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Manifiesto a favor Cinemateca-UGT de Sevilla (ASECAN)

2011-03-09T10:45:00.006+00:00

La Asociación de Escritores y Escritoras Cinematográficos de Andalucía (ASECAN) quiere expresar su más firme apoyo a la Cinemateca UGT y a su principal responsable, Manuel Gómez Román-Bella, en estos momentos en los que la continuidad de las actividades de este foro cultural se encuentra en entredicho.

La Cinemateca UGT ha venido realizando, desde su constitución hace ya veinte años, una impagable tarea de divulgación de un tipo de cine habitualmente alejado de los circuitos comerciales, un cine caracterizado por su independencia, su variedad intelectual, su compromiso ético y estético.

La pérdida de la Cinemateca supondría un duro golpe para una ciudad, Sevilla, no precisamente sobrada de este tipo de empeños culturales. La Cinemateca UGT es, hoy por hoy, un referente cinematográfico de primer orden en la ciudad, y su continuidad debe primar por encima de cualesquiera otros criterios, incluidos los económicos.

Manuel Gómez Román-Bella ha sido, durante todo este tiempo, la mano firme, la mano cinéfila que ha sabido conducir con rigor una institución a la que el tiempo ha hecho necesaria, tal vez imprescindible, en el panorama cultural sevillano.

La cultura andaluza, los hombres y mujeres que hacen de la cultura su espacio profesional o lúdico, los intelectuales de toda laya, no pueden hacer oídos sordos a una reivindicación tan sentida y razonable como ésta: la Cinemateca UGT, con Manuel Gómez al frente, ha de seguir con su labor de ofrecer buen cine, otro cine, a un público cinéfilo que no se merece perder este foro de genuinas propuestas alternativas.

En Sevilla, a 1 de marzo de 2011
Asociación de Escritores y Escritoras Cinematográficos de Andalucía (ASECAN)

Le cinéaste Jafar Panahi ne doit pas retourner en prison / Filmmaker Jafar Panahi must not return to prison!

2010-12-26T09:13:00.003+00:00

Nous apprenons avec colère et inquiétude le jugement du Tribunal de la République Islamique à Téhéran, condamnant très lourdement le cinéaste iranien Jafar Panahi. La sentence : six ans de prison ferme, vingt ans d'interdiction d'écrire et de réaliser des films, de donner des interviews aux médias, de quitter le territoire et d'entrer en relation avec des organisations culturelles étrangères.

Un autre cinéaste, Mohammad Rassoulov, a également été condamné à six ans de prison. Jafar Panahi et Mohammad Rassoulov vont rejoindre les nombreux prisonniers qui croupissent en prison en Iran, dans un état de détresse totale. Certains font la grève de la faim, d'autres sont gravement malades.

Que reproche le pouvoir iranien à Jafar Panahi ? D'avoir conspiré contre son pays et mené une campagne hostile au régime iranien. La vérité est que Jafar Panahi est innocent et que son seul crime est de vouloir continuer d'exercer librement son métier de cinéaste en Iran. Depuis plusieurs mois le pouvoir iranien a mis en place contre lui une véritable machine de guerre visant à le détruire, à l'enfermer en le contraignant à se taire.

Jafar Panahi est cinéaste et ses films ont été montrés dans le monde entier. Invité par les plus grands festivals de cinéma (Cannes, Venise, Berlin), il est aujourd'hui empêché de poursuivre son œuvre de cinéaste. La lourde condamnation qui le frappe le prive de liberté, l'empêche physiquement et moralement d'exercer son travail de cinéaste. Il doit désormais se taire, s'interdire tout contact avec ses collègues cinéastes en Iran et dans le monde entier.

A travers cette condamnation qui frappe Jafar Panahi, c'est tout le cinéma iranien qui est manifestement visé.

Cette condamnation nous révolte et nous scandalise. Aussi, appelons-nous cinéastes, acteurs et actrices, scénaristes et producteurs, tous les professionnels du cinéma ainsi que tous les hommes et femmes épris de liberté et pour qui les droits de l'homme sont une chose fondamentale, à se joindre à nous pour exiger la levée de cette condamnation.

Rejoignez l'appel aux côtés de : le Festival de Cannes, la SACD, la Cinémathèque française, l'ARP, la Cinémathèque suisse, le Festival international du film de Locarno, le Forum des images, Positif, la SRF, les Cahiers du cinéma, Citéphilo (Lille), France culture, la Mostra Internazionale d'Arte Cinematogafica di Venezia, Culturesfrance, la Quinzaine des Réalisateurs, Sarajevo Film Festival, Cinéma Gindou, Centre Audiovisuel Simone de Beauvoir, Centre Culturel Pouya.

ENGLISH VERSION

We have just learnt, with great anger and concern, about the judgement of the Court of the Islamic Republic in Teheran, heavily condemning Iranian filmmaker Jafar Panahi.

The sentence: six years of imprisonment without remission, accompanied by a ban of twenty years on writing and making films, giving interviews to the press, leaving the territory, or communicating with foreign cultural organisations.

Another filmmaker, Mohammad Rassoulov, has been likewise sentenced to six years in prison. Jafar Panahi and Mohammad Rassoulov are going to join the many prisoners now rotting in jail in Iran in a state of total distress. Some are on hunger strikes, while others are gravely ill.

What does the Iranian government reproach Jafar Panahi with? Having conspired against his country and carried out a campaign hostile to the Iranian regime.

The truth is that Jafar Panahi is innocent and his only crime is wishing to continue to freely exercise his profession as a filmmaker in Iran. Over the last few months the Iranian government has put into place against him nothing short of a machine of war in order to destroy him, while locking him up to silence him.

Jafar Panahi is a renowned filmmaker and his films have been shown all over the world. Invited by the greatest film festivals in the world (Cannes, Venice, Berlin), he is today prevented from pursuing his work as a filmmaker. The heavy sentence inflicted upon Jafar deprives him of his freedom, while preventing him both physically and morally from carrying out his work as a filmmaker. Henceforth, he must remain silent, refrain from any and all contact with his fellow filmmakers both in Iran and anywhere else in the world.

Through this sentence inflicted upon Jafar Panahi, it is manifestly all of Iranian cinema which is targeted.

This sentence both revolts and scandalises us. So, let us call upon all filmmakers, actors and actresses, screenwriters and producers, all motion-picture professionals as well as every man and woman who loves freedom and for whom human rights are fundamental, to join us in demanding the lifting of this sentence.

Join the call alongside of

le Festival de Cannes, la SACD, la Cinémathèque française, l'ARP, la Cinémathèque suisse, le Festival international du film de Locarno, le Forum des images, Positif, la SRF, les Cahiers du cinéma, Citéphilo (Lille), France culture, la Mostra Internazionale d'Arte Cinematogafica di Venezia, Culturesfrance, la Quinzaine des Réalisateurs, Sarajevo Film Festival, Cinéma Gindou, Centre Audiovisuel Simone de Beauvoir, Centre Culturel Pouya.

http://www.ipetitions.com/petition/solidarite-jafar-panahi/

Carta de apoyo a Manuel Gómez

2010-12-16T11:33:00.004+00:00

CARTA DE APOYO A MANOLO GÓMEZ

El Centro Cultural Italiano de Sevilla manifiesta su apoyo a la Cinemateca de la UGT, cuyo Director Manolo Gómez trabaja con profesionalidad y dedicación desde hace 20 años para promover el cine europeo en Sevilla.

Gracias al apoyo de Manolo Gómez, este Centro ha organizado en la temporada 2009/2010 un ciclo de cine italiano “ITALIA: UN PAESE, UNA STORIA” dirigido en particular a los estudiantes de italiano de Sevilla de varias instituciones académicas. En esta ocasión el ciclo se organizó con la colaboración de la Universidad Pablo de Olavide.

Confirmamos nuestra intención de proponer un nuevo ciclo de cine en el 2011, un año especial para Italia, ya que se celebra el 150 aniversario de la Unidad del país. Por supuesto, seguiremos confiando en la figura de Manolo Gómez cuya experiencia y cultura cinematográfica es imprescindible para garantizar el éxito de cualquier proyecto de estas características.

La enorme dedicación y entrega de Manolo Gómez ha acercado a miles de sevillanos al cine de calidad, a menudo a pesar de los escasos medios a su disposición. Por todo esto, el Centro Cultural Italiano de Sevilla seguirá apoyando sus iniciativas para la promoción del buen cine en versión original.

Sevilla, 7 de diciembre de 2010

Marina Sciarretta
Directora
Centro Cultural Italiano de Sevilla

CARTA DE APOYO A MANOLO GOMEZ

2010-11-17T10:56:00.005+00:00

El Servicio Cultural de la Embajada de Francia en España sigue y seguirá apoyando como lo viene haciendo desde hace 20 años, el proyecto de la Cinemateca de Manolo Gómez. Se trata de un actor esencial de la vida cultural en Sevilla y de un defensor encarnizado del buen cine en general y del ciné francés en particular. Antes incluso de la llegada de la democracia a España, Manolo Gómez hizo posible que el público de Sevilla tuviera acceso a las obras de los mayores directores franceses, muy a menudo como estrenos en España. Varias generaciones de sevillanos han podido, gracias a él, descubrir lo mejor del cine europeo desde la Nouvelle Vague hasta el cine independiente actual, con el mismo empeño constante para ofrecer una programación de primera calidad.

Manolo Gómez fue condecorado como Caballero de las Artes y las Letras en el año 2001 para agradecerle su compromiso y entrega al servicio de la cultura y por el papel desempeñado en la promoción de la diversidad cultural. Su trabajo ha sido esencial para mantener en Sevilla una oferta cinematográfica diversificada, que no podría desgraciadamente existir en el circuito comercial clásico. Por ello, la Embajada de Francia en España seguirá apoyando las iniciativas de Manolo Gómez para promover una oferta de cine de calidad para los sevillanos.

Sevilla, a 12 de noviembre de 2010

Victoria DI ROSA

Agregada Cultural de la Embajada de Francia en España

Y volvimos, como era nuestra obligación...

2010-10-26T09:19:00.005+00:00

Estimad@s amig@s:

Como decíamos hace unos meses, volveríamos en octubre y como es habitual cargados de nuevas e "intensas" emociones para iniciar nuestro itinerario cinematográfico, en esta ocasión, de forma especial ya que el próximo año, 4 de marzo de 2011, cumplimos 20 años, ahí es nada.

Con motivo de ese carácter especial, estábamos diseñando una serie de actividades para celebrar dicha efeméride. De momento y ante la impotencia de los interesados, toda esta programación, la habitual y la especial, queda aparcada hasta "próximos meses". Evidentemente perderemos algo por el camino, ya que como sabéis, algunas de las películas tienen fecha de caducidad en su circulación. Ni que decir tiene que para nosotros supone una gran extorsión ya que no solo se interrumpe un proyecto que, como siempre, lo elaboramos con mucho cariño y algún que otro esfuerzo (más de lo que algunos piensan).

Parece ser que también la crisis afecta a los sentimientos, cosa que no estamos de acuerdo por que la situación de ajuste y limitaciones siempre ha sido una constante dentro de nuestra dilatada historia. Esta crisis siempre nos ha acompañado (desafortunadamente) con lo cual no es una excusa para interrumpir una programación que siempre se ha movido en la cuerda floja. Hasta valores como el altruismo quedan pulverizados por estas adversidades institucionales-económicas que a todos nos invaden. Lo cierto que a estas alturas y con un montón de películas que esperan en la cabina de proyección, pasarán de largo y continuarán su viaje.

Es paradójico que dentro de esta situación las estadísticas de los dos últimos años han sido bastantes significativas, con un ligero aumento de espectadores que en medio de esta situación no deja de ser motivo de una cierta esperanza. Poderoso acicate para seguir adelante. Por otra parte siempre hemos considerado que el cine como espectáculo de concitación de "masas" tenía que subsistir aunque, quizás, con otras premisas. Hemos mantenido una programación de 150 películas aproximadamente al año y siempre en 35 mm, simultaneando con las nuevas tecnologías. No creemos por tanto que es el momento de abandonar al barco, si no seguir trabajando para volverlo a sacar a flote.

No obstante el viento y las tempestades se obstinan en que esto no siga adelante, y no solo somos los que podemos naufragar sino ese montón de organismos que desde hace 20 años nos acompañan y que hacen posible que casi todos los fines de semana se produzca el acontecimiento de poder realizar varias proyecciones. En especial a nuestros amigos franceses, siempre presentes.

Los tintes surrealistas que puedan tener esta misiva, en donde no clarificamos demasiados cosas, obedecen a problemas estructurales. Por nuestra parte nos queda la frustración y el desasosiego por ver (y van...) como los proyectos que tienen vocación de seriedad son diezmados sin ningún atisbo de misericordia. No es ninguna novedad en un campo llamado Cultura

En fin querida militancia cinéfila, seguiremos en contacto para informaros de cómo evolucionan los acontecimientos. De momento... nuestro fiel proyector Galaxia X, que nos ha acompañado todos estos años, permanece mudo e inquieto con el riesgo de ser oxidado. Es la misma sensación que sentimos ante este reencuentro virtual que mantenemos con todos vosotros.

Confiamos que con la llegada del nuevo año, podamos continuar las actividades, aunque estos meses de Adviento sean bastante complicados para nosotros. Nos vemos en Enero... Un fuerte abrazo.

Propuestas

2010-10-25T11:04:00.000+00:00

Ciclo Grandes Damas del cine francés
En colaboración con los Servicios Culturales de la Emabajada de Francia, Alianza Francesa

Un homenaje a las Grandes Damas del Cine francés a través de una pequeña selección de películas: Casque d’or, Jacques Becker, La cérémonie, Claude Chabrol, La baie des Anges, Jacques Demy, Roman de Gare, Claude Lelouch, Ma saison préférée, Techiné André, 8 Femmes, François Ozon.

Ciclo Cine policiaco francés
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia, Alianza Francesa

Durante los meses de noviembre y diciembre, la Cinemateca UGT dedica un ciclo al cine policial francés. La propuesta lleva a los espectadores a un recorrido por el género mostrando que el cine negro francés se desarrolló con la misma trrascendencia que el norteamericano y, aunque se mantuvo siempre abierto a su influencia, terminó por definir características propias. Tuvo delincuentes más elegantes, silenciosos y reflexivos.

El ciclo cuenta con los films de los exponentes más representativos de la época, entre los que se destacan Jacques Becket, Henri-Georges Clouzot, Jean Pierre Melville, Xavier Beauvois. Quai des orfevres, L'etrange Monsieur Victor, Le corbeau, Touchez pas au grisbi, le petit lieutenant, Cercle rouge

Ciclo de cine mexicano contémporaneo
En colaboracíon con el Instituto de Mexico en España

Un recorrido por el último cine realizado en el país azteca.

Amor en fin, de Salvador Aguirre. Vaho, de Alejandro Gerber. Vitorio, de Alex Noppel. Espiral, de Jorge Pérez Solano. Viaje redondo, de Gerardo Tort.

Los ciclos habituales: La Cinemateca estrena, En corto, El septimo juego

Especial 20 años: Animemarathon, Encuentro con Agnes Varda

Federico Fellini. El circo de las ilusiones

2010-07-15T18:19:00.002+00:00

«Federico Fellini. El circo de las ilusiones» trata sobre la creación del mito felliniano, lo analiza, busca comprenderlo y mostrarlo. La exposición reúne una iconografía dispersa, componiendo un corpus con numerosas fotografías, dibujos y filmes hasta ahora inéditos. Para evitar un enfoque excesivamente biográfico, la muestra se aparta de los datos estrictamente cronológicos y presenta a Fellini a través de sus obsesiones. Centrándose en las imágenes que le inspiraron, las que soñó, las que construyó... de esta manera se establece un diálogo entre las imágenes fijas y las animadas.

Esta exposición constituye una especie de laboratorio visual con una doble ambición: por un lado, contribuir a la renovación del modelo de lectura de la obra del cineasta y, por otro, enfrentarnos al modo de exponer cine. En ocasiones, se aparta de la filmografía de Fellini para abordar la forma más amplia del siglo xx. El siglo del cine, por supuesto, pero también el de la prensa, el de los medios de comunicación, el de la televisión y el de la publicidad. En definitiva: el siglo de la imagen o, más concretamente, el siglo de la fábrica de imágenes.

«Federico Fellini. El circo de las ilusiones» se articula alrededor de cuatro grandes ámbitos: Fellini y la cultura popular; Fellini en su trabajo; la ciudad de las mujeres, y Fellini o la invención biográfica. Dentro de estos grandes ámbitos se desarrollan una serie de módulos temáticos en los que se tratan los temas que surcan la obra de Fellini, los que le fascinan o le obsesionan. Temas como el music-hall y el circo, la caricatura o las fotonovelas, los monstruos marinos o el rock and roll, la reconstitución de lo real en Cinecittà, la mujer en todo su polimorfismo, la ambigüedad de su sentimiento religioso, la realidad de prueba de la imaginación, el psicoanálisis y los sueños, su relación con los medios de comunicación, su atracción por la prensa ilustrada, su repulsión hacia la televisión, su desdén hacia la publicidad, el inventor de palabras... La exposición no solo nos desvela una parte de los mecanismos de la creación felliniana, también a través de un análisis profundo del contexto de su obra explica su cine bajo una nueva mirada.

Federico Fellini. El circo de las ilusiones
CaixaForum Madrid
Del 15/07/2010 al 26/12/2010
De lunes a domingo, de 10.00 a 20.00 h.
CaixaForum Madrid, Paseo del Prado, 36. 28014 MADRID

Casi 20 años no es nada (XXXVIII)

2010-07-12T17:08:00.005+00:00

El rey y el pájaro (Le roi et l'oiseau), de Paul Grimault
Francia, 1980
Proyectada en la Cinemateca UGT, el 11 de noviembre de 2007
dentro del Ciclo Le long s’anime/Aula de cine

Esta fue la obra de toda una vida del animador Grimault. Incompleta , fue lanzada en 1952 por sus productores como La pastora y el deshollinador. Debieron pasar casi tres décadas (y la muerte del guionista Jacques Prévert) para que Grimault se reencontrara con su material, lo completara y redondeara un film mayor.

El rey "Carlos V más Tres son Ocho y Ocho Dieciséis", domina de forma tiránica el reino de Taquicardia. Solamente un pájaro, risueño y parlanchín, que ha construido su nido encima de la torre del palacio, se atreve a plantarle cara. El rey está enamorado de una pastora encantadora que, surgiendo de una de las pinturas del palacio, se personifica cada noche para encontrarse con el deshollinador que sale, por su lado, del cuadro vecino. El rey quiere casarse con ella, pero la chica a quien ama de verdad es a su humilde enamorado. Ambos deciden escapar del rey y se esconden en la cima de la torre más alta del palacio, donde salvan a un pajarito inprudente que ha quedado atrapado en una de las trampas del tirano. El pájaro rebelde, agradecido por este acto heróico hacia una de sus crías, promete ayudarlos en su huída

Pueblos sin Camino recibe una Mención Especial en el Festival de Cine de Martil

2010-07-10T18:10:00.002+00:00

El documental es una coproducción entre la productora sevillana Lemendu Films y la aragonesa Nanuk Producciones Audiovisuales

El documental de Jorge Tsabutzoglu recibió una Mención Especial en el Festival de Cine de Martil, Marruecos, que tiene la misión de ser un puente entre las culturas latinoamericanas y árabes.

La mención fue decidida según palabras del jurado por su originalidad en el tratamiento de la historia. Esta es ya su segunda mención internacional tras ser reconocido como Tercer Mejor Documental en el 4th Anthropology Film Festival de Vancouver, Canadá.

El documental es una coproducción entre la productora sevillana Lemendu Films y la aragonesa Nanuk Producciones Audiovisuales, y dirigida por Jorge Tsabutzoglu, de origen malagueño.El documental, con música del sevillano Miguel Torres, ha pasado por numerosos festivales nacionales e internacionales, entre ellos, el Festival de Cine Independiente de Mompox (Colombia), la Muestra de Documental Antropológico y Social de Buenos Aires, el Molisecinema Film Festival italiano o el Aspekty Film Festival, de cine antropológico y etnográfico, de Torun (Polonia).

http://www.festivaldemartil.ma/

En el planeta de los Morlocks

2010-07-10T12:35:00.004+00:00

Exhibición de una selección de instantáneas que muestran el trabajo de foto fija de Bárbara Shunyí durante el rodaje de la serie Plutón B.R.B Nero, dirigida por Álex de la Iglesia para Televisión Española.

Plutón B.R.B. Nero es una serie dirigida por Álex de la Iglesia, que narra las aventuras de la nave Plutón B.R.B. Nero en busca de un planeta habitable para los 5000 colonos hibernados que lleva en sus bodegas y poder así salvar a la Humanidad. El nombre de la nave corresponde al planeta Plutón, a la empresa Biotechnological Research Badajoz (BRB) y a Nero, que es su constructor.

Estamos en el año 2530. La situación en el planeta Tierra es desesperada... Hace años que no queda nada de la capa de ozono. La construcción incontrolada de adosados en el Polo Norte provoca la subida de las aguas haciendo desaparecer ciudades como Nueva York, Londres o Benidorm. La raza humana sobrevive en zonas pantanosas superpobladas, apestadas por las epidemias, inundaciones e inmobiliarias.

En el año 2500, el Presidente de los Estados Unidos del Mundo, Maculay Culkin III, comienza su mandato con dos decisiones polémicas: uno, cambiar de sexo otra vez y dos, enviar una nave al espacio. Su objetivo: encontrar un planeta habitable, y huir de este inmenso error llamado Tierra. Esta serie narra las aventuras de un grupo de marines españoles durante la búsqueda de un planeta habitable para poder salvar a la humanidad ya que en la Tierra no hay sitio para más población ni para construir más viviendas.

Galería de Arte Municipal Pintora Charo Olías. Centro Cultural Juan Bautista Zamorano.
Avda. Aramburu Macua. Isla Cristina (Huelva).
Del 26 de julio al 1 de agosto. de 21.00 h a 23.00 h
Islantilla Cineforum

Cinemateca UGT. Nuestra pequeña historia. Curso 09_10- Enero-Marzo 10

2010-07-03T21:52:00.003+00:00

La subversión de las imágenes. Surrealismo, fotografía y cine

2010-07-01T20:18:00.003+00:00

Espejo: cualquier cosa que refleja o da imagen de algo
Subvertir por la imagen: trastornar lo real

Exposición coproducida con el Centro Pompidou que reúne 300 fotografías, un centenar de documentos y 10 películas en las que se puede contemplar cómo los integrantes del movimiento Surrealista utilizaron el celuloide para hacer su particular revolución.

Además de títulos clásicos como ‘La Edad de Oro’, también se proyectarán trabajos experimentales o pruebas de autor. Es el caso de la película firmada por Man Ray, una de las que más expectación ha generado, y que durante 8 minutos muestra a un Pablo Picasso con una copa en la mano y una mantilla española sobre su cabeza. El filme se titula ‘La garoupe’ y fue rodado en 1937. La exposición incluye piezas de André Bretón, Dalí, Giacometti y Magritte, Cartier-Bresson, Gala Dalí (antes Eluard), Brassaï, Max Servais o Eli Lotar.

La Subversión de as Imágenes
Del 18 de junio al 12 de septiembre de 2010

FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.
Paseo de Recoletos nº 23
Comisarios Quentin Bajac, Clément Cheroux, Guil laume Le Gall, Michel Poivert, Philippe-Alain Michaud
Producción CENTRE POMPIDOU, París, en colaboración con:
- FUNDACIÓN MAPFRE, Madrid
- FOTOMUSEUM Winterthur , Winterthur

www.exposicionesmapfrearte.com/subversion

Casi 20 años no es nada (XXXVII)

2010-06-28T17:43:00.002+00:00

Pequeños arreglos con los muertos (Petits arrangements avec les morts), de Pascale Ferran
Francia, 1994
Fue proyectada en la Cinemateca el 25 de octubre de 1997
dentro del ciclo "Panorama del nuevo cine francés"

Una playa en verano. Un hombre construye un castillo de arena y es mirado por tres personas: su hermano, su hermana y un niño. Todos fueron marcados por la muerte de alguien próximo. Ganadora del Premio a la mejor ópera prima en Cannes 1994.

Notable debut en el largo de la directora Pascale Ferran, estos “pequeños arreglos con los muertos” describen con emoción y humor las distintas maneras de ser atravesados por el duelo de un ser querido en un inteligente relato que evoca la infancia como metáfora del cine y que, a pesar del pesar sufrido, es una celebración de la vida.

“Plano tras plano, Pascale Ferran ha sabido respetar un crescendo en el crepúsculo que poco a poco ensombrece su película” Didier Perón

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

2010-06-23T21:17:00.002+00:00

Al igual que en Géminis, donde, con una técnica más elegante que en esta brutal La rabia, hablaba del incesto, ahora brinda otra propuesta extrema, visceral, mostrada sin ningún tipo de reparo, como esa secuencia de la matanza del cerdo, ejemplo de la naturalización de la violencia que se respira desde la cuna en el campo, algo de lo que no se puede huir, con lo que se crece, y que es mostrada en toda su verdad, huyendo de la idealización de lo rural y de los que en él habitan, que siempre suelen aparecer como personajes nobles y comprometidos. Sobrevivientes, como los llama John Berger, desclasados en cualquier sistema político.

Albertina Carri nos regala momentos de fascinación y otros de repulsión, formando un conjunto tan afilado como bien engrasado, una mezcla en la que muestra a la vez la belleza del campo, la fealdad del alma humana y la inocencia infantil (mostrada esta última con el apoyo de una animación escalofriante muy lograda).

Como la rabia que contagian los perros, la violencia también se contagia, todos la van ejerciendo sobre otros, sobre el más vulnerable. El sexo casi animal, los dibujos de la niña (casi abstractos y que no interrumpen el ritmo de la película), la relación con los animales, todo es violento y crudo.

Se podría pasar toda la filmografía de Albertina Carri, formada sólo por tres películas, en la próxima muestra “la mujer y el cine” para poder comprobar que toda ella está hecha sin concesiones, es audaz, provocadora, fuente de discusiones, algo pretenciosa y fútil. Quizás demasiado interesada en asustar a los burgueses y en ser incómoda a cualquier precio.

Desbordamiento de Val del Omar

2010-06-22T10:28:00.002+00:00

El perfil de José Val del Omar (Granada, 1904 - Madrid, 1982) no puede ser adscrito a un epígrafe de actividad demasiado concreto, si bien tuvo su puntal mayor en el cine. Perteneció a una generación que creyó en éste como un arte de pleno derecho antes que como un nuevo opio para las masas. Pero si se le vincula al medio cinematográfico es como un creador maldito, de obra exigua; al menos, en cuanto al metraje que se conserva actualmente. Un excéntrico en el seno de la cinematografía española, Val del Omar dedicó gran parte de su tiempo a la exploración tecnológica, tanto en aspectos concernientes al cine y a los retos planteados en su tiempo (cine sonoro, en relieve, en color, en pantalla ancha…), como en otros terrenos que incluyen la electroacústica, la radio, la televisión y las aplicaciones educativas de los medios audiovisuales. Algunas de sus invenciones pretendían soluciones prácticas, pero otras se adentraron en la noción del espectáculo total con un instinto visionario insólito, más aun si se tiene en cuenta que muchas de sus ideas al respecto ya las hizo públicas entre 1928 y 1944.

Además, Val del Omar siempre se mantuvo al corriente sobre los últimos medios y tecnologías y llegó a atisbar las posibilidades que se abrían con la cibernética, el láser, el vídeo digital y la noción de medios mixtos. Esta exposición, la más completa dedicada hasta la fecha al artista, propone una exploración de su poética a través de los variados lenguajes de los que se sirvió, desde la fotografía, el cine, los collages o los registros sonoros hasta el diseño y realización de artefactos y mecanismos ópticos, de registro y proyección. Todo ello vertebrado en un recorrido que reproduce el de su vida por medio de los siguientes capítulos: la época de las Misiones Pedagógicas, el laboratorio PLAT (sigla de Picto Lumínica Audio Táctil, concepto que designaba la práctica a la que aspiraba), la poesía de la técnica y el Tríptico Elemental de España (la trilogía en la que reunió sus films paradigmáticos). La muestra se completa con “La cripta alumbrada” (Palacio de Carlos V), donde se recogen monográficamente las imágenes que le inspiró Granada y la Alhambra.

www.centroguerrero.org

13 de mayo de 2010 / 4 de julio de 2010
Centro José Guerrero
C/ Oficios 8. Granada
Cripta del Palacio de Carlos V Conjunto Monumental de la Alhambra y el Generalife
C/ Real de la Alhambra s/n. Granada

14 de septiembre de 2010 / 28 de febrero de 2011.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Cinemateca UGT. Nuestra pequeña historia. Curso09_10. Octubre-Diciembre_09

2010-06-21T11:04:00.003+00:00

Viernes 18 de junio de 2010, 20 h: Flandres, de Bruno Dumont

2010-06-17T12:59:00.004+00:00

Flandes (Flandres), de Bruno Dumont

Francia, 2006. 91’. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo Guerra y Paz
Único pase
En colaboración con Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

“una sombría reflexión sobre la barbarie de la guerra, y la bestialidad del hombre, que solamente una enorme compasión puede rescatar… hermosas actuaciones…”

Variety

Explicar el proceso que pone a una película en acción sigue siendo un misterio. Para “Twentynine Palms”, fue una sensación. El personaje tan furtivo del inspector policial en “La Vida de Jesús” me inspiró para hacer “La Humanidad”.

Si me preguntan por qué o cómo, no puedo responder. Lo importante para mí es describir una historia con imágenes y sonidos. El trabajo de un director se parece al de un pintor. Matisse escribió que lo importante en la pintura no es el sujeto, sino cómo se disponen las cosas alrededor del sujeto, su proporción. Flandes, por ejemplo, es un misterio para mí. Yo nací allí. Mi relación es visceral, sensible, en otras palabras, no está impulsada por la razón. La cámara se convierte en un microscopio o una lente colocada sobre el sujeto... Necesito la tierra para filmar seres humanos. En su filmación, Flandres representa un aspecto de la existencia humana. Necesito una historia porque las historias son el movimiento natural de nuestras vidas, nuestra conexión con los demás. Hacer el filme es como tejer. La guerra “Flandes”es la expresión del conflicto de nuestros deseos.

Bruno Dumont

Flandes Flandes Entrevista Bruno Dumont El cine de Bruno Dumont Consideraciones en torno a Dumont

Sesión suspendida, jueves 17 de junio, 20 h

2010-06-17T12:56:00.000+00:00

Cinemateca UGT. Nota informativa

La sesión prevista para el jueves 17 de junio, 20 h: Nazarín, de Luis Buñuel queda suspendida

Teatro en UGT
Jueves 17 de junio, 19.30 h

Las Niñas del tejar estrenan

AB IMO PECTORE
Desde lo más profundo del corazón

Cuatro personajes femeninos de la literatura grecolatina se enfrentan a textos contémporaneos ambientados en los años posteriados a la Guerra Civil española. Medea, Ariadna, Antígona y Penépole, cuatro historias que el tiempo no ha sido capaz de borrar

Jueves 17 de junio, 20 h. Nazarín, de Luis Buñuel

2010-06-15T18:39:00.004+00:00

Nazarín, de Luis Buñuel
Mexico, 1958. 94’. v.e. Digital
Único pase
Ciclo Luis Buñuel en México

En colaboración con el Instituto de México en España

En el México de principios del siglo veinte, el humilde cura Nazarín comparte su pobreza con los necesitados que habitan alrededor del mesón de Chanfa. Después de proteger a una prostituta que provoca el incendio del mesón, Nazarín se ve obligado a abandonar el lugar. En su camino, las acciones del religioso provocan una serie de conflictos que se oponen a su visión de la caridad cristiana.

Nazarín significó el primer encuentro entre dos grandes españoles: por un lado Buñuel, el cineasta más importante de habla hispana; por el otro, Benito Pérez Galdós, el más grande novelista español después de Cervantes. El proyecto rondaba por la cabeza de Buñuel desde 1948, cuando el director trabajaba en la adaptación de Doña Perfecta (1950), otra obra de Pérez Galdós de la cual Buñuel poseía los derechos.

Una triquiñuela del productor Francisco Cabrera dejó a Buñuel sin la oportunidad de filmar Doña Perfecta (1950), la cual terminó siendo dirigida por Alejandro Galindo. Tuvieron que pasar diez años, para que Buñuel tuviese de nuevo la oportunidad de llevar a la pantalla su particular visión del universo galdosiano.

El interés de Buñuel por Pérez Galdós fue tardío. En su juventud le parecía anticuado este escritor perteneciente a una generación famosa -la del 98- pero alejada de la suya, la del 27. Tuvieron que pasar varios años para que Buñuel comenzara a valorar los elementos y personajes de la obra de Pérez Galdós:

"Fue en el exilio cuando empecé de verdad a leerlo, y entonces me interesó. Encontré en sus obras elementos que podríamos incluso llamar 'surrealistas': amor loco, visiones delirantes, una realidad muy intensa con momentos de lirismo. Nazarín es una novela de su última etapa y no de las mejor logradas, pero su historia y su personaje son apasionantes, o por lo menos a mí me sugerían muchas cosas, me inquietaban."

La película significó la primera y única colaboración de Buñuel con el famoso productor independiente Manuel Barbachano Ponce, quien logró importantes aportaciones al cine mexicano, manteniéndose siempre al margen de la anquilosada industria oficial, la cual comenzaba a presentar serios problemas de burocratismo y cerrazón sindical.

Ubicada en el México del porfiriato, Nazarín fue criticada en un principio por no apegarse al contexto mexicano de principios de siglo veinte. "Eso no me importa mucho" decía Buñuel. "Si no es México ni España, es un país posible el que muestro en la película. Aparte de que ustedes saben que en muchos detalles -si no en esos, precisamente, sí en otros- México es muy español. Lo es y no lo es, eso lo hace más interesante."

Nazarín contiene varias de las más inquietantes y enigmáticas imágenes de la filmografía buñueliana. El Cristo que ríe, la niña que llora arrastrando una sábana por una calle vacía, el beso que se convierte en mordisco o la mujer entregando una piña al protagonista se han convertido en tema de inumerables discusiones en las que Buñuel, divertido, siempre se negó a participar. "A mí me intrigan tanto como a ustedes" decía. "No hay teorías ni metafísicas en mis películas."

cinemexicano.mty.itesm.mx

Nazarín Nazarín

Cinemateca UGT. 17 y 18 de junio de 2010

2010-06-14T12:19:00.004+00:00

Jueves 17 de junio, 20 h Nazarín, de Luis Buñuel
Mexico, 1958. 94’. v.e. Digital
Único pase
Ciclo Luis Buñuel en México

En colaboración con el Instituto de México en España

Viernes 18 de junio, 20 h Flandres, de Bruno Dumont
Francia 2006. 91’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo Guerra y Paz

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Este drama, interpretado en su mayoría por actores debutantes o pseudo-debutantes, gira alrededor de Demester (Samuel Boidin), un joven que reparte su tiempo entre la granja donde trabaja y Barbe (Adelaïde Leroux), una sensible adolescente, amiga desde la infancia, a la que no se atreve a considerar su novia.

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

2010-06-13T06:24:00.003+00:00

“En un principio había un árbol, un árbol en otoño…
Había perdido sus hojas,
pero aún tenía fruta para que comieran los pájaros”

Poema nocturno y onírico, viaje en primera persona, en el tiempo y en el espacio, que se inicia en un pequeño pueblo ruso y termina en el museo Boijmans de Rotterdam, patrocinador de la película, tras atravesar tempestades, mares ennegrecidos, rostros, bosques, carreteras iluminadas por los faros de los vehículos. Todas imágenes flotantes y suntuosamente encadenadas (montaje fluido y poético a lo Tarkovski, del que Sokurov siempre ha sido considerado heredero espiritual), siempre en movimiento pero con una calma propia de otra época, llevadas hasta el límite de la opacidad y que le permiten abordar, con exigencia y despojamiento extremo, asuntos próximos a lo indecible.

Una voz en off hipnotizante, la voz solitaria de un hombre que recuerda a la de El arca rusa, sobrevuela estas imágenes nostálgicas e irreales (esto sí una gran diferencia entre las dos películas), proporcionando un tono melancólico a sus recuerdos personales. Una relación religiosa con las imágenes, de gran poder evocador, que sin caer en el manierismo logra efectos ondulantes acordes con el clima onírico e irreal del relato.

La película se inicia con un árbol que ha perdido todas sus hojas pero que mantiene sus frutos. En los últimos minutos, ya dentro del museo, en un cuadro, filmado como los paisajes naturales que se han visto antes, bajo la luna, vemos un árbol en flor bajo la nieve. Sokurov protege las flores con sus manos en un intento de preservar la memoria colectiva, pasada y futura. Sólo el arte aporta el testimonio de lo que ha sido irremediablemente enterrado.

“A lo largo del trayecto en coche que nos lleva desde Rusia hasta el extremo de la Europa occidental, en todas las gentes que me encuentro, busco algo en sus ojos que me revele la alegría, la felicidad y el consuelo. Pero sólo lo pude encontrar en dos antiguos cuadros…”

Alexandre Sokurov

Cinemateca UGT. Sábado 12 de junio, 20 h: Dallo zolfo al carbone, de Luca Vullo/Un’ora sola ti vorrei, de Alina Marazzi

2010-06-10T17:33:00.000+00:00

Dallo zolfo al carbone, de Luca Vullo

Italia, 2008. 53’. v.o.s.e. Digital
Único pase
Ciclo Novísimos cineastas italianos
Patrocinio: Ambasciata d’Italia a

Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla,
Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di MadridAgradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

1946 Pacto ítalo-belga. Vendidos (por el Estado) por un saco de carbón. El paro, la explotación, la emigración, la ausencia de medidas de protección en el trabajo, los problemas de integración nos hacen re-vivir el viaje de miles de sicilianos hacia las minas de carbón de Bélgica.

Dallo zolfo al carbone es el retrato socio-histórico de la Italia de los años 40 que llevó a millones de jóvenes sicilianos a la esclavitud: la falta de trabajo, el problema de la migración, la explotación, la falta de seguridad en el trabajo, la integración y la pérdida de identidad. Temas que, tras más de medio siglo llenan todavía páginas de noticias y programas de televisión.

Un viaje por las entrañas de la tierra que el joven director nos lleva a revivir con la mirada hacia el pasado, cuando los italianos vendieron su país por un montón de carbón, que los convirtió en prisioneros negros, demonios en el infierno de las minas y la oscuridad.

Luca Vullo nació en Caltanissetta, en 1979. Su formación como cineasta comenzó en Bolonia, donde estudió cinematografía en el DAMS, asistió a varios talleres y laboratorios y trabajó en numerosas series.

Luego regresó a Sicilia, su tierra natal. Su primer viaje como director-narrador comienza con "UFUM veni si cunta", una historia socio-antropológico sobre una ciudad y el arte de valerse por sí mismos de su pueblo.

(En producción) La Voce del Corpo – Potenza e Magia della Gestualità Siciliana. 2008 , Dallo Zolfo al Carbone. 2007, Picciriddi. 2005, America Andata e Ritorno. 2005 , Caltanissetta Oro di Sicilia. 2005, La Settimana Santa a Caltanissetta. 2005, Un Caruso Senza Nome. 2003, Cume Veni Si Cunta.

Luca Vullo Dallo zolfo al carbone

Un’ora sola ti vorrei, de Alina Marazzi
Italia 2002, 55’ v.o.s.e.
Único pase
Ciclo Novísimos cineastas italianos

La película guía al espectador dentro del delicado y conmovedor territorio de la memoria a través de la lectura de diarios, cartas y de los historiales de las clínicas en las que Liseli Marazzi Hoepli pasó largos periodos, antes de suicidarse cuando su hija sólo tenía 7 años. A través de estos textos y de las imágenes de las películas rodadas por el abuelo ya desde 1926, Alina Marazzi descubre a su madre, reconstruye su rostro y la celebra a través del recuerdo. Una película sobre la nostalgia como sentimiento común, dulce, esencial y necesario para recuperarse de una pérdida.

“Mi madre nació en 1938 y murió en 1972, cuando yo tenía 7 años. Contar su historia a través de estas viejas grabaciones de mi abuelo para mí ha sido como devolver la dignidad al recuerdo de la persona que me trajo al mundo. Un regalo que quiero hacerme a mí, a ella, a todos los hijos y a todos los padres”.

(A.Marazzi)

Premios y festivales: Sheffield International Documentary Festival 2006: Panorama Buenos Aires International Festival Of Independent Cinema 2003: Focus On Italian Documentaries Festival International De Films De Femmes De Créteil 2003: A concurso: Documentary Feature-Length Films. Jerusalem International Film Festival 2003: Panorama. Lincoln Center - Open Roads 2003: Panorama. Newport International Film Festival 2003: Panorama. Festival Internazionale Del Film Locarno 2002: Concorso Video. Torino Film Festival 2002: Mejor Documental Italiano

Alina Marazzi. Nacida en Milán en 1964 y de nacionalidatd Suiza, Alina Marazzi ha trabajado como asistente de dirección para diversos largometrajes de ficción así como para proyectos de vídeoarte. Vogliamo anche le rose es su tercera película como directora y la primera como guionista.

Cinemateca UGT. Viernes 11 de junio, 20 h: Ballo a tre passi, de Salvatore Mereu

2010-06-09T17:13:00.005+00:00

Ballo a tre passi (Baile a tres pasos), de Salvatore Mereu

Italia, 2003. 107’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo Novísimos cineastas italianos

Patrocinio: Ambasciata d’Italia a
Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla,
Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di Madrid
Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

Dividido en cuatro episodios, Primavera, Verano, Otoño e Invierno, la película narra las historias de diferentes personajes de diferentes edades estrechamente vinculados con la cultura de Cerdeña. Cuatro historias en cuatro estaciones: Andrea, Peppeddu, Macangiu e Isten ven el mar por primera vez. Michele pierde la virginidad con una joven francesa que frecuenta su club de vela. Ziu Predu reencuentra a su hija después de largos años. Giorgio celebra el casamiento de una sobrina lejana...

El descubrimiento de un paisaje cinematográfico casi inédito, con rasgos de realismo y melodrama.

Es la ópera prima de Salvatore Mereu (Dorgali, 1965). En la Settimana della Critica de la Mostra de Venecia 2003 obtuvo el premio mayor. Selección oficial en los Festivales de Cine de Sundance y Rotterdam.

"Miradas afiladas, pequeñas epifanías. Muchos de los actores no son profesionales y están bien dirigidos, una búsqueda, a veces insistente del “realismo mágico” (conmovedor el último adiós de la aviadora, pletórico gran final). Un cierto intelectualismo enfría a los personajes y debilita la mirada de Mereu pero Ballo a tre passi es parte de un impulso en el florecimiento de los nuevos talentos de Cerdeña."(Fabio Ferzetti, Il Messaggero 3/09/03)

Salvatore Mereu. Graduado de DAMS de Bolonia y en Centro Experimental de Cinematografía de Roma (dirección). dirigió tres cortometrajes en los años 90, en 2004 ganó el David di Donatello al mejor director nuevo con su primer largometraje, Ballo a tre passi (2003). Su segundo largometraje, Sonetàula (2008) , basado en el libro de Giuseppe Fiori estuvo en la Berlinale en la sección "Panorama".

Notte rumena ( 1996 ), Miguel ( 1999 ), Il mare ( 2004 ), Ballo a tre passi ( 2003 ) , Sonetàula ( 2008 )

Ballo a tre passi