mussolini em 1957. Sua habilidade em capturar a essência de momentos significativos e sua audácia em explorar temas tabu rapidamente o destacaram na indústria. No entanto, foi sua parceria com a Benetton que o projetou internacionalmente, onde ele continuou a desafiar as normas e trazer à tona questões sociais através de suas campanhas publicitárias.

Na Benetton, Toscani alcançou o cargo de diretor de arte, um posto que lhe permitiu exercer um controle criativo significativo sobre as campanhas da marca. Nesse papel, ele foi responsável por definir a direção visual e ética da publicidade da empresa, estabelecendo uma nova era de comunicação visual que combinava arte e ativismo. Sob sua direção, a Benetton tornou-se sinônimo de publicidade ousada e consciente.

Ele sempre defendeu que suas escolhas estéticas e éticas eram políticas, e que a fotografia deveria provocar uma reação, seja de interesse, curiosidade ou atenção. Mesmo enfrentando críticas e proibições, Toscani manteve sua postura, acreditando que a fotografia poderia ser uma ferramenta poderosa para a mudança social. Sua crença na capacidade da arte de transformar percepções e iniciar diálogos foi um dos pilares de sua carreira.

Além de seu trabalho na Benetton, Toscani também se envolveu em outras iniciativas criativas e sociais. Ele fundou a escola de artes "Fabrica" em 1994, um centro de pesquisa em comunicação que continua a apoiar jovens talentos de todo o mundo. Através de Fabrica, Toscani buscou nutrir a próxima geração de criadores, incentivando-os a usar suas habilidades para abordar questões contemporâneas.

Foto de Therese Frare- utilizada por Toscani em campanha para a Benetton

O legado de Toscani é um lembrete de que a arte e a publicidade podem ser mais do que apenas formas de entretenimento ou venda de produtos. Elas podem ser plataformas para discussões importantes e para promover a conscientização sobre questões sociais. Suas campanhas não apenas venderam roupas, mas também instigaram reflexões e debates sobre os problemas que afligem a sociedade.

Seu trabalho continua a inspirar fotógrafos e publicitários ao redor do mundo a usar suas habilidades para fazer a diferença. As imagens poderosas e provocativas de Toscani são um testemunho de seu compromisso inabalável com a justiça social e a liberdade de expressão. Ele mostrou que a fotografia pode ser uma forma de ativismo, capaz de influenciar a opinião pública e fomentar mudanças.

Em suma, Oliviero Toscani não foi apenas um fotógrafo talentoso, mas um visionário que usou sua arte para desafiar o status quo e lutar por um mundo mais consciente e inclusivo. Sua influência permanece viva, lembrando a todos nós do poder transformador da arte.

Fotografia publicada no perfil do Instagran de Toscani

Fontes: Correio Braziliense, MidiaMax, Veja, Notícias UOL, SAPO 24

Prêmio Pulitzer 2024

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Wed, 15 May 2024 10:00:00 -0300

Conflito e Migração: Os Destaques do Pulitzer de Fotografia em 2024

Em 2024, o Pulitzer de Fotografia de Notícias de Última Hora foi para a equipe da Reuters, que documentou o ataque do Hamas em Israel em 7 de outubro de 2023 e as primeiras semanas do conflito em Gaza. Entre as imagens premiadas, está a foto de Mohammed Salem, que capturou uma mulher palestina segurando o corpo de sua sobrinha morta em um ataque israelense. A imagem, já vencedora do World Press Photo of the Year, é um retrato comovente da dor e da devastação causadas pela guerra .

Veja as fotografias aqui

Na categoria Fotografia de Destaque, a Associated Press (AP) foi premiada por um projeto que narrou a migração em massa de colombianos em direção à fronteira dos Estados Unidos. As fotos, capturadas por uma equipe de oito profissionais, mostram a jornada árdua e os desafios enfrentados pelos migrantes. Uma das imagens mais marcantes é a de uma família venezuelana esperando para cruzar o Rio Grande, com um homem entregando flores colhidas no caminho à sua esposa — um momento de humanidade em meio à adversidade .

Veja as fotografias aqui

Esses trabalhos reforçam o papel essencial do fotojornalismo em documentar crises globais e dar voz àqueles que muitas vezes são invisíveis.

Sobre o Pulitizer:

Os Prêmios Pulitzer foram estabelecidos por Joseph Pulitzer, um jornalista húngaro-americano e editor de jornais, que deixou dinheiro para a Universidade de Columbia(NY) após sua morte em 1911. Uma parte de seu legado foi usada para fundar a Escola de Jornalismo em 1912 e estabelecer o Pulitzer Prêmios concedidos pela primeira vez em 1917.

O Conselho do Pulitzer é composto principalmente de jornalistas ou executivos de meios de comunicação de todos os Estados Unidos, bem como acadêmicos ou especialistas em artes.

Fonte: The Pulitizer Prizes
Reuters e a cobertura do conflito em Gaza
AP e a migração colombiana

Prêmio Pulitzer 2023

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 19 May 2023 10:00:00 -0300

Guerra e Humanidade: Os Vencedores do Pulitzer de Fotografia em 2023

A guerra na Ucrânia dominou as manchetes em 2023, e as lentes corajosas dos fotógrafos da Associated Press (AP) capturaram cenas que chocaram o mundo. A equipe, incluindo o brasileiro Felipe Dana, levou o Pulitzer de Fotografia de Notícias de Última Hora com imagens que documentaram os primeiros dias da invasão russa. Entre as fotos premiadas, destaca-se a de uma mulher grávida sendo socorrida após um bombardeio em uma maternidade em Mariupol — uma cena que se tornou símbolo da tragédia humana em meio ao conflito.

Felipe Dana, um dos fotógrafos premiados, destacou-se por sua habilidade em capturar momentos de extrema tensão e humanidade. Nascido no Rio de Janeiro, Dana já havia ganhado reconhecimento internacional por seu trabalho em zonas de conflito, e o Pulitzer de 2023 consolidou sua posição como um dos grandes nomes do fotojornalismo contemporâneo. Suas imagens da Ucrânia não apenas documentaram a guerra, mas também trouxeram à tona a resiliência e a dor de um povo sob ataque .

Veja as fotografias aqui.

Já na categoria Fotografia de Destaque, Christina House, do Los Angeles Times, foi premiada por um trabalho sensível e profundo. Ela acompanhou por quatro anos a vida de Mckenzie Trahan, uma jovem grávida e sem-teto em Los Angeles. As imagens mostram a vulnerabilidade e a luta de Mckenzie, que enfrentou uma infância traumática e uma vida marcada por instabilidade. O projeto humanizou a crise de moradia e destacou a importância de contar histórias que muitas vezes passam despercebidas.

Veja as fotografias aqui.

Esses trabalhos não apenas documentaram momentos críticos, mas também nos lembraram do poder da fotografia para emocionar, conscientizar e inspirar mudanças.

Sobre o Pulitizer:

O Conselho do Pulitzer é composto principalmente de jornalistas ou executivos de meios de comunicação de todos os Estados Unidos, bem como acadêmicos ou especialistas em artes.

Fontes:

Felipe Dana e a cobertura da guerra na Ucrânia

Christina House e a vida nas ruas de Los Angeles

Câmeras DSLR X Mirrorless : as vantagens e desvantagens da mudança de tecnologia.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Mon, 26 Sep 2022 12:00:00 -0300

A tecnologia das câmeras fotográficas está mudando, conheça algumas características desta mudança.

O surgimento da fotografia está diretamente relacionado ao avanço de pesquisas e tecnologias, estas continuam avançando incessantemente, portanto a fotografia também continua avançando.

As câmeras fotográficas, desde que se tornaram um objeto de uso e desejo da população, estão em constante desenvolvimento pela indústria, que ao que parece decidiu: é hora de mudar de sistema.

A concorrência com os smartphones, a crise de componentes devido à pandemia de Covid-19 decretaram esta mudança de sistema, a saída das DSLR e o domínio das Mirrorless.

Podemos falar muito sobre esta mudança, mas a ideia é comentarmos um pouco sobre as características de cada sistema, e pensar nas vantagens e desvantagens de cada um deles, afinal todas as câmeras têm pontos positivos e negativos.

Um pouco do dito aqui, está relacionado com minha experiência com câmeras fotográficas digitais. Comecei a trabalhar com câmeras digitais de 2006, quando trabalhei como técnico de fotografia em uma Universidade, lá utilizava câmeras Nikon DSLR, já utilizava Canon de filme antes, então adquiri minha 1ª reflex digital, uma Canon DSLR desde 2006.

Com o surgimento das câmeras Mirrorless, surgiu a curiosidade sobre o sistema, então adquiri uma Fuji X em 2015.

Conhecendo os dois sistemas:

DSLR

Digital Single Lens Reflex

Câmeras digitais que trocam objetivas e possuem um sistema de espelho móvel para a visualização da imagem no visor.

Se tornou o sistema mais popular entre os fotógrafos

Mirrorless

Câmeras Mirrorless são câmeras sem espelho, pensando no termo todas as câmeras que não são reflex (compactas, superzoom, rangefinder, celular) são Mirrorless.

Mas, o mercado e a indústria atualmente tem classificado como Mirrorless câmeras sem espelho que trocam de objetivas e possuem modos manuais e outros parecidos com os das Reflex.

Apesar de muitas pessoas pensarem que é um sistema novo, estão no mercado desde 2008 com as Micro 4/3 da Panasonic e Olympus. A Sony entrou em 2010 no sistema, Nikon em 2011, a série Fujifilm X também em 2011 (com sensor APS-C) e Canon em 2012.

Corpo: tamanho e peso

Por não ter o sistema de espelho as câmeras Mirrorless podem ser menores e mais leves em comparação às Reflex

O que é uma vantagem para viagens, fotografia de rua, e outras situações onde a portabilidade da câmera é importante

Pode ser uma desvantagem para quem tem mãos grandes

Visor: óptico x eletrônico

O sistema de espelho produz uma imagem real da cena em seu visor óptico (OVF)

As Mirrorless possuem um EVF (eletronic view finder) visor eletrônico, então vemos uma imagem captada pelo sensor, processada pela câmera e projetada em um monitor.

Foco: velocidade x pontos de foco

O sistema de foco das Reflex tem hoje uma grande velocidade, é uma tecnologia madura.

As Mirrorles possuem maior quantidade de pontos de foco, mas, dependendo do modelo são mais lentos, é uma tecnologia em desenvolvimento que vem melhorando e incorporando novas tecnologias como identificação de rosto, de olho, etc

Disparo contínuo:

Sem o sistema de espelho móvel as Mirrorless conseguem velocidades de disparo bem maiores.

Chegado a incríveis 30 fotos por segundo em alguns modelos

Barulho:

A DSLR é barulhenta devido ao sistema de espelhos, já Mirrorless podem ser totalmente silenciosas com o disparo eletrônico

Bateria: duração

Como o sistema está sempre ligado para a captura de imagens, que estão sendo processadas e projetadas no visor eletrônico, que consome bastante energia, a duração das baterias é menor nas Mirrorless.

Além do tamanho reduzido da bateria em modelos mais compactos.

Disponibilidade de objetivas e acessórios

Vantagem para as DSLR que estão há mais tempo no mercado, por exemplo: a linha de objetivas EF Canon foi lançada em 1987.

Mais opções de lentes nas DSLR.

Tanto que é comum ver utilizadores de câmeras Sony com objetivas Canon.

E a Canon ao lançar o as Mirrorless do sistema R, lançou um adaptador próprio RF para os sistemas de lentes EF e EF-S.

Tecnologia

As câmeras Mirrorless tem tecnologia mais nova, portanto com maiores possibilidades futuras.

Já as DSLR tem uma tecnologia madura, portanto confiável e estável.

Modo de vídeo

Nas DSLR o sistema de espelho tem que ficar travado para utilização do modo de video.

Nas Mirroless o sistema já está mais pronto para o vídeo, então os fabricantes tem adicionados nestas os sistemas de vídeo mais modernos.

Marcas

Principais fabricantes: Canon, Sony, Fuji, Nikon

Canon linha R

Sony linha Alpha

Fuji linhas X e GFX (médio formato digital)

Nikon linha Z

Conclusão

Costumo dizer que: A melhor câmera é aquela que você tem, sabe utilizar e se sente seguro e confortável utilizado.

Para quem decidir iniciar por um equipamento mais moderno vá de Mirrorless, mas não esqueça de uma 2ª bateria e adaptadores para objetivas.

Quem já tem DSLR não precisa de pressa para esta transição, elas ainda têm seu espaço garantido por um tempo.

Curiosidade

As câmeras do World Press Photo 2022

Analisando um levantamento das câmeras utilizadas pelos vencedores do o World Press Photo, podemos ter uma ideia do ritmo desta mudança de sistema.

Entre as câmeras utilizadas pelos fotojornalistas premiados, a Canon continua liderando com seu sistema EOS.

As DSLRs ainda são quase 60%, mesmo diante do avanço das Mirrorless

Veja aqui.

Assista o vídeo sobre o assunto feito para o canal da FullFrame Escola de Fotografia:

Festival Interfoto Itu 2022

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Tue, 26 Jul 2022 12:00:00 -0300

Festival de fotografia em Itu-SP, volta a ser presencial neste ano, tendo o Retrato como tema principal.

A cidade de Itu, no interior Paulista, volta a se transforma na capital da fotografia nesta semana, após dois anos diferenciados devido á pandemia da covid-19, o festival Interfoto volta ao seu formato tradicional presencial.

Tendo como tema principal um dos assuntos mais explorados ao longo da história da fotografia, O Retrato será o fio condutor das exposições, palestras, workshops e encontros do festival de 2022.

O festival vem se consolidando no panorama da fotografia brasileira, como um encontro singular entre nomes consagrados e novos talentos da fotografia.

Exposição do Interfoto de 2018.

Exposições de 2022

“Janelas da Alma”- imagens do fotógrafo Juca Ferreira

"Faces do retrato"- Exposição coletiva com trabalhos selecionados através da convocatória do festival.

"Alquimia fotográfica"- os fotógrafos desta mostra utilizaram das mais variadas técnicas, suportes, combinações e fórmulas para chegar aos resultados apresentados.

"Retrato- A figuração humana"- Tendo a figura humana representada das mais diversas técnicas, olhares e estilos, a diversidade que caracteriza a produção do fotoclube Bulf f/22 apresentará o trabalho de 12 de seus integrantes.

"Paisagens humanas"- mostra do fotógrafo Antonio Neto, traz o vínculo retratista e retratado

"Cores Nyotas"- a fotógrafa Pola Fernandez, compartilha o seu cotidiano de trabalho com um grupo de mulheres negras auto identificadas como Mulheres Nyotas.

"Faces do retrato"- exposição traz trabalhos de artistas convidados.

"Quando me converti a arte- As Marias"- fotos de Tina Gomes.

*"O ato fotográfico acessível"- apresenta retratos de pessoas com deficiência representando diferentes áreas da cultura

Os visitantes poderão conferir as exposições gratuitamente, assim como as outras atividades que integram a programação do festival.

Além das exposições, também acontecerão Workshops e Palestras durante todo o festival, veja toda a programação no site do festival.

Veja a programação completa: InterFoto

Nós do Além do Olhar também estaremos por lá, nos vemos em Itu!

InterFoto Itu 2022

Quando: de 27 a 31 de julho
Horários:
dia 27 – das 14h às 19h;
dias 28 e 29 – das 10h às 20h;
dia 30 – das 9h às 20h30;
dia 31 – das 9h30 às 16h.

Onde: Espaço Fábrica São Luiz
Endereço: Rua Paula Souza, 492, no Centro de Itu

Formato: presencial
Entrada: gratuita

*A exposição “O ato fotográfico acessível, subversivo e sua transversalidade cultural“, estará exposta no Museu da Energia Itu: Rua Paula Souza, 669 – Centro – Itu – Entrada gratuita. (Visitação das 10h às 16h30)

Prêmio Pulitzer 2022

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Tue, 10 May 2022 12:00:00 -0300

Anunciados os vencedores do Prêmio Pulitzer 2022.

O Prêmio Pulitzer, premiação mais importante do jornalismo, literatura e artes norte-americano, realizado pela Columbia University, teve o anuncio de seus vencedores da edição de 2022.

A premiação inclui duas categorias de fotografia, neste ano foram concedidos 3 prêmios, sendo 2 na categoria Breaking News Photography e 1 na categoria Feature Photography. Os vencedores de 2022 são:

Vencedor do Prêmio Pulitzer de 2022 em Feature Photography.

Adnan Abidi, Sanna Irshad Mattoo, Amit Dave e o falecido dinamarquês Siddiqui da Reuters

Para imagens do contagio de COVID na Índia que equilibram intimidade e devastação, oferecendo aos espectadores uma maior sensação de lugar.

Veja todas as imagens aqui.

Vencedor do Prêmio Pulitzer de 2022 em Breaking News Photography

Marcus Yam do Los Angeles Times

Por imagens cruas e urgentes da saída dos EUA do Afeganistão que capturam o custo humano da mudança histórica no país.

Veja todas as imagens aqui.

Vencedor do Prêmio Pulitzer de 2022 em Breaking News Photography

Win McNamee, Drew Angerer, Spencer Platt, Samuel Corum e Jon Cherry da Getty Images

Para fotos abrangentes e consistentemente fascinantes do ataque ao Capitólio dos EUA.

Veja todas as imagens aqui.

Sobre o Pulitizer:

O Conselho do Pulitzer é composto principalmente de jornalistas ou executivos de meios de comunicação de todos os Estados Unidos, bem como acadêmicos ou especialistas em artes.

Fonte: The Pulitizer Prizes

Exposição: WALTER FIRMO no verbo do silêncio a síntese do grito.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Mon, 2 May 2022 12:00:00 -0300

Exposição trás imagens inéditas de Walter Firmo ao publico no IMS-SP.

Walter Firmo incorporou desde cedo em sua fotografia a construção de linguagem que busca a elaboração de sentido através de imagens dirigidas e encenadas, tendo como essência uma consciência de origem – racial, social e cultural –, amalgamada a um desejo de questionar os cânones da fotografia documental e do fotojornalismo.

Documentou inúmeras regiões do país enaltecendo seus personagens, sobretudo os negros, e múltiplas manifestações culturais e religiosas, além de retratos icônicos de grandes nomes da música popular. Foi nesse contexto, portanto, que se construiu a obra de Walter Firmo: P&B e cor se entrecruzando na trajetória em busca por construções imagéticas que trabalhem o tema central de sua obra – a sua negra cor –, aquela que tece “no verbo do silêncio a síntese do grito”.

Walter Firmo

Nascido em 1º de junho de 1937 no Rio de Janeiro, Walter Firmo conta que desde garoto sonhava em fotografar. Ingressou no fotojornalismo em 1955, como aprendiz, no jornal Última Hora, e não parou mais. Trabalhou em diversos jornais e revistas e construiu uma carreira longeva, reconhecida por prêmios. Um deles foi o Esso de Reportagem, em 1963, conquistado por “Cem dias na Amazônia de ninguém”, matéria publicada no Jornal do Brasil com fotos e texto seus. Chamado de “mestre da cor”, Firmo é autor de retratos memoráveis de ícones da música brasileira como Pixinguinha, Dona Ivone Lara, Cartola. Outra vertente bastante conhecida de seu trabalho são as imagens de festas populares registradas por todo o Brasil, do carnaval do Rio de Janeiro ao bumba-meu-boi no Maranhão. Desde 2018 o IMS abriga, em regime de comodato, aproximadamente 155 mil fotos feitas por Firmo ao longo de várias décadas.

WALTER FIRMO no verbo do silêncio a síntese do grito.

IMS Paulista- Galeria 3 - 8º andar

Avenida Paulista, 2424 - São Paulo/SP

Entrada gratuita

30/4 a 11/9/2022

Terça a domingo e feriados (exceto segunda) das 10h às 20h.

Fonte: Instituto Moreira Sales

As câmeras do World Press Photo 2022

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Tue, 12 Apr 2022 12:00:00 -0300

Entre as câmeras utilizadas pelos fotojornalistas premiados, a Canon continua liderando com seu sistema EOS, mesmo diante do avança das mirrorless.

11 câmeras Canon, 5 Nikon, 3 Sony, 2 Fuji e uma Leica.

Mais um ano o site espanhol Photolari fez o levantamento das câmeras utilizadas pelos vencedores do o World Press Photo e que supostamente são os melhores fotojornalistas do mundo.

Os resultados deste ano tem uma ressalva: como o concurso mudou sua estrutura de premiação, reduzindo o número de categorias e vencedores, além da falta de dados sobre algumas fotos tornam dificil a comparação com os anos anteriores.

Mas este levantamento, embora curioso, sempre nos leva à uma pergunta: as câmeras usadas realmente importam?

Sabendo que a resposta à esta pergunta é: claro que a câmera não importa. Esta análise com suas figuras e gráficos é mais um exercício de curiosidade do que qualquer outra coisa.

Ver a evolução do uso de marcas entre os repórteres, verificar se as mirrorless estão ganhando espaço ou encontrar as raridades que entram na lista todos os anos parecia uma pista interessante para ver como o mercado estava se saindo em um setor muito específico.

Uma onde, a propósito, o modelo mais recente do mercado raramente é estilizado e onde câmeras com alguns anos atrás geralmente são bem-sucedidas. Mais uma prova de que a câmera não importa muito ou que não há dinheiro para renová-la com a frequência que muitos gostariam.

Também deve-se ter em mente que o desaparecimento da categoria esportiva significa que câmeras profissionais especialmente rápidas, que sempre tiveram um grande papel nessa contagem, são removidas da lista.

Canon, a mais usada

As DSLRs ainda são mais de 50%, mas as mirrorless (8 de 22) também avançaram nesse campo.

O fato é que nesta edição de 2022, dos 24 vencedores regionais -ou finalistas para vencedores globais- há dados mais ou menos claros sobre 22 deles.

No caso da série, como é a norma da casa, ficamos com o modelo mais usado, que deixa de fora o drone DJI usado por Lalo de Almeida e um modesto Huawei P10 que aparece entre o material do fotógrafo Rehab Eldalil

Entre aquelas para as quais há informação, a Canon volta a ser a marca mais utilizada e a gama EOS 5D é a rainha absoluta. Dos 18 trabalhos de que há informação, 11 são feitos com câmeras Canon e sete deles com alguns 5D de diferentes gerações.

Entre elas, a foto de Amber Bracken escolhida como World Press Photo of the Year 2022 e tirada com uma Canon EOS 5D Mark IV.

A Nikon é a segunda neste ranking, com cinco câmeras, incluindo a simples D3200 que Vladimir Encina usou para sua reportagem. A terceira é a Sony, com um A7 III e alguns A7R IIIs.

Apesar dessa presença da Sony, algumas Canon R5, uma Nikon Z7 e uma veterana Fujifilm X-T2, as mirrorless ainda são minoria. Mas pela primeira vez eles estão um pouco perto de um empate com as DSLRs são 13 de 22, em comparação com 8 sem espelho .

Ainda mais se enganarmos um pouco e contarmos como mirrorless a Leica M10 usada por Nanna Heittmann, que também usou câmeras de filme e uma Canon R5 para sua reportagem.

Pelo menos de acordo com os dados publicados pelo The Phoblographer, que também se inscreveu este ano para tirar a calculadora e ver as câmeras World Press Photo.

Continuando com a busca pelo mais exótico desta edição, além da Leica e das câmeras de filme, uma Fujifilm GFX50S está incluída na lista como a única câmera de médio formato utilizada pelos vencedores regionais e globais.

Fonte: Photolari

Os vencedores do World Press Photo 2022

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 8 Apr 2022 12:13:00 -0300

Anunciados os vencedores globais do Concurso de 2022 do World Press Photo

“Juntos, os vencedores globais prestam homenagem ao passado enquanto habitam o presente e olham para o futuro”

A World Press Photo Foundation apresentou os quatro vencedores globais do World Press Photo Contest 2022. Um júri independente selecionou as fotografias e histórias premiadas dos vencedores regionais anunciados em 24 de março de 2022 , escolhidos entre dezenas de milhares de fotografias inscritas.

A obra premiada nos convida a sair do ciclo das notícias e refletir sobre os efeitos devastadores da colonização e a importância de preservar o conhecimento indígena.

A presidente do júri global, Rena Effendi: “As histórias e fotografias dos vencedores globais estão interconectadas. Todos os quatro, em suas próprias maneiras únicas, abordam as consequências da corrida da humanidade pelo progresso e seus efeitos devastadores em nosso planeta. Esses projetos não apenas refletem sobre a urgência imediata da crise climática, mas também nos dão uma visão de possíveis soluções”.

Ela acrescenta: “Juntos, os vencedores globais prestam homenagem ao passado enquanto habitam o presente e olham para o futuro”.

Apresentando os vencedores:

World Press Photo of the Year

Kamloops Residential School
Amber Bracken, para o The New York Times

Pela primeira vez nos 67 anos de história da World Press Photo, a World Press Photo of the Year é uma fotografia sem nenhuma pessoa nela.

A fotografia de Amber Bracken comemora as crianças que morreram na Kamloops Indian Residential School, uma instituição criada para assimilar crianças indígenas, após a detecção de até 215 sepulturas sem identificação em Kamloops, British Columbia.

Effendi disse sobre a fotografia: “Este é um momento tranquilo de avaliação global da história da colonização, não apenas no Canadá, mas em todo o mundo”.

As escolas residenciais começaram a funcionar no século 19 como parte de uma política de assimilação de pessoas de várias comunidades indígenas na cultura ocidental e predominantemente cristã. Mais de 150.000 crianças passaram pelas portas das escolas residenciais e pelo menos 4.100 alunos morreram enquanto estavam nas escolas, como resultado de maus-tratos, negligência, doença ou acidente.

Bracken disse sobre sua fotografia: “A história colonial não é uma história antiga [...] esta é uma história viva com a qual os sobreviventes ainda estão lutando. Se queremos falar sobre reconciliação ou cura, precisamos realmente manter e honrar o coração que ainda existe lá.”

A história ganhou relevância novamente este mês, quando o Papa Francisco pediu desculpas a uma delegação canadense das Primeiras Nações pelo papel da Igreja Católica no sistema de escolas residenciais do país.

O Papa Francisco disse durante um discurso no Vaticano: “Sinto tristeza e vergonha – pelo papel que vários católicos, particularmente aqueles com responsabilidades educacionais, tiveram em todas essas coisas que o feriram, nos abusos que você sofreu e na falta de respeito pela sua identidade, sua cultura e até seus valores espirituais. Todas essas coisas são contrárias ao Evangelho de Jesus Cristo. Pela conduta deplorável desses membros da Igreja Católica, peço perdão a Deus e quero dizer a vocês de todo o coração: sinto muito”.

Bracken é a quinta mulher vencedora da World Press Photo of the Year. Seu trabalho recente se concentrou no legado contínuo de trauma intergeracional de escolas residenciais para jovens Cree e Metis, reocupação Wet'suwet'en e lutas por direitos à terra, a super-representação de indígenas desabrigados deslocados em seus territórios históricos e interrogando o impacto de raça em sua própria família.

Saiba mais sobre a fotografia

World Press Photo História do Ano

Salvando Florestas com Fogo
Matthew Abbott, para National Geographic /Panos Pictures

Em 2021, os incêndios devastaram diferentes partes do planeta, da Grécia à Sibéria . Saving Forests with Fire , de Matthew Abbott, mostra como o povo Nawarddeken, os proprietários tradicionais de West Arnhem Land, no norte da Austrália, convive e usa estrategicamente o fogo para proteger seu meio ambiente.

Matthew Abbott, o fotógrafo, disse: “Esta história remonta a muito tempo. Em 2008, eu morava e trabalhava em Arnhem Land e fui convidado para uma caminhada na mata com o povo de Nawarddeken. Foi lá que os conheci pela primeira vez e aprendi como eles estavam cuidando de seu país. Mais de 10 anos depois, voltei, desta vez com a National Geographic, para trabalhar em uma história sobre como o povo Nawarddeken está queimando estrategicamente suas terras para evitar incêndios florestais destrutivos e como esse processo está realmente ajudando a salvar o meio ambiente.”

O fotógrafo seguiu os guardas florestais de Warddeken e sua prática conhecida como queima fria, na qual os incêndios se movem lentamente, queimam apenas a vegetação rasteira e removem o acúmulo de combustível que alimenta as chamas maiores. Como resultado, essas queimadas tradicionais evitam que incêndios maiores e mais destrutivos ocorram nos meses mais quentes e secos do ano.

O povo Nawarddeken vê o fogo como uma forma de rejuvenescer a terra e usá-lo como uma ferramenta para administrar sua terra natal de 1,39 milhão de hectares. Os guardas da Warddeken usam o conhecimento tradicional e o combinam com tecnologias contemporâneas, como queima aérea e mapeamento digital para evitar incêndios florestais. Ao fazer isso, eles diminuíram com sucesso a quantidade de CO2 que aquece o clima.

A presidente do júri global, Rena Effendi, sobre esta história: "Foi tão bem montada que você não consegue nem pensar nas imagens de maneiras diferentes. Você olha para ela como um todo, e foi uma narrativa perfeita".

Matthew Abbott é reconhecido por fotografar histórias sociais, culturais e políticas que cobrem a Austrália suburbana e regional contemporânea. Abbott está interessado em contar histórias íntimas, iluminando momentos tranquilos que geralmente não são vistos. Ele acredita que contar histórias funciona melhor quando se trata de uma conexão próxima com seus assuntos.

Veja a história completa

Prêmio World Press Photo Projeto de Longa Duração

Distopia Amazônica
Lalo de Almeida, pela Folha de São Paulo /Panos Pictures

Pela primeira vez, como parte de nosso modelo regional, o Prêmio Projeto de Longo Prazo reconhece histórias que fornecem uma visão de longo prazo de uma questão específica.

Com mais de 12 anos, a Distopia Amazônica de Lalo de Almeida investiga os efeitos sociais, políticos e ambientais do desmatamento, mineração e exploração de recursos na Amazônia brasileira.

Desde 2019, a devastação da Amazônia brasileira está em seu ritmo mais rápido em uma década. A exploração da Amazônia não só tem efeitos devastadores sobre o ecossistema amazônico, com sua extraordinária biodiversidade, mas também uma série de impactos sociais, principalmente sobre as comunidades indígenas que são obrigadas a lidar com a degradação significativa de seu meio ambiente, bem como sua forma de vida.

Lalo de Almeida, o fotógrafo, disse: “Não dá para separar as questões ambientais e sociais como se fossem duas coisas diferentes. Você vê que a maioria das cidades que têm altos níveis de desmatamento, também têm os mais altos níveis de pobreza. Então, esses são elementos que estão completamente conectados: pobreza, violência, degradação ambiental e desmatamento.”

A regulamentação e a fiscalização da conservação foram erodidas sob a administração do presidente brasileiro Jair Bolsonaro. O presidente incentiva a agricultura e a mineração em áreas protegidas, argumentando que isso combaterá a pobreza. Além disso, grandes esquemas de infraestrutura foram construídos. Bolsonaro frequentemente se manifesta contra as medidas de proteção ambiental e faz comentários minando as tentativas dos tribunais brasileiros de punir os infratores. Ambientalistas dizem que isso está incentivando o desmatamento e criando um clima de impunidade.

Rena Effendi sobre por que este projeto foi selecionado: “A Distopia Amazônica revela uma infinidade de resultados desastrosos da exploração da terra e dos recursos naturais – o impacto de decisões míopes impulsionadas pela ganância e aplicadas por aqueles que estão no poder sem qualquer consideração pelo futuro do planeta.”

Lalo de Almeida trabalha para a Folha de São Paulo há 27 anos enquanto produz outros projetos documentais, incluindo O Homem e a Terra, sobre populações tradicionais brasileiras e sua relação com o meio ambiente.

Veja a história completa

World Press Photo Open Format Award

Blood is a Seed
Isadora Romero

O primeiro World Press Photo Open Format Global Award foi para a contadora de histórias visual equatoriana Isadora Romero por seu vídeo Blood is a Seed (La Sangre Es Una Semilla) .

Rena Effendi disse sobre o vídeo: “O vencedor do Open Format Award, Blood is a Seed, aborda as consequências da colonização, erradicação da cultura e perda de patrimônio, enquanto reivindica práticas agrícolas tradicionais em um ato de resistência”.

Em uma viagem à aldeia ancestral de sua família de Une, Cundinamarca, Colômbia, Romero espera aprender sobre sua história e explorar as memórias esquecidas da terra e das plantações, e sobre seu avô e bisavó que foram 'guardiões de sementes' e cultivaram vários variedades de batata, das quais apenas duas ainda existem principalmente.

Através da história pessoal da família de Romero, o projeto questiona o desaparecimento de sementes, a migração forçada, o racismo, a colonização e a consequente perda de conhecimento ancestral. Durante o século 20, 75% da diversidade genética de plantas agrícolas foi perdida globalmente. A principal força motriz do declínio da agrobiodiversidade é o impulso para o cultivo de monoculturas de variedades modificadas e muitas vezes não nativas, para culturas de maior rendimento.

Romero explica: “Perder diversidade e variedades de sementes não está apenas nos afetando como comunidade porque estamos perdendo nutrientes e provavelmente algumas espécies especiais desaparecerão completamente. A memória cultural também está se perdendo. Esse conhecimento foi passado de geração em geração, e esse conhecimento geralmente não é validado pela comunidade científica ocidental. Acho muito importante entender como estamos perdendo essa memória.”

O vídeo é composto por fotografias digitais e em filme, algumas das quais foram tiradas em filme 35mm vencido e posteriormente desenhadas pelo pai de Romero. Embora o projeto seja uma exploração do passado, ele se envolve com técnicas contemporâneas – brincando com os paralelos entre códigos genéticos e códigos binários de fotografias digitais – a fim de preservar esse conhecimento antigo para o futuro.

Isadora Romero se interessa por questões sociais, de gênero e ambientais. Seus ensaios visuais, explorando a fronteira entre arte e fotojornalismo, buscam diferentes abordagens utilizando diversas ferramentas narrativas.

Assista o vídeo aqui

Exposição Mundial de Fotos da Imprensa 2022

As fotografias, histórias e produções premiadas serão estreadas no De Nieuwe Kerk em Amsterdã, na Holanda, em 15 de abril, antes de iniciar a turnê global da exposição. As próximas exposições são confirmadas e adicionadas ao calendário ao longo do ano.

Parabenizamos os vencedores e agradecemos a todos os fotógrafos documentais e fotojornalistas de todo o mundo que participaram este ano.

Fonte: World Press Photo Foundation

Os vencedores regionais do World Press Photo Contest 2022

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 25 Mar 2022 12:00:00 -0300

A World Press Photo Foundation apresentou os vencedores regionais do World Press Photo Contest 2022.

Em cada uma das seis regiões do novo modelo de concurso, uma seleção de inscrições por categoria foi feita primeiro por júris regionais, dos quais o júri global selecionou 24 vencedores regionais e seis menções honrosas.

Escolhidos entre 64.823 inscrições de 4.066 fotógrafos de 130 países, os vencedores regionais do Concurso de 2022 são 24 fotógrafos de 23 países: Argentina, Austrália, Canadá, Colômbia, Bangladesh, Brasil, Equador, Egito, França, Alemanha, Grécia, Índia, Indonésia, Japão, Madagascar, México, Holanda, Nigéria, Noruega, Palestina, Rússia, Sudão e Tailândia.

Fornecendo uma variedade de perspectivas de todos os cantos do globo, as obras premiadas apresentam histórias corajosas, insights inestimáveis e uma diversidade de interpretações – dos efeitos inegáveis da crise climática aos movimentos pelos direitos civis, e do acesso à educação à preservação de práticas indígenas e identidade. Em mais um ano transformador para o mundo, a maioria dos vencedores do World Press Photo Contest 2022 também contam as histórias de quem se relaciona com eles, com 19 dos 24 projetos premiados contados por fotógrafos do país e/ou comunidade em que sua história é de.

Veja a coleção de fotos e histórias premiadas pelo Concurso 2022

África

“Tivemos uma gama muito diversificada de tópicos que foram destacados – histórias sobre os protestos no Sudão, a guerra civil na Etiópia e como os jovens estão nas ruas lutando para proteger a democracia.” – N'Goné Fall, Senegal, curador independente e presidente do júri do Concurso África 2022

Para a região da África, o júri do World Press Photo Contest 2022 premiou:

Únicas

Protestos no Sudão por Faiz Abubakr Mohamed, Sudão

Histórias

Medo de ir à escola por Sodiq Adelakun Adekola, Nigéria, Agence France-Presse

Projetos de Longo Prazo

A Guerra Zebu por Rijasolo, Madagascar/França, Riva Press

Formato Aberto

A saudade do estranho cujo caminho foi quebrado por Rehab Eldalil , Egito

O júri também nomeou uma Menção Honrosa para:

Searching for Peace Amidst Chaos por Amanuel Sileshi, Etiópia, Agence France-Presse

Descubra todos os projetos premiados da África

Ásia

“Cada um desses continentes traz muitos problemas que também têm conectividade global… Esta edição em particular nos levará a uma visão totalmente nova sobre muitas abordagens visuais e narrativas diferentes.” – Tanzim Wahab, Bangladesh, diretor do Chobi Mela International Photography Festival e presidente do júri do Concurso Ásia 2022

Para a região da Ásia, o júri do World Press Photo Contest 2022 premiou:

Únicas

Crianças Palestinas em Gaza por Fatima Shbair, Palestina, Getty Images

Histórias

O Cinema de Cabul por Bram Janssen, Holanda, The Associated Press

Projetos de Longo Prazo

Fronteiras: Conflito Humano-Tigre por Senthil Kumaran, Índia

Formato Aberto

Caso Azul de Kosuke Okahara, Japão

O júri também nomeou uma Menção Honrosa para:

Endless War por Dar Yasin, Índia, The Associated Press

Descubra todos os projetos premiados da Ásia

Europa

“Buscava a qualidade visual e a relevância do tema – o que estava nas imagens. Também estava procurando uma forma inovadora de contar histórias e fico feliz em ver o empenho do fotógrafo também.” – Simona Ghizzoni, Itália, fotógrafa, artista e ativista pelos direitos das mulheres e presidente do júri do 2022 Contest Europe

Para a região Europa, o júri do World Press Photo Contest 2022 premiou:

Únicas

Evia Island Wildfire por Konstantinos Tsakalidis, Grécia, para Bloomberg News

Histórias

Como Frozen Land Burns por Nanna Heitmann, Rússia/Alemanha, Magnum Photos

Projetos de Longo Prazo

Ucrânia Crise por Guillaume Herbaut, França, Agence VU'

Formato Aberto

O Livro de Veles por Jonas Bendiksen, Noruega

O júri também nomeou uma Menção Honrosa para:

M+T por Mary Gelman, Rússia

Descubra todos os projetos premiados da Europa

América do Norte e Central

“Tem sido muito interessante ter essas discussões sobre pensamento crítico, sobre fotografia e as questões que estamos cobrindo hoje, como isso é relevante e o que podemos fazer para contribuir com essa narrativa de maneira significativa.” – Clare Vander Meersch, Canadá, editora de fotos, The Globe and Mail, membro fundador, Magenta Foundation e presidente do júri do Concurso América do Norte e Central de 2022

Para a região da América do Norte e Central, o júri do World Press Photo Contest 2022 premiou:

Únicas

Kamloops Residential School por Amber Bracken, Canadá, para o The New York Times

Histórias

As pessoas que alimentam os Estados Unidos por Ismail Ferdous, Bangladesh, Agence VU'

Projetos de Longo Prazo

Ano Político Zero por Louie Palu, Canadá

Formato Aberto

A Flor do Tempo. Montanha Vermelha de Guerrero por Yael Martínez, México

O júri também nomeou uma Menção Honrosa para:

Em meio a altas taxas de mortalidade, mulheres negras se voltam para parteiras por Sarah Rengewirtz, Estados Unidos, para Los Angeles Daily News e Southern California News Group

Conheça todos os projetos premiados da América do Norte e Central

América do Sul

“Uma das minhas maiores expectativas era que cada uma das regiões tivesse a chance de falar sozinha – essas histórias vão ser contadas, vão ter um espaço para publicar em livro, estar em um exibição. Com este modelo regional, podemos dar voz a cada um dos continentes a serem representados.” – Ernesto Benavides, Peru, fotógrafo documental e presidente do júri do Concurso América do Sul 2022

Para a região América do Sul, o júri do World Press Photo Contest 2022 premiou:

Únicas

Despejo de San Isidro Settlement por Vladimir Encina, Colômbia

Histórias

A Promessa de Irina Werning, Argentina, Pulitzer Center

Projetos de Longo Prazo

Amazonian Dystopia por Lalo de Almeida, Brasil, para Folha de São Paulo /Panos Pictures

Formato Aberto

Blood is a Seed por Isadora Romero, Equador

O júri também nomeou uma Menção Honrosa para:

Retrato de Ausência de Viviana Peretti, Itália

Conheça todos os projetos premiados da América do Sul

Sudeste Asiático e Oceania

“Vimos muitos documentários pessoais sendo lançados, o que foi muito bom para nos dar uma visão íntima da vida das pessoas, mas também tivemos muitas histórias sobre a destruição ambiental pelo homem e seu impacto, o golpe de estado em Mianmar e os protestos em andamento na Tailândia também e, claro, as consequências contínuas do COVID em toda a região.” – Jessica Lim, Cingapura, diretora do Angkor Photo Festival & Workshops e presidente do júri do Concurso 2022 Sudeste Asiático e Oceania

Para a região Sudeste Asiático e Oceania, o júri do World Press Photo Contest 2022 premiou:

Únicas

Estilingues de singles por Anonymous, para o The New York Times

Histórias

Salvando Florestas com Fogo por Matthew Abbott, Austrália, para National Geographic /Panos Pictures

Projetos de Longo Prazo

Haze por Abriansyah Liberto, Indonésia

Formato Aberto

A Vontade de Recordar por Charinthorn Rachurutchata, Tailândia

O júri também nomeou uma Menção Honrosa para:

Uprising in Myanmar by Ta Mwe, Myanmar, Sacca Photo

Conheça todos os projetos premiados do Sudeste Asiático e Oceania

Vencedores globais serão anunciados em 7 de abril

Selecionados entre os vencedores regionais em cada categoria, os vencedores globais do Concurso de 2022 – o World Press Photo of the Year, o World Press Photo Story of the Year, o World Press Photo Long-Term Project Award e o World Press Photo Open Format Award – será anunciado em 7 de abril. Os prêmios globais têm um prêmio em dinheiro adicional de 5.000 euros.

Fonte: World Press Photo Foundation

Fotoclube Bulb f/22 lança novo impresso.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 4 Mar 2022 12:00:00 -0300

O Fotoclube Bulb f/22 lança o 2022(vintevintedois) seu novo impresso.

O Fotoclube Bulb f/22, é um grupo independente em atividade desde 2015, que tem como proposta a discussão e produção de fotografia autoral.

Após um período difícil para todos, de uma pandemia que ainda não acabou, mas que após as vacinas vem sendo amenizada, o Fotoclube Bulb f/22 retornou em 2021 as suas atividades, com as devidas adaptações necessárias.

Os eventos de fotografia foram virtuais ou híbridos neste período, os encontros através da tela, a experiência ficou distante, quase vazia. O “distanciamento social” foi parte da solução, mas criou um abismo entre nós pessoas, muitas vezes entre nosso corpo e mente, também sobrevivemos a essa distância física. 2022 é o ano do ressurgimento.

Os 12 fotógrafos participantes do 2022.

Para este "novo começo" o resultado é a publicação de um novo material impresso, diferente da Revista 22, que já teve 3 edições, o impresso 2022(vintevintedois) contou com um grupo de 12 fotógrafos sobreviventes, resilientes, que se superaram e colocaram em prática uma dinâmica mais próxima do normal que foi possível. O que comprovou a união e a força do conjunto.

O Fotoclube Bulb f/22 fará um evento para o lançamento, afinal é hora de ressurgir e retomar a vida presencialmente. O evento, onde a publicação poderá ser adquirida, contará com música e bar ao ar livre, acontecerá na Rua Simão Álvares, 107 - Pinheiros, próximo do metrô Fradique Coutinho, no dia 05/03/2022 a partir das 16h.

Foto: Márcio Neves

Lançameto 2022(vintevintedois)

Novo impresso do fotoclube Bulb f/22.

Rua Simão Álvares, 107 - Pinheiros, próximo do metrô Fradique Coutinho

Dia 05/03 a partir das 16h.

Beco Visceral Galeria, a primeira galeria de fotografia na favela.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 18 Feb 2022 11:19:00 -0300

A favela de Paraisópolis, uma das maiores comunidades do pais, agora tem uma galeria dedicada à fotografia.

Foto: Marcela Novais

Uma das maiores comunidade de São Paulo, a favela de Paraisópolis, agora tem sua galeria de fotografia, a Beco Visceral Galeria. Idealizada por Marcela Novais fotografa e moradora da comunidade, que criou o “Coletivo Beco Visceral”.

A galeria teve uma pré-inauguração na ultima comemoração do "Dia da Favela" organizado pela CUFA (Central Única das Favelas).

Agora a Galeria abre seus trabalho do ano de 2022 com a exposição do projeto "Um rolê no Paraíso"

Foto: Luiz Dellunna

UM ROLÊ NO PARAISO

O objetivo do projeto é proporcionar para os moradores uma visão artística sobre a Favela, usando a fotografia como forma de expressão. E através da abertura do espaço Beco Visceral, junto com a plataforma virtual Beco Visceral Galeria, aproximar fotógrafos (as) e comunidade, criando um espaço de divulgação, acessos e trocas.

Foto: Thamiris Paula

O projeto, tem como proposta trazer novos ângulos e olhares sobre a comunidade de Paraisópolis através da fotografia.

A mostra conta com obras de fotógrafos (as) periféricos (as), para compor a “Exposição: Um rolê no Paraíso”. As fotos passaram por um edital de seleção onde devem retratar aspectos de Paraisópolis.

Também irão acontecer no espaço atividades artísticas, realização de oficinas culturais, apresentações, rodas e trocas de experiências sobre o universo da fotografia na periferia. Todas as atividades serão abertas ao público, o que proporcionará aos moradores e visitantes contato com obras fotográficas que retratam os becos, vielas, casas, escadas, pessoas, partes e espaços da realidade que é Paraisópolis, possibilitando também o contato com emoções, sentimentos e reflexões a partir da imagem.

Fotógrafos participantes: Chris Oliveira, Vaneza Belegan, Carlito Rozeno, Daniel Eduardo, Francisca Rodrigues, David Martins, Jose Barbosa, Marcela Novais, Luiz Dellunna, Vinicius Trindade, Thamiris Paula, Gustavo Lira.

Live da galeria.

Para apresentar mais sobre os projetos deste ano na galeria, será realizada uma live no Instagram do projeto:

https://www.instagram.com/becovisceral/

Beco Visceral Galeria

Rua Itajubaquara, 273

Paraisópolis - São Paulo - SP.

Site do projeto: Beco Viceral

Exposição: Amazônia- Sebastião Salgado.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Mon, 7 Feb 2022 15:00:00 -0300

Mostra, que chaga ao Brasil pela primeira vez, traz o resultado de seis anos de trabalho do fotógrafo Sebastião Salgado na Amazônia.

Exposição Amazônia, de Sebastião Salgado em Roma

Após ter terminado o Gênesis, sua exploração fotográfica da natureza ainda intacta do nosso planeta, Sebastião Salgado orientou seu olhar em direção ao seu país natal, o Brasil, e mais precisamente a Amazônia. A fim de realizar esse novo projeto, ele passou longas temporadas junto com doze comunidades indígenas isoladas, navegou no gigantesco Rio Amazonas e seus afluentes e sobrevoou a densa floresta tropical com suas fronteiras montanhosas mais áridas.

Foram seis anos de trabalho ao término dos quais todas as fotos e imagens ficaram prontas. A mostra conta com curadoria de Lélia Wanick Salgado e comportará um total de 205 fotografias inéditas no Brasil.

A exposição Amazônia é patrocinada globalmente pelo Zurich Insurance Group que, desde 2020, é também patrocinador exclusivo do projeto de reflorestamento e biodiversidade no Brasil do Instituto Terra, liderado por Sebastião Salgado e Lélia Wanick Salgado. A mostra em São Paulo tem patrocínio master do Itaú e da Natura, empresas conectadas com a causa Amazônia, além das empresas Energisa e Banpará. Nesta edição, o projeto conta com Parceria Institucional do Sesc São Paulo.

Exposição: Amazônia – Sebastião Salgado

Curadoria: Lélia Wanick Salgado

Sesc Pompeia

Rua Clélia, 93, Pompeia, São Paulo

GRÁTIS

Local: Área de Convivência

Datas e horários

Terça a sábado, das 10h às 21h; Domingo e feriado, das 10h às 18h.

De 15 de fevereiro até 10 de Julho de 2022.

Fonte: Sesc-SP

A história do Calendário Pirelli.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Wed, 1 Sep 2021 12:00:00 -0300

Conheça um pouco da história de uma publicação que marcou o mundo da fotografia, da moda e da beleza: o calendário Pirelli.

A tradicional publicação, que há muito tempo deixou de ser um simples calendário, se é que o foi, tornou-se um dos anuários mais icônicos do mundo da moda, beleza e da fotografia, o Calendário Pirelli, que ao longo dos seus quase 60 anos de publicação é uma referencia que marca seu tempo e a carreira dos fotógrafos e modelos que estiveram em suas páginas.

As três eras de "The Cal ™ "

A história do Calendário Pirelli pode ser dividida em três épocas diferentes:

A primeira década, de 1964 a 1974, que foi seguida por uma interrupção na publicação (por nove anos) devido à recessão mundial desencadeada pela guerra do Yom Kippur e a crise do petróleo;
A segunda década, de 1984 a 1994, que viu o Calendário sendo relançado e se tornando cada vez mais bem-sucedido;
De 1994 até o presente, passando pela virada do milênio, durante o qual “The Cal” ™ alcançou o status de culto como um pioneiro.

A década de 1964 a 1974

1964, Robert Freeman. Luglio, Sonny Freeman Drane

Os primeiros anos de “The Cal” ™ foram os dias dos Beatles, da música rock e da minissaia, mas também dos movimentos de protesto de jovens e comícios pela paz contra o Vietnã. O Calendário logo abandonou seu papel original de “brinde corporativo” para clientes importantes, tornando-se uma publicação exclusiva destinada a poucos destinatários selecionados. Os modelos eram em sua maioria jovens recém-chegados, fotografados em ambientes atmosféricos de elite: cenários de praia exóticos e locais naturais. Mas mesmo essas primeiras imagens brilhantes forneceram um vislumbre da verdadeira filosofia estética e cultural do Calendário: “The Cal” ™ aspirava ser um sinal da mudança dos tempos. Em 1968 Harri Peccinotti se inspirou na poesia de Elizabeth Barrett Browning, Allen Ginsberg e Ronsard, enquanto no ano seguinte ele rejeitou poses formais por mais naturais, fotos espontâneas capturadas nas praias ensolaradas da Califórnia. Em 1972, Sarah Moon se tornou a primeira mulher fotógrafa a fotografar o Calendário, quebrando tabus ao longo do caminho.

O anúncio em março de 1974 de que a publicação iria parar causou muito mais protestos na mídia britânica e internacional do que o lançamento, um sinal seguro do sucesso crescente do Calendário Pirelli. Na década seguinte, vários livros, coleções e antologias, em diferentes idiomas, foram dedicados a ele, sendo o mais famoso uma publicação de 1975 cobrindo os dez anos de “The Cal” ™, completo com um prefácio nostálgico escrito por ninguém menos que David Niven.

A década de 84 a 94

1985, Norman Parkinson. Luglio, Iman

1984 finalmente viu o tão esperado retorno do Calendário. Sob o comando de um novo diretor de arte, Martyn Walsh, o Calendário voltou às suas raízes, incluindo referências discretas, quase subliminares, ao produto herói do Grupo: os pneus. Nas praias das Bahamas, ao lado dos belos modelos fotografados para o Calendário de 1984 por Uwe Ommer, rastros misteriosos apareceram na areia: o padrão de piso da última criação da Pirelli, o pneu P6. Em termos de posicionamento de produtos, era uma presença sutil, mas onipresente, evocando a tecnologia que dominou a era.

Em 1987, Terence Donovan criou um calendário inovador, apresentando apenas modelos negras, que incluía Naomi Campbell, de 16 anos, no início de sua carreira. No ano seguinte, Barry Lategan incluiu um modelo masculino pela primeira vez nesta tradicional vitrine de beleza feminina. Em 1990, Arthur Elgort produziu o primeiro Calendário Pirelli todo em preto e branco, dedicado às Olimpíadas e ao cineasta alemão Leni Riefenstahl.

De 1994 até os dias atuais

1999, Herb Ritts. Luglio, Letitia Casta

Em 1993, coincidindo com o final de mais uma década e após uma mudança na alta administração da empresa, ocorreu outra virada importante. A Pirelli aumentou sua aposta internacionalmente, lançando campanhas publicitárias de alto perfil (incluindo a famosa imagem do velocista Carl Lewis em estiletes vermelhos) e o Calendário se tornou uma das principais ferramentas para transmitir a nova imagem do Grupo. A direção artística mudou-se para a sede da empresa em Milão e decidiu-se que todas as referências a pneus deveriam ser abandonadas. “The Cal” ™, portanto, voltou a ser ele mesmo, uma publicação artística sem limitações ou restrições impostas aos seus criadores, exceto os cânones do estilo e do bom gosto. Afinal, a Pirelli é uma marca internacional que não se identifica com uma única família de produtos, mas evoca um amplo espectro de valores e significados.

Em 1994, Herb Ritts lançou a nova era de “The Cal” ™ com uma linha fenomenal de supermodelos: Cindy Crawford , Helena Christensen, Kate Moss e Karen Alexander. O seu calendário, intitulado “Uma Homenagem à Mulher”, pretendia captar “as mulheres dos anos 90 e o seu lugar no mundo: orgulhosas, sexy e bonitas por dentro”. Desde então, o talento criativo dos fotógrafos e a fascinação fascinante dos modelos têm sido os pilares do sucesso do Calendário Pirelli. Sua conexão com o mundo da moda e do “glamour” se tornou ainda mais forte: para as estrelas das passarelas, aparecer em “The Cal” ™ é o equivalente a fazer, e a competição entre os recém-chegados é acirrada.

Os maiores nomes a agraciar as últimas edições do século incluem: Christie Turlington e Naomi Campbell (novamente) em 1995 (fotografia de Richard Avedon); Carré Otis, Eva Herzigova e Nastassja Kinsky em '96 (fotografia de Peter Lindbergh) e Inés Sastre e Monica Bellucci (a primeira modelo italiana) em '97. Em 1998, Bruce Weber dedicou algumas fotos a estrelas de cinema e cantores masculinos, incluindo Robert Mitchum, John Malkovich, Kris Kristofferson, BBKing e Bono, enquanto Alek Wek e Laetitia Casta foram os rostos de 1999, fotografados dos por Herb Ritts, e 2000, por Annie Leibovitz.

O século XXI começou com um Calendário Pirelli fotografado em Nápoles por Mario Testino, estrelando entre outros Gisele Bündchen e Frankie Rayder. Em 2002, o Calendário apresentava inúmeras atrizes e duas netas famosas: Lauren Bush (de 17 anos, neta de George Senior) e Kiera Chaplin (neta do grande Charlie). O elenco de 2003, fotografado mais uma vez por Bruce Weber, foi particularmente impressionante: com três beldades italianas (Mariacarla Boscono, Eva Riccobono e Valentina Stilla) ao lado de modelos famosas como Sophie Dahl, Heidi Klum, Karolina Kurkova e Natalia Vodianova, além de estrelas masculinas do cinema e do esporte (Alessandro Gassman, Stephane Ferrara e Richie La Montagne).

Em 2009, o famoso artista Peter Beard levou “The Cal” ™ para o Botswana, fotografando modelos internacionalmente aclamados como Daria Werbowy, Lara Stone e Mariacarla Boscono. Beard, que viveu no Quênia por 30 anos, é um dos maiores fotógrafos do mundo do mistério e fascínio da África.

A edição de 2010 foi confiada ao fotógrafo americano Terry Richardson, “enfant terrible” conhecido por seu estilo atrevido e provocador, trabalhando com personagens descontraídas e atrevidas como Miranda Kerr, Lily Cole, Rosie Huntington e Ana Beatriz.

Por trás do calendário de 2011 estava o gênio criativo de Karl Lagerfeld artista, estela e lenda da moda multi-talentoso. Em seu estúdio em Paris, Lagerfeld criou “Mitologia”, um calendário que refletia sua paixão pela cultura clássica grega e romana. Seu elenco deslumbrante de personalidades masculinas e femininas incluiu os modelos Baptiste Giabiconi e Brad Kroenig e a atriz Julianne Moore.

A edição de 2012 foi obra de Mario Sorrenti, o primeiro fotógrafo italiano, que escolheu a Córsega como cenário para “Swoon”, estrelado por Milla Jovovich, Kate Moss e Isabeli Fontana.

Em 2013, “The Cal” ™ foi confiado a Steve McCurry, um dos repórteres fotográficos mais famosos do mundo, cujas fotos para a Pirelli revelaram a mudança da situação social e econômica no Brasil. Seu elenco, que incluiu a atriz brasileira Sonia Braga, a cantora Marisa Monte e as modelos Adriana Lima, Petra Nemcova e Summer Rayne Oakes, compartilhavam um compromisso comum com a caridade, apoiando ONGs, Fundações e projetos humanitários.

2014, o 50º aniversário do The Cal ™

2014, Helmut Newton. Janeiro, Betty Prado

Para comemorar este aniversário marcante, a Pirelli decidiu não produzir um Calendário 2014, mas sim lançar o Calendário Pirelli 1986 não publicado criado por Helmut Newton, que até agora foi mantido em sigilo nos arquivos da empresa. O longo trabalho de reconstrução realizado pela Fundação Pirelli contribuiu para tornar este projeto possível.

2015, Calendar Girls por Steven Meisel

2015, Steven Meisel. Novembro, Gigi Hadid

O criador da quadragésima segunda edição do The Cal ™, Steven Meisel é um dos fotógrafos de moda mais bem-sucedidos do mundo e é conhecido por sua personalidade eclética, mas também reservada. Ele trouxe a centralidade absoluta das mulheres de volta ao Calendário Pirelli em seu formato mais clássico. 12 meses em 12 doses. Em suas fotografias, Meisel nos traz alguns dos principais modelos estéticos de nosso tempo: ícones publicitários, estrelas da tela de cinema, a rebeldia explícita da moda.

2016, Annie Leibovitz

Annie Leibovitz e Amy Schumer

Em 2016, o Calendário de Annie Leibovitz foca na mulher como portadora de mensagens positivas. A fotógrafa americana reúne treze mulheres ilustres que alcançaram marcos importantes na vida profissional, social, cultural, esportiva e artística.

2017, o terceiro Calendário Pirelli de Peter Lindbergh

Peter Lindbergh e Uma Thurman

A edição de 2017 vê o mestre alemão se tornar o único fotógrafo a ser convidado a produzir o Calendário Pirelli pela terceira vez. Foi Peter quem fotografou o Calendar de 1996 no deserto El Mirage na Califórnia, e o de 2002 nos estúdios da Paramount Pictures em Los Angeles.

2018, Alice's Adventures in Wonderland de Tim Walker

Para a 45ª edição do Calendário, fotografada em Londres, o fotógrafo britânico Tim Walker aplicou seu estilo inconfundível de cenários extravagantes e motivos românticos, para revisitar uma das histórias clássicas da literatura britânica: "As Aventuras de Alice no País das Maravilhas".

2019, DREAMING de Albert Watson

Para a 46ª edição do icônico Calendário, o célebre fotógrafo Albert Watson criou uma série de vinhetas centradas nos sonhos e aspirações de quatro mulheres talentosas e bem-sucedidas.

O resultado são 40 belas imagens cinematográficas tiradas em locações em Miami e Nova York, todas com o tema 'Dreaming'.

Fonte: reprodução Pirelli Calendar, 2019.

Exposição: Gertrudes Altschul: Filigrana

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 27 Aug 2021 12:00:00 -0300

MASP expõe obras de Gertrudes Altschul, uma pioneira da fotografia modernista brasileira.

A exposição, que toma emprestado o título de uma das mais célebres fotografias de Altschul — Filigrana —, apresenta 62 fotografias vintages (aquelas primeiras ampliações fotográficas feitas pela autora, frequentemente logo após a revelação do negativo). As obras são agrupadas em torno dos principais temas da artista: botânica, arquitetura e naturezas-mortas. São expostas também algumas imagens de tipos humanos, algo menos explorado por Altschul.

Gertrudes Altschul (1904-1962) foi uma figura pioneira no contexto da fotografia modernista brasileira. Embora ela seja bastante admirada no meio fotográfico no país, sua obra ainda é conhecida apenas em círculos especializados, tendo sido escassamente publicada e exibida — algo que esta mostra, a primeira em um museu, e seu catálogo pretendem modificar.

De origem judaica, Altschul migrou para o Brasil em 1939 de sua cidade natal, Berlim, com o marido, Leon Altschul (1890-1975), fugindo do regime nazista. Radicou-se em São Paulo, onde dividiu seu tempo entre a fotografia e a produção de flores para chapéus em uma fábrica administrada pelo casal.

No final da década de 1940, aproximou-se do famoso Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB) em São Paulo, grupo que reunia fotógrafos alinhados com o movimento conhecido como Escola Paulista, pilar da fotografia moderna no Brasil. Após começar a frequentar as reuniões do FCCB e a enviar suas fotografias para a avaliação dos membros, foi aceita em 1952 como associada, tendo sido uma das poucas mulheres do grupo.

Foi a partir do FCCB que teve início a relação do MASP com o trabalho de Altschul. Em 2014, o museu recebeu um extraordinário comodato de 275 fotografias de 82 autores do grupo, que se converterá em uma doação 50 anos depois, em 2064. Com esse conjunto, o mais importante de fotografia moderna brasileira, foram incorporadas ao acervo 12 impressões vintages da artista. Na mostra, as 12 fotografias do acervo MASP FCCB são acompanhadas por textos interpretativos.

A produção fotográfica de Altschul esteve em sintonia com a linguagem da fotografia moderna brasileira, que buscava romper com os princípios clássicos da composição por meio de construções geometrizadas, tanto abstratas quanto figurativas, e de experimentações com luz, sombras, linhas, ritmos, planos e processos de revelação e de ampliação. Nesse contexto, os principais temas de Altschul se concentram na arquitetura moderna brasileira e nos motivos botânicos, sobretudo as folhas, bem como nos objetos do cotidiano em diferentes escalas, espécies de naturezas-mortas fotográficas.

A mostra Gertrudes Altschul: Filigrana integra o biênio da programação do MASP dedicado às Histórias brasileiras, em 2021-22, coincidindo com o bicentenário da Independência em 2022.

Curadoria: Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, Tomás Toledo, curador-chefe, MASP

Exposição: Gertrudes Altschul: Filigrana

De 27 de agosto de 2021 à 30 de janeiro de 2022
Terça (gratuito) 10h - 18h
Qua à Sex 12h - 18h
Sab e Dom 10h - 18h
Valores: R$45 inteira, R$22 meia

MASP - MUSEU DE ARTE DE SÃO PAULO
ASSIS CHATEAUBRIAND
AV Paulista, 1578
São Paulo-Brasil

Fonte: MASP

Exposição: Luiz Braga: Máscara, espelho e escudo

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Thu, 12 Aug 2021 11:00:00 -0300

Os personagens e as cores do Pará de Luiz Braga em cartaz em São Paulo.

Com curadoria de Paulo Miyada e Priscyla Gomes, a exposição reúne pela primeira vez um conjunto de retratos em cores feitos por Luiz Braga nas últimas quatro décadas. É por intermédio da ideia do retrato que as trajetórias de Pierre Verger e Luiz Braga, fotógrafos de proveniências e gerações distintas, se encontram agora nos espaços do Instituto Tomie Ohtake.

Tratam-se de figuras célebres em captar delicada e sensivelmente feições, espíritos e ânimos, colaborando expressivamente para a consolidação de uma fotografia brasileira atenta à cultura popular e às diferentes centralidades de um país de imensa escala territorial.

Luiz Braga/ Vendedor de pamonha, 1986

Nascido em Belém do Pará, Braga seguiu vivendo e trabalhando onde cresceu. Suas incursões vão da cercania de seus trajetos cotidianos, adentrando casarios ribeirinhos pouco visitados pela classe média paraense, até a ilha de Marajó, que fica a 90 km da capital. Como os curadores apontam, foi nesta periferia belenense que Braga cria uma forma própria de colorir, distinta do restante de cidade, e dessa percepção também se sobressaíram as nuances de uma sabedoria e estética popular muitas vezes negligenciadas. Essa percepção foi motora de sua escolha, na década de 1980, por fotografar em cores utilizando filmes Kodachrome, o que implicava mandar os negativos para o exterior e aguardar 3 meses até conhecer o resultado de cada clique.

Segundo Miyada e Gomes, a identidade que tornou Luiz Braga amplamente reconhecido dentro e fora do Brasil foi a de cronista das cores e dos signos cotidianos do Pará, com sua singular imbricação da inventividade popular com a densidade atmosférica amazônica. Além disso, é possível ver outros desdobramentos.

Luiz Braga/ Mulher no bar rosa, Belém, 1990

Em primeiro lugar, prosseguem os curadores, nota-se como a adoção da cor fez com que seus retratos mantivessem um diálogo constante com a história da pintura. Isso se anuncia pela relação cromática entre personagens e ambientes e se aprofunda com a tensão constante entre o que entra e não entra em foco, o que ocupa o centro e as bordas dos enquadramentos e, especialmente, entre as linhas de força que ligam o olhar dos retratados e o ponto de vista do fotógrafo.

Em segundo lugar, a dupla destaca que é possível perceber como a constância no envolvimento de Luiz Braga com certos territórios fez com que ele alcançasse cumplicidade com as retratadas e retratados, de quem costuma escutar muitas histórias e com quem constantemente volta a se encontrar outras tantas vezes ao longo dos anos. “Tal cumplicidade atua nas dinâmicas que tornam os retratos possíveis, nem sempre explícitas ao observador das imagens”.

A fotografia, escreveu Luiz Braga, é máscara, espelho e escudo. É uma mediação, uma zona de contato em que aquele que registra e seu retratado estabelecem um diálogo complexo.

Luiz Braga/ Raylana, 2013

Para dos curadores, refletir sobre a complexidade desse diálogo torna-se especialmente instigante na elaboração imagética dos retratados eleitos por Braga.

“São traços locais de uma existência popular em que diferentes etnias, costumes, ritos e contextos sociais se entrelaçam numa região que teve sua centralidade muitas vezes negligenciada. Num país de desenvolvimento desigual e combinado, a Amazônia é síntese prolífica da vivacidade de indivíduos, seus saberes e hábitos, frente ao escasso acesso a infraestruturas básicas e a políticas comprometidas pela predação do seu entorno. Os exemplos são vastos: as queimadas desertificantes, o contrabando madeireiro, o garimpo venenoso, o manda-matar-e-deixa-morrer, o genocídio dos povos indígenas... que impactam a vida das populações ribeirinhas interpeladas há décadas por um discurso de progresso cujas benesses nunca as alcançam senão como miragem”, completam.

Exposição: Luiz Braga: Máscara, espelho e escudo

De 13 de agosto a 12 de dezembro de 2021.

De terça a domingo, das 12h às 17h. Entrada franca.

Instituto Tomie Otake

Av. Brigadeiro Faria Lima, 201, Pinheiros, São Paulo – SP CEP 05426-100

Entrada pela Rua Coropés,88.

A 800m do metrô Faria Lima (linha amarela)

Fonte: Instituto Tomie Otake

Exposição: Pierre Verger - Percursos e Memórias

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Thu, 12 Aug 2021 10:00:00 -0300

Mostra traz imagens inéditas do fotógrafo Pierre Verger à São Paulo.

Em parceria realizada entre o Instituto Tomie Ohtake, a Fundação Pierre Verger, a Fundação Bienal de São Paulo e, como parte da rede da 34º Bienal de São Paulo, Pierre Verger: Percursos e Memórias, com curadoria de Priscyla Gomes, curadora do Instituto Tomie Ohtake e Alex Baradel, curador da Fundação Pierre Verger, dedica-se a expor as diferentes documentações da trajetória do fotógrafo, durante suas principais viagens.

Por se tratar de um recorte e material inéditos, a dupla de curadores traz novas leituras à produção desse fotógrafo expoente. Com base numa imersão em seus arquivos, anotações, registros e escritos, a mostra é a primeira a apresentar Pierre Verger como fotógrafo, pesquisador, etnógrafo e líder religioso.

Além de imagens inéditas ou raramente mostradas, visando contextualizar sua produção e relacionando aspectos da vida pessoal do fotógrafo ao contexto histórico a que pertenceu, a mostra trará seus cadernos de viagens, publicações e periódicos nacionais e internacionais, cartas e textos inéditos, negativos e estudos de ampliações, bem como um documentário icônico coproduzido pelo fotógrafo e etnógrafo, totalizando mais de 300 itens em exposição.

Fotógrafo por excelência, Pierre Verger aprendeu o ofício da fotografia aos 30 anos e, ao longo da carreira, a dedicação e minúcia no conhecimento de povos e culturas que lhe interessavam foi tamanha que se alçou à condição de antropólogo e etnógrafo. Iniciou sua obra em 1932, quando decidiu unir a expertise que havia adquirido na fotografia com sua vontade de viajar para conhecer e registrar outras pessoas e lugares; partiu levando como única bagagem uma máquina fotográfica Rolleiflex.

A articulação entre imagem, escritos e uma extensa pesquisa resultou em um panorama vasto, desconhecido do público que, recorrentemente, se aproxima de Verger por intermédio de suas fotografias mais icônicas. Entre 1932 e 1970, foram décadas de viagens ao redor do mundo, passando pela Europa, Ásia, América e Oceania.

Os núcleos pelos quais se divide a exposição propõem-se a contar as diferentes viagens de Verger, utilizando esses percursos para narrar como o artista tornou-se pioneiro em muitas de suas abordagens sobre fotografia, no registro e investigação dos locais aos quais visitava e na sua forma de estabelecer diálogo com as diferentes populações. Cabe especial destaque, o ano de 1946, que marca sua chegada ao Brasil, um trajeto que resultaria numa longa permanência e na descoberta de um universo que mudaria em definitivo sua vida. Sua chegada deu início à sua pesquisa afro-americanista e africanista, que propiciou importantes desdobramentos na sua trajetória. Verger passou a registrar também por escritos as informações coletadas em suas viagens entre o Brasil e a África. É nesse universo que o fotógrafo e etnógrafo concentrou seus estudos, dedicando décadas de sua vida às culturas iorubá e fon, além de suas diásporas religiosas.

Exposição: Pierre Verger - Percursos e Memórias

De 13 de agosto a 21 de novembro de 2021.

De terça a domingo, das 12h às 17h. Entrada franca.

Instituto Tomie Otake

Av. Brigadeiro Faria Lima, 201, Pinheiros, São Paulo – SP CEP 05426-100

Entrada pela Rua Coropés,88.

A 800m do metrô Faria Lima (linha amarela)

Fonte: Instituto Tomie Otake

Exposição: Geraldo de Barros – Imaginário, Construção e Memória

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Mon, 9 Aug 2021 11:00:00 -0300

Mostra exibe a mais extensa seleção de obras de Geraldo de Barros.

O Itaú Cultural (IC) abre a exposição Geraldo de Barros – Imaginário, Construção e Memória, mostra que destaca a trajetória desse grande nome das artes visuais no Brasil e exibe a mais extensa seleção de produções do artista, que transitou com naturalidade e originalidade por diferentes áreas de expressão: da pintura e da fotografia ao design de móveis, sempre impelido por uma paixão pela experimentação.

Sem hierarquizar essas áreas de atuação, Geraldo criou uma obra múltipla, mas coerente. Fez fotos, quadros, cartazes, mesas e cadeiras como quem faz, no fim das contas, a mesma coisa: arte.

Com curadoria de Lorenzo Mammi e Michel Favre, a exposição contou com o suporte da família de Geraldo durante todo o processo de elaboração. O espaço expositivo – que toma conta de três andares da sede do IC – percorre por completo a carreira do artista, das décadas de 1940 a 1990, e abre espaço para abordar os contextos em que ela se desenvolveu e as pessoas que a influenciaram.

Geraldo de Barros – Imaginário, Construção e Memória

De 11 de agosto de 2021 - até 7 de novembro de 2021

terça a domingo 12h às 18h

Itaú Cultural

Avenida Paulista, 149

São Paulo / SP

piso 1, -1 e -2

não é mais necessário fazer agendamento de visita

entrada gratuita

Fonte: Itau Cultural

Festival de fotografia Interfoto 2021.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Wed, 21 Jul 2021 13:00:00 -0300

Festival de fotografia em Itu-SP, acontece de forma "híbrida" neste ano.

Desde 2014 a cidade de Itu, no interior Paulista, se transforma na capital da fotografia, em 2020, devido à pandemia de Covid-19, o evento não foi realizado, mas agora em 2021 o festival está de volta.

O evento acontece neste ano, com parte presencial e parte online, um formato "hibrido" pensando na segurança de todos.

Apenas as Exposições fotográficas serão mantidas fisicamente no Espaço Fábrica São Luiz, espaço tradicional em Itu que abriga o evento , durante o prazo de 05 dias do evento, a partir de 21/07/2021 a 25/07/2021 quando inicia o Festival,.

A abertura e o encerramento do Festival, assim como todas as palestras, oficinas e rodas de conversa, que tradicionalmente agitavam o espaço, serão transmitidas online pelo You Tube, na página do Festival Interfoto e também pela página do Facebook.

Em um ano dedicado às mulheres, o Festival Interfoto, tem duas exposições só com fotógrafas. Uma delas resultado da convocatória do festival, cujo tema Universos Íntimos, se adequa ao momento vivido em tempos de pandemia.

Veja a exposição online aqui.

A exposição Revela Mulher apresenta mais imagens fotográficas que nos revelam alguns dos mistérios da alma, através do olhar feminino. Esta mostra reúne obras de 16 fotógrafas que, através de técnicas, linguagens e composições singulares, expressam sua intimidade, liberdade (ou ausência dela) e profundos questionamentos por vezes à luz da leveza, por vezes da severidade.

As exposições presencias acontecem no Espaço Fábrica São Luiz, em Itu, entre os dias 21.07 e 25.07.

Na programação online serão exibidas oficinas de Intervenção de bordado sobre fotografia, fotografia com celular, palestras sobre revelação preto e branco, fotografia de rua, cianotipia, processo históricos, fotografia de paisagem, conversas sobre fotoclubismo, publicação de fotolivro, impressão fine art, galeria e mercado.

Veja a programação completa aqui.

Motivos não faltam para participar do Festival Interfoto 2021.

As atividades continuam gratuitas e abertas a toda comunidade.

Pulitzer 2021.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 11 Jun 2021 19:00:00 -0300

Anunciados os vencedores do Prêmio Pulitzer 2021

O Prêmio Pulitzer, premiação mais importante do jornalismo norte-americano, realizado pela Columbia University, teve o anuncio de seus vencedores da edição de 2021.

A premiação inclui duas categorias de fotografia, cujo vencedores são:

The 2021 Pulitzer Prize Winner in Breaking News Photography

Equipe de fotografia da Associated Press
Para uma coleção de fotos de várias cidades dos EUA que captura de forma coesa a resposta do país à morte de George Floyd.

Veja todas as imagens aqui.

The 2021 Pulitzer Prize Winner in Feature Photography

Emilio Morenatti of Associated Press
Para uma série de fotos comoventes que levam os espectadores para a vida dos idosos na Espanha que lutam durante a pandemia COVID-19.

Veja todas as imagens aqui.

O Conselho do Pulitzer é composto principalmente de jornalistas ou executivos de meios de comunicação de todos os Estados Unidos, bem como cinco acadêmicos ou especialistas em artes. O reitor da Columbia Journalism School e o administrador dos prêmios não têm direito a voto. A cadeira gira anualmente para o membro ou membros mais antigos. O conselho se autoperpetua na eleição de membros. Os membros votantes podem servir três mandatos de três anos cada, por um total de nove anos.

O adeus ao fotógrafo German Lorca.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Mon, 10 May 2021 17:10:00 -0300

Morreu German Lorca, um dos mais importantes fotógrafos do Brasil.

German Lorca era formado em ciências contábeis, se associou ao Foto Cine Clube Bandeirantes (FCCB), em 1949, onde desenvolveu sua fotografia e a transformou em sua profissão.

O FCCB foi a associação de fotógrafos que introduziu novas tendências na fotografia brasileira, da qual também participaram nomes como: José Yalenti (1895-1967), Thomaz Farkas (1924-2011) e Geraldo de Barros (1923-1998), entre outros.

Lorca passou a se dedicar exclusivamente à fotografia em 1952, quando abriu um estúdio próprio. Dois anos depois, foi escolhido o fotógrafo oficial do quarto centenário da cidade de São Paulo.

Pioneiro tanto na fotografia autoral quanto na publicitária, Lorca foi um dos mais importantes nomes da área no Brasil e no exterior.

Suas obras integram, entre outras, as coleções do Masp, da Pinacoteca, e do Museu de Arte Moderna de São Paulo, o MAM-SP, além do MoMA, o Museu de Arte Moderna de Nova York.

Por uma daquelas grandes ironias que a vida nos traz, Lorca se despediu em um dia icônico para a fotografia brasileira, afinal no ultimo sábado dia 08 de maio, foi inaugurada a exposição Fotoclubismo: Fotografia Modernista Brasileira, 1946–1964; no MoMa-NY, na qual o trabalho de German Lorca é um dos destaques.

Lorca dizia não se considerar um artista. "Sou um fotógrafo que faz boas fotografias"... Aos 98 anos faleceu em São Paulo, onde vivia. Lorca deixou filhos, netos e bisnetos. Ele completaria 99 anos em 28 de maio.

Suas obras ficarão como inspiração à todos os fotógrafos brasileiros!

Um "quase" encontro com German Lorca no Sesc em 2017.

O encontro ficou "apenas" com suas obras. 2017

Fontes: Folha, G1

Mostra Sampa.doc 21 com inscrições abertas.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 7 May 2021 18:11:00 -0300

A cidade de São Paulo é o tema da Mostra competitiva SAMPA.DOC 21 está com inscrições abertas e fará exibição no Spcineplay.

Realizada pelo Instituto Via Cultural, a mostra competitiva SAMPA.DOC 21 pretende discutir as possíveis formas de se produzir documentário e de olhar para a cidade hoje. Trazendo as provocações "qual é a cidade que habitamos hoje? quais são seus encantos e seus problemas?" e "como podemos criar uma imagem atual e crítica?", o presente concurso de curtas metragem aceitará filmes e vídeos sobre a cidade de São Paulo, que tenham duração de até 5 minutos e tenham sido produzidos a partir de março de 2020.

A SAMPA.DOC 21 parte da premissa da inventividade e da fluidez entre os gêneros cinematográficos atuais. Portanto, por documentário, a comissão organizadora entende filmes e vídeos da "ordem do real", podendo ser vídeo registro, filmes feitos com aplicativos de mapa, filmes que contenham ou não entrevistas, vídeo carta, documentário clássico e filmes mais experimentais em geral.

A participação é livre para todas as idades e todo tipo de público - realizadores amadores ou profissionais. Portanto, quem está começando agora ou mesmo tenha apenas vídeos simples realizados com celular, não precisa de acanhar. Todo o material recebido será avaliado com o mesmo cuidado.

As inscrições estão abertas até dia 29 de maio e para se inscrever o candidato ou a candidata precisa apenas preencher um formulário disponível no site da Via Cultural, colocando todas as informações sobre o material e o link de acesso ao filme. No site também é possível conferir o regulamento completo.

Fazem parte do júri a atriz e diretora Helena Ignez, a diretora Tata Amaral, a diretora e editora Letícia Bina, o diretor e blogayrinho de favela Valter Rege, o crítico e curador Ewerton Belico, o realizador Renato Ciasca, o ex vice presidente da APAN (Associação de Profissionais do Audiovisual Negro) e sócio da produtora Dandara, Renato Candido.

Serão 21 filmes selecionados para compor a mostra, que vai ao ar a partir de 26 de julho, no Spcineplay.

Além disso, 5 filmes serão premiados nas categorias Melhor Filme, Melhor Roteiro, Melhor Fotografia, Melhor Edição e Melhor Trilha Sonora e seus proponentes receberão acesso gratuito por 3 meses a todo o catálogo da plataforma Todesplay e um ano de acesso VIP à plataforma de streaming MUBI.

Formulário de inscrição e regulamento disponível aqui

Veja o site da mostra aqui

Fonte: Instituto Via Cultural

A fotografia brasileira no MOMA-NY.

noreply@blogger.com (Além do Olhar) — Fri, 7 May 2021 17:16:00 -0300

Fotoclubismo: Fotografia Modernista Brasileira, 1946–1964- em cartaz no MoMa-NY, apresenta o trabalho dos fotógrafos brasileiros a um público internacional

Julio Agostinelli. Circus (Circense). 1951.

O Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA) anuncia Fotoclubismo: Fotografia Modernista Brasileira, 1946–1964 , a primeira exposição em museu de fotografia modernista brasileira fora do Brasil.

Em exibição de 8 de maio a 26 de setembro de 2021, a mostra terá como foco as inesquecíveis realizações criativas do Foto-Cine Clube Bandeirante de São Paulo, um grupo de fotógrafos amadores amplamente aclamado no Brasil, mas essencialmente desconhecido do público europeu e norte-americano.

A exposição é composta por mais de 60 fotografias tiradas generosamente da coleção do MoMA; juntas, elas apresentam a extraordinária gama de realizações deste grupo, fornecem informações valiosas sobre a forma como a estética fotográfica foi enquadrada na década de 1950 e oferecem oportunidades para refletir sobre a importância do status do fotógrafo amador hoje. A exposição é organizada pela curadora Sarah Meister e por Dana Ostrander, assistente curatorial do Departamento de Fotografia.

André Carneiro. Rails (Trilhos). 1951.

A grande maioria dos associados do Foto Cine Clube Bandeirante eram amadores, isto é, exerciam a atividade fotográfica sem propósito ou afiliação profissional. Eduardo Salvatore, presidente de longa data do clube, era advogado, e a lista de profissões dos sócios incluiu também donos de indústrias, contadores, jornalistas, engenheiros, biólogos e banqueiros. Embora a fotografia fosse uma atividade realizada fora de seus empregos diários, os membros do FCCB levavam a sério seu lado artístico, produzindo fotos muitas vezes dinâmicas e inovadoras. Obras como Fotoforma, de Geraldo de Barros, São Paulo (1952– 53), Fachada do Ministério da Educação e Saúde, de Thomaz Farkas, Rio (c. 1945), ou Filigrana, de Gertrudes Altschul (c. 1952), por exemplo, representam algumas experimentações radicais, com processo e forma destacando a descoberta de composições criativas na vida cotidiana.

Os sócios do FCCB registraram a abundante originalidade dos arquitetos contemporâneos brasileiros, e a sua atenção à fertilidade da abstração como estratégia criativa surgiu ao lado de seus colegas de design, pintura e literatura. O conjunto dessas obras fornece um contexto interessante para explorar o complexo status do fotógrafo amador, as tendências crescentes de gosto ou julgamento e as dinâmicas locais de raça e gênero. Além das fotografias, o clube também promovia Concursos Internos e Seminários mensais, nos quais as fotografias eram submetidas à análise dos colegas e discutidas em fóruns públicos e privados. Com isso, os associados se envolviam de forma social e intelectual com o universo da fotografia, garantindo a eles uma oportunidade para exibir e compartilhar seu trabalho com outros sócios e de maneira mais ampla. O salão anual que eles organizavam e o Boletim, uma revista mensal publicada pelo FCCB, mostram a amplitude das atividades desenvolvidas pelo clube e destacam as conquistas do clube para o circuito internacional de salões dos quais participaram, incluindo Otto Steinert e seu colegas adeptos da “fotografia subjetiva” na Alemanha, e a Société Française de la Photographie em Paris.

A exposição Fotoclubismo será apresentada em duas partes complementares e entrelaçadas nas galerias: a monográfica e a temática. Cada uma das seis seções da exibição tem uma apresentação monográfica de um fotógrafo: Geraldo De Barros, German Lorca, Gertrudes Altschul, José Yalenti, Marcel Giró e Thomaz Farkas. Essas seções começam e terminam com agrupamentos temáticos que sugerem a amplitude da comunidade fotográfica atuante em São Paulo naquela época e oferecem um contexto adicional das realizações individuais. Cada tema foi extraído dos Concursos Internos mensais realizados no FCCB, que levavam os sócios a fazer registros sobre um determinado tema, muitas vezes premiando o vencedor com reproduções de página inteira ou na capa.

A exposição será acompanhada por um catálogo ricamente ilustrado, apresentando pela primeira vez a fotografia modernista brasileira a um público internacional; desta forma, colocando essas realizações no cenário mais amplo da arte contemporânea do Brasil e em uma rede dinâmica de fotógrafos globais, e oferecendo uma nova visão sobre o status do fotógrafo amador no período pós-guerra.

Maria Helena Valente da Cruz. The Broken Glass (O vidro partido). c. 1952.

Thomaz Farkas. Ministry of Education (Ministério da Educação) [Rio de Janeiro]. c. 1945.

Alem do Olhar - Fotografia.

Resumo Semanal da fotografia

Lançamentos de Equipamentos: O Que Há de Novo no Mercado

Tendências Criativas: O Que Está em Alta

Eventos e Destaques: O Que Aconteceu de Importante

Tecnologia e Inovações: O Futuro da Fotografia

Dicas para Fotógrafos: Como se Manter à Frente

A Verdadeira História por Trás da Fotografia Icônica de David Kirby

A despedida de um gênio, o fotógrafo Oliviero Toscani

Prêmio Pulitzer 2024

Conflito e Migração: Os Destaques do Pulitzer de Fotografia em 2024

Sobre o Pulitizer:

Fonte: The Pulitizer PrizesReuters e a cobertura do conflito em GazaAP e a migração colombiana

Prêmio Pulitzer 2023

Sobre o Pulitizer:

Câmeras DSLR X Mirrorless : as vantagens e desvantagens da mudança de tecnologia.

DSLR

Mirrorless

Corpo: tamanho e peso

Visor: óptico x eletrônico

Foco: velocidade x pontos de foco

Disparo contínuo:

Barulho:

Bateria: duração

Disponibilidade de objetivas e acessórios

Tecnologia

Modo de vídeo

Marcas

Conclusão

Curiosidade

Assista o vídeo sobre o assunto feito para o canal da FullFrame Escola de Fotografia:

Festival Interfoto Itu 2022

Exposição do Interfoto de 2018.

Exposições de 2022

Veja a programação completa: InterFoto

InterFoto Itu 2022

Prêmio Pulitzer 2022

Vencedor do Prêmio Pulitzer de 2022 em Feature Photography.

Vencedor do Prêmio Pulitzer de 2022 em Breaking News Photography

Vencedor do Prêmio Pulitzer de 2022 em Breaking News Photography

Sobre o Pulitizer:

Exposição: WALTER FIRMO no verbo do silêncio a síntese do grito.

Walter Firmo

WALTER FIRMO no verbo do silêncio a síntese do grito.

As câmeras do World Press Photo 2022

Canon, a mais usada

As DSLRs ainda são mais de 50%, mas as mirrorless (8 de 22) também avançaram nesse campo.

Os vencedores do World Press Photo 2022

Apresentando os vencedores:

Exposição Mundial de Fotos da Imprensa 2022

Os vencedores regionais do World Press Photo Contest 2022

África

Ásia

Europa

América do Norte e Central

América do Sul

Sudeste Asiático e Oceania

Vencedores globais serão anunciados em 7 de abril

Fotoclube Bulb f/22 lança novo impresso.

Lançameto 2022(vintevintedois)

Beco Visceral Galeria, a primeira galeria de fotografia na favela.

UM ROLÊ NO PARAISO

Live da galeria.

Beco Visceral Galeria

Exposição: Amazônia- Sebastião Salgado.

Exposição: Amazônia – Sebastião Salgado

A história do Calendário Pirelli.

As três eras de "The Cal ™ "

A década de 1964 a 1974

A década de 84 a 94

De 1994 até os dias atuais

2014, o 50º aniversário do The Cal ™

2015, Calendar Girls por Steven Meisel

2016, Annie Leibovitz

2017, o terceiro Calendário Pirelli de Peter Lindbergh

2018, Alice's Adventures in Wonderland de Tim Walker

2019, DREAMING de Albert Watson

Exposição: Gertrudes Altschul: Filigrana

Exposição: Gertrudes Altschul: Filigrana

Exposição: Luiz Braga: Máscara, espelho e escudo

Fonte: The Pulitizer Prizes
Reuters e a cobertura do conflito em Gaza
AP e a migração colombiana