Almas sucias

Miserables Enanos # 1

noreply@blogger.com (Einer) — Thu, 15 Oct 2015 10:30:00 +0000

Después de tantos meses de inactividad tengo el placer de presentaros un proyecto en el que he estado trabajando estos últimos meses junto a mi amigo el Brujo Chiprel.

Sé que llevo mucho tiempo sin publicar nada, pero prácticamente todo el tiempo libre que tenía lo he dedicado a lo que hoy os presentamos, el primer número de Miserables Enanos.

Allá por febrero, creo recordar, porque ha pasado tanto tiempo que ya no tengo del todo claro las fechas, hablando con el Brujo Chiprel se nos ocurrió hacer un fanzine en el que cada número estuviera dedicado en exclusiva a una saga de terror. Era algo muy distinto a lo que el día a día de un blog representa y, sobre todo, era algo que según lo planteábamos era evidente que nos apetecía.

Pensando en las complicaciones que nos podríamos encontrar ante algo totalmente nuevo para ambos, buscamos una saga que fuera relativamente corta, y la elegida fue Evil Dead, la saga creada por Sam Raimi. Si nos decantamos por Posesión infernal en lugar de las otras muchas sagas de terror que existen fue porque aparentemente se trataba sólo de una trilogía más un reboot-remake. Lo que nos encontramos fue mucho más denso de lo esperado y de ahí que el parto haya sido extraordinariamente largo. No os asustéis, aunque el fanzine no tiene una periodicidad fija establecida, yo confío en que el siguiente número no tarde ocho meses. Esto lo digo por si hubiera alguna persona que tras leer el primer número aun tuviera ganas de un segundo.

Confío en que sabréis perdonarnos todos los errores que hayamos podido cometer. Sed benévolos, recordad que es el primer número.

Sin más preámbulo os dejo el enlace para que podáis descargar este primer número dedicado a la saga Evil Dead. Descarga Miserables Enanos # 1

Hemos creado un blog para dar cobijo a este proyecto, donde también podréis descargar este primer número. El acceso al blog lo tenéis en este enlace: http://miserablesenanos.blogspot.com.es/

Por último os dejo el enlace al blog del Brujo Chiprel, donde, por supuesto, también podéis descargar el fanzine.http://elbarcodelosespectros.blogspot.com.es/

Esperamos de todo corazón que os guste. Hay puesto mucho trabajo y mucho cariño en cada página y aunque está mal que yo lo diga, creo que el resultado es bastante bueno teniendo en cuenta que sólo somos unos Miserables Enanos.

Police Story - Segunda parte

noreply@blogger.com (Einer) — Wed, 01 Apr 2015 21:49:00 +0000

Siento haber tardado tanto en ponerme con esta segunda parte pero el trabajo y otros compromisos me han impedido hacerlo antes. Sin embargo, todo llega para el que sabe esperar y hoy, por fin, aclararemos el misterio que se esconde tras las secuelas, secuelas de secuelas y no secuelas de Police Story.

Superpolicía en apuros (Ging chat goo si 2 [Police Story 2], Jackie Chan, 1988)

Tres años después de Police Story llegó la primera secuela, una gran película dirigida de nuevo por Jackie Chan, que sin embargo no consigue igualar el resultado de la primera. Como veis, aquí en España la titularon Superpolicía en apuros, título perfectamente lógico para la secuela de Armas invencibles. En fin, cosas de distribuidores.

Esta secuela mantiene un nivel altísimo, con grandísimas coreografías marciales y espectaculares secuencias de acción. El tono de humor es menor y lo que más juega en su contra es un ritmo un poco irregular, con momentos muy lentos y otros en los que todo se precipita de golpe.

La historia es continuista de la anterior: Chu Tao sale de la cárcel y comienza a acosar a Kevin y a su novia, pero a la vez hay toda una trama nueva en torno a unos terroristas que se dedican a poner bombas en Hong-Kong y que afectará tanto a Kevin como a Chu-Tao.

Police Story 2 intenta ser tan espectacular como la anterior y aunque no lo llega a conseguir porque el listón estaba muy alto, nos deja muchas escenas para el recuerdo: la genial pelea en el parque, el increíble encuentro con el sordomudo (uno de los mejores villanos de la filmografía de Jackie) o la espectacular explosión de la fábrica, que fue rodada al estilo de Hong-Kong, reduciendo a cenizas una fábrica de verdad.

Police Story 2 es una muy digna secuela y una película que es puro entretenimiento.

Supercop (Ging chat goo si 3: Chiu kup ging chat [Police Story 3], Stanley Tong, 1992)

Como suele pasar en la mayoría de las sagas a medida que se alarga la cosa las pelis empiezan a flojear, sin embargo, y a pesar de estar lejos ya de aquel primer Police Story que nos maravilló a todos, debo reconocer que a mí Supercop me gusta bastante. Es una película con muchísima acción y afán de destrucción y además cuenta con Michelle Yeoh repartiendo leña al lado de Jackie Chan. ¡Qué más se puede pedir!

Police Story 3 sigue apostando por la espectacularidad, con buenas peleas y secuencias de acción donde Jackie pone toda la carne en el asador y se juega el tipo para nuestro regocijo, ya sea colgando de la escalera de un helicóptero o luchando en el techo de un tren.

La historia es completamente independiente de las anteriores, así que si la veis sin haber visto las anteriores no pasa nada (aunque os estaríais perdiendo lo mejor) porque ya no tiene nada que ver con la trama de Chu Tao sino que Kevin y Yang (Michelle Yeoh) se enfrentan a unos traficantes de drogas. Vale, es la historia de siempre, pero ya sabéis que el punto flojo de las pelis de Jackie suele ser la historia y aquí la cosa no es diferente.

En cualquier caso, es puro cine de acción y entretiene de principio a fin.

Supercop 2 (Chao ji ji hua [Once a cop], Stanley Tong, 1993)

Esta película también es conocida por los títulos Police Story 3: Supercop 2, Project S, Once a cop o incluso Supercop IV.

El personaje de Michelle Yeoh en la anterior película gustó tanto que decidieron hacer un spin-off suyo. La película se deja ver y está hasta entretenida por momentos, pero desde luego no va a pasar a la historia del cine de acción.

Jackie Chan aparece brevemente disfrazado de mujer en un cameo totalmente fuera de lugar y verdaderamente lamentable, es decir, dos minutos que justifican el visionado de esta película. A pesar de que su participación es un visto y no visto, eso no impide que existan carátulas con su nombre al mismo nivel que el de Michelle Yeoh e incluso con imágenes destacadas de Jackie, sin duda un terrible error que no pretende vendernos algo que no es.

Impacto inminente (Ging chat goo si 4: Ji gaan daan yam mo [Jackie Chan’s first strike], Stanley Tong, 1996)

En 1996 nos llegó la cuarta y última entrega de la saga hasta la fecha y a nivel internacional ya veis que no hay mucha intención en los títulos de relacionarla con las anteriores, con ese título de Jackie Chan’s first strike que no dice nada. En realidad, detrás de esta decisión hay toda una historia de derechos de distribución que no nos interesa demasiado.

Para el que no siga la saga, no notará en ningún momento que esto viene de lejos, ya que lo único que conecta esta cuarta entrega con las anteriores es que Jackie Chan vuelve a interpretar al inspector Chan Ka Kui y que aparece por ahí su tío, Bill Wong, interpretado como siempre por Bill Tung.

Hablando ya de la película, debo decir que tengo sentimientos encontrados. Por un lado disfruto de la película y su «nada visto» argumento: estamos ante una trama de espionaje relacionada con la mafia rusa y con la venta de armas nucleares que nos deja muy buenas escenas de acción —especialmente buenas las escenas en la nieve— y que se mueve por todo el mundo: Hong Kong, Rusia, Ucrania y Australia. Sin embargo, una vez más, un ritmo algo irregular y un humor un tanto infantil lastran el resultado final. Tampoco me gusta demasiado que saquen la historia de Hong Kong, es como si no fuera ya Police Story, aunque lo cierto es que a estas alturas ya poco quedaba del espíritu inicial de la saga.

Aun con sus pequeños defectos es una película muy disfrutable.

New Police Story (San ging chaat goo si, Benny Chang, 2004)

Lo primero que hay que decir es que esta película ya no pertenece a la saga de Police Story, es algo completamente nuevo y Jackie Chan interpreta a otro personaje. Que os quede claro, porque aunque es habitual encontrar información en torno a la saga que la incluye como parte de esta, no lo es. Se podría considerar quizás como un reboot pero no como una continuación más.

New Police Story nace con la intención de ser un producto para todos aquellos a los que no les gusta el humor en las películas de Jackie. Si eres de esos, enhorabuena, esta es tu peli, aquí Jackie no sólo no hace chistes sino que de hecho se pasa casi toda la película llorando. Por una vez tenemos a Jackie interpretando a un personaje profundamente atormentado y el resultado es una película dura y cruda como pocas en su carrera.

Esta nueva Police Story me gusta mucho, me encanta la trama y me parece una película con mucha más acción (no escenas de lucha sino acción) y mucha más violencia de lo habitual en las películas de Jackie.

Además, en New Police Story todo se vuelve a hacer a lo grande: la escena en la que explota la fábrica es brutal, la pelea patrocinada por Lego no tiene desperdicio y hay otras dos escenas, épicas también y donde el grado de destrucción es superlativo, incluyendo cristales por doquier, que recuerdan a dos escenas míticas de la primera Police Story; me refiero a las escenas del autobús y el final en lo alto del Centro de Convenciones donde Jackie termina cayendo de un poste y destrozando unos carteles eléctricos…

Sin duda, una de las mejores películas de Jackie de los últimos años.

Police Story 2013 (Jing cha gu shi 2013, Sheng Ding, 2013)

Esta película, que tampoco pertenece de manera oficial a la saga Police Story, sino que nuevamente vuelve a utilizar el nombre pero sin nada más en común con las anteriores, obtuvo un gran éxito comercial en China a pesar de ser bastante extraña y alejarse mucho de lo que nos tenían acostumbrados en la saga, optando por hacer algo más cercano a lo que sería un thriller policial.

El principal problema que le encuentro es que como thriller no es demasiado bueno. Yo no conseguí meterme en ningún momento en la película, la historia no me parecía interesante y había algunas cosas demasiado cogidas por los pelos. Tampoco me impresionaron demasiado las escenas de acción, así que en conjunto, una película decepcionante.

Y esto es lo que ha dado de sí una de las sagas de acción made in Hong Kong que más influencia ha tenido en el cine de acción de Occidente.

Police Story - Primera parte

noreply@blogger.com (Einer) — Sun, 23 Nov 2014 19:28:00 +0000

Para mi regreso de la tumba a la que me mandó Jason Voorhees he decidido revisitar una saga de gran nivel: Police story, el vehículo que dio fama internacional a Jackie Chan.

Para poneros en situación, en 1975, Jackie Chan, cansado de intentar triunfar en el cine sin conseguirlo —había participado incluso en una película erótica en su desesperación por hacerse un hueco en la industria—, se fue a Australia, donde sus padres trabajaban como cocineros. Con muy pocas esperanzas ya de triunfar en el cine, sobrevivía como limpiacristales, cuando recibió una llamada que le cambió la vida. Era Willie Chan, un productor y cazatalentos de Hong Kong que creía que Jackie estaba desaprovechado. Le dijo que juntos harían grandes cosas y le convenció para que volviera a Hong Kong.

Poco a poco Willie Chan consiguió que Jackie se fuera haciendo un nombre en el cine de Hong Kong, pero no fue hasta 3 años después, en 1978, cuando le llegó el primer gran éxito: La serpiente a la sombra del águila (Se ying diu sau), que inauguraba lo que podemos llamar el kung-fu cómico y que rompía con lo que se estaba haciendo hasta ese momento en Hong Kong, muy en la línea continuista de lo que había sido Bruce Lee. La película recaudó 2.000.000 $HK, suponiendo todo un éxito de taquilla para Jackie.

Ese mismo año llegó un segundo pelotazo, El mono borracho en el ojo del tigre (Jui kuen), que recaudó tres veces más que la anterior. En apenas unos meses, Jackie se había convertido en toda una estrella en Hong Kong.

Willie Chan inició entonces una estrategia para convertir a Jackie en una estrella internacional tratando de conquistar el mercado norteamericano como ya intentó Bruce Lee en su momento. Jackie siguió haciendo películas en Hong Kong que aumentaban su leyenda allí, como Hiena salvaje (Xiao quan guai zhao, Jackie Chan & Kenneth Tsang, 1980), El chino (Shi di chu ma, Jackie Chan, 1980) o Los piratas de los mares de China (A' gai wak, Jackie Chan & Sammo Hung, 1983), pero al mismo tiempo trataba de abrirse un hueco en el mercado americano, primero participando en La furia de Chicago (The big brawl, Robert Clouse, 1980), un soberano fracaso de taquilla, y después con unas intervenciones casi testimoniales en las películas de la saga Cannonball con Burt Reynolds, donde no tenía ni diálogos.

También realizaron algún trabajo en Europa, donde rodaron la estupenda Los supercamorristas (Kuai can che, Sammo Hung, 1984) en Barcelona, pero ninguno de estos trabajos consiguió lanzar la carrera internacional de Jackie.

En 1985 hacen un nuevo intento de triunfar en Hollywood. La Golden Harvest contrata a James Glickenhaus, director de la mítica El exterminador (The exterminator, 1980) para que se ocupe de una nueva película que se estrenará a ambos lados del Pacífico: El protector (The protector). Jackie, que ya tiene la mala experiencia de La furia de Chicago, donde tuvo que adaptarse a las exigencias de Robert Clouse, tiene claro que esta vez deben darle más libertad para poder explotar sus habilidades. James Glickenhaus, en cambio, quiere hacer una película de acción más convencional. Ambos chocan desde el principio y las discusiones son constantes durante el rodaje. Finalmente se impone el criterio de Glickenhaus, que hace una película de acción más tradicional, alejada de las pretensiones de Jackie y más centrada en tiroteos y peleas simples que en grandes coreografías marciales. La película es un completo fracaso en Estados Unidos. Jackie, totalmente descontento con el resultado, decide retocar la película: rueda un nuevo final, suprime los desnudos gratuitos, rebaja el gore, vuelve a rodar las coreografías marciales, añade nuevas escenas de lucha y nuevos diálogos... En definitiva, hace una peli nueva que funciona bien en el mercado asiático.

Muy enfadado con la aventura americana, tanto por el fracaso de La furia de Chicago como por todo lo ocurrido con El protector, Jackie decide rodar una nueva película de acción policial en Hong Kong, donde tendrá el control total de la producción y podrá hacer las cosas a su manera. Nombre provisional del proyecto: Police Story.

Armas invencibles (Ging chat goo si [Police Story I], Jackie Chan, 1985)

Como ya hemos visto muchas veces, los distribuidores españoles disfrutan cambiando los nombres a las películas, haciendo que cueste un huevo seguir algunas sagas cinematográficas. En esta ocasión decidieron traducir Police Story I como Armas invencibles, con dos cojones, pero ya veréis que a lo largo de la saga, seguirá el vacile con los títulos.

Y todo este rollo que os he soltado hasta ahora, era para llegar a este punto y decir que Police Story es un peliculón mítico, no sólo por ser la película que le dio fama internacional a Jackie Chan sino porque posee algunas de las escenas de acción más impresionantes de la historia del cine.

La forma en la que fue concebida esta película hace que su punto débil sea una historia un pelín tópica. Habitualmente se escribe un guion en el que se han de incorporar las secuencias de acción en determinados momentos, pero aquí se hizo al revés. Jackie Chan tenía unas escenas en mente y le dijo al guionista Edward Tang que creara una historia que le permitiera incorporar todas esas secuencias, y a Tang, lo único que se le ocurrió, es una trama policial que si en los 80 ya no resultaba nada original, imaginaros ahora.

Aun así, es un defecto menor dentro de una auténtica obra maestra.

La película empieza por todo lo alto, con una redada policial en un poblado chabolista que pretende dar caza a Chu Tao, un capo de la droga. Atentos, por favor, a este detalle: el capo de la droga se llama Chu Tao. Ahí lo dejo.

Bromas aparte, en Police Story estamos ante una auténtica superproducción. Para que os hagáis una idea de la magnitud de lo que estamos hablando, este poblado chabolista en el que tiene lugar la redada, ocupa la ladera entera de una montaña, fue construido ex profeso para la película y es completamente arrasado tras un delirio de tiros, persecuciones y explosiones. ¡Y llevamos diez minutos de película!

La redada no sale todo lo bien que se podía esperar y Chu Tao y su banda se escapan, primero en coche y luego en bus, porque trafican con droga pero cuidan el medio ambiente. El único capaz de detenerlos es nuestro policía favorito, que según veáis la versión española o la internacional, se tratará de Kevin Chan o Chan Ka Kui.

El caso es que Jackie Chan haciendo un despliegue de recursos entre los que se incluye correr a toda velocidad de esa forma rara que corre él y subirse a un autobús en marcha con la ayuda de un paraguas, conseguirá parar el autobús (y el hostiazo de los tres que salen volando es real) y detener a Chu Tao, convirtiéndose en la nueva imagen del cuerpo de policía de Hong Kong.

Desde ese momento Ka Kui tendrá que proteger a una testigo hasta que se celebre el juicio a Chu Tao, en el que veremos que la justicia es una mierda en todas partes. Chu Tao quedará libre y a partir de ese momento la trama nos llevará continuamente a situaciones en las que Ka Kui tendrá que jugarse la vida por proteger a la testigo y a sí mismo.

Finalmente, y gracias a un guion cojonudo, como si esto se tratara de El mundo está loco, loco, loco…, todos los personajes de la película se dirigirán a un centro comercial donde tendrá lugar un imponente desenlace en el que Ka Kui luchará contra toda una banda de criminales, con las lógicas y dolorosas toñas en las escaleras mecánicas y la aparición de un inesperado y cortante protagonista: el cristal.

Antes os comentaba que Police Story era un nombre provisional, pero como podéis comprobar, acabó siendo el nombre definitivo de la película. Lo cierto es que Jackie había alcanzado un nivel de fama tan alto en Hong Kong que cada vez que anunciaba un proyecto, rápidamente surgían copias, así que para que nadie pudiera copiar el proyecto pusieron un nombre que sugería muy poco, simplemente que se trataba de una historia policial de artes marciales, algo que nunca se había hecho, así que nadie sabía qué copiar. Pues bien, el final en el centro comercial tiene tanto cristal, que el equipo empezó a llamar a la película Glass Story. Y por si no lo sabéis, Jackie usó un cristal el doble de grueso del que usan en Hollywood, lo que lo hace más realista pero también más cortante y peligroso.

Y por si todo esto fuera poco, la apoteosis final en el centro comercial pondrá la guinda al pastel con uno de los stunts más increíbles, difíciles y espectaculares de la historia del cine: Jackie saltará a un poste cubierto de luces y bajará deslizándose por él unos cinco pisos para ir a caer en un cobertizo, obviamente de cristal.

Este stunt es repetido varias veces desde distintos ángulos, ya que con lo espectacular que es y lo que costó hacerlo hay que sacarle todo el partido posible.

Sé que contado no es ni una milésima parte de espectacular que visto, pero si os digo que Jackie estuvo a punto de romperse dos vértebras rodando esta escena, que se dislocó la pelvis y que cuando llegó abajo tenía quemaduras de segundo grado porque las bombillas que rodeaban el poste estaban conectadas a la corriente en vez de a un generador de baja potencia y lo habían calentado al rojo vivo sin que nadie lo supiera, os podréis hacer una idea de lo arriesgado y brutal que fue este stunt.

Sé que os he destripado la película entera, pero hacedme caso, es una película que merece la pena ver una y otra vez por las espectaculares escenas que diseñó el equipo de Jackie, independientemente de que conozcamos o no la historia.

Y por si esto fuera poco, un último detalle: Police Story es la primera película en la que Jackie incluye sus famosas tomas falsas y anécdotas del rodaje al final, algo que decidió hacer tras verlo en la película Los locos del Cannonball en la que os comentaba que participó de manera casi testimonial. Así que démosle las gracias a Burt Reynolds por este detalle.

Una vez más, como ha quedado un texto larguísimo, haré una segunda parte donde hablaré de las secuelas y no secuelas de Police Story, que no son pocas.

Acampando en Crystal Lake - Tercera parte

noreply@blogger.com (Einer) — Sun, 15 Jun 2014 03:33:00 +0000

Viernes 13: el final. Jason se va al infierno (Jason goes to hell, Adam Marcus, 1993)

Ocho películas de Jason agotan a cualquiera y tras el fracaso del megatruño de Jason toma Manhattan, Paramount decidió que había llegado el momento de vender los derechos de la franquicia. La New Line Cinema, que ya poseía los derechos de Freddy Krueger, fue la que se hizo con ellos, en una maniobra que iba destinada a enfrentar a Jason contra Freddy.

Pero Wes Craven apareció por ahí dispuesto a reiniciar la franquicia de Freddy con La nueva pesadilla (Wes Craven’s New Nightmare, Wes Craven, 1994), así que mientras tanto, para pasar el rato, Sean Cunningham decidió hacer otra de Jason.

Siguiendo la fórmula de Jason toma Manhattan, ¿adivináis a dónde no irá Jason en Jason va al infierno? En realidad sí que va, pero ya al final y de mala manera, como en Jason toma Manhattan. Por cierto, en España la llamaron Viernes 13: el final, pero evidentemente esto no iba a ser el final de nada.

Jason va al infierno es una vuelta de tuerca estupenda a la saga, ya que Jason muere en la primera escena y todo lo que pasa después es distinto a lo que ya hemos visto en las anteriores entregas. A pesar de recibir durísimas críticas, esta peli me parece bastante buena. El comienzo es cojonudo, la escena de la morgue mola un huevo, los efectos de KNB están muy bien, especialmente el del policía que se deshace, y hasta los detalles más absurdos como lo del Necronomicón, me gustan. Y no me quiero olvidar de la escena en la cafetería, con la camarera en plan Terminator, y «Jason» dejando momentos épicos, como el tío al que le mete la cabeza en la freidora o la gorda a la que le hunde el codo en la cara.

Esta entrega tiene además uno de mis asesinatos favoritos, que es el de la tía que es partida en dos en la tienda de campaña. La escena realmente no pinta nada en la peli y está metidísima con calzador ya que se incluyó porque en los test la gente echaba de menos algunos elementos tradicionales, pero aunque sea un pegote, el asesinato me encanta.

Tenéis además una versión sin censurar disponible, lo que hace que la experiencia sea aún mejor. Sé que esta película es muy odiada porque se atrevió a cambiar la fórmula, pero a mí me parece bastante buena.

Y al final, sale la mano de Freddy para llevarse la máscara de Jason. Seguro que esto quiere decir algo.

Jason X (Jason X, James Isaac, 2001)

Como lo de Jason contra Freddy seguía sin materializarse, alguien decidió hacer otra peli de Jason más para seguir pasando el rato y cuando digo pasar el rato quiero decir hacer caja. Y así llegó la décima entrega, Jason X, tan jodidamente mala, tan increíblemente delirante, que se trata, sin lugar a dudas, de una absoluta obra maestra.

Jason está encerrado en el Centro de Criogenización de Crystal Lake. Sí, efectivamente, Crystal Lake es el epicentro económico de Estados Unidos y todas las industrias quieren estar allí. El caso es que como no han podido matar a Jason de ninguna manera, deciden congelarlo. Cómo lo han detenido es un misterio sin resolver, pero Jason está encadenado esperando el fatal suceso. Aparece David Cronenberg y es inevitable pensar que algo bueno va a pasar, sin embargo, luego te das cuenta de que Cronenberg no dirige, sólo es un extra, así que Jason se escapa de manera inexplicable matando a todo ser viviente que se cruza en su camino, David Cronenberg incluido. Finalmente una chica lo congela convirtiéndose ella misma en polo de chocolate. Y aquí vamos por el minuto 5 o así.

450 años después una nave espacial llega a la desolada Tierra, un planeta inhabitable, y aterrizan en Crystal Lake. ¡Qué casualidad! la Tierra da asquito verla, pero ¿adivináis que es lo único que ha sobrevivido? ¡El Centro de Criogenización de Crystal Lake! Encuentran a Jason y la chica congelados y los suben a su nave para reanimarlos y ya os imagináis que la cosa no acaba bien. La nave está plagada de estudiantes que sólo piensan en follar y ya sabéis lo que opina Jason del folleteo, así que la sangre no se hace esperar y el gore no escasea precisamente.

La peli está plagada de humor, porque esto ya no hay quien se lo tome en serio. Frases como la de «Jason tiene el cerebro muy pequeño… pero debe tener la polla como un toro», hacen que el espectador se lo pase teta con el espectáculo.

Los momentos cachondos se suceden, hasta que llegamos al clímax, el momento en el que un ciborg que quiere tener pezones acribilla a Jason. Entonces, la nanotecnología del futuro intenta recomponer el cadáver desecho, pero como faltan un montón de trozos se ponen a improvisar. Este es el momento sublime de la película, ya que estos nanorobots le reconstruyen hasta la ropa y la máscara a Jason, creando un Jason mucho mejor que es conocido como el Über-Jason, un engendro que mola un huevo y que sólo podría existir en un delirio como es esta peli.

Por si fuera poco, esta peli tiene otro de mis asesinatos favoritos de toda la saga, el de la chica a la que Jason le mete la cara en nitrógeno líquido para luego espachurrarla contra la mesa. Y aunque hayan pasado 450 años y la Tierra ya no exista, Jason volverá a matar en Crystal Lake a unas campistas cachondas en otra escena cojonuda.

Una peli sublime que sabe reírse de sí misma y de una saga que a estas alturas estaba ya sobadísima.

Freddy contra Jason (Freddy vs. Jason, Ronny Yu, 2003)

¡Por fin! ¡Por fin llegó! Desde 1988 tocando los cojones con una peli que muchos creíamos que al final no llegaría nunca. Quince años de especulaciones, de rumores, de amagos, de gastarse dinero a lo tonto en guiones que luego no llegaban a rodarse, pero por fin en 2003 pudimos ver cómo Jason y Freddy se enfrentaban en el cine. Y el momento fue glorioso.

El elegido para dirigir este gran acontecimiento fue Ronny Yu, que ya había revitalizado la saga de El muñeco diabólico en la divertida La novia de Chucky (Bride of Chucky, 1998), y lo que nos ofrecieron fue una película ochentera al máximo, divertida, con chistes malos, con tetas sin venir a cuento, con muertos por doquier y litros y litros de sangre.

El presupuesto de 25 millones de dólares se tradujo en un peliculón que batió todos los récords de ambas franquicias recaudando sólo en cines casi 115 millones de dólares a nivel mundial.

Freddy volvía a estar interpretado de manera memorable por Robert Englund y a Jason lo interpreta Ken Kirzinger, lo que valió a la productora no pocas críticas ya que la gente esperaba que para ese momento histórico el elegido fuera Kane Hodder.

Chorradas aparte, la peli es cojonuda, con Freddy volviendo del infierno, con poder para matar y poseer, con la grandísima escena de Jason en la rave dándolo todo, con Freddy y Jason quitándose víctimas el uno al otro y con un enfrentamiento final entre ambos que ocupa casi un tercio de la película.

Y un final épico con sorpresa y todo. Fueron quince años de espera pero valió la pena.

Viernes 13 (Friday the 13th, Marcus Nispel, 2009)

A día de hoy sigo sin saber qué es esto. La productora, Planitum Dunes, dice que es una reimaginación (me descojono), los guionistas dicen que es una nueva secuela que se sitúa entre la 3 y la 4 (cosa que no es cierta), y también he oído que es un reboot de las 3 primeras pelis (cosa que me cuadra más).

Buscadle el nombre que queráis, pero esta es la fórmula que se les ocurrió para seguir explotando la gallina de los huevos de oro después de 11 películas de Jason, y por imposible que parezca, también me gustó.

Lo primero que hacen es reconstruirnos la muerte de Pamela Voorhees añadiendo un nuevo y jugoso detalle: Jason no se ahogó, estaba entre los setos viendo cómo decapitaban a mamá. ¡Venga, coño! Este rico trauma es el que desencadena que Jason se líe la manta a la cabeza, literalmente hablando, ya que sustituyen el saco de arpillera de la 2 por unas vendas que me recordaban a Karra Elejalde en Los cronocrímenes (Nacho Vigalondo, 2007), y se líe a matar adolescentes, con otro rico detalle que a mí no me termina de gustar, y es que Jason tiene una guarida de túneles excavados bajo tierra, cosa que me parece impropia del personaje, lo que deriva en el hecho absurdo de que no mate a Amanda Righetti sino que la mantenga encadenada sin que sepamos para qué.

Pero como digo, la película me gusta y me gusta porque como slasher me parece muy entretenido y porque tiene un buen puñado de asesinatos. Desde el tío del principio que pisa el cepo, a la brutal muerte de Trent o el magnífico asesinato de la chica que es colgada dentro del saco de dormir y quemada viva en la fogata.

Y además, esta película lleva el concepto del «gilipollas» a una nueva dimensión. El «gilipollas» es ese personaje de los slashers que desde que aparece en pantalla estás deseando que lo maten. Pues aquí hay un buen puñado de gilipollas. Y otra cosa interesante es que hay unas cuantas tías buenas y una buena dosis de desnudos gratuitos, lo que automáticamente hace que un slasher mejore.

En definitiva, este remake reimagination reboot o lo que mierdas sea es un buen fin de fiesta para una saga que os aseguro que volverá.

Y hasta aquí este repaso a una de las sagas más simples y rentables de la historia.

Acampando en Crystal Lake - Segunda parte

noreply@blogger.com (Einer) — Sun, 18 May 2014 15:52:00 +0000

Viernes 13 V (Friday the 13th: A new beginning, Danny Steinmann, 1985)

Al final de la cuarta parte os planteé una pregunta: ¿Cómo seguirían la saga si Jason había muerto? Pues he aquí la infame quinta parte, también conocida como la peli de Jason sin Jason. Efectivamente, hicieron una peli sin Jason y se quedaron tan anchos.

Que llegaran a este guion me parece muy sorprendente porque se habían barajado varias opciones, desde una recuperación del personaje de Ginny, la final girl de la segunda parte, ambientada en un psiquiátrico, una idea que ya se barajó para otras secuelas, a lo que parecía más obvio, que era tirar del final abierto de la cuarta parte y hacer que Tommy Jarvis fuera el nuevo Jason. Sin embargo, optaron por hacer algo diferente, un poco tramposo y si me apuráis hasta absurdo: decidieron usar un imitador de Jason. Lo absurdo es que desde que aparece en pantalla sabes quién es el asesino y a pesar de ello, todavía intentan venderte la moto de que es Tommy Jarvis.

Por si fuera poco, la MPAA seguía en su línea de ir a machete a por Viernes 13, así que de nuevo se cebaron con ella. Ninguno de los asesinatos se ve de manera explícita en pantalla, pero eso sí, tenemos unos cuantos momentos de tetas sin venir a cuento, cosa que se agradece.

A pesar de que Jason no es Jason, de que los asesinatos están censurados y de que al asesino de verdad le falta un chapita que ponga «El asesino soy yo» para hacerlo aún más evidente, la película me gusta, más que nada porque como slasher es efectivo y tiene algunos asesinatos bastante chulos, como el de Debbie Sue Voorhees con las tijeras de podar, el de su novio que muere en el «garrote vil», el negro que es asesinado mientras está giñando o la idiota que está bailando (al nivel de Crispin Glover) mientras escucha His eyes de Pseudo Echo, que tiene una letra muy apropiada para lo que está pasando ya que dice Hay un hombre sin vida en sus ojos mientras el supuesto Jason está en la habitación.

Esta chica debía haber tenido una muerte histórica ya que en una idea inicial Jason le iba a meter el machete por la vagina, pero el director y los productores tenían tan claro que la MPAA no lo iba a permitir que lo desestimaron. Me cachis…

La final girl, Melanie Kinnamann, a mí me encanta. Muy en la línea de Ginny (Amy Steel), con motosierra incluida y todo. Y el final en el hospital sólo deja una posibilidad para continuar, que esta vez sí, Tommy Jarvis se convierta en el nuevo Jason, pero afortunadamente a alguien se le iluminó la bombilla y la sexta entrega marca un hito en la saga, ya que por primera vez tendremos un Jason sobrenatural.

Vienes 13 VI: Jason vive (Friday the 13th Part 6: Jason Lives, Tom McLoughlin, 1986)

Tommy Jarvis viaja con un amigo al cementerio donde está enterrado Jason con una idea muy sana en la cabeza: va a desenterrar el cadáver de Jason (lógico); en un ataque de ira arrancará un barrote de la verja del cementerio y se lo clavará a Jason varias veces en el pecho mientras le dice cuatro cosas bien dichas (hasta aquí todo normal); y finalmente, en plena tormenta, le va a prender fuego (esto igual sí que es para preocuparse un poco). En estas está cuando un rayo cae sobre el barrote que tiene el pobre Jason clavado en el pecho y si algo nos enseñó el doctor Frankenstein es que la electricidad resucita a los muertos, así que ¡sorpresa, Jason vive! Jason se levanta de la tumba y tras arrancarle el corazón al amigo de Tommy, decide que ha llegado el momento de volver a Crystal Lake. Tommy escapa. De momento.

Este gran comienzo que se pasa por el forro los sucesos de la anterior entrega viene rematado por una espectacular secuencia de créditos en la que Jason suelta un machetazo al más puro estilo James Bond, lo que nos deja claro desde el primer momento que aquí va a haber mucho humor.

Se agradecen estas notas de humor en una saga que mostraba ya síntomas de agotamiento, pero lamentablemente, la mayoría de los chistes no me hacen demasiada gracia. Aun así la película me gusta mucho ya que tiene asesinatos muy logrados, como la decapitación triple o la muerte del sheriff al que Jason parte en dos.

Además, el final, de nuevo en el lago, con Jason atado al fondo y la hélice reventándole la cabeza, es estupendo. Una de las mejores de la saga.

Vienes 13 VII: Sangre nueva (Friday the 13th Part VII: The new blood, John Carl Buechler, 1988)

La famosa Jason contra Carrie, una gran película que destrozaron entre la MPAA y los productores.

El experto en efectos especiales John Carl Buechler se hizo cargo de la dirección y tuvo la genial idea de enfrentar a Jason a una final girl que fuera lo suficientemente fuerte no sólo para sobrevivir a Jason sino para enfrentarse a él. Para ello y dado que ahora Jason es un ser sobrenatural, le dio al personaje poderes telequinésicos, lo que nos hace pensar en Carrie irremediablemente.

El gran Kane Hodder, que ya había trabajado anteriormente con Buechler, interpretó a Jason en una película llena de escenas de riesgo, lo que le valió para ser el primer actor que repetía interpretación y para ser el Jason más recordado y querido por los fans.

La película no puede estar más trabajada. El diseño de Jason es sin lugar a dudas el mejor de la saga, con los detalles de la columna y la mandíbula al aire y el aspecto podrido de Jason cuando se quita la máscara. Que Tina no pueda controlar sus poderes a voluntad hasta el final, cuando tiene que enfrentarse a Jason, es otro acierto. Y el diseño de los asesinatos es magnífico, incluyendo el que para mí, y me consta que para un buen grupo de fans, es el mejor asesinato de toda la saga: el del saco de dormir.

Si digo que la película la destrozaron es porque la MPAA, empeñada en cebarse con Viernes 13, censuró todos los asesinatos, dando la sensación de ser una película mucho menos gore de lo que debería haber sido. Ya no es que los asesinatos no se vean, es que incluso los que se ven, han sido recortados de manera brutal. Por ejemplo, en el asesinato del saco de dormir, originalmente Jason golpeaba el saco seis veces contra un árbol, pero en la película lo dejaron en una.

Otra decisión que lastra la película es el final. Al comienzo de la película, una joven Tina mata sin querer a su padre en el lago con sus poderes. La idea de Buechler para el final era que Tina resucitara a su padre muerto con sus poderes y este, hecho un zombi podrido y sin ojos después de 10 años en el agua, se llevara a Jason. No es un final que me apasione pero desde luego hubiera quedado mucho mejor que el final que Barbara Sachs, productora de la película, les obligó a meter, mucho más suavizado, tan sólo con un poco de maquillaje sobre el padre de Tina, que al final deja la absurda sensación de que el padre ha resucitado tal y como estaba, cosa que no tiene ningún sentido.

Aun con estos problemas es una de mis favoritas de toda la saga.

Viernes 13 VIII: Jason toma Manhattan (Friday the 13th Part VIII: Jason takes Manhattan, Rob Hedden, 1989)

En realidad esta película debería haberse titulado Jason coge un barco y ya si eso al final os enseñaremos un callejón de Manhattan y las alcantarillas.

Sin lugar a dudas estamos ante la peor de la saga, aburrida y poco original.

Aquí los chavales que van a morir, cogen un transatlántico para hacer la ruta Crystal Lake – Manhattan. Raro, raro, raro. En teoría no sé sabe dónde está Crystal Lake pero si prestáis mucha atención a la tercera entrega es posible que descubráis que está en New Jersey, lo que hace el viaje aún más raro. Es que en la misteriosa ruta Crystal Lake - New York, tendremos incluso planos del barco azotado por una feroz tormenta en el Atlántico Norte. Como veis la demencia campa a sus anchas.

El problema de esta película es que Paramount no invirtió el dinero que debía. El presupuesto era el más alto de la saga hasta el momento, 5 millones de dólares, pero era un presupuesto cortísimo para lo que tenía en mente Rob Hedden, guionista de la película, que quería que Jason estuviera ya en Nueva York al final del primer acto y rodar varias escenas en los lugares más emblemáticos de la ciudad.

Poco a poco se fue cayendo todo y se fue alargando el viaje en barco, con lo que al final tenemos un aburrido viaje de más de una hora y una parte precipitada en una supuesta Manhattan rodada en Vancouver.

No merece la pena decir demasiado, la parte del barco es tediosa y los asesinatos no son nada originales. Ya en Nueva York hay alguna cosa chula, como la escena en la cafetería o la descojonante escena en la que Jason rompe el radiocasette de unos chavales. Y poco más. Jensen Daggett es de lo poquito que salvo del film; el final en las alcantarillas no está mal a pesar de no tener sentido ninguno y uno de los alicientes de este tipo de pelis, que es el índice de tetas sin venir a cuento, es preocupantemente bajo.

La película fue un fracaso y tras ella, los derechos volvieron a Sean Cunningham, que lejos de recuperar el pulso de las primeras entregas iba a llevar la saga a un nivel de delirio superlativo. Pero eso os lo contaré en la tercera y última entrega de este especial Viernes 13.

Acampando en Crystal Lake - Primera parte

noreply@blogger.com (Einer) — Mon, 28 Apr 2014 09:36:00 +0000

En los próximos artículos voy a hacer un repaso de la saga Viernes 13, de la que soy gran seguidor. El slasher es un género que me gusta mucho ya que, por lo general, consigue dejarme satisfecho con muy poco, así que descubriréis que me gustan absolutamente todas las películas de esta saga a pesar de los esfuerzos que hacen en algunas por conseguir todo lo contrario. Por cierto, es posible que las destripe un poco así que si no las habéis visto y tenéis intención de hacerlo, tal vez no deberías leer esto.

Viernes 13 (Friday the 13th, Sean S. Cunningham, 1980)

Creo que ya he comentado alguna vez que los pilares básicos del slasher son La noche de Halloween (Halloween, John Carpenter, 1978) y Viernes 13 (Friday the 13th, Sean S. Cunningham, 1980). En realidad, no es que fueran las primeras ni mucho menos, ya que si uno se pone a escarbar salen muchísimas más, pero lo verdaderamente importante es que tanto Halloween como Viernes 13 fueron dos exitazos de taquilla, lo que dio el pistoletazo de salida a la fiebre del slasher que vino después.

Sean Cunningham, tras ver el éxito que había tenido Halloween, decidió rodar una película de terror. Su única experiencia en el género había tenido lugar ocho años antes, cuando produjo La última casa a la izquierda (Last house on the left) de Wes Craven y lo único que tenía ahora era un título que se le había ocurrido y que le gustaba: Friday the 13th (Viernes 13). Tras hablar con Steve Miner, decidieron publicar un anuncio en el periódico para asegurarse de que no existía ya ese título y de que no se lo quitaba nadie (la famosa táctica de Si no nos denuncian tiramos para adelante). No sólo no les denunciaron sino que el anuncio levantó gran expectación y atrajo de paso algo de financiación. Cunningham habló entonces con Victor Miller y le pidió que escribiera el guion de una peli de terror con ese título y, como Miller no tenía ni idea de cine de terror, se fue al cine a ver Halloween y la copio de arriba abajo.

El guion de Miller tiene más agujeros que la mansión Playboy, pero la película fue un exitazo por varios motivos: en primer lugar, el guion era como una versión más simple y efectiva de Halloween; se incorporaron los efectos especiales de Tom Savini con lo que la película era mucho más sangrienta y espectacular; la banda sonora de Harry Manfredini era todo un acierto ya que contribuía enormemente a crear el suspense y finalmente, la irrupción de Paramount en el proyecto publicitando la película de manera bestial, hizo que Viernes 13 resultara increíblemente rentable.

El sorpresivo (y tramposo) final al más puro estilo giallo, en el que descubrimos que la asesina es Pamela Voorhees, es memorable, a pesar de que a lo largo de la película es más que evidente que el asesino es un hombre. Y el final final con Jason saliendo del agua es uno de esos momentos icónicos de la historia del cine.

En cuanto a los asesinatos hay dos que me privan: el de Kevin Bacon siendo atravesado por la flecha en la cama y el de la chica en el baño que se come el hachazo en toda la cara. ¡Que me aspen si no es la actuación más absurda de la historia del cine!

En definitiva, una gran película que en mi opinión se vio superada por alguna de las secuelas.

Viernes 13 2ª Parte (Friday the 13th Part 2, Steve Miner, 1981)

Con lo rentable que había sido la primera parte y el estallido de la fiebre del slasher, Paramount quiso sacar una secuela casi de inmediato. El problema era que el asesino estaba muerto, así que Sean Cunningham, Tom Savini y otros integrantes de la primera parte no quisieron participar en el proyecto, por lo que mucha gente de la primera fue ascendida.

Steve Miner pasó a ser el director y Ron Kurz se encontró con el marrón de tener que idear una forma de continuar la saga. La idea de Kurz fue desarrollar el personaje de Jason, el hijo de Pamela que todos creíamos que se había ahogado en el lago con 11 años. ¿No se ahogó? ¿Cómo encaja eso con la primera? ¿Ha resucitado? Estas preguntas nunca fueron resueltas en ninguna de las secuelas, aunque en el remake (o lo que fuera) de 2009 tratan de darle explicación, pero ya hablaremos de eso en su debido momento.

El caso es que la peli es más de lo mismo, como lo serán también las siguientes dos entregas. Las muertes son originales y el reparto más interesante, con un paralítico al que Jason (Warrington Gillete) destroza sin piedad de un machetazo en la cara y que se va rodando escaleras abajo, y una final girl (Amy Steel) que para mí es la mejor final girl de toda la saga. El problema es que la película fue censurada por la MPAA y el gore escasea con respecto a la primera y en algunas escenas los cortes se hacen evidentes, como el asesinato de la pareja que es atravesada por una lanza en la cama, por cierto, copia u homenaje a Bahía de sangre (Reazione a catena, Mario Bava, 1971). Que cada uno lo interprete como quiera.

El desenlace final en la guarida de Jason me encanta y me gusta cómo se defiende Amy Steel a pesar de que Jason queda un poco caricaturesco por momentos. Lo más criticado de esta secuela es que Jason, con un saco de arpillera cubriéndole la cabeza, no resulta especialmente carismático, pero he de decir que a mí sí me gusta.

Por cierto, Paul (John Furey) muere, aunque no lo vemos ni se hace ninguna referencia al tema, pero os aseguro que está bien muerto.

Viernes 13 III 3D (Friday the 13th Part III 3D, Steve Miner, 1982)

¿Y cómo sabemos que Paul ha cascado? Pues gracias a la 3, que comienza con un esclarecedor telediario. El body count de la 2 asciende a 9 cadáveres sin contar a Paul, de los cuales uno corresponde a Adrienne King, la superviviente de la primera entrega que muere al comienzo en su casa y otro corresponde al policía que es asesinado en la guarida de Jason. En las noticias dicen que han aparecido 8 cadáveres en el campamento (con lo cual ya sabemos que Paul ha muerto, si no serían 7) y además se dice que la única superviviente es Ginny (Amy Steel). En otras palabras, en la saga Viernes 13 los fallos de guion se resuelven sobre la marcha, según se va pudiendo.

Esta tercera parte llegó en otra de esas fiebres pasajeras del 3D, lo que obligó a centrarse mucho en aspectos técnicos, dejando un poco de lado el resto, así que mejor que no os toméis las actuaciones y el guion muy en serio. Evidentemente esta entrega tiene muchas escenas diseñadas expresamente para el 3D, así que a mí me resultó interesante verla así a pesar de que es algo que no me llama mucho la atención. Aparte de las tonterías como el yoyó, las palomitas o los palos que van hacia la cámara, tiene algunas escenas chulas como el ojo que salta a la cámara o el arpón que atraviesa a la chica en el ojo.

En esta ocasión Jason está interpretado por Richard Brooker, de quien he de decir que es mi Jason favorito, por delante incluso de Kane Hodder. Brooker, que tiene un aspecto mucho más impresionante que Warrington Gillete, decidió no correr, así que Jason por primera vez parece una máquina de matar implacable de la que no puedes escapar.

Recordemos que Jason viene de comerse un machetazo en la segunda entrega que se le mete sus buenos 20cm en el pecho desde el hombro y aun así sigue vivo, cosa que muy normal no es, pero aquí le rompen el cuello y hasta le clavan un hacha en la cabeza y el tío ¡sigue vivo! Adonde quiero llegar es que Jason, para no ser todavía el ser sobrenatural en el que se acabaría convirtiendo, tiene ya una resistencia física de lo más sospechosa.

Pero si por algo es famosa esta secuela es por ser la que le proporciona la máscara de hockey a Jason y por brindarnos ese momento histórico en el que Jason sale por primera vez con ella puesta y arponea a una chica en el ojo, en un asesinato un pelín cutre. Lo del saco de arpillera de la anterior entrega no le había gustado a nadie salvo a mí y al tipo al que se le ocurrió, así que se tomó la decisión de cambiarlo por una máscara de hockey, que como el tiempo ha demostrado era una opción muchísimo mejor.

Esta fue la secuela que más recaudó y sin embargo no está muy bien considerada más allá de la anécdota de la máscara. A mí encanta. Nuevamente es más de lo mismo pero tiene escenas muy chulas como el tío que va haciendo el pino y que Jason parte en dos literalmente; el personaje de Shelley que es épico en su capullez y proporciona la máscara a Jason o los macarras que vienen a dar por culo al granero y se encuentran con una sorpresita en forma de horca.

El tramo final es también más de lo mismo, con una gran final girl (Dana Kimmell) encontrando una ristra de cadáveres mientras huye de Jason como puede hasta que finalmente le da matarile de un hachazo en la cabeza. Y el final final, es un sueño en el que Pamela Voorhees sale del agua, cerrando el círculo con la primera película en la que Pamela moría y Jason salía del agua.

Tiene también un detallito curioso y es que una de las chicas está leyendo una Fangoria en la que viene un artículo sobre Tom Savini.

Viernes 13. Último capítulo (Friday the 13th: The final chapter, Joseph Zito, 1984)

Cuando me planté ante esta peli por primera vez estaba expectante por ver cómo resolvían el detallito ese de haber matado a Jason en la tercera entrega. La resolución fue brillante: simplemente no había muerto. Tampoco puedo decir que me sorprendiera, porque si Jason ya había sobrevivido al machetazo de la 2, tampoco parecía tan raro que sobreviviera a un ahorcamiento y un hachazo en la 3, ¿no?

Esta cuarta entrega empieza justo a continuación de la anterior, con una ambulancia llevándose el «cadáver» de Jason a la morgue. Ya en la morgue Jason se levanta, no sabemos si porque no estaba muerto sino de parranda o porque resucita del cabreo de ver que su forense y una enfermera están haciendo «guarreridas españolas». El caso es que ambos mueren de manera original y entre litros de sangre falsa para regocijo del espectador.

Jason sale del hospital y vuelve a Crystal Lake asesinando por el camino a la mítica gorda del plátano, algo que yo creo que todo el mundo recuerda.

Ya en Crystal Lake Jason se encontrará no uno sino dos grupos de gente a los que matar. Por un lado, un grupo de adolescentes que están de juerga y por otro, una madre y sus dos hijos, Trish, una adolescente cachonda y Tommy, un chaval de doce años interpretado por el mítico Corey Feldman, que acabará convertido en héroe de la función y quién sabe si algo más.

Pero hasta llegar al espectacular final aún queda una hora de más de lo mismo; si ya os lo sabéis. Jason se va ocupando de los adolescentes salidorros de las maneras más originales que se le van ocurriendo. ¿He dicho que la del hacha en la cara en la primera parte era la peor actuación ever? Pues aquí lo supera la señorita que muere en la balsa inflable en el lago. ¡Epic moment! Y su noviete es arponeado en el rabo y levantado en el aire en una muerte que suponemos dolorosa.

Crispin Glover, que de manera inexplicable consigue follar tras un baile demencial, sufrirá una de mis muertes favoritas de toda la saga: tras preguntar a voz en grito dónde está el sacacorchos, Jason, con evidente humor negro, le clava el sacacorchos en la mano, y antes de que Crispin pueda decir: «Gracias, ya lo he visto», se come un machetazo en la cara. Bravo.

Las muertes se suceden, cosa que se agradece enormemente dado lo gilipollas que son algunos de los personajes de esta entrega, hasta que sólo quedan Trish y Tommy Jarvis. Trish resultará una final girl interesante que sorprenderá a Jason, al que le destroza una mano en una escena cojonuda. Y cuando todo parece perdido aparece Tommy, con la cabeza afeitada a cachos y los ojos maquillados, para darle a Jason de su propia medicina en un final memorable y que no deja ninguna duda de que Jason ha muerto, esta vez para siempre.

Este «último capítulo» estuvo dirigido por Joseph Zito, director de cosas como The prowler (1981), Desaparecido en combate (Missing in action, 1984) o Invasión U.S.A. (Invasion U.S.A., 1985) y que siempre me ha parecido un director bastante efectivo y que sabe imprimir ritmo a sus películas. Quizás por ello esta es mi entrega favorita de toda la saga. Bueno, por eso y porque dentro de que es más de lo mismo, es divertida, tiene más tetas, sexo y cadáveres que las entregas anteriores, los asesinatos, de nuevo a cargo de Tom Savini, son originales y porque tras un tramo final mítico, tenemos incluso un final abierto, no vaya a ser que los de Paramount decidan hacer otra…

La intención de Paramount realmente era la de acabar con el personaje. Promocionaron la película como la última entrega de Viernes 13 de verdad, incluso se lo confirmaron a Joseph Zito y le dijeron que podía matar a Jason de manera definitiva, cosa que hizo, creando un final que era un gran colofón a la saga. Pero esta publicidad hizo que fuera muchísima gente al cine a verla, y un montón de papelitos verdes hicieron que Paramount se preguntara si no se habían precipitado acabando con la saga.

La pregunta ahora es: ¿cómo continuamos la saga si ya nos hemos cargado a Jason y a su madre? La original solución la conoceremos en la segunda parte de este artículo.

Carlos (2010)

noreply@blogger.com (Einer) — Mon, 31 Mar 2014 18:54:00 +0000

Carlos de Olivier Assayas es una obra maestra. Siempre he intentado evitar este tipo de expresiones cuando recomiendo algo por miedo a generar unas expectativas que luego no se cumplan, pero en este caso estoy convencido de que quien vea la versión íntegra de cinco horas y media se convencerá de que efectivamente está ante una obra maestra.

Ilich Ramírez Sánchez, más conocido como Carlos o El Chacal es uno de los creadores del terrorismo moderno y posiblemente el terrorista más mediático de la historia. Desde la prisión parisina de La Santé, donde cumplía condena por los asesinatos de dos agentes de la DST y de Michal Moukharbal (sigue en La Santé pero ahora cumple condena por más delitos), pidió leer el guion de la miniserie que Canal+ preparaba sobre su vida. Lo que le mandaron no le gustó. Por medio de sus abogados trató de impedir el estreno hasta el último momento, pero afortunadamente no lo consiguió y Carlos llegó al estreno en Cannes, donde generó bastante polémica por su origen televisivo a pesar de estar rodada con formato cinematográfico. Algo después se distribuyó en cines un montaje recortado casi a la mitad y hoy en día hay editadas distintas versiones que van desde los 160 minutos a los 339 de la versión íntegra.

Cuando me llegó la película esperaba un biopic sobre Carlos, así que me agradó descubrir que las cinco horas y media dan para mucho más, mostrándonos no sólo el auge y la caída de Carlos, sino también el desarrollo del terrorismo en aquellos años, las conexiones entre los países árabes y cómo los gobiernos utilizan el terrorismo a su antojo si es necesario.

Resulta impresionante ver cómo trabajan los servicios secretos, descubrir que saben perfectamente dónde se encuentran las células terroristas y no hacen nada porque sus intereses van en la misma dirección o descubrir que las embajadas son sólo nidos de actividades delictivas y que los terroristas se mueven con total libertad de un sitio a otro armados únicamente con un pasaporte diplomático.

Es muy interesante también ver cómo evoluciona el personaje de Carlos, interpretado de manera magistral por Édgar Ramírez, venezolano como el auténtico Carlos y en estado de gracia durante todo el film, transmitiendo carisma, seguridad en sí mismo y un magnetismo que casi ensombrece a los que están con él en escena.

Lo que más me fascina del carácter de Carlos es que vive la vida como un adicto y creo que esto es porque Carlos, como deja patente en una conversación con Wadie Haddad, es plenamente consciente de que ha elegido un camino sin retorno y que la muerte le puede sobrevenir en cualquier momento.

Otros aspectos de su personalidad quedan apuntados en multitud de escenas sobresalientes, como el narcisismo que demuestra en la escena en la que, tras haber cometido un atentado, Carlos vuelve a casa, se da un baño y se masturba mirándose en el espejo; o esa otra escena en el asalto a la conferencia de la OPEP en la que la impulsividad de Carlos le lleva a tirotear a un miembro de la delegación libia, suceso que tendrá una importancia decisiva en la resolución del secuestro. Carlos muestra además un nulo valor por la vida de los demás desde el mismo comienzo de la película, en la que dispara a bocajarro contra Edward Joseff Sieff, dueño de los almacenes Marks & Spencer, como prueba de fuego de su compromiso con la causa.

La grandeza de esta película es que es una lección de historia, pero de la historia que se guarda en archivos secretos, la que no se cuenta. Un atentado en Francia puede venir de una reunión entre miembros de una célula europea que reciben apoyo de la Stasi, con armas provenientes de Iraq y que siguen una orden de la URSS para ayudar a un aliado árabe. Como dice Carlos, un tablero de ajedrez en el que todos juegan y en el que él es sólo otra pieza.

Carlos se presta a este juego convencido al principio de que está luchando contra el imperialismo y después únicamente para alimentar su propia vanidad, pero cuando estos supuestos aliados ya no le necesiten y le den la espalda Carlos acabará sus días viajando de un país a otro, buscando el cobijo de causas nada justas y gobiernos tiránicos, convertido en un asesino a sueldo, un mercenario cualquiera, lejos ya de la imagen que un día proyectara la prensa de él.

Carlos es una obra maestra por todo esto y porque se apoya en un sólido guion de Olivier Assayas y Dan Franck, que es tan bueno en la parte documentada como en la parte ficcionada. Por su agilidad, por sus espectaculares y crudas secuencias de acción, por su gran ambientación de la época, porque a pesar de durar cinco horas y media no le sobra ni un minuto y porque es CINE con mayúsculas, por mucho que fuera concebida como una miniserie para la televisión.

Por último, insisto en que veáis la película en su versión íntegra y que lo hagáis en versión original si es posible ya que se habla en inglés, español, francés, árabe, alemán, ruso, japonés y húngaro, lo que contribuye a mostrar el carácter global de las situaciones que muestra la película.

Gore en las calles (1988)

noreply@blogger.com (Einer) — Sun, 09 Mar 2014 17:14:00 +0000

En 1983, tras un año estudiando cine en la Wright State University, Jim Van Bebber decidió que no iba a continuar. La visión excesivamente teórica que se ofrecía no iba con él. En vez de pagar otro curso, utilizó el dinero del préstamo de estudios para montar una productora independiente con algunos colegas y empezar a rodar de inmediato, que es lo que de verdad quería.

Y así empezó el rodaje de Deadbeat at dawn, con una mano delante y otra detrás. Auténtico cine independiente. Con un presupuesto ridículo Jim Van Bebber rodó durante 4 años como pudo, a ratos, sin permisos, con la máxima de hazlo tú mismo por bandera. Se ocupó del guion, de la dirección, del montaje, de los efectos especiales y, por supuesto, encarnó el papel de Goose, el protagonista, un tipo medio yonqui, medio ninja mortal. Una película tan realista y sucia como sólo el verdadero cine independiente es capaz de conseguir. Artesana y repleta de gore. Una obra maestra.

La mayoría no veréis lo mismo que yo, no os voy a engañar. A mí me conquistaron sus peleas crudas a navajazo limpio, sus protagonistas pasados de droga, los hostiazos con los nunchakus, sus cachondísimos diálogos y su potentísimo final.

Aparentemente la historia es simple, se trata sólo de otra guerra entre bandas, pero Van Bebber hace de lo simple algo memorable al añadir todo lo que le apetece sin complejos: su personaje es experto en artes marciales y en el uso de los nunchakus (todo el mundo sabe que una peli en la que un tío se come una hostia de un nunchaku, mola, independientemente de lo que pase en el resto del metraje) y decide dejar su banda (The Ravens) por amor. Romántico, ¿eh? El caso es que la novia es una tarada amante de la ouija y demás supercherías (lo que depara otro momento épico) que no tardará en morir a manos de unos miembros de la banda rival (The Spiders), que son unos tipos de lo más sanotes. Goose se sume en una espiral de depresión, sentimientos a flor de piel, drogas, alcohol y psicodelia, y tras pasar por su personal vía crucis resurge de sus cenizas para cobrarse merecida y costosa venganza en un desenfreno final de hemoglobina y látex.

Rodada en 16mm e hinchada a 35mm, es un debut mugriento, sucio, enérgico y cachondo a más no poder. Van Bebber se permitió el lujo, además, de utilizar los efectos sonoros de los puñetazos y los nunchakus de Operación dragón en su película, modificándolos lo suficiente como para evitarse problemas, pero resultando todavía sorprendentemente reconocibles. Lo único que no me gusta de la película es el abuso que hace Van Bebber de unas imágenes psicódelicas de un caleidoscopio para transitar entre escenas, lo que no deja de ser un detalle menor.

Los amantes de la sangre falsa, las artes marciales, las bandas, las drogas y, en definitiva, a todos los que no sois de hocico fino, os la suda la coherencia y vuestra sección favorita del videoclub era la que todo el mundo describía como «ese montón de mierda», disfrutaréis. Garantizado. Y si sois lo suficientemente intrépidos podéis bucear por los cortos de Jim Van Bebber donde encontraréis maravillas repletas de casquería como My sweet Satan o el espectacular Roadkill. The last days of John Martin.

RAF: Facción del ejército rojo (2008)

noreply@blogger.com (Einer) — Wed, 05 Feb 2014 12:33:00 +0000

Dice Uli Edel, director de RAF: Facción del Ejército Rojo, que uno de los grandes retos a los que se enfrentaban con esta película era el de la desmitificación de la RAF.

No voy a discutir que la RAF es una de las bandas terroristas más mitificadas que existen, por dos motivos: en primer lugar, porque es muy fácil identificarse con las ideas de Gudrun Ensslin y de Ulrike Meinhof, básicamente porque reclamaban cosas que cualquiera con un ligero sentido de la justicia compartiría, y, en segundo lugar, porque su final en la cárcel, al margen de la interpretación que hagamos, los convirtió en mártires. Entiendo, por tanto, esa necesidad de mostrar a la banda como era, no como se ha idealizado.

Para ello, los artífices de la película (Uli Edel, Bernd Eichinger y Stefan Aust) nos recuerdan que el romanticismo que envolvía a la banda y el hecho de que sus reivindicaciones fueran más que razonables, no debe hacer olvidar que en última estancia, se trata de terroristas, sin embargo, establecen una doble vara de medir en la que los miembros de la RAF quedan un tanto desdibujados, mientras que los miembros del Estado y de los organismos públicos quedan reflejados de una manera más virtuosa de lo que posiblemente merecen.

Además, al final se posicionan en la improbable teoría del suicidio colectivo, lo que va más allá de una desmitificación y entra en el terreno de la manipulación histórica, ya que todo apunta a que Andreas Baader, Gudrun Ensslin, Ulrike Meinhof, Jan-Carl Raspe y Holger Meins fueron asesinados por el Estado alemán mientras estaban encerrados en la cárcel de Stammheim.

Una muestra de este doble tratamiento: en la sala del Instituto Alemán de Estudios Sociológicos (la escena de la fuga de Andreas Baader) Ulrike le pregunta a uno de los policías si está casado y este responde que sí y que tiene dos hijos. Le podría haber preguntado por el tiempo o por cualquier otra cosa intrascendente, pero le pregunta eso en concreto porque así, cuando luego son atacados por los miembros de la RAF, el espectador ya se ha posicionado con una de las dos partes. Y yo me pregunto: ¿por qué cuando la RAF secuestra al líder de la patronal Hanns Martin Schleyer, no se hace ninguna referencia a que fue miembro de las SS?

Este doble tratamiento me da un poco de pena porque, si me ciño a los aspectos puramente cinematográficos, la película me parece una maravilla. El trabajo de documentación es exhaustivo, la ambientación de la época está muy lograda y tiene escenas poderosísimas, rodadas a la vez con crudeza y con estilo: la carga a caballo en la manifestación, el asalto al grupo Springer, la ola de atentados con bomba, el asalto a la embajada alemana en Estocolmo, el asesinato de Ponto, el secuestro de Scheleyer,…

Una crítica habitual a la película es que la información que muestra es poco clara, pero aceptando que la cantidad de información puede ser abrumadora, es evidente que existe una intención didáctica que facilita el seguimiento de la historia para cualquier espectador, independientemente de los conocimientos que se tengan de este periodo de la historia alemana. De todas formas, no concibo el cine como una forma de entretenimiento pasiva en la que me lo tienen que dar todo hecho, así que para mí no supone un problema que una película me obligue a buscar algo de información después de verla.

RAF: Facción del ejército rojo funciona muy bien como crónica de una época y como película de acción, pero afea el conjunto que se apueste claramente por la versión oficial de los hechos en lugar de ofrecer una visión ajena a ambos bandos. Aún con todo, me parece una película genial.

El tesoro de la selva perdida (1985)

noreply@blogger.com (Einer) — Mon, 27 Jan 2014 09:21:00 +0000

René Cardona Jr., director de El tesoro de la selva perdida, sabía cuál era la fórmula del éxito del cine de serie b: había que seguir la moda. Y la moda era Holocausto Caníbal (Cannibal Holocaust, Ruggero Deodato, 1980), así que a Cardona se le ocurrió hacer una película de aventuras en la selva amazónica con gente que muriera devorada por cocodrilos, pirañas e incluso —y esto es algo que sólo he visto en esta película y puede que nunca vuelva a ver— devorados por cangrejos. A la función se suman los jíbaros, que no son caníbales pero tienen una insana costumbre de decapitar todo lo que pueden.

Lo que más me alucina de esta película es que para ser un infraproducto mexicano, consiguió reunir, sin duda a golpe de talonario, un reparto impresionante: Stuart Whitman, John Ireland, Donald Pleasence, Bradford Dillman, Pedro Armendáriz Jr. y el gran Emilio “El indio” Fernández.

La película abre con un mensaje que nos informa de que lo que vamos a ver ocurrió de verdad hace años en una remota zona del Amazonas. Es importante no olvidar esto a medida que vamos viendo los poco creíbles acontecimientos que tienen lugar en el film.

Mujeres luchando en el barro. Costumbres locales.

Nuestro famoso reparto se dividirá en tres grupos, el grupo de El gringo (Whitman), el grupo de Klaus von Blantz (Pleasence) y el grupo de los pringaetes (Dillman and Company), todos a la busca de un enorme tesoro. Pero la selva no sólo oculta tesoros…

Lo mejor de la película es que casi todos los personajes son moralmente cuestionables. Qué digo moralmente cuestionables: son gentuza. De hecho, creo que nunca he visto una película aparte de esta en la que no haya personajes buenos, todos se mueven en distintas escalas de maldad. Así que cuando reciben su merecido (y pocos quedaran sin recibir su merecido), uno no puede más que disfrutar del espectáculo.

Más costumbre locales.

Ya en la primera escena, Stuart Whitman le corta un dedo a un indio y lo tira a los cocodrilos (el dedo y el indio). Luego se alía con Zapata (Armendáriz), que protagonizará un intento de violación, y Jairo, que es un traidor que muere acangrejado.

Efectos de primer nivel.

Por otro lado tenemos a Donald Pleasence, un nazi refugiado en la selva, traidor y mezquino, que se alía con Morimba, una nativa local, para buscar el famoso tesoro del Amazonas con el que podrá revivir la gloria del Tercer Reich. Morimba le ayuda porque sus hijas están secuestradas por el Indio Fernández, que de paso se ha casado con ellas. El Indio Fernández además ejerce la justicia en la zona como representante del Gobierno y cobra impuestos por todo lo que encuentren. Si tu declaración de la renta no le satisface prepárate para una reducción de cabeza.

El tercer grupo está integrado por Bradford Dillman, que era el protagonista de Piraña (Piranha, Joe Dante, 1978), y que aquí es un piloto que tiene por afición matar pájaros con la hélice de su avioneta. Le hacen compañía otro tío que es posiblemente el único que no es abiertamente despreciable y una supermodelo (Ann Sidney, Miss Mundo 1964, de hecho) que vete tú a saber qué hace en medio del Amazonas.

Y así todo. La demencia campa a sus anchas por la película que no escatima en sordidez y gore. Aparte de los ya mencionados ataques de cocodrilos, pirañas y cangrejos, tenemos arenas movedizas, gargantas cortadas, decapitaciones a mansalva, envenenamientos, ametrallamientos, desnudos gratuitos y un final brutal a la par que memorable para Donald Pleasence.

Donald Pleasence no es tonto.

No os voy a engañar, no es una gran película, pero da lo que promete y el entretenimiento está más que asegurado. Lo único reprochable es que a mitad de película hay un momento un poco tedioso en el que parece que no saben cómo continuar, lo que contrasta con una media hora final acelerada en la que no paran de pasar cosas. Cosas sórdidas, para regocijo nuestro.

Por cierto, es una peli interesante de ver en V.O. porque hay mezcla de inglés y español y Pleasance pone un acento alemán muy gracioso, pero la edición que comercializa en España Trash Collectors no trae subtítulos. Además, han utilizado el póster que veis arriba, que en realidad corresponde a Schiave bianche: violenza in Amazzonia, aka Amazonia: The Catherine Miles Story, un truñete dirigido por Mario Gariazzo en 1985 que intentaron colarnos como secuela de Holocausto Caníbal, así que no esperéis ver una rubia en pelotas con un machete y un arco.

¿El exorcista o El exorcista?

noreply@blogger.com (Einer) — Sun, 19 Jan 2014 19:06:00 +0000

Hace unos días he visto una película titulada Satánico Pandemonium (Gilberto Martínez Solares, 1975), más conocida como La sexorcista. Es una producción mexicana que se estrenó dos años después de El exorcista y aunque no es una maravilla, me gustó, sobre todo la escena en la que la monja viola al niño de… esperad, que me estoy yendo de la historia. El caso es que a pesar de haber monjas violadoras, no era exactamente lo que yo esperaba. Y entonces mis ojos se posaron en mi edición de El exorcista, y como impulsado por una extraña fuerza (maligna, sin duda), tuve que levantarme a por ella y ver de nuevo los dos montajes.

Por si hay alguien que no lo sepa, en el año 2000 William Peter Blatty (autor de la novela de El exorcista y guionista y productor de la película) tuvo la oportunidad de realizar un nuevo montaje, ya que no quedó del todo satisfecho con el montaje que estrenó William Friedkin (director de la película) en el 73. En la edición inglesa de la película en Blu-Ray (que a diferencia de la española, incluye los dos montajes y viene todo en español) se incluye una conversación entre Friedkin y Blatty. En la discusión (amistosa) Friedkin explica por qué eliminó algunas escenas que consideraba innecesarias para el montaje final del 73 y Blatty argumenta por qué son necesarias y por qué las incluye en el montaje del año 2000.

Y en esto es en lo que me voy a centrar hoy: en los cambios de ambas versiones.

La versión de Blatty incluye algunas escenas nuevas de pruebas médicas y amplía otras que ya aparecían. La decisión de incluirlas me parece totalmente justificada ya que, por una parte, como espectador, te sientes incómodo y empatizas con Reagan mucho antes, y por otra, reflejan mejor el cambio de carácter de Reagan. Además, la versión de Friedkin te deja con la sensación de que falta algo, por ejemplo, cuando Chris le pregunta a Reagan si se ha tomado lo que le ha recetado el médico y el espectador no ha visto nada de eso. Estos añadidos en la versión de Blatty ¿hacen más lenta la película? Bajo mi punto de vista no, porque El exorcista ya es una película muy lenta. Y no digo que se haga pesada o larga, digo que el ritmo es pausado, ya que una de las cosas que busca Friedkin es el realismo, así que me sorprende que en esa búsqueda de realismo Friedkin eliminara estas escenas. Para mí, la versión de Blatty es mejor en este aspecto.

Saltemos ahora hasta el final. Yo prefiero el del 73 pero Blatty se empeña en meter el final que ya incluía en su novela con una única intención: que la película no termine con la sensación de que el diablo ha ganado. Y esto es algo que no entiendo y es algo en lo que estoy completamente de acuerdo con Friedkin: si has tenido a una pobre niña sufriendo durante dos horas y a su madre sufriendo porque la ve sufrir y no puede hacer nada, si al final dos hombre buenos mueren por ayudarla, claro que el diablo ha ganado. Y el final almibarado entre el padre Dyer y Kinderman, por muchas explicaciones que quieras darle, no va a cambiar eso.

Esto da pie además a otra discusión sobre otra escena que Blatty amplía y en la que vuelvo a estar de acuerdo con Friedkin. Después del primer enfrentamiento con el diablo, Karras y Merrin se sientan en las escaleras con gran pesadumbre. En la versión del 73 Merrin se levanta y se va, pero en el montaje de Blatty hay una conversación entre medias en la que Karras pregunta: ¿Por qué esta niña? y Merrin responde que en realidad no es por la niña sino por la gente que la rodea. Cuando vi la película por primera vez, posiblemente no capté eso, pero el resto de veces que la he visto, siempre he tenido la sensación de que El exorcista en realidad no va sobre Reagan sino sobre Merrin y Karras. Tras leer la novela, me di cuenta de que también va sobre Reagan, ya que queda mucho más patente que Reagan está al borde de la muerte y que el tiempo apremia. Y por supuesto que El exorcista va sobre la gente que rodea a Reagan y que sufren por ella. ¿Si todo esto se desprende de la versión del 73, qué necesidad hay de añadir un diálogo —un muy buen diálogo, siendo justos— que aclare lo que no necesita aclaración? Siempre he sido contrario a que las películas expliquen con palabras lo que ya queda patente con las imágenes y este es uno de esos casos. Por eso coincido con Friedkin en que esa parte sobra. En cualquier caso, si tú como espectador ves la versión del 73 y no captas todo eso o lo entiendes de otra manera, sigue siendo mejor que la versión de Blatty puesto que en la versión de Friedkin cabe la posibilidad de interpretar la película de dos maneras diferentes mientras que Blatty pretende llevarnos en una única dirección.

Blatty incluyó otra escena que se ha hecho muy famosa: la escena en la que Reagan baja por las escaleras como si fuera una araña. Friedkin no incluyó esta escena por dos motivos: porque se veían los cables y porque la escena tiene lugar demasiado pronto. A mí la escena me gusta (salvo la parte del ataque a Sharon), pero me gusta como elemento independiente, no dentro de la película. Me ocurre lo mismo con la escena en la que Reagan gira completamente la cabeza: creo que rompen con el tono de realismo que se le estaba dando al film y que es uno de los principales aciertos de El exorcista. Puede parecer absurdo esto que digo dada la cantidad de fenómenos paranormales que tienen lugar a lo largo de la película, pero prácticamente todos tienen una explicación racional (por absurda que sea a veces) y esa ambigüedad que no deja claro si Reagan está realmente poseída o si es todo fruto de algún tipo de enfermedad mental o autosugestión es la clave del éxito de El exorcista. Cuando Reagan gira 360º la cabeza, se termina la ambigüedad: está poseída. No hay ninguna explicación científica a eso. La escena de la araña supone lo mismo pero mucho antes y como una de las cosas que más me gustan de la película es ese juego entre lo real y lo sobrenatural, prefiero el montaje de Friedkin que no incluye esa escena.

El resto de añadidos en la versión del 2000 son efectos visuales y sonoros que añade Friedkin y que sí que me gustan porque enriquecen aún más la experiencia.

En realidad, mi versión perfecta de El exorcista sería una combinación de lo que más me gusta de ambas, pero si me viera forzado a elegir, cosa que afortunadamente no tengo que hacer, creo que Friedkin tomó las decisiones correctas, así que me quedaría con la original del 73.

Cobra, el brazo fuerte de la ley (1986)

noreply@blogger.com (Einer) — Sat, 28 Dec 2013 20:20:00 +0000

A mí me encantan las pelis que transcurren en Navidad, ya sabéis, Jungla de cristal, Arma letal, Black Christmas, El día de la bestia, Los KISS salvan a Santa,… y Cobra, porque Cobra, aunque no lo parezca por el sol y las palmeras, transcurre en Navidad, lo que la convierte automáticamente en una peli para toda la familia.

A diferencia de otros infames episodios de la historia de la Cannon que ya he narrado en el blog (aquí, aquí y aquí de pasada), este no sólo no es infame sino que de hecho fue el mayor éxito de taquilla de la productora. Bueno, ahora que lo pienso, una cosa no está reñida con la otra, así que algo de infamia va a haber.

Todo empezó en 1974 cuando Paula Gosling publicó una novela titulada A running duck. Alguien pensó que de esa novela podría salir una película genial, así que se escribió un guion y se contrató a Sylvester Stallone, pero (y esto es un rumor tan molón que no me pienso molestar ni en comprobarlo) Stallone se bajó del proyecto por discrepancias sobre el zumo de naranja. Sí, habéis leído bien, discrepancias sobre el zumo de naranja. Que digo yo, ¿se puede discrepar tanto sobre el zumo de naranja como para pirarte de una peli? En fin, imagino que no es cierto, pero mola. El caso es que al pirarse Sly tuvieron que contratar a otro actor y el elegido fue Eddie Murphy. Sí, amigos, tras varias reescrituras, lo que en principio iba a ser Stallone dando hostias, acabó siendo Superdetective en Hollywood (Beverly Hills Cop, Martin Brest, 1984).

¡Qué pose! Sin comentarios.

Stallone se quedó con la espinita clavada, porque lo cierto es que había cosas del guion que le gustaban, así que escribió su propia versión con mucha más violencia y muchos menos chistes. Y hete aquí, que el destino, siempre cachondo, juntó de nuevo a Stallone y a George P. Cosmatos (que venían de hacer más de 300 millones de dólares juntos con Rambo: Acorralado – Parte II [Rambo: First Blood Part II, 1985]) con la Cannon y la Warner. Y gracias a que estaba la Warner de por medio, Cobra no tiene el aire casposo habitual de la Cannon.

Eso sí, el sello de la Cannon queda patente ya en la primera escena en la que un tipo con pinta de malo, entra en el súper escopeta en mano y abre fuego porque sí contra los pobres e inocentes clientes que apuran sus compras navideñas. Cuando llega la policía, el tipo con pinta de malo se ha hecho fuerte dentro del súper y ha cogido unos cuantos rehenes, así que los polis piensan: «Para qué molestarnos si podemos llamar a Cobra». Y ahí aparece Stallone, con un coche alucinante, guantes de cuero, las gafas de sol modelo aviator más chulas de toda California y una cerilla en la boca, porque es un tío duro. Y en ese momento sientes hasta pena del pobre diablo que ha tomado el súper, no porque vaya a morir, sino porque salta a la vista que Marion Cobretti, alias Cobra, es el más chulo del barrio, y no sólo lo va a matar sino que también lo va a humillar con su prodigioso verbo.

Cobretti se toma su tiempo, analiza la situación mientras se toma una cerveza calentorra en el pasillo 4, junto a los congelados. El mierdecilla de la escopeta no tiene ninguna posibilidad.

«Espera», dice el mierdecilla, que ya huele la muerte, «oye tío, tengo una bomba, mataré a estos y luego volaré todo el local.»

«Adelante», responde Cobra, «yo nunca compro aquí.»

Entonces Cobretti se saca con disimulo el cuchillo con el que unta la mantequilla de cacahuete en el pan mientras suelta la frase estrella de la película: «El crimen es una plaga y yo soy el remedio». ¡Zasca! El cuchillo de untar se clava en el mierdecilla #1 (porque a lo largo de la peli aparecerán más) mientras Cobra suelta un castizo «¡Toma!» (es posible que esto sólo ocurra en la versión doblada) y sin tiempo para analizar qué ha pasado, Cobra ya le está metiendo cuatro tiros.

Cuando Cobra sale del súper un periodista pretende tocarle los huevos: «¿Usó toda su fuerza mortal?». Marion Cobretti hace un rápido análisis sintáctico de la gilipollez que acaba de soltar el periodista y para desconcertarle responde: «Usé toda la que tenía». El periodista insiste: «Los delincuentes también tienen derechos.» ¿Derechos los delincuentes? Algo hace click en el cerebro de Cobra, que agarra al periodista por la gabardina y lo pone cara a cara con un cadáver. «¡Cuénteselo usted a su familia!» Y Cobra se va más ancho que largo pensando algo así como «¡Qué derechos ni qué pollas!». Sublime arranque que en poco más de diez minutos nos dibuja con trazo grueso la filosofía de Cobra.

Vuelve a hablarme de los derechos de los delincuentes y te meto el micrófono por donde no te da el sol.

Soy consciente de que una película como Cobra no resiste un análisis serio, pero es que tampoco busca la seriedad en ningún momento. Es puro divertimento. Por eso no entiendo la gente que ve este tipo de películas y casi que se ofenden por el mensaje fascistoide que las impregna. Pues claro que sí, Cobra es lo más facha que puede ser, un tipo para el que sólo hay buenos y malos y que se cree juez, jurado y verdugo. Y tiene que ser así, porque esto es cine de acción, de entretenimiento. Y le pese a quien le pese, un poco de ultraviolencia y de exacerbado derechismo favorece la acción.

De todas formas, con lo que no estoy de acuerdo es con que sea una mala película. ¿Mala comparada con qué? ¿Con El séptimo sello? ¿Con El silencio de los corderos? ¿O con Invasión USA? A mí como espectador me deja más que satisfecho gracias a la pose de Sly y su carácter, gracias a lo cachonda que estaba Brigitte Nielsen, a lo exagerado de todas las escenas, a las frases lapidarias que suelta Cobra, a lo brutales que son los malos, a su look ochentero, a sus momentos de puro videoclip, a la metralleta con mira láser, a sus buenísimas persecuciones con óxido nitroso y a la estupenda banda sonora (nadie puede decir honestamente que la banda sonora de Cobra sea mala con temazos como el Feel the heat de Jean Beauvoir o Angel of city de Robert Tepper). Por eso estoy convencido de que dentro de su liga, es una gran película.

Si lió la que lió por el zumo, cuando se entere de que me he tirado a Tony Scott y a Schwarzenegger y que me estoy tirando a Eddie Murphy...

Menahem y Yoram, líderes de la Cannon y patrocinadores en la sombra de este blog, que si algo amaban más que el cine era la pasta, se quedaron un poco dolidos de ver cómo los beneficios de Cobra, su mayor éxito en USA hasta la fecha (y así se iba a quedar la cosa) debían compartirlos con Warner. Por ello, convencieron a Stallone para rodar otra película juntos sin contar con Warner, Yo, el halcón (Over the top, Menahem Golan, 1987) que dirigió el propio Menahem en lo que fue un megahostión que supuso el comienzo del fin de la Cannon. Pero eso ya es otra historia.

La torre de los siete jorobados

noreply@blogger.com (Einer) — Tue, 17 Dec 2013 12:12:00 +0000

Me da un poco de pena decir que en España hemos despreciado durante muchos años el género fantástico, y mientras que en Inglaterra primero y en Centroeuropa después, surgían grandes escritores como Poe o Maupassant al amparo de la fantasía y lo sobrenatural, aquí parecíamos empeñados en olvidarnos de todo lo que se saliera del realismo y el costumbrismo que constituían la norma, como si los términos «buen escritor» y «elementos sobrenaturales» no pudieran ir de la mano. De hecho, durante muchos años, algunos de los escritores que sí se aproximaron a la fantasía lo hicieron de una manera temerosa, como si les diera miedo que alguien los pudiera acusar de escribir fantasía, lo cual, teniendo en España antecedentes de obras como El Quijote o La vida es sueño, no tiene mucho sentido.

Ya en el siglo XX, a pesar de las incursiones en el género de grandes como Unamuno, Max Aub, Valle-Ínclán, Gómez de la Serna, etc., el grueso de la escasísima producción fantástica del país corresponde a autores de menor categoría que el tiempo parece empeñado en enterrar, pero que al margen de su calidad literaria fueron pioneros le pese a quien le pese.

Dos de estos personajes empeñados en nadar a contracorriente fueron Emilio Carrère y Jesús de Aragón, que parieron en comandita, una novela titulada La torre de los siete jorobados, que constituye una rara avis dentro de la literatura española de la época.

Por la manera de trabajar de Carrère, que era especialista en reeditar sus propias obras, publicarlas varias veces con diferentes títulos, ampliarlas mezclando unos textos con otros o recurrir incluso al autoplagio y demás jugadas con las que sacarse unas «perrillas», ha sido difícil establecer tanto la autoría como la fecha de publicación de La torre de los siete jorobados. Jesús Palacios en el prólogo a la edición de Valdemar del Club Diógenes, sugería que la novela se trataba en realidad de una novela breve anterior de Carrère, ampliada por un «negro», a saber, el «Capitán Sirius», pseudónimo de Jesús de Aragón, más tarde conocido también como el Julio Verne español. Palacios establecía incluso una correlación de capítulos entre la novela de Carrère Un crimen inverosímil y La torre… de manera que se podía saber lo escrito por Carrère y lo escrito por Aragón. El prólogo de Jesús Palacios, que rivaliza en interés con la propia novela, contenía algunos errores que hacen interesante también, a quien quiera saber más sobre la polémica autoría de la novela, la lectura del artículo Emilio Carrère: el señor de la torre de los siete jorobados, del propio Palacios y Génesis y autoría de La torre de los siete jorobados de Emilio Carrère, de Julia María Labrador Ben y Alberto Sánchez Álvarez-Insúa, fechando estos últimos la publicación de la novela en 1920, estableciendo el origen en otras novelas del propio Carrère como El señor Catafalco (1916) y El mal de ojo (1917) y no en Un crimen inverosímil como apuntaba Palacios, y limitando la participación de Aragón a unos pocos capítulos.

Dejando a un lado el tema de la autoría, La torre de los siete jorobados es pura fantasía y misterio y enfrenta el Madrid castizo y tradicional con otro Madrid más tenebroso que se oculta bajo tierra. Sin más interés que entretener, está plagada de esoterismo, personajes pintorescos, mensajes codificados, pasadizos ocultos, ciudades subterráneas y poderes sobrenaturales de tal magnitud, que incluso asistimos a una batalla mental entre dos de los personajes. Y no me olvido de las buenas dosis de humor e ironía que acompañan todo el relato; especialmente recuerdo una escena en la que los protagonistas, en las catacumbas, entre tiroteo y tiroteo, hacen una pausa para calzarse una tortilla de patatas y un vinito. Porque un detective con el estómago vacío es menos detective.

En 1944 la novela fue llevada al cine, con guion de José Santugini y Edgar Neville, este último director también de la cinta, y como buen amante del sainete que era, no hay por más que reconocer que lo que mejor plasmado quedó fue la parte humorística, encarnada especialmente en la figura de Antonio Casal, que hace cobrar vida al Basilio Beltrán de la novela tan supersticioso, tímido, patoso y gracioso como uno pudiera imaginar.

La película palidece en comparación con la novela por las limitaciones económicas y la escasez de medios, que no permiten mostrar tantos elementos sobrenaturales ni complicar tanto la trama como ocurre en la obra de Carrère. Sin embargo, sigue siendo una obra bien meritoria de una filmografía española que no se prodigaba en la fantasía. Y aun con esas limitaciones, no faltan los aparecidos, los misterios, los hipnotismos y los grandes decorados, como la escalera en espiral que se oculta en el subsuelo de Madrid y que debemos agradecer al decorador de origen ruso Pierre Schild y a su equipo.

El resto de actores, aparte del ya mencionado Antonio Casal, merecen también un reconocimiento. Félix de Pomés está imponente en su papel del fantasma de Robinsón de Mantua, tanto es así, que su imagen es la que ilustra tanto la edición en DVD como la edición de Valdemar de la novela; Isabel de Pomés está esplendida también en el papel de Inés; Manolita Morán y Julia Lajos, bordan con una gracia extraordinaria los papeles de la «Bella Medusa» y su sufrida madre, respectivamente, y Guillermo Marín está mágico, elegante y tenebroso en el papel del doctor Sabatino, haciendo un alarde de dicción y expresividad facial.

La película tiene una influencia clara del expresionismo alemán, tanto en los decorados (las escaleras, las catacumbas) como en los juegos de luces y sombras, y de los clásicos de terror de la Warner. Santugini y Neville se permiten además numerosos homenajes a directores y películas que aprecian: El doctor Mabuse de Fritz Lang (Dr. Mabuse, der Spieler – Ein Bild der Zeit, 1922) tiene algunos elementos en común, como los jorobados falsificando moneda (algo a lo que ya se hace referencia en la novela de Carrère, que es anterior tanto a la novela como a la película de Mabuse) o un villano con la capacidad de hipnotizar; vemos un plano de la sombra de Sabatino que hace referencia al Nosferatu de F. W. Murnau (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922); un primer plano de los ojos de Sabatino que es muy similar al famoso plano de los ojos de Bela Lugosi en Drácula (Dracula, Tod Browning y Karl Freund, 1931); un bonito plano en el que los jorobados se llevan en volandas a Inés como hacían los enanitos con Blancanieves (Snow White and the seven dwarfs, David Hand, 1937) y hasta se percibe un cierto corporativismo entre los jorobados que recuerda a la protección que se prestaban los monstruos que nos mostró Tod Browning en Freaks (1932).

También se ha comentado la similitud entre el Ercole de la novela, un hipnotizado que se ve obligado a cometer todo tipo de crímenes, con el Cesare de El Gabinete del Dr. Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari, Robert Wiene, 1921), para hacer ver esa influencia del expresionismo alemán ya en la novela de Carrère, sin embargo, como hoy sabemos con toda seguridad que Carrère creó ese personaje antes de que se estrenase la película de Wiene, queda en una simple coincidencia —o quizás los alemanes copiaron a Carrère— esta similitud.

La torre de los siete jorobados, tanto la novela como la película, merecen un sitio de honor —aunque sea pequeñito— en la literatura y en la filmografía española, ya no sólo por lo poco que se cultivó el género en España, sino por la calidad intrínseca de ambas.

Aprovecho la ocasión para recomendaros tanto la edición de Valdemar de la novela como la edición especial de la película que sacó Versus Entertainment en DVD, con la película restaurada, un disco de extras y un libro de 188 páginas, que me temo que no será fácil de encontrar ya a estas alturas.

Mad Max 3, más allá de la cúpula del trueno (1985)

noreply@blogger.com (Einer) — Thu, 14 Nov 2013 17:46:00 +0000

Sobre el origen de Mad Max 3 he leído no pocas versiones, pero la que más me convence es la de Terry Hayes, quien conoció a George Miller cuando recibió el encargó de la novelización de Mad Max y que luego colaboró en el guion de Mad Max 2. Hayes dice que la idea surgió en una conversación con Miller durante una cena. Miller le contaba a Hayes en qué consistía la física cuántica (en serio) y de repente a Hayes se le iluminó la bombilla y le dijo a Miller que deberían rodar una película sobre unos niños salvajes que debían volver a casa y Miller le contestó que eso tenía pinta de convertirse en la siguiente película de Mad Max. Vale, como anécdota no vale nada, pero realmente creo que esto es lo que ocurrió.

No sé en qué fecha tuvo lugar esa cena, pero a mediados de 1983 (dos años después del estreno de Mad Max 2) Byron Kennedy, el socio y gran amigo de Miller, murió en un accidente de helicóptero con 33 años. Miller perdió todo el interés por Mad Max 3 y la dirección acabó cayendo en las manos de George Ogilvie. Finalmente, pudieron convencer a Miller de que dirigiera al menos las escenas de acción.

Mad Max 3 es una película muy curiosa. El estudio, Warner Bros., había invertido más dinero que en Mad Max 2 y con la excusa de asegurarse la inversión presionaron para rebajar la violencia con respecto a las películas previas y ampliar así el público potencial. Esto vino acompañado de otros cambios que alejaron Mad Max 3, más allá de la cúpula del trueno del espíritu de las 2 películas anteriores: se introdujeron muchos toques de comedia, se modificaron algunos aspectos que a mí me parecen fundamentales en la saga —especialmente la música, de la que ya no se ocupa Brian May sino Maurice Jarre y que recuerda a otro tipo de cine más aventurero— y se incorporó a Tina Turner como mero reclamo publicitario.

¿Por qué digo que es curiosa? Pues porque hay un momento en el que Max hace algo inesperado. Mad Max 3 empieza bien y parece algo continuista de lo que era la saga. Hay un salto temporal como había de la 1 a la 2 y vemos que la gente que ha sobrevivido al holocausto empieza a organizarse en ciudades. Max llega a una de ellas, Negociudad (Bartertown) y debo decir que a mí esta parte me parece genial. Desde la anécdota del agua radiactiva a la forma de obtener la energía con los cerdos, pasando por el genial personaje del Maestro – Golpeador (Master – Blaster), que vale, no es Humungus, pero ¿quién lo es? La lucha en la cúpula del trueno —¡Dos hombres entran, uno sale!—, su desenlace, la «ruleta de la suerte» y el destierro de Max. Hasta aquí, todo genial.

Max vaga entonces por el desierto hasta que su camino se cruza con el de unos niños salvajes que supondrán una decepción para cualquiera que haya vagado ya por el páramo de Humungus y Wez y haya visto lo que es un verdadero niño salvaje y feroz. En otro tiempo nadie dudaría de que Max pondría rumbo a Bartertown a cobrarse su venganza por el destierro, pero en lugar de eso y contra todo pronóstico, por primera vez en mucho tiempo, Max decide hacer algo por los demás antes que por sí mismo, simplemente porque es lo correcto. Y quizás sin saberlo pone la primera piedra del mundo del mañana mañana. Como colofón a lo que ha sido la trilogía me parece un buen final, porque completa la transición que viene haciendo Max desde la primera película: de un tipo cegado por la rabia en busca de venganza pasa a ser un completo antihéroe y finalmente llega a ser el héroe que necesita el mundo.

Y ¿dónde está lo curioso? Lo curioso es que el final de Mad Max es su travesía por el desierto. Ese el final, ahí acaba Mad Max. Todo lo que viene después es otra cosa, distinta, no es Mad Max. Es una peli de aventuras para adolescentes, con niños, con bromas, con superación personal, sin muertos (no muere nadie desde que aparecen los niños, aunque tampoco es que hubiera habido muchos muertos antes), sin rastro del tono casi terrorífico que imperaba en la primera parte. Desde que aparecen los niños el tedio campa a sus anchas sin que ni siquiera la persecución final, plagada de golpes de humor y sin rastro de la fuerza y la tensión que demostraron el tándem Miller/Kennedy en las anteriores entregas, consiga evitar el bostezo.

Una pena, pero guardo la esperanza de que Mad Max 4 (Fury Road) nos lleve de vuelta al páramo donde el polvo se pega a la piel y la gasolina es una cuestión de vida o muerte.

Mad Max 2, el guerrero de la carretera (1981)

noreply@blogger.com (Einer) — Sun, 10 Nov 2013 14:23:00 +0000

George Miller y Byron Kennedy (director y productor de Mad Max respectivamente) se conocieron en un festival de cortometrajes a principios de los 70. Sus gustos cinematográficos eran similares: ambos pensaban que el cine debía ser algo visual, sin demasiados diálogos, con persecuciones, con acción,… Les gustaba ver a los personajes haciendo cosas, no hablando. Conectaron. A partir de ese momento empezaron a trabajar juntos y fruto de esa colaboración surgió el corto The violence in cinema Part 1, que recibió multitud de premios. Era sólo el comienzo, pues tenían metas mucho más ambiciosas. Empezaron a pulir una idea, a darle forma. Coches, acción, ultraviolencia. Estaba naciendo Mad Max.

Kennedy tenía algo más de experiencia que Miller, se había dedicado a la publicidad, había rodado algunos documentales y sobre todo, tenía contactos, pero para ambos, Mad Max fue su primer largometraje. Eran prácticamente dos novatos, pero dos novatos decididos a rodar la película que querían ver, la que les hubiera gustado que otro rodara para ellos. Pronto descubrieron que ahí fuera había mucha gente que compartía sus gustos y Mad Max no tardó en convertirse en un éxito. A pesar de ello, George Miller siguió con su rutina de acudir a cursos de cine; debía seguir preparándose. No fue hasta después de haber rechazado varias ofertas de Hollywood, que Kennedy y él decidieron ponerse manos a la obra con la secuela.

La historia de Mad Max la habían escrito Miller y Kennedy juntos y después Miller había pulido el guion con James McCausland. El guion de Mad Max 2, en cambio, fue obra de Terry Hayes, Brian Hannant y el propio Miller. Kennedy volvió a asumir el rol de productor, pero sus funciones iban mucho más allá: se ocupó de la segunda unidad en algunas escenas, supervisó la banda sonora, coordinó las escenas del helicóptero e incluso se atrevió a subirse a algún coche como si fuera un especialista más. La conexión entre Miller y él era total.

Una cosa que me ha llamado siempre la atención de Mad Max es que con apenas 350.000$ Miller y Kennedy consiguieron dotar a la película de un aspecto impresionante, con una cantidad aparentemente ilimitada de vehículos molones. La realidad es bien distinta. Miller y Kennedy tuvieron que recortar en todo lo que pudieron: sólo Mel Gibson llevaba ropa de cuero auténtico, sólo se compró una moto para el Ganso, los coches se repintaban para que pareciera que había más de los que en realidad había, Miller sacrificó su propia furgoneta para uno de los planos más espectaculares del film… Y también, lamentablemente, buena parte de las escenas de acción que estaban planeadas hubieron de ser desechadas. Pero la película quedó redonda, y ahora, tenían 4 millones de dólares para gastar. Y si Mad Max quedó impresionante con 350.000$, con 4 millones Mad Max 2 iba a ser la polla.

La distribución de Mad Max en Estados Unidos había sido desastrosa y Warner Bros., con buen criterio, pensó que nadie tendría interés en ver una secuela de una película que no conocían, así que se decidió cambiar el título. La película se llamaría The Road Warrior, El guerrero de la carretera, eliminado cualquier referencia a Mad Max. Se creó también una introducción magistral que no aparecía en la versión australiana y que servía para explicar tanto los hechos que habían ocurrido en el salto temporal que va de la primera a la segunda parte, como para resumir lo que había vivido Max en la primera película. Además, se hizo un tráiler que se centraba en las escenas de acción y las persecuciones, evitando poner el foco en un Mel Gibson todavía desconocido en Estados Unidos. Funcionó. Esta vez la película fue un éxito en todo el mundo, también en Estados Unidos.

Al olor de la gasolina y, sobre todo, de la pasta, surgieron en los años siguientes un montón de producciones de medio pelo que buscaban subirse al carro del éxito de Mad Max 2. Megaforce (Hal Needham, 1982), Destructor (Warlords of the 21st Century, Harley Cokeliss, 1982), Anno 2020 – I gladiatori del futuro (Joe D’Amato y George Eastman, 1982), Cazador del espacio (Aventuras en la zona prohibida) (Spacehunter: Adventures in the forbidden zone, Lamont Johnson, 1983), Los nuevos bárbaros (I nuovi barbari, Enzo G. Castellari, 1983), El exterminador de la carretera (Gli sterminatori del’anno 3000, Giuliano Carnimeo, 1983), Año 225, después del holocausto (Rats – Notte di terrore, aka Rats - Night of terror, Bruno Mattei y Claudio Fragasso, 1984) y a saber cuántas más. Entre truño y truño podías encontrar alguna más que entretenida, pero ninguna lograba acercarse ni de lejos a Mad Max 2 ni lograban captar el carisma y la fuerza que transmitían personajes como Wez y Humungus, ¡el ayatolá del rock and roll!

Gran parte del mérito de la impresionante puesta en escena de Mad Max 2 es de Norma Moriceau, la diseñadora de vestuario, que le dio una vuelta de tuerca a la estética punk de la primera parte añadiéndole un toque sadomasoquista. Puede que el mundo se haya ido a la mierda y que Humungus, Wez y el resto de desgraciados que les siguen vivan en un mundo sin reglas, pero coño, ¡tienen estilo!

Mad Max 2 vuelve a ser una amalgama de géneros como ya era la primera, pero esta vez el Western domina la función. La historia no deja de ser la del héroe que ayuda a los desprotegidos que ya habíamos visto en tantas otras producciones del Oeste o en el cine de Kurosawa, del que Miller es declarado admirador, pero Max no es el típico héroe, no ayuda a la gente de la refinería porque sí, lo hace movido por un interés personal. Quiere gasolina. Vemos que es cruel con el capitán del autogiro hasta el momento en que es él quién le necesita y no intima más de la cuenta con nadie, ni siquiera con el pequeño, el chico feroz. Pero no es culpa de Max, es que el mundo ha cambiado. Una de las escenas que mejor muestran este cambio es aquella en la que el muchacho le corta los dedos con su boomerang a un tipo de la banda de Humungus. Un niño le arranca media mano a un hombre y la reacción de la gente a su alrededor es reírse y vitorear. Ese es el mundo en el que se mueve Max ahora.

The road warrior es quizás menos violenta y más aventurera que la primera parte, pero mantiene todas las cualidades que hacían grande a aquella, como la música, el ritmo o las espectaculares persecuciones, que en palabras de Kennedy, fueran rodadas intencionadamente para transmitir una sensación de peligro: la cámara siempre montada en un vehículo, nunca en la carretera; el montaje acelerado; el diseño de sonido acentuándolo todo. Y en el momento del clímax, en la persecución final, tenemos un camión acosado a toda velocidad por una turba enloquecida, con gente saltando de los vehículos en marcha, golpeándose con armas sacadas del medievo, flechas, ganchos, mazas de cadena, tridentes, violentas muertes, gente y vehículos aplastados por el camión, coches en llamas y Humungus, Humungus se acerca a toda velocidad y Humungus no va a parar. ¡Traed el combustible! ¡Para mayor gloria de Humungus!

Mad Max 2 es un viaje cruel, sin concesiones, sin tonterías. Malos y no tan malos luchando por lo que les llevó a la destrucción, demostrando que sobrevivir al Apocalipsis y caminar por El Valle de la Muerte no les ha enseñado nada. Y al final, una leve sonrisa de Max. Después de mucho tiempo, quizás no todo esté perdido. Quizás Max si pueda llegar a ser un verdadero héroe. Quizás aún quede algo de esperanza para la Humanidad. Quizás.

Mad Max, salvajes de la autopista (1979)

noreply@blogger.com (Einer) — Mon, 04 Nov 2013 12:30:00 +0000

Pantalla en negro. Suena un disparo y comienza una música propia de una película de terror. La primera imagen que vemos es del centro neurálgico de la Main Force Patrol. Tras un letrero que reza «Halls of Justice» se esconde el último reducto de algo que tal vez un día se pudo llamar Justicia. Esto da paso a un cartel que indica el «camino a la anarquía» y a un hombre que observa a una pareja a través de la mira de un rifle. ¿Es un policía? Lo es. Liebre llamando a Bailarín. […] Tenemos un asesino de policías. ¿Otro? No te has dado cuenta y ya estás atrapado; atrapado por esa sensación de que algo no va bien.

Así comienza Mad Max, un clásico que dirigió George Miller en 1979 y que, contrariamente a lo que muchos piensan, no es una película post-apocalíptica, sino una película pre-apocalíptica, una distopía marcada por la escasez de petróleo y el incremento de criminalidad que esto provoca y que está arrastrando a las autoridades a la senda del fascismo que acabará inexorablemente con su destrucción. Claramente influida por la crisis del petróleo del 73 y por lo que podríamos denominar El Desmedido Amor De Los Australianos Por Los Coches (EDADLAPLC) —no hay que olvidar que Miller trabajaba en un hospital y había visto en multitud de ocasiones las terribles consecuencias de EDADLAPLC—, Mad Max es una película de una violencia brutal y horrible, más brutal y horrible aun si cabe porque el bajísimo presupuesto no permitió mostrar las escenas más crudas, sino sólo sugerirlas. Y sugerir siempre es peor que mostrar. Sirva de ejemplo una de las escenas que más me impresionan, aquella en la que Mel Gibson entra en la Unidad de Quemados a ver al Ganso. Nosotros no lo vemos, sólo vemos la cara de HORROR de Max y escuchamos la frase «Esa cosa de ahí dentro… eso no es el Ganso». Y lo que imaginamos es espeluznante.

Llegados a este punto, Max Rockatansky reconoce que está asustado, pero no porque tenga miedo de las bandas, sino porque teme estar convirtiéndose en uno de ellos. «…todo me parece un circo. Empiezo a disfrutar. […] Si sigo voy a acabar como cualquiera de ellos: loco perdido.» Este me parece el punto clave de la película. Mad Max es venganza pura y dura. La banda del Cortaúñas (Toecutter) busca venganza por la muerte del Jinete Nocturno (Nightrider) y posteriormente será Max —que todavía no es «El loco Max»— el que busque su propia venganza. Y el punto clave es el achicharramiento del Ganso. Antes de eso, el mundo sólo parecía un poco más cerca del abismo, ahora se va definitivamente por el sumidero. Y todo parece un circo.

Max intenta volver a una vida anterior tomándose unas vacaciones con su familia, pero los sucesos posteriores convertirán definitivamente a Max en «El loco Max», un hombre sin nada que perder, y romperán definitivamente esa fina línea que todavía le unía con los restos de la civilización. Ya no es un agente de la MFP, es sólo otro hombre que recorre las polvorientas carreteras en busca de venganza y gasolina. Es un guerrero de la carretera.

Con apenas 350.000$ de inversión Mad Max fue un tremendo éxito en Australia, donde se convirtió en la película más taquillera del año. A nivel internacional obtuvo también buenos resultados a pesar de que a muchos países llegó censurada, como fue el caso del Reino Unido. En el único sitio en el que fracasó estrepitosamente fue en Estados Unidos, donde se decidió doblar la película a un inglés más neutro a los gustos yanquis, sin extrañas expresiones «aussies», y entre eso y una mala distribución, pasó sin pena ni gloria.

Lo que más me gusta de Mad Max es que es una persecución de principio a fin. Siempre hay alguien persiguiendo a alguien, es puro ritmo. Y los diálogos siempre al servicio de la imagen. Sin embargo, creo que el éxito de Mad Max (también de Mad Max 2) no se debió sólo al endiablado ritmo o a su molona estética punk o a su arrebatadora banda sonora, sino a esa escena inicial. Algo tan simple como inocular la sensación de que algo no va bien, de que esto podría pasar, de que quizás, está pasando ahora mismo en algún sitio; es decir, que no ves la película sino que la vives. Creo que el éxito de Mad Max se cimenta en eso y también en algo más atávico, algo que saca nuestros instintos más primitivos, algo que nos hace querer estar en el mundo de Mad Max aunque sólo sea por dos horas, vivir sin reglas, dar caza al Jinete Nocturno, acabar con el Cortaúñas y notar el olor de la gasolina mientras pisas a fondo el acelerador del último V8 Interceptor.

Traducciones y doblajes: reavivando la polémica

noreply@blogger.com (Einer) — Fri, 18 Oct 2013 12:05:00 +0000

Todas las traducciones que cito son de España salvo que se indique lo contrario.

Cuando una obra, del tipo que sea, es traducida a otro idioma, sufre un proceso de alteración que puede ser más o menos grave. En el caso de películas y series puede llegar a ser especialmente sangrante ya que la obra pasa por un proceso de traducción, otro de adaptación y finalmente viaja al equipo de doblaje, lo que puede acarrear nuevos cambios si fuera necesario.

En España parece estar aceptada la idea de que nuestras traducciones y doblajes son muy buenos, pero ¿de verdad lo son? Ahora lo veremos.

Empecemos con un ejemplo de Los Simpson. En el capítulo en el que casi todo el pueblo se hace seguidor de la secta de los movimientarios hay un diálogo muy interesante. Homer está pescando y se le acercan dos movimientarios:

Movimientario: ¿Por qué no vienes al centro de bienvenida a charlar sobre el líder?
Homer: ¿Me daréis cerveza?
M.: Está prohibido eso.
H.: Homer no funciona con no cerveza.

Esta última frase en su versión original es «Homer no function beer well without», una frase doblemente graciosa. Por un lado, expone los graves problemas de sintaxis de Homer y por otro tiene un bonito juego de palabras que es intraducible. Homer dice «beer well» en vez de «very well», lo que a su vez da a entender que los problemas de sintaxis de Homer están provocados por la falta de cerveza. La traducción española cubre el tema de la sintaxis pero pierde irremediablemente el juego de palabras. Aun así me parece una frase graciosa. En la traducción para el mercado latinoamericano se opta por la frase menos graciosa «Mi no funcionar sin cerveza».

Otro ejemplo de Los Simpson. En el capítulo en el que Homer se convierte en guardaespaldas de Mark Hamill, Homer tiene que defender a Hamill de un ataque de uno de los matones de Fat Tony. Durante la pelea se produce el siguiente diálogo:

Hamill: Homer, utiliza la Fuerza.
Homer: ¿La Fuerza?
Hamill: ¡El tenedor, utiliza el tenedor!

Una vez más se pierde un juego de palabras.

En la V.O.:

Hamill: Homer, use the for…
Homer: The Force?
Hamill: The forks! Use the forks!

Gran juego de palabras entre Force (Fuerza) y fork (tenedor).

En la versión mexicana:

Hamill: Homero, usa la fuerza.
Homero: ¿La Fuerza?
Hamill: La fuerza de los cubiertos.

Bien resuelto aunque se pierde también el juego de palabras. En cualquier caso no apruebo en absoluto la traducción de nombres propios, algo de lo que pecan bastante las traducciones latinoamericanas y de lo que en España tampoco nos libramos.

Esto de los nombres es algo con lo que soy bastante tiquismiquis. A día de hoy aún no he leído Los miserables porque he sido incapaz de encontrar una sola edición relativamente reciente en la que el nombre de Jean Valjean no aparezca traducido como Juan Valjean (Ya puestos, ¿por qué no Juan Valjuan?). También tuve que tragarme los cuatro primeros tomos de la épica obra de Stephen King La torre oscura con Rolando y Cuthberto en vez de Roland y Cuthbert. Lo de Rolando es grave pero ¿Cuthberto? ¡En qué estaba pensando el que tradujo esto! Y después de más de 2.000 páginas leídas, cuando lo arreglaron en el quinto, ya me sonaba hasta raro decir Roland.

Afortunadamente lo de traducir los nombres propios es algo que hoy en día parece estar asumido que no hay que hacerlo. Otra práctica que también parece haber sido desterrada por los traductores es la de adaptar localismos extranjeros a localismos nacionales. Esto era muy gracioso y permitió que en Los Simpson, por seguir con el ejemplo, pudiéramos oír chistes sobre Ramón García o asistir estupefactos a la concesión a Kent Brockman del premio más prestigioso que otorga el pote gallego. Era algo más propio de otros tiempos, cuando Will Smith hacía chistes sobre la Pantoja o cuando en Sabrina, cosas de brujas se hacían continuas referencias a la cultura española, hasta el punto de que el gato era del Atlético de Madrid, asistían a conciertos de Estopa e incluso llegaron a subir el puerto de Somosierra en bici. Y de series relativamente recientes, una que está —tristemente— plagada de localismos sin gracia es Futurama, que menciona sin pizca de rubor a Bertín Osborne, Tamara o el queso de Burgos. Tiene un doblaje genial, eso sí.

Los traductores tienen la teoría de que traducen emociones y no diálogos, lo que les da derecho, desde su punto de vista, a cambiar las referencias que se hacen a elementos culturales relativamente desconocidos en pro de lograr la misma emoción en un espectador español que, de otra manera, y reitero que siempre desde el punto de vista del traductor, no alcanzaríamos por no entender la referencia. Si, por ejemplo, y vuelvo a Los Simpson, Homer se despierta en mitad de la noche y dice: «Creo que odio a Ted Koppel», los traductores razonan por nosotros que Ted Koppel es un personaje lo suficientemente desconocido como para que haya que cambiarlo, en esta ocasión por un actor norteamericano en aras de preservar la americanidad de la serie. El resultado es: «Creo que odio a Gary Cooper».

Marge, no sé si odio más a Gary Cooper o a Ted Koppel.

El traductor ha decidido por mí. Ha asumido que la referencia a Koppel era demasiado rara y lo ha cambiado por Cooper para que pueda entenderlo y soltar una buena carcajada mientras se me sale la leche por la nariz. Y yo pregunto: ¿es esto correcto? Yo no lo tengo claro. Por una parte, ¿a quién, en nombre de los testículos del Minotauro* (y esta es una traducción tan graciosa como libre), le importa una mierda quién es Ted Koppel? Y si eres un fanático de las referencias raras que va a perder el culo para ir a Google a ver quién es Ted Koppel, siempre te queda la versión original, impoluta e imperturbable al paso del tiempo, a no ser que caiga en manos de George Lucas. Pero qué pasaría si Ted Koppel fuera un tipo realmente conocidísimo por todos menos por el traductor. Pues que la estaría cagando. Y de hecho, tengo otro ejemplo de Los Simpson.

Al final del capítulo en el que Bart y Lisa adquieren superpoderes y luchan contra el Coleccionista, son rescatados por Xena, la princesa guerrera, que se los lleva volando. Lisa dice que Xena no puede volar y ella responde que no es Xena es «Lucy Sin Ley». ¡Guau! ¡Tremendo! Si esto fuera un partido de béisbol os aseguro que la bola acaba de salir del estadio a toda velocidad. El error ha sido traducir el apellido de la actriz que daba vida a Xena, Lucy Lawless. Una traducción tan literal como inapropiada sólo puede venir de alguien que no conociera a la actriz. Y con pocas luces, añado.

Soy el «Colector», digo... el Coleccionista.

No quiero ser injusto o que parezca que tengo algo personal contra los traductores, pero hay algunos errores que demuestran claramente que el traductor no tiene el nivel suficiente. Es cierto que a la hora de doblar películas o series se trabaja a contrarreloj —cada vez más— y en malas condiciones —a veces sin las imágenes, a veces sin el texto—, y aun así estoy seguro de que los buenos trabajos superan a los malos, pero si yo mismo soy capaz de detectar errores en un idioma tan común y extendido como el inglés, no quiero ni pensar lo que nos tragamos al leer algo de idiomas menos comunes como el ruso o el japonés. Y el problema es que no hablamos de casos aislados sino de algo más habitual de lo que creemos.

Otro ejemplo. Por si no lo sabéis, Blade Runner es una película que contiene bastantes diálogos incomprensibles en español que son fruto de una mala traducción. Estando Roy Batty, J.F. Sebastian y Pris discutiendo sobre los Nexus 6, se produce el siguiente diálogo:

Roy: No somos computadoras, Sebastian. Somos físicos.
Pris: Yo creo, Sebastian, que eso es lo que soy.

Lo que Pris dice realmente es I think, Sebastian, therefore I am, es decir, Pienso, Sebastian, luego existo. Inexplicable error.

Otro. En la película La roca hay un momento en el que uno de los terroristas está preparando uno de los misiles y otro le dice algo (no recuerdo bien la escena) y el primero, para que le deje en paz, dice: «Este es mi negocio», traducción absolutamente literal e incorrecta de «This is my business», que dicho sea de paso, es una expresión tan común que no hay excusa que la justifique. Por supuesto, la traducción correcta debería haber sido «Esto es asunto mío».

Podría seguir poniendo ejemplos durante horas, pero creo que ya es suficiente. Al traducir una obra, creo que todos somos conscientes de que se van a perder los dobles sentidos o los juegos de palabras en la mayoría de los casos, que habrá referencias a personajes o situaciones que puede que no entendamos y que hay momentos en los que el sentido de la frase debe prevalecer sobre la literalidad, pero también hay que tener sentido común a la hora de traducir; y el ejemplo de «Lucy Sin Ley» viene aquí al pelo. También pasa que los traductores no tienen el nivel suficiente; no basta con conocer un idioma, también hay que tener un conocimiento básico de los usos y costumbres del país de origen de la obra. Esto provoca un efecto muy curioso: que el que traduce, no sabe que lo está haciendo mal. Os lo ilustro con otro ejemplo. En muchos países, entre ellos Estados Unidos, un billón equivale a 1.000 millones y no a 1.000.000 de millones como en España, por lo tanto, traducir el término billion como billón es incorrecto, debería ser millardo, y al revés, nuestro billón equivale a su trillion**. Es muy común usar billón para referirse figuradamente a una cantidad enorme y no una cantidad concreta, y en ese contexto es aceptable la traducción de billion por billón porque además millardo se usa poco, pero os aseguro que me lo he encontrado en manuales de economía donde el sentido no era figurado, y en términos económicos, una diferencia de 1000 millones a un billón es muy significativa.

Otro famosísimo ejemplo de Blade Runner ilustrará esto aún mejor.

Deckard está leyendo un periódico en la calle y pasa un dirigible comercial. La situación que se produce es surrealista a más no poder.

Dirigible Comercial: Una nueva vida le espera en las colonias del mundo exterior. La ocasión de volver a empezar en una tierra de grandes oportunidades y aventuras. Un nuevo clima, facilidades recreativas...
Deckard (Voz en off): No nos avisan contra los asesinos en el periódico. Esa era mi profesión: ex policía, ex Blade Runner, ex asesino.

¿No nos avisan contra los asesinos en el periódico? ¿Todas vuestras base son nos pertenecen? ¡Pero esto qué es!

La verdad es que me encantaría ir leyendo un día el periódico por la calle y que al pasar la página apareciera un titular del tipo: «¡CUIDADO, EL ASESINO ESTÁ DETRÁS DE TI!». Ya en serio, la frase original es «They don't advertise for killers in the newspaper» y la traducción correcta sería «En los periódicos no aparecen ofertas de empleo para asesinos». Esta frase bien traducida hubiera ayudado a entender que Deckard ya no quiere seguir trabajando de Blade Runner, pero tal y como lo tradujeron hacía muy difícil que alguien pudiera llegar a esa conclusión sólo viendo la película.

Este error se produce porque el traductor cree saber lo que significa advertise cuando en realidad no es así. En cualquier caso, me cuesta mucho creer que alguien lea la frase «No nos avisan contra los asesinos en el periódico» y no se dé cuenta de que hay algo mal, porque incluso suena mal.

También ocurre en ocasiones que el traductor no domina su propio idioma. Hoy mismo, sin ir más lejos, me he encontrado un «Bajemos abajo» mientras leía el primer tomo de Locke & Key de Joe Hill y Gabriel Rodríguez.

Y esto nos lleva a otro asunto: ¿quién, amigos, revisa estos textos? Yo diría que cada vez hay más textos que son publicados sin revisión. Y creo que cualquiera que lea habitualmente diarios electrónicos se dará cuenta de que esto que digo es tristemente cierto. Encontrarse faltas de ortografía o frases sin sentido es algo que se ha vuelto demasiado frecuente. También se ha vuelto frecuente encontrar artículos que han sido mal traducidos de algún medio extranjero y te toca retraducir sobre la marcha intentando averiguar qué quiso decir el autor original. Que alguien cualificado revise los textos es fundamental. Creo que nos acercamos peligrosamente al terreno del todo vale, y si queréis un ejemplo de lo que ocurre con el todo vale, la Wikipedia en español ofrece diversión sin límites.

«Como otro homenaje a Randy, guitarras de Jackson lanzó una réplica exacta del blanco original de Randy "shortwing" guitarra V. Randy 's originales se manejó, fotografiado y medido extensamente por los luthiers de Jackson para producir la réplica más exacta posible. La guitarra viene con cinta gaffer negro que cubre el ala superior y la parte posterior de la guitarra, al igual que Randy. Sólo 60 de las guitarras fueron fabricadas, cada uno con un precio simbólico de $ 12,619.56 que es la fecha de nacimiento de Rhoads.» —Extraído del artículo en español de la Wikipedia sobre Randy Rhoads.

El artículo entero sigue esta línea de humor, pero este párrafo en concreto es maravilloso. Lo que más me gusta es la frase: «Sólo 60 de las guitarras fueron fabricadas», ya que da a entender que hay más, pero que no fueron fabricadas. Tranquilos, Iker Jiménez ya está investigando el caso de las guitarras fantasmas con cinta gaffer, al igual que Randy.

No quiero entrar en el debate de cómo influye que las cosas se traduzcan mal, o que en los medios se hable y se escriba mal y dé lo mismo, porque es otro debate, pero es muy negativo y tiene un impacto enorme en el lenguaje.

Volviendo al tema del cine es posible que alguien piense que todos estos problemas le son ajenos porque ve las películas en versión original con subtítulos. Relativamente. Si conoces un idioma hasta el punto de poder ver las películas en V.O. sin subtítulos te libras de todo esto, pero si dependes de subtítulos la cosa ya no está tan clara.

Los subtítulos tienen varias limitaciones. ¿Qué ocurre si te están subtitulando a un personaje que no está en pantalla y por leer te pierdes un detalle interesante o importante para el desarrollo de la película? ¿Y si estás viendo una de esas comedias en las que hay alguien en segundo plano haciendo tonterías? ¿Qué ocurre si hablan varios personajes a la vez? ¿Qué ocurre si hay que poner un texto demasiado largo en pantalla? ¿Y si un personaje habla demasiado deprisa? ¿Qué opinan los directores de fotografía de que sobreimpresionen letras sobre su trabajo?

Algunas de estas limitaciones no tienen solución y otras se “solucionan” recortando cosas, a veces hasta el 75% de lo que dicen los personajes. Además, los subtítulos tampoco se libran de los errores de traducción. En cualquier caso, a falta de que alguien invente algo mejor, los subtítulos son la opción que más nos aproximan al original si no podemos recurrir al original puro y duro, es decir, son el mal menor.

En el otro extremo está el doblaje, la opción más intrusiva, la que más modifica el original y la más criticada a la par que la más consumida en España. Antes de seguir, quiero aclarar que paso de fanatismos. Yo prefiero la V.O. pero veo películas dobladas y no me supone un terrible sufrimiento ni tengo la sensación de que me vaya a estallar la cabeza como a Louis del Grande en Scanners. Digo esto porque hay mucho talibán de la V.O. partidario de no doblar nada y es algo que no comparto porque, por ejemplo, Los Simpson en su primera época con Carlos Revilla al frente, son excelentes y si me apuráis, mejores que la versión americana. E igual que no entiendo el fanatismo con la V.O. tampoco al contrario, es decir, el fanatismo de aquellos que viven plácidamente con sus versiones dobladas y son incapaces de reconocer que con el doblaje se están perdiendo algo. Otra cosa es que te importe más o menos lo que te estás perdiendo.

Si uno compara un doblaje de España o de México con un doblaje de Polonia o China, pues evidentemente salimos ganando. De hecho, hay países en los que el doblaje se reduce a una única persona que hace las voces por encima del audio original. Pero es que en España, la industria del doblaje tiene más de 80 años. O sea, que cuando se dice que el doblaje español es de los mejores, es cierto, sin embargo, tengo la firme convicción de que el doblaje que se hace en España es cada vez peor. Y no lo digo por decir, es algo tangible que con el auge de internet y sobre todo de la TDT, el doblaje ha empeorado.

La selección de las voces sigue unos criterios muy cuestionables, hasta el punto de que te encuentras con personajes con voces que no se corresponden a su aspecto; existe poca variedad de voces y no se cuida a los personajes secundarios —¿cuántos personajes puede doblar el mismo tío en The Wire?—; existe un maltrato evidente a productos considerados menores; cada vez hay más actores que no vocalizan bien —el final de Brokeback Mountain, con el Jack, hay que ver, no se entiende una mierda, aparte de que en la V.O. dice I swear (Lo juro), o sea, que la decisión de ese cambio tampoco se entiende una mierda—, por no hablar de que cada vez hay más doblajes que son abiertamente malos, con actores planos que no transmiten nada o que incluso cambian el tono de la obra (The Wire, Dexter, The big bang theory, Modern Family, Quantum of Solace, la saga de Harry Potter, Gran Torino…). Y no hablo de la odiosa moda de asignar los doblajes a actores de medio pelo o al famosete de turno porque me hierve la sangre. (No digas nada de Dani Martín en School of Rock, no digas nada de Dani Martín en School of Rock, no digas…)

Otra cosa que se pierde totalmente con el doblaje son los acentos. Ya no es sólo que desaparezcan y pierdas la forma de hablar de los personajes, es que es patético cuando intentan poner los acentos en español. Yo lo siento pero no me puedo creer a Naveen Andrews en Perdidos ni a Olga Kurylenko en Quantum of Solace ni a Sofía Vergara en Modern Family cuando lo que tenemos es un actor español haciendo de iraquí, de rusa o de lo que coño sea el acento de Sofía Vergara.

Padre de familia es una serie con un gran doblaje en español, pero también pierde el acento británico de Stewie.

Además, la presencia del español en las series americanas es cada vez mayor, creando situaciones o incluso ambientes enteros como en Dexter que ya no es que se pierdan, es que terminan volviéndose absurdos. Y todos hemos visto personajes que se hablan en el mismo idioma pero no se entienden o un pueblo de mexicanos que no podrían parecer menos mexicanos aunque quisieran, con sus caras de mexicanos, sus ropas de mexicanos, sus sombreros mexicanos, sus bigotes mexicanos, sus botellas de tequila mexicanas, su música mexicana y un cartel enorme que dice «Viva México, cabrones» y sorprendentemente nadie en el puto pueblo habla una palabra de español. Eso sí, hablan italiano y portugués fluido.

No mames, güey, claro que soy portugués.

Y el colmo del doblaje es lo que yo llamo “vamos a inventarnos la película”. Esto, me imagino que tiene lugar cuando los que van a doblar la película, charlando sobre lo que van a hacer, llegan a la conclusión de que pueden mejorar el original. Venga, con dos cojones. Esto provoca casos esperpénticos en los que los personajes dicen en español cosas que no dicen en el original. Queréis ejemplos, a que sí.

1971. Perros de paja de Sam Peckinpah llega a España. Pero, ¿qué es un perro de paja? Tal vez viendo la película lo descubramos, debieron pensar los dobladores. Pero no, la película no lo aclaraba (explícitamente nadie decía «esto es un perro de paja», pero tampoco hacía falta ser Einstein para entenderlo), así que en un momento tras el clímax final en el que Dustin Hoffman da la espalda a la cámara, éste dice: «Perros de paja». Y ya está, los dobladores han arreglado el problema, ahora si alguien pregunta qué es un perro de paja le podemos contestar que es algo que dice el protagonista. Sobra decir que Dustin Hoffman no dice nada en la V.O. al respecto, pero quién lo va a saber, ¿no?

1977. En Suspiria de Dario Argento la primera víctima dice algo que Jessica Harper trata de descifrar durante buena parte de la película, aunque no en su versión española que se entiende perfectamente lo que dice para arruinar convenientemente el misterio.

2003. Lost in translation. Al final de Lost in translation Bill Murray susurra algo al oído de Scarlett Johansson que en su versión original era intencionadamente inaudible. Para que no pensaran los espectadores españoles que a lo mejor se había perdido algo en la traducción, los dobladores decidieron inventarse una frase: «Eres lo mejor que me ha pasado en mucho tiempo, no pierdas nunca esa sonrisa». ¡Venga, imaginación al poder!

Y voy a pasar un poco por alto el aspecto técnico porque no soy ningún entendido, pero las pistas dobladas suelen tener peor calidad que las pistas originales, aparte de que es imposible reproducir el trabajo del ingeniero de sonido original. De lo que sí me doy cuenta sin necesidad de un oído vulcaniano es que los dobladores españoles suben muchísimo el sonido de sus voces, a menudo ahogando otros sonidos de la pista.

Y dicho todo esto, voy a tratar defender el doblaje. Con dos cojones. Pero antes de seguir, quiero desmontar algunos mitos sobre esta sempiterna polémica.

«El nivel de inglés de España es una mierda por culpa de las películas dobladas.»
El nivel de inglés en España es una mierda, cierto, pero echarle la culpa al doblaje es una gilipollez. Un idioma no se aprende viendo películas en V.O.S., en todo caso, viendo películas puedes mejorar tu conocimiento de un idioma siempre que tengas una base, pero por muchas pelis de Hong Kong que te pongas con subtítulos no vas a aprender cantonés te pongas como te pongas. Y el problema de España es la base.

«Todos los doblajes son malos porque alteran el original.»
El doblaje es una alteración y te priva de parte de la actuación de un actor, eso es algo innegable. Si no viste Toro Salvaje en V.O. no captaste que De Niro no interpretaba igual a Jake LaMotta en sus buenos tiempos que en sus horas bajas porque el actor de doblaje lo interpretó todo igual. Si la viste en V.O., ahí tienes un detalle enriquecedor que hará que la experiencia sea mejor. Pero que los doblajes alteren las películas o que nuestras peores pesadillas estén narradas por Verónica Forqué, no quiere decir que haya que demonizar el doblaje en general. De hecho, hay doblajes muy buenos. Un ejemplo de un doblaje muy bueno sería el de la comedia de Billy Wilder Uno, dos, tres (One, two, three, 1961), que fue doblada en una época en la que doblar una película en España podía llevar fácilmente 3 meses, no como ahora. Esta comedia basa su humor en el ritmo endiablado al que reparte órdenes James Cagney; los chistes se suceden a tal velocidad que cuando aún no has terminado de reírte de uno, ya te estas riendo del siguiente. Si no tienes un nivel altísimo de inglés, verla en V.O. hará seguramente que no entiendas a Cagney, y verla con subtítulos es tan absurdo que no merece la pena ni comentarlo: ni te va a dar tiempo a leerlo todo, ni puede aparecer todo en la pantalla al ritmo que habla Cagney. Así que verla doblada, es una opción muy interesante.

«Prefiero ver una peli en suajili sin subtítulos que verla doblada.»
Pues bueno, esto es algo que no comparto, pero cada cual que vea las películas como le dé la gana. ¿Por no perderte las voces de los actores te vas a perder cosas como la historia o los diálogos? No parece muy lógico.

«Si no doblaran las películas la gente vería más cine español.»
Esto me hace mucha gracia porque quien dice esta frase lo suele hacer desde una perspectiva negativa sin darse cuenta, es decir, en el fondo lo que está pensando es que como los españoles somos unos catetos incapaces de aprender ningún idioma tendremos que ir a ver cine español por cojones. Yo soy de la opinión de que el cine español es bueno y de que además está cambiando para bien, pero creo que quien dice esto no es consciente de que la mayoría de los españoles tienen interiorizada la idea de que el cine español es malo, repetitivo y que si pagas por ver una película española, pagas dos veces. No creo en nada de esto, pero creo que es lo que piensa la gente, así que yo no pondría la mano en el fuego por esta afirmación.

«Si ves películas dobladas eres un cateto de pueblo y te gusta menos el cine que a mí.»
No hay más cateto que el que pronuncia esta frase. La gente que quiere prohibir el doblaje (es que en Estados Unidos está prohibido) equivoca el debate, la cuestión no es que se jodan y aprendan inglés (¿Hay cine que no es en inglés? ¿En serio?) ni que se jodan y se esperen al DVD, la cuestión no es conseguir tu derecho a ver algo en V.O. limitando el derecho de otro a verlo doblado, la cuestión es conseguir una pluralidad que permita a cada uno ejercer su derecho a elegir. Y si no eres capaz de darte cuenta de esto, sí, eres un cateto.

Y en esto último que acabo de decir está para mí la justificación del doblaje: que cada uno vea las películas como le dé la gana. Lo único que choca con esto, y es la única reivindicación de los que defienden la V.O. por encima de todo con la que estoy plenamente de acuerdo, es que en muchos cines de nuestro país no llegan las películas en V.O. y, por lo tanto, hay gente que no puede ver las películas como quiere. Yo vivo en Madrid y tengo la suerte de que prácticamente todo llega doblado y en V.O. y puedo elegir, pero es cierto que mucha gente no tiene esa opción.

Más allá de eso, no veo dónde está el problema. Hoy en día supongo que todo el mundo tiene una televisión de menos de 30 años con función dual que te permite ver películas en V.O.S.E. y los DVDs y los Blu-Rays te permiten ver las películas como quieras, así que más allá del tema de los cines, que es algo que comparto, no entiendo ese fanatismo antidoblaje.

Y hay otra cosa: con el doblaje tienes dos versiones en vez de una, y puede que te toque una mierda como el doblaje de Dani Martín en School of Rock —acudes al original y arreglado— o puedes encontrarte con auténticas maravillas como el doblaje de Shin Chan en gallego o el doblaje de La chaqueta metálica y Pulp Fiction en castellano.

El doblaje de Dani Martín en School of Rock hace llorar al niño Jesús y le dejó esta cara a Jack Black.

E incluso puedes encontrarte cosas que dentro de su infamia son pura hilaridad. Y os dejo una muestra. Es de una película llamada Ases y ochos (Aces ‘n Eights, 2008), un zurullo que gana mucho con el cutre doblaje que le han hecho. Dejo una lista con lo mejor por si alguien no quiere escucharlo entero.

En 0:23 dicen «Ortografía» en vez de «Orografía».
En 2:32 dicen «Puedo garantiros» en vez de «Puedo garantizaros», a lo que le responden con un «Estamos perparados».
Y en 7:19, el golpe maestro, «Así cago» en vez de «Chicago».

Esta mierda parece que ha sido perpetrada por un pseudo estudio de doblaje que se dedica a contratar extranjeros que hablan español medio mal para ahorrarse unas perrillas. ¡Bien por ellos! En el doblaje no valen medias tintas, o haces un producto absolutamente cuidado e intachable en todos los aspectos o de perdidos al río y ya que vas a joder algo, jódelo a lo grande. Y os digo una cosa, El Príncipe de Bel-Air era una serie malísima. ¿Alguien la hubiera visto sin aquel doblaje creativo? ¿Y el doblaje de Austin Powers? Era imposible doblar eso manteniendo una cierta cercanía al original, así que la opción de hacer algo tan extremo me parece genial. E insisto, si no te gusta, el original va a estar ahí para siempre.

Así que dejaos de fanatismos. El doblaje que se hace en España, a pesar de haber bajado en calidad, no es ninguna tragedia. Y defenderé siempre que se pueda ver en el cine una película en V.O., pero no a costa de quitarle a alguien su derecho a ver una película doblada si es lo que quiere.

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* De La Roca (The Rock, Michael Bay, 1996). En V.O. Stanley (Nick Cage) dice How, in the name of Zeus's butthole, did you get out of your cell?, que fue traducido como ¿Cómo, en nombre de los testículos del Minotauro, logró escapar de su celda? Los testículos del Minotauro son en realidad el ano de Zeus.

** Digo término inglés pero no es del todo correcto porque en el Reino Unido un billón tiene la misma equivalencia que aquí, por lo tanto, es necesario conocer el origen de la fuente para saber la cantidad exacta a la que se refiere el término.

La escena del mes XVII | El chico de oro (1986)

noreply@blogger.com (Einer) — Sun, 01 Sep 2013 11:19:00 +0000

Dicen que la concepción original de El chico de oro (The Golden Child, Michael Ritchie, 1986) era la de una película seria de aventuras que iba a ser protagonizada por Mel Gibson y dirigida por John Carpenter. Ninguno de los dos participó finalmente en el proyecto y tras una reescritura de guion acabó convirtiéndose en vehículo para el lucimiento de Eddie Murphy. Carpenter, por su parte, acabó estrenando ese mismo año de 1986 Golpe en la pequeña China (Big trouble in Little China), que compartía con El chico de oro una curiosa visión del lejano oriente, un improbable héroe, enemigos con poderes sobrenaturales, a Victor Wong y a James Hong,... Demasiadas semejanzas para dos películas que no se parecen en nada. El caso es que Golpe en la pequeña China fue un fracaso y El chico de oro fue un éxito, aunque el tiempo ha colocado a cada una donde se merece.

Gran póster de John Alvin.

Echando la vista atrás recuerdo con cierto cariño aquellas películas de los comienzos de Murphy, a quien ahora tengo un poco atravesado. El chico de oro creo que está lejos de los anteriores éxitos de Murphy como Límite 48 horas (48 Hrs., Walter Hill, 1982), Entre pillos anda el juego (Trading places, John Landis, 1983) o Superdetective en Hollywood (Beverly Hill Cop, Martin Brest, 1984) pero aun así, creo que es bastante aceptable. Al menos consigue hacerme reír más de una vez, y tratándose de una comedia, ¡qué más se puede pedir!

Además, tiene unos efectos especiales bastante logrados a cargo de Industrial Light and Magic. La escena que he puesto, como habéis podido ver, es animación en stop-motion, pero con una fluidez impresionante. La canción que baila el «hombre-Pepsi» es Puttin’ on the Ritz, una canción muy popular a la que ya rindió homenaje también Mel Brooks en una escena muy graciosa de El jovencito Frankentein (Young Frankenstein, 1974). Y toda la parte final con Charles Dance —siempre bien Charles Dance— convertido en demonio, viéndolo con la perspectiva de que han pasado 25 años, me parecen unos efectos más que correctos.

Quizás lo que más le falla a esta película es que toda la parte de aventura y fantasía queda algo sosa en comparación a los momentos de comedia protagonizados por Murphy, pero esos momentos de comedia bien valen un visionado.

Ciudadano X (1995)

noreply@blogger.com (Einer) — Fri, 23 Aug 2013 12:07:00 +0000

Tras hallar 8 cadáveres en la granja colectiva número 5, el camarada forense Burakov, presenta un informe en el que afirma que se enfrentan a un asesino en serie. Pero eso no puede ser porque según el camarada Bondarchuk, secretario de ideología del Partido, «no hay asesinos en serie en la Unión Soviética. […] Eso es un fenómeno de la decadencia de Occidente».

Pero sí que los había. De los poquísimos que trascendieron, el más destacado es el caso de Andréi Chikatilo, el carnicero de Rostov, que asesinó a 53 personas entre 1978 y 1990. En realidad, aunque sólo sea por estadística, debieron haber muchos más casos, pero el oscurantismo de todo lo que pasaba en la URSS y la tendencia a cerrar los casos de forma precipitada, han hecho que la lista de asesinos en serie que actuaron en la Unión Soviética sea realmente corta. Ciudadano X nos acerca a la investigación que llevó a la detención de Chikatilo en 1990.

El camarada Burakov —Stephen Rea—, es nombrado jefe del nuevo «Departamento de asesinos». La tarea no es sencilla. No se enfrenta sólo a un asesino en serie, se enfrenta también a un régimen que no cree en él ni en sus teorías y que, por tanto, no ha desarrollado un método de trabajo para estos casos. Ni saben hacer frente a un asesino en serie, ni saben lo que buscan, ni saben cómo hallarlo. El camarada Burakov, mientras sigue las anticuadas recomendaciones del Comité que no conducen a nada, irá desarrollando, casi sin darse cuenta, una moderna ciencia criminal que poco a poco irá estrechando el cerco alrededor de Chikatilo.

Burakov encontrará un único apoyo dentro del Cómite, el coronel Fetisov —Donald Sutherland—, jefe de la milicia y secretario del Comité. Tratándose de un thriller que busca hallar a un asesino, resulta sorprendente que uno de los puntos fuertes de Ciudadano X sea la amistad que surge entre Burakov y Fetisov. Especialmente por la evolución de Fetisov, que comienza con una pequeña burla hacia Burakov para dejar claro dónde está cada uno y que terminará por reconocer y admirar la determinación, la audacia y la fortaleza mental de éste.

Pero lo que para mí más destaca de Ciudadano X es cómo consigue mostrar la tremenda presión a la que está sometido Burakov, ya que cada cadáver que aparece es otra derrota para él y otro golpe a su moral y su confianza. Y a esto ayuda sobremanera la interpretación de Stephen Rea y su cara de eterna pesadumbre.

Una de las piezas claves para la detención de Chikatilo es el convencimiento de Burakov de la necesidad de elaborar un perfil psicológico del asesino. Algo tan común hoy en día, que hasta hay series de televisión de equipos que se dedican sólo a esto, pero por aquel entonces, en la Rusia comunista, era algo inaudito. Tanto, que sólo el doctor Bukhanovsky —Max von Sydow— accede a realizarlo. El momento del interrogatorio final, con Bukhanovsky leyendo a Chikatilo el perfil que ha trazado de él, con cada frase dando en el centro de la diana como si fueran flechas lanzadas directamente a su corazón, es un momento casi mágico.

Ciudadano X es una producción de la HBO para la televisión, pero no lo parece. Las actuaciones son sobresalientes. No sólo la frialdad de Rea o la solvencia de Sutherland, también Jeffrey DeMunn en el papel de Chikatilo está brillante, Joss Ackland como adalid de todo lo malo del Partido no puede estar mejor y, por supuesto, Max von Sydow, siempre eficiente. Y no puedo olvidarme de Chris Gerolmo, director de la cinta, que demuestra un talento impropio de alguien que sólo es conocido por haber dirigido un par de telefilmes y por haber escrito el guion de Arde Mississippi (Mississippi burning, 1988).

El film está lleno de momentos asombrosos gracias a la dirección de Gerolmo. Ya no sólo el buenísimo uso de la imaginería, que consigue, por ejemplo, que únicamente con un cartel en la pared sepas que todo un régimen ha caído, sino porque Gerolmo consigue hacer un cine que en cierto modo recuerda a tiempos pasados, cuando los diálogos no eran tan importantes como las imágenes. Recuerdo a Chikatilo arrastrando a la muerte a sus víctimas, a los policías peinando los campos, entrando en las casas, recuerdo el durísimo momento en el que Burakov va casa por casa comunicando a las familias que sus hijos han sido asesinados, todo en silencio. Estremecedor.

Ciudadano X es una joya de culto merecedora de mucho más que lo que el calificativo «telefilm» sugiere.

El buen hijo (1993)

noreply@blogger.com (Einer) — Mon, 05 Aug 2013 13:19:00 +0000

Esta es una película que me gusta mucho y que siempre que la veo consigue engancharme de nuevo. En su momento, fue número uno en taquilla, quizás porque contaba con los dos actores infantiles más importantes del momento, Elijah Wood y Macaulay Culkin, pero hoy, en cambio, parece estar algo olvidada.

Aunque El buen hijo fue un blockbuster veraniego y seguramente utilizaron la presencia de Macaulay Culkin y Elijah Wood como reclamo, lo cierto es que es un thriller estupendo que tiene unas cuantas cosas interesantes. Está dirigida por Joseph Ruben, quien a pesar de no ser muy conocido tiene varias películas en su filmografía que merecen la pena (El padrastro, [The stepfather, 1987]; Solo ante la ley, [True Believer, 1989]; Durmiendo con su enemigo, [Sleeping with the enemy, 1991]; Asalto al tren del dinero, [Money train, 1995]); y cuenta además con guion del hoy prestigioso escritor británico Ian McEwan y con música del no menos prestigioso Elmer Bernstein.

La historia es la siguiente: La madre de Mark —Elijah— fallece y tras unos días con su padre éste tiene que viajar a Japón por negocios, así que decide dejarle con sus primos Henry y Connie —Macaulay y su hermana Quinn—, pensando que unos días con ellos le ayudará a superar la pérdida de su madre. Pero Mark pronto descubrirá que su primo Henry, con su pelo rubio, sus ojitos azules y su cara de no haber roto un plato, no es el buen hijo que aparenta ser, sino un psicópata de lo más peligroso.

Los personajes de Henry y Mark están muy bien diseñados: Henry, es un psicópata de tomo y lomo que no tiene ningún respecto por la vida. Desde bien pronto con el «si te suelto… ¿crees que podrás volar?» vemos que Henry es malvado pero también inteligente. Sabe que tiene que guardar las apariencias, parecer el buen hijo que en realidad no es. Un momento que me gusta mucho es cuando Henry le dice a Mark: «Cuando te das cuenta de que todo es posible, eres libre», en clara alusión a un asesinato que ya ha cometido, demostrando que para él, las leyes y la ética han perdido todo sentido, y lo que es más importante, mostrando su incapacidad de sentir empatía ni remordimientos.

Un aspecto que me parece que le da al film un punto muy interesante es que Mark, aparte de ser el niño bueno que descubre la maldad de su primo, y al que nadie cree por haber pasado por un duro trauma recientemente, está obsesionado con que su madre, se ha reencarnado en su tía. Esto hace que el magnífico final, cobre un doble sentido.

Este final fue rodado a 40 metros sobre un acantilado en Minnesota, sin dobles. De hecho, Elijah y Macaulay se pasaron 6 semanas entrenando con los especialistas y tras discutir largo y tendido con los padres de Macaulay para que les dejaran rodar ciertas escenas de riesgo con el chaval, Macaulay accedió a rodarlas a cambio de que le dieran una pistola de aire comprimido.

Una crítica que he visto muchas veces hacia esta película es que los niños parecen demasiado adultos, que resulta demasiado irreal que se comporten de la manera que lo hacen; muy maduro Mark, demasiado inteligente Henry. Me parece una chorrada. Es cierto que hacen comentarios de una mordacidad digna de John McClane, pero el estreno de El buen hijo tuvo que ser suspendido en el Reino Unido por lo reciente del caso James Bulger, un niño de 2 años que fue torturado y asesinado por dos niños de 10 años, causando gran conmoción en Inglaterra. Así que si alguien cree que Henry es demasiado malvado o mordaz o inteligente, que salga de su cueva y eche un vistazo al mundo en el que vive.

A modo de resumen, El buen hijo es un buen thriller que tiene en el guion y las actuaciones sus mejores armas, pero que no está exento de tensión, una gran atmósfera y un desenlace brillante.

El misterio de Salem's Lot

noreply@blogger.com (Einer) — Sun, 14 Jul 2013 20:28:00 +0000

Stephen King es un escritor con hordas de seguidores y también con bastantes detractores. Yo me encuentro entre el primer grupo, ya no sólo porque me haya gustado prácticamente todo lo que he leído de él, sino también porque algunos de sus libros supusieron una revelación para mí frente a las recomendaciones literarias de mis profesores, que parecían empeñados en alejarme de la lectura. Y creo también que King es un gran escritor, y tiene un buen puñado de libros que yo no calificaría por menos que de obras maestras. Es evidente, por tanto, que no comparto las críticas que le tachan de escritor mediocre. Sí comparto la opinión de que en ocasiones tiene problemas para crear buenos finales, pero echando un vistazo a lo que he leído de él, los finales buenos o incluso muy buenos, superan con creces a los que me decepcionaron. En cualquier caso, es el diseño que hace de los personajes y su forma de contar las cosas y crear tensión narrativa lo que hace que disfrute de todos sus libros, incluso de los peores o de los que parten de las ideas más absurdas. Y además, hay un elemento adicional, imperceptible en sus primeras obras o para el que se acerca a King de manera ocasional, que es un auténtico placer para el lector habitual: la autorreferencia. Stephen King ha creado una especie de universo particular con sus obras, de manera que personajes que parecían olvidados o historias que parecían inconclusas pueden volver a aparecer o cerrarse después de años.

Tras esta defensa de Stephen King que nadie me ha pedido, voy a hablar de El misterio de Salem’s Lot (Salem’s Lot, 1976), la segunda novela que publicó y uno de sus libros que más me gustan. Creo que no desvelo nada de más si digo que es una novela de vampiros, de hecho, una de las primeras ediciones en español se titulaba La hora del vampiro. Sin embargo, al margen del tratamiento que da a la historia vampírica, bastante clásica, Stephen King desarrolla aquí una idea que me gustó mucho: ¿existen lugares malignos que atraen el mal? Esto me gustó tanto por la idea en sí como porque permite a King jugar un juego un tanto ambiguo al principio de manera que el lector no sepa exactamente de qué trata el libro.

Pero Salem’s Lot no es sólo un libro de vampiros, es también una mirada cotilla a lo que ocurre detrás de cada puerta, a los secretos que se esconden en cada casa de otro aburrido pueblo americano; una mirada a la oscuridad que se oculta en cada uno de nosotros. O sea, que el relato está enriquecido con multitud de historias interesantes que no tienen nada que ver con mordeduras ni estacazos.

Antes decía que Salem’s Lot es una aproximación clásica al vampirismo y lo decía como una virtud. Sangre, estacas, ajos, rosas, agua corriente, luz del sol, mordeduras que desaparecen, necesidad de ser invitados,… La visión clásica del vampiro es la que me gusta, es ya suficientemente rica como para no necesitar aditivos ni alteraciones. King lo sabe, se ciñe a ello y lo fía todo a su gran capacidad de contar historias interesantes con personajes inolvidables, con el resultado de crear un libro fabuloso.

De Salem’s Lot se han realizado dos adaptaciones televisivas, una en 1979 y otra en 2004, ambas en formato de miniserie y ambas con resultados sorprendentes.

El misterio de Salem's Lot (1979)

En 1976 Brian de Palma llevó al cine Carrie, la primera novela de King, con un resultado bastante bueno. Para la segunda adaptación de una de sus obras se eligió a otro director de prestigio, Tobe Hooper. El formato elegido puede que sorprenda —una miniserie de dos capítulos de hora y media— pero por la longitud de la novela y la cantidad de cosas que ocurren creo que es bastante acertado. Esta adaptación tuvo mucho éxito así que se decidió hacer un estreno cinematográfico de una versión reducida que llegó a España bajo el título de Phantasma II, tratando de hacerla pasar por una secuela de Phantasma de Don Coscarelli, con la que no guarda ninguna relación, en lo que constituye, muy probablemente, una de las decisiones comerciales más estúpidas de este país. Y eso que el nivel está alto.

En cualquier caso, hablando ya de la miniserie, a mí me gusta muchísimo. Es muy habitual encontrarse con adaptaciones mediocres de la obra de King, pero tratándose de una miniserie para la televisión el resultado es muy bueno. Obviamente hay cambios, pero la esencia vampírica y el relato costumbrista están ahí, la atmósfera está logradísima, la caracterización de los vampiros es estupenda y además consigue transmitir la tensión que tiene la novela.

Puede que vista hoy en día el impacto no sea el mismo que hace treinta años, pero aun así y teniendo en cuenta lo bueno que me parece el material del que parte, el resultado final es notable y tiene varios momentos que superaron con creces mis expectativas y que a día de hoy me siguen fascinando: la casa de los Marsten es mucho mejor de lo que me imaginaba, el muchacho arañando el cristal y pidiendo entrar es uno de esas imágenes que se te quedan grabadas y la escena en la que transportan el ataúd de Barlow y el camión empieza a helarse me pareció brillante.

He leído en algún sitio que a Stephen King no le gustó el diseño de Barlow, el vampiro jefe, que tiene un aire bastante a Max Schreck en Nosferatu. Sin embargo, King hace una descripción de su ayudante, Straker, que a mí me evocó inmediatamente a Nosferatu mientras lo leía, así que no me parece tan descabellado.

En cualquier caso, al margen de ese detalle más o menos acertado, es una muy buena adaptación de una obra extraordinaria.

Regreso a Salem's Lot (1987)

La versión del 79 conoció una secuela de ínfima calidad en 1987, Regreso a Salem’s Lot (A return to Salem’s Lot, Larry Cohen), una versión en la que los vampiros beben sangre de vaca y necesitan que un antropólogo les escriba un libro. Absurda a más no poder. Stephen King no quiso saber nada del proyecto desde que le contaron de qué iba, pero yo he de reconocer que me lo pasé muy bien con los absurdos diálogos y con la tremenda inconsistencia del guion. Sólo recomendada para amantes de la caspa como yo. Además, cuenta con el mítico Michael Moriarty.

‘Salem’s Lot (2004)

En 2004 vio la luz esta nueva adaptación de la historia de King que contaba como principales reclamos con la presencia de Donald Sutherland y Rutger Hauer y con la imagen de ser una adaptación más fiel que la del 79. Personalmente, Sutherland y Hauer me resultaron intrascendentes —Sutherland se queda lejísimos de James Mason y Hauer sólo transmite apatía— y la historia no me pareció que fuera más fiel al original. Lo es en algunas cosas, pero no en otras.

Quizás lo que más me sorprendió es que cambia mucho el tono, perdiéndose la excepcional atmósfera lograda en la versión del 79 y acercando la historia más al plano del misterio que del terror. Aun con todo me pareció una versión bastante digna y disfrutable que brilla más en el retrato costumbrista y en el desarrollo de los personajes que en la representación que hace del vampirismo, mucho menos terrorífica que en la novela o la versión del 79.

El hombre de acero (2013)

noreply@blogger.com (Einer) — Sat, 29 Jun 2013 17:43:00 +0000

No suelo comentar estrenos porque es de lo que más se habla en los blogs de cine y al final terminas leyendo varias veces lo mismo, pero como he comentado todas las películas de Superman (aquí y aquí), por afán de completismo voy a explicar brevemente los aspectos que más me han llamado la atención de El hombre de acero.

Empezaré diciendo que El hombre de acero me gustó a pesar de que en algunos aspectos esperaba mucho más. Es una película tremendamente espectacular, los efectos especiales están muy bien hechos, está plagada de acción —de hecho, tiene toda la suya y la que le faltaba a Superman Returns— y me gustó que tuvieran el atrevimiento de reinterpretar ciertas cosas que se dan por supuestas en la historia de Superman y que no tienen por qué serlo. Ciertas cosas, no todas.

El guion es una mezcla de las dos primeras películas de Richard Donner; nos vuelven a contar el final de Krypton y la llegada de Kal-El a la Tierra, aunque el imaginativo diseño de Krypton y sobre todo, lo radicalmente diferente que es respecto a lo que ya habíamos visto en otras entregas, hizo que disfrutara de esta parte; y se vuelve a utilizar al general Zod y sus secuaces para enfrentar a Superman a un enemigo superior en fuerza y en número, algo que se demostró en el pasado que era lo que mejor había funcionado como amenaza creíble contra Superman. Curiosamente, es aquí donde más falla la película.

Antes de ver El hombre de acero lo único que sabía de ella era lo que había visto en el tráiler y medio artículo que había leído de Raül Calvo, ya que no quería conocer demasiado de la peli. Leí hasta la frase «…Nolan es en parte inocente de lo que para mí ha sido cruzar una raya que no debería haber sido cruzada». Intuí por dónde iban los tiros y me decepcionó descubrir tras ver la película que no me había equivocado.

No voy a desvelar qué es lo que hace Superman que no debería haber hecho aunque supongo que a estas alturas casi todo el mundo lo sabe ya. La seña de identidad de Superman, lo que le convierte en lo que es, no es el traje, ni la visión de rayos láser, ni que pueda volar, ni siquiera que sea de Krypton; lo que hace a Superman ser Superman son sus valores. Hay cosas que Superman nunca haría, y me sorprendió que en la película hay varios momentos (no sólo lo que pasa al final) en los que Superman no actúa como actuaría Superman.

Incluso peor que el final, me pareció el personaje de Jonathan Kent, que lo único que hace es repetirle a Clark una y otra que debe ocultar sus poderes porque el mundo no está preparado, llegando incluso a insinuar que tal vez debería haber dejado morir a unos niños, lo que es quizás el mensaje más patético que he visto en una película de Superman. También muy absurda su muerte (no afecta nada saber que Jonathan Kent muere, ya que siempre lo hace) en una escena que no tiene sentido ninguno. ¿Por qué va Jonathan al coche en vez de Clark? ¿En serio el mensaje es «me dejo morir para demostrarte que tengo razón»? ¿Y le deja morir sin más? Absurdo a más no poder.

Y los últimos 45 minutos, que son de una destrucción brutal, vienen a corroborar el total desapego de este hombre con corazón de acero hacia la Humanidad. No da muestras en ningún momento de estar preocupado porque miles de personas estén muriendo. Ya no estamos ante el Superman que en mitad de una batalla salvaba a unos inocentes, ese Superman que tenía el don de la ubicuidad y salvaba a todo el mundo como correspondía a un dios entre los hombres, ni ese Superman consciente de que sus poderes también causaban daño y alejaba las batallas a zonas poco pobladas o incluso al espacio. Estamos ante un Superman real, que no puede salvarlos a todos, que ya no respeta la vida como algo sagrado, que es más terrenal que divino.

No sé por qué alguien ha debido pensar que la amenaza sería más real llevando la película a un plano más realista. No es verdad. Es una peli de un tío que vuela, lanza rayos láser por los ojos y tiene visión de rayos X. ¡Cómo coño va a ser realista! El empeño debería ser hacerme creer que un hombre puede volar, como me hicieron creer las películas de Richard Donner. Aquí lo único que han hecho es evaporar el sentido de la maravilla. Fui a verla con mi madre y al salir del cine ella dijo: «Está bien, pero si le hubieran quitado la capa y lo hubieran llamado de otra forma estaría mejor». En otras palabras: esto no es Superman. Por eso quizás lo han llamado El hombre de acero.

La escena del mes XVI | Torso: violencia carnal (1973)

noreply@blogger.com (Einer) — Tue, 11 Jun 2013 10:23:00 +0000

Había dejado de hacer esta sección por el creciente aumento de la censura y la publicidad en Youtube, pero afortunadamente existen alternativas que no son todo corrección política y merchandising y que me permiten enseñaros una de mis escenas favoritas de esta película y del giallo en general.

Mencioné a Sergio Martino de pasada en los artículos que hice del poliziesco, pero en realidad no hablé nada de él y lo cierto es que es un director muy interesante, con muchísimo talento y que cuenta en su filmografía con algunos títulos verdaderamente reivindicables como La perversa señora Ward (Lo strano vizio della Signora Wardh, 1971), La cola del escorpión (La coda dello scorpione, 1971), Todos los colores de la oscuridad (Tutti i colori del buio, 1972) y, por supuesto, Torso, que es la que comento hoy.

Bajo el extravagante título original de I corpi presentano tracce de violencia carnale, una singular moda de titular las películas que surgió también en el poliziesco con Confessione di un commissario di polizia al procuratore della repubblica y otros títulos similares, se esconde un genial giallo que acabaría teniendo una gran influencia en el desarrollo posterior del slasher.

Un asesinato similar a otro que aparece en La cola del escorpión.

Lo más interesante de Torso, como no podía ser de otra forma tratándose de un giallo dirigido por un maestro como Martino, viene siempre del plano técnico y visual.

Y como ejemplo, tenéis la escena que os he puesto, rodada con muchísimo estilo (me encanta el plano de los pies del comienzo), con esa niebla que da un aspecto fantasmal al conjunto; la ubicuidad del asesino, que le da ese toque casi sobrenatural que luego sería tan típico de los slasher, así como su simple pero impactante caracterización con el pasamontañas y los guantes; y la música de los hermanos de Angelis, que entra en el momento justo para darle el punto de locura definitivo al conjunto. Y además, los detalles perversos y sórdidos que están en todo el metraje, como el restregar el barro en el vientre de la chica con la mano enguantada antes de sacarle los ojos.

Otro asesinato épico.

Martino se permite el lujo de jugar con los elementos habituales del género pero no por ello abandona los clichés que constituyen los pilares básicos del giallo. Principalmente, las pistas falsas que pueblan el film, centradas especialmente en el pañuelo rojo y negro, omnipresente en toda la cinta, y que apunta sospechosos a diestro y siniestro con el único objetivo de engañar al espectador (Martino mantuvo en secreto quién era el asesino durante el rodaje, así que las propias chicas dudaban de quién las había matado).

Pero si por algo ha quedado Torso grabada en la memoria de muchos es por sus magníficos 20 minutos finales en los que el film se vuelve súbitamente puro suspense, con Suzy Kendall obligada a presenciar —al igual que el espectador— el descuartizamiento de sus amigas para no revelar su posición al asesino, así como su posterior lucha para obtener la llave que está al otro lado de la puerta. Toda una lección de suspense por parte de Sergio Martino que viene a cambiar radicalmente el estilo de lo visto la primera hora.

En el espectacular final, el punto de vista lo fija Suzy Kendall y vemos las atrocidades del asesino a través de sus ojos.

Quizás lo único críticable de esta estupenda película sea su algo tópico final que contrasta con la originalidad y el atrevimiento del resto de la cinta, pero es un detalle que ni por asomo ensombrece el buen sabor de boca que deja Torso.

Poliziesco: cine a mano armada - Tercera parte

noreply@blogger.com (Einer) — Wed, 22 May 2013 19:28:00 +0000

Tercera y última entrega sobre el poliziesco. Hoy, los mejores títulos que dio el género desde 1975.

10. Roma violenta (Franco Martinelli, 1975)

Dirigida por Marino Girolami (el padre de Enzo G. Castellari) bajo el seudónimo de Franco Martinelli, es en realidad el comienzo de una trilogía protagonizada por el comisario Betti (Maurizio Merli) que continuó con Napoli Violenta e Italia a mano armata.

Roma violenta nos pone en el punto de partida habitual: criminalidad, violencia y el típico policía impotente ante la situación de corrupción interna y de falta de contundencia judicial. El asesinato de un muchacho de 18 años en el atraco a un autobús supone la gota que colma el vaso para el comisario Betti, que desde ese momento empezará a usar métodos que progresivamente le llevarán a cruzar la línea que le separa de aquello que más detesta, los criminales, y a convertirse en uno de ellos.

Cuando en un atraco a un banco, su ayudante Biondi sea tiroteado y quede paralítico, Betti dejará la policía para iniciar un nuevo camino en una organización ciudadana de vigilantes liderada por el abogado Sartori (Richard Conte).

Este es un gran poliziesco, cargado de violencia, atracos y escenas para el recuerdo como el palizón en el autobús, el poli que se hace pasar por vieja, la magnífica persecución en coche o la brutal violación a la hija del abogado y la posterior venganza de su padre.

En su momento fue editada en VHS pero no me consta que esté en DVD.

11. El hombre de la calle hace justicia (L’uomo della strada fa giustizia, Umberto Lenzi, 1975)

Aquí el título deja poco a la imaginación ya que resume a la perfección lo que vamos a ver. Esta película comienza con un atraco a una joyería en el que muere una niña. Esta escena me parece una de las más brutales del poliziesco porque de verdad que no hay ninguna necesidad de matar a la niña, la matan por matarla (lo digo como si hubiera situaciones en las que sí hubiera necesidad). Tampoco es algo nuevo, porque en Milano trema ya le daban matarile a la pobre niña porque lloraba. El caso es que esta niña, en su lecho de muerte, dice que uno de los atracadores tenía un escorpión. Como la policía se muestra incapaz de hacer nada mínimamente inteligente, Henry Silva, padre de la criatura, acabará obsesionado por encontrar a los asesinos de su hija sin más ayuda que un travesti. Sí, un travesti. No es de mis favoritas pero tiene escenas estupendas como el atraco, la patrulla vecinal y sus violentas prácticas o el investigador privado que trata de sacar tajada del asunto, así como un gran final tras un sorprendente descubrimiento de la policía.

Otra que en su momento tuvo edición en VHS pero que no conoce edición en DVD.

12. Roma a mano armada (Roma a mano armata, Umberto Lenzi, 1976)

Sin lugar a dudas, lo mejor de esta película es la impresionante actuación de Tomás Milian como Il Gobbo (El Jorobado) y sólo por eso ya merece la pena que la veáis. Además, tiene otras cuantas cosas bastante curiosas.

Nos encontramos de nuevo con Maurizio Merli, encarnando esta vez al comisario Tanzi, personaje que repetiría en El cínico, el infame, el violento, también con Umberto Lenzi y Tomás Milian.

Una de las cosas que más me llama la atención de Roma a mano armada es que Tanzi tiene pareja. Es curioso porque el personaje de comisario de hierro al que nos acabó acostumbrando Merli parecía estar abocado siempre a la más absoluta soledad, por eso, al verle con pareja se encendieron todas mis alarmas. Evidentemente, había un fin demagógico ulterior que no tardó en aparecer. La novia de Tanzi es psicóloga del juzgado de menores y esto da lugar a interesantes discusiones de alcoba donde él la acusa a ella de buscar siempre atenuantes como la familia y la sociedad para dejar en la calle a los criminales. Y luego le echará en cara la muerte de dos delincuentes adolescentes atropellados mientras cometían un robo y que evidentemente seguirían vivos si estuvieran en el reformatorio, como Tanzi quería, y no en la calle porque ella es una blanda. ¡A la rica demagogia, oiga! Ella no os creáis que se amilana, que le llega a acusar de terrorismo de estado. ¡Dios bendiga a Lenzi y a Sachetti por estos guiones!

Roma a mano armada no tiene una trama central, sino que es una mezcla de historias diferentes que tienen el objetivo de mostrar la pútrida Roma en la que se mueve Tanzi. La historia del Gobbo es la que tiene un poco más peso a lo largo del film, y es una pena que no se centren por completo en ella, porque el resto es mucho menos interesante. De hecho, las mejores escenas de la película son el encuentro entre Tanzi y el Gobbo en casa de este último y en la que Tanzi le obliga a tragarse una bala, y la gran persecución en la que el Gobbo secuestra una ambulancia acabando la cosa en masacre. La banda sonora nuevamente es estupenda.

Está editada en DVD en la colección del poliziesco de Filmax, pero creo que no trae el audio italiano original.

13. Napoli violenta (Umberto Lenzi, 1976)

Tras Roma violenta e Italia a mano armada, ambas de Marino Girolami, llegó esta Napoli violenta que sería la última aparición del comisario Betti. Gran película con posiblemente la mejor banda sonora de todo el poliziesco a cargo de los hermanos de Angelis.

En realidad, esta es otra de esas películas de microhistorias que pretende mostrarnos una Nápoles dominada por el crimen, cosa que consigue. Existe también una trama que sobresale un poco en este revuelto, la historia de un industrial metido en asuntos turbios y al que da vida John Saxon, carente del más mínimo interés. A diferencia de Roma a mano armada, aquí lo bueno son las historias paralelas. Especialmente destacable es la de un ladrón de bancos en libertad condicional que se las arregla para cruzar la ciudad entera en apenas unos minutos para ir a fichar a tiempo a comisaría después de cada atraco, obteniendo así una estupenda coartada. Esta subtrama finaliza con una vertiginosa persecución que termina con un duelo a muerte en un teleférico.

Pero lo que más me gusta de este film es que Lenzi lleva la demagogia y el melodrama a un nuevo nivel insospechado hasta entonces. Y lo hace, cómo no, con un niño. Lenzi nos presenta a un granujilla que se divierte haciendo parar el tráfico fingiendo una cojera. Este chaval es hijo de un mecánico que no paga por su protección, así que la mafia decide quemarle el taller, con tan mala fortuna que el muchacho se haya dentro en el momento de los hechos. El padre consigue salvarlo, perdiendo la vida en el intento, pero, aunque el chaval no muere, queda cojo. La siguiente vez que el comisario Tanzi se lo cruza, ya no finge, y Tanzi, que estaba decidido a abandonar Nápoles, decide dar la vuelta para combatir el crimen con más ahínco y sobre todo, más plomo. Estoy llorando ahora mismo pero de risa. ¡Qué cabroncete es Lenzi!

No tengo constancia de que haya edición en DVD. En su momento la hubo en VHS.

14. Forajidos 77 (Il grande Racket, Enzo G. Castellari, 1976)

Esta es otra de las grandes del poliziesco para mí. Enzo G. Castellari hace un trabajo genial (cosa no muy habitual en él) con planos muy originales como el momento en el que Fabio Testi es arrojado en su coche por un terraplén, con la cámara dentro, ralentizada y cristales salpicando.

Fabio Testi es el inspector Nico Palmieri, que se enfrenta a una banda de delincuentes que se dedica a intimidar comerciantes para sacarles la pasta. Las circunstancias harán que Palmieri forme un grupo de gente de lo más heterogéneo para luchar contra estos delincuentes. Atentos: un carterista interpretado por Vincent Gardenia, un mafiosillo de tres al cuarto con la espalda chunga que tiene que llevar un corsé ortopédico, el padre de una niña violada y asesinada, un asesino profesional al que ayudan a fugarse de la cárcel y un campeón olímpico de tiro cuya mujer ha sido quemada viva.

Otra de esas películas que nos deja un montón de escenas para el recuerdo como el asalto a la casa del tirador olímpico, el tiroteo de la estación (uno de los mejores que he visto) y un clímax final lleno de tiros. Puede que Castellari tenga otros trabajos más pulidos como La policía detiene, la ley juzga o El ciudadano se rebela, pero esto prometía plomo y plomo es lo que da.

No me consta que haya sido editada nunca en España.

15. Hombre se nace, policía se muere (Uomini si nasce poliziotti si muore, Ruggero Deodato, 1976)

Ray Lovelock y su compi Marc Porel, son miembros de una escuadra de élite de la policía de Roma con licencia para matar, lo que ellos interpretan en vez de como una opción, como un deber.

Del creador del clásico de Disney Holocausto caníbal. Por supuesto, aquí Ruggero tampoco escatima en sangre ni huye de los detalles escabrosos, lo que se agradece. Al menos yo lo agradezco.

La primera y larga secuencia ya deja claro que este poliziesco va a ser ultraviolento y va a estar cargado de acción. Una película sencilla, pero que no da tregua y en la que continuamente están pasando cosas. Cosas violentas. El guion es de Fernando di Leo.

Tampoco ha sido editada en DVD pero tuvo edición en VHS con el título Brigada anticrimen.

16. El cínico, el infame, el violento (Il cinico, l’infame, il violento, Umberto Lenzi, 1977)

Maurizio Merli vuelve a interpretar al comisario Tanzi en una película que tiene como puntos fuertes un gran reparto (Tomás Milian y John Saxon acompañando a Merli), un guion muy trabajado y algunas escenas muy brutas.

El Chino (Milian) se ha fugado de prisión y lo primero que hace es mandar un asesino a matar a quien le metió entre rejas: Tanzi, lógicamente. El asesino le dispara a bocajarro y los periódicos publican la noticia de la muerte del ex comisario. Pero Tanzi sobrevive. Mientras que se recupera, el capo Di Maggio (Saxon) se alía con el Chino para que este se ocupe de cobrar a los que no le pagan por su protección. Cuando Tanzi se recupere, se dedicará a enfrentar al Chino y a Di Maggio para que se maten entre ellos.

El cínico, el infame, el violento no está al nivel de las anteriores películas de Lenzi pero aun así es muy disfrutable. Nos deja además dos escenas memorables: la escena en la que el Chino “sólo” le rompe una pierna a un tío porque promete pagar pronto, y la brutal escena en la que Di Maggio tortura a un hombre al que tiene atado para finalmente azuzarle los perros, y que me recuerda a otra escena similar de Django desencadenado (Django unchained, Quentin Tarantino, 2012).

No me consta ninguna edición en España.

Con esto termino este repaso al poliziesco, que como veis ha dado mucho de sí y que espero os haya gustado.

Poliziesco: cine a mano armada - Primera parte

Poliziesco: cine a mano armada - Segunda parte

noreply@blogger.com (Einer) — Tue, 21 May 2013 13:13:00 +0000

Como ha quedado un texto mucho más largo de lo que pensaba lo divido en dos partes. Hoy publico hasta el año 74 y en la siguiente entrada, del 75 en adelante.

Antes de dejaros con mi selección personal de las películas que más me gustan del poliziesco, deciros que algunas son muy difíciles de conseguir incluso por internet, especialmente si buscáis que tengan algo de español. Muchas han sido sólo editadas en Italia sin subtítulos ni pistas en otros idiomas y otras tantas han sido editadas en Estados Unidos sin ni siquiera incluir la versión original. De algunas se pueden encontrar subtítulos en inglés, italiano o incluso español por internet y os aseguro que sin tener ni idea de italiano algunas de estas películas se pueden seguir más o menos sin problemas, pero entiendo que de entrada es una barrera importante. Intentaré informar en cada título si existe alguna versión que contenga algo de español, pera ya os anuncio que hay pocas.

Sin más preámbulos, os dejo con mi selección.

1. Banditi a Milano (Carlo Lizzani, 1968)

El poliziesco, como ya comenté, no llegó de repente. En Italia se llevaba algún tiempo haciendo cine criminal con títulos bastante buenos como La banda Casaroli (Florestano Vancini, 1962) y otros no tan buenos aunque también interesantes como Omicidio per appuntamento (Mino Guerrini, 1967), Gangster ’70 (Mino Guerrini, 1968) o Un detective (Romolo Guerrieri, 1969). Sobra decir que de estos, el título que más influyó en los cineastas que se dedicaron al poliziesco en los años posteriores fue Banditi a Milano. También es mi favorito de lo que podríamos denominar el pre-poliziesco.

Conocida también bajo el título de The violent four, cuenta con un tono casi documental la historia de una banda de ladrones de bancos y el cerco al que les somete la policía tras más de dos años y 17 atracos. Protagonizada por Gian Maria Volontè y con la participación de Tomás Milian y Ray Lovelock, lo más destacado es su doloroso realismo y la maravillosa escena de la persecución en coche, en la que los criminales no dudan en abrir fuego contra los viandantes para obligar a la policía a parar.

Que yo sepa no existe ninguna edición que tenga ni siquiera subtítulos en español.

2. Confesiones de un comisario (Confessione di un commissario di polizia al procuratore della repubblica, Damiano Damiani, 1971)

De lo que es el «poliziesco-protesta» son algo más conocidas y han sido más reivindicadas Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha (Elio Petri, 1970), quizás porque ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, y La policía detiene, la ley juzga (1973), uno de los mejores trabajos del obrero de la cámara Enzo G. Castellari. Sin embargo, yo prefiero Confesiones de un comisario.

Martin Balsam interpreta al comisario Bonavia, un hombre completamente desencantado con el sistema y con las trabas que le ponen a su trabajo y que ha optado por usar medidas del todo cuestionables. Lo primero que hace en la película es sacar a un enfermo del manicomio y darle los medios necesarios para acabar con un criminal que sabe que es culpable, pero contra el que no tiene pruebas. Franco Nero interpreta al juez de instrucción Traini, un novato que todavía cree que se pueden cambiar las cosas y al que le tocará investigar la escabechina que monta el loco. Rápidamente se dará cuenta de que algo huele a podrido en Palermo.

La película, dirigida por Damiano Damiani, consigue su objetivo de denuncia social mostrando la nueva estructura de corrupción que tan profundamente arraigada está, en este caso, en Palermo, con una mafia que controla la construcción, los sindicatos y los estamentos políticos, judiciales y policiales. Grandes e impactantes momentos, como la historia del sindicalista y la del niño o la discusión entre Bonavia y Traini en la que el juez echa en cara al comisario sus métodos, y el comisario amenaza al juez con difundir el rumor de que es un «invertido» si se va de la lengua, se combinan con otros más sutiles pero igualmente impactantes, como la mesa en la que comparten mantel políticos, jueces y mafiosos.

Quizás lo más doloroso es ver que hoy en día la situación no ha cambiado demasiado.

Creo que ha habido dos ediciones en DVD en España de esta película. Una de ellas es la de Regasa Clau, que tiene el audio original italiano y el doblaje en español, pero carece de subtítulos.

3. Milán, calibre 9 (Milano calibro 9, Fernando di Leo, 1972)

Puede que no sea un poliziesco puro y duro pero es, sin duda, la mejor película de esta lista. Si sólo vais a ver una, que sea Milán, calibre 9.

Ugo Piazza (Gastone Moschin) acaba de salir de prisión y Rocco (Mario Adorf), un gánster que trabaja para el Americano, va a recogerle. Tanto la banda del Americano como la policía, están convencidos de que Ugo Piazza esconde 300.000$ de un intercambio que realizaron hace tres años. Ugo Piazza lo niega una y otra vez. Pero si no lo tiene Ugo Piazza, ¿quién lo tiene?

Sé que el resumen que he hecho no invita mucho a verla: típica peli en la que falta algo de pasta y al final la tiene el que menos te lo esperas. Pues no, no la tiene el mayordomo. Podría deciros quién tiene el dinero (no lo voy a hacer) y no cambiaría nada, porque es lo de menos. En la espectacular secuencia inicial, vemos cómo se realizó el intercambio y el fatal destino que corrieron todos los involucrados en unas escenas cargadas de ritmo y cierto salvajismo, porque la escena de la barbería redefine el concepto de afeitado apurado… El ritmo no decae, la gran Barbara Bouchet nos deja un baile de lo más erótico amén de un giro de guion sorprendente, la banda sonora de Luis Enriquez Bacalov es magnífica, las actuaciones de Gastone Moschin y Mario Adorf son absolutamente perfectas, y para rematarlo todo, uno de los mejores finales de la historia del cine. Y todo en manos de un genio como Fernando di Leo. De verdad, da igual lo que escriba, no podéis ni imaginar lo buena que es esta peli sin verla.

Lo bueno de Fernando di Leo es que está muy bien considerado fuera de Italia, así que existe un pack editado por Raro Video en Blu-Ray en italiano con subtítulos en inglés con cuatro de sus películas (Milán, calibre 9; Nuestro hombre en Milán; Secuestro de una mujer y Rulers of the city). Que yo sepa es lo único relacionado con el poliziesco que se ha editado en Blu-Ray. Aquí en España también se han editado las tres primeras en un pack en DVD y creo que alguna suelta también.

4. Nuestro hombre en Milán (La mala ordina, Fernando di Leo, 1972)

Parte de un cargamento de droga desaparece de un envío de Italia a Nueva York. Dos sicarios (Henry Silva y Woody Strode) son enviados a Milán para averiguar qué ha pasado. La organización de Milán le echa la culpa a un proxeneta de poca monta llamado Luca Canali (Mario Adorf) y los dos sicarios van a por él. Pero los italianos quieren quitárselo del medio antes de que los americanos descubran que él no tiene nada que ver, así que se inicia una carrera por ver quién atrapa primero a Luca Canali. Tras la muerte de su mujer y su hija, Canali jura venganza.

Otra película que es oro puro, no tan buena como Milán, calibre 9, pero oro puro. Otra vez ritmo frenético, buena banda sonora, gran actuación de nuevo de Mario Adorf, un gran final en un desguace y la mejor persecución de la historia del cine. ¡Qué más se puede pedir!

5. Milán tiembla – la policía pide justicia (Milano trema – la polizia vuole giustizia, Sergio Martino, 1973)

Unos criminales se fugan de un tren matando a todos los policías que se cruzan en su camino. Consiguen llegar a la carretera y roban un coche con una niña dentro a la que matan porque llora. Cuando el comisario Caneparo (Luc Merenda) llega al lugar donde la policía los tiene rodeados, tiene muy claro que la única justicia que merecen es la del plomo. Y esto es sólo el comienzo.

Como ya comenté en la primera parte, Milán tiembla combina de gran manera los métodos brutales del comisario Caneparo con una elaborada trama en la que un grupo de extrema derecha comete atentados para provocar un cambio de régimen, sin dejar de lado la corrupción del cuerpo de policía. Cuenta además con una de las mejores persecuciones del poliziesco.

Está editada en DVD en España en una edición que distribuía Filmax y que imagino, está descatalogada. Además, sólo traía doblaje español. Ni subtítulos ni V.O.

6. Revólver (Revolver, Sergio Sollima, 1973)

Vito Cipriani, vicedirector de la prisión de Milán recibe una llamada: su mujer ha sido secuestrada. Si no suelta al preso Milo Ruiz, será asesinada. Vito ayuda a Milo a fugarse y juntos siguen la pista de los secuestradores hasta París.

Cuando vi esta película por primera vez no sabía quien era Sergio Sollima así que me llevé una grata sorpresa al ver que lo que simplemente parecía un poliziesco más, contaba con una realización original y elegante y, ciertamente, era algo más que el típico poliziesco, algo que no puede ser calificado por menos que obra maestra.

Sergio Sollima no ha alcanzado el reconocimiento que merecería alguien que cuenta en su filmografía con títulos del nivel de El halcón y la presa (La resa dei conti, 1966), Cara a cara (Faccia a faccia, 1967), Ciudad violenta (Città violenta, 1970) o esta Revólver, pero quizá por ello, da una mayor satisfacción encontrarse con una obra desconocida que resulta ser una combinación perfecta de genio y saber hacer en la dirección —con encuadres sorprendentes y bien elegidos, con planos elegantes como la primera aparición de la guapa Agostina Belli, de la que sólo vemos unos calcetines amarillos, o esos planos con gran profundidad de campo que recuerdan a Sergio Leone—, con un guion realmente bien trabajado y con auténtica profundidad, que se adentra en temas como la amistad y la traición adoptando la forma de una buddy movie por momentos, y cuya mayor virtud es no contar demasiado de una trama que gira en torno a una organización internacional poderosísima que es capaz de llegar a casi todos los estamentos de la sociedad, liando tanto la cosa que la situación termina por volverse kafkiana, dándole también un cierto aire de locura al final.

Exquisita la banda sonora de Ennio Morricone, y descomunales las actuaciones de Fabio Testi y Oliver Reed, especialmente este último, que consigue transmitir la sensación de un hombre derrotado y llevado al límite de una manera prodigiosa. Una de las imprescindibles del poliziesco.

Existe edición en DVD en español distribuida por Filmax en una colección dedicada al poliziesco, con audio italiano y español y subtítulos en español.

7. Milán odia, la policía no puede disparar (Milano odia, la polizia non può sparare, Umberto Lenzi, 1974)

Una absoluta obra maestra y posiblemente la mejor película de la extensa filmografía de Umberto Lenzi.

Giulio Sacchi (Tomás Milian) es un delincuente de poca monta que tras pifiarla estrepitosamente en un atraco asesinando a un policía y tras ser humillado por ello por sus jefes, planea el secuestro de la hija de un industrial para demostrar que él es un gran criminal. El plan de Sacchi consiste en eliminar cualquier prueba que le pueda incriminar, así que a su paso, va sembrando el camino de cadáveres, dejando un rastro de muerte tras de sí.

Milian hace una interpretación brillante de un asesino sin escrúpulos que disfruta matando, con una vileza que no conoce más límite que el de su propia cobardía. A medida que avanza la película, crece también la tensión dentro de la banda, al darse cuenta de que ni siquiera ellos mismos están a salvo de Sacchi.

Milano odia es una película hiperviolenta y exagerada, cargada de escenas salvajes donde la reina de la función es el secuestro de la muchacha, que comienza con Sacchi y sus colegas acechando en el bosque a la chica y preparándose para el ataque con pastillas y alcohol. Aparentemente, la fortuna hace que la chica escape y se refugie en una casa cercana, pero lo único que hace es llevar con ella la muerte. Cuando Sacchi llega a la casa, está fuera de sí. Humilla a todos los presentes, comete un asesinato atroz y termina matando a todos los demás para redondear la masacre.

Su contrapunto es el comisario Grandi, un desdibujado Henry Silva, sin demasiado peso en la trama hasta que al final, incapaz de probar una verdad que conoce, decide equilibrar las cosas poniéndose al nivel de Sacchi, es decir, actuando al margen de la ley, cobrándose así una victoria física y asumiendo la derrota moral tantas veces vista en el poliziesco.

Aunque parezca mentira, esta obra maestra no está editada en España.

8. Caza al Marsellés (Squadra volante, Stelvio Massi, 1974)

Este es el primer poliziesco de Stelvio Massi, que acabó convirtiéndose en un especialista del género, y es mi favorita de cuantas hizo. Muy conocido también por la tardía Poliziotto, solitudine e rabbia (1980) y por la trilogía de Mark el policía protagonizada por Franco Gasparri que englobaba a Mark il poliziotto (1975), Mark il poliziotto spara per primo (1975) y Mark colpisce ancora (1976).

Squadra volante es un film muy interesante en el que el inspector Ravelli (Tomás Milian) investiga a una banda de ladrones liderados por el Marsellés (Gastone Moschin en otra memorable actuación). Pronto descubrimos que lo que en realidad busca Ravelli es venganza por el asesinato de su mujer.

Tampoco me consta que esté editada en España.

9. Cani arrabbiati (Mario Bava, 1974)

En su momento Cani arrabbiati no pudo ser estrenada porque el productor, Roberto Loyola, cayó en bancarrota. La película fue estrenada 20 años después, algunos dicen que gracias a la actriz Lea Krueger, que participaba en el film, y otros porque el hijo del director, Lamberto Bava, la terminó. A saber. El caso es que no considero esta película un poliziesco en el sentido completo de la palabra, ya que en gran parte es una road movie y tiene buenos toques de giallo. Aun así, merece un puesto en esta lista.

Riccardo está llevando a su hijo enfermo al hospital cuando tres criminales (Doctor, Bisturí y Treinta y dos [el mítico George Eastman de Gomia, terror en el mar Egeo y otras mierdas ochenteras]) que acaban de robar una empresa farmacéutica se meten en su coche con un rehén. La película transcurre desde ese momento casi completamente dentro del coche, con gran tensión, atrevidos diálogos, vejaciones y muertos. Posee, además, un extraordinario y sorpresivo final de un pesimismo brutal.

Editada en DVD en España por Armadillo Films bajo el título de Semáforo rojo.

Termino hoy aquí y en la tercera y última parte (lo prometo), el resto de la filmografía esencial del poliziesco según yo.

Poliziesco: cine a mano armada - Primera parte

Poliziesco: cine a mano armada - Tercera parte