andrea velloso

desenhos de Gobi

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Wed, 25 Jan 2012 03:25:00 +0000

Desenhos não identificados, foram vistos pelos satélites no deserto de Gobi, na China. Com algumas imagens, disponíveis no Google Earth, retângulos reflexivos com até um quilômetro de comprimento podem ser visto, um emaranhado de linhas brancas brilhante que são claramente visíveis do espaço. As grades de linhas em ziguezague brancas, são alvos de espionagem por satélite de calibração. Câmeras de satélite focam nas grades, que medem cerca de 0,65 quilômetros de largura por 1,15 quilômetros de comprimento, e as utilizam para se orientarem no espaço.Outras fotografias mostram enormes círculos concêntricos no chão, com três aviões estacionados em seu centro ...
É o que diz Jonathon Hill, um técnico de pesquisa e planejador da missão no Centro de Vôo Espacial Mars Universidade Estadual do Arizona, que opera muitas das câmeras utilizadas durante as missões da NASA Mars. Hill trabalha com imagens da superfície marciana, tiradas por sondas e satélites, bem como dados de instrumentos em órbita da Terra, da NASA. A existência desses alvos de calibração pode parecer suspeito ou revelador, mas Hill disse que realmente não é; a China já era conhecida por operar satélites espiões, e muitos outros países (incluindo os Estados Unidos) fazem também. Na verdade, os EUA também usa alvos de calibração.

artigo de Malcolm Moore para The Telegraph e MSNBC

http://www.msnbc.msn.com

Pipilotti Rist 2012

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Mon, 16 Jan 2012 01:08:00 +0000

Pipilotti Rist. Lobe Of The Lung, 2009. Audio video installation

Pipilotti Rist. Massachusetts Chandelier, 2010. Made from underwear.

"Era uma vez havia uma menina chamada Elisabeth Charlotte Rist, que nasceu nos Alpes da Suíça. Enquanto crescia, ela percebeu que ela via o mundo através de lentes diferentes da maioria das pessoas. Anos mais tarde, quando mais velha, ela se renomeado Pippiloti Rist - homenageando a heroína ficcional poderoso de sua infância - e decidiu se tornar um artista de compartilhar seu universo criativo com todos os outros", é o que escreve Carolina Menezes no site "studio internacional http://www.studio-international.co.uk/reports/pipilotti-rist

O ato de escolher para ser chamado pelo nome do personagem de um livro infantil popular carrega um significado profundo quando vemos a estética da artista de 49 anos, suíça, cujos trabalhos são concebidos de modo a transferir o corpo humano para o reino da imaginação. Sua arte cria um ambiente fluido em que o público é convidado a atirar-se sem qualquer preocupação, também na literatura fantástica para as crianças. Trabalhando com vídeo-instalações desde o final dos anos 1980, Pipilotti realiza recentemente uma retrospectiva na Hayward Gallery, Londres, que fará um passeio ao Museu Kunsthalle Mannheim em 2012. É a primeira vez que pessoas nos dois países, a Grã-Bretanha e Alemanha, terão a chance de ver uma coleção abrangente de sua obra toda em conjunto.

A exposição retrospectiva, "Eyeball Massage", apresenta uma miríade de telas e projeções que compõem mais de 30 obras de arte, multimedia, som e imagem. O conjunto de obras é, de fato indivisível, tornando a exposição como uma instalação inteira. Eyeball Massage na Hayward Gallery parece que foi montada de tal forma, que ninguém pode dizer exatamente onde uma obra começa e quando termina. Pipilotti cria uma zona de imersão intensa - que talvez possa também ser interpretado como uma zona de conforto - de modo que quando você sair , certamente vai estar em um estado de espírito diferente.

A prática de Pipilotti não é apenas comprometida com a interação dos participantes entre o corpo e a tecnologia. Esta é apenas uma das características que emergem de sua retrospectiva. A artista também aborda uma série de outros temas de sua experiência artística como o público e o privado, feminismo e cultura popular, tudo de forma muito poética. Muitos temas que dizem respeito à vida cotidiana são revelados em um universo sensorial e fantástico, que se manifesta com os melhores dispositivos tecnológicos. Essa combinação criou um fenômeno fascinante e uma estética poderosa, nesse sentido uma inovação que deve ser atribuída à contemporaneidade. IMPERDÍVEL...

Hayward Gallery, Londres,
28 set 2011-8 janeiro 2012

Kunsthalle Mannheim Museum, Mannheim
3 março - 24 junho 2012

2012

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Sat, 14 Jan 2012 14:06:00 +0000

temos 365 dias pra fazer 2012 valer...em cada segundo...

Serão 8.760 horas!

525.600 minutos!

31.536.000 segundos!!!!

***já ta valendo!!!!

*ócios são mais que bem vindos, verdadeiras janelas da alma...

Ilha

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Sat, 10 Dec 2011 15:09:00 +0000

São tantas as verdades...
Hoje, a partir das 17h, estas e outra palavras férteis na LiLoLuXo, lojita do Drosophyla Bar.
Kekei (Cristiane Mesquita) e Thaís Graciotti vão estar num arquipélago de coisas lindas! Super oportunidade!
I L H A , recomendo totalmente!
http://www.drosophyla.com.br/
Rua da Consolação 1681

Jessica Eaton

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Mon, 28 Nov 2011 17:00:00 +0000

A série Cubos de Albers e LeWitt

Jessica Eaton, uma jovem fotógrafa, cuja quase paranormal canalização de Josef Albers faz uma homenagem, fantástica contemporânea ao seu trabalho.

Cubos para Albers e LeWitt

3 novembro - 17 dezembro, 2011

Higher Pictures

764 Madison Ave., at 65th St., New York, N.Y.

212-249-6100

higherpictures.com

A primeira exposição solo, em NY, de Jessica Eaton. Jessica Eaton cria arte considerando especialmente o que Joseph Albers chamou de "discrepância entre fato físico e o efeito psíquico". Instrumentos de Eaton para ver se há uma negociação da realidade perceptível e como a fotografia trabalha a fim de expandir o potencial de uma fotografia construída. O trabalho produz um efeito em que um olhar firme torna-se uma névoa constante. "A série Cubos de Albers e LeWitt explora as possibilidades de manipular o tempo de percepção do espaço, e, em particular, o sistema aditivo de cor. As imagens são construídas em folhas de fotografia 4 x 5. O assunto é, na realidade monocromático. As fotografias usam um conjunto de cubos e opções de chão pintado de branco, dois tons de cinza e preto. Através de múltiplas exposições, os tons de cor em cada imagem foram feitas, expondo o filme às cores primárias, adicionando vermelho, verde e azul. O valor reflexivo dos cubos controla o valor de leveza desse matiz, e o preto é utilizado como um tipo de máscara reflexiva, mantendo o potencial do filme para os outros riscos. As imagens são completamente fotográficas, ainda não visíveis à olho nú. "Jessica-Eaton

Jessica Eaton (b. 1977, vive em Montreal) tem um BFA em fotografia da Emily Carr Institute, Vancouver. Desde que se formou em 2006 Eaton tem exibido regularmente em grupo e shows solo no Canadá e nos Estados Unidos. Suas fotografias foram publicadas em diversas publicações, incluindo Wallpaper; Espuma; Hunter e Cook; BlackFlash; Cor; Poder Pirâmide e 02 Lay Flat: Meta, entre outros. Artnews reproduzida Eaton "cfaal (mb RGB) 18, 2010" na capa de março de 2011 para acompanhar o artigo, The New Photography.

kaalam

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Sun, 27 Nov 2011 16:26:00 +0000

Explorar os gestos e movimentos da caligrafia, é que o artista Kaalam (aka julien breton), que vive em Nantes criou: um corpo de trabalho que usa sua mão leve e fotos de longa exposição fotográfica para capturar a forma transitória e efêmera, dentro de um cenário real. Muitas vezes utilizando sítios/lugares urbanos ou históricos como suas telas tridimensionais, o artista autodidata cria o seu alfabeto latino próprio, baseado na caligrafia árabe e oriental tradicional.
O processo de captura, que pode demorar até 10 minutos, requer um movimento coreografado e cheio de práticas, pois kaalam usa da repetição e consegue cores diferentes de "tinta/luz" através de gelatina pigmentada, que é aplicado diretamente sobre as lâmpadas. nenhuma das fotografias são retocadas ou editadas, ilustrando o processo trabalhoso em um único tiro.

Tviga

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Sun, 27 Nov 2011 15:35:00 +0000

Tviga torna o som visível. Ela é russa e nasceu em Petesburg, Russia, e vive em Londres. Acaba de participar da Baltic Bienal of Photography. Seu projeto Sound light e Sound Still forão concebidos baseado no conhecimento de que apenas 8% de florestas antigas da Terra são protegidas, e que a exploração madeireira destrutiva está ameaçando vastas áreas.
Tviga é uma fotógrafa e artista de instalações de áudio nterativo com seu trabalho de arte visual. Ela começou a gravar os sons da floresta Silger ao longo da fronteira da Rússia com a Finlândia - ela captou as vibrações das árvores prestes a serem derrubadas - e depois os fez audível e visível. No processo, ela criou uma série de sons assombrosamente belos e atraentes, imagens impressionantes, como essas acima.
"Eu passo o som. O ruído de um local se manifesta em outros lugares, e em outra dimensão. Dirijo-me ao som em três dimensões, como objetos que parecem ser planos, e depois aumenta essa sensação de achatamento, e de silêncio, como o silêncio de uma fotografia. Os seres humanos estão intrigados há tempos com esses sons, pois agora visualizamos as ondas sonoras, pois somos supostamente, "melhores" em ver do que ouvir. Há mais neurônios em nosso cérebro dedicados ao "visual" do que ao som, e assim podemos pensar que somos mais capazes de analisar dados quando se trata de um reino visual."
Em seu site ela compartilha não só as imagens fotográficas, mas também uma documentação completa dos processos de trabalho que ela usa. Mesmo que ela revele os ossos de como ela funciona em detalhes, o mistério e a magia de suas imagens e sons permanecem persistentemente na memória, como ela pretendia.
http://tviga.com/

+ Olafur Eliasson

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Sat, 26 Nov 2011 14:18:00 +0000

Olafur Eliasson – Seu Corpo da Obra

Andar no labirinto de temperaturas de cor do Olafur , é um deleite, especialmente sabendo que este "lugar é aqui". Quand entrei no quarto de nuvens da exposição, fiquei impressionada com a quantidade de crianças que corriam e brincavam de esconde - esconde. No meio de toda neblina, na jornada do escuro pro claro, ouvia uma quantidade de risadas enorme. Essa interação de pessoas diversas...como velhinhas que iam com seus braços estendidos a procura de um apoio, ou mesmo casias que se beijavam e se pegavam num canto...Amei essas possibilidades infindas
que um cubo neblinoso pode te proporcionar. Fiquei com vontade de voltar num dia calmo, sem ninguém, e sem sons incidentais, onde a imersão no nada é certeira. Imperdível!

SESC Pompeia

01/10 a 29/01.
Terça a sábado, das 9h30 às 21h.
Domingo e feriado, das 9h30 às 20h.

AES+F

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Sun, 20 Nov 2011 15:43:00 +0000

Maravilhoso! Participou da Bienal de Veneza.

A Festa de Trimalchio

Realizado pelo coletivo AES+F de Moscou com Tatiana Arzamasova, Lev Avzovich, Evgeny Svaatzky e Vladimir Fridkes.

As atualizações de trabalho e resumos da história do Trimalchio, plutocrata romana de Satyricon de Petrônio, transpondo as orgias de senhores e servos para um hotel de luxo, um verdadeiro resort dos tempos modernos. As empregadas domésticas asiáticas prestam serviços para seus clientes brancos do sexo masculino, que depois devolve aos clientes os favores. O laço de reciprocidade sugere a temporalidade congelada de glamour, onde apenas o momento presente da juventude, beleza e prazer hedonista é válido. A Festa de Trimalchio acaricia os contornos da paixão efêmera, e ao fazê-lo põe em relevo a profundidade do amor incondicional.

É muito mais do que a soma de suas partes heterogêneas. Produziram 9 multi-telas digitais com fotografia e esculturas saturadas do nouveau-riche de luxo, história da arte e da ironia contemporânea, mais recente do grupo AES + F : A festa de Trimálquio, de 2009, constitui um verdadeiro banquete para os sentidos.

No 'Satyricon', o trabalho inteligente e sofisticado do grande poeta lírico melancólico do reinado de Nero, Gaius Petronius Arbiter, é "A Festa de Trimalchio" (Cena Trimalchionis). Graças à fantasia de Petrônio, o nome Trimálquio se tornou sinônimo de riqueza e luxo, com gula desenfreada e com prazer, em contraste com a brevidade da existência humana.

"Procuramos por algo análogo no terceiro milênio à Trimálquio, o ex-escravo, o anfitrião nouveau riche das festas que duram vários dias, apareceu-nos não tanto como um indivíduo, mas como uma imagem coletiva de um hotel de luxo, um paraíso temporário, que tem que pagar para entrar. Um verdadeiro resort surrealista e cheio de ironias." Os hóspedes do hotel, os "mestres/chefs", são da terra dos mil milhões de Ouro. Eles estão interessados em gastar seu tempo, independentemente da época, como convidados do Trimalchio de hoje, que criou o hotel mais exótico e luxuoso possível. O hotel combina milagrosamente uma costa tropical com uma estação de esqui. Os "mestres/chefs" estão sempre de branco com seus uniforme s justos no Jardim do Éden, ou vestidos de forma colonial e tradicional, ou com uma coleção de moda verão. Os "mestres/chefs" possuem todas as características da raça humana - são de todas as idades e tipos e de todas as origens sociais. Aqui está o professor universitário, o corretor, a beldade da sociedade, o intelectual. Trimálquio tem 'servos' jovens, representantes atraentes de todos os continentes que trabalham na indústria da hospitalidade, cheios de funcionários da limpeza, garçons, cozinheiros, jardineiros, seguranças e massagistas. Eles são vestidos com uniformes tradicionais com um toque étnico. O 'servos' lembram os anjos coloridos de um jardim do Éden para que o "mestres/chefs" sejam apenas temporariamente o que aparentam ser.

Por um lado o clima de "A Festa de Trimalchio" pode ser vista como uma soma dos rituais de hotéis de lazer e prazer (massagem e golfe, a piscina e surf). Por outro lado o 'servos' são mais do que atentos prestadores de serviços. Eles são participantes da orgia, dando vida a qualquer fantasia do "mestres/chefs", de gastronomia à vida erótica. Às vezes, a "mestres" de forma inesperada acabam no papel de "servos". Ambos os participantes acabam em uma recepção de gala orgiástica, um jantar no estilo de "bacanal romano" quando os escravos, vestidos como patrícios, reclinados à mesa e seus mestres, vestidos com túnicas de escravos, à serviu-los.

De vez em quando as delícias de "A Festa de Trimalchio 'são estragadas por catástrofes que invadem o Paraíso Global ...

Um ex-escravo, Trimalchio se tornou ainda mais rico do que o imperador. Lev Evzovich: No Satyricon , a festa tornou-se mais do que apenas um símbolo da vida de esta sociedade muito rica. Vemos também alguns outros antigos costumes romanos na história, como a celebração da Saturnalia, o primeiro dia do ano, quando aristocratas e escravos mudaram seus papéis. Que também foi uma fonte de inspiração. TA: Durante a Saturnália era até mesmo possível para punir o seu mestre, por isso era psicologicamente interessante ... Relações são muito frágeis entre mestre e escravo. LE: Ao mesmo tempo o nosso projeto é de cerca de um hotel de luxo. TA: Como uma metáfora. LE: E para que pudéssemos mostrar algum tipo de situação contemporânea em um sentido geopolítico e em alguns sentidos sociais .Por exemplo, agora estamos vendo a explosão econômica da Ásia, e esses países em desenvolvimento se tornando mais e mais poderosos. MF:Satyricon foi escrito durante o reinado de Nero. Você vê paralelos interessantes entre a queda de Roma e da sociedade ocidental contemporânea? LE: Eu acho que esses paralelos são muito óbvias e assim que jogamos com eles com alguma ironia ... Temos algumas pinturas digitais [stills fotográficos de A festa da Trimalchio ] e levamos seus nomes de pinturas famosas - por exemplo, O triunfo da Ásia e da Europa O pôr do sol [ambos de 2010]. Estes são paralelos irônico. MF: No meu tempo assistindo A festa de Trimalchio Segui a viagem de uma bola de golfe através de seu mundo de fantasia resort, em seguida, um pavão se exibindo. TA: Se você tem uma chance de olhar de novo, você vai ver que asiáticos chefs estão jogando golfe; eles nunca cozinhar. LE: Existe a idéia de que o golfe é um muito europeu, jogo da alta sociedade, e agora é extremamente popular na Ásia. MF: Como um símbolo de estilo de vida aspiracional. LE: Prosperidade. MF: Com 19 minutos, e visualizados em nove telas na Bienal de Sydney, é a festa do Trimalchio seu trabalho mais longo e mais complexo até agora. (entrevista realizada em Sidney)

http://vimeo.com/14968232
http://www.aes-group.org/

ponte invisível

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Fri, 18 Nov 2011 23:07:00 +0000

RO & Ad arquitetos holandeses.
Arquitetos da empresa holandesa RO & AD criaram uma ponte mais que inusitada no forte Roovere, localizado na Holanda. A Ponte lembra que estão de fato abaixo do nível do mar. Chamada de “Ponte Moisés”, a estrutura foi construída abaixo do nível da água e, de longe, parece ser invisível. A ideia é adequada às condições do local, já que o volume de água era muito alto para os pedestres e pequeno demais para a navegação.
A travessia leva a uma das fortificações construídas pelo país no século 17, época em que a Holanda temia invasões de países como França e Espanha. Para a construção da estrutura, foram utilizados materiais sustentáveis que conferem à ponte maior durabilidade, como a madeira accoya, produzida artificialmente por meio de uma tecnologia de ponta.
http://www.ro-ad.org/

Stéphanie Baechler

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Sat, 12 Nov 2011 13:54:00 +0000

Artista suíça Stéphanie Baechler dabbles em tudo, desde fotografia a tecelagem e seu mais recente trabalho, FABRIC PROFECT,que mostra a sua incursão no mundo surreal de manipulação têxtil. Fascinada pelo olhar criado pelo caimento dos materiais naturais, Baechler tenta recriar o esforço visual do que ela se inspira quando usa papel, tecido e papel novamente. Baechler documentou seu processo criativo pro blog de arquitetura e design alemã Hochparterre num clipe curto. Em entrevista à triangulação , ela explicou: "Eu fui inspirada por cortinas, pregas de tecido, sacos plásticos, tecidos que estavam espalhados no chão, objetos e cobertores embrulhados e dobrado." Porque estas coisas são todas muito comuns a vida de cada dia , e isso foi um desafio para Baechler. As peças finais se assemelham a um casulo, coberto de pedaços de tecidos drapeados. Cada peça é diferente em diferentes níveis, como a aparência geral pode mudar dependendo de como ele está sendo exibida. Quando drapeado sobre um modelo, a peça se move, Baechler consegue sucesso trazendo movimento para o mundo textil. Ela cria wallpapers, estampas digitais supra especiais, instalações, colagens, se espalha e se desdobra no universo dos tecidos.

http://stephaniebaechler.com/11-FABRIC_project

http://vimeo.com/23258126

Rafael Alonso e Iara Freiberg

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Wed, 26 Oct 2011 15:21:00 +0000

Rafael Alonso e Iara Freiberg, participaram da 2˚ Temporada de Projetos do Paço das artes, que acaba de terminar dando aggora espaço pra 3˚ Temporada. O trabalho deles me chamou atenção.

Iara Freiberg apresentou o projeto Invasão, em que pequenos ambientes arquitetônicos serão embutidos nas paredes, conectados entre si por longos corredores, multiplicando-se e espalhando-se pelo espaço, formando um minilabirinto. Ambientes inventados, espaços irreais, muitas vezes sem sentido e quase oníricos, ganham várias dimensões neste trabalho, levando o público a questionar sua relação com o espaço.

Será que vale a pena colocar mais um objeto no mundo? Ainda há algo no mundo que mereça ser pintado? As dúvidas que antecediam cada obra do pintor canadense Philip Guston (1913-1980) também acompanham a produção de

Rafael Alonso.

O artista carioca parece nunca ter como ponto de partida a tela em branco. Daí o nome da exposição. Espólio é uma herança, um conjunto dos bens que são deixados por alguém ao morrer a ser partilhado no inventário entre os herdeiros ou legatários. É também o nome dado a uma espécie de recompensa do combate, despojos de guerra. Boa parte da produção contemporânea lida com a história da arte como uma espécie de arquivo, que pode ser livremente acessado e apropriado a qualquer momento. Na produção de Rafael Alonso, aquele território aparentemente vazio da tela é, na verdade, tratado como abrigo de toda a história da arte. Ali, nada começa do zero.

Na série inédita em São Paulo de pinturas feitas sobre convites de exposição (2009-2011), as peças gráficas produzidas para divulgação de mostras, colecionadas pelo artista há cerca de 10 anos, são apropriadas sem permissão e usadas como suporte para a pintura. Em cada trabalho, apenas um fragmento da peça inicial é mantido e, na maior parte das vezes, é ele quem norteia as composições finais carregadas de referências à história da arte. Revelam o interesse do artista pela paisagem ou pela geometria. Revelam citações de artistas e movimentos como Mark Rothko, Gordon Matta-Clark, Fabio Miguez e o impressionismo. Revelam, também, o funcionamento do circuito artístico e a produção de imagens de várias gerações: um trabalho é produzido por um artista e é fotografado para que seu registro possa ser usado no site da galeria, no material de divulgação e em peças gráficas, como banners e convites. Essa dinâmica levanta a questão: quanto do orçamento de uma exposição destina-se à produção do trabalho e quanto se destina à sua divulgação?

Já na série Desktops (2009), as paisagens reveladas pela pintura são aquelas possíveis no mundo contemporâneo. Construídas a partir de fitas adesivas, tirando partido de suas cores industrializadas e sua textura lisa e brilhante, são artificiais e ilusórias, como as que encontramos em descansos de tela de computadores. São trabalhos que aproximam a pintura do objeto sem deixar de lado seu caráter virtual, abstrato. São paisagens nas quais não podemos entrar. O verde é tão verde e o azul tão azul, que parecem mais reais do que o mundo em que vivemos. Em Defeito (2011), Alonso revisita sua própria produção. Agora, é a tinta acrílica que tenta se aproximar da fita adesiva. Se antes a fita adesiva buscava se apresentar como a materialização de uma pincelada, agora ela é modelo de sua pintura.

texto de Fernanda Lopes

Olafur Eliasson

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Tue, 04 Oct 2011 03:34:00 +0000

Seu Corpo da Obra
Finalmente São Paulo recebe Olafur Eliasson, artista dinamarquês que confesso admirar totalmente. A cidade esta permeada por ele, que é o convidado especial com sua primeira individual, com dez instalações que integram 17˚ Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC Videobrasil, e vão ficar aqui até dia 8 de Janeiro...eba! O artista desenvolveu uma obra para cada SESC e, para a Pinacoteca, desenvolveu quatro grandes instalações que propõem experiências em torno da percepção de cor e orientação espacial. A exposição dará origem a um livro com lançamento previsto para novembro pelas Edições SESC. Além de imagens de todas as obras instaladas e de séries fotográficas produzidas por Eliasson em sua viagem de reconhecimento a São Paulo, o livro reúne ensaios de teóricos brasileiros, que relacionam diferentes aspectos de sua obra à produção local em campos como arte, ciência e arquitetura.
Data: até 8/1/2012
Horário: terça a domingo, das 10h às 17h30
Local: Pinacoteca do Estado
Endereço: Praça da Luz, 02 – Luz
Preço: R$ 6 (meia-entrada para estudantes; grátis aos sábados)
Tel.: (11) 3324-1000
www.pinacoteca.org.br

Kim Høltermand

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Thu, 08 Sep 2011 16:18:00 +0000

Kim Høltermand, nasceu em 1977 é um fotógrafo freelancer de arquitectura paisagística da Dinamarca.

Kim nasceu em uma família criativa com pai e avô artistas (seu avô também era arquiteto). Ele vive atualmente em Kirke Værløse, Dinamarca com sua familia. Além de sua promissora carreira na fotografia, que só começou há alguns anos, Kim Høltermand também tem um trabalho inusitado: é especialista em impressões digitais na Unidade de Crime da Polícia Nacional Dinamarquesa. Aqui sua séria Tuve.

Petra Cortright

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Tue, 06 Sep 2011 12:50:00 +0000

Petra Cortright normalmente é descoberta pelo youtube com seus auto-retratos super bem humorados, onde ela testa todos os efeitos possíveis, e na maioria das vezes ela é seu próprio objeto na cena. Seu site é insanamente projetado, com uma coleção do que há de mais naif e adolescente. Seu vídeo vvvebcam , é tido como o mais sexy na web. Seu trabalho é uma espécie de abordagem preguiçosa e muito bem-humorado de auto-retrato, de alguma forma, ela consegue uma mistura perfeita de ser ingênua e profunda, plana e afiada, doce e amarga. Confira! Acho que ela promete.

www.petracortright.com

Evol

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Sat, 27 Aug 2011 16:18:00 +0000

O artista berlinense EVOL instalou uma cidade em miniatura abaixo do campo rural de Hamburgo, Alemanha, em um projeto para o dockville ms artes e festival de música em agosto. O projeto foi concluído no durante oito dias e permanecerá pelo menos até fechar o festival 14 de agosto. O trabalho de EVOL transforma espaços urbanos em cidades em miniatura, colando spraypainted imagens stenciled de paredes e janelas, verdadeiras caixas de poder, e outras estruturas. Sobre a instalação atual, no sua primeira experiencia num ambiente rural, ele reflete: " eu vim ao local em primeiro lugar, e foi isso é o que eu encontrei: prado sem fim, árvores e céu azul não são exatamente o que eu trabalho com freqüência. então eu decidi cortar e abrir o idílio, e fingir que não há prado sem fim, mas apenas terraço-jardim e desgosto por baixo. " A visão noturna é incrível, com luzes instaladas nas fronteiras das paredes com suas coberturas de "prados sem fim".

Brion Nuda Rosch

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Fri, 26 Aug 2011 18:47:00 +0000

O trabalho Brion Nuda Rosch 33, é um artista, curador e professor vive e trabalha em San Francisco. Cria sutis, mas poderosas colagens, pinturas, esculturas e projetos conceituais, que muitas vezes as associações parecem díspares, mas são absolutamente poéticas. Ele investiga o valor dos materiais e a idéia da não-monumental. Em 2010 ele ganhou o Pantone Color of the Year Award , a Richard C. Diebenkorn Teaching Fellowship Finalist, and 2009 vencedor do Prêmio Artadia Award. Ele tem diversas combinações de materiais que trás para os observadores descobertas inesperadas. Rosch é representado por Baer Ridgway Exhibitions em San Francisco, e exposições com DCKT Contemporary em Nova York. Ele combina sua prática de estúdio com a direção curatorial de Hallway Projects incluindo o Programa de Residência the One-Day Artist Residency Program, and the visual art reference blog Something Home Something . Rosch é também um instrutor de arte com o Programa de Estagiários Meridian Gallery.

Stanislava Pinchuk

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Thu, 18 Aug 2011 14:25:00 +0000

Stanislava Pinchuk , mais conhecida como MISO, tem 21 anos e foi criada na Ucrânia. Atualmente vive em Melbourne, Austrália. Ela faz intervenções urbanas com lápis, aquarelas e pigmentos que se misturam à arquitetura, como molduras de possíveis histórias. Sua intenção é aproximar a comunidade com as imagens que por si só contam histórias e passam a fazer parte da história local. Suas Babushkas sempre simétricas dão o que falar e o que pensar.

Sonja Vordermaier

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Wed, 17 Aug 2011 13:15:00 +0000

Sonja Vordermaier é uma artista que faz instalações, esculturas e fotografias. Sei pouco sobre ela, mas seu trabalho ocupa grandes espaços. Ela nos revela uma realidade híbrida, com algumas brechas pra realidade. Nasceu em Munchen na Alemanha em 1973. Atualmente vive em Hamburg. "Streetlampforest" é uma coleção de 30 postes europeus de diferentes origens e épocas (Amsterdam, Berlim, Erfurt, Leipzig, Glasgow, Innsbruck, Milano, Hamburgo, Prag, Cagnes-sur-mer (França), Sarajevo, Stuttgart, Belgrado, Lippstadt , Munique, Sofia, Trieste, Wolfsburg e Viena).

http://www.sonjavordermaier.com/

http://pietmondriaan.com/2011/06/24/sonja-vordermaier/

Kaye Donachie

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Thu, 11 Aug 2011 14:53:00 +0000

As Pinturas de Kaye Donachie refletem a exploração de espaços que revelam estruturas de poder oculto ou coercitiva. O elemento secreto, o grupo e os elementos ritualísticos revelam-se como uma teia de signos. O Trabalho de Donachie* sugere uma forma de maçonaria patriarcal por trás desses grupos, como dizem alguns sites, mas eu tb acho que ele retrata momentos íntimos e cheios de silencios entre amigos. Kandinsky é sua inspiração, pois uma noite twighlight ele visitou seu estúdio, onde viu uma de suas pinturas figurativas iluminadas pelo luar revelando-se como formas abstratas e isso esta presente em suas* pinturas. Esta experiência imita a cerimônia maçônica onde o iniciado se move da escuridão à luz. Kaye Donachie | "Iluminismo" veja tb esse site:_http://www.temporarysite.org/Scan/Scan_Donachie.htm_

Élise Morin et Clémence Eliard

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Thu, 11 Aug 2011 12:25:00 +0000

WasteLandscape é uma instalação criada pela dupla Élise Morin (artista) et Clémence Eliard (arquiteta). Elas transformaram o hall do espaço Centquatre, "Halle d'Aubervilliers" de Paris em uma paisagem artificial ondulada, com uma superfície de 500m2, feita de 65.000 CDs antigos, como uma armadura prateada, todos costurados com arame á mão, sobre domos infláveis. A idéia incrível é viajar com essa instalação pra lugares onde a consciência ambiental possa ser refletida. WasteLandscape serão exibidos em locais coerentes com os riscos do projeto: O papel da arte na sociedade, elevar a consciência para os problemas ambientais através da cultura, modo alternativo de produção e valorização da área de trabalho associativo e de reabilitação profissional. Ao longo de exposições múltiplas, WasteLandscape vai passar por um bom transformações poucos antes de ser totalmente reciclado em policarbonato. A itinerância vai permitir que tanto os artistas a buscar novas acções de sensibilização.Vai estar exposto até dia 10 de Setembro de 2011. Fotografias: Yannick Fradin, Martin Eliard, Marc Sirvin

Sebastian Bergne

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Mon, 08 Aug 2011 22:51:00 +0000

Acabo de ver esses vidros transformados de forma super especial pelo designer Sebastian Bergne. Com certeza o universo dos vinhos ganhou com seu humor. Magnifying decanter é uma peça incrível, pois vira uma lente que pode ampliar o que voce quiser em qualquer ambiente. Faz parte da coleção Looking Glass. O pin que cria esferas de diferentes rolhas é um luxo! Ele foi contratado pra criar uma instalação na semana de design de Londres (2011), usando LEGO. Ele desenvolveu uma estufa para ser usada de verdade, toda feita com os blocos transparentes. Diz ele que era um sonho de infancia poder transformar o antigo brinquedo. Uma forma nova de poder produzir em massa. Essa instalação vai poder ser vista entre os dias 15 e 25 de Setembro durante o London Design Week 2001. Vale à pena checar o site dele.

Sebastian Bergne LTD. Ingate Place, London SW 3NS, United Kingdom / www.sebastianbergne.com / mail@sebastianbergne.com

the waves* waving for Virginia

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Thu, 28 Jul 2011 23:59:00 +0000

Virginia Woolf me brindou de forma irreversível com seu livro "The waves". Não consigo abandonar os seis personagens, e ja estou convencida que eles farão parte da minha vida pra sempre. Não consigo parar de reler, e acho que esse livro ainda vai me acompanhar em muitos lugares. Acabo de achar a Patti Smith lendo um trecho...waving to Virginia...simplesmente no comments...adorei!

Genadii Berёzkin

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Thu, 28 Jul 2011 23:38:00 +0000

Genadii Berёzkin faz colagens bastante complexas. Não tenho informação dele, mas sei que é Russo de Genadii e fez parte da coletiva de arte Pipe & horse.

Viktor Hertz

noreply@blogger.com (andréa velloso) — Fri, 22 Jul 2011 23:36:00 +0000

O projeto "You took my name" do artista Viktor Hertz , parte de logos importantes que ja fazem parte do nosso inconsciente e com isso ele chacoalha e critica diretamente os habitos de consumo do cidadão globalizado. Ele desconstrói a marca e o logotipo é redesenhado sem a tipografia, e revela o verdadeiro conteúdo gráfico dos produtos. É o grupo britânico de artistas Dorothy prestes a discutir a questão de quão longe algumas marcas estão já incorporadas em nossa psique. O coletivo dos Artistas, que já ganhou vários prêmios de prestígio, encontra prazer quando colide com o comércio de arte e a questão da apropriação.