Alle volte dimentico

Violent Femmes

noreply@blogger.com (Divorazione) — Wed, 26 Jun 2013 22:02:00 +0000

Genere: Alternative Rock, Folk Punk, Post Punk

Alba degli anni Ottanta. Mentre Sting dichiara apertamente che "il rock è morto", apre i battenti un certo canale televisivo musicale chiamato Mtv. L’edonismo diventa stile di vita e il predominio dell’immagine inizia a divulgarsi a colpi di pettine e lacca. Nuovi fenomeni musicali come l’hip-hop e il rap dilagano per le radio, progressivamente scalzate da mirate trasmissioni televisive nella missione di promuovere la musica. Sting, tuttavia, esagera nella sua profezia, perché il rock non muore affatto. Dopotutto Jon Landau sapeva bene cosa voleva dire con quel "Stasera ho visto il futuro del rock and roll: si chiama Bruce Springsteen". In realtà il rock inizia un percorso di progressiva fusione con un pop che ricorda sempre meno la lezione innovativa dei Beatles e sempre più la lotteria discografica di "Thriller". Imponenti strategie di marketing costruiscono (auto)strade ben definite nelle carriere musicali di decine e decine di band. Le pose sexy di Simon Le Bon trasformano, per esempio, l’easy-rock romantico dei Duran Duran in un successo planetario. Eppure, ogni fenomeno ha un suo lato oscuro. Allora bisogna lasciare la furbizia estrema di Quincy Jones e le ricchissime produzioni video per far capolino in mondi molto più piccoli, come i college della provincia americana. E' qui la storia degli anni Ottanta passa attraverso le scelte musicali di migliaia di studenti arrabbiati, emarginati che scuotono la testa e il cuore su accordi punk e post-punk. Un manipolo di band underground si rifiuta di seguire una via maestra, evitando di stabilizzarsi all’interno di un genere specifico. Alla faccia di Sting. Basta spostarsi nella città più grande del Wisconsin, Milwaukee. Per le strade, nei caffè, tre ragazzi scapestrati si divertono a giocare con le mode del tempo, trasformandole in qualcosa di proprio, di unico. Una maniera talmente conservatrice di rivedere le più antiche tradizioni musicali americane, da risultare, alla fine, tremendamente rivoluzionaria e innovativa. L’umiltà di suonare il country, il folk con strumenti volutamente approssimativi diventa, così, la chiave per mettere un nuovo tassello sonoro alla parola punk. Tre ragazzi poco più che ventenni hanno la giusta dose di rabbia e frustrazione per dare voce, con povertà acustica e devianza elettrica, ai disagi post-adolescenziali della propria generazione. Vecchie, nuove patologie di provincia trovano, così, il giusto, psicotico sfogo sonoro in barba alle ragazzine innamorate di Le Bon. Signore e signori, i Violent Femmes.

Milwaukee, Wisconsin. Nel 1980, Brian Ritchie e Victor DeLorenzo decidono di formare un gruppo. Ritchie, polistrumentista influenzato dal virtuosismo eclettico di Jaco Pastorius, suona un basso dall’andamento vibrante, quasi mariachi.

De Lorenzo - origini siciliane - si accontenta, invece, di giocare con due semplici spazzole e un secchio.

Passa un anno e il duo diventa trio. Figlio di un predicatore battista, Gordon Gano è poco più di un chitarrista dilettante con aspirazioni da songwriter. Innamorato della poesia decadente e nichilista di Lou Reed e dell’eccentricità bizzarra di Jonathan Richman, Gano muta rapidamente il perno attorno al quale gira la band e diventa, di fatto, la mente e il cuore dei neonati Violent Femmes.

Lo strambo nome (in molti sostengono proveniente da una marca di assorbenti) viene preso da un’espressione slang di Milwaukee, che indica i travestiti che si prostituiscono per le strade. E non vi potrebbe essere nome più azzeccato perché i tre ventenni suonano soprattutto negli angoli delle strade o nelle coffee-house della città. Come, d’altronde, la loro stessa musica, che attinge dalla tradizione folk americana rigorosamente acustica, volutamente artigianale, diretta e approssimativa. Musicisti da strada per musica da strada. Fino al 23 agosto del 1981. Un giorno solo apparentemente uguale a tutti gli altri.

I Violent Femmes stanno suonando in un angolo davanti all’Oriental Theatre dove, di lì a poche ore, si esibiranno i Pretenders. Il chitarrista della band inglese, James Honeyman-Scott, si trova per caso a passare per quell’angolo e rimane folgorato dal talento spartano dei tre. Chrissie Hynde invita, così, il gruppo ad aprire, con un breve set acustico, la successiva data a New York. Ed è soltanto l’inizio della favola, perché, nella Grande Mela, il pubblico reagisce entusiasta.

Passano alcune settimane e quelli che fino a pochissimo tempo prima erano busker insolenti e strampalati diventano una band vera e propria, con un contratto discografico per una delle etichette più attive in campo new wave, la Slash Records.

Nel luglio del 1982, i Violent Femmes si chiudono nei Castle Studios della piccola città di Lake Geneva, Wisconsin, per registrare, insieme al produttore Mark Van Hecke, il loro omonimo disco di debutto. Dieci canzoni per poco più di quaranta minuti di musica che, tuttavia, provocheranno uno scossone fortissimo nel panorama underground americano. In realtà, la maggior parte dei brani di Violent Femmes (Slash Records, 1982) sono stati già scritti da Gano mentre era al liceo a Milwaukee. L’ironia melodrammatica che traspare dai suoi testi sembra baciare in modo perfetto i tipici sentimenti post-adolescenziali. Le parole dell’album diventano, così, un coacervo di emozioni contraddittorie più che condivisibili: dal desiderio di accettazione all’odio verso il conformismo, dalla voglia di spensieratezza al senso di rabbia e ribellione. L’angoscia nichilista degli adorati Velvet Underground viene portata in una dimensione più popolare e quotidiana. Se Lou Reed aspetta il "suo uomo" sulla Lexington, Gordon Gano implora il padre di "dargli la macchina" perché ha una ragazza tra le mani e non vede l’ora di provare a farsela. Una specie di trattato poco ortodosso e molto semplicistico di psicologia giovanile tra delusioni d’amore e pianti ininterrotti. Un gusto schizoide e nevrotico che si riflette nella musica stessa, che filtra la lezione contemporanea della new wave dei Talking Heads e gli incubi del post-punk più dark dei Joy Division. Ma non a caso molti parleranno anche di "folk-punk", perché Violent Femmes stravolge, di fatto, l’universo del cosiddetto "folk revival". Il disco, infatti, sembra voler resuscitare una tradizione musicale che torna indietro ai canti degli Appalacchi, reinventandola con un approccio noncurante di qualsiasi regola e schema. Un po’ come prendere Woody Guthrie e pagargli un biglietto per andare a vedere i Sex Pistols. I tre hanno la giusta dose di brio e di insensatezza lirico-musicale per creare memorabili filastrocche e irresistibili scenette adolescenziali, come nel country-sussurri e grida di "Blister In The Sun" o nello xilophono scheletrico della surreale marcia "Gone Daddy Gone".

L’album è un continuo alternarsi di luci ed ombre. Da una parte, la corale melodia pop di "Please Do Not Go" e il violino nostalgico di "Good Feeling", ballata strappalacrime che potrebbe tranquillamente esser spacciata come frutto nascosto delle session di "Loaded". Dall’altra, canzoni più aspre e viziose, come la deriva isterica di "To The Kill" o la cupa disperazione in crescendo di "Confessions". "Add It Up", per esempio, racchiude il canto balbuziente e nevrotico di Gano in una struttura sonora quantomai sgangherata, prima di esplodere in un blues macchiato di gospel. L’apparentemente ironica tensione del disco trova, infine, sfogo nell’inno "Kiss Off", un rhythm and blues impazzito che sale progressivamente fino al conto disilluso da uno a dieci. Il messaggio diventa, di colpo, elementare, privo di qualsiasi ambizione intellettuale: "Dieci…dieci…dieci…per Tutto! Tutto! Tutto!".

Violent Femmes viene pubblicato alla fine di novembre e, con gli anni, diventerà uno dei più acclamati album di debutto della storia del rock.

Non raggiungerà mai una massiccia fama, ma potrà vantare uno strano record: ricevere il disco di platino dieci anni dopo la sua uscita nei negozi. All’inizio del 1984, i Violent Femmes si trasferiscono a New York per registrare, ancora con Mark Van Hecke, il loro secondo album. Come per Violent Femmes, i brani vengono sviluppati su una base lirica già composta dal Gano studente liceale. Questa volta, tuttavia, non va tutto liscio. Nonostante la religiosità emergente dal nuovo materiale appaia in un certo senso sarcastica, Gano è un cristiano devoto. Ritchie e DeLorenzo, atei convinti, inizialmente si rifiutano di registrare i pezzi, arrendendosi soltanto in un secondo momento. Sarcasmo o non sarcasmo, in Hallowed Ground (Slash Records, 1984) la poetica lunare e visionaria del chitarrista rimane sì ancorata alle sottili follie e patologie di provincia, ma viene indubbiamente arricchita da ossessioni religiose e da una maggiore ricerca spirituale. E se Gano cerca profondità maggiore nei suoi testi, tutto il trio di Milwaukee allarga la formula strumentale con preziosi contributi esterni. Nascono, così, i cosiddetti Horns of Dilemma, che comprendono, tra gli altri, Tony Trisckha al banjo e un certo John Zorn al sax. Con questo nuovo calderone sonoro i Femmes costruiscono, sulla precedente struttura acustica, volte elettriche tra blues, gospel e rock metropolitano trasportato ancora nel popolino tanto caro a Gano. Il disco, più serio del precedente, accelera il viaggio nella musica americana delle radici, ma, allo stesso tempo, la lucida follia del gruppo che riesce a confezionare, ancora una volta, un sound diverso da tutto quanto si sente in giro. "Country Death Song", per esempio, si snoda su un incalzante andamento country per raccontare una crudele storia di morte del 1862. La tradizione degli Appalacchi, tuttavia, viene stravolta dal basso pulsante di Ritchie e dall’inserimento del magistrale banjo schizoide di Trisckha. La vena cupa di Violent Femmes prende, qui, una strada più decisa. La breve "I Hear The Rain" ipnotizza con un canto tra il gospel e il dark, così come "Never Tell" affila le unghie con taglienti cambi di ritmo punk. Climax oscuro, poi, la convulsione à-la Patti Smith Group della title track. La nuova dimensione spiritual-popolare trova sfogo nello scatenato country-western "Jesus Walking On The Water" che, su un coro doo-wop, fa il verso a certe marce da Esercito della Salvezza. I Violent Femmes non dimenticano la ballata melodica: "I Know It’s True, But I’m Sorry To Say" si appoggia sul canto strappalacrime di Gano e sul tappeto d’organo di Van Hecke. Lou Reed non smette di influenzare il chitarrista: la stralunata "Sweet Misery Blues" sembra uscita direttamente da "Transformer". Mentre "It’s Gonna Rain" barcolla su un’armonica blues, il disco raggiunge il suo vertice sonoro nella follia collettiva di "Black Girls". Jug, rockabilly, samba, music-hall sono i tasselli sonori di una sorta di blues cubista in odore di free-jazz, grazie all’apporto fondamentale del sax acido e brontolante di John Zorn. "Black Girls" è la dimostrazione pulsante che i tre musicisti da strada sono ormai diventati, violentando senza regole i propri strumenti, un vero e proprio cult underground.

Nel 1986, i Violent Femmes danno alle stampe il terzo disco, The Blind Leading The Naked (Slash Records, 1986). Mark Van Hecke ha abbandonato il gruppo e, così, in cabina di regia, viene convocato il Talking Head Jerry Harrison.

Il trio di Milwaukee non rinuncia alla formula strumentale extra-large sperimentata con Hallowed Ground, e gli Horns of Dilemma cambiano formazione. Oltre allo stesso Harrison, i sax di Steve MacKay (ex-Stooges) e Peter Balestrieri, le chitarre di Fred Frith e Leo Kottke. Session-men di lusso per un album che cerca di completare il mosaico schizoide del loro originale sound, in bilico costante tra tradizione folk e anarchia strumentale. Gano continua con le sue ossessioni tra sesso e castità sulla scia del gospel, del blues e del country di provincia. Tuttavia non ci sono più xilophoni isterici né canti spettrali per un lavoro che suona, nel suo complesso, più addomesticato. Certo, la fantasia dei tre corre ancora a briglie sciolte. La sarabanda caotica di "Old Mother Reagan" fa da intro al nervoso, intrigante gospel-rock di "No Killing". Il country-western continua a galoppare con "Breakin’ Hearts", anche se sembra la sorella minore di "Jesus Walking On The Water". I Violent Femmes tornano addirittura al punk acustico del primo disco con il riff abrasivo e irriverente di "Special". Così come la vena oscura si riaffaccia con la tragica ballata gotica "Candlelight Song" e la marcia scanzonata rivive nella tribale "Cold Canyon". Ma la seconda anima di The Blind Leading The Naked, per quanto brillante, sembra aver perso la lucida follia surrealista. Il disco, così, china leggermente il capo verso un suono più rispettoso dei generi. "Faith" cammina sul sentiero più battuto del blues corale: non fallisce per piglio, ma sembra uscito dalla House of Blues di Belushi e compagni. "Love And Make Three" fa il verso al boogie dei Rolling Stones, mentre "I Held Her In My Arms" ricama sulla tipica sezione fiati della E-Street Band. Che il disco sia meno ispirato dei precedenti lo dimostra anche il modo in cui Gano rivisita il caro Lou Reed. Mentre "Sweet Misery Blues" riprendeva con eccentricità la lezione di "Transformer", "Good Friend" ricalca uno dei suoi giri di chitarra più banali. Infine, la cover in salsa funk della "Children Of The Revolution" dei T-Rex che regala sì al gruppo una piccola hit da classifica, ma che parla un linguaggio sonoro molto meno cubista. The Blind Leading The Naked mette in mostra i dissapori che, ormai, serpeggiano in seno ai Violent Femmes. Dopo la registrazione e pubblicazione dell’album, le divergenze artistiche e personali tra Gordon Gano e Brian Ritchie diventano insanabili. Mentre il chitarrista pensa a un progetto di gospel a nome Mercy Seat, il bassista ha sempre più voglia di sperimentare il suo eclettismo strumentale verso un jazz d’avanguardia. Le due menti del gruppo decidono, così, di sciogliere il sodalizio per tentare avventure musicali personali.

Alla fine del 1988, soddisfatti i rispetti ego artistici, Gano e Ritchie decidono di richiamare DeLorenzo per rimettere in piedi i Violent Femmes. Il ritrovato trio torna, così, in studio e pubblica un nuovo album all’alba del 1989. Le critiche che, nel frattempo, sono piovute su The Blind Leading The Naked convincono la band a stringere le precedenti architetture sonore, rinunciando agli Horns of Dilemma con l’eccezione di Balestrieri al sax e Sigmund Snopek III alle tastiere. L’idea è quella di considerare il nuovo album come l’effettivo terzo capitolo della loro saga musicale, cercando di dare nuova linfa al vecchio, approssimativo approccio chitarra-basso-batteria. 3 (Slash Records, 1989) tenta, quindi, una sorta di ritorno alle origini, per un sound che suoni più classico e proprio della band di Milwaukee. E, in parte, ci riesce. "Dating Days" e "Fat" ritornano alla tradizione folk rivisitata con ironia divertita, senza particolari abbellimenti pop. I brani più brevi del disco si rivelano i migliori come lo scherzo di "Telephone Book" e la spensieratezza in crescendo di "Lies". E’ vero, tuttavia, che, nonostante le intenzioni dei tre, il mutamento educato del disco precedente non riesce a essere cancellato tanto facilmente. Alla fine, l’effetto-sorpresa dei primi due album è svanito, e alle femmine di Milwaukee restano canzoni brillanti che non riescono a scrollarsi di dosso una maggiore pulizia sonora. Ancora una volta il rock and roll di "Nightmares" sembra uscito dalla penna di un Lou Reed in giacca e cravatta, mentre il boogie marca Stones diventa ancora più fragoroso e selvaggio in "Fool In The Full Moon". Gano cerca, in tutto questo, di aprire nuove strade con "World We’re Living In", in bilico tra funk e musica caraibica, ma finisce per convincere di più con la classica ballata accorata di "Nothing Worth Living For".

Nel 1990, per celebrare i dieci anni di vita del gruppo, esce la compilation Debacle: The First Decade (Slash Records, 1990), troppo striminzita, tuttavia, per capire il loro percorso sonoro. Dopo la firma per la RepriSe Records, i Violent Femmes continuano con la ricerca di un sound acustico più spartano che torni idealmente agli inizi della loro carriera.

Why Do Birds Sing? (Reprise Records, 1991), affidato all’esperta produzione di Michael Beinhorn, si presenta, quindi, come il secondo tentativo della band dopo il non del tutto convincente 3. Se, tuttavia, l’album precedente veniva illuminato da sprazzi di luce creativa, il nuovo lavoro di Gano e soci non riesce quasi mai a decollare. L’eccentricità si fa più banale e scontata. La vecchia, cara etica punk viene smorzata da un’estetica pop gradevole quanto innocua. Non che manchino impegno e volontà: il gusto fifties di "Look Like That" e lo scatenato rockabilly acustico di "Girl Trouble" sembrano usciti direttamente dalle session di Violent Femmes. Sono, tuttavia, brani ripuliti, molto più educati e i vestiti un tempo rozzi e sporchi ora sono lucidati per bene come quando parte l’inaspettata cover di "Do You Really Want To Hurt Me?" dei Culture Club. Il trio, al di là di tutto, riesce ancora a essere irresistibile come nel country di "Hey Nonny Nonny" o, comunque, a provare nuovi percorsi sonori come nel blues in salsa caraibica "Flamingo Baby". Per il resto, "Why do birds sing?" è un disco decisamente incolore come nel pop di "Used To Be" o nel rock and roll elementare di "He Likes Me". Il singolo "American Music", tuttavia, arriva al numero due della classifica di Billboard e tira le vendite dell’album, che rimarrà uno dei più popolari nella discografia della band.

Agli inizi degli anni 90, le tre femmine di Milwaukee sono, ormai, avviate a carriere soliste indipendenti, pur mantenendo in vita la band. Gordon Gano cerca di soddisfare la sua vena di compositore "serio", lavorando sulle musiche di una piece dello scrittore dada Walter Mehring e buttandosi su vari musical. Brian Ritchie sfoggia sempre più il suo eclettismo in album solisti come "I See A Noise". Victor DeLorenzo gioca tra teatro e musica con "Peter Corey Sent Me". Ed è lo stesso batterista che, nel 1993, decide di lasciare i Violent Femmes per dedicarsi a progetti musicali propri oltre che al cinema.

L’equilibrio faticosamente trovato tra lavoro di gruppo e sfoghi personali non è, tuttavia, così facile da distruggere. Gano e Ritchie continuano senza DeLorenzo, reclutando l’ex BoDeans Guy Hoffman per il successivo tour, che viene in parte documentato dall’album Add It Up (1981-1993) (Slash/RepriSe, 1993). Il disco riesce in modo originale a testimoniare l’arte del gruppo, tra classici, brani inediti e autentiche chicche dal vivo. "Waiting For The Bus" marcia su un ritmo vizioso da vaudeville stile "Transformer". Il furioso riff punk di "36 24" sembra uscito da uno qualsiasi dei primi dischi dei Ramones. Brani che non hanno trovato una collocazione nella discografia ufficiale riescono a far rivivere lo spirito tagliente e nervoso di Hallowed Ground, come "I Hate The Tv". La rilettura stravolta della tradizione americana si consolida in "America Is", mentre in "Dance M.F. Dance" tornano gli sboccati e irriverenti busker di strada. L’estro pazzoide e divertito del gruppo viene raccontato attraverso demo, messaggi telefonici e via radio, ma, soprattutto, irresistibili versioni live di classici come "Kiss Off" e "Add It Up". E quello che, alla fine, sembra un disco buono per collezionisti, diventa il più grande successo commerciale dei Violent Femmes, contribuendo a rafforzare il loro status di band cult.

Il primo album senza DeLorenzo, New Times (Elektra Records, 1994), esce nel 1994, anticipato dal singolo "Breakin’ Up", il cui video gira su Mtv. Il disco soffre, tuttavia, delle evidenti diversità artistiche tra Gano e Ritchie, uniti, ormai, soltanto nominalmente. Le esperienze da "compositore serio" del chitarrista vengono rivisitate e filtrate in brani come "New Times" e "Agamennon", insolitamente complessi e pomposi rispetto al classico sound della band. Gano cerca di espandere i suoi vecchi racconti in musica sulla scia di Frank Zappa, ma il suo obiettivo si rivela fallimentare perché non fa altro che ripetere architetture sonore già sentite e meglio realizzate. Il nuovo trio si impegna in un rinnovamento come nell’irresistibile ballad da saloon "Don’t Start Me On The Liquor", ma, ascoltando il simil funk-hard rock di "Key Of 2", si capisce che questo nuovo corso non convince. Quando, infatti, parte la sincopata "I’m Nothing" o il valzer di "Jesus Of Rio" si respira si un’aria più familiare, ma almeno fresca e divertente. Pochi brani, comunque, non bastano per fare un buon disco: New Times è uno dei dischi meno venduti dei Violent Femmes.

Senza la fantasia di DeLorenzo, le femmine sono in caduta libera. Nel 1995, viene pubblicato, solo in Australia - poi in tutto il mondo - Rock!!!!! (Mushroom Records, 1995), che si presenta male già dalla copertina glitter di David LaChapelle. La band cerca, quasi disperatamente, di ritrovare, in chiave punk-rock and roll, il riff incendiario o il boogie ultrasonico. Il risultato, invece, è quantomai deludente e scorre via tra brani praticamente uguali tra loro. "Tonight" e "Bad Dream" giocano con dei Rolling Stones meno blues e più punk. "She Went To Germany" sembra uscita da una registrazione lampo dei Ramones, mentre la brevissima "Dahmer Is Dead" è una sfuriata stile Clash primo periodo. L’organo di "Life Is An adventure" e il didgeridoo di "Didgeriblues" provano a dare un tocco di eclettismo a un disco insipido, piatto e banale. Il senso di sbandamento porta i Violent Femmes a prendersi una pausa, collaborando, nel frattempo, a diverse colonne sonore. La cupa "Color Me Once" appare su quella di "The Crow" (1994) di Alex Proyas mentre "I Swear It" su "South Park: Bigger, Longer & Uncut" (1999). All’alba del nuovo secolo, per i Violent Femmes giunge il momento di ritornare a casa. Nel 1998 il trio tiene una serie di concerti in prevalenza acustici in giro per lo stato del Wisconsin.

Dopo un paio di dischi deludenti, Gano e compagni decidono, in sostanza, che è arrivata l’ora di riprendere in mano gli strumenti solo per il gusto di divertirsi e divertire.

Lo spirito del busker celebra, così, il gruppo diventato cult che rivisita brani vecchi e nuovi attraverso l’ottica folk-punk delle origini. Il tuffo nel passato viene brillantemente documentato dal disco dal vivo Viva Wisconsin (Beyond, 1999), che, in oltre un’ora di musica, rilegge con forza vecchie foto in bianco e nero ("Gimmie The Car", "Country Death Song" e "Kiss Off") e fa brillare di nuova luce brani come "Life Is An Adventure" e "Sweet World Of Angels".

La buona risposta del pubblico convince Gano e Ritchie a tornare in studio per registrare nuova musica. I due, tuttavia, si fanno prendere troppo dall’entusiasmo e le speranze generate dal vivo vengono spezzate dopo l’uscita di Freak Magnet (Beyond, 2000). Il robusto rock and roll di brani come "Hollywood Is High"e "New Generation" e il punk furente della title track non convincono né critica né pubblico. L’album passa quasi inosservato, sconfortando i tentativi di Gano che, di conseguenza, annuncia che la band non pubblicherà più nuovo materiale.

Alle femmine di Milwaukee non resta, quindi, che rinverdire i fasti del passato tramontato. Nel 2002, la Rhino Records chiede a Ritchie e DeLorenzo di arricchire il loro disco d’esordio con demo e brani dal vivo per una splendida riedizione a vent’anni dalla prima uscita. Il batterista approfitta della situazione per rientrare nella band che può, così, ripristinare la line-up originale dopo circa dieci anni e partire per un nuovo, lungo tour. E, da questo punto di vista, la storia dei Violent Femmes è perfettamente circolare.

1980: tre ragazzi sboccati e irriverenti decidono di formare un gruppo e di suonare per le strade della propria città d’origine.

2007: svariati dischi dopo, tre uomini-donne fanno ancora parte dello stesso gruppo e, con gli angoli di strada trasformati in teatri e club, la loro voglia di suonare è rimasta intatta.

<< Giornalista: "Cosa c’è nelle canzoni che riescono continuamente ad attirare orde di ragazzini ai vostri concerti? Non vi sentite mai a disagio sul palco a cantare pezzi come "Add It Up" e "Kiss Off", veri e propri inni di una gioventù sconsolata, da uomini di mezz’età?"

Brian Ritchie: "Beh, Gordon è quello che deve cantare quelle canzoni, quindi questa è una croce sua! Mick Jagger canta ancora "Satisfaction" e se la cava bene. Lou Reed canta ancora "Heroin", nonostante sia un geriatrico entusiasta del Tai Chi. E’ arte. Le parti di basso che suono io sono senza tempo, quindi mi fa felice suonarle e vedere quei ragazzini che si divertono.

I versi sono sicuramente la porta d’entrata al mondo dei Femmes per un sacco di adolescenti. Alcuni si relazionano alle parole e quelle parole toccano temi adolescenziali universali. Ma sono la musica e le nostre performance quello che ci fa stare a galla da decenni".>>

(Fonte: ondarock.it)

Violent Femmes (1983)

01 - Blister In The Sun
02 - Kiss Off
03 - Please Do Not Go
04 - Add It Up
05 - Confessions
06 - Prove My Love
07 - Promise
08 - To The Kill
09 - Gone Daddy Gone
10 - Good Feeling

Hallowed Ground (1984) [with John Zorn alto saxophone, clarinet]

01 - Country Death Song
02 - I Hear The Rain
03 - Never Tell
04 - Jesus Walking On The Water
05 - I Know It's True But I'm Sorry To
06 - Hallowed Ground
07 - Sweet Misery Blues
08 - Black Girls
09 - It's Gonna Rain

The Blind Leading The Naked (1986)

01 - Old Mother Reagan
02 - No Killing
03 - Faith
04 - Breakin' Hearts
05 - Special
06 - Love & Me Make Three
07 - Candlelight Song
08 - I Held Her in My Arms
09 - Children of the Revolution
10 - Good Friend
11 - Heartache
12 - Cold Canyon
13 - Two People

3 (1988)

01 - NightMares
02 - Just Like My Father
03 - Dating Days
3 (bonus track)
04 - Fat
05 - Fool in the Full Moon
06 - Nothing Worth Living For
07 - Wold We're Living In
08 - Outside The Palace
09 - Telephone Book
10 - Mother Of A Girl
11 - Lies
12 - See My Ships

Debacle The First Decade (1990)

01 - Gimme The Car
02 - Nightmares
03 - Black Girls
04 - Add It Up
05 - Children Of The Revolution
06 - Good Feeling
07 - Gone Daddy Gone
08 - Fat
09 - Old Mother Reagan
10 - Blister In The Sun
11 - Country Death Song
12 - Ugly
13 - World We're Living In

Why Do Birds Sing ? (1991)

01 - American Music
02 - Out The Window
03 - Look Like That
04 - Do You Really Want To Hurt Me
05 - Hey Nonny Nonny
06 - Used To Be
07 - Girl Trouble
08 - He Likes Me
09 - Life Is A Scream
10 - Flamingo Baby
11 - Lack Of Knowledge
12 - More Money Tonight
13 - I'm Free

Add It Up 1981-1993 (1993)

01 - Intro
02 - Waiting For The Bus
03 - Blister In The Sun
04 - Gone Daddy Gone
05 - Gordon's Message
06 - Gimme The Car
07 - Country Death Song
08 - Black Girls
09 - Jesus Walking On Water
10 - 36-24-36
11 - I Held Her In My Arms
12 - I Hate The TV
13 - America Is
14 - Old Mother Reagan
15 - Degradation
16 - Dance, M.F., Dance!
17 - Lies (Live)
18 - American Music
19 - Out The Window
20 - Kiss Off (Live)
21 - Add It Up (Live)
22 - Vancouver (Live)
23 - Johnny (Live)

New Times (1994)

1 - Don't Start Me on the Liquor
2 - New Times
3 - Breakin' Up
4 - Key of 2
5 - 4 Seasons
6 - Machine
7 - I'm Nothing
8 - When Everybody's Happy
9 - Agamemnon
10 - This Island Life
11 - I Saw You in the Crowd
12 - Mirror Mirror (I See A Damsel)
13 - Jesus of Rio

Rock !!!!! (1995)

1 - Living a Lie
2 - Tonight
3 - Bad Dream
4 - I Danced
5 - Thanksgiving (No Way Out)
6 - Dahmer is Dead
7 - Life Is An Adventure
8 - She Went to Germany
9 - I Wanna See You Again
10 - Didgeriblues
11 - Death Drugs
12 - Sweet World of Angels

Freak Magnet (2000)

01 - Hollywood Is High
02 - Freak Magnet
03 - Sleepwalkin'
04 - All I Want
05 - New Generation
06 - In The Dark
07 - Rejoice And Be Happy
08 - Mosh Pit
09 - Forbidden
10 - When You Died
11 - At Your Feet
12 - I Danced
13 - I'm Bad
14 - Happiness Is
15 - A Story (Featuring Pierre Henry)

Viva Wisconsin (2000)

1. Prove My Love
2. I'm Nothing
3. Country Death Song
4. Blister In The Sun
5. Gimme The Car
6. Don't Talk About My Music
7. Confessions
8. Hallowed Ground
9. Life Is An Adventure
10. Old Mother Reagan
11. Ugly
12. Good Feelings
13. Dahmer Is Dead
14. American Music
15. Special
16. Sweet World Of Angels
17. Black Girls
18. Gone Daddy Gone
19. Add It Up
20. Kiss Off

Something's Wrong (2001)

1 - Positively 4th St.
2 - 12 Steps
3 - All I Want (Alternate Version)
4 - Yes Oh Yes
5 - My Way
6 - Rules Of Success
7 - Every Breath You Take
8 - Raquel
9 - Hollywood Is High (Alternate Version)
10 - I Wanna See You Again
11 - Reckless Stones
12 - Requiem
13 - Washtub Bender
14 - Procession
15 - Something's Wrong
16 - 36-24-36
17 - Out The Window
18 - Werewolf
19 - I Know It's True
20 - Fat
21 - Waiting For A Bus
22 - Herbsttag

Permanent Record - The Very Best Of Violent Femmes (2005)

01 - Gimme The Car
02 - Blister In The Sun
03 - Gone Daddy Gone / I Just Want To Make Love To You
04 - Kiss Off
05 - Add It Up
06 - Black Girls
07 - Jesus Walking On The Water
08 - Children Of The Revolution
09 - I Held Her In My Arms
10 - Nightmares
11 - American Music
12 - Breakin' Up
13 - Color Me Once
14 - I Danced
15 - Country Death Song (Live, 1998)
16 - Freak Magnet
17 - 18 - 19 - (Pause)
20 - Good Feeling (Live Bonus Track)

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South Park Bigger Longer Uncut - Soundtrack (1999) [with AA.VV.]

noreply@blogger.com (Divorazione) — Wed, 26 Jun 2013 21:24:00 +0000

Info Film

I cartoni di Parker-Stone-Bredy arrivano al cinema dopo la televisione. I ragazzini terribili fanno addirittura scoppiare una guerra fra Canada e America.

(Fonte: Mymovies.it)

Info Soundtrack

01 - Mountain Town - (Stan Marsh, Kenny McCormick, Kyle Broflovski, Eric Cartman, Sharon Marsh e Sheila Broflovski) - Trey Parker, Matt
Stone e Mary Kay Bergman
02 - Uncle Fucka - (Trombino e Pompadour) - Trey Parker e Matt Stone
03 - It's Easy, Mmmkay - (Signor Mackey, Stan Marsh, Eric Cartman, Kyle Broflovski, Gregory e Wendy Testaburger) - Trey Parker, Matt Stone
e Mary Kay Bergman
04 - Blame Canada - (Sheila Broflovski, Sharon Marsh, Liane Cartman e Carol McCormick) - Mary Kay Bergman
05 - Kyle's Mom is a Bitch - (Eric Cartman e Marc Shaiman) - Trey Parker e Marc Shaiman
06 - What Would Brian Boitano Do? - (Stan Marsh, Kyle Broflovski ed Eric Cartman) - Trey Parker e Matt Stone
07 - Up There - (Satana) - Trey Parker
08 - La Resistance Medley - (Howard McGillin e la gente di South Park) - Howard McGillin - Mary Kay Bergman - Matt Stone e Trey Parker
09 - Eyes of a Child - (Michael McDonald)
10 - I Can Change - (Saddam Hussein & Satana) - Matt Stone e Trey Parker
11 - I'm Super - (Gran Gay Al) - Matt Stone
12 - Mountain Town (Reprise) - (la gente di South Park) - Isaac Hayes, Trey Parker, Matt Stone e Mary Kay Bergman
13 - Good Love - (Chef) - Isaac Hayes
14 - Shut Yo Face (Uncle Fucka) - Trick Daddy featuring Trina & Tre +6
15 - Riches to Rags (Mmmkay) - Nappy Roots
16 - Kyle's Mom's a Big Fat Bitch - Joe C. featuring Kid Rock
17 - What Would Brian Boitano Do? Pt. II - D.V.D.A
18 - I Swear It (I Can Change) - Violent Femmes
19 - Super - RuPau
20 - O Canada - (Geddy Lee e Alex Lifeson featuring Trombino e Pompadour) - Geddy Lee, Alex Lifeson, Matt Stone e Trey Parker

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Kill Bill Vol. 1 & 2 - Soundtrack (2003) AA.VV.

noreply@blogger.com (Divorazione) — Mon, 24 Jun 2013 10:11:00 +0000

Info Film Vol. 1

Info Film Vol. 2

Kill Bill Vol. 1

Prolisso e geniale. È tornato Quentin. La lunga e snervante attesa è finalmente finita ed il "suo" quarto film (o meglio la prima parte del suo quarto film) scorre sullo schermo. Già dai titoli di testa, i fan si tranquillizzano: l'elenco dei personaggi in stile lista della spesa, il primo piano del volto tumefatto dell'attrice con uno sparo e relativa dissolvenza in nero ci dimostrano che "colui che era conosciuto come genio" (da molti), è tornato brillante come un tempo.
Kill Bill è stancante, una piacevole fatica per lo spettatore che dovrebbe rivedere alcuni momenti in slowmotion o più volte per apprezzarli appieno. La struttura stessa del film, a episodi con continui flashback tra passato e presente disorienta e stordisce. Tarantino inonda letteralmente ogni scena di forma e contenuti: occhiali da sole disposti in ordinate file sul cruscotto d una macchina, aerei di plastica che volano su scene di cartapesta, tute gialle indossate da Bruce Lee, alluci mobili, occhi cerulei e tanto, tantissimo sangue. Kill Bill è un Helzapoppin. Ed il gusto per la battuta spiazzante, per l'umorismo cinico e beffardo è rimasta la stessa.
Se Jackie Brown voleva essere un omaggio al Blaxploitation, Kill Bill è exploitation puro e semplice. Quentin si circonda di un team che sa il fatto suo e spende parecchio: il risultato si vede. Non un'inquadratura fuori posto, non un movimento di camera infelice. Kill Bill, formalmente si avvicina alla perfezione. Gli anni hanno permesso di affinare una già ottima tecnica.
La brillantezza di Tarantino è palesemente dimostrata anche dall'attenzione che il regista-spettatore mostra verso le tendenze cinematografiche che hanno dimostrato maggiore dinamismo negli ultimi anni, in primis l'animazione. Vero e proprio film nel film, i venti minuti firmati I.G. Production, che raccontano la tragica infanzia di una delle future vittime della bionda protagonista, nella fattispecie la strabica Lucy Liu, killer della Yakuza, rappresentano una rara gemma di intensità emotiva e spessore drammaturgico. Le sequenze animate della casa nipponica, oltre ad essere un felicissimo esempio di contaminazione metacinamatografica, dimostrano inequivocabilmente la maturità raggiunta da un mezzo espressivo, troppo spesso bistrattato dal cinema "tradizionale".
Una grande differenza rispetto alle passate produzioni si nota nella gestione degli attori da parte del regista. Le precedenti opere erano quadri corali in cui era difficile trovare un personaggio smaccatamente preponderante rispetto agli altri (ed infatti clamore suscitò ai tempi la decisione dell'Academy di candidare all'Oscar come attore protagonista Travolta e non protagonista Samuel L. Jackson per Pulp fiction, visto che la presenza sullo schermo era pressoché identica per spessore e minutaggio), in Kill Bill la Thurman, splendida e affascinanante, è in ogni inquadratura, in ogni scena, occupa da sola l'intero schermo e storia. Tarantino ha fatto bene ad aspettarla (il film trova tra le numerose cause del ritardo accumulato, la inaspettata gravidanza dell'attrice all'inizio delle riprese): Kill Bill segna la sua migliore performance di sempre. In ogni caso la presenza di nomi storici del cinema di serie B (ma dove?) come Sonny Chiba e Gordon Liu, nobilità e da spessore e sostanza ad un cast invero un po'atipico e non perfettamente amalgamato (basta con Lucy Liu!!!)
Straordinaria la colonna sonora che spazia da brani dance anni 70 a motivi tradizionali giapponesi, per finire in morbide ballate blues: il giro del mondo in una ventina di pezzi che vanno a comporre un quadro fecondo come quello che accompagnò Pulp Fiction dieci anni fa. Impossibile descrivere appieno il carico di significati alti e bassi che Kill Bill lascia alla libera interpretazione dello spettatore. Se è facile notare un collegamento tra il coma da cui si risveglia la protagonista ed il sonno creativo di Tarantino (entrambi hanno la stessa durata... 4 anni), più sottili sono i riferimenti estetici e filosofi ad una violenza che, pur brutale, assume connotati parodistici e cartooneschi.
Purtroppo però, come e forse più di altri film del regista, Kill Bill soffre in maniera drammatica di un difetto di non poco conto. È troppo lungo, anzi, troppo tirato per le lunghe e la durata di certi segmenti del film, specie la battaglia che porta al primo regolamento di conti (che in questa prima parte del film è l'ultimo in ordine temporale) stanca attori e spettatori. Intendiamoci, le coreografie e l'impatto scenico dei duelli ridicolizzano per intensità ed ferocia le laccate evoluzioni di Matrix et similia ma dopo venti minuti, la misura è colma. Evidentemente in fase di totale autocompiacimento, Tarantino allunga, distorce, plagia situazioni che potrebbero e dovrebbero risolversi con maggiore velocità. Il difetto,evidente, non nuoce però alla valutazione globale del film che de facto è agli stessi, alti livelli di Pulp Fiction. In effetti un altro difetto ci sarebbe: il dover aspettare altri quattro mesi per vedere la fine delle avventure della vendicatrice più determinata della storia del cinema. Ma questa è un'altra storia...

Kill Bill Vol. 2

Ogni inizio ha una fine.
Stavolta si comincia dalle parti di John Ford, con un esplicito omaggio a Sentieri Selvaggi e si prosegue, con salti spazio temporali e metacinematografici per la via del noir anni '50 e dell'actionmovie orientale dei mitici seventies fino a giungere (eh già) dalle parti di Fist of the North Star. Paura&panico. Ma Tarantino conosce la scuola di Okuto? Pare di sì. E non ce ne sorprendiamo.
Formalmente Kill Bill vol.2 si mantiene sugli altissimi standard del primo tempo/episodio e alterna sapientemente fasi prettamente comiche, come l'allenamento di Uma Thurman con il maestro di arti marziali cantonese, durante il quale il regista delizia la platea con le famose carrellate avanti e indietro della telecamera, tipiche delle produzioni Shaw Brothers anni 70', a momenti squisitamente drammatici come i ricordi, adagiati su un fondale bianco/nero/seppia della sposa promessa e oppressa dalla tragedia che l'ha colpita. Tutti coloro che avevano lamentato la mancanza di dialoghi brillanti nella prima parte del film saranno felici di sapere che lo "stile Tarantino" è stavolta pienamente soddisfatto e la lunga e delirante filippica che Bill fa alla sua killer preferita al termine della pellicola, va a mettersi a pieno merito sul podio occupato dal monologo di Samuel L. Jackson (qui presente in un cameo) in Pulp Fiction e della disquisizione del gruppo di iene sul significato di "Like a Virgin" in Reservoir Dogs.
Indubbiamente uno dei valori aggiunti di Kill Bill 2 è proprio Bill ovvero quel David Carradine, per il quale il tempo sembra essersi fermato. Al suo posto volevano mettere Warren Beatty e ogni amante del cinema di qualità non può che ringraziare San Quentin per la scelta del bolso attore/regista (Beatty non Quentin eh!) di lasciare il posto al mito delle arti marziali, qui in forma smagliante, capace di rubare la scena alla sempre eccellente ed attraente Thurman. La sceneggiatura, specie nelle originalissime forme con le quali elimina i personaggi dalla storia, si attesta come una delle migliori mai scritte da Tarantino che si autocita in almeno una mezza dozzina di occasioni.
L'amore per il cinema in tutte le sue forme è però il vero segno che qualunque spettatore può cogliere ad ogni inquadratura, in ogni fotogramma, un amore che permette a Quentin di firmare almeno due scene memorabili e commoventi che resteranno per sempre nella storia della settima arte: la "resurrezione" dalla sposa dalla sua tomba, con lo struggente sottofondo de "L'Arena" di Morricone ed il confronto, feroce e spietato, di quest'ultima con la risoluta e abbacinante Darryl Hannah che riscatta, in mezz'ora, dieci anni di performance dimenticabili.
Kill Bill 2 è esagerato, sopra le righe, verboso ma mai noioso e andrebbe rivisto più e più volte per apprezzarne ogni dettaglio e sfumatura. L'opera di Tarantino, presa nella sua globalità, è monumentale e straordinaria. Qualcuno, non a torto, l'ha definita la prima grande epopea del nuovo secolo e noi non possiamo che essere d'accordo.
Grazie Quentin, non ci hai deluso.

(Fonte: Mymovies.it)

Info Soundtrack Vol. 1

01 - Bang Bang (My Baby Shot Me Down) - Nancy Sinatra
02 - That Certain Female - Charlie Feathers
03 - The Grand Duel - (Parte Prima)
04 - Twisted Nerve - Bernard Herrmann
05 - Queen Of The Crime Council - (dialogue Lucy Lui and Julie Dreyfus)
06 - Ode To Oren Ishi - The RZA
07 - Run Fay Run - Isaac Hayes
08 - Green Hornet - Al Hirt
09 - Battle Without Honor or Humanity - Tomoyasu Hotei
10 - Don't Let Me Be Misunderstood - Santa Esmeralda
11 - Woo Hoo - The 5.6.7.8's
12 - Crane/White Lightning - The RZA/Charles Bernstein
13 - The Flower of Carnage - Meiko Kaji
14 - The Lonely Shepherd - Zamfir
15 - You're My Wicked Life - (dialogue David Carradine, Julie Dreyfus And Uma Thurman)
16 - Ironside (excerpt) - Quincy Jones
17 - Super 16 (excerpt) - Neu!

Info Soundtrack Vol. 2

01 - A Few Words from the Bride - (dialogue Uma Thurman)
02 - Goodnight Moon - Shivaree
03 - Il tramonto - Ennio Morricone
04 - Can't Hardly Stand It - Charlie Feathers
05 - Tu Mirá (edit) - Lole y Manuel
06 - Summertime Killer - Luis Bacalov
07 - The Chase - Alan Reeves, Phil Steele e Philip Brigham
08 - The Legend of Pai Mei - (dialogue David Carradine e Uma Thurman)
09 - L'arena - Ennio Morricone
10 - A Satisfied Mind - Johnny Cash
11 - A Silhouette of Doom - Ennio Morricone
12 - About Her - Malcolm McLaren
13 - Truly and Utterly Bill - (dialogue David Carradine e Uma Thurman)
14 - Malagueña Salerosa - Chingon
15 - Urami Bushi - Meiko Kaji

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Black Flag

noreply@blogger.com (Divorazione) — Thu, 20 Jun 2013 23:22:00 +0000

Genere: Hardcore Punk

Info Band

Black Flag Website

Il luogo è la California, quella della seconda metà degli anni 70. L'eco è quella delle devastanti performance dei Ramones e risuona come una chiamata alle armi negli interminabili pomeriggi assolati. Le spiagge immense, le onde minacciose che i surfisti cercano di dominare, la Silicon Valley che inizia a brulicare di programmatori e di appassionati di computer e robotica: in tutto questo bailamme epocale, il punk californiano vive la sua definitiva esplosione.
A Hermosa Beach, il chitarrista Greg Ginn , appena laureatosi all'UCLA, decide di mettere su una band, reclutando Chuck Dukowski (basso), Keith Morris (voce) e Brian Migdol (batteria). Nello stesso tempo, Ginn e Dukowski decidono anche di fondare un'etichetta discografica: nasce così la Sst (Solid State Transformers), destinata a diventare la più importante etichetta indipendente della storia del rock. La filosofia del "do it yourself" di lì a poco vivrà la sua fase culminante (tanto per citare un altro caso eclatante, all'inizio degli anni '80, Ian MacKaye - leader dei seminali Minor Threat e, poi, mente illuminata dei Fugazi - fonderà la "Dischord").
I Black Flag - questo il nome scelto da Ginn per la sua creatura - sono all'inizio una delle tante band di punk-rock che bazzicano i locali del Sunset Strip, in quel di Los Angeles. Qui i concerti finiscono quasi sempre per diventare delle vere e proprie mega-risse, con tanto di intervento della polizia.
Dopo un breve ma intenso periodo di rodaggio, arriva nei negozi l'Ep Nervous Breakdown, numero 001 del catalogo Sst. Siamo nel gennaio 1978. In 5 minuti e 10 secondi, i Black Flag fanno piazza pulita di qualsiasi compromesso, gridando al mondo l'angoscia di vivere, e presentando tutti i caratteri essenziali di quello che sarà definito "beach-punk", ovvero il punk miniaturizzato e nichilista, che aveva dalla sua una inedita componente "sperimentale". Poco dopo, Morris abbandona la band per fondare i Circle Jerks. A sostituirlo viene chiamato il portoricano Chavo Pederast, che prende parte alle registrazioni del secondo Ep, Jealous Again (1980). Sono i giorni che il film-documentario di Penelope Spheeris, "The Decline Of Western Civilization", renderà immortali. E tali resteranno la violenza e la rabbia con le quali Pederast filtra le mine soniche che Ginn e soci lasciano esplodere senza sosta nei pressi della sua voce. Ma i mutamenti di organico non sono ancora finiti: Pederast viene sostituito da Dez Cadena, che, però, decide di imbracciare la chitarra, andando a formare con Ginn una delle coppie più affiatate e devastanti dell'epopea punk. Come nuovo cantante, allora, viene scelto un tale che, durante un concerto newyorkese, era salito sul palco per cantare insieme con la band: Henry Rollins, già vocalist dei S.O.A. di Washington Dc. Con Robo alla batteria (subentrato a Migdol dopo la pubblicazione di Nervous Breakdown), i Black Flag sono ormai diventati una perfetta macchina da guerra, pronta a lasciare un segno indelebile nella storia del rock. Per farlo, però, hanno bisogno di un disco epilettico e poetico come solo Damaged (1981) poteva essere. Oltre ad essere uno dei più grandi dischi "punk" di sempre, Damaged è uno di quei paesaggi immaginari dove capisci che, pur essendo uno schifo abominevole, la vita è pur sempre una cosa meravigliosa. E questo perché nella voce di Rollins, nelle lancinanti progressioni di Ginn o nella ritmica impietosa e mai doma, trovi tutt'altro che angoscia o dolore: trovi il silenzio della tua stanza, il tramonto che codifica scenari impercettibili e tutto quel fottuto andirivieni di ricordi che si danno appuntamento in fondo all'anima, come una congrega di emarginati che non hanno perso la speranza di risollevarsi, un giorno. Damaged è tutto questo, ma non solo. E' anche un pugno nello stomaco per chi crede che il "punk" sia solo casino e imperizia tecnica. Ma chi non ha fatto dei pregiudizi una torre d'avorio in cui rintanarsi, sa che quei due-tre accordi e quelle ritmiche spaccasassi nascono da un bisogno più urgente e più vero di qualsiasi altra masturbazione intellettuale. A scagliare il primo proiettile ci pensa l'inno scalmanato di "Rise Above", con le chitarre torrenziali e acide della premiata ditta Ginn/Cadena. La voce di Rollins si presenta subito potente e sicura, senza fronzoli. "Spray Paint" è uno dei loro classici punk "tascabili", nello stile miniaturizzato che farà la fortuna dei Minutemen. "Six Pack", introdotta dal basso rutilante di Dukowski, è una slam-dance caotica e ipercinetica, infilzata dalle stilettate lisergiche di Ginn. "What I See" è il segno tangibile che la rabbia che scorre tra questi solchi è di razza purissima: è la rabbia di chi non ha nient'altro da perdere (sentire le urla di Rollins, che cavalcano quell'andatura singhiozzante, fa un certo effetto; e chissà perché tornano alla mente certe immagini di guerriglia urbana, in quel di Genova.). E così, quando arriva "Tv Party", con la sua vena sarcastica e i suoi coretti idioti, ci si sente un tantino spiazzati salvo, poi, concludere che si tratta di une delle loro terribili invettive. A riaccendere la miccia, ci pensano la solita chitarra incendiaria di Ginn e l'urlo sgraziato di Rollins, che preparano l'assalto di "Thirsty And Miserable"; ecco, poi, sopraggiungere il caos supersonico di "Police Story" (con delle progressioni impagabili e furiose) e la selvaggia "Gimmie Gimmie Gimmie", che chiudeva il lato A quando ancora il compact-disc era un miraggio. Il lato B si apriva con un'altra delle loro slam-dance al cardiopalma, "Depression", con Ginn e Cadena intenti, più che mai, a elaborare la loro sintesi di distorsione e sudore. "Room 13" si arrampica su una chitarra ora stridula ora solenne, mentre Robo, alla batteria, si esibisce in uno spericolato stop-and-go. L'eccezionale lavoro di Ginn diventa ancora più memorabile in "Damaged II", dove si susseguono vortici dissonanti, distorsioni in libera uscita e assoli al fulmicotone. La sua chitarra brucia come il sole della California. "No More" e "Padded Cell" continuano nell'opera di destabilizzazione emotiva, mentre "Life Of Pain", introdotta da vaghi sapori hendrixiani, sembra apparentemente abbassare il livello di guardia. Apparentemente... Chiude l'album, lo psicodramma di "Damaged I", vero tour de force emotivo per un Rollins che sembra un animale in gabbia (si tratta dell'unico brano in cui il Nostro è co-autore, e, non a caso, è proprio qui che è possibile rintracciare il seme della sua carriera solista). Sul passo mid-tempo della batteria, l'uomo di Washington D.C. scioglie il suo ultimo gemito: "Nobody comes in! Damage. My Damage. No one comes in! Stay Out!!!". Ciò che resta è un senso di desolazione estrema, totale. La grandezza di Damaged è quella di aver elevato, una volta per tutte, l'hardcore a "prospettiva generazionale", di averne fatto quasi un "occhio cinematografico", perennemente rivolto su quella terra, ai limiti del collasso, che è la California a cavallo tra i '70 e gli '80. E' la stessa California che terroristi sonici quali Chrome, Mx-80 Sound o Tuxedomoon stanno sviscerando nel buio delle loro tane. Dopo aver registrato l'album, la band firmò un contratto con la Unicorn Records, una sussidiaria della Mca. Ma la label si rifiutò di distribuire l'album, sostenendo che il suo contenuto fosse troppo volgare e pericoloso. Senza scoraggiarsi, Ginn decise, così, di pubblicare l'album sulla sua Sst. Sulla copertina venne affisso uno sticker che recitava ironicamente: "Come genitore, credo che questo sia un album contro i genitori". L'album ottenne ottime recensioni sulla stampa specializzata, mentre la Unicorn denunciava la Sst e i Black Flag. La band fu costretta per i successivi due anni a rinunciare all'uso del proprio nome, ma, nel frattempo, decise di continuare il tour di supporto a Damaged .
Nel 1983, venne dato alle stampe Everything Went Black, una raccolta di materiale inedito e di versioni alternative appartenenti al periodo pre-Rollins. Nello stesso anno, inoltre, la Sst pubblicò l'antologia The First Four Years, che raccoglieva Ep e singoli usciti prima di Damaged.
La causa legale con la Unicorn ebbe fine quando la label andò in bancarotta - e ben gli sta! Intanto, Cadena aveva abbandonato la band, e con esso se ne erano andati anche Dukowski e Robo (quest'ultimo per raggiungere i Misfits). Rollins e Ginn, chiamato alla batteria l'ex Descendents Bill Stevenson, registrano e pubblicano, sempre nel 1983, l'album My War, con Ginn a dividersi tra chitarra e basso. Si tratta di un lavoro irrisolto, a tratti anche noioso. Se la prima parte può vantare una dignitosa title-track e un livello medio discreto, la seconda parte, invece, si perde tra virtuosismi e nonsense chitarristici che cercano di mascherare, in modo del tutto maldestro, un preoccupante calo d'ispirazione. Il lavoro successivo, Slip It In (1984), riaccende l'interesse intorno alla band californiana, che cerca di trovare nuove strade espressive attraverso una interessantissima sintesi tra l'hardcore più evoluto e certe reminiscenze avanguardistiche. Le influenze maggiori, però, vengono da certo heavy-metal degli anni '70, soprattutto da band quali Black Sabbath e Hawkwind. A ogni buon conto, però, lì dove i nostri falliscono nei loro intenti, ci troviamo di fronte a una semplice quanto poco proficua reiterazione dei classici stilemi del rock più duro. Tra i brani, vanno segnalati almeno "Wound Up", "The Bars" e "Rat's Eyes".
Family Man, dello stesso anno, si presenta come uno dei lavori più sperimentali della band. Una intera facciata è occupata dalle "spoken-words" di Rollins, qui intento a rinverdire gli exploit poetici di Jim Morrison. La seconda facciata, invece, presenta brani strumentali nel nuovo stile sperimentale di Ginn. La musica è vibrante, eccitante, ed è pervasa da una certa attitudine "pop", nel solco di quanto stavano facendo gli Husker Du in quel di Minneapolis (altri problemi causò la copertina dell'album, che raffigurava un uomo con una pistola puntata alla tempia, e la moglie ed i figli massacrati ai suoi piedi). Loose Nut è il primo dei tre album che la band pubblica nel 1985. Rispetto al precedente, si riconoscono evidenti cali di tensione espressiva, che soltanto in rare occasioni ("This Is Good", "Annichilate This Week") riportano ai climi infuocati di un tempo. Solo pochi mesi, e In My Head fa riassaporare finalmente quelli che sono i Black Flag più genuini. Denso, potente e senza compromessi, il sound sembra essersi finalmente liberato dagli orpelli sperimentali che avevano finito per sommergere la vitalità della band. Ma è solo un'impressione, perché poco dopo ecco arrivare The Process Of Wedding Out, che, mentre recupera la componente sperimentale, finisce anche per consegnare alla storia del rock un esempio superlativo di jazz-punk, dove i virtuosismi di Ginn hanno finalmente trovato un amalgama prossimo alla perfezione con il resto della band. La violenza esecutiva e l'attitudine ribelle e iconoclasta del punk-hardcore vengono passate al setaccio da strutture armoniche di chiara derivazione jazz. E Ginn e soci (tra cui l'ottima bassista Kira) possono dimostrare, senza remora alcuna, tutto il loro valore di musicisti. Giusto il tempo di registrare un album dal vivo (Who's Got The 10 1/2 ?), e la stella dei Black Flag smette di brillare. Siamo nel 1986, e Ginn decide di approfondire il nuovo discorso musicale dando vita ai Gone. Rollins, invece, proseguirà con una carriera solista densa di soddisfazioni e di grandi risultati artistici. Ma questa, come si dice, è un'altra storia.

(Fonte: ondarock.it)

Demo [Panic w Keith Morris] (1978)

01 - No Value
02 - White Minority
03 - I Don't Care
04 - Gimme Gimme Gimme
05 - Wasted
06 - I Don't Care
07 - Instrumental
08 - I Don't Care (source II)

Nervous Breakdown (1978) [EP]

01 - Nervous Breakdown
02 - Fix Me
03 - I've Had It
04 - Rat's Eyes
04 - Wasted

Jealous Again (1980) [EP]

01 - Jealous Again
02 - Revenge
03 - White Minority
04 - No Values
05 - You Bet We've Got Something Against You!

Damaged (1981)

01 - Rise Above
02 - Spray Paint
03 - Six Pack
05 - Tv Party
06 - Thirsty And Miserable
07 - Police Story
09 - Depression
10 - Room 13
11 - Damaged 2
12 - No More
13 - Padded Cell
14 - Life Of Pain
15 - Damaged 1

Louie Louie (1981) [Single]

01 - Louie Louie
02 - Damaged I

Six Pack (1981) [EP]

01 - Six Pack
02 - Ive Heard it Before
03 - American Waste

100 Club, London, 15 December 1981 (1981)

01 - Rise Above
02 - Revenge
03 - American Waste
04 - I've Heard It Before
05 - Room 13
06 - Depression
07 - Scream [early take]
08 - I've Had It
09 - Nervous Breakdown
10 - Jealous Again
11 - Spray Paint
12 - Damaged I
13 - Six Pack
14 - No Values
15 - Clocked In
16 - Life Of Pain
17 - Fix Me
18 - Police Story [instrumental]

TV Party (1982) [EP]

01 - TV Party
02 - I've Got To Run
03 - My Rules

Everything Went Black (1982)

01 - Gimmie Gimmie Gimmie
02 - I Don't Care
03 - White Minority
04 - No Values
05 - Revenge
06 - Depression
07 - Clocked In
08 - Police Story
09 - Wasted
10 - Gimmie Gimmie Gimmie
11 - Depression
12 - Police Story
13 - Clocked In
14 - My Rules
15 - Jealous Again
16 - Police Story
17 - Damaged I
18 - Louie Louie
19 - No More
20 - Room 13
21 - Depression
22 - Damaged II
23 - Padded Cell
24 - Gimmie Gimmie Gimmie
25 - Crass Commercialism



The Complete Demos And More (1982)

1 - What Can You Believe
2 - Yes I Know
3 - Slip It In
4 - Modern Man
5 - My War
6 - Black Coffee
7 - Beat My Head
8 - I Cant Decide
9 - I Love You
10 - Nothing Left Inside
11 - I Love You
12 - My War
13 - Interview
14 - Swinging Man

The First Four Years (1981)

01 - Nervous Breakdown
02 - Fix Me
03 - I've Had It
04 - Wasted
05 - Jealous Again
06 - Revenge
07 - White Minority
08 - No Values
09 - You bet we've got something personal against you!
10 - Clocked in
11 - Six pack
12 - I've Heard it Before
13 - American Waste
14 - Machine
15 - Louie Louie
16 - Damaged 1

Family Man (1984)

01 - Family Man
02 - Salt On A Slug
03 - Hollywood Diary
04 - Let Your Fingers Do The Walking
05 - Shed Reading(Rattus Norvegicus)
06 - No Deposit, No Return
07 - Armaggedon Man
08 - Long Lost Dog Of It
09 - I Won't Stick Any Of You Unless And Until I Can Stick All Of You!
10 - Account For What
11 - The Pups Are Doggin It

My War (1984)

01 - My War
02 - Can't Decide
03 - Beat My Head Against The Wall
04 - I Love You
05 - Forever Time
06 - The Swinging Man
07 - Nothing Left Inside
08 - Three Nights
09 - Scream

Slip It In (1984)

01 - Slip It In
02 - Black Coffee
03 - Wound Up
04 - Rat's Eyes
05 - Obliteration
06 - The Bars
07 - My Ghetto
08 - You're Not Evil

In My Head (1985)

01 - Paralyzed
02 - The Crazy Girl
03 - Black Love
04 - White Hot
05 - In My Head
06 - Out Of This World
07 - I Can See You
08 - Drinking And Driving
09 - Retired At 21
10 - Society's Tease
11 - It's All Up To You
12 - You Let Me Down

Live '84 (1985)

01 - The Process Of Weeding Out
02 - Nervous Breakdown
03 - I Can't Decide
04 - Slip It In
05 - My Ghetto
06 - Black Coffee
07 - I Won't Stick Any Of You Unless And Until I Can Stick All Of You
08 - Forever Time
09 - Fix Me
10 - Six Pack
11 - My War
12 - Jealous Again
13 - I Love You
14 - Swinging Man
15 - Three Nights
16 - Nothing Left Inside
17 - Wound Up
18 - Rats Eyes
19 - The Bars

Loose Nut (1985) [LP]

01 - Loose Nut
02 - Bastard In Love
03 - Annihilate This Week
04 - Best One Yet
05 - Modern Man
06 - This Is Good
07 - I'm The One
08 - Sinking
09 - Now She's Black

The Process of Weeding Out (1985) [EP]

01 - Your Last Affront
02 - Screw the Law
03 - The Process of Weeding Out
04 - Southern Rise

Minuteflag (1986) [EP-Split with Minutemen]

01 - Fetch The Water
02 - Power Failure
03 - Friends
04 - Candy Rush

Who's Got The 10 And A Half ? (1986) [Live]

01 - Loose Nut
02 - I'm The One
03 - Annihilate
04 - Wasted
05 - Bastard In Love
06 - Modern Man
07 - This Is Good
08 - In My Head
09 - Sinking
10 - Jam
11 - The Best One Yet
12 - My War
13 - Slip It In/Gimmie, Gimmie, Gimmie
14 - Drinking And Driving
15 - Louie, Louie
16 - Out Of This World (from In My Head)
17 - It's All Up To You (from In My Head)

Wasted Again (1987)

01 - Wasted Again
02 - T.V. Party
03 - Six Pack
04 - I Don't Care
05 - I've Had It
06 - Jealous Again
07 - Slip It In
08 - Annihilate This Week
09 - Loose Nut
10 - Gimmie, Gimmie, Gimmie
11 - Louie Louie
12 - Drinking And Driving

I Can See You (1989) [EP]

01 - I Can See You
02 - Kickin' & Stickin'
03 - Out Of This World
08 - You Let Me Down

Annihilate This Week (1990) [EP]

01 - Annihilate This Week
02 - Best One Yet
03 - Sinking

1983 Demo's (2004)

A1 - What Can You Believe
A2 - Yes, I Know
A3 - Slip It In
A4 - Modern Man
A5 - My War
A6 - Black Coffee
B1 - Beat My Head
B2 - I Can't Decide
B3 - I Love You
B4 - Nothing Left Inside

Live in San Francisco 1982 (2010)

01 - Scream
02 - Revenge
03 - I've Got To Run
04 - My Rules
05 - I've Heard It Before
06 - Room 13
07 - Depression
08 - I've Had It
09 - Nervous Breakdown
10 - Jealous Again
11 - Damaged I

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Dead Kennedys

noreply@blogger.com (Divorazione) — Sun, 16 Jun 2013 19:12:00 +0000

Genere: Hardcore Punk, Anarcho Punk, New York Punk

Info Band

Dead Kennedys Website

"Dobbiamo dimostrare che adesso siamo diventati adulti. Non siamo un gruppo punk, siamo un gruppo new wave."
(Jello Biafra)

Se si è abituati a vedere la musica rock da una prospettiva storica, e cioè come un continuo processo di trasformazione e contaminazione dei vari generi e stili, allora è probabile che la parabola dei Dead Kennedys per molti rappresenti lo stadio finale del processo di mutazione del punk in hardcore. Fenomeno nato a New York con i Ramones nel 1976, il punk, ed emigrato in Gran Bretagna per mostrarsi al mondo intero, sfociato poi in due importanti movimenti culturali oltre che musicali: la new wave e l’hardcore. Si sta semplificando, ovvio: probabilmente punk lo erano già gli Who, i New York Dolls, gli MC5 e gli Stooges; ancor prima, forse, lo era Link Wray. Ma se è complicato stabilire come si arrivi al punk, appare più semplice delineare come da quest’ultimo si arrivi all’hardcore. Basta trasferirsi in California e chiedere dei Germs a Los Angeles e dei Dead Kennedys a San Francisco. Nel 1979 la band di Derby Crash (morto a 22 anni nel 1980) pubblicava, infatti, quell’immensa, seminale pietra miliare chiamata "(GI)", che rimane il loro unico album vero e proprio; ma tanto bastò per far sì che il proto-punk di Detroit, la foga punk‘n’roll newyorchese e il nichilismo dei Sex Pistols venissero centrifugati, amplificati e soprattutto accelerati in violenza sonora, potenza ritmica e dramma esistenziale (“We must bleed”, “dobbiamo sanguinare”, fu la loro “Anarchy In The U.K.”). Ai Dead Kennedys, allora, spettò il compito finale: quello di istituzionalizzare (che brutto termine!) l’hardcore (ritmi più veloci, chitarre più pirotecniche e “I don’t need your way of life”), riscoprendo anche una consapevolezza politica e sociale, seppur ferocemente connotata da ironia e cinismo. Il loro album d’esordio sarà all’insegna del proto-hardcore più ferino e mirabolante mai ascoltato, laddove il successivo mini In God We Trust apparirà come il più classico dei dischi di un genere che, insieme ai coevi lavori di Minor Threat e Black Flag, andava raccogliendo l’eredità più ferina del punk. Sono proprio gruppi come gli appena citati Black Flag e Minor Threat, insieme a molti altri nomi "minori" della scena hardcore come TSOL e MDC, a dover molto al gruppo di Jello Biafra. Infatti, i Dead Kennedys, pur esordendo su disco nel 1980, erano già attivi a San Francisco sin dal 1978, mentre l’anno successivo pubblicavano su singolo “Califonia Uber Alles”, portando in giro per i locali californiani un tipo di musica che loro stessi definivano new wave; una definizione che a molti farà storcere il naso, ma che a ben vedere non è campata in aria. In un certo senso i Dead Kennedys erano la dimostrazione che il punk era maturato e l’hardcore che da esso era nato non era che una nuova, più violenta e consapevole, onda punk.
La band venne fondata da Eric Boucher, che si ribattezzò Jello Biafra, prendendo a prestito il marchio commerciale di un dolce gelatinoso (Jell-O) e il nome di una regione secessionista nigeriana (il Biafra), dal chitarrista East Bay Ray, dal bassista Klaus Flouride e dal batterista Carlos Cardona, che venne presto sostituito da Bruce Slesinger. Biafra era una sorta di agitatore politico, famoso a San Francisco per essersi candidato a sindaco, nel 1979, con un programma elettorale pseudo-anarchico, ottenendo il non irrisorio risultato di arrivare quarto, col 4% dei voti, su dieci candidati.
L’anno dopo vide la luce Fresh Fruit For Rotting Vegetables, album in cui, in effetti, di politica ce n’è tanta, anche se fortunatamente le liriche non scadono mai nella semplicistica propaganda o nell’innocuo moralismo. Non erano politically correct, i Dead Kennedys, e come potevano esserlo con quel nome, e la copertina di questo primo album, una fotografia che mostra una scena di guerriglia urbana durante le White Night Riots , ne è un chiaro esempio: una foto in bianco e nero, macchine della polizia che bruciano, le fiamme che salgono verso il cielo, il fumo che si sperde nell’aria. In alto, a sinistra, una scritta verde a caratteri gotici con il nome del gruppo, “Kennedy Morti”. Sacrilegio, eresia, bestemmia.
Nome della band e packaging del disco ebbero da soli già effetti deleteri sulla fama del gruppo, a prescindere dalla violenza sonora e verbale della musica, tanto che la Irs Records, etichetta americana per cui la band aveva firmato, riscontrò enormi difficoltà nella distribuzione del disco; alla fine fu l’etichetta inglese Cherry Red a rendere reperibile, tramite importazione ovviamente, l’album in America. Non è un caso dunque che l’esordio dei Dead Kennedys vendette meno in America che in Inghilterra; addirittura i Dead Kennedys partirono per un tour in terra d’Albione dove mostrarono che se in Gran Bretagna e in gran parte degli Usa il punk era morto mentre partoriva la new wave, in California si era trasformato in hardcore. Le canzoni di Fresh Fruit For Rotting Vegetables sono sparate a una velocità folle: detonano nel chitarrismo brado di East Bay Ray e nelle performance istrioniche di Jello Biafra; crepitano nella dinamitarda sezione ritmica allestita da Klaus Fluoride e Bruce Slesinger. L’inizio di "Kill The Poor" distorce gli stilemi di certo pop-rock britannico: è come nuclearizzare i Beatles o i Kinks a base di riff trucemente acidi (East Bay Ray in tale pratica si destreggiava particolarmente); da parte sua, Biafra declama come un clown scalmanato, mentre la sezione ritmica accelera bruscamente accompagnando un ritornello al fulmicotone. “I don’t need this fucking world”, "Non ho bisogno di questo fottuto mondo", urla Biafra nella successiva "Forward To Death": più che una canzone, un empito deflagrante di un minuto e venti secondi. "When Ya Get Drafted" è il manifesto estetico del rock proposto dai Dead Kennedys: ci sono l’ironia (espressa attraverso il canto malato di Biafra), la ferocia (presente nelle devastazioni ritmiche di Fluoride e Slesinger) e il senso del macabro (avvertibile nelle armonie tremolanti tratteggiate da East Bay Ray). Ma i Dead Kennedys, pur essendo già con un piede nella fossa dell’hardcore, con l’altro restano miracolosamente attaccati a un’idea malsana di rock’n’roll, propulsivo e corrosivo all’ennesima potenza ("Let’s Lynch The Landroad", "Stealing People’s Mail", "Funland At The Beach" e la cover di "Viva Las Vegas", canzone resa famosa da Elvis). I pezzi più complessi sono senz’altro "Chemical Warfare" (furioso ballo belligerante, interrotto da uno scarmigliato giro di valzer), "Ill In The End" (un pezzo talmente distorto, caratterizzato da repentine involuzioni ritmiche e armoniche, da farsi quasi decostruito) e il mantra atomico di "Drug Me". La strada verso l’hardcore viene spianata da pezzi atroci quali "I Kill Children" e "Forward To Death", le cui liriche sono, per livore, impatto e realismo, un vero e proprio calcio nei coglioni: “I kill children/ I love to see them die/ I kill children/ And make their mammas cry" ("Io uccido bambini/ Amo vederli morire/ Io uccido bambini/ E faccio piangere le loro madri"). E infine ci sono i due insuperati capolavori del disco: "California Über Alles" e "Holyday In Cambodia". "California Über Alles" è un’invettiva lanciata all’allora governatore della California Jerry Brown, con riferimenti al nazismo e al romanzo "1984" di George Orwell: “I will be Fuhrer one day... now it’s 1984” ("Un giorno sarò un Furher... adesso è il 1984"). Il pezzo inizia con il sordo maciullare dei tamburi aggrediti dal rumor bianco della chitarra, ed esplode poi in un anthem tanto memorabile quanto nefasto. "Holyday In Cambodia" è invece una sorta di viaggio punk-psichedelico la cui rotta è tracciata dalla chitarra di East Bay Ray, che dilata l’atmosfera per mezzo di prolungati riff liquidi, e dall’interpretazione di Biafra, che raggiunge picchi di cinismo, isteria e delirio nel proporre tanto a collegiali radical-chic che a figli viziati di buone famiglie una “bella” vacanza in Cambogia, in mezzo alla guerra civile e agli stermini sistematici operati dal guerrigliero-dittatore Pol Pot, il cui nome è anche citato alla fine del testo, ma con valore esclusivamente onomatopeico.
Nel 1981 i Dead Kennedys tornarono con un nuovo Ep, In God We Trust, Inc., e con una nuova line-up (Bruce Slesinger era stato sostituito da D.H. Peligro). Il nuovo innesto dietro ai tamburi diede un’ulteriore accelerata ai brani: il ritmo delle canzoni divenne più incalzante, mentre le liriche di Biafra gettavano altra benzina sul fuoco già appiccato con l’album precedente. I brani simbolo di quest’ultimo passo verso l’hardcore sono “Nazi Punk Fuck Off!”, che rappresenta una dura abiura dell’ala nazistoide del punk, e “Religious Vomit”, che è invece un attacco a tutte le religioni, accusate di adescare fedeli promettendo loro l’eternità in cambio di soldi (“free for a fee”). A questo proposito, risulta esplicativo anche l’artwork di copertina del disco, ideato dallo stesso Biafra e realizzato dal grafico Winston Smith, che mostra l’immagine di un Cristo crocifisso su una croce fatta di invitanti bigliettoni. Ma stavolta, per evitare problemi di distribuzione e aggirare ogni tipo di censura, Biafra decise di fondare una propria etichetta, la Alternative Tentacles, che non solo producesse In God We Trust, Inc. e i successivi album dei Dead Kennedys, ma che sostenesse anche altre band emergenti della scena hardcore statunitense (memorabile fu la compilation dal titolo “Let Them Eat Jellybeans”, licenziata dalla neonata label nel 1981, nella quale comparivano, tra le altre, band del calibro di Black Flag, Bad Brains, Half Japanese, Flipper, Circle Jerks e DOA).
Come già accennato in precedenza, con Peligro ai tamburi la ritmica delle canzoni accelera bruscamente e i tempi diventano quelli serratissimi dell’hardcore vero e proprio. Ciò comporta dei cambiamenti anche per gli altri elementi del combo: le asprezze delle chitarre raggiungono il loro apice, che diverrà in qualche modo anche uno standard, mentre il canto da giullare rivoluzionario di Biafra si assesta su declamazioni più dure e dirette, seppur colorate da estrose sfumature timbriche. Gli elementi portanti dell’hardcore vengono definiti chiaramente in pezzi come "Hyperactive Child", "Kepone Factory", "Dog Bite", nonché nelle già citate “Religious Vomit” e “Nazi Punks Fuck Off”, in un disco che, nonostante la brevità, resta un punto di partenza (o di arrivo, dipende dai punti di vista) per la musica hardcore tutta. Si sottraggono parzialmente a tali schemi solo "Moral Majority", che prima di scatenarsi in un pandemonio immane si cinge di insoliti umori liturgici, e “We’ve Got A Bigger Problem Now”, ovvero una sorprendente prova d’abilità camaleontica dei Nostri, che trasformano “California Über Alles” in uno swing per jazzisti falliti (il bersaglio di Biafra stavolta non è Jerry Brown, ma un certo Ronald Reagan)!
Jello Biafra - Dead KennedysIl seguito non si fece attendere molto; nel novembre del 1982, infatti, arrivò nei negozi Plastic Surgery Disasters, disco che da un lato consolida gli stilemi dell’hardcore, confermando la formula stilistica dei due dischi precedenti, e dall’altro camuffa in avamposti dinamitardi inflessioni rock’n’roll (l’andamento di “Halloween” ricalca quello dei classici del rockabilly), surf (in questo caso, mettete a verbale l’incipit di “Forest Fire”), ska (gli irriverenti contrappunti di sax e clarinetto in “Terminal Preppie”) e persino pop (“Moon Over Marin” è un’insolita gemma melodica, resa leggermente grezza dalla performance vocale di Biafra, in grado di competere con gli Husker Du più ispirati nel fondere hardcore e pop). A ben vedere, una delle qualità principali della band californiana è stata proprio la capacità di saper declinare al verbo hardcore una piccola fetta di quel nutrito sottobosco di musiche che sono per tradizione prettamente americane (certo, non possono esserci tracce di blues o di folk nella musica dei Dead Kennedys, ma, come si è già visto, è altrettanto vero che il rock’n’roll e la musica surf sono territori comunque forieri di spunti per la band di Biafra, così come lo diverrà in futuro la musica country). Ovviamente tutto ciò non preclude ai quattordici brani in scaletta di imporsi come veri e propri carri armati sonori, pronti a devastare tutto quello che incontrano lungo la loro strada: dalle orecchie dell’ascoltatore al suo cervello. La sezione ritmica è ormai collaudata: il basso di Klaus Flouride ha il compito di avviare i brani e di aprire la strada agli straripamenti ritmici di Peligro, mentre East Bay Ray con la sua chitarra si produce, oltre che nel suo consueto campionario di disarmonie efferate, in assoli al fulmicotone meno strabordanti che in precedenza, ma non meno efficaci. I testi di Biafra, come al solito, sono invettive politiche e sociali scagliate con rabbia e acrimonia: il trash’n’roll di “Bleed For Me” denuncia le torture e gli stermini compiuti dalla Cia in nome della pace, mentre la già citata “Terminal Preppie” si scaglia invece contro i “preppie” (termine intraducibile che designa una tipologia di persone simile ai nostri paninari, tanto per intenderci, solo un po’ più cool perché tipici collegiali). L’unico appunto che si può muovere a Plastic Surgery Disasters è la mancanza di brani clamorosi, capaci di racchiudere in sé l’essenza del disco, della band e, perché no, di un’intera scena musicale (in fondo è quello che avevano fatto le varie “California Über Alles”, “Kill The Poor” e “Holiday In Cambodia”). La loro rivoluzione, però, i Dead Kennedys l’avevano già fatta, e al loro terzo disco non si poteva chiedere altro che omogeneità stilistica e alta qualità media dei brani; obiettivi, questi, centrati in pieno. Allora, se proprio si dovesse indicare un brano su tutti, la scelta non potrebbe non ricadere su “Riot”, canzone di sei minuti che inizia come un pezzo di cabaret dell’orrore e prosegue in una cavalcata sinistra, scandita da tamburi ancestrali e fuzz lisergici. La riedizione più recente dell’album, quella della Manifesto del 2001, accoppia Plastic Surgery Disasters al precedente Ep: una ristampa imperdibile.
L’uscita di Frankenchrist nell’ottobre del 1985 coincide con un punto di arresto nell’elevata qualità dei lavori discografici dei Dead Kennedys riscontrata fino a Plastic Surgery Disasters. Frankenchrist è un disco anche coraggioso in un certo senso, perché rifugge quasi completamente gli schemi canonici dell’hardcore, ma allo stesso tempo si tratta anche di un lavoro non molto convincente: in pratica, la band californiana evita di cadere nella padella della ripetizione stantia di modelli ormai cementati, finendo però nella brace di un rock certo variegato (dai retaggi dark-psichedelici di “A Growing Boy Needs His Lunch” al western tirato a lucido di “Goons Of Hazzard” passando per il pogo psychobilly di “Macho-Rama”), ma in fondo convenzionale e inoffensivo, nonostante la consueta verve polemica delle liriche (“Chicken Farm” è forse il brano più sciatto mai inciso dai Nostri). Anche il canto di Biafra risulta in qualche modo ingentilito e non più feroce come in passato, tanto da sciorinare con nonchalance persino performance da crooner nottambulo come nell’iniziale “Soup Is A Good Food”. Si registrano altre anomalie nelle trombe mariachi di “Mtv Get Off The Air” e nei pesanti zampilli di synth che trasformano “At My Job” in un improbabile tribal-industrial alla 23 Skidoo; anomalie che però non sarebbero in sé dannose, se non fosse per quella patina di gratuità che le avvolge. Appena un anno dopo, nel novembre del 1986, Biafra e soci rispolverarono l’artiglieria pesante in Bedtime For Democracy: ventuno pezzi, di cui diciotto dalla durata media di due minuti. Sfoderata di nuovo la brutalità messa da parte nel disco precedente, i Dead Kennedys ricorrono comunque, in modo sporadico ma caparbio, a stilemi ritmici e armonici derivati stavolta dalla musica country (le iniziali “Take This Job And Sove It”, rilettura di un brano di David Allan Coe, e “Hope With The Jet Set”). La scaletta dell’ultimo disco in studio dei Dead Kennedys è completata da altri tre brani più lunghi: “Cesspools In Eden”, brano non certo memorabile ma che si segnala per gli schizzi elettrici di East Bay Ray; “Chickenshit Conformist”, che vive di improvvisi cambi di tempo; “Lie Detector”, impetuoso e perfetto inno hardcore-punk. Anche Biafra nei suoi testi ritrova acume e brillantezza, spiattellando in faccia ai bulli hardcore-metal la loro insicurezza in “Macho Insecurity” e inveendo contro gli ipocriti acquirenti di spille e maglie con il simbolo dell’anarchia in “Anarchy For Sale”.
La storia dei Dead Kennedys in quanto gruppo finisce nel 1986, prima ancora della pubblicazione di Badtime For Democracy. Il brutto periodo per i Nostri era iniziato infatti l’anno in cui era stato pubblicato Frankenchrist, che conteneva la riproduzione di un’opera del grande artista H.R. Giger dal titolo “Penis Landscape”, “paesaggio di peni”. Le irriducibili associazioni di genitori rompipalle e bigotti temettero per l’incolumità psichica dei loro figli e intentarono causa all’Alternative Tentacles. Alla fine il processo si concluse con un nulla di fatto (in culo al perbenismo moralista; mi si perdoni il linguaggio inelegante) ma il sostenimento delle spese legali aveva comunque messo sul lastrico Biafra e soci, inducendoli alla separazione. Il vocalist avvierà una carriera solista dignitosa, ma sarà trascinato in tribunale nel 2000 proprio dai suoi ex-compagni in merito a questioni di royalties: East Bay Ray, Peligro e Flouride lo accusarono di aver incassato larga parte dei diritti d’autore delle canzoni senza corrispondere agli altri tre la vera somma che a loro spettava. Biafra fu condannato per frode e dovette versare nelle tasche degli ex-membri dei Dead Kennedys la bellezza di duecentomila dollari. Sono in molti a pensare che in realtà i tre trascinarono Biafra in tribunale per vendicarsi della mancata concessione di “Holiday In Cambodia” per uno spot della Levi’s. Seguiranno un triste teatrino di reciproche accuse, dispute sulle attività commerciali legate al marchio Dead Kennedys e all’utilizzo delle loro canzoni in film e spot e persino un nuovo processo, che si concluse con la concessione agli altri tre membri di riesumare la sigla Dead Kennedys senza la presenza del suo fondatore storico.
Tornando alla musica, c’è ancora da segnalare la pubblicazione di Give Me Convenience Or Give Me Death, gustosa raccolta di b-side e rarità, uscita nel 1987 sempre per la Alternative Tentacles. Il doppio colpo iniziale di “Police Truck” e “Too Drunk To Fuck” è senza dubbio micidiale, ma sono notevoli anche episodi come “The Man With The Dog”, “Life Sentence” e “Saturday Night Holocaust”, tutte canzoni che grondano sangue, adrenalina e napalm. Risultano interessanti, poi, sia le single version di capolavori come “California Über Alles” e “Holyday In Cambodia”, presentate in vesti leggermente meno enfatiche e morbose, sia la cover di un classico di Bobby Fuller come “I Fought The Law”. Resa epica e commovente (un’esplosione di gioia ribelle incontenibile) nelle versione che nel 1977 ne diedero i Clash, “I Fought The Law” diventa nelle mani dei Dead Kennedys più minacciosa e disillusa. Sono da segnalare, infine, anche i divertissment live di “Pull My String” (inizia accennando “California Über Alles”, poi fagocita “My Sharona” dei Knack, facendola diventare polemicamente “My Payola[2]”, ed esplode in un canto liberatorio ed esaltante) e “Night Of The Living Rednecks” (la sezione ritmica improvvisa un be-bop e Biafra ci ricama su una storia da declamare delirando). Se questi diciassette brani si possono considerare, almeno dal punto di vista discografico, dei figli minori, non si può però non riconoscere l’indubbio valore di una raccolta che, lungi dall’essere una semplice accozzaglia di materiale celebrativo, ci restituisce alcuni degli episodi meno conosciuti, ma ugualmente meritevoli di interesse, della band californiana.
Nel 2001 la Manifesto Record pubblicò il disco live Munity On The Bay, che raccoglie brani dal vivo registrati in giro per gli States dal 1982 al 1986, al quale fece seguito l’uscita nel 2004 del ben più importante Live At The Deaf Club, registrazione di un intero concerto che i Dead Kennedys tennero al Deaf Club di San Francisco il 3 marzo del 1979. Quest’ultimo live, rispetto al precedente, è vivamente consigliato, non solo perché si tratta di un’importante testimonianza storica in presa diretta, ma anche in virtù di una scaletta mozzafiato: da una sorprendente versione funk di “Kill The Poor” alla prima versione di “When Ya Get Draft intitolata “Back In Rhodesia”, dalle immancabili “California Über Alles” e “Holiday In Cambodia” a “Police Truck”, dalle piacevoli riletture di Honeycombs (“Have I The Right?”) e Beatles (“Back In The U.S.S.R.”) alla ormai classica cover di “Viva Las Vegas”.
È bello ricordarli così i Dead Kennedys, incazzati col mondo ma non ancora lacerati da beghe legali e da dissapori, lontani dalle trappole e dalle brutture che il sistema dell’industria discografica indipendente aveva in serbo per loro (si può giocare a fare i dissidenti quanto si vuole, ma alla fine il denaro ha sempre la meglio sulla musica, purtroppo). E non ha nemmeno tanta importanza sapere se avesse ragione Biafra o i suoi ex-compagni, non ha senso schierarsi con gli uni o con l’altro come hanno fatto molti fan, perché la memoria dei Dead Kennedys, quelli veri e rivoluzionari e non le macchiette riunitesi negli ultimi anni solo per racimolare qualche soldo, sarebbe dovuta venire prima di tutto. Über Alles.

(Fonte: ondarock.it)

Demos (1978)

01 - Kepone Kids
02 - Dreadlocks Of The Suburbs
03 - Rawhide
04 - Mutations Of Today
05 - Cold Fish
06 - Forward To Death
07 - Viva Las Vegas
08 - Unknown
09 - Unknown 2
10 - Forward To Death
11 - California Uber Alles
12 - Your Emotions
13 - Kill The Poor
14 - Holiday In Cambodia
15 - Kidnap
16 - Man With The Dogs
17 - I Kill Children

Fresh Fruit For Rotting Vegetables (1980)

01 - Kill The Poor
02 - Forward To Death
03 - When Ya Get Drafted
04 - Let's Lynch The Landlord
05 - Drug Me
06 - Your Emotions
07 - Chemical Warfare
08 - California Uber Alles
09 - I Kill Children
10 - Stealing Peoples' Mail
11 - Funland At The Beach
12 - Ill In The Head
13 - Holiday In Cambodia
14 - Viva Las Vegas

In God We Trust Inc (1981) [EP]

01 - Religious Vomit
02 - Moral Majority
03 - Hyperactive Child
04 - Kepone Factory
05 - Dog Bite
06 - Nazi Punks Fuck Off
07 - We've Got A Bigger Problem Now
08 - Rawhide

Skateboard Party (1982)

01 - Man With The Dog
02 - Forward To Death
03 - Kepone Factory
04 - Life Sentence
05 - Trust Your Mechanic
06 - Moral Majority
07 - Forest Fire
08 - Winnebago Warrior
09 - Police Jerk
10 - Bleed For Me
11 - Holiday In Cambodia
12 - Let's Lynch The Landlord
13 - Chemical Warfare
14 - Nazi Punks Fuck Off
15 - Bigger Problem Now
16 - Too Drunk To Fuck
17 - Kill The Poor

Plastic Surgery Disasters (1982)

01 - Government Flu
02 - Terminal Preppie
03 - Trust Your Mechanic
04 - Well Paid Scientist
05 - Buzzbomb
06 - Forest Fire
07 - Halloween
08 - Winnebago Warrior
09 - Riot
10 - Bleed For Me
11 - I Am the Owl
12 - Dead End
13 - Moon Over Marin

Live & Alive (1984) [Bootleg]

01 - Man With The Dog
02 - Forward To Death
03 - Keep On Factory
04 - Live Sentence
05 - Trust Your Mechanic
06 - Moral Majority
07 - Forest Five
08 - Winnebago Warrior
09 - Police Jerk
10 - Holydays In Cambodia
11 - Let's Lynch The Landlord
12 - Chemical Warfare
13 - California Über Alles
14 - Too Drunk To Fuck
15 - Hope With The Jet
16 - A Child And His Lawn Mother
17 - Religious Vomit
18 - Mtv Get Off The Air
19 - Rock O Rama
20 - Goons Of Hazard
21 - Bleed For Me
22 - Nazi Pigs Fuck Off (We've Got A Bigger Problem Now)

Never Been On MTV (1984) [Bootleg]

01 - Police Truck
02 - Hop With The Jet Set
03 - A Child And His Lawnmower
04 - Religious Vomit
05 - Do The Slag
06 - Moral Majority
07 - MTV Get Off The Air
08 - Life Sentence
09 - Jock-O-Rama
10 - Goons Of Hazzard
11 - Riot - Bleed For Me
12 - Nazi Punks Fuck Off
13 - We've Got A Bigger Problem Now / California Über Alles

Frankenchrist (1985)

01 - Soup is good food
02 - Hellnation
03 - This could be anywhere
04 - Growing boy needs his lunch
05 - Chicken farm
06 - Jock-O-Rama
07 - Goons of hazzard
08 - MTV get off the air
09 - At my job
10 - Stars and strips of corruption

Bedtime For Democracy (1986)

01 - Take This Job And Shove It
02 - Hop With The Jet Set
03 - Dear Abby
04 - Rambozo The Clown
05 - Fleshdunce
06 - The Great Wall
07 - Shrink
08 - Triumph Of The Swill
09 - Macho Insecurity
10 - I Spy
11 - Cesspools In Eden
12 - One-Way Ticket To Pluto
13 - Do The Slag
14 - A Commercial
15 - Gone With My Wind
16 - Anarchy For Sale
17 - Chickenshit Conformist
18 - Where Do Ya Draw The Line
19 - Potshot Heard Around The World
20 - D.M.S.O.
21 - Lie Detector

Give Me Convenience Or Give Me Death (1987)

01 - Police Truck
02 - Too Drunk To Fuck
03 - California Über Alles
04 - The Man With The Dogs
05 - Insight
06 - Life Sentence
07 - A Child And His Lawnmower
08 - Holiday In Cambodia
09 - I Fought The Law
10 - Saturday Night Holocaust
11 - Pull My Strings
12 - Short Songs
13 - Straight A's
14 - Kinky Sex Makes The World Go 'round
15 - The Prey
16 - Night Of The Living Rednecks
17 - Buzzbomb From Pasadena

Spend July 4th With Dead Kennedys (1992)

01 - Intro
02 - Bleed For Me
03 - Keep On Factory
04 - Foreward To Death
05 - Dog Bite
06 - Life Sentence
07 - Trust Your Mechanic
08 - Moral Majority
09 - The Man With The Dogs
10 - Halloween
11 - Riot
12 - Nazi Punks Fuck Off
13 - Too Drunk To Fuck
14 - When Ya Get Drafted
15 - Rawhide

Mutiny On The Bay (2001)

01 - Introduction
02 - Police Truck
03 - Kill The Poor
04 - Holiday In Cambodia
05 - Moon Over Marin
06 - California Über Alles
07 - MTV - Get Off The Air
08 - Too Drunk To Fuck
09 - Goons Of Hazzard
10 - This Could Be Anywhere
11 - Forward To Death
12 - I Am The Owl
13 - Hellnation
14 - Riot

Live @ The Deaf Club (2004)

01 - Introduction By DJ Johnny Walker
02 - Kill The Poor (Disco Version)
03 - Back In Rhodesia (Early Version Of When You Get Drafted)
04 - Man With The Dogs
05 - Gaslight
06 - California Über Alles
07 - Ill In The Head
08 - Straight A's
09 - Short Songs
10 - Holiday In Cambodia
11 - Police Truck
12 - Forward To Death
13 - Have I The Right
14 - Back In The USSR
15 - Viva Las Vegas

Milking The Sacred Cow (2007)

1 - California Uber Alles
2 - Police Truck
3 - Kill The Poor
4 - Holiday In Cambodia
5 - Nazi Punks
6 - Too Drunk To Fuck
7 - Viva Las Vegas
8 - Moon Over Marin
9 - Halloween
10 - MTV Get Off The Air
11 - Soup Is Good Food (Live)
12 - Jock-O-Rama (Live)

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Merzbow - (メルツバウ Merutsubau)

noreply@blogger.com (Divorazione) — Fri, 14 Jun 2013 23:34:00 +0000

Genere: Noise, Musica Sperimentale

Info Artist

Merzbow Website

Merzbow (メルツバウ Merutsubau) è un progetto noise creato a Tokyo nel 1979 da Masami Akita (秋田昌美), cui nome fa riferimento alle svariate opere architettoniche dadaiste dell’artista tedesco Kurt Schwitter, chiamate Merzbau. Le influenze artistiche e musicali di Masami Akita sono molte ed eterogenee, dal dadaismo alla pornografia e al bondage, passando da Frank Zappa, King Crimson e dai musicisti d'avanguardia.Masami Akita è il fondatore di due etichette discografiche indipendenti, quali Lowest Music & Arts e ZSF Produkt, sotto cui ha pubblicato le sue stesse produzioni. È inoltre autore di numerosi libri e articoli sullo SM giapponese, sulla cultura pornografica, sull'arte contemporanea, sull'architettura e sulla musica d'avanguardia. Si interessa anche di coreografia e di fotografia, soprattutto se il tema è l'arte del bondage. Infine, è un attivo sostenitore del PETA (Associazione Internazionale per la Salvaguardia dei Diritti degli Animali), un'associazione che difende i diritti degli animali, cui messaggio è presente in molte delle sue opere. La sua musica fa uso di suoni notevolmente distorti creati con qualunque tipo di strumento (campionatori, sintetizzatori, effetti a pedale, computer...) o precedentemente registrati su audiocassetta. Ha pubblicato più di duecento album con varie etichette indipendenti in tutto il mondo, divenendo l'artista più importante e prolifico sulla scena noise mondiale.
Masami nato a Tokyo, nel 1956. Interessato al progressive rock, al free jazz e alla musica psichedelica, durante gli anni del liceo è stato batterista di diverse band. Ha studiato arte moderna e pittura all'Università di Tamagawa. In quel periodo, improvvisava spesso pezzi rock con Kiyoshi Mizutani, suo amico fin dai tempi del liceo. Ha registrato le sue prime cassette elettroacustiche con lo pseudonimo Merzbow nel 1979. Ha creato l'etichetta Lowest Music & Arts per poter condividere le sue opere con altri artisti underground e allo stesso tempo per poter lavorare con loro. Queste composizioni venivano create con loop di cassette e suoni di strumenti come chitarra e batteria, precedentemente registrate da Masami. Ben presto ricominciò a collaborare con Kiyoshi Mizutani. In quel periodo, l'obiettivo di entrambi era cancellare ogni interazione tra corpo umano e musica, ragion per cui usavano soltanto registrazioni su cassetta assemblate, senza effettivamente suonare uno strumento dal vivo. Tra le tecniche usate per creare i suoni, ne citiamo una chiamata material action che consiste nel registrare molti suoni brevi con un microfono, che in seguito verranno amplificati e distorti. Le immagini vendute con le cassette erano montaggi di cartoni e di foto pornografiche ritagliate dalle riviste trovate nei cestini, il che rimanda ad un altro approccio estetico caro a Kurt Schwitter, il Merz, un montaggio eterogeneo. La loro intenzione era quella di riprodurre nell’audience lo stesso senso di eccitazione che si prova quando si trovano accidentalmente immagini porno. Esisteva quindi un collegamento tra musica e cultura pornografica. Secondo Masami, la pornografia è il lato subliminale del sesso, più "naturale" e compulsivo, così come il noise è il lato subliminale della musica, che tenta di ricreare l'eccitazione data dall'udire un suono, distaccandosi da ogni idea di struttura o "razionalità". Nel 1984 Masami Akita ha creato la sua seconda etichetta, ZSF Produkt, alla quale sperava aderissero molti artisti, usandola anche per i suoi stessi lavori. In quel periodo cominciò a guadagnarsi fama a livello globale e lavorò con varie etichette in tutto il mondo, spesso collaborando con altri artisti indipendenti. Dalla fine degli anni ottanta ha abbandonato l'ideale secondo cui il contributo del corpo alla musica doveva essere invisibile e ha tenuto concerti in tutto il mondo: Europa, Russia, Corea, Stati Uniti... Le performance live del decennio seguente erano tenute da Masami Akita e da due collaboratori in concerto: Reiko Azuma come elettronico e Bara, come cantante e ballerino. Da allora ha cominciato anche ad usare lo pseudonimo di Abtechtonics (o varianti) per la maggior parte dell’artwork che creava per i suoi album. All'inizio degli anni novanta, quando Kiyoshi Mizutani collaborava al progetto soltanto sporadicamente, Masami cominciò a registrare impiegando tecnologie digitali. Il sound divenne più vasto e intenso, da notare inoltre la produzione di noise bianco (dove tutte le frequenze sono trasmesse contemporaneamente e con la stessa ampiezza) che prese parte alla creazione del celebre "walls of sound" di Merzbow, fatto suoni che danno l'impressione di una densità impenetrabile. Il mixaggio della maggior parte dei cd, a quell'epoca, era eseguito n modo da rendere le sonorità particolarmente aggressive. La ricchezza del sound, che comprendeva anche ultrasuoni e infrasuoni, e la frequenza dei loop avrebbe portato alcuni cd, come Venereology, a lasciar trasparire una violenza impressionante. Masami ha anche collaborato con artisti come Maso Yamazaki, conosciuto anche come Masonna, con il quale ha creato le band Bustmonster e Flying Testicle. Ha suonato anche con Mike Patton (dei Faith No More) sotto il nome di Maldoror. Nel 1990 ha diretto un cortometraggio intitolato "Shitsurakuen: jôbafuku onna harakiri" (tradotto come "Lost paradise") per il set di "zankoku-bi: onna harakiri" dello studio Kinbiken, dove intendeva cercare un approccio meno "tradizionale" per quanto riguarda il mercato dei video erotic-gore, che a quell'epoca cresceva velocemente, mostrando suicidi rituali di donne in modo erotico ma solenne. La colonna sonora è ovviamente di Masami, e un anno più tardi è stata inserita anche nell'album Music for Bondage Performance.
Nel 2000, l'etichetta australiana Extreme ha intrapreso un'operazione di marketing senza precedenti nella storia della musica distribuendo la compilation Merzbox: includeva cinquanta cd, venti dei quali erano, fino ad allora, introvabili, riadattamenti di cassette o LP del primo periodo di attività e i rimanenti trenta erano inediti, una maglietta, dei poster, un libro riguardante le pubblicazioni sopracitate, un medaglione, cartoline, adesivi e due CD-rom. Si dice che una stazione radio amatoriale americana abbia trasmesso tutte le canzoni di Merzbox di seguito, ininterrottamente, nel dicembre 2002, in tutto più di cinquanta ore di musica. Questa campagna sarebbe stata l'origine di svariate "Maratone Merzbow", in Francia e negli Stati Uniti, dove le loro canzoni venivano trasmesse senza interruzione per giorni, anche settimane.
Dall'inizio di questo millennio Masami Akita ha usato sempre di più il computer per produrre e lavorare i diversi loop. Molti sei suoi album sono di impronta animalista, come Frog, Peace for Animals e Animal Magnetism, per il quale ha registrato i versi delle galline che stava allevando. Merzbeat è stato dedicato al famoso elefante marino Minazo dell'acquario di Enoshima, l'ultimo esemplare maschile della specie in Giappone, al tempo ancora vivo, mentre le due parti dell'album Minazo erano una specie di omaggio offerto all'animale dopo la sua morte, avvenuta nel 1995. L'artwork, particolarmente toccante, è opera di Jenny Akita, moglie di Masami, e mostrava l'elefante marino intento a giocare con il suo secchio. Bloody Sea, invece, è un motivo contro il tema controverso della caccia alle balene in Giappone. In quel periodo gli album dei Merzbow si sono fatti più leggeri, come il sopracitato Merzbeat, cui approccio ritmico gli da un che di "pop", Aqua Necromancer che fa uso di sessioni di registrazione progressive rock e Door Open at 8 am, tributo al jazz. A metà del primo decennio del 2000 ha registrato alcuni album con la band Boris e con Keiji Haino, con cui ha creato il progetto Kikuri. Non c'è artista in ambito sperimentale e/o estremo che non abbia finito per collaborare in qualche modo con Merzbow, il famigerato mostro sacro dell'harsh noise. Ogni anno fa capolino un nuovo binomio, ed ogni volta si crea un misto di insopprimibile curiosità e di lecito timore: posto che l'idea di affiancare un tale gigante fa sicuramente gola a molti, il rischio è sempre che il terrorista nipponico finisca per fagocitare l'altrui apporto in una voragine urticante di rumore bianco; d'altronde, nei rari casi in cui ciò non si è verificato, la bilancia ha invertito i pesi rendendo Merzbow pressoché assente, relegato a un ruolo marginale che certo non gli si addice (e.g. coi Boris).

(Fonti: jame-world.com, ondarock.it)

Info Merzbow Discography at Discogs

Studio Albums
(1982 - 1997) (1998 - 2005) (2006 - 2013)

Collaborations Studio/Live Albums - Splits - and Merzbow As...
(1983 - 1995) (1996 - 2003) (2004 - 2013)

EPs - Singles - Live Albums - and Live Bootleg
(1981 - 2012)

Box Sets - Compilations - and Remix Albums
(1993 - 2012)

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New Order

noreply@blogger.com (Divorazione) — Fri, 07 Jun 2013 21:00:00 +0000

Genere: Alternative Dance, Synth Pop. New Wave, Neopsicadelia, Post Punk, Alternative Rock

Info Band

New Order Website

I New Order prendono le mosse da un patto tra i quattro componenti dei Joy Division: se uno di loro fosse uscito dal gruppo, i rimanenti tre avrebbero dovuto cambiare nome e genere musicale. Le cose non sono così semplici. Il 18 maggio 1980, alla vigilia della partenza per il primo tour americano, il cantante Ian Curtis si impicca nel bagno di casa. Peter Hook, bassista, Bernard Sumner, chitarrista, e il batterista Steve Morris decidono di combattere lo shock ripartendo quasi da zero, con una manciata di demo incisi poche settimane prima della morte da Curtis. Cercano una nuova voce, ma dopo aver provato tutti e tre decidono di assegnare le parti vocali a Sumner, che però è piuttosto incerto: non ha la presenza di Curtis e ha in più problemi a suonare e cantare contemporaneamente. Inciso il singolo di debutto, "Ceremony", che risente ancora notevolmente del suono dei Joy Division, il gruppo prende una forma definitiva solo dopo vari concerti condotti col nome "New Division" e con l'ingresso della fidanzata di Morris, Gillian Gilbert, che avrà un ruolo decisivo nello spostare l'asse del gruppo verso il synth-pop.
Il primo album dei New Order, Movement, esce nel 1981 con un'accoglienza fredda sia della critica sia del pubblico. I fan dei Joy Division trovano gli approcci con la drum machine di "Truth", "Senses" e "ICB" (quest'ultimo titolo è un acronimo per "Ian Curtis buried", Ian Curtis sepolto) più deboli rispetto al potenziale elettronico che le ultime cose dei Joy Division avevano mostrato (pezzi come "Komakino", "Isolation" o "She's Lost Control"), e biasimano l'evidente tentativo di un Sumner spaesato di imitare il tono di voce profondo e le cadenze drammatiche di Curtis. Il disco, pur essendo fin dal titolo emblematico un'opera di ricostruzione più che un lavoro compiuto, a un ascolto spassionato risulta però già nettamente diverso dai Joy Division, più vicino alle nevrosi dei primi Ultravox, con una maggiore capacità di sintesi, un senso drammatico meno incalzante e assai più riflessivo. Il disco è una sostanziale ricapitolazione del suono dei due album realizzati dai Joy Division, recupera il tono metallico dei riff di "Unknown Pleasures" in "Denial" e "Dreams Never End", e il tono da processione funebre di "Closer" nelle lentissime "Him" e "Doubts Even Here"; ma il riverbero delle voci, il mixaggio volutamente approssimativo, l'utilizzo rovesciato rispetto alla tradizione rock di bassi e chitarre ritmiche, e soprattutto una costruzione molto meno scandita dei brani, meno geometrica e più distesa, sembrano prefigurare una rottura non completamente riuscita con il passato. Quello che può sembrare il disco più vicino ai Joy Division in realtà lo è solo superficialmente: se l'elettronica si farà spazio nei dischi successivi e le idee di Sumner e Hook si chiariranno, in realtà la loro scrittura si alternerà sempre tra brani volutamente registrati alla bell'e meglio in studio e altri dalla struttura calibrata fino all'eccesso. I New Order saranno capaci di alternare atmosfere elettroniche degne di Brian Eno (la mini suite "Elegia" su Low Life) e rock sporchi, brutali, ma anche di scaraventare dalla finestra la pulizia kraftwerkiana, trasformare semplici brani disco in lunghe ondate caotiche (le due versioni del 1983 e del 1987 del singolo "Confusion" sono assai indicative), dialoghi e insulti tra gli stessi membri del gruppo, per approdare infine a un rock-pop abbastanza convenzionale.In generale, i primi lavori del gruppo verranno rinnegati dai quattro negli anni successivi: Bernard Sumner dichiara di non aver mai posseduto una copia di Movement, e i suoi brani non verranno praticamente mai eseguiti dal vivo. E' un disco doloroso la cui difficoltà creativa viene lasciata però presto alle spalle in modo poderoso: il 1982 è l'anno dell'Ep Dreams Are Over, contenente brani come "Temptation", "Confusion", "Cries And Whispers", "Mesh", un passo in avanti clamoroso anche a livello commerciale: i New Order del periodo si aprono al pop, ma a modo loro: contaminando le origini punk con l'atteggiamento marziale dei Kraftwerk, si attirano, come già per i Joy Division, accuse di fascismo; i concerti durano non più di 40 minuti, non ci sono bis né parole tra i musicisti o rivolte al pubblico; il tono è insieme svogliato e rigoroso, come le impenetrabili parti vocali di Sumner. I loro stessi singoli sono ricercatissimi, ma difficili da trovare; la netta preferenza per il nuovo formato esteso, il 12", rispetto al più breve 7" permette di arrivare più facilmente al loro suono distintivo, fatto di una implacabile intercambiabilità tra drum-machine e batteria tradizionale, impasti sonori particolarmente densi e ripetitivi, riff trasferiti di peso dalla chitarra al sequencer. Nello stesso tempo d'altra parte sono proprio i New Order a creare un caposaldo sonoro degli anni 80, "Blue Monday/586" (1983): lungo oltre sette minuti, il brano si basa esclusivamente sui sample della celeberrima drum-machine Oberheim DMX, dalla quale Steve Morris preleva e sovrappone in un crescendo di complessità le più svariate soluzioni ritmiche disponibili. Il contrappunto tra i violenti beat dal tono più plastico e grave e il colpo di frusta dei rullanti, il basso galoppante di Hook e le atmosfere gregoriane del Minimoog creano un tono epico, che il canto glaciale, quasi parlato, di Sumner, invece di distruggere, rende ancora più solenne; Gillian Gilbert interviene nel finale creando lo spettro di una melodia e lasciando che il brano si dissolva nel nulla, prima di riprendere nella sua versione strumentale (il B-side "The Beach", che di fatto rende il brano lungo oltre 15 minuti). Con estrema intelligenza, Sumner scrive un testo riferito alla guerra delle Falkland che riflette perfettamente la sensazione dell'ascoltatore di venire frustato dall'incedere della batteria: "How does it feel/ to treat me like you do/ when you've your hands upon me/ and told me who you are" diventa una delle strofe più celebri del decennio. "Blue Monday" è fino all'avvento del cd il 12" più venduto della storia. Power, Corruption And Lies, uscito a fine '83, è il disco più innovativo del gruppo, già talmente solido nella definizione delle sue mini-suite da potersi permettere anche divagazioni country ("Age Of Consent") e accenni quasi sperimentali, che saranno più evidenti nel successivo Low Life (1985). La maggior parte dei brani gira comunque attorno alle sonorità di "Blue Monday"("586" è di fatto il demo originale del pezzo, "Ultraviolence", "Ecstasy" e "The Village" sono altre lunghe cavalcate ipnotiche, inframmezzate dalle frasi incerte di Sumner), pur senza raggiungerne la pulizia, la perfezione da vero classico. Spiccano soprattutto gli arrangiamenti, capaci di coniugare i caldi battiti "disco" ad atmosfere glaciali e sintetiche nel solco dei Kraftwerk. Ma la vera peculiarità del disco sta nell'alternanza tra composizioni di stampo prettamente chitarristico, scarnificate ed essenziali, e altre di marca elettronica, costruite quasi solo su tastiere e programmazioni.
Tutti i componenti del gruppo fanno un uso abnorme di droghe e la loro creatività ne è influenzata soprattutto nella produzione degli album: Low Life viene registrato nel corso di una sola notte, con effetti penalizzanti sulla produzione e sulle stesse parti vocali di Sumner. Anche questo disco si basa per la maggior parte dei pezzi sulla formula del singolo di successo del periodo, "Subculture", prodotto da Arthur Baker, allora deus ex machina della scena disco newyorkese; meno omogeneo dei due dischi precedenti, naviga a vista tra una formula ormai solida (il paranoico singolo "Perfect Kiss" e la almondiana "Sooner Than You Think), un po' più di chitarra (la bellissima "Sunrise", assai vicina ai Cure furibondi di "Pornography"), e alterazioni chimiche assortite (la conclusiva, delirante "Face Up", che è allo stesso tempo un saggio di come far convivere nello stesso ristretto spazio un techno-pop quasi da cartone animato e una chitarra abrasiva alla Faust). Low Life prepara la strada soprattutto per i discepoli Primal Scream, nei suoi salti d'umore e nella capacità di nascondere dietro l'apparente catatonia e irrilevanza dei testi, un ghigno satanico degno di Jack Nicholson, una gioia paranoica che conduce alla perfezione le convulsioni fisiche e musicali di Ian Curtis dentro il clima di rinnovamento musicale spasmodico dei primi anni 90; se i Pet Shop Boys sono portatori di un'ironia caustica, ma nascosta dietro strutture pop irreprensibili, i New Order, in apparenza più ermetici, sono in realtà assai più concreti e sanguigni, architetti che procedono senza un piano di base e inclini a distruggere sistematicamente tutto quello che hanno (già) fatto: il celeberrimo singolo del 1987 "True Faith/1963", contenuto nell'antologia Substance di quell'anno, ne è un esempio evidente. Prodotto da Stephen Hague, che aveva lanciato il duo di "West End Girls", e accompagnato da un video altrettanto celebre (i pupazzi di gomma che si schiaffeggiano), "True Faith" è un techno-pop impressionista, dalla sincerità raggelante e dalla melodia trascinante, le cui tastiere si spingono continuamente verso l'alto seguendo i tentativi di Sumner di "cercare il giorno" e la luce, che però si rivela essere la luce del mattino, quella più fredda. C'è dentro tutto il Curtis della vecchia "Decades", e la brillantezza delle tastiere della Gilbert e di Morris è completamente priva di ogni ironia. Altrettanto sorprendente è il retro "1963", un'altra melodia fatata e trascinante, avvolta in sinuosi tappeti di tastiere. Substance è un grande successo che compensa il flop del nuovo album uscito nello stesso anno, il mediocre Brotherhood: presentato come un tentativo di ritorno alle origini, è senza dubbio il disco peggiore del gruppo. Distinto in due parti nette, una di jam-session marcatamente rockeggianti e una di brani più elettronici ("Bizzarre Love Triangle" diventa un altro classico del decennio e raggiunge un notevole successo in Italia), ancora una volta prodotti in modo piuttosto sciatto. Brani come "Weirdo" e "Way Of Life" sono quasi indistinguibili gli uni dagli altri; aprono però la strada ai nuovi New Order, meno sperimentali e portati a una divisione più netta tra le due anime del loro suono. Technique, registrato nel 1989 tra Ibiza e Manchester in mezzo a litigi ed eccessi crescenti, è una risposta al predecessore in chiave acid-house e techno, con una qualità di scrittura assai superiore e una produzione più rifinita. "Fine Time" è un brano esemplare della stagione techno-pop che va a chiudersi, dove per la prima volta i New Order si lasciano andare a qualche scherzo, campionando un gruppo di pecore e prendendosi gioco di Barry White ("you know/ I had a lot of cool chicks/ but I never had a girl/ with all of her teeth") "Mr.Disco" è un capolavoro di elettronica applicata al funk, "Vanishing Point" riprende "True Faith" raddoppiandone la velocità; si respira un clima di allegria forzata, di sbornia che sta per finire male. I New Order, quasi controvoglia, sono tra i portabandiera della "summer of love" e dell'esplosione del consumo di ecstasy. In Technique, alcuni riempitivi acustici un po' noiosi, come "Run", sono però indicativi di una semplificazione del suono che rispecchia le crescenti tensioni interne al gruppo. Sumner forma con Johnny Marr degli Smiths, l'ex Kraftwerk Karl Bartos e con gli stessi Pet Shop Boys un supergruppo, gli Electronic, attivo sporadicamente tra il 1989 e il 1998 e fautore di un pop-rock non molto innovativo, nonostante i grandi nomi.Hook se ne distacca maggiormente formando i Revenge, dal suono più rock, e poi i Monaco, ibrido non molto interessante, ma che vende di più rispetto agli stessi Electronic. "What Do You Want From Me" e "Sweet Lips" sono buoni successi, anche se il cantante David Potts è un clone di Sumner. La Gilbert e Morris formano i The Other Two, lavorando su varie colonne sonore. Il poco convinto Republic (1993) viene realizzato dai New Order di fronte al tracollo finanziario del loro club di Manchester, l'Hacienda, che negli anni Ottanta era stato a lungo il locale di riferimento per tutta la scena musicale inglese, non solo quella mancuniana. Nonostante il chiaro riferimento ai New Order da parte di gruppi alla moda come Stone Roses o Primal Scream, i nostri sembrano ormai finiti di fronte allo scontro di personalità dei due leader. "Regret", con un video girato a Roma, è il singolo estratto dall'album, che scorre però via abbastanza anonimo attraverso le sciatte "World", "Ruined In A Day", "Young Offender", l'orchestrale "Avalanche". E' il momento più basso per il quartetto, i cui membri riprendono presto le attività da solisti e sembrano sul punto di avviare lotte in tribunale in stile ultimi Pink Floyd.
La morte del manager Robert Gretton è il primo passo, nel 1998, verso il riavvicinamento dei due leader. Alcune performance trionfali a Reading e Glastonbury spingono i New Order verso un nuovo lavoro in studio, pubblicato nel 2001: Get Ready riesce là dove aveva fallito Brotherhood, nel tentativo di riallacciarsi al suono dei Joy Division. Il singolo "Crystal", che ricorda un po' "A Forest" dei Cure, ottiene un buon successo, ma non è l'episodio migliore del disco. Bobby Gillespie e Billy Corgan prendono senza molto mordente il posto della Gilbert, uscita dal gruppo per gravi problemi di salute della figlia avuta con Morris. Pochissime tastiere, quindi, nel disco, i bassi hookiani suonati su tonalità altissime e le chitarre abrasive di Sumner come non si sentivano dal 1981; il lavoro, nell'insieme, è però piuttosto prolisso e risente della mancanza delle capacità melodiche della Gilbert. L'unico brano vicino al synth-pop anni Ottanta, "Vicious Streak", vale però da solo l'acquisto del disco. A Get Ready è seguita una collaborazione con i Chemical Brothers, per il singolo "Here To Stay". Nel complesso, i New Order sono una sintesi delle sonorità, solo apparentemente conciliabili nel calderone synth-pop, di Depeche Mode e Pet Shop Boys, con una crescente vicinanza a questi ultimi. La loro importanza sta soprattutto nei primi due album, che hanno anticipato il concetto di "techno-rock" senza perdere la capacità melodica propria di Ian Curtis. Quest'ultimo è un fantasma che per anni i membri del gruppo hanno cercato di allontanare dalla propria musica, ma col quale alla fine sembrano scesi a patti, dopo essersi rifiutati per anni di eseguire dal vivo i brani dei Joy Division.Se la qualità dei pezzi è talvolta diseguale, il suono dei New Order è comunque imprescindibile: l'abilità tecnica di Morris e il suono unico del basso di Hook, la vera mente musicale del gruppo, hanno dato una spinta decisiva alla sopravvivenza della new wave fino all'era dei Prodigy e di Trent Reznor. Il pop industriale dei New Order, partito non solo dai Joy Division, ma anche dalle pagine più accessibili di gruppi come Throbbing Gristle e Coil, ha messo in discussione le logiche discografiche e produttive che nello stesso tempo contribuiva a creare (la loro Factory è stata una delle più importanti etichette degli anni Ottanta e ha imposto, ad esempio, la strategia di album praticamente privi di indicazioni, come la celebre copertina di "Blue Monday" ricavata da uno dei primi floppy disk - il design dei loro dischi è curato dal celebre grafico Peter Saville). L'immagine misteriosa e sfrontata che filtrava dai testi di Sumner negli anni Ottanta si è fatta col tempo più accessibile al pubblico e il suono si è sostanzialmente diluito in un pop-rock non troppo eclettico, meno aspro e originale, ma con un'importanza storica crescente, che si è autocelebrato con il box-set Retro del 2001. Waiting For The Sirens' Call (2005), realizzato con il contributo di produttori diversi e prestigiosi, dallo storico John Leckie a "mr Madonna" Stuart Price, è il primo vero album dei New Order dal 1989, in cui finalmente il gruppo invece di scindere nettamente pezzi rock e pezzi dance riesce a recuperare la formula crossover che lo ha fatto brillare negli anni '80 e ad aggiornarla per una fase storica in cui simili sperimentazioni sembrano poter di nuovo funzionare (basta pensare agli ultimi arrivati Infadels e ai loro richiami espliciti al gruppo di Manchester). C'è una scorrevolezza che mancava al ripetitivo Get Ready, e quel gap compositivo-melodico che sembra essere sempre mancato rispetto ai cugini Pet Shop Boys appare paradossalmente colmato in ottimi episodi come "Dracula's castle", "Turn" e la title track. Ci si permette anche qualche concessione rispetto all'abituale "austerità", come le aperture pop-reggae di "I Told You So" (non a caso il 2005 ha visto anche una collaborazione, peraltro pare finita male, con la sensazione pop Gwen Stefani) e l'insolito kitsch del singolo "Jetstream" (in cui appare non a caso Ana Matronic, vocalist dei vistosi Scissor Sisters). Il disco si chiude con una sorpresa, la stoogesiana "Working Overtime" che suggella una ritrovata libertà, uno stato di grazia inaspettato.
Nel 2013 esce Lost Sirens. La pubblicazione di questo mini-album è stata più volte bloccata e rinviata negli ultimi due anni a causa dell'acrimonia tra Peter Hook - che lascerà per sempre il segno nel sound "classico" del gruppo, grazie al suo basso inconfondibile - e il cantante e chitarrista Bernard Sumner: si tratta di otto outtakes, tenute per sette anni in freezer ma provenienti dalle stesse sessioni dell'ultimo disco. Le melodie il più delle volte funzionano, e il sound è quello di una band che sente di non aver nulla da dimostrare e che, pur impostando a volte il pilota automatico, non sembra aver perso lo smalto. E pazienza se il testo di I'll Stay With You indugia troppo in rime facili facili, e se la danzereccia Sugarcane sa di già sentito (e fa tesoro delle esperienze collaterali degli ex-amici Bernard e Peter, con gli Electronic di Getting Away With It e i Monaco di Sweet Lips), quando I've Got A Feeling e Californian Grass sono due effettivi episodi da antologia. Hellbent è un pezzo già noto - contenuto in una controversa raccolta dei Joy Division e dei New Order (Total) - che tradisce diligenti ascolti di Screamadelica dei Primal Scream, mentre la versione alternativa di I Told You So si spoglia del goffo reggae elettronico alla Ace Of Base (o, a scelta, degli UB40 di Promises And Lies) della veste originale e si trasforma in un affettuoso omaggio ai Velvet Underground di Venus in Furs e (soprattutto) All Tomorrow's Parties. Fanno centro anche Recoil, che si bagna appena appena un dito nelle águas de março mentre scorre tranquilla su una zattera di ariosi arpeggi pianistici e accordi di chitarra acustica, e la più acida e muscolare Shake It Up. La storia del gruppo proseguirà anche senza Peter Hook, col ritorno in pianta stabile di Gillian Gilbert alle tastiere e i prossimi eventi live (li vedremo anche al Coachella...) all'insegna delle hit del passato. Il rischio che le future prove abbiano più in comune con l'esperienza Bad Lieutenant ci attende dietro l'angolo, ma è presto per deciderlo; intanto, Lost Sirens rappresenta un più che dignitoso canto del cigno dei New Order come li abbiamo sempre conosciuti e amati. Non chiamateli "scarti".

(Fonti: ondarock.it, sentireascoltare.com)

Movement (1981)

01 - Dreams Never End
02 - Truth
03 - Senses
04 - Chosen Time
05 - ICB
06 - The Him
07 - Doubts Even Here
08 - Denial

Power, Corruption, And Lies (1983)

01 - Age Of Consent
02 - We All Stand
03 - The Village
04 - 586
05 - Your Silent Face
06 - Ultraviolence
07 - Ecstasy
08 - Leave Me Alone
09 - the beach

Low-Life (1985)

01 - Love Vigilantes
02 - The Perfect Kiss
03 - This Time Of Night
04 - Sunrise
05 - Elegia
06 - Sooner Than You Think
07 - Sub-Culture
08 - Face Up

Brotherhood (1986)

01 - Paradise
02 - Weirdo
03 - As It Is When It Was
04 - Broken Promise
05 - Way Of Life
06 - Bizarre Love Triangle
07 - All Day Long
08 - Angel Dust
09 - Every Little Counts

Substance (1987)

Disc 1:

01 - Ceremony (Joy Division)
02 - Everything's Gone Green
03 - Temptation
04 - Blue Monday
05 - Confusion (New Order, Arthur Baker)
06 - Thieves Like Us (New Order, Arthur Baker)
07 - The Perfect Kiss
08 - Sub-culture
09 - Shellshock (New Order, John Robie)
10 - State of the Nation
11 - Bizarre Love Triangle
12 - True Faith

Disc 2:

01 - In a Lonely Place (Joy Division)
02 - Procession
03 - Cries and Whispers
04 - Hurt
05 - The Beach
06 - Confusion (Instrumental) (New Order, Arthur Baker)
07 - Lonesome Tonight
08 - Murder
09 - Thieves Like Us (Instrumental) (New Order, Arthur Baker)
10 - The Kiss of Death
11 - Shame of the Nation (New Order, John Robie)
12 - 1963

Technique (1989)

01 - Fine Time
02 - All the Way
03 - Love Less
04 - Round & Round
05 - Guilty Partner
06 - Run (New Order, John Denver)
07 - Mr. Disco
08 - Vanishing Point
09 - Dream Attack

Republic (1993)

01 - Regret
02 - World
03 - Ruined in a Day
04 - Spooky
05 - Everyone Everywhere
06 - Young Offender
07 - Liar
08 - Chemical
09 - Times Change
10 - Special
11 - Avalanche

The Best Of (1994)

01 - Let's Go (Nothing For Me)
02 - Dreams Never End
03 - True Faith 94
04 - Run
05 - Round & Round 94
06 - Touched By The Hand Of God
07 - Blue Monday 88
08 - World In Motion
09 - Confusion
10 - Bizarre Love Triangle
11 - Elegia
12 - Leave Me Alone
13 - Everything's Gone Green
14 - Temptation
15 - Perfect Kiss
16 - Subculture

The Rest Of New Order Remixes (1995)

01 - World (Perfecto Mix) (New Order, Stephen Hague)
02 - Blue Monday (Hardfloor Mix)
03 - True Faith (Shep Pettibone Remix) (New Order, Stephen Hague)
04 - Confusion (Pump Panel Reconstruction Mix) (New Order, Arthur Baker)
05 - Touched by the Hand of God (Biff & Memphis Remix)
06 - Bizarre Love Triangle (Armand van Helden Mix)
07 - Ruined in a Day (K-Klass Remix) (New Order, Stephen Hague)
08 - Regret (Fire Island Remix) (New Order, Stephen Hague)
09 - Age of Consent (Howie B Remix)
10 - Spooky (Magimix)

Get Ready (2001)

01 - Crystal
02 - 60 Miles an Hour
03 - Turn My Way (Special Guest Vocals: Billy Corgan)
04 - Vicious Streak
05 - Primitive Notion
06 - Slow Jam
07 - Rock the Shack (Guest Vocals: Bobby Gillespie and Guitar: Andrew Innes)
08 - Someone Like You
09 - Close Range
10 - Run Wild

International (2002)

01 - Ceremony (12" version)
02 - Blue Monday
03 - Confusion (1987 version)
04 - Thieves Like Us
05 - The Perfect Kiss
06 - Shellshock
07 - Bizarre Love Triangle (Extended dance mix)
08 - True Faith
09 - Touched by the Hand of God (original 12")
10 - Round & Round (7" version)
11 - Regret
12 - Crystal
13 - 60 Miles an Hour
14 - Here to Stay (radio edit)

Retro (2002)

Disc 1: Pop

01 - Fine Time (from Technique)
02 - Temptation (from 12" single Fac63)
03 - True Faith (from Substance) (New Order, Stephen Hague)
04 - The Perfect Kiss (from Low-Life)
05 - Ceremony (from 12" single Fac33) (Joy Division)
06 - Regret (from Republic) (New Order, Stephen Hague)
07 - Crystal (from Get Ready)
08 - Bizarre Love Triangle (from Brotherhood)
09 - Confusion (from 12" single Fac93) (New Order, Arthur Baker)
10 - Round & Round (from Technique)
11 - Blue Monday (from 12" single Fac73)
12 - Brutal (from The Beach Motion Picture Soundtrack)
13 - Slow Jam (from Get Ready)
14 - Everyone Everywhere (from Republic)

Disc 2: Fan

01 - Elegia (from Low-Life)
02 - In a Lonely Place (from 12" single Fac33)
03 - Procession (from 7" single Fac63)
04 - Your Silent Face (from Power, Corruption & Lies)
05 - Sunrise (from Low-Life) (Joy Division)
06 - Let's Go (from The Best of New Order (US))
07 - Broken Promise (from Brotherhood)
08 - Dreams Never End (from Movement)
09 - Cries and Whispers (from Everything's Gone Green; single FBNL 8)
10 - All Day Long (from Brotherhood)
11 - Sooner Than You Think (from Low-Life)
12 - Leave Me Alone (from Power, Corruption & Lies)
13 - Lonesome Tonight (from 12" single Fac103)
14 - Every Little Counts (from Brotherhood)
15 - Run Wild (from Get Ready)

Disc 3: Club

01 - Confusion (Koma & Bones Vocal mix) (with Bernard's new vocal) (New Order, Arthur Baker)
02 - Paradise (Robert Racic mix) (from 12" single Fac183R)
03 - Regret (Sabres Slow 'n' Low mix) (from 12" Single NUOX1) (New Order, Stephen Hague)
04 - Bizarre Love Triangle (Shep Pettibone Extended remix) (from 12" single Fac163)
05 - Shellshock (John Robie mix) (from Substance) (New Order, John Robie)
06 - Fine Time (Steve 'Silk' Hurley mix) (from 12" single Fac233R)
07 - 1963 ('95 Arthur Baker mix) (from CD single NUCDP6) (New Order, Stephen Hague)
08 - Touched by the Hand of God (7" version) (from 7" single Fac193)
09 - Everything's Gone Green (from 12" single FBNL8)
10 - Blue Monday (Jam & Spoon Manuela mix) (from CD single NUOCD7)
11 - World in Motion (Subbuteo mix) (Pickering/Parke mix, from Fac293R) (New Order, Keith Allen)
12 - Here to Stay (Extended instrumental) (Chemical Brothers remix, from Here to Stay (AUS release))
13 - Crystal (Lee Coombs dub) (Mistitled as Lee Coombs remix)

Disc 4: Live

01 - Ceremony (Studio 54, Barcelona, 7 July 1984) (Joy Division)
02 - Procession (Polytechnic of Central London, 6 December 1985)
03 - Everything's Gone Green (Recreation Centre, Kingston-upon-Thames, Tolworth, London 12 March 1983)
04 - In a Lonely Place (Glastonbury Festival, 20 June 1981) (Joy Division)
05 - Age of Consent (Spectrum Arena, Warrington, 1 March 1986)
06 - Elegia (Glastonbury Festival, 19 June 1987)
07 - The Perfect Kiss (Glastonbury Festival, 19 June 1987)
08 - Fine Time (claims to be from Hoffman Estates, Chicago, 30 June 1989 but is really Blossom Music Center, Cuyahoga Falls, OH 5 July
1989)
09 - World (Starplex Amphitheatre, Dallas, 21 July 1993) (New Order, Stephen Hague)
10 - Regret (Reading Festival, 31 August 1993) (New Order, Stephen Hague)
11 - As It Is When It Was (Reading Festival, 31 August 1993)
12 - Intermission by Alan Wise (Olympia, Paris, 12 November 2001)
13 - Crystal (Big Day Out, Gold Coast, 20 January 2002)
14 - Turn My Way (Olympia, Liverpool, 18 July 2001)
15 - Temptation (Academy, Brixton, 10 October 2001)

Disc 5 limited edition CD: Bonus

01 - Temptation '98
02 - Transmission (Live) (Joy Division)
03 - Such a Good Thing (from CD Single NUOCD12)
04 - Theme from "Best & Marsh"(from 12" single Fac263)
05 - Let's G... (extract from instrumental used on Salvation! motion picture soundtrack)
06 - True Faith (Pink Noise Morel edit) (New Order, Stephen Hague)
07 - Run Wild (Steve Osborne Original mix)
08 - The Perfect Kiss (Live take recorded at video shoot)
09 - Elegia (Full version)

Singles (2005)

Disc 1:

01 - Ceremony (original version) (Joy Division)
02 - Procession
03 - Everything's Gone Green (7" version)
04 - Temptation (7" original version)
05 - Blue Monday (12" version)
06 - Confusion (Rough Mix Edit) (New Order, Arthur Baker)
07 - Thieves Like Us (7" edit) (New Order, Arthur Baker)
08 - The Perfect Kiss
09 - Sub-culture (Remix – 7" edit)
10 - Shellshock (single version) (New Order, John Robie)
11 - State of the Nation (edit)
12 - Bizarre Love Triangle
13 - True Faith (12" version) (New Order, Stephen Hague)
14 - 1963 (Arthur Baker Radio Mix) (New Order, Stephen Hague)
15 - Touched by the Hand of God (single version)

Disc 2:

01 - Blue Monday 1988 (7" version)
02 - Fine Time (7" edit)
03 - Round & Round (7" version)
04 - Run (Incorrectly credited as "Run 2") (New Order, John Denver)
05 - World in Motion (single version) (New Order, Keith Allen)
06 - Regret (New Order, Stephen Hague)
07 - Ruined in a Day (radio edit) (New Order, Stephen Hague)
08 - World (The Price of Love) (radio edit) (New Order, Stephen Hague)
09 - Spooky (radio edit) (New Order, Stephen Hague)
10 - Crystal (radio edit)
11 - 60 Miles an Hour (radio edit)
12 - Here to Stay (radio edit)
13 - Krafty (single edit)
14 - Jetstream (radio edit) (New Order, Stuart Price, Ana Lynch)
15 - Waiting for the Sirens' Call (Rich Costey radio edit)
16 - Turn (edit)

Waiting For The Sirens Call (2005)

01 - Who's Joe? (New Order, Jim Spencer)
02 - Hey Now What You Doing (New Order, Stephen Street)
03 - Waiting for the Sirens' Call (New Order, Jim Spencer)
04 - Krafty (New Order, John Leckie)
05 - I Told You So (New Order, Jim Spencer)
06 - Morning Night and Day (New Order, Stephen Street)
07 - Dracula's Castle (John Leckie, New Order)
08 - Jetstream (Stuart Price, New Order)
09 - Guilt Is a Useless Emotion (Stuart Price, New Order)
10 - Turn (New Order, Stephen Street)
11 - Working Overtime

ITunes Originals (2007)

01 - iTunes Originals
02 - A Door Opening in a Darkened Room
03 - Transmission (iTunes original version)
04 - The First Album 'Movement' Was Very Tentative
05 - Dreams Never End
06 - That's One of the Legends Anyway
07 - Blue Monday
08 - Another One of Our Dance Rock Things
09 - Bizarre Love Triangle (iTunes original version)
10 - It's Most Notable for the Quality of Its Sleeve
11 - The Perfect Kiss
12 - There Was No Great Plan
13 - Love Vigilantes (iTunes original version)
14 - We Don't Really Know What We're Doing
15 - True Faith
16 - Then It All Started Going Wrong
17 - Round & Round
18 - 'Run Wild' Is a Very Personal Track
19 - Run Wild (iTunes original version)
20 - A Total Shock
21 - Regret
22 - People Like the New Numbers
23 - Waiting for the Sirens' Call (iTunes original version)
24 - I Find It Very Pleasurable
25 - Love Will Tear Us Apart (iTunes original version)

Lost Sirens (2013)

01 - I'll Stay with You
02 - Sugarcane
03 - Recoil
04 - Californian Grass
05 - Hellbent
06 - Shake It Up
07 - I've Got a Feeling
08 - I Told You So (Crazy World Mix)

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Christian Death (by Rozz Williams)

noreply@blogger.com (Divorazione) — Tue, 28 May 2013 23:14:00 +0000

Genere: Death Rock, Gothic Rock, Post Punk, New Wave

Info Band

Rozz Williams Website

I Christian Death sono la risposta americana al dark-punk britannico. Il loro sound, pomposo e lugubre, gotico e decadente, riprendeva le intuizioni di band "oscure" d'oltre Manica come Siouxsie and The Banshees, Killing Joke e (soprattutto) Bauhaus, aggiornandole con la tradizione "horror-shock" americana, di Screamin' Jay Hawkins e Cramps. I Christian Death riuscivano così nell'impresa di trapiantare streghe, fantasmi e vampiri al sole della California. La band nasce a Los Angeles su iniziativa del giovane cantante Rozz Williams. Nato a Pomona, nel Sud della California, il 6 novembre del 1963, Roger Alan Painter (questo il suo vero nome) cresce in una famiglia di Anabattisti del Sud e riceve un'educazione religiosa particolarmente rigida. Appassionato di David Bowie, Roxy Music, T-Rex, Alice Cooper, Iggy Pop, The New York Dolls, il giovane Roger decide di tentare l'avventura nel rock. Sceglie così il nome d'arte Rozz Williams, prendendolo da una lapide posta nel suo cimitero preferito. Le sue prime band si chiamano Crawlers To No, The Upsetters, The Asexuals, Daucus Karota. Quindi, nell'ottobre del 1979, nascono i Christian Death. Il nome del gruppo altro non è che una storpiatura del nome del famoso stilista Christian Dior. Il nucleo originario è formato da soli tre elementi: Rozz alla voce, Jay alla chitarra e James McGearty al basso. Più tardi McGearty introdurrà nel gruppo il batterista George Belanger, mentre Rikk Agnew prenderà il posto di Jay alla chitarra. Williams, lugubre demone punk, capace di un registro cupo e passionale vicino a quello di Peter Murphy, è il cuore nero del gruppo. Ma a dare nerbo alla musica dell'album d'esordio, Only Theatre Of Pain (1982), sono anche le chitarre di Agnew, dissonanti e melodiose al contempo. Il risultato è un pugno di canzoni tanto romantiche e struggenti quanto disperate, che pullulano di spettri e demoni, di anime perse e suicidi. "Romeo's Distress", con il suo ammaliante ritornello ("Kiss on my hand / after dark / hand for a kiss") e il suo crescendo ossessivo, cattura fin dal primo istante; "Cavity" e "Spiritual Cramp" (già incise in versioni diverse anche nel mini cd Deathwish, pubblicato in seguito) sono ballate dalle melodie sinistre e tenebrose; "Figurative Theatre" ha un andamento ipnotico e surreale; l'inno accorato di "Resurrection" è un pugno nello stomaco; mentre l'orientaleggiante "Stairs/ Uncertain Journey" e la psichedelica "Burnt Offerings" completano lo spettro musicale dell'opera. Uno stile che si rinnova, in chiave ancor più esoterica, nella successiva ode al suicidio di "Death Wish" (nelll'EP omonimo del 1983). Gli spettacoli dal vivo dei Christian Death fanno scandalo: Williams si presenta sul palco vestito da sposa; in altre occasioni ricostruisce il sacramento della Comunione; altre volte ancora si esibisce appeso a una croce rievocando la crocifissione di Cristo. Queste performance spingono alcuni gruppi religiosi a iniziare una guerra contro il gruppo, culminata nel rogo di varie copie di Only Theatre Of Pain fuori dai locali in cui si tenevano gli show. Ma anche al loro interno i Christian Death non hanno pace: in breve tempo Williams resta solo e, in sostanza, riforma la band attorno a una nuova line-up: Valor Kand (chitarra), David Glass (batteria), Gitane DeMone (tastiere, backing vocals) e Constance Smith (basso). Con questa nuova formazione i Christian Death realizzano Catastrophe Ballet (1984), edito dalla (per niente rassicurante) etichetta L'Invitation Au Suicide e inciso ai Rockfield Studios di Monmouth, Galles. L'opera, destinata a restare il loro capolavoro, riflette nei testi l'amore di Williams per il Surrealismo e il movimento Dada (l'intero lavoro è dedicato ad André Breton). Il disco si regge su una tipica architettura dark: canto malato da dandy, minacciose linee di basso, chitarre dissonanti, cadenze marziali e ossessive della batteria, cori spettrali, frasi d'organo barocche, urla angosciate. Nasce così una sequenza di ballate maestose ed esoteriche, che spaziano dal gotico medievale all'espressionismo, mescolando il Bowie più glam (ma anche quello "gelido" della trilogia berlinese) con il dark-punk più necrofilo. L'iniziale "Awake At The Wall" vive su una serie di echi e riveberi sinistri oltre che sul recitato agonizzante di Williams. La claustrofobica "The Blue Hour" è un gioco di specchi che ipnotizza. La disperata, trascinante "Sleepwalk" rievoca i Bauhaus di "In The Flat Field". "Androgynous Noise Hand Permeates" è uno strumentale intessuto su una cadenza pomposa. "As Evening Falls" si getta in un cupo galoppo degno dei Sisters of Mercy. Domina l'album un senso di pericolo incombente, di vuoto, di vertigine e, in definitiva, di morte. Il successivo Ashes (1985) rinnova quelle atmosfere, ma senza la stessa magia. Si amplia, comunque, la gamma degli stili: dalla danza voodoo della title trackalle macabre litanie di "When I Was Bed", "The Luxury Of Tears" e "Face", infarcite di riff lancinanti e melodie avvolgenti, sempre in bilico tra oltraggiosa decadenza e desolato romanticismo. Williams lascia i Christian Death nell'aprile del 1985. Ne approfitta Valor Kand per prendersi la testa (e il nome) della band. Dopo il trasferimento in Europa e la partenza di Williams, i Christian Death sotto la guida di Valor virano verso un cabaret gotico da baraccone, zeppo di stereotipi del genere (con gli album Atrocities, The Scriptures, The Wind Kissed Pictures, All The Love All The Hate, The Decomposition Of Violets).
Rozz Williams nel frattempo tenta la sfortunata avventura industrial dei Premature Ejaculation, quella forse più riuscita nei Daucus Karota (l'EP Shrine, 1994) e incide due dischi insieme a Eva O (ex Speed Queen e Super Heroines) negli Shadow Project (l'omonimo del 1991 e Dreams For The Dying del 1992). Seguono il disco di recitazioni Every King A Bastard Son e Whorse's Mouth. Nel frattempo, Williams riesce a riscattare i diritti sul nome Christian Death. Se The Iron Mask (con la suggestiva "Skeleton Kiss") è poco più che un esperimento, il successivo The Path Of Sorrows (1993) sembra rievocare a tratti le atmosfere più suggestive dei primi Christian Death. Ingaggiata ormai stabilmente Eva O (divenuta sua moglie nel 1987), Williams decide così di ricostruire l'asse portante della band chiamando Rikk Agnew e George Belanger. Da questa reunion nasce Iconologia (1993), testimonianza live di uno storico concerto del giugno 1993 a Los Angeles. Il successivo Rage Of Angels (1994), con Paris degli Shadow Project e la sezione ritmica dei Cradle Of Thorns, è ancora dominato da sonorità barocche e tenebrose.

Il primo aprile del 1998 Rozz Williams, sempre più solo e devastato da alcol e droghe, viene trovato impiccato nella sua casa di Hollywood, all'età di 34 anni. Ma neanche il suicidio del loro leader fermerà l'incessante produzione dei Christian Death, che torneranno in studio per incidere due dischi: Pornographic Messiah (1998) e The Bible (1999). Nel 2000 viene invece pubblicato il libro "The Art Of Rozz Williams", dedicato alla vita e alle opere di questo sfortunato messia nero del rock.

(Fonte: ondarock.it)

Only Theatre of Pain (1982)

01 - Cavity - First Communion
02 - Figurative Theatre
03 - Burnt Offerings
04 - Mysterium Iniquitatis
05 - Dream for Mother
06 - Stairs - Uncertain Journey
07 - Spiritual Cramp
08 - Romeo's Distress
09 - Resurrection - Sixth Communion
10 - Prayer

Deathwish (1983) [EP]

01 - Deathwish
02 - Romeo's Distress
03 - Dogs
04 - Desperate Hell
05 - Spiritual Cramp
06 - Cavity

Catastrophe Ballet (1984)

01 - Awake at the Wall
02 - Sleepwalk
03 - The Drowning
04 - The Blue Hour
05 - As Evening Falls
06 - Androgynous Noise Hand Permeates
07 - Electra Descending
08 - Cervix Couch
09 - This Glass House
10 - The Fleeing Somnambulist

Ashes (1985)

01 - Ashes
02 - Ashes, Pt. 2
03 - When I Was Bed
04 - Lament (Over the Shadows)
05 - Face
06 - The Luxury of Tears
07 - Of the Wound

The Iron Mask (1992)

01 - Sleepwalk
02 - Figurative Theatre
03 - Deathwish
04 - Spiritual Cramp
05 - Desperate Hell
06 - Luxury of Tears
07 - Cervix Couch
08 - Skeleton Kiss
09 - Burnt Offerings
10 - Resurrection - 6th Communion

Invocations 1981-1989 (1993)

01 - Invocation
02 - Working on Beyond
03 - Spiritual Cramp
04 - Face
05 - Six, Six, Sixth Communion
06 - Snake Pit
07 - Trials
08 - Invocation II
09 - Desperate Hell
10 - Dodo
11 - Sleepwalk
12 - Invocation III
13 - Haloes
14 - Spectre (Love Is Dead)

The Path of Sorrows (1993)

01 - Psalm (Maggot's Lair)
02 - The Path Of Sorrows
03 - Hour Of The Wolf
04 - In Absentia
05 - Mother
06 - The Angels (Cruciform)
07 - Book Of Lies
08 - A Widow's Dream
09 - Easter (In The Tombs)



The Rage of Angels (1994)

01 - Trust (The Sacred and Unclean)
02 - Lost Minds
03 - Still Born/Still Life, Pt. 1
04 - Sex
05 - Her Only Sin
06 - Bad Year
07 - Torch Song
08 - Still Born/Still Life, Pt. 2 (The Unknown Men)
09 - Procession
10 - Panic in Detroit

Death In Detroit (1995)

01 - Panic In Detroit (Numb Mix)
02 - Panic In Detroit 1.1 (Whatever Mix)
03 - Figurative Theater (Die Krupps Mix)
04 - Panic In Detroit (Turning In His Grave Mix)
05 - Venus In Furs (Leaether Strip Mix)
06 - Skeleton Kiss (Noise Box Mix)
07 - Panic In Detroit (Zero Gravity Mix)
08 - Spiritual Cramp (Symptom Reversal Mix)

The Whorse´s Mouth (1997) [Rozz Williams]

01 - Temptation
02 - Life Is But a Dream
03 - Raped
04 - Who's in Charge Here? (Beneath the Triumph of Shadows)
05 - A Fire of Uncommon Velocity
06 - Her Only Sin
07 - Interlude
08 - A Brother of Low Degree
09 - Dear Skin
10 - Maggot Drain
11 - Dec. 30, 1334
12 -Best of the Breed

The Best of Christian Death (1999)

01 - Spiritual Cramp (Mission UK Mix)
02 - Sleepwalk (Original Version)
03 - Haloes
04 - Romeo's Distress (Demo Version 1981)
05 - The Angels (Laibach Remix)
06 - Figurative Theatre
07 - Skeleton Kiss (Alternate Death)
08 - Sleepwalk
09 - Cavity (1st Communion) (Live)
10 - Cervix Couch (One By One) (Spahn Ranch Mix)
11 - Mother
12 - The Path Of Sorrows
13 - Procession
14 - Lost Minds

Death Club 1981-1993 (2005)

01 - Dogs
02 - Deathwish
03 - Cavity - First Communion
04 - Romeo's Distress
05 - Cervix Couch
06 - The Drowning
07 - Ashes
08 - The Luxury of Tears
09 - Spectre
10 - Haloes
11 - This Mirage
12 - The Angels (Cruciform)
13 - Venus in Furs
14 - Psalm (Maggots Lair)
15 - [Untitled Track]

Six Six Sixth Communion (2008)

1 – Sleepwalk [Original Varsion '83]
2 – Invocation III - '83
3 – Haloes - '85
4 – Spectre (Love Is Dead)
5 – Snake Pit [Live At Anti-Club '82]
6 – Romeo's Distress [Demo '81]
7 – The Angels [Laibach Remix '93]
8 – Figurative Theatre [Iron Mask Sessions '92]
9 – Deathwish [Live '90]
10 – Desperare Hell [Live At Whiskey A Go Go '81]
11 – Six, Six, Sixth Communion [Live At Whiskey A Go Go '82]
12 – Venus In Furs [The Path Of Sorrows Sessions '93] (Bonus Tracks)
13 – Spiritual Cramp [Iron Mask Sessions '92] (Bonus Tracks)
14 – Skeleton Kiss [Iron Mask Sessions '92] (Bonus Tracks)

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Joy Division

noreply@blogger.com (Divorazione) — Mon, 27 May 2013 23:46:00 +0000

Genere: Post Punk, Gothic Rock

Info Band

Joy Division Myspace

La storia dei Joy Division inizia come quella di decine e decine di altri gruppi nati in Inghilterra a cavallo dell'esplosione del punk. Inizia con tre ragazzi che mettono su un gruppo quasi senza nemmeno saper suonare. Terminerà lontanissimo da queste premesse, nel giro di neanche quattro anni. Terminerà nella leggenda, dunque tragicamente. Ma andiamo con ordine. È il 9 dicembre del 1976 quando all'Electric Circus di Manchester tre ventenni - tutti originari della stessa città, conosciutisi sui banchi della Salford Grammar School - debuttano con la band da loro formata pochi mesi prima, gli Stiff Kittens. Sono Bernard Dicken (all'anagrafe Bernard Sumner, chitarra e voce), Peter Hook (basso e voce) e Terry Mason (batteria e voce). La molla che spinse i tre ragazzi a formare una band fu, ovviamente, un concerto dei Sex Pistols alla Lesser Free Trade Hall di Manchester - insieme ai Buzzcocks, leggenda della scena punk macuniana - il 20 luglio del 1976. Ad assistere allo stesso evento quella sera c'è anche un altro ventenne, che già da qualche tempo i tre hanno avuto modo di conoscere: Ian Kevin Curtis, nativo di Macclesfield, che fin da giovanissimo vive per due passioni: scrivere poesie e ascoltare musica rock (fan appassionato di Iggy Pop, David Bowie, Velvet Underground). Stroncati dal magazine "Sound" all'indomani della loro esibizione all'Electric Circus, i tre Stiff Kittens vengono contattati da Curtis, che nei primi mesi del '77 entra a far parte del gruppo. Lui stesso da tempo cercava di mettere su una band, sulle orme degli amici Buzzcocks (il cui manager era lo stesso dei Kittens).
L'occasione di tornare sul palco capita il 27 maggio del 1977, sempre all'Electric Circus, stavolta come spalla proprio ai Buzzcocks. In quell'occasione il gruppo, senza Mason (che resta però in qualità di manager) e con Tony Tabac alla batteria, cambia nome in Warsaw (in omaggio a Bowie e al suo capolavoro "Warszawa", contenuto nell'album "Low"). Ancora una volta le critiche sono negative, ma è in seguito a quel concerto che i futuri Joy Division entrano in contatto con il principale animatore della scena musicale di Manchester in quegli anni, Martin Hannett (che in quel periodo ha appena prodotto l'Ep di debutto dei Buzzcocks), l'uomo che li aiuterà a diventare leggenda. Rimpiazzato ben presto il batterista "provvisorio" Tabac con il ben più esperto Steven Brotherdale (batterista anche di un'altra punk-band cittadina, i Panik), i Warsaw entrano per la prima volta in studio nel luglio del 1977 per registrare i primi demo di brani come "The Drawback", "Warsaw" e "Leaders of Men" (questi ultimi due autentici classici della scena punk di Manchester). Demo che resteranno però tali, dato che rimarranno a lungo inediti. Appena dopo queste session, il batterista Steven Brotherdale lascia il gruppo (cercando per di più di convincere Ian Curtis a seguirlo nei Panik). Sembra l'ennesimo inconveniente che tarpa le ali al gruppo, e invece si rivela un vero colpo di fortuna quando al suo posto entra Stephen Morris, come Ian originario di Macclesfield, e la band trova finalmente l'alchimia che cercava, le cose iniziano a girare con naturalezza per il verso giusto. Nell'ottobre del '77 i Warsaw appaiono per la prima volta su disco con il brano "At A Later Date", registrato per una compilation in "memoria" dello storico locale Electric Circus, prossimo alla chiusura, e a dicembre registrano sull'Ep An Ideal For Living quattro dei loro pezzi più rappresentativi ("Warsaw", "No Love Lost", "Leaders Of Men" e "Failures"). I testi di Curtis iniziano a farsi sempre più desolati e introspettivi, l'energia punk inizia a diluirsi in atmosfere più rarefatte, lugubri e opprimenti. Si inizia a parlare dei Joy Division veri e propri. Il nome "Joy Division" (che designava nei lager le prigioniere destinate all'intrattenimento sessuale degli ufficiali nazisti) viene scelto dal gruppo nel gennaio del 1978, per non creare confusione, con la band londinese chiamata "Warsaw Pakt", che aveva appena inciso un disco; Ian Curtis lo aveva scovato in un romanzo, intitolato "The House Of Dolls", al quale si era ispirato anche per le parole di "No Love Lost". Ian Curtis - Joy DivisionI nome del gruppo, unito alla grafica di copertina dell'Ep appena pubblicato (opera di Bernard Sumner) e al look adottato dalla band, porta ovviamente le solite, insulse, accuse di filo-nazismo da parte della stampa "ufficiale" inglese (che, dopo la svastica dei Sex Pistols, non aspetta altro per fare a pezzi un gruppo). Molto più serie di queste ridicole polemiche sono le prime esibizioni come "Joy Division", la prima in assoluto si tiene il 25 gennaio del 1978 al Pips Disco di Manchester, la performance nel programma televisivo "Granada Reports", condotto da Tony Wilson, e la possibilità offerta dalla Rca di incidere in studio il primo album grazie al produttore John Anderson. Le session si svolgono nel maggio 1978 e la tracklist definitiva includeva i classici del repertorio Warsaw più brani nuovi (tra i quali "Transmission" e "Shadowplay"), ma il mixaggio finale di Anderson lascia insoddisfatta la band. Il disco comunque non vedrà mai la luce: oltre al lavoro di Anderson, la band non si sente adeguatamente supportata dalla Rca, che di colpo sembra aver perso interesse nel progetto. Non se ne fa più nulla: il debut album dei Joy Division diventa un disco "fantasma", e solo nel 1994 verrà pubblicato in una compilation semi-ufficiale (ma sarebbe meglio chiamarlo per quello che è: un bootleg) che include anche i primi demo dei Warsaw. Ancora sfortuna, ma l'appuntamento con il meritato successo è solo rimandato. È grazie a Tony Wilson, che in settembre li ospita nuovamente nel suo show televisivo, che i Joy Division trovano una label seriamente interessata alla loro musica: Wilson infatti ha appena fondato la Factory Records ("Factory" era il nome delle serate organizzate dallo stesso Wilson ogni venerdì sera nel Russell Club di Manchester: a una di queste serate i Joy Division parteciparono e collaborarono per la prima volta con il designer Peter Saville, che realizzò il loro manifesto promozionale). "A Factory Sample", compilation per il lancio della neonata label, vede due brani dei Joy Division: "Digital" e "Glass". Musicalmente ancora piuttosto legati a stilemi punk, ma sono due pezzi importantissimi perché segnano la nascita della vera e propria "simbiosi" del gruppo con il produttore Martin Hannett. Il "suo" sound unito alla propensione sempre più accentuata del gruppo verso atmosfere "dark" diventa un marchio inconfondibile: quello dei Joy Division diventa il prototipo, il riferimento obbiligato per il "post punk", coniando un suono gelido, geometrico, che sembra rimbombare nel vuoto, scandito dagli echi della chitarra e da ritmi semplici e pulsanti (e la sezione ritmica composta da Hook e Morris è forse quella che più di tutti ha saputo fare della semplicità la propria forza). Il lancio della band fuori dagli angusti confini della scena cittadina è però prematuro: il concerto londinese del dicembre 1978 è infatti un disastro, con pochissimi spettatori e i quattro totalmente spaesati e fuori forma. Curtis, inoltre, è colpito da un violento attacco convulsivo dopo il concerto. Il vocalist e paroliere del gruppo è malato di epilessia (quello che lui stesso chiamava nei suoi diari giovanili "il grande male") e grazie al Nme, che nel gennaio '79 mette Curtis in copertina, il pubblico capisce come le mosse frenetiche con cui Ian accompagnava le performance sul palco fossero non un ballo, ma un modo del cantante di esorcizzare il suo "grande male". Nonostante il tonfo londinese, comunque, l'attenzione intorno alla band comincia finalmente a crescere, il loro nome circola, il singolo "She's Lost Control" viene registrato a fine gennaio e inizia a circolare in radio grazie al leggendario dj della Bbc John Peel, che a febbraio ospita i Joy Division per la prima delle loro "Peel Sessions". L'ufficializzazione dello status di cult-band della nascente scena "dark" avviene il 4 marzo 1979 quando al Marquee, storico locale londinese, i Joy Division suonano insieme ai Cure. Sembra fatta; anche le sfortune, come la malattia di Ian, si tramutano in utile pubblicità, è il momento giusto per incidere finalmente il debut album. Negli Strawberry Studios di Stockport vengono registrate alcune canzoni (il singolo "She's Lost Control", ma anche pezzi leggendari come "Disorder", forte di un testo struggente e di uno degli "attacchi" più incisivi e suggestivi che si possano ricordare). Martin Hannett alla produzione a esaltare ogni singolo giro prodotto da Sumner e da Hook, la batteria di Morris che incalza con geometrica precisione, il canto robotico e al tempo stesso vibrante di Curtis. Completa il tutto la grafica spoglia e criptica di Peter Saville, che realizza per l'occasione una delle più famose copertine della storia del rock.

Unknown Pleasures, il primo album dei Joy Division, esce nel giugno del 1979. Le radici punk del gruppo sono dilatate in dieci canzoni che formano un unico, compatto, vortice di emozioni forti e incubi angosciosi. "Disorder", "Day Of The Lords" e "New Dawn Fades" sono composizioni che sembrano materializzarsi dal nulla, e le parole di Ian Curtis si insinuano come un liquido velenoso nelle geometrie perfette della loro musica. Parole che dipingono una tragedia esistenziale senza precedenti, eppure l'enfasi melodrammatica è qualcosa di assolutamente estraneo alla musica dei Joy Division e ai testi di Curtis. Gelida è la loro musica, gelida è la voce che canta parole che esprimono la più totale solitudine, parole annichilite dalla paura e dalla sfiducia verso tutto e tutti. Ma senza mai piangersi addosso: Curtis semplicemente accetta la propria totale sconfitta come qualcosa di perfettamente logico, normale, naturale e per questo le sue parole esprimono una forza interiore devastante. È questa che dona alle canzoni dei Joy Division la capacità di abbattere totalmente le difese emozionali di chi ascolta. La musica si limita a esprimere tutto questo con la stessa, gelida "distanza" emotiva. La portata epocale di questo album è espressa tutta in questo gioco di emozioni raggelate, quasi annullate, eppure realmente sconvolgenti. L'equilibrio raggiunto dalla formazione ha del miracoloso, e la produzione di Hannett ne esalta ogni singolo aspetto. Nessuno dei quattro prevarica mai l'altro, tutto è esattamente dove deve essere. L'album riceve finalmente critiche positive e le vendite sono più che soddisfacenti, considerando le limitatissime possibilità di una label piccola e praticamente neonata come la Factory. Ma soprattutto il disco conferisce al gruppo lo status di vera e propria cult-band. Da qui in avanti l'attività dei Joy Division si fa sempre più intensa e frenetica, e già i primi singoli che seguono l'Lp si pongono come autentici capolavori: prima (luglio '79) la memorabile "Transmission", danza incalzante e irresistibile, e poi (ottobre '79) l'apoteosi di "Atmosphere" e della sua b-side "Dead Souls": tanto celestiale e suggestiva la prima (semplicemente una delle canzoni più disarmanti e poetiche, più belle e tristi di sempre), quanto minacciosa e disturbante la seconda (entrambi i pezzi sono autentici show personali del chitarrista/tastierista Bernard Sumner), rifatta dai Nine Inch Nails nel 1994, in una cover rischiosissima e molto riuscita.

Un tour insieme ai concittadini e amici di sempre, i Buzzcocks, riscuote grande successo, come pure le due date consecutive dell'ottobre 1979 all'Apollo Theatre di Manchester, poi immortalate nel video-documento "Here Are The Young Men". Di novembre è invece la seconda "Peel Session". Un successo crescente che permette al gruppo di uscire finalmente dalla Gran Bretagna: il 1980 si apre infatti con un tour nordeuropeo (tra cui il famoso concerto al "Paradiso" di Amsterdam). Attività live intensa e scandita da consensi di pubblico e critica, che mina però la salute di Ian Curtis, che oltretutto in quel periodo vede andare in crisi il suo rapporto con la moglie Deborah Woodruffe, una crisi che ispira a Curtis un altro brano immortale: "Love Will Tear Us Apart". Il difficile stato psicologico e fisico del cantante, la sua depressione crescente si riflette sui testi e sulle atmosfere del nuovo album, che nel marzo del 1980 la band si appresta a registrare ai Britannia Row Studios di Londra, sempre insieme a Martin Hannett.

Ian Curtis - Joy Division Closer è il titolo dell'album. Per la copertina la band sceglie una fotografa scattata da Peter Saville nel cimitero monumentale di Staglieno, in Liguria: i testi di Ian Curtis compongono un mosaico agghiacciante dei fantasmi che imprigionavano la sua mente. La musica si fa sempre più lugubre, dalla minacciosa apertura a ritmo tribale di "Atrocity Exhibition" fino alla conclusiva "Decades". Curtis osserva e riflette, mette a nudo i suoi pensieri con una schiettezza tanto più raggelante perché tutto, dalla sua voce alla musica, è ancora più distante, rallentato e lineare che nel precedente album. Sono canzoni "assolute", sono canzoni che compongono un viaggio senza ritorno, canzoni che dietro la loro calma apparente nascondono una sofferenza psicologica insopportabile. È la sofferenza di Ian Curtis, e il modo in cui riesce a mettere in parole una tale sofferenza è realmente commovente: Curtis non interpreta canzoni, Curtis si confessa con il cuore in mano, racconta ai suoi ascoltatori che cosa ha in mente di fare e i motivi che lo spingono a farlo. Curtis rende perfettamente comprensibile il suo tormento, rende "universale" la sua disperazione, ci lascia soli davanti alla sua enorme forza interiore, quella forza che riusciva a esprimere solo attraverso la sua arte. Ian Curtis mette in scena il suo epitaffio, con tanto di marcia funebre ("The Eternal") e parla con la serenità di chi ha già preso la sua decisione, anzi di chi ha già messo in atto la sua decisione. Osserva e riflette, osserva sé stesso e gli altri, osserva la sua incompatibilità con la vita, osserva la sua totale sconfitta. Osserva e riflette, e trae la conclusione che per lui è più logica e naturale. E i suoi compagni lo assecondano con una compostezza che fa male al cuore per quanto è perfetta. La perfezione di "Heart And Soul" e "The Eternal", di "A Means To An End", di "Passover" e di "24 hours". "Heart and soul, one will burn" e "This is the crisis I knew had to come, destroying the bilance I'd kept", dice Ian Curtis. Ma, a un passo dalla consacrazione (si preparava un tour americano, si trattava per un contratto con una major come la Warner), Ian getta la spugna: a inizio aprile tre concerti londinesi di fila sono troppo per le sue condizioni di salute, e nel terzo di questi concerti il cantante ha una crisi epilettica sul palco. Il 7 aprile, il giorno prima di un altro concerto è messo ko da una overdose, e nonostante tutto la sera dopo sale sul palco. Ma non si può andare avanti così e la band è costretta a prendersi una pausa per consentire a Ian di ristabilirsi: nel frattempo girano il video di "Love Will Tear Us Apart" e il 2 maggio suonano a Birmingham un live (poi pubblicato col titolo "Still"), contenente un brano inedito, "Ceremony". Ma Ian non ha la minima intenzione di ristabilirsi: il 20 maggio la band avrebbe iniziato il suo tour americano; il 18 maggio Ian Curtis si suicida impiccandosi nella sua casa di Macclesfield, a 24 anni non ancora compiuti. Sin dall'inizio della loro avventura, i quattro Joy Division avevano stipulato tra di loro un tacito accordo: se uno di loro avesse abbandonato la band, gli altri non dovevano più chiamarsi Joy Division, ma "New Order". Evidente come ognuno dei quattro fosse fondamentale, come se la loro fosse una autentica "unione che fa la forza", una alchimia irripetibile.
All'indomani della sua morte i tre compagni di Ian rispettano l'accordo e nel 1981 pubblicano come New Order, "Movement", ma è giusto parlarne come del terzo disco dei Joy Division. Prodotto da Hannett, vede un uso più marcato dei sintetizzatori e delle tastiere (sarà questa la strada scelta dai New Order già dal disco successivo, che li porterà a diventare uno dei gruppi-simbolo del synth-pop, riscuotendo un grande successo). Alla voce, Sumner e Hook sembrano voler tentare di evocare il fantasma di Ian. Le musiche sono quelle dei Joy Division, le atmosfere sono quelle dei Joy Division, se possibile ancora più spettrali. Il disco è come bloccato, e volutamente, perché manca Ian, perché si tratta di una perdita irreparabile, perché i tre ex Joy Division sanno bene che il "nuovo ordine" deve ripartire dalle ceneri del vecchio. E "Movement" fa parte a tutti gli effetti della storia dei Joy Division perché è l'estremo saluto a Ian Curtis, il modo scelto dai loro compagni di congedarsi dalla sua memoria, per poter voltare pagina e continuare su una strada diversa, giustamente diversa, senza di lui. Ma la storia dei Joy Division finisce qui.

(Fonte: ondarock.it)

CONTROL

Info Film

"Control" - ITA

La storia di Ian Curtis, leader dei Joy Division, raccontata con sensibilità e discrezione dal fotografo Anton Corbijn.

In Inghilterra, nella metà anni '70, i giovani cercavano la propria identità ascoltando i vinili dei loro miti (Buzzcocks, Sex Pistols, David Bowie). Si vestivano come loro, ne emulavano le movenze e si truccavano davanti allo specchio delle loro camerette tappezzate di poster sognando le luci del palcoscenico. Qualcuno ce la fece. A Macclesfield, a pochi chilometri da Manchester, un Ian Curtis appena ventenne si unì ad altri tre ragazzacci - Peter Hook, Bernard Sumner, Stephen Morris - per formare i Joy Division, band di culto che segnò l'inizio della scena post-punk. Il fotografo e videomaker Anton Corbijn fa il suo esordio in lungo raccontando la storia di Ian Curtis, morto suicida a soli 23 anni. Il titolo fa riferimento alla canzone dedicata alla vita spezzata di una conoscente del leader dei Joy Division ("She's Lost Control") ma sembra anche descrivere quell'impossibilità di controllare il proprio corpo scosso dalle crisi epilettiche che fecero cadere il musicista in depressione. O, ancora, la mancanza di controllo nella vita affettiva, divisa tra la moglie sposata troppo giovane e l'amante conosciuta nel backstage. Liberamente tratto dal romanzo autobiografico di Deborah Curtis, "Touching From a Distance", il film di Corbijn non si adagia sulla figura del mito, non ne maschera il vissuto con false apparenze ma ne racconta i limiti e i drammi senza patetismi. Persino di fronte alla sua morte (preannunciata, nei modi, da una semplice inquadratura) preferisce la discrezione dello stacco della macchina da presa mostrando una sensibilità che troppo spesso manca al cinema. Girato a colori e in seguito trasferito in B/N per mantenere intatto lo spirito e il mood della band (ma va detto che il regista è noto per le sue foto in bianco e nero), Control riesuma un'epoca di grande fermento musicale utilizzando tutto sommato poche canzoni. Se da una parte ci sono i contributi degli stessi Joy Division e delle band in voga in quel periodo, dall'altra ci sono i silenzi e i lievi scricchiolii degli interni inglesi per definire le due anime di Curtis. Il cantante che si dimenava sul palco sotto gli occhi ammirati dei fan, e il ragazzo privato, confuso e straziato dall'improvviso successo. L'attore inglese Sam Riley offre una delle migliori reincarnazioni di una celebrità riportata in vita al cinema. Il carisma e il tormento del cantante rivivono sul suo volto e nei suoi gesti, resi ancor più reali da un utilizzo della macchina da presa che senza nessun tipo di artificio ci consegna Ian Curtis, nudo e puro.

(Fonte: MYmovies.it)

An Ideal for Living (1978) [EP]

01 - Warsaw
02 - No Love Lost
03 - Leaders of Men
04 - Failures

Unknown Pleasures (1979)

01 - Disorder
02 - Day of the Lords
03 - Candidate
04 - Insight
05 - New Dawn Fades
06 - She's Lost Control
07 - Shadowplay
08 - Wilderness
09 - Interzone
10 - I Remember Nothing

Closer (1980)

01 - Atrocity Exhibition
02 - Isolation
03 - Passover
04 - Colony
05 - A Means to an End
06 - Heart and Soul
07 - Twenty Four Hours
08 - The Eternal
09 - Decades

Still (1981) [Raccolta]

01 - Exercise One
02 - Ice Age
03 - The Sound of Music
04 - Glass - 3:56
05 - The Only Mistake
06 - Walked in Line
07 - The Kill
08 - Something Must Break
09 - Dead Souls
10 - Sister Ray (live) (John Cale, Sterling Morrison, Lou Reed, Maureen Tucker)
11 - Ceremony (live)
12 - Shadowplay (live)
13 - Means to an End (live)
14 - Passover (live)
15 - New dawn fades (live)
16 - Transmission (live)
17 - Disorder (live)
18 - Isolation (live)
19 - Decades (live)
20 - Digital (live)

Substance (1988) [Raccolta]

01 - Warsaw
02 - Leaders of Men
03 - Digital
04 - Autosuggestion
05 - Transmission
06 - She's Lost Control
07 - Incubation
08 - Dead Souls
09 - Atmosphere
10 - Love Will Tear Us Apart
11 - No Love Lost
12 - Failures
13 - Glass
14 - From Safety to Where...?
15 - Novelty
16 - Komakino
17 - These Days
18 - Ceremony

The Peel Sessions (1990) [Raccolta]

01 - Exercise One
02 - Insight
03 - She's Lost Control
04 - Transmission
05 - Love Will Tear Us Apart
06 - Twenty Four Hours
07 - Colony
08 - Sound of Music

Warsaw (1994) [Raccolta]

01 - The Drawback
02 - Leaders of Men
03 - They Walked in Line
04 - Failures
05 - Novelty
06 - No Love Lost
07 - Transmission
08 - Living in the Ice Age
09 - Interzone
10 - Warsaw
11 - Shadowplay
12 - As You Said (Instrumental)

Permanent (1995) [Raccolta]

01 - Love Will Tear Us Apart
02 - Transmission
03 - She's Lost Control
04 - Shadow play
05 - Day of the Lords
06 - Isolation
07 - Passover
08 - Heart and Soul
09 - Twenty Four Hours
10 - These Days
11 - Novelty
12 - Dead Souls
13 - The Only Mistake
14 - Something Must Break
15 - Atmosphere
16 - Love Will Tear Us Apart (Permanent mix)

Heart and Soul (1997) [Raccolta]

Disc 1: Unknown Pleasures Plus

01 - Digital
02 - Glass
03 - Disorder
04 - Day of the Lords
05 - Candidate
06 - Insight
07 - New Dawn Fades
08 - She's Lost Control
09 - Shadowplay
10 - Wilderness
11 - Interzone
12 - I Remember Nothing
13 - Ice Age
14 - Exercise One
15 - Transmission
16 - Novelty
17 - The Kill
18 - The Only Mistake
19 - Something Must Break
20 - Autosuggestion
21 - From Safety to Where...?

Disc 2: Closer Plus

01 - She's Lost Control (12" version)
02 - Sound of Music
03 - Atmosphere
04 - Dead Souls
05 - Komakino
06 - Incubation
07 - Atrocity Exhibition
08 - Isolation
09 - Passover
10 - Colony
11 - A Means to an End
12 - Heart and Soul
13 - Twenty Four Hours
14 - The Eternal
15 - Decades
16 - Love Will Tear Us Apart
17 - These Days

Disc 3: Rarities

01 - Warsaw
02 - No Love Lost
03 - Leaders of Men
04 - Failures
05 - The Drawback (Demo)
06 - Interzone (Demo)
07 - Shadowplay (Demo)
08 - Exercise One (Peel Session)
09 - Insight (Demo)
10 - Glass (Demo)
11 - Transmission (Demo)
12 - Dead Souls (Outtake)
13 - Something Must Break (Rough Mix)
14 - Ice Age (Demo)
15 - Walked in Line (Rough Mix)
16 - These Days (Piccadilly Radio Session)
17 - Candidate (Piccadilly Radio Session)
18 - The Only Mistake (Piccadilly Radio Session)
19 - Chance (Atmosphere) (Piccadilly Radio Session)
20 - Love Will Tear Us Apart (Peel Session)
21 - Colony (Peel Session)
22 - As You Said
23 - Ceremony (Demo)
24 - In a Lonely Place (Detail) (Demo)

Disc 4: Live

01 - Dead Souls (live)
02 - The Only Mistake (live)
03 - Insight (live)
04 - Candidate (live)
05 - Wilderness (live)
06 - She's Lost Control (live)
07 - Disorder (live)
08 - Interzone (live)
09 - Atrocity Exhibition (live)
10 - Novelty (live)
11 - Autosuggestion (live)
12 - I Remember Nothing (live)
13 - Colony (live)
14 - These Days (live)
15 - Incubation (live)
16 - The Eternal (live)
17 - Heart and Soul (live)
18 - Isolation (live)
19 - She's Lost Control (live)

Joy Division The Complete BBC Recordings (2000) [Raccolta]

01 - Exercise One
02 - Insight
03 - She's Lost Control
04 - Transmission
05 - Love Will Tear Us Apart
06 - Twenty Four Hours
07 - Colony
08 - Sound of Music
09 - Transmission
10 - She's Lost Control
11 - Ian Curtis & Stephen Morris interviewed by Richard Skinner

Let the Movie Begin (2007) [Raccolta]

01 - Love Will Tear Us Apart (B-side version)
02 - Ian Curtis Interview
03 - Leaders of Men
04 - Stephen Morris and Ian Curtis Interview
05 - Failures
06 - Ian Curtis Interview
07 - No Love Lost (incorrectly listed as "Novelty")
08 - Martin Hannett Interview
09 - At a Later Date (incorrectly listed as "New Dawn Fades")
10 - Ian Curtis Interview
11 - Ice Age
12 - Stephen Morris and Ian Curtis Interview
13 - Shadowplay
14 - Ian Curtis Interview
15 - Passover
16 - Martin Hannett Interview
17 - Transmission
18 - Stephen Morris and Ian Curtis Interview
19 - New Dawn Fades (incorrectly listed as "At a Later Date")
20 - Digital
21 - Bernard Sumner Interview
22 - Colony
23 - Ian Curtis Interview
24 - Autosuggestion
25 - Dead Souls

Martin Hannett's Personal Mixes (2007) [Raccolta]

01 - Synth Tone
02 - Hannett's Lift Recording 1
03 - Keyboard Doodles
04 - Lift Recording 2
05 - Number False Start 1
06 - Curtis, Hannett, Gretton Interplay, Chit Chat and Cup Smashing
07 - Hannett Speaks
08 - Number False Start 2
09 - From Safety to Where
10 - Autosuggestion
11 - Heart and Soul
12 - N4 Europop
13 - 24 Hours
14 - Passover
15 - N4
16 - N4 (Vers. 2)
17 - The Eternal
18 - The Eternal (Vers. 2)

The Best of Joy Division (2008) [Raccolta]

Disc 1:

01 - Digital
02 - Disorder
03 - Shadowplay
04 - New Dawn Fades
05 - Transmission
06 - Atmosphere
07 - Dead Souls
08 - She's Lost Control
09 - Love Will Tear Us Apart
10 - These Days
11 - Twenty Four Hours
12 - Heart and Soul
13 - Incubation
14 - Isolation

Disc 2: The Complete BBC Recordings

01 - Exercise One (Peel Session)
02 - Insight (Peel Session)
03 - She's Lost Control (Peel Session)
04 - Transmission (Peel Session)
05 - Love Will Tear Us Apart (Peel Session)
06 - Twenty Four Hours (Peel Session)
07 - Colony (Peel Session)
08 - Sound of Music (Peel Session)
09 - Transmission (live)
10 - She's Lost Control (live)
11 - Ian Curtis & Stephen Morris interviewed by Richard Skinner

Total: From Joy Division to New Order (2011) [Raccolta]

01 - Transmission (J.D.)
02 - Love will tear us apart (J.D.)
03 - Isolation (J.D.)
04 - She's lost control (J.D.)
05 - Atmosphere (J.D.)
06 - Ceremony (N.O.)
07 - Temptation (N.O.)
08 - Blue Monday (N.O.)
09 - Thieves like us (N.O.)
10 - The perfect kiss (N.O.)
11 - Bizarre love triangle (N.O.)
12 - True faith (N.O.)
13 - Fine time (N.O.)
14 - World in motion (N.O.)
15 - Regret (N.O.)
16 - Crystal (N.O.)
17 - Krafty (N.O.)
18 - Hellbent (N.O., inedito)

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Rachel's

noreply@blogger.com (Divorazione) — Sun, 26 May 2013 19:45:00 +0000

Genere: Instrumental, Post Rock Strumentale, Classica, Minimalism, Chamber Music

Info Band

Rachel's Website

Formatosi nel 1991 a Baltimora (Maryland, Usa), l'ensemble dei Rachel's propone un originale connubio tra arrangiamenti orchestrali di tipo classico e improvvisazioni post-rock, nel tentativo di gettare un ponte tra Romanticismo ottocentesco e avanguardie rock contemporanee. Il risultato è una musica da camera di grande fascino, minimalista e romantica, soave e struggente, che rinnova gli esperimenti più riusciti della Penguin Cafè Orchestra. La formazione statunitense - che annovera nelle sue file fino a una ventina di musicisti - è guidata dal violoncellista Christian Frederickson, dal chitarrista Jason Noble (scomparso prematuramente nel 2012), e dalla pianista Rachel Grimes (dalla quale prende il nome).
Il disco d'esordio, Handwriting (1995), definito come "gli Slint alle prese con Debussy", mette in luce subito il loro spleen romantico e decadente, recuperando alcune composizioni realizzate tra il 1991 e il 1994: "Southbound To Marion", "Saccharin", "Seratonin", la sonata per pianoforte di Frida Kahlo, "Handwriting" per soli archi, più l'improvvisazione jazz di "M Daguerre". Ma il vertice dell'opera è la lunga suite "Full On Night", a metà strada tra musica da camera ed elettronica. Successivamente i Rachel's realizzano la colonna sonora per il balletto Music For Egon Schiele (1995), che accentua la componente spettrale e onirica della loro musica, con sonorità possibilmente ancora più intimiste e oscure di quelle del disco precedente ("Promenade", "Family Portrait", "Wally Egon & Models").
Ma è soprattutto con l'album The Sea And The Bells (1996), suonato da una ventina di musicisti (provenienti sia dalla scena post-rock statunitense sia da varie orchestre filarmoniche), che i Rachel's si rivelano uno dei più affascinanti progetti sonori di fine secolo. Ispirato da Pablo Neruda, è un concept-album interamente dedicato al tema del mare e dei naviganti. Tredici i brani, per un'ora di musica, con il pianoforte di Rachel in evidenza, attorniato da violino, viola, violoncello, chitarra, basso, batteria e, per l'appunto, campanelli, a creare un "sound so pure. simple and passionate" ("Transmission"). La storia, che racconta di mare, di viaggi e di sirene, si snoda in maniera lenta e suggestiva, con un incedere quasi teatrale, tra arie rinascimentali ("Rhine & Courtesan") e minimalismo drammatico stile Nyman("Cypress Branches"), soffici sonate al pianoforte ("Tea Merchants") e adagi pastorali ("All Is Calm"), paesaggi sonori appena abbozzati ("Night At Sea") e suggestive avventure ("The Voyage Of Camille"). Lungi dal riproporre pesanti atmosfere classicheggianti alla Yes o Emerson Lake & Palmer, i Rachel's ribaltano l'operazione compiuta da certo progressive dei 70: non suonano rock con l'attitudine di musicisti classici, ma suonano musica classica con attitudine rock. Come scrive Ferruccio Quercetti su "Music Club", infatti, "è come se i Minor Threat si lanciassero in una sonata per pianoforte". Ma, tra i loro riferimenti, i Rachel's citano anche musicisti come Michael Nyman, Arvo Part, Bill Frisell, John Zorn, e rock-band come Tortoise, Don Caballero e Talk Talk. Dopo aver toccato il vertice della loro raffinata avanguardia post-rock da camera, i Rachel's virano verso un folk-rock neoclassico, che ha nelle suite di Art Zoyd, Univers Zero e In The Nursery un possibile termine di raffronto. Selenography (1999) offre un campionario di musica eterea, ai confini con la new age, dalle tinte notturne e romantiche ("French Galleasse", "Forgiveness", "On Demeter"). Oltre ai soliti temi post-rock e classici, subentrano sonorità spiccatamente folk, country e a tratti perfino medievali ("Honeysuckle Suite"). Selenography appare quasi come una colonna sonora sperimentale di qualche video o pellicola per cinefili. La musica, orchestrata con archi e legni vari, offre arie e immagini intriganti, distanti anni luce dalle tipiche produzioni rock. A dare manforte alla compagine di Baltimora, oltre a un'orchestra di quattordici elementi, sono anche la voce "mistica" di Giovanna Cacciola degli Uzeda e la presenza palpabile di Bob Weston degli Shellac.

Con Full On Night (2000) i Rachel's si avvalgono della collaborazione della band di punta della nuova scena elettronica d'oltre Oceano, i Matmos, per il remix di "The Precise Temperature Of Darkness" e ripropongono "Full On Night" con nuovi e sempre più forbiti arrangiamenti. Prodotti dalla Quarterstick (derivazione della Touch & Go, che annovera, tra gli altri, i June Of '44), i Rachel's mantengono anche stretti contatti con altre formazioni della scena indie, tra Chicago e Louisville. Rachel Grimes, ad esempio, collabora con The Sonora Pine (anche loro su Quarterstick Records), band in cui milita Kevin Coultas, batterista per gli stessi Rachel's ed ex Rodan; Jason Noble (anche'egli ex Rodan) suona negli Shipping News; come detto, partecipa al lavoro, nella veste di bassista e ingegnere del suono, anche Bob Weston, bassista degli Shellac (oltre che produttore per gruppi quali Archers Of Loaf, Hurl etc.).

Nel 1996, inoltre, i Rachel's hanno realizzato il loro primo lavoro sinfonico registrato insieme alla Turtle Bluff Orchestra di Port Towsand, Washington. E hanno collaborato con registi, compagnie di danza, produttori teatrali e fotografi. Coltivando il loro amore per il cinema, hanno composto brani per film indipendenti e lungometraggi, tra i quali "Ogni maledetta Domenica" di Oliver Stone, "Star Maps" di Miguel Arteta e il francese "Una relazione privata". La loro musica è stata la colonna sonora del film-documentario "A day to remember" sull'inglese Channel 4. Nel 2002 esce Significant Others. Difficile parlare di rock ormai con i Rachel's di Systems/Layers (2003). Con questo disco, 19 brani però legati come un'enorme suite, i riferimenti ormai devono essere presi in altro ambito: Gavin Bryars, Philip Glass, Penguin Cafè Orchestra, Gorecky, gli ultimi Stars of The Lid... Quasi totale assenza di percussioni, progressivo distacco dalla ciclicità minimale ormai sfruttata all'inverosimile, tono dell'opera a tratti molto cupo con grandi aperture romantiche, disco molto descrittivo, espressionista, malinconico, alternanza e sovrapposizione degli archi e delle parti strumentali con rumori ambientali, utilizzo sporadico dell'elettronica, voci e discorsi trovati, violoncelli drammaturgici, pianoforti esistenziali, accenni isolazionistici, perfino una canzone. Musica, e non onanismo acustico. Stavolta è superflua una descrizione delle singole parti. Un disco bellissimo.

(Fonte: ondarock.it)

Handwriting (1995)

01 - Southbound To Marion
02 - M. Daguerre
03 - Saccharin
04 - Frida Kahlo
05 - Seratonin
06 - Full On Night
07 - Handwriting

Music For Egon Schiele (1996)

01 - Family Portrait
02 - Egon & Gertie
03 - First Self-Portrait Series
04 - Mime Van Osen
05 - Second Self-Portrait Series
06 - Wally, Egon, & Models In The Studio
07 - Promenade
08 - Third Self-Portrait Series
09 - Egon, Edith & Wally Meet
10 - Egon & Wally Embrace & Say Farewell
11 - Egon & Edith
12 - Second Family Portrait

The Sea And The Bells (1996)

01 - Rhine & Courtesan
02 - The Voyage Of Camille
03 - Tea Merchants
04 - Lloyd's Register
05 - With More Air Than Words
06 - All Is Calm
07 - Cypress Branches
08 - The Sirens
09 - Night At Sea
10 - Letters Home
11 - To Rest Near To You
12 - The Blue-Skinned Waltz
13 - His Eyes

Selenography (1999)

01 - A French Galleasse
02 - On Demeter
03 - The Last Light
04 - Kentucky Nocturne
05 - Honeysuckle Suite (Sugar Maple - Elm - Sweetgum)
06 - Artemisia
07 - Old Road 60
08 - An Evening Of Long Goodbyes
09 - Cuts The Metal Cold
10 - The Mysterious Disappearance Of Louis LePrince
11 - Forgiveness
12 - Hearts And Drums

Full On Night (2000) [with Matmos]

01 - Full On Night (Rachel's)
02 - The Precise Temperature Of Darkness (Matmos)

Significant Others (2002)

01 - Lipochase
02 - Texas Nocturne #2
03 - Stark Sea
04 - Some Things Never Happen
05 - Phase-Record
06 - Ghost Dog
07 - Texas Nocturne #3
08 - You Will Be Safe
09 - Last Atmosphere
10 - Night Mix
11 - Texas Nocturne #1
12 - N. Nightingale
13 - Memory Board

Sistems Layers (2003)

01 - Moscow Is In The Telephone
02 - Water From The Same Source
03 - Systems / Layers
04 - Expect Delays
05 - Arterial
06 - Even / Odd
07 - Wouldn't Live Anywhere Else
08 - Esperanza
09 - Packet Switching
10 - Where_Have_All_My_Files_Gone?
11 - Reflective Surfaces
12 - Unclear Channel
13 - Last Things Last
14 - Anytime Soon
15 - Air Conditioning/A Closed Feeling
16 - Singing Bridge
17 - And Keep Smiling
18 - 4 Or 5 Trees
19 - NY Snow Globe

Technology Is Killing Music (2005) [EP, Single]

01 - Technology Is Killing Music

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Godflesh

noreply@blogger.com (Divorazione) — Fri, 24 May 2013 11:39:00 +0000

Genere: Industrial Metal, Rock/Metal Sperimentale, Post Metal

Info Band

Godflesh Website

La parabola artistica di Justin Broadrick e` una delle piu` rocambolesche, geniali e intrepide della storia del rock. La sua sintesi di generi e di tecniche di registrazione ha creato una delle "voci" piu` potenti della musica moderna, capace di incidere sulla psiche con la forza di una catastrofe naturale. Broadrick e` anche uno degli uomini che hanno tentato di costruire un ponte fra gli estremi piu` lontani della musica rock piu` estrema: fra punk-rock e musica industriale. Justin Broadrick, chitarrista nei Napalm Death, formo` gli Head Of David a meta` degli anni '80. Inizialmente, sull'EP Dogbreath (Blast First, 1986), pareva che il gruppo volesse semplicemente incupire ulteriormente il sound dei Black Sabbath, ma l'album LP (Blast, 1986), o CD (Blast, 1986), a seconda del formato, e brani come Joyride Burning X e Snuff Rider MC, hanno progressivamente spostato il baricentro verso una fusione di modi industriali ed heavymetal. Dustbowl (Blast First, 1988) ha messo a punto la formula, mutuando codici linguistici estremamente corrotti da Killing Joke, Sonic Youth e Big Black. Broadrick lascio` il gruppo per dedicarsi ai Fall Of Because, un trio con il chitarrista Paul Neville e il bassista Christian Green (gli altri pubblicheranno un nuovo album nel 1991). Poi, riducendo ulteriormente la velocita` a cui imitava i Black Sabbath, passando alla chitarra e conservando Green al basso, Broadrick diede vita ai Godflesh.
Accordi bassissimi e pesantissimi che rimbombano come cannonate, cadenze meticolosamente funeree, tape loop da fine del mondo fanno del primo Godflesh (Silverfish, 1988), uno dei dischi piu` cupi dai tempi dei primi Swans. Avalanche Master Song e Godhead, pur nella loro scarna essenzialita`, sono un grunge per trivella che fa tremare le pareti, litanie da cimitero che distorsioni e i tape loop contribuiscono a rendere ancor piu` cupe e cadenzate. Anche i brani piu`incalzanti, come Veins e Weak Flesh, si mantengono ben lontani dalla frenesia del grindcore. Ice Nerveshatter e` la Sister Ray del disco, un lungo farnetico a ritmo (relativamente) tribale devastato dai rumori e da un canto che sembra l'urlo di un moribondo. Streetcleaner (Earache, 1989) incorpora sonorita` piu` industriali, ovvero cadenze pesanti e ronzii elettronici. Molto piu` duro e cupo, il sound di ogni brano ha in effetti recuperato la potenza del grindcore, ma in un'altra forma, che discende semmai dai Killing Joke e dai Big Black. Ne scaturiscono danze delle catacombe come Dream Long Dead e Dead Head, agghindate con tutti gli eccessi vocali, chitarristici e percussivi del grindcore e dell'industriale. I climi gotici, in cui si confondono suspence e allucinazioni, culminano in Head Dirt, nella sua nuvola scurissima di distorsioni, squarciata ogni tanto da colpi sordi nel vuoto delle percussioni e del basso.I climi industriali degenerano invece in simulazioni di rumori e metronomie come Pulp. La title-track e Like Rats compongono un affresco opprimente della condizione umana, un poema dell'odio. Mighty Trust Krusher e` emblematica di come queste canzoni (le fitte acutissime delle chitarre, gli eco profondissimi, l'incalzare dei ritmi, le urla ferocissime) potrebbero fungere da colonne sonore per film di fanta-horror. Sulla ristampa del primo album viene anche inserito un inedito, i terrificanti tredici minuti di Wounds, che appartiene a questo stile estremo di danza, una specie di Bolero per robot. Con l'EP Slavestate (Earache, 1991) e il singolo Slateman, la conversione dei Godflesh al ballabile di massa prende consistenza. Il progresso rispetto a Streetcleaner e` apparentemente minuscolo, ma in realta` il ruolo e la struttura del ritmo sono cambiati, da un fatto psicologico sono diventati un fatto corporeo. Pure (Earache, 1992), con Robert Hampson dei Loop alla chitarra, completa la trasformazione. Le sventagliate heavymetal della chitarra, le ritmiche tempestose e le urla da mentecatto non lasciano dubbi su quale sia l'ispirazione di Spite: i Ministry in una giornata particolarmente depressa. Il ronzio distorto, le cascate di feedback e il passo sincopato di I Wasn't Born To Follow discendono dai Killing Joke via Helios Creed. La title-track e` il manifesto estetico del nuovo corso: una distorsione ferocissima della chitarra reiterata in maniera meccanica su una struttura armonica ridotta a due ritmi, uno regolare di beat-box e uno sincopato della batteria; la loro variante del minimalismo.L'uso piu` creativo dei riff di chitarra si ha forse nella marziale Baby Blue Eyes, che esprime lo stesso concetto di "minimalismo" dub-industriale in strutture ritmiche piu` serrate (e` il brano piu` veloce della loro carriera). Se talvolta il metodo si riduce a un blaterare senza forze (nella lunga Monotremata) o a un bagno catartico di puro rumore (nell'altrettanto lunga Love, Hate), qualunque auto-indulgenza viene ridicolizzata da Pure II, un montaggio aurale di feedback, tape loop e armoniche atonali che procede inarrestabile per oltre venti minuti; la loro variante (orrendamente dissonante) della musica "ambientale" di Eno e un'ottima concorrenza per la Metal Machine Music di Lou Reed.Ai monoliti di granito di Streetcleaner di rifa` invece Predominance. Preceduto dall'EP Merciless (Columbia, 1994), raffinato esercizio di decostruzione degli elementi di Pure, in particolare in Flowers, e dall'efferato singolo Crush My Soul del 1995, esce finalmente l'album Selfless (Earache, 1994). Lavoro meno brutale e cinico, piu` umorale e melodrammatico, che recupera il ruolo tradizionale di melodie e riff, si configura come un lungo, monotono stato di abbandono, dallo stanco trascinarsi di Bigot alle cadenze catatoniche di Black Boned Angel, che farebbero la gioia di una Lydia Lunch. Il gruppo finisce pero` per puntare troppo sul riff, come in quello da panzer di Heartless, trascurando tutto il resto. Il disco, che sfoggia persino un Mantra di sette minuti (ipnotico e minimalista, ma non proprio trascendente) e una Go Spread Your Wings di oltre venti (una sceneggiata da grandguignol a cui sarebbe potuto arrivare il Jim Morrison piu` imbottito di eroina), rinuncia a fare musica e lascia che la musica "divenga" da se`, secondo i precetti di certo misticismo orientale.
L'esplosivo power-trio dei Godflesh torna sulle scene con Songs Of Love And Hate (Earache, 1996). L'album e` un coacervo di stereotipi, di segni abusati, di citazioni da se stessi. Se il canto e` sempre meno avvincente, e la batteria picchia in maniera monotona, il basso di Green e` diventato uno strumento duttile e marziale, e la chitarra conserva il suo tono gelidamente abrasivo. La loro specialita` rimane atmosfere malate di estrema tensione, dal grindcore angoscioso di Wake al lungo psicodramma allucinato di Gift From Heaven, I rantoli, i disturbi e i poliritmi lugubremente industriali di Circle Of Shit recitano a memoria la loro carriera, ma non aggiungono nulla che gia` non si sapesse. Broadrick indulge troppo anche nella sua perversione prediletta, campionare e poi riciclare all'infinito riff malvagi. Sterile Prophet sembra costruito sulla ripetizione di un frammento di Black Sabbath, come se fosse un tributo al piu` torvo dark-rock, e lo stordente riff che riecheggia in Hunter sembra marchiato Pearl Jam. Semmai il bailamme quasi psichedelico di Almost Heaven, a chiusura del disco, lascia intravedere qualcosa di nuovo dalla sua nuvola di riverberi, dai suoi cingolii spettrali, dalle sue frequenze galattiche. Us And Them (Earache, 1999) e` il primo album a deludere Broadrick e Green si lasciano affascinare dalla tecnologia fine a se stessa, e soltanto saltuariamente rasentano il piglio brutale dei primi dischi. Si assiste invece a una sfilata di esperimenti sul formato della dance music, ora hip hop (Descent), ora breakbeat (Control Freak), ora drum'n'bass (I Me Mine), ora funk (Defiled). E’ del 1994 Messiah, un disco quasi clandestino, reperibile solo attraverso mail order e ordini internet. Quattro schegge, qui affiancate dalle rispettive versioni ambient dub per ribadire dei concetti, per alimentare un senso di nostalgia e di perdita, oltre che di perdizione. Un esempio di come si possa suonare industriali ed essere totalmente devoti alla violenza mentale, al mantra agghiacciante delle elaborazioni stuidate a posteriori e mosse dai brani trasfigurati nell’arte del remix, come quei visi della copertina. Un’occasione, insomma, ripescata da un ingiusto mausoleo, da una fabbrica dismessa, di quelle che ami visitare quando nessuno si accorge della tua presenza, rimirando quel che rimane. Hymns (Music For Nations, 2001), con Ted Parson, il batterista dei Prong, al posto della drum machine, continua il periodo di declino inaugurato dal precedente album, sebbene restituisca ai Godflesh un'attitudine da macchina killer e non vi siano piu` tracce di spazzatura drum'n'bass e hip-hop. Il disco percorre territori ritmici costantemente rallentati, effusioni sonore sostenute da un cantato urlato che finisce troppo spesso per copiare altri singers fin troppo noti (Cavalera e Bell su tutti) e divagazioni lontanamente stoner, caratterizzate sempre e comunque da una basilare piattezza di immagini, di scorrevolezza, anche nelle estranianti "Antihuman" e "Jesu", che riportano ad alcune delle sperimentazioni sovracitate, ma che conservano ancora una volta eccessiva staticità e carenza creativa. I monotoni vocalizzi sembrano a volte volersi spontaneamente distaccare dal più classico gutturale death, fino a spaziare in ululati declamatori che ricordano nuovamente il frontman dei Fear Factory, con i dovuti paragoni, e i brani scivolano via piatti senza creare particolari sussulti, complice anche la produzione di questo Hymns, quasi sempre troppo poco incisiva, senza mordente, una gabbia che rinchiude le anime della band invece che farle esplodere in un tantra di catastrofica teatralità. I Godflesh non sono mai sembrati cosi` "normali". Il suono non colpisce e non stupisce. Infatti e` del tutto privo di cattiveria. Defeated, Voidhead e Vampires sono piu` vicini al classico suono Godflesh, anche se troppo sfuocati e opachi rispetto al maniacale e preciso assalto portato dai primi lavori.

(Fonti: scaruffi.com, metallus.it, kronic.it )

Godflesh (1988) [EP]

01 - Avalanche Master Song
02 - Veins
03 - Godhead
04 - Spinebender
05 - Weak Flesh
06 - Ice Nerveshatter
07 - Wounds (reissue bonus track only)
08 - Streetcleaner (reissue bonus track only)

Streetcleaner (1990)

01 - Like Rats
02 - Christbait Rising
03 - Pulp
04 - Dream Long Dead
05 - Head Dirt
06 - Devastator
07 - Mighty Trust Krusher
08 - Life Is Easy
09 - Streetcleaner
10 - Locust Furnace
11 - Tiny Tears (Bonus tracks)
12 - Wound (Bonus tracks)
13 - Dead Head (Bonus tracks)
14 - Suction (Bonus tracks)

Loopflesh (1991) [Split EP with Loop]

01 - Like Rats (Godflesh Cover by Loop)
02 - Straight to Your Heart (Loop Cover by Godflesh)

Slavestate (1991)

01 - Slavestate
02 - Perfect Skin
03 - Someone Somewhere Scorn
04 - Meltdown
05 - Slavestate (Radio Slave)
06 - Slavestate (Total State Mix)
07 - Perfect Skin Dub
08 - Slateman
09 - Wound '91

Slavestate Remixes (1991) [EP]

01 - Slavestate
02 - Perfect Skin
03 - Someone Somewhere Scorned
04 - Meltdown
05 - Slavestate (Radio Slave)(taken from Slavestate Remixes, bonus track on reissue only)
06 - Slavestate Total State Mix (taken from Slavestate Remixes, bonus track on reissue only)
07 - Perfect Skin Dub (taken from Slavestate Remixes, bonus track on reissue only)
08 - Slateman (taken from "Slateman" single, bonus track on reissue only)
09 - Wound '91 (taken from "Slateman" single, bonus track on reissue only)

Cold World (1992) [EP]

01 - Cold World
02 - Nihil
03 - Nihil (Total Belief Mix)
04 - Nihil (No Belief Mix)

Pure (1992)

01 - Spite
02 - Mothra
03 - I Wasn't Born to Follow
04 - Predominance
05 - Pure
06 - Monotremata
07 - Baby Blue Eyes
08 - Don´t Bring Me Flowers
09 - Love, Hate (Slugbaiting)
10 - Pure II

Merciless (1994) [EP]

01 - Merciless
02 - Blind
03 - Unworthy
04 - Flowers

Crush My Soul (1994) [EP]

01 - Crush My Soul
02 - Crush My Soul (Ultramix)
03 - Xnoybis (Psychofuckdub)

Selfless (1994)

01 - Xnoybis
02 - Bigot
03 - Black Boned Angel
04 - Anything Is Mine
05 - Empyreal
06 - Crush My Soul
07 - Body Dome Light
08 - Toll
09 - Heartless
10 - Mantra
11 - Go Spread Your Wings

The Ten Commandments (1996)

01 - Hunter
02 - Crush My Soul
03 - Flowers
04 - Mothra
05 - Nihil
06 - Wound '91
07 - Slavestate
08 - Like Rats
09 - Avalanche Master Song
10 - Frail

Songs of Love and Hate (1996)

01 - Wake
02 - Sterile Prophet
03 - Circle of Shit
04 - Hunter
05 - Gift from Heaven
06 - Amoral
07 - Angel Domain
08 - Kingdom Come
09 - Time, Death and Wastefulness
10 - Frail
11 - Almost Heaven

Love and Hate in Dub (1997) [EP]

01 - Circle of Shit (To the Point Dub)
02 - Wake (Break Mix)
03 - Almost Heaven (Closer Mix)
04 - Gift from Heaven (Breakbeat)
05 - Frail (Now Broken)
06 - Sterile Prophet (Version)
07 - Almost Heaven (Helldub)
08 - Kingdom Come (Version)
09 - Time, Death and Wastefulness (In Dub)
10 - Sterile Prophet (In Dub)
11 - Domain
12 - Gift from Heaven (Heavenly)

Us and Them (1999)

01 - I, Me, Mine
02 - Us and them
03 - Endgames
04 - Witchhunt
05 - Whose Truth Is Your Truth
06 - Defiled
07 - Bittersweet
08 - Nail
09 - Descent
10 - Control Freak
11 - The Internal
12 - Live to Lose

Messiah (2000)

01 - Messiah
02 - Wilderness of Mirrors
03 - Sungod
04 - Scapegoat
05 - Messiah
06 - Wilderness of Mirrors
07 - Sungod
08 - Scapegoat

In All Languages (2001)

Disc: 1

01 - Avalanche Master Song
02 - Like Rats
03 - Streetcleaner
04 - Slateman
05 - Slavestate
06 - Mothra
07 - Spite
08 - Pure
09 - Xynobis
10 - Crush My Soul
11 - Anything Is Mine
12 - Circle of Shit
13 - Frail
14 - I, Me, Mine
15 - The Internal

Disc: 2

01 - Love Is a Dog from Hell
02 - Crush My Soul (Ultramixedit)
03 - Flowers
04 - Tiny Tears (BBC Session)
05 - Pulp (BBC Session)
06 - Newspite
07 - Empyreal 2
08 - Blind
09 - Slavestate (Radioslave)
10 - Gift from Heaven Breakbeat
11 - Xynobis (Clubdubedit)
12 - Witchhunt (Tyrant Remix)
13 - Us and them (Defensive Remix)

Hymns (2001)

1 - Defeated
2 - Deaf, Dumb, Blind
3 - Paralyzed
4 - Anthem
5 - Voidhead
6 - Tyrant
7 - White Flag
8 - For Life
9 - Animals
10 - Vampires
11 - Antihuman
12 - Regal
13 - Jesu

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Rosetta

noreply@blogger.com (Divorazione) — Thu, 23 May 2013 15:01:00 +0000

Genere: Post Metal, Post Hardcore, Drone Doom Metal, Space Metal, Post Rock, Avant-Garde Metal, Musica Ambient

Info Band

Rosetta Website

I Rosetta sono una band Post-Metal proveniente dagli Stati Uniti. Il loro monicker non ha niente a che vedere con la Stele di Rosetta, ma è stato scelto per la sua bellezza, la sua grazia e la sua femminilità. Rosetta però è anche il nome di un satellite usato per studiare le comete e quello di un tipo di orbita e i nostri sono grandissimi appassionati di astronomia. Sono nati nel 2003 e tra le loro maggiori influenze vi sono Neurosis, Isis (i più presenti) e Stars of the Lid. Il loro stile incorpora elementi di post-hardcore, drone doom, e musica ambient, creando un sound atmosferico, definito da alcuni anche space metal: una specie di sottogenere ancor più volto alla sperimentazione e alla psichedelia del già ambiguo quanto mistico ed affascinante post-metal. Pur essendo senza dubbio fra le realtà più esaltanti della cosiddetta scena post metal, i Rosetta purtroppo godono ancora di una popolarità piuttosto limitata. Del resto, la band suona live con il contagocce ed è solita lavorare ai propri album con cura maniacale, cosa che naturalmente porta ad attese piuttosto lunghe fra una pubblicazione e l’altra è comunque un dato certo che negli anni, i nostri non solo sono riusciti a sviluppare un sound sempre più personale, ma sono anche diventati uno dei primi termini di paragone per tutte le giovani band che oggi provano a cimentarsi in questo genere di sonorità. Hanno pubblicato 3 full-lenght più vari split.

Il primo disco del 2005, The Galilean Satellities è un doppio CD fortemente debitore al suono degli Isis. Il doppio CD è strutturato come Times of Grace e Grace dei Neurosis ovvero un CD contiene la parte metal, l'altro la parte noise e ambient e possono essere ascoltati insieme. La prima parte di The Galilean Satellites non è affatto sempliciotta, scontata e all'insegna della solita e poco appetibile minestrina riscaldata, ma è un prodotto di tutto rispetto, che rapisce l'ascoltatore volente o nolente e lo trascina di forza in un turbinio emotivo di alta qualità. Si apre così la prima traccia dopo una breve intro che oscilla tra l'ambient e il post-rock dalla quale poi scaturisce un impetuoso tappeto di riffs acri sovrastati da una voce possente, estrema, intensa che trafigge già dal primo ascolto. Si susseguono così tutte le cinque maestose tracce, dedite ad uno sludge atmosferico sempre pronto a declinare, in momenti riflessivi, estatici e ambientali. I pesanti chitarroni si vanno così diluendo con spruzzatine ben collocate di drone e noise e con lunghe parentesi ambientali/post-rock che strizzano l'occhio (ma non troppo) a nientepopodimeno che i sommi Godspeed You! Black Emperor. Il secondo disco purtroppo non aggiunge quasi nulla a tutto ciò che di buono ed avvincente si era visto prima e così ci si ritrova davanti ad un altro prodotto , forse un pò sterile e troppo ambizioso, che cerca di imitare con sin troppe sbavature i maestri del drone doom quali Earth, Boris, Khanate, Sunn O))). Ma con l'accattivante proposta di dar vita ad una Combined Version i Rosetta riprendono le redini che per un attimo si erano perse, le fila di un discorso che si era bruscamente interrotto e inducono a rivalutarla questa poco espressiva seconda parte, che, se fusa all'impeto della prima, come in una specie di puzzle sonoro, si incastrano così fra di loro i tasselli di uno dei migliori tipi di post-hardcore atmosferico e quelli di un'intimista drone doom metal noiseggiante e ambientale. Si tratta nonostante tutto di un prodotto validissimo, intriso di una maturità difficilissima da trovare nel primo album di una di quelle band che rischia di proporre sempre la solita solfa e di una poetica spinta ed ineccepibile. Il secondo disco Wake/Lift del 2007, è il miglior lavoro della band, quello dove emerge la loro personalità; che denota un’accresciuta consapevolezza delle proprie possibilità e della capacità di metterle in pratica. La formula utilizzata in queste sette nuove tracce vede evolvere il suono del gruppo, già a suo tempo codificato in un post-rock/post metal dalla forte impronta Isis, arricchendosi attraverso l’influenza di certe tendenze shoegaze, dark-wave alla The Cure e, soprattutto, space rock. Vocalità spesso improntata a una sofferenza lancinante, un drumming ora furioso, ora ossessivamente insistito, e un basso gigantesco riportano il materiale quasi sempre su lidi prettamente "post", pur con una personalità che oggi è appunto pienamente sviluppata e riconoscibile. Insomma, non più un gruppo sulla "scia" degli Isis. I Rosetta di Wake / Lift sono ora una realtà a sè stante, che sembra anche avere idee a sufficienza per potersi staccare del tutto dalla sua scena di riferimento in un futuro immediato. Lo chiamano metal per astronauti! Provate ad ascoltare i primi minuti della succitata opener: vi sembrerà di trovarvi a bordo di uno shuttle in procinto di staccarsi dal suolo! L'ultimo lavoro A Determinism of Morality del 2010, è molto buono e vede l'introduzione delle clean vocals (mai stucchevoli). Si tratta di un album che vede i nostri mettere da parte quei "crescendo" tipici del genere e le strutture troppo allungate in favore di una compattezza che in qualche caso si avvicina appunto alla classica forma canzone. Proprio come fatto più volte negli ultimi anni dai suddetti Buried Inside, altra colonna portante di questo particolare filone. Il disco, insomma, suona subito immediato e assolutamente digeribile, oltre che fresco e ispirato. I Rosetta non hanno abbandonato il loro guitar-work nè il loro unico gusto per le melodie (nelle quali, a dire il vero, si sentono a tratti echi dark-wave alla The Cure): la differenza rispetto al passato risiede nel fatto che ora tutto ciò viene inserito in brani maggiormente concisi, che, grazie anche a una sezione ritmica molto dinamica, possono essere assorbiti e metabolizzati in pochi ascolti. Quindi lungi definire A Determinism Of Morality un lavoro slavato, anzi. Maggiore immediatezza in questo caso non significa affatto scarso spessore.

(Fonti: metallized.it, metalitalia.com, debaser.it)

The Galilean Satellites (2005)

Disc 1

01 - Départe
02 - Europa
03 - Absent
04 - Itinérant
05 - Au Pays Natal

Disc 2

06 - Deneb
07 - Capella
08 - Beta Aquilae
09 - Ross 128
10 - Sol

Project Mercury (2007) [Split with Balboa]

01 - Primitive Accumulation (Balboa)
02 - Kaddish (Balboa)
03 - Planet of Slums (Balboa)
04 - TMA-1 (Rosetta)
05 - Clavius (Rosetta)
06 - Project Mercury (Balboa & Rosetta)

The Cleansing Undertones Of Wake-Lift (2007)

01 - I
02 - II
03 - III
04 - IV

Wake/Lift (2007)

01 - Red in Tooth and Claw
02 - Lift (Part 1)
03 - Lift (Part 2)
04 - Lift (Part 3)
05 - Wake
06 - Temet Nosce
07 - Monument

Rosetta + East Of The Wall + Year Of No Light (2009) [Split]

01 - Scumbrella (Mud Button - East Of The Wall)
02 - Scrumbrella (Slit - East Of The Wall)
03 - Scrumbrella (Dirt Merchant - East Of The Wall)
04 - Cimmeria (Year Of No Light)
05 - Metanoia (Year Of No Light)
06 - Homesick (The Cure Cover - Rosetta)

Rosetta & Restorations (2010) [Split LP]

01 - So Warm a Solitude (Rosetta)
02 - F# (Restorations)

A Determinism of Morality (2010)

01 - Ayil
02 - Je N'En Connais Pas la Fin
03 - Blue Day for Croatoa
04 - Release
05 - Revolve
06 - Renew
07 - A Determinism of Morality

Rosetta & City of Ships (2012) [Split]

1 - Bleach Funnel (City Of Ships)
2 - Critical Vulture (City Of Ships)
3 - Night Vision (City Of Ships)
4 - King Temp (City Of Ships)
5 - TMA-1 (Rosetta)
6 - Clavius (Rosetta)

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Cult Of Luna

noreply@blogger.com (Divorazione) — Wed, 22 May 2013 16:58:00 +0000

Genere: Post Metal, Doom Metal

Info Band

Cult Of Luna Website

I Cult of Luna nascono nel 2008 a Umeå, Svezia, da Klas Rydberg (vocalist) e Johannes Persson (chitarrista), dopo lo scioglimento della loro precedente band - gli Eclipse. Fin dal principio la band nasce con l’obiettivo di esplorare nuove sonorità partendo da quel background di musica metal e hardcore su cui era stato fondato il precendente progetto e una volta trovata la formazione ideale Persson e Rydberg si allontanano dal mondo dell'hardcore per spostarsi verso suoni oscuri tipicamente doom.
Il loro debut album Cult Of Luna del 2001, episodio lodevole ma nel quale ancora non venivano meno spigolosità ed imperfezioni da livellare, non si può certo ritenere che sia passato inosservato, per lo meno non dal team della Earache, che già da qualche tempo si sta sempre più riaffermando come label di successo ed attenta a scoprire nuove band (tra i nomi più recenti si possono enumerare December, Ephel Duath, Rakoth…). Il secondo album, The Beyond (2003), si presenta come un netto passo in avanti sul piano qualitativo per la band svedese, stilisticamente affine a Neurosis ed ad ultimi Disbelief, arricchiti da una verve originale ed un approccio decisamente personale: si tratta di un lavoro maturo, ricco di spunti interessanti ed in cui i musicisti non ne hanno voluto sapere di risparmiarsi in quanto a tenacia e ricercatezza espressiva. A balzare subito all’orecchio sono le egregie capacità tecnico-esecutive dell’ensamble, ed in secondo luogo le raffinatissime velleità che emergono da composizioni monolitiche, possenti nella durata e nella complessità degli intrecci ma soprattutto curate nei particolari anche meno percettibili. Un lavoro interessante e da tenere assolutamente in considerazione se nella musica la ricerca non è soltanto aggressione sonora, ma anche intelligenza e capacità artistiche fuori dalla norma. L’opera della rottura con il primo periodo arriva con: Salvation (2004), il quale fa assumere degli aspetti differenti al timbro della formazione di Umea, poiché nelle otto tracce che lo compongono si possono trovare soluzioni Post-Metal di ottimo spessore, come l’uso di orchestrazioni di sottofondo, di particolari effetti allucinogeni delle chitarre e di un’atmosfera avvolgente ed offuscata. I temi affrontati dalla band sono sempre di tipo socio-politico, perché se nell’omonimo Cult Of Luna si percepiva un senso di rabbia nei confronti della società contemporanea, in Salvation si continua sulla scia del precedente The Beyond, esprimendo un disgusto anarchico nei confronti dei partiti politici. Ai Cult Of Luna è sempre stato a cuore il tema della propaganda politica e di come i partiti riescano ad esercitare un controllo sulle masse, in una sorta di mondo distopico come quello orwelliano di 1984. Il finale di Salvation è giocato sempre sull’antitesi ed alternanza tra pezzi soffocanti, privi di spiragli luminosi ed intervalli magici e meditativi, minimalisti ma efficaci. Non si deve inoltre dimenticare che i Cult Of Luna sono sempre stati votati a ricercare una certa spiritualità nelle loro composizioni e Salvation esplora quindi anche i meandri esistenziali umani, oltre a costituire un’opera di stampo prettamente sociale.
La band si è creata un posticino non troppo lontano dai mostri sacri grazie al suo Salvation: con l'uscita di Somewhere Along The Highway (2006) , mostra che il plauso è stato davvero meritato. L'album, più dilatato e psichedelico rispetto al predecessore (e nella scelta stilistica di alcuni brani e nella struttura anche dei più possenti), Somewhere Along The Highway manca forse della portata innovativa o dell'ispirazione/espressività bruciante che necessita un capolavoro. Ciò non toglie che trattasi comunque un gran bel disco, ben suonato e ancor di più formalmente articolato, che recupera in qualità ciò che perde in schiettezza. Un degnissimo punto d'arrivo. Nel 2008 esce Eternal Kingdom. La storia che ha portato alle incisioni di questo disco è semplice ed allo stesso tempo affascinante. Accade che i Cult Of Luna decidono di cominciare a jammare in un luogo dove, un tempo, era stato eretto un ospedale psichiatrico: camminando fra le rovine dell’edificio in disuso, si imbattono in un libricino abbandonato per terra. È il diario di Holger Nilsson, uno dei fu pazienti della struttura, rinchiuso perché sospettato di aver affogato la moglie e di aver poi scaricato la colpa su una figura folcloristica svedese, il demone Näcken. Da qui si sviluppa l’idea del concept album, interamente imperniato sui racconti dell’agenda. Con Eternal Kingdom i Cult Of Luna realizzano finalmente un disco più personale, meno inquadrabile nel vasto calderone del post-core, maggiormente sfaccettato ed aperto a nuove influenze. Inutile sottolineare come ogni lavoro del movimento, per forza di cose, debba essere paragonato alle sue due principali pietre miliari, il plumbeo “A Through Silver In Blood” dei Neurosis (1996) e, ancor di più, il capolavoro degli Isis, “Panopticon” (2004). Eternal Kingdom, con ogni probabilità, non è un lavoro che farà impazzire coloro che già non stravedono per il contesto di nascita. Sicuramente, in ogni caso, merita un ascolto attento, privo di reticenze. Complesso, articolato, musicalmente opulento ma assolutamente non eccessivo, decisamente riuscito.

A distanza di cinque anni dall’uscita di Eternal Kingdom, (e due dall'ambizioso progetto Eviga Riket del 2010), gli svedesi rilasciano nel 2013 Vertikal, sesto album della loro produzione. Il suono, più o meno impropriamente definito post-metal, riprende le sonorità del metal apocalittico dei Neurosis e l’attitudine strumentale degli Isis. Vertikal è un album che prende ispirazione da “Metropolis”, il film muto girato da Fritz Lang nel 1927, che descrive le vicende di una megalopoli del futuro caratterizzata da una società divisa in classi, in cui i potenti vivono nei piani alti di grandiosi grattacieli mentre i poveri sopravvivono nei sotterranei della medesima città, lavorando come schiavi. Le sonorità rispecchiano l’espressionismo industrial del film, in cui l’alienazione e la disumanità prodotta dalla ripetitività dei cicli di produzione annienta definitivamente l’uomo in una solitudine senza speranza. Il futuro si trasforma in una visione angosciosa in cui l’oppressione verso i deboli viene istituzionalizzata in società illiberali che ricordano le già citate, distopie orwelliane. La poderosa formazione di Umeå, costituita da tre chitarre, due batteristi, un bassista ed un tastierista ci propone un album possente, dalla narrazione densa e stratificata, che prende possesso di tutto il territorio lasciato libero dalla dipartita degli Isis. Una conferma per una delle migliori band di metal strumentale attualmente in circolazione.

(Fonti: metal.it, metalitalia.com, rockline.it, ondarock.it, storiadellamusica.it, distorsioni.net)

Cult of Luna & Switchblade (2000) [Split with Switchblade]

01 - Beyond Fate (Cult of Luna)
02 - Ten Stabs to the Throat (Switchblade)
03 - Execution Appendix (Switchblade)
04 - T-Minus (Switchblade)

Cult of Luna (2001)

01 - The Revelation Embodied
02 - Hollow
03 - Dark Side of the Sun
04 - Sleep
05 - To Be Remenbered
06 - Beyond Fate
07 - 101
08 - The Sacrifice

Cult of Luna (2002) [EP]

01 - Unfold the Inside
02 - The Art of Self Examination

The Beyond (2003)

01 - Inside Fort Meade
02 - Receiver
03 - Genesis
04 - The Watchtower
05 - Circle
06 - Arrival
07 - Leash
08 - Clones
09 - Deliverance
10 - Further

Salvation (2004)

01 - Echoes
02 - Vague Illusions
03 - Leave Me Here
04 - Waiting for You
05 - Adrift
06 - White Cell
07 - Crossing Over
08 - Into the Beyond

Bodies-Recluse (2006) [7'']

01 - Bodies (Smashing Pumpkins Cover)
02 - Recluse (Unbroken Cover)

Somewhere Along the Highway (2006)

01 - Marching to the Heartbeats
02 - Finland
03 - Back to Chapel Town
04 - And with Her Came the Birds
05 - Thirtyfour
06 - Dim
07 - Dark City, Dead Man

Eternal Kingdom (2008)

01 - Owlwood
02 - Eternal Kingdom
03 - Ghost Trail
04 - The Lure (Interlude)
05 - Mire Deep
06 - The Great Migration
07 - Österbotten
08 - Curse
09 - Ugín
10 - Following Betulas

Eviga Riket (2010) [From Audiobook]

01 - Track 01 - Gingin J mmerdalen
02 - Track 02 - Varken Dur Eller Moll
03 - Track 03 - Elisabets Vals Mors Tema
04 - Track 04 - Elddansen Maran
05 - Track 05 - Har lgen Skogen H st
06 - Track 06 - Petterssons Ackord Om Igen
07 - Track 07 - Gitarrarpeggio Ekokammarn
08 - Track 08 - Sunstantiell Nord The Sound Og Ug n

Eviga Riket Illustrations

Vertikal (2013)

01 - The One
02 - I: the Weapon
03 - Vicarious Redemption
04 - The Sweep
05 - Synchronicity
06 - Disharmonia
07 - Mute Departure
08 - In Awe of
09 - Passing Through

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Riconfigurare DNS siti Hosting bannati in Italia

noreply@blogger.com (Divorazione) — Tue, 21 May 2013 22:11:00 +0000

Guida riconfigurazione DNS

I provider italiani stanno bloccando sui loro server DNS: HOST come uploaded, rapidgator e cineblog01 e via via altri hoster (si spera non tutti). Per tornare a visitarli si possono impostare manualmente nuovi DNS tipo gli OpenDNS o i GoogleDNS basta seguire questa guida:

http://aranzulla.tecnologia.virgilio.it/come-impostare-dns-19767.html

oppure questa:

http://www.italiasw.com/come-si-cambiano-i-dns-di-windows-8

---------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Riassumo in breve le guide (per gli utenti Windows):

- Pannello di controllo
- Centro connessioni di rete e condivisione
- Cliccate sulla Vostra connessione di rete predefinita
- Cliccate su proprietà della Vostra connessione
- Scorrere l'elenco sino a Protocollo Internet versione 4 (TCP/iPv4)
- Cliccare su proprietà del protocollo
- Spuntare su Utilizza i seguenti indirizzi server DNS:
- Immettere gli indirizzi a scelta da questa lista sottostante

Ecco alcuni DNS a scelta da inserire:

GoogleDNS
8.8.8.8
8.8.4.4

OpenDNS
208.67.222.222
208.67.220.220

Level3
209.244.0.3
209.244.0.4

Google
8.8.8.8
8.8.4.4

Securly
184.169.143.224
184.169.161.155

Comodo Secure DNS
8.26.56.26
8.20.247.20

DNS Advantage
156.154.70.1
156.154.71.1

Norton ConnectSafe
198.153.192.40
198.153.194.40

ScrubIT
67.138.54.120
207.225.209.77

SafeDNS7
195.46.39.39
195.46.39.40

DNSResolvers.com
205.210.42.205
64.68.200.200

OpenNIC
74.207.247.4
64.0.55.201

Public-Root
199.5.157.131
208.71.35.137

SmartViper
208.76.50.50
208.76.51.51

Dyn
216.146.35.35
216.146.36.36

censurfridns.dk
89.233.43.71
89.104.194.142

Hurricane Electric
74.82.42.42

puntCAT
109.69.8.51

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------

ELENCO HOST BLOCCATI (segnalatemi eventuali altri host)

cineblog01.org
uploaded.net
rapidgator.net
bitshare.net
likeupload.net
flashdrive.it
freakshare.com
cyberlocker.ch
megaload.it
videopremium.net
sharehoster.com

Il sito cineblog01.org è ora cineblog01.net ed è normalmente accessibile.

Grazie!

Pink Floyd

noreply@blogger.com (Divorazione) — Mon, 20 May 2013 23:37:00 +0000

Genere: Progressive Rock, Space Rock, Art Rock, Rock Psichedelico

Info Band

Pink Floyd Website

I Pink Floyd sono i pionieri della psichedelia e uno dei massimi complessi rock di sempre. Nel corso di una carriera lunghissima (in cui si distinguono tre fasi, corrispondenti ad altrettante formazioni) hanno spostato i limiti del pop e del rock sposando l'elettronica e approfondendo la ricerca sonora in una serie di album giudicati pietre miliari della musica popolare del Novecento. Altra loro peculiarità è quella di aver prodotto mastodontiche rappresentazioni multimediali della propria musica attraverso spettacoli in cui la componente visiva è parte integrante di quella sonora. La lunga storia della formazione inglese ha inizio a metà degli anni Sessanta, quando tre studenti di architettura e un estroso studente di pittura gettano le basi per entrare a pieno titolo nella leggenda del rock, partendo dai club della Londra underground e lisergica per arrivare, non senza radicali cambiamenti di stile e di formazione, al successo planetario. La band nasce dall'incontro dello studente di pittura Roger Keith Barrett (per tutti Syd, nato il 6/1/46 a Cambridge) con Roger Waters (Great Bookham - 9/9/44), studente di architettura e chitarrista di una formazione dal nome cangiante (Sigma 6, T-Set, Meggadeaths, Abdabs) nella quale suonavano altri due aspiranti architetti: Nick Mason (Birmingham - 21/1/45) e Rick Wright (Londra - 28/7/45) oltre al bassista Clive Metcalf e ai cantanti Keith Noble e Juliette Gale. Nel '65, dopo lo scioglimento del gruppo, Waters (al basso), Barrett (chitarra), Wright (tastiere) e Mason (batteria) decidono di formare una band (per brevissimo tempo ne farà parte anche il chitarrista Bob Close): il nome, scelto da Barrett, è Pink Floyd e deriva dai nomi di battesimo di due bluesmen americani, Pink Anderson e Floyd Council. Nel '66 arriva il momento delle prime esibizioni nei club della Londra underground, con un repertorio che comincia ad assumere una propria identità grazie alle prime composizioni strumentali di Barrett. E' in questo periodo che i Pink Floyd conoscono quelli che diventeranno i loro manager: Andrew King e Peter Jenner.
Nella "Swingin' London", i Pink Floyd riescono a farsi notare come una delle band più originali e imprevedibili, in virtù soprattutto delle esibizioni all'Ufo Club, un locale in cui il gruppo sperimenta i suoi primi coinvolgenti light-show, tentando di coinvolgere il pubblico con proiezione di immagini, diapositive e l'impiego massiccio di un efficace impianto luci. A cavallo tra il '66 e il '67, i Pink Floyd entrano in sala d'incisione, per i primi demo, con risultati poco incoraggianti: bisognerà attendere ancora qualche mese, infatti, per la pubblicazione del primo singolo del complesso, "Arnold Layne/ Candy and a Currant Bun" (prodotto da Joe Boyd).
Il successo arriva immediato ed è seguito a breve distanza da un secondo singolo-hit, "See Emily Play/ The Scarecrow": la band partecipa per ben tre volte consecutive a "Top of the Pops" ed è finalmente pronta per il primo album, pubblicato nell'estate del '67: The Piper At The Gates Of Dawn. Il disco, prodotto da Norman Smith, si impone subito grazie al sound particolare e assolutamente innovativo e a testi singolari, divisi tra atmosfere oniriche e spaziali ("Astronomy Domine", "Interstellar Overdrive") e brevi filastrocche per le quali Barrett attinge al mondo delle fiabe ("The Gnome", "The Scarecrow", "Lucifer Sam"). "Astronomy Domine" è il resoconto di un viaggio stellare intrapreso da Barrett attraverso l'uso dell'Lsd: il basso pulsante rappresenta la connessione radio con la terra, mentre la chitarra onnipresente, insieme a un canto maestoso e solenne, sembrano errare in un panorama cosmico oscuro, con il drumming forsennato di Mason, a enfatizzare le parti più drammatiche.Il capolavoro del disco, e forse anche l'apice della produzione di Barrett, è però: "Interstellar Overdrive". E' la cronaca di un viaggio umano nell'universo. Introdotta da un riff da film dell'orrore, si sviluppa nei suoi undici minuti seguendo una sola regola: almeno uno strumento deve mantenere il ritmo. E sopra questo ritmo, si sviluppa una jam session acidissima, fatta di astronavi che sfrecciano, di asteroidi che si scontrano, di alieni e alienazioni, di muri spaziali, di tempeste stellari, di quiete cosmica, di paradisi irraggiungibili. Ma Barrett è anche un maestro nel raccontare filastrocche, come "Lucifer Sam", sorta di proto-hard rock, con un riff incalzante, accompagnato da tastiere che sembrano richiamare una atmosfera orientale, "The Scarecrow", basata su due nacchere e su un canto allucinato, e la gag comica in stile "freak" di "Bike". I lunghi viaggi "acidi" e le atmosfere scanzonate, uniti a una sonorità articolata, nata dall'unione di influenze diverse ma sempre del tutto unica e peculiare, permettono al disco di essere tutt'oggi uno dei lavori universalmente più amati del quartetto. In seguito a questo successo, ormai lanciati verso una folgorante carriera, i quattro partono per gli Stati Uniti in tour, ma è proprio qui che conosceranno le prime difficoltà. Barrett, infatti, comincia a manifestare i sintomi della schizofrenia (causata molto probabilmente dall'assunzione sistematica di Lsd), assentandosi sempre di più dalla vita del complesso: gli spettacoli dal vivo si fanno insostenibili, così come la pressione che il mondo della musica esercita su quella che è ritenuta, a ragione, la mente creativa del gruppo. La band opta allora per una soluzione di compromesso, con l'ingaggio del chitarrista David Gilmour (già amico d'infanzia di Barrett e Waters, nato a Cambridge il 6/3/1946), il quale, secondo i progetti del management, deve sopperire alle mancanze di Barrett (che comunque resta nelle vesti di autore) nei concerti. I singoli "Apples & Oranges" e "It Would Be So Nice" non replicano i successi precedenti e gli atteggiamenti bizzarri e imprevedibili di Barrett cominciano a minare l'attività del gruppo.Le precarie condizioni psichiche portano il leader a un impenetrabile autoisolamento e a un progressivo allontanamento dalle scene musicali, non prima della difficoltosa produzione di The Madcap Laughs (gennaio 1970) e Barrett (novembre 1970), due eccellenti album solisti realizzati con l'aiuto di Gilmour e Wright.

Il nuovo manager dei Pink Floyd diventa Steve O'Rourke. E i quattro superstiti non si perdono d'animo e rientrano in studio per incidere il loro secondo album: A Saucerful Of Secrets.
Figlio del periodo di instabilità, il lavoro non lesina buone intuizioni, in particolare con la title track che, come avrà modo di affermare Waters qualche anno più tardi, sembra la trasposizione musicale della parabola artistica dei Pink Floyd, con un inizio governato dall'istinto e un finale stupendo per ordine e limpidezza. Sono quasi dodici minuti di audace avanguardia psichedelica, che alternano terrore e misticismo. E' proprio il bassista a firmare gli altri brani trainanti del disco come l'iniziale raga tribal-psichedelico di "Let There Be More Light", la misteriosa e affascinante "Set the Controls for the Heart of the Sun", capolavoro della musica cosmica, e "Corporal Clegg", che mantiene un più saldo legame con lo stile dell'album d'esordio. C'è spazio anche per due composizioni firmate da Rick Wright ("Remember a Day" e "See Saw"), che per tutta la durata dell'album appare notevolmente ispirato, contribuendo non poco al sound onirico che lo pervade. Il disco si completa con una composizione di Barrett, "Jugband Blues", un piccolo bozzetto delirante, in cui il chitarrista si dimostra perfettamente conscio del suo stato di isolamento mentale, declamando versi che, letti a posteriori, sembrano voler rispondere in anticipo all'album che i quattro gli dedicheranno qualche anno dopo. Complessivamente, comunque, A Saucerful of Secrets appare segnato soprattutto dal chitarrismo di David Gilmour, che riporta la musica del gruppo verso territori più ancorati alla tradizione rock-blues.

Il '69 è un anno frenetico, dal punto di vista artistico, per i Pink Floyd: il complesso si cimenta infatti nello sviluppo di due suite da proporre negli spettacoli dal vivo come "The Man" e "The Journey", e tenta il primo vero approccio con l'arte cinematografica scrivendo la colonna sonora per il film di Barbet Schroeder, More, a cui si aggiungono quelle per "Zabriskie Point" di Michelangelo Antonioni e "Music From The Body" di Roy Battersby, quest'ultima a nome del solo Waters.
More, in particolare, è forse uno dei dischi più sottovalutati della produzione floydiana, straordinariamente coeso e delicato, con brani che fanno da scenario alle atmosfere del film uniti da una disarmante semplicità melodica. Da ricordare, fra tutti le composizioni, le brevi e acustiche "Cirrus Minor", "Green Is the Colour" e "Cymbaline", oltre alla minisuite "Main Theme", che sembra ricordare la parte centrale della precedente "A Saucerful of Secrets".

Alla fine del 1969, i quattro pubblicano anche il monumentale Ummagumma, destinato a essere annoverato tra i loro capolavori. L'album si compone di due parti: una registrata dal vivo, in cui il gruppo ripercorre i primi successi, e una in studio, formata dal contributo che i quattro musicisti hanno fornito da "solisti", con composizioni sperimentali incentrate sui rispettivi strumenti. E' Wright ad aprire il disco con "Sysyphus", una suite strumentale che mescola musica classica e avanguardia. Waters si cimenta in due brani: l'acustica "Grantchester Meadows" (tra chitarre folk ed effetti di uccellini elettronici) e "Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict", composizione prettamente noise che simula i rumori degli animali nel bosco; mentre Gilmour ci regala un saggio di bravura tecnica alla chitarra con la sua più meditata "The Narrow Way". Il disco è concluso da Mason con un ambizioso pezzo strumentale ("The Grand Vizier's Garden Party"), guidato, ovviamente, dalle percussioni. Nel disco dal vivo, brillano le versioni espanse di alcuni loro cavalli di battaglia (da "Astronomy Domine" a "Set The Controls For The Heart Of The Sun") e una delirante versione di quella "Careful With That Axe Eugene" che accompagna l'indimenticabile la scena finale di "Zabriskie Point".

L'anno successivo vede i Pink Floyd cimentarsi con una nuova lunga composizione strumentale al quale verrà dato il curioso nome di lavorazione di "The Amazing Pudding". Negli intenti del gruppo il nuovo lungo pezzo dovrà stupire il pubblico, con effetti orchestrali senza precedenti nella loro produzione. Per le parti orchestrali viene chiamato il musicista scozzese Ron Geesin, al quale viene affidato il compito di arricchire la versione "nuda" della suite (base ritmica e linee base di tastiere e chitarra), costruita dai quattro e già presentata al pubblico in occasione di alcuni concerti. Il risultato è eclatante: la suite, che si dipana attraverso straordinari "dialoghi" tra musica sinfonica (imponente è l'uso degli ottoni e del coro) e rock, prende il nome di Atom Heart Mother (dalla notizia di cronaca di una signora incinta tenuta in vita da uno stimolatore cardiaco atomico) e diventa la title track del nuovo album, del quale andrà a occupare l'intera prima facciata. I movimenti più suggestivi della suite sono "Breast Milky", caratterizzato dal celeberrimo dialogo tra l'organo arpeggiato e il violoncello, sul quale si inserisce infine la chitarra di Gilmour, e "Funky Dung", con basso e organo che lavorano in contrappunto e Gilmour alle prese con uno dei migliori soli chitarristici della sua carriera, prima dell'avvento del coro e dell'organo di Wright. La chiusura della suite è affidata a "Mind Your Throats Please" (caratteristica variazione floydiana di stampo rumoristico-psichedelico) e a "Remergence", in cui riemergono i temi prima dell'overtoure e poi del duetto violoncello e organo. Il finale è imponente, con una chitarra sempre incisiva e con l'orchestra e i cori che scandiscono il crescendo musicale. La seconda facciata si apre con la delicata "If " di Waters (un semplice arpeggio di chitarra, la voce soffusa che sussurra parole intrise di malinconica poesia, una chitarra sognante nei brevi intermezzi musicali) e prosegue con "Summer '68", notevole pezzo di Wright (anche qui si nota l'uso dei fiati), l'onirica "Fat Old Sun" di Gilmour (canto caldo e suadente, chitarra sempre composta ma inesorabile) e si conclude con l'esperimento di "Alan's Psychedelic Breakfast", costituita da tre diversi momenti strumentali (il primo centrato sull'organo, il secondo sulle chitarre, il terzo più variegato e vicino allo stile dei primi Genesis) con la registrazione di una colazione all'inglese in sottofondo. Nata con l'ambizione di rappresentare la giornata di un uomo comune e ispirata a un roadie già immortalato nel retrocopertina di "Ummagumma"), la suite di Alan è a tutti gli effetti un esperimento poco riuscito. Primo lavoro autoprodotto dai Pink Floyd e considerato il loro disco "progressive", Atom Heart Mother va ricordato anche per la "storica" copertina, raffigurante una mucca al pascolo.
Il successo di una musica così complessa si traduce ben presto in un'effettiva difficoltà di messa in scena, che richiede al complesso l'elaborazione di nuovo materiale da suonare in tutti gli angoli del mondo. Nasce così Meddle (1971), un album in cui i Pink Floyd più che rinnegare l'amore verso le lunghe suite (in questo caso la seconda facciata è occupata dalla splendida "Echoes"), danno un taglio alle divagazioni sinfoniche e si orientano verso sonorità più rock, agevolmente riproponibili nei concerti. Memorabile è l'iniziale "One of These Days", pezzo strumentale incentrato sul basso di Waters, amplificato sperimentalmente con un eco Binson, e impreziosito anche dal lungo assolo "slide" della chitarra di Gilmour. Da ricordare anche "Fearless", brano più quieto, caratterizzato da un coro dei tifosi del Liverpool nel finale.
Nel maggio 1971 viene pubblicato anche Relics, raccolta contenente diversi singoli mai apparsi su Lp, risalenti al periodo-Barrett, ma anche alcune perle del "primo" Waters edite solo su 45 giri, come la splendida ballata acustica di "Julia Dream". Successivamente, i quattro decidono di registrare, con la direzione di Adrian Maben, un concerto senza pubblico tra le rovine di Pompei: il risultato è eccezionale, il complesso suona in maniera efficace vecchi e nuovi successi in uno scenario straordinariamente suggestivo. Il film Live At Pompei (1972) di Adrian Maben è una efficace e suggestiva testimonianza della straordinaria portata emotiva e visuale della musica dei Pink Floyd di questo periodo.
Nel '72 si presenta ai Pink Floyd la possibilità di confrontarsi nuovamente con l'esperienza delle colone sonore: è ancora una volta Barbet Schroeder a commissionare la musica per il suo nuovo film, "La Vallée". Stavolta l'operazione si rivela un fallimento soprattutto per colpa del film, giudicato dalla critica come opera sciatta e inconcludente.
L'album che ne deriva, Obscured By Clouds, smontato dai critici, va ricordato soprattutto per le atmosfere marcatamente rock, per la maturità dei testi di Waters e per alcuni pezzi orecchiabili come "Free Four" e "Childhood End".
Nello stesso periodo, il complesso lavora allo sviluppo di una suite concettuale sull'alienazione umana, il cui titolo provvisorio è "Eclipsed - A Piece For Assorted Lunatics". La suite viene "rodata" dal vivo per lungo tempo, prima di essere elaborata in studio con l'inserimento di effetti particolari, grazie all'aiuto del tecnico del suono Alan Parsons. Ne scaturisce uno dei grandi kolossal della band, The Dark Side Of The Moon (1973). Superbo saggio di produzione audio-fonica, forte di contenuti testuali ad effetto (con riferimenti alla natura effimera della vita, al denaro, all'incomunicabilità e alla follia) il disco presenta tuttavia alcuni passaggi a vuoto, a cominciare dall'insipida "Money" (con il celebre sassofono di Dick Parry), per poi passare attraverso i trucchi (talvolta ruffiani) di "Speak to Me" e "On the Run", perfette comunque nel rendere lo stato di ansia del protagonista, riuscendo a fondere, tra rumori e soluzioni sonore d'avanguardia, momenti di alto contenuto sonico-spaziale, ponendo le coordinate su cui si poggia il pensiero pessimista di un Waters alquanto disorientato, autentico ambasciatore di quel tema dell'incomunicabilità di cui "The Dark Side" risulta un drammatico spaccato. Non mancano, però, momenti di intenso lirismo, come dimostra "Time", trascinante nella sua felicissima fusione tra testo e musica, con un debordante assolo di Gilmour alla chitarra. La prima parte del disco si completa con una elegia alla pazzia, ma anche, allo stesso tempo, alla libertà dell'uomo, schiavo di una società che tende a opprimerlo: "The Great Gig in the Sky", dominata dai vocalizzi di derivazione soul-gospel di Clare Torry, in grado di fondere fiammante liricità e drammaturgia quasi cinematografica. "Us and Them" vorrebbe rievocare "Breathe In the Air", ma la melodia, sebbene pink-floydiana al 100%, risulta convincente solo se inserita nel contesto dell'album. Un discorso che vale un po' per tutto "The Dark Side of the Moon": ciò che rende immortale quest'opera è il suo inconsueto approccio con l'art-system dell'epoca, qui fotografato in tutte le sue direzioni possibili. Per il rock si trattò di un prodigioso balzo verso un'era futuristica prossima a venire. Il risultato è eclatante, davanti al gruppo si spalancano le porte del successo mondiale: The Dark Side Of The Moon rimane in classifica per lunghissimo tempo, divenendo uno dei maggiori successi commerciali di sempre. Tanto in Europa quanto in America, schiere di nuovi fan si raccolgono attorno al fenomeno Pink Floyd, lasciando anche una pesante incognita sul seguito da dare a un lavoro così fortunato. E' da questo disco in poi che Waters (autore di tutti i testi) assume sempre di più i gradi di leader della formazione. Per oltre un anno i quattro rimangono inattivi dal punto di vista compositivo, per poi ritrovarsi in studio nel '74 con la sola certezza di "Shine on You Crazy Diamond", anche questo un brano piuttosto lungo, formato dai contributi dei quattro musicisti e guidato dagli assoli alla chitarra di Gilmour. In un primo momento si pensa di riservare la prima facciata alla suite e la seconda a due brani: "Raving and Drooling" e "You Gotta Be Crazy".

La lunga "gestazione" di Wish You Were Here suggerisce però ai Pink Floyd di intraprendere una strada diversa, trasferendo sul disco la sensazione di apatia e meccanicità che aleggiava su di loro: vengono scartati i due brani riservati alla seconda facciata, sostituti con nuove composizioni come la title-track (destinata a diventare una delle canzoni più famose della loro produzione), "Welcome To The Machine" e "Have A Cigar" (con alla voce Roy Harper), zeppe di accenni alla macchina tritatutto dello show-business. "Shine On You Crazy Diamond", invece, viene divisa in due parti, che aprono e chiudono il disco. Ne viene fuori un concept album sulla purezza e l'innocenza ormai perdute, con riferimenti neanche troppo velati a Syd Barrett, che si dice si fosse intrufolato, per un'ultima volta, negli studi durante le registrazioni. Musicalmente parlando, l'album è una gradevole prova stilistica, anche se si nota, rispetto agli album precedenti, la mancanza di quegli spunti innovativi che avevano sempre caratterizzato la produzione del gruppo inglese.
Per rivedere i Pink Floyd in studio bisogna aspettare il 1977, anno in cui i quattro decidono di raccogliere in un disco il materiale scartato dall'album precedente. Il nuovo lavoro nasce così dall'adattamento musicale e testuale di vecchi pezzi scartati come "You Gotta Be Crazy" e "Raving and Drooling", secondo un nuovo filo conduttore: il riferimento al mondo animale. I due pezzi diventano rispettivamente "Dogs" e "Sheep" e insieme alla nuova "Pigs (three different ones)" e alle brevi parentesi iniziale e finale di "Pigs On The Wing", vanno a costituire Animals, un'invettiva contro alcune figure della società (con i testi di Waters "cattivi" come non mai), orwellianamente sostituite dalle specie animali.
Dal punto di vista tecnico, degna di nota è la trascinante costruzione ritmica, con tutti gli strumenti sempre in perfetta armonia, quasi fusi tra di loro a generare un unico suono, senza mai ricorrere a virtuosismi fini a se stessi.
Dopo la pubblicazione di Animals, i Pink Floyd partono per un lungo e massacrante tour mondiale. Sarà in questa occasione che Waters, anche a causa di spiacevoli episodi, che lo vedranno protagonista perfino di screzi col pubblico, comincerà a sviluppare l'idea che porterà i quattro alla costruzione del loro ultimo capolavoro: The Wall.
L'album, ispirato a quella sorta di "muro" di incomunicabilità che si era venuto a creare tra il complesso e il pubblico (un muro che col passare del tempo si arricchirà nella testa di Waters di tanti mattoni fino a farlo diventare un emblema dell'alienazione e dell'estraniazione dal mondo a tutto raggio) è sviluppato su due dischi e abbraccia diverse tematiche come discriminazioni, istruzione, show-business, fascismo e implicazioni autobiografiche di Waters, sempre più "padre padrone" del gruppo (durante le registrazioni nascono forti contrasti con Gilmour e, al termine della gestazione dell'album, Wright viene allontanato). Per gli arrangiamenti la band fa nuovamente ricorso a effetti eclatanti e addirittura a parti orchestrali, grazie all'aiuto esterno di Michael Kamen. Pur vantando alcuni pezzi eccezionali come "Another Brick in the Wall, part 2", "Hey You", "Is There Anybody Out There?" e "Comfortably Numb" (con il memorabile assolo di chitarra di Gilmour), il disco è essenzialmente un'opera unica: nessun brano è slegato dal precedente e tutti sono funzionali allo svolgimento della storia che ha nella rockstar Pink (che talvolta ricorda la figura di Barrett, mentre in altri momenti è l'alter ego dello stesso Waters) il frustrato protagonista. "Another Brick in the Wall, part 2", in particolare, si rivelerà uno dei più grandi hit della band: preannunciata dall'arrivo degli elicotteri, è una canzone di una semplicità disarmante, costruita su un solo accordo ma impreziosita dall'ennesimo solo di chitarra di Gilmour e da un coro dei bambini, composto da 23 ragazzi della Islington Green School di Londra, di età compresa fra i 13 e i 15 anni. Il celebre verso del ritornello ("non abbiamo bisogno di istruzione, non abbiamo bisogno di controllo del pensiero") sarà utilizzato dai manifestanti neri in occasione dell'anniversario della sommossa di Soweto repressa nel sangue: il governo razzista del Sud Africa proibirà la diffusione del brano e ne ritirerà tutte le copie dai negozi. Pur permeato da una visione cupa e pessimistica della vita, il disco si conclude comunque con il "crollo" del muro e con il messaggio di speranza di "Outside the Wall". L'album sarà premiato dal successo di vendite (clamoroso per un'opera su doppia distanza) e si presterà a una difficile quanto magnifica rappresentazione dal vivo: gli spettacoli saranno pochissimi ma memorabili, con il muro costruito a poco a poco sul palco, enormi pupazzi gonfiabili e coinvolgenti proiezioni. Da The Wall sarà tratto anche il film omonimo, con la regia di Alan Parker e Bob Geldof nel ruolo del protagonista Pink.
Il complesso esce però dall'esperienza alquanto provato: i dissidi tra le due anime del gruppo (Waters e Gilmour) appaiono difficilmente sanabili e Wright, come detto, viene allontanato. I quattro decidono comunque di tornare in studio per registrare un album che, negli intenti, dovrà raccogliere il materiale scartato dal precedente lavoro. La guerra per le isole Falkland-Malvine, però, fa scattare una scintilla nella mente di Waters, che decide di comporre nuovo materiale con un comune denominatore nella mancata realizzazione del sogno di pace postbellico.
L'album che ne viene fuori, The Final Cut, è in pratica una creatura del solo Waters, con gli altri membri relegati al ruolo di musicisti (e spesso neanche a quello). Di tutti gli album dei Pink Floyd è il meno coinvolgente, anche se la bellezza di alcuni brani (su tutti "The Gunners Dream" e "The Post-War Dream") rimane inattaccabile. Purtroppo il titolo del disco si rivela molto presto profetico, costituendo l'atto finale di Waters come membro della band.
La volontà del bassista di sciogliere i Pink Floyd porterà a una lunga querelle con strascichi giudiziari per l'utilizzo di un marchio ormai sinonimo di best-seller, che vedrà Gilmour e Mason avere la meglio.
Il chitarrista, con l'aiuto di illustri musicisti e il modesto supporto di un Mason quantomeno svogliato, pubblicherà nel 1987 A Momentary Lapse Of Reason, mentre nel 1994, con il rientro a pieno titolo di Wright e Mason nelle vesti di compositori ed esecutori, uscirà The Division Bell. I dischi, colmi di spunti tutt'altro che innovativi, seguiti dalle rispettive testimonianze live, Delicate Sound Of Thunder (1988) e Pulse (1995), se non altro ci consegnano dei musicisti tirati a lucido e sempre pronti a emozionare il pubblico, con concerti dagli apparati scenici mastodontici (da ricordare il famoso episodio di Venezia) e notevoli esecuzioni del glorioso repertorio.

(Fonte: ondarock.it)

The Piper at the Gates of Dawn (1967)

01 - Astronomy Domine
02 - Lucifer Sam
03 - Matilda Mother
04 - Flaming
05 - Pow R Toc H
06 - Take Up Thy Stethoscope And Walk
07 - Interstellar Overdrive
08 - The Gnome
09 - Chapter 24
10 - Scarecrow
11 - Bike

A Saucerful of Secrets (1968)

01 - Let There Be More Light
02 - Remember a Day
03 - Set the Controls for the Heart of the Sun
04 - Corporal Clegg
05 - A Saucerful of Secrets
06 - See-Saw
07 - Jugband Blues

Tonite Lets All Make Love in London (1968)
(Colonna sonora dell'omonimo documentario di Peter Whitehead)

01 - Interstellar Overdrive [Full Length Version]
02 - Nick's Boogie

The Committee (1968)
(Colonna sonora del film The Committee di Peter Sykes)

01 - Intro
02 - Main Theme #1
03 - The Party
04 - Nightmare
05 - The Confession
06 - Main Theme #2

More (1969)
(Colonna sonora del Film More di Barbet Schroeder)

01 - Cirrus Minor
02 - The Nile Song
03 - Crying Song
04 - Up the Khyber
05 - Green Is The Colour
06 - Cymbaline
07 - Party Sequence
08 - Main Theme
09 - Ibiza Bar
10 - More Blues
11 - Quicksilver
12 - A Spanish Piece
13 - Dramatic Theme

Ummagumma (1969) [Live + Studio Album]

Disc 1: Live

01 - Astronomy Domine
02 - Careful With That Axe, Eugene
03 - Set The Controls For The Heart Of The Sun
04 - A Saucerful Of Secrets

Disc 2: Studio Album

01 - Sysyphus Part 1 , Richard Wright
02 - Sysyphus Part 2 , Richard Wright
03 - Sysyphus Part 3 , Richard Wright
04 - Sysyphus Part 4 , Richard Wright
05 - Grantchester Meadows , Roger Waters
06 - Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A Cave And Grooving With A Pict
07 - The Narrow Way Part 1 , David Gilmour
08 - The Narrow Way Part 2 , David Gilmour
09 - The Narrow Way Part 3 , David Gilmour
10 - The Grand Vizier's Garden Party Part 1 - Entrance , Nick Mason
11 - The Grand Vizier's Garden Party Part 2 - Entertainment , Nick Mason
12 - The Grand Vizier's Garden Party Part 3 - Exit , Nick Mason

Zabriskie Point [Pink Floyd + AA. VV.]

(Colonna sonora dell'omonimo film di Michelangelo Antonioni)

Disc 1:

01 - Pink Floyd – Heart Beat, Pig Meat
02 - Kaleidoscope – Brother Mary
03 - Grateful Dead – Dark Star (estratto)
04 - Pink Floyd – Crumbling Land
05 - Patti Page – Tennessee Waltz
06 - The Youngbloods – Sugar Babe
07 - Jerry Garcia – Love Scene
08 - Roscoe Holcomb – I Wish I Was a Single Girl Again
09 - Kaleidoscope – Mickey's Tune
10 - John Fahey – Dance of Death
11 - Pink Floyd – Come in #51, Your Time Is Up

Disc 2:

01 - Jerry Garcia – Love Scene Improvisations (Version 1)
02 - Jerry Garcia – Love Scene Improvisations (Version 2)
03 - Jerry Garcia – Love Scene Improvisations (Version 3)
04 - Jerry Garcia – Love Scene Improvisations (Version 4)
05 - Pink Floyd – Country Song
06 - Pink Floyd – Unknown Song
07 - Pink Floyd – Love Scene (Version 6)
08 - Pink Floyd – Love Scene (Version 4)

Atom Heart Mother (1970)

Disc 1:

01 - Atom Heart Mother
02 - If
03 - Summer '68
04 - Fat Old Sun
05 - Alan's Psychedelic Breakfast

Disc 2:

01 - Father's Shout
02 - Breast Milky
03 - Mother Fore
04 - Funky Dung
05 - Mind Your Throats, Please
06 - Remergence

The Best of the Pink Floyd (1970) [Raccolta]

01 - Arnold Layne
02 - Candy and a Currant Bun
03 - See Emily Play
04 - The Scarecrow
05 - Apples and Oranges
06 - Paintbox
07 - It Would Be So Nice
08 - Julia Dream
09 - Let There Be More Light
10 - Remember a Day
11 - Point Me at the Sky
12 - Careful With That Axe, Eugene
13 - The Nile Song
14 - Ibiza Bar

Meddle (1971)

01 - One of These Days
02 - A Pillow of Winds
03 - Fearless
04 - San Tropez
05 - Seamus
06 - Echoes

Relics (1971) [Raccolta]

01 - Arnold Layne
02 - Interstellar Overdrive
03 - See Emily Play
04 - Remember a Day
05 - Paintbox
06 - Julia Dream
07 - Careful with That Axe, Eugene
08 - Cirrus Minor
09 - The Nile Song
10 - Biding My Time
11 - Bike

Obscured by Clouds (1972)

01 - Obscured By Clouds
02 - When You're In
03 - Burning Bridges
04 - Gold It's In The..
05 - Wots...Uh The Deal
06 - Mudmen
07 - Childhood's End
08 - Free Four
09 - Stay
10 - Absolutely Curtains

A Nice Pair (1973) [Raccolta]

Disc 1: The Piper at the Gates of Dawn

01 - Astronomy Domine
02 - Lucifer Sam
03 - Matilda Mother
04 - Flaming
05 - Pow R Toc H
06 - Take Up Thy Stethoscope And Walk
07 - Interstellar Overdrive
08 - The Gnome
09 - Chapter 24
10 - Scarecrow
11 - Bike

Disc 2: A Saucerful of Secrets

01 - Let There Be More Light
02 - Remember a Day
03 - Set the Controls for the Heart of the Sun
04 - Corporal Clegg
05 - A Saucerful of Secrets
06 - See-Saw
07 - Jugband Blues

The Dark Side of the Moon (1973)

01 - Speak to Me
02 - Breathe
02 - Breathe
03 - On the Run
04 - Time
05 - The Great Gig in the Sky
06 - Money
07 - Us and Them
08 - Any Colour You Like
09 - Brain Damage
10 - Eclipse

Masters of Rock [Raccolta]

01 - Chapter 24
02 - Mathilda Mother
03 - Arnold Layne
04 - Candy And A Currant Bun
05 - The Scarecrow
06 - Apples And Oranges
07 - It Would Be So Nice
08 - Paintbox
09 - Julia Dream
10 - See Emily Play

Wish You Were Here (1975)

01 - Shine On You Crazy Diamond (Part I)
02 - Welcome To The Machine
03 - Have A Cigar
04 - Wish You Were Here
05 - Shine On You Crazy Diamond (Part II)

Animals (1977)

01 - Pigs On The Wing (Part 1)
02 - Dogs
03 - Pigs (Three Different Ones)
04 - Sheep
05 - Pigs On The Wing (Part 2)

The Wall (1979)

Disc 1:

01 - In The Flesh
02 - The Thin Ice
03 - Another Brick in the Wall, Pt. 1
04 - The Happiest Days Of Our Lives
05 - Another Brick in the Wall, Pt. 2
06 - Mother
07 - Goodbye Blue Sky
08 - Empty Spaces
09 - Young Lust
10 - One Of My Turns
11 - Don't Leave Me Now
12 - Another Brick in the Wall, Pt. 3
13 - Goodbye Cruel World

Disc 2:

01 - Hey You
02 - Is There Anybody Out There
03 - Nobody Home
04 - Vera
05 - Bring The Boys Back Home
06 - Comfortably Numb
07 - The Show Must Go On
08 - In The Flesh
09 - Run Like Hell
10 - Waiting For The Worms
11 - Stop
12 - The Trial
13 - Outside The Wall

A Collection of Great Dance Songs (1981) [Raccolta]

01 - One Of These Days
02 - Money (Remake)
03 - Sheep
04 - Shine On You Crazy Diamond (Edit)
05 - Wish You Were Here
06 - Another Brick In The Wall (Part 2) (Edit)

The Final Cut (1983)

01 - The Post War Dream
02 - Your Possible Pasts
03 - One of the Few
04 - The Hero's Return
05 - The Gunners Dream
06 - Paranoid Eyes
07 - Get Your Filthy Hands Off My Desert
08 - The Fletcher Memorial Home
09 - Southampton Dock
10 - The Final Cut
11 - Not Now John
12 - Two Suns in the Sunset

Works (1983) [Raccolta]

01 - One Of These Days
02 - Arnold Layne
03 - Fearless (Interpolating You'll Never Walk Alone)
04 - Brain Damage
05 - Eclipse
06 - Set The Controls For The Heart Of The Sun
07 - See Emily Play
08 - Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A
09 - Free Four
10 - Embryo

A Momentary Lapse of Reason (1987)

01 - Signs of Life [Instrumental]
02 - Learning to Fly
03 - The Dogs of War
04 - One Slip
05 - On the Turning Away
07 - A New Machine, Pt. 1
08 - Terminal Frost
09 - A New Machine, Pt. 2
09 - A New Machine, Pt. 2
10 - Sorrow

The Division Bell (1994)

01 - Cluster One
02 - What Do You Want from Me
03 - Poles Apart
04 - Marooned
05 - A Great Day for Freedom
06 - Wearing the Inside Out
07 - Take It Back
08 - Coming Back to Life
09 - Keep Talking
10 - Lost for Words
11 - High Hopes

Echoes: The Best of Pink Floyd (2001) [Raccolta]

Disc 1:

01 - Astronomy Domine
02 - See Emily Play
03 - The Happiest Days Of Our Lives
04 - Another Brick In The Wall (Part 2)
05 - Echoes
06 - Hey You
07 - Marooned
08 - The Great Gig In The Sky
09 - Set The Controls For The Heart Of The Sun
10 - Money
11 - Keep Talking
12 - Sheep
13 - Sorrow

Disc 2:

01 - Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-7)
02 - Time
03 - The Fletcher Memorial Home
04 - Comfortably Numb
05 - When The Tigers Broke Free
06 - One Of These Days
07 - Us And Them
08 - Learning To Fly
09 - Arnold Layne
10 - Wish You Were Here
11 - Jugband Blues
12 - High Hopes
13 - Bike

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Nadja

noreply@blogger.com (Divorazione) — Sat, 18 May 2013 00:56:00 +0000

Genere: Droone, Doom Metal, Post Metal, Musica Sperimentale

Info Band

Nadja Website

Nadja è un inclassificabile (shoegaze doom ambient drone) side project che dal 2002 si nasconde dietro agli occhi azzurri del polistrumentista canadese Aidan Baker, giocando a prosciugargli l'anima a partire dal nome (aidaN - Nadja). Creatura insaziabile di una vanità che non sfocia mai nella presunzione, Nadja cresce nella cattività di uno studio, dove pur nell'inevitabile diatesi collaterale delle influenze familiari (Swans, Godflesh, Jesu) impara a misurarne le distanze, forgiandosi di sonorità uniche e pretendendo un'attenzione da parte dell'artefice oltre il limite umano, materilizzata in una fecondissima produzione incrementata da numerosissime collaborazioni. Narcisismo che successivamente troverà sfogo anche grazie all'entrata di Leah Buckareff al basso, determinate per l'inaugurazione di una serie di live, in gran parte in America. I Nadja fanno doom della biosfera. Lenti e melmosi ma due metri sopra il cielo. L’approccio è radicalmente opposto a quello di Plotkin e O’Malley, Se i Khanate affondano le unghia e le ossa nel sotterraneo, i Nadja si innalzano nell’etere e premono dall’alto. In pratica quello che Justin K. Broederick ha cercato di fare con gli Jesu riuscendoci solo in parte.

(Fonti: debaser.it, sentireascoltare.com)

Recensioni album:

Touched (2003), Skins Turns To Glass (2003), Nadja & Moss (2003), Bliss Torn From Emptiness (2005), Truth Becomes Death (2005), Thaumogenesis (2007), 12012291920 - 1414101 (2007), Radiance of Shadows (2007), Magma to Ice (2008), Desire In Uneasiness (2008), Nadja & Black Boned Angel (2009), Under the Jaguar Sun (2009), Nadja & Kodiak (2009), Pyramids & Nadja (2009), Autopergamene (2010), The Life and Death of a Wasp (2010), Fool, Redeemer (2011), The Primitive World (2012), Excision (2012), Dagdrøm (2012).

Touched (2003)

01 - Mutagen
02 - Stays Demons
03 - Incubation Metamorphosis
04 - Flowers of Flesh

Skins Turns To Glass (2003)

01 - Sandskin butt
02 - Skin turns to glass butt
03 - Slow loss butt

Corrasion (2003)

01 - Base fluid
02 - You are as dust
03 - Corrasion
04 - Amniotic

Nadja & Moss (2003) [Split with Moss]

01 - ...Of Flesh And Blood (Moss)
02 - I Am As Earth (Nadja)

I Have Tasted the Fire Inside Your Mouth [EP] (2004)

01 - I Have Tasted the Fire Inside Your Mouth

Body Cage (2005)

01 - Clinodactyl
02 - Autosomal
03 - Ossification
04 - Blank
05 - Sandskin

Bliss Torn From Emptiness (2005)

01 - Bliss Torn from Emptiness

Absorption (2005) [Split with Methadrone]

01 - Absorbed in You (Nadja)
02 - A View Into the Empty (Metadrone)
03 - Absorbed (Metadrone)
04 - Sustained Presence of Loss (Metadrone)
05 - Placebo (Part 2) (Metadrone)

Truth Becomes Death (2005)

01 - Bug Golem
02 - Memory Leak
03 - Breakpoint

We Have Departed the Circle Blissfully (2006) [Split with Fear Falls Burning]

01 - Untitled I
02 - Untitled II

Trembled (2006) [Live]

01 - Breakpoint
02 - No Cure for the Lonely
03 - Corrasion
04 - Trembled

Fear Falls Burning & Nadja (2007) [Split with Fear Falls Burning]

01 - Untitled
02 - Untitled
03 - Untitled
04 - Untitled

Thaumogenesis (2007)

01 - Thaumogenesis

12012291920 - 1414101 (2007) [Split with Atavist]

01 - Twenty Four : Thirteen
02 - Twenty Nine : Thirty Seven

Guilted by the Sun (2007)

01 - Guilted
02 - By
03 - The
04 - Sun

Radiance of Shadows (2007)

01 - Now I am become death the destroyer of worlds
02 - I have tasted the fire inside your mouth
03 - Radiance of shadows

Tümpisa (2008) [Split with 5.5.2000]

01 - Spahn (Nadja)
02 - Shadows in the Valley of Death (5/5/2000)
    a/ Sunbleached and Osseous
    b/ Dead Flora
    c/ Dawn Ascends on a Dead Valley

Magma to Ice (2008) [Split with Netherworld]

01 - Closing to a Winter Night (Netherworld)
02 - Frozen Divinity (Netherworld)
03 - Closing to a Glacial Dawn (Netherworld)
04 - Ice to Magma (Nadja & Netherworld)
05 - Kriplyana (Melted & Refrozen Snow That Looks Blue in Early Morning)(Nadja)

Trinity [EP] (2008)

01 - Carrizozo
02 - Socorro
03 - Jornada del Muerto

Desire In Uneasiness (2008)

01 - Disambiguation
02 - Sign-Expressions
03 - Affective Fields
04 - Uneasy Desire
05 - Deterritorialization

Christ Send Light (2008) [Split with Black Boned Angel] [EP]

01 - Christ Send Light

The Bungled and the Botched (2008)

01 - The Bungled & the Botched
02 - Absorbed in You

II: Points at Infinity (2008) [Split with Atavist]

01 - Projective Plane
02 - Closed Curve

Infernal Procession And then Everything Dies (2008)

[Split with Atavist & Satori]

01 - Time Is Our Disease (Nadja)
02 - Certitude (Atavist)
03 - Abyss (Satori)

Trinitarian (2008)[EP]

1 - Ousia
2 - Hypostasis
3 - Perichoresis

When I See the Sun Always Shines on TV (2009)

01 - Only Shallow
02 - Pea
03 - No Cure for the Lonely
04 - Dead Skin Mask
05 - The Sun Always Shines on TV
06 - Needle in the Hay
07 - Long Dark Twenties
08 - Faith

Nadja & Black Boned Angel (2009) - [Split with Black Boned Angel]

01 - I
02 - II

Primitive North (2009) [Split with A Storm Of Light]

01 - I Make from Your Eyes the Sun (Nadja)
02 - Brother (Remix) (Nadja)
03 - Brother (A Storm Of Light)
04 - Sister (A Storm Of Light)
05 - I Make from Your Eyes the Sun (Remix) (A Storm Of Light)

Numbness (2009)

01 - Veil of Disillusion
02 - God Rest Ye Merry Gentlemen
03 - Long Dark Twenties (Slightly Extended 7" Version)
04 - Alien in My Own Skin
05 - Time Is Our Disease
06 - Numb

Clinging to the Edge of the Sky (2009) [EP]

01 - Clinging to the Edge of the Sky

Belles Betes (2009)

01 - Sand Like Skin
02 - Beautiful Beast
03 - Green & Cold
04 - Wound Culture

Under the Jaguar Sun (2009)

DISC 1 - Tezcatlipoca

01 - Sun 1 - Jaguar
02 - Sun 2 - Windstorm
03 - Sun 3 - Fieryrain
04 - Sun 4 - Flood
05 - Sun 5 - Earthquake

DISC 2 - Quetzalcoatl

01 - Ocelotonatiuh
02 - Ehecatonatiuh
03 - Quiuhtonatiuh
04 - Atonatiuh
05 - Nahui-Ollin

Nadja & Kodiak (2009) [Split with Kodiak]

1 - MCCCXLIX the Rising End (Kodiak)
2 - Kitsune Fox Drone (Nadja)

Pyramids & Nadja (2009) [Spit with Pyramids]

01 - Into the Silent Waves
02 - Another War
03 - The Sound of Ice And Grass
04 - An Angel Was Heard to Cry Over the City of Rome

Autopergamene (2010)

01 - You Write Your Name in My Skin
02 - You Write My Name in Your Head
03 - You Write Your Name in My Blood

Sky Burial (2010)

01 - Jaguar
02 - Sky Burial

The Life and Death of a Wasp (2010) [Split with Ovo]

01 - Movement 1: A Wasp Flying Around the Sugar Jar
02 - Movement 2: Trapped in the Jar
03 - Movement 3: Put Some Sugar in My Cup, Please
04 - Movement 4: Drowned in Coffee

Into The Silent Waves (2010)

01 - Into the Silent Waves (Lustmord Remix)
02 - Into the Silent Waves (Ulver Remix)

Ruins of Mourning (2010)

01 - Part 1
02 - Part 2

Dominium Visurgis (2010) [Split with Troum]

01 - Part 1
02 - Part 2
03 - Part 3

Konstruktion (2011) [Split with Galena]

01 - Interlude
02 - Trying
03 - Tears
04 - Earthcrust
05 - Lifelong
06 - Kundrun - Coda 1
07 - HighSea & Turbulence - Coda 2

Fool, Redeemer (2011) [Split with Picastro]

01 - Skullduggery
02 - Fire Perfect
03 - Darian
04 - A New Soul's Benediction
05 - Venom

The Primitive World (2012) [Split with Vampillia]

01 - Shining
02 - Northern Lights
03 - Icelight
04 - Anesthetic Depth
05 - Call from Eternity

Excision (2012)

01 - Jornada Del Muerto
02 - Perichoresis
03 - Spahn
04 - Kriplyana
05 - Autosomal (Version 2)
06 - Kitsune (Fox Drone)
07 - Autosomal (Version 3)
08 - Clinging To The Edge Of The Sky

Dagdrøm (2012)

01 - One Sense Alone
02 - Falling Out of Your Head
03 - Dagdrøm
04 - Space Time & Absence

Flipper (2013)

01 - Drown
02 - Song for the Sea
03 - Wrapped in Plastic
04 - Hands

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Explosion In The Sky

noreply@blogger.com (Divorazione) — Tue, 14 May 2013 09:09:00 +0000

Genere: Post Rock Strumentale

Info Band

Explosion In The Sky Website

Il giorno in cui si sono formati (4 luglio 1999) gli Explosions in the Sky non potevano prevedere che il loro nome sarebbe diventato una macabra profezia. E quando hanno perfino riportato sulle pagine interne della copertina del loro album l’immagine di un aereo con la scritta “This plane will crash tomorrow” non potevano neanche immaginare quello che sarebbe successo quache mese dopo. In ogni caso, di fronte a questo quartetto texano, non bisogna fermarsi al nome. Ciò che conta, infatti, è la qualità della loro musica. Una musica epica e viva, riflessiva e selvaggia al tempo stesso.
Dopo l'esordio, avvenuto con How Strange Innocence nel 2000, i nostri nel 2001 hanno pubblicato Those Who Tell the Truth Shall Die, Those Who Tell the Truth Shall Live Forever, un album sorprendente, perché riesce a spaziare tra generi diversi senza assorbirne i cliché, ma arricchendoli, al contrario, con una buona dose d’inventiva e di improvvisazione. Michael James al basso, Munaf Rayani e Mark Smith alle chitarre, Chris Hrasky alla batteria (tutti di Midland, Texas, tranne Hrasky, originario dell’Illinois) sanno creare un’atmosfera surreale, che combina melodie e paesaggi sonori trasognati con strati di denso noise-rock al limite della cacofonia. Il terreno da cui prendono le mosse sembra essere soprattutto l’anarchia strumentale di Godspeed You! Black Emperor, ma è solo un punto di partenza. La loro è una combinazione mirata tra spontaneità punk e cerebralismo post-rock, una fusione dosata di malinconia ed energia. I toni languidi e dimessi sono solo un pretesto per far cadere l’ascoltatore in uno stato di trance dal quale ridestarlo improvvisamente con le cadenze ossessive della batteria e l’andamento serrato delle chitarre. “Dal silenzio totale alla violenza totale”, è il motto dichiarato della band. L’overture di "Greet Death inizia con 50 secondi di semplici fluttuazioni sonore, che fanno da preludio a una sequenza di riff incalzanti, in una progressione che è insieme epica e trascinante. "Yasmin the Light" simula un battito cardiaco, in una sorta di ninnananna, accompagnata dal suono ora quieto ora più serrato delle chitarre. Anche "Have You Passed Through This Night?" parte piano, con suoni aperti e distesi, che sembrano quasi evocare le distese sconfinate del Texas, prima di immergersi in un mare di chitarre abrasive e lancinanti. E sono proprio queste esplosioni che rendono la musica degli Explosions in the Sky così drammatica ed emozionante. Esplosioni rese grazie a un chitarrismo raffinato, emulo di maestri come Joe Satriani e Robert Fripp, a cui si abbina a una sezione ritmica marziale e poderosa. E’ un impasto sonoro di grande impatto emotivo che sembra già possedere un grande affiatamento: “Abbiamo suonato la prima volta insieme nell’aprile del 1999 - raccontano i quattro -. E qualcosa ci è parso chiaro e giusto già da quella notte”. Qualcosa che non dev’essere sfuggito neanche a Kat Candler, che ha voluto la musica degli Explosions in the Sky per il suo film “Cicadas”: “Vidi il gruppo dal vivo qualche tempo fa — racconta Candler -. E furono davvero stupefacenti, quasi commoventi per l’intensità che traspariva dalla loro musica. Li ho pregati di comporre la colonna sonora per il mio film e il risultato è stato ancora una volta meraviglioso”.
C’è in effetti qualcosa di romanticamente impetuoso, nella musica del gruppo texano, una sorta di cupa tempesta d’emozioni che sprizza fuori dalle note. Insomma, la stoffa c’è. E anche il successivo, pur discontinuo, The Earth Is Not A Cold Dead Place (2003) lo conferma, con le sue raffinate tessiture armoniche, che non si limitano alla consueta alternanza tra momenti di quiete e autentiche esplosioni sonore, ma si svolgono con gradualità intorno a un sottile ordito strumentale. Per il seguito di The Earth Is Not A Cold Dead Place ci vogliono ben quattro anni, nel corso dei quali la band resta però per nulla inerte, sviluppando gli aspetti più pacati e descrittivi della sua arte prima nella colonna sonora Friday Night Lights (2004) e poi nel mini The Rescue (2005).
Benché da queste opere sembrasse evincersi come l’attenzione della band si stesse in prevalenza concentrando sulla cura dei momenti di lenta costruzione della tensione emotiva che non su quelli di impetuosa e talora violenta liberazione della stessa, il successivo All Of A Sudden I Miss Everyone (2007) restituisce almeno in parte gli Explosions In The Sky alla consueta e ben sperimentata coesistenza tra un’immediatezza d’impatto, a tratti anche piuttosto ruvida, e un’emotività tanto sottile da apparire persino repressa. Fin dall’incipit ad effetto di “The Birth And Death Of The Day”, si capisce però come non vi sia alcuna rinuncia al caratteristico impeto emotivo in favore di una più compunta stratificazione strumentale: squarci di chitarra e ritmiche austere, trame liquide e asperità affioranti caratterizzano i poco oltre quaranta minuti di un album quasi tutto giocato sulla graduale costruzione di una tensione latente, inframezzata da crescendo lenti ma quasi mai risolutivi di composizioni complesse, i cui apici emotivi talvolta addirittura anticipano quei passaggi più morbidi che si è invece solitamente abituati a veder sopraffatti dalla furia delle chitarre. La compresenza e l’intersezione tra impeto a tratti pronunciato e armonie impalpabili rappresentano il punto focale della maggior parte dei brani di All Of A Sudden I Miss Everyone, fedelmente rispondenti ai canoni del genere, che vengono tutt’al più soltanto rimescolati restituendo però quasi sempre un risultato conosciuto, curato fino all’eccesso ma, forse proprio per questo, non del tutto efficace. Meglio allora la lenta evoluzione che si scorge nei due brani dalla durata inferiore ai cinque minuti, caratterizzati da una linearità di gran lunga preponderante sui complessi movimenti del resto dell’album, ovvero “What Do You Go Home To?” e “So Long, Lonesome”, ove le atmosfere si fanno decisamente rarefatte, mentre la tensione resta latente senza essere mai del tutto liberata (“What Do You Go Home To?”), oppure viene fin dall’inizio dissolta attraverso note di pianoforte di inconsueta serenità, pur culminanti in un accenno di moderata e quasi doverosa impennata finale (“So Long, Lonesome”). Poiché l’esplosività ritmica e chitarristica rischia ormai di diventare uno stereotipo del genere, quale elemento saliente e pienamente apprezzabile in alcuni brani di questo lavoro, permane soprattutto il lavorio strumentale sommesso e ponderato, attraverso il quale la band texana riesce a declinare le sue potenzialità emotive secondo una meno convenzionale formula piana, priva di sensibili scossoni, eppure più efficace dei residui crescendo e nelle ripetitive detonazioni fragorose.
Passano altri quattro anni, ma poco cambia nella formula della band texana: Take Care, Take Care, Take Care (2011) ne ripropone tutti i tratti salienti, sotto forma di composizioni lunghe, in graduale evoluzione, e di una precisione esecutiva talmente certosina da rasentare sfoggi di abilità tecnica che, tuttavia, non inficiano più di tanto le suggestioni che questo tipo di musica è sempre stato inteso a suscitare. Nelle pieghe delle sei tracce dell'album, si rivelano però, accanto a numerose miniature di pregevole artigianato strumentale, esili interstizi tra fraseggi chitarristici e asciutte cadenze ritmiche, riempiti da silenti partiture ambientali e, per la prima volta, completati da vocalizzi eterei e distanti, in qualche misura assimilabili a quelli introdotti dai concittadini Balmorhea nei brani più legati all'asprezza selvaggia dei loro territori d'origine. Ulteriore dettaglio di parziale discontinuità col passato può essere individuato nelle tonalità leggermente più compassate e, in qualche caso, acide delle composizioni, che denotano come nella loro maturità artistica gli Explosions In The Sky prediligano, di tutta evidenza, intessere trame armoniche composite ma dal contenuto serenamente descrittivo che non puntare su infinite repliche di detonazioni roboanti che, pure, nel corso dell'album non sono del tutto assenti.
Nel complesso, comunque, tali elementi non bastano a superare il diffuso senso di standardizzazione, che fa di Take Care, Take Care, Take Care qualcosa di molto simile proprio a una raccolta di standard, un po' come se il post-rock più classico fosse diventato assimilabile al jazz e persino alcuni tra i suoi alfieri primigeni avessero deposto le speranze di rifuggire dagli angusti recessi del genere per concentrarsi quasi esclusivamente sugli aspetti formali della loro musica.

(Fonte:ondarock.it)

How Strange, Innocence (2000)

01 - Song For Our Fathers
02 - Snow And Lights
03 - Magic Hours
04 - Look Into The Air
05 - Glittering Blackness
06 - Time Stops
07 - Remember Me As A Time Of Day

Those Who Tell the Truth Shall Die/
Those Who Tell the Truth Shall Live Forever (2001)

01 - Greet Death
02 - Yasmin The Light
03 - Moon Is Down
04 - Have You Passed Through This Night
05 - Poor Man's Memory
06 - With Tired Eyes, Tired Minds, Tired Souls, We Slept

The Earth is Not a Cold Dead Place (2003)

01 - First Breath After Coma
02 - The Only Moment We Were Alone
03 - Six Days At The Bottom Of The Ocean
04 - Memorial
05 - Your Hand In Mine

Friday Night Lights (2004)

01 - From West Texas
02 - Your Hand In Mine (W_Strings)
03 - Our Last Days As Children
04 - An Ugly Fact Of Life
05 - Home
06 - Sonho Dourado
07 - To West Texas
08 - Your Hand In Mine (Goodbye)
09 - Inside It All Feels The Same
10 - Do You Ever Feel Cursed
11 - Lonely Train
12 - The Sky Above, The Field Below
13 - A Slow Dance

The Rescue (2005)

01 - Day One
02 - Day Two
03 - Day Three
04 - Day Four
05 - Day Five
06 - Day Six
07 - Day Seven
08 - Day Eight

All of a Sudden I Miss Everyone (2007)

01 - The Birth And Death Of The Day
02 - Welcome, Ghosts
03 - It's Natural To Be Afraid
04 - What Do You Go Home To
05 - Catastrophe And The Cure
06 - So Long, Lonesome

Take Care, Take Care, Take Care (2011)

01 - Last Known Surroundings
02 - Human Qualities
03 - Trembling Hands
04 - Be Comfortable, Creature
05 - Postcard From 1952
06 - Let Me Back In

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The Blues Brothers - Soundtrack (1978) by The Blues Brothers Band

noreply@blogger.com (Divorazione) — Sat, 11 May 2013 11:55:00 +0000

Info Film

Tre anni dopo essere finito dietro le sbarre, il rapinatore armato Jake Blues viene liberato per buona condotta. Ad attenderlo fuori dal carcere c'è il fratello Elwood, una ex fidanzata inferocita, la notizia che l'orfanotrofio dove sono cresciuti sta per essere chiuso e l'illuminazione divina. Convinti di essere in missione per conto di Dio i Blues brothers riuniscono con le buone e le cattive la vecchia band e organizzano un grande concerto benefico mentre fuggono da polizia, una banda di musicisti, il proprietario di un locale e i nazisti dell'Illinois che li vogliono fare fuori.
Se con Animal House John Landis aveva già messo la sua firma nella storia del cinema, con The Blues Brothers si aggiudicò la corona di re della commedia (più tardi sarebbe stato persino chiamato dal re del pop Michael Jackson a dirigere il più famoso videoclip dell'era MTV, Thriller). Certo, era impossibile sbagliare con un duo comico delle scuderie del Saturday Night Live, una colonna sonora di lusso e irrepetibile, e la partecipazione di alcuni dei più grandi rappresentanti del soul e rhythm and blues come Ray Charles, Aretha Franklin e James Brown.
Forti dell'esperienza televisiva e dei concerti macinati in attesa di portare i due irriverenti personaggi sul grande schermo, John Belushi (Jake) e Dan Aykroyd (Elwood) fissano per sempre nell'immaginario collettivo la moda dell'abito nero completo di cravatta, cappello e occhiali da sole e si lanciano a tutto gas per le strade di Chicago a bordo della loro Bluesmobile, seminando macchine della polizia e caos in nome di Dio. La sceneggiatura scritta a quattro mani da John Landis e Dan Aykroyd si basa principalmente sulla carica comico-demenziale della coppia, la sua prepotente presenza fisica e mimica, i balli molli e disarticolati e le canzoni che sono eseguite in veri e propri videoclip d'annata - su tutte Think di Aretha Franklin - o dal vivo con la banda. È la musica che determina il ritmo dell'azione e delle gag e fa (s)correre la storia attraverso le peripezie dei due debosciati e sboccati antieroi.
Film cult per eccellenza (fosse anche solo per i tanti cameo, da John Candy a Steven Spielberg) The Blues Brothers voleva essere soprattutto un omaggio alla musica nera statunitense, ma finì per cambiare la storia del cinema. Trent'anni dopo persino l'Osservatore Romano lo ha definito "memorabile, stando ai fatti cattolico".

(Fonte: Mymovies.it)

Info Band

Info Soundtrack

01 - She Caught The Katy - Jake
02 - Peter Gunn Theme - strumentale (di Henry Mancini)
03 - Gimme Some Lovin' - Jake
04 - Shake a Tail Feather - Ray Charles/Jake & Elwood
05 - Everybody Needs Somebody to Love - Jake & Elwood
06 - The Old Landmark - James Brown
07 - Think - Aretha Franklin
08 - Theme From Rawhide - Jake & Elwood
09 - Minnie the Moocher - Cab Calloway
10 - Sweet Home Chicago - Jake & Elwood
11 - Jailhouse Rock - Jake

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In The Fishtank (Serie)

noreply@blogger.com (Divorazione) — Fri, 19 Apr 2013 23:23:00 +0000

Info Project

Konkurrent Record Website: "In The Fishtank"

In The Fishtank vol.1 - "No Means No" (1996)

01. Would Be Alive
02. The River
03. Joy
04. You're Not One
05. Big Dick

In The Fishtank vol.2 - "Guv'Ner" (1997)

01. Concorde Jets
02. Help Me
03. Now Is Not The Time To Love Me
04. Whose Eyes
05. Jungle Bells
06. You Lie

In The Fishtank vol.3 - "Tassilli Players" (1997)

01. Into The Grey Area
02. The Hempster Meets The Grim Reefer In Dub
03. The Wobbler
04. Uit Het Grijze Gebied

In The Fishtank vol.4 - "Snuff " (1998)

01. Match Of The Day
02. Pen Blywd Happus
03. Bananas
04. Guinevere
05. No Tenemos Bananas
06. Rods' n'Mockers
07. Vi Har Inge Bananer
08. C'mon Let's Do The Head Bang
09. Wir Haben Keine Bananen

In The Fishtank vol.5 - "Tortoise + The Ex"

01. The Lawn Of The Limp
02. Pooh Song
03. Central Heating
04. Pleasure As Usual
05. Did You Comb?
06. Huge Hidden Spaces

In The Fishtank vol.6 - "June Of 44" (1999)

01. Pregenerate
02. Generate
03. Henry's Revenge
04. Modern Hereditary Dance Steps
05. Every Free Day
06. Degenerate

In The Fishtank vol.7 - "Low + Dirty Three" (2001)

01. I Hear… Good Night
02. Down By The River
03. Invitation Day
04. When I Called Upon Your Seed
05. Cody
06. Lordy

In The Fishtank vol.8 - "Willard Grant Conspiracy + Telefunk" (2002)

01. Twistification
02. Cuckoo
03. Grün Grün
04. Near The Cross
05. Just A Little Rain
06. Dig A Hole In The Meadow

In The Fishtank vol.9 - "Sonic Youth + ICP + The Ex" (2002)

01. III
02. IV
03. V
04. VI
05. II
06. VIII
07. IX
08. X

In The Fishtank vol.10 - "Motorpsycho + Jaga Jazzist Horns" (2003)

01. Bombay Brassière
02. Pills, Powders And Passion Plays
03. Doffen Ah Hum
04. Theme De Yoyo
05. Tristano

In The Fishtank vol.11 - "The Black Heart Procession + Solbakken" (2004)

01. Voiture En Rouge
02. Dog Song
03. Nervous Persian
04. A Taste Of You And Me
05. Things Go On With Mistakes
06. Your Cave

In The Fishtank vol.12 - "Karate" (2005)

01. Strange Fruit
02. The Only Minority
03. Tears Of Rage
04. Bob Dylan Wrote Propaganda Songs
05. Need A Job
06. This Ain't No Picnic
07. Colors
08. A New Jerusalem

In The Fishtank vol.13 - "Solex + M.A.E." (2005)

01. 5 Superstar
02. Go Easy On The Fun Fund
03. 1 + 1 = 11
04. Birthday Superboy

In The Fishtank vol.14 - "Isis + Aereogramme" (2006)

01. Low Tide
02. Delial
03. Stolen

In The Fishtank vol.15 - "Sparkle Horse + Fennesz" (2009)

01. Music Box Of Snakes
02. Goodnight Sweetheart
03. Shai-Hulud
04. If My Heart
05. Mark’s Guitar Piece
06. NC Bongo Buddy
07. Christian’s Guitar Piece

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Jackie Brown - Soundtrack (1997) AA.VV.

noreply@blogger.com (Divorazione) — Fri, 22 Mar 2013 11:44:00 +0000

Info Film

Jackie Brown è una hostess avvenente che contrabbanda denaro per Ordell Robbie, un traffichino d'armi dal grilletto facile. Ordell si accompagna a Louis Gara, uno stralunato ex galeotto, e a Melanie, una sballatissima bionda. Di ritorno dal Messico, Jackie viene fermata e arrestata da due agenti del reparto antifrode sulle tracce di Ordell. In cambio dell'immunità si decide a collaborare con la polizia. Dotata di grazia e sangue freddo la signora Brown raggirerà agenti e delinquenti, incassando il denaro di Ordell e seducendo un garante di cauzioni.
Tratto da "Rum Punch" di Elmore Leonard, Jackie Brown è il film più lineare di Quentin Tarantino, che omaggia la stagione cinematografica della blaxploitation e celebra la sua sexi icona nera, Pam Grier. È lei la Jackie del titolo, l'antesignana della sposa di Bill, la donna castrante decisa a eliminare il maschio che le ha fatto un torto, ed è sempre lei la regina di un genere cinematografico degli anni '70 che sfruttava la cultura popolare nera ed era interpretato, realizzato e rivolto al pubblico afroamericano. In Jackie Brown la blaxploitation funziona come elemento postmoderno spogliato del significato etico, politico e sociale che muoveva gli eroi neri degli anni Settanta. Al contrario il film di Tarantino produce puro intrattenimento per "bianchi" esaltando i vizi del sottoproletariato nero, sottolineandone l'avidità e il narcisismo. Il gangster nero è ancora una volta Samuel L. Jackson, involuzione degli eroi della blaxploitation ma irresistibile negli abiti funky e multicolori del mercante d'armi che giustizia nemici e "fratelli" nei portabagagli di lucidissime Pontiac. Accanto a lui compare, per la prima volta misurato, il balordo scarcerato di Robert De Niro, che spara e uccide meccanicamente la "fattona" puttanella di Bridget Fonda. Sottovalutato film di Tarantino, Jackie Brown riavvolge il tempo generando nuove linee temporali, ri-sequenze che scorrono su una colonna sonora black lungo le strade urbane del crack.

(Fonte: Mymovies.it)

Info Soundtrack

01 - Across 110th Street - Bobby Womack
02 - Beaumont's Lament - (dialogue Samuel L. Jackson and Robert DeNiro)
03 - Strawberry Letter 23 - Brothers Johnson
04 - Melanie, Simone And Sheronda - (dialogue Samuel L. Jackson and Robert DeNiro)
05 - Who Is He - Bill Withers
06 - Tennessee Stud - Johnny Cash
07 - Natural High - Bloodstone
08 - Long Time Woman - Pam Grier
09 - Detroit 9000 - Council Cargle
10 - Letter To The Firm - Foxy Brown
11 - Street Life - Randy Crawford
12 - Didn't I Blow Your Mind This Time - The Delfonics
13 - Midnight Confessions - The Grass Roots
14 - Inside My Love - Minnie Riperton
15 - Just Ask Melanie - (dialogue Samuel L. Jackson, Robert DeNiro and Bridget Fonda)
16 - The Lions And The Cucumber - The Vampire Sound Inc.
17 - Monte Carlo Nights - Elliot Easton's Tiki Gods

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Merzbow Collaborations Studio/Live Albums, Splits and Merzbow As... (2004 - 2013)

noreply@blogger.com (Divorazione) — Tue, 15 Jan 2013 21:09:00 +0000

Collaborazioni Studio/Live Album, Splits e Merzbow come... dal 2004 al 2013

Live 2004 (2004) [with Keiji Haino]

01 - Untitled

Rondo 7Phases Blowpack (2004) [with Kim Cascone]

01 - Rondo
02 - 7Phases
03 - Blowback

04092001 (2004) [with Boris]

01 - Side One
02 - Side Two

Partikel [with Nordvargr] (2004) [with Nordvargr]

01 - Tardyon Storm
02 - Kyoufu-0
03 - Tachyon Paradox

The Ten Feet Square Hut (2004) [with The New Blockaders]

01 - Transience Part 1
02 - Transience Part 2

Tranz (2005) [with Elliott Sharp]

01 - Tranz

Sun Baked Snow Cave (2005) [with Boris]

01 - Sun Baked Snow Cave

Free Piano (2005) [with John Wiese]

01 - Free Piano
02 - Hypersomnia

Multiplication (2005) [with John Wiese]

01 - Bonanza
02 - Luxor Skyship
03 - Spell
04 - New Wave Dust 2
05 - Erotic Westernscape
06 - Multiplication

Merzdub (2006) [with Jamie Saft]

01 - Conquerer
02 - Beware Dub
03 - Skinning JLO
04 - Kantacky Fried Dub
05 - Visions Of Irie
06 - Dangermix
07 - Updub
08 - Slow Down Furry Dub

Merzbow vs. Tamarin (2006)

01 - Processed 3
02 - Processed 1
03 - Processed 2
04 - Untitled 1
05 - Untitled 2
06 - Untitled 3

Partikel II (2007) [with Nordvargr]

01 - Reakt 1
02 - Luxon
03 - Reakt 2
04 - Brockengeist Elektron

Rock Dream (2007) [with Boris]

01 - Feedbacker
02 - Black Out
03 - Evil Stack
04 - Rainbow
05 - Pink
06 - Woman On The Screen
07 - Nothing Special
08 - Ibitsu
09 - A Bao A Qu
10 - The Evilone Which Sobs
11 - Flower Sun Rain
12 - Just Abandoned My-Self
13 - Farewell

Walrus-Groon (2007) [with Boris]

01 - Walrus
02 - Groon

Synth Destruction (2007) [with Carlos Giffoni]

01 - Synth Destruction

Electric Dress (2007) [with Carlos Giffoni + Jim O'Rourke]

01 - Electric Dress

Keio Line (2008) [with Richard Pinhas]

Disc 1:

01 - Tokyo Electric Guerilla
02 - Ikebukuro_ Tout le monde descend !
03 - Shibuya AKS

Disc 2:

01 - Merzdon/Heldow Kills Animal Killers
02 - Chaos Line
03 - Fuck the Power (and Fuck Global Players)

And The Devil Makes Three (2008) [with Porn]

01 - I
02 - II
03 - III
04 - IV
05 - V
06 - VI
07 - VII
08 - VIII
09 - IX
10 - X
11 - XI
12 - XII

Sonic Youth Med Mats Gustafsson Og Merzbow-Andre Sider Af Sonic Youth (2008)

01 - Sonic Youth Med Mats Gustafsson Og Merzbow

Merzbow + Sutcliffe Jugend + Satori (2008) [Split with Sutcliffe Jugend & Satori]

01 - Feddyellow Mix.1 (Merzbow)
02 - Pigmother (Sutcliffe Jugend)
03 - Paralysis (Hypnopompic Mix) (Satori)

The Celebration Of The Lizard - March Of The Myriapoda (2008) [with Band Of Pain]

01 - The Celebration Of The Lizard (Merzbow)
02 - March Of The Myriapoda (Band Of Pain)

Supernova2 (2009) [Split with Bulbul, Peach Pit, Wolfgang Fuchs]

01 - Grand Kratzscha (Bulbul)
02 - 1339 (Merzbow)
03 - Vertigo (Peach Pit)
04 - O Biciklizmu (Peach Pit)
05 - Ru-Fruitcake 2 (Peach Pit)
06 - Laurenz (Wolfgang Fuchs)
07 - Rundschau (Wolfgang Fuchs)

Merzbannon (2009) [with Racebannon]

01 - Satan's Kickin' Yr Dick In (Racebannon)
02 - Satan's Kickin' Yr Dick In (Merzbow Remix)

Merzbow (2010) [Split with The Guilt øf...]

Side A - Oh, Lucy! (Merzbow)
Side B - Tipping Foul Into The Dirt (The Guilt øf...)

Spiral Right - Spiral Left (2010) [with Z'EV]

01 - Spiral Right
02 - Spiral Left

Metal - Crystal (2010) [with Richard Pinhas & Wolf Eyes]

Disc 1:

01 - Bi-Polarity (Gold)
02 - Paranoia (Iridium)
03 - Depression (Loukoum)

Disc 2:

01 - Hysteria (Palladium)
02 - Schizophrenia (Silver)
03 - Legend (Bonustrack)

Klatter (2011) [with Boris]

01 - Introduction
02 - Akuma no Uta
03 - Jane (Jane cover)
04 - Klatter 1
05 - Naki Kyoku

Lou Lou...In Tokyo (2011) [with Mamiffer & House Of Low Culture]

CD:

01 - This Land (Mamiffer)
02 - Blanket Of Ash (Mamiffer)
03 - Iron Water (Mamiffer)
04 - Lilac (Mamiffer)
05 - Mole Man (House Of Low Culture & Merzbow)

DVD: Lou Lou... In Tokyo

Freak Hallucinations (2012) [Split with Actuary]

Side A-01 - Sugamo Flower Festival (Merzbow)
Side B-01 - Only Ghosts Hate New Things (Actuary)
Side B-02 - Inhuman Bondage (Actuary)
Side B-03 - Ritual Embrace (Actuary)

Cuts (2013) [with Balázs Pándi, Mats Gustafsson]

01 - Evil Knives (Lines)
02 - Deep Lines (Cuts)
03 - The Fear Too (Invisible)
04 - Like Razor Blades In The Dark
05 - Like Me Like You

Cat’s Squirrel (2013) [Live with Oren Ambarchi]

Side A - Cat's Squirrel 1
Side B - Cat's Squirrel 2

Partikel III (2013) [with Nordvargr]

01 - Heterotic String Hybrid
02 - Lorentz Covariance
03 - Submaton Color Pt. 1
04 - Submaton Color Pt. 2

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Merzbow Studio Albums (2006 - 2013)

noreply@blogger.com (Divorazione) — Sun, 13 Jan 2013 15:31:00 +0000

Album in Studio dal 2006 al 2013

Minazo Volume 1 (2006)

01 - Land Of Sea Mammal
02 - Sea Breeze
03 - Voices From The Sea
04 - Destructive Funeral

Bloody Sea (2006)

01 - Anti-Whaling Song Part. 1
02 - Anti-Whaling Song Part. 2
03 - Anti-Whaling Song Part. 3

F.I.D. (2006)

01 - Exteriorization @No.1
02 - Forest Of Kelp
03 - Seitaka
04 - Exteriorization @No.2
05 - Transition
06 - Kongara

Minazo Volume 2 (2006)

01 - Minazo At The Heart Of The Crab Nebula Part 1
02 - Minazo At The Heart Of The Crab Nebula Part 2

Metamorphism (2006)

01 - Metamorphism Pt. 1
02 - Metamorphism Pt. 2
03 - Metamorphism Pt. 3
04 - Metamorphism Pt. 4

Merzbear (2007)

01 - Merzbear, Pt. 1
02 - Merzbear, Pt. 2
03 - Merzbear, Pt. 3
04 - Merzbear, Pt. 4

Coma Berenices (2007)

01 - Earth Worms
02 - Dark Stars
03 - Alishan
04 - Silky Feather
05 - Revenge On Humanity

Zophorus (2007)

01 - Zophorus, Part.1
02 - Zophorus, Part.2
03 - Zophorus, Part.3
04 - Zophorus, Part.4
05 - Zophorus, Part.5

Peace For Animals (2007)

01 - Raging Chaos
02 - September
03 - No More Exploitation Of Animals

Higanbana (2007)

01 - Cluster Amaryllis
02 - Black Shiny Feather
03 - Path With No End

Here (2008)

01 - Here
02 - Torikabuto
03 - Pigeon Car

Arijigoku (2008)

01 - Arijigoku, Part 1
02 - Arijigoku, Part 2
03 - Arijigoku, Part 3
04 - Arijigoku, Part 4

Eucalypse (2008)

01 - Part I.
02 - Part II.
03 - Part III.
04 - Part IV.
05 - Part V.

Dolphin Sonar (2008)

01 - Part 1
02 - Part 2
03 - Part 3

Anicca (2008)

01 - Anicca, Part. 1
02 - Anicca, Part. 2
03 - Anicca, Part. 3

Protean World (2008)

01 - Protean World Part 1
02 - Protean World Part 2

Dead Leaves (2008)

01 - Dead Leaves, Part I
02 - Dead Leaves, Part II
03 - Dead Leaves, Part III

Tombo (2008)

01 - Tombo (Process)
02 - Tombo (2)
03 - Chiken Inch 5.1

Hodosan (2008)

01 - Peace Pig's Part 1
02 - Peace Pig's Part 2
03 - The Joy Of Soy

Camouflage (2009)

01 - Coral Reef Color With Red, Pink, Purple And Green
02 - Transparent Man Is Color With Blue And Pink
03 - Cicad Played Under The Arch

Don't Steal My Goat (2009)

01 - Part 1
02 - Part 2 (Bloody Sea Of Taiji)
03 - Part 3
04 - Part 4 (DON #2)

Hiranya (2009)

01 - Hiranya #1
02 - Hiranya #2

Microkosmos Volume 1 (2009)

01 - A Side - Untitled
02 - B Side - Untitled

Somei (2009)

01 - Run Chicken Run
02 - Lava
03 - August Depression

E-Study (2009)

01 - PHR-E-1
02 - PHR-E-2

Collection 4 (2010)

Side A-01 - Remblandt Assemblage Mix 004a
Side B-01 - Remblandt Assemblage Mix 004B1
Side B-02 - Remblandt Assemblage Mix 004B2

Collection 5 (2010)

Side A-01 - Remblandt Assemblage Mix 005a1
Side A-02 - Remblandt Assemblage Mix 005a2
Side B-01 - Remblandt Assemblage Mix 005b1
Side B-02 - Remblandt Assemblage Mix 005b2
Side B-03 - Remblandt Assemblage Mix 005b3
Side B-04 - Remblandt Assemblage Mix 005b4

Normal Music (2010)

Side A-01 - Norm 1
Side A-02 - Norm 2
Side B-01 - Norm 3
Side B-02 - Norm 4
Side B-03 - Norm 5
Side B-04 - Norm 6
Side B-05 - Norm 7

Untitled Nov 1989 (2010) [tape C 40]

Side A-01 - Untitled
Side A-02 - Untitled
Side B-01 - Untitled
Side B-02 - Untitled

9888A (2010) [tape C 44]

Side A-9888A - Part I.
Side B-9888A - Part II.

Graft (2010)

01 - Graft#1
02 - Graft#2

Ouroboros (2010)

01 - Ouroboros

Marmo (2010)

01 - Merzbotanica-Parallela 1
02 - Merzbotanica-Parallela 2
03 - Merzbotanica-Parallela 3

Jigokuhen (2011)

01 - Jigokuhen Part 1
02 - Jigokuhen Part 2

April 1992 (2011)

01 - April 1992 Part 1
02 - April 1992 Part 2

Kamadhenu (2011)

01 - Kamadhenu (Part 1)
02 - Kamadhenu (Part 2)
03 - Churning Of The Cosmic Milk Ocean

Variations for Electric Fan (2011)

01 - Untitled
02 - Untitled

Dead Zone (2011)

01 - The Blade Of Oblivion
02 - The Spirit Indulges In The Sadness
03 - The Wandering Light
04 - China Glass

Surabhi (2011)

01 - Vanamali and Sharavan
02 - Balaram
03 - Yamuna Snan

Lop Lop (2011)

01 - Canaanda
02 - My Voice At The Pace Of Drifting Clouds
03 - EQ
04 - Madoromi
05 - Sujata & Asoka
06 - 2 Guitars

Uzu Me Ku (2012)

01 - Uzume Hikoyuzu
02 - Itsu Akitsu

Kibako (2012)

Disc 1:

01 - Nigatsu Nijuugonichi
02 - Operation Musashi
03 - Askayama Shita Moeru
04 - Kikoezu Mori (0303)

Disc 2:

01 - Lokijikan
02 - Fff
03 - Bbb
04 - Ststst

Takahe Collage (2013)

01 - Takahe Collage
02 - Tendeko
03 - Grand Owl Habitat

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Crank - Soundtrack (2006) AA.VV.

noreply@blogger.com (Divorazione) — Tue, 27 Dec 2011 23:51:00 +0000

Info Film

Chev Chelios è un killer che ha smesso di uccidere per amore della bella Eve. Ma il boss dei duri e cattivi malavitosi della West Coast non ci sta e lo condanna a una morte singolare. Durante il sonno, lo schizzato Ricky Verona inietta a Chev un veleno che arresta il cuore. Per sopravvivere il suo corpo dovrà costantemente rilasciare adrenalina. Far reagire il cuore, creando situazioni di stress, sarà la missione del killer pentito. Lecito e vitale qualsiasi espediente: provocare afroamericani incazzati e armati, guidare in un centro commerciale, scolare Red Bull, cavalcare una moto o possedere la compagna sui marciapiedi di Los Angeles.
Se il cinema commerciale americano è in crisi, Crank, dei debuttanti Mark Neveldine e Brian Taylor, è certamente l'antidoto in grado di rianimare i modelli estetici del cinema d'azione e di cogliere i mutamenti sociali e culturali che l'industria dello spettacolo ha mancato di metabolizzare. L'opera prima e iperattiva degli ex pubblicitari è capace di costruire uno spettacolo di qualità dagli standard altissimi, sperimentando in maniera audace e (decisamente) adrenalinica nuove formule di intrattenimento.
Il sentimentalismo congiunto all'action, l'uso dello split screen depalmiano, il montaggio serrato, la narrazione in tempo reale, il ruolo centrale delle locations (Los Angeles) sono alcuni degli elementi che Crank recupera al cinema passando per la fiction televisiva e attraverso la specificità del mezzo televisivo. Il plot è noto, come pure il "die hard" protagonista: un (anti)eroe ruvido capace di bloccare da solo l'azione di cattivi perfettamente equipaggiati. L'unicità di Crank va cercata piuttosto nella capacità di riciclare stereotipi, battute e ammiccamenti al recentissimo action seriale. Dalle TV-series il film recupera (anche) il tema della morte spinta ai confini del rappresentabile, mutando il rapporto con il corpo fino a renderlo osservabile dall'interno, fino a penetrarlo e a esplorarlo come fosse un universo virtuale.
Jason Statham, il formidabile (ex) tuffatore britannico, è il corpo eroico e vulnerabile di un killer che manda a morte in maniera spettacolare i malvagi di Verona. Girato con un'incredibile senso del ritmo e dei tempi, Crank rinnova l'appeal dell'action nei confronti del pubblico. Nel film il gesto violento, la rivelazione della materialità del corpo euforico (conseguenza dell'abuso di epinefrina) e di quello pornografico (l'amplesso esibito mentre si esibisce), sono visceralmente legati alla necessità di vedere. Detta e mostrata con distacco ironico tutta la violenza, non resta che contare i morti e riesumarli nei titoli di coda.

(Fonte: Mymovies.it)

Info Soundtrack

01 - A Warrior's Death (dialogo)
    02 - Metal Health - Quiet Riot
    03 - Nasal Spray (dialogo)
    04 - Trix Are for Kids - The Crowd
    05 - You Stop, You Die (dialogo)
    06 - Bandera - Control Machete
    07 - Small Children (dialogo)
    08 - New Noise - Refused
    09 - Chinese Sh*t (dialogo)
    10 - China Town - Paul Haslinger
    11 - Hardcore Sh*t (dialogo)
    12 - Kill All The White Man - NOFX
    13 - Vitamin - Incubus
    14 - Dipsy Doodle (dialogo)
    15 - Everybody's Talkin - Harry Nilsson
    16 - Adrenaline Junkie (dialogo)
    17 - Turn Me Loose - Loverboy
    18 - Haitian Cab Ride - Paul Haslinger
    19 - Achy Breaky Heart - Jarrett & Long
    20 - Check List (dialogo)
    21 - Adrenalina - David Rolas
    22 - I Kill People (dialogo)
    23 - Bring Us Bullets - Rocket from the Crypt
    24 - Eve's Machine (dialogo)
    25 - Let's Get It On - Gerald Levert
    26 - Does She Know? - Paul Haslinger
    27 - Stayin' Alive - The Sleeping
    28 - How Much? (dialogo)
    29 - Meva Juan - Roberto Tuscan Feat. Erica Garcia
    30 - Juice Me (dialogo)
    31 - Guasa, Guasa - Tego Calderón
    32 - It's a Miracle (dialogo)
    33 - Miracles - Jefferson Starship

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Pulp Fiction - Soundtrack (1994) AA.VV.

noreply@blogger.com (Divorazione) — Thu, 10 Nov 2011 21:26:00 +0000

Info Film

4 storie di violenza s'intersecano in una struttura apparentemente circolare che va avanti e indietro nel tempo: 1) due balordi (Roth, Plummer) si accingono a fare una rapina in una tavola calda; 2) due sicari (Travolta, Jackson) recuperano una valigetta preziosa, puliscono la loro auto, insozzata dal sangue e dal cervello di un uomo ucciso per sbaglio, con l'aiuto di Mr. Wolf (Keitel), l'uomo che risolve problemi, e vanno a mangiare nella tavola calda della rapina; 3) uno dei due sicari (Travolta) deve portare a ballare Mia (Thurman), moglie del capo (Rhames), ma lei va in overdose; 4) il pugile Butch (Willis) vince un incontro che doveva perdere e scappa con la borsa. Ispirato a quella narrativa popolare di ambiente criminale che, dagli anni '30 e '40, era pubblicata dai pulp magazines, il 2° film di Q. Tarantino (1963) procede sul filo di un'irridente ironia, di un efferato umorismo nero, di una dialettica tra buffonesco e tragico (tra fun e funesto) che mettono azioni, gesti e personaggi come tra parentesi, in corsivo, anche quando, come nel torvo episodio della sodomizzazione, questo film divertente e caustico dai dialoghi irresistibili penetra nell'abominio del male. Vietato in Italia ai minori di 14 anni. Palma d'oro a Cannes e Oscar per la sceneggiatura (Tarantino, Roger Avary).

(Fonte: Mymoves.it)

Info Soundtrack

01 - Pumpkin and Honey Bunny - Tim Roth/Amanda Plummer
    02 - Misirlou - Dick Dale & his Del-Tones
    03 - Royale with Cheese - Samuel L. Jackson/John Travolta
    04 - Jungle Boogie - Kool & the Gang
    05 - Let's Stay Together - Al Green
    06 - Bustin' Surfboards - The Tornadoes
    07 - Lonesome Town - Ricky Nelson
    08 - Son of a Preacher Man - Dusty Springfield
    09 - Zed's Dead, Baby - Bruce Willis/Maria de Medeiros
    10 - Bullwinkle Part II - The Centurians
    11 - Jack Rabbit Slim's Twist Contest - Uma Thurman/John Travolta/Jerome Patrick Hoban
    12 - You Never Can Tell - Chuck Berry
    13 - Girl, You'll Be a Woman Soon - Urge Overkill
    14 - If Love Is a Red Dress - Maria McKee
    15 - Bring Out the Gimp - Peter Greene/Duane Whitaker
    16 - Comanche - The Revels
    17 - Flowers on the Wall - The Statler Brothers
    18 - Personality Goes a Long Way - Samuel L. Jackson/John Travolta
    19 - Surf Rider - The Lively Ones
    20 - Ezekiel 25:17 - Samuel L. Jackson
21 - Since I First Met You - The Robins
    22 - Rumble - Link Wray & his Ray Men
    23 - Strawberry Letter #23 - Brothers Johnson
    24 - Out of Limits - The Marketts

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Clockwork Orange / Arancia Meccanica - Soundtrack (1971) by Wendy Carlos

noreply@blogger.com (Divorazione) — Thu, 10 Nov 2011 00:02:00 +0000

Info Film

Alex è un giovane senza arte né parte, figlio di proletari e dedito a furti, stupri e omicidi. Fa capo a una banda di spostati, denominati drughi. Dopo aver usato violenza alla moglie di uno scrittore finisce in carcere. Viene sottoposto ad angherie ma si fa amico un prete. Pur di essere scarcerato accetta il "trattamento lodovico", che consiste nell'assistere a filmati di violenza. Quando esce scopre che i genitori hanno subaffittato la sua stanza. Senza poter reagire, dovrà subire violenza da alcuni mendicanti vendicativi, dai drughi diventati poliziotti e dallo scrittore che ha perso la moglie e che ora si trova su una sedia a rotelle. Tenta il suicidio e all'ospedale riceve una visita di cortesia da parte del primo ministro. Ambientato nel futuro, ormai alle porte, e tratto da Arancia ad orologeria di Anthony Burgess. Geniale traversata di generi (fantascienza, storico, drammatico, comico, grottesco, orrore), un film che mostra la violenza per esserne un contro-manifesto. Accolto da polemiche e ovazioni al suo apparire, è stato sequestrato per molti anni in Francia, mentre in Gran Bretagna non può essere ancora proposto né al cinema né in videocassetta. L'ambiguità del personaggio era necessaria per mostrare le diverse violenze della medicina, della polizia, della politica e della gente comune. Quando Alex viene guarito, non può gestire le proprie scelte. Diventa docile non per volontà ma per allergia (sente nausea quando cerca di usare violenza, anche se cerca di difendersi). La più grande prova al cinema di Malcolm McDowell che ha ideato alcune scene storiche, tra cui quella dello stupro a tempo di I'm singing in the rain. Le musiche di Beethoven e Rossini rielaborate da Walter Carlos e le immagini grandangolo di John Alcott accrescono l'immersione nell'incubo. Doppiaggio italiano all'altezza dell'originale.

(Fonte: Mymovies.it)

Info Soundtrack

01 - Title Music from a Clockwork Orange - Wendy Carlos
02 - Thieving Magpie/La Gazza Ladra [Abridged]
03 - Theme from a Clockwork Orange (Beethoviana) - Wendy Carlos
04 - Ninth Symphony, Second Movement [Abridged]
05 - March from "A Clockwork Orange" [Ninth Symphony, Fourth Movement, Abr] - Wendy Carlos
06 - William Tell Overture [Abridged] - Wendy Carlos
07 - Pomp and Circumstance March No. 1
08 - Pomp and Circumstance March No. 4 [Abridged]
09 - Timesteps [Excerpt] - Wendy Carlos
10 - Overture to the Sun
11 - I Want to Marry a Lighthouse Keeper - Erika Eigen
12 - William Tell Overture [Abridged]
13 - Suicide Scherzo [Ninth Symphony, Second Movement, Abridged] - Wendy Carlos
14 - Ninth Symphony, Fourth Movement [Abridged]
15 - Singin' in the Rain - Gene Kelly

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