„General Strike Piece“ nannte die amerikanische Künstlerin Lee Lozano 1969 ihr Werk und erklärte ihren Ausstieg aus der Kunstwelt, in der sie 10 Jahre lang Erfolge gefeiert hatte, mit einer Kunst, die nicht nur gesellschaftskritisch sondern auch extrem kritisch gegenüber dem sogenannten „Kunstbetrieb“ war. Man solle sich selbst und sein Werk ganz der persönlichen und öffentlichen Revolution widmen, heißt es in dem Dokument, welches heute als selbstständiges Kunstwerk gehandelt wird.

Konsequent bis zum Schluss folgte die Künstlerin ihrem eigenen Aufruf und verließ New York und die Kunstszene komplett bis zu ihrem Lebensende 1999.

Eine ebenso radikale wie mutige Entscheidung. Sich als Frau für einen Weg als Künstlerin zu entscheiden braucht Mut und Radikalität. In Zeiten der Postmoderne ist das Werk des Künstlers immer mehr zur Nebensache geworden.

Er muss neben seinem Werk seinen eigenen Mythos und sein eigenes Marketingkonzept mitliefern.  Er erzeugt mit seiner besonderen gelungenen Selbstdarstellung einen Mehrwert zu seinem Werk, der manchmal das Werk sogar ersetzt. Bei dieser Inszenierung der eigenen Künstlerpersönlichkeit spielen natürlich geschlechtsspezifische Vorurteile und allgemeine Projektionen bzw. Erwartungen an Künstler eine Rolle. Die Selbstinszenierung ist aber nicht das unbedingte wesentliche kreative Potential, welches einen besonderen Künstler ausmacht. Ein Werk zu schaffen, dass Bezüge herstellt zu relevanten Prozessen des menschlichen Daseins ist Aufgabe genug und verlangt sehr viel Kraft, Phantasie, Aufmerksamkeit und Reflexion.
Selbstverständlich kann Selbstinszenierung in der Kunst das auch leisten, wenn das die Absicht ist und nicht das Marketinginstrument.
Unabhängig von allen Alltagsproblemen, wie die eigene Existenzsicherung, kostet eine Beschäftigung mit der eigenen perfekten „Selbstinszenierung“ für den Kunstmarkt nicht nur Energie. Sie wird schnell zur Farce wenn die Attitüde durchschimmert und die Anstrengung spürbar wird. In einer Welt, in der jeder als geübter Fernsehzuschauer weiß, wie die Mechanismen der Inszenierung funktionieren, verliert der Künstler, die Künstlerin schnell an Glaubwürdigkeit. Und Glaubwürdigkeit ist die „Scheinwährung“ des Kunstmarktes.

Als Künstler/in in den Kunstmarkt einzusteigen und sich einzubilden man könne die Spielregeln selbst gestalten, sich verweigern und seinen „eigenen“ Weg erfolgreich gehen ist eine Illusion. Galerien, Museen, Kuratoren, Sammler, Spekulanten etc. bestimmen mit Rankinglisten die Regeln des Erfolgs, verlangen aber dass man diese absolut glaubwürdig befolgt: Sei ein Mythos, aber sei Du selbst (und mache nebenbei „gute“ Kunst)!

Wenn man einen gesellschaftskritischen Anspruch an sich selbst stellt und seine Werke nicht den Prinzipien des aberwitzigen Wettbewerbs eines profitgeilen Marktes ausliefern will, in denen Galeristen immer mehr zu Zuhältern degenerieren, ja was dann? Welche Alternativen hat eine Künstlerin zu einem marktkonformen Kunstbetrieb mit seinen Primär-, Sekundär- und Tertiär-Märkten; sich in das beschauliche Milieu der heimischen Kunstvereine zurück ziehen? Kunst im Verein – mir gruselt‘s!

Occupy Art – die einzige Alternative?

In diesen Zeiten des Wandels und des Aufruhrs entstehen neue künstlerische Ausdrucksformen ganz nebenbei und wie zufällig. Occupy ist vielleicht die soziale Plastik von der Joseph Beuys geträumt hat. Mit Flash Mobs, Performances, Zeltstädten, Straßentheater etc. beweist Occupy die These Beuys: „Jeder Mensch ist ein Künstler.“ Will sagen, jeder Mensch hat gestalterisches Potential und kann auf seine Umgebung kreativ einwirken, hin zu aktiver Gestaltung der eigenen und allgemeinen Lebensumstände, weg vom reinen Konsumentendasein.

Als Künstler in diesen Wandel einzutauchen ohne seine Stellung gezielt in einer Avantgarde zu suchen, sich in die Revolution einzuordnen mit all seinem kreativen Potential sich einzubringen in die Gruppendynamiken des Protests einer innovativen Bewegung, das scheint mir im Moment der einzig gangbare Weg. Auch das fordert Kraft, Phantasie und eine Portion Demut.
Bis jetzt sind es wenige Künstler, die diesen Weg gehen. Die Vermutung liegt nahe, man würde womöglich eine Erfolglosigkeit kompensieren oder sein Image als „Gutmensch“-Künstler aufpolieren wollen. 
Im Internet findet man mehrere Occupy Art Seiten in den USA, wie zum Beispiel: Occupy Art Basel. Künstler und Künstlerinnen in Miami haben sich dem Thema Protest in der Kunst gewidmet nach dem Motto: Wir sind die 99 %.

Auf Ihrer Homepage beschreiben sie sich wie folgt:

„Wir repräsentieren die Menschen, die sich kaum die Eintrittskarten für die Art Basel leisten können um die ausgestellte Kunst zu sehen, geschweige denn einen Preisvorschlag zu machen für das Werk, das ihnen am meisten gefällt. Wir sind die 99 % die sich diese Kunst nicht leisten können. Wir sind die Leute, die diese Kunst transportieren, installieren, verpacken, aufbauen hinter den Theken sitzen und die Kunst verkaufen für unsere Bosse. Wir sind die unzähligen Künstler, die es nicht in die Art Basel geschafft haben, in den Kunstmarkt in dem Kunst zur Ware wird. Wir sind die unzähligen Handwerker, die helfen diese Kunst herzustellen oder exklusiv als Assistenten für Künstler nach ihren Angaben die Werke produzieren. Wir sind die unzähligen Kunstliebhaber, die über Kunst lesen, Kunst studieren, Kunst bewundern, Kunst immer in unserer Umgebung brauchen und nicht das Geld haben um großartige Kunst zu besitzen.“

Mit Ihren subversiven Plakaten besetzen sie öffentliche Räume und erfinden Aktionen an Nebenschauplätzen der offiziellen Kunstorte.

Occupy Art ist mehr als alternative Räume, sogenannte Off-Spaces zu erobern.
Occupy Art ist eine Haltung zur Kunst: Kunst ohne Markt!

Kunst ohne Markt neu zu denken, das ist die große Herausforderung an den Künstler und seine Fähigkeit zur Kreativität und Reflexion und an seine Fähigkeit Wege zu finden seine Kunst wirksam werden zu lassen. Das verlangt viel – aber es liegt eine große Chance in dieser Kunst. Sie kann etwas tun, das in der Welt der Kunstware unterzugehen droht. Occupy Art kann bewegen. Occupy Art ist relevant.

Dieses Zitat des Wissenschaftlers William James, stellt Anabel Jujol ihren Arbeiten wie eine Art Leitmotiv voran.

William James, der Ende des 19. Jahrhunderts als Professor in Harvard Psychologie und gleichzeitig Philosophie lehrte, verband damit zwei verschiedene Wissenschaften. Heute beansprucht die Neurowissenschaft Deutungshoheit für viele Fragen, die sonst den oben genannten Disziplinen vorbehalten waren: Der Zusammenhang von Wahrnehmung und Bewusstsein und die Grenzen des menschlichen freien Willens sind dabei wichtige Schlüsselbegriffe.

Neue Methoden, vor allem bildgebende Verfahren, dienen der Beweisführung, wenn es darum geht, komplexe Themen wie das Gedächtnis, soziales Verhalten oder die Gefühlswelt als Hirnprozesse zu beschreiben und zu entschlüsseln.

Dieses Thema hat Anabel Jujol so fasziniert, dass sie sich auch in ihrer Malerei mit diesen Entwicklungen auseinandersetzt. Was sind die bestimmenden Strukturen, die unsere Wahrnehmung von Wirklichkeit begründen? Wie verhält sich Wissen zur Wahrnehmung? Was begründet schließlich unser Bild von der Welt und der Wirklichkeit? (Titel der Ausstellung).Welche Beweiskraft können Bilder haben? Und in wie weit können Bilder komplexe und unbegreifliche Zusammenhänge in Gänze oder in Teilen darstellen.

Auf der Suche nach Antworten schafft Anabel Jujol: eine Verbindung von Wissenschaft und Kunst und geht damit ungewöhnliche Wege: sie versucht mit den Mitteln der Malerei, naturwissenschaftliche Vorgänge, chemische Prozesse im Gehirn zu imaginieren. Dabei erarbeitet sie ihre Bilder eigenständig, ohne Rückgriff auf Vorlagen und kommt damit zu einem „abstrakten Illusionismus. Sie bildet ihre eigenen Vorstellungen und Visionen davon ab, wie solche Prozesse aussehen könnten, wenn wir sie denn mit bloßem Auge erfassen könnten: “Malerei als bildgebendes Verfahren“.

Dabei spielt Anabel Jujol auch mit dem Verhältnis von Realität und Fiktion. Sobald der Entstehungshintergrund ihrer Malerei offengelegt wird – also ihre Beschäftigung mit Forschung und wissenschaftlicher Theorie, suggerieren ihre Bilder unweigerlich einen ebenso wissenschaftlichen Anspruch. Ihr bloßes Vorhandensein verleiht ihnen schon die Aura der wissenschaftlichen Beweiskraft, die Jujol selbst ihnen aber gar nicht zugesteht. Sie zielt vielmehr darauf ab, dass hier die Illusion einer wissenschaftlichen Darstellung vermittelt wird. Das Maß der Beweiskraft der Malereien entsteht im wahrsten Sinne im Auge des Betrachters und verändert sich mit seiner Wahrnehmung und seiner Einstellung den Bildern gegenüber. Und dieses Spiel mit der Illusion, das die Künstlerin als ein Hauptmotiv ihrer Arbeiten benennt, zeigt sich auch im Titel der Arbeiten. Anabel Jujol begreift Ihre Arbeiten alle als Teil einer Serie mit dem Namen: Intravision Ein Begriff der durch seinen lateinischen Ursprung wissenschaftlich anmutet und zugleich Assoziationen zu Einsichten und Innenansichten weckt. Alle Bilder sind mit zwar Nummern und Buchstabencodes betitelt, doch insgesamt mit diesem Oberbegriff benannt. Die einzelnen Ausstellungen laufen alle unter diesem Oberbegriff ergänzt um die aktuelle Jahreszahl und eventuell einem Untertitel. „Imatges simulades“ lautet er für diese Ausstellung und weckt Assoziationen künstlicher Welten in Computersimulationen.
Die in dieser Ausstellung präsentierte Malerei ist zwischen 2009 bis 2010 entstanden. Dabei zeigt sich sehr eindrucksvoll, wie Anabel Jujol Ihre abstrakte Malerei weiter entwickelt, ohne das Thema zu verlassen. Waren frühere Arbeiten noch oft von einer lebhaften Farbigkeit geprägt, ist die Farbgebung ihrer Malereien ab 2009 eher reduziert. Häufig herrschen in den Bildern Schwarz und Weiß und zahlreiche unterschiedliche Grautöne vor. Durch diese Reduktion der Farben hat ihre Malerei eine große Klarheit und Ausdruckstärke gewonnen. Die Künstlerin konzentriert ihre Malerei auf einen wesentlichen Kern, den sie konsequent verfolgt.
Bei den neuesten Arbeiten spielt die Farbe wieder eine größere Rolle. Sie wird bewusst und dezent eingesetzt, bleibt dabei künstlich in der Anmutung und unterstützt den Eindruck von Licht und Schatten im Bild.

Durch starke Hell-‐Dunkel‐Kontraste entsteht in vielen ihrer Bilder eine große Räumlichkeit. Als Betrachter scheint man sich oft in einer nicht enden wollenden Tiefe zu verlieren. Diese Tiefe erinnert an die Tiefe des Universums, das sich dunkel und geheimnisvoll vor den Menschen auftut. Und dieser Vergleich ist durchaus naheliegend, denn wie das kosmische All ist auch das menschliche Bewusstsein ein eigenes Universum – mit Tiefen und Verbindungen, die wir Menschen vermutlich nie ganz erfassen können werden.

In vielen ihrer Bilder sehen wir verwischte weite Flächen, die durchzogen und überlagert sind von einem Gewirr von Fäden, Schnüren oder Linien, es entstehen hier Verästelungen und Verzweigungen. Dann wieder bündeln sich die Linien zu merkwürdigen amorphen Gebilden ‐ um sich wieder auflösen in weiteren, neuen Verästelungen und Vernetzungen. So entsteht ein System, das sich unendlich fortzusetzen und sich weit über den Bildrand hinaus auszudehnen scheint. Wir erblicken einen kleinen Ausschnitt einer komplexen Welt die anscheinend unmöglich als Ganzes zu erfassen ist. In einigen Bildern sind kleine Stücke der weißen Leinwand zu sehen, die nicht übermalt wurden und so hervorblitzen aus den sich überlagernden Flächen und Linien – wie ein Gedankenblitz, der manchmal in uns kurz aufscheint und dann gleich wieder vom Strom der Wahrnehmungen überlagert wird. Flüchtigkeit und Bewegung sind wichtige Attribute, die damit dargestellt werden.

Anabel Jujol hat in den letzten 2 Jahren eine ganz eigene Technik für ihre Malerei entwickelt. Sie verwendet Ölfarbe, die durch den Einsatz von Terpentin stark verdünnt wird. In die als dünne Lasuren angelegten Flächen arbeitet sie dann wiederum mit Terpentin hinein. Es entstehen auf diese Weise Aussparungen und Linien, die zum Teil verwischt und dann wieder übermalt werden. So bilden sich zahlreiche Überlagerungen und Vernetzungen heraus und eine große Bildtiefe entsteht. Dabei muss die Künstlerin sehr spontan und mit einer großen Präsens agieren, denn zum einen verändert der Einsatz von Terpentin sehr schnell eine Farbfläche, und zum anderen setzt ein rascher Trocknungsprozess ein.
Die Arbeiten Anabel Jujols entstehen also in einem spontanen, schnellen Schaffensprozess, der eine hohe Konzentration erfordert.

Diese große Konzentration auf den Augenblick ist in ihren Arbeiten eingefangen und für den Betrachter zu spüren.

Vera Zahnhausen, November 2010