Ángel Fernández Saura nos vuelve a regalar con su manera de mirar a través del objetivo de una cámara. El aparente juego estático de los elementos de la imagen –particularidad intrínseca de la fotografía- nos hace viajar en direcciones estratégicamente diseñadas por el autor. Una chica parada con una bicicleta y cuya mirada dirige y reclama la atención del mirón-espectador. Unas líneas rascaciélicas (Si se puede decir así. Debería poderse decir así) que hacen de tobogán lanzador para que el alma del visitante se catapulte hacia los cielos o hacia lo profundamente subterráneo, provocando un vértigo espacial muy interesante, del que tan sólo despierta el espectador cuando se da cuenta de que su mirada se corta en el techo o en el suelo junto a sus inquietos pies anclados. Un paisaje urbano que explota de movimiento, de un movimiento arquitectónico. Si en su exposición del año 1989 sobre New York, en la Iglesia de San Esteban hablábamos de un cierto juego barroco que trasladaba la acción dramática deslizándola hacia los extremos verticales de la imagen, observamos que esa constante prevalece en este material que observamos aquí. No en vano estas fotografías tienen el mismo origen que comentamos. Además, hay que sumarle el juego tan interesante que conjuga le forma y el contenido, el diseño y distribución de las fotos con el soporte físico que las muestra. Un importante acierto de formato que sitúa al espectador en una dimensión distinta a la hora de observar la imagen.
Destacaría una constante en el trabajo de Ángel Fernández Saura. La búsqueda del movimiento a partir de los elementos estáticos –aparentemente estáticos- que nos rodean. Y es que su mirada, su forma de mirar privilegiada y el acierto temporal para captar la inmanencia del devenir de la vida, nos muestra lo cotidiano que nos pasa desapercibido, lo doméstico convertido en elemento original. Una forma de mirar lo que todos miramos y que no vemos. Yo diría que Ángel Fernández Saura busca detrás de las cosas, detrás de las personas, detrás de cada una de las imágenes que logra atrapar algo alquímico, religioso diría. Me atrevería a decir, aún a riesgo de equivocarme, que este autor se esfuerza por buscar y mostrar el universo que esconde cada una de las imágenes que es capaz de robar al tiempo.

Fulgencio Martinez. Lax

La Galería Detrás del Rollo, encargó al fotógrafo Ángel Fernández Saura que fotografiara a cada uno de los artistas que participarían en el 1º Supermercado de Arte Contemporáneo de Murcia realizado la Navidad del año 1996, para que el público relacione y conozca a los artistas.

Así comienza una lucha de la galería por que el publico murciano empiece a introducirse en el mundo del arte y conozca de cerca a los algunos de los artistas con los que la galería trabajará durante toda su trayectoría.

Durante un mes, el fotógrafo instaló en la galería su estudio fotográfico, para reunir al listado de artistas que participaban en la exposición.

Hoy, 16 años después, la galería recupera esa colección de retratos fotográficos para su exposición individual y excusa perfecta para un reencuentro de artistas y amigos, con especial recuerdo de los ausentes.

Es un fotógrafo que acumula premios y éxitos; tiene una visión espacial en su retina para ver y mirar el paisaje, los objetos, la figura humana. Se convierte así la  mirada de Ángel Fernández Saura,  en prodigio. Así lo demuestra, según mi criterio, en dos series, entre otras, de distinta naturaleza pero de idéntico misterio y milagro: “Retratos” y “Paisaje con figura”. Para mi el “tempo” en el cine es algo ineludible, casi religioso; en la fotografía su “tiempo”, se hace memoria instantánea.
Pero ¿qué es, en realidad, el tiempo fotográfico al que me refiero? Si al espacio-tiempo einsteiniano añadimos el “evolucionismo cósmico” y el “universo cristificado” propugnados por Teilhard de Chardin concluiremos en los últimos casi cien años el tiempo ha dejado de ser una sustancia casi mágica para transformarse en eje en torno al cual gira todo el proceso (latido y propósito) del universo. Es pues, este tiempo, el que  fotografía Fernández Saura con un arte inmerso en el tiempo de obturación de su objetivo, de su iris fantástico.
No nos basta en su arte la definición leibniziana del tiempo como orden o relación que guardan los acontecimientos entre sí. Porque el tiempo es eso y es mucho más que eso. La simple realidad es que nuestras limitaciones epidérmicas, nos impiden comprender objetivamente y como espectadores de sus imágenes, realmente, el universo en que vivimos. Sigue siendo un enigma, por ejemplo, la sugerencia apuntada por Von Uesküll y Von Baer respecto a la existencia en nuestro cerebro de un resorte dedicado al sentido del tiempo. Las fotografías de Fernández Saura hacen que ese mecanismo se convierta, no sólo en una verdad tangible, sino admirable. Su sentido del tiempo es real y armónico, equilibrado y bellísimo.
El dato escueto es que cuánto más avanza la ciencia, más y más nos encontramos ante el carácter “místico”, sagrado e inapresable del universo. Por otra parte, como demostró Einstein, también el espacio y el tiempo –al igual que los conceptos de color, tamaño etc..- son formas de intuición que no pueden divorciarse de nuestra conciencia. Y eso es, en realidad palpable, lo que retrata nuestro artista y su parpadeo. Porque el tiempo, uno y múltiple, es cera en la que cada criatura imprime su concepción subjetiva de sus personajes y sus efectos, sus grises y claroscuros, sus matices y sus encuadres. Para Voltaire el tiempo es un consolador de emociones; Para Cervantes –como para el fotógrafo- es el salteador y robador de la humana belleza de las mujeres; para Splengler es un descubrimiento que no hacemos hasta que pensamos. Para los budistas el tiempo es como una gigantesca “samsara” o rueda de las encarnaciones cuyo periodo cíclico es el gran Kalpa.
Ya lo he dicho con intención de claridad meridiana, lo que Ángel Fernández Saura trae en su fotografía, y conscientemente no he traído aquí a otros luminosos colegas, es el tiempo real de un planeta vivo de imágenes. Algo así como el frenazo en la última frontera de lo posible; la resolución de un misterio que llamamos tiempo a partir de la fotografía; de un instante de emoción cotidiana; de un momento de proyección lúdica; de un rostro que ya es eterno; de una actitud humana reconocible en la esencia del personaje reproducido. No existe ninguna edad en su fotografía, porque abarca todas ellas en la disolución y versión de su tiempo de luz. Maestro y genio, lleva consigo todas las ventajas de su privilegiado don artístico.
Juan Bautista Sanz

Santiago Delgado

Yo, que nunca fui retratado
por Ángel Fernández Saura,
que nunca vi gastada mi alma
por su objetivo de terrible
objetividad realista y pura…

Yo, que jamás atravesé
troncónicamente disminuido
por la luz de su obturador
abierto en instantáneo segundo…

Yo, que aún tengo mi alma
absurdamente entera
y no bien gastada, con honradez,
por sus fotografías mágicas…

Yo, en verdad, en verdad os digo
que echo mucho de menos,
-precisamente por no haberla tenido nunca-
aquella disminuida alma
que él me pudo gastar al retratarme.

Y habré de llegar a viejo,
con toda mi alma a cuestas,
sin tener fuera de mí aquel sobrante
del que su máquina y su arte
pudo en aquellos tiempos librarme.

Sólo me queda recordar
a los amigos de entonces
cómo eran recortados
de sus sobrantes de alma,
y mirarlos ahora,
con un alma ajustada
a su ser y a su existencia,
íntegramente por entero en un todo
más equilibradamente perfecto
que cuando antes, cuando
aquella madurez nuestra,
experimental y reciente,
iba pidiendo a gritos ser recortada.

Justo, al mismo modo
en que algunos indígenas sabios,
de los que aún quedan por el mundo,
creen, o saben, que con la fotografía,
los occidentales les gastan el alma.

La fotografía es abstracción de la realidad y por más verismo que se persiga cualquier intento de objetividad que se realice detrás de una cámara está condenado a ser malogrado. Aún en su faceta más documentalista la fotografía es abstracción de la realidad, extracción de fragmentos de su entorno espacio temporal, que son aislados de las circunstancias que los envuelven y configuran su esencia, para pasar a convertirlos en un refrendo icónico reconstruido, en una visión subjetivamente re-presentada, una simulación de lo real. La fotografía es artificio, el arte es artificio.

Las imágenes del Zooilógico de Ángel Fernández Saura indagan en la vieja aspiración proveniente del espacio ilusionista del teatro griego de duplicar la realidad como las uvas de Zeuxis de las que iban a picotear los pájaros, el ilusionismo espacial de la perspectiva geométrica renacentista, la tramoyística o los espejos barrocos. Las tecnologías de la imagen que se han ido desarrollando desde la invención de la fotografía han supuesto un gran avance en el ilusionismo, en la construcción de realidades virtuales y mundos alternativos que figuran realidad. Cuanto más se desarrolla la tecnología más se perfecciona el ejercicio de la simulación. Al igual que se suplanta la realidad por su imagen, para aproximarle al espectador un mundo exótico o remoto, un lugar inaccesible que es reconstruido para que experimente una vivencia que no le es próxima o adquiera un conocimiento, el fotógrafo se ha aproximado a un museo de historia natural que no más que una duplicación hiperrealista de las apariencias del mundo visible, es una ilusión fantasmal, una simulación de la vida que nos permite viajar con la mirada desde la inmovilidad.

La fotografía de Ángel Fernández Saura desde aquellas en las que extrae fragmentos de tipo constructivo en las arquitecturas y paisajes urbanos, hasta aquellas de inspiración natural en las que los motivos son detalles sobredimensionados, pasando incluso por sus desnudos femeninos, ha manifestado una marcada inclinación hacia la abstracción. Pero lo que en otros trabajos anteriores era serenidad, equilibrio compositivo, en las imágenes de esta serie se convierte en tensión representativa al plantearnos un mundo a nivel perceptivo realista, pero que es tan simulación como pueda ser una demostración de realidad virtual. Saura nos presenta fragmentos de una naturaleza muerta y domesticada que es puro artificio como un imperecedero y bello bodegón de apetecibles frutos de cera y olorosas rosas de plástico, en el que el paisaje es un perfecto decorado en el que las bestias detenidas posan para el fotógrafo amablemente, en instantáneas imposibles. La sensación que produce este Zooilógico es extraña y paradójica, paraíso artificial donde no se siente el viento mecer las ramas de los árboles y el agua del arroyo sin estar estancada no corre.

Julián Pérez Páez

Sólo el ojo de la cámara de un fotógrafo, como el microscopio de un científico, puede captar las marañas de líneas y texturas que se entremezclan en la naturaleza. El cambio de 1:1 a otras escalas permite insistir en los detalles, extrayendo o subrayando el interés de una imagen. Podríamos llegar a pensar que un fotógrafo es un pintor pero no es exactamente así. Un pintor macha el lienzo, lanza la pintura contra la superficie plana, restriega el color con su brocha. Debe dejar descansar la composición, esperar que se maceren las tintas para ver si son realmente las cromas que busca. Necesita tiempo porque pinta con la memoria. Sabe que busca pero debe construirlo a golpe de intuición. Su mano obedece su intelecto. Pinta lo que quisiera ver y para ello debe ejercitar todo su cuerpo. De hecho todo cuadro es un ejercicio físico del artista. Algo que entendemos muy bien al ver, sobre todo cualquier cuadro abstracto de grandes dimensiones. Sin embargo, la fotografía, por sus características técnicas, debe recorrer el camino inverso, como bien queda demostrado en la obra de Angel Fernández Saura. Sus fotografías resultan casi abstractas por su exámen concreto de lo cotidiano. Fernández Saura parece llevar al límite los supuestos estéticos que alimentaron los movimientos fotográficos de grupos como f/64 y Nueva Objetividad que, desde libros como El Mundo es bello de Renger-Patzch, reivindican para la fotografía una nueva filosofía en la que ésta debía crear, con sus propios medios técnicos, imágenes capaces de existir por sí mismas, es decir la fotografía pura.
Angel Fernández Saura ejercita su ojo para extraer de la realidad trozos que descontextualizados, puedan llevarnos a pensar que estamos ante lienzos de pintura abstracta. Su fotografía, desprovista de marcos, passe-par-tout o cristales protectores,  adquiere una nueva dimensión, en apariencia pictórica, aunque se encuentre plenamente inmersa en la pura representación de la realidad. Para conseguir esta paradoja, el fotógrafo se vale, además, de los recursos tecnológicos de la digitalización. Unos medios que no alcanzan los procesos de captura y manipulación, pero sin en la estampación. Estos últimos magnifican la calidad de las texturas y colores de las gigantes imágenes realizadas. Al ver sus imágenes uno tiene la vaga sensación de saber qué son. El juego visual es recomponer la imagen total de la que parten. Angel Fernández Saura construye una realidad como un científico construye la suya desde partículas que son la parte de un todo.

Mara Mira.
Historiadora del Arte
Critica de Arte

Es un fotógrafo que acumula premios y éxitos; tiene una visión espacial en su retina para ver y mirar el paisaje, los objetos, la figura humana. Se convierte así la  mirada de Ángel Fernández Saura,  en prodigio. Así lo demuestra, según mi criterio, en dos series, entre otras, de distinta naturaleza pero de idéntico misterio y milagro: “Retratos” y “Paisaje con figura”. Para mi el “tempo” en el cine es algo ineludible, casi religioso; en la fotografía su “tiempo”, se hace memoria instantánea.
Pero ¿qué es, en realidad, el tiempo fotográfico al que me refiero? Si al espacio-tiempo einsteiniano añadimos el “evolucionismo cósmico” y el “universo cristificado” propugnados por Teilhard de Chardin concluiremos en los últimos casi cien años el tiempo ha dejado de ser una sustancia casi mágica para transformarse en eje en torno al cual gira todo el proceso (latido y propósito) del universo. Es pues, este tiempo, el que  fotografía Fernández Saura con un arte inmerso en el tiempo de obturación de su objetivo, de su iris fantástico.
No nos basta en su arte la definición leibniziana del tiempo como orden o relación que guardan los acontecimientos entre sí. Porque el tiempo es eso y es mucho más que eso. La simple realidad es que nuestras limitaciones epidérmicas, nos impiden comprender objetivamente y como espectadores de sus imágenes, realmente, el universo en que vivimos. Sigue siendo un enigma, por ejemplo, la sugerencia apuntada por Von Uesküll y Von Baer respecto a la existencia en nuestro cerebro de un resorte dedicado al sentido del tiempo. Las fotografías de Fernández Saura hacen que ese mecanismo se convierta, no sólo en una verdad tangible, sino admirable. Su sentido del tiempo es real y armónico, equilibrado y bellísimo.
El dato escueto es que cuánto más avanza la ciencia, más y más nos encontramos ante el carácter “místico”, sagrado e inapresable del universo. Por otra parte, como demostró Einstein, también el espacio y el tiempo –al igual que los conceptos de color, tamaño etc..- son formas de intuición que no pueden divorciarse de nuestra conciencia. Y eso es, en realidad palpable, lo que retrata nuestro artista y su parpadeo. Porque el tiempo, uno y múltiple, es cera en la que cada criatura imprime su concepción subjetiva de sus personajes y sus efectos, sus grises y claroscuros, sus matices y sus encuadres. Para Voltaire el tiempo es un consolador de emociones; Para Cervantes –como para el fotógrafo- es el salteador y robador de la humana belleza de las mujeres; para Splengler es un descubrimiento que no hacemos hasta que pensamos. Para los budistas el tiempo es como una gigantesca “samsara” o rueda de las encarnaciones cuyo periodo cíclico es el gran Kalpa.
Ya lo he dicho con intención de claridad meridiana, lo que Ángel Fernández Saura trae en su fotografía, y conscientemente no he traído aquí a otros luminosos colegas, es el tiempo real de un planeta vivo de imágenes. Algo así como el frenazo en la última frontera de lo posible; la resolución de un misterio que llamamos tiempo a partir de la fotografía; de un instante de emoción cotidiana; de un momento de proyección lúdica; de un rostro que ya es eterno; de una actitud humana reconocible en la esencia del personaje reproducido. No existe ninguna edad en su fotografía, porque abarca todas ellas en la disolución y versión de su tiempo de luz. Maestro y genio, lleva consigo todas las ventajas de su privilegiado don artístico.

 Juan Bautista Sanz

En Gambeta, en 1979, es el año internacional del niño.

Gambeta es el reino de las ratas. No existe red de alcantarillado y las aguas fecales discurren por surcos callejeros.

En Gambeta el aire huele a basura. Construido sobre lo que fue uno de los vertederos mas grandes de la ciudad. “El montón”, este mísero barrio de de la ciudad de Lima, es un claro exponente de la emigración rural  a la capital, buscando el falso tesoro de la prosperidad, debido al olvido de las instituciones locales  hacia el medio rural.

En Gambeta no hay jardines.  No hay flores, ni plantas, ni árboles, su suelo es gris y sucio como cielo de Lima. Las moscas y cucarachas sustituyen a las mariposas.

En Gambeta no hay aceras, ni el suelo está asfaltado. Las ráfagas de viento levantan el polvo ya de por si maloliente, haciendo bailar como extraños pájaros múltiples bolsas de plástico y papeles. Los famélicos perros escarban aquí y allá buscando algún pobre despojo con el que alimentarse.
Las casas construidas con materiales de deshecho se alinean en improvisadas y sinuosas calles, bajo una maraña desordenada de cables y antenas de televisión.

Gambeta es el reino de las gaviotas, surcan el cielo del barrio junto los jets del cercano aeropuerto y disputan el territorio a las ratas y a los cerdos que  se alimentan en el vertedero vecino.

Gambeta es el reino de la pobreza, no hay tiendas ni juguetes. En una de esas míseras casas y en lo que pretende ser su patio, semidesnudo y descalzo, está Antonio, un niño down, que sus padres tiene atado por el tobillo a una estaca, cual animal, para que no estorbe. Al verse fotografiado, Antonio, no dice nada, no pide nada y nos regala con una sonrisa.

Gambeta es el reino de la tristeza.

Gambeta es el reino de la hipocresía humana.

Angel Fernández Saura Lima 1979

Es el final del verano, el bochorno nos deja ya dormir, las estridentes chicharras y grillos enmudecen, los días se acortan rápidamente y el paisaje verdece gracias  a las lluvias, contrastando con los cálidos colores de la caída de la hoja. Un ciclo mas, después de las deseadas vacaciones, del retorno de los viajes, volvemos a donde siempre, a lo cotidiano. Parece que nada ha cambiado, que todo esta igual para los que estamos, pero algunos se han ido y  no volverán.

Irving Penn, el fotógrafo que influyó en mi trabajo desde que me tropecé con su obra y revolucionó la iconografía de la moda a mediados del siglo XX, falleció ayer a los 92 años de edad en su apartamento de Nueva York. Penn cambió para siempre el mundo de la moda, al unir arte y publicidad, vanguardia y sentido comercial, abriendo el camino a otros fotógrafos estrella, como Richard Avedon o Mario Testino. Hoy en día sus fotografías se exhiben en los grandes museos del mundo.

Sus retratos muestran una evolución en su estilo, acercándose más al personaje para acentuar su personalidad, y a menudo fotografió en un plano corto, en el que todo el espacio se llena con un rostro. Precisamente, uno de esos famosos retratos es la instantánea que Penn tomó de Picasso en 1957 en Cannes (Francia), en la que se ve su rostro ladeado entre sombras, con sombrero y embozado en su abrigo, centrando la intensa mirada de uno de los ojos del artista.

Lolo Ruiz, pintor, amigo y sobre todo persona nos dejo con la canícula de Agosto.Colega de sus colegas, hombre libre y libertador que desprendía alegría por los cuatro costados. Su pintura iconográfica, esquematica y sencilla hablaba de un entorno personal primigenio y sensual. Lolo ha sido protagonista callado, ha sido de esos artistas que no han faltado a la condición necesaria de la humildad para que sean otros los que hablen de sus méritos, alejado de modas, tendencias y protocolos utilizo el arte para enriquecerse, fue un buen creador, con más posibilidades de las que él mismo se concedió, devorando la vida a grandes tragos.

Valla con esta fotografía un homenaje a ambos: a mi amigo por el tiempo que pasamos juntos y al gran maestro fotógrafo por haberme abierto algún camino en la luz.