andrea velloso

Barry Underwood

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Thu, 13 Mar 2014 19:44:00 +0000

Sua obra examina o uso do solo em locais rurais, suburbanos e urbanos, sempre pesquisando o uso da terra agrícola, industrial e de lazer local. A curiosidade sobre a história ecológica e social dos lugares específicos impulsiona seu trabalho. Ao revelar a beleza e o potencial de uma paisagem comum, uma cena cotidiana transforma-se em uma experiência memorável, visual. Cada imagem da fotografia é um diálogo - um encontro direto com a natureza e história. Inspirado pela arte da terra, a fotografia de paisagem e pintura, bem como cinema, suas imagens são surreais. Esta tensão entre o familiar e o surreal dá as imagens um estranho poder. As fotografias são documentações de instalações de grande escala que são construídas no local. Nas impressões finais, as luzes e as alterações aparecem como invasões, transformando paisagens em imagens abstratas.

Thierry De Cordier

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Mon, 30 Dec 2013 20:52:00 +0000

Thierry De Cordier ( b.1954 , Bélgica)

é um filósofo , performer , escultor, escritor e poeta . Como um jovem artista , viveu uma existência nômade que o levou a refletir sobre a arquitetura como um modelo para as relações sociais. Por um longo tempo , seu jardim era um substituto e uma metáfora para o mundo. Mais tarde, ele virou as costas para o mundo a olhar para o mar. Thierry De Cordier é um artista existencial que tenta compreender o mundo através de sua própria experiência. Sua obra é o resultado de uma busca pessoal, da sua identidade e relação com o mundo. Seu trabalho , no qual o infinitamente pequeno se reflete no infinitamente grande, se desenvolve organicamente. Nas últimas décadas, Thierry De Cordier dedicou-se mais à pintura. Temas recorrentes incluem montanhas , marinhas e paisagens desoladas que são parcialmente inspirados nas vastidões de preto e branco das pinturas topográficas feitas na China durante o século 17 e 18 , e ainda capturaram as qualidades essenciais da paisagem e luz do norte da Europa. Os céus cinzentos e mares negros de suas pinturas monocromáticas evocam melancolia, com as cenas mais dramáticas sendo aqueles em que as ondas e penhascos montanhosos se fundem e nos confundem quando encorporam as forças da natureza dentro de uma única imagem primal.

Kate MccGwire

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Thu, 17 Oct 2013 11:48:00 +0000

A escultora britânica Kate MccGwire cria esculturas orgânicas estranhas a partir de camadas de penas de aves . Os objetos que ela cria são tão precisamente montados que parecem formar criaturas híbridas com tentáculos ou membros que se torcem e curvam-se em formas inesperadas.

MccGwire cresceu no Norfolk Broads , numa rede de rios e lagos , no leste da Inglaterra, onde a conexão com a natureza e fascínio com as aves foi alimentada a partir de uma idade precoce. Hoje a artista pacientemente recolhe penas das asas de pombo e patos que são cuidadosamente lavados e classificados em preparação para cada nova escultura.

Se você quiser ver o seu trabalho em primeira mão este mês você está com sorte , já que ela tem atualmente peças e instalações em nada menos que quatro exposições permanentes . Você pode parar por Gaasbeek Castle na Bélgica a 3 de novembro, a Cheongju Bienal Internacional de 2013 na Coreia do Sul a 20 de outubro de Cheltenham Art Gallery and Museum , e a exposição Room at the Crypt na Igreja Marylebone , em Londres.

Andrzej Lachowicz

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Sun, 29 Sep 2013 04:42:00 +0000

ANDRZEJ Lachowicz é um desses artistas cujo trabalho influenciou significativamente o desenvolvimento das artes visuais em nosso país. Desde o final dos anos sessenta, um fotógrafo, design gráfico, pintura, desenho, criação de filmes e gravações de vídeo. É um teórico da arte ativa, publicou e anunciou sua pesquisa em linguagem visual da fotografia, cria trabalhos onde analisa a transferência de informações, uma espécie de "persuasão visual" que age sobre o destinatário.

Sua arte está firmemente ancorada na photomedialism que constitui um componente significativo da discussão conceitual sobre temas de arte, que na época dominavam o mundo. Em 1970, ele co-fundou a galeria em Wroclaw PERMAFO atuação de um grupo de artistas reunidos em torno da galeria. Um papel importante neste grupo também tocou Natalia LL e Dlubak.

Andrzej Lachowicz (nascido em 14 de agosto 1939 , em Vilnius, Lituânia ) - designer gráfico, fotógrafo, pintor, cineasta, teórico da arte. Estudou na Academia de Mineração e Metalurgia , em Cracóvia (1957-1960), depois para a Academia de Belas Artes (hoje a Academia de Belas Artes. Eugeniusz Geppert ), em Wroclaw, sob os auspícios do prof. Stanislaus Dawski . Mais de 40 anos de atividade artística foi o organizador dos muitos esforços artísticos. Desde 1968, ele é membro de ZPAF . Um pioneiro e fundador da Internacional Trienal de Desenho em Wroclaw . Ele era um estudioso da Fundação Kosciuszko em Nova York (1997), Verien Kulturokontakte em Viena (1991) e PRO-HELVETIA na Suíça . Em 2009, ele foi condecorado com a Medalha de Prata "Gloria Artis" [1] e recebeu o prêmio. Katarzyna Kobro .

Uma área importante de suas atividades são textos teóricos, incluindo os níveis de energia de arte (1978), o desespero e a esperança (1986).

Andrea Galvani

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Sun, 29 Sep 2013 04:21:00 +0000

Morte de uma imagem de Andrea Galvani , 2005/2012, é uma série de fotografias de edição limitada. Para fazer este corpo de trabalho, Galvani usa objetos, espelhos e fumaça para criar distúrbios na percepção física dos espectadores nas paisagens. Através de detonações e outras intervenções, Galvani também altera o sentido do tempo dos espectadores, quer capturar uma fração de segundo a ação de outra forma incompreensível a olho nu ou revelar as propriedades de um lugar por meio de processos que se desenrolam lentamente. Morte de uma imagem # 4C mostra uma epifania momentânea de luz orquestrada, com destaque para as propriedades de ruptura de algo que de outra forma não deixa vestígios físicos.

Andrea Galvani (nascido na Itália, 1973) ganhou um BFA na Academia de Belas Artes de Bolonha, Itália, em 1999, e um mestrado em Artes Visuais da Universidade de Bilbao, Espanha, em 2002. Desenho de outras disciplinas e, muitas vezes utilizando metodologias científicas, a pesquisa conceitual informa o seu uso da fotografia, bem como de vídeo, desenho e instalação. Obras de Galvani foram exibidos no Museu Whitney, Aperture Foundation e Fundação Calder, em Nova York, o Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Trento e Rovereto (MART), a Itália, o Museu de Arte Contemporânea de Roma (Macro); De Brakke Grond, Amsterdam, e em outros lugares. Em 2011 ele recebeu o Prêmio Exposição de Nova York e foi nomeado para o prestigiado Deutsche Börse Photography Prize. Galvani vive e trabalha em Brooklyn.

http://www.aperture.org/shop/prints/new-photographs/andrea-galvani-limited-edition-photograph

André Kertész

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Sat, 24 Aug 2013 01:04:00 +0000

André Kertész (1894-1985) foi saudado como um dos mais importantes fotógrafos do século XX. Trabalhando de forma intuitiva, ele capturou a poesia da vida urbana moderna, com sua calma, incidentes muitas vezes esquecido e estranhas justaposições, ocasionalmente em quadrinhos, ou até mesmo cenas bizarras. Ele se esforçou "para dar um sentido a tudo" com sua câmera , para fazer fotografias como pela reflexão em um espelho. Combinando essa espontaneidade aparentemente ingênua com uma compreensão sofisticada da composição, Kertész criou uma linguagem puramente fotográfica que celebra a observação direta do cotidiano. Nem um surrealista, nem um fotojornalista estrito, ele, no entanto, infundido suas melhores imagens com fortes princípios de ambos. "Você não vê" as coisas que você fotografa, ele explicou, "você sente." Nascido em Andor em Budapeste, Kertész recebeu sua primeira câmera em 1912 e imediatamente começou a fazer retratos íntimos da família e amigos, estudos de campo húngaro, e cenas da vida cotidiana por trás das linhas de batalha da Primeira Guerra Mundial, olhando a vida através da fotografia, ele se mudou em 1925 para Paris, onde estabeleceu uma bem sucedida carreira como fotojornalista. Estimulado por esta realização e inspirado pelo vibrante comunidade artística da capital francesa, ele criou algumas das imagens mais intrigantes e célebres do período. Em 1936 Kertész mudou-se para Nova York, a fim de continuar a sua carreira. Cativado pelo rico espetáculo visual da cidade e admirado por sua escala, ele usou a câmera para gravar tanto o seu fascínio, e senso de alienação, seu novo ambiente. As imagens atestam uma história pessoal complicada suportados pelas convulsões políticas de duas guerras e da vida em três países. Ele morreu com a idade de noventa e um.

Jeremy Miranda

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Sat, 24 Aug 2013 00:50:00 +0000

Jeremy Miranda é um pintor eclético e talentoso trabalhando inúmeras questões de forma e estrutura tanto naturais e artificiais, além de explorar a cor, a luz, design e até mesmo idéias narrativas. Sua abordagem estilística varia muito de rápidos e soltos estudos e esboços, de aquarelas simples até complexas pinturas formalmente executadas. Sua obra tem uma escala relativamente pequena. A maioria de sua obra parece residir dentro de uma série temática. Há uma série maravilhosa sobre uma estufa misteriosa que flutua em terra nas ondas de alguma escura praia da Nova Inglaterra, onde curiosos se reúnem. Outra retrata estantes formando um ou mais lados de um interior que se abre para o espaço natural aberto do outro lado. Outros são mais abstratos. Você pode ver uma boa dose de trabalho em seu site: www.jeremymiranda.com

mas eu realmente recomendo visitar o seu blog para ter uma idéia mais ampla da gama e do contexto de seu trabalho: jeremymiranda.blogspot.com.

" Eu passo muito tempo em ambientes fechados e minha pintura surge a partir de fotografias e memória. Eu gosto de trabalhar, mas depois de tanto tempo no meu estúdio, removido das paisagens reais e marinhas reais é crucial eu sair. Eu adoro as transições rápidas que vêm com a primavera e o clima mais quente significa mais oportunidades para pintar ao ar livre.

Eu considero essas pinturas que eu faço ao ar livre como algo bastante distinto do que eu faço no estúdio. Eu gostaria de encontrar espaços estranhos que oferecem sons e texturas diferentes, e me colocar na frente da mudança de clima. E com toda a conversa sobre a experiência, o que eu realmente gosto muitas vezes são as matérias orgânicas, bagunçadas, que existem como um registro ou tradução de um momento no tempo. O que mais existe realmente? "

Odires Mlászho

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Fri, 12 Jul 2013 17:24:00 +0000

Odires Mlászho: está no Pavilhão Brasil de arte em Veneza 2013. O Brasil apresenta o trabalho encomendado por luis Terepins (Fundação Bienal de São Paulo) - com curadoria de Luis Pérez-Oramas e vice-curador André Severo - que explora esta idéia da 'estrutura constellatory' com o trabalho de cinco artistas, incluindo Odires Mlászho. Nascido josé odires micowski, mlászho leva muitas de suas influências criativas da obra de Max Ernst e László Moholy-Nagy, tanto que seu apelido é o culminar de seus nomes. As esculturas de livros que ele criou especialmente para esta ocasião transmitem a sua tentativa de reinventar as possibilidades de colagem, particularmente seus desenvolvimentos em nosso mundo digital. o seu trabalho, em conjunto com o colega expositor Hélio Fervenza, apresentam uma constelação de peças que representam uma breve arqueologia da fita de Möbius na arte. Os livros de esculturas que Mlászho concebeu empregam volumes dispostos de tal maneira que eles são processados em formações de torção, referindo-se aos princípios associados com uma tira de Möbius. Vale lembrar e salientar a utilização de propriedades matemáticas da arte, suas peças e de Fervenza estão sendo mostrados em relação a Bruno Munari com 'côncavo / convexo' (1947), Max Bill com 'unidade tripartite' (1948-1949) e Lygia Clark (1964).

Stephen Turner

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Thu, 20 Jun 2013 03:05:00 +0000

The Exbury Egg – é o result ado da colaboracão entree o PAD studio, o SPUD group e o artists Stephen Turner, que trabalharam de Vessel para aportarem com o ovo flutuante no porto do Rio Beaulieu, na Inglaterra.

Ovo é um lugar para ficar e um laboratório/studio do artista para estudar a vida de um canal de maré, um centro de pesquisa e de armazenamento integrado e áreas da exposição. a estrutura construída usando técnicas de construção de barcos e materiais locais dispõe de uma cama, uma mesa, um pequeno fogão. Requisitos de Stephen para o uso de eletricidade, incluindo eletricidade para carregar itens, como um laptop, câmera digital e celular serão atendidas usando luz solar.

O ovo, então, vai viajar para vários locais em todo o Reino Unido, onde ele será usado como uma ferramenta educacional para aumentar a conscientização de sustentabilidade e as questões ecológicas.

Gerhard Richter

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Wed, 19 Jun 2013 20:42:00 +0000

Gerhard Richter

Work from Tapestries at Gagosian Gallery. “Gagosian Gallery presents a group of four tapestries entitledAbdu, Iblan, Musa, and Yusuf (all 2009) by Gerhard Richter.

Estes trabalhos baseiam-se em pintura abstrata (724-4) (1990), um exemplo-chave de abordagem distinta de Richter a pintura não-representacional. O efeito visual das tapeçarias é um Rorschach-como multiplicador das formas e cores da tela inicial.

Tecida num tear Jacquard mecânica, cada tapeçaria repete quatro vezes a imagem de um quadrante da pintura. Surpreendentemente, as qualidades pictóricas, do original traduzem iterações digitais no tear. Embora derivados da mesma pintura, cada um dos quatro quadrantes, resultam em surpresas e brilham com as suas próprias simetrias complexas. Em Abdu, uma supernova azul cobalto irrompe em um mar de sobreposição de vermelhos, brancos e amarelos misturados, enquanto Iblan é uma visão em camadas de lilases e azuis da meia-noite que emana de um centro branco brilhante. Dentro de uma delicada camada vermelha, algumas marcas parecem ter sido pintadas à dedo; com ilusões refinadas do gesto, é fácil esquecer que as obras não empregam tinta em tudo.

Nos últimos anos, os interesses de Richter na mídia-fusão e apropriação resultaram em obras que se multiplicam e transformam suas pinturas abstratas em impressões, livros e outras pinturas. As pinturas Faixa gerados digitalmente de 2012 são manipulações complexas de uma mesma pintura a partir do qual foram produzidos os quatro tapeçarias. Mas nas tapeçarias, a sondagem contínua do espaço entre a pintura e reprodução encontra ressonância nas texturas do meio artesanal, em vez de na descrição suave de cor e velocidade. Traduzido a partir de pintura de lã, abstração distintiva de Richter impregna um meio tradicional, com uma nova dinâmica, enquanto que o próprio ato de pintar passa em um reino tátil paralelo. Gallery Gagosian

meu querido blog...

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Fri, 24 May 2013 03:16:00 +0000

fotomontagens de Andréa Velloso

"encontro de rosas", Série Encontros 2013

Olá! Salve aos atentos de plantão...

To saudosa e vou ser muito sincera:
Estive derivando...em situações recheadas de deslocamentos e hiatos...ares novos, ares (meus) de sempre...um pouco de tudo e de nada. O blog nesses dois meses se fez presente entre minhas moléculas bem mais do que imaginava. Apesar da distancia, isso só confirma o quanto eu o amo e sei que mesmo o tempo e hiatos não vão me distanciar dessa prática, que aprendi ser deliciosa e já me pertence!

Portanto saibam que assim que terminar essa semana, eu vou retornar de forma mais que gostosa à esse caderno de referencias e memórias. Dessa forma sinto que ele vai poder existir definitivamente, pois hiatos e liberdade de ir e vir é fundamental nessa pratica e nessa vida cheia de estímulos, que as vezes nos faz focar e embarcar mergulhada por certas viagens.

Um beijo à todos, ou mesmo às camadas invisíveis dos que aqui já estiveram.
Um brinde aos olhos e retinas que por aqui já passaram e espero que passem novamente.

Deixo aqui duas fotos minhas da "Série Encontros".

Até já já...
beijomeu,
Andréa

Riitta Ikonen e Karoline Hjorth

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Mon, 11 Mar 2013 14:40:00 +0000

Em 15 de fevereiro, Riitta Ikonen e Karoline Hjorth começaram um novo capítulo com Eyes as Big as Plates / Olhos tão grandes quanto pratos, como parte do programa de Recesso da assinatura, a Sessão. Sessão convida artistas para usar o espaço público Recess como estúdio, local de exposições, e experimentação. Ao longo de sua sessão, Ikonen e Hjorth criaram figurinos, cenários, e programas de desempenho para os residentes seniores de Nova York, que mostram uma ligação marcante com suas raízes nacionais e culturais. As artistas exploraram paisagens mentais subjetivas com a personificação da natureza, desenvolvendo uma série de fotografias e performances. Riitta Ikonen, fotografa e figurinista, em colaboração com a artista norueguêsa Karoline Hjorth , o projeto foi criado durante uma residência no Centro de Arte e KINOKINO Cinema na Noruega.

Ikonen criou uma série de figurinos personalizados usando materiais orgânicos , e desenvolvidos a partir de entrevistas e atividades com os participantes seniores.Trabalhando com os moradores da Casa Hamilton-Madison - Prefeitura Senior Center em Manhattan, os participantes são estimulados a contribuir com ideias e histórias para as fotos e para emprestar sua própria personalidade para trajes de Ikonen. Hiorth filmou as histórias selecionadas em locais nos arredores de Nova York, especialmente entre as hidrovias de Red Hook.

As fotografias usam referências do folclore americano. Cada imagem irá apresentar uma figura solitária numa paisagem, vestida de elementos do ambiente que não indicam tempo nem lugar, estimulando um sentido de atemporalidade e universalidade. Esta mistura de pessoa e ambiente recorda a forma como as narrativas folclóricas animam o mundo natural através de uma personificação da natureza. As figuras dos idosos nas paisagens sugere um retorno à Terra, uma celebração da vida vivida, reforçando a ligação entre a humanidade e o mundo natural. A exposição conta com uma apresentação final dos trajes, fotografias e artefatos.

Sobre os artistas:

Riitta Ikonen received her BA from the University of Brighton and her MA from Royal College of Art in London. She lives and works in New York City and London. She has exhibited her work at Museum of Contemporary Art Kiasma in Helsinki, London 2012 Olympic Park, Seibu Shibuya in Tokyo, Winzavod Art Center in Moscow, Hockney Gallery and the annual RCA Secret exhibition at Royal College of Art, Photographer's Gallery, Tate Britain, Gulbenkian foundation headquarters and the Victoria and Albert Museum in London. She is a recipient of the Michael Peters award for Interdisciplinary Collaboration, winner of the Beck's canvas competition in 2008 and in 2011 she was the artist in residence at KINOKINO arts center in Norway. Ikonen is the artist in residence with SPARC (Seniors Partnering with Artists Citywide ) in Manhattan through Lower Manhattan Cultural Council (LMCC) from January through June 2013.

Karoline Hjorth is based in Oslo and works as a photographer, journalist and sailor. She received her BA in Photographic Arts from University of Westminster in London and her MA in International Journalism from the same university. Her photographic work has received the Deloitte Award at the National Portrait Gallery in London and has been exhibited internationally. She released the book Mormormonologene (Nana Monologues) in 2011 and the second edition was published in 2012. Para pedidos de imagens ou mais informações contactar: info@recessactivities.org.

Riitta Ikonen and Karoline Hjorth:
Eyes as Big as Plates

February 15 – April 26, 2013
Performance & Reception: March 22, 6-8 pm

Recess in Red Hook
159 Pioneer Street
Brooklyn, NY 11231

riittaikonen.com

eyesasbigasplates.wordpress.com

Série Mar

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Fri, 08 Feb 2013 02:10:00 +0000

"dis sol ver", série mar, 066 x 100 - ink jet papel photorag hannermuller, 308 grs

"permanecer no limite", série mar, 066 x 100 - ink jet papel photorag hannermuller, 308 grs

"essa massa se move", série mar, 066 x 100 - ink jet papel photorag hannermuller, 308 grs

"sair desse lugar", série mar, 066 x 100 - ink jet papel photorag hannermuller, 308 grs

Essa série é minha e tem 12 fotomontagens, as primeiras com frases, quase ocultas. Resultado de muitas camadas dessa mesma cena do horizonte, que via todos os dias, e fica impregnado na retina, com ou sem pedra, com ou sem mar, com ou sem horizonte. Cenário pessoal da época que morava no Rio e era encapsulada pela maresia úmida e seu cheiro rascante. Camadas de massas líquidas que vão e vem nos meus fios.

andreavelloso.com (site quase pronto! soon...)

Filip Dujardin

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Thu, 07 Feb 2013 02:41:00 +0000

A Highlight Gallery apresenta (DIS)LOCATION em São Francisco, CA.

A exposição individual do fotógrafo belga Filip Dujardin cujo trabalho é inspirado no patrimônio das paisagens e arquitetura, e vai estar em exposição a partir de 07 fevereiro até 29 de março 2013. As Colagens fotográficas de Dujardin são profundamente industriais e surreais e desafiam todos os componentes funcionais da arquitetura e, com isso criam mundos utópicos onde as misturas evocam romantismo e surpresa. A exposição apresenta o seu mais recente corpo de trabalho, que inclui fotografias tiradas na cidade costeira francesa de Deauville e também a área de Guimarães no norte de Portugal. As suas composições fotográficas são compostas de edifícios reais, que são então transformados em novas estruturas fictícias através da utilização de técnicas de colagem digitais. As formas arquitetônicas, embora familiares, tornam-se novos ambientes construídos de sonho, onde as paredes são erguidas e até mesmo inseridas enquanto vigas surgem e são plantadas de formas improváveis. Suas composições irregulares tocam o real e o digital e respondem perfeitamente aos ambientes naturais e paisagens em que são plantadas, quase como se eles estivessem lá para sempre. Ao mesmo tempo, a sua justaposição do industrial com o romântico dá novas dimensões à colagem fotográfica e oferece novos truques imaginários excitantes pro olhar. O trabalho de Filip Dujardin faz o melhor das paisagens que ele usa, respeitando sua história e importância cultural. Seu trabalho dá uma sensação de familiaridade e consegue aceitar a beleza de uma nova realidade. Tendo estudado História da Arte, com ênfase na arquitetura, é evidente que o seu trabalho abrange todas as qualidades esculturais que a arquitetura tem para oferecer. Sua negação da gravidade e funcionalidade é corajosa, por sua vez, oferecendo-nos uma sensação maravilhosa de liberdade.

http://www.yatzer.com/DIS-LOCATION-Filip-Dujardin-Highlight-Gallery-San-Francisco

Max Mulhern

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Tue, 22 Jan 2013 01:42:00 +0000

Max Mulhern conta com toda a sorte entre correntes marítmas e muita água. Ele jogou no mar dois dados como sinal de boa sorte no seu novo projeto Aqua-dice. Dados - eles são considerados um dos símbolos mais fortes da pura sorte, e o artista americano Max Mulhern decidiu explorar isso com o seu projecto água dados "Os maiores dados flutuantes na terra". Dois grandes dados, brilhantemente coloridos foram lançados em águas internacionais para criar uma ode visual a chance e boa sorte. Cada dado foi especialmente criado por por um arquiteto naval francês - composto de 8 compartimentos estanques cada qual habita um canto da matriz. Os blocos forão fabricados por um construtor de navios especialistas em barcos de pesca - cada um deles composto de pinho, madeira, PVC e epoxi. No final de 2012, Mulhern os enviou da Bretanha para as ilhas Canárias, e, ao meio-dia, na data de 12/12/12, os lançou à tona no Atlântico, e os deixou ao acaso. Para acompanhar a obra , estudantes de tecnologia na Normandia acompanham por seus sistemas de GPS as posições dos dados, uma vez por dia para que o trajeto possa ser registrado por qualquer pessoa interessada. Ambos os dados foram cerca de 1.100 quilômetros a oeste das ilhas Canárias, e apenas cerca de 60 quilômetros de distância até 07 de janeiro de 2012 - Cientistas prevêem que os dois objetos flutuantes vão se separar rapidamente. No entanto, o trabalho é ilegal porque é proibido deixar e colocar um objeto na água de forma autônoma, sem acompanhamento à bordo. Mulhern observa a alta visibilidade da matriz, antecipa relatos dos avistamentos ao longo do Atlântico durante toda viagem dos objetos de arte - e , é claro, conta com alguma ajuda da senhora da sorte.

o acaso e a "sorte" fazem parte do seu fascínio como artista. Max Mulhern - ele é infinitamente interessado no papel do acaso na vida - "é uma grande razão em que ele se inspirou para criar Dados da Aqua O outro era o seu amor por águas abertas. Sr. Mulhern, 50, vive em Paris, mas cresceu na Filadélfia, e passou grande parte de sua infância com seu pai na Baía de Chesapeake - "levando a vida de Huck Finn", disse ele - onde desenvolveu uma devoção ao longo da vida para barco .

Falando sobre a gênese do projeto, o Sr. Mulhern cita uma ampla gama de influências artísticas. Homem Vitruviano de Da Vinci e fórmulas de Le Corbusier o ajudou a determinar escala de 8-pés-para-cada-lado do dado (apesar de as dimensões de um contêiner padrão também tinha algo a ver com isso).Inspirações literárias incluído poema de Mallarmé simbolista "Um lance de dados nunca abolirá Chance", de Milton "Paradise Lost", e 100-linha de Rimbaud "Bateau Ivre (O Barco Ébrio)" - que o Sr. Mulhern escreveu à mão, colocando metade o poema em cada dado, juntamente com a sua informação de contato. E o papel do acaso na obra dos surrealistas e dadaístas Jean Arp também jogou em seu pensamento. Ele recebeu muita ajuda ao longo do caminho. Ele recebeu uma bolsa do Ministério da Cultura francês, que o premiou pra pesquisa. A probabilidade de os dados fazerem danos a um barco é praticamente zero. Ele apontou para alta visibilidade do dado - sua pele laranja fluorescente é difícil de perder - e o fato de que eles são susceptíveis de estar seguindo a mesma corrente como qualquer embarcações nas proximidades, e são projetados para entrar em colapso com o impacto.

Ele nem sempre foi bem sucedido na obtenção de aliados. O primeiro lugar onde ele solicitou patrocínio, compreensivelmente, estava em grandes cassinos de Las Vegas e Paris. Casino executivos ficaram intrigados, disse ele, por sua proposta de que os dados poderiam ser usados como uma ferramenta de apostas, mas finalmente todos eles decidiram que o empreendimento era "muito arriscaoa" para abraçar, porque não havia nenhuma maneira de calcular a probabilidade. Mas a comunidade internacional de transporte pode ser mais cooperativa. Ele postou seu projeto em vários locais náuticas , o Sr. Mulhern espera receber relatos de avistamentos ao longo das faixas de tráfego movimentadas do Atlântico. "Espero que este projeto seja conhecido por todos que dobram as águas". http://artsbeat.blogs.nytimes.com/2013/01/08/an-artists-game-of-chance-on-the-high-seas/

*voce pode encontrar a pagina no facebook e acompanhar: https://www.facebook.com/pages/Aqua-Dice/178146505598148

2013

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Tue, 22 Jan 2013 00:55:00 +0000

Feliz Ano novo pra nós!

o fim do ano foi antes e a volta foi depois...sinal de bom hiato

muitos deslocamentos e finalmente casa!

vida...dia à dia

tudo novo

agora

Rothko / Sugimoto

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Wed, 07 Nov 2012 16:42:00 +0000

Um verdadeiro luxo poder ver juntos Rothko e Sugimoto, que inauguram a nova Pace Gallery de Londres.

Rothko / Sugimoto exposição inaugura Pace Londres, 6 Burlington Gardens

Logo depois de seu recente anúncio de planos para abrir uma grande galeria, em Mayfair, Londres, Pace tem a honra de apresentar Rothko / Sugimoto: Pinturas escuras e Paisagens em 6 Burlington Gardens de 04 de outubro a 17 de novembro de 2012. A exposição inaugural justapõe o falecido Mark Rothko com suas pinturas em preto e cinza com fotografias contemporâneas de Hiroshi Sugimoto de corpos de água. A exposição marca a primeira apresentação da galeria com os trabalho de Rothko em Londres, em quase 50 anos e continua a tradição da Pace, com cinco décadas de exposições que exploram afinidades entre artistas que trabalham ao longo das décadas.

Pinturas escuras e Paisagens formam oito pares de pinturas acrílicas feitas por Rothko e oito gravuras de gelatina de prata por Sugimoto, revelando duas diferentes abordagens artísticas que chegam a conclusões semelhantes. Um feito épico unir os dois mestres, que nos mergulham num tempo infinito de mares escuros onde um tom sombrio de seriedade nos remete à "Ira de Aquiles" pra contemplar a mortalidade. Pois assim podemos ver Rothko na pura abstração com o trabalho de Hiroshi Sugimoto, com a fotografia de percepção do mundo. Caracterizada por um formato binário de preto e cinza retangulares, são elementos das afinidades filosóficas entre os dois artistas, cada um oferecendo uma meditação sobre preocupações universais e cosmológicas.

A exposição será acompanhada de um catálogo por Richard Shiff, a Marie Effie Caim Regents Presidente em Arte e diretor do Centro para o Estudo do Modernismo na Universidade do Texas em Austin. "Rothko e Sugimoto pensar em termos de eras e eras da história da vida orgânica, e não as décadas de suas próprias vidas", escreve Shiff. "Rothko havia dirigido a sua arte, como Sugimoto faz agora, a um sentido, primal evolutiva do ser humano. O que é verdade de Rothko e Sugimoto torna-se verdadeiro de todos nós quando assistimos à sua experiência, se encontramos os limites do sentimento humano e a percepção que as pinturas de Rothko e fotografias de Sugimoto representam. Nós, então, reconhecemos a condição de que já constitui a nossa vida ... Imerso no mar de um artista de luz , da natureza profunda. O conceito para a exposição se originou em 2010, quando Hiroshi Sugimoto entrou Pace e foi introduzida para Christopher Rothko, filho de Mark Rothko. Pace tem trabalhado com a família Rothko desde 1978 e apresentou 10 exposições dedicadas à história do trabalho do artista.Em preparação para a exposição, Sugimoto refletiu, "Por muitas décadas eu criei marinhas. Não retratar o mundo em fotografias, eu gostaria de pensar, mas sim projetando minhas paisagens marítimas internas para a tela do mundo.Céus agora formando retângulos brilhantes, a água agora está derretendo em retângulos líquido escuro. Eu às vezes acho que vejo um horizonte escuro cortando pinturas de Mark Rothko. É então eu inconscientemente perceber que as pinturas são mais verdadeiras do que as fotografias e as fotografias são mais ilusório do que pinturas. "

Pintado um ano antes de sua morte, pinturas escuras Rothko de 1969 representou a primeira ruptura radical de sua forma assinatura em mais de duas décadas. Ele abandonou tanto a faixa de orquestra e bancos cintilantes de cor que definiram seus trabalhos anteriores, reduzindo cada pintura de dois retângulos distintos, um escuro e um claro. Embora Rothko tenha se envolvido com a escuridão antes, nomeadamente nas pinturas Seagram de 1958-1959 e da Comissão para a Capela na Menil Collection em Houston 1964-67 na obra final, ele limitou sua paleta de preto e cinza, com traços de marrom escuro, marrom e azul visível. As pinturas são rodeados por uma margem branca, exclusivo para esta série, que isola o campo e enfatiza a sua planicidade. Embora sombrio e até mesmo elegíaco na cor e humor, as obras escuras relacionam menos com qualquer tragédia pessoal na vida de Rothko, e mais a eternas e despersonalizada questões metafísicas. Como o crítico Brian O'Doherty escreveu em seu ensaio pro catálogo de 1985, para a exposição de pinturas. Sugimoto marítimas (iniciada em 1980) retratam corpos de água do Canal Inglês para a baía de Sagami, cada fotografia na mesma composição gritante de uma linha do horizonte dividindo o céu e o mar. Dividido em dois retângulos um-escuro, um-luz a relação entre o mar e o céu assume uma geometria quase abstrata que carrega de imagem a imagem e oceano para oceano ao redor do mundo. Como Rothko, Sugimoto transmite uma gama impressionante de emoções dentro de um vocabulário limitado de tons de preto e branco e um formato fixo. Focalizando água e ar-as substâncias que deram origem à vida, os trabalhos evocam mares primordiais e as origens da consciência humana.

Issac Cordal

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Mon, 22 Oct 2012 13:03:00 +0000

The BLK River Festival em Viena recebe alguns dos representantes mais significativos da cena artística internacional de rua em Viena: Issac Cordal No mês de setembro, os artistas de todos os continentes são convidados a realizarem projetos em vários locais da cidade de Viena . Black River utiliza toda a cidade. Pisque e você pode perder de vista a instalação, pois elas são muito sutís. Transformando a paisagem urbana em si mesma, com instalações que são quase imperceptíveis pela sutileza. Isaac Cordal usa a funcionalidade cinza do cimento para questionar a falta de cor e vibração em grande parte de nossas vidas através de sua pequena figuras. Lidar igualmente com a erradicação virtual do mundo natural na matriz urbana, o anonimato da vida da cidade, a falta de sentimento entorpecido e da cegueira para as realidades dos outros . Como seus "everymen" espalhados por todo o mundo em contemplação silenciosa e oprimidos, Isaac conta que Estudou Belas Artes em Pontevedra, uma pequena cidade no noroeste da Espanha. Começou seus trabalhos em 1999. "Eu comecei a fazer esculturas de cimento quando eu estava na Escola de Arte em 2002, mas não foi até 2006, quando eu comecei a usá-los nas ruas. O primeiro lugar eu deixei uma escultura de cimento eclipses foi na cidade de Vigo. Cement Eclipses é uma crítica / definição de nosso comportamento como uma massa social. Este projeto tem a intenção de chamar a atenção sobre a nossa relação com a natureza desvalorizada através de um olhar crítico para os efeitos colaterais da nossa evolução. Estas cenas são pequenos "zooms" nas tarefas de rotina do ser humano contemporâneo. Eles apresentam fragmentos em que a natureza, ainda presente, mantém sintomas encorajadores de sobrevivência. A precariedade dessas estatuetas anônimas, na altura da sola dos transeuntes, representa os restos nômades de uma construção imperfeita de nossa sociedade. Estas pequenas esculturas contemplam a demolição e reconstrução de tudo o que nos rodeia. Eles chamam a atenção do absurdo da nossa existência."

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Fri, 21 Sep 2012 18:56:00 +0000

Inspirada nas formas que percebemos os fenômenos temporais através do movimento, tanto visualmente e sonoramente, Surabhi Saraf usa sua experiência em som experimental, música clássica indiana e coreografia para criar áudio e obras em vídeo. Com um diversificado leque de técnicas, tais como a repetição, fragmentação e multiplicação, Surabhi projeta seqüências de movimentos rítmicos, a criação de estruturas de várias camadas de evolução dos padrões que retardam a nossa percepção do tempo.

Seu projeto FOLD {performance ao vivo}, é uma série de apresentações públicas, em que a ação "diária" de dobrar roupa é captada e transformada em uma meditação em movimento lento. Em seus últimos desempenhos audiovisuais , Surabhi faz camadas com o som de sua voz sobre as percussões do grupo, que são incrementados por luzes e vídeo ao vivo, criando uma paisagem sonora envolvente.

Formou-se na Escola do Instituto de Arte de Chicago em 2009, com um mestrado em Arte e Tecnologia. Antes disso, ela obteve seu BFA em Pintura do MSU Baroda (Índia) em 2005. Surabhi é o vencedora de Arte vs Design (2009), organizado por artistas de Nova Iorque. Seu trabalho PEEL é o vencedor do Prêmio Celeste (2009), Itália. Seu vídeo dobrado foi anunciado o vencedor na categoria Filme Experimental no Festival de Cinema 2011 descartável. Trabalho colaborativo Surabhi com Nadav Assor, foi apresentado na 10 NETMAGE Internacional Live Media Festival, Bologna, Itália. Seus vídeos foram exibidos no Museu de Arte Americana Hunter Chattanooga, TN e do Museu de Arte Contemporânea, Vojvodina, Sérvia. Seus trabalhos individuais e colaborativos foram apresentados no Salão Links, Sullivan Galerias em Chicago e na Galeria Lab & SOMArts em San Francisco e Galeria de Arte Vadehra em Nova Deli, entre outros. Surabhi é o destinatário da Bolsa Internacional de Graduação na Escola do Instituto de Arte de Chicago. Ela também recebeu o Prêmio de Artista Residente Djerassi para uma residência meses em Woodside, Califórnia. Seus vídeos recentes foram apresentados em múltiplos de vídeo arte internacional do festival na Espanha, Holanda, Coréia do Sul, Israel, Grécia, Austrália e Itália. Surabhi atualmente vive e trabalha em São Francisco.

http://surabhisaraf.net/about/

Jeppe Hein

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Mon, 17 Sep 2012 17:50:00 +0000

Jeppe Hein (nascido em 1974, Copenhagen, Dinamarca) é um artista que mora em Berlim e Copenhague. [1] Hein é amplamente conhecido por sua produção de obras de arte vivenciais e interativas onde a mistura da arquitetura, arte e técnica se cruzam . Notável em sua simplicidade formal e uso freqüente de humor, suas esculturas e instalações te envolvem em um diálogo vivo com as tradições do minimalismo e da arte conceitual da década de 1970. As obras de Hein, muitas vezes apresentam elementos surpreendentes e cativantes que colocam os espectadores no centro da experiência e percepção do espaço circundante.

Trabalhos com espelhos geométricos.

"Os espelhos geométricos é uma série de objetos/esculturas com ângulos de espelho, cada um constituído por dois espelhos ligados uns aos outros em ângulos de 90 °, para formar um canto. Considerando que os espelhos refletem simplesmente o espaço, quando vistos de lado, um fenômeno óptico interessante ocorre quando a instalação é vista de frente. O ângulo reto provoca uma reflexão dupla, como cada um dos dois espelhos reflete não apenas a localização mas também o outro espelho. As larguras são estendidas, parecendo continuar no outro lado, daí, para o observador aparece uma cruz espelhada."JH.

Siga-me por Jeppe Hein. (Foto por Jamie Woodley)

Mais arte espelho. Siga-me é uma instalação feita pelo artista dinamarquês Jeppe Hein, e fica especial com a luz do sol e as árvores refletida de seus painéis. O Labirinto de Hein é uma instalação nova e permanente em razão da Real Fort House, da Universidade de Bristol, os jardins são abertos ao público para que qualquer pessoa pode pagar o trabalho de uma visita. A obra compreende um labirinto quadrado de 76 placas verticais de aço polido localizadas na base do plano inclinado do Royal Fort House. Os visitantes são incentivados a entrar no labirinto para experimentar o efeito do trabalho onde tudo é multiplicado.

Hein has had solo exhibitions at the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa; and Art Tower, Mito; the Neues Museum, Nürnberg; Indianapolis Museum of Art (2010)[17]; Perth Institute of Contemporary Arts; ARoS Aarhus Kunstmuseum, Århus (2009)[18]; Sculpture Center, New York[19]; and P.S.1 MOMA[20], New York (2004). He has participated in solo and group exhibitions at Museum of Contemporary Art, Chicago; Contemporary Art Gallery, Vancouver; Tate Modern, London[21]; Barbican Art Centre, London (2007)[22]; Centre Georges Pompidou, Paris; MOCA, Los Angeles; and 50th Venice Biennale (2003). Catalogues of Hein's work have been published by ARoS Aarhus Kunstmuseum, Musée d'art contemporain de Nimes, Koenig Books, Villa Manin, and the Centre Pompidou. Hein lives and works in Berlin. Jeppe Hein is represented by Johann König in Berlin, 303 Gallery in New York, Galleri Nicolai Wallner in Copenhagen and SCAI - The Bathhouse in Tokyo.

Richard Serra

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Sat, 11 Aug 2012 14:23:00 +0000

Richard Serra usou 56 placas de de aço, na Fazenda Gibbs que se inclinam para fora por 11 graus em relação à vertical e traçam uma linha de contorno único na terra de uma forma que, nas palavras do artista, "recolhe o volume da terra." O trabalho é uma característica das relações fortes que se formaram entre o coletor e os artistas que tem obras em sua fazenda. Serra diz que no encontro com Gibbs, "A primeira coisa que ele me disse foi" Eu tenho estado a Storm King e eu quero uma parte mais significativa do que isso. Eu não quero qualquer peça fracote na paisagem. "

Gibbs Farm é um cenário incomum para uma coleção de esculturas. O Norte da propriedade em Auckland, na Nova Zelandia, é dominado pela Porto Kaipara, o maior porto do hemisfério sul. Tudo na propriedade e, eventualmente, flui em direção ao mar, e toda a obra se relaciona de alguma forma com o mar. O fluxo da terra, o imenso corpo de água, e a variedade assertiva dos elementos têm tudo se impuseram sobre os artistas. Gibbs reconhece que "o desafio para os artistas é a escala da paisagem, que inicialmente assusta" e exige mais alguma coisa deles. Andando pelas terras os visitantes podem apreciar a forma como cada artista chegou a um acordo em seu próprio caminho com a força gravitacional que é exercida sobre todas as coisas como as montanhas rolam em colinas, vales e encostas para baixo em direção a vasta extensão plana do porto Kaipara.

Depois de quase 20 anos Gibbs Farm inclui grandes obras de Graham Bennett, Chris Booth, Buren Daniel, Bill Culbert, Dawson Neil, de Marijke Goey, Andy Goldsworthy, Hotere Ralph, Anish Kapoor, LeWitt Sol, Len Lye, Moisés Russell, Peter Nicholls, Eric Orr, Tony Oursler, George Rickey, Peter Roche, Richard Serra, Kenneth Snelson, Richard Thompson, Leon van den Eijkel e Zhan Wang. A maioria dos trabalhos na coleção são comissionados e o comissionamento de novas obras ao invés de comprar de uma exposição envolve a satisfação de lidar com os artistas, como cita o comentário de Gibbs "eles são interessantes porque são vencedores, duros, ambiciosos".

http://gibbsfarm.org.nz/serra.php

Geoffrey Farmer

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Thu, 12 Jul 2012 19:41:00 +0000

'Leaves of Grass'

O artista Canadense Geoffrey Farmer esta na 13 ª Documenta Art Festival, que apresenta obras de 200 artistas e acontece a cada cinco anos por um período de 100 dias em Kassel, na Alemanha.O trabalho dele se estende por vinte metros de colagens que formam uma escultura construída a partir de milhares de recortes da LIFE Magazine, revista americana com imagens entre os anos de 1935 e 1985. Cada uma das pequenas fotografias recortadas e os vários objetos de anúncios e artigos, incluindo políticos, produtos ícones entre outros, representam um determinado ponto da história visual para o jornal americano. Esses trechos da "Life" são afixados individualmente em finas hastes de madeira, a fim de exibir corretamente todas as imagens escolhidas pelo artista a partir dos anos 50. o título faz referência à coleção de poesias do escritor americano Walt Whitman e parece existir como um campo de representação visual do sentido americano da "auto-identidade" através de imagens populares desta época.

Geoffrey Farmer (1967-) Nasceu em Eagle Island, Columbia Britânica, Canadá. Estudou na Emily Carr Institue of Art and Desgn, Vancouver e no San Francisco Art Institute, São Francisco. Residência artística na Kadist Art Foudation, Paris. Trabalha com projetos muitimídias incluindo desenho, fotografia, vídeo, escultura, performance e instalação baseados em assuntos da cultura popular. Vive e trabalha na Columbia Britânica. Participou das Bienais de Instambul, Bruxelas, Sidney e Montreal.

Olafur Eliasson

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Thu, 12 Jul 2012 18:56:00 +0000

Olafur Eliasson: Little Sun at Tate Modern

Numa exposição desenvolvida para o Festival de Londres 2012 , Olafur Eliasson traz seu "Little Sun" com lâmpadas movidas à energia solar na Tate Modern , onde os visitantes podem usar os dispositivos para explorar o museu afterhours aos sábados, com todas as luzes do prédio desligado. Estes "blackouts na Tate" - são uma referência à exposição internacional surrealista de 1938, na Galerie de Paris des Beaux Arts em que Man Ray ofereceu lanternas aos visitantes para explorar as galerias - são apenas um aspecto de Olafur Eliasson da exposição "Little Sun". Um espaço dedicado , no terceiro andar da galeria apresenta as peças ao lado de instalações de energia solar. A partir de setembro, a exposição "Little Sun" terá um seminário e a estreia mundial de 16 curtas-metragens internacionais sobre a " luz, a vida, e sobre o sol''. Lâmpadas solares do "Little Sun" foram desenvolvidas por Olafur Eliasson, em colaboração com o engenheiro Frederik Ottesen, e apresentado pela primeira vez no Fórum Econômico Mundial 2012 (site designboom). Os dispositivos são projetados para distribuição em países em desenvolvimento e fora das redes locais, melhorando as condições de vida e qualidade de vida em áreas que muitas vezes dependem de lampiões de querosene. Olafur Eliasson reflete sobre a exposição: "Ao longo dos anos, fui absorvido por fenómenos como a luz, o tempo, a negociação do espaço, a compaixão e a relação entre corpo, mente e ação. "Little Sun" traz estas diferentes vertentes do meu trabalho juntos - este é um passo muito importante para mim. trazendo "Little Sun" a Tate Modern e as Olimpíadas de Londres, espero realizar um projeto de arte para aqueles que normalmente não têm acesso a eventos globais desta escala".

Tate Modern, Londres

28 de julho de 2012 - 23 de setembro de 2012

Werner knaupp

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Wed, 20 Jun 2012 14:44:00 +0000

Hipnotizada pelas furiosas águas inflexíveis das pinturas de Werner Knaupp que é um mestre de tons escuros, camadas temperamentais e texturas. Brilhante o seu vigor! Se o litoral é o lugar para o drama em que todos os elementos são confrontados, Werner Knaupp escolheu o mar profundo e selvagem, com massa imensa , escuro e invencível. Van Gogh, Turner e Courbet também estavam debatendo sobre a energia da natureza como uma metáfora para a vida. Como todo mundo está vivendo no fundo de seus próprios abismos onde mesmo o intelecto não é proteção suficiente, Werner Knaupp usa a profundidade e as camadas de acrílicos para representar este muro impenetrável de água. Essas peças do mar são peças alma, onde Werner Knaup pinta a si mesmo, sua vida e seus enganos. Werner Knaupp certamente não é um pintor de paisagens. Werner Knaupp está vivendo aqui e agora desde uma eternidade, lutando contra seus medos na frente da natureza, pelo visto! Werner Knapp nasceu, vive e trabalha em Nürenberg, Alemanha, desde 1936.

Muitas das suas obras são baseadas em experiências existenciais fortes. Desde 1964, ele viaja regularmente para paisagens extremas (desertos, vulcões, montanhas), como o Saara e na Antártica , na Ilhas Lofoten , no Havaí, Nova Zelândia e Islândia . Também influentes foram as situações de fronteira: doença, loucura,e morte, pois trabalhou por vários meses como auxiliar de enfermagem no Hospital Mental Bayreuth (1977 a 1978), e na casa "terminal" de Madre Teresa em Calcutá na Índia (1979) e no crematório da cidade de Nuremberg (1980). Werner Knaupp estudou de 1957--1964 pintura na Academia de Belas Artes de Nuremberg com Fritz Griebel , Michael Otto Schmitt e Gerhard Wendland (via wikipédia aqui). Nos anos 1970 e 1971 foi professor visitante da Academia de Belas Artes em Karlsruhe. Em 1977, ele participou da Documenta 6 , em Kassel. De 1986 a 2001 Werner Knaupp ensinou como professor de pintura na Academia de Belas Artes de Nuremberg. Desde 2004 é membro da Academia Bávara de Belas Artes em Munique. Werner Knaupp rabalha em Ernhofen , em Nuremberg. Seu trabalho, com mais de 50 anos de estrada, é caracterizado por diferentes grupos de trabalho, que se seguem uns aos outros, cada um compreendendo ciclicamente um número de anos. Os vários períodos criativos diferem tanto tematicamente como parte dos muitos materiais utilizados também se revezam.

As obras do artista estão, entre outros, nas coleções da Nova Galeria Nacional em Berlim , nas Coleções de Arte em Dresden , o Kunsthalle de Hamburgo , nas coleções de arte da Neue Galerie , Kassel, o Museu Ludwig de Colónia, a Ludwigshafen Wilhelm-Hack-Museum , o Kunsthalle em Mannheim , o Städtische Galerie im Lenbachhaus em Munique, o Museu de Arte Moderna de Nova York, o New Museum, em Nuremberg e a Pinacoteca do Estado, em Stuttgart .

http://www.wernerknaupp.de/

Tanapol Kaewpring

noreply@blogger.com (andrea velloso) — Tue, 19 Jun 2012 15:44:00 +0000

Tanapol Kaewpring (1980, Tailândia) graduado com um BA em Arqueologia na Universidade Silpakorn, Bangkok. Atualmente é fotógrafo Wallpaper * Magazine (edição Tailândia) e baseia-se em Bangkok. Nos últimos anos, Kaewpring foi migrando seu trabalho para o campo das artes. Essa série de fotografias se chama: A Little Things Series . Seu trabalho combina um agudo senso de profundidade, composição e perspectiva com observações ponderadas da condição humana através de sonhos, como configurações. Ele já expôs seu trabalho de Fotografia em 2006 e 2008, em Bangkok, bem como a exposição do coletivo Positive Living, na University de Bangkok em 2008. nota da curadora Eva McGovern: A psique humana é complexa. Nós muitas vezes vivemos em nossas mentes, em vez de estar presente no momento. Intangíveis pensamentos têm o poder de limitar a nossa felicidade e sucesso na vida. Por isso, ficamos presos aos limites que permitam à sociedade nos impor. It is these seemingly ‘little things’, that become powerful inhibitors for human beings. Novo corpo Tanapol Kaewpring dá nova forma a esses desafios abstratos usando um cubo de vidro curioso no ambiente natural e urbano como uma metáfora para os sistemas que estamos submetidos. Estas caixas simbólicas podem ser físicas, como uma casa e um apartamento, bem como quadros sociais da família, religião, cultura e política. Cada cubo está situado dentro de ambientes específicos, a praia, a floresta, o deserto e a cidade. Confinados dentro são elementos como fogo, fumaça, luz e água. Estas forças da natureza têm a capacidade para a grande mudança, crescimento e destruição e mesmo assim eles ainda são capazes de ser controlados pela humanidade. Mesmo que eles tenham os seus limites. Esses elementos, combinados com as suas configurações representam aspectos da liberdade psicológica. Se somos capazes de pensar fora da caixa, para quebrar o vidro que nos rodeia talvez pudéssemos alcançar a verdadeira libertação e felicidade. A abordagem de Kaewpring é da poética pessoal, de transcendentalismo preso. Ele utiliza a manipulação digital e técnicas de pós-produção para criar estes pontos intensos de meditação. Também parece haver ligações claras com o budismo e cultura tailandesa, durante um ponto em que muitos jovens tailandeses estão questionando sua identidade como uma negociação entre a tradição e a modernidade.