Almas sucias

El eternauta - H.G. Oesterheld y F. Solano López

2012-02-02T23:26:00.001+01:00

El Eternauta es una maravillosa historia de ciencia ficción creada por Héctor Germán Oesterheld y dibujada por Francisco Solano López que fue publicada entre 1957 y 1959 en la revista argentina Hora Cero Semanal.

El Eternauta comienza con el propio Oesterheld sentado en su despacho cuando de pronto se materializa frente a él una persona: El Eternauta Juan Salvo. Esto que en principio puede parecer un simple ejercicio de metaficción para dar a la historia un ligero toque de realismo, resultará al final trascendental en el desarrollo de la historia.

Pero no adelantemos acontecimientos. Salvo, sentado ante Oesterheld, relata su historia, la historia de cómo llegó a convertirse en un viajero del espacio y el tiempo. Todo comienza con una misteriosa nevada en Buenos Aires que mata a todo el que toca. Juan se encuentra en su casa junto con su mujer y su hija mientras juega a las cartas con sus amigos Favalli, Lucas y Polski. Pronto descubrirán que están siendo víctimas de una invasión alienígena y que la nevada no es más que un arma de los extraterrestres para eliminar a la mayoría de la población de manera rápida.

Pinchando en las imágenes podéis verlas en grande

Me gusta mucho lo que comenta Oesterheld de que El Eternauta era su versión de Robinson Crusoe, pero cambiando la soledad del hombre solo rodeado por el mar por la del hombre con familia rodeado por la muerte.

Entre las múltiples virtudes de El Eternauta destacan para mí tres. En primer lugar, y también en palabras de Oesterheld, la no existencia de un héroe individual sino colectivo. Es el pueblo entero (los supervivientes) los que plantan cara al enemigo. Las aparentes ventajas del invasor, como el factor sorpresa o la superioridad de sus armas, tendrán que lidiar con el ingenio de Favalli, el coraje de Franco y, en definitiva, las cualidades personales que cada personaje pondrá al servicio de la causa común llenando la historieta de valores como la amistad, la valentía o el trabajo.

En segundo lugar, me parece todo un acierto que la historia está permanentemente ambientada en lugares reales de Buenos Aires, lo que le da un tono increíblemente realista incluso para los que no conocemos la capital porteña.

Uno de los momentos álgidos de la historia: el asalto al estadio de River Plate

Y, en tercer lugar –y esto es lo que más me gusta– Salvo y sus amigos nunca sabrán contra qué se enfrentan realmente ya que el verdadero enemigo permanece oculto en la sombra. Tendrán que luchar contra los Manos, unos seres con muchísimos dedos que a su vez controlan a los Cascarudos, una suerte de insectos gigantes, y a los Gurbos, unos seres tan grandes que a su paso la tierra tiembla y los edificios caen, pero todos estos enemigos no son más que marionetas en las manos de la verdadera amenaza: “Los Ellos”. Pero, ¿quiénes son Los Ellos? Existe en esto un toque perverso y es que en cada página se respira la tensión de que pueda llegar el fin de cualquiera de los personajes sin que llegue realmente a saber quién es el verdadero culpable de su muerte y de la de tantos otros.

Detalle de uno de los Manos

Durante la dictadura militar argentina (la del 76) la obra de Oesterheld adquirió una nueva dimensión al ver mucha gente un reflejo de lo que estaba pasando en el país, una especie de llamada a la unión del pueblo contra el enemigo oculto. Oesterheld, que había escrito obras con gran carga política (durante la dictadura del 66) como Che o la versión revisada de El Eternauta y El Eternauta II, ambas con dibujo de Breccia, y que pertenecía al grupo guerrillero Montoneros no era bien visto por el régimen y en 1977 fue secuestrado junto con sus 4 hijas pasando a engrosar la larga lista de desaparecidos.

Al margen de su interpretación política, El Eternauta es una obra magnífica de la ciencia ficción, una historia que os aseguro que engancha desde el principio y que concluye con uno de los mejores finales que he leído. El dibujo de Solano López es también brillante –aunque al principio pueda no parecerlo–, recreándose especialmente en los primeros planos de los rostros que logran transmitir todo tipo de sensaciones.

Una obra magnífica que todo el mundo debería leer al menos una vez.

La escena del mes XIV

2012-01-25T18:42:00.001+01:00

La escena de este mes es la fantástica resurrección de Frank en Hellraiser (Clive Barker, 1987).

Hellraiser es una película que me gusta mucho por varios motivos, pero especialmente dos: los efectos especiales a cargo de Bob Keen y su equipo y la música de Christopher Young. A esto hay que sumarle una muy buena historia y unas buenas actuaciones, de las que destacan Clare Higgins, la cachonda de Ashley Laurence y Andrew Robinson, al que recordaréis por su papel de Scorpio en Harry, el sucio (Dirty Harry, 1971).

Pero hoy sólo me voy a centrar en los efectos de la escena que habéis visto, ya que el proceso me pareció muy inteligente sobre algo que me parecía imposible sin usar animación por ordenador: que el cuerpo se esté reconstruyendo. En primer lugar hay varias máquinas que crean cada uno de los diferentes efectos que aparecen: una máquina mueve las tablas, otra saca los clavos, otra bombea esa masa viscosa que parece pegamento (aunque no lo parezca, según Bob Keen es uno de los efectos más difíciles ya que era especialmente espeso y pringoso) y una última máquina bombea la sangre que revive a Frank y que, sin embargo, parece que el suelo se la trague (son un par de segundos pero lamentablemente no se ve en el vídeo que os he puesto). Y ahí está la clave: bombea la sangre pero parece que se la trague, y esto es porque muchas partes de la escena están montadas al revés. Parece una cosa simple pero es una genialidad y todo el renacer de Frank se basa en este principio.

Lo que hicieron fue crear un modelo de cera y poco a poco lo fueron derritiendo con quemadores, pero al montarlo al revés parece que se esté reconstruyendo dejándonos imágenes tremendas de la cara torácica y el cráneo, realzado todo por la fantástica fotografía y, sobre todo, por la tremenda música de Young.

La foto que veis a la izquierda está sacada del Fangoria #67 y es un primer modelo que hicieron de la reconstrucción de Frank. Tanto Keen como el director Clive Barker coincidían en que no les gustaba ya que querían algo que tuviera un aspecto más viscoso, así que hicieron un segundo modelo que es el que finalmente se quedó en el film. Todo un acierto.

Hellraiser es una película original, entretenida, plagada de efectos especiales de alto nivel y con una banda sonora verdaderamente formidable. Es cierto que quizás flojea un poco al final pero el conjunto es magnífico, así que os la recomiendo sin reservas a los que no la hayáis visto.

Hasta que llegó su hora (1968)

2012-01-22T19:51:00.000+01:00

Hasta que llegó su hora (1968) Tít. orig.: C'era una volta il west Dir.: Sergio Leone Gui.: Sergio Leone, Sergio Donati, Bernardo Bertolucci, Dario Argento Mús.: Ennio Morricone Int.: Claudia Cardinale, Charles Bronson, Henry Fonda, Jason Robards Dur.: 175 min.

Sergio Leone es uno de mis directores favoritos y Hasta que llegó su hora es una de mis películas favoritas, y me gustaría hacer un post que cuando lo leyera alguien que no haya visto la película sintiera al instante un deseo irrefrenable de verla pero, como me conozco y sé que es hablar de esta peli y empezar a flipármelo, pues lo que voy a hacer es un fanpost de quinceañera histérica. ¡OH, DIOS MÍO, ES SERGIO LEONE! ¡HAZME UN PRIMER PLANO!

Después de El bueno, el feo, el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966) y con la trilogía del dólar acabada, Leone había adquirido cierto prestigio que le permitiría hacer una película con financiación americana, incluso rodando algunas escenas en suelo americano y con la posibilidad de contratar actores que anteriormente no había podido.

Leone tenía la sensación de haberlo hecho todo en el western y quería adaptar la novela The hoods de Harry Grey, una historia sobre la mafia que vería la luz 16 años después bajo el título Érase una vez en América (Once upon a time in America, 1984). Sin embargo, Paramount tenía otros planes. Estaban dispuestos a financiar el proyecto de The hoods, pero primero querían otro western. Leone tuvo entonces la idea de hacer una nueva trilogía sobre tres momentos muy concretos de la historia americana: el western que le pedían (Hasta que llegó su hora, 1968), una película sobre la revolución (Giù la testa, 1971) y una historia sobre la mafia (Érase una vez en América).

Leone se puso manos a la obra y escribió una primera historia con la ayuda de Bernardo Bertolucci y Dario Argento. Juntos hicieron un borrador que era en cierto modo un homenaje a los western que los tres admiraban pero a la vez una crítica a ciertos aspectos de aquellas películas con las que habían crecido, especialmente esa imagen de que cada personaje hace lo que debe. El guion, un western muy reflexivo y pausado, tenía más de 3 horas y apenas contaba con 15 páginas de diálogos pero los márgenes se fueron llenando de anotaciones sobre colocación y movimientos de cámara. Una vez que se empezó a rodar Leone se dio cuenta de que la película tenía una cadencia y un ritmo muy lentos y le asustó que pudiera resultar excesivamente largo. Por esto, llamó a Sergio Donati y juntos recortaron más de veinte minutos de metraje. Es por esto, que la muerte de Morton y el tiro que recibe Cheyenne se nos cuentan pero no llegan a verse, y por esto también se ve que Bronson tiene una cicatriz durante toda la película que nunca llega a explicarse, ya que después de la escena inicial recibía una paliza que fue eliminada del montaje final.

Una de las primeras cosas que hizo Leone fue encargar la música a Ennio Morricone que creó cuatro piezas diferentes para los cuatro personajes principales del film. No sé cómo explicar la importancia del sonido en esta película pero es fundamental ya que muchas partes del film están construidas en torno a la música y no al revés y la música se vuelve un elemento enigmático, por ejemplo en ese plano en el que Henry Fonda cabalga hacia el tren al ritmo de la música.

La fantástica escena inicial de más de 11 minutos tuvo algunos problemas de sonido ya que Morricone y Leone no estaban contentos con la integración de la música en la misma. Tras ver un concierto de un músico independiente Morricone tuvo la idea de sustituir la música por sonidos naturales amplificados, creando una banda sonora con un telégrafo, unas gotas de agua, el chirriar de un molino y el zumbido de una mosca, elementos todos que parecen un personaje más de la escena.

Por ahondar más en esta escena, es conocida la anécdota (yo creo que nadie sabe realmente si es verdad o no) que dice que Leone llamó Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee van Cleef (el bueno, el feo y el malo) para participar en el film, los cuáles se mostraron entusiasmados con la idea, hasta que Leone les dijo que morirían en los 5 primeros minutos. Por lo visto, a Eastwood no le hizo especial gracia la idea y finalmente se decantaron por Woody Strode, Jack Elam y Al Mulock.

En cuanto a los protagonistas es otro acierto de Leone en su elección y mérito también suyo en la dirección ya que Leone es un director que da mucha importancia a los actores y permite que aporten sus propias ideas.

Una cosa que Leone tenía clara es que quería contar con Henry Fonda. Quería que ese tipo de ojos azules que todo el mundo asociaba con el bueno de la peli fuera el malo. Parecía una idea descabellada y el propio Fonda no terminaba de verse en el papel, así que fue a ver a un oftalmólogo que le hizo unas lentillas marrones, se dejó bigote y un poco de perilla y se presentó ante Leone que en cuanto le vio le dijo que se quitara todo eso. La primera aparición de Fonda en la masacre en casa de McBain con el maravilloso travelling alrededor suyo y ese primer plano de su cara es, sin duda, una de las mayores bromas de la historia del cine y a la vez uno de los mayores aciertos de casting.

Los otros pesos pesados de la película son Charles Bronson, un tipo que siempre me ha parecido un actorazo y que aquí esta insuperable, Jason Robards, otro actorazo y que posiblemente es el que mejor está en todo el film, y Claudia Cardinale, que nunca estuvo más guapa que aquí, figura clave del film, el personaje en torno al que gira todo y, por primera vez en un western, una mujer que tiene un papel verdaderamente importante. Aunque todos están impresionantes, Charles Bronson es mi favorito. Siempre se ha dicho que el papel le fue ofrecido primero a James Coburn y a Clint Eastwood pero yo no me imagino a nadie más interpretando a Armónica.

Hasta que llegó su hora es una película sobre cambios, unos cambios que llegan a ritmo de ferrocarril y que cada uno de los personajes afrontará a su manera. Los hay que se adaptarán sin problema, los que hay que intentaran adaptarse y descubrirán que en el fondo no están preparados para ello y los hay que aceptaran sin problemas el hecho de quedarse anclados en el tiempo.

Leone era un perfeccionista y eso se ve en los cuidadísimos detalles. Rueda con muchísima luz y con una amplitud de campo enorme que le permite colocarnos un primer plano en pantalla al mismo tiempo que apreciamos los preciosos paisajes de Almería y el Monument Valley, como cuando en la escena inicial vemos el rostro de Al Mulock a la vez que el tren entrando en la estación. Además, todos los planos están estudiadísimos y prácticamente en cada escena encontramos bellísimos movimientos de cámara como el travelling alrededor de Fonda que ya he comentado o la llegada de Claudia Cardinale a la estación y la subida de la cámara en la grúa.

Ojalá pudiera explicaros lo que siento al ver esta película, pero me imagino que vosotros lo sentís también con otras (o con esta misma). Son esas películas que has visto decenas de veces y sabes que volverás a verlas decenas de veces más y no te aburrirás nunca de ellas, esas que conoces cada detalle, cada frase, y aún así te vuelves a emocionar, esas que desearías que siempre que las ves fuera la primera vez. Las verdaderas obras maestras del cine.

El bosque del lobo (1970)

2012-01-13T12:11:00.000+01:00

El bosque del lobo (1970) Dir.: Pedro Olea Gui.: Pedro Olea, Juan Antonio Porto Int.: José Luis López Vázquez, Amparo Soler Leal, Antonio Casas, John Steiner Dur.: 87 min.

El 2 de julio de 1852 es detenido un hombre en Toledo acusado de haber matado a 9 personas. Los que le acusan están convencidos de que es él: Manuel Blanco Romasanta, natural de Allariz, Ourense. Él lo niega y tiene documentos que lo acreditan. El juez de Escalona decide extraditarlo a Galicia para que se aclare si efectivamente es él y en caso de que proceda, que sea juzgado.

Ante el juez de Verín y no pudiendo ocultar más la mentira sobre su identidad, Romasanta afirma haber estado bajo un maleficio, un mal de ojo que le convierte en lobo y que le provoca un deseo irrefrenable de matar y probar la carne humana, y reconoce, no sólo los 9 asesinatos que se le imputan sino otros 4 más, además de asegurar haber devorado a sus víctimas.

A la postre Romasanta se convertiría en el único caso de lobishome –u hombre lobo– documentado en España. Es curioso ver cómo empieza el sumario judicial: “Va de oficio la causa contra el hombre lobo Manuel Blanco, por varios asesinatos. Allariz, Abril de 1853.”

Tras varios informes médicos que aseguraban que Romasanta no estaba loco, fue condenado a morir en el garrote, pero antes de que se ejecutara la pena, Isabel II recibió una carta desde Argel de un tal Mr. Phillips que pedía que se parase el proceso ya que podía demostrar que Manuel Blanco sufría un antiguo mal conocido como licantropía y que por tanto debía ser tratado como un enfermo y no como un criminal. La pena de muerte fue conmutada por cadena perpetua. El rastro de Romasanta se pierde en el tiempo. No hay documentos que acrediten que salió de la cárcel ni tampoco que murió en ella. Tan sólo leyendas locales que afirman que escapó al bosque convertido en lobo.

Pedro Olea llevó la historia al cine en 1970, basando el guion en la novela de Carlos Martínez-Barbeito El bosque de Ancines y alterando los nombres y las ubicaciones por respeto pero manteniendo la línea fundamental de los hechos. José Luis López Vázquez hace las veces de Manuel Blanco Romasanta, oculto tras el nombre de Benito Freire y, sin lugar a dudas, se trata de una interpretación brillante, curiosamente incluso con un cierto parecido físico, según los grabados de la época.

Olea huye de los detalles más truculentos así que no nos encontraremos con una película de violencia explícita –por ejemplo, en ningún momento se insinúa que devorase a sus víctimas– sino que asistiremos a los delirios de una mente psicopática y a la persecución de los vecinos. Olea construye un ambiente mágico alrededor de los bosques gallegos pero cargado a su vez de las supersticiones propias de la tierra y de ese ambiente rural que le da un toque macabro y fantástico a toda la cinta. Además, creo que la película oculta un montón de detalles que puede que se escapen a quienes no estén familiarizados con la verdadera historia de Romasanta, pero que ofrecen una nueva lectura cuando uno la conoce, como la conversación entre Benito y el cura inglés en la que el cura insinúa que Benito sabe más por su oficio de buhonero de lo que aparenta, cuando sabemos que el verdadero Romasanta sabía leer y escribir y era considerado un hombre culto para la época, o el hecho de que se reúnan en una taberna que recuerda a un circo de freaks, enfatizando el carácter de exclusión de estos personajes, cuando sabemos también que Romasanta medía 1,37.

La película no se adentra especialmente en el terreno de la licantropía sino que trata el tema desde la perspectiva más científica posible y es que lo más probable es que Manuel Blanco Romasanta fuera realmente un psicópata que en su locura estuviera completamente convencido de convertirse en lobo. Sin embargo, este empeño de no querer entrar en ningún detalle que se salga de lo estrictamente científico hace que en muchos aspectos la película resulte fría y poco profunda. Además, muchos sucesos realmente jugosos de la historia de Romasanta son omitidos aquí, por no hablar de lo relajadas que resultan las escenas violentas.

La película termina con algo que para mí siempre eleva el nivel de un film y no es otra cosa que una turba enfurecida con antorchas y horcas en las manos persiguiendo al asesino para llevarlo ante la justicia, o juzgarlo in situ, depende de cómo de enfurecida se halle la turba.

Una película interesante sobre uno de los sucesos más extraños de la historia de nuestro país, pero en algunos momentos se echa en falta más profundización en la historia y en los personajes y, personalmente, hubiera agradecido un toque más fantástico y sobre todo una violencia más explícita.

Hermanas (1973)

2011-12-29T17:24:00.000+01:00

Hermanas (1973) Tít. orig.: Sister Dir.: Brian de Palma Mús.: Bernard Herrmann Int.: Margot Kidder, Jennifer Salt, Charles Durning, William Finley, Lisle Wilson Dur.: 93 min.

Derek […] dice que siempre hay alguien que lo ha hecho mejor que tú y que si no puedes superarlo róbaselo y aprovéchate. American History X

Brian de Palma es lo que un niño de 8 años denominaría un copiota. Para qué negar lo evidente, ¿no? De Palma ha copiado de todo y de todos: escenas, argumentos, se ha copiado a sí mismo,… Y si hay alguien a quien le gusta copiar especialmente es a Hitchcock. Esto parece molestar a muchas personas. A mí, en cambio, me gusta. Y me gusta porque no creo que sea simplemente una copia, es algo más.

Hermanas es el primer thriller de De Palma y, por supuesto, es un refrito hitchcokniano, pero muy especialmente de Psicosis (Pyscho, 1960) y La ventana indiscreta (Rear Window, 1954). La película comienza con unos curiosos títulos de crédito en los que vemos imágenes de fetos siameses y de ahí pasa a una secuencia donde Danielle Breton (la guapa Margot Kidder) conoce a Philip Woode (Lisle Wilson) en un concurso de televisión –muy oportunamente llamado Peeping Toms– en el que ella hace de ciega y se desnuda en un vestuario de hombres por un “terrible error”. ¿Qué hará Philip? ¿Le indicará a Danielle el camino al vestuario de señoras o se callará como una puta? Tic, tac, tic, tac. Hagan sus apuestas.

Finalizado el concurso, Danielle y Philip comparten una cena cortesía del programa, y allí aparecerá Emil (William Finley), el misterioso ex-marido de Danielle, que posteriormente les seguirá hasta la casa de ella y les espiará desde el jardín.

Y por la mañana, nos encontramos con el primer momento Hitchcock, ya que Philip, un personaje que parecía importante morirá apuñalado de manera –no tan– inesperada, como hiciera Janet Leigh en Psicosis, después de que descubramos a Danielle hablando fuera de cámara con su hermana Dominique. La manera de rodar la escena del asesinato con el cuchillo frente a la cámara me parece una muestra más de que De Palma tiene mucho estilo y no se limita a copiar, sino que aporta su visión personal.

Segundo momento Hitchcock: la vecina, que es periodista, lo ha visto todo desde su ventana como si fuera James Steward. De Palma aprovecha para meternos uno de sus planos divididos –especialmente bueno– que tanto le gustan en el que vemos por un lado a la periodista viendo el asesinato desde su ventana y en el plano opuesto a la víctima agonizante tratando de llegar a la ventana para pedir ayuda. Y después, por un lado Grace, la vecina cotilla que interpreta la también guapísima Jennifer Salt, llamando a la policía y esperando en la calle a que lleguen los agentes, y por el otro, Emil limpiando la escena del crimen y ocultando el cadáver a plena vista, como en La soga (Rope, 1948).

A partir de aquí, ya que nadie la cree, Grace Collier iniciará una investigación por su cuenta con la ayuda de un detective privado.

La única referencia a Hitchcock que no me gusta de la película es el momento en el que el detective entra en la casa a investigar como en La ventana indiscreta con Grace observando por si llega alguien. Es una secuencia en la que De Palma verdaderamente se limita a copiar, no como en las otras en las que consigue dar una vuelta de tuerca, y eso la hace tediosa e innecesaria.

A medida que Grace avanza en la investigación vamos descubriendo más cosas sobre una complicada trama que recordará por momentos a Psicosis o incluso a Vértigo (Vertigo, 1958).

Esta es una de las películas que más me gustan de Brian de Palma, especialmente porque, aunque vas intuyendo la trama, hasta el final realmente no sabes qué ocurre, gracias también a una escena tan magníficamente rodada como desconcertante. Me refiero al sueño que tiene Grace en el psiquiátrico sobre la separación de las siamesas, rodado en blanco y negro y deliberadamente como si fuera una ejecución, con el gran angular dando un aspecto de locura a Emil y rodeado todo de un aspecto de terrorífico freak show. Una auténtica pesadilla, que a mí me hizo pensar en un final completamente diferente.

Y también me gusta porque crea un verdadero suspense y consigue meterme de lleno en la película como si fuera un personaje más en muchos momentos, como cuando llega la policía al apartamento de Danielle y deseas gritar que se den prisa o como cuando Emil encierra en el psiquiátrico a Grace y desearías estar ahí para poder decir que no está loca.

Finalmente, también sentí un poco de rabia al descubrir que habían conseguido lavarle el cerebro a Grace, en lo que me pareció la broma final de De Palma, como si nos soltara un a que jode sentado en su sofá mientras acaricia al gato.

Una película muy recomendable. Por cierto, ¿os habéis dado cuenta de la sutil referencia a Hitchcock del póster?

From yesterday - 30 seconds to Mars

2011-12-23T13:41:00.000+01:00

Hoy os traigo un vídeo de 30 seconds to Mars, la banda que montó Jared Leto con su hermano Shannon y que a mí me sorprendió bastante por lo bien que suenan. Además, se curran mucho los vídeos y siempre meten detallitos de alguna peli; por no hablar de cuando todo el vídeo recuerda a alguna peli en concreto. Este que os traigo hoy está levemente inspirado en El último emperador de Bernardo Bertolucci y tiene 2 versiones. La primera que os pongo es la corta que dura algo más de 7 minutos y se ve muy bien y la segunda que os pongo es la versión íntegra de 13 minutos y medio. El vídeo fue rodado por completo en China con más de 400 soldados y es una maravilla visual. Espero que lo disfrutéis.

Algún día pondré más vídeos de esta banda pero para los que estéis interesados no dejéis de ver The kill (Bury me) inspirado en El resplandor; A beautiful lie, rodado en el Ártico y con unas imágenes impresionantes; o Hurricane, del que deberíais buscar la versión sin censura de 21 minutos.

De momento os dejo con las 2 versiones de From yesterday. ¡Disfrutadlo!

He's a stranger to some / And a vision to none / He can never get enough, / Get enough of the one

For a fortune he'd quit / But it's hard to admit / How it ends and begins / On his face is a map of the world / (A map of the world) / On his face is a map of the world / (A map of the world)

From yesterday, it's coming! / From yesterday, the fear! / From yesterday, it calls him /But he doesn't want to read the message here

On a mountain he sits, not of gold but of shit / through the blood he can look, see the life that he took / From council of one / He'll decide when he's done with the innocent

On his face is a map of the world / (A map of the world) / On his face is a map of the world / (A map of the world)

From yesterday, it's coming! / From yesterday, the fear! / From yesterday, it calls him / But he doesn't want to read the message / He doesn't want to read the message / Doesn't want to read the message here

On his face is a map of the world

From yesterday, it's coming! / From yesterday, the fear! / From yesterday, it calls him / But he doesn't want to read the message here / From yesterday, / From yesterday, / From yesterday, the fear / From yesterday, / From yesterday / But he doesn't want to read the message / But he doesn't want to read the message /But he doesn't want to read the message here

Street Fighter, la última batalla (1994)

2011-12-16T19:18:00.000+01:00

Street Fighter, la última batalla (1994) Tít. orig.: Street Fighter Dir.: Steven E. de Souza Gui.: Steven E. de Souza Int.: Jean-Claude Van Damme, Raul Juliá, Wes Studi, Roshan Seth, Kylie Minogue, Ming-Na Wen Dur.: 102 min.

En 1994 ocurrió uno de esos hechos que sólo ocurren unas pocas veces en la historia cuando los astros se alinean y hacen que por algún mágico motivo alguien tenga un súbito acceso de talento creador que cambia el curso de la Humanidad para siempre. Le pasó a Guttenberg, le pasó a Einstein, a Chuck Norris le pasa a menudo y, por suerte para nosotros, le pasó a Steven E. de Souza. Desde el día que de Souza estrenó Street Fighter la historia del cine cambió, hubo un antes y un después. A partir de ese día todas las nuevas producciones competían sin éxito por derrocar a Street Fighter del trono de mejor película de la historia que con total merecimiento ocupaba. Todo lo anterior no era más que mierda a su lado. ¡Street Fighter era el Ciudadano Kane de los noventa! O, al menos, así debería haber sido. Sin embargo, desde el fatídico día del estreno, prestigiosos investigadores de todo el mundo tratan de responder a la pregunta que todos nos hicimos al verla.

Sí amigos, nadie podía expresarlo mejor que Urkel. Durante este post responderé a las preguntas que nadie ha podido responder hasta ahora: ¿Por qué de Souza? ¿Por qué nos hicieron esto a los fans del videojuego? ¿Por qué no sé apreciar esta portentosa película en toda su gloria? Let’s get it on!

¿Por qué de Souza?

A ver, repasemos los antecedentes (¿penales?) de Steven E. de Souza, genio creador de esta y otras grandes comedias. Ah, ¿que no sabías que esto es una comedia? Pues mal empezamos si te lo tomaste en serio.

Su primer pelotazo llega en 1985 con Commando. Ya expliqué en su momento que se trata de la mejor comedia de acción de la historia. Pincha aquí para echarte unas risas. Dos años después, en el 87, repite con Schwarzenegger en Perseguido. Ehm…., sí, comedia. ¿Tenéis dudas? Os recuerdo que de Souza creó para esta peli al espectacular a la par que ridículo villano Dynamo. Qué cosa más tonta, por dios.

Hola, soy Dynamo y funciono con pilas. No preocuparse, Schwarzenegger me mató bien muerto y no volveré en ninguna película. Lo juro.

Un año después, nuevo pelotazo con Jungla de cristal, basada en una novela que no he leído, y de la que me juego las pelotillas del ombligo a que su gran aportación fueron los chistes. Lo de basada en una novela lo pongo para hacer constar que como es buena, no fue escrita por de Souza. Y después de esto Los picapiedra, Jungla de Cristal II, Superdetective en Hollywood III, Street Fighter y Juez Dredd, todas ellas grandes comedias. Sé que suena raro que de Souza esté metido en las dos primeras pelis de Jungla de Cristal, por eso de que son buenas y tal, pero si está de Souza tienen que ser comedias a la fuerza. ¡Yipi Ka Yei, hijo de puta!

Mucho tiempo después escribió Lara Croft Tomb Raider: La cuna de la vida que, por supuesto, resultó ser otra gran comedia.

Es evidente que estamos ante un genio del humor que aquí logra superarse aunque parezca imposible. Los momentos hilarantes se suceden en la película que está plagada de diálogos que son puro oro, el sueño de cualquier actor.

-¿Cómo se encuentra?
-Medio muerto.
-¿Y Bison?
-Muerto del todo.

-La una, las dos,… (Mientras le golpea la cabeza contra una campana)

-Tú estás totalmente chiflado, amigo. Nuestro jefe es el enemigo de la paz y de la libertad. Esta gente ha venido de todas partes para detenerle. Si eres listo salvarás tu pellejo.
-¿El general Bison es malo? ¿Y si lo sabes por qué le sirves?
-Porque me pagaba una fortuna de miedo, capullo.
-¿Qué Bison te pagaba?

Y la mejor de todas, he visto esta peli unas 20 veces (no es coña) y siempre que veo esta escena lloro de la risa. Reunidos todos en el campamento de Bison ven por las cámaras de seguridad el camión cargado de explosivos que Chun-Li, Balrog y Honda les acaban de mandar y dice Zangief: “Deprisa, cambia de canal.” ¿Es o no es para llorar de la risa?

¡Están poniendo Street Fighter. Deprisa, cambia de canal!

No se me ocurre una persona más idónea que de Souza para escribir y dirigir una película. Sólo si la hubiera escrito de Souza y Uwe Boll la hubiera dirigido podría ser mejor de lo que es.

¿Por qué nos hicieron esto a los fans del videojuego?

Se llama dinero y sirve para intercambiarlo por bienes y servicios tales como drogas y putas. Básicamente ese fue el motivo. Aún así, de Souza quiso crear algo genial. Podía haber hecho una película sobre un torneo de artes marciales al estilo de Contacto sangriento (Bloodsport, 1988) con Van Damme, pero eso era demasiado fácil, lo que hubiera hecho todo el mundo. No, ese no es su estilo. Se iba a gastar nuestro dinero en putas, pero al menos nos dejaría una obra maestra.

De Souza decidió crear una trama nueva que uniera a todos los personajes y no tuvo ningún reparo en modificar, incluir y eliminar lo que le parecía. Sé que puede parecer que ponerlo todo patas arriba es un proceso sencillo pero no lo es. De Souza tuvo que exprimirse los sesos bien a fondo para crear una trama tan compleja como la de Street Fighter que además tuviera un mensaje entre líneas nada sencillo de apreciar a simple vista. Os voy a contar lo que pasa por la mente de un genio como de Souza mientras juega al Street Fighter.

DRAMATIZACIÓN DE LOS PROCESOS MENTALES DE DE SOUZA. PUEDE QUE NO OCURRIERA.

Oh, joder, este juego de peleas está guapo, creo que haré una película con él. Tratará de un torneo clandestino de artes marciales conocido como Street Fighter. No, un momento, ese guion se le hubiera ocurrido a cualquier mierdecilla. Mejor haré que Bison sea un terrorista internacional que tiene retenidos a unos rehenes y exige un rescate por ellos. Pongamos... 20 millones de dólares. No, qué coño, que sean 20.000 millones de dólares. ¡Eh, que ha sido eso del Hadouken! Me cagüen... Me ha ganado el chino de mierda ese. ¡Insert coin, insert coin! Pues eso del Hadouken lo quito de la peli, hala. Y el Ryu este y el Ken, que es lo mismo pero en rubio, los convierto en estafadores. Y ahora el protagonista. Creo que ese tal Guile debe ser el prota porque es americano y militar. Pues él, junto con Cammy, que también lleva ropa militar, dirigiran las fuerzas de las Naciones Unidas contra Bison. ¿Se ofenderan las Naciones Unidas por esto? Mejor darle una vuelta de tuerca. A ver... estoy pensando... ¿Naciones Aliadas? ¡Soy el comandante Guile de las Naciones Aliadas! Suena guay. Buff, esto se escribe solo.

Y así siguió durante 4 minutos más convirtiendo a Chun-Li en periodista de España Directo, y a Honda y Balrog en cámara y realizador; Blanka y T'Hawk pugnaron duramente en su cabeza por ver a quien convertiría en el personaje más patético del film, pero gana Blanka, no hay duda; a Zangief, no se sabe por qué lo convierte en el personaje más parecido a su original, pero decide darle un toque desouzaniano haciéndolo más tonto que Sergio Ramos; Dee Jay ¿programador informático ex de Microsoft?; Vega ¡mexicano!, … ¿¡Pero esto que es!?

No, no es un error. Es un fotograma que de Souza dejó en blanco. Esto, junto con un sonido tipo fiunnn se convirtió en el único Hadouken del film. Sí, es vergonzoso.

¿Por qué no sé apreciar esta portentosa película en toda su gloria?


Kylie Minogue "haciendo" de Cammy. ¿Cuál está más cachonda?

Seguramente por las miles de cosas vergonzantes para un fan del videojuego como el quitarle toda la sensualidad a los personajes femeninos, el destrozo del personaje de Dhalsim, el convertir a Ken y Ryu en unos meros estafadores sin peso en la trama, alterar la historia personal de casi todos los personajes, la falta de peleas... Pero quizás lo más bochornoso de la película es el general M. Bison y no por Raúl Juliá, de verdad que no, pero fue uno de los peores errores de la historia del cine. Cualquiera que haya jugado al SFII sabrá lo difícil que era vencer a Bison y el espectacular aspecto que tenía. Sin embargo, Juliá se estaba muriendo de cáncer y el traje de skay le venía enorme. Hasta la gorra le estaba grande.

Le han puesto hasta un pañuelo para disimular que está grande. Por cierto, Bisonopolis y Bisondólares... otro triunfo para de Souza.

Y claro, entre eso y la cutre batalla final -que sólo podría ser peor si se vieran los cables- convierten al Bison de Juliá en uno de los peores villanos de la historia junto con Dynamo. Lo de Dynamo es que muy heavy.

Y, sin embargo, me encanta.

Sé que es más cariño que otra cosa, porque con 9 años vi esta peli más de 15 veces y entonces me parecía hasta buena, pero de verdad que no es tan mala sobre todo si se ve como lo que es: una comedia. Y después de cada momento bochornoso aparece alguna escena graciosísima o algún discurso grandilocuente como el siguiente:

Soldados, acabo de recibir nuevas instrucciones. Nuestros superiores dicen que la guerra ha terminado, que podemos irnos. Bison obtendrá dinero por sus crímenes y nuestros amigos que han muerto aquí habrán muerto por nada, pero podemos irnos. Mientras tanto los ideales de paz, de libertad y de justicia quedan arrinconados, pero… podemos irnos. Bien, pues yo no me iré a casa. Pienso subir a mi lancha, navegaré río arriba y patearé el culo de ese hijo de puta de Bison con tal fuerza que hasta el próximo aspirante a Bison lo va a sentir. Bien, ¿quién quiere irse a casa? (Silencio sepulcral) ¿Y quién quiere venir conmigo? (Algarabía generalizada. Van Damme lo ha conseguido y todos los soldados van a luchar con la polla dura.)

Y hablando de Van Damme, aunque esto fuera el comienzo del fin, nunca me ha parecido tan mal actor como muchos dicen. Y sé que esta no es la película idónea para defenderle pero no es ni de lejos el peor personaje de la peli ni el peor actor.

Mirad con que estilo finge que muere.

Siempre que veo Street Fighter me acabo partiendo de risa. Quizás ese no era el objetivo de de Souza, pero es lo que consiguió: una película que de tan mala que es resulta increíblemente cómica. Mucho más de lo que ofrecen la mayoría de las comedias actuales pero mucho menos de lo que mereciamos los fans de Street Fighter.

La escena del mes XIII

2011-11-27T21:23:00.000+01:00

La escena de este mes es la famosísima persecución de Bullitt (Peter Yates, 1.969) entre el Mustang de Steve McQueen y el Dodge Charger de los malos. Bullitt no es precisamente una de mis películas favoritas pero tiene varias cosas que me gustan y, por supuesto, esta escena que sí que está entre mis predilectas.

La escena dura 10 minutos y llevó 3 semanas filmarla. Como se incluyeron mismas tomas desde diferentes ángulos para hacer la persecución más larga, si os fijáis vereís coches que se repiten, misteriosos tapacubos que van y vienen y cosas así, pero todo eso es lo de menos porque la escena es legendaria. Una de las mejores cosas del film es la banda sonora de Lalo Schifrin, pero cuando la cosa se pone dura en la persecución, Yates nos deja únicamente el sonido de los motores y del ambiente, y se agradece. Y además, las colinas de San Francisco. ¡Disfrutadla!

Brokeback mountain (2005)

2011-11-20T11:59:00.015+01:00

Brokeback mountain (2005) Tít. orig.: Brokeback mountain Dir.: Ang Lee Gui.: Larry McMurtry y Dianna Ossana (Basado en el relato de Annie Proulx) Mús.: Gustavo Santaolalla Int.: Hedge Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams, Anne Hathaway Dur.: 134 min.

He escuchado a gente referirse a esta peli como el western gay, la de los vaqueros truchas, y otras lindezas. Francamente, referirse a esta peli en esos términos es como decir que Casablanca va de un bar en Marruecos o que Rocky va de boxeo.

Brokeback mountain es una historia de amor acojonante y un drama sobre tener el valor para vivir tu vida como realmente quieres sin importarte lo que opine la gente. Para mí la mejor escena de la película es esa en la que Gyllenhaal grita: “Lo único que tenemos es esta montaña”, porque tiene las dos cosas que más me gustan del film: en primer lugar, el mensaje de la película de haber podido ser felices juntos sin preocuparse por el qué dirán y haber desaprovechado la oportunidad y, en segundo, las actuaciones de Gyllenhaal y Ledger, especialmente este último, que está sublime y que en esta escena rompe a llorar de una manera tan tremenda que a mí verdaderamente me emociona. Como en esa otra en la que por primera vez se despiden Ennis y Jack y Ennis se queda llorando en un callejón y vomita en una mezcla de dolor y rabia magnífica.

No estoy de acuerdo con los que creen que Gyllenhaal es mal actor. Siempre he pensado que tiene un poco cara de atontado, pero me gusta en general y en esta película en particular me gusta mucho y me parece el contrapunto perfecto al personaje de Ennis en el film, que es mucho más introvertido, más callado,... mientras que Jack Twist resulta más abierto y más comunicativo. Lo que pasa es que Ledger es un actor extraordinario -y creo sin duda que el mejor actor de los últimos años- y a su lado cualquiera parece peor de lo que es.

También hay que destacar a Anne Hathaway y especialmente a Michelle Williams, que tiene algunas escenas con Ledger verdaderamente impactantes.

Y ahora vayamos con la polémica. ¿Es Brokeback mountain una gran película por sí misma o está sobrevalorada porque sus protagonistas son homosexuales? Siempre he pensado que en el mundo del arte se tiende a sobrevalorar todo lo que suene a gay o lo haya dirigido un gay o tenga la más mínima connotación gay, pero eso no quiere decir que siempre tenga que ser así. Creo que Ang Lee consigue hacer un trabajo comedido, elegante, pausado y desde el plano visual precioso. La historia me parece buenísima, con un final estupendo en el que una vez más la vida se interpone entre la historia de amor de Ennis y Jack. Esto no va de vaqueros maricas, esto va de amor, de desamor, de oportunidades perdidas, del miedo, del azar,… ¡De la vida, coño, es una película sobre la vida!

Brokeback mountain es una obra de arte.

Manos, the hands of fate (1966)

2011-11-12T13:59:00.005+01:00

Manos, the hands of fate (1966) Dir.: Hal Warren Int.: ¿Importa? Gui.: Hal Warren Dur.: 74 insufribles minutos.

Esta noche he tenido una pesadilla horrible. ¡He soñado que estaba en una fiesta de Silvio Berlusconi! Bueno, dicho así, suena de puta madre. Y lo es. El caso es que era una fiesta cojonuda con el paquete básico de una Silvio Party: música, alcohol y drogas. Y ahí estaba yo, desentonando en la fiesta con mi camiseta de Iron Maiden –qué feas son las jodías- y pensando que hay algo que no va bien cuando se me acerca Silvio. Que si qué tal, que si me lo estoy pasando bien, que si cómo salgo de la crisis, que si qué tal la droga, que muy buena le digo y que qué tal las tías. ¿Las tías? ¡Claro, eso es lo que no cuadra! ¿Dónde están las tías, Silvio? Sonriendo da una palmada y empiezan a entrar tías a puñados. Como no veo un pescado de lejos me deleito con los contornos y las siluetas. Pero a medida que se van acercando se agudiza mi vista y distingo el horror. Todas las tías tienen la cara –y la nariz- de Belén Esteban. ¡Noooooooooooo! Me tienen rodeado, son como zombis y cuando están a punto de tocarme me despierto entre sudores fríos y con el pulso acelerado. Ha sido horrible.

Minutos más tarde y algo ya más tranquilo me he dicho a mí mismo: “Tío, no vas a dejar que una pesadilla te joda el día, ¿no?” Pues claro que no. Y me he bajado a desayunar lo que más me gusta desayunar: unos Soylent Green con leche. Y mientras se reblandecían un poco –que me gusta que se ponga la leche verde- estaba viendo un interesantísimo programa en la MTV sobre cómo un tal Kurt Cobain vendía millones de discos esforzándose por no venderlos, y de pronto, interrumpen la programación habitual para dar una noticia de última hora y nos dejan sin saber si Kurt se recuperó o no del cóctel de champán y flunitrazepan en Roma y de si eso formaba parte de la estrategia de ventas.

La chica del telediario está visiblemente afectada y no creo que sea por Kurt; tal vez por Courtney. Tiene pinta de que va a dar una noticia de alcance. Grita histérica: “SOYLENT GREEN SON GENTE.”

¡No me jodas! Mis Soylent resbalan de mi boca abierta al tazón. Hostia puta, ¿me habéis cortado lo de Kurt y Courtney sólo porque los putos Soylent Green son gente? Pero ¿a quién coño le importa de qué estén hechos si saben bien? Sí, es cierto que a veces te encuentras un diente o una uña del pie, pero el sabor compensa con creces esas chorradas.

Me termino mis Soylent con regocijo. Saber que los fabrican con viejos y mendigos resulta menos desagradable de lo que cabría esperar.

Bueno, el día no ha empezado bien, he tenido una horrible pesadilla y el único programa bueno de la historia de la MTV ha sido cancelado, pero todo puede mejorar. Me voy a internet y busco la peor película de la historia. ¿Por qué la peor? Porque así no me creo expectativas y por mala que sea no me sentiré decepcionado. Así, cuando diga: “Eh, pues no era tan mala”, mi día habrá mejorado, pero si finalmente tengo que decir: “Mierda, sí que es la peor peli de la historia”, me quedaré como estoy. Cómo no, Google ofrece 1.450.000 resultados. Me parecen pocas, la verdad. Especifico que no quiero Plan 9 de Ed Wood, que esa ya la he visto y no es la peor. 6.900.000 resultados. ¿Seguro que esto funciona? Es igual, ya he visto un título que me ha llamado la atención: Manos, the hands of fate. Francamente, no se me ocurre un título más redundante.

Voy a mi filmoteca, sección De lo malo lo peor y… ¡Hostia, un VHS! ¡Esto qué es! Averiguo qué es eso del VHS y cuatro horas después encuentro un vídeo entre toda la mierda del garaje y lo que es más importante: un euroconector. Meto la cinta. Está al final. ¡Me cago en Monesvol! Rebobino.

Por fin empieza.

…

Por fin acaba.

Dios, qué suplicio. Una cosa está clara, ninguna cosa que yo os diga podrá haceros imaginar ni de lejos la remierda ante la que estamos. Hay que verla para entenderlo.

En primer lugar, os pongo en antecedentes. Hal Warren, vendedor de abonos –pero no abonos de fútbol, sino mierda de la buena, lo que explica muchas cosas-, hablando con unos en un bar afirma que él puede rodar una película de horror con muy poco presupuesto, que eso está tirado. Algún insensato respondió con la frase que más daño ha hecho a la Humanidad en toda su historia: ¡A que no hay güevos! Y por desgracia, los hubo.

Os voy a contar todo el reparto de la peli, que vais a flipar. Familia protagonista: Hal Warren y señora, más su hija insoportable y un perro-patada que afortunadamente muere. Estos van de vacaciones en un coche descapotable y el director nos deleita durante unos insoportables minutos con unos planos de un paisaje horrible, que por lo visto es El paso, pero que si me dicen que está rodada en el mismísimo Infierno me lo creo.

Los panolis estos se pierden por unos extraños caminos y llegan a Mataporculo, eso sí, antes se cruzan con una pareja cuya única labor en la película es estar dándose el filete para que la poli aparezca y los mande seguir haciendo eso pero en otro sitio. Estos dos protagonizan la primera escena descoyuntante de la película. Se supone que mientras se estaban enrollando en el coche pasa la familia Panoli y ellos debían mirar hacía allí y decir que por ahí no hay nada. Pero estaban tan concentrados dándose el lote que ni se enteran de que ha pasado el coche hasta que alguien les debe decir: “Gilipollas, que ya han pasado.” Y entonces la chica mira a la cámara, pone cara de ¿en serio han pasado?, se gira y suelta la frase como media hora tarde para deleite de los fans, que ya intuimos que esto no es horror sino comedia.

The Panoli Family llega a una casa en mitad del desierto donde vive Torgo, un notas que tiene el baile de San Vito y unas rodillas como cojones de elefante. El tío informa que de ahí no hay salida, suena la “Sintonía Torgo” que durante un rato sonará siempre que Torgo aparezca en pantalla, mantiene un duelo de miradas con Warren que dura la hostia o más (esto es despollante porque no se sabe si es un duelo de miradas o es que no saben qué viene a continuación) y suelta unas cinco veces su frase favorita: “El amo no lo aprobará”. Y el amo es el otro personaje de la película junto con sus seis esposas. Yo pensaba que ese tío era Manos, pero no, es un tío que adora a Manos, una especie de… bueno, ya sabéis, un… uno de estos que… una puta mierda, vaya. Un malo de chichinabo. Eso sí, lo único que me ha gustado de la película es el traje de El Amo, con unas manos dibujadas que el tío aprovecha para enseñarnos siempre que puede. ¡Dios, qué redundante está quedando esto! Necesito que alguien me eche una mano. ¡ARGGH!

Otro momento delirante tiene lugar cuando Manos dice que Torgo debe ser eliminado y sus esposas pretenden matarlo, ojo a esto, poniéndole las manos en la cara. Sí, sí, así de heavy es la peli. Después de un buen rato haciendo el gilipollas, parece que se dan cuenta de que matarlo, no lo están matando demasiado. Entonces El Amo con cara de tengo que hacerlo yo todo, hostias, realiza el gran efecto especial de la película: le arranca la mano a Torgo con una explosión y se queda con la mano ardiendo mientras Torgo huye con el muñón en llamas. Mentiría si dijera que no me gustó esta escena pero ni de coña compensa el horror restante.

Afortunadamente la película termina con un giro de guión brutal. Es ironía. Y después de todo, el tal Hal Warren, que es un cachondo, tiene tiempo incluso para amenazarnos con un The end?

Creo que la película fue proyectada una sola vez. En serio, solo una. Los actores participaron gratis a cambio de un porcentaje en los beneficios, y entre todos los porcentajes sumaban un 300%. 300% de cero, cero. Este Hal… a ver si no iba a ser tan tonto. Encima el tío usó una cámara que sólo grababa 32 segundos y sin sonido así que el montaje es delirante y todas las voces están grabadas en estudio por 3 personas. Dicen que la niña al escuchar cómo sonaba su voz se puso a llorar. Yo también lloro cada vez que habla.

Por lo visto una de las poquísimas copias en 35mm que existen la tiene Quentin Tarantino quien asegura que es su comedia favorita de todos los tiempos. Creo que, efectivamente, con la cantidad adecuada de alcohol y drogas puede llegar a serlo.

Veredicto final: No es la peor película de la historia porque me he reído de lo lindo, pero si me encuentro a Hal Warren algún día por la calle, le calzo dos hostias al estilo Bud Spencer, con la mano abierta.

Especial Halloween: Terror clásico

2011-10-31T18:56:00.001+01:00

En esta noche especialmente terrorífica me gustaría recordar algunos clásicos del cine que nos han marcado a todos en mayor o menor medida. El cine de terror tiene sus orígenes en los orígenes mismos del cine y no está mal rendir tributo de vez en cuando aquellas grandes películas sin las que el cine de hoy en día no sería lo mismo. Comencemos.

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (1920)

Y de repente, llegó el terror. Bueno, no fue exactamente así. David Griffith ya había adaptado a Poe, Paul Wegener ya había hecho El Golem (la del 14) y a saber cuántos más, pero esta película fue la primera gran película de terror, concebida enteramente como película de terror y convirtiéndose en un gran éxito en la época.

Aparte de la historia, que sigue teniendo gran fuerza por sí misma, la plasticidad del film con los decorados cubistas de Warm, Reimann y Röhrig, crean un ambiente tétrico y pesadillesco que le confiere al film un aura especialmente siniestra. Se ha convertido en el referente del expresionismo alemán y el personaje de Cesare es ya mítico.

KÖRKARLEN, LA CARRETA FANTASMA (1921)

En esta época, el cine escandinavo estaba preocupado por dos temas: lo esotérico y lo oculto y el alcoholismo. En esta producción sueca, por supuesto, tenemos un poco de cada. A mí, la verdad, toda la parte moralista sobre el alcohol, que es prácticamente toda la película, me aburre un poco (aunque tiene escenas logradísimas) y creo que hoy en día lastra mucho el film. Sin embargo, imagino lo que debió sentir un espectador de la época en el cine y creo que la experiencia sería algo similar a cuando nosotros fuimos a ver Desafío total, Parque Jurásico o Matrix, es decir, te podrá gustar o no la película pero los efectos especiales se te quedan grabados.

Lo que consiguen en esta película el director Sjöström y el fotógrafo Julius Jaenzon con los efectos de sobreimpresión para liberar las almas humanas o hacer que los espectros y la carreta parezcan incorpóreos y atraviesen paredes y puertas es simplemente lo mejor hasta esa fecha. Sólo por esas escenas ya merece la pena. Por si alguien no sabe de qué va esto, es una leyenda que dice que el último hombre que muera en el año, si ha sido una persona realmente malvada, será condenado a conducir la carreta fantasma durante el siguiente año, recogiendo las almas que se va cobrando La Muerte. Por cierto, mítica también la escena en la que David atraviesa una puerta con un hacha para llegar hasta su mujer que huye de él. No sé, me recuerda a otra peli… pero no caigo.

NOSFERATU (1922)

La verdad es que como película de vampiros no es mi favorita pero tiene un par de cosas que me encantan. Primero, el maquillaje de Max Shreck que verdaderamente parece que se acabe de levantar de la tumba y, segundo, la creación de ese momento inolvidable del cine cuando la luz del sol acaba con el vampiro, algo que no estaba en la novela de Bram Stoker. Que la película haya llegado hasta nuestros días es casi un milagro porque Murnau no quiso pagar los derechos a la viuda de Stoker, esta les demandó y al final se ordenó la destrucción de todas las copias y los negativos. Afortunadamente alguna se salvó.

HÄXAN (1922)

Ya le dediqué una entrada a esta película en el blog (aquí) así que no me extenderé. Tratado de Christensen sobre la brujería que mezcla partes casi documentales con partes dramatizadas y que explora los orígenes de este fenómeno y su evolución mostrando especial detalle en la Inquisición. Cargada de efectos y trucajes de gran calidad, para mí supera a todas las anteriores.

DRÁCULA (1931)

La gran película de Lugosi, tipo al que tengo mucha simpatía y que aquí está espléndido. A diferencia de Nosferatu, aquí se hace una adaptación más “fiel” y oficial de la novela, pero partiendo de la adaptación de la obra para teatro, que sin embargo, al menos para mí, resulta menos sobrecogedora y menos impactante. Dirige el gran Tod Browning con la ayuda de Karl Freund como fotógrafo, otra figura importantísima en los orígenes del terror, y como no podía ser de otra forma, Tod Browning eligió a Lon Chaney para el papel de Drácula. Pero la vida es como es y Chaney murió en 1930 de un cáncer de pulmón, así que el papel se lo llevó Lugosi, que no había llegado a un acuerdo para protagonizar Frankenstein, papel que al final le cayó a un tal Karloff.

FRANKENSTEIN (1931) y LA NOVIA DE FRANKENSTEIN (1935)

De todos los monstruos del cine este es mi favorito. Una de las cosas que más me gusta de Whale es que coge algunos elementos de la novela pero otras se los inventa, como el tema de la electricidad para insuflarle vida al monstruo, cosa que no aparece en la novela, pero que se ha convertido en algo básico de cualquier adaptación. La película es una maravilla y para la historia quedará la interpretación de Boris Karloff, con un trabajo de maquillaje meticuloso a cargo de Jack Pierce y unos zapatos de 7 kilos. Casi ná.

El propio Whale dirigió la secuela que a mí me resulta incluso más entretenida que la primera y que gira en torno a la creación de un segundo monstruo, una mujer que sirva de pareja de Karloff.

A la hora de rodar Frankenstein a James Whale le dieron a elegir entre una veintena de historias para dirigir y eligió esta porque según él le habían encasillado en el cine bélico y quería hacer algo diferente. Hoy en día, nadie recuerda sus películas bélicas, ya que a la historia han pasado sus cuatro películas de terror. Por cierto, con lo feo que era Karloff, que rica estaba su novia.

LA MOMIA (1932)

Karl Freund se lanza a dirigir después de haber estado en la fotografía de El Golem y Drácula y lo hace con buen resultado, aunque en mi opinión inferior a sus compañeros de época, o sea, Frankenstein y Drácula. Curiosamente esta es la primera película de la Universal en la que se crea un monstruo que no tiene antecedentes literarios y en muchos momentos se sigue la estructura narrativa de Drácula, creando incluso personajes similares como el Dr. Muller que recuerda inevitablemente al Dr. Van Helsing.

La Universal decidió utilizar de nuevo a Karloff como protagonista y a Pierce como maquillador, que empleaba 8 horas diarias para convertir a Karloff en la momia.

EL HOMBRE LOBO (1941)

Esta película me encanta aunque tiene un problema tremendo y es que a diferencia de otras como el Frankenstein de Whale, a la que las sucesivas adaptaciones parecen engrandecer aún más, con El hombre lobo pasa lo contrario, lo que vino después deja en bragas a esta peli, especialmente por la transformación de Lon Chaney Jr. que deja mucho que desear si la comparamos, por ejemplo, con la transformación de Un hombre lobo americano en Londres. Aun así, hay que reconocer que la película es muy entretenida y cuenta con un reparto de lujo, con el propio Lon Chaney Jr., Claude Rains, Ralph Bellamy o el brevísimo papel de Bela Lugosi haciendo de Bela el zíngaro.

YO ANDUVE CON UN ZOMBI (1943)

No es la primera película que trata el tema zombi pero es una de las pioneras y además es de las pocas que no se tira por la vía de los infectados, los virus, los ghouls, ni cosas similares sino que explora el rito tradicional vudú por el que un brujo somete a una persona a su voluntad haciendo difícil distinguir si está vivo o no. Algo que recuerda un poco al estado mental de Cesare en El gabinete del Dr. Caligari.

Yo no la calificaría exactamente de película de terror, es más bien suspense, pero tiene algunas escenas que transmiten un verdadero desasosiego y eso es más de lo que pueden decir muchas películas del género, más aun tratándose de una serie B, como en este caso.

Sólo por la escena en la que las dos mujeres caminan entre los maizales y aparece Carrefour, el señor del inframundo, merece la pena verla.

BONUS TRACKS:

EL GOLEM (1920)

Esta película es un remake de Wegener de su propia película homónima del 14. Para resumir de manera rápida para aquellos que no conozcan la leyenda, El Golem es un protector de los judíos creado con barro que cobra vida cuando se le introduce en la boca el nombre de dios.

Lamentablemente esta me parece que es una de las que peor ha envejecido. La narración se hace larga y gran parte de la historia resulta aburrida. Aun así, la escena en la que se invoca a Altaroth para que revele la palabra que devolverá a la vida al Golem es acojonante.

LA PARADA DE LOS MONSTRUOS (1932)

Mi favorita de todas. Se diferencian dos partes claramente en el film: en la primera, la más cruel, Cleopatra y Hércules representan la humillación de la belleza a la fealdad y en la segunda, la terrorífica, los bellos se convierte en monstruos entre los monstruos y asistimos a una venganza que es casi como un acto de corporativismo entre freaks. La ley de los monstruos, como se dice en la película. Quizás la película más valiente de la historia y la que considero más imprescindible de todas las que he nombrado.

Y con esto terminamos. Feliz y terrorífico Halloween a todos.

El último gran héroe (1993)

2011-10-19T21:39:00.001+02:00

El último gran héroe (1993) Tít. orig.: Last action hero Dir.: John McTiernan Gui.: Zak Penn, Adam Leff, Shane Black, David Arnott Int.: Arnold Schwarzenegger, Austin O'Brien, Anthony Queen, Charles Dance, Tom Noonan, F. Murray Abraham, Robert Prosky Dur.: 130 min.

Hoy voy a hablaros de una de mis películas favoritas de toda la historia. Como no quiero engañar a nadie, ya os comento que es un macropost que necesita por lo menos 4 horas para ser leído. No, es broma, en una hora lo acabáis. Podéis dejar vuestro mejor tiempo anotado en los comentarios. XD

En 1993 se estrenó El último gran héroe –¿he comentado ya que es una de mis películas favoritas?-, segunda película más cara de la historia hasta esa fecha –después de Terminator 2- y que estaba llamada a convertirse en el nuevo éxito de la megaestrella del cine de acción Arnold Schwarzenegger –te queremos, Arnold-. Sin embargo, el batacazo en taquilla fue de órdago. Para que os hagáis una idea de las taquillas de la época, Terminator 2 costó algo más de 100 millones de dólares y recaudó 500; El último gran héroe recaudó 137 y costó 85. ¿Por qué fracaso? Bueno, hay varios motivos pero el principal fueron los dinosaurios. Putos bichos.

El estreno de El último gran héroe (EUGH a partir de ahora) estaba previsto para el 18 de junio y 9 días antes se estrenó Parque Jurásico, algo de lo que se quejaron McTiernan, el Chuache y todo aquel que participó en la película que tuviera dos dedos de frente, que aconsejaban retrasar el estreno, pero Columbia pasó. Quizás pensaron que una peliculita de dinosaurios no sería rival. Total, ¿a quién iba a importarle una película de unos bichos que llevan 65 millones de años muertos? Pues, por lo visto, a todo el mundo. Para cuando EUGH llegó a los cines de EE.UU. la fiebre del dinosaurio había estallado y todo el mundo quería un triceratops de mascota. Y lo peor de todo es que este no fue el único problema.

El primer problema de todos fue la génesis del guion que fue muy complicada y se fue dilatando en el tiempo provocando que cada vez se gastara más dinero en él. La primera versión, titulada Extremely violent, era una parodia de las películas de acción escrita por Adam Leff y Zak Penn y fue comprada por Columbia, o mejor dicho, pasó por muchas manos y finalmente acabó en Columbia. Columbia Pictures contrató al Chuache para el papel de Jack Slater (que de aquellas era Arno Slater todavía) pero tras leer el guion dijo que había que mejorarlo. Se contrató a Shane Black (Arma letal, Depredador (como actor), El último boy scout), a quien se le dio un millón de dólares, y este trajo a David Arnott para que le ayudara.

Habitualmente, cuando alguien quiere que reescribas algo es porque es malo, pero este guion era una mina de oro. Los escritores habían creado 4 variaciones de la trama. Nosotros pensamos: “Guau, hay otras 400 posibilidades más”. Shane Black se emociona mientras habla del primer borrador de El último gran héroe.

Mientras Shane y David trabajaban en las modificaciones, le pasaron el guion de Leff y Penn a John McTiernan (La jungla de cristal, Depredador) que no lo encontró demasiado bueno. Meses después le pasaron el borrador con los cambios de Black y Arnott, lo volvió a leer y llamó al Chuache.

“Tenemos algo grande. Tienes que leer esto. Y lo leyó. Y le gustó. Esta vez Schwarzenegger se comprometió con la condición de hacer algunos cambios en la parte final del film. Sí, sé lo que estáis pensando, que no había suficiente violencia para Schwarzenegger, que hacían falta más tiros, más explosiones,… pero no es así. Lo que Arnie quería era mejorar el vínculo emocional del niño y su héroe. El bueno de Arnie consideraba que William Goldman era la persona adecuada, pero este se negó a trabajar en el guion de una película tan violenta. ¡Menudo gilipollas! Eso sí, cuando aparcaron un camión de dinero en la puerta de su casa, sí aceptó. Nos ha jodido, a ver quién es el guapo que renuncia a 750.000$ por cuatro semanas de trabajo. Y encima el tío lo hizo como si le estuviera haciendo un gran favor a Arnold. Después de eso, Larry Ferguson y hasta Carrie Fisher le metieron mano otra vez al guion, para retocar alguna cosilla. ¡Y por fin estaba acabado!

Sin embargo, los problemas no habían hecho más que empezar. Columbia programó un test screening, algo así como un pase previo donde se evalúa la recepción del film por el público. Se les ocurrió una idea cojonuda: proyectar una versión del film con un montaje de 2 horas y 18 minutos, con un sonido y una banda sonora que no estaban acabados y unos efectos especiales a medio hacer.

Me daba bastante miedo enseñar la película. Estaba en un estado en el que ni siquiera se la enseñaría a los ejecutivos del estudio. Lo que les estábamos enseñando era lo que los editores le muestran al director diez días antes de terminar de rodar. John “Me cago en todo” McTiernan.

Y después de eso, todavía rodaron más escenas. El resultado, obviamente, no fue bueno. A pesar de que Columbia negó que se hubiera producido ese test screening la noticia de que la película era mala de cojones corrió como la pólvora y predispuso a la gente en su contra, algo que sumado al estreno de Parque Jurásico hizo polvo a EUGH. Para la historia quedará el comentario de un notas que estuvo en ese pase y dijo que eso era como "Willy Wonka con pistolas". Por si esto fuera poco, EUGH era la primera película rodada en Sony Dynamic Digital Sound (SDDS) un novedoso sistema de audio en 6 canales que era lo mejor de lo mejor hasta la fecha. El problema es que las salas de cine no estaban adaptadas para este sonido y hubo problemas técnicos en muchas.

El resultado ya lo imagináis. Una película estrenada entre críticas negativas y a rebufo de Parque Jurásico no podía funcionar y no funcionó. ¡Si yo mismo, que adoro la película, en aquella época andaba jugando con dinosaurios de plástico! ¿Pero es la película mala? Para mí no sólo no es mala sino que es un peliculón.

Danny Madigan es un chico de 11 años al que le encanta el cine, especialmente las películas de Jack Slater, un héroe de acción interpretado por Arnold Schwarzenegger. En el preestreno de Jack Slater IV, gracias a una entrada mágica del mismísimo Houdini que le regala el dueño del cine, que es coleguilla, Danny aparece dentro de la película. Concretamente en el asiento trasero de Jack Slater en medio de una persecución con tiroteo incluido. Y ya la hemos liado.

EUGH combina dos elementos: la típica buddy movie en la que vemos a dos personajes muy diferentes que por causas del destino tendrán que pasar mucho tiempo juntos y terminarán haciéndose amigos y la película de niños que viven aventuras al más puro estilo de los Goonies, salvando las distancias, eh, que nadie se me indigne.

Una de las cosas que más me gusta de esta peli es que tiene todos los clichés del cine de acción y más. El que más me gusta es que Danny vive en Nueva York, ciudad asquerosa, siempre lloviendo, siempre de noche,… Y Jack Slater vive en Los Ángeles, siempre de día, siempre soleado, todo precioso,… Y evidentemente esto se aprecia en la fotografía del film, que cambia cuando están dentro de la peli y cuando están en el mundo real.

Más clichés: Jack Slater nunca sufre un rasguño. De hecho, cuando matan a su primo segundo –grave error- explota la casa y Slater salta justó en el último momento. ¡Cómo no! Danny, que está viendo la peli, dice: “El está bien. Heridas leves. Los polis muertos.” Y, efectivamente, así es, pero un poli agonizante aún tiene tiempo de decir una cosa justo antes de morir: “Dos días para jubilarme”. ¿Puede haber algo más tópico?

Otro buenísimo: cada vez que Slater mata a alguien tiene que soltar una frase lapidaria. Además, cualquier cosa explota con un simple tiro. Por ejemplo, en la primera persecución en la que Slater se da la vuelta para disparar soltando el volante, le pega un tiro a un carrito de helados que, por supuesto, explota y un cucurucho mata a un terrorista clavándosele en la nuca. Slater dice: “Lo he dejado helado”. Ja, ja, ja.

Aparte de esto, todos los números de teléfono empiezan por 555, todas las tías están buenas, el jefe de Slater grita hasta romper los cristales, en una persecución nunca hay tráfico, las armas siempre tienen munición, todas las tías están buenas,… Eso ya lo he dicho, ¿no?

Lo mejor de esta película es el momento en el que vuelven a Nueva York y Slater descubre que en el mundo real las cosas son muy diferentes. No se pueden romper ventanillas de los coches sin hacerse daño, las cosas no explotan porque sí, los malos sí ganan y encima tiene que lidiar con que su vida es simplemente un guion que se le ocurrió a alguien.

Uno de los problemas que creo que tiene esta película es que está hecha por cinéfilos para cinéfilos. Momentos sublimes como el chiste de Amadeus cuando aparece F. Murray Abraham -y que es otro cliché: el de los actores que hacen siempre de malos y sólo con verle en una peli ya sabes que será el malo-, creo que no son comprensibles por todo el mundo. Cuando entran en la comisaria y se cruzan con Robert Patrick como el T-1000 o Sharon Stone como Catherine Tramell o cuando en el videoclub Danny le enseña a Jack el cartel de Terminator 2 para que vea que es él y en cambio aparece Stallone (este momento es cojonudo) digamos que son más para todos los públicos. Pero, por ejemplo, cuando están en Nueva York y tienen el accidente de coche en el que Slater cree que Benedict ha muerto, Danny le pide que lo compruebe, en una referencia a la película de McTiernan La jungla de cristal, y cuando abre la puerta del taxi y ve que Benedict no está, suena la banda sonora de dicha peli. Esto también ocurre en la escena de la explosión que comentaba antes en la que el poli negro, en una clara referencia a Danny Glover en Arma letal, dice lo de “dos días para jubilarme”. En ese momento suena la banda sonora de Arma letal. Sensacional pero evidentemente, difícil de pillar para el público en general.

Aun así, los momentos graciosos se suceden sin tregua al igual que las frases lapidarias. De todos los momentos con los que me he desñoclado a gusto las 9 millones de veces que he visto esta peli –lo juro por Maria Shriver que han sido 9 millones y si miento que le salga otro hijo ilegítimo al Chuache- el que más me parte la ñocla es el momento en el que tocan el timbre de Vivaldi, aparece Benedict y dice Slater: “¿Es usted un secuaz?” y éste responde: “No, yo sólo llego a lacayo”, y todo el diálogo que sigue y que finaliza con el “¿por qué estoy perdiendo el tiempo con un mono de feria como tú cuando podría hacer algo más peligroso… como emparejar mis calcetines?”. ¡Me desñoclo sólo de recordarlo!

Y así podríamos seguir horas, con el mayordomo de Vivaldi que es igualito al mayordomo de Goldfinger, con los deliberados errores de racord como la camiseta de Slater llena de agujeros de bala que en la siguiente escena está nueva, con el momento en el que en el preestreno de Jack Slater IV Maria Shriver le dice al Chuache que por favor no promocione Planet Hollywood y a este le falta tiempo para hacerlo,…

Y luego está la banda sonora. Alice in chains, Megadeth, Def Leppard, Anthrax, Aerosmith, Cypress Hill, Tesla y, por supuesto, el tema principal de la peli, Big Gun, a cargo de AC/DC, por petición expresa de Chuachenator. Acción pura y dura.

El propio Chuache sale en el vídeo de AC/DC intentando hacer el pato como Angus pero todos sabemos que nadie hace el pato como Angus. A continuación podéis ver el vídeo.

En aquella época el presidente de Columbia Pictures era Mark Canton, que en 1996 y tras varios fracasos en taquilla entre los que se incluye El último gran héroe le enseñaron amablemente dónde estaba la puerta. Quizás se podría haber sentido resentido con las pelis que le llevaron al paro pero dijo de EUGH: “[…] probablemente, la mejor película de acción de la historia”. Ahí queda eso.

Y por si fuera poco, Schwarzenegger interpretando a Hamlet. Por lo visto, sir Lawrence Olivier cuando lo vio dijo: “¡Que me aspen si no es el mejor Hamlet de la historia!”.

He aquí la película más infravalorada de la historia.

Créditos de películas VI | La escena del mes XII

2011-10-06T12:44:00.003+02:00

Hoy he decidio juntar dos secciones para hablaros de Repo Man una peli muy cachonda de 1984 que podríamos denominar dirty cinema. Entrada dedicada, cómo no, a nuestro bloguero más dirty: yosónico.
Los créditos molan, porque molan un puñao, con esa música de Iggy Pop, ese tono verde, esos pueblos llamados Pescado, Madrid, Ojo caliente o Concho... Y luego viene la que es la escena del mes, que es la primera escena de la peli. Muy importante no perder de vista tres cosas: el maletero, las llaves y la matrícula. Primero ved el vídeo y luego os cuento los detalles por si hay alguien poco observador.
Como esto así hubiera quedado un poco soso os cuento también los orígenes de Charlie Sheen y cómo acabó fumando porros por la nariz -no he encontrado la foto pero la de los cigarritos también mola- y llevando una vida de completo desenfreno. Todo comenzo vete tú a saber cuándo en Parderrubias, que aunque tenga nombre de bar de carreteras es un pueblo de Pontevedra con un habitante muy ilustre: Francisco Estévez. La gran hazaña de este hombre fue irse de Parderrubias a Ohio -sí, sí, Ohio, U.S.A.-, casarse con una irlandesa y tener diez hijos. Ahí, con dos cojones. A uno de estos hijos le bautizó con el nombre de Ramón Antonio Gerardo Estévez y este a su vez -cuando se hubo hecho mayor, claro- tuvo varios hijos de los cuales sólo nos interesan dos: Emilio y Carlos Irwin. Emilio Estévez se convirtió en actor y protagonizó, entre otras, la que os traigo hoy: Repo Man. Como ya habreís adivinado Ramón Antonio Gerardo cambió su nombre muchos años antes por uno más comercial: Martin Sheen. ¿Y quién es Carlos Irwin? A estas alturas ya lo habréis intuido también, ¿no? Carlos Irwin Estévez es Charlie Sheen -el tío Charliiiie- y el motivo de la vida de desparrame que lleva es que por sus venas corre sangre española e irlandesa, mezcla explosiva dónde las haya, ya que todos sabemos que a los españoles nos va mucho la fiesta y a los irlandeses mucho la botella. Y a Charlie le va todo.

Una vez visto el vídeo supongo que os habréis fijado en lo que os avisé. Primero el maletero se cierra solo y después las llaves desaparecen e imaginamos que van a parar mágicamente al contacto del coche porque si no, ¿cómo arranca? Aunque claro, ¿quién ha dicho que sea un coche? Y por último, lo que más me gusta: la matrícula, que pasa de K88 283 a 127 GBH. Cómo me gusta.

A hostias en el insti (Segunda parte)

2011-10-02T17:26:00.002+02:00

Ya está aquí la esperadísima segunda parte de este especial de hostias en el insti. Hoy no me apetece escribir así que pasemos directamente al turrón.

CURSO 1999 (1990)

Mark L. Lester, ese puto genio, (no sé cómo se lo monta pero siempre acabamos hablando de él, qué bien) decidió dirigir ocho años después de Curso 1984 una secuela de su mega éxito ochentero.

—Pero Mark, —debieron decirle en la productora— ¿otra vez la misma mierda?
—Que no, que esta vez es diferente. Bueno, vale, es lo mismo, pero le he lavado la cara. Veréis, ahora el instituto está en una ciudad que ríete tú de Mad Max 2, y los profesores son robots asesinos.
—¿Robots, dices? No me jodas. Eres un puto genio, Mark. Lo has vuelto a lograr.

En serio, el diálogo debió de ser más o menos así. El caso es que la peli está muy graciosa y tiene un reparto cojonudo, porque al loro que no repito: Director del insti: Malcolm McDowell, un tío que hoy se lía a hostias en la Naranja Mecánica y mañana pilla cacho en Calígula, lo que se dice el puto amo; profesores robots: Patrick Kilpatrick, que mola, John P. Ryan, que entre otras gilipolleces salía en Campeón de campeones, ese megaéxito de Eric Roberts, y Pam Grier, que está buena que te cagas y a estas alturas había demostrado ya de sobra que lo de dar hostias se le daba de puta madre.

Como siempre en estos casos habrá un alumno espabiladísimo (Bradley Gregg) que se dará cuenta del pastel y unirá a las dos bandas rivales de la ciudad para luchar en una causa común. Aunque esto lo hará sólo después de que sus dos hermanos hayan sido asesinados por los profes Terminator. Hace falta matar al segundo porque con el primero no le queda del todo clara la movida.

Finalmente habrá una batalla en el insti entre bandas de moteros y profesores asesinos. Armas, explosiones, robots, alumnos asesinados y Pam Grier, qué más se puede pedir.

OPERACIÓN: SOLDADOS DE JUGUETE (1991)

Esta peli es la hostia. Hay un colegio de alto standing (sólo de tíos, me cachis) en el que todos los chavales son hijos de empresarios importantes, mafiosos italo-americanos, el presidente de los EE.UU., bueno, esto último quizás no, pero ya me entendéis. Problema: ya sabéis que a los americanos les encanta meter las narices donde nadie les llama y detienen a un narcotraficante llamado Enrique Cali. Esto, molesta muchísimo a su hijo Luis Cali que decide entrar por las bravas en el cole donde está el hijo del juez que instruye el caso de su papi, y por supuesto, si no lo sueltan inmediatamente empezará a matar chavales cada hora.

Afortunadamente, el cole cuenta con un alumno de excepción, Sam, el amigo de Frodo, o sea, Sean Astin, como le conocen en su casa. Sam, digo Sean, y sus compis de habitación iniciarán la resistencia, primero escupiendo con moco profundo en los sándwiches de los terroristas y después con medidas más serias. Pero, hete aquí, que la cosa se complica y el hijo del jefe de la mafia roba una metralleta y se cree que es Tony Montana y, por supuesto, muere como Tony Montana. Esto es un insulto, una ofensa de cojones para la mafia, que decide cargarse a Enrique Cali en la cárcel. ¿Y ahora qué hacemos?, —se preguntan los mafiosos— porque tu papi ha muerto y estamos rodeados. Pero ya es demasiado tarde, Sam tiene un plan súper elaborado para ayudar al ejército y la escuela será la tumba de los terroristas. Una peli muy disfrutable de chavales que acaban con terroristas. Típica de sábado por la tarde.

THE FACULTY (1999)

Robert Rodríguez en estado puro, con todo lo que eso implica, así que supongo que muchos renegaréis de esta peli, pero a mí me mola. Rodríguez, (o los guionistas, ¿a quién le importa?) decidió mezclar Curso 1999 con La invasión de los ladrones de cuerpos y salió una peli en la que los profes son extraterrestres. Además, Rodríguez junta dos tópicos cojonudos: el alumno espabilado que es el único que se da cuenta de lo que pasa y el alumno que pasa droga en el insti, y volvemos una vez más a la base de la economía estudiantil: las drogas. Los espabilados son Elijah Wood y Jordana Brewster, el que pasa drogas es Josh Hartnett y por ahí andan también Robert Patrick (El T-1000 de Terminator 2), Piper Laurie, mítica actriz con un papel de mierda y Salma Hayek, que está buena y tiene también un papel de mierda.

La peli tiene intriga, está emocionante buena parte del metraje y tiene efectos especiales de Kurtzman, Nicotero y Berger. En contra, especialmente el final ultra feliz, en el que Frodo se lía con Jordana Brewster. WTF!

CROWS ZERO (2007)

Aquí Takashi Miike adapta un manga de vete tú a saber quién. Jamás pensé que diría esto de una peli pero POR DIOS, DEJAD DE DAROS DE HOSTIAS. Joder, es que es exagerado lo de esta peli. Dice un notas nada más empezar: “Hemos ido a parar a un colegio de locos”. Amén, hermano.

La historia es demencial, en el colegio Suzuran la única asignatura que existe consiste en llegar a ser el jefe del cole. Los profesores sólo aparecen el primer día y el resto de la peli son bandas peleándose por el control del colegio. Cada clase tiene un jefe y el que quiera mandar tiene que vencerlos a todos. Por supuesto, hay un nuevo que quiere ser el jefe (Genji) y un tipo que está a punto de ser el jefe supremo (Serizawa) que desde el primer momento sabemos que están destinados a darse de hostias en una batalla final. Las peleas son exageradísimas, tanto, que si Genji se llamara Goku y lanzara Kamehamehas hasta me lo creería. En cualquier caso, la peli no aburre y la estética de cómic está muy lograda, pero se echa de menos algo más de historia y menos de hostias. Me parece mentira que esté diciendo yo esto. No es la mejor de Miike pero se deja ver.

KLASS (2007)

Ya sabéis que el tema de los chavales a los que se les putea pero bien en el cole está muy de moda y esta película estonia trata el tema muy bien. Un chaval, con cara de panoli, es puteado por toda la clase, sin excepción. Pero un día, un chaval pasa de ser puteador a defensor y el resto de la clase se dedicará a dar por culo a la parejita a base de bien.

En esta peli se tocan temas que me gustan mucho. El primero de ellos, los profesores que son absolutamente gilipollas. A Joosep I "El puteado" le roban un cuaderno y a la profesora no se le ocurre otra cosa que dejar de dar clase hasta que aparezca. Resultado: el cuaderno no aparece y se pierde una hora de clase. ¡HOLA! ¿¡ME OYES!? ¡ERES GILIPOLLAS! Se lo decía a la profe, no os ofendáis. Luego está el tema de los padres. El de Joosep es militar y lo único que se le ocurre cuando Joosep le dice que toda la clase está en su contra es que tiene que defenderse. Vamos, no me jodas.

Me gusta mucho la actitud que toma Kaspar, el único que ayuda al chaval, que considera el asunto una cuestión de honor. Sí, señor. Los demás son unos putos cobardes.

Al final, Kaspar y Joosep, después de la tremenda escena de la playa en la que obligan a Kaspar a chupársela a Joosep, deciden coger las armas del padre y quitarse del medio, pero como siempre digo, puesto a pegarte un tiro llévate unos cuantos hijosdeputa contigo. Apoteósico, triste y deprimente final. ¿Vais a ver sólo una peli estonia en la vida? Igual debería ser esta.

MIN BEDSTE FJENDE (2010)

Esta tortura a la que os estoy sometiendo se habría acabado ya si no fuera por culpa de Kinski que me recomendó esta peli en la primera parte de este post.

Alf, es otro muchacho al que sus compañeros pegan y humillan porque hace ballet. Tras el leer un manga titulado Niccolo en el que a un granjero le matan a su familia, le quitan todo y el tío se venga (creado específicamente para la peli) el chaval montará un club para ocuparse de los que le joden en clase con otro niño gordo que acaba de llegar a la escuela y al que pegan porque... está gordo, ¿os parece poco? Pero, ay dios, la madre que parió al gordo. Ese puto crío está loco y borracho de poder. Se dedicará a dar palizas con palos de golf, matará inocentes conejitos y será un cabrón peor de lo que eran los otros. Al final Alf aprenderá una valiosa lección: Virgencita, virgencita, que me quede como estoy.

Una peli danesa que me ha molado mucho y que deberíais ver si os gusta el tema del bulling, aunque prefiero Klass que tiene un tono más serio y es mucho más dura.

Y con esto acabamos. ¿Has llegado hasta aquí? ¡Vaya huevos los tuyos!

A hostias en el insti (Primera parte)

2011-09-25T18:20:00.001+02:00

Existe todo un subgénero dentro del cine que es el de los institutos conflictivos con alumnos problemáticos y que a mí me mola un huevo. Algunas se centran en profesores cojonudos que conseguirán convertir a raperos en amantes de Shakespeare y que son las que menos me molan y otras optarán por reconocer la evidencia: Hay que liarse a hostias con los alumnos, o incluso los alumnos entre ellos, que eso también da mucho juego. Evidentemente estas son las que más me molan y sobra decir que cuanta más violencia, asesinatos e idas de olla tenga la película, mejor. Y, por supuesto, siempre estarán ambientadas en el instituto más conflictivo de EE.UU. o Japón o se tratará del grupo de hijosdeputa más hijosdeputa que ha tenido el insti nunca. Faltaría más.

Vamos a hacer un repaso por algunas de estas pelis:

REBELIÓN EN LAS AULAS (1967)

En este tipo de películas el profesor siempre va a parar a la peor clase del peor instituto del país de dos maneras: 1) es su primer día o 2) la ha cagado de tal manera en su anterior curro de profe que es enviado al peor destino posible. En esta además se junta que está protagonizada por Sidney Poitier, lo que implica el consabido conflicto racial. Como Poitier es negro nadie le contrata como ingeniero, que es lo que es, así sólo encuentra curro de profesor de despojos humanos. En este caso estamos ante una peli de las de profesor culto y de buenas maneras que conseguirá hacer ver a sus alumnos -los peores del insti, claro- que si estudian pueden aspirar a algo más que acabar de reponedores en el Lidl o con un bombo a los 16 siendo protagonista de algún programa de la MTV.

Supongo que en los 60 estos muchachitos ingleses debían parecer auténticos demonios pero hoy en día cualquier alumno de preescolar en España tiene grabadas más hostias en su móvil de última generación que una película de Chuck Norris así que resulta algo desfasada, aunque sigue siendo muy emotiva –ese final con la chica cantando y Poitier llorando emociona a cualquiera.

CURSO 1984 (1981)

He aquí la gran película de institutos conflictivos. Dirige el mítico Mark Lester (el de Commando, con eso está dicho todo) y trata la historia del profesor de música Norris que llega a Lincoln High para hacer una suplencia. Y, ¿a que no sabéis qué? No ha dado clase nunca.

Si cuando llegas a un insti te encuentras con profesores que llevan pistolas en los maletines, policías por todas partes, un arco de seguridad en la entrada y en tu clase hay unos punkos con muchas ganas de tocar los cojones, ¿qué harías? Efectivamente, te quedas y les plantas cara, arriesgando tu propia vida, la de tu mujer embarazada y la de tus compis de profesión. ¿Por qué? Porque eres nuevo y te apellidas Norris.

La banda de punkos que domina el insti está liderada por Stegman, un tío que es un auténtico psicokiller, el típico guaperas que nunca se mancha las manos, sólo da órdenes, tiene a su madre engañada haciéndola creer que es un buen chico y tiene una inteligencia superior a la media. Ha montado una red de tráfico de drogas en el insti (base de toda economía estudiantil) y encima el cabrón conoce la ley y se aprovecha de ella llegándose a autolesionar en una escena cachondísima para meter en un marrón a Norris.

Como Norris no atiende a razones estos chavales irán haciéndole putadas cada vez más grandes llegando a violar entre todos a su mujer -esto nos la pela- o apuñalando a Michael J. Fox -esto sí que es pasarse de la raya. En ese momento Andy Norris sufre una enajenación mental transitoria en la que se cree Chuck Norris -estabais esperando el chiste, ¿eh?- e irá eliminando a toda la banda hasta que quede sólo Stegman. Esta película es la rehostia y nos deja escenas tremendas como la del aula de tecnología, que después de pasar Norris por ella parece el aula de charcutería o el tío que drogado se sube al palo de la bandera y tras caerse y quedarle la pierna doblada por detrás de la cabeza y salírsele un trozo de cerebro por la nariz pregunta una: "¿Está muerto?" A tí qué te parece, nena. ¿Has visto mucha gente viva así?

Peliculón. Por cierto, el tema central de la peli lo interpreta Alice Cooper, así que no sé a qué estáis esperando para verla.

EL CLUB DE LOS CINCO (1985)

Esta es mucho más relajada pero es un peliculón también. Cinco chavales muy diferentes son castigados un sábado. Tenemos todos los estereotipos que os podáis imaginar: el cerebrito, el malote, la pija, el deportista y la tía rara. Lo mejor de esta peli es que prácticamente sin salir del aula de castigo y sin abandonar el tono de comedia que tiene, los personajes se van abriendo a sus compañeros para al final del día terminar siendo grandes amigos.

Dirige el también mítico John Hughes y tiene un reparto muy interesante con Emilio Estévez, Anthony Michael Hall y Molly Ringwald. Una de las mejores comedias adolescentes que podáis encontrar y con toques bastante profundos en algunos momentos como la discusión sobre si el qué dirán les dejará seguir siendo amigos el lunes.

EL RECTOR (1987)

Estoy babeando el teclado sólo con recordarla. Esta es una con las que más me descojono. Aquí, Jim Belushi la ha cagado en su anterior curro y le mandan a Brandel, el peor instituto de todo EE.UU., cómo no. El jefe del instituto es Victor Duncan, un negrata que tiene también una red de drogas –toda economía fructífera debería sustentarse sobre una buena red de drogas y no en el ladrillo. Y esto no lo digo yo, lo dicen los mejores economistas del mundo. ¿Que no?

Nada más llegar Belushi flipa con el panorama. Peña fumando en los pasillos, pasando droga en los lavabos, un detallito que me encanta que es la peña escuchando rap con el típico radiocassette de 40 kilos al hombro, profesores a los que se la suda todo y, lo más importante, no hay ni dios en clase.

Y hete aquí, que Belushi reúne a los alumnos del insti en el auditorio y les da un discurso que quedará para la historia del cine:

-Sólo voy a deciros dos palabras: Se acabó. Y responde uno: Pues yo voy a decirte a ti cuatro: A tomar por culo.

Buff, amigo, mala idea tocarle los cojones a Belushi el primer día de clase.

Como pasa siempre en este tipo de pelis, Belushi revolucionará el insti a base de mano dura y cojones y le plantará cara a Victor Duncan, cosa que traerá consecuencias. A un alumno que poco a poco se hará amigo del rector más cachondo de la historia le dan una paliza de las que si eres blanco pareces negro y si eres negro como en este caso pues… te jodes. También le darán una paliza a Belushi, estarán a punto de violar a una profe (esto lo evita Belushi subiendo a clase en moto por los pasillos) y le descuajeringan –qué bonita palabra- la moto a nuestro rector favorito. Afortunadamente, unos mexicanos tienen un taller de tuning, pero tuning del bueno, del de coches que botan a ritmo de rap y le harán un trabajito fino fino en la moto, con grafitti de “El principal” incluido y todo.

Al final Belushi se sale con la suya y para el recuerdo quedan escenas míticas como el Colacao que se prepara con cerveza en vez de leche, ese sí es el desayuno de los campeones.

ESCUELA DE JÓVENES ASESINOS (1988)

Aquí tenemos una comedia negra, qué coño una, la mejor comedia negra de la historia. Protagonizada por Wynona Ryder y Christian Slater es un no parar de reír gracias a sus divertidos diálogos, sus originales asesinatos y a que da palos a todo el mundo, que en lenguaje gafapasta sería que es una ácida crítica de la sociedad.

Veronica (Wynona Ryder) es amiga de un grupito de pijas insoportables conocidas como las Heathers porque las tres se llaman igual. El caso es que poco a poco va viendo que sus queridas amigas son unas gilipollas y con la llegada de J.D. (Slater) al insti la cosa se descontrola. Juntos planean gastarle una broma a Heather I pero se les va la mano y la pobrecilla muere (Lo de pobrecilla es un decir, desde que aparece en pantalla estás deseando que muera entre terribles sufrimientos). El caso es que le cogen gustirrinín a esto de matar –hay que reconocer que una vez que lo pruebas mola, eh…, olvidad eso- y deciden seguir eliminando al resto de gilipollas del insti, con una salvedad, y es que J.D. considera a todo el mundo gilipollas.

A J.D. además no le basta con matar, es un artista. Modifica las escenas del crimen para que la policía interprete lo que a él le interesa y la verdad es que tiene mucha gracia el cabrón porque la escena en la que hace creer a todo el mundo que los del equipo de futbol son maricas y el padre grita en el entierro: “Quiero a mi hijo gay” es despollante.

Esta brutal comedia es alucinante, se ríe de todo y de todos y en su estreno fue un fracaso, vamos, que tiene todos los ingredientes para ser película de culto. Si no la habéis visto, os estáis perdiendo un peliculón.

Y con esto llegamos al final de esta primera parte de violencia en los institutos. Próximamente más, o como dicen en las series con categoría To be continued...

La escena del mes XI

2011-09-18T16:18:00.001+02:00

La escena de hoy está sacada de la película This is Spinal Tap (Rob Reiner, 1984) y es un tópico de los aeropuertos. ¿A quién no le ha pasado esto alguna vez? Lo más gracioso para mí es el descojone de Michael McKean de fondo.

300 (2007)

2011-09-11T18:52:00.001+02:00

300 (2007) Tít. orig.: 300 Dir.: Zack Snyder Gui.: Zack Snyder, Kurt Johnstad y Michael Gordon (Basado en el cómic de Frank Miller y Lynn Varley) Int.: Gerard Butler, Lena Headey, Michael Fassbender, Rodrigo Santoro Dur.: 117 min.

Voy a empezar hablando del cómic: 300 de Frank Miller me parece una obra bastante sobrevalorada. En primer lugar, es un cómic con bastante poco rigor histórico, lo cual me desagrada bastante. Frank Miller ha dicho alguna vez que él no pretendía crear una historia absolutamente fiel a lo que se cree que ocurrió sino hacer una obra de entretenimiento puro y duro, así que, desde ese punto, pues sí, es un cómic entretenido, pero la pretendida tiranización de Jerjes y los persas frente a la idealización de Leónidas y los espartanos es ridícula. Y si no pretendía hacer una obra fiel a la realidad, ¿para qué nos deja una bibliografía al final? ¿Para que la leamos y descubramos los muchísimos errores hisóricos de su novela gráfica? No voy a aburriros enumerando todo lo que está mal en esta obra porque daría para hacer un libro, pero mencionaré la que más me molesta: Miller nos muestra muy bien cómo funcionaba la falange espartana pero, sin embargo, los espartanos combaten a pecho descubierto, una chorrada como una casa, ya que el objetivo de la falange era funcionar como una sola unidad sin que se pudiera penetrar por ningún lado y, por supuesto, la armadura les cubría desde la cabeza hasta los pies.

En cualquier caso es una obra entretenida en la que destaca para mí el color de Lynn Varley, el aspecto que sin duda da valor al cómic. Y, por supuesto, al margen de que a uno le guste más o menos el cómic, se ve el talento de Miller en viñetas como la del plano subjetivo desde el punto de vista de Leónidas, la analogía entre la historia inicial del lobo y la batalla de las Termópilas o la representación de los éforos y el oráculo.

Vayamos ahora con la película. He escuchado a mucha gente decir que Snyder ha hecho una versión muy fiel al cómic, que incluso más que una película parece la versión animada del mismo, pero debe ser gente que no ha leído el cómic. Es cierto que todo lo que aparece en el cómic aparece en la película, y además, de una manera casi igual, pero Snyder se permite añadir cosas que no están en el cómic y es donde la caga de manera estrepitosa. Primero, parece como si pensara que la historia de las Termópilas no es suficiente para llenar 90 minutos y se inventa una historia paralela sobre la situación de Gorgo en Esparta que es de lo más aburrida amén de demostrar una falta de rigor histórico alucinante. Sólo por citar un par de cosas es casi seguro que jamás se hubiera permitido a una mujer dirigirse al Consejo y en aquella época aún existía en Esparta el modelo de los dos reyes y mientras Leónidas se hallaba en campaña, el otro rey permanecía en Esparta gobernando.

Pero es que además, durante la batalla, los persas atacan con todo tipo de estupideces, desde un rinoceronte a la bochornosa escena del tipo que traen encadenado. El colmo es que después de la batalla Jerjes decide decapitar a su general, y de esto se encarga un tipo que en vez de brazos tiene sierras. ¿¡Pero quien cojones escribe estas gilipolleces!? O lo que es peor: ¿Quién en su sano juicio financiaría esta estupidez? Pero lo peor de todo es que en una de las escenas eliminadas los persas utilizan también a un gigante, en una escena tan ridículamente elaborada y dirigida que no es de extrañar que la dejaran fuera.

Llegamos entonces al otro aspecto triste de la película: la dirección de Snyder. Habrá a quien le guste la cada vez más habitual costumbre de la puta cámara lenta, pero de verdad que alguien debería darse cuenta de una vez de que la cámara lenta es eso, lenta. Puede servir en un momento determinado, pero es que rodarlo todo de esa manera es de lo más desagradable, especialmente en las secuencias de acción. Aunque sospecho que es todo culpa de la obsesión de Snyder por ser tremendamente fiel a la novela gráfica, lo que deriva en escenas patéticas como el masaje de cervicales que le hace la reinona Jerjes a Leónidas. Por no hablar de que hay ciertos discursos que provocan risa, cosa que no ocurre en el cómic, lo que demuestra que algo se ha hecho mal en la película. ¿Recordáis a Jerjes diciendo no son mis latigazos lo que temen? Y luego está el tema del grano. A mí no me desagrada (o al menos no lo hacía hasta que también se está poniendo de moda) pero por Dios, es que esto es una oda al grano.

Y todavía no he hablado del aspecto que más me desagrada de esta peli: la pésima fotografía. Por un lado, consigue plasmar muy bien el aspecto que más me gusta del cómic, que es el color, pero por otro lado, se eliminan por completo los espacios exteriores de verdad y lo que se consigue es que los espacios abiertos sean absolutamente irreales.

En resumen, dos obras decepcionantes que reducen uno de los momentos más interesantes de la historia a un simple cuento de buenos y malos.

No me chilles, que no te veo (1989)

2011-09-04T21:50:00.000+02:00

No me chilles, que no te veo (1989) Tít. orig.: See no evil, hear no evil Dir.: Arthur Hiller Gui.: Earl Barret, Arne Sultan, Eliot Wald, Andrew Kurtzman, Gene Wilder Int.: Gene Wilder, Richard Pryor, Joan Severance, Kevin Spacey, Anthony Zerbe Dur.: 103 min.

Una de las películas que he vuelto a ver este verano ha sido No me chilles, que no te veo, película que recordaba con cariño, pero que, francamente, no recordaba tan buena. Esta peli es un no parar de reír desde el principio hasta el final.

Dave (Gene Wilder) es sordo y contrata a Wally (Richard Pryor), que es ciego, para que le eche una mano en su tienda. Un día un tipo es asesinado delante del puesto de Dave pero como éste está de espaldas sólo ve las piernas de la asesina cuando se gira y Wally sólo oye el disparo. Tras ser detenidos como sospechosos del crimen, la asesina, que es la guapísima Joan Severance, y su compañero, un joven Kevin Spacey, buscarán a Wally y a Dave, que tienen algo que buscan los malos, aunque aún no lo saben.

Una de las cosas que más me ha llamado la atención de la peli es que la recordaba como una peli familiar, para todos los públicos, pero ni de coña. Especialmente Wally, se pasa la peli diciendo tacos, por no hablar de las peleas, de Dave apuntando a Joan Severance con su erección o el momento en el que Richard Pryor se hace pasar por un ginecólogo sueco recomendando joder en la tercera edad.

La peli tiene gags que han quedado para la historia como el descojonante interrogatorio en el que el poli confunde al ciego con el sordo, la surrealista persecución en la que Wally conduce y Dave le da las indicaciones o la pelea en el bar de Harvey "Pinchamuros".

Os dejo una de las escenas que más me gustan.

No me chilles, que no te veo no ha envejecido nada y sigue siendo graciosísima. Un peliculón mítico de un duo no menos mítico. Qué grandes Wilder y Pryor.

La escena del mes X

2011-08-31T21:40:00.000+02:00

La escena de hoy es una bizarrada perteneciente a la película Communion de Philippe Mora. En esta película un escritor -interpretado magistralmente por un Christopher Walken pasadísimo de vueltas- empieza a tener encuentros nocturnos con seres de otro planeta. Nadie le cree, la cosa va a peor, le llevan al psiquiatra y una regresión hipnótica revela sorprendentes datos. La escena que os traigo es casi del final, cuando Christopher Walken entra en la nave y descubre que los extraterrestres están peor de la chola que él.

Me encanta cuando Walken dice: "Yo soy el soñador, tu eres el sueño".

Dadle al play y flipadlo. Es un poco larga pero os podéis saltar el primer minuto si queréis.

El rey de la comedia (1982)

2011-08-29T18:50:00.002+02:00

El rey de la comedia (1982) Tít. orig.: The king of comedy Dir.: Martin Scorsese Gui.: Paul D. Zimmerman Int.: Robert De Niro, Jerry Lewis, Sandra Bernhard, Diahnne Abott Dur.: 109 min.

He vuelto de mis vacaciones y quiero hablaros de El rey de la comedia, una película que he revisado este verano y que considero una obra maestra.

Cuando se habla del dúo Scorsese – De Niro todo el mundo recuerda Malas calles (Mean streets, 1972), Taxi Driver (Taxi Driver, 1976), Toro salvaje (Raging Bull, 1980), Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990)… pero casi nadie recuerda esta película que ha caído en el olvido de manera inexplicable.

El rey de la comedia es la historia de Rupert Pupkin (Robert De Niro) un aspirante a humorista que idolatra al cómico consagrado Jerry Langford (Jerry Lewis) y que está convencido de que una sola actuación en el show de Langford le lanzará al estrellato. Cuando se presenta la ocasión de hablar con él tras salvarle de un grupo de enloquecidos fans, Rupert no duda en pedirle una oportunidad, pero para Jerry es sólo otro pesado más del que debe deshacerse. Pronto descubrirá que Rupert no es otro fan más.

Lo primero que llama la atención es el reparto. Scorsese repite con De Niro para el papel de Rupert, que pronto descubrimos es un personaje mentalmente bastante similar al psicopático Travis Bickle de Taxi Driver. A través del gran montaje de Thelma Schoonmaker y la sencillez del plano-contraplano asistimos a situaciones que sólo tienen lugar en la mente de Rupert y que nos muestran los delirios de este personaje. Impresionante, por ejemplo, la escena que vemos a mitad de película en la que Rupert se imagina su propia boda en directo y el cura le pide disculpas en nombre de todo el mundo por no haber sabido ver su talento. Pero sin duda la escena más rocambolesca del film es esa en la que Rupert lleva a Rita a cenar y su inadaptabilidad social hace que su comportamiento sea tan estrambótico que el tío que esta cenando detrás de Rupert comience a hacerle burla y la propia Rita se ría al mirarle de reojo.

Uno de los momentos que más me gustan de esa escena ocurre cuando Rupert se refiere a Woody Allen como amigo personal suyo y Rita le dice: “Es una broma” y Rupert suelta una carcajada y cuando crees que va a decir: “Sí, es una broma” suelta “No, es en serio”. Una muestra clara, y no será la única, de que los delirios de Rupert van más allá de su imaginación. Esta escena recuerda muchísimo a la escena de Taxi Driver en la que Travis, debido también a su inadaptabilidad social lleva a Betsy a un cine porno en su primera cita. Sin embargo, aunque las similitudes con Taxi Driver son muchas, no hay que olvidar que El rey de la comedia tiene un toque cómico y una continua ironía que hacen que la cinta tenga un tono completamente diferente de aquella.

El otro personaje clave está interpretado por Jerry Lewis, que en algunos momentos casi pareciera estar haciendo un film autobiográfico. Por ejemplo, en la escena en la que camina por la calle y la gente le va parando, hay un momento en que una mujer que está hablando por teléfono le pide un autógrafo y después de esto le pide que hable con la persona que está al teléfono. Cuando Jerry se niega la mujer le grita que ojalá coja un cáncer. Esta increíble situación le ocurrió a Jerry Lewis de verdad y él mismo se encargó de dirigir esta escena.

Lewis volvía a hacer un papel importante después de 10 años prácticamente parado y no desaprovechó la oportunidad, mostrándose muy comedido para lo que es él pero impecable en su actuación. La mejor escena de Lewis es esa en la que Rupert se presenta en su casa con Rita sin haber sido invitado. Se respira tensión en toda la escena y Lewis verdaderamente parece enfadado pero a la vez algo nervioso por la situación (Realmente sí que estaba enfadado ya que De Niro se había encargado de tocarle bien los cojones con proclamas antisemitas antes de empezar a rodar). El diálogo final entre Rupert y Langford es cojonudo:

—¡Voy a trabajar cincuenta veces más y voy a ser cincuenta veces más famoso que usted!

—Y aparecerán otros idiotas como usted a fastidiarle.

La dirección de la peli puede parecer simple al principio, o al menos más simple que otras de Scorsese (aunque ya de entrada nos deja unos créditos increíbles con el plano de las manos de Masha y el Come rain or come shine de Ray Charles), pero a cambio tenemos escenas llenas de detalles como el tío que hace burla en el restaurante o el momento en casa de Jerry en el que Rita roba una cosa de la mesa.

Después de todo esto, cuando Rupert se da cuenta de la realidad y asume que para Jerry Langford no es más que un idiota, decide secuestrar a Jerry a cambio de que le dejen actuar en el programa. Y lo consigue.

El monólogo de Rupert es (en teoría) una parodia de situaciones de su propia vida. Alcoholismo, malos tratos, y al final incluso se referirá al secuestro de Langford como la única manera de que le dejaran actuar en el programa. Y después de esto, la gloria.

En su momento la película fracasó, quizás porque no se entendió la crítica o no se comprendió lo buena que es, pero hoy en día, en esta sociedad en la que cualquier capullo puede hacerse famoso de la noche a la mañana, su mensaje está más vigente que nunca.

Para mí, esta es la mejor película de Martin Scorsese después de Taxi Driver. Y recordad: "Mejor rey una noche que bufón toda la vida". Sólo una cosa más, si podéis verla en versión original mejor, porque De Niro en español resulta mucho menos gracioso y sobre todo, porque el que dobla a Jerry Lewis merece ser asesinado.

De vacaciones a la Tierra Media

2011-07-31T22:03:00.000+02:00

¡Amigos, compañeros, hermanos del metal, por fin llegó el día! ¡Me voy de vacaciones!

Este mes de agosto no creo que actualice el blog así que ya nos veremos en septiembre. El caso es que yo quería irme de vacaciones a Cuenca, que es un sitio muy bonito, con sus casicas colgantes y tal, pero me han colado un viaje completo a un pueblo dejado de la mano de Dios que se llama Hobbiton, incluyendo una excursión a Mordor que tiene pinta de movidote.

Tendré que vivir en uno de esos chamizos de la foto y pasar el día agachado, que por lo visto tienen metro veinte de alto. Al parecer la peña de este pueblo es muy chiquitaja. Al menos se ven unas ovejas en la foto, que eso siempre entretiene.

Bueno, pues si no me pillo un lumbago veraniego a cuenta de la tontería nos veremos en septiembre. Y recordad, para pasároslo bien en verano, robad, mentid, haced trampas, escuchad música heavy metal y montad en bicicleta.

Yo, Cristina F. (1981)

2011-07-25T21:45:00.001+02:00

Yo, Cristina F. (1981) Tít. orig.: Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo Dir.: Uli Edel Gui.: Kai Hermann, Horst Rieck, Herman Weigel Int.: Natja Brunckhorst, Thomas Haustein, Jens Kuphal, Rainer Woelk Dur.: 125 min.

A finales de los 70 los periodistas alemanes Kai Hermann y Horst Rieck empezaron a investigar la muerte de Babsi, la víctima de la droga más joven reconocida hasta la fecha en Alemania. Durante la investigación se encontraron con Christiane, una chica de 13 años, drogadicta y prostituta, que había conocido a Babsi y con la que planearon una entrevista de 2 horas que se convirtió en un trabajo de meses. Las entrevistas fueron publicadas en la revista Stern y un año después, en 1979, recopiladas en un libro titulado Los niños de la estación Zoo (Wir Kinder von Bahnhof Zoo; Hijos de la droga en España) . El éxito del libro propició la película, que dirigió Uli Edel en 1981 y que para mí es, con mucha diferencia, la película que mejor trata el tema de la droga.

Cristina, con tan sólo 13 años, se ve metida de lleno en el mundo de la droga; enganchada a la heroína está en un pozo del que, a día de hoy, 30 años después, aún no ha salido. Sólo quiero probarlo, eso es todo. Tengo un control total sobre mí misma. Estas son algunas de las perlas que suelta Cristina en la película, que es una maravilla en todos los aspectos, desde la interpretación absolutamente brillante de Natja Brunckhorst en el papel de Cristina y de Thomas Haustein en el de Detlev, pasando por la ambientación que plasma a la perfección los ambientes insanos, asquerosos y lúgubres en los que se mueven los protagonistas y llegando finalmente al mensaje, que queda perfectamente claro y produce el impacto buscado en el espectador.

Creo que lo único que se le puede achacar a la película es que en ningún momento queda claro por qué estos chicos de apenas 13, 14 años, entran en este mundo, o por qué una madre permite que sus hijas de 12 y 13 años salgan por la noche sin dar explicaciones o que Cristina pase las noches enteras en una discoteca que no permite la entrada a menores de 16 sin que su madre haga nada ni siquiera por saber dónde ha estado su hija. Todo esto se explica de sobra en el libro y sabemos cúales son los motivos de la madre para comportarse así (y no la justifican ni lo más mínimo), y descubrimos cúal es el día a día de Cristina, protagonista de una familia totalmente desestructurada, con un padre frustrado que le zurra de lo lindo, alumna de una escuela que no ofrece un trato personalizado a los estudiantes y residente de un barrio que es una cárcel de hormigón sin zonas verdes, sin árboles, sin sitios donde los niños puedan jugar,... Tan sólo la Sound, una discoteca donde fluye la droga.

Mención aparte merece también David Bowie, que tuvo a bien ceder sus canciones para la banda sonora y participó en la película dejando que grabaran un concierto suyo, ya que Christiane era fan de Bowie y la primera vez que esnifó heroina fue en un concierto del cantante.

En el libro hay un momento en el que Cristina necesita a su madre, quiere contarle todo lo que le está pasando, quiere su ayuda, pero al mismo tiempo se ha alejado tanto de ella y la culpa tanto por no preocuparse de ella y de su hermana, que al final prefiere guardárselo todo y refugiarse de nuevo en Detlev y en la droga. Y al final te das cuenta que todo lo que necesitaban esos niños era cariño. Le pregunta a Christiane su madre: "¿Por qué te juntas con esa gente?", y responde ella: "Ay, mamá, me dan pena. Nadie se preocupa de ellos. Necesitan alguien que les ayude". Dice la madre en la entrevista: "Ahora entiendo que se estaba refiriendo a sí misma".

Pocas veces una película me ha impactado tanto y me ha dejado tantas escenas grabadas en la memoria: el momento en el que Cristina se inyecta por primera vez, pero como no le dejan la jeringuilla le pide a un yonki la suya y la limpia con el agua del retrete; el momento en el que Detlev y ella deciden dejar la heroina y Cristina vomita sobre Detlev y la última dosis que les queda mientras pasan el mono; la brutal escena en la que el yonki salta en los baños de la estación y le roba la jeringuilla a Cristina para clavársela en el cuello ante la mirada asombrada de la vieja; la caída de Detlev y Cristina en la prostitución para pagarse las dosis,...

Libro y película combinan perfectamente y están plagados de experiencias atroces y momentos terribles. He aquí la nota de suicidio real de Atze, uno de los amigos de Christiane.

Me voy a suicidar porque un drogadicto no le aporta a sus padres ni a sus amigos más que sinsabores, preocupaciones, malestares y desesperación. Uno no sólo se destruye a sí mismo sino que destruye a los demás. Quiero darles las gracias a mis queridos padres, a mi querida abuela. Me he convertido en un despojo humano. Ser toxicómano es lo más denigrante que puede existir. ¿Qué es, por tanto, lo que precipita al infortunio a seres jóvenes y llenos de vida? Quisiera poner sobre aviso a todos a aquellos que un día u otro se preguntarán: ¿Qué tal si la pruebo? Mírenme a mí, miren en lo que he llegado a convertirme, pobres cretinos. Adiós, Simona. Quedarás liberada de tu desdicha.

Los niños de la estación Zoo y Yo, Cristina F. nos muestran un relato real de la bajeza a la que conduce la adicción a las drogas, de la dificultad para salir de ello, del dolor que se genera alrededor de estas personas. Un relato que huye del falso glamour que hay alrededor del tema, que no nos ofrece una moralina barata, sólo la triste historia de Christiane y tantos otros chicos de su generación. Insuperable.

Solos con nuestro tío (1989)

2011-07-18T14:11:00.000+02:00

Solos con nuestro tío (1989) Tít. orig.: Uncle Buck Dir.: John Hughes Gui.: John Hughes Int.: John Candy, Macaulay Culkin, Jean Luoisa Kelly, Gaby Hoffmann Dur.: 100 min.

Leyendo una entrada de Kinski el otro día en su blog me dieron ganas de ver esta película que hacía años que no veía, y de verdad, deberías aprovechar el veranito para revisarla porque es tan graciosa como la recordaba. La película se apoya completamente en John Candy y funciona precisamente porque Candy es un cachondo.

La historia es que unos padres tienen que hacer un viaje y no tienen con quien dejar a los niños. Una cosa está clara: el tío Buck (John Candy) no es una opción. Bebe, apuesta, no tiene trabajo,... ¿Cómo va a cuidar de dos criaturitas indefensas y una adolescente rebelde? Pero el caso es que no hay otra opción y al final, y sin dar por culo con una introducción de tres horas, se quedan con el irresponsable del tío Buck, que contra todo pronóstico, demuestra que la escuela de la vida le ha enseñado muchas cosas que le serviran para arreglárselas la mar de bien.

John Hughes, maestro de la comedia ochentera, dirige está cinta donde encontramos a la idílica familia americana, encabeza por esos entregados padres demasiado ocupados triunfando en la vida como para molestarse en prepararle la cena a sus hijos, y que realmente es un ejemplo de incomunicación y de desconexión familiar, y frente a ellos, tenemos al tío Buck, un tipo que puede que sea un capullo pero que al menos sabe escuchar a los chavales, conecta con ellos y no los trata como gilipollas. La peli tiene la carga justa de ñoñería y de mensajitos pro defensa de los valores familiares más tradicionales habituales del cine de Hughes, pero, aunque me duela decirlo, no llega al nivel de otras de sus producciones como Solo en casa o El club de los cinco.

Aun así, el orondo tío Buck nos deleitará con escenas memorables como esa en la que prepara unas tortitas gigantes para desayunar o esa otra en la que se presenta en una fiesta de instituto y entra en el cuarto del noviete de su sobrina con un taladro. Mirad la siguiente foto: ¡Así se hacen unas tortitas, coño, con una pala de nieve y un puchero de guerra!

Esta cinta podríamos denominarla Candyexploitation, que es una palabra muy chula que me acabo de inventar y que engloba todo un género representado sólo por esta peli. El mejor recuerdo que nos ha dejado este genio de la comedia (me refiero a Candy) y que para una tarde de verano, con este calor horroroso, se disfruta de lo lindo. Al año siguiente, nos llegaría Solo en casa, donde Macaulay Culkin sería el protagonista y Candy un mero secundario, justo al contrario que en esta.

The decline of western civilization Part II, the metal years (1988)

2011-07-12T21:34:00.003+02:00

The decline of western civilization Part II, the metal years (1988) Tít. orig.: The decline of western civilization Part II, the metal years Dir.: Penelope Spheeris Dur.: 93 min.

¿El declive de la civilización occidental, los años del metal? La primera vez que oí hablar de esto lo asocié con la Prehistoria, quizás un documental sobre el hombre en la Edad de los Metales. Pues resulta que no, que esto es un documental, sí, pero sobre el heavy metal, y encima dirigido por la gran Penelope Spheeris, la misma de Wayne's world. Paul Stanley, Gene Simmons, Lemmy Kilmister, Dave Mustaine, Ozzy Osbourne, Alice Cooper, los Poison al completo, Steven Tyler, Joe Perry, Chris Holmes, y encima las actuaciones de Lizzy Borden, London, Faster Pussycat, Odin, Seduce, Megadeth y mucho, mucho más.

Los momentos y las frases gloriosas abundan en la película. Para que os hagáis una idea, en la primera aparición de Paul Stanley en el documental, le vemos tirado en la cama con una tía, pero en la segunda intervención nos abren el plano y vemos que no es una tía, son tres. No os perdáis el siguiente vídeo con el momento más cachondo de la peli. ¡Ay, ay, ay, Gene Simmons, cómo te dispersas!

Buenísimo. Y qué me decís de la frase de Mustaine que es impagable: "Lo que importa no es el tamaño del lápiz, es cómo escribes tu nombre".

Penelope ahonda en todos los temas típicos del heavy metal: las groupies, el alcohol, las drogas, la fama, el fracaso,... Muchas risas en la superfície y mucho drama por detrás. Se toca mucho el tema de las drogas; Ozzy, Alice Cooper o Steven Tyler cuentan sus problemas con las mismas y la dificultad para superarlo (no os perdáis la entrevista a Ozzy mientras se hace el desayuno y el zumo que se sirve alrededor del vaso, porque lo que se dice dentro...) y otros como Chris Holmes delante de su propia madre dice cosas como me acuesto con cuatro a la vez, bebo unos dos litros y medio de vodka al día o dentro de diez años me veo muerto. La cara de la madre durante la entrevista es para verla. Vemos que el mundo del rock no es tan bonito como se ve desde fuera y que hay mucha gente que nunca llega a triunfar. Es acojonante el momento en el que un músico le dice a Penelope que no tiene dinero y que cuando llevas dos días sin comer aparcas los principios y entonces sale con alguna groupie para que le pague la comida, y Penelope va y le pregunta: "¿No crees que eso es algo como la prostitución?"

A otros en cambio les va muy bien, como a Steven Tyler. Le pregunta Penelope: "¿Has ganado mucho dinero? Millones. ¿Y dónde está ese dinero ahora? Subió por mi nariz. Me he esnifado todo Perú". Pero no es oro todo lo que reluce. Frente los Steven Tyler y Alice Cooper que han triunfado con su música están los que nunca logran el éxito. Una de las cosas que más me ha llamado la atención es que Penelope le pregunta a muchos sobre la posibilidad de que no triunfen en el rock, sobre qué pasaría si dentro de diez años no pudieran vivir de la música, si nunca llegara el éxito que esperan, y ninguno, ni uno sólo, contempla esa posibilidad. Sin embargo, la realidad es otra. Los miembros de Odin, por ejemplo, unos tíos que por lo que se ve en el film realmente tenían talento para haber triunfado, nunca llegaron a firmar un gran contrato.

Al final, a modo de colofón, cada uno nos da su reflexión personal sobre el rock y el heavy metal. Me quedo con la de Lemmy, que con su tono seco y su pose de perdonavidas dice: "Nunca podrán parar el rock & roll". Y sabes que es verdad porque lo ha dicho Lemmy. Palabra de Lemmy, te alabamos, óyenos.

Si tenéis unos gustos musicales que no se aproximan mucho a este tipo de música y no conoceis a casi nadie de los que he citado en el post, puede que os aburráis, no os voy a engañar. Si, por el contrario, sois unos rockeros de la muerte o unos jevorros a ultranza este documental no puede faltar en vuestra colección personal. Y las risas están garantizadas. Existen otros dos documentales bajo este título, ambos dirigidos también por Penelope Spheeris. El primero es The decline of western civilization - The rock years y profundiza en el punk rock y el tercero, The decline of western civilization III, a secas, explora el estilo de vida de los gutter punks.

La escena del mes IX

2011-07-05T22:33:00.001+02:00

Creo que esta gloriosa escena no hace falta ni comentarla. Es de la peli Wayne's world dirigida por Penelope Spheeris (¡¡¡GRANDE PENELOPE!!!) y si en 1:47 estáis agitando la cabeza arriba y abajo, tranquilos, la peli no provoca epilepsia, es el rock & roll que corre por vuestras venas. ¡VIVA QUEEN!