Artes plásticas

HESTIA, VESTA: DIOSA DEL HOGAR Y DE LOS TEMPLOS

2012-05-15T21:31:00.002+02:00

Hestia

Hestia es la diosa del hogar, del fuego ardiendo en un hogar circular, por ello el símbolo de Hestia es el círculo. Sus primeros hogares fueron redondos, así como sus templos.

Hestia fue la primera hija de Rea y Cronos: era la hermana mayor de la primera generación de dioses del Olimpo, y tía soltera de la segunda generación.

Afrodita hizo que Poseidón y Apolo se enamoraran de Hestia. Ambos la pretendían, pero Hestia les rechazó con firmeza, haciendo voto solemne de permanecer virgen para siempre. Hestia era la mayor de las tres diosas vírgenes. Al contrario de Artemisa y Atenea, no se aventuraba en el mundo para explorar la naturaleza salvaje o establecerse en una ciudad. Permanecía dentro de la casa o del templo.

En los rituales de evocación a Hestia es protagonista el fuego. Para que una casa se convirtiese en hogar se requería la presencia de Hestia. Cuando una pareja se casaba, la madre de la novia encendía una antorcha en su propio hogar y la llevaba ante la pareja recién casada para alumbrar su primer hogar. Este acto consagraba la nueva casa.

En Roma Hestia fue venerada como la diosa Vesta. Allí, el fuego sagrado de Vesta unía a los ciudadanos de Roma en una familia. En sus templos, el fuego sagrado era atendido por las vírgenes vestales, a las que se exigía encarnar la virginidad y el anonimato de la diosa. Las niñas elegidas para ser vírgenes vestales eran llevadas al templo antes de cumplir seis años. Vestidas de igual modo, con el cabellos cortado, se suprimía externamente todo lo que pudiera hacerles distintas e individuales. Una virgen vestal que mantuviera relaciones sexuales con un hombre, era castigada enterrada viva, sepultada en una pequeña cueva bajo tierra.

Templo Vesta

Como nos dice la wikipedia “El Templo de Vesta está ubicado al sur de la Vía Sacra. Es uno de los templos más antiguos de Roma. En este templo se custodiaba siempre encendido, so pena de grandes desdichas, el fuego sagrado en honor de Vesta, diosa del Fuego y del Hogar. El templo, circular se eleva sobre un podio de unos 15 metros de diámetro, la cella está rodeada por veinte columnas corintias embebidas. El techo era cónico y tenía una abertura para permitir la salida del humo. Dentro de la cella no se encontraba la estatua de culto, sino solo el fuego sagrado. Una cavidad trapezoidal que se abre en el podio y a la que se accedía solo desde la cella parece ser la ubicación del penus Vestae, donde se conservaban los objetos que Eneas trajo de Troya: el Paladio (imagen de madera de Minerva) y las imágenes de los Penates.”

GUERNICA

2012-04-28T21:05:00.002+02:00

El día 26 de abril de 2012 se cumplen 75 años del bombardeo de Guernica durante la Guerra Civil.

Por ese motivo os ofrezco este formidable documental de Radio Nacional de España, donde nos narran estos terribles sucesos y el nacimiento de la obra de Picasso "El Guernica".

ARTE AFROESTADOUNIDENSE, AFROCARIBEÑO, FEMINISTA Y GAY - LUCIE SMITH

2012-03-05T19:16:00.000+01:00

Estos artes los podemos englobar bajo el título de artes basadas en un tema.

El ARTE AFROESTADOUNIDENSE se consideró una de las maneras en que una minoría oprimida podía encontrar su voz. Las exposiciones de arte afroestadounidense fueron bastante frecuentes a comienzos y mediados de la década de 1970, como consecuencia del Movimiento por los Derechos Civiles. En la década de 1980 muchos artistas afroestadounidenses preferían enfatizar la naturaleza esencialmente independiente de su arte. La única área en que estos artistas mantuvieron una postura mucho más militante fue la obra realizada por mujeres. Su obra parecía tan preocupada por la especial posición de las mujeres negras en la sociedad estadounidense como con la identidad afroestadounidense en general. Sus vínculos con la tradición feminista son al menos tan fuertes como sus vínculos africanos.

Wadsworth A. Jarrell

El ARTE AFROCARIBEÑO en Gran Bretaña tiene una historia mucho más corta. Intenta tratar temas como la esclavitud, la discriminación racial y la identificación con un África idealizada.

El ARTE FEMINISTA representado por Judy Chicago “La cena” (1979). Teóricas feministas elaboraron nuevos enfoques críticos a la obra de arte y su función dentro de un contexto estético y social. Muchos de estos procedían de la filosofía estructuralista y postestructuralista francesa, es decir, la obra de arte era considerada como algo que modificaba la situación en que era puesta, y que cambiaba de carácter y significado a medida que cambiaba la situación misma. La teoría del arte feminista tuvo un profundo impacto en el desarrollo de la crítica del arte en general. Las artistas feministas se especializaron en el vídeo y performance. A menudo evitaron usar medios que invitaran a comparaciones directas con las tradiciones masculinas en pintura y escultura.

Judy Chicago

El ARTE GAY enseguida se transmutó en un arte que era una respuesta a la crisis del SIDA. El arte lésbico ha logrado mucha menos visibilidad pública que el arte gay masculino.

George Dureau

Las mujeres lesbianas han estado divididas entre el deseo de centrarse en temas de las mujeres y centrarse puramente en temas lésbicos.

Alma López

El problema de un arte puramente basado en un tema es que tiende a desvalorizar las emociones humanas universales. Otro problema es que ha tendido cada vez más a exprimir el sentimiento estético y reemplarlo por un didactismo árido y agresivamente moralizador. Todo lo que sabemos acerca de lo que llamamos arte sugiere que el impulso de hacerlo y llegar a entregarse a él tradicionalmente tiene mucho que ver con el funcionamiento del principio del placer. La búsqueda de la moralidad como un fin en sí mismo a la larga se vuelve fatigosa. Las tácticas de choque, que van juntas con el nuevo moralismo solo ofrecen respuestas menguantes.

Delmas Howe

DESDE LOS MÁRGENES DEL ARTE– LUCIE SMITH

2011-11-13T19:50:00.001+01:00

Desde mediados de los 60, se produjo un reconocimiento del arte que en Europa y EEUU solía considerarse procedente de los márgenes. El arte modernista se desarrolló en Europa o en los EEUU. La única excepción fue el arte realizado en América Latina. Durante la primera mitad del s. XX este pasó por dos fases:

El modernismo se estableció de manera provisional en América del Sur y Central, el Caribe hispanohablante y Méjico.
Los muralistas mejicanos se establecieron como las figuras características del modernismo latinoamericano.

La 1ª fase está representada por la pintora brasileña Tarsila do Amaral y el movimiento antropofagia al cual pertenecía. La artista debía devorar todas las influencias externas y transformarlas en algo completamente nuevo.

Tarsila do Amaral

La 2ª fase está relacionada con Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Sequeiros. El muralismo era un instrumento eficaz del nacionalismo y el radicalismo político mejicanos.

Diego Rivera

Durante la década de 1940, cuando el movimiento expresionista abstracto estaba poniéndose en marcha en EEUU, en América latina apareció una nueva forma de constructivismo.

A pesar de la idea preconcebida de que el arte latinoamericano era fundamentalmente surrealista, era muy variado y no seguía un modelo establecido. Los artistas en los países que fueron el emplazamiento de las grandes civilizaciones indias, como Perú y Méjico, miraban hacia sus remotos predecesores en busca de inspiración, aunque tanto los formatos verdaderos como las formulaciones intelectuales de este arte han seguido siendo en esencia occidentales.

Entre los logros más importantes del arte latinoamericano tras la hegemonía moralista están los artistas Antonio Berni, Jacobo Borges, Fernando Botero, Frida Kahlo.

Frida Kahlo

En las décadas de 1970, 1980 los artistas latinoamericanos se fascinaron con el arte conceptual y la instalación. Victor Grippo, lideró esta tendencia argentina.

Victor Grippo

La obra de Guillermo Kuitcá no muestra influencia indigenista ni precolombina.

Guillermo Kuitcá

En Brasil ha habido una rica producción de obra conceptual y de lugar específico. Gusto por los materiales inesperados e insustanciales, afinidad con el arte povera.

Hélio Oiticica

Chile ha visto la aparición de una nueva vanguardia “Escuela de Santiago”. Grupo unido por la similitud de ciertas actitudes: aproximación al negocio de hacer arte.

Eugenio Dittborn

Hay similitudes reales entre el nuevo arte chileno y otras clases de arte modernista de centros apartados de los centros de innovación como París y Nueva York. Ejemplo el arte de la perestroika. En la década de 1980 se vio que los más interesantes de los nuevos artistas rusos no dependían de un imperfecto conocimiento del desarrollo de la vanguardia en Occidente, sino de una estrecha familiaridad de las codificaciones del establishment del arte oficial soviético.

Eric Bulatov

La nueva vanguardia japonesa de 1980 también se ha preocupado por la idea de la codificación cultural. Tras la II Guerra Mundial, recibió influencias norteamericanas y europeas. Grupo Gutai. Sus cuadros abstractos y de pincelada libre, con una fusión de caligrafía oriental tradicional y las tendencias de la pintura abstracta de la década de 1950 de Nueva York y París. Obras environmentales y actos artísticos que parecen precursores del arte povera.

El arte de vanguardia japonés más reciente toma un rumbo muy diferente. Básicamente conceptual, contra la cultura occidental, sus valores culturales y morales inmutables.

Yasuma Morimura trabajó con fotografías. Se cuestiona las jerarquías occidentales.

Yasuma Morimura

Yukinori Yanagi. “Granjas de hormigas de banderas” alegoría de la inutilidad del nacionalismo. Exquisita artesanía.

Yukinori Yanagi

Arte del África moderna. Una de sus características es que constituye una reacción ante la situación como es en realidad, no como los occidentales querían que fuera.

John Muafangejo. Sus grabados tratan muchos temas. Sus antecedentes tribales, los proverbios africanos, la situación política, su propia fe cristiana. Hay un tema principal subyacente: el proceso de destribalización. Sus imágenes no son el producto de una conciencia colectiva, sino las de un hombre individual, aislado.

John Muafangejo

Chéri Samba. Su obra es satírica y con frecuencia alegremente cínica. Muestra el fuerte dinamismo narrativo típico de la cultura africana, pero tiene poca semejanza con el arte africano tradicional. Su obra es un vívido reflejo de la vida africana de hoy en día, que es contemporánea.

Chéri Samba

Pinturas de los aborígenes australianos. En su origen no fueron espontáneos, sino instigadas por Geoffrey Bardon. Este animó a los miembros de la comunidad a pintar murales y posteriormente tablas, a crear obras basadas en los sueños tradicionales, las imágenes y símbolos tradicionales. Los espectadores no aborígenes ven y asimilan esta obra desde un contexto occidental, haciéndola asimilable por la tradición de arte abstracto occidental. Por ello el arte aborigen se vuelve modernista sin pretenderlo. La clase de obra que estos países realizan está afectada por sus propias tradiciones, por sus historias políticas, sociales y económicas recientes.

Corea del Sur, a diferencia de China, ha estado expuesta durante mucho tiempo a las ideas culturales occidentales, en especial estadounidenses. Sin embargo, hay determinadas áreas del arte chino y coreano moderno que tienen mucho en común. La pintura en el tradicional estilo de tinta y pincel continúa siendo importante en ambas. El arte coreano ha sido en su mayor parte abstracto y ha tendido a encontrarse a sí mismo.

Ha Chong Hyun

En China, las ideas occidentales estuvieron teóricamente prohibidas durante el período de la Revolución Cultural, aunque en realidad una clase de arte apoyada por el régimen fue un estilo de arte de propaganda fotorrealista que debía mucho al realismo socialista soviético. La otra clase fue la alegre y optimista pintura Folk realizada por los campesinos. El nuevo arte chino adoptó dos formas: environmental art y performance art, y una nueva variedad de pop art.

En Nueva Zelanda las formas modernistas conocidas a partir del arte hecho en Europa y EEUU son similarmente apropiadas y convertidas en el vehículo para las imágenes específicas de la región y para temas de interés local urgentes La preocupación del arte reciente ha sido la relación entre la cultura maorí y la de la comunidad pakeha o “blanca”. La obra de la defensa de la ecología de Nueva Zelanda.

Robyn Kahukiwa

India. Los artistas modernistas indios han tenido una ardua lucha por sobrevivir, a causa de la falta de un mecenazgo local y muchos se vieron obligados a hacer sus carreras fuera del país. La obra de Bhupen Kakhar es una mezcla de elementos orientales y occidentales. Su obra es significativa porque demuestra la inmensa gama de información visual actualmente disponible para un pintor comparativamente pobre y que vive y trabaja en una región remota.

Bhupen Kakhar

ARTE NORTEAMERICANO EN LA DÉCADA DE 1980 – LUCIE SMITH

2011-10-31T12:49:00.000+01:00

A partir de mediados de la década de 1970, en EEUU sobre todo, hubo una sensación de que el viejo sistema que había gobernado el desarrollo del modernismo estaba empezando a desintegrarse. Un profundo malestar estaba empezando a corromper el mundo del arte. Este sentimiento quedó eclipsado en cierta medida por el boom del arte de la década de 1980.

Nueva York seguía siendo el árbitro de lo que era importante. Los artistas extranjeros continuaban yendo a Nueva York.

David Salle y Eric Fischl “Bad painting”, usaban las técnicas tradicionales de una manera apenas adecuada para las tensiones que los artistas imponían.

Fischl mostraba en su obra el sentimiento de dificultad e inseguridad que uno experimenta ante los acontecimientos de emoción profunda de su propia vida.

Eric Fischl - Bad boy

La obra de Salle es un refrito de ideas tomadas del pop art. Influido por las nuevas técnicas fotográficas como la holografía. Usa una gama ecléctica de imágenes chocantes e imágenes estéticas sutilmente mal emparejadas.

David Salle

En Nueva York había espacio para la abstracción total, como para el neopop.

Peter Halley se dedicó a la abstracción. Diagramas sociales.

Peter Halley

Philip Taaffe también trabaja con la abstracción. Representa esquemáticamente los modelos sociales y económicos.

Philip Taaffe

Los objetos de Haim Steinbach y Allan McCollum, (Neopop) están pensados para ser examinados dentro de un contexto social, no por si mismos. Steinbach sugiere que levantamos altares para los objetos más simples y humildes.

Haim Steinbach

Las obras de McCollum son el resultado de un examen del proceso mediante el cual aprendemos a dar nuestro entorno por sentado. El objeto pierde su identidad funcional y se convierte nada más en un signo.

Allan McCollum

Jeff Koons. Neopop. Reconstrucciones de los más bajos niveles del kitsch tridimensional: Pantera Rosa, burbujas de porcelana, osos y ángeles, etc. Detrás de su vulgaridad debe haber algún propósito didáctico.

Jeff Koons

Robert Gober. Sustituye la agresión abierta de Koons por una burla elusiva.

Robert Gober

Mujeres artistas como Elizabeth Murray y Jennifer Bartlett, tienen un vínculo más fuerte con el mundo de la percepción directa que el de sus compañeros varones.

Elizabeth Murray

Jennifer Bartlett

Para los Gemelos Stara, la imagen del Cristo muerto de Hans Holbein en Basilea es material para una obra de fotografías, un “Cristo estirado”.

Tim Rollins en el Salón de la Fama del Bronx Sur intentan unir un arte de vanguardia con la clase de preocupación social de moda en la década de 1930. Rollins trabaja con un grupo de adolescentes desvalidos del Bronx Sur en cuadros colectivos que son ilustraciones de clásicos literarios.

Tim Rollins

John Ahearn. Utiliza la técnica del vaciado del natural para hacer retratos.

John Ahearn

Rigoberto Torres. Sus esculturas han ganado la aceptación de sus temas por su verosimilitud directa.

Rigoberto Torres

Aceptación de Ahearn y Torres en el mundo del arte por el vínculo con el pop art y con escultores superrealistas y porque la obra está orientada hacia la comunidad y dirigida hacia la mejora social. Arte basado en un tema.

La década de 1980 experimentó un despertar del poder de Nueva York respecto del resto del mundo del arte estadounidense. Las rebeliones contra la hegemonía de Nueva York no eran nuevas. La rebelión de la década de 1950, en y alrededor de San Francisco, contra la obsesión de nueva York por el arte no figurativo. El regreso a la figuración se transformó en “funk art” y de este nació la clase de arte narrativo, fuertemente influido por la fantasía personal, que es típica de gran parte de la reciente pintura de San Francisco. La pintura de los pintores pop californianos en cierto modo es paralela a la realizada por los colegas en el movimiento pop de Nueva York. El arte más genéricamente del sur de California es la obra de artistas que manipulan la percepción de luz y espacio del público.

Mike Kelley se burla de manera salvaje del infantilismo californiano. Es el sincero cronista de una cultura degradada.

Mike Kelley

En Illinois están los imaginistas de Chicago, artistas afiliados al pop art que evocan la cultura popular. Entre los más famosos imaginistas de Chicago estaban Ed Paschke y Roger Brown. La obra de ambos, con su matiz de intensidad expresionista y su frecuente uso de insistentes modelos repetitivos, fue muy influyente.

Ed Paschke

Roger Brown

Influencias surrealistas y pop en Jim Nutt y Gladis Nilsson.

Gladis Nilsson

Golub fue profundamente serio en cuanto a su tono.

Golub

Los pintores de Chicago en comparación eran alegres, sardónicos y muy implicados en la cultura popular.

Los cuadros de David Bates rinden homenaje a una tradición de pintura popular establecida en Texas.

David Bates

El arte de Seattle en los 80 y 90 cubre una extensa gama, con la misma predisposición hacia una alianza arte/artesanía que puede observarse en el norte de California.

Es fácil separar el arte estadounidense que no está centrado en Nueva York pues es inherentemente menos sofisticado que el producto metropolitano. En el sentido de que está menos inmediatamente influido por modas artísticas del momento.

ATENEA – MINERVA DIOSA DE LA SABIDURÍA Y DE LA ARTESANÍA

2011-10-07T21:55:00.001+02:00

Gustav Klimt 1989 Oleo 75 x 75 cm

Atenea es la diosa griega que se corresponde con la diosa Minerva de los romanos.

Es la diosa de la guerra, la civilización, la sabiduría, las artes, protectora de héroes y de la ciudad de Atenas. Dirigía las estrategias en tiempo de guerra y las artes domésticas en tiempos de paz. Protectora de las ciudades, y señora de los tejedores, herreros, alfareros y sastres.

Atenea era hija de Zeus y de Metis. Metis fue la primera consorte real de Zeus. Cuando Metis estaba embarazada de Atenea, Zeus la engaño haciéndola pequeña y tragándosela. Pasado el tiempo, Zeus sufrió de un gran dolor de cabeza. Hefestos, dios de la forja, le golpeó la cabeza con un hacha abriendo una vía por donde emergió Atenea. La diosa que salió de la cabeza de Zeus, era una mujer adulta que portaba una coraza de oro y una lanza en la mano. Su primer contacto con el mundo fue su grito de guerra.

No se casó, permaneció siempre virgen. Su animal sagrado era la lechuza y su árbol preferido el olivo.

NEOEXPRESIONISMO EN LA DECADA DE 1980 – LUCIE SMITH

2011-09-26T12:26:00.000+02:00

Los radicales ataques realizados contra la pintura tradicional continuaron encontrando resistencia desde dentro y desde fuera del mundo del arte. El regreso a una atmósfera receptiva a la pintura lo marcó la exposición “Un nuevo espíritu en pintura”, que ofreció la Royal Academy of Arts, de Londres en 1981.

Lucian Freud. Participó en esta exposición. Era un pintor figurativo de clase tradicional, dependiente de la presencia del modelo en el estudio, solo interesado en lo que podía observar en esas circunstancias. Ha muerto recientemente.

Lucian Freud

Jean Rustin. Pintor figurativo. Los desnudos que pintó son el reflejo de un mundo inhóspito, aislado, privado de esperanza.

Jean Rustin

El principal empuje de “Un nuevo espíritu en la pintura”, fue la promoción de una tendencia neoexpresionista en arte que estaba estrechamente identificada con la República Federal de Alemania.

Georg Baselitz y A. R. Penck. Son dos de las figuras más destacadas del neoexpresionismo alemán. Pero aunque pioneros de la nueva tendencia, fueron en algunos aspectos atípicos de ella. Ambos estaban interesados por el “cómo“ de la pintura antes que por el “por qué”, por el método antes que por el contenido.

Greorg Baselitz

Penck creó un lenguaje de símbolos gráficos que anticipaba el movimiento de los graffiti de Nueva York.

A. R. Penck

Otros miembros del grupo neoexpresionista se centraron directamente en Alemania y sus problemas.

Anselm Kiefer. Produjo un complicado sistema de imágenes que incorporaba elementos de la leyenda alemana, la filosofía esotérica, la II Guerra Mundial y la poesía de Paul Celan. Su obra puede compararse con los cuadros políticos realizados por los artistas de la época romántica temprana.

Anselm Kiefer

El neoexpresionismo se desarrolló también en EEUU e Italia.

Philip Guston. EEUU. Originariamente expresionista abstracto de la posguerra. Pero a finales de los 60 se produce un repentino regreso a la obra figurativa, con cuadros atrevidos y toscos. Guston convirtió su obra en un vehiculo autobiográfico, con una crítica salvaje de la sociedad estadounidense.

Philip Guston

Leon Golub. Sus cuadros, caracterizados como realistas socialistas, también reflejan una profunda angustia por lo que estaba sucediendo en el mundo.

Leon Golub

Julian Schnabel. Utiliza en sus obras fragmentos de cerámica rota, para subvertir la posibilidad de cualquier fluidez del dibujo. Emplea imágenes de los grandes temas humanistas.

Julian Schnabel

Susan Rothenberg y Ferry Winters tienden a ser monocromáticos.

Rothenberg pinta imágenes arquetípicas en un esbozo deliberadamente simplificado, dotados de fuerza simbólica.

Susan Rothenberg

Winters logra un efecto similar. Tendencia a la fragmentación, haciendo que la parte represente al todo.

Ferry Winters

Los cuatro artistas italianos más estrechamente vinculados a la tendencia son Sandro Chia, Francesco Clement y Enzo Cucchi y Mimmo Paladino. Se discute que sean miembros de la transvanguardia. La idea era escapar de las doctrinas de la vanguardia y de algunos de los aspectos más puritanos del arte povera. Por ello, encontramos un fuerte elemento de parodia en la pintura neoexpresionista italiana, evidente en la obra de Chia con sus figuras burlescas y heroicas.

Sandro Chia

El más ecléctico de ellos es Francesco Clemente.

Francesco Clemente

El más tradicionalmente expresionista es Cucchi.

Enzo Cucchi

El más personal y visiblemente italiano es Paladino. Gran parte de su obra está arraigada a fuentes antiguas pero no clásicas. Su obra posee una cualidad distintivamente hierática y poco realista. De todos los artistas que han sido clasificados como neoexpresionistas él es el único, aparte de Guston, que produce el impacto más coherente y poderoso.

Mimmo Paldino

ARTE POVERA, POSMINIMALISMO Y SU HERENCIA – LUCIE SMITH

2011-09-13T10:48:00.001+02:00

La afirmación básica del ARTE MINIMALISTA era el arte por el arte. Sus referencias eran los objetos y las actividades cotidianas.

Bruce Nauman. Conflicto entre tema y no tema. Conceptual y pop. Su obra no posee una identidad estilística e incluso física reconocible. Cada pieza existe como una entidad independiente. A veces irónico. Tiene mucho en común con el minimalismo.

Bruce Nauman

El escepticismo respecto del estilo como un fin en sí mismo se hizo evidente en Europa a comienzos de los 70, con la aparición del ARTE POVERA. Antiformal, privado, esquivo e interesado en la naturaleza esencial de los materiales usados. Hijo del pop art estadounidense como de las influencias minimalistas y conceptuales. Principalmente italiano.

Giovanni Anselmo y Giuseppe Penone. Hacen instalaciones en las cuales utilizaban materiales toscos o pobres para evocar la poesía de la naturaleza.

Giovanni Anselmo

Giuseppe Penone

Jannis Kounellis. Tono más oscuro e industrial. Usa elementos naturales incluyendo animales vivos.

Jannis Kounellis

El arte povera, a pesar de un considerable éxito en Europa y una aceptación definitiva en Estados Unidos, no pareció causar mucho impacto en Gran Bretaña. Pero hay similitudes entre artistas como Anselmo y Penone y la obra de los escultores del ARTE DE LA TIERRA como Long y Goldsworthy.

Richard Long

Goldsworthy

Similitud entre algunas de las obras tempranas de Cragg, hechas a partir de fragmentos de detritos urbanos y el arte povera. Cragg expresa preocupaciones sociales y rechaza a la sociedad de consumo.

Tony Cragg

Woodrow y David Mach transforman artículos y equipo desechados en fantásticas imágenes nuevas.

David Mach

Anish Kapoor. Ha utilizado el legado tanto del arte povera como del arte minimalista. Sus formas simples, cubiertas de intensos colores en polvo, recuerdan a los objetos rituales del tantrismo hindú. Fascinado por la idea de ausencia. Representa una renovación de algunas de las ideas básicas del arte povera británico.

Anish Kapoor

El arte povera desplazó la atención del espectador desde el objeto individual a la colocación. El arte povera fue también un intento por alterar la naturaleza del arte, para suprimir su dependencia de la idea de peculiaridades estilísticas identificables y para cambiar su relación con su público.

En los últimos tiempos, la palabra escultura ha adquirido una nueva serie de significados. Han surgido autores que han utilizado el arte para aceptar sus opiniones acerca de sus obsesiones o historias del pasado, creando así una serie de efectos privados aunque deliberadamente teatrales.

Eva Hesse. Sus esculturas blandas y estructuras a modo de escalera parecen misteriosos ecos de sus propios traumas psicológicos.

Eva Hesse

Louise Bourgeois. Su obra es una meditación sobre el pasado, y una liberación de la ira. Cuadros vivos alegóricos casi surrealistas, repletos de alusiones sexuales de diversas clases.

Louise Bourgeois

Ann Hamilton. Artista environmental estadounidense. Utiliza materiales orgánicos.

Ann Hamilton

Rebecca Horn. Artista de instalación, performance, acción, vídeo y cineasta. Poder de transformación de los materiales. Interacción de los cuerpos y las máquinas.
Robert Gober. Su obra tiene una cualidad perturbadora, aunque evasiva. Su obra transmite un inquieto malestar. Eso no procede de los objetos individuales sino de las relaciones entre ellos.

Robert Gober

Damien Hirst. Su obra implica varios animales muertos y pescados conservados en tanques de formaldehído. Como en el arte conceptual, el proceso de realización era simplemente cuestión de dar una forma física incontrovertible a una metáfora visual.

Damien Hirst

El tema extremo presentado de manera desapasionada ha existido también en la obra de los artistas del vídeo en las décadas de 1980 y 1990.

Bill Viola. Ha realizado elaborados environments que ofrecen íntimas revelaciones de su propia psique presentados con aire triunfal.

Bill Viola

ESCULTURA ABSTRACTA, ARTE MINIMALISTA, ARTE CONCEPTUAL – LUCIE SMITH

2011-09-06T15:42:00.000+02:00

Durante la década de 1960 se produjeron cambios radicales en la escultura.

David Smith. Su obra era el producto de una civilización tecnológica altamente desarrollada. Su obra se fue haciendo más grande en escala y se fue liberando de las convenciones de la escultura estadounidense contemporánea. Smith no pensaba en términos de obras individuales, sino que iba realizando cambios de una sola idea en una serie, hasta que sentía que había llegado lo suficientemente lejos. En los 60 cambió hacia un estilo completamente abstracto. Utilizaba formas básicas prefabricadas.

David Smith

Anthony Caro. También utilizó partes de acero prefabricadas, que reunía en composiciones grandes y extensas. Su obra de los 60 tiene un énfasis horizontal. Sus esculturas son devoradoras de espacio y de terreno. Caro prefería los espacios cerrados para su escultura.

Anthony Caro

Aunque Smith y Caro parecían indicar la evolución de la escultura para el futuro, Caro en la obra de 1980 y 1990 tendió a volver a las técnicas tradicionales. Los dos estaban interesados en crear formas complejas, pero estas constaban de unidades industriales muy simples. Caro tendió a desmaterializar sus esculturas, pintándolas con un color unificador que intensifica la incertidumbre acerca del peso visual del objeto.

La evolución del pop art fue paralela a los cambios radicales en el campo de la abstracción.

El OP ART (opuesto al pop art) era una abstracción que confiaba tanto en los efectos ópticos como cinéticos. Las reacciones fisiológicas del ojo producían una ilusión de movimiento, o bien los objetos de hecho utilizaban el movimiento real.

Victor Vasarely. El cinetismo fue importante para él. Interesado por los cuadros, obras compuestas en planos separados, y por las pantallas y objetos tridimensionales. Las obras estáticas confían su movimiento a la acción de la luz y los fenómenos ópticos. El cuadro se completaba mediante el acto de mirar.

Victor Vasarely

Bridget Riley. Artista menos austera y más instintiva que Vasarely. Su obra intenta representar las fuerzas de la naturaleza.

Bridget Riley

Los objetos de arte cinético tridimensionales podían seguir siendo estáticos, o podían de hecho moverse: móviles y objetos impulsados mecánicamente. El revival de objetos de esta clase fue principalmente la obra de artistas latinoamericanos.

Jesús Rafael Soto. Realizó cuadros que creaban su efecto mediante la repetición de unidades. Más tarde Soto se interesó por los efectos de superimposición. Las obras más intensas de Soto son grandes pantallas de varas colgantes.

Jesús Rafael Soto

Del op art evolucionan el ARTE MINIMALISTA y el ARTE CONCEPTUAL.

El minimalismo causó un gran impacto en EEUU, y se estableció como un importante fenómeno del arte nuevo, mediante la actividad de artistas que trabajaban sobre todo en 3 dimensiones.

Richard Serra. Autor de transición. Sus obras tienen una cualidad dinámica derivada de su inestabilidad física, suelen ser asimétricas. Hay un elemento contenido de expresionismo en gran parte de su obra que la hace atípica del arte minimalista tomado en conjunto.

Richard Serra

Tony Smith. Minimalismo estadounidense. Gran parte de su obra refleja su experiencia arquitectónica. Muchas de sus esculturas consisten en cajas rectangulares unidas. Fuerte elemento de lo conceptual además de lo minimalista. Concentración en lo deliberadamente inexpresivo.

Tony Smith

Donald Judd fue uno de los artistas minimalistas más elocuente.

Donald Judd

Para Robert Morris la simplicidad de la forma no equivale necesariamente a simplicidad de experiencia.

Robert Morris

Los artistas minimalistas no deseaban realmente expresarse a la manera antigua. Había un sentido de ordenamiento. Los artistas proporcionaban una imagen parcial de un orden completo, y dejaban que el espectador añadiera el resto en su imaginación.

Esto sucede en gran parte de la obra de Sol Le Witt.

Sol LeWitt

Otra forma de arte minimalista es la alteración del espacio.

Daniel Buren utiliza dibujos de rayas para enfatizar el carácter de una habitación o serie de habitaciones.

Daniel Buren

Dan Flavin. Utiliza longitudes rectas de tubos fluorescentes. El minimalismo se encuentra con el arte cinético. Considera que su material no es solo luz, también espacio.

Dan Flavin

Larry Bell. Artista californiano del grupo “luz y espacio”. Ha hecho cubos de vidrio y esculturas más grandes, láminas de vidrio revestidos. El objeto de arte son los efectos pasajeros de reflexión y transparencia.

Larry Bell

James Turrell. Roden Crater, excavación y alteración de un volcán apagado en Sedona, desierto de Arizona. Intención de crear una serie de experiencias que con fenómenos ópticos causan un impacto casi místico en el espectador. Ha creado efectos de luz similares en museos y galerías. Su obra también tiene vínculos con el arte de la tierra. Arte minimalista en gran escala.

James Turrell

Robert Smithson. “Muelle en espiral”. Estructura en espiral gigante de piedras y tierra. Arte de la tierra distante y efímero.

Robert Smithson

Richard Long. Intervenciones directas en el paisaje en lugares remotos e instalaciones. Utiliza fotografías, diagramas y textos escritos para documentar su obra. Arte conceptual y minimalismo.

Richard Long

Andy Goldsworthy. Trabaja de manera similar.

Andy Goldsworthy

El ARTE CONCEPTUAL trata de abolir lo físico, intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Arte de diseños mentales. Surgió en la 2ª mitad de la década de los 60.

Joseph Kosuth es un seguidor de este arte. Algunas veces, de manera paradójica, el arte conceptual se volvía totalmente físico.

Joseph Kosuth

Dennis Oppenheim. BODY ART, donde el masoquismo es una característica frecuente.

Dennis Oppenheim

La idea de la desmaterialización artística cierra aquí el círculo y está vinculada a las acciones y gestos físicos, a menudo unidos a la noción de arte expresión de sufrimiento y sacrificio personal. Ya no era un arte sin tema, el tema era el artista. El arte conceptual experimentó un fuerte revival a finales de los 80.

ARTEMISA DESPIADADA

2011-08-25T13:02:00.002+02:00

Diana de Versalles, copia romana de la escultura helenística

Artemisa, o Diana como la llamaban los romanos, hija de Zeus y de Latona, era esbelta y guapa, correteaba por los montes y los prados vestida con una túnica corta, con arco y flechas, rodeada de perros cazadores y ninfas.

Pero además de adorable, era implacable con sus enemigos y defensora a ultranza de su madre.

En una ocasión su madre iba a visitar a Apolo, su hijo, y en el camino el gigante Ticio intentó violarla. Artemisa disparó con su arco y flecha a Ticio y lo mató.

En otra ocasión Níobe insultó a su madre. Entonces Apolo mató a los seis hijos de Níobe y Artemisa a las seis hijas. Y Níobe fue convertida en una columna de piedra llorosa.

Ocurrió que estaba Artemisa bañándose con otras ninfas en una poza escondida, fue entonces cuando el cazador Acteón descubrió accidentalmente la poza y se quedo mirando embobado. Artemisa le salpicó agua en la cara y lo convirtió en ciervo. Posteriormente fue presa de sus propios perros de caza, que lo despedazaron.

Artemisa, diosa de la caza y de la luna, es la personificación del espíritu femenino independiente, arquetipo del movimiento feminista.
Tal vez te pueda interesar el origen de Artemisa

ARTEMISA - DIANA CAZADORA

2011-08-22T17:28:00.000+02:00

Diana dándose un baño - Francois Boucher

Artemisa, o Diana, como la llamaban los romanos, era la diosa de la caza y de la luna. Era la hija de Zeus y Latona. Era hermana gemela de Apolo, dios del sol. Su madre, Latona, era una deidad de la naturaleza. La esposa de Zeus era Hera. Todos temían a Hera y por eso no acogieron a Latona en el momento del parto. Finalmente dio a luz en la isla de Delos. Primero nació Artemisa, y esta le ayudó en el difícil parto de Apolo, que duró nueve días. Cuando Artemisa tenía tres años fue con su madre al monte del Olimpo para conocer a su padre Zeus y demás parientes. Su padre le dijo que pidiera lo que quisiera. Ella pidió arco y flechas, perros para cazar, ninfas, una túnica corta para poder correr y castidad eterna. Todo esto le fue concedido.

POP ART, ENVIRONMENTS Y HAPPENINGS – LUCIE SMITH

2011-08-06T15:17:00.014+02:00

El Pop Art fue una reacción contra el expresionismo abstracto. A medida que el expresionismo abstracto comenzó a agotarse, el interés por la textura llevó a los artistas a experimentar con los materiales. Exploraron las posibilidades del collage, que se convirtió en el “arte del assemblage”, un medio de crear obras casi completamente a partir de elementos preexistentes, en los cuales la aportación del artista consistía más en establecer los vínculos entre objetos diversos. El assemblage provocó una reconsideración radical de los formatos en que las artes visuales podían actuar. Aportaba un punto de partida para el environment y el happening.

Algunos artistas que realizaban assemblages no se apartaron mucho de las fuentes originarias. Otros artistas entraron en la categoría de “neodadaístas”, querían explorar la idea de lo mínimo, lo inestable y lo efímero en lo que hacían.

Robert Rauschenberg. Pintó una serie de cuadros totalmente blancos y luego una serie totalmente negros. Después comenzó a orientarse hacia la “combine painting”, una superficie pintada se combina con diversos objetos pegados a esa superficie. Su filosofía consiste en que el artista no cree algo separado y cerrado, sino que realice algo que vuelva al espectador más abierto, más consciente de sí mismo y su entorno.

Robert Rauschenberg

Jasper Johns. Su obra es más disciplinada e irónica. Usa imágenes sencillas y banales. Interesado por la inercia pictórica y por la pintura como objeto más que como representación.

Jasper Johns

Estos dos autores se alejan de la pintura pura.

Existe un desplazamiento hacia el cuadro vivo.

Edward Kienholz. Funk art. Gusto por lo complejo, enfermizo, andrajoso, extraño, vulgar, viscoso, sexual, como opuesto a la pureza impersonal de gran parte del arte contemporáneo.

En Europa un equivalente al neodadaismo estadounidense lo proporciona el “nuevo realismo”, que registra la realidad sociológica sin la menor intención polémica.

Edward Kienholz

Arman. Acumulaciones de objetos de la misma clase hechas al azar.

Arman

Christo. Famoso por sus empaquetados de objetos voluminosos.

Christo

Yves Klein. Deseo de alejarse de la idea de arte. Adoptó varios métodos poco ortodoxos de realizar obras de arte: lanzallamas, muchachas embadurnadas de pintura tirándose sobre lienzos. Relación con los dadaístas originales y con determinados artistas contemporáneos: Lucio Fontana, Piero Manzini. Klein es uno de los profetas del pop art. Uso de la monotonía.

Yves Klein

Los factores que crearon el pop art tenían mucho que ver con la cultura urbana de Gran Bretaña y EEUU en los años de posguerra. Muchos de los artistas vinculados al nuevo realismo juguetearon con el pop art.

El pop art comenzó en Gran Bretaña por el grupo Independent Group. Se sentían fascinados por la nueva cultura popular urbana, en particular por sus manifestaciones en EEUU.

En 1956, el Independent Group organizó una exposición titulada “Esto es mañana”, que proponía atraer al espectador a una serie de environments.

Richard Hamilton expone un collage titulado “¿Qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?”, que creó muchas de las convenciones del pop art. Hamilton buscaba popularidad, transitoriedad, prescindibilidad, ingenio, atractivo sexual, incentivo y encanto y debía ser económico, fabricado en serie, joven y muy rentable. Estas son las cualidades que iban a venerar los artistas pop británicos De todos los artistas pertenecientes al grupo, Hamilton es el único que puede clasificarse como pop.

Richard Hamilton

Pintores británicos transicionales:

Peter Blake. Se autodefine como realista. Añora la cultura de los años 30 y 40. Procura estar siempre un poco anticuado.

Peter Blake

Richard Smith. Las obras más tempranas se basaban en empaquetados. Sensibilidad al color. Pasó por la experiencia del pop art y llegó a una posición que se asemeja a la de los artistas estadounidenses del colour painting. Pasó a la pintura acrílica y abandonó los formatos tradicionales.

David Hockney. Artista de dotes precoces. En su obra temprana adoptó un estilo faux-naïf de caricatura, grabados. Posteriormente su pintura se volvió más estricta y preocupada por el naturalismo. Posteriormente Hockney encontró el realismo demasiado limitado, e hizo una serie de paráfrasis del arte moderno clásico. Hizo collages de fotografías. Más tarde regresó a las pinturas casi abstractas.

David Hockney

Allen Jones. Su obra temprana era cautivante porque irradiaba un aire de disfrute no carente de humor satírico. Interesado por las metamorfosis, las transformaciones y las ambigüedades visuales. Muestra una fantasía especialmente hábil e ingeniosa con lienzos de forma no rectangular. Tendencia a volverse cada vez más duro y más estridente.

Allen Jones

R.B.Kitaj. Artista hermético. La actitud del espectador debe ser intelectual. Es un dibujante totalmente dedicado y excelente, que mejora sin cesar y un colorista bastante estricto. Utilizó la serigrafía con gran ingeniosidad. A partir de los 70 su obra profundizó en significado y alusión a temas autobiográficos y judíos en cuadros cada vez más narrativos realizados de forma más suelta y expresiva.

Anthony Donaldson. Usa imágenes pop como componentes de cuadros que están más cerca de la pintura abstracta de “hard edge” que del propio pop art.

Patrick Caulfield. Pintor de clichés. Cada objeto que pinta está descrito por una línea dura y constante. El color carece de modulación. Interesado por la relación entre arte y cultura de masas.

Arte australiano contemporáneo.

Sydney Nolan. Había sido un pintor abstracto. Creó un nuevo estilo faux.- naïf como vehículo de un nacionalismo australiano bastante sofisticado.

Sydney Nolan

El nacionalismo contribuyó al éxito del pop art estadounidense. Reflejo de la sociedad en que vivían. El pop art retaba al expresionismo abstracto de tres formas: era figurativo, era más nuevo y más estadounidense.

Principales artistas pop estadounidenses:

Jim Dine. Pintor de assemblages. Sus temas son las distintas variedades de la realidad.

Claes Oldenburg. Experimentó con obras de desplazamiento. Sus objetos oscilan entre la escultura y la pintura. Interesado por la realidad, con un elemento de totemismo añadido.

Claes Oldenburg

Roy Lichtenstein. Su obra más temprana se basa en tiras cómicas. Las imágenes son parte de una estrategia, un medio de cohesionar la superficie pintada.

Roy Lichtenstein

Larry Rivers. Cuasipop. Imágenes que recuerdan los temas del pop art, pero su representación es pictórica, no plana, no como una reproducción mecánica. La principal característica visual de su obra es una especie de mirada de soslayo, como si no pudiera centrarse en el tema.

George Segal. Sus esculturas no están hechas mediante un proceso de modelado, sino realizando vaciados en vivo de sus temas.

George Segal

Andy Warhol. Sus actividades iban mucho más allá de los límites convencionales de la pintura. Su lenguaje pictórico consiste en estereotipos. El arte de Warhol usa la fuerza y la vitalidad visual que son las habilidades probadas por el mundo de la publicidad, que se interesa más por el recipiente que por el contenido. Warhol parece interesado por nuestra reacción ante lo que tenemos delante. Las imágenes se repiten en ampliaciones fotográficas que se serigrafían en el lienzo. Solo se modifica el color por una capa de color sintético toscamente esparcida. La repetición y el color son los instrumentos de un vacío moral y estético que es absolutamente deliberado.

Andy Warhol

Con el ascenso del pop art, el environment y el happening adquirieron nueva y esencial importancia. Los artistas experimentaban con la reproducción literal de la realidad. Interés de los artistas pop por los fenómenos de la cultura popular, entre ellos las experiencias envolventes. Los happenings del pop art tuvieron lugar en entornos especialmente construidos por los artistas.

Los happening europeos se diferenciaban de los estadounidenses. Eran más abstractos y menos específicos. Gran parte de su energía se dedicaba a la exploración de situaciones extremas. A veces los artistas buscaban lo inaceptable, una conducta que les devolviera a la posición de rebeldes y enemigos de la sociedad.

LA ABSTRACCIÓN POSPICTÓRICA - LUCIE SMITH

2011-07-07T13:29:00.001+02:00

La abstracción “hard edge”, que tenía raíces en el arte europeo de los años 20 y 30, es una pintura abstracta en que las formas tienen contornos claros y bien definidos. Los matices son planos e indiferenciados.

Josef Albers. Este artista, con una mente sistemática, ordenada y también experimental, estuvo relacionado con la Bauhaus. Muy interesado por los efectos de la ilusión óptica y por la manera en que los colores se afectan unos a otros.

Max Bill, Richard Lohse y Josef Albers son representantes del “arte concreto”. Pero a diferencia de los dos primeros Albers no se centra en la dureza del contorno, sino en la calidad del color.

Josef Albers

Ad Reinhardt. Estuvo influido por arte decorativo abstracto de Persia y Oriente Medio. Su obra se aproximó a Tobey en los 40. En su última fase utiliza colores muy oscuros.

Frente a Albers y Reinhardt, los pintores de “hard edge” tienen una actitud más convencional hacia la composición.

Ad Reinhardt

Lo que vincula a Albers y Reinhardt con los abstractos pospictóricos es la fascinación por la doctrina estética, no por los medios pictóricos. Tratan de desembarazarse de todo salvo una exigua gama de consideraciones estrictamente pictóricas.

Ellsworth Kelly. Su pintura consiste en campos de color. Planos rígidamente separados entre si. A veces un color contiene por completo a otro, otras veces la forma se sale del lienzo, esto da energía e interés al cuadro.

Los creadores del abstraccionismo pospictórico son Morris Louis y Barnett Newman.

Ellsworth Kelly

Barnett Newman. Quería articular la superficie de la pintura como un campo, permitiendo que el rectángulo del lienzo determinara la estructura pictórica. Divide el lienzo mediante una o más rayas para activar el campo con pequeñas variaciones de tono de un área a otra. Muestra una falta de pasión, que va a ser una característica de la nueva fase del arte estadounidense.

Barnett Newman

Morris Louis. Más que pintor es un manchador. El color es una parte integrante de la materia que el pintor ha usado y vive en lo más hondo de ella. Louis consiguió su originalidad mediante la exploración de un material nuevo, la pintura acrílica. El proceso de manchar el lienzo significó una rebelión contra la forma, la luz y la oscuridad a favor del color.

Una de las ventajas de la técnica de manchas era el hecho de que le permitía añadir color al color. Louis derramaba, inundaba y restregaba el color contra el lienzo. Posteriormente Louis iba a ensayar y recuperar alguna de las ventajas del dibujo tradicional para su técnica de manchas. La inercia, el estricto paralelismo y el impulso constructivo eran características que Louis compartía con los otros abstractos pospictóricos.

Morris Louis

Kenneth Noland. Adoptó una nueva técnica de manchar el lienzo en lugar de pintarlo. Tiende a pintar series. Usó el blanco como un medio de concentrar el efecto del color. Preocupación por la identidad del lienzo como objeto. Las tradiciones del expresionismo abstracto y el constructivismo comienzan aquí a coincidir. Diseña bandas que se extienden horizontalmente en lienzos enormes. El color queda reducido a su relación más simple, sin composición. Gran sensibilidad cromática. Nada hay de pictórico en cuanto a su manera de aplicar el color.

Kenneth Noland

Frank Stella. Es más estructuralista que abstracto pospictórico. Su interés no es tanto por el color en cuanto color, como por el cuadro en cuanto objeto. Realizó series de cuadros a rayas. Utilizó soportes de forma no rectangular. Periodo de experimentación en el que perdió el énfasis en la estructura.

Frank Stella

Jules Olitski. Pintor del colour painting. Cubría enormes áreas de lienzos con tenues manchas. Una paradoja de su obra es la inmensidad de escala comparada con la limitación de contenido.

Jules Olitski

Larry Poons. Sus cuadros consisten en un campo de color, salpicados al azar con puntos de colores contrastantes. Se ofrece al ojo una multitud de puntos de atención, por lo que se va de uno a otro sin cesar.

La abstracción pospictórica no llegó a tener éxito en Europa, excepto en Gran Bretaña.

Larry Poons

John Hoyland. Británico. En la tradición de Louis y Noland. Sus cuadros no abandonan todas las ideas tradicionales acerca del tema de la composición.

John Hoyland

Robyn Denny. El dibujo grande tiende a ser bilateralmente simétrico, los colores elegidos están claramente contrastados en matiz pero cuidadosamente igualados en tono. Efecto semióptico.

Robyn Denny

Los pintores británicos frente a los estadounidenses, siguen tratando la ambigüedad pictórica y continúan buscando efectos de profundidad y perspectiva que son ajenos al arte estadounidense de la misma clase.

ARTE EUROPEO DESDE 1945- LUCIE SMITH

2011-06-23T20:59:00.002+02:00

Ya tratamos en entradas anteriores "del estilo al contenido" y "expresionismo abstracto" , del libro “Movimientos artísticos desde 1945” de Lucie Smith .

El capítulo tercero trata sobre la situación europea.

En Europa, tras la guerra, las miradas se dirigieron a París y a los artistas de la “gran generación” que el público veía como representantes de la civilización. Veamos algunos de sus protagonistas.

Pablo Ruiz Picasso

Picasso. Su producción a partir de 1945 fue prodigiosa. Pero la obra de Picasso comenzó a perder el apoyo de los líderes del gusto en el arte moderno, por sus visiones arcaicas y por los ocasionales cuadros de propaganda que expresaban las simpatías comunistas del pintor. Sus últimos cuadros, pintados con una tremenda audacia y crudeza, fueron objeto de incomprensión, pero posteriormente fueron aclamados como los más importantes precursores de la nueva figuración expresionista. En ellos hay una salvaje sensación de riesgo, la imágenes están radicalmente simplificadas.

Georges Braque. Sus úlitmas pinturas son serenas y monumentales, además de intimistas. Consigue un refinamiento de su inspiración.

George Braque

Fernand Léger. Intenta llevar el clasicismo poussinesco a temas auténticamente modernos y marxistas.

Fernand Léger

Matisse. En su vejez se volvió un pintor casi tan radical como lo había sido en la época de los fauces. Sufrió unas operaciones de las que salió casi inválido. Esta desgracia junto a la guerra le agudizó sus percepciones. Las manchas de color de sus cuadros comenzaron a cobrar autonomía por sí mismas. A causa de su debilidad comenzó a usar la técnica del “papel découpe”. Este método estimuló la simplificación extrema y ayudó a disciplinar su destreza decorativa.

Matisse

Miró. Próximo a los expresionistas abstractos, incluso al colour painting. Su personalidad artística fue extrañamente equivoca.

Miró

Max Ernst. Su obra cada vez más lejana de la escena corriente.

Max Ernst

Graham Sutherland. Sus retratos muestran una sorprendente evolución estilística.

Graham Sutherland

El sombrío ambiente de la Europa de la posguerra parecía mostrar una cierta tendencia teórica hacia el arte realista.El realismo social solo echó raíces en los países que podían ser considerados marcadamente provincianos.

David Bomberg trató de crear un equilibrio: quería que el espectador pudiera penetrar en su obra, tanto en su papel de representación, como en su papel de pintura pura y simple.

El realismo de los otros pintores del “Fregadero” era más descriptivo, y su fidelidad a él resultó más frágil.

David Bomberg

Renato Guttuso. Realista italiano, descubrió una especie de idioma neobarroco con el cual describir las vidas de la gente corriente.

Renato Guttuso

Francis Bacon. Pintor figurativo británico. Bacon representa el grado en que las exigencias de la pintura figurativa tradicional pueden ser forzadas a comprometerse con las del modernismo. Bacon era considerado una figura sumamente tradicional. Su temática es en su mayor parte de terror, aislamiento y angustia. Pasó por diversos cambios estilísticos.

Francis Bacon

Balthus. Difiere de Bacon en que es más naturalista, evita la improvisación. Igual que Bacon cultiva sus obsesiones particulares, usa el simbolismo de figuras encerradas en una habitación.

Los artistas más jóvenes en Francia eran llamados “generación media”. Su deber era mantener el ímpetu de la revolución modernista y mantener el prestigio de París.

Balthus

Fautrier. “Rehenes” son cuadros que subrayan lo táctil de los materiales, la cualidad evocadora de la propia superficie. En estos cuadros se ven los primeros pasos hacia el art informel.

A parte de este grupo, había otro grupo de artistas que hacían una clase de pintura que partía de premisas completamente distintas a las tradicionales. Trabajaban en una dirección paralela a la de los expresionistas abstractos en Estados Unidos.

Fautrier

Wols. En sus cuadros parece mezclar la sensibilidad gráfica de Klee con la manera nueva y más libremente abstracta de ver las cosas. Su fascinación por la sustancia verdadera de que se hace la pintura, el grueso empaste que se puede arañar y tallar, nos recuerda a Fautrier.

Wols

Hans Hartung. Década de los 50. Éxito gracias a la fórmula de hacer cuadros bastante limitada y fácil de reconocer. Expone una vigorosa caligrafia de haces de líneas.

Hans Hartung

Jean-Paul Riopelle. Intentó unir la espontaneidad de la pintura abstracta “informal” con la textura y el color exquisitos que se consiguen a base de un fuerte empaste.

Jean-Paul Riopelle

Henri Michaux. Obra afín a la abstracción informal. Poeta y dibujante. Dibujos “pintura a tinta china” se acercan a algunas de las obras de Pollock. Las líneas están a punto de resolverse en representaciones taquigráficas de figuras humanas.

La nueva abstracción consiguió un enorme éxito, no sólo en París, sino también en el resto de Europa.

Henri Michaux

Antoni Tápies. Fascinación por las superficies, las texturas y las sustancias. Con sus texturas “de artesanía”, tendía a alinearse con los productos de las artesanías de lujo españolas.

Antoni Tápies

Alberto Burri. Obras hechas con arpillera y trapos viejos, madera chamuscada, láminas de plástico quemados y fundidos con un soplete y planchas de estaño golpeadas. Su justificación es existencialista de la angustia metafísica. Buen gusto y fácil sensualidad.

Alberto Burri

Los seguidores de la abstracción libre en la Europa de fines de los 40 y principios de los 50, sufren de una debilidad de emoción y una restricción de medios técnicos. Estaban explorando una clase de pintura que había atraido a los pintores estadounidenses, pero los experimentos europeos fueron menos radicales. La vieja tradición europea de la belle peinture estorbaba la marcha hacia el radicalismo.
Georges Mathieu. Su obra tiene algunas afinidades con la de Pollock. Mathieu escribe en el lienzo una serie de garabatos llenos de osadía, que no se fusionan con el fondo, lo dominan. Rítmicos como son, expresan poco más que el disfrute de su propio sosiego e impulso. Mathieu fue un precursor, un hombre consciente de las ideas seminales de su época.

Georges Mathieu

Grupo Cobra. Como los expresionistas abstractos, el Grupo Cobra quería dar expresión directa a la fantasía subconsciente, sin censura del intelecto. No excluyeron la figuración. Revive y continúa una vieja tradición.

Grupo Cobra

Asger Jorn. Del grupo Cobra. Pasó de lo jubiloso a lo siniestro. Sus cuadros incorporaron una amplia gama de referencias, signos y símbolos. Fue un colorista audaz.

Asger Jorn

Alan Davie estableció un puente auténtico entre el arte británico y el continental de esa época.

Alan Davie

Hundertwasser convierte el expresionismo en arte decorativo formal bajo la influencia del Art Nouveau.

Hundertwasser

Jean Dubuffet estaba interesado en el arte infantil, el arte de los locos, los graffiti en paredes y aceras y en las marcas y manchas que se encuentran en estas superficies.

Jean Dubuffet

Bernard Buffet realiza esquemáticos cuadros figurativos, interpretaciones literales de los aspectos más siniestros y superficiales de la filosofía existencialista de Sartre.

Bernard Buffet

Nicolas de Staël buscó una síntesis entre las pretensiones del modernismo y las del pasado. Sus cuadros sumamente simplificados pueden contemplarse como abstracciones y como representaciones. La superficie de la pintura es serena, deliciosa, los colores tienen sonoridad. Su provocativa combinación de lo tradicional y lo original atrae a muchos espectadores. Como pintor triunfa por el tacto y el gusto en la manipulación de formas preexistentes.

Nicolas de Staël

El expresionismo abstracto y el art informel iba a seguir una rápida sucesión de otras iniciativas, ninguna de las cuales debía mucho a las ideas tradicionales sobre la belle peinture.

AMADEO MODIGLIANI

2011-06-17T15:50:00.002+02:00

“Lo que busco no es lo real ni tampoco lo irreal, sino lo inconsciente, el misterio de lo instintivo de la raza.”

Retrato de Jean Cocteau, 1916. Óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm

Modigliani fue el típico artista bohemio, que desarrolló su obra en estudios de Montmartre y Montparnasse, acompañado por el alcohol, el amor y la poesía. Vivió al margen de la Belle Epoque. Murió de tuberculosis a los 35 años, sin haber alcanzado éxito y pobre.

Modigliani nació en Liorna (Italia) en 1884. Inició sus estudios de arte a los 14 años en una academia de Liorna. A los 16 años se fue al sur de Italia. En Florencia y en Venecia estudió la historia del arte italiano. Seguidamente se marchó a París.

En sus cuadros los ojos son muy importantes. Para los simbolistas los ojos se pueden orientar hacia el exterior o hacia el interior. En un principio los retratos de Modigliani mostraban interés por la psicología de la persona retratada. Pero con el tiempo se produce una profunda transformación conceptual del artista, en busca de un rostro despersonalizado, sin subjetividad. Odia los sentimientos, su pintura se vuelve objetiva, general. Sacrifica lo narrativo en pos de lo anónimo. Desarrolla su ideal de belleza al que supedita la fisonomía de sus modelos.
Busca un estilo propio, de formas llenas de belleza y armonía, una estilización virtuosa de lo representado

Desde 1909 hasta 1914 se aleja de la pintura para dedicarse a la escultura, influenciado por Brancusi, Esculpe cabezas estilizadas sobre cuellos largos. Gracias a la escultura Modigliani llega a la reducción, linealidad, abstracción y a un lenguaje pictórico propio y homogéneo. Su pintura se vuelve más sencilla.

Retoma la pintura al óleo en 1914, desarrollando un arte cada vez más autónomo y distante de modelos preestablecidos. Tras la escultura su pincelada se hace más libre y ligera y el colorido austero. Su retrato tiende a la simplificación y la reducción.

Los primeros años de la Guerra Mundial son muy productivos.

En 1917 se inaugura la única exposición individual de Modigliani, que fue cerrada por la censura a causa de sus desnudos. Desnudos que muestran suntuosidad, serenidad y lujuria. Se inspiran en los maestros del Renacimiento italiano, dirigiéndose hacia una estilización ornamental. Modigliani utiliza la reducción y la abstracción como elementos formales de composición. Emplea el color moderadamente para centrarse en lo formal. Sus desnudos son atemporales.

Aunque los modelos se descubran de forma coqueta, son figuras artísticas cuya belleza irradia frialdad y dignidad pétreas. Belleza y sensualidad seductoras, pero también artificialidad y frialdad.

En 1918 Modigliani abandona París y se traslada al sur de Francia. En la Costa Azul realiza la mayoría de sus cuadros más cotizados. Son retratos de personas del lugar y de su mujer Jeanne. Realiza un intento de homogeneización y tipificación de las imágenes. En esta época sus cuadros se aproximan a Cezánne desde el punto de vista del contenido. Modigliani dice: “Las figuras de Cezanne, al igual que las estatuas más bellas de la antigüedad, no miran. Las mías, sin embargo, lo hacen. Sus pupilas ven, aunque no las haya pintado, pero al igual que los personajes de Cezanne no quieren expresar más que una afirmación muda de la vida.”

Desnudo echado con los brazos abiertos., 1917. Óleo sobre lienzo, 60 x 92 cm

La temática y el colorido evocan cierta similitud con Cezanne. En la Costa Azul el colorido se vuelve más claro, las pinceladas más ligeras, y la superficie de los cuadros menos lisa que en los años de París. Retoma el tema del paisaje.

La pintura de Modigliani es muy diferente de la impresionista, es más espiritual, lírica y fría. La fusión entre pintor y modelo, ya constatada en los retratos de los amigos parisinos, alcanzan en su última época su máximo. La técnica pictórica del artista se caracteriza por la uniformidad de su estilo, la modelo se convierte en icono de una imagen humana exenta de carácter y psicología.

Retrata de Jeanne Hébuterne, 1919. Óleo sobre lienzo, 55 x 38 cm

En sus retratos consigue un efecto armónico compensando el exceso de grandes arcos con largas rectas verticales y horizontales. En sus cuadros tardíos utiliza el método del contraste de color utilizando colores más intensos que antes. Anteriormente nunca había trabajado con tales contrastes, los colores primarios y los secundarios se reparten en el lienzo con un mismo ritmo equilibrado.

Las obras de Modigliani son puramente visuales. No se basan en ninguna teoría estética. A pesar de su subjetividad, su estilo anhela la objetivación, el anonimato y la permanencia. Muestra un ambiente uniforme de tranquilidad, recogimiento y relajación.

Información sacada del libro que sobre Modigliani escribió Doris Krystof, editado por Taschen en 2005.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO – LUCIE SMITH

2011-04-26T19:30:00.001+02:00

En el capítulo segundo del libro “Movimientos artísticos desde 1945” Lucie Smith trata el Expresionismo Abstracto.

Comienza afirmando que el expresionismo abstracto tenía sus raíces en el surrealismo.

Desde 1924 el surrealismo había traído consigo muchos escándalos. Los surrealistas fueron interesándose por el comunismo. Cuando llegó la guerra, el movimiento ya estaba en evidente decadencia. Pero su filosofía seguía viva cuando el movimiento surrealista llegó a Nueva York. Estados Unidos llevaba mucho tiempo brindando hospitalidad al arte de vanguardia de los europeos. Sin la presencia en Nueva York de los surrealistas, el expresionismo abstracto quizá nunca habría nacido.

El vínculo más importante entre el surrealismjo europeo y lo que iba a seguir, fue Arshile Gorky. Este autor fue pasando a través de los estilos modernistas básicos. Se dejó influir por Cezanne, por el cubismo, Picasso, el surrealismo, Miró, Tanguy y Roberto Matta. La filosofía del arte de Gorky consistía en nunca terminar un cuadro, “nunca dejar de empezar a pintar, nunca terminar de pintar”. Esta idea de una “dinámica continua” iba a tener un papel importante en el expresionismo abstracto y sobre todo en la obra de Jackson Pollock.

Gorky

Al igual que Golky, Pollock evolucionó muy despacio. Se dejó influir por distintos movimientos y autores. Creó el estilo que lo hizo famoso; abstracciones libres e informales, basadas en una técnica de goteo y manchas sobre el lienzo.

Pollock

En muchos aspectos las actitudes de Pollock y Breton (surrealista) concuerdan.

Pollock cambia el tratamiento del espacio. Sus pinturas no son planas, crea un espacio ambiguo. La mayor parte de la caligrafía parece cernerse algo detrás de la superficie, en un espacio que ha sido deliberadamente comprimido y privado de perspectiva. Pollock queda vinculado a los surrealistas y a Cezanne. Los ritmos entrecruzados de Pollock tienden a sugerir un progreso espacial a lo largo y ancho del lienzo, volviendo al centro donde reside el peso principal del cuadro. Pollock es un artista intensamente subjetivo, para él la realidad interior era la única realidad.

Hans Hofmann ejerció una gran influencia como maestro sobre Pollock. Hans Hofmann admiraba a Matisse, base del aspecto más decorativo de la pintura expresionista abstracta.

El organizador del movimiento expresionista abstracto fue Robert Motherwell. Comenzó su carrera bajo la influencia de los surrealistas. Sus obras más famosas son “Elegías a la República Española”. La elección de este tema sugiere que la pintura subjetiva de EEUU no era incapaz de tratar temas históricos o sociales, pero esos temas se enfocaban en términos personales de manera indirecta.

Hay dos clases de pintura expresionista abstracta:

- La representada por Pollock, Frank Kline, Willem de Kooning. Es enérgica y gestual.

- La representada por Mark Rothko. Espiritual y mística.

La obra de Rothko poco a poco fue haciéndose más sencilla, llegando a un punto en que prescindía de todos los elementos figurativos. Posición espacial ambigua. En las pinturas de Rothko las relaciones cromáticas a medida que interactúan dentro del rectángulo y de este espacio, producen una suave pulsación rítmica. La debilidad de su obra está en la relativa rigidez y la monotonía de la fórmula de la composición.

Rothko

Adolph Gottlieb es un retórico, usa deliberadamente formas vagas, expansivas y generalizadas. Su pintura está deliberadamente empapada de simbolismo cósmico. Su obra exige que se acepte la existencia de un mensaje importante a ciegas, hay que reconocer el símbolo y establecer la relación histórica.

Guston representa el aspecto invertebrado del expresionismo abstracto, revoltijo de pintura y dulce colorido.

La obra de Kline es gestual. Creó algo semejante a los ideogramas chinos. La pintura parece que se usa sólo por razones de amplitud y escala. Cuando usa el color, este no parece esencial para la expresión de su mensaje. Kline negó la influencia oriental en su obra, pero existió tanto en las técnicas como en las filosofías en la pintura estadounidense a partir de la II Guerra Mundial.

Mark Tobey no es un pintor expresionista abstracto pero siguió una evolución paralela. Estudió la caligrafía china. Adoptó una técnica “escritura blanca” una manera de cubrir la superficie del cuadro con una intrincada red de signos. Lo que produce siempre es completo en sus propios términos. Es un arte que explora un medio de expresión recién descubierto e infinitamente flexible.

El expresionismo abstracto fue bastante flexible al incorporar al arte de Willen de Kooning. Su estilo tiende a subrayar el componente expresionista a expensas de la abstracción. Lo distingue de los expresionistas contemporáneos europeos la audacia y crudeza y el sentido de escala que aparece en sus cuadros. La obra de De Kooning es un punto de contacto entre el arte europeo y el estadounidense, y anuncia ciertos aspectos del pop art.

Willen de Kooning

El éxito del expresionismo abstracto iba a tener importantes consecuencias para las artes a ambos lados del Atlántico. El expresionismo abstracto miraba al mismo tiempo hacia el pasado y hacia el futuro. Pollock y Kline tenían fe absoluta en el lienzo y la pintura como medios de comunicar algo. Esta fe ha sido puesta en duda desde entonces. El expresionismo abstracto solo se encontró a gusto en EEUU. Los europeos comprendieron mal este arte y trataron de aplicar criterios que de pronto habían quedado desfasados.

El expresionismo abstracto hizo más por la cultura en general que por la pintura en particular, llamando la atención de escritores y músicos descontentos.

DEL ESTILO AL CONTENIDO – LUCIE SMITH

2011-04-22T13:08:00.003+02:00

Andy Warhol

Lucie Smith en su libro “Movimientos artísticos desde 1945” nos habla de como el mundo del arte ha cambiado drásticamente en los últimos tiempos. Se pasa de la idea de jerarquizar en base a fundamentos estéticos, a jerarquizar en base al contenido.

Para los primeros comentaristas modernistas el arte occidental era dinámico y el no occidental estático. Occidente reclamó una hegemonía universal en el arte.

En los últimos tiempos la rápida expansión de la tecnología y de los medios de comunicación han eliminado las barreras que quedaban entre las culturas. No obstante, las culturas no occidentales han deseado conservar aspectos importantes de sus propias tradiciones heredadas. En consecuencia las rígidas estructuras del arte modernista han empezado a romperse por dos razones:

- La cuestión total de la mezcla culturas produce sistemas de valores conflictivos.

- La enorme cantidad de información en la actualidad disponible para el crítico o historiador del modernismo.

El mundo del arte contemporáneo ya no puede considerarse algo rígidamente organizado.

Muchos de los artistas que se tratan en este libro se ven en términos estilísticos. Omitir la dimensión estilística sería una seria tergiversación de lo que ellos hicieron. Fueron herederos del cubismo. El cubismo redujo al mínimo el contenido para facilitar la exploración de un lenguaje visual. Un número de iniciativas artísticas posteriores a la II Guerra Mundial tienen el carácter de iniciativas estilíticas conscientes, estrechamente implicadas en una dialéctica de oposición a lo que había sucedido con anterioridad. Incluso aquellos que alguna vez reivindicaron ser aestilisticos tienen el carácter de movimiento artístico coherente.

El interés de los artistas del pop art por la nueva cultura de masas estuvo dirigido hacia su superficie brillante, sus métodos de presentación, mucho más que hacia cualquiera conceptos sociales, políticos e incluso morales que podrían deducirse de estos.

A mediados de los 60 la situación comenzó a cambiar. En EEUU los sucesores del pop art fueron el minimalismo y sus ramas, arte de la tierra y arte conceptual.

Estos desarrollos encontraron un paralelo en Europa. En 1962 tuvieron lugar los primeros conciertos de Fluxus. Algunas de sus raíces se encontraban en el movimiento Dadá original. También hubo conexiones entre los orígenes de Fluxus y las actividades del pop art de comienzos de la década de 1960.

La mayor parte del incentivo para Fluxus llegó desde fuera de los límites estrictos del mundo del arte. Había en ellos un elemento de crítica y provocación social, una determinación a hacer cambios en la propia sociedad. Un logro de Fluxus fue proporcionar una plataforma para las primeras actividades de Joseh Beuys.

Beuys se describía a sí mismo como escultor.

Los escultores modernistas más famosos de la época inmediatamente anterior a la suya, Brancusi, Arp, Giacometti, Marini, Moore, Hepworth, fueron en esencia humanistas. Su tema fue el género humano y su destino, y expresaron su preocupación por él mediante la creación de objetos que eran metáforas visuales.

Beuys tenía cada vez menos que ver con los objetos de esta clase. Tendió cada vez más a verse como un chamán moderno, que influía en el mundo alrededor de él por medio de la representación de rituales.

La relación de Picasso con la idea de estilo artístico fue extremadamente estrecha. A pesar de sus constantes cambios de estilo, sus temas fueron relativamente estables y tradicionales. Hacia el final de su carrera, la importancia de los criterios estilísticos en su obra aumentó más bien que disminuyó. Nunca desafía el contenido real. Lo que él rehace es el estilo del original, el cual transforma de manera que éste esté de acuerdo con su propia peculiaridad artística.

Beuys tendió cada vez más a separarse del proceso de la realización del arte, como esta había sido entendido. Los museos se convirtieron en plataformas desde las cuales Beuyis podía lanzar un programa político. Para él la política era ”escultura social”. Beuys abrió las puertas a una nueva percepción de la manera en que el arte funcionaba en la sociedad contemporánea. El arte se definía como la relación del artista con el mundo. Mostraba las deformaciones que tienen lugar cuando lo subjetivo afecta a lo objetivo y viceversa.

En el arte de los 70, 80 y 90, el contenido y la expresión están entrelazados. Un artista puede expresarse de muchas maneras diferentes. Esto explica el arte híbrido, heterogéneo, esencialmente aestilístico del periodo, lo que ha llevado al uso de la etiqueta de “pluralismo”. Gerhard Richter en lugar de avanzar en una serie de saltos estilísticos, como hizo Picasso, ha seguido diferentes maneras de trabajar a menudo simultáneamente. La obra de Signar Polke muestra la misma hostilidad hacia la idea del estilo fijo.

La popularidad de los environments e instalaciones y el performance art ha tendido a liberar a los artistas de los lazos estilísticos.

A partir de comienzos de la década de 1970, muchas obras de arte contemporáneas son cuantificables principalmente como gestos o indicadores sociales.

El arte, a pesar de todos los argumentos platónicos en contrario, es cada vez más lo que una sociedad dada decreta que sea. El ready-made, se convierte de inmediato en un auténtico objeto de arte sobre la base de su aceptación como tal. En consecuencia los criterios estilísticos se ponen inmediatamente en duda.

Hay otras fuerzas antiestilisticas a tener en cuenta: la proliferación de las ideas modernistas, los centros de actividad modernista. Puesto que la mayor parte del arte más nuevo está interesado por temas que tienen que ver con la identidad, con frecuencia es más fácil para el espectador o crítico enfocar la obra de arte mediante el contenido, fácilmente identificable, antes que mediante matices de estilo.

ARTE Y ARTISTA SEGÚN OSCAR WILDE

2011-04-12T21:56:00.000+02:00

Oscar Wilde en el prefacio de su novela " El retrato de Dorian Gray" comparte con sus lectores su concepción sobre el arte y los artistas. Reproduzco textualmente sus palabras:

"El artista es el creador de cosas hermosas.

Revelar el arte y ocultar al artista es el objeto del arte.

El crítico es aquel que puede trasladar a otro estilo o a un material nuevo su impresión de las cosas hermosas.

La más alta forma de crítica, igual que la más baja, es un modo de autobiografía.

Quienes hallan significados feos en las cosas hermosas están corrompidos y sin encanto. Esto es un defecto.

Quienes hallan significados hermosos en las cosas hermosas son los cultivados. Para ellos existe al esperanza.

Para los elegidos las cosas hermosas significan sólo la Belleza.

No existen libros morales o inmorales. Los libros están bien escritos o mal escritos. Nada más.

La aversión que siente el siglo diecinueve por el Realismo es la furia de Calibán al ver su rostro en un espejo.

La aversión que siente el siglo diecinueve por el Romanticismo es la furia de Calibán al no ver su rostro en un espejo.

La vida moral del hombre forma parte del material del artista, pero la moralidad del arte consiste en el uso perfecto de un medio imperfecto.

Ningún artista pretende demostrar nada. Incluso las cosas verdaderas pueden demostrarse.

Ningún artista tiene compromisos éticos. Un compromiso ético en un artista es un imperdonable manierismo de estilo.

Ningún artista es morboso jamás. El artista puede expresarlo todo.

El pensamiento y el lenguaje son para el artista instrumentos de un arte.

el vicio y la virtud son para el artista instrumentos de un arte.

El vicio y la virtud son para el artista materiales para un arte.

Desde el punto de vista de la forma, el modelo de todas las artes es el arte del músico. Desde el punto de vista del sentimiento, el oficio del actor es el modelo.

Todo arte es a la vez superficie y símbolo.

Quienes se internan bajo la superficie lo hacen por su cuenta y riesgo.

Quienes leen el símbolo lo hacen por su cuenta y riesgo.

Es el espectador, y no la vida, el que verdaderamente refleja el arte.

La diversidad de opinión sobre una obra de arte demuestra que la obra es nueva, compleja y vital.

Cuando los críticos disienten, el artista está en armonía consigo mismo.

Podemos perdonar a un hombre por haber fabricado algo útil siempre y cuando él mismo no lo admire. La única excusa para fabricar algo inútil es la admiración intensa que nos produce.

Todo arte es verdaderamente inútil.

Oscar Wilde"

LUCIAN FREUD

2011-04-03T16:18:00.000+02:00

Inspectora de la Seguridad Social durmiendo.

Lucian Freud, nieto del creador del psicoanálisis, Sigmund Freud, nacido en Berlín en 1922, es posiblemente el pintor vivo más cotizado en la actualidad.

Muchacha con gatito

Freud pinta cabezas y cuerpos en reposo, buscando decir la verdad, omitiendo la exageración y la falsedad. Se opone a todo sentimentalismo y complacencia.

“Mi obra es puramente autobiográfica. Trata de mí y de mi entorno. Es un intento de batir un récord. Trabajo con personas que me interesan, a las que quiero y en las que pienso, en habitaciones donde vivo y que conozco”. Ha pintado a amantes, amigos, hijos, nietos, hombres de negocios y compañeros artistas, escritores y miembros de la realeza, famosos y gente corriente.

Fue admirador de Van Gogh y de Ingres.

Desnudo durmiente

Freud tarda entre tres y dieciocho meses en acabar una obra.

“Mediante el trabajo, se llega al conocimiento y la destreza para avanzar despreocupadamente”.

Desde su juventud tuvo la voluntad de llevar la contraria, huyó siempre de agradar.

Retrató a Bacon, amigo pintor del que se dejó influir.

Retrato de Francis Bacon

En la obra temprana, ya se adivina su gusto por la fisicidad y el volumen. Prefería lo figurativo a lo abstracto, el dibujo a la pintura, las líneas puntiagudas a las suaves curvas, la torpeza al virtuosismo.

Freud se impuso dos normas normas: nunca aplicaría pintura sobre pintura, nunca volvería a retocar nada.

Freud se interesa más por la existencia aislada de cada individuo que por la forma en que estos se relacionan entre sí.

Muchacha embarazada

Freud incrementa la fuerza expresiva, gracias al detalle. Le interesa la tridimensionalidad de sus modelos, y las particularidades volumétricas como la flacidez, la estructura ósea, músculos, bolsas de grasa, hoyuelos, grasas que reflejan la luz, marcas y manchas.

Muchacha desnuda riendo

Robert Hughes dijo que era “el mayor pintor realista vivo”.

Elige a las personas que va a retratar solo por un impulso personal. “Nada simboliza nada….Nadie representa nada. Todo resulta autobiográfico y todo es un retrato, aunque sea una silla”.

La pintura de Freud se fundamenta en decir la verdad honestamente, mostrando su no saber. Esto dio un vuelco al realismo del siglo XIX.

Retrato a Su Majestad la reina Isabel II

En los 60 la capacidad de Freud de decir la verdad se agudizó. Sus cuadros se volvieron más ricos, flexibles y receptivos; las texturas de la pintura interactuaban con las formas. Se centra en buscar cómo plasmar la singularidad del modelo.

“Creo que el secreto de un gran retrato reside en la forma de enfocarlo”.

Freud busca el equilibrio entre el riesgo pictórico y la fidelidad al modelo. Las superficies las rompe en fragmentos de tonalidades parecidas. Rechaza la simetría ideal de la cara.

De 1974 a 1976, Freud realizó una serie de retratos de cabezas que sugieren un desprecio de las convenciones del retrato y un grado de compromiso inquietante. En los retratos cuida los detalles y rechaza toda idealización. Consigue comunicar la masa y el peso de cada cabeza, además del ser y los rasgos que representan a cada modelo.

Mujer con los ojos cerrados

En los años 80 produce una serie de pinturas de desnudos sin precedentes. Reflejan el desgaste natural de un cuerpo. Para Freud el realismo significaba una aceleración e intensificación de la conciencia de sí mismo. A menudo dormidos y desde ángulos inusuales, sus modelos masculinos desnudos se muestran frágiles.

Durmiendo bajo un tapiz con dos leones

Freud encuentra nuevas formas nunca ensayadas para realzar, acentuar o multiplicar la inmediatez de sus retratos.

“Cuanto más te concentras, más empiezan a brotar las cosas que de verdad tienes en mente”.

“¿Qué le pido yo a un cuadro? Que sorprenda, perturbe, seduzca y convenza”.

“Quiero que la expresión esté en el cuerpo. La cabeza ha de ser sólo otra extremidad. Así que trato de minimizar la expresión en los desnudos.” Freud.

EL ELOGIO DE LA SOMBRA - TANIZAKI

2011-03-25T13:10:00.002+01:00

En estos días de atención hacia tierras japonesas, os recomiendo leer “El elogio de la sombra” de Tanizaki.

Este es un libro muy pequeño y precioso, publicado en 1933.

En él, el japonés Junichiro Tanizaki nos habla de la belleza y de las diferencias que existen entre Occidente y Oriente. En Occidente es muy importante la luz, en Oriente la sombra.

Comienza describiendo las dificultades que encuentra uno si quiere construirse una casa de estilo japonés. Si en ella queremos integrar las comodidades de la época, tales como, electricidad, gas, agua, la estética puede resentirse.

Los retretes de antaño eran semioscuros, muy limpios, silenciosos, de madera, pensados para la paz de espíritu, eran el colmo del refinamiento. Pero ahora se imponen las baldosas y cerámicas funcionales, inmaculadas, iluminadas, occidentales.

El autor se pregunta que habría ocurrido si Oriente y Occidente hubieran sido independientes en cuanto a los avances de la ciencia. Entonces las técnicas, industrias, productos, habrían sido diferentes, y en consecuencia la vestimenta, alimentación, forma de vivir, estaría más de acuerdo con el espíritu oriental.

Para ejemplificar esto compara la estilográfica y el pincel. Si el inventor de la estilográfica hubiera sido japonés, en vez de terminar en plumilla metálica, acabaría en pincel, y en vez de tinta azul, tendría tinta china, lo que supondría distinto papel, los caracteres latinos no habrían tenido tanta repercusión, lo que llevaría a mantener el propio pensamiento y literatura. Un solo cambio trae consigo múltiples consecuencias. Occidente ha seguido su vía natural, pero Oriente se ha salido de su camino tradicional para seguir esa cultura más avanzada.

A pesar de esto, siguen existiendo grandes diferencias en cuanto a la valoración de la belleza. A los orientales los objetos brillantes les producen malestar, en cambio los occidentales pulen hasta llegar al brillo. Los japoneses prefieren los reflejos profundos, velados, al brillo superficial y gélido. Los objetos afectados por el tiempo les tranquiliza los nervios.

Nos habla de la laca, muy usada en el pasado y ahora en desuso por considerarse poco elegante. El problema es que la laca debe ser apreciada en la oscuridad. Una laca decorada con oro molido no está hecha para ser vista en un lugar iluminado, sino para ir siendo adivinada en un lugar oscuro. En la oscuridad se bebe la sopa en el recipiente de laca, sin alcanzar a verlo, así se percibe mejor su sabor.

Los edificios japoneses tienen un gran tejado que produce una densa sombra. La belleza de una habitación japonesa se produce por el juego de las distintas opacidades de la sombra. La luz indirecta y difusa es el elemento esencial de la belleza de sus residencias. Los japoneses han sabido dilucidar los misterios de la sombra y utilizar con ingenio los juegos de sombra y luz. En esa oscuridad se respira silencio y una profunda serenidad.

El shoji es un tabique móvil de papel blanco espeso que deja pasar la luz pero no las formas. La luz del sol destaca la blancura del papel. Los reflejos blanquecinos del papel rebotan sobre las tinieblas, desvelando un universo ambiguo donde sombra y luz se confunden. Los tabiques móviles y los biombos dorados producen unos reflejos que se difunden en la penumbra en forma de pálida luz dorada. Una belleza sobrecogedora. El oro era muy apreciado por los habitantes de las casas oscuras, pues ilumina indefinidamente la penumbra sin perder su brillo.

Seguidamente nos habla de la belleza del actor “no”, que no lleva maquillaje, así su traje tradicional de guerrero contrasta con su tez de japonés y sus manos desprenden una gran seducción. Sus labios atraen en el escenario más que los labios pintados de una mujer. Utilizando la armonía de los colores en los trajes se consigue un efecto más atractivo de la piel del actor. Pero para que todo esto ocurra es necesario que el escenario del “no” permanezca en su oscuridad original.

En el teatro de bunraku, las muñecas consisten en cabeza y manos. Se parece a la realidad de antes, porque a las mujeres solo se les veía el rostro, el resto permanecía en la oscuridad. Los trajes eran de colores apagados, convirtiéndose ellas en una parcela de la sombra. Incluso se ennegrecían los dientes. Las únicas partes visibles, la cabeza y el cuello, adquirían un relieve sobrecogedor. Así con sus dientes y cabellos negros parecía como si la oscuridad saliera de ellas.

Los colores que a los orientales les gustan para los objetos de uso diario son estratificaciones de sombra, frente a los occidentales que prefieren los colores que condensen los rayos del sol.

El autor se pregunta por el por qué de estos gustos tan distintos.

Los orientales se conforman con su presente, no intentan cambiarlo, e incluso le sacan partido. En la época en la que no había luz eléctrica desarrollaron todo un mundo en torno a la oscuridad, a la sombra, y le encontraron su belleza. Los occidentales buscan el progreso y una condición mejor que la del presente.

Para los orientales la piel blanca es más noble y bella. Ellos son amarillos frente a los occidentales que son más blancos. En la oscuridad mediante un juego de constrastes el rostro amarillo parece blanco. Las mujeres se afeitaban las cejas, se pintaban los labios azul-verdosos con reflejos nacarados, dientes lacados en negro. De esta manera su rostro era más blanco.

El autor habla de la iluminación exagerada de las ciudades (y esto lo dice en el año 1933), de los inconvenientes del alumbrado excesivo, como son el calor en verano, el no poder ver bien el cielo.

Dice que es lógico que los ancianos recuerden el pasado como mejor, porque el progreso acelerado no les permite sentirse cómodos.

El autor nos ofrece en el libro la receta del sushi.

Concluye afirmando que Japón está irreversiblemente encauzado en las vías de la cultura occidental.

A Tanizaki le gustaría resucitar en la literatura ese universo de sombras que se están disipando.

Un librito tan pequeño da gusto leerlo sosteniéndolo con las manos. Pero si alguno prefiere "ojearlo", o leerlo en la pantalla puede pinchar aquí

CLAROSCURO VERSUS COLOR

2011-03-04T21:42:00.001+01:00

André Lhote en su libro “Tratado del paisaje” nos dice:

“los pintores pueden clasificarse en dos familias bien distintas: los que se expresan sobre todo con el auxilio del color, y aquellos a quienes bastan las variaciones de claro y obscuro en un tono dado una vez por todas.”

Para hablarnos de la pintura utilizando el claroscuro nos presenta la obra de Cuyp “Paisaje con jinetes y ganado”.

Paisaje con jinetes y ganado de Cuyp

Es una obra de tonos castaños dorados. Se pasa del oscuro al claro sin necesidad de recurrir a variaciones de color. “Porque es ley que el empleo de los contrastes de valores implica la renuncia a los contrastes de color”. En esta obra el autor es capaz de modelar sin necesidad de introducir variaciones de color.

Para hablarnos de los pintores del color escoge la obra de Van Gogh “Al margen de un arroyo”.

Al margen de un arroyo de Van Gogh

Los coloristas no utilizan todos los colores en sus cuadros, sino una determinada escala cromática. En este cuadro de Van Gogh los colores fundamentales son el rojo y el anaranjado, los otros colores complementarios, nacen de su contraste con los principales. “El colorista no utiliza todos los colores del prisma en estado puro; un color violento basta para vivificar la composición.” “Dos colores mayores bastan en general – a menudo uno cálido y uno frío-, siendo uno más violento que el otro. Los demás colores, disminuidos al extremo, se animarán por contraste con los colores principales. “

Luego están los que presentan una mezcla de los dos procedimientos, como “La Huída a Egipto” de Patinir, donde las dos técnicas se armonizan. Para ello es necesario que cada técnica realice concesiones a la otra. Las dos no se pueden presentar simultáneamente su estado máximo.

La huida a Egipto de Patinir

ANTONIO LÓPEZ

2011-02-14T20:45:00.001+01:00

Antonio López nos ofrece un nuevo libro en el que realiza una selección de sus dibujos. Quiero ofrecer mi humilde homenaje a este genio del arte español.

Podemos conocer la biografía de Antonio López pinchado aquí

Y leer como se expresa, en la entrevista de El Pais en 2008.

A mi solo me resta presentaros algunas imágenes que me gustan especialmente y un vídeo de una entrevista que le realizaron.

LOS INDIOS DE HARLEY BROWN

2011-02-08T20:36:00.000+01:00

Presento algunos dibujos de Harley Brown, realizados con pastel, con la temática de los indios americanos.

Es un maestro de esta técnica.

EL DESPERTAR DE LA CONCIENCIA

2011-02-02T21:48:00.002+01:00

El despertar de la conciencia

El autor de esta obra es William Holman Hunt (1827-1910), uno de los pintores británicos fundadores de la Hermandad Prerrafaelista.

El Prerrafaelismo fue un movimiento artístico que nació en Inglaterra y se desarrolló entre los años 1848 y 1860. Esta corriente artística estaba integrada en la “Pre-Raphaelite Brotherhood”, fundada por Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais y William Holman Hunt. Era un grupo de artistas con intereses filosóficos, sociales y estéticos comunes y cuya inspiración nacía de los pintores italianos anteriores a Rafael de Urbino (1483-1520). Los fundadores se conocieron en las aulas de la Royal Academy, y todos coincidían en el rechazo que sentían hacia el arte académico predominante de su época.

Las obras de Hunt eran muy moralistas y estaban cargadas de simbolismo religioso, para lo cual utilizaba un lenguaje lleno de signos, adornado de detallismo y colorido.

La obra de Hunt "The Awakening Conscience" (El despertar de la conciencia) fue un escándalo en su época, pues mostraba una relación extramatrimonial.

El cuadro muestra a una mujer levantándose del asiento que comparte con su seductor. La expresión ensimismada de su rostro se debe a que en ese momento el amante está tocando la canción “Oft in the Stilly Night” (a menudo en el silencio de la noche) que habla de las oportunidades perdidas y la memoria de un pasado feliz. Entonces mira a través de la ventana que tiene delante, que podemos apreciar porque se ve reflejada en el espejo de atrás. El cuadro se llama el despertar de la conciencia, porque muestra el momento en el que ella se da cuenta de su degradación moral y añora su anterior inocencia. Mira la libertad del jardín. Es evidente que ella no es su esposa, no lleva anillo de casada, y el sombrero de él está sobre la mesita, lo que da a entender que es una visita, que no vive allí. El pintor nos muestra un joven adinerado y bien vestido. La jaula que él le ha ofrecido a ella es una habitación suntuosa, abigarrada, de estilo Victoriano, con colores muy intensos.

La imagen del pájaro que intenta liberarse de las garras del gato, y la del reloj atrapado en el cristal, simbolizan la situación de ella, de esclavitud.

Esta obra, pintada en óleo, se encuentra actualmente expuesta en la Tate Gallery de Londres.

La música que él tocaba en el piano era esta:

	Words & music: Thomas Moore (1815) - Oft in the Stilly Night .mp3

	Found at bee mp3 search engine

Oft In The Stilly Night

by Thomas Moore

Oft in the stilly night,
Ere Slumber's chain has bound me,
Fond Memory brings the light
Of other days around me;
The smiles, the tears,
Of boyhood's years,
The words of love then spoken,
The eyes that shone
Now dimmed and gone,
The cheerful hearts now broken!
Thus in the stilly night,
Ere Slumber's chain has bound me,
Sad Memory brings the light
Of other days around me.

When I remember all
The friends, so link'd together,
I've seen around me fall,
Like leaves in wintry weather;
I feel like one
Who treads alone
Some banquet-hall deserted,
Whose lights are fled,
Whose garland's dead,
And all but he departed!
Thus in the stilly night,
Ere Slumber's chain has bound me,
Sad Memory brings the light
Of other days around me.

Tuna Ferit Hidayetoglu - maestro del grafito

2011-01-20T21:25:00.002+01:00

Me gusta muchisimo este joven artista turco, nacido en 1976. Trabaja con grafito: 2H para los metales, 2B para la piel, 7B y 8B para los negros puros. Primero dibuja los ojos y de aquí coge la referencia de los tonos para el resto. Su imagen es prácticamente fotográfica. Y me podéis decir ¿entonces que aporta? Aporta su maestría utilizando el lápiz, su perfección en el dibujo.