ALQUIMIA SONORA

[Noticia] Siameses presenta el videoclip "Santa de mi devoción".

2026-10-28T10:40:08.432+01:00

“Santa de mi devoción” marca la vuelta de SIAMESES y abre una nueva etapa para la banda granadina. Y lo hace partiendo de una idea sencilla: todos tenemos algún altar.Cosas a las que entregamos tiempo, energía y expectativas hasta convertirlas, a veces sin darnos cuenta, en algo parecido a una devoción. La canción lo expresa desde sus primeros versos:

“Todo lo que tengo, todo te lo daba”.

El vídeo no pretende ilustrar literalmente la letra, sino ampliar una de las ideas centrales de la canción: nuestra capacidad para construir altares alrededor de aquello a lo que concedemos demasiado poder. Nuestros santos ya no tienen necesariamente forma religiosa. Pueden ser cualquier cosa a la que terminemos entregando una parte excesiva de nosotros mismos.

De ahí nace también una de las ideas que atraviesan visualmente el videoclip:

“Todo altar oculta una herida”.

Con esta pieza, SIAMESES inicia un nuevo ciclo artístico en el que música e imagen buscan hablar un lenguaje cada vez más reconocible y personal. “Santa de mi devoción” es el primer adelanto de ese nuevo camino: guitarras más presentes, una base rítmica muy marcada, enérgica y bailable que busca trasladar al estudio la intensidad física de los conciertos de la banda.

La vuelta de SIAMESES llega después de su primer LP, “Lo nuestro”, y abre el camino hacia un nuevo trabajo que el grupo irá presentando durante los próximos meses.

SIAMESES es una banda de rock alternativo originaria de Motril y vinculada a la escena granadina. La banda ha sido finalista del concurso de Granada Sound, ganadora del Concurso de Nuevos Talentos de Alhama de Granada y ha compartido escenario con formaciones como Derby Motoreta’s Burrito Kachimba.

Jorge Drexler_Roig Arena. València 16/10/26

2026-10-18T21:57:36.860+02:00

La gira de presentación de "Taracá", el último trabajo de Jorge Drexler, dejó una noche para el recuerdo en el recinto valenciano Roig Arena, en la que ya es la cita más multitudinaria del artista en nuestra ciudad.

Acabo de darme cuenta de que llevo 30 años escuchando a Jorge Drexler. De modo fijo-discontinuo, eso sí, porque ni una es siempre la misma ni las canciones llegan siempre de igual manera al momento de la vida en el que te encuentras. El caso es que “Vaivén”, mi punto de inicio, cumple tres décadas y, si rebusco en mi memoria, encuentro la cortinilla del spot veraniego de tve (con “Cerca del Mar” de pegadiza banda sonora) y la primera vez que lo vi en directo, en una sala de Zaragoza cuyo nombre no recuerdo en torno al año 2001.

Cuando Drexler viene a València (ciudad con la que nos gusta creer que tiene una especial relación) siempre cuenta su primera vez, su primer directo, en el Café Berlín del barrio de El Carmen. Por aquellos días yo todavía no tenía motivos para emocionarme a cada escucha de “730 Días”, pero el estatus de eterno migrante, el estar dividida entre dos tierras, siempre me ha hecho tener especial conexión con sus canciones.

No sé qué recuerdos, qué hitos de vida tendrán las 5000 personas que llenaron Roig Arena el pasado día 16, algunos media vida, otros recién llegados. Lo que sí puedo afirmar es el salto cuantitativo del uruguayo, su concierto más multitudinario hasta la fecha en nuestra ciudad y el elegante manejo de su público a través de las canciones.

La parte central del concierto fue un prodigio de técnica, en la que Drexler vuelve a su origen, al contador de historias en solitario, a plena voz, con o sin su guitarra. La misma magia del pequeño escenario (como en el Café Berlín) pero en el centro de un arena, rodeado por miles de personas a las que maneja cual prestidigitador, remando con “Al Otro lado del Río” o entonando el estribillo de “Guitarra y Vos”. También se sucede sobre ese pequeño escenario el momento “por favor no aplaudan” (gracias, Jorge) con “Las Palabras”.

Si hay una constante en los directos de Drexler es que cada gira, cada directo, es una ocasión para redescubrir sus canciones, a las que viste de manera diferente. Temas de hace años, inmersos en nuestra memoria vital, despiertan variadas emociones y recogen nuevas lecturas, revestidos de diferentes instrumentaciones y matices, de diferentes formaciones sobre el escenario.

Guitarra, bases electrónicas, el candombe uruguayo como hilo conductor, duetos a priori imposibles y el protagonismo de las percusiones y de esos tambores, desde el “chico” al “piano”, percutido por la mano experta de Fernando Ramírez Abella. El eterno Huma a la guitarra o la valenciana Eva Catalá a la base rítmica destacan en una banda repleta de talento que disfruta también de sus momentos estelares como el dueto con Flor Gamba, interpretando “Te llevo Tatuada”.

Los temas capitales de Drexler siguen viviendo en sus canciones y la noche da buena cuenta de ellos; las nuevas tecnologías (¿Hay alguien A.I.?), el baile vs. La historia de la humanidad (“Bailar en la Cueva”, “Ante la Duda, Baila”), el sentido homenaje y agradecimiento a Sabina (“Pongamos que hablo de Martínez”), el amor y el deseo (“Tocarte”, “Inoportuna”), historia heredada y emigración (“Tamborero”)…

Más de dos horas de concierto, de noche eterna, con el corazón entre esa “Hermana Duda”, acústica y deliciosa, y el final con “Sea”, con sorpresa incluida en forma de comparsa. De la comparsa Candombe Valencia, agrupación de uruguayos en Valencia que cerró el hilo del candombe sobre la pista y el escenario, dejando desvanecerse entre ritmos a la noche más grande que ha dado Jorge Drexler a esta ciudad. O quizá la que nosotros le hemos dado a él.

Texto y fotos: Susana Godoy

[Crónica] Segundo Encuentro de Músicas Populares Contemporáneas (8 al 11 de octubre 2026) Granada.

2026-10-12T11:44:00.000+02:00

El Centro Federico García Lorca acogió del 8 al 11 de octubre la segunda edición del Encuentro de Músicas Populares Contemporáneas, cuatro jornadas en las que Ágape (presentada por Patricia Caballero y Raúl Cantizano), Casapalma, Alosa y Karmento trazaron distintas rutas entre la tradición, la experimentación y las nuevas formas de entender la música de raíz.

La música popular no es un territorio inmóvil ni un repertorio condenado a repetirse. Es una materia viva, capaz de cambiar de piel sin perder su memoria y de encontrar nuevas formas de expresión en cada generación. Sobre esa idea se construyó el Segundo Encuentro de Músicas Populares Contemporáneas, celebrado en el Centro Federico García Lorca de Granada del 8 al 11 de octubre. Cuatro propuestas muy diferentes compartieron un mismo espacio de diálogo: la investigación escénica de Patricia Caballero y Raúl Cantizano con Ágape, la relectura electrónica de las jotas de Casapalma, el imaginario vocal y tradicional de Alosa y la personalidad inclasificable de Karmento.

Más que una sucesión de conciertos, la cita planteó una aproximación abierta a las músicas de raíz, entendidas no como piezas de museo, sino como un lenguaje que admite cruces, desplazamientos y nuevas lecturas. Del flamenco a las danzas tradicionales, de la exploración performativa al folclore manchego, el encuentro puso sobre la mesa una pregunta compartida: qué significa hoy trabajar con una herencia musical y cómo convertirla en una experiencia artística plenamente contemporánea.

Ágape: el encuentro como experiencia escénica

La programación arrancó el jueves 8 de octubre con Ágape, una propuesta firmada por Patricia Caballero y Raúl Cantizano que se sitúa en ese espacio fronterizo donde la música, el cuerpo y la acción escénica dejan de funcionar como disciplinas aisladas. El propio título remite a la idea de reunión y celebración compartida, un punto de partida sugerente para una obra que invita a pensar la escena como un lugar de intercambio y escucha.

La presencia de Caballero, vinculada a la creación coreográfica y la investigación del movimiento, junto a Cantizano, guitarrista y explorador de las posibilidades expresivas del flamenco, propone un diálogo que desborda los formatos convencionales. En lugar de entender la tradición como un conjunto de códigos cerrados, el trabajo conjunto permite abordarla desde la fricción, el gesto y la experimentación sonora. Ágape abrió así el encuentro desde una perspectiva expandida, recordando que las músicas populares también pueden encontrar su espacio en propuestas escénicas que cuestionan los límites del concierto.

Casapalma: las jotas salen de su marco

El viernes 9 fue el turno de Casapalma, uno de los proyectos que mejor ejemplifican la capacidad de las músicas tradicionales para dialogar con los lenguajes actuales sin renunciar a su identidad. El dúo, formado por Irene Atienza y Yoel Molina, ha encontrado en las jotas montañesas de Cantabria el punto de partida para una propuesta que conecta el cancionero popular con la electrónica, los ritmos contemporáneos y una sensibilidad abierta a la experimentación.

Su trabajo no consiste en reproducir las formas heredadas con una nueva envoltura, sino en alterar la perspectiva desde la que se escuchan. Las melodías tradicionales se desplazan hacia otros territorios, las voces adquieren nuevas texturas y los patrones rítmicos se transforman en un espacio de encuentro entre lo ancestral y lo actual. El resultado cuestiona la idea de que el folclore deba permanecer intacto para conservar su valor y demuestra que una canción transmitida durante generaciones puede seguir diciendo cosas nuevas cuando cambia el contexto que la rodea.

En el marco del encuentro, Casapalma representó una de las vías más estimulantes de esa renovación, la que no necesita elegir entre memoria y presente. Su propuesta reivindica el patrimonio musical como material creativo, capaz de dialogar con públicos diversos y de incorporarse a la conversación sonora contemporánea sin perder el vínculo con su origen.

Alosa: la tradición desde la intimidad de las voces

El sábado 10 llegó la propuesta de Alosa, un proyecto que encuentra en la voz y en las músicas de raíz un territorio de exploración propio. El dúo, integrado por Giulietta Vidal y Irene Romo, trabaja desde la cercanía de las armonías vocales y la recuperación de repertorios tradicionales, con una mirada que combina sensibilidad interpretativa y voluntad de renovación.

Frente a las posibilidades de transformación electrónica de Casapalma, Alosa representa otra manera de actualizar la herencia popular: escuchar de nuevo las canciones, atender a su dimensión emocional y devolverlas al presente mediante el trabajo vocal y los arreglos. La tradición aparece aquí como un espacio de transmisión y descubrimiento, en el que las melodías conservan su capacidad de conmover precisamente porque se interpretan desde una sensibilidad contemporánea.

Su participación amplió el abanico estético del encuentro y recordó que la innovación no siempre exige romper con las formas originales. A veces basta con cambiar la manera de acercarse a ellas, poner en primer plano la voz y recuperar la fuerza de un repertorio compartido para revelar matices que el paso del tiempo no ha conseguido borrar.

Karmento: el folclore como identidad en movimiento

El domingo 11, Karmento puso el cierre a cuatro días de exploración musical. La artista manchega, nombre artístico de Carmen Toledo, se ha consolidado como una de las figuras destacadas de la nueva canción de raíz española gracias a una propuesta que combina folclore, canción de autor y una escritura profundamente vinculada a la identidad, la memoria y el territorio.

Su universo musical parte de las raíces de La Mancha, pero no se limita a reproducirlas. Karmento convierte las historias familiares, los paisajes, los vínculos afectivos y las experiencias personales en canciones que conectan lo íntimo con lo colectivo. En su repertorio, las referencias tradicionales conviven con una sensibilidad pop y una forma de narrar que acerca el imaginario rural a las inquietudes del presente, sin idealizarlo ni convertirlo en una estampa inmóvil.

La elección de Karmento para clausurar el encuentro resultó coherente con el espíritu de la programación, entender la música popular como una forma de contar quiénes somos y de dónde venimos, pero también como una herramienta para imaginar lo que podemos llegar a ser. Su propuesta enlaza la memoria con la creación actual y demuestra que la identidad no es una esencia inmutable, sino una historia que continúa escribiéndose.

Una tradición que no se queda quieta

La segunda edición del Encuentro de Músicas Populares Contemporáneas dejó un recorrido por distintas maneras de abordar la herencia musical. Ágape exploró los límites entre sonido, cuerpo y escena, Casapalma llevó las jotas hacia la electrónica, Alosa reivindicó la expresividad de las voces y el valor de la transmisión oral y Karmento convirtió el folclore manchego en una narración personal y contemporánea.

Cuatro proyectos, cuatro lenguajes y una misma intuición, la tradición solo permanece viva cuando encuentra nuevas formas de ser escuchada. En el Centro Federico García Lorca, la música popular se presentó lejos de la nostalgia y de las clasificaciones rígidas, abierta al riesgo, a la mezcla y a la búsqueda de una voz propia. Una invitación a escuchar las raíces no como un lugar al que regresar, sino como un punto de partida desde el que seguir avanzando.

[Crónica] María José Llergo dinamita las fronteras del flamenco en Granada (09/10/2026)

2026-10-10T10:56:00.000+02:00

María José Llergo no necesita elegir entre tradición y vanguardia. En su universo conviven el quejío, los sintetizadores, el reguetón y el drum and bass sin que ninguno desplace al otro. Así lo demostró en el Palacio de Congresos de Granada, dentro de 1001 Músicas – CaixaBank, con El Juego Tour, la gira de su tercer álbum. Tras su paso por el Teatro del Generalife hace dos años y una reciente gira europea, la cordobesa regresó para desplegar una propuesta donde la experimentación sonora nunca eclipsa lo esencial: una voz descomunal y una manera de interpretar que atraviesa cualquier artificio.

Con una escenografía geométrica bañada de azul, María José Llergo puso en marcha la maquinaria junto a Mario Coloma (teclados y sintetizadores), Carlos Sosa (percusión y samplers), Nin Vargas (violín) y Lluís Borrel (bajo). Traicionero y Espina clavá abrieron un repertorio marcado por el desamor, mientras las bases electrónicas dibujaban un paisaje tan cercano al club como a la raíz flamenca. Pero es su voz la que manda: quiebros, melismas y cambios de intensidad que se imponen a la producción y mantienen intacta la tensión incluso en los pasajes más desnudos.

La artista confesó sus nervios por cantar en la tierra de Morente y Lorca antes de recuperar el vínculo con Granada a través de Juramento, nacida, según explicó, en el Sacromonte de sus amores. Desde ahí, el concierto transitó por el R&B y el trap de La celda hasta la seguiriya descompuesta de Me miras pero no me ves, denuncia de la invisibilidad de las mujeres que trabajaron toda su vida en el campo. Las primeras palmas espontáneas surgieron entre el público, prolongándose en los aires de alegrías electrónicos de La luz. Tradición y revisión, sí, pero sin convertir la mezcla en un simple ejercicio de estilo.

El desamor encontró distintas salidas en Olvídame, donde la ruptura se transforma en liberación; Veneno, con su reguetón engañosamente festivo; la bachata de inspiración andalusí de Otros besos, y las atmósferas oscuras de Mala mía. En Superpoder, la contundencia electrónica acompañó un relato más íntimo sobre las dificultades económicas y los prejuicios que marcaron sus comienzos. Llergo reivindicó entonces la sensibilidad como una fortaleza, una declaración que encaja con una trayectoria empeñada en hacer de la vulnerabilidad una forma de resistencia.

El gran paréntesis emocional llegó con Mediterráneo. Acompañada únicamente por el piano, abandonó el escenario y cantó entre los asistentes la emblemática pieza de Joan Manuel Serrat. Sin el respaldo de la banda, su interpretación dejó al descubierto todos los matices de una voz capaz de sostener por sí sola la canción. Fue uno de los momentos más intensos de la noche y la ovación posterior confirmó que, por encima de cualquier despliegue tecnológico, el impacto de Llergo reside en su capacidad para emocionar sin intermediarios.

Después, Agua negra recuperó el vértigo del drum and bass para hablar de relaciones dañinas, antes de que Rueda rueda devolviera al auditorio la energía festiva. Bien de amores, reivindicación de una forma de querer libre de sufrimiento y toxicidad, cerró el concierto con el público en pie.

María José Llergo salió de Granada sin pedir permiso para mezclar códigos ni rendir cuentas a los guardianes de ningún género. Su mérito no está únicamente en acercar el flamenco a los lenguajes de la música urbana, sino en conseguir que esa transformación tenga sentido, personalidad y emoción. Cuando la electrónica se apaga, queda una intérprete con recursos de sobra para sostener el silencio. Y cuando vuelve el pulso, su raíz sigue ahí, indomable.

[Agenda] María José Llergo lleva su mirada más personal del flamenco contemporáneo a 1001 Músicas - CaixaBank (09/10/2026)

2026-10-08T09:28:21.384+02:00

María José Llergo actúa este viernes 9 de octubre en el Palacio de Congresos de Granada con El Juego Tour, la gira que acompaña a su tercer álbum de estudio. A partir de las 21:00 horas, la artista presentará dentro de 1001 Músicas – CaixaBank —ciclo en el que repite tras su anterior actuación en el Teatro del Generalife durante la edición de 2024— una propuesta que amplía su particular manera de entender el flamenco incorporando texturas electrónicas y ritmos inspirados en la bachata sin perder su profunda sensibilidad andaluza y su esencia más pura. La cita llega además en un momento de plena expansión artística para la cantante, consolidada como una de las voces más singulares de la música española contemporánea.

Toda la información sobre la programación completa del ciclo, horarios y entradas se puede consultar en www.1001musicas.es.

Flamenco que rompe fronteras
El Juego Tour lleva al directo la esencia del nuevo álbum de la compositora, fusionando tradición y vanguardia bajo la premisa de que "la música quiere jugar siempre porque no quiere morir nunca". Esta experiencia escénica y profundamente personal reflexiona sobre el paso a la madurez y la libertad artística, reivindicando el acto de jugar como un símbolo de rebeldía y espontaneidad frente a las estructuras que frenan el crecimiento. Así, la gira se convierte en una celebración de resistencia creativa donde Llergo sigue experimentando sin renunciar a sus raíces.

Natural de Pozoblanco, María José Llergo ha consolidado en pocos años una trayectoria de creciente proyección dentro y fuera de España. Ultrabelleza marcó un punto importante en ese recorrido y recibió en 2024 el reconocimiento de la Academia de la Música como Mejor Álbum Folclórico. A este galardón se suman el Premio Goya a la Mejor Canción Original en 2022 por Te espera el mar, el Premio Ruido al Mejor Álbum del Año 2023 y el Premio El Ojo Crítico de RNE en la categoría de Música Moderna. Su obra ha despertado también el interés de publicaciones internacionales de referencia como Pitchfork y Rolling Stone, confirmando el alcance internacional de una carrera que continúa creciendo a pasos agigantados.

1001 Músicas – CaixaBank afronta su última cita con Loquillo
El ciclo 1001 Músicas – CaixaBank está organizado por Proexa y cuenta con CaixaBank como partner estratégico, con el patrocinio de Sabor Granada (Diputación de Granada), Ayuntamiento de Granada y Granada 2031, FCC, Alsa, Emasagra, Emucesa, doctortrece, Cervezas Alhambra, Royal Bliss, Hyundai y Ticketmaster, y con la participación de CREA SGR.

Tras la actuación de María José Llergo, Loquillo pondrá el broche final a la sexta edición del ciclo el sábado 17 de octubre, a las 21:30 horas, en el Palacio de Deportes de Granada.

[Crónica] Teenage Fanclub: la eternidad cabe en una canción de tres minutos (06/10/2026)

2026-10-07T11:06:38.752+02:00

Hay grupos que envejecen y grupos que, simplemente, maduran. Teenage Fanclub pertenece a esa segunda categoría. Anoche, en el Teatro CajaGranada, la banda escocesa demostró que casi cuatro décadas de trayectoria no han erosionado su identidad, sino que han convertido su manera de entender el pop en algo parecido a un refugio. Guitarras luminosas, melodías que parecen conocidas desde siempre, armonías vocales y canciones capaces de atravesar generaciones sin necesidad de actualizarse.

La cita, que abría la programación de octubre del ciclo 1001 Músicas - CaixaBank, llegaba además en un momento especialmente significativo ya que Teenage Fanclub se encuentra presentando su nueva etapa alrededor de Do Not Dare To Dream, decimotercer álbum de estudio, cuya publicación está prevista para el 9 de octubre. Pero antes de que Norman Blake, Raymond McGinley y compañía ocuparan el escenario, Granada tuvo la oportunidad de reencontrarse con un viejo conocido de la familia Fanclub, Euros Childs.

El músico galés ejerció de telonero en una elección que tenía mucho más sentido que el de una simple actuación de apertura. Childs formó parte de Gorky's Zygotic Mynci entre 1991 y 2004, antes de desarrollar una prolífica carrera en solitario. Su vínculo con Teenage Fanclub se ha ido estrechando con los años hasta convertirse prácticamente en una extensión natural de la banda. No en vano, participa habitualmente en sus giras como teclista y cantante y ha colaborado en sus tres últimos trabajos de estudio.

Y entonces llegó la banda. Teenage Fanclub nació en Bellshill, cerca de Glasgow, en 1989, y su primera etapa poco tenía que ver con la luminosidad pop que terminaría convirtiéndose en su sello. A Catholic Education y, especialmente, canciones como “Everything Flows”, mostraban a un grupo más áspero, ruidoso y cercano al indie-rock de guitarras de finales de los ochenta.

Después llegaría Bandwagonesque (1991), el disco que les situó definitivamente en el mapa internacional. Firmado por Creation Records en Reino Unido y Geffen en Estados Unidos, convirtió aquella mezcla de guitarras heredera de Big Star, The Byrds o los Beach Boys en una fórmula extraordinariamente personal. El álbum llegó incluso al número uno de la lista Heatseekers de Billboard y dejó clásicos como “The Concept”, “Star Sign” o “What You Do to Me”.

La historia, sin embargo, no fue lineal. Thirteen endureció el sonido y recibió una acogida más tibia. La respuesta sería Grand Prix (1995), un disco fundamental para comprender al Teenage Fanclub que conocemos hoy, guitarras más limpias, canciones más redondas y, sobre todo, el equilibrio compositivo entre Norman Blake, Raymond McGinley y Gerard Love.

Dos años después llegaría Songs from Northern Britain, probablemente la otra gran piedra angular de su trayectoria. El disco alcanzó el número tres en las listas británicas y confirmó que la banda podía hacer pop de guitarras sin someterse ni al grunge estadounidense ni al britpop que dominaba el Reino Unido. Quizá por eso lo de Teenage Fanclub nunca fue exactamente una moda. Nunca necesitaron estar en el lugar adecuado del momento adecuado. Su música parecía pertenecer a otro calendario.

El concierto de Granada fue precisamente un recorrido por ese calendario. “Tired of Being Alone” abrió la noche y, desde los primeros compases, quedó claro que no estábamos ante un ejercicio de nostalgia arqueológica. La banda no se presentó como un grupo de los noventa intentando reconstruir su pasado, sino como una formación plenamente viva que ha decidido seguir haciendo aquello que mejor sabe hacer.

Después llegaron “It's All in My Mind” y “About You”, dos canciones que explican por sí solas la capacidad de Teenage Fanclub para convertir lo aparentemente sencillo en algo emocionante. No hay grandes artificios. No hacen falta. Una guitarra, una melodía y una armonía vocal pueden contener más memoria que una producción gigantesca.

“Foreign Land”, “Tomorrow People” y “Day in the Sun” fueron ampliando ese territorio luminoso, antes de que “Alcoholiday” recuperara otra de las constantes históricas del grupo con canciones aparentemente despreocupadas que esconden debajo una cierta melancolía. La parte central del repertorio fue especialmente reveladora. “Falling Into the Sun”, “There Was You”, “I Don't Want Control of You” y “Everything Is Falling” demostraron que el grupo sigue moviéndose con naturalidad entre pasado y presente. La nueva música no aparece aquí como un peaje obligado para promocionar un disco, sino integrada en una trayectoria que ya no necesita justificar nada.

Y entonces llegó uno de esos momentos en los que el tiempo parece doblarse “What You Do to Me”. Después, “My Uptight Life”, recuperada de Howdy! (2000), demostrando que el repertorio de Teenage Fanclub va mucho más allá de sus dos o tres discos canónicos. “Metal Baby”, “It's a Bad World” y “The Concept” terminaron de convertir el concierto en una clase magistral de power pop sin nostalgia impostada.

Especialmente significativo fue escuchar “The Concept” en este contexto. Una canción que pertenece a aquel momento de principios de los noventa en que Teenage Fanclub pasó de ser una banda escocesa de culto a convertirse en uno de los grandes nombres internacionales del rock alternativo. Y, sin embargo, décadas después, sigue sonando extrañamente contemporánea.

La recta final fue un pequeño homenaje a la identidad profunda del grupo: “The Cabbage”, “Endless Arcade” y, finalmente, “Everything Flows”. Si Bandwagonesque fue la consagración y Grand Prix la confirmación de una fórmula propia, Endless Arcade representa otra cosa, la demostración de que Teenage Fanclub ha sabido llegar hasta aquí sin renunciar a su lenguaje. El título de la canción parecía incluso una metáfora involuntaria de la noche, un recorrido circular en el que las canciones avanzan, retroceden y vuelven a encontrarse.

Y cuando sonó “Everything Flows”, aquella canción que ya estaba allí desde los primeros tiempos de la banda, resultó imposible no pensar en todo lo que había sucedido entre aquel Teenage Fanclub de Bellshill y el que anoche ocupaba el escenario del Teatro CajaGranada. Lo extraordinario de Teenage Fanclub no es haber sobrevivido. Es haber conservado intacta una determinada idea de belleza pop mientras todo alrededor cambiaba.

Han atravesado el grunge, el britpop, el post-rock, la electrónica, las sucesivas revoluciones del indie y las mutaciones de la industria musical. Han perdido miembros fundamentales (Gerard Love abandonó la formación en 2018), han cambiado de discográfica, han atravesado distintas épocas creativas y han seguido grabando discos como Shadows, Here, Endless Arcade o Nothing Lasts Forever. Y todavía siguen ahí.

No necesitan demostrar que fueron importantes. Lo fueron, pero lo verdaderamente emocionante es comprobar que todavía pueden serlo ahora. En un mundo musical obsesionado con la novedad, Teenage Fanclub ofreció anoche algo mucho más difícil de conseguir, continuidad. La sensación de que una canción escrita hace treinta años puede seguir hablándonos desde el mismo lugar emocional que cuando la escuchamos por primera vez.

Porque quizá esa sea la verdadera razón por la que Teenage Fanclub continúa teniendo sentido, sus canciones no parecen pertenecer a una época concreta, pertenecen a quienes las han escuchado. Y mientras haya alguien dispuesto a dejarse llevar por esas guitarras y esas armonías, Everything Flows seguirá fluyendo.

[Agenda] Segundo encuentro de músicas populares contemporáneas en el Centro Federico García Lorca

2026-10-06T10:36:24.979+02:00

Del 8 al 11 de octubre, la música popular que tanto atrajo a Lorca, volverá a llenar el auditorio del Centro Lorca: Patricia Caballero y Raúl Cantizano, Casapalma, Alosa y Karmento nos traerán sus nuevas propuestas, que partiendo de la tradición, pasan por la música electrónica o el flamenco contemporáneo.

Las actuaciones empezarán el jueves 8 de octubre con la presentación del espectáculo de danza Ágape de Patricia Caballero y Raúl Cantizano, a la que seguirá el viernes 9 la propuesta comprometida con la recuperación de la canción montañesa y la reivindicación de las coplas más identitarias del folclore cántabro, de Casapalma.

El sábado 10, la primera actuación en tierras andaluzas del dúo catalán Alosa y el domingo 11 cerrará Karmento, que realizarán el penúltimo conciertos de su exitosa gira.

Se trata de una propuesta de la Fundación Federico García Lorca, producida por el Centro Federico García Lorca y cuenta con la consejería artística de Chema Blanco.

Las entradas están a la venta en al web de redentradas, con precios populares, diez euros la sesión y con un abono especial para los cuatro días por 30 euros.

Muse cerrará en València su gira europea

2026-10-02T14:48:04.372+02:00

Muse cerrará el 23 de enero su gira europea en Roig Arena en el que será su primer concierto en València.

La emblemática banda ha concluido la etapa norteamericana de “The Wow! Signal Tour” e iniciará en noviembre sus conciertos en Europa.

Las entradas salen a la venta el jueves 8 de octubre a las 9h en www.roigarena.com.

La emblemática banda Muse ha incluido a Roig Arena entre las nuevas fechas para 2027 de su gira “Muse – The Wow! Signal Europa Tour”. El concierto tendrá lugar el 23 de enero, última fecha de una etapa europea que se inicia el 12 de noviembre en Manchester (Reino Unido). Tras concluir recientemente el paso por Norteamérica de “The Wow! Signal Tour” —que incluyó una actuación como cabezas de cartel en Summerfest de Milwaukee, Festival d’été de Québec y una noche de clausura en el Hollywood Bowl de Los Ángeles—, Muse regresará en noviembre a Europa con conciertos en Manchester, Londres, Berlín, Milán, Düsseldorf, París, Ámsterdam, Montpellier y Zúrich. Con las nuevas fechas anunciadas hoy, la gira se amplía a enero de 2027, con paradas en Lisboa, Burdeos, Lyon, Madrid y una última cita en el Roig Arena de Valencia.

"The Wow! Signal", el décimo álbum de estudio de Muse, ya está disponible. El disco incluye “Nightshift Superstar”, “Be With You”, “Cryogen”, “Hexagons” y “Unravelling”, esta última publicada originalmente en 2025. Desde su lanzamiento, "The Wow! Signal" ha recibido un gran reconocimiento por parte de la crítica. NME lo ha calificado como el “mejor álbum de Muse en 20 años”, mientras que Kerrang! lo ha descrito como la “señal más impresionante y creativa de la banda en mucho tiempo”. Por su parte, Louder ha destacado el disco como su trabajo “más afilado, ecléctico y lleno de energía”, celebrando su ambiciosa combinación de espectáculo de ciencia ficción, carga emocional y rock de máxima intensidad.

Muse presentó por primera vez The Wow! Signal en marzo con “Be With You”, anunciando el álbum desde el espacio y generando una amplia cobertura en medios como Pitchfork, NME, Consequence, Kerrang! y Billboard. El single superó los tres millones de reproducciones durante su primera semana, se convirtió en la canción con mayor número de incorporaciones en Alternative Radio y llegó a situarse en el Top 5 de este formato. Inspirado en uno de los grandes misterios cósmicos de las últimas décadas, The Wow! Signal toma su nombre de una potente señal de radio de 72 segundos detectada en 1977 procedente de la dirección de Sagitario. El astrónomo que descubrió esta anomalía rodeó la ahora icónica secuencia “6EQUJ5” y escribió “WOW!” junto a ella, dando nombre a la señal y consolidando su lugar tanto en la historia de la ciencia como en la cultura popular. Explorando conceptos como la comunicación extraterrestre, la ansiedad tecnológica, el asombro ante la existencia y la búsqueda de sentido de la humanidad en un mundo cada vez más desconectado, The Wow! Signal ya está disponible.

Muse está formado por Matt Bellamy, Dominic Howard y Chris Wolstenholme. Su anterior álbum, Will of the People, debutó en el nº 1 en múltiples territorios a nivel mundial y se convirtió en el séptimo álbum consecutivo de la banda en alcanzar el primer puesto en las listas del Reino Unido. Su álbum de 2015, Drones, ganó un premio Grammy al Mejor Álbum de Rock, el segundo de la banda. Desde su formación en 1994, Muse ha publicado nueve álbumes de estudio, con más de 30 millones de unidades vendidas en todo el mundo. Reconocidos como una de las mejores bandas en directo del mundo, Muse han recibido numerosos premios musicales, entre ellos dos premios Grammy, un American Music Award, cinco MTV Europe Music Awards, dos Brit Awards, once NME Awards y siete Q Awards, entre otros.

Recuerda que las entradas para el concierto de Muse salen a la venta el jueves 8 de octubre a las 9h en la web del arena valenciano: www.roigarena.com

[Crónica] Valeria Castro consiguió que pasara lo que tenía que pasar en el Palacio de Congresos de Granada (25/09/2026)

2026-09-25T13:36:18.408+02:00

Por segunda vez en su gira, Valeria Castro convirtió el Palacio de Congresos de Granada en un espacio de intimidad compartida. La artista palmera presentó este jueves su segundo trabajo discográfico, El cuerpo después de todo, dentro del ciclo 1001 Músicas - CaixaBank, en un concierto construido alrededor de la memoria, los vínculos personales y las emociones que permanecen cuando desaparece el ruido cotidiano.

Desde los primeros compases quedó definido el carácter de la velada. Castro apostó por un directo contenido, sin artificios innecesarios, en el que la voz y las canciones ocuparon el centro. El público respondió con una atención casi absoluta mientras la cantante recorría un repertorio marcado por la sensibilidad y por una interpretación cercana.

La puesta en escena acompañó esa intención. Una iluminación cálida, dominada por tonos ocres y suaves, envolvió a los músicos y creó una atmósfera doméstica, alejada de la espectacularidad convencional. El resultado reforzó la sensación de proximidad que atraviesa buena parte de la propuesta de la canaria.

La cantante estuvo acompañada por Paula Vegas al piano, María de La Flor al violín, Borja Barrueta en la percusión, Lucas Piedra al bajo y Joaquín Sánchez en los instrumentos de viento. La formación aportó diferentes texturas a unas canciones que fueron creciendo en intensidad sin perder su carácter recogido.

El inicio estuvo protagonizado por La soledad y Tiene que ser más fácil. Después llegaron Honestamente y Parecido a quererte, piezas en las que los coros, los instrumentos de viento y el pandero cuadrado de Peñaparda añadieron nuevos matices al repertorio.

Uno de los momentos centrales se produjo cuando Castro tomó la guitarra para interpretar El cuerpo después de todo, canción que da nombre al disco. El cambio de formato redujo todavía más la distancia con la sala y permitió que la composición adquiriera un tono especialmente personal.

La parte más desnuda del espectáculo continuó con Devota y Guerrera. Esta última, escrita como homenaje a su abuela materna, tuvo además una dedicatoria especial durante el concierto a Mari Carmen, la mujer madrileña cuyo reciente desahucio había provocado una amplia reacción pública.

Castro también reservó espacio para canciones de etapas anteriores. Abril y mayo, Poquito y Cuídate fueron recibidas como algunas de las piezas más reconocibles de su repertorio y demostraron la conexión que mantienen con quienes siguen su trayectoria desde sus primeros trabajos.

En el tramo final, La corriente elevó el ritmo antes de que Sobra decirte cerrara el recorrido principal. Para esa última canción, la artista abandonó el escenario y se acercó al público para cantar entre los asistentes. El gesto terminó de borrar la separación entre intérprete y espectadores y dio paso a uno de los momentos más celebrados de la noche.

Los bises comenzaron con Dentro, una canción de marcado carácter personal que devolvió al concierto su dimensión más introspectiva. Después, La raíz provocó uno de los grandes momentos colectivos: el público granadino acompañó a Castro en una interpretación conjunta cargada de referencias a la memoria y al territorio.

La despedida llegó con un cambio radical de energía. Sentimentalmente, en clave de cumbia, llevó al público a levantarse de sus asientos y cerrar la noche bailando mientras los aplausos acompañaban la salida de la artista.

Con este concierto, Valeria Castro presentó en Granada una propuesta basada en la cercanía y en la fuerza emocional de sus canciones. Una actuación en la que el segundo álbum de la cantante encontró sobre el escenario una traducción especialmente próxima, dentro de la programación de 1001 Músicas - CaixaBank.

[Agenda] Valeria Castro y Víctor Manuel: dos generaciones de grandes cantautores se dan cita en 1001 Músicas – CaixaBank.

2026-09-22T10:48:00.000+02:00

Valeria Castro y Víctor Manuel protagonizan las dos próximas citas del ciclo 1001 Músicas – CaixaBank con dos propuestas tan personales como emotivas. La cantante de La Palma presentará este jueves su último trabajo, El cuerpo después de todo, mientras que el artista asturiano ofrecerá el sábado 26 un recorrido por su dilatada trayectoria con la gira Solo a solas conmigo. Ambos conciertos tendrán lugar a las 21:30 horas en el Palacio de Congresos de Granada.

Las entradas y toda la información están disponibles en www.1001musicas.es y www.redentradas.com.

Un encuentro íntimo a corazón abierto

Valeria Castro despliega en esta gira un directo íntimo y emocional, pero también rítmico, en el que su magnetismo musical y el peso lírico y poético de las canciones adquieren una dimensión casi catártica. Acompañada por una banda de cinco músicos, la cantante amplía su propuesta con guitarras, teclados, percusión, cuerda y viento. El público vivirá un espectáculo único en el que el folk y la melodía pop conviven con referencias latinoamericanas y elementos heredados de sus raíces.

Su segundo álbum, publicado en 2025, profundiza en los miedos, los afectos y las huellas que dejan determinadas experiencias. La cantautora canaria firma con este nuevo trabajo un ejercicio de madurez y autocrítica donde aborda de frente los bucles nocivos, el peso del juicio ajeno y la incomprensión ante el duelo. A través de sus letras, explora cómo los impactos emocionales, desde el vacío de la ausencia hasta el reencuentro con una misma, terminan habitando y transformando nuestro propio cuerpo.

Después de completar 82 conciertos por más de diez países con su anterior gira, la palmera afronta ahora un recorrido internacional que vuelve a confirmar la proyección de una carrera en pleno crecimiento. A sus 27 años, suma el Premio Ondas al Fenómeno Musical del Año 2025, tres nominaciones consecutivas al Latin Grammy y colaboraciones con artistas como Alejandro Sanz, Natalia Lafourcade, Julieta Venegas o Sílvia Pérez Cruz.

Seis décadas de canciones con vida propia

Dos días después será el turno de Víctor Manuel. El de Mieres regresa a Granada con un concierto personal que enlaza nuevas canciones con temas instalados desde hace décadas en la memoria colectiva. Clásicos como Soy un corazón tendido al sol, Ay amor, El abuelo Vítor, Planta 14, Solo pienso en ti o Asturias formarán parte de un repertorio que recorre las distintas etapas de su amplia trayectoria.

Más de seis décadas de oficio respaldan a un compositor que ha hecho de las historias cotidianas materia para su universo musical. El artista ha construido a lo largo de su carrera una extensa discografía que combina los retratos más personales y la conciencia social con un estilo único y comprometido que ha dejado huella en la canción de autor. Su etapa más reciente supone además el regreso a las composiciones inéditas siete años después de Casi nada está en su sitio, lanzado en 2018.

A sus casi 80 años, el legendario músico hace gala de una resistencia y una energía incombustibles. Lejos de la retirada, viene de completar en los últimos meses un titánico recorrido por toda la geografía española con su nueva gira. Con esta gran vuelta a los escenarios, aclamada por su público, Víctor Manuel suma un nuevo capítulo a un cancionero del que han nacido algunos de los grandes himnos de la música española.

1001 Músicas – CaixaBank continúa su agenda musical en octubre

El ciclo está organizado por Proexa y cuenta con CaixaBank como partner estratégico, con el patrocinio de Sabor Granada (Diputación de Granada), Ayuntamiento de Granada y Granada 2031, FCC, Alsa, Emasagra, Emucesa, doctortrece, Cervezas Alhambra, Royal Bliss, Hyundai y Ticketmaster, y con la participación de Crea SGR.
Tras los conciertos de Valeria Castro y Víctor Manuel, la programación continuará en octubre con Teenage Fanclub, María José Llergo y Loquillo.

[Crónica] Maika Makovski, cuando la música nace del corazón (16/09/2026)

2026-09-17T14:01:56.240+02:00

Hay artistas que necesitan rodearse de una gran escenografía para demostrar todo lo que son capaces de hacer. Y hay otras, como Maika Makovski, que pueden subir a un escenario con un piano, una guitarra y su voz para recordarnos que la música, cuando se interpreta desde la verdad, no necesita demasiados artificios. En el Cuarto Real de Santo Domingo, dentro del ciclo 1001 Músicas, la artista mallorquina volvió a desplegar esa capacidad de convertir la cercanía en una forma de intensidad, en una noche de formato tranquilo, con el público sentado y la atención concentrada en cada matiz de sus canciones.

Maika es siempre cercana, simpática y espontánea. No hay distancia impostada entre ella y quienes están al otro lado del escenario, sino una comunicación natural que atraviesa las canciones y los pequeños gestos, las palabras compartidas y esos momentos en los que la música parece surgir sin esfuerzo. Es imposible no enamorarse de su música, quizá porque detrás de cada interpretación se percibe una entrega que no necesita ser explicada. Basta con escucharla.

He tenido la oportunidad de ver a Maika Makovski en todos los formatos en los que ha girado y actuado, y sigo sin saber con cuál quedarme. No porque unos sean mejores que otros, sino porque a Maika le funciona todo lo que hace. En solitario, acompañada, al piano o con la guitarra, su capacidad para habitar cada escenario permanece intacta. Quizá la explicación sea tan sencilla como profunda: lo hace desde el corazón.

En el Cuarto Real, esa versatilidad encontró un espacio especialmente apropiado. Maika va del piano a la guitarra con la misma naturalidad con la que cambia de registro, de la intimidad más desnuda a la intensidad que reclama el cuerpo entero. Se desenvuelve con solvencia en todos los instrumentos, pero hay uno que termina imponiéndose por encima de los demás, su voz. Ese es su instrumento más potente, el que mejor maneja, el que le permite transitar por las canciones con una libertad expresiva que convierte cada interpretación en algo propio.

No se trata únicamente de una voz con recursos técnicos, sino de una herramienta narrativa capaz de contener fragilidad, carácter, tensión y desgarro. Una voz que no necesita imponerse constantemente para hacerse notar y que encuentra en los silencios y en las inflexiones una parte esencial de su discurso.

El repertorio recorrió distintas etapas de su trayectoria, poniendo de manifiesto la amplitud de un catálogo que no se deja encerrar en una única fórmula. Desde la sensibilidad de “Reaching Out to You” hasta la personalidad de “My Head Is a Vampire”, cada canción aportó una pieza a un concierto que se sostuvo sobre la interpretación y la conexión directa con el público.

“Places Where We Used to Sit” y “Love You Til I Die” contribuyeron a ese clima de escucha atenta, mientras que “Language” e “Iron Bells” recordaron la capacidad de Makovski para moverse entre atmósferas y texturas diferentes. No hay una única Maika, del mismo modo que no existe una sola manera de acercarse a su música.

Y entonces llegó “No News”, uno de esos momentos en los que la distancia entre escenario y patio de butacas desaparece por completo. Maika pidió al público que hiciera los coros y la respuesta fue inmediata, entusiasta, entregada. Las voces de quienes llenaban el recinto se sumaron a la canción con una naturalidad que no parecía ensayada, sino nacida de la complicidad construida durante la noche. Un instante compartido que resume bien la manera en la que la artista entiende el directo, como un espacio de comunicación, no como una exhibición unilateral.

El formato sentado no restó fuerza a la propuesta. Al contrario, permitió que los detalles adquirieran un protagonismo especial. En un entorno como el Cuarto Real de Santo Domingo, donde el contexto arquitectónico añade una dimensión particular a la experiencia, las canciones encontraron un marco que favorecía la concentración y la escucha.

Makovski no necesita recurrir a la grandilocuencia para sostener el interés. Su presencia escénica, su espontaneidad y la capacidad para pasar de un instrumento a otro bastan para mantener vivo el concierto. La calma no implica ausencia de intensidad; a veces significa dejar que la música respire y permitir que el público entre en ella sin intermediarios.

En “When the Dust Clears”, “Men of Talent” o “Downtown”, el recorrido por su repertorio volvió a poner de manifiesto esa capacidad para combinar diferentes registros sin perder una identidad reconocible. Una identidad que no depende de un formato determinado, sino de una forma de interpretar y de entender la música.

La guitarra y el piano son extensiones de su lenguaje. La voz, en cambio, es el territorio en el que todo termina encontrando sentido. Ahí convergen la intérprete, la compositora y la artista que lleva años construyendo una trayectoria sin renunciar a la exploración.

[Agenda] Maika Makovski cuelga el cartel de ‘entradas agotadas’ en 1001 Músicas - CaixaBank.

2026-09-15T12:39:52.281+02:00

La singular música de Maika Makovski sonará este miércoles 16 de septiembre en uno de los enclaves patrimoniales más singulares de Granada: el Cuarto Real de Santo Domingo. El palacio nazarí del siglo XIII, considerado antecedente directo de la arquitectura y la decoración que posteriormente se desarrollarían en la Alhambra, servirá de escenario para una nueva cita del ciclo 1001 Músicas – CaixaBank. A partir de las 21:30 horas, la artista multidisciplinar presentará Bunker Rococo, el trabajo que mejor ha conseguido definir hasta la fecha su identidad musical.

Maika Makovski ruge con fuerza en los escenarios con este directo, un espectáculo arrollador, libre e inclasificable. Sobre las tablas, la artista mallorquina rompe los moldes del rock convencional acompañada por un potente octeto que fusiona violines, violas y metales con guitarras afiladas y sintetizadores. El público vivirá una noche magnética donde la crudeza del búnker y la sofisticación rococó se funden en una auténtica fiesta de fuerza bruta y elegancia escénica. Una cita imprescindible con la mejor frontwoman del país.

El concierto ha agotado todas sus entradas y se celebra cerca de cumplirse veinte años desde su debut discográfico.

Crudeza eléctrica vestida de gala: así es Bunker Rococo

El álbum, que fue grabado en los estudios The Playpen de Bristol y co-producido junto a Ali Chant, nace de un proceso creativo obsesivo y aislado buscando la excelencia. Entre sus composiciones se encuentran Hunch of the Century, Brotherhood, B Series o The Doors, dentro de una propuesta que combina momentos de desnudez sonora con arreglos de cuerda y viento, sintetizadores, guitarras eléctricas e instrumentos clásicos. A ello se incorporan además ritmos macedonios vinculados a las raíces familiares de la intérprete.

A lo largo de sus canciones se cruzan lo orgánico y lo sintético, el clasicismo y la ruptura, así como la sencillez y desarrollos más expansivos. La propia artista sitúa el origen del título en la idea del búnker como un espacio de protección frente al ruido exterior y del rococó como aquello vivo, fantasioso y juguetón que nace durante ese aislamiento creativo.

El proyecto cuenta además con destacadas colaboraciones como las de Donny McCaslin, saxofonista que ha trabajado con David Bowie; Howe Gelb, fundador de la banda estadounidense de rock alternativo Giant Sand; y el reconocido músico catalán Xarim Aresté.

Durante estas dos décadas, Maika Makovski ha construido una trayectoria marcada por la convivencia entre diferentes influencias y disciplinas artísticas. Antes de Bunker Rococo, publicó MKMK en 2021, un álbum galardonado con los Premios MIN y +Música a Mejor Disco de Rock.

1001 Músicas – CaixaBank continúa su programación hasta octubre

Este ciclo está organizado por Proexa y cuenta con CaixaBank como partner estratégico, con el patrocinio de Sabor Granada (Diputación de Granada), Ayuntamiento de Granada y Granada 2031, FCC, Alsa, Emasagra, Emucesa, doctortrece, Cervezas Alhambra, Royal Bliss, Hyundai y Ticketmaster, y con la participación de CREA SGR.

Después de la actuación de Maika Makovski, septiembre continuará con las citas de Valeria Castro y Víctor Manuel. Teenage Fanclub, María José Llergo y Loquillo tomarán el relevo en octubre.

[Crónica] Ara Malikian: cuando el violín deja de ser instrumento y se convierte en personaje (13/09/2026)

2026-09-14T10:54:00.000+02:00

Hay conciertos en los que el músico interpreta un repertorio y otros en los que el repertorio parece un pretexto para que el músico cuente quién es. El de Ara Malikian pertenece claramente a la segunda categoría. En su gira Intruso 2026, el violinista convierte el escenario en una especie de territorio sin fronteras donde caben Paganini y Jimi Hendrix, Piazzolla y Paco de Lucía, Charles Aznavour y la música clásica. Y, entre pieza y pieza, también caben un niño llamado Cairo, una estancia en Alemania dedicada ,según el propio Malikian, a no hacer absolutamente nada y algún que otro «destrozo» musical. Porque si algo demuestra Malikian es que el virtuosismo no tiene por qué ser solemne.

El concierto arranca con “Renacer”, una declaración de intenciones que sitúa desde el principio el violín en el centro de todo. Malikian no toca simplemente las notas, las persigue, las araña, las estira y, cuando hace falta, parece enfrentarse físicamente a ellas. Su particular manera de tocar tiene algo de gesto teatral, de danza y hasta de combate. El arco se convierte en una extensión del cuerpo y el instrumento adquiere una expresividad que desborda cualquier frontera entre lo clásico y lo popular.

Después llegan “Krikor Aklot” y “Niño rata”, y es precisamente aquí donde aparece una de las grandes virtudes del espectáculo, la capacidad de Malikian para romper la distancia que suele existir entre el intérprete y el público. Antes de que la música se imponga, aparece el contador de historias.

La explicación del título de “Niño rata” es uno de esos momentos que explican mucho mejor al artista que cualquier biografía. El nombre, cuenta, no responde a una sesuda decisión artística ni a una estrategia de marketing, fue su hijo, Cairo, quien decidió que la canción debía llamarse así. Y ahí está Malikian, uno de los grandes virtuosos del violín de nuestro tiempo, aceptando con naturalidad que una composición termine llevando un nombre que podría haber salido perfectamente de una conversación doméstica. La anécdota provoca la risa, pero también revela algo importante, detrás del personaje escénico hay un músico que no se toma a sí mismo demasiado en serio.

Ese sentido del humor funciona como contrapunto perfecto a la extraordinaria exigencia técnica de la música. El bloque central del repertorio se adentra en el universo de Intruso con “Concerto Grosso Nº 2 Intruso”, “Karma” y “Mi Capricho 24”. Y si hay una palabra que define la interpretación de Malikian es precisamente exceso. Exceso de energía, de velocidad, de teatralidad y de imaginación. Pero un exceso controlado por una técnica formidable.

Especialmente revelador es el momento en que anuncia el “Capricho nº 24” de Paganini. En lugar de presentarlo como una pieza intocable del repertorio violinístico, Malikian habla de hacer un “destrozo”. Es una forma muy suya de enfrentarse a la tradición, no desde la reverencia paralizante, sino desde el respeto que permite jugar con ella. Paganini no aparece como una pieza de museo, sino como un territorio de aventura. Y el supuesto “destrozo” acaba siendo, naturalmente, una exhibición de dominio.

La diferencia está en que Malikian consigue que el público no perciba la dificultad como una barrera. La técnica está ahí , en cantidades abrumadoras, pero nunca parece existir para demostrar que el intérprete puede hacer algo que los demás no. Está al servicio del espectáculo, de la emoción y, sobre todo, de la narración.

En “Fuga y misterio”, de Astor Piazzolla, el concierto cambia de color. El tango nuevo aporta una sensualidad distinta, una tensión más contenida, y permite comprobar que el violín de Malikian no necesita correr para resultar vertiginoso. Hay momentos en los que basta con una frase sostenida para llenar el escenario.

Luego llega “Zyryab”, el homenaje a Paco de Lucía, y con él otra de las constantes de esta propuesta, la fascinación de Malikian por las músicas que viven fuera de las etiquetas. Su violín puede dialogar con el flamenco con la misma naturalidad con la que antes se había enfrentado a Paganini. Esa es, en realidad, la esencia de Intruso, la condición de quien no termina de pertenecer a ningún lugar y, precisamente por eso, puede entrar en todos. En el escenario deja de serlo. Malikian entiende que el rock no es solamente una cuestión de guitarras eléctricas, también es actitud, ataque, riesgo y libertad. Su violín adquiere aquí una personalidad casi eléctrica y vuelve a demostrar que su gran habilidad no consiste únicamente en.

El salto hasta “Foxy Lady”, de Jimi Hendrix, podría parecer imposible sobre el papel. En el escenario deja de serlo. Malikian entiende que el rock no es solamente una cuestión de guitarras eléctricas: también es actitud, ataque, riesgo y libertad. Su violín adquiere aquí una personalidad casi eléctrica y vuelve a demostrar que su gran habilidad no consiste únicamente en tocar cualquier repertorio, sino en hacer que cada repertorio parezca susceptible de ser tocado por él.

Hay también espacio para la canción y la memoria con “La Bohème”, de Charles Aznavour, y para una dimensión más íntima con “Pisando flores” y “Nana arrugada”, que conduce el concierto hacia su tramo final. Y entre todo ello aparecen las historias. Malikian recuerda su paso por Alemania con una sinceridad deliberadamente caricaturesca, estuvo allí, cuenta, sin hacer nada. La frase funciona como gag, pero vuelve a aparecer el mismo mecanismo que recorre todo el espectáculo, rebajar la solemnidad del personaje para elevar la humanidad del músico. El violinista virtuoso, el artista internacional, el hombre capaz de enfrentarse a Paganini o Hendrix, también puede reírse de sí mismo y de sus propios recuerdos.

Ahí reside buena parte de la eficacia de este concierto. Malikian no utiliza el humor como descanso entre las piezas, lo utiliza para construir el espectáculo. Las bromas, las anécdotas y las explicaciones de los títulos crean complicidad. El público deja de contemplar a un virtuoso desde la distancia y empieza a acompañar a una persona que le cuenta por qué toca lo que toca. El resultado es un concierto deliberadamente mestizo y profundamente personal. Hay música clásica, rock, tango, flamenco, canción francesa y composición contemporánea, pero no parece una colección arbitraria de estilos. Todo pasa por el mismo filtro, el violín de Ara Malikian.

Y quizá ahí esté la verdadera paradoja de Intruso. El título habla de alguien que está fuera de lugar, pero Malikian ha hecho de esa condición una identidad artística. Es intruso porque no acepta que le digan dónde debe estar un violinista. Puede entrar en Paganini y salir hacia Hendrix; pasar de Piazzolla a Paco de Lucía; hablar de su hijo Cairo y, unos minutos después, enfrentarse a una de las piezas más endiabladas del repertorio violinístico.

Cuando el concierto termina, queda la sensación de haber asistido a algo más que a una demostración de virtuosismo. El virtuosismo, por sí solo, impresiona. Lo difícil es conseguir que el público se emocione, se sorprenda y se ría al mismo tiempo y en ese sentido, Ara Malikian es único.

[Crónica] Las Migas convierten Quinta Alegre en un tablado flamenco (10/09/2026)

2026-09-11T12:02:48.501+02:00

Las Migas llevaron este jueves a Quinta Alegre su particular manera de entender el flamenco. El cuarteto barcelonés presentó Flamencas dentro del ciclo 1001 Músicas - CaixaBank en un concierto que recorrió bulerías, tangos, seguiriyas y rumbas mientras abría el repertorio a sonidos de blues, jazz y swing. Una actuación marcada también por el discurso feminista que atraviesa su última etapa.

La formación, vestida de blanco, saltó al escenario con Marta Robles y Alicia Grillo a las guitarras, Laura Pacios al violín y Paula Ramírez al cante, acompañadas por Oriol Riart al contrabajo y Kat Benítez a la batería. Desde la primera bulería, el grupo dejó planteado el carácter de una noche en la que la tradición serviría como materia prima para una propuesta decididamente contemporánea.

Ojitos verdes tomó después el relevo con una rumba sobre la añoranza, el amor y la ausencia, antes de que Tangos de la Repompa conectara el repertorio actual con los orígenes discográficos de la banda en Reinas del Matute y su posterior recuperación en Cuatro.

Pero es en Flamencas donde el grupo encuentra el núcleo conceptual de esta etapa. Grito llevó la noche hacia un territorio más combativo, apoyándose en cantes abandolaos y en la malagueña de la Trini para denunciar la desigualdad y las distintas formas de opresión que todavía condicionan la libertad de las mujeres. El mensaje encontró una resonancia especial en Quinta Alegre, un espacio abierto hacia la Vega, Sierra Nevada y la Alhambra, casi como una metáfora escénica de aquello que la canción reclama: puertas abiertas, ausencia de encierros y libertad.

La reivindicación dio paso a la memoria popular con Pena, penita, pena. La canción de Lola Flores apareció convertida en un momento de reconocimiento colectivo, bastaron sus primeros compases para que el público identificara una melodía instalada en el imaginario popular. En Granada, ciudad estrechamente vinculada a la historia del flamenco, el homenaje adquirió además una dimensión especial.

Las Migas saben, sin embargo, que la celebración también forma parte de su lenguaje. Agua, por bulerías, disparó de nuevo el ritmo con palmas, jaleos y olés, antes de que Blues de la frontera introdujera uno de los grandes cruces estilísticos de la noche. La pieza de Pata Negra permitió al cuarteto transitar del flamenco al blues y asomarse al jazz y al swing, confirmando una de las señas de identidad de la formación: ampliar el horizonte sin perder de vista la raíz.

El concierto alcanzó uno de sus momentos de mayor intensidad con Muerte. La seguiriya impuso un clima sombrío, construido desde la tensión y el silencio, que desembocó en un poderoso solo de violín. Después, el escenario pareció detenerse para recibir Asturias, de Isaac Albéniz, en una interpretación instrumental para dos guitarras en la que Marta Robles y Alicia Grillo trasladaron la célebre composición al universo sonoro de Las Migas.

La mirada contemporánea regresó con Celos. Los tangos cuestionaron la idea de posesión sentimental y desmontaron, desde los códigos del propio flamenco, una concepción del amor demasiado ligada al control. La reivindicación no aparecía así como un discurso añadido, sino integrada en las propias formas musicales que la banda lleva años explorando.

En el tramo final, Baila, mi morena acercó el espectáculo al ambiente más festivo para insistir en ese mismo discurso de emancipación. Después, Lo más de lo más recuperó el diálogo instrumental entre guitarras y violín y preparó el terreno para Buen rollo, una despedida en clave de rumba y fusión que dejó el ambiente en su punto más festivo.

Todavía quedaba una última vuelta de tuerca. El bis llegó con Antonia, primer sencillo de Libres, el álbum que proporcionó a Las Migas su primer Latin Grammy al Mejor Álbum de Flamenco. Una elección que cerró el concierto conectando el presente de la formación con una trayectoria que ha sabido crecer sin diluirse.

Lo ocurrido en Quinta Alegre fue, en definitiva, mucho más que una presentación de Flamencas. Las Migas demostraron que tradición y modernidad no tienen por qué enfrentarse y que el flamenco puede dialogar con otros géneros sin perder su identidad. Hay conocimiento de la raíz, pero también voluntad de cuestionarla, ampliarla y llevarla hacia lugares inesperados.

En manos de Las Migas, el flamenco no permanece quieto. Se transforma, reivindica, celebra y cruza fronteras. Y precisamente ahí, en esa tensión entre lo aprendido y lo que todavía queda por explorar, reside buena parte de la personalidad de un grupo que ha convertido la evolución en una de sus principales señas de identidad.

[Noticia] The Horrors y Triángulo de Amor Bizarro se suman al menú musical de Degusta Fest Armilla 2027

2026-09-09T12:07:00.000+02:00

El cartel de Degusta Fest Armilla 2027 continúa creciendo con la incorporación de The Horrors y Triángulo de Amor Bizarro, dos nuevas confirmaciones para la tercera edición del festival, que se celebrará los días 4 y 5 de junio de 2027 en Fermasa, Armilla (Granada). El anuncio coincide además con un cambio en el precio del abono general, que pasa a estar disponible por 55 euros, más gastos de gestión, dentro de la promoción “Vuelta al cole”, limitada a 1.000 unidades.

Los abonos de esta promoción están disponibles desde hoy 9 de septiembre a las 12:00 h a través de www.degustafestival.es y la Red Ticketmaster (web, +34 932 514 228 y FNAC). Los abonos infantiles ya están a la venta y próximamente se podrá adquirir la opción de upgrade para convertir los abonos en categoría VIP.

Con las nuevas incorporaciones anunciadas hoy, Degusta Fest Armilla refuerza una programación que vuelve a apostar por artistas con trayectorias consolidadas y propuestas reconocibles dentro de la escena alternativa nacional e internacional.

The Horrors es una de las bandas británicas más singulares de las últimas dos décadas. Desde su debut en 2007 con Strange House, el grupo ha desarrollado una trayectoria marcada por la evolución constante, transitando entre el garage rock, el post-punk, la psicodelia, la electrónica, el shoegaze y los sonidos industriales.

Trabajos como Primary Colours, nominado al Mercury Prize, o Skying, reconocido por NME como Mejor Álbum, consolidaron una identidad sonora propia que ha seguido transformándose con discos como V y los EP Lout y Against The Blade. En su último trabajo, Night Life, The Horrors abre una nueva etapa con una formación renovada, con solo dos de sus miembros originales, y un sonido atravesado por la melancolía, la euforia y la oscuridad, que recupera al mismo tiempo parte de la crudeza de sus primeros años.

Por su parte, Triángulo de Amor Bizarro es una de las formaciones más reconocidas de la escena alternativa española de las últimas dos décadas. Formado en Galicia en 2004 por Isa Cea, Rodrigo Caamaño y Rafa Mallo, el grupo ha construido un lenguaje propio a partir del shoegaze, el post-punk, el noise rock y la melodía pop, con la distorsión y el volumen como elementos centrales de su sonido.

A lo largo de su trayectoria ha publicado trabajos como Año Santo, Victoria Mística, Salve Discordia, No eres tú y SED, en una evolución constante que ha mantenido su interés por temas como el poder, la violencia, la tecnología o la vida cotidiana. Su carrera ha sido reconocida con distinciones como el Premio Ruido y varios galardones en los Premios MIN, además de giras por España, México y Estados Unidos. En su etapa más reciente, la banda continúa explorando nuevos territorios entre el folclore, el shoegaze y la experimentación.

Ambas formaciones se suman a los primeros nombres anunciados para la próxima edición: Peter Hook & The Light y «rinôçérôse». El primero llegará a Armilla como una de las figuras esenciales de la música popular de las últimas cinco décadas, mientras que el dúo francés volverá a poner sobre el escenario su particular mezcla de rock, electrónica, funk y techno, una combinación que ha marcado su trayectoria en algunos de los principales festivales españoles.

Degusta Fest Armilla afronta su tercera edición con una fórmula consolidada

Después de cerrar la edición anterior con una valoración positiva y con una identidad cada vez más definida dentro del calendario cultural y gastronómico, Degusta Fest Armilla pone rumbo a 2027 con una propuesta que volverá a combinar música en directo, cocina de autor, DJs, actividades paralelas, zona infantil y nuevas sorpresas.

Sobre esa base, la tercera edición volverá a desarrollar una fórmula en la que música y gastronomía comparten protagonismo, con Fermasa como espacio para una programación que continuará sumando nombres en los próximos meses.

[Agenda] Las Migas y Ara Malikian protagonizan esta semana 1001 Músicas – CaixaBank.

2026-09-09T10:06:54.567+02:00

El flamenco contemporáneo de Las Migas y el universo musical de Ara Malikian marcarán las dos próximas citas del ciclo 1001 Músicas – CaixaBank. El conjunto flamenco actuará este jueves en el Palacio de Quinta Alegre a las 21:30 horas, mientras que el artista de raíces armenias tomará el relevo el domingo en la Plaza de Toros de Granada a las 21:00 horas.

Toda la información, horarios y entradas en www.1001musicas.es

Nuevo flamenco que conquista los Latin Grammy

Durante su paso por la ciudad el cuarteto femenino presentará Flamencas, un álbum publicado en 2025 en el que profundizan sobre algunos de los palos esenciales del género desde una mirada contemporánea. Tangos, bulerías, cantes abandolaos y malagueñas conviven en este trabajo con influencias procedentes de otras tradiciones musicales. Entre sus colaboraciones estelares figura la del grupo gallego Tanxugueiras en Grito, un encuentro entre las raíces andaluzas y gallegas.

El proyecto de Las Migas nació en 2004 en Barcelona. En su etapa actual, la sevillana Marta Robles, fundadora del grupo, asume la dirección musical y comparte las guitarras con Alicia Grillo, junto a la voz de Paula Ramírez y el violín de Laura Pacios. Durante estos años, sus canciones han recorrido más de 50 países y cuatro de sus discos han optado al Latin Grammy, dos de ellos galardonados: Libres en 2022 y Flamencas en 2025. A estos reconocimientos se suman los Premio MIN al Mejor Álbum de Flamenco recibidos por Cuatro y Libres.

Un viaje inmersivo a través de las cuerdas

Tres días después será el turno de Ara Malikian. El reconocido violinista libanés regresa a Granada con Intruso, un espectáculo nacido de su propia experiencia vital. El músico aborda en él la sensación de no encajar en ningún lugar hasta convertir su identidad multicultural en un espacio de encuentro. Su violín recorre así las raíces y las influencias que han definido su trayectoria, combinando repertorio clásico, composiciones propias y melodías tradicionales.

Nacido en Beirut en 1968, en el seno de una familia de origen armenio, Malikian encontró en la música un refugio durante la guerra civil libanesa. Ofreció su primer gran concierto a los doce años y, dos años después, obtuvo una beca del Gobierno alemán para estudiar en la Hochschule für Musik und Theater de Hannover. Más tarde completó su formación en la Guildhall School of Music and Drama de Londres. Desde entonces, ha desarrollado una carrera internacional que lo ha conducido a escenarios como el Teatro Real de Madrid o el Royal Albert Hall de Londres.

Otoño 1001 Músicas - CaixaBank

El ciclo está organizado por Proexa y cuenta con CaixaBank como partner estratégico, con el patrocinio de Sabor Granada (Diputación de Granada), Ayuntamiento de Granada y Granada 2031, FCC, Alsa, Emasagra, Emucesa, Doctortrece, Cervezas Alhambra, Royal Bliss, Hyundai y Ticketmaster, y con la participación de Crea SGR.

Tras los conciertos de Las Migas y Ara Malikian, la programación de septiembre continuará con Maika Makovski, Valeria Castro y Víctor Manuel. En octubre será el momento de Teenage Fanclub, María José Llergo y Loquillo.

[Crónica] Ariel Rot: memoria, rock y canciones bajo la Alhambra (03/09/2026)

2026-09-05T13:36:52.135+02:00

Hay conciertos que parecen diseñados por el destino para que las canciones encuentren el escenario perfecto. El de Ariel Rot en el Ciclo 1001 Músicas, en el Palacio de los Córdova, dentro del ciclo 1001 Músicas – CaixaBank, fue uno de ellos. A los pies de la Alhambra, en ese espacio idílico donde la historia parece formar parte del decorado, una generosa asistencia de público se entregó a un viaje por varias décadas de rock en castellano, de canciones que han sobrevivido al paso del tiempo y que, esta noche, volvieron a sonar con una vigencia sorprendente.

Rot apareció sobre el escenario acompañado por una banda impresionante, de esas que no necesitan demostrar nada porque la experiencia se escucha en cada compás. Hay una solvencia que únicamente se alcanza después de muchos años de carretera, escenarios y canciones compartidas. Y ahí estuvo también Chilo Chiloé, aportando su sello personal desde la batería y contribuyendo a ese engranaje preciso que permitió que cada tema respirara con naturalidad. No es casualidad, Chilo ya había formado parte de la banda de Rot en diferentes proyectos y de la formación que acompañó a Tequila en su última etapa.

El repertorio comenzó dibujando un recorrido por la trayectoria de Ariel Rot con "Vals de los recuerdos”, “Hasta perder la cuenta”, "Hoja de ruta”, “El mundo de ayer” y “Colgado de la luna” fueron abriendo el camino hacia una noche en la que pasado y presente iban a convivir constantemente.

Y entonces llegó “Dulce condena” y el Palacio de los Córdova se transformó. El público, que hasta entonces había escuchado con una mezcla de atención y complicidad, se animó definitivamente y convirtió el concierto en una celebración colectiva. El público tomó el relevo y cantó a solas las últimas estrofas. Durante unos instantes, Ariel Rot dejó que fueran las voces de quienes estaban frente al escenario las que terminaran de contar la historia.

Era imposible no intuir, bajo la piel de aquel guitarrista, al Ariel Rot de Tequila y Los Rodríguez, dos capítulos fundamentales de la historia del rock en castellano que siguen latiendo en su manera de tocar, de frasear y de entender una canción. No como una reliquia del pasado, sino como una parte inseparable de su ADN musical.

La noche continuó con “Bruma en la Castellana”, “Confesiones”, “Geishas en Madrid”, “Quiero besarte” (la única que cantó de su etapa Tequila), “Vicios caros” y “Milonga”, antes de desembocar en “Baile de ilusiones”. Un repertorio que no necesitó artificios para mantener la atención, bastaron las canciones, una banda extraordinaria y un público que conocía buena parte de aquel mapa sentimental.

Pero todavía quedaba un último regalo. Tras la pausa, en los bises llegaron “Me estás atrapando” y “Mucho mejor”, y en esta última el concierto alcanzó uno de esos momentos que justifican por sí solos una noche de música en directo.

Y quizá ahí estuvo la verdadera esencia de esta noche, en comprobar que las canciones no pertenecen para siempre a quienes las escribieron. Con el tiempo pasan a formar parte de quienes las escuchan, las viven y las incorporan a sus propios recuerdos.

Bajo la Alhambra, entre los muros y jardines del Palacio de los Córdova, Ariel Rot volvió a demostrar que algunas canciones no envejecen. Se hacen mayores con nosotros. Y cuando una banda las toca con la experiencia, la elegancia y la solvencia de esta noche, vuelven a parecer exactamente lo que siempre fueron, canciones destinadas a quedarse.

Crónica: María Villa

Fotos: Proexa.

[Crónica] Hasta siempre Sun&Thunder. Tercera jornada de un festival que echa el telón. 29/08/2026

2026-08-30T12:05:54.523+02:00

Abandonábamos ayer el recinto Marenostrum, pasadas las 1 de la madrugada, con la sensación de haber asistido a un festival de lujo y lamentando cuánta gente se ha perdido esta gran experiencia por prejuicios y comentarios sin criterio y con más ánimo de dañar la imagen del único festival de gran formato que se hace en Andalucía, cuando leímos, ya en el coche, el comunicado que sirvió como despedida a dos ediciones en la que hemos disfrutado de grandes artistas en los escenarios de Sun&Thunder.

Con tristeza pero viéndose ante lo inevitable, la organización cerró ayer un ciclo que vuelve a dejarnos huérfanos de grandes bandas en estas latitudes. Si ha habido caídas de cartel, contratiempos, cosas mejorables o problemas ajenos a la organización hay que decir también que montar un festival de este tamaño y categoría es un riesgo que pocos promotores deciden asumir por lo que esta despedida nos deja un sabor agrio y la sensación de otra oportunidad perdida.

Asumida la situación, y con todo el apoyo al festival, toca contar la jornada de ayer en la que Nefarious irrumpió en el Sun&Thunder con la contundencia propia de una formación llamada a reivindicar la esencia más afilada y agresiva del thrash metal. La superbanda californiana, integrada por músicos con una amplia trayectoria en algunas de las formaciones más importantes de la escena estadounidense, hizo gala desde el primer momento de esa experiencia, ofreciendo un concierto sólido, directo y construido sobre riffs incisivos, velocidad y una energía que conectó rápidamente con el público.

La puesta en escena estuvo plenamente acorde con lo que cabía esperar de una banda de estas características, sobria, contundente y sin artificios innecesarios, dejando que fuera la música la verdadera protagonista. Sobre el escenario, Nefarious desplegó un sonido poderoso y compacto, con una ejecución precisa y una actitud que recuperaba el espíritu clásico del género, aunque trasladado a una perspectiva contemporánea. La presencia vocal y escénica de Sean Rivera aportó además la garra necesaria para mantener la intensidad durante toda la actuación.

El concierto sirvió también para confirmar el buen momento de la formación y defender sobre las tablas la personalidad que han plasmado en Addicted to Power. Nefarious no buscó reinventar las reglas del thrash, sino demostrar que, cuando el género se interpreta con experiencia, convicción y la suficiente dosis de agresividad, sigue teniendo una fuerza arrolladora. Su paso por el tercer día del Sun&Thunder dejó así una descarga de metal clásico y musculoso, capaz de satisfacer tanto a los seguidores más veteranos como a quienes siguen descubriendo la vigencia de este sonido.

Calva Louise tomó el relevo en la jornada aportando un soplo de aire fresco y, por fin, otra presencia femenina al frente de una banda sobre las tablas del festival. Su propuesta, mucho más cercana a los sonidos del metal moderno, sirvió para ampliar el abanico estilístico de una jornada marcada hasta ese momento por sonoridades más clásicas y contundentes. Una diversidad que siempre se agradece en un festival de estas características y que conecta especialmente con una parte del público cada vez más receptiva a las nuevas vertientes del género.

El concierto tuvo un pequeño contratiempo cuando una de las guitarras de Jess Allanic sufrió un problema técnico que obligó a detener momentáneamente la interpretación. Lejos de que aquello empañara la actuación, la banda resolvió la situación cambiando el instrumento y retomando el tema desde el principio, demostrando profesionalidad y manteniendo intacta la energía sobre el escenario. Un incidente que, finalmente, quedó como una anécdota dentro de una actuación intensa y dinámica que alterna temas en inglés y español con naturalidad.

Especial protagonismo tuvo Jess, la vocalista, cuya voz versátil se convirtió en uno de los grandes atractivos del concierto, moviéndose con soltura entre diferentes registros y adaptándose perfectamente a los cambios de intensidad que propone la música de Calva Louise. Se agradeció especialmente la presencia de una formación que representa ese metal moderno, híbrido y abierto a nuevas influencias que tanto éxito tiene actualmente en muchos festivales. Su paso por el festival aportó variedad, frescura y una necesaria mirada hacia el presente, y probablemente también hacia el futuro, de los sonidos más pesados.

Como anécdota Allanic, utilizó un poco del tiempo disponible para su show para recordar a las víctimas de los terremotos de Venezuela y Colombia y pedir ayuda para ambos países tras los enormes daños que se han producido en ambos, lo cual, habla también mucho de la implicación de la banda con el mundo que les rodea.

Primal Fear llegó al escenario confirmando por qué los alemanes continúan siendo una de las grandes bandas de referencia dentro de su estilo. Con una presencia imponente y un sonido poderoso, la formación desplegó sobre el escenario toda la experiencia acumulada durante décadas de trayectoria, combinando la contundencia del heavy metal más clásico con la velocidad y la épica que han convertido su propuesta en una de las más reconocibles del panorama internacional. La actual formación, integrada por Ralf Scheepers a la voz, Mat Sinner al bajo, Magnus Karlsson y Thalia Bellazecca a las guitarras y André Hilgers a la batería, demostró una compenetración absoluta y una enorme solvencia durante toda la actuación.

Uno de los nombres propios de la noche fue, sin duda, Thalia Bellazecca, cuya enorme destreza a la guitarra dejó algunos de los momentos más destacados del concierto. Su técnica, seguridad y energía sobre las tablas encajaron a la perfección con el potente engranaje formado junto a Magnus Karlsson, mientras la sólida base rítmica de Mat Sinner y André Hilgers sostenía el peso de una maquinaria perfectamente engrasada. Temas como We Walk Without Fear, Destroyer, I Am the Primal Fear o Nuclear Fire sirvieron para mantener la intensidad en una actuación que hizo un amplio recorrido por la identidad sonora de la banda.

Pero si hubo una figura capaz de concentrar inevitablemente todas las miradas, esa fue Ralf Scheepers. Su prodigiosa voz continúa siendo uno de los grandes argumentos de Primal Fear y volvió a demostrar una capacidad vocal extraordinaria, alcanzando registros elevados con potencia y aparente facilidad. La recta final del concierto, con canciones como The Hunter, The End Is Near, Fighting the Darkness, Final Embrace, Chainbreaker y Metal Is Forever, puso el broche a una actuación de enorme fuerza. Al frente de una banda que sigue defendiendo su identidad con absoluta convicción, Scheepers y los suyos demostraron una vez más que Primal Fear son, desde hace años, una de las grandes referencias del heavy metal europeo y una formación capaz de imponer su autoridad en cualquier escenario.

Si hubo una actuación capaz de elevar la noche a la categoría de acontecimiento, esa fue la de Tobias Sammet’s Avantasia. Más que un concierto, lo que se vivió en el Sun & Thunder fue un auténtico espectáculo integral, una producción de gran formato en la que la música se fundió con proyecciones, decorados, fuegos y un impresionante despliegue de efectos visuales que convirtió el escenario en un universo propio.

La velada arrancó con una Intro, antes de que Sammet tomara definitivamente las riendas con Creepshow y comenzara un viaje por las diferentes etapas y personajes que conforman el particular mundo de Avantasia. Uno de los grandes atractivos del proyecto volvió a ser, por supuesto, la sucesión de invitados sobre el escenario. Reach Out for the Light reunió a Tobias con Ralf Scheepers, mientras que Herbie Langhans apareció junto al anfitrión en Devil in the Belfry. La épica continuó con Avantasia, compartida con Kenny Leckremo, y con Let the Storm Descend Upon You, en la que Tobias estuvo acompañado por Ronnie Atkins y Herbie Langhans.

El carácter coral del espectáculo quedó especialmente patente en The Promised Land, defendida por Ronnie Atkins y Kenny Leckremo, mientras que Sammet volvió a asumir el protagonismo en piezas como The Toymaster. La recta central del concierto dejó otros momentos destacados con Shelter from the Rain, junto a Ralf Scheepers y Herbie Langhans, y la siempre emotiva Farewell, en la que participó Chiara Tricarico.

El tramo final mantuvo intacta la intensidad con The Scarecrow, compartida con Ronnie Atkins, Lucifer y un cierre colectivo con Sign of the Angels, interpretada por Tobias junto a todos los artistas invitados. Una auténtica celebración de la esencia de Avantasia, donde las voces se sucedieron, se cruzaron y se complementaron como personajes de una gigantesca ópera rock.

A pesar de que Tobias Sammet no parece atravesar su mejor momento vocal, el alemán volvió a demostrar que su grandeza sobre un escenario va mucho más allá de la perfección técnica. Carismático, cercano, divertido y absolutamente consciente de cómo conducir un espectáculo de estas dimensiones, brilló con luz propia como maestro de ceremonias de un proyecto que sigue teniendo en el directo una de sus armas más poderosas. Avantasia ofreció en el Sun & Thunder fantasía, metal, teatro y espectáculo a partes iguales. Una actuación espectacular en todos los sentidos, de esas que no se limitan a escuchar, se viven.

Soen fueron los encargados de poner el punto final al Sun&Thunder y lo hicieron con la elegancia, la personalidad y el buen hacer que caracterizan a una de las propuestas más interesantes del metal contemporáneo. Tras varias jornadas de intensidad, riffs afilados y contundencia, la banda ofreció el cierre perfecto gracias a una actuación cargada de matices, atmósferas y esa capacidad tan particular para combinar la fuerza del metal con pasajes mucho más emocionales y envolventes.

Sobre el escenario, Soen demostraron una enorme solidez, construyendo un concierto en el que cada pieza parecía encajar con precisión. La banda supo mantener la atención del público alternando momentos de mayor intensidad con otros más pausados y profundos, creando una atmósfera especial para despedir el festival. Su interpretación, siempre elegante y técnicamente impecable, puso de manifiesto la personalidad de un grupo que ha sabido construir un sonido propio dentro de una escena cada vez más amplia y diversa.

Y así, con Soen sobre las tablas, el Sun&Thunder llegó a su fin. Un cierre a la altura de un festival que durante sus tres jornadas nos ha dejado muchas y muy agradables sorpresas, con propuestas de estilos muy diferentes y actuaciones capaces de satisfacer a públicos de distintas sensibilidades dentro del universo del metal. La banda sueca fue, sin duda, la elección perfecta para bajar el telón, un final elegante para una edición que deja muy buenas sensaciones y el deseo de volver a vivir nuevas jornadas de música, fuerza y pasión.

Tras todo lo ocurrido ayer, cabría hacer un apartado de coclusiones, propuestas constructivas a la organización, pedirles alguna mejora y hablar de lo que ha sido perfecto. Pero cuando un festival se despide justo tras la bajada de telón sólo nos queda intentar recordar los buenos momentos vividos estos dos años, agradecer que hayan contado con nosotras para cubrirlo y esperar que en un futuro no lejano los grandes festivales se asienten en el sur con la misma fuerza con que ya lo han hecho muchos de ellos en diversas ciudades del norte. Larga vida al metal. Sol y truenos para todos.

[Crónica] Omega vuelve al Generalife: memoria, flamenco y una obra que reclama su propio presente (28/08/2026)

2026-08-29T11:53:29.682+02:00

El Generalife volvió a rendirse anoche ante Omega, una de las obras fundamentales de la música española contemporánea. Con el recinto completamente lleno, el espectáculo se presentó no como una mera recreación nostálgica del histórico proyecto de Enrique Morente y Lagartija Nick, sino como una reinterpretación concebida desde el presente y con entidad propia. Una apuesta ambiciosa que incorpora nuevos recursos escénicos, una gran pantalla, un potente diseño de luces y la presencia de Israel Galván para ampliar el universo de un disco que, tres décadas después de su publicación, continúa generando debate.

La noche, favorecida por una temperatura perfecta y un cielo despejado, comenzó con una introducción de marcado carácter emocional. Imágenes de la grabación del disco y de la gestación del proyecto, con Enrique Morente, Leonard Cohen, Antonio Arias y Federico García Lorca como protagonistas del relato, sirvieron de prólogo antes de que Manhattan abriera el concierto. Desde el primer momento quedó clara una de las principales diferencias respecto al formato original: desaparecía la estructura que separaba el espectáculo flamenco de la posterior actuación de Lagartija Nick. Esta vez ambos universos conviven y se suceden dentro de un espectáculo concebido como un todo.

La propuesta, además, está lejos de ser lineal. Tras la contundencia inicial de la banda, el protagonismo fue desplazándose hacia el flamenco, con El pastor bobo y otros pasajes en los que el espectáculo adquirió una dimensión mucho más desnuda. Es precisamente en esos momentos cuando la propuesta alcanza algunos de sus mayores niveles de intensidad. La llamada misa flamenca permitió reivindicar la raíz más jonda de Omega, con una sobresaliente intervención de Antonio Carbonell, hermano de Aurora y participante en la grabación original del disco, cuya voz aportó una profundidad que conectó directamente con el espíritu de la obra.

Otro de los grandes momentos de la noche llegó de la mano de Juan Habichuela. Su intervención fue una exhibición de técnica, sensibilidad y conocimiento de la tradición. El solo que protagonizó se situó entre lo más destacado de la velada y encontró continuidad en la impresionante Vuelta de paseo. Más adelante, la aparición de nuevo de Lagartija Nick condujo el espectáculo hacia su tramo final, con Omega como uno de los momentos culminantes antes de desembocar en un cierre festivo con La Plazuela.

Kiki Morente afrontaba, inevitablemente, una comparación difícil. Su presencia obliga a recordar la figura de su padre, pero establecer una equivalencia directa carece de sentido. Kiki es un cantaor con personalidad y registro propios y consigue llevar las canciones a su terreno sin desmerecerlas. Sin embargo, su papel introduce una lectura diferente de un repertorio que en su origen estaba indisolublemente ligado a la personalidad artística de Enrique Morente.

Eric Jiménez volvió a demostrar, en cualquier caso, por qué su batería continúa siendo uno de los elementos esenciales de la identidad de Lagartija Nick. La actualización escénica resulta interesante y, por momentos, muy efectiva. La utilización de la pantalla, las luces, los efectos vocales y la presencia de Israel Galván evidencian el propósito de trasladar Omega al lenguaje del espectáculo contemporáneo. No todos esos elementos funcionan con la misma eficacia. La intervención de Galván, especialmente, puede resultar más ornamental que necesaria y, en determinados momentos, distrae de la propia música. El intento de ampliar el discurso visual y escénico es legítimo, pero no siempre consigue reforzar aquello que hizo extraordinario al proyecto original.

Y ahí aparece la cuestión inevitable: Omega ya fue una obra radicalmente innovadora. Quienes tuvieron la oportunidad de verla en los años noventa o durante sus posteriores revisiones pueden percibir con mayor claridad la distancia entre aquella experiencia y la propuesta actual. El espectáculo del Generalife es ambicioso, está muy trabajado y contiene momentos extraordinarios, pero su energía resulta, en conjunto, menor. Hay una cierta sensación de contención frente a la potencia casi abrasiva que caracterizaba al Omega primigenio.

Eso no impide que la propuesta tenga un enorme interés. De hecho, uno de sus mayores aciertos es asumir que Omega no pertenece exclusivamente a Enrique Morente ni a Lagartija Nick, sino que es una obra compartida cuya dimensión trasciende a sus creadores. Antonio Arias, al frente de Lagartija Nick y flanqueado por Kiki Morente, reivindica esa herencia desde una perspectiva contemporánea y permite que el repertorio continúe vivo.

Quizá esa sea la mejor manera de entender lo ocurrido anoche en el Generalife. No se trató de reproducir Omega, sino de volver a interpretarlo desde otro lugar. Para quienes nunca presenciaron el espectáculo en sus primeras etapas, la experiencia puede resultar deslumbrante: la música, el flamenco, la escenografía y el escenario del Generalife conforman un conjunto difícil de olvidar. Para quienes sí estuvieron allí entonces, la comparación resulta inevitable y revela algunas carencias de energía y de intensidad.

Entre ambas percepciones queda una certeza: Omega sigue siendo una obra con suficiente fuerza como para llenar por completo el Generalife y mantener al público suspendido durante toda una noche. Y si hubo un momento capaz de conectar inequívocamente pasado y presente fue ese solo de Juan Habichuela, donde técnica, tradición y emoción se encontraron sin necesidad de artificios.

Crónica: A. Castellón

Fotos: Fermín Rodríguez

[Crónica] Segunda jornada del Sun&Thunder, el metal sigue rugiendo (28/08/2026)

2026-08-29T11:17:14.614+02:00

Marcada por una ligera subida en las temperaturas y la escalonada asistencia de un público que no termina de atreverse con las primeras horas de sol además de por la ausencia casi absoluta de mujeres entre las bandas (una teclista en Lordi y una guitarrista en Gaerea), la segunda jornada de Sun&Thunder en Marenostrum Fuengirola se desarrolló ayer con la tranquilidad que era de esperar y la calidad musical que ya intuíamos a la vista del cartel.

Sovengar: Los murcianos Sovengar son una de esas bandas capaces de funcionar prácticamente en cualquier momento de un festival. Si les colocas a primera hora, tienen la suficiente energía y desparpajo como para desperezar a un público todavía en proceso de activación, si los programas al final de la jornada, consiguen que la gente termine bailando y sonriendo. Da igual el orden, siempre funcionan. Buena parte de esa efectividad reside en un frontman que sabe hacerse rápidamente con el público, conectar con él desde el primer momento y mantener la intensidad y el ánimo arriba durante todo el concierto. A su lado, unos músicos de gran solvencia terminan de dar forma a un espectáculo que va mucho más allá de las canciones.

Los murcianos venían de tocar en el Milagre Metaleiro, en el país vecino, donde también consiguieron levantar el ambiente con su divertido y particular show. Sobre el escenario se mezclan ogros, piratas y dragones en un universo propio que, lejos de resultar forzado, termina encajando sorprendentemente bien con su propuesta musical, una peculiar combinación de power metal made in Spain y folk nórdico pasado por un filtro inequívocamente murciano.

Comentamos esto desde la sorpresa, pero también desde la admiración, porque Sovengar fue una de esas propuestas capaces de desmontar cualquier prejuicio inicial. Su fórmula puede parecer, sobre el papel, difícil de definir, pero en directo resulta tremendamente efectiva, canciones pegadizas, actitud, sentido del espectáculo y una capacidad casi inmediata para convertir el recinto en una pequeña fiesta. En una jornada tan cargada de propuestas diferentes como la segunda del Sun&Sunder, los murcianos demostraron que el metal también puede ser aventura, fantasía y diversión sin perder un ápice de contundencia.

Vendetta FM:Vendetta FM llevaron al escenario del Sun&Sunder una propuesta directa, contundente y sin espacio para el descanso. La banda conectó rápidamente con el público gracias a la energía desplegada sobre las tablas y a una actitud que convirtió su actuación en uno de esos conciertos que se disfrutan sin necesidad de grandes artificios.

Con un directo sólido y bien ejecutado, demostraron que sus canciones ganan todavía más fuerza frente al público. Vendetta FM cumplieron con creces, manteniendo la intensidad de una jornada que seguía sumando buenos momentos y dejando claro que saben perfectamente cómo defender su propuesta sobre un escenario.

All For Metal: La tercera banda de la tarde, los alemano-italianos All For Metal, llegaron al escenario del Sun&Sunder pisando fuerte. Eso sí, con un pequeño retraso, algo poco habitual en festivales de estas características y que apenas tuvo importancia una vez que comenzó el espectáculo. Desde el primer momento dejaron claro que venían dispuestos a conquistar al público a base de épica, potencia y una propuesta visual que no pasó precisamente desapercibida.

Con una estética espectacular, una puesta en escena impecable y un vestuario que terminaba de completar el show a nivel visual, All For Metal ofrecieron uno de esos conciertos en los que resulta difícil separar la música del espectáculo. Las voces fueron otro de los grandes puntos fuertes de la actuación, alternando registros profundos y poderosos con agudos que parecían, por momentos, directamente imposibles. Todo encajó con precisión en una propuesta que sabe jugar con los códigos más clásicos y épicos del metal, llevándolos al escenario con la suficiente contundencia y personalidad como para mantener todas las miradas puestas en ellos. Una actuación sólida, espectacular y tremendamente efectiva.

Si a esto le unimos que la banda ha experimentado cambios en su formación hace apenas una semana nos podemos hacer una idea de la capacidad de sobreponerse y seguir adelante de All for metal, con la reciente incorporación de Amerigo Vitiello, que exhibió una capacidad vocal impresionante.

Destruction: Punto y aparte merecen los alemanes Destruction, una de esas bandas que no necesitan demasiada presentación para quienes conocen y aman el thrash metal. Su aparición en el Sun&Sunder supuso una auténtica descarga de potencia y velocidad, con un concierto intenso desde el primer momento y sin apenas espacio para tomar aire. Después de varias propuestas muy diferentes durante la jornada, la llegada de los alemanes fue como recibir un golpe directo de riffs afilados y contundencia.

Destruction desplegaron toda la fuerza de una propuesta forjada en las raíces más clásicas del thrash metal, demostrando que, después de tantos años de trayectoria, siguen sabiendo perfectamente cómo defender sus canciones sobre un escenario. La velocidad, la agresividad y esa forma tan directa de entender el metal fueron los grandes protagonistas de una actuación que no necesitó grandes artificios para funcionar. Aquí todo estaba en las guitarras, en la batería, en la intensidad y en una actitud que se mantuvo intacta durante todo el concierto.

Su concierto fue una sucesión constante de riffs veloces, ritmos vertiginosos y momentos de pura intensidad. No hubo demasiadas concesiones al descanso y la banda mantuvo el acelerador pisado prácticamente durante toda la actuación, consiguiendo que el ambiente frente al escenario fuera creciendo tema tras tema. Thrash metal sin demasiados adornos, directo y contundente, interpretado por una formación que conoce perfectamente las armas con las que cuenta.

Lordi: La llegada de los finlandeses Lordi al escenario del Sun&Sunder supuso un nuevo cambio de registro dentro de una jornada que estaba demostrando la variedad de propuestas capaces de convivir bajo el paraguas del metal. Conocidos mundialmente por su victoria en el Festival de Eurovisión, Lordi no tardaron en demostrar que su popularidad va mucho más allá de aquel inolvidable momento. Porque asistir a uno de sus conciertos es entrar directamente en un universo propio en el que la música y el espectáculo visual tienen prácticamente la misma importancia.

El espectacular vestuario volvió a ser, como no podía ser de otra manera, uno de los grandes protagonistas de la actuación. Monstruos, criaturas surgidas de una película de terror y una estética perfectamente reconocible acompañaron cada una de las canciones, convirtiendo el escenario en una sucesión constante de imágenes que llamaban la atención tanto como la propia música. Lordi han conseguido construir una identidad visual inconfundible y, en directo, saben sacarle todo el partido posible.

Pero detrás de las máscaras y del impresionante aspecto de sus personajes también hubo una banda plenamente conectada con el público. El vocalista no dejó pasar demasiadas oportunidades para interactuar con los asistentes, recurriendo incluso a un escaso, pero efectivo, español que fue recibido con entusiasmo por quienes se encontraban frente al escenario. No hacía falta mucho más, unas pocas palabras, la actitud adecuada y esa cercanía que consiguió romper rápidamente la distancia entre la banda y el público.

Musicalmente, Lordi ofrecieron un concierto sólido, cargado de melodías pegadizas, guitarras contundentes y ese punto teatral que ha definido su carrera desde sus comienzos. Su paso por el Sun&Sunder fue, en definitiva, uno de los conciertos más espectaculares visualmente de la jornada. Una actuación en la que el hard rock y el metal se dieron la mano con el teatro y la fantasía, demostrando que un buen concierto no tiene por qué limitarse únicamente a la música. Lordi ofrecieron canciones, monstruos, espectáculo y diversión, y el público respondió dejándose llevar por una de las propuestas más particulares y reconocibles del festival.

Gaerea: Y para cerrar la segunda jornada del Sun&Sunder, la oscuridad se apoderó definitivamente del escenario con la llegada de los portugueses Gaerea. Después de una noche marcada por propuestas muy diferentes, la banda surgió entre las sombras completamente vestida de negro y con los rostros cubiertos con máscaras de significado incierto, con runas y una letra G, renunciando a la propia personalidad en favor del propio sonido. La banda fue construyendo desde el primer instante una atmósfera tan inquietante como hipnótica. No necesitaban grandes presentaciones ni discursos: su propia imagen era ya toda una declaración de intenciones.

Musicalmente, los portugueses ofrecieron un concierto intenso, denso y contundente, una propuesta mucho más extrema y atmosférica que encontró en la oscuridad de la noche el escenario perfecto. Gaerea construyeron su relación con el público desde la intensidad y esa sensación de estar asistiendo a algo más parecido a una ceremonia que a un concierto convencional. Entre sombras, mucho humo, rostros ocultos y una música capaz de envolver por completo el recinto, los portugueses pusieron el punto final a la segunda noche del Sun&Sunder con una de las propuestas más oscuras y absorbentes de toda la jornada.

[Crónica] Sun&Thunder 2026 — Primera jornada: el trueno empieza a despertar (27/08/2026)

2026-08-28T12:37:32.852+02:00

Hay festivales que empiezan cuando suena la primera banda y otros que necesitan un poco más de tiempo para entrar en combustión. El Sun&Thunder, en esta primera jornada en el Marenostrum Fuengirola, pertenece de momento a la segunda categoría. Las cuatro de la tarde es una hora complicada para convocar al público metalero en la Costa del Sol, mientras algunos ya ocupan las primeras filas, otros todavía apuran los últimos espetos en la playa y esperan a que el sol pierda algo de fuerza antes de entregarse al ruido.

Y, al menos, este año el calor concede una pequeña tregua respecto a la edición anterior. El viento de poniente refresca ligeramente el ambiente durante las primeras horas y hace que la espera sea bastante más llevadera.

El recinto de Marenostrum vuelve a demostrar por qué es uno de los escenarios más privilegiados de la Costa del Sol. El mar al fondo, el castillo dominando la escena y ese paisaje que parece diseñado para que cualquier concierto tenga una postal de fondo. Pero también revela su principal inconveniente cuando el metal empieza a sonar a plena tarde, está pensado, sobre todo, para conciertos nocturnos. Hay pocas sombras en las que refugiarse durante los cambios de banda y el sol se convierte en un invitado más, aunque nadie lo haya incluido en el cartel. Quizás ahí, la primera parte del nombre, “Sun” le viene como anillo al dedo.

La organización ha introducido este año una mejora importante, no hay solapes y tampoco es necesario afrontar la ya célebre cuesta del castillo para cambiar de escenario. La contrapartida está en los tiempos muertos. Los cambios previstos entre las bandas grandes rondan la hora, lo que deja a los grupos de menor tamaño apenas media hora para defender su propuesta. En un festival en el que descubrir bandas debería formar parte del atractivo, treinta minutos saben inevitablemente a poco.

Airos: empezar jugando en casa

Con el público todavía entrando a cuentagotas, fueron los encargados de poner las primeras notas a la jornada. No era precisamente el contexto más sencillo: las cuatro de la tarde, el escenario todavía con buena parte de la audiencia por llegar y una temperatura que, aunque más benigna que la del año pasado, invita antes a buscar una sombra que a plantarse delante de un escenario.

Pero Airos salió a cumplir. Voluntariosos, compactos y con una puesta en escena basada en nada menos que tres guitarras, los malagueños jugaron además con una ventaja que no siempre tienen las bandas que abren un festival, contar con su propia parroquia. Entre el público había un pequeño pero ruidoso grupo de seguidores que conocía las canciones, coreaba determinados pasajes y dejaba claro que aquello no era para ellos una actuación cualquiera.

La conexión con la audiencia fue creciendo poco a poco. En temas como “Dogma”, “Bajo presión” o “Flor marchita”, algunos asistentes demostraron saberse las letras y acompañaron a la banda desde abajo. Ese tipo de respuesta, especialmente cuando todavía no hay una gran masa de público frente al escenario, tiene un valor añadido, convierte un concierto de apertura en algo más parecido a una presentación entre amigos que a un simple trámite de festival.

Airos también tuvieron tiempo para reivindicar su tierra con “Andalucía”, uno de los momentos más reconocibles de su actuación, en el que la bandera andaluza ondeó sobre el escenario. Y hubo colaboración femenina: Noe Benítez se sumó a la banda, aportando otro color a un repertorio que encontró en el directo una energía que las circunstancias iniciales no invitaban precisamente a esperar.

Quizá no era el momento del día destinado a las grandes multitudes, pero sí uno de esos conciertos que recuerdan que un festival no empieza realmente cuando llegan los cabezas de cartel. Empieza cuando una banda se sube al escenario prácticamente con todo en contra y consigue que los primeros asistentes dejen de mirar el reloj, el sol o la playa. Airos lo intentaron con ganas. Y, al menos para los que ya estaban dentro, consiguieron que el trueno empezara a escucharse.

Tempest Saints: la difícil hora de la siesta

Después de la representación local de Airos llegaba el turno de Tempest Saints, procedentes del Reino Unido y ganadores del polémico concurso de bandas (algunos seguidores del festival reclamaban un concurso similar para grupos españoles) del Sun & Thunder celebrado en Inglaterra. Una credencial que, inevitablemente, coloca sobre sus hombros cierta expectativa antes incluso de que empiecen a tocar.

El comienzo invitaba a pensar que la cosa iba a ponerse seria. El primer tema apuntaba a un concierto trallero, de esos que reclaman movimiento en las primeras filas y una respuesta inmediata del público. Sin embargo, esa energía inicial no terminó de transformarse en conexión con la audiencia española. También hay que tener en cuenta el contexto, a esas horas, con el festival todavía desperezándose y buena parte del público haciendo tiempo fuera del recinto, resulta complicado encontrar esas primeras filas entregadas que necesita una banda para que el directo crezca.

Tempest Saints tampoco ayudaron demasiado a construir una identidad visual definida. Su estética resultó bastante desigual, sin que terminara de percibirse una imagen conjunta que acompañara a la propuesta musical. Entre los miembros de la banda llamó especialmente la atención el bajista, y no solo por su presencia sobre el escenario, en esta ocasión el instrumento estaba en manos del propio manager de la banda. Una circunstancia curiosa que añadía una pequeña particularidad a una actuación que, pese a arrancar con intenciones contundentes, terminó pasando de puntillas por una franja horaria especialmente complicada.

Quizá Tempest Saints necesitaban otro momento del día y, sobre todo, otro volumen de público dispuesto a dejarse la garganta en las primeras filas. El festival todavía estaba calentando motores y ellos no consiguieron terminar de encenderlos.

Siddharta: conocidos de la escena local

La tercera parada de la tarde tenía también acento malagueño. Siddharta son ya una presencia habitual en los eventos metaleros de la ciudad, una de esas bandas que, por su participación constante en la escena local, ofrecen cada vez más oportunidades de encontrarse con ellas sobre un escenario. Y eso tiene una doble lectura, por un lado, cuentan con la ventaja de ser una formación conocida por buena parte del público, por otro, cada nueva actuación deja menos margen para la sorpresa.

Su paso por el Sun & Thunder fue, en líneas generales, correcto. La banda cumplió con solvencia, aunque la puesta en escena volvió a dejar un cierto sabor a oportunidad perdida. La estética resultó pobre y poco trabajada, especialmente teniendo en cuenta que en un festival la imagen también forma parte del espectáculo y puede ayudar a diferenciar a una banda dentro de un cartel amplio.

Musicalmente, el concierto comenzó con “Títere” y “No te rindas”, asentando desde el principio una propuesta que el público local ya conoce bien. La actuación fue ganando enteros a medida que avanzaba el repertorio y encontró sus mejores momentos en “Octubre” y “Sueña”.

Fue precisamente con esta última, “Sueña”, con la que Siddharta decidió poner punto final a su actuación. Un cierre que dejó buenas sensaciones y confirmó la solvencia de una banda que conoce perfectamente su terreno, aunque en esta ocasión tampoco terminara de convertir su presencia en el festival en uno de esos conciertos que permanecen en la memoria una vez que empiezan a sucederse los nombres importantes del cartel.

Débbler Eternia: un espectáculo de principio a fin

La siguiente banda en subir al escenario fue Débbler Eternia, y desde los primeros compases quedó claro que lo suyo iba mucho más allá de interpretar canciones. La banda convirtió su actuación en un auténtico espectáculo, cuidando al detalle tanto la parte musical como la imagen y la puesta en escena. El estupendo vestuario, la actitud de los músicos y una propuesta visual muy trabajada hicieron que fuese imposible apartar la mirada del escenario.

Con Rubén Kelsen al frente, Débbler Eternia desplegó un repertorio lleno de temas pegadizos y contundentes, demostrando además el buen nivel de sus músicos. Canciones como “Polvo de estrellas”, “Mi oscuridad”, “Eterna soledad” o “Nada nos podrá parar” fueron dando forma a un concierto dinámico, en el que la banda supo mantener la atención del público y transmitir una energía constante.

Pero uno de los elementos que más llamó la atención fue, sin duda, la dimensión escénica del espectáculo. Cada integrante aportaba su propia presencia y personalidad, formando un conjunto visualmente muy potente. El vestuario encajaba perfectamente con la estética de la banda y contribuía a crear esa atmósfera característica, haciendo que cada canción tuviera también su correspondiente impacto visual. No se trataba simplemente de salir al escenario y tocar, había una clara intención de ofrecer al público una experiencia completa.

Además, con Débbler Eternia aparece por primera vez una mujer sobre el escenario durante esta parte del festival, Juwdix, que forma parte de la propia banda como corista y no como artista invitada o colaboración puntual. Su presencia aporta otro elemento más a una puesta en escena ya de por sí muy cuidada.

El concierto fue avanzando entre melodías reconocibles, estribillos que invitaban a acompañar a la banda y una ejecución sólida por parte de todos los músicos. Rubén Kelsen llevó el peso vocal con una presencia escénica acorde con la propuesta del grupo, mientras el resto de la formación construía una base musical compacta que permitía que las canciones funcionasen tanto a nivel sonoro como visual.

Y si había una manera de cerrar el espectáculo dejando al público con ganas de más, Débbler Eternia la encontró con “Afrodissia”, el tema elegido para poner el broche final a su actuación. Un cierre que resumió perfectamente lo que había sido su paso por el escenario, música, imagen, actitud y espectáculo.

En definitiva, una actuación muy completa y especialmente cuidada en su apartado visual. Débbler Eternia demostró que un buen directo no consiste únicamente en tocar bien, sino también en saber crear una atmósfera, transmitir una identidad y convertir el escenario en parte fundamental de la propuesta. Y ellos, durante su actuación, lo consiguieron con creces.

Eivør: la pausa hipnótica que necesitaba la jornada

Y llegó el momento de la cabeza de cartel: Eivør. Por fin, una mujer al frente de una banda. Y lo hace, además, en el momento perfecto. cuando un respiro de la tralla que todavía queda por delante viene como anillo al dedo. Desde las Islas Feroe llegaba una propuesta completamente diferente a buena parte de lo que había sonado durante la jornada, un auténtico punto y aparte en un día que, pese a contar con algunos nombres imprescindibles en su cartel, estaba acusando una asistencia algo floja.

Pero bastaron los primeros minutos para que todo aquello pareciera secundario. Eivør posee una de esas voces que no necesitan artificios para imponerse. Su capacidad vocal, unida a una presencia escénica absolutamente carismática, consiguió llenar el recinto y crear una atmósfera casi hipnótica.

Multiinstrumentista y protagonista absoluta de la actuación, Eivør fue alternando instrumentos y recursos con una naturalidad sorprendente. Especialmente llamativo fue su manejo del bodhrán, que aportó una dimensión orgánica y ancestral a una propuesta musical difícil de encasillar. Su voz, por momentos delicada y envolvente y en otros poderosa y sobrecogedora, se convirtió en el verdadero eje de un espectáculo construido más desde la atmósfera que desde la contundencia.

La música de Eivør parte del folk nórdico y de las tradiciones musicales de las Islas Feroe, pero no se queda ahí. Sobre esa raíz aparecen elementos de jazz, rock, pop, música clásica y electrónica atmosférica, creando una combinación tan personal como difícil de comparar con cualquiera de las bandas que habían pasado anteriormente por el escenario. Lo ancestral y lo contemporáneo conviven constantemente, y esa mezcla se hace especialmente evidente en directo.

Había algo casi ceremonial en su manera de ocupar el escenario. Sin necesidad de una puesta en escena excesivamente recargada, Eivør conseguía que cada gesto, cada cambio de instrumento y cada interpretación tuviesen un peso especial. La iluminación y el sonido contribuían a reforzar esa sensación, envolviendo al público en una atmósfera que por momentos parecía transportar el festival mucho más al norte, hasta los paisajes de su tierra natal.

Y ahí estuvo precisamente una de las grandes virtudes de su actuación. no necesitó recurrir a la fuerza para hacerse enorme. En una jornada marcada en buena medida por la contundencia, las guitarras y la intensidad, Eivør consiguió llenar el recinto desde otro lugar. Su voz era suficiente. Una voz capaz de proyectarse sobre todo el espacio y de mantener al público completamente pendiente de ella. Hipnótica, elegante, poderosa y magnética, Eivør ofreció uno de esos directos en los que el tiempo parece detenerse y en los que cuesta, literalmente, apartar la mirada del escenario. Un auténtico oasis dentro de la jornada y, sin duda, uno de los momentos más especiales del festival.

Harakiri for the Sky: el último asalto antes de la noche

Y para poner el punto final a la sucesión de bandas, antes de que el DJ tomase los mandos del escenario —y que suponemos que mantendría la fiesta hasta altas horas de la madrugada— llegaba Harakiri for the Sky. Los austriacos no estaban dispuestos a que el cansancio acumulado de la jornada hiciera mella en el público y salieron con la clara intención de despertarlo a base de intensidad, contundencia y una buena dosis de tralla.

Y vaya si lo consiguieron. Tras los largos tiempos de cambio entre bandas, que habían provocado más de un momento de letargo entre el público, Harakiri for the Sky apareció como un auténtico revulsivo. Desde el primer momento, el escenario se convirtió en un torbellino de sonido y movimiento, con J. J. recorriéndolo de un lado a otro en un despliegue físico constante, entregándose por completo a cada tema y convirtiéndose en uno de los grandes protagonistas visuales de la actuación.

Su propuesta no entiende de medias tintas. Canciones largas, densas y de enorme intensidad, construidas sobre capas de guitarras y cambios de dinámica que llevan al oyente de momentos de mayor recogimiento a auténticas explosiones de fuerza. Una música que exige atención y entrega, pero que en directo adquiere todavía más dimensión gracias a la energía de la banda.

El contraste con Eivør, que había ofrecido poco antes un concierto hipnótico y atmosférico, no podía ser mayor. Si la feroesa había conseguido detener el tiempo y envolver al recinto con su voz, Harakiri for the Sky llegó para volver a ponerlo todo en movimiento. Gritos, cabezas agitándose y una banda completamente volcada sobre el escenario fueron la receta perfecta para afrontar el último tramo de la jornada.

La intensidad fue creciendo con cada canción, y aunque los temas de la banda requieren desarrollos largos, lejos de hacerse pesados, funcionaron como auténticos viajes sonoros. La combinación de melodía, oscuridad y explosiones de contundencia encontró una respuesta cada vez mayor entre un público que parecía recuperar las fuerzas justo cuando más falta hacía.

Harakiri for the Sky ejerció así de último gran golpe de la jornada, antes de dejar el escenario en manos del DJ. Un cierre contundente, físico y sin concesiones que consiguió sacar al público del letargo y recordar, una vez más, que todavía quedaba energía para afrontar la madrugada.

Judas Priest ofrece una noche histórica para el heavy metal en València

2026-08-25T17:50:00.000+02:00

Judas Priest ofrece una noche histórica para el heavy metal en Roig Arena.

La banda ha congregado a más de 9.000 fans, que han coreado algunos de los himnos más emblemáticos de su trayectoria.

El concierto ha contado con las actuaciones de dos bandas invitadas: Dirkschneider y Airbourne.

Más de 9.000 aficionados al heavy metal se dieron cita en Roig Arena el pasado jueves 20 para asistir al esperado concierto de Judas Priest, que se ha estrenado en el recinto valenciano con una actuación que ha repasado algunos de los grandes himnos de una carrera que supera ya las cinco décadas y que los ha convertido en una de las bandas más influyentes de la historia del género.

La jornada ha arrancado sobre las siete de la tarde con las actuaciones de dos invitados de excepción. En primer lugar, Udo Dirkschneider, fundador y voz histórica de Accept, ha celebrado el 40 aniversario de “Balls To The Wall”, uno de los discos más emblemáticos del heavy metal europeo.

A continuación, los australianos Airbourne han elevado la intensidad de la noche con una descarga de hard rock energético y sin concesiones.

Poco antes de las diez de la noche ha llegado el momento más esperado. Entre una gran ovación del público, Judas Priest ha irrumpido en el escenario para ofrecer un espectáculo marcado por la potencia de sus riffs, la contundencia de su sonido y la inconfundible voz de Rob Halford, que ha vuelto a demostrar por qué está considerado una de las grandes leyendas del metal. Su actuación ha arrancado por todo lo alto con "You've Got Another Thing Comin'" y ha desatado la locura colectiva al encadenar dos himnos como "Metal Gods" y "Breaking the Law".

El concierto ha continuado combinando clásicos eternos con su material más reciente. La vibra ochentera de "Turbo Lover" ha puesto a cantar a todo el pabellón, mientras que la aplastante "Panic Attack" ha demostrado en directo la vigencia y la potencia de su catálogo actual, encajando a la perfección entre los grandes clásicos. El tramo final ha sido un despliegue de épica y virtuosismo. "Victim of Changes" ha erizado la piel del recinto gracias al rango vocal incombustible de Rob Halford, antes de dar paso al momento más salvaje de la noche con "Painkiller”. Para los bises, "Electric Eye" ha retumbado en el recinto. El broche de oro a una noche histórica lo ha puesto la festiva "Living After Midnight", donde miles de gargantas han unido sus voces para celebrar la leyenda del metal.

Con esta actuación, Judas Priest ha dejado su huella en Roig Arena en una noche que ha reunido a varias generaciones de seguidores y ha confirmado la vigencia de una banda que, más de cincuenta años después de su formación, sigue ocupando un lugar privilegiado en la historia del heavy metal.

Fotos: Susana Godoy

[Crónica] Iván Ferreiro convierte el Lago de Atarfe en un viaje por 35 años de canciones y memoria compartida (18/07/2026)

2026-07-19T10:02:00.000+02:00

El cantante gallego agotó todas las entradas en el Ciclo Música en el Lago con un concierto de casi dos horas que reivindicó el legado de Los Piratas y confirmó el excelente momento artístico de su carrera en solitario. La impecable organización del Ayuntamiento de Atarfe y la producción de 1Molar facilitaron el acceso de miles de asistentes gracias al servicio de lanzaderas desde el casco urbano.

No era un concierto más. Era una celebración. La gira "Hoy x ayer", cuyo nombre toma prestado uno de los temas más emblemáticos de Los Piratas, aterrizó este fin de semana en el incomparable entorno del Lago de Atarfe, a los pies de la ermita de los Tres Juanes, para escribir una de las noches más especiales del verano musical granadino.

El sold out se anunció con antelación y la respuesta del público confirmó que Iván Ferreiro sigue ocupando un lugar privilegiado en el corazón de varias generaciones. Miles de personas llenaron el recinto sin que ello se tradujera en los habituales problemas de tráfico. La apuesta del Ayuntamiento de Atarfe, organizador del ciclo, junto a la producción de 1Molar, por habilitar un sistema de lanzaderas desde el núcleo urbano permitió descongestionar los accesos a la ermita y facilitó una llegada escalonada y cómoda para los asistentes, un aspecto especialmente valorado en un evento de estas dimensiones. Pero si la logística funcionó con precisión, sobre el escenario fue la emoción la que tomó el mando.

Ferreiro planteó un recorrido cronológico y sentimental por 35 años de carrera, una propuesta que mira tanto hacia el presente como hacia el pasado, pero que deja claro que las canciones sobreviven al paso del tiempo cuando siguen encontrando quien las cante. Doce discos de estudio, cientos de conciertos y muchas canciones que han marcado a varias generaciones justificaban de sobra un encuentro como el del sábado.

Desde el arranque con "Hoy por ayer" y "Muertos", ambas pertenecientes al repertorio de Los Piratas, quedó claro cuál iba a ser el espíritu de la noche. No se trataba únicamente de un ejercicio de nostalgia, sino de reivindicar un cancionero que marcó la historia del rock alternativo español. El público respondió desde el primer acorde, convirtiendo cada estribillo en un gigantesco coro.

Las composiciones de su carrera en solitario fueron apareciendo de manera natural entre clásicos de su antigua banda. "Toda la verdad", "Casa, ahora vivo aquí", "Extrema pobreza", "Pájaro azul", "Ciudadano A", "El pensamiento circular", "Una inquietud persigue mi alma", "SPNB", "El viaje de Chihiro", "En el alambre" o "Cómo conocí a vuestra madre" demostraron que Iván Ferreiro ha sabido construir un repertorio propio con personalidad suficiente para convivir de igual a igual con los himnos que escribió décadas atrás.

Sin embargo, fueron precisamente esas canciones de Los Piratas las que provocaron los momentos más intensos de la velada. "Inerte", "M", "Te echaré de menos", "El equilibrio es imposible", "Reiniciar", "Fecha caducada", "Jugar con los coches", "Promesas que no valen nada", "Mi matadero clandestino", "Teching", "Años 80" y el cierre con "Mi coco" convirtieron el concierto en una auténtica reunión generacional donde cada canción parecía despertar un recuerdo diferente entre los asistentes.

Especialmente emocionante resultó "Promesas que no valen nada", interpretada en solitario, al piano y convertida desde hace años en uno de esos himnos que trascienden a quien los compuso. Apenas hizo falta que Ferreiro entonara los primeros versos para que el público asumiera el protagonismo y transformara el recinto en un gigantesco karaoke cargado de emoción.

Uno de los momentos más celebrados llegó con la interpretación, también al piano, de "Insurrección", el inmortal clásico de El Último de la Fila, una versión que el gallego ha incorporado con naturalidad a su repertorio y que volvió a recibir una calurosa acogida.

En la recta final aparecieron dos de las canciones más esperadas de la noche. "Turnedo", precedida por la habitual introducción de "Diecinueve", volvió a demostrar por qué se ha convertido en una de las grandes baladas del pop español del siglo XXI. El silencio respetuoso durante las estrofas dio paso a una interpretación colectiva que puso la piel de gallina a buena parte del público.

Iván Ferreiro no necesita grandes artificios escénicos. Su fortaleza continúa estando en la honestidad con la que interpreta unas canciones que han envejecido extraordinariamente bien y en una banda sólida, capaz de moverse con naturalidad entre el rock, el pop y los arreglos más delicados sin perder nunca intensidad.

El entorno del Lago de Atarfe volvió a demostrar también que se ha consolidado como uno de los espacios más atractivos para la música en directo de la provincia. La combinación del paisaje, una producción cuidada y una programación cada vez más ambiciosa está situando al Ciclo Música en el Lago entre las citas imprescindibles del verano andaluz.

La actuación de Iván Ferreiro, acompañado de su súper banda, en la que cabe destacar la presencia de su hermano Amaro Ferreiro y de incombustible Ricky Falkner, que fueron teloneados por los granadinos Fletán Fetén, fue mucho más que una sucesión de éxitos. Fue una celebración de la memoria musical compartida, de esas canciones que acompañan distintas etapas de la vida y que, décadas después, siguen encontrando nuevas razones para ser cantadas. Y, a juzgar por la respuesta del público de Atarfe, todavía les queda mucho camino por recorrer.

[Crónica] Zenet pasea las manos y la voz entre el agua del Carmen de los Mártires (16/07/2026)

2026-07-17T11:21:59.038+02:00

Hay noches en las que la música no irrumpe: se posa. Desciende sobre el escenario con la delicadeza del agua que acompaña el silencio y encuentra en el lugar preciso el eco que necesita. Eso ocurrió este jueves en el Carmen de los Mártires, donde Zenet regresó a Granada para presentar Las manos y la voz dentro del ciclo 1001 Músicas – CaixaBank. Dos años después de su última visita, el artista malagueño volvió con un repertorio desprovisto de artificios y una única intención: dejar que las canciones respiraran por sí mismas.

El escenario parecía aguardarlo desde mucho antes de que comenzara el concierto. Entre cipreses, jardines y fuentes, el antiguo carmen ofrecía un refugio ajeno al bullicio de la ciudad. Allí, cuando el reloj marcó las 22:07, unas luces teñidas de violeta y un solitario instrumento de viento abrieron un espacio suspendido en el tiempo. "Palabras" fue la primera en cruzarlo. Antes de despedirse de ella, Zenet regaló una declaración de amor a Granada, "la ciudad con más cosas bonitas del mundo", como si quisiera corresponder a la hospitalidad de un escenario hecho a la medida de esta propuesta.

Las manos y la voz nace precisamente de esa renuncia al exceso. Es un disco que prefiere la piel al disfraz, el gesto mínimo al golpe de efecto. Sobre el escenario, acompañado únicamente por un cuarteto y vestido con un elegante traje firmado por el diseñador granadino Javier Cañizares, Zenet dejó que cada composición encontrara su peso específico. No hubo urgencia. Tampoco la necesitaba. Bastaba una guitarra, un soplo de viento, un piano contenido o una percusión discreta para sostener un universo donde el bolero, el tango, la bossa nova, el jazz y el swing dejaron de ser géneros para convertirse en un mismo idioma.

Su voz siguió ocupando el centro de todo. Una voz capaz de quebrarse sin romperse, de acariciar una frase o demorarse en una palabra hasta cambiarle el significado. En "Quién sabe" volvió a demostrarse que Zenet no interpreta las canciones únicamente desde la melodía: las habita. Las pronuncia como quien conoce el secreto que esconden las sílabas y decide revelarlo despacio.

El repertorio transitó con naturalidad entre las nuevas composiciones y algunas piezas ya imprescindibles de su trayectoria. "No lo dudes" o "Ella era mala" adquirieron una intimidad distinta bajo esta nueva mirada, mientras canciones como "Aunque ya no estés", "Nos fuimos", "Tan lejos, tan cerca" o "Química" confirmaron el pulso sereno del nuevo trabajo. Los tangos "Agárrate a esta canción" y, especialmente, "Tango para Baudelaire", desnudo junto a la guitarra, reforzaron la sensación de que cada elemento superfluo había quedado deliberadamente fuera del escenario.

Hubo también lugar para la ironía cotidiana. "Mensajes borrados", una bossa nova nacida de esos textos de WhatsApp que nunca llegan a enviarse, encontró poesía en uno de los gestos más comunes de nuestro tiempo. Zenet volvió a demostrar que la emoción no siempre se esconde en las grandes historias; a menudo basta un pequeño acto de duda para convertir la vida diaria en canción.

Mientras tanto, el público parecía haber asumido un pacto silencioso con el artista. Las conversaciones desaparecieron, sustituidas por una escucha casi reverencial. Solo en momentos como "El deseo de volar" afloraron los coros espontáneos, las sonrisas compartidas y los aplausos que rompían, sin destruirla, la delicada atmósfera construida durante toda la noche.

El tramo final tuvo algo de celebración íntima. El estreno del fado "Qué más da", adaptado a la guitarra española, encontró un aliado inesperado en el murmullo constante de las fuentes del Carmen, que terminó integrándose como un instrumento más de la interpretación. Después llegó el carácter más desenfadado de "Amor a tres", capaz de despertar el movimiento contenido de un público que hasta entonces parecía escuchar incluso con la respiración.

La despedida quedó reservada para dos canciones que el tiempo ha convertido en clásicos de su repertorio: "Sé que estás pensando en mí" y "Soñar contigo". Despojadas de buena parte de sus arreglos originales, aparecieron con una belleza distinta, más frágil y, precisamente por ello, más luminosa. Como si las composiciones hubieran decidido presentarse sin maquillaje para recordar que las buenas canciones no necesitan esconderse detrás de nada. El aplauso largo y sostenido con el que el público despidió a Zenet terminó de confirmar lo que la noche había insinuado desde el principio: que, a veces, la emoción más intensa nace precisamente de aquello que parece decirse en voz baja.

[Crónica] Sting convierte la Plaza de Toros de Granada en una cápsula de memoria musical (15/07/2026)

2026-07-16T11:13:12.939+02:00

El músico británico, ante un sold out, ofreció anoche un concierto de precisión, elegancia y memoria colectiva: 19 canciones para recorrer The Police y su carrera en solitario sin nostalgia de museo, dentro de la gira STING 3.0, en formato trío, con Dominic Miller y Chris Maas.

Hay artistas que repasan su carrera. Y hay artistas que la ponen en marcha. Sting pertenece a la segunda categoría. Anoche, 15 de julio, con la Plaza de Toros de Granada completamente agotada no recibió una lección de historia del pop, sino una descarga de canciones que siguen respirando con una naturalidad asombrosa.

A las diez de la noche, la silueta del músico británico apareció para abrir el concierto con “Message in a Bottle”. No hubo preámbulos ni necesidad de explicar nada. El primer acorde bastó para que miles de voces reconocieran de inmediato aquel mensaje lanzado al mar hace casi medio siglo. Sting no necesitaba conquistar Granada: Granada ya estaba rendida.

La noche avanzó con “I Wrote Your Name (Upon My Heart)” y “If I Ever Lose My Faith in You”, dos canciones que situaron desde el principio el territorio del concierto: la mirada de Sting sobre su propia obra, siempre elegante, siempre en movimiento. Después llegó “Englishman in New York”, y la plaza se convirtió durante unos minutos en una ciudad imaginaria, cosmopolita y nocturna. Sting cantó a su personaje con la misma mezcla de ironía y sofisticación que ha convertido la canción en un clásico.

Pero si algo quedó claro anoche fue que The Police sigue siendo una parte esencial del ADN de Sting. “Every Little Thing She Does Is Magic” levantó una primera gran oleada de entusiasmo. Más tarde, “Wrapped Around Your Finger” y “Driven to Tears” recordaron que detrás de aquellos éxitos había también una banda capaz de tensar el pop hasta convertirlo en algo extraño, urgente y profundamente moderno.

Entre ambos mundos, el solista encontró espacio para la intimidad. “Fields of Gold” fue uno de los momentos más delicados de la noche, una canción que parece detener el tiempo y que anoche encontró en la plaza granadina un escenario perfecto. “Never Coming Home” y “Mad About You” prolongaron ese tono más personal, antes de que “A Thousand Years” volviera a demostrar la capacidad de Sting para construir canciones de una belleza casi cinematográfica.

La segunda mitad del concierto fue un auténtico desfile de memoria colectiva. “Can't Stand Losing You” y “Shape of My Heart” convivieron con la precisión instrumental de un músico que no parece interesado en reproducir el pasado de forma literal. Sting no actúa como un arqueólogo de sus propios éxitos. Los revisita, los desnuda y vuelve a ponerlos en circulación.

Y entonces llegó “Brand New Day”, una declaración de principios escondida dentro de una canción. Después, “So Lonely” disparó la energía de la plaza. El público cantó, saltó y convirtió la canción en una celebración compartida. La soledad, al menos durante esos minutos, era un concepto completamente ajeno a Granada.

“Desert Rose” aportó el pulso hipnótico que ya forma parte del imaginario de Sting. Y cuando sonaron los primeros compases de “Every Breath You Take”, la Plaza de Toros entera pareció transformarse en un gigantesco coro. La canción, tantas veces escuchada, recuperó su condición de acontecimiento: una melodía universal, reconocible en cualquier lugar del mundo, interpretada por el hombre que la escribió.

El bis no podía ser más significativo. “Roxanne” volvió a encender la llama de The Police y dejó a Sting frente a uno de los grandes himnos de su carrera. Después, “Fragile” cerró la noche con una emoción distinta, más contenida, casi suspendida. Una despedida sin artificios y, precisamente por eso, especialmente poderosa.

Sting dejó Granada después de 19 canciones y de un concierto que no necesitó nostalgia para hablar del pasado. La fórmula fue otra: canciones que han sobrevivido a las décadas porque todavía tienen algo que decir y un intérprete que sigue sabiendo cómo decirlo. En una Plaza de Toros llena hasta el último rincón, el británico demostró que la edad puede cambiar el calendario, pero no necesariamente la autoridad sobre un escenario.

Anoche, Sting no vino a recordar quién fue. Vino a demostrar que todavía está aquí.