Living With My Brother’s Wife – Tome 2

Ce second tome confirme les bonnes vibes du premier, avec un récit sur le deuil et la famille au travers du lien particulier entre Shino et Nozomi qui se voient à composer un nouveau foyer malgré elles. Le trait reste assez brouillon mais n’entache en rien les qualités d’écritures déjà certaines de son autrice. C’est un aspect que j’apprécie énormément dans les œuvres de Kuzushiro qui mêle des thématiques très humaines – ici avec la complexité des relations entre Shino, Nozomi et leur entourage – et parfois teintées d’une certaine mélancolie entremêlées de moments plus légers. Une dépiction d’un quotidien plus chaleureux, ou du moins qui s’efforce de l’être, qui me plait beaucoup.

Mon seul bémol (en fait non, mes deux seuls), c’est l’édition française. Côté fabrication, déjà, avec cette reliure ultra-serrée et rigide qui rend la prise en main difficile. Des retours que j’ai vus sur Bluesky, c’est un problème commun à de nombreux Noeve depuis leur reprise par IDP. L’autre point, c’est la traduction qui manque de naturel. Je ne suis pas du genre tatillon sur ce point d’habitude, mais de nombreux dialogues manquent de fluidité, comme transcrites littéralement du japonais au français, sans le travail d’adaptation habituellement attendu derrière. Ce qui rendait la lecture vraiment désagréable par moments tant ça peut me sortir du récit. Dommage, on verra comment cela évolue sur les prochains tomes.

The Moon on a Rainy Night – Tome 11

De la même autrice, et tandis que sa parution française est à la traine (le tome 5 est sorti un an et demi après le 4ᵉ), The Moon on a Rainy Night se poursuit à bon rythme au Japon avec son tome 11 sorti en début d’année. Et suivre celle-ci est une expérience particulièrement gratifiante en ce moment tant le manga atteint l’apogée de tout ce qu’il a construit au fil des années dans la relation de ses héroïnes. Désormais entre réalisation et confrontation de leurs sentiments, l’histoire régale et livre là son meilleur arc … notamment parce que c’est vraiment le genre de passages que je préfère dans les romances, il y a de la tension sur l’évolution que va prendre le récit tout en multipliant les moments attendrissants.

Espérons qu’avec l’anime qui approche (prévu pour cette année, si tout va bien), Meian va accélérer un peu la cadence pour éviter de faire attendre 2032/2033 au lectorat francophone pour découvrir ces merveilleux moments.

How Do I Turn My Best Friend Into My Girlfriend? – Tome 3

Après 2 tomes, la série m’apparaissait plutôt décevante, notamment par un cruel manque de panache. C’est pas vilain, et plutôt mignon par moments, mais on s’ennuie pas mal le reste du temps.

Heureusement, ce 3ᵉ tome – à partir de sa seconde moitié, tout de même – apporte enfin un peu de consistance à l’histoire. C’est fait par l’intégration d’une rivale amoureuse qui vient bousculer le statu quo entre les deux protagonistes. Rien de bouleversant, c’est un même un procédé d’écriture facile qui garde le mérite d’être efficace. Le revirement que ça amène dans l’évolution de la romance est bienvenu, quoiqu’un peu grossier parfois (avoir le POV de Yuzu, la crush de la mc, est une bonne chose, mais trahit aussi une forme d’incohérence sur l’expression des sentiments des héroïnes – là encore, j’y vois une certaine paresse d’écriture).

Ça reste une lecture assez mignonne et qui semble enfin avoir trouvé de quoi susciter plus vivement mon intérêt. Suffisamment en tout cas pour que j’entame d’emblée le tome 4 avec une vraie curiosité pour la suite.

Friend Girlfriend – Tome 1

Pour rester dans le fluff, Friend Girlfriend continue d’être une véritable pépite du genre en étoffant son récit (et même le début d’une seconde romance !!). Le dessin très expressif, avec un mix de chibi/cartoon, me rappelle beaucoup You and I are polar opposite.

L’histoire est ultra adorable, avec des héroïnes qui découvrent leur relation sous un nouveau jour mais aussi la protagoniste Yuuki, qui apprend à s’ouvrir aux autres et à mieux exprimer ses sentiments.

Ça c’est du fluff qui fluff fort, reste à espérer qu’un éditeur l’amène ici à l’avenir !!

Aruiwa, Watashi no Meitantei – Tome 1

Tant qu’on est sur ma liste de souhait des futures sorties françaises, quelqu’un pour le dernier manga de Dr. Pepperco (Goodbye, My Rose Garden) ?

Une histoire de détectives lycéennes, principalement avec des affaires du quotidien, autour d’un duo composé d’une fan de romans policiers qui se rêve détective (mais est très silly) et sa camarade-assistante-malgré-elle qui a tout de l’enquêtrice de génie. Les enquêtes sont encore un peu basiques, parfois un peu prévisibles, et me rappellent My Dear Detective qui pouvait aussi décevoir sur ce point. Mais les deux séries ont aussi en commun d’avoir un duo de protagonistes attachants dont la dynamique est interessante à suivre, et cela peut suffire à faire le sel de ce genre d’histoire.

Le début reste assez simple, donc, mais ça pose efficacement son concept et peut toujours monter en grade côté mystères par la suite. D’autant que le premier tome se termine sur ce qu’il faut de teasing sur son fil rouge ains que l’évolution de la relation entre les protagonistes (le titre est un Yuri, évidemment). Le potentiel est là, en espérant qu’on permette à l’autrice d’aller au bout de ses idées.

1. Ce qui peut sembler ironique à dire sur un blog utilisant WordPress. Un point que je cherche à changer, mais cela reste une tâche complexe qu’il m’est difficile à réaliser pour le moment. ︎

Les séries sont classées par ordre alphabétique (déterminants exclus). Bonne lecture !

Apocalypse Hotel

Un projet original signé CygamesPictures, ça attire déjà l’attention pour la promesse d’une production assez léchée. Avec son cadre post-apo dans lequel des robots continuent malgré tout de faire tourner un hôtel dans l’attente d’un retour improbable de l’humanité, c’est même avec un certain enthousiasme que j’attendais la série.

Et, wow, quel plaisir ! Du début à la fin, chaque épisode était une source de situations inattendues avec un concept qui se développe merveilleusement bien. La série traine une mélancolie de fond sur la disparition de l’humanité, l’espoir vain de son retour et la préservation de son héritage (ou de celui du gérant de l’hôtel, au moins). Les ellipses temporelles permises par la nature robotique de l’héroïne Yachiyo confèrent une dimension indubitablement non-humaine au récit, tout comme la nature des autres personnages que l’on va croiser au fil des épisodes et serviront de nouveaux « clients » à l’hôtel.

Ajoutez à ça une réalisation impeccable, notamment pour apporter de la cohérence aux multiples visages du titre qui mélange allègrement humour et pathos bien intense. Ce qui lui permet de rester un divertissement franchement réussi et captivant tout en abordant un paquet de réflexions sur des choses aussi essentielles que la nature d’une société et de la manière dont il faut assurer sa survie.

Un de mes coups de cœur de la saison, voire de l’année, pour sûr. Et si vous en voulez plus, je peux vous renvoyer vers ma critique de la série publiée sur IGN où je me permets d’être un peu plus bavard.

Les Carnets de l’apothicaire – Saison 2

L’achèvement – temporaire, la série étant déjà promise à une saison 3 – des aventures animées de Mao Mao, cette nerd des poisons, vient avec quelques éclaircissements sur mon rapport à cette adaptation. Déjà, ça confirme une impression que j’avais sur la saison 1 : j’adore son cadre historique, la manière dont on est immergé dans cette pseudo-Chine impériale qui ne dit pas son nom. Et c’est fait au travers d’une panoplie de personnages tous plus chouettes à suivre les uns que les autres. Le charisme, ce n’est pas une denrée qui manque par ici.

Ainsi, j’ai continué de grandement apprécier de nombreux moments partagés entre les personnages, notamment Mao Mao qui a décidé de devenir la tsundere la moins convaincante de l’histoire (tu te soucies du sort des autres car ce sont tes amies bon sang !!!!!). C’est affectueux comme remarque, car c’était un bon développement du personnage. Super dynamique avec la nouvelle venue, Shisui, qui me permet de débloquer un nouveau ship. Bravo à elles.

Deux joyeuses lesbiennes derrière lesquelles rode un intimidant eunuque avec Jinshi. Blague à part, on continue d’en apprendre sur son personnage, mais c’est surtout sa romance avec l’apothicaire qui prend de l’ampleur. J’appréciais jusqu’à présent leur dynamique, mais certaines scènes m’ont un peu tendu, en particulier sur la fin où le jeune homme mise un peu trop son love langage sur un forcing très lourd. J’espère que ça sera mieux dosé par la suite, voire adressé, mais pour l’instant la série romantise un peu trop ça (ou n’en fait que de l’humour). Même si c’est en partie cohérent avec le vécu du personnage, ce type d’écriture tend un peu trop à valider ce genre de comportements.

Plus généralement, la narration continue de me perdre régulièrement d’une part avec une mise en scène peinée à appuyer des moments importants. Rendant certaines révélations majeures étranges car j’ignore si c’est balancé casuellement ou si c’était déjà connu avant. L’hypothèse que je sois juste stupide n’est pas à exclure non plus. La baisse en régime de cette suite n’y aide pas, avec une production bien plus modeste. Ça reste joli, mais on perd les belles envolées des débuts. À espérer que la saison 3 sera produite sous de meilleurs auspices, quitte à patienter plus longtemps (plutôt qu’un ridicule gap de un an).

Bref, Mao Mao reste cool, son histoire aussi et il me reste à voir si je prends le temps de me mettre aux romans avant le retour de l’anime.

The Dinner Table Detective

Ce serait vache de dire que la série tient essentiellement aux performances géniales de Kana Hanazawa et de Mamoru Miyano pour offrir un duo d’inspecteurs de police délicieusement chaotique mais… ça serait sacrément vache car c’est juste pas le cas.

Evidemment, les performances de son casting 5 étoiles subliment la série et rend délectable la moindre interaction entre ses personnages. On peut regretter que Mamoru Miyano fasse davantage du Mamoru Miyano en termes d’acting, mais difficile de le voir proposer autre chose pour un rôle qui semble presque écrit pour lui tellement la combinaison est évidente. Si entendre le doubleur jouer l’immense abruti trop fier de raconter des conneries comme il le fait si bien, alors wow venez car là, c’est buffet à volonté.

Mais le sel de la série passe surtout par son écriture et, malgré son genre policier, c’est du côté de la comédie qu’elle se remarque le plus. Car c’est drôle. Car on a donc un personnage Mamoru Miyano-core qui fait le con, le personnage de Kana Hanazawa qui offre une superbe dynamique avec cet énergumène. Celle-ci a également de nombreux échanges savoureux avec son majordome, personnage discret mais vrai troisième pilier du récit puisqu’il est la tête pensante qui résout tout. Et c’est hilarant de le voir aider sa maitresse (oui l’inspectrice jouée par HanaKana est en fait une fille de riche mais elle le cache pour son taf, bref) en la traitant constamment d’idiote de façon relativement subtile (affectueusement).

C’est marrant, très marrant même et je retiendrai surtout la série pour ça. Ça trahit un peu le niveau du reste, que je ne qualifierai pas de mauvais (ce serait très excessif) mais plutôt d’assez moyen ou seulement bon. Ce n’est pas spécialement inventif dans ses enquêtes ni dans la manière de les raconter. Il y a de chouettes idées visuelles, notamment la DA qui arbore des aplats de couleurs qui font un peu vintage, même si je ne saurais pas trop le dater (disons années 60-70, peut-être). J’ai l’impression de terminer sur une note un peu négative alors qu’en vrai j’ai passé un excellent moment. Grosse recommandation, surtout si vous êtes friand de série policière un peu goofy ou étonnamment drôle.

Food for the Soul

Production originale du studio P.A. Works, sous la direction avisée d’un tandem Atto et Shinya Kawatsura, respectivement mangaka et réalisateur de Non Non Biyori, Food for the Soul se présente entre de bonnes mains. Ajoutez même le compositeur Hiromi Mizutani, là aussi déjà présent sur l’adaptation de la tranche de vie campagnarde d’Atto.

Le concept de la série, pourtant, ne paye pas de mine : des étudiantes forment un club, davantage pour pouvoir flemmarder que par un réel intérêt d’activité. Mais au milieu d’entre elles, il y a Mako Kawai¹, qui adore manger (et cuisiner) de bons petits plats, ce qui va naturellement amener la thématique principale de la série : la bouffe.

Des séries du genre avec ce même concept, il y en a déjà eu des tonnes, mais Food for the Soul peut heureusement compter sur l’expérience de ses créateurs pour offrir quelque chose de bien rôder. Les personnages, malgré des personnalités déjà bien revues, fonctionnent bien ensemble avec de bonnes dynamiques et une belle variété de relations (amies d’enfances, nouvelles connaissances…). Une inégalité dans le point de départ de leurs relations qui est justement utilisé à quelques reprises.

Même sans chercher à être très original, il y a des tropes à l’exécution très bien faite, comme Nana, la fashion anxieuse socialement qui fait une simili-Bocchi génialement chaotique. J’aime bien aussi quand on a droit à différentes nuances d’introversion, puisque Mako est, elle aussi, du genre timide, ce qui s’exprime différemment de sa camarade. Le groupe devient rapidement attachant et on apprécie de passer du temps en leur compagnie.

Chose rare dans ce type de série, les héroïnes sont des étudiantes à la fac. En première année, certes, mais cela les situe davantage dans le rang jeunes adultes que l’habituel créneau adolescent. Dommage que cet aspect se ressente finalement assez peu dans le résultat final, malgré quelques passages inhérents à leur âge (notamment tout ce qui est lié à la conduite). Le character design, aussi, fait vite oublier que l’on ne suit pas des adolescentes. Il est très joli, en soi, portant bien la patte d’Atto, mais sa vocation à jouer sur le côté mignon fait paraitre ses personnages plus jeunes qu’elles ne le sont.

Enfin, pour le côté cuisine, on reste sur de l’élémentaire. J’apprécie d’avoir droit à quelques recettes « d’étudiantes » autant simples à faire que peu chères en ingrédients. Il y a un peu variété dans la façon d’expérimenter la nourriture entre copines, comme tester des restaurants locaux, même si cela reste rare. Finalement, la cuisine constitue surtout un fil rouge thématique assez léger pour lier ensemble tout un tas de bons moments que vivent ensemble de jeunes étudiantes.

Cela peut être interprété comme un aveu de faiblesse de Food for the Soul pour user pleinement de son concept, mais je préfère voir le verre à moitié plein en ayant passé un excellent moment à chaque épisode avec d’amusants personnages. L’autre thème du titre, plus discret, étant justement les bons souvenirs que l’on s’est fait dans le passé, ceux que l’on peut se faire maintenant et ceux que l’on pourra se faire à l’avenir. Là-dessus, ça marche plutôt bien. Et même sans verser dans cette perception plus philosophique de la série, il faut souligner une chose importante : bah c’était sacrément sympa quand même.

The Gorilla God’s Go-To Girl

La série est dans la pure veine de tous ces animes de fantasy, parfois isekai (ce n’est pas le cas ici) avec un protagoniste surpuissant pour une raison plus ou moins random. Dans le cas de notre héroïne, Sophia, c’est plutôt dans le côté très random du spectre qu’elle se retrouve au sommet de la hiérarchie de puissance de son monde en recevant la bénédiction du Dieu Gorille. Son pouvoir ? Elle tape fort (et elle a un gorille qui apparait régulièrement derrière elle en mode stand de JoJo’s, ce qui est absolument exceptionnel).

Bon, là je pense que le pitch a déjà tout dit. On est sur une série gentiment absurde comme il faut, ponctuée d’une romance principale basique mais mignonne et d’intrigues d’école de chevaliers où l’héroïne devra faire avec ses capacités improbables et l’attitude pas toujours très sympathique de ses camarades.

C’est visuellement assez modeste, même si je dois dire trouver le chara design particulièrement charmant. Rien de bien surprenant sinon, il y a tout de même plusieurs moments assez drôles et c’est à peu près tout ce que j’attendais d’une telle série. Forcément, mes exigences ne sont pas bien hautes sur celle-ci, mais il n’empêche que chaque épisode s’est avéré être une expérience agréable, ce qui est déjà pas mal.

Ma seule frustration, c’est qu’on a des antagonistes révolutionnaires aux revendications franchement pertinentes, mais dont la teneur est vite expédiée par une intrigue qui se concentre trop sur le reproche de la violence de leur méthode. C’est toutefois une critique valable pour à peu près toutes les séries avec ce genre d’univers où le pouvoir hégémonique est contesté sans trop que cela soit particulièrement développé. Bref je chipote car c’est clairement pas l’ambition du titre que de proposer une réflexion socio-politique sur les inégalités sociales, même si l’idée de voir l’héroïne virer full anti-royaliste n’aurait pas été déplaisante.

Je suis sacrement bavard sur cette série alors qu’à la base je pensais que mon avis se résumerait à « bravo singe  ». Mais en vrai globalement c’est ça, bravo singe et bravo Sophia qui a pécho l’écureuil tout en cassant des bouches.

Lycoris Recoil -Friends are thieves of time.-

Une série de 6 épisodes spéciaux de 4 minutes sur les personnages de la série en guise d’amuse-bouche pour patienter à ce que la suite sorte (un jour, peut-être, en espérant que la production soit moins chaotique cette fois). Pas grand-chose à en dire, c’est joli, rigolo et on apprécie de retourner un cast franchement attachant, surtout la complicité de Chisato et Takina (elles sont amoureuses on sait faites pas genre). Au moins les très courtes histoires offrent un niveau moyen plus élevé que celles des anthologies manga disponibles chez Panini (et j’ai tout acheté car je suis un pigeon quand il s’agit d’un ship que j’aime bien).

Maebashi Witches

Il est facile de passer à côté de Maebashi Witches puisque, sur le papier, cela ressemble à un énième projet de media mix où un anime sert de support promotionnel à de la musique et au groupe formé pour l’occasion. Et s’il transparait déjà de son premier épisode une écriture séduisante marquée par des répliques bien senties, le tout garde une allure bien classique : cinq héroïnes sont réunies arbitrairement pour devenir apprenties sorcières et réaliser des vœux grâce à la magie. Ah, et elles sont assistées par une petite mascotte plus agaçante que mignonne, évidemment.

Autant dire qu’avant et même après l’épisode 1, je n’étais pas très convaincu par cette proposition. Et pourtant ! Sans vendre un twist de fou furieux, je suis si content d’avoir persévéré un tout petit peu et découvrir l’une des séries à l’écriture la plus riche et interessante de cette saison. Dès l’épisode 2, Maebashi Witches fait preuve de beaucoup plus de nuances dans son récit tout en abordant des sujets rarement vus en japanime, et encore moins avec une telle justesse !

Le plus agréablement marquant reste son traitement du surpoids et comment c’est vécu différemment par deux personnages. Des façons de vivre ce complexe qui diverge, mais que la série prend le soin de valider autant l’une que l’autre. C’est sacrement rafraichissant dans un médium qui a l’habitude de traiter le surpoids comme une bête question de gestion de régime (généralement en impliquant des personnages qui ne sont même pas réellement en surpoids).

Maebashi Witches se montre très consciencieux des sujets qu’il aborde, prenant le soin de pointer toute la complexité de chaque situation. Au final, la série est bien consciente de la naïveté de son propre concept. Elle en joue pour montrer que la résolution du drame de chaque héroïne n’a rien d’évident, mais reste néanmoins faisable. Surtout, elle sait garder un optimisme sincère et encourageante plutôt que tomber dans de la mélancolie moralisatrice un peu trop cynique. Une pointe de naïveté assumée par la série pour davantage tirer ses personnages vers le haut, une qualité que j’apprécie énormément.

Une écriture de fond appuyée par une exécution assez maitrisée dans l’ensemble. C’est visuellement bien travaillé, entre une direction artistique très colorée et pétillante qui marque d’autant mieux les basculements de ton plus sérieux. Puis il y a son groupe de cinq héroïnes et leur agaçante mascotte grenouille aux interactions rigolotes avec des dynamiques bien rodées dont l’évolution s’apprécie franchement à mesure que l’histoire progresse. Quel plaisir aussi de nous avoir offert Azu, immense rageuse aux remarques bien piquantes dont le génie de la série aura été d’aborder sa backstory dès l’épisode 2, permettant de profiter au mieux de son sens de la réplique si aiguisé tout en sachant pourquoi elle a obtenu un caractère si tranché.

Un de mes chouchous de la saison que je vous enjoins à essayer, au moins jusqu’à l’épisode 3. Un anime à l’écriture bien plus fine que pouvait le suggérer son entame (et c’est même adressé plus tard dans le récit !). Puis il transparait de la série une franche énergie féminine dans la mesure où l’on sent que c’est une œuvre produite par des femmes (notamment la scénariste Erika Yoshida et la character designeuse Nozomi Tachibana appuyée par la styliste Miki Aizawa pour les tenues des personnages) pour un public féminin (en l’occurence des adolescentes, même si la plupart du récit reste sûrement accessible pour des enfants). Oh et il y a une des MC qui est canoniquement très stupide et c’est pour ça qu’on l’aime, bravo à elle.

Mono

Adaptation d’un manga d’Afro, le mangaka derrière Au Grand Air (Yuru Camp). Après l’iyashikei de camping, l’auteur s’attaque au thème de la photographie. Et de la vidéo. Et du tourisme culinaire. Et du surnaturel. Et d’à peu près tout ce dont il a envie en réalité.

Mono a un côté vrac que je trouve très attrayant par ce qu’il permet en flexibilité pour l’histoire. En contrepartie, ça rend la série plutôt modeste sur ses thématiques d’origine (la photographie et la vidéo) qui sont finalement pas omniprésentes. Parce qu’à la base, il s’agit tout de même de suivre les membres du club de photovidéo à la recherche de sujets à photographier et filmer. Ajoutez une mangaka casanière, sa pote motarde et vlogueuse, un gros chat mystérieusement voyageur ou encore une mangaka spécialisée dans l’horreur, et vous obtenez le cocktail improbable mais génial de Mono.

On suit donc les personnages faire des activités plus ou moins randoms, entre repérages pour un manga et rallye des restaurants de la ville. Une liberté de vagabonder pour la série qui invite à se laisser embarquer avec elle dans ses délires. Et ça marche ! Mono propose tout le plaisir d’une longue balade improvisée sur le tas. Je retiens la prouesse du premier épisode qui réussit à condenser en seulement dix minutes toute une année de lycée pour introduire l’héroïne, son passif au club tout en lançant déjà les autres personnages et les premiers gags.

L’anime a également la chance d’avoir une production aux petits oignons. Il faut remercier le staff du tout jeune studio Soigne (dont c’est la première production) qui a pu laisser s’exprimer tout le talent de ses animateurs. Résultat, l’anime respire la vie, avec une direction artistique joliment colorée et un chara design faisant la part belle au côté plus goofy/cartoon que donne Afro à ses personnages. Jusque dans la manière de mettre en scène les escapades de ses héroïnes, pour mieux faire ressentir les environnements et paysages qu’elles visitent. Les effets panoramiques et autres fish-eye appréciés de l’auteur sont au rendez-vous, mais pas que, l’anime jouant à foison avec les libertés permises par le médium pour être toujours plus inventif dans sa réalisation.

Sans surprise, il s’agit d’un de mes coups de cœur de la saison. Un bon rappel également de ce que peut apporter une production ambitieuse à de la tranche de vie, un genre qui ne profite pas toujours des meilleurs égards à ce niveau.

A Ninja and an Assassin Under One Roof

Mon principal reproche à A Ninja and an Assassin Under One Roof (ou Ninkoro) est simple : la série a beaucoup de mal à se doser, surtout sur sa première moitié. Le titre est globalement porté par un humour très shitpost absurde qui fonctionne généralement assez bien sur moi, mais qui ici laisse passer trop de détails assez désagréables (en particulier sur la relation entre les deux protagonistes).

En résulte qu’une des deux héroïnes apparait particulièrement antipathique à un point suffisamment élevé pour que j’hésite à drop en cours de route. Avec évidement en point d’orgue celui sur « Roboko », terriblement frustrant à voir. Et, ok, dans l’idée, il y a une vraie envie de montrer le personnage de Konoha comme fortement insensible pour mieux montrer son évolution après. Mais il y a une manière de le faire sans qu’on finisse par détester sincèrement le personnage derrière, et ça Ninkoro a vraiment beaucoup de mal pour y parvenir.

Heureusement, la seconde moitié relève bien le niveau (juste après un épisode étrange sur des…énormes seins…). La relation entre Satoko et Konoha s’adoucit, il y a davantage la place pour de la tendresse et l’humour se dose mieux pour moins donner l’impression de s’acharner gratuitement sur la ninja. Ce genre de basculement me donne l’impression que dans le manga d’origine, l’auteur n’avait pas prévu de développer le récit à ce point au-delà de son humour très con, et qu’il lui a fallu du temps pour trouver son équilibre entre ses absurdités et raconter une véritable histoire.

Alors ça vaut le coup, peut-être, de se forcer un peu pour Ninkoro. Enfin je ne vais pas trop le descendre non plus, j’ai aimé mais je sais aussi que j’ai une certaine tolérance en plus d’être bon client de ce type d’humour (malgré qu’ici c’est parfois de trop). Attention à la pléthore de chara designs particulièrement beaufs et la mise en scène qui aime bien appuyer par moments certains détails inutilement horny (la nouvelle tenue de Satoko est un désastre). D’ailleurs à l’animation c’est Shaft, studio qui semble essayer de sortir de sa léthargie depuis quelques temps et que j’ai retrouvé avec une certaine sympathie, même s’il ne s’agit clairement pas de leur prod la plus mémorable.

Bref, pour tenir le coup, faites comme moi et venez pour la ninja gentiment bête et restez pour les (grosses) miettes de yuri.

Once Upon a Witch’s Death

Un de mes chouchous de la saison. Déjà pour son héroïne et sa gremlin énergie en puissance absolument intenable, en particulier sur la première moitié. Elle donne un ton vivifiant à la série alors que son concept (l’héroïne doit récolter des « larmes de joie » pour éviter de mourir d’une malédiction sous un an) promet davantage de mélancolie. Pas très certain de soutenir toutes ces sorties parfois vraiment très beaufs, et dommage qu’on sente une peu de queerbaiting dans le fond. Meg Raspberry, t’es sacrement douteuse mais on t’aime bien malgré tout.

Aussi, j’ai beaucoup apprécié la manière dont est construit l’univers de la série. C’est un mix d’un monde de magie avec notre société actuelle, notamment par l’implication d’enjeux environnementaux forts. Pour faire simple, l’énergie magique de la planète se dérègle suite aux activités humaines et menace de catastrophes toujours plus graves. Leur dérèglement climatique à eux, en somme.

Déjà, ça donne à la série une ambiance qui lui est assez unique puisque généralement les mondes de magie préfèrent des périodes moins contemporaines. D’autant que la (petite) ville servant de cadre pour 80% de l’histoire offre un joli environnement rural. Ce n’est pas toujours réalisé avec la plus grande finesse, et ce mélange de société moderne et magique parait parfois un peu surfait, mais il y a le mérite de tenter quelque chose d’original tout en touchant tout de même juste assez souvent.

J’ai à peu près la même remarque à faire pour la production qui semblait parfois ne pas avoir les moyens de ses ambitions. Il y a de belles séquences, mais l’animation ne suit pas toujours tout comme la mise en scène, souvent trop plate. Je retiens tout de même de beaux décors et aussi un character design très expressif, en particulier pour Meg. Ça se rapproche pas mal de ce que propose la version manga du récit (il s’agit d’un light novel à la base) et le style de Kenu Amearare qui est très particulier au départ, mais s’avère pétillant par l’extreme énergie cartoon qu’il renvoie. Si on pouvait avoir au moins cette version de l’œuvre en France pour peut-être poursuivre les péripéties de cette chaotique sorcière qu’est Meg, j’en serais ravi !

Shoshimin – Saison 2

J’avais déjà largement apprécié la proposition de Shoshimin sur sa première partie. Son duo apathique mêlé malgré eux à résoudre des petits mystères du quotidien (comme : mais comment qu’il a fait pour préparer son chocolat chaud sans casserole ??) était une excellente formule. Et même si, sur le papier, la tentation était forte de la comparer à Hyouka, s’agissant dans les deux cas d’adaptations de romans écrits par par Honobu Yonezawa, Shoshimin parvient à installer son propre ton, son propre style tout en gardant le charme de l’écriture de son créateur.

Cette suite n’y déroge pas et parachève même d’instaurer tout ce qui fait le charme de Shoshimin en tant que tel. Côté face, on perd le charme des mystères surgissant du quotidien en se prenant beaucoup trop la tête pour des choses très anodines, mais amusantes. Cela dit, c’est un changement qui s’amorçait déjà avec la fin de la première saison, donc cette évolution n’est pas si surprenante.

Côté face, on obtient une série de mystères définitivement haletante à sa manière. On multiple, raisonnablement, les personnages et on augmente l’ambition des enquêtes (et leur longueur, aussi, cette suite n’en proposant que deux). C’est plus sérieux, avec des enjeux plus dramatiques (davantage que « mais qui a piégé le gâteau avec de la moutarde ? ») et des relations plus tendues et mystérieuses dans les intentions de chacun.

Brillante idée, par exemple, de basculer durant un temps de point de vue principal, passant de Kobato à Urino, tête brulée du club de journalisme. C’est un basculement qui fait autant sens dans la situation des protagonistes à ce stade de l’histoire qu’un changement rafraîchissant tant le personnage n’a rien à voir avec son prédécesseur dans l’énergie qu’il renvoie. On continue d’avoir une fascinante Osanai, toujours petite, toujours gloutonne et toujours dangereusement terrifiante. Un personnage assez imprévisible et énigmatique pour se prendre beaucoup trop la tête sur ses réelles intentions.

La mise en scène reste superbe, sobre mais inventive pour exposer aussi bien les réflexions des protagonistes que leurs joutes verbales. Ça glisse sciemment des détails ici et là, suffisamment pour qu’on se prenne la tête en hypothèses. La série est toujours très bavarde, mais entre sa réalisation efficace et des dialogues brillamment écrits, ça passe tout seul. Je ne compte pas les fois où j’ai terminé un épisode en me disant « c’est déjà fini ?? ».

Quoique différente, cette seconde saison tient toutes ses promesses et même plus encore. Ce virage plus sérieux devient parfois un peu trop grave, mais c’est bien mon seul reproche à une suite qui conclut la création de son propre style narratif. Brillant dans sa construction, surprenant jusqu’au bout, le développement dont profitent Kobato et Osanai réussit à donner de la profondeur à des protagonistes restés bien mystérieux jusque là. Je le redis, mais la comparaison à Hyouka est particulièrement injuste sur les nombreuses différences que comptent finalement les deux séries. Il y a des gimmicks de l’auteur qui reviennent, mais au-delà chacun propose sa propre vision bien à elle.

Bref, c’était trop bien, immense coup de cœur. Donnez pleins de gâteaux à Osanai (car elle est rigolote et dangereuse)

Je vous laisse avec l’opening de ce second court basé sur le morceau Kaseijin de Yorushika et réalisé par Kyouhei Ishiguro. Un génial mélange de styles avec 100 idées à la seconde.

La Sorcière invincible tueuse de Slime depuis 300 ans – Saison 2

Suite d’un isekai/tranche de vie de 2021 que j’avais trouvé fortement sympathique, on prend les mêmes et on recommence. Il s’agit toujours de suivre la petite de la sorcière Azusa, réincarnée et devenue surpuissante à force de XP quotidiennement des slimes pendant 300 ans. Le titre est assez explicite là-dessus. Au fil du temps, de nouveaux personnages viennent se greffer à son quotidien de moins en moins calme mais toujours plus chaleureux.

Et…globalement cette saison 2 refait vraiment la même chose. C’est rigolo, assez bon enfant et le changement de staff se fait relativement peu sentir dans la qualité visuelle. Deux problèmes ressortent toutefois de cette suite, à commencer par sa capacité à se renouveler. Le récit continue de multiplier les nouveaux personnages secondaires d’une série au casting déjà fortement doté. C’est assez faible manière pour renouveler un récit, surtout quand tu peines derrière à donner de l’espace à tous ceux déjà présents (dans la bande « principale » j’entends) et que les nouvelles têtes ne sont vues qu’un seule épisode (si ce n’est moins). Difficile de leur donner un minimum d’épaisseur pour les rendre un peu mémorables.

En outre, j’ai trouvé certaines histoires un poil douteuses. En particulier toute le délire de mariage sororale, l’épisode où Sandra (le « vrai » nouveau personnage de la saison) grandit subitement ou encore la MC qui développe un étrange RP avec une déesse qu’elle appelle « maman ». Ce n’est pas forcément la foire au malaise, mais cela commence à toucher à des tropes plutôt douteux et, vu les autres écrits de l’auteur du LN d’origine, j’aurais plutôt tendance à rester méfiant. On n’est pas au point que la série devienne systématiquement un mauvais moment à passer non plus. C’est juste un peu moins enthousiasmant que sa bonne première saison, plus plat dans l’exploitation de son concept et prévisible, avec quelques irruptions de mauvais gouts.

ZatsuTabi -That’s Journey-

Dernière belle tranche de vie de la saison, ZatsuTabi joue à fond la carte du tourisme avec une protagoniste qui se balade un peu partout au Japon. Laissant le choix de ses destinations à la beauté du hasard (via des sondages d’un simili-Twitter), elle vagabonde seule ou accompagnée dans des lieux touristiques plus ou moins classiques (comme les fameuses « trois vues les plus célèbres du Japon » / « Nihon sankei »).

La série fait ainsi visiter un paquet d’endroits avec une précision impressionnante pour rendre fidèlement chaque environnement, de leurs atmosphères aux activités à faire sur place. On découvre les paysages locaux, certaines traditions associées et, évidement, une bonne part de la gastronomie du coin. L’anime n’est pas là pour calmer les pratiques de tourisme inspiré d’anime (le Seichi Junrei), l’incitant même au maximum en donnant clairement tous les détails nécessaires pour visiter les mêmes lieux que l’héroïne.

Niveau production, la principale qualité de l’anime tient en la maitrise de sa photographie qui fait souvent mouche pour émerveiller avec ses déambulations touristiques. L’immersion est entièrement réussie grâce à la qualité des décors, somptueux de réalisme et fourmillant de détails. Les ambiances sont également bien rendues, notamment dans la gestion de la lumière et de ses couleurs. Il y a la scène du premier lever de soleil à la fin de l’épisode 9 en exemple parfait, mais même sans elle, il n’était pas rare que la série me laisse bouche bée par sa capacité à présenter ses paysages sous leurs plus beaux jours.

Entre ces balades déjà bien sympathiques, la série étaye la vie de sa protagoniste avec d’autres personnages aux caractères bien marqués et démontrant de bonnes alchimies avec elles. Et de développer la vocation de l’héroïne à devenir mangaka professionnelle, chose pour laquelle elle est à la peine. Chaque voyage est ainsi l’occasion pour elle de se vider l’esprit, chercher l’inspiration ou simplement passer du bon temps avec son entourage dont on découvre aussi leurs propres peines et inquiétudes. Tout cela s’intègre naturellement dans le narratif touristique du titre et lui donne une épaisseur bienvenue. Enfin, il est bon de préciser que le cast est majoritairement adulte (hormis une ancienne camarade de l’héroïne qui est encore au lycée). C’est du détail, mais les tranches de vie avec un casting adulte restent suffisamment rares pour être soulignées et appréciées.

C’est tout pour ce looooong bilan où j’ai été très bavard (c’est mon blog je peux me le permettre ici donc j’en profite, hé). Place maintenant à la saison de l’été et ses belles promesses comme City ou Secrets of the Silent Witch. Comme pour l’hiver et le printemps, je tiendrai sûrement un thread de mes premières impressions une fois quelques épisodes passés. Le tout sera à retrouver sur mon compte Bluesky et mon compte Mastodon.

1. Je trouve d’ailleurs amusant que son nom ressemble à une syllabe près à celui de Makoto Kawai, la mangaka derrière Koufuku Graffiti, autre tranche de vie culinaire. ︎

Prépublié de 2014 à 2023, d’abord dans le magazine seinen Comic Birz puis sur son successeur web Comic Boost en 2018, Futaribeya est signé Yukiko, une autrice à la carrière très portée dans le yuri. C’est sa plus longue série à ce jour, ses autres travaux consistants majoritairement à des participations à des anthologies d’autres licences (comme celle de Whisper Me a Love Song) ou originales, comme la série des Yuri Drill ou le premier Syrup¹. Inédit en France, il faut se tourner vers l’édition américaine disponible chez TokyoPOP. Pour aller plus loin, son anthologie Cats and Sugar Bowls est aussi disponible chez l’éditeur américain Seven Seas Entertainment et regroupe une sympathique variété d’histoires courtes (même si parfois un peu étranges).

Dans Futaribeya, on suit simplement le quotidien de Kasumi et Sakurako, fraîchement devenues colocataires à leur entrée au lycée. La première est une gloutonne constamment à moitié endormie (mais travailleuse sérieuse), la seconde est une élève de génie doublée d’une fée du logis. Le duo s’acclimate rapidement l’une de l’autre, leurs personnalités se complémentant finalement assez bien. Au fil des chapitres, on les voit fréquenter d’autres personnages (camarades de classe, la responsable du pensionnat…) au travers d’un quotidien tout à fait banalement détendu.

Dire que tout est porté vers la détente serait un euphémisme, car l’histoire de Futaribeya n’existe réellement que dans ce but. Tout se passe avec une douceur assumée, se concentrant sur la petite vie domestique de Kasumi et Sakurako. À tel point que les séquences à l’école sont assez rares, malgré ses débuts comme de nombreuses tranches de vie lycéenne. Ici, ce qui compte, c’est la vie commune de ses personnages, à tel point que le manga évite un temps de nombreux tropes du genre (comme le festival culturel ou le voyage scolaire).

De toute façon, Yukiko semble vouloir tout mettre en place pour que cette colocation soit au cœur du récit. Déjà, parce que la possibilité de louer un studio pour aller au lycée est un concept qui me parais assez inédit, même dans la tranche de vie scolaire japonaise. Mais aussi puisque la relation du duo principal se fait d’elle-même, avec une simplicité déconcertante au début, mais qui devient rapidement une complicité simplement naturelle. Sakurako et Kasumi vivent ensemble, partageant ainsi leur quotidien et cela leur convient toutes les deux très bien de cette façon.

Puisque la série s’étale sur plusieurs années (à peu près huit, réparties sur 10 volumes), on peut apprécier de voir ses personnages grandir ensemble. Du lycée jusqu’à leur entrée dans la vie active, en passant par les années fac, le titre offre une progression appréciable à un rythme tout à fait convenable pour apprécier chaque période comme il faut. C’est assez réussi pour se permettre quelques rappels nostalgiques sur les derniers volumes, et apprécier l’évolution de ses protagonistes.

Sublimer le quotidien pour en apprécier sa simplicité, c’est le propre de l’iyashikei, et Futaribeya y parvient à merveille. Au point qu’il doit s’agir d’une de mes lectures mangas les plus apaisantes jusqu’à présent, même si forcement c’est un ressenti très personnel. Il y a un plaisir immense à juste suivre le quotidien de deux personnages appréciant simplement la compagnie de l’autre, ce dans le confort de leur foyer. Comme beaucoup d’autres du genre, le manga s’apprécie surtout en le grignotant chapitre par chapitre (comme je peux le faire avec Minuscule).

Une inquiétude que j’ai eu au départ de ma lecture était que Futaribeya soit de ces titres à faire du « queerbaiting » (ou « yuribaiting », ici). C’est-à-dire agiter la possibilité d’une relation lesbienne – dans son cas – sans jamais la concrétiser. Et…techniquement c’est que le manga fait, mais c’est plus compliqué que ça. Déjà, parce que le sujet du queerbaiting est suffisamment complexe pour être traité plus en détails autre part (et aussi parce qu’on est là pour parler fluff sans se prendre la tête). Mais aussi parce que penser que Futaribeya en fait serait une pure erreur.

Je ne sais même pas si la façon qu’a le manga de caractériser la relation entre Sakurako et Kasumi peut être qualifiée de sous-texte tant c’est fait avec une absence de subtilité qui s’assume de plus en plus au fil des tomes. À force, il y a même une relation assez amusante qui s’établit entre le lecteur et le récit. Comme si les deux se regardaient droit dans les yeux, sans rien dire, mais induisant parfaitement que chacun s’est compris. Puis, la présence d’autres couples lesbiens – explicitement présentés comme tels – et d’un personnage bisexuel plus tard dans le récit tend à penser que c’est un traitement surtout réservé aux protagonistes.

S’il faut, le manga va plutôt interroger la nature d’une relation, la difficulté à poser un mot sur quelque chose de finalement assez complexe, notamment avec les personnes dont on est le plus proche. Mais, aussi, se demander s’il est réellement nécessaire de le faire ? Plus que mettre des mots sur des liens, Futaribeya met en scène des personnages cherchant à se trouver une place qui leur conviendra dans ce monde. Le couple Moka/Koruri m’a paru très intéressant là-dessus, parsemé par les incertitudes de l’avenir et la peur de la lassitude.

Ces interrogations surviennent tardivement et servent essentiellement de finalité narrative au récit. Le couple principal offre toutefois un carcan particulièrement pertinent à ce type de réflexion. Elles, dont la complicité fut instantanément naturelle, n’ont jamais ressenti le besoin d’étiqueter leur relation. Mais, est-ce même nécessaire ? Sans la dévoiler, je trouve la réponse finale – et la manière dont elle est amenée – assez satisfaisante, tout en étant très « Futaribeya-esque » dans l’esprit.

Si jamais la question de « labeliser ses relations » est un sujet qui vous intéresse, sachez qu’elles sont au cœur de l’excellent manga Vies d’ensemble disponible chez Naban (son troisième tome sort ce jour même !). L’année dernière, je lui avais même adressé une découverte sur IGN. Avec là encore une histoire de colocataires qui ignorent exactement comment décrire leur relation, tout en se demandant s’il est vraiment nécessaire de se prendre la tête pour ça.

Quelques mots sur le dessin, même si les images illustrant cet article doivent parler d’elles-mêmes. Le style de Yukiko est très orienté « moe », ou mignon si vous préférez, ce qui est plutôt logique pour un iyashikei de ce type. La majorité des chapitres étant en 4-koma, les personnages sont très souvent représentés sous formes de chibi assez mignonnes. L’édition reliée inclue des chapitres « bonus » non numérotés, avec un découpage plus classique, et se réservent généralement les moments les plus touchants du manga. L’autrice surprend plus d’une fois par sa capacité à y saisir des moments d’une grande sensibilité avec une beauté rare. Si le manga s’apprécie principalement pour son fluff, la douce mélancolie de ces passages-là apporte une agréable consistance supplémentaire à l’histoire.

Le fluff, c’est chouette. Mais avec un peu de mélancolie, c’est pas mal aussi. Futaribeya semble avoir trouvé un parfait équilibre entre les deux. Une belle lecture de réconfort où suivre ses personnages dans leur quotidien, et leur évolution, devient un plaisir incroyable. Il y a de belles réflexions sur la conception d’une relation à prendre en toile de fond, mais le cœur reste la tranquillité. C’est bien là où excelle Sakurako et Kasumi, vivant tranquillement dans leur petit cocon à elles. En colocation ? Bien sûr. Amoureuses ? Certainement. Heureuses ? Sans le moindre doute.

1. Série d’anthologies que je recommande vraiment pas d’ailleurs, surtout que le chapitre de Yukiko se retrouve aussi dans sa propre anthologie Cats and Sugar Bowls ︎

Cette année, j’ai développé un certain intérêt pour les œuvres de Kuzushiro. Il y a évidemment son manga phare, The Moon on a Rainy Night que j’ai déjà largement évoqué, que ce soit ici sur le blog ou chez IGN. Et j’espère d’ailleurs que son futur anime lui donnera la mise en avant qu’il mérite. Il y a également Ici, on a toujours une raison de sourire, dont la parution semble plus confidentielle. Le ton et les sujets changent, mais le coup de cœur persiste pour cette tranche de vie instructive et chaleureuse, au nom – certes à rallonge¹ – tout à fait adéquat.

Prenant cette fois pour thème la création de manga, Kuzushiro nous plonge dans le quotidien de Nana Futami, une mangaka shojo, et de son assistante Hazama Mizuki. C’est par le biais de la jeune carrière de sa protagoniste qu’est mis en scène différentes étapes de production d’un manga, des réunions éditoriales à la conception de la couverture. Tout cela s’intègre de manière assez organique dans un récit davantage porté sur la tranche de vie, avec un fort accent sur la comédie. Le titre n’est ainsi pas aussi didactique qu’un Kakushigoto, que je lis en parallèle, mais reste assez explicatif sur certaines phases créatives et processus éditoriaux.

Il y a donc de quoi être agréablement renseigné par ce que le manga choisit de montrer, surtout qu’il ne se cantonne pas aux aspects les plus matérialistes. Il met de belles emphases sur l’aspect émotionnel de la création, avec certes les angoisses et paniques de sa protagoniste mangaka, mais aussi dans ce que la démarche peut avoir d’épanouissante et d’impulsive. Je suis notamment très curieux de voir ce qu’il sera fait du personnage de l’assistante, Hazama, qui semble avoir abandonné ses ambitions de mangaka, mais dont la frustration semble pourtant toujours présente.

Surtout, c’est l’atmosphère du manga que je préfère. C’est le genre de titre franchement chaleureux qui t’assure de passer un bon moment durant sa lecture. La bienveillance de l’autrice pour ses personnages est omniprésente, même si le titre s’amuse beaucoup (mais gentiment) de la bêtise de sa protagoniste. Elle est tout aussi souvent encouragée et acclamée, faisant que le manga n’est jamais mesquin non plus avec elle. S’il met beaucoup en avant les inquiétudes, déceptions et angoisses liées à la création, il affiche davantage un soutien encourageant pour surmonter ces difficultés.

Puis, il y a les excellentes dynamiques entre les personnages. Elles apportent de la vie au récit en le crédibilisant, avec un bon équilibre entre extravagance de son casting et des attitudes plutôt réalistes. Par exemple, Futami est une héroïne socialement maladroite, mais se remarque comme une mangaka talentueuse et professionnellement responsable avec son entourage. Ses échanges avec son assistante respirent le naturel et, dans l’ensemble, le titre sait proposer une belle variété dans les façons d’interagir de son casting relativement large.

Un point à soulever toutefois, c’est que Ici, on a toujours une raison de sourire a beau faire partie de la collection Yuri de Meian, cet aspect reste encore très discret après quatre tomes. Il y a bien quelques pistes d’évolution dans ce sens qui se démarquent, mais cela ne propose absolument rien de concret pour l’instant. Le manga comptant déjà onze volumes au Japon, nuls doutes que cela peut évoluer par la suite. Simplement que, pour l’instant, ce n’est pas la série la plus riche en romances lesbiennes de la collection.

S’il est assez facile de passer à côté de Ici, on a toujours une raison de sourire, j’espère que cette petite mise en avant aura donné envie à certains de l’essayer ! À noter que lui aussi aura droit à un anime à l’avenir, sans plus d’informations, donc difficile d’estimer quoi en attendre. En attendant, s’il vous faut une lecture pour vous réchauffer le cœur en cette fin d’année, voilà un titre à sérieusement envisager.

1. Surtout je chipote, mais le titre VF est surtout une adaptation assez littérale du titre japonais Egao no Taenai Shokuba Desu. S’il me semble un peu trop verbeux, il a le mérite de rester cohérent. ︎

Cet article existe par ma faiblesse aux bonnes occasions sur Vinted. Mais aussi parce que, des fois, il suffit de me dire que la protagoniste d’un manga est une otaku fana de yuri pour me convaincre de lire un titre. La vie peut être simple et imprévisible. Avec Still Sick, j’ai effectivement eu droit à une otaku de protagoniste à fond sur ses doujins. Mais aussi à une romance adulte touchante et légère, sur fond de crise créative d’une mangaka en perdition.

L’entame de Still Sick est plutôt amusante. Makoto Shimizu, une cheffe d’équipe sérieuse et admirée en R&D, dessine en secret des doujins yuri qu’elle vend ensuite en convention. Et c’est justement à l’une d’entre elles qu’elle est reconnue par Akane Maekawa, une collègue, qui ne va pas se priver pour développer un intérêt soudain aux mangas amateurs de Shimizu. Si l’on est d’abord face à une relation amatrice/néophyte assez rigolote, on sent rapidement que Maekawa cache les réelles intentions de cette nouvelle fascination.

Avoir un cast adulte pour un yuri, en France, cela reste plutôt rare. La vie de bureau des protagonistes change un peu du classique cadre lycéen, et voir des tracas plus adultes – bref, de personnages de mon âge – est plutôt appréciable. En outre, j’ai bien aimé la façon dont est dépeinte avec tendresse et amusement la passion de Shimizu pour le yuri et la création de doujins. Son enthousiasme débordant est assez communicatif, avec certaines vannes qui marchent plutôt bien sur la façon dont un fan de yuri peut être à fond sur certains ships pour bien peu de choses, par exemple.

Dans l’ensemble, la série est même assez drôle. La dynamique entre les deux protagonistes marche particulièrement bien, surtout une fois que Maekawa se dévoile davantage. Le switch entre sa version scintillante et sa personnalité réelle, davantage blasée, est particulièrement drôle. Ses taquineries envers Shimizu marchent aussi très bien, notamment parce que les réactions paniquées de celle-ci sont hilarantes.

Le manga a aussi ses moments plus dramatiques avec quelques sujets plus lourds (anxiété créative, homophobie intériorisée…), mais il conserve une atmosphère légère grâce à sa comédie. On garde le sourire au terme de sa lecture. Le dessin d’Akashi, caractérisé par un style épuré mais très expressif, participe à cette impression en conférant à son manga un ton indéniablement nonchalant et chaleureux.

Si la création amateure est un sujet très présent au début, cela s’estompe assez rapidement une fois que le passé de Maekawa ressurgit. Il ne faut donc pas s’attendre à une plongée en profondeur dans ce milieu, mais cela reste un thème de fond qui participe à la réflexion sur le rapport à la création menée par l’œuvre. Elle nous en montre suffisamment pour que l’on comprenne bien le plaisir simple de Shimizu de se consacrer à ce loisir sans vouloir poursuivre dans une voie professionnelle.

Toutefois, Still Sick utilise justement la création amateur pour mettre en exergue les frustrations de Maekawa, issue elle de la sphère professionnelle. Enlisée dans un vide créatif depuis longtemps, voir l’épanouissement de Shimizu avec ses doujins va être source d’agacements, mais surtout une lumière à suivre pour retrouver la foi en son aspiration de créer. Ce n’est qu’une étape du voyage, cela dit, et le manga fait bien l’emphase sur toutes les embuches qu’il lui reste à surmonter pour reprendre convenablement son art. Les doutes sur ses propres capacités, la difficulté à créer quelque chose de personnel, l’isolement et la fatigue mentale, autant d’obstacles à surmonter et illustrant parfaitement l’enfer que peut être la quête de la création.

À tout ceci se greffe tout de même une histoire d’amour rondement menée. Son évolution, si elle peut sembler un poil rapide – on reste sur une série en trois tomes après tout –, permet de profiter de tout un tas d’étapes dans la construction de cette relation. Les doutes amoureux, alimentés par des conflits intérieurs (et une touche d’homophobie intériorisée pour l’une des protagonistes), ont suffisamment de place pour être exprimés clairement. Il y a notamment un joli focus sur le soutien de l’une envers l’autre, et d’une manière de faire pas toujours évidente (comment Shimizu peut aider Maekawa sur son manga, quand celle-ci est bien plus talentueuse qu’elle ?).

Dans les détails, j’ai aussi pas mal aimé l’histoire bonus du tome 2, où Shimizu partage une anecdote sur une cliente liseuse de yuri de quand elle travaillait en librairie. Sa tournure est assez évidente, mais franchement mignonne, sur la manière dont la fiction peut aider à se construire et à s’accepter comme individu. Enfin, il y a le one-shot Still Life, publié trois ans après la fin de la série, proposant un bel épilogue à celle-ci.

Finalement assez dense, tout en restant très juste, dans son écriture, Still Sick est vraiment une très chouette lecture. Que ce soit pour son histoire d’amour ou sa quête du plaisir créatif, le manga maitrise plutôt bien tout ce qu’il raconte. Il ne perd pourtant pas en légèreté et se laisse dévorer avec plaisir en un rien de temps. Créer et aimer sont deux choses bien plus liées qu’on ne pourrait le penser, et surtout rarement simples. Still Sick s’est montré particulièrement pertinent pour le rappeler et l’illustrer.

• Image de une : illustration d’Akashi pour noël 2020

Je suppose que ça se remarque à mes lectures de prédilection, mais j’adore le fluff. Les histoires faites de tendresse et de douceur. Pas nécessairement dénuées de moments dramatiques, mais qui sont parfaitement contrebalancés par les liens chaleureux de ses personnages. C’est dans cette optique que je m’étais mis de côté I Can’t Say No to the Lonely Girl, un titre dont j’avais eu vent comme étant particulièrement réconfortant.

Une douceur qui demande d’avancer d’abord à tâtons et de lui faire confiance, puisque son entame est plutôt suspicieuse. Il faut dire que son intrigue n’est pas fondée sur le plus sain des tropes. Sa protagoniste, Ayaka, doit s’assurer que sa camarade Sora vienne correctement en cours si elle veut obtenir une recommandation pour l’université de son choix. En face, Sora, consciente d’être employée dans un stratagème intéressé, accepte de s’y tenir à la condition que sa camarade accède chaque jour à une requête de sa part. Bref, je ne sais pas vous, mais moi, j’appelle ça de la manipulation ou du chantage, même si tout le monde utilise un peu tout le monde dans ce contexte.

Heureusement, cette base sert principalement de prétexte à l’intrigue et s’étiole rapidement. Petit à petit, les deux adolescentes se rapprochent et font planer un fond de sincérité dans leur relation artificielle. Déroulement classique qui permet toutefois de sortir assez vite de tout schéma manipulateur pour profiter plutôt d’une relation de confiance et de soutien mutuel tendre et honnête. Ayaka a ainsi tout de la bonne élève sérieuse et gentille, mais se retrouve accablée par l’anxiété sous la pression. Sora cache un profil assez évident de personne en manque cruel d’affection, et que si le procédé de requêtes est perçu comme mesquin, voire « sale », c’est parce que son estime d’elle-même est aussi faible.

Le récit retranscrit à merveille la progression de cette relation avec des élans de sincérité admirables. Il devient alors très plaisant de voir comment chacune aide l’autre à devenir une meilleure version d’elle-même. En matière de romance lycéenne, I Can’t Say No to the Lonely Girl ne réinvente rien, mais fait tout particulièrement bien. Le seul reproche sérieux que je ferai à l’écriture est un certain déséquilibre dans son histoire, avec un semblant de climax vers le tome 4 qui n’est jamais vraiment égalé par la suite.

Du détail, cela dit, surtout au regard de ce que nous permet d’apprécier cette longueur. On profite assez bien de la romance principale, avec un traitement suffisamment complet pour ne pas terminer sur des notes frustrantes. Si l’on passe ainsi par des inquiétudes assez classiques, comme l’avenir d’une relation après le lycée, le titre inclut également certaines problématiques propres aux relations lesbiennes (comme la difficulté de l’annoncer à des proches). À noter l’existence de deux one-shot complémentaires au manga, Marking et Kekkyoku Sonna Kimi Ga Suki. Ce dernier se concentrant sur une romance (un peu trop) secondaire à mon goût, ce qui permet d’en profiter davantage.

Puis il y a tout l’enrobage du titre qui rend l’expérience si douce. Souvent très wholesome dans son approche, I Can’t Say No to the Lonely Girl réconforte ses personnages, mais aussi ses lecteur•ices. Le dessin de Kashikaze ne manque pas de charme non plus, son style joliment épuré faisant une belle emphase sur l’expressivité et la tendresse de ses personnages. Elle est aussi très douée pour traduire les moments de tendresse entre ses héroïnes par son découpage, avec une certaine justesse dans le rythme des cases. Enfin, le titre garde un ton léger avec un humour simple, mais redoutable pour gratifier la lecture d’un immense sourire à la fin de chaque volume.

Du sucre, du sucre et encore du sucre. Ajoutez-y un peu de sucre, et vous obtenez la recette de I Can’t Say No to the Lonely Girl. Il y a bien des poncifs d’écriture rendant le récit un peu passe-partout en apparence (on passe notamment par bien des évènements classiques d’une tranche de vie lycéenne, comme le festival sportif, le voyage scolaire…). Mais le tout est exécuté avec suffisamment de justesse et de talent pour tout de même se démarquer dans les romances lycéennes yuri (et même romcom en général). Et d’offrir, en bout de course, une sacrée lecture tendre et agréable (et dont le conformisme renforce l’aspect réconfortant). À garder pour les périodes moroses, ou simplement pour se délecter à l’excès d’une relation adorable !

On est toujours sur l’histoire de Bocchi, cette lycéenne asociale cherchant désespérément à rejoindre un groupe de rock, finissant par être embrigadée dans celui de Nijika, « Les Attaches » (ou Kessoku Band en VO). Suivent alors des intrigues mêlant une tranche de vie lycéenne relativement classique vue par une anxieuse sociale et de la vie du groupe, en quête de succès.

Les deux films recoupent l’intégralité de la série, le premier couvrant les huit premiers épisodes et le second les quatre derniers, donc. Au visionnage, on ne ressent pas de déséquilibre particulier et les deux parviennent à tenir leur histoire de manière satisfaisante. Évidemment, le premier film doit faire avec de sérieuses coupes pour rentrer dans ses temps. Et s’il évite d’être précipité, j’ai tout de même regretté certaines pertes, notamment le moment où Nijika et Kita vont chez Bocchi (et finissent par mourir, tristesse). Mais tout cela permet au moins d’adresser la meilleure scène pour conclure ce film : le title drop de Nijika.

Pour le second, c’est mathématiquement plus simple. Avec juste quatre épisodes, le long-métrage n’a pas à spécialement se presser et permet même de profiter un poil plus du festival du lycée en compagnie des Attaches. Je n’ai en tout cas pas remarqué de coupes notables, et ai plutôt apprécié voir toutes les séquences que j’espérais voir (notamment le légendaire passage de Kita rendant une omelette surgelée délicieuse).

Chaque récap comporte quelques séquences supplémentaires par rapport à la série télévisée, mais cela reste assez discret. J’en ai relevé seulement 2-3 sur l’ensemble, dont un court passage de Kita rassurant Bocchi avant leur concert au festival (vraiment la supportive girlfriend qu’elle est). Je ne serais pas surpris que la majorité soit directement réalisée par Kerorira, le character designer et directeur de l’animation en chef sur l’anime, tant son style se remarque dans ces cuts. L’occasion de se dire que si une saison 2 doit finir par voir le jour, il pourrait très certainement succéder à Keiichirou Saitou comme réalisateur, ce dernier étant actuellement toujours bien occupé par l’adaptation de Frieren. Bref, ce sont juste des conjonctures supposées, surtout portées par mon envie de voir une saison 2 se concrétiser, mais le tout est d’être patient avant tout. Au final, le gros du contenu inédit se trouve dans leurs openings dédiés, dans lesquels on découvre notamment l’aspiration sportive de Kita dont le talent au basket-ball n’a rien à envier à LEBRON JAMES².

Tout ça est bon à savoir, mais concrètement, que valent les films en eux-mêmes ? Eh bien, ils sont aussi cool que l’était la série. Mon avis sur celle-ci n’a pas changé depuis 2022, si ce n’est positivement. Ces films proposent globalement la même chose, avec quelques différences au montage, donc autant ne pas perdre du temps à se répéter.

Je ne suis pourtant pas un grand fan de ces recompilations cinématographiques de séries que j’ai déjà vues. Le fait qu’il s’agisse d’un contenu plutôt difficile d’accès en France, même si cela a tendance à se démocratiser, comme le montre ceux de Bocchi the Rock, a vite fait de me décourager. Mais, surtout, l’idée de revoir quelque chose que je connais déjà dans un format légèrement différent ne m’emballe pas plus que ça. Sans y être réfractaire, ce ne sont pas des expériences que je vais prestement chercher.

En écrivant cet article, je m’aperçois que j’en ai vu encore moins que je ne l’aurais cru : dix (en incluant ceux de Bocchi the Rock). Un faible nombre, pour des expériences contrastées. Oublions ceux de Puella Magi Madoka Magica, vus il y a quasi dix ans et dont je n’ai plus aucun souvenir. Mes souvenirs sont aussi vagues pour les deux recaps de Made in Abyss, si ce n’est que le second conservait toute la charge émotionnelle du récit. Ceux de Gurren Lagann m’ont davantage marqué, alors que je les ai vus en amont. Et pour cause, ces deux films comportent de nombreuses séquences, refaites pour l’occasion, avec notamment des combats finaux entièrement remaniés. L’expérience est semblable à la série TV, mais amplifiée par son passage sur grand écran (je dis ça alors que je les ai regardés sur l’écran de mon ordi portable de l’époque, bref…).

Enfin, les films de Sound!Euphonium sont mon expérience la plus récente avec du récapitulatif et dont je parle ici et là. Avec un bilan franchement négatif. Le premier, couvrant la saison 1 ? Un pur échec narratif dont les nombreuses coupures ont vidé son histoire de toute sa sensibilité, rendant un film froid où rien ne transparaît naturellement.

Le second s’en sort davantage pour résumer l’histoire de la saison 2, ou presque, puisqu’il y parvient en se concentrant uniquement sur la relation entre Kumiko et Asuka. Toute l’histoire avec Mizore et Nozomi ? Ça passe à la trappe. Des expériences très mitigées, et ce malgré le travail certain du staff pour porter ces films récaps, notamment avec un redoublage intégral (mais pas toujours bienvenue, surtout quand on est attaché aux Kumiko-noises).

Ces critiques se valent selon ce que l’on attend de ces formats. Naïvement, dans le cas de Hibike, je les voyais plutôt comme une manière adéquate de revoir la série dans un format condensé. C’était dans cette optique que je les ai vus en début d’année, en prévision de sa saison 3 à venir, et j’ai fortement déchanté. Certes, cela dépend du matériau de base, du format d’adaptation (le premier film de Hibike condense 13 épisodes, ceux de Bocchi c’est « seulement » 8 épisodes puis 4 à résumer) et de l’habileté du montage à conserver au mieux l’essence du récit. Bref, les risques d’y perdre beaucoup en sensibilité, ou même en détail faisant vivre une œuvre (la relation Kumiko-Reina y perd beaucoup dans son premier film), sont élevés. Pour revivre sur une soirée une série que l’on aime bien, cela passe encore (avec quelques concessions). Mais pour la découvrir ? C’est tout simplement impensable.

Mais alors, quel intérêt ? Outre l’aspect financier pour les producteurs qui est évident (gagner beaucoup d’argent juste en recyclant du contenu déjà produit, quelle brillante idée capitaliste), pour les spectateurs, il est juste dans le plaisir de l’expérience. Spécifiquement dans celle que seul une salle de cinéma peut procurer par ses spécificités matérielles (l’occasion de rappeler que les cinémas sont un des derniers lieux de collectivisation de moyens techniques). Il ne s’agit donc pas d’uniquement revoir une œuvre que l’on aime, mais bien de la revoir au cinéma.

Avec cette idée et au regard de mes expériences passées, j’ai réellement vécu mon premier film récapitulatif avec ceux de Bocchi. C’est la première fois que j’en voyais au cinéma, leur contexte de diffusion d’origine. Alors que les voir sur une télévision ou un ordinateur ne change pas grand-chose par rapport à l’expérience de base d’un anime. Résultat, si je m’attendais à passer une bonne soirée en revoyant une œuvre que j’aime, je ne m’attendais pas à passer une si bonne soirée. J’avais tellement le sourire en ressortant, c’était scandaleux.

Il y a d’autres éléments inhérents au cinéma et à cette soirée qui ont participé à ce sentiment, comme les rires du public composé d’une majorité de fans de la série. Une sensation de partager un bon moment (alors que j’étais venu seul, en bon fan de Bocchi) particulièrement plaisante. Ah, et j’ai dit que juste voir les Attaches sur grand écran, c’était le pied, surtout durant leurs concerts ? C’est fou ce que ça change une grande toile blanche.

Donc, ouais, les films récapitulatifs ne servent pas à grand-chose, si ce n’est se faire kiffer en tant que fan au cinéma. D’un point de vue créatif, c’est souvent pauvre, quand ce n’est pas le néant. Mais si cela permet de profiter d’une série que l’on apprécie à moindres frais, notamment humains, sur grand écran, alors c’est peut-être déjà pas si mal.

Quel plaisir, alors, ces films récapitulatifs de Bocchi the Rock. Un merveilleux moment à vivre pour bien peu de choses. Aboutissant à ce retour d’expérience enthousiaste qui s’est transformé inopinément en réflexion involontaire sur le format du film recap. La spontanéité de la chose laisse sans doute des angles morts à la réflexion, mais globalement l’idée est là : les cinémas, c’est cool, Bocchi the Rock aussi.

Maintenant nous allons passer à la seconde partie de cet article dans laquelle je vais vous parler du second film et pourquoi il est explicitement monté comme un « BoKita Love Story » car dans celui-ci Bocchi et Kita sont clairement présentées comme-

1. Famille de magazines dans laquelle sont prépubliés des mangas comme Is the Order a Rabbit?, Stardust Telepath ou, justement, Bocchi the Rock ︎ ︎
2. Mon correcteur auto a mis de lui-même son nom en majuscule donc je suppose que c’est la bonne façon de l’écrire ︎

Si c’est encore balbutiant, Love Live! School Idol Project est déjà une série fondatrice pour la franchise. On y retrouve de nombreux éléments qui vont être au cœur de ses itérations successives, de structures narratives à tropes de personnages. Et, notamment, cette base scénaristique de lycéennes cherchant à sauver leur école de la fermeture en remportant le Love Live, une compétition d’idoles où la victoire promouvrait leur établissement. Un sacré programme servant avant tout de prétexte à l’intrigue, même si Sunshine va davantage s’en emparer dans le développement de ses personnages. Avant d’être progressivement abandonné dans Superstar où il est rapidement résolu, et Nijigasaki qui ne s’en encombre même pas.

Le cœur de la série se trouve plutôt dans son groupe de personnages et la manière dont ils vont parvenir à se retrouver dans cet objectif commun de la victoire au Love Live. Une démarche à laquelle parvient moyennement l’anime, en survolant la manière dont certains personnages rejoignent le groupe (comme Umi et Kotori qui suivent juste Honoka dans son délire). D’autres bénéficient de davantage de développement, mais la franchise témoigne d’un sérieux problème à concilier ses séquences dramatiques à son ton habituellement plus comique.

Il y a toutefois de bonnes choses à prendre, comme Nico qui se révèle bien moins agaçante que pouvait me le suggérer internet en 2013. L’épisode sur Rin, aussi, est un grand moment sur l’appréciation de soi. Et me permet de comprendre avec évidence pourquoi une partie du fandom s’est réapproprié le personnage en icône trans. Même l’histoire de Nozomi, dont on se serait bien passé de son gimmick de harcèlement sexuel bien ancré dans son époque, sait être touchante malgré sa simplicité.

Dans l’ensemble, le groupe est sympathique mais prend du temps à se forger une véritable identité. La faute à une première saison tristement fade, autant sur les enjeux dramatiques que dans la caractérisation comique de ses personnages, bien trop faible. Heureusement, la seconde rattrape en partie ce défaut en se voulant plus loufoque et tente quelques dynamiques certes hasardeuses, mais qui apporte au moins de la vie au récit. Ce n’est pas encore excellent, mais en dehors de quelques passages dramatiques tristement lourds (le conflit entre Kotori et Honoka sur la fin n’a rien de bien passionnant…), j’ai passé clairement un meilleur moment dessus que sur la première.

Pour parler encore un peu des relations, parlons shipping, puisque c’est un des plaisirs de la série. Et parce que j’ai été plutôt surpris de la faiblesse de Nico/Maki, ship pourtant ultra-populaire dans la communauté. Si je vois bien son immense potentiel de shipping, sa présence dans la série est finalement très mineure, surtout au regard de ce que va proposer la franchise par la suite. À l’inverse, je ne m’attendais pas à autant apprécier l’alchimie entre Nozomi et Eli, très tendre et ressort comme le ship évident de l’anime, avec Hanayo et Rin ¹.

Sans être une expérience désagréable, la découverte de ce premier Love Live n’est pas non plus éblouissante. Au moins, elle me permet de mieux comprendre certains écueils que j’avais avec la seconde saison de Superstar, qui partagent le même duo réalisateur/scénariste. Mais ça reste une première base essentielle à la franchise, ce qui se confirme par l’excellence de son successeur, Sunshine. Et il me reste encore un film (et un OAV) pour réellement boucler l’expérience µ’s (le nom du groupe) (ça se dit Muse) (oui comme le groupe de rock). Un final qui apportera peut-être ce qu’il manquait de maitrise à cette génération pour s’imposer au-delà du seul mérite d’être la première.

1. Qui est censé être le premier – et à l’heure actuelle – seule couple lesbien canon de la franchise vu le dénouement d’un manga officiel de la licence. On va investiguer tout ça prochainement !! ︎

Sur l’aspect historique, l’autrice est déjà d’une rigueur admirable. Chaque planche fourmille de détails pour nous immerger dans cette époque de grands changements par l’industrialisation de l’Angleterre. Que ce soit dans les décors, les tenues vestimentaires et autres objets, on sent le profond travail de recherches fourni par l’autrice en amont. Elle en parle régulièrement en postface, d’ailleurs, avec d’amusantes anecdotes (comme son envie régulière de dessiner des soubrettes et de jolies femmes, par exemple).

Le dessin est évidemment à tomber par terre, mais c’est surtout la manière d’utiliser cette forte minutie qui rend l’œuvre si excellente sur ce point. Le récit se concentre régulièrement sur les habitudes de vie de cette époque, avec des chapitres entiers souvent consacrés à un sujet en particulier. Cela va du ménage dans une demeure victorienne, comme une soirée à l’opéra, ou un pique-nique entre nobles. Je ne vais pas m’avancer sur l’exactitude historique du récit pour autant, n’étant pas expert du sujet. Pour autant, le tout parvient à rester crédible et semble mélanger de manière équilibrée véracité historique et réinterprétation fantasmée de l’époque.

Si on connaît son travail sur Bride Stories, c’est un constat guère surprenant. Par rapport à son autre série culte, on peut toutefois souligner qu’Emma donne davantage de poids à son fil rouge, là où Bride Stories a davantage d’histoires indépendantes et issues du quotidien de ses personnages. Ici, la dimension dramatique est clairement plus appuyée, même si l’intrigue s’oublie régulièrement pour des chapitres entièrement consacrés à l’aspect historique.

Cette histoire prend ses fondements dans une formule tout à fait classique de la romance impossible entre deux personnes issues de classes sociales radicalement opposées. Simple mais efficace, j’ai néanmoins eu du mal avec sa banalité durant le premier volume qui m’avait alors un peu déçu. Heureusement, la suite rattrape ce mauvais départ, notamment car l’écriture parvient à nous captiver pour ses nombreux personnages. Que ce soit par attachement pour leur histoire ou leur personnalité, ou simplement leur charisme, difficile de trouver qui que ce soit d’ennuyeux. Parmi mes préférés, je citerais Hakim et son stoïcisme impétueux, la maladroite mais attachante Tasha et Dorothéa avec son élégance affirmée.

Ma seule frustration vient toutefois de cette histoire dont on nous prive du dénouement final. Si le premier volume m’avait paru fade, la suite monte rapidement crescendo dans l’intensité et les enjeux dramatiques d’ampleur. De belles promesses pour la suite, mais tout s’arrête brutalement au tome 7 alors qu’on semblait approcher du climax du récit. Et, par arrêt, j’entends quelque chose de littéral : la fin du tome est indiqué comme la « fin » de l’histoire de ses protagonistes, et les trois suivants contiennent des histoires dérivées sur d’autres personnages. Des histoires très bonnes, là encore, avec un aspect anthologie particulièrement réussi. Mais sur le coup, à la lecture, c’était perturbant de subir un arrêt si soudain alors que, bah, j’étais à fond dedans sur le moment.

Cet aspect mis à part, qui me parait bon à savoir en amont de la lecture pour s’épargner d’être aussi déstabilisé que moi, on reste évidemment sur un excellent titre. Une découverte absolument formidable d’un récit historique d’exception au fondement d’une autrice merveilleusement talentueuse. Et dont je dois désormais reprendre ma quête de mes tomes manquants de Bride Stories, tout aussi recommandable que son récit victorien !

1. Une ancienne édition était parue originellement chez Kurokawa (c’est avec celle-ci que j’ai lu le titre). Et cet article est illustré par l’édition anglaise disponible chez Yen Press ︎

Avec Doughnuts Under a Crescent Moon, l’autrice vient encore interroger la nature de ce sentiment au travers d’une héroïne qui ne parvient pas à le cerner. Hinako Uno met pourtant toute sa bonne volonté pour se trouver un partenaire en multipliant les rencontres et les rencards. Mais rien n’y fait, et son incapacité à ressentir de l’amour, ni même de l’attirance, lui suscite un profond dégout d’elle-même. Et, un soir où elle était accablée par sa situation, elle croise par hasard sa collègue de bureau Asahi Sato, accompagnée d’une boite de donuts. Une rencontre inopinée qui va rapprocher les deux jeunes femmes via une amitié profonde, si ce n’est plus.

En seulement quatre tomes, Shio Usui nous fait passer par bien des émotions en compagnie de ses deux héroïnes. La solitude et le mal-être de Hinako sont particulièrement touchants. Il y a son malaise à devoir décliner en boucle des hommes tout à fait respectables, mais dont elle est simplement incapable d’éprouver la moindre attirance. La pression sociale, également, est transcrite ici dans ce qu’elle a de plus passivement lourde. Ses amies et ses collègues, sa famille, des connaissances ne lui font pas de cadeau sans le savoir.

Le titre n’est pas très drôle, mais possède tout de même cette légèreté touchante de personnage en galère qui font de leur mieux pour améliorer leur vie. Cela inclut une meilleure compréhension et acceptation de soi, même si cela n’est pas toujours bien compris par notre entourage. La relation houleuse de Hinako avec sa mère est, par ailleurs, une excellente représentation de ce genre de difficulté. Le manga parvient à brasser de manière assez complète de nombreux sujets purement féminins et queers, jusqu’à toucher du doigt la question de l’asexualité.

Le récit est accompagné des pensées des personnages venant documenter leurs réflexions. Un aspect introspectif qui permet de bien saisir les émotions et les tourments qui les traversent dans leur quête personnelle. J’ai pu plutôt bien me retrouver dans le personnage de Hinako, de ce fait. Et, si c’est probablement pour cette raison que je parle surtout d’elle, sa collègue Asahi traverse aussi ses propres tracas existentiels.

Tout cela est bien ambitieux et pourtant, l’autrice le raconte avec une lucidité admirable. Elle parvient à intégrer le tout dans une tranche de vie somme toute classique sur la forme, mais – vous l’aurez compris – passionnante dans le fond. J’apprécie beaucoup l’énergie ultra-positive de la petite sœur d’Asahi sans que le manga aurait été franchement plus terne sans elle. Visuellement, le manga est certes modeste dans le dessin (je trouve notamment l’autrice un peu limitée dans ses chara design), mais il y a une vraie force émotionnelle dans la mise en page pour transcrire le mal-être de ses personnages.

Une bien belle lecture dont on ne peut accéder qu’à l’édition américaine pour le moment. Mais, puisque Meian sort déjà un autre manga de l’autrice, et vu les thématiques, j’ai plutôt bon espoir de voir un éditeur français nous l’amener dans les années à venir. En attendant, je me joins à la recommandation initiale en vous souhaitant de le lire, accompagné de délicieux donuts².

1. Et dont on attend toujours la suite, mais comme toujours le planning de l’éditeur est toujours assez flou concernant ses yuri. ︎
2. Ou avec une autre pâtisserie parce que bon les donuts c’est un peu claqués en vrai, non ? (N’hésitez pas à en débattre en commentaire pour défendre l’honneur des donuts ou les enterrer car c’est vraiment le sujet important de cet article) ︎

Mais, ce qui a précipité un peu les choses, c’est que l’industrie du manga est souvent injuste et malheureuse. Les ventes du tome 1 sont assez faibles pour que son autrice Inee lance l’alerte sur Twitter, notamment par du contenu régulier pour promouvoir son manga (elle s’est aussi mise sur Instagram et TikTok pour l’occasion). Ce qui a engendré un mouvement de soutien particulièrement massif et intense, en particulier à l’étranger, certainement bien au-delà de ses espérances. Il est aussi probable que l’annonce, quelques jours plus tôt, de l’annulation de Sukeban to Tenkousei, un autre yuri prometteur², a dû mettre en alerte la communauté, souhaitant éviter que la même chose arrive à Love-Bullet.

Et vu le contenu du manga, c’est tout à fait compréhensible. Love-Bullet propose une réinterprétation moderne du concept de cupidon, où ces anges de l’amour ont troqué leur arc pour des armes à feu. Leur travail reste cependant le même, à savoir trouver le meilleur partenaire pour leurs cibles. La difficulté étant d’en trouver un ayant déjà une attirance pour celle-ci, mais aussi dont la personnalité corresponde au mieux. Enfin, le manga étant yuri, les romances sont jusqu’à présent toutes lesbiennes (alors qu’il y a aussi des prétendants masculins). Et c’est un concept plutôt original pour le genre, et de même pour le trope du cupidon, souvent cantonné aux relations hétérosexuelles.

Ce premier tome pose également quelques bases de lore plutôt intéressantes, comme le fait que chaque cupidon soit une personne décédée n’ayant pas connu l’amour. D’autres sont des prétextes un peu plus grossiers pour faciliter l’avancée de l’histoire, comme la récompense promise aux cupidons les plus productifs venant surtout justifier des rivalités. Mais je chipote, ce n’est jamais gênant dans ce premier volume et le concept en lui-même reste développé de manière suffisamment interessante pour pardonner quelques facilités d’écriture.

Surtout, le manga se montre particulièrement bon sur son thème principal, l’amour. Le chapitre 0 (pensé comme un one-shot avant que le manga soit sérialisé) propose ainsi une belle histoire autour d’un triangle amoureux à la résolution pas nécessairement surprenante, mais joliment amenée. Même si l’on côtoie la plupart de ses personnages sur une courte durée, le titre parvient à les rendre attachant grâce à de subtils détails pour souligner leurs personnalités. Et de porter une attention toute particulière à la complexité de leurs amours. Le sentiment amoureux y est souligné avec sérieux et tendresse par son poids, ses doutes et ses regrets à la joie qu’il peut procurer. La simplicité des histoires et la légèreté de leur ton laissant toute la place à ces émotions pour être exprimées.

De quoi rendre la lecture de Love-Bullet assez captivante sur le point émotionnel. Et c’est bien aidé par le découpage rigoureusement bien pensé par son autrice. Elle semble apprécier jouer de parallèles et des successions de cases pour véhiculer les émotions de ses personnages et la dramaturgie de son histoire. Et de permettre à la lecture de se révéler étonnamment percutante à plusieurs reprises tant elle parvient à exploiter les moments clés de son récit de cette manière. On s’attend toujours à être saisi par son histoire, mais Love-Bullet parvient tout autant à prendre par surprise avec son intensité.

Tout aussi percutant, mais pour des raisons bien plus simples, le titre profite aussi d’une vraie ambition en matière d’action. C’est surprenant, et pour l’instant un poil secondaire dans leurs enjeux dramatiques, mais Love-Bullet se révèle être un très bon titre bagarreur. Là encore, Inee parvient à proposer quelque chose d’extrêmement prenant avec des planches dynamiques et riches en idées pour explorer l’arsenal romantique de ses héroïnes. Une belle occasion de voir de la superbe bagarre sans trop se prendre la tête, et avec des références qui font plaisir pour la suite (comme le fait que Kanna se batte dans le style du muay-thaï).

Et je termine par le plus évident, à savoir le style joliment épuré de l’autrice. Outre une agréable lisibilité et ses bienfaits pour la mise en scène évoquée précédemment, il confère une atmosphère visuelle unique au titre. Et d’apprécier aussi le soin qu’elle porte à ses designs de personnages, en particulier son quatuor de cupidons. On sent que chaque tenue est pensée pour leur correspondre (et c’est ce qu’elle explique aussi en interview). J’aime beaucoup le style assez débridé de Chiyo par exemple, qui ne s’encombre guère de protections pour tout mettre dans l’offensive. De même que le choix de dépeindre les cupidons en blanc marche à merveille pour les faire contraster un maximum avec les humains, marquant leur distinction d’être mystiques.

En un seul tome, Love-Bullet m’a déjà touché en plein cœur et j’espère que l’on pourra encore en reparler à l’avenir, car le potentiel est immense. J’ai adoré la sensibilité de son écriture, la simplicité de ses romances et la grande considération que le récit leur porte. Certaines pages sont encore gravées dans mon esprit tant leur force émotionnelle était superbement transmise par le dessin. Le potentiel est immense et je souhaite de tout cœur que le manga puisse se poursuivre autant que nécessaire pour son autrice. Je vous renvoie vers cette page créée par le compte-fan @LoveBulletManga indiquant toutes les manières possibles de soutenir le manga et son autrice (pensez à l’ebook numérique si, comme moi, vous êtes refroidis par les frais de port du tome physique).

Image de une : illustration couleur du manga par Inee, postée sur son Twitter

1. Mon préféré étant celui-ci, post-épisode 13 de la saison 1 de Nijigasaki avec une Kasumin toute fière du cadeau de Shizuku (apprécier le ShizuKasu est un marqueur de gout, mais je m’égare) ︎
2. Et qui doit paraitre chez nous aux éditions Akata sous le titre La Belle et la Racaille, même si l’on est sans date pour le moment (des chapitres sont tout de même déjà dispo en numérique) ︎

Et Failed Princesses fait donc partie de ces titres.

Ce manga d’Ajiichi est centré sur la relation inattendue entre une gyaru/fille populaire et une otaku/introvertie. Un schéma classique des romances lycéennes qui se trouve ici une petite originalité en étant un yuri, mais c’est tout. De son classicisme, Failed Princesses en ressort toutefois le meilleur notamment par la dynamique de ses héroïnes particulièrement bien menée. Leur relation se développe à bon rythme, avec un traitement à la fois amusant et empli de justesse dans les différences et les similitudes qui les caractérisent.

L’autrice prend un soin certain pour dépeindre les inquiétudes et angoisses de ses personnages. Ce qui en fait un titre pas si joyeux, voire parfois assez pesant, mais aussi fortement touchant. Et voir ses héroïnes se rapprocher et grandir humainement au fil de l’histoire reste très plaisant à suivre du début à la fin.

Initialement prévue sur 2 tomes, elle s’étend finalement sur 6 volumes (+ un 6.5 et un one-shot autopublié par l’autrice en guise de long épilogue). De quoi finalement développer un maximum cette relation et ce qui lui gravite autour.

Il faut apprécier le dessin à l’esthétique fortement ancrée dans les années 2000. Ce que j’ai plutôt bien aimé, ajoutant une part de plaisir nostalgique à ma lecture. Et puis il y un travail de composition assez fabuleux à voir, même s’il conserve un côté très académique, il n’en pas moins joliment mis en œuvre.

Une simplicité sympathique qui me rappelle le film Imagine me & You, qui n’ambitionne à rien d’autre qu’être une bonne comédie romantique lesbienne. Failed Princesses est du même acabit à mes yeux, en étant simplement une belle et émouvante romance sur deux adolescentes en pleine reconstruction. Et c’est déjà une sacrée réussite d’y parvenir aussi bien.

Et ça se confirme, c’est très bon ! Sa base est toute simple, mettant la cuisine au centre de la rencontre de deux jeunes femmes, Nomoto et Kasuga. L’une adore cuisiner, l’autre adore manger, le reste n’est alors qu’évidence. Leur relation, encore balbutiante dans ce premier volume, s’installe avec douceur tandis qu’elles trouvent chacune du réconfort dans leur fréquentation.

Le contexte adulte du titre est aussi plutôt plaisant dans ce qu’il apporte en cadre de vie comme en tracas pour ses personnages. Ancré dans une réalité consciemment moderne, le titre aborde frontalement la place des femmes dans la société, traite de la misogynie banalisée et n’hésite pas à parler des règles. La caractérisation de ses personnages, en particulier Kasuga qui s’éloigne des figures féminines dominantes, participe à proposer de nouvelles représentations en brisant les stéréotypes et de davantage apprécier nos propres façons de vivre.

Malgré le sérieux de certains sujets, Sakaomi Yuzaki parvient à conserver une certaine légèreté à son récit. Nomoto et Kasuga mènent leur petite vie et construisent peu à peu leur complicité autour de bons petits plats, qui donnent souvent faim (absolument pas un hasard si j’ai mangé un curry de poulet fris la semaine suivant ma lecture). Et pour l’autrice de signer une belle histoire sur des femmes pour les femmes qui sent bon le réconfort et la gourmandise.

Enfin, il est bon d’également saluer l’engagement de Sakaomi Yuzaki en faveur des droits LGBT au Japon, comme ici en célébration du mois des fiertés de 2022. Elle avait également organisé une opération caritative à base de goodies de son manga en 2022, et dont les bénéfices ont été reversés à l’association Mariage For All Japan qui se bat pour la légalisation du mariage homosexuel. Et il est tout aussi appréciable de voir Akata suivre une voie similaire avec l’édition française dont une partie des revenus sera reversée à l’association SOS Homophobie.

Il est plaisant de voir de nouveaux éditeurs se mettre au yuri tant le secteur reste maigre en volume de sorties, et avec une concentration parfois inquiétante (Meian représentant la grande majorité de celles-ci. L’arrivée de She Wasn’t a Guy chez Mangetsu fait donc partie des bonnes nouvelles de l’année à ce niveau.

Le titre fait partie de ces success story d’internet, Sumiko Arai publiant son manga chaque semaine sur Twitter (elle est également active sur Instagram), au rythme de 4 pages (le nombre maximum d’images par tweet). Simple et concis, son récit lycéen sur une gyaru fan de rock développant un crush sur le disquaire du coin va se démarquer sur deux points.

Son twist, tout d’abord, puisque l’on découvre très rapidement que le séduisant disquaire sur lequel Aya (la gyaru) craque n’est autre que sa voisine de classe, la discrète Koga. Ce double-jeu involontaire conduit le manga à aborder le rapport aux autres et à soi-même de ses personnages par leur identité. Leur passion commune pour le rock joue aussi pour beaucoup, chacune la vivant jusque là à leur manière en solitaire et vont alors découvrir le plaisir de la partager avec une personne qui leur est chère.

L’autre point est évidemment le dessin éblouissant de charisme de Sumiko Arai. Son chara design, particulièrement classe, prend joliment vie avec des postures et expressions toujours très vivaces. C’est un des gimmicks du titre (montré une Koga particulièrement cool face à Aya), mais même au-delà, une forte prestance se dégage de chaque page. Il y aussi ce vert électrique habillant le manga (et son édition papier) qui représente désormais une grande partie de l’identité visuelle du titre.

Voilà un titre qui régale autant les yeux qu’il réconforte le cœur avec la possibilité de séduire au-delà des seuls amateurs de yuri. Ce qui semble déjà bien parti, vu la popularité du titre en France et des retours qui ont pu être fait ici comme ailleurs. Bravo les copines du rock !

Mais plus qu’une vitrine technique, le projet propose aussi une histoire prenante d’adolescentes en quête d’elles-mêmes par le biais d’un projet artistique commun. Avec, au centre, Mahiru, dessinatrice qui ne dessine plus par conformisme social, et Kano, chanteuse qui se cherche une nouvelle raison de chanter. Ensemble, elles vont combiner leurs tenants pour lancer le groupe JELEE.

On plonge alors dans leur nouvelle carrière d’artistes ponctué des doutes et peurs mais aussi des bienfaits que cette union par leurs passions autour d’un projet commun est vivifiant pour chacune d’entre elles. L’intégration des réseaux sociaux au récit est d’une justesse et d’une nuance encore assez rare, que ce soit dans le mal-être que la comparaison permanente à d’autres artistes peut amener, comme les possibilités de toucher un public autrement et plus largement que par le passé. C’est moderne et rafraichissant dans son traitement de sujets pourtant classiques, et c’est probablement la plus grande force de son histoire.

Il y aurait aussi beaucoup à dire sur le queer-baiting dont la série est accusée. C’est une démarche complexe et rarement saine tant elle implique de scruter et analyser les propos d’auteurs, souvent contraint par les barrières culturelles et de la langue. Néanmoins, il serait appréciable de voir un jour des histoires allait au bout de leurs idées, ou au moins conscientiser davantage ce qu’elles font, en évitant d’écrire des romances qui n’en sont pas. Pour le rester, les travaux de fans existent pour combler cette frustration.

Niveau contenu, il s’agit donc d’un doujin Bocchi the Rock réalisé par Mushihara au sein du cercle Taipeijin, déjà auteur de plusieurs autres albums yuri, notamment de Love Live, Lycoris Recoil et Assault Lily (attention certains sont R18). Ici, il s’agit en réalité de deux albums distincts mais qui se répondent (la traduction anglaise les compile ensembles de toute façon). Il se concentre sur Bocchi et Kita au karaoké, things happens et des cœurs s’ouvrent. Un vrai régal pour les fans de Bokita (comme moi) avec du pur fluff bien sucré saupoudré de juste ce qu’il faut en tensions anxieuses pour sublimer l’ensemble.

Outre cette proposition délicieusement tendre, c’est le dessin de Mushihara qui a retenu mon attention. Il propose quelque chose de très soigné pour de la production amateure, dans le découpage mais aussi au niveau des trames par exemple. Il s’approprie à son compte certains gimmicks visuels de BTR (comme les déformations de Bocchi dès qu’elle panique) tout en apportant les siens. Sa mise en page élégante et épurée (certes un peu économe sur les arrière-plans) offre une théâtralisation légère et touchante des deux amoureuses.
Clairement un manga à savourer, car des doujins Bokita avec cette qualité graphique (et traduits en anglais !) ne sont pas légions.

Des humains parasités par des champignons, une armée de lilliputiens, le monde étrange d’une série de magical girl qui prend vie… La série ne manque pas d’idées pour surprendre, et je n’aurais pas été contre une bonne dizaine d’épisodes supplémentaires juste pour en voir davantage. Elle navigue de fait à vue entre une atmosphère joyeusement glauque, bien appuyée par l’aspect « moe » du chara design. Et de nous faire évoluer entre des paysages irréels, incompréhensibles ou simplement absurdes, dans le confort de la rutilante mécanique du train des héroïnes (on sent l’expérience de Tsutomu Mizushima là-dessus, déjà réalisateur de la saga Girls und Panzer).

Le principal défi de l’anime est alors d’intégrer son fil rouge dans tout ce bazar, à base d’amitié perdue et d’un voyage plus introspectif qu’escompté. Et avec sa joyeuse bande qui arrive chacune à avoir son instant de gloire, cela semble plutôt réussi. Il reste toutefois l’impression d’un narratif compressé au possible pour rentrer dans un narratif déjà bien dense. Mais pour la cohérence et surtout le rythme franchement convaincant gardé tout le long, je préfère applaudir ce tour de force que regretter le supposé raccourcissement d’un scénario prévu initialement pour 24 épisodes.

À l’origine un web-novel de Chise, porté ensuite au format webtoon sous le trait de Duan S et publié sur Bilibili Comics, voilà un autre titre qui s’inscrit dans la récente mode des Villainess pas si vilaines. On y suit une protagoniste réincarnée en antagoniste d’otome game, l’ennemie naturelle de l’héroïne de ce genre d’univers. Sauf qu’ici, cette dernière est étrangement attachée à cette « méchante » contrariée. Un setup qui rappelle forcément I’m in Love with the Villainess, ne serait-ce que pour ce twist lesbien.

S’il n’en a pas la densité, Please Bully Me, Miss Villainess partage néanmoins autant de cœur et d’amour pour ses personnages. De fait, la relation entre Yvonne (la « méchante ») et Elsa (l’héroïne) est ravissante à suivre, ponctuée de moments tendres et plus émouvants, voire douloureux. Leur dynamique est excellente, bien portée par l’idée du « système vilaine », obligeant la protagoniste à remplir son rôle d’antagoniste malgré tout. C’est un élément souvent évité par les titres de ce genre, donc c’est un ajout interessant.

La seule faiblesse du titre réside sans doute dans un world building maigre et plutôt générique, et certaines facilités d’écriture assez évidentes. Mais ce n’est pas bien grave, je suis venu pour voir des amoureuses flirter ensemble, et sur ce point le titre ne déçoit absolument pas !

Une plaisante interlude, autant pour faire ses adieux aux derniers personnages des premières saisons terminant maintenant le lycée, que pour lancer la suite de la série. Un véritable augure de promesse profitant de la grande densité du casting de la série, capable de rapidement poser la personnalité et les tourments de personnages que l’on a pourtant vu très peu. Plus qu’un petit hors-série bonus, cet OAV constitue davantage un véritable point essentiel en vue du pinacle à venir pour le titre.

Indispensable, mais pas assez pour Crunchyroll qui ne propose pas cet OAV, de la même manière que le film 3. Ça me parait aussi stupide qu’aberrant, laissant guère le choix pour les francophones désireux de continuer la série que de devoir passer par des chemins de traverse. Et heureusement pour l’éditeur que les fans sont débrouillards, sinon personne n’aurait pu regarder la troisième saison qu’ils ont bien diffusé, elle. Un doux rappel que l’offre légale, aussi bénite voudrait-elle paraitre, marche parfois sérieusement sur la tête.

Sa saison 2 continue de fait sur cette bonne lancée avec un Tomozaki revitalisé mais également plus autonome. Il continue d’avoir une dynamique maitre-élève avec sa camarade Aoi, qui lui avait enseigné les bases jusque-là, mais se montre bien plus entreprenant. Voire critique des méthodes de sa camarade pour gérer certaines situations, même si la série ne développe qu’assez peu sur ce point. C’est certainement abordé dans la suite du roman, mais cela peut laisser un léger arrière-gout d’inachevé.

Pour le reste, ça garde ses forces et faiblesses. Il y a un vrai plaisir à voir davantage de développement sur un cast secondaire particulièrement sympathique, tout comme l’évolution de Tomozaki, aussi nette que satisfaisante. La série manque parfois de subtilité, avec des dialogues un poil verbeux pas toujours très naturels, mais ça a le mérite d’être assez évocateur. Surtout que ça aborde des sujets assez complexes, notamment quelle est la meilleure manière d’évoluer en tant que personne pour s’adapter aux autres mais sans renier sa manière d’être. Et de finir sur une conclusion étonnamment satisfaisante, alors même que si on me l’avait révélée en début de saison, j’aurais eu du mal à l’accepter. En plus l’anime est plutôt joli, avec une bonne réalisation et malgré un niveau de production pas forcement incroyable. Bon point aussi pour le chara design qui s’approprie plutôt bien le style de Fly.

Dans mes coups de cœur niveau romcom de ces dernières années, je suis aussi devenu fan de l’écriture de son auteur, Yuki Yaku, fourmillant d’idées pour approfondir la psyché de ses personnages. Et je suis ravi de voir que ça se vérifie cette saison sur l’excellent Jellyfish Can’t Swim in the Night, dont il a la charge du scénario.

Un film marqué par les changements, d’une part car il s’agit du premier long-métrage de la série à être sorti comme tel. De fait, on a enfin un rythme équilibré, à l’inverse des précédents qui charcutaient de manière plus ou moins maitrisée. Secondement, c’est par sa temporalité qu’il se démarque. Kumiko est maintenant en deuxième année et occupe une place de « senpai » (de mentor pour les nouveaux élèves, en gros). Viennent avec de nouvelles responsabilités au sein du club, ce qui n’est pas évident à gérer pour la fluffy girl toujours aussi timorée.

C’est encore moins simple quand dans tes nouveaux élèves, tu as Kanade, surnommée Kanapii par les gens cool, dont la personnalité explosive s’oppose complètement à celle de Kumiko. Un nouveau personnage haut en couleur qui permet d’explorer des thèmes toujours aussi passionnants, comme le dévouement pour une passion ou la manière d’accorder les égos et les talents dans un groupe. Mais on sent parfois des relents de réchauffés, certains développements faisant certes de jolis parallèles avec le passé de la série, mais ne sachant réellement proposer de nouvelles choses.

Mais ne suis-je pas une chafouin ? Peut-être, parce que le film reste très cool avec sa ribambelle de nouveaux personnages attachants. Je continue de me questionner sur ce qu’essaye de faire la série avec la relation Kumiko/Shuuichi, surtout vu les appels du pied toujours plus forts fait vers Reina. La mise en scène et la narration semble raconter des choses qu’elle ne raconte pas, c’est très bizarre (ça l’est d’autant plus avec la saison 3 actuellement en cours).

Une évolution très satisfaisante de la série. Vive Kanapii, elle est bien partie pour étinceler dans la suite de la licence. Par contre il s’agirait que quelqu’un le diffuse chez nous, surtout quand ça propose une 3ème saison pour laquelle ce film est juste essentiel (sinon vous découvrirez Kanapii sans aucun préambule, ce qui peut être terrifiant).

Narrant les péripéties temporelles d’une jeune illustratrice à la ramasse, la série se présente d’abord en tripe rétro-nostalgique assumé et teinté d’une affection sincère pour l’époque qu’il véhicule (le milieu otaku des années 90). Les allers-retours temporels de sa protagoniste ne font guère de sens, mais ce n’est pas bien grave. On est là pour le plaisir des chocs de génération, la redécouverte des techniques de l’époque pour concevoir du jeu vidéo avec des technologies d’un autre âge.

Malheureusement, ça ne dure pas. Et son héroïne (joyeusement doublée par Aoi Koga) est rattrapée par des ambitions scénaristiques trop grandes. Le besoin de sauver le monde des otakus des déboires du voyage temporel amène avec lui l’envie de parler d’un paquet de sujets pas inintéressants, mais traités ici de manière beaucoup trop brouillonne pour être un tant soit peu intéressante. Pourtant, la série semble interroger les bonnes choses : qu’est-ce qui fait un bon jeu ? Quelle est la place de l’artiste dans le processus créatif face à des logiques industrielles ? Comment vivre les évolutions inévitables d’une culture confrontée à la mondialisation et aux évolutions technologiques ? Il y avait par exemple tout un propos sur l’usage de l’IA dans la création artistique ou la manière de régurgiter en permanence des mêmes recettes à succès intéressantes à développer.

La sincérité de la démarche de 16bits ne fait guère de doutes à mes yeux, provenant à l’origine du circuit des productions amateurs et portant un récit original pour son anime (le personnage de Konoha est ainsi inédit à celui-ci, tout comme toute son intrigue de voyage temporel). On retiendra surtout une tentative plutôt vaine, parfois naïve mais souvent très lucide de son propre milieu.

Chaque histoire est unique en son genre, et c’est ce qui conforte le manga en une lecture particulièrement confortable. Je me garde expressément les tomes pour lire avant de dormir, pour pouvoir profiter au mieux de l’émerveillement qu’il suscite en moi. J’y trouve un formidable apaisement dans son monde bucolique, et son caractère miniature m’inspire un profond confort.

Le seul problème, c’est que je n’ai plus de tomes en réserve dans ma PAL. Et je dors moins bien depuis. Hum.

Son histoire de Dai, jeune « jazzman » empli de rêves et d’ambition, est plutôt enivrante tant elle est habitée d’une passion sincère pour le jazz et la pratique artistique en général. Et, en seulement deux heures, le film parvient à être savamment efficace dans sa narration pour traiter d’un maximum de thématiques sans pour autant perdre le spectateur. Une sacrée réussite sachant qu’il adapte l’intégralité du manga (même s’il triche un peu en commençant au tome 4).

Bref, j’ai été plutôt happé par son aventure musicale et humaine, brillamment portée sur un trio principal savoureux dans leurs dynamiques. Chacun a droit à un développement passionnant, entre frustrations d’artistes et quêtes de soi.

Puis visuellement, ça ne s’en sort pas si mal. Le film bénéficie d’un joli travail sur les lumières pour lui conférer une ambiance à la fois solennelle et flamboyante. Mais ce sont surtout les séquences de concerts qui brillent, en particulier les dernières. Et ce malgré une 3D franchement à la ramasse. Heureusement, la mise en scène géniale de Yuzuru Tachikawa permet de compenser en grande partie ces faiblesses grâce un florilège d’idées visuelles flamboyantes.

Et dire que j’ai failli passer à côté d’un moment si enivrant juste pour un peu de 3D moche dans un trailer…

Et la proposition marche incroyablement bien ! Le récit intègre brillamment les caractéristiques surnaturelles de Ruri à sa tranche de vie lycéenne, qui découvre peu à peu ses nouvelles capacités. Si cracher du feu, générer de l’électricité et autres aptitudes ne sont pas banales pour une lycéenne, le manga aborde ça avec une certaine nonchalance déconcertante et en même temps vernie d’un certain réalisme. Malgré l’éveil de sa nature draconique, Ruri reste une adolescente comme une autre et aimerait continuer de vivre comme tel.

Le titre offre aussi de merveilleuses entre ses personnages, que ce soit entre Ruri et sa mère, sa meilleure amie et ses camarades de classe. Le naturel de leurs interactions transparaît fortement à chaque page, porté par un style joliment détaillé tout en restant dans une direction très réaliste. Les designs sont souvent assez simples, et même Ruri ne détonne guère de ses camarades en dehors de ses cornes. L’univers du manga semble ainsi particulièrement organique et crédible. À noter aussi l’excellente traduction anglaise qui aide grandement à cette impression.

Pour l’instant, il n’y a qu’un seul tome sorti au Japon, mais la série semble avoir repris un bon rythme bi-mensuel (que j’espère plus en accord avec la santé de l’artiste). Une agréable lecture qui se grignote avec plaisir, en espérant que ça arrivera un jour en France !