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Timelapse - Modellazione di una dentiera

2012-03-11T14:49:00.000+01:00

Modellazione di una dentiera. In questo video si può notare un uso dello sculpt per aggiungere irregolarità tipiche di denti e gengive. Modellazione effettuata in Blender 2.62.

Modellazione Stanza

2011-02-09T13:03:00.003+01:00

Questo è l'ultimo videotutorial in timelapse per quanto riguarda la modellazione poligonale.

Si modellerà la scenografia che io ho definito “la Stanza”, dove c'è il viaggio del nostro protagonista.
Il percorso è composto da due parti, la prima rappresenta un ambiente interno, piastrellato e molto illuminato. Un posto molto pulito ed elegante, mentre la seconda parte consiste in un opposto, ovvero un ambiente sporco, un vicolo buoi di una città, con tanto di cassonetti e sporcizia varia.

Il modello creato verrà usato per creare i diversi Set del corto, ma per comodità verrà modellato tutto insieme, in questo modo si potrà creare meglio la fase di separazione delle due parti.

Nel video ci sono delle interessanti pratiche di modellazione di Hard Surface, come la creazione dei fori, dove vengono creati prima i Circle e dopo riempiti a mano faccia per faccia.

Diventa molto importante l'uso dell'illuminazione delle normali. Possiamo scegliere di avere uno Shading Smooth o uno Shading Flat. Utilizzando lo Smooth le facce contigue che presentano angolazioni, vengono sfumate l'una verso l'altra, eliminando la visualizzazione dello spigolo di giunzione. Effetto che si nota meglio con alte suddivisioni, ma che può diventare molto utile anche a basse risoluzioni, dando l'impressione di curvatura anche quando in realtà si tratta di superfici spigolose.

Lo Sheding Flat ci mostra le superfici spigolose agli angoli, aiutandoci a definire meglio quelle forme precise e piatte come muri e pavimento.

Possiamo assegnare ad ogni faccia un tipo di Shadig diverso, basta selezionarla ed andare nel pannello Tools richiamabile con il tasto T. Questo in Edit Mode, se eseguiamo la stessa selezione in Object Mode, tutto il modello selezionato assumerà l'opzione di Shading scelta.
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Modellazione Oggetti – Cestino e Finestra -

2011-02-08T15:07:00.006+01:00

Qui di seguito potete trovare due tutorial in timelapse sulla modellazione degli oggetti di scena: Il cestino e la finestra.

Il cestino:

In questo tutorial vedremo come modellare un cestino dei rifiuti di latta, classico cassonetto che si trova nei vicoli dei film.
La modellazione non prevede l'uso di comandi particolari, ci sono praticamente solo estrusioni e manipolazioni basiche. Partire da un cerchio è il metodo più pratico, soprattutto quando si affronta la modellazione Poly by Poly in Blender.

Volendo si può seguire la strada inversa, mettendo in scene direttamente un cilindro, in questo caso si eseguono dei Loop Cut (CTRL+R) e si aggiungono i particolari.

La finestra:

Questo tutorial contiene sia la modellazione della finestra che della maniglia.
Per la finestra utilizzeremo l'utilissimo modifier di Blender chiamato Mirror, che verrà usato su tutti e tre gli Assi X, Y e Z, facendo per noi tre quarti del lavoro.
Nessun comando speciale usato, solo le solite combinazioni di tasti E per estrudere e G, R e S per Muovere, Ruotare e Scalare.

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Modellazione Personaggio – Braccia e Mani

2011-02-04T02:18:00.000+01:00

La modellazione delle braccia va fatta sempre in funzione della futura animazione di esse, bisogna prendersi particolare cura della varie giunzioni, gomito, polso e dita.

Nel video possiamo vedere che si parte separando una delle facce dalla mesh del personaggio (Tasto P), così da avere già i modificatori applicati sull'oggetto. Siccome la reference ha il braccio disegnato a sinistra del disegno dobbiamo specchiare sull'asse X la mesh delle braccia per poter lavorare più agevolmente (in Object Mode Premiamo CTRL+M e poi il tasto X per specchiare su X).
Si procede quindi ad estrudere le varie parti (tasto E) per poi aggiungere vari loop lungo il braccio per aggiungere man mano dettagli (CTRL+R).
Per semplicità ho scelto di modellare la mano in stile guanto da neve, in questo modo avremo meno grattacapi nella fase di Rig, ma i loop messi all'altezza delle giunzioni sono equivalenti a quelli che si usano per una mano normale.

Modellazione Personaggio – Bocca -

2011-02-03T00:52:00.000+01:00

Modellare la bocca è molto semplice, si tratta di un semplice Loop di vertici che poi vengono estrusi su se stessi e adattati al personaggio.

In questo video:

Prima di tutto ci procuriamo un vertice dal personaggio con un SHIFT+D, quindo lo portiamo fuori dall'oggetto con il tasto P. Facciamo questo per poter lavora più comodamente senza altri vertici in conflitto con la mesh del personaggio.
Poi attiviamo lo Snap (la calamita) verso le facce. In questo modo, quando modelliamo e teniamo premuto CTRL, i vertici si posizioneranno sulla superficie del personaggio dietro, non dovendoci preoccupare di allinearli manualmente.

La parte difficile del tutorial consiste nel dare al volto del personaggio dei loop corretti per l'animazione facciale. Fare dei Loop concentrici intorno agli occhi e la bocca è solo l'inizio, bisogna poi collegarli con almeno un ulteriore loop.

Nel video viene mostrato uno dei tanti metodi possibili ovvero eliminare le facce e ricostruirle con delle Estrusioni (Tasto E) e dei Fill (Tasto F).

La solita ritoccata di Sculpt e il gioco è fatto, non ci resta che modellare l'interno della bocca una un'altra serie di Estrusioni (Tasto E) e il volto del nostro personaggio è terminato.

Verso la fine sono stati aggiunti ulteriori Loop intorno alla bocca questo per poter facilitare l'animazione facciale in seguito.

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Diffidate dalle imitazioni

2011-02-02T20:18:00.001+01:00

C'è qualcuno che si rivende Blender sotto falsi nomi, quindi fermiamo questo scempio e se avete un sito o un blog, pubblicate questo link:





<a href="http://www.blender.org/blenderorg/blender-foundation/press/re-branding-blender/">3DMagix, 3DMagixPro, IllusionMage, scam</a>

In questo modo diciamo ai motori di ricerca cosa mettere nelle prime righe così chi cerca il nome di questi "prodotti" viene mandato alla discussione di Blender Nation.

3DMagix, 3DMagixPro, IllusionMage, scam

E ricordo a tutti che Blender è gratuito, diffidate dai furbacchioni.... piuttosto, interessa qualche bottiglia di aria di Napoli......

Visualizzare i tasti premuti - “Screencast Key Status”

2011-02-01T15:37:00.001+01:00

Qualcuno mi ha chiesto come facessi a far visualizzare i tasti premuti nella 3D view di Blender.

La risposta è molto semplice, grazie a Paulo Gomes che ha scritto lo script “Screencast Key Status Tool”. Potete trovare la discussione su BlenderArtist.org a questo indirizzo:
Link discussione BlenderArtist

Questo è il link diretto per la versione 0.6 dello script:
Link diretto allo script

Una volta scaricato funziona per Blender 2.56 (testato con la revisione r34418) e va posizionato nella cartella di blender: scripts/addons.

Aprite poi Blender e lo trovate nel pannello in cui si installano gli Addons (File->User Preferences), nella sezione 3d View. Attivatelo come da figura e cliccate su “Save as Default”.

Non resta che premere SPACE e digitare “Screen” e vi compare nella lista, selezionatelo.

Poi provate a digitare e vedrete le lettere comparire in tutte le 3d view che volete.

Modellazione Personaggio – Occhi -

2011-01-31T02:54:00.000+01:00

In questo video potete vedere la modellazione dell'occhio del personaggio.

La modellazione organica richiede molta manualità in più rispetto a quella delle Hard Surface, non si usa quasi mai lo snap (la calamita), ma si usa molto spesso il proportional editing (tasato O) per spostare i vari vertici per rendere più morbidi possibili ci cambiamenti.
Anche lo sculpt ci aiuta grazie all'intuitività dei vari tools che ci facilitano il lavoro rendendolo più artistico e manuale invece che tecnico come a volte diventano alcuni lavori in 3D.

Si parte mettendo come sfondo l'immagine di riferimento disegnata nei capitolo precedenti, quindi utilizziamo delle sfere per fare il corpo del personaggio e poi gli occhi.

La fase successiva è quella della modellazione delle palpebre, si procede poly by poly estrudendo (tasto E) e muovendo i vertici aiutandoci con le sfere degli occhi per la forma.

Con il tasto F chiudiamo le facce e fondiamo l'occhio con il corpo.

Passando in sculpt mode di tanto in tanto, possiamo smussare (smooth) la topologia della mesh e con lo strumento Grab sistemiamo la forma dell'occhio.

Due parole anche sul montaggio

2011-01-22T00:02:00.001+01:00

Quanto diventa importante il montaggio in un film? La fase di montaggio può essere scambiata e associata alla fase si post-produzione, cioè quando si apre il programma per comporre i video e si assemblano tutti gli shoot e le scene del film, aggiungendo le dissolvenze e i titoli.
Il montaggio in realtà inizia alla stesura della sceneggiatura.
Nell'approfondimento sulla sceneggiatura si è compreso che un film è fatto di inquadrature (o shoot) che messe insieme formano le scene, che a loro volta formano il film.

Nel montaggio decidiamo l'ordine di visualizzazione di determinati elementi della storia che stiamo raccontando e questo ordine influisce al tempo stesso sulla storia e i suoi elementi. Tutto questo per suscitare particolari emozioni, molte volte ci viene in aiuto anche un contesto musicale adatto, ma per ora analizziamo solo le sequenze video e in che modo esse ci influenzano.

Il ritmo

Il primo trucco di montaggio è quello di decidere il ritmo della scena. Se abbiamo una scena fatta di tanti Shoot molto brevi, anche se questi rappresentano elementi di stato tranquilli, come fiori, prati, alberi, frutti, persone felici ecc..., possono suscitare ansia, frenesia, confusione se sparati in rapida successione, mi viene in mente il classico esempio di lavaggio del cervello dove il malcapitato di turno viene posto davanti ad uno schermo con immagini in rapida successione che contengono vari messaggi subliminari.

Al contrario le scene romantiche invece sono composte da Shoot abbastanza lunghi e separati da dissolvenze lente tra una sequenza e l'altra.

N.B.Come detto sopra il tema musicale influisce molto su questo tipo di scene, ma anche la temperatura del colore e l'uso di vari effetti come la lieve sfocatura dei punti di massima luce (effetto Glow).

Associazione

Il cervello umano funziona principalmente per associazioni di idee. Se vediamo una determinata immagine essa rappresenta per noi un determinato stato, al cibo associamo la fame, al sangue la paura ecc... Un film parla per immagini prima di tutto, quindi ogni inquadratura deve dirci qualcosa o portarci a determinate conclusioni.
Come spiegato in “uso delle scenografie”, l'associazione può essere utile per rappresentare un luogo che non esiste. L'inquadratura dell'esterno di una casa seguita dalla sequenza di un uomo seduto su un divano ci dirà che l'uomo si trova nella casa appena inquadrata.

Si può usare l'associazione per mostrare cose che in realtà non sono mai state girate. Questa tecnica si usava molto quando gli effetti visivi non erano molto diffusi o comunque troppo costosi per certe produzioni. Ho visto tempo fa un piccolo film girato da dei ragazzi di un liceo in cui c'era la scena in cui uno sketer veniva investito da un auto. La scena è girata in un unico shoot in cui l'auto si avvicina molto lentamente al ragazzo, poi la macchina si ferma e il ragazzo maldestramente di butta a terra senza essere stato neanche sfiorato. A parte la pericolosità di questa questa sequenza, il risultato finale non ha ripagato per niente il rischio corso.
La scena sarebbe stata molto più di impatto spezzandola in diversi shoot, in cui cui si riprendeva il ragazzo con qualche primo piano, a figura intera e qualche dettaglio dello sketboard, poi bastava qualche inquadratura dell'auto, una in cui si vede il conducente distratto e una in cui si vede la macchina che arriva frontalmente e un altra inquadratura del ragazzo sul ciglio della strada e l'auto che arriva, in questo modo si prepara lo spettatore all'inevitabile. A questo punto non bisogna riprendere per forza l'incidente, si può riprendere una passante che urla terrorizzata e guarda la strada mentre si sente lo schianto. Per concludere si può riprendere lo sketboard che vola via o che prosegue solitario per la strada senza il ragazzo. Poi un inquadratura del ragazzo a terra e l'auto ferma faranno il resto.
Si monta il tutto, se necessario verranno fatti dei tagli, in pratica si possono evitare molti fronzoli e altre inquadrature mostrando solo il ragazzo e l'auto prima dell'incidente e poi mostrare la donna che urla al posto dell'incidente che potrebbe essere sostituita anche dalla ripresa di un segnale stradale o da dei passanti che si voltano di scatto. Lo spettatore sa cosa è successo anche se non ha visto nulla.
Questa tecnica non è solo un modo di risparmiare sugli effetti visivi, ma è quello che ha caratterizzato per molto tempo i vecchi film dell'orrore, in cui venivano mostrate poche scene di violenza, ma che fondamentalmente facevano paura lo stesso perché se si vede il coltello e poi la donna che urla, sappiamo cosa è successo.

Ordine

Se si cambia l'ordine delle scene in un film la storia resta inalterata, ma può cambiare la percezione di essa, rendendola più interessante o meno.
Ci sono dei film che iniziano partendo dall'ultima scena o da una di quelle nel mezzo. Questa tecnica va usata con prudenza perché gioca molto sulla curiosità umana, non bisogna rivelare troppo, ma neanche troppo poco, ma soprattutto non bisogna rendere noiosa la parte successiva del film. In oltre si dovrebbe evitare di stravolgere troppo la sequenza finale mostrata all'inizio, lo spettatore potrebbe prenderla come una presa in giro, che allo stesso tempo in alcuni film ci sta anche... L'importante è mantenersi coerenti con il tipo di film che si vuole raccontare.

L'uso comune che se ne fa è quello di presentare i personaggi nell'azione per poi farceli scoprire più avanti nel corso naturale della storia. Un esempio eclatante è il telefilm Lost, dove l'uso dei flashback ci aiuta a capire chi sono realmente i personaggi. Il fatto che si sappia che fine faranno dopo, non rende meno interessante sapere cosa facevano prima.
In alcuni film ci viene persino annunciata la morte di un personaggio, ma questo non rovina il finale anzi, rende molto più morboso l'attaccamento alla trama da parte dello spettatore che vuole sapere com'è successo. In pratica raccontiamo il Cosa, ma non il Come, il Quando e il Perché.

In conclusione, il montaggio decide l'ordine di riproduzione di shoot e scene. Quando si gira un film però si tende a girare sempre qualche shoot in più, dei dialoghi, delle espressioni o semplicemente degli scenari o dei dettagli, quando poi si passa alla fase di montaggio finale, si deciderà cosa tagliare e cosa lasciare. Il discorso si fa complicato nei film in Computer Grafica dove ogni secondo di animazione richiede ore e giorni di lavoro. Per questo motivo un film in CG, ma anche complicate sequenze di VFX in film dal vero, sono preceduti da una lunga fase di Pre-produzione dove il montaggio della Pre-visualizzazione dell'animatic 3D è quasi sempre quello finale prima ancora di aver modellato o animato niente. Questa è l'unica differenza tra film dal vero e film in CG, ma per il resto valgono le stesse regole.

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Identifichiamo gli Shoot

2011-01-19T14:13:00.001+01:00

Uno Shoot è la ripresa da una videocamera. Nel nostro corto dobbiamo identificare tutti gli shot presenti, in pratica ogni volta che si passa da una sequenza ad un altra si parla di Shoot.
Di solito il modo più semplice è quello di aprire Blender e caricare il video di Preview 3D nel sequence editor e premete il tasto “K” su ogni frame in cui si cambia inquadratura nel momento che il cursore temporale (la linea verticale Verde) si trova sul frame che vogliamo tagliare.

In totale dovremo avere 22 Shoot. Analizziamoli singolarmente, io di solito uso una tabella come questa:

La prima colonna contiene il numero dello Shoot, la seconda il nome del Set da usare, la terza contiene la descrizione di ciò che accade nello Shoot, in fine c'è un immagine dello stoyboard legata ad uno dei frame della Preview 3D dello Shoot in questione.

Andiamo quindi a compilare la tabella con la descrizione, vedremo l'allestimento dei Set la prossima volta.
La descrizione dice cosa accade in quello shoot. Questo è molto utile quando non siamo noi ad animare e fa da tabella guida per gli animatori, in oltre possiamo aggiungere ulteriori colonne che indichino i personaggi presenti, o possiamo dividere la descrizione dall'azione, in questo modo avremo delle linee guida per gli animatori e a parte quelle dei modellatori.
Un altra colonna che possiamo aggiungere è quella delle Note personali, dove scriviamo le nostre impressioni per quel determinato Shoot, soprattutto se si tratta di una ripresa complessa.

Infine possiamo aggiungere altre colonne man mano che procediamo nel completamento del corto, aggiungendo dei render di prova di ogni shoot o semplicemente una colonna che se marcata indica che abbiamo concluso quello Shoot.

Tutto questo potrebbe sembrare superfluo, ma ci aiuta moltissimo quando dobbiamo riprendere il progetto che magari è stato lasciato riposare dei mesi (che nelle produzioni personali capita molto spesso).

Come ultima cosa possiamo stampare questa tabella e utilizzarla come tabella di marcia che ci ricordi a che punto siamo.

Una volta analizzati tutti gli shoot si arriva al punto di non ritorno, in pratica ora è ancora possibile fare dei cambiamenti nella storia o togliere e aggiungere qualcosa, da qui in avanti sarà molto difficile tornare indietro, quindi quando questa tabella sarà completata e solida potrete ritenere conclusa la fase di Preproduzione.

L'uso delle scenografie

2011-01-16T16:39:00.000+01:00

Un argomento importante da approfondire riguarda le scenografie, o se vogliamo usare un altro termine possiamo chiamarli Set.
Ricordiamoci che stiamo girando un film, anche se in computer grafica, si tratta sempre di un film ripreso da una videocamera.
In queste riprese virtuali abbiamo i nostri attori e naturalmente l'ambiente in cui essi interagiscono: il Set.
Quando dobbiamo allestire un set bisogna iniziare a inquadrare la tipologia di ambiente che dobbiamo creare perché ambienti diversi possono richiedere tecniche diverse di realizzazione.

Diamo per scontato che il nostro Art Director abbia realizzato i bozzetti di tutti gli ambienti del film, ma poi come si procede? Di certo non possiamo modellare un mondo o una città intera, compresa di traffico, persone, natura, animali ecc... dovremo far vedere tutto? La magia del montaggio ci permette di ricreare interi mondi con solo due inquadrature. Prendiamo i vecchi telefilm di fantascienza come Startrek, ogni volta che presentano un nuovo pianeta abbiamo un inquadratura del pianeta e poi vengono inquadrati gli attori sul pianeta, composto il più delle volte da semplici scenari di cartapesta. Anche le inquadrature dell'astronave aiutano ad aumentare il realismo delle scene girate a bordo. Lo stesso trucco viene usato nelle sitcom, dove la maggior parte delle scene con i dialoghi sono girate in set teatrali, cioè con solo 3 pareti, dove la quarta parete è la finestra su cui si affaccia il pubblico. Per dare la sensazione del luogo prima di ogni scena viene passata una sequenza di un esterno che dovrebbe essere l'esterno dell'edificio in cui avviene l'azione nell'inquadratura successiva. Può sembra un trucco da quattro soldi, ma funziona.

In maniera molto più grande e con maggior dettaglio questa cosa viene fatta nel cinema, anche se maggiori sono i budjet e le produzioni, e più complicati sono gli scenari, fino ad arrivare a scene in cui la cinepresa entra da una finestra dopo aver fatto il volo della città o panoramiche di una veduta dall'alto che termina con il primo piano di un attore.

Le informazioni su quanta porzione di ambiente viene ripresa bisogna estrapolarla dallo storyboard e dall'animatic. La bravura del regista si vede anche in questo, bisogna usare le immagini per raccontare una storia e siccome sappiamo chi e cosa verrà inquadrato, abbandoniamo il concetto di ambiente e iniziamo a ragionare per inquadrature (o Shoot). In questo modo l'intero processo di produzione viene semplificato e soprattutto viene modellato e renderizzato solo quello che verrà inquadrato evitando inutili sprechi.

Da questa premessa possiamo quindi fare la prima grande distinzione tra set Esterno e set Interno.

Ambienti Esterni

Le dimensioni contano, in questo caso non le dimensioni del Set, ma quelle dell'inquadratura perché a seconda della porzione di spazio inquadrata noi avremo una certa quantità di dettagli da aggiungere o meno. In oltre più sono i movimenti di cinepresa e maggiori sono le difficoltà di realizzazione dello scenario. Prendiamo in esempio la veduta:

Con inquadratura fissa possiamo benissimo usare in piano con su dipinta una città con la tecnica del Mattepaint (vedi link per approfondire), volendo si potrebbe usare un piano leggermente curvato, ma se l'inquadratura è fissa e l'immagine è stata fatta bene non ci sarà bisogno di altri stratagemmi. Di solito si può animare il movimento delle nuvole o far passare qualche oggetto volante per aumentare il realismo.

Se invece abbiamo una classica panoramica (cioè la cinepresa ruota su se stessa e guarda il panorama come si farebbe ruotando la testa), con un immagine statica su un piano si perderebbe l'effetto di profondità, rivelando il trucco. In questi casi allora si utilizzano dei piani curvati a C che circondino la cinepresa. In questo modo quando la cinepresa ruota si trova ad osservare l'immagine sempre dalla stessa distanza. Ho parlato di più piani curvati perché con il movimento bisogna ricreare l'effetto tridimensionale dato dal Parallasse (vedi link per approfondire), in poche parole gli oggetti più lontani si spostano dal punto di vista ad una velocità diversa di quelli più vicini, lo si nota quando si viaggia, dove i segnali stradali fuggono via mentre il panorama sembra fisso. In questo caso basta separare su piani diversi gli elementi che compongono un l'immagine, come i palazzi separati dal cielo ad esempio.

In un altro caso abbiamo la camera che sorvola la città. In questo caso l'impresa si fa ardua perché c'è bisogno di un ambiente 3D, o almeno che lo sembri. Anche qui ci sono diverse tecniche, dal modellare tutto, all'usare una sorta di via di mezzo, renderizzando e dipingendo la città su una versione a pochi poligoni, tutto sfruttando sempre il tipo di inquadratura che viene effettuato. La tecnica in questione fonde il Matte Painting con il Camera Mapping (vedi link per un esempio).

Questi sono solo esempi per quello che riguarda le classiche vedute di paesaggi, ma il discorso è simile anche per altri tipi di inquadrature di Set esterni, come quelli in cui interagiscono dei personaggi. Immaginiamo una scena dentro una foresta, quando si fanno i primi piani non è necessario che il personaggio sia presente fisicamente nell'ambiente, basta un semplice rendering sfocato dietro di lui se la camera è fissa, mentre se si muove si usano gli stessi concetti espressi sopra. Se invece l'inquadratura è più larga, si può riempire la scena non oggetti 3D ma fino ad un certo punto, poi si useranno solo dei rendering statici (o anche animati) degli alberi. Questo snellisce il lavoro di rendering finale e soprattutto si evita di dover maneggiare file di grosse dimensioni.

I Set Interni

Negli interni bisogna ragionare allo stesso modo degli esterni, ma allestire i Set con tanti oggetti può diventare molto difficile. La prima cosa da fare è ragionare per inquadrature, guardiamo lo Shoot che stiamo per girare e chiediamoci cosa c'è in primo piano, cosa c'è sullo sfondo e cosa c'è in mezzo. Questo perché probabilmente gli oggetti dello sfondo possono essere sostituita da Piani mappati con un rendering. A volte anche gli oggetti che sono nel mezzo piano possono essere dei così detti Fake 3D, cioè geometrie mappate con dei rendering ma che risultano solide e profonde con i movimenti di camera. Per gli oggetti in primo piano non c'è scampo, bisogna modellare.

Il consiglio principale è quello di utilizzare un sistema di Linkaggio in file esterni (vedi approfondimento) possibilmente utilizzando dei raggruppamenti per tipo. In oltre il Set stesso deve essere linkato dentro il file dove si girerà lo Shot, questo può causare dei problemi per i primi settaggi, ma ritorna utile quando si devono fare delle modifiche a certi oggetti, in questo modo il Set sarà sempre lo stesso per ogni file di Shoot utilizzato.

In realtà queste non sono proprio regole, ma solo soluzioni dettate dal buon senso e quindi non valgono per tutti i Set che si vanno a costruire. L'importante è avere ben chiaro quello che si andrà ad inquadrare e costruire il Set in base all'inquadratura e ai concept dell'Art Director.

L'importanza della Preproduzione.

2011-01-12T13:45:00.000+01:00

Il discorso della Pre-Produzione può diventare molto ampio, soprattutto perché si può andare a sconfinare in qualsiasi ambito, anche fuori la produzione di animazioni, cortometraggi e film.

Prima di tutto fatemi spiegare cosa intendo per Pre-produzione.

Quando ci accingiamo a creare qualcosa, come ad esempio un racconto, un quadro, ma anche quando si prepara un dolce o si intraprende un viaggio, abbiamo davanti a noi degli elementi di partenza, elementi di esecuzione ed elementi di arrivo.
Come si fa a non perdersi per strada? La cosa fondamentale è porsi un obbiettivo: il risultato finale che vogliamo ottenere. Cercare di realizzare l'obbiettivo è la parte più attiva di un progetto, ma molte volte bisogna pianifi
care tutto o almeno la maggior parte delle tappe fondamentali che dovremmo toccare.
Ok, mi direte voi, e la creatività? Credo che poche persone al mondo possano seguire una grande opera senza un minimo di preparazione. Quello che ci frega prima di tutto è la memoria, tendiamo a dimenticare le cose e alla fine si finisce per fare degli errori che ci fanno perdere tempo perché ci deviano dal nostro percorso.
Prendiamo ad esempio il lavoro di uno scrittore, quando si scrive un romanzo è facile perdersi per strada. Molti autori vi diranno che non pianificano niente e che scrivono tutto di un fiato, ma in realtà questo approccio non è del tutto vero. Di solito si pianifica un andamento della storia, si sa che si dovrà passare per un determinato punto, il segreto è quello di non sopprimere la creatività, ma di guidarla.

Torniamo al succo del discorso, la realizzazione di un corto animato in 3D.
La Preproduzione è tutta quella fase di pianificazione che viene prima di iniziare le riprese.
Quando ci viene l'idea per un animazione o un film bisogna prepararsi un percorso da seguire. In questa fase vengono creati il soggetto, la sceneggiatura, lo storyboard e gli animatic (sia 2D che 3D). Questi passi possono sembrare ripetitivi, infondo la storia la sappiamo già cosa ci interessa scrivere tutta la sceneggiatura, oppure se riteniamo conclusa la sceneggiatura a cosa ci serve fare uno storyboard e un animatic, tanto le inquadrature si fanno sul momento, decideremo poi...
Questo purtroppo non si può fare, ci si ritiene tanto creativi da poter trovare l'inquadratura giusta sul momento, in realtà così si uccide la creatività perché iniziano a sorgere un sacco di problemi o peggio ancora, un sacco di nuove idee che rallentano il lavoro perché non calcolate all'inizio. Per quanto riguarda il film classico questo discorso diventa diverso perché molti registi si affidano quasi esclusivamente alla sceneggiatura, anche se rimane sempre un lavoro di preparazione per definire le varie location, ma qui poi dipende dal tipo di film e soprattutto dal tipo di scena, di certo non si può improvvisare una scena da Action Movie come un inseguimento o una sparatoria. Come vedete più complesso è il film è più diventa necessario avere ben chiaro il dafarsi.
Non a caso nell'animazione computerizza non si può procedere alla cieca, non si può decidere all'ultimo che l'animazione appena creata va rifatta o peggio ancora tagliata. Non si può arrivare a metà produzione e dire :”Mha, qua ci vedrei bene uno stormo di Draghi”, bhe si può anche dire, ma se ci sono delle scadenze da rispettare e tabelle di marcia da seguire e nelle grandi produzioni questo significa soldi in più da spendere.

Quindi si cerca di programmare tutto il possibile, iniziando dalle ambientazioni e i personaggi.

Un bravo disegnatore può creare degli schizzi della ambientazioni sui quali si possono poi fare tutti i cambiamenti che riteniamo opportuni. Non si lascia uno spazio vuoto e si dice: “Lo riempiamo poi”, perché bisogna poter comporre ogni inquadratura in maniera intelligente e perché no, anche creativa. La caratterizzazione di un personaggio è un altra cosa che va pianificata per bene, soprattutto per non avere cambi di personalità improvvisi solo per sopperire alle mancanze della trama. Su questo trovate un approfondimento a questo indirizzo:
creare un personaggio

Riguardo l'inquadratura si utilizza lo storyboard che ci aiuta a definire la posizione degli attori o dei soggetti principali. Ci sono determinate regole per focalizzare l'attenzione su particolari zone dell'inquadratura ma trovate questo nella prima parte della Guida ai Corti 3D di questo sito. Sapendo come allestire ogni inquadratura o Shoot prima di iniziare anche solo a modellare un poligono, ci avvantaggia e rende più facile il lavoro in seguito.
Esplorando ogni inquadratura e leggendo la sceneggiatura dobbiamo cercare di immaginarci come dovrà essere il nostro film e capire se una sequenza di Shoot funziona meglio in un modo o in un altro. Se certi Shoot sono superflui o certe sequenze non sono leggibili e quindi hanno bisogno di qualche inquadratura in più, la preproduzione ci aiuta nel processo produttivo e non frena la creatività, semplicemente la fa partire al momento giusto.

Infine, grazie all'Animatic, possiamo testare i primi ritmi. In questo modo sappiamo dove una scena non funziona, dove è troppo lunga e noiosa o dove le azioni si svolgono troppo in fretta per essere recepite. Con l'Animatic 3D si possono addirittura testare alcuni ritmi di animazione e l'interazione dei personaggi con gli oggetti che, anche se approssimati, ci danno un idea degli ingombri reali. Di solito la sceneggiatura cambia dalla sua ultima stesura alla fine dell'ultimo Animatic 3D, perché ci si rende conto che alcune scene funzionavano sulla carta, ma l'animazione non rende, oppure si cambia la sceneggiatura quando i mezzi non permettono di raggiungere certi obbiettivi, cosa molto comune in piccole produzioni, dove i budjet sono sempre striminziti, se non del tutto assenti nella maggior parte dei casi.

Pianificando il lavoro di Produzione possiamo renderci conto della portata del progetto. Molti partono immaginando scenari fantasy e mondi popolati da ogni genere di creatura, poi quando si rendono conto che creare e far interagire due personaggi è veramente complesso il progetto viene abbandonato.

La Preproduzione può salvare la Produzione di un cortometraggio animato, ma più di tutto ci porta a capire meglio il nostro obbiettivo e prepararci di conseguenza al suo raggiungimento.

Modellazione 3D con Blender 2.5 - Il Dado

2010-06-27T16:00:00.000+02:00

Affronteremo ora il concetto di modellazione Poligonale.

Questo tipo di modellazione prende in considerazione i Poligoni, ovvero superfici da tre o più vertici.
Blender supporta solo superfici da tre e da quattro vertici. Poligoni con maggiori angoli sono una combinazione di questi ultimi due. In realtà a livello interno, un Poligono da 4 vertici (o angoli), è formato da due poligoni da 3 vertici. Blender però crea una fusione e ci mostra la superficie liscia senza la classica diagonale centrale.

Sistemi a N-gons, ovvero a più lati, sono da anni in progetto di implementazione sotto il nome di B-mesh. Se prima della fine della guida le B-mesh saranno implementate ne parleremo di sicuro.

Più avanti vedremo la limitazione dei quattro vertici e i trucchi di modellazione per avere superfici perfette e senza artefatti.

Modellazione Inorganica
In gergo questo tipo di modellazione viene definita Hard Surface e riguarda appunto tutti i tipi di oggetti con superfici regolari e geometriche. Esiste una vera e propria specializzazione di questa arte. Di solito si usa la modellazione parametrica o Nurbs, più che altro a livello di progettazione o prototipazione.
La modellazione poligonale è più comune per la produzione di materiale multimediale (film, videogiochi, pubblicità ecc...) e siccome è quella meglio supportata in Blender, andremo a vedere come modellare un semplice Dado.

Non basterà modificare un cubo, ma partiremo dalle curve di smussatura e ricostruiremo tuta la strutta delle sei facce aiutandoci con un modificatore che farà gli altri ¾ del lavoro.

Questo video non vuole essere un tutorial passo passo per la modellazione, ma un esempio di workflow da utilizzare per certi tipi di modellazione. In pratica vi mostro come utilizzare gli strumenti di base che si possono apprendere direttamente dal manuale ufficiale di Blender.

Ecco una panoramica dei comandi utilizzati:

- Aggiungiamo un Circle accendendo al menù con Shify+A
- Per passare da Object a Edit Mode usiamo la combinazione Ctrl+Tab
- Poi ne selezioniamo i vertici attivando il Bord Selection premendo B.
- Per duplicare premiamo Shift+D
- Muoviamo i vertici selezionati con il tasto G (Grab)
- Ruotiamo con il tasto R (Rotation)
- Scaliamo con il tasto S (Scale)
- Estrudiamo premendo il tasto E
- Aggiungiamo dei Loop Cut premendo la combinazione CTRL+R
- Per unire gli oggetti duplicati in Objec Mode, premiamo CTRL+J
- Il resto della modellazione viene eseguita creando poligoni selezionando quattro vertici alla volta e premendo il tasto F

Modellazione Dado con Blender 2.5 from Anfeo on Vimeo.

Gestire i collegamenti

2010-05-15T14:07:00.000+02:00

Collegamenti

Quando creiamo un file in Blender, esso si troverà in una determinata prosizione.

Quando carichiamo un file dentro un file di Blendr (che sia un immagine, un video, un oggetto ecc...) questo avrà anch'esso una posizione. Si parla quindi di collegamenti RELATIVI o ASSOLUTI.

Collegamenti ASSOLUTI

Un collegamento Assoluto indica la posizione di un file con l'intero percorso di cartelle a partire dalla cartella Root del sistema operativo utilizzato, ecco un esempio di collegamento assoluto su Ubuntu:

Collegamenti Relativi
Un collegamento relativo fa capo alla cartella in cui risiede il file di Blender su cui stiamo lavorando.
Quando noi inseriamo questo codice in un percorso:
//
Il percorso punterà alla stessa cartella in cui risiede il file di Blender, quindi per indicare l'immagine “Fiore.jpg” che si trova nella stessa cartella di lavoro del file Blender a cui stiamo lavorando, scriveremo:
//Fiore.jpg

Se invece il file si trova nella sotto cartella “Textures” indicheremo:
//Textures/Fiore.jpg

Per fortuna Blender ci viene in aiuto nel creare collegamenti relativi, infatti scegliendo dal menù File, l'opzione External Data, possiamo trasformare i collegamenti di tutti file del file Blender a cui stiamo lavorando:

Ecco cosa succede al collegamento precedente dopo aver cliccato su Make All Path Relative:

//../Concept/ImmaginiBlog/ConceptAmbiente.jpg

Abbiamo
//
per indicare che il collegamento è relativo, poi però c'è un problema, la cartella in cui ci troviamo non è quella giusta, ce ne serve una superiore, quindi con il comando:
../
Indichiamo che la cartella Concept si trova ad un livello superiore.
Nel caso ci sia ancora un livello scriveremo:
../../Concept
E così via.

Veniamo però al punto, perché scegliere collegamenti Relativi invece di quelli assoluti per i nostri progetti?
La risposta è semplice, prima di tutto diamo per scontato che tutti i file del progetto saranno messi nella cartella del progetto, compreso immagini o textures che magari abbiamo in altre cartelle del PC. Quindi se tutti i collegamenti sono relativi possiamo spostare la cartella del progetto dove vogliamo senza rischiare di perdere il file con spiacevoli conseguenze.

Facciamo un esempio.
Lavoro al file:
/home/Alfonso/Pallina/Modelli3d/Pallina.blend
In questo file si usa una texture contenuta in
/home/Alfonso/Pallina/Modelli3d/Textures/Fiore.jpg

Fino a quando noi avremo la cartella del progetto Pallina in Alfonso, non c'è nessun problema, ma se noi spostiamo la cartella in una cartella Progetti:
/home/Alfonso/Progetti/Pallina

Il collegamento della texture sarà sbagliato e non vedremo l'immagine nel file Pallina.blend

Se invece il collegamento è relativo e quindi:
//Textures/Fiore.jpg
Noi possiamo muovere l'intera cartella del progetto dove vogliamo e anche scambiarla con altre persone, che hanno sistemi operativi diversi, in windows il Path sarebbe:
C:/Document and setting/Documenti/Progetti/Pallina/

Ma tutti i collegamenti relativi partiranno dal file di origine andranno all'indietro, permettendoci di spostare la cartella di lavoro dove vogliamo.

In Blender abbiamo collegamenti non solo per le immagini ma anche per :
Video
Audio
Altri file Blend che abbiamo linkato (o librerie)

Vedremo nel corso degli altri tutorial come modificare e accedere a certi collegamenti, per il momento basti capire la differenza tra Assoluto e Relativo.

Organizzazione dei file di Blender e non

2010-05-15T00:49:00.000+02:00

Organizzare i file.

Fino ad ora non abbiamo ancora visto l'importanza dell'organizzare i propri file in maniera coerente e corretta, per poter ritrovare tutto e soprattutto lavorare ordinatamente, senza rischiare di perdersi in cartelle disordinate o file.blend nominati a casaccio.

Prima di tutto troviamo un posto per i nostri progetti, ficcare tutto nella cartella Documenti diventa ingestibile dopo un po' soprattutto se i progetti aumentano, cosa che succede molto spesso.

Ci serve una cartella principale che chiameremo Progetti, in questa cartella ci vanno tutti i nostri progetti. Possiamo suddividere ulteriormente due grandi mucchi, con Animazioni e Still (ovvero immagini statiche). Volendo possiamo anche fare delle cartelle Contest, Esperimenti, ecc... Tutto dipende da cosa facciamo abitualmente.
Il nostro progetto va nella cartella Animazioni o Movie o come vogliamo chiamarla e quindi creiamo una cartella “Pallina”, che sarà il Root del nostro progetto in Blender.

Dentro questa cartella possiamo iniziare a creare delle sotto cartelle dedicate a:
Sceneggiatura
Storyboard
Animatic
Preview3D
Per fare ulteriore ordine, possiamo mettere tutto in una cartella che chiameremo “Preproduzione”.
Infatti tutto questo non sarà legato alla Produzione, in quanto si tratta solo di linee guida per il corto vero e proprio.

Possiamo quindi fare una cartella Produzione, la quale conterrà queste cartelle:
Object
Character
Enviroment

Poi la lista può essere diversa se abbiamo oggetti particolari ad esempio
Veicoli
Abiti
ecc...

Bisogna solo trovare un compromesso tra ordine e complessità. Se facciamo troppe categorie, sarà difficile ritrovare uno oggetto specifico, fare dei collegamenti logici facilità il compito di montare le scene in Blender.

Una cartella molto importante da mettere in Produzione è quella:
Scenes
Qui si svolgeranno le riprese e le animazioni, sarà il cuore di tutto il Progetto.

Vedremo più avanti cosa mettere in questa cartella, verranno creati dei file dei vari Set delle riprese, questi Set verranno poi importati nei file di Shot quando si dovrà girare.

Il processo diventa molto simile a quello che si usa per girare un film dal vero, in questo caso gli attori saranno gli animatori e i Set saranno le scene create dai modellatori.

Torniamo quindi indietro alla cartella principale del progetto e creiamo un'altra cartella chiamata Postproduzione, ma di questo parleremo più avanti.

Il discorso non è naturalmente concluso, i file di Blender generano dei file di Backup nominati blend1, blend2 ecc.... In oltre dobbiamo vedere dove mettere le texture, come suddividerle ecc...
Ma tutto verrà spiegato a tempo debito, per ora cerchiamo di creare una cartella Progetto ordinata e riempirla con i file che abbiamo già creato.

Qui potete trovare un approfondimento sui collegamenti Relativi ed Assoluti dei file:
Gestione Collegamenti

Preview 3d con Blender 2.5 Animazione 3 - Animare

2010-04-17T11:10:00.000+02:00

Tutto il resto:
In questo video viene mostrato come lavorare tra animatic e preview per creare le altre inquadrature.
Vedremo come animare il personaggio in pose elementari cercando di apprendere la tecnica base per animare in Blender 2.5.
Trattandosi di una semplice Preview 3d, non affronteremo ancora il discorso sui principi di animazione, che saranno trattati più avanti, quando andremo ad animare il personaggio vero e proprio.

Tutorial Preview 3d Basic Animation with Blender 2.5 from Anfeo on Vimeo.

Il resto dell'animazione non è registrata, ma dovreste essere in grado di completarla voi stessi, l'unico consiglio che vi do' è di non soffermarvi troppo sulla qualità e la fluidità, quello che conta al momento è riuscire a creare delle buone tempistiche (Timing) che saranno la base da cui partire per l'animazione vera e propria.

Preview 3d con Blender 2.5 Animazione 2 - Camera Bind

2010-03-31T14:21:00.000+02:00

Un interessante nuova funzione di Blender 2.5 è il Camera Bind legato ai Marker.
I Marker sono dei segnalibri che si possono posizionare sulla Timeline premendo semplicemente il tasto M e nel frame attuale appare un triangolino. Volendo possiamo anche editare il nome del marker per renderlo più riconoscibile.

Immaginiamo adesso di avere più Camere sulla scena e di voler cambiare Camere ad un certo in automatico durante l'animazione.
Forse alcuni ricordano il vecchio Script Camera Change che faceva una cosa simile, ora il processe è stato reso molto più semplice, basta seguire pochi passi:

1.Creiamo un Mark sulla Timeline al frame dove vogliamo attivare la Camera.
2.Selezioniamo la Camera e premiamo CTRL+Tn0 per render la camera ufficiale.
3.Ora leghiamo la Camera al Mark appena creato andando sulla Timeline e premendo CTRL+B per creare il Bind.
4.Spostiamo ad un altro frame, e ripetiamo i passaggi 1,2 e 3 con un'altra Camera.
5.Ora lanciamo l'animazione e la Camera si cambierà automaticamente.

Per maggiori chiarimenti osservate il seguente video.

Preview 3d con Blender 2.5 Animazione 1

2010-03-29T14:20:00.000+02:00

Mettiamo tutto insieme

Questo video mostra come assemblare la scena.
Nel precedente tutorial abbiamo visto come creare un personaggio stilizzato, alla fine abbiamo raggruppato il tutto sotto il gruppo “Pallina”, quindi non ci resta che importare il gruppo con tutti i pezzi del personaggio che ci servono e passare alla parte più succulenta, ovvero l'animazione.

Ricordo che stiamo sempre parlando si una Preview 3D e quindi per ora non ci interessa il dettaglio, ma solo una rozza animazione per vedere come funziona il tutto.

Una spiegazione più approfondita sull'animazione verrà data più avanti, qui vedremo solo come aggiungere Keyframe e far muovere degli oggetti.

Tutorial Preview 3d Basic Animation with Blender 2.5 from Anfeo on Vimeo.

Preview 3d con Blender 2.5 Modellazione e Rigging

2010-03-24T15:28:00.000+01:00

Il personaggio

In questo video vedremo come creare un semplice personaggio stilizzato e assegnargli un'armatura di ossa che servirà per farlo muovere.

Affronteremo il Rigging più avanti, per ora ci serve solo un pupazzo che compia dei movimenti elementari, quindi ho evitato di dilungare troppo questa parte, ma quando si crea un Rig, la cosa più importante è l'ordine, quindi bisogna sempre ricordasi di nominare ogni osso per poterli trovare più facilmente nel dopesheet.

Tutorial Sequence Editor - Effetto Pellicola Vecchi

2010-03-20T13:32:00.000+01:00

Effetto Pellicola Antica

In questi tre video vi mostrerò come creare un effetto di pellicola rovinata direttamente in Blender.

Nella prima parte lavoreremo sulla sequenza video, taglieremo le parti non necessarie e creeremo un po' di disturbo al movimento dell'immagine con dei piccoli zoom improvvisi, il tutto regolato tramite le IPO sull'effetto Transform.

Poi si passa al compositing dove utilizzeremo degli effetti di polvere e righe e li fonderemo per creare il classico degradamento che abbiamo sopra le pellicole.
Per creare queste due semplice sequenze si possono realizzare pochi fotogrammi direttamente in Gimp o in Blender, usando le seguenti immagini come riferimento:

Passiamo quindi alla prima parte del tutorial.

Nella seconda parte creeremo il classico alone nero che si vede intorno a questo tipo di riprese, usando una semplice texture come input.

Poi daremo il tocco finale al video nel Sequence Editor creando, sempre tramite IPO, l'effetto opacizzazione di alcuni frame, fondendo il video con un grigio medio.
Alla fine si salva il video come sequenza di immagini per poterci lavorare dal Compositing.

Nell'ultima parte di questo tutorial vediamo come fondere tutto insieme per poi salvare come AVI.

Considerazioni finali:

Naturalmente possiamo lavorare molto sull'effetto finale. La desaturazione del video originale può essere eseguita in molti modi diversi e tutti con pro e contro da valutare.
Il livello di disturbo si può migliorare aggiungendo, oltre al Transform, anche un effetto Speed Control, per dare delle variazioni di velocità casuali al video, per simulare le vecchie cineprese a manovella e dare un effetto un po' più comico al tutto.

Il macchinoso passaggio da un edito ad un altro potrebbe essere annullato se il Sequence e il Composite Node di Blender comunicassero, ma purtroppo il massimo che si può fare è inserire una strip Scene nel Sequence che contiene l'Output del Node Editor, peccato che non si possa fare il contrario, renderebbe Blender competitivo alla pari di After Effect sul piano del Video Editing.

Preview 3d con Blender 2.5

2010-03-16T23:53:00.000+01:00

La Preview 3d

Quando si ha necessità di provare una scena, un inquadratura o una determinata azione, molti registi preferiscono utilizzare una Preview 3d animata. Non solo per i film di animazione in Computer Graphic, ma anche per quelli con attori reali in carne ed ossa.
Se ad esempio un regista ha scritto una scena di azione molto pericolosa o troppo complessa da realizzare sul momento, fa ricostruire un set virtuale 3d a basso livello di dettagli. Al posto degli attori si utilizzano fantocci 3d che a volte posso solo muovere le braccia e le gambe, mentre per edifici o oggetti si utilizzano delle semplici forme geometriche approssimate.
In questo modo il Set virtuale viene costruito in pochi giorni (o poche ore, dipende sempre dalle pretese del regista), mentre il vero Set richiederebbe anche settimane per il completamento.
Tornando ai film in Computer Grafica, in questo caso la Preview 3d è quasi d'obbligo in quanto ci permette di capire se le scene in 2D che nello storyboard funzionavano bene, lo facciano anche in 3D.
Siccome in CG vengono costruiti tutti i Set delle riprese, conviene avere una panoramica completa di tutto il film prima di passare a modellare e dettagliare determinati elementi.

Con animazioni semplici dei vari shot si possono controllare maggiormente le tempistiche di alcune scene, avendo così un idea più chiara sulla durata del film.

In questa fase si fanno i primi tagli alle scene che non funzionano, si rivede la sceneggiatura e il suo ritmo, in questo modo si salvano ore di animazioni finali inutili.

La cosa più importante è il posizionamento delle prime Cineprese che ci serviranno fino alla fine e saranno le stesse che useremo per le animazioni e i rendering finali.

Come si procede?
Prima di tutto si ricostruisce l'ambiente in base ai concept. I dettagli non sono importanti, per ora è necessario prestare molta attenzione alle proporzioni e a ricreare qualcosa di credibile.
Questi finti arredi di scena ci serviranno come modello per la creazione degli oggetti più dettagliati. Vedremo infatti che con pochi clic potremo usare la stessa scena della Preview e sostituire gli oggetti e gli arredi con quelli più dettagliati modellati a parte.

Tutorial Preview 3d Basic Modeling with Blender 2.5 from Anfeo on Vimeo.

Animatic con il Video Sequence Editor di Blender 2.5

2010-02-10T14:06:00.000+01:00

Questo processo è simile allo storyboard, di fatti si usano proprio le tavole dello storyboard per creare una sequenza animata in 2D che mostra per la prima volta come verrà visualizzata l'animazione finale.
Come per lo storyboard, la qualità dell'Animatic è molto relativa al tipo di progetto in corso. A volte basta semplicemente mettere in sequenza le tavole dello storyboard, altre volte si creano tutti gli step di animazione presenti nel film, compresa una prima sincronizzazione labiale (soprattutto per quei film e quelle animazioni dove i dialoghi sono essenziali).
Io preferisco una via di mezzo, animare l'essenziale e concentrarsi soprattutto sui tempi delle inquadrature, che definiscono il ritmo dell'intero film.

Ma come si fa un Animatic con Blender 2.5?

Il sequence editor di Blender funziona come un normale programma di video editing, abbiamo una barra temporale dove caricare:
- video
- audio
- immagini (o sequenze di immagini)
- effetti
- ecc..
Il seguente videotutorial mostra come creare l'Animatic con il Video Sequence Editor di Blender 2.5. Alcuni passaggi richiedono delle nozioni di Blender basilari, mentre altre parti toccano argomenti di livello medio. Non bisogna preoccuparsi se non si afferrano alcuni concetti in quanto saranno rivisti più dettagliatamente negli altri capitoli di questa guida.

Per montare l'Animatic è possibile usare qualsiasi software di video editing, ma visto che stiamo parlando di Blender, perchè non usarlo?

Video tutorial Animatic:

Parte1
In questa prima parte vediamo come accedere al Video Editor di Blender 2.5.

Comandi da tastiera utilizzati:
Shift+A per accedere al menù Add per caricare i file come Strip.
Tasto destro del mouse per selezionare una Strip.
Tasto G per spostare una strip lungo la time line.

Parte2
In questo video vediamo come adattare la tavola dello storyboard caricata nel VSE (Video Sequence Editor) alla schermata video usando la funzione Crop delle proprietà della Strip sulla destra. Se il pannello non si vede basta premere il tasto N.

Comandi da tastiera utilizzati:
Tasto destro del mouse per selezionare una Strip.
Tasto G per spostare una strip lungo la time line.

Parte3
Duplichiamo la Strip caricata, poi modifichiamo il nome del file nelle proprietà della Strip, in questo modo possiamo caricare facilmente tutte le tavole dello storyboard.

Comandi da tastiera utilizzati:
Tasto destro del mouse per selezionare una Strip.
Tasto G per spostare una strip lungo la time line.
Shift+D per duplicare una strip

Parte4
Dopo aver messo in fila tutte le Strip relative alle tavole dello storyboard, proviamo l'animazione, assicurandoci di aver premuto il tasto “Real Time” vicino ai comandi di riproduzione sulla timeline in basso al centro.
Real time permette all'animazione di essere eseguita in tempo reale, nel nostro caso a 24 fotogrammi al secondo. Blender forza la riproduzione in modo che rispetti questo tempo, a costo di saltare qualche fotogramma, il tutto per compensare le prestazioni del computer.
Questo ci permette di vedere la riproduzione in tempo reale.

In questo video vedremo come modificare la lunghezza di ogni Strip in modo da dettare il giusto ritmo per il nostro cortometraggio animato.

Passiamo poi in Gimp per separare lo sfondo della Tavola6 dal personaggio.

Comandi da tastiera utilizzati:
Tasto destro del mouse per selezionare una Strip.
Tasto destro del mouse per selezionare solo una parte della Strip
Tasto G per spostare una strip (o un lato) lungo la time line.

Parte5
In the Gimp separiamo lo sfondo dal personaggio e salviamo in due file diversi.
Togliamo lo sfondo con la gomma al personaggio e salviamo in formato PNG per conservare la trasparenza.

Comandi da tastiera usati:
CTRL+X per tagliare il personaggio dallo sfondo e copiarlo negli appunti.

Parte6
Vediamo come usare Blender per creare la semplice animazione 2d della pallina che rimbalza nella Tavola6.
Prima di tutto settiamo la risoluzione di rendering grande come la risoluzione di una delle tavole.
Poi aggiungiamo un plane e ne settiamo le dimensioni come quelle della tavola.
Attiviamo la vista dalla camera in modalità Ortogonale (cioè senza prospettiva) e facciamo in modo di far coincidere il plane con l'inquadratura.
Settiamo il materiale del plane in modalità Shadeless per avere un rendeing dello stesso senza influenze di luce e ombre, poi carichiamo l'immagine come una texture.
Eseguiamo una mappatura UV e carichiamo l'immagine su di essa per vederla in modalità Texture Shade direttamente in 3d view.
Facciamo lo stesso con un altro plane e carichiamo l'immagine del personaggio.
Possiamo aggiustare il canale alpha del personaggio direttamente in Blender tramite l'Image Editor.

Animiamo il personaggio inserendo prima di tutto i fotogrammi chiave di ogni atterraggio.
Prima avanziamo sulla time line, poi spostiamo il personaggio e poi inseriamo il keyframe.
Diamo circa 20 frame di distanza tra una Key e l'altra.
Poi torniamo indietro e tra due Key di atterraggio inseriamo un Keyframe di massima altezza.
Diamo un aggiustata all'animazione anticipando la caduta e ritardando leggermente ogni inizio di salto.

Vedremo in seguito un approfondimento su come animare per bene i rimbalzi.

In fine decidiamo la cartella di salvataggio con un percorso //nomecartella/nomefile possiamo creare una cartella in automatico direttamente delle cartella di lavoro principale e dare alla sequenza di file PNG il nome che vogliamo.

Comandi utilizzati:
Tasto destro del Mouse per selezionare gli oggetti in Blender
Tasto G per spostare un oggetto
Tasto S per scalare un oggetto
Tasto R per ruotare un oggetto
SPACE BAR per attivare il menù di search dove inserire il nome Plane per inserire un piano.
Tasto Tn0 per andare in vista camera.
Tasto Tn1 per andare in vista frontale
Tasto Tn3 per andare in vista laterale
Tasto Tn7 per andare in vista superiore
Tasto Tn5 per disattivare/attivare la modalità prospettiva
Tasto TAB per accedere in Edit Mode (per eseguire poi l'unwrap)
Tasto U per eseguire l'Unwrap in Edit Mode
Tasto A per selezionare tutto/niente (Utile in edit mode per selezionare tutte le parti dell'oggetto da Unwrappare).
Tasto I per inserire i Keyframe.

Tutorial Animatic with Blender 2.5 Part 6 from Anfeo on Vimeo.

Parte7
Non ci resta che ritornare nel file dell'Animatic e caricare questa la Sequenza di immagini salvata nella Parte6. Per caricare l'intera sequenza basta selezionare tutti i file con il Tasto A (quando diventano arancioni) e cliccare su Add Image Strip.
Posizioniamo la nuova Strip caricata al posto della vecchia che era statica e usando di nuovo la funzione di Crop come nella Parte2 sistemiamo le dimensioni.
Non resta infine che sistemare tutte le altre Strip come abbiamo visto precedentemente.

Comandi utilizzati:
Tasto A per selezionare/deselezionare tutto
Tasto G per spostare le strip
Tasto Shift da tenere premuto mentre si seleziona/deseleziona una strip per non perdere la selezione precedente
Tasto B per attivare la Bord selection e selezionare più strip con il tasto sinistro nel mouse, oppure deselezionare più strip con il tasto centrale (la rotella) del mouse.

Parte8
In questa parte ci sono gli ultimi aggiustamenti fatti alla lunghezze delle altre strip per sistemare i tempi delle varie inquadrature.
Ho usato lo stesso procedimento della Parte6 per la Tavola7, mi è bastato cambiare lo sfondo al Plane utilizzato e rifare il rendering.
Alla fine è possibile salvare il tutto come abbiamo visto nella Parte6, in questo modo avremo una sequenza di immagini che potremo ricaricare in Blender in seguito per fare le ultime aggiunte.

Comandi utilizzati:
Tasto A per selezionare/deselezionare tutto
Tasto G per spostare le strip
Tasto Shift da tenere premuto mentre si seleziona/deseleziona una strip per non perdere la selezione precedente
Tasto B per attivare la Bord selection e selezionare più strip con il tasto sinistro nel mouse, oppure deselezionare più strip con il tasto centrale (la rotella) del mouse.

Come esercizio per questo capitolo, dovete realizzare l'animatic della sequenza che avete creato per il finale del corto e montarla con il Video Sequence Editor di Blender

Lo Storyboard e le inquadrature

2010-02-08T00:19:00.000+01:00

I Film sono sequenze di immagini che raccontano una storia. Quello su cui dobbiamo focalizzarci ora è raccontare la nostra storia per immagini. La mancanza di dialoghi ci permette di concentrarci principalmente su quello che lo spettatore vede.
Lo storyboard è una sequenza di immagini statiche che come un fumetto raccontano il nostro film. A differenza dei fumetti però, noi abbiamo a disposizione anche l'Azione. I Film sono basati sulle azioni, determinate azioni creano conflitto e intrattenimento, che ci regalano sullo schermo i nostri film preferiti.

Lo scopo dello storyboard è quello di avere un anteprima delle inquadrature che comporranno il nostro cortometraggio.

In grandi produzioni si usa spesso lo storyboard, a volte accompagnato da uno shotting script che descrive nel dettaglio ogni inquadratura, utile soprattutto ai concept artist che così possono comprendere meglio la visione del regista.
Fare le inquadrature per un film non è molto facile, esistono però determinate regole che possono aiutare molto.

I tipi di inquadratura:
Le inquadrature si dividono in Piani, quando si riprende un personaggio che è il soggetto dell'inquadratura, mentre quando si riprendono più personaggi o dei paesaggi, l'inquadratura viene chiamata Campo.
Tra le più usate ci sono:

Figura Intera: Quando si inquadra una persona da capo a piedi, usato soprattutto per mostrare delle azioni del personaggio, ma molto spesso serve a presentare il personaggio e mostrarlo nella sua interezza.

Piano Medio: inquadrare dal busto alla testa di una persona lasciando ancora un po' di aria sopra la testa, un inquadratura classica che mostra delle azioni di un personaggio o usata comunemente in dialogo.

Primo Piano: Inquadrare dalle spalle alla testa, alle volte si taglia un pezzo dei capelli/fronte, si usa per sottolineare le espressioni del viso durante certi dialoghi.

Primissimo Piano: Si inquadra solo il volto, usato spesso per mostrare movimenti degli occhi o in generale lo stato emotivo del personaggio.

Campo Medio: Quando si riprendono più persone, sia in figura intera che in piano medio.

Campo Lungo: Si usa per riprendere il paesaggio e mostrare di solito la location in cui è ambientato il film

Campo lunghissimo: Usato soprattutto in film epici, dove viene ripresa una grande porzione di spazio, molte volte dall'alto, ma anche ad altezza uomo (tipo i campi lunghissimi di Sergio Leone che mostrano i deserti del Far West).

Poi viene il discorso della composizione, qui l'argomento è davvero fuori portata, tocca davvero approfondire se si vuole diventare bravi, ecco qualche esempio:

La regola dei terzi
Consiste nel dividere l'inquadratura in tre parti orizzontali e tre parti verticali e di usare i vertici del quadrato centrale che si forma come i punti di riferimento più importanti, là dove cade prima lo sguardo dello spettatore.
Sistemare in uno di quei punti l'area degli occhi di un personaggio o il centro di interesse dell'inquadratura.
Utilizzare una delle due righe orizzontali per sistemare l'orizzonte di una scena, mai mettere l'orizzonte al centro esatto dell'inquadratura.

Esiste anche la regola della sezione aurea per sistemare determinati punti di interesse, usiamo il centro di questa spirale come punto focale.

Ci sono delle regole geometriche e matematiche per ricavare la sezione aurea vi invito quindi ad approfondire l'argomento se vi interessa particolarmente.

Uno dei metodi per impratichirsi nelle composizioni è quello di prendere una macchina fotografica e iniziare ad inquadrare il mondo che ci circonda non a caso, ma domandando ogni volta: cosa vogliamo trasmettere con questa immagine? Se sposto l'albero in questo modo che effetto ottengo? Cercare quindi dei corsi di fotografia e illustrazione può essere la buona strada per padroneggiare a dovere questa arte.

Torniamo a noi, quello che serve per disegnare uno storyboard non è una una grande abilità artistica, l'importante è riuscire ad inquadrare una scena.

Serve poi un po' di pratica di disegno, giusto per riuscire a disporre gli elementi principali in scena e fare in modo che si capisca la dinamica delle azioni.
Non bisogna disegnare tutto quello che c'è nella scena ad ogni inquadratura, questo vale soprattutto per gli elementi di sfondo, a meno che non siano indispensabili alla trama del film.
Sotto ogni tavola di storyboard si scrivono i dialoghi e volendo si può annotare qualche informazione sul movimento di camera o spiegare meglio un'azione che altrimenti non si capirebbe.

Prendiamo in mano la sceneggiatura e leggiamola immaginandoci la scena, come la vorremo vedere inquadrata? Appena riusciamo a percepire la giusta inquadratura per quell'azione disegniamola su metà foglio di stampante A4.
Di solito preferisco stampare all'interno un ulteriore riquadro che rispetti le classiche proporzioni 4/3 da tv o 16/9 da film.
Il nostro è un cartone, quindi il 4/3 va più che bene, potete utilizzare il template che uso io e stampare qualche pagina che poi taglierete in due.
Template 4/3
Template 16/9
Dal template potete notare il riquadro della scena, sotto le righe per le note e/o i dialoghi e in alto a sinistra un pallino dove numereremo le varie tavole per ovvie ragioni di ordine.

Le tavole per gli storyboard sono piccole perché bisogna essere abbastanza veloci nel fissare sul foglio solo l'azione base senza farsi distrarre da particolari inutili. Di solito più è viva l'azione che si disegna e meno particolari si aggiungono. La regola è proprio quella di impiegare un massimo di 5 o 10 minuti a tavola, bisogna cercare di disegnare una tavola dietro l'altra, altrimenti si rischia di perdere l'azione che si aveva in mente, alcuni artisti preferiscono disegnare i loro schizzi con una matita Blu e poi rifinire con penna ad inchiostro per dare un effetto più fumettistico al tutto, ma solo alla fine, quando tutte le tavole sono state approvate e corrette.

Decidere il numero delle tavole
Il numero di tavole da disegnare viene scelto principalmente in base al numero di inquadrature (o shot) che ci sono nel film.
A questo numero va aggiunta una tavola per ogni accento che ha una particolare inquadratura. L'accento è quell'azione che mostra un mutamento significativo per la storia.
Possiamo avere un cambio di espressione del personaggio o comunque un mutamento delle cose riprese nell'inquadratura.
Anche le azioni aggiungono tavole allo storyboard, basti immaginare una scena in cui un personaggio va a prendere la corda in macchina per poter salvare l'amico caduto nel burrone. Si avrà una tavola che mostra l'amico nel burrone, una che mostra il protagonista che guarda giù nel burrone, poi usando la stessa inquadratura, ci sarà una tavola che mostra il protagonista che si alza, poi un'altra tavola che inquadri il protagonista e il bagagliaio dell'auto, una tavola per il bagagliaio aperto con la corda dentro, il protagonista che afferra la corda, tavola con il protagonista che assicura la corda ecc...
Volendo è possibile tagliare delle inquadrature, come quella del protagonista che si dirige verso l'auto. Lo spettatore farà il collegamento mentale (a patto che l'auto sia stata mostrata prima, magari all'arrivo del protagonista).

Come esercizio di questa parte, provate a disegnare la vostra versione dello storyboard seguendo le azioni descritte nella sceneggiatura, potrete poi confrontare i vostri disegni con quelli della guida, poi provate a chiedervi come mai avete preferito una certe inquadratura piuttosto che un altra. L'esercizio finale obbligatorio è quello di disegnare le ultime tavole dello storyboard in base al finale che avete scelto nei capitoli precedenti.

Il Concept

2010-02-02T15:19:00.000+01:00

Ora prendete carta e matita e iniziate a disegnare, più di questo non posso dirvi, servirebbe un intero corso di disegno per imparare le tecniche basi, ma anche un buon libro potrebbe essere di aiuto.
Per vostra fortuna il personaggio del cortometraggio è una semplice pallina con due occhi, una bocca e due braccia.

Queste sono due bozze iniziali:

Provare e riprovare, disegniamolo quindi come ce lo immaginiamo, facciamo diverse varianti, anche se sappiamo in partenza che non le useremo mai, potrebbe farci vedere particolari che prima ignoravamo. Come starebbe con le mani enormi? Gli occhi come li facciamo? La bocca sta meglio grande o piccola?.

Esistono diversi libri che insegnano a realizzare personaggi, ci sono figure professionali addette proprio alla Character Creation, che danno vita ai protagonisti delle nostre storie preferite.
In merito potete trovare un articolo sulla creazione di personaggi nella sezione degli Approfondimenti . L'articolo tratta principalmente la costruzione di personaggi complessi, come dare loro una storia e un carattere specifico. Aiutandosi con una tabella è poi possibile raccogliere le informazioni e reference per averle tutte a portata di mano per quando si passa alla fase vera e proprio di disegno e concept (o quando dobbiamo far fare il lavoro a terzi).

Reference per la modellazione
Quando siamo soddisfatti possiamo disegnare due viste del personaggio, una frontale e una laterale, che useremo come riferimento per la modellazione.
La cosa importante in questa fase è quella di mantenere le proporzioni uguali per entrambe le viste, per farlo ci possiamo aiutare con delle righe di riferimento. Vedremo più avanti quanto ci possono essere utili questi disegni preparatori durante la fase di modellazione. In questo caso conta più la precisione che la qualità perché abbiamo bisogno che i particolari importanti come altezza occhi, bocca e braccia, combacino con quelli del disegno di profilo.
Per personaggi complessi si usano anche quattro o cinque viste, una panoramica completa di tutto il personaggio con scatti che lo riprendono di fronte, di ¾ di lato, di lato, di dietro, ecc...

Il concept per l'ambiente.
Si passa quindi alla progettazione dell'ambiente. Possiamo partire da una semplice mappa che ci indica i vari punti in cui il nostro personaggio verrà a trovarsi e dove posizionare eventuali elementi di scena.
Poi si disegna l'ambiente vero e proprio, questo deciderà anche lo stile del corto, nella sceneggiatura non è specificato in che tipo di “stanza” ci troviamo, possiamo quindi sbizzarrici e provare tutte le ambientazioni che ci passano per la testa.
Di solito non viene lasciata tutta questa libertà ad un concept Artist, ma visto che siamo noi i registi, possiamo decidere la soluzione che più ci aggrada.

Per questa immagine sono partito da una semplice stanza a pianta rettangolare, sappiamo che la Pallina farà qualche saltello in avanti, quindi non farà tanta strada prima di giungere alle buche. Ho anche aggiunto una porta e una finestra che possono aiutare a capire che ci troviamo in un ambiente chiuso. La porta potrà tornaci utile più avanti per mostrare al pubblico da dove arriva la pallina.
Mentre disegnavo la stanza ho iniziato a pensare al tema da dare al tutto, siccome la scelta della Pallina è un gioco di fortuna, ho deciso di sistemare dei dadi nella stanza, il pavimento a scacchiera fa pensare ai giochi da tavolo, volendo si potrebbero inserire delle carte da gioco appese ai muri come quadri di fine ottocento.
La stanza però muta, passa dallo splendore da casa da gioco a vicolo buio di città, c'è un cassonetto, l'intonaco staccato dal muro che lascia vedere i mattoni sottostanti e, come insegna a neon di quartieri malfamati, si vedono le frecce che illuminano i buchi che sembrano dei tombini aperti.
La scena verrà modellata proprio come lo schizzo, con soffitto e la parete lunga di destra mancanti, come una scenografia di teatro, questo ci aiuterà a posizionare le Camere per le riprese e renderà più facile illuminare il tutto.

Come vedete i disegni che ho fatto sono abbastanza rozzi, ma mi hanno aiutato a scegliere l'ambientazione più adatta. Anche se si dispone di un bravo disegnatore a portata di mano secondo me è più comodo fare le bozze iniziali da solo per poi farle rifare all'artista che le userà come riferimento per il suo lavoro.
Molti invece preferiscono scrivere una dettagliata descrizione dei personaggi e degli ambienti come spiegato negli Approfondimenti, per poi dare tutto in pasto ai Concept Artist, anche questo è un metodo, l'importante è riuscire a comunicare al meglio delle proprie capacità.

L'esercizio per questo capitolo è quello di disegnare da soli il nostro personaggio e l'ambientazione che preferiamo, in questi due video che allego vi mostro come utilizzo The Gimp per disegnare direttamente al PC. Se non possedete una tavoletta grafica, potete usare la classica carta e matita per poi scannerizzare il vostro disegno. In mancanza di uno scanner, va bene anche una macchina fotografica, ricordiamoci solo di usare lo zoom al massimo per diminuire l'effetto di distorsione causato dalla lente.

Videotutorial Colorazione in Gimp

Videotutorial Creazione Reference in Gimp

La sceneggiatura

2010-01-31T16:35:00.000+01:00

Per approfondimenti su stesura di soggetti, sceneggiature e personaggi, potete dare un occhiata agli approfondimenti presenti nel blog:
Approfondimenti

Come si scrive?
Per la sceneggiatura mi piace utilizzare Celtx, questo programma ha un sistema di impaginazione automatico che permette di scrivere sceneggiature anche ai meno esperti.
Ecco un video di esempio di come si presenta Celtx.

Potete scaricare il programma in versione gratuita sul sito ufficiale:
http://www.celtx.com/
Questo programma offre anche un sistema di organizzazione dell'intero film, dallo storyboard allo schedamento di personaggi e attrezzature.
Se volete protemo approfondire in seguito il discorso sul suo utilizzo.

La nostra sceneggiatura

Ci sarebbe da dire davvero tanto sulla stesura di una sceneggiatura, forse però il modo migliore per imparare è leggere quelle dei grandi registi famosi, potete trovare quasi tutte le sceneggiature che volete su internet così potete farvi un idea di cosa stiamo parlando.
La sceneggiatura in se serve appunto a dividere un film in scene.
Un film si divide in tre momenti essenziali, un primo atto, dove viene presentata la storia e i personaggi, un secondo atto, dove questa storia entra nel vivo, e in un terzo atto finale, dove c'è la classica risoluzione del problema principale che ha tenuto in piedi il secondo atto.
Lo stesso vale per le singole scene di un film, anche loro devono iniziare, avere uno svolgimento e poi una fine, come abbiamo detto sopra il film è una successione di azioni e di conflitti, sia piccoli che grandi. La risoluzione di questi conflitti non è appannaggio di un unica scena del film che chiude il terzo atto, ma ogni scena deve contenere una specie di conflitto, che sia interiore del personaggio o lo scontro tra due o più persone ecc...
Le scene sono come le azioni per la Scaletta, servono a dare il ritmo al film, quindi è bene scegliere la loro durata con un po' di buonsenso.

Il nostro corto, si traduce in un unica scena, di solito le scene si dividono non solo per conflitti, ma anche per location e nel nostro caso si svolge tutto in una stanza.
Però nel finale ci sono due strade, si può concludere scena e film mostrando una sola azione finale dopo il salto nel buco, oppure si può creare una nuova scena, in questo caso la risoluzione del conflitto nella scena 1 è l'azione stessa di aver saltato nel buco che allo stesso tempo crea un aggancio alla scena successiva che potrebbe mostrare un'altra stanza, facendo evolvere la storia in qualcosa di più complesso.

Le azioni che descrivo nella sceneggiatura sono leggermente più elaborate di quelle del soggetto, se ci fossero dei dialoghi essi dovrebbero stare appunto tra le azioni dei personaggi.

Ecco la sceneggiatura:

La stanza misteriosa

La pallina rimbalza attraverso una stanza seguendo un percorso quasi obbligato

All'improvviso di ferma, la stanza è finita, davanti a lei ci sono 3 buchi ognuno con una freccia che indica di entrarci dentro.

La pallina prende un po' di rincorsa e si dirige verso il buco centrale, ma poi si ferma di scatto dubbiosa.

Si protende quindi per saltare nel buco a destra, ma si ferma di nuovo poco convinta.

Ora è abbastanza preoccupata, guarda il buco di sinistra e si avvicina cautamente, ma si tira subito indietro.

La pallina guarda i tre buchi uno dopo l'altro, il dubbio l'attanaglia, lo stress della scelta è troppo per lei sta per crollare.

Decide quindi di coprirsi gli occhi e inizia a girare su se stessa per perdere l'orientamento come a mosca cieca.

Si ferma poi un po' traballante e inizia a saltare a caso, sperando di beccare uno dei buchi.

Quando ormai è esausta si ferma e scopre di non essere entrata in nessun buco.

La pallina sembra un po' affranta e affaticata, ma alla fine si fa coraggio e con determinazione salta nel buco centrale

Come avrete notato, non sono presenti descrizioni particolari della stanza o della pallina, questo appesantirebbe la sceneggiatura che deve essere sempre molto snella da leggere, anche perché è quella che rappresenta tutto il nostro film.

L'esercizio per questo capitolo prevede la scrittura delle ultime azioni inventate nel capitolo precedente che dovranno poi essere aggiunte alla sceneggiatura.
Per i più temerari, un ottimo esercizio potrebbe essere quello di scrivere un'intera scena che va a seguire e concludere il corto. Consiglio però di fare questa parte solo dopo aver finito l'intera guida e aver approfondito le nozioni su soggetto e sceneggiatura.