Voltado para formação de mão-de-obra para a crescente indústria de animação brasileira, o projeto, que foi criado pela Otto Desenhos Animados e teve patrocínio inicial da Infraero, conta agora com novo sistema de seleção de alunos e passa a cobrar taxa de manutenção.

A primeira turma do projeto funcionou de maneira experimental, com alunos selecionados a partir do pré-cadastro no site e de seu potencial talento para animação. Partindo de um universo de mais de 6mil interessados de todos os cantos do Brasil, o primeiro grupo foi formado por 25 alunos que começou o curso em Novembro de 2009 e concluiu em abril de 2010.

Após essa primeira experiência, o projeto passou por alguns ajustes e, a partir da segunda edição o curso está aberto para o público em geral – que tenha noções básicas de desenho. Os interessados devem preencher o pré-cadastro para posterior contato de nossa equipe de apoio para ingresso no processo de seleção. “A idéia é que a entrada funcione em fluxo contínuo, uma vez que a tutoria é individual e, por isso, não temos o conceito de turmas”, afirma a coordenadora geral do projeto Marta Machado. O processo de seleção sofreu alterações, o que o tornou mais demorado, porém mais efetivo. O aluno deve agora realizar dois módulos (00 e 01) antes de efetivar sua matrícula, e, a partir de seu desempenho nessa etapa, será recomendado ou não a ingressar no curso. “Por incrível que pareça, no sistema anterior de seleção, muita gente mandava desenhos que não eram seus. No decorrer dos módulos o tutor percebia que o aluno estava bem aquém do esperado. Outro problema que tivemos foi o fato de vários alunos não concluírem o processo de formação. Eles simplesmente se desinteressavam do curso. Creio que isso tinha a ver com os casos de uso de desenhos que não eram próprios no processo de seleção e que depois tornavam o nível de demanda muito alta para esses candidatos, mas também com o fato de ser de graça. As pessoas acham que o que é de graça não tem valor”, comenta Marta. Segundo Otto Guerra, sócio da Otto Desenhos Animados, criador do curso e também um dos tutores a distância, o objetivo é que “o AnimaEdu se torne um portal de referência em formação de animadores brasileiros, por isso temos um cuidado grande na seleção dos melhores potenciais para ingresso no curso”. Num segundo momento do projeto, o site deverá ter uma seção de webfólio para que os ex-alunos possam expor seus trabalhos realizados durante o curso ou fora dele e que os mesmos possam ser vistos por outros estúdios para contratação de trabalho.

Os alunos do AnimaEdu têm acesso a um ambiente restrito no qual podem estudar o material didático, enviar exercícios para seus tutores e interagir com outros usuários do sistema, através de troca de mensagens pelo sistema interno. Para quem quiser conhecer o funcionamento do sistema, há um tutorial disponível no vimeo http://www.vimeo.com/14147373.

O curso básico de animação é dividido em módulos que abordam aspectos do desenho de observação e da animação. Na seção Estude Conosco / Pergunta-Resposta do site www.animaedu.com.br há o detalhamento do tema de cada módulo. A partir do estudo desse material, o aluno realiza os exercícios e os envia a seu tutor, que avalia o nível de aprendizagem, retornando comentários através do sistema.

O contato aluno-tutor é possível durante todo o curso, através da página de Recados e das correções dos exercícios. Além disso, supervisionando o trabalho dos tutores há os coordenadores, que são responsáveis por acompanhar o bom andamento das atividades propostas.

Para a realização dos exercícios dos módulos de animação, as ferramentas a serem utilizadas são o software livre Pencil 2D, que é disponibilizado gratuitamente no site: www.pencil-animation.org, um scanner para digitalização dos exercícios dos primeiros módulos e um tablet, que é uma interface digital para desenho, sem a necessidade do uso do papel. A instalação do programa e do tablet é bastante simples. Para os alunos selecionados, nas seções restritas, há manuais específicos para isso.

Duração estimada do curso: 4 meses
Custo: R$ 800,00 a vista ou R$ 850,00 + taxas do cartão no parcelamento através do PagSeguro (em até 12x).
Mais informações: http://www.animaedu.com.br/estude.asp?id=10
Contato para mais informações: animaedu@ottodesenhos.com.br

Alguém que lê o Animartini já teve a chance de participar? O que achou? Deixe sua opinião nos comentários!

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E M. Night Shyamalan morreu prá mim.

Lembram daquele diretor que entregou filmes sensacionais como O SEXTO SENTIDO, CORPO FECHADO, SINAIS e A VILA (eu sei que tem muita gente que não engoliu esse último, ainda assim eu gosto bastante)? Então, foi-se. Partiu dessa para uma pior. Foi obliterado. E tudo o que sobrou foi o diretor de O FIM DOS TEMPOS e do recente O ÚLTIMO MESTRE DO AR.

Eu estava rezando para que todo esse bafafá em cima do filme fosse mais uma “síndrome de SPEED RACER“, onde o mundo inteiro odiou quando o filme foi lançado, mas que eu assisti e acho simplesmente sensacional (como vocês devem ter lido na minha crítica aqui). Mas dessa vez o mundo estava certo: o filme é vergonhoso. Pior do que vocês imaginam. Não me sentia assim desde O MOTOQUEIRO FANTASMA. E nesse caso a situação é bem pior, pois nunca tive expectativa nenhuma sobre o mal-fadado filme do Nicolas Cage.

“O ÚLTIMO MESTRE DO AR” falha de maneira épica em praticamente todos os quesitos: direção, edição… a trilha sonora de James Newton Howard não chega a ser ruim, mas simplesmente não será lembrada. A fotografia de Andrew Lesnie dá umas escorregadas – e olha que estamos falando do responsável pela fotografia de filmes como KING KONG do Peter Jackson e da trilogia O SENHOR DOS ANÉIS. As sequências de ação são patéticas de tão mal conceituadas e coreografadas. Os atores estão péssimos, mas baseado no ridículo roteiro escrito pelo próprio Shyamalan (que também “dirigiu” o filme) que foi entregue a eles, com cenas tão mal pensadas e diálogos tão risíveis como aqueles, eu fico em dúvida se até mesmo dame Judi Dench conseguiria dar um trato melhor.

O cuidado com a adaptação visual até prometia, tanto que fiquei impressionado com os trailers, mostrando a roupagem dos personagens, os cenários e o uso dos elementos, que realmente estão bem fiéis à série animada criada por Michael Dante DiMartino e Bryan Konietzko. Eu assisti a primeira temporada de AVATAR: THE LAST AIRBENDER e, mesmo a série não sendo perfeita – dá umas escorregadelas de continuidade, de desenvolvimento de personagem e principalmente de timing, mas nada que estrague – você nota que há um cuidado com a história, os personagens são extremamente carismáticos, e a animação até que é bem feitinha. Com certeza assistirei as duas temporadas restantes e até comprarei os DVDs. Mas quando um filme só acerta no visual, dá para imaginar o nível, não?

E duas coisas, from a fan standpoint:
- o nome do Avatar se pronuncia ÉNG, e não ÂNG. E por quê ficam chamando o moleque de Âng o tempo inteiro? WTF??
- Por quê raios o Shyamalan transformou o Príncipe Zuko em um bebê chorão?

Basicamente, “O ÚLTIMO MESTRE DO AR” é um filme tão ruim que faz TRANSFORMERS: A VINGANÇA DOS DERROTADOS parecer um filme do Christopher Nolan! Ok, nem tanto, vá: pelo menos essa bomba do Shyamalan fecha em uma hora e quarenta minutos, enquanto TF2 tem quase três horas de tortura e vergonha alheia. Ah, e para encerrar, eu citei o Nolan só para perguntar se alguém aí viu A ORIGEM. Viram? Maior bom, fala sério! Vi no IMAX, com toda a beleza da tela gigante e do sistema de som que socava a espetacular trilha sonora do Hans Zimmer nos meus ouvidos. Tudo bem que eu acho que poderia ter menos informações sobre a história explicadas na base do diálogo, mas isso não mata em nada a experiência: que filme espetacular! E alguém me explica como o Nolan filmou aquela sequência de briga no hotel?? Gênio. Filme do ano até agora.

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E depois de muito calejar os pés, finalmente cai a ficha de que não tem jeito, que você terá que voltar até o início e recomeçar?

Então, hoje eu voltei ao início. E daqui a algumas horas, recomeço. Só espero não cair na tentação dos atalhos e dos tentadores caminhos feitos com tijolos de ouro. Mas vou continuar parando para a velha e boa coxinha com Coca-cola, só que bem menos dessa vez. Afinal, também sou filho de Primus.

Dedo no botão de reset e vamo que vamo!

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Mais um momento de pura inveja aqui no Animartini, a arte de Qiqo.

O que eu mais gosto no trabalho desse artista é a escolha e aplicação das cores, sem falar na leveza do traço. Usei a ilustração que o Qiqo fez da Velma – a cérebro da gangue do Scooby Doo – apenas pela referência à animação (e também pelo fato dele ter deixado a personagem sexy pacas), mas no  site oficial do cara e na página dele no DeviantArt você encontra muitas outras ilustrações.

Pena não haver muitas informações sobre o artista. Mas, pelo avatar dele, pode-se notar que ele também arrisca nas animações. Quem tiver mais informações sobre ele, é só deixar nos comentários.

Dica do Cartoon Brew.

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Mais uma atualização no mapa das produtoras e escolas de animação no Google Maps.

Eis as novas produtoras: Animaking, Cabong Studios, Animatório, Digital 21, Estúdio Alexandre Martins e o consagrado Núcleo de Cinema de Animação de Campinas. Além disso, eis a primeira inclusão internacional: a Bitt Animation, da Argentina.

Entre as escolas, incluí a Tonka 3D e a Animator.

Houve também  uma edição: o endereço da Calangomotion mudou! Acesse o mapa abaixo e conheça a nova sede do estúdio!

Visualizar Produtoras e Cursos de Animação em um mapa maior

E se alguma produtora ou alguma escola quiser ter seus dados incluídos, sem problemas. Basta enviar um email para contato arroba paulomartini com br que adicionarei a empresa com o maior prazer.  :-D

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E,  depois de longo e tenebroso inverno, o bom filho à casa (en)torna!  Tudo legal, numa boa, numa nice?

Bom, para marcar a volta, deixo aqui o link da crítica do novo animado da Dreamworks Animation, Monstros Vs. Alienígenas, que fiz para o Judão.

Ah, se você for um daqueles que também se rendeu ao Twitter e quiser acompanhar meus devaneios, notícias e piadinhas de quinta categoria, é só me seguir: @paulomartini ou http://www.twitter.com/paulomartini. Ou então simplesmente acompanhe pela barra lateral direita, pois toda vez que eu soltar uma gracinha de até 140 caracteres, ela vai aparecer aí do lado.

Bom, hoje foi visitinha de médico. Amanhã tem mais.  E vamo que vamo.

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Rapaz, quanta poeira. Parece que esse lugar está às moscas há algum tempo…

E aí, tá todo mundo bem? Natal, virada de ano, tudo belezura? Então vamo que vamo.

Não, não me esqueci do Animartini, não. Muito pelo contrário. Mas as coisas ainda continuarão um tanto quanto erráticas até março, talvez abril. É o tempo que eu preciso para acertar a casa. Afinal, 2009 será o ano! Ou não!

Enquanto isso, a minha crítica do novo longa animado da Disney, Bolt: Supercão, tá lá no Judão.

Além disso, vou fazer um teste, publicando diariamente por aqui notícias do que está acontendo por esse mundinho animado e que eu adiciono lá no Twitter. Ah, e se você também tem, me siga aqui: http://www.twitter.com/paulomartini.

Por enquanto, é isso.

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Peraí. Animação? Vou deixar algo bem claro desde já: “The Life and Times of Tim” não tem nada de animação. Duvida? Veja o trecho abaixo (ou clicando aqui para ver no YouTube), um trecho do 4º episódio:

Por isso, nem falarei sobre técnica ou qualquer coisa que sequer remeta à animação. Ou até mesmo a qualidade dos desenhos, rabiscos feitos pelo próprio Dildarian e que falam por si mesmos.

Sobra falar do roteiro. “The Life and Times of Tim” é uma série sobre o nada, mas sem a genialidade e a finesse de Seinfeld. A série é vazia, não leva a lugar nenhum. Como não há humor, parece que Dildarian decidiu cobrir esses buracos com referências sexuais. Nos quatro episódios que eu vi, o mote de todos eles tem a ver com algo sexual (seja Tim – dublado pelo próprio Dildarian, que também assina a produção – tentando provar que a mulher que está em sua casa não é uma prostituta e que ele não levou na bunda, ou que ele não foi estuprado por um mendingo, ou que ele não estava pegando nos seios de uma velha senhora, ou que ele não se masturbou em uma igreja pensando nas mulheres da família da namorada, etc, etc), com exceção do trecho em vídeo acima, que decide usar a escatologia como ponto de partida para a “história”. Após cada episódio você ainda fica se perguntando onde foram parar os 22 minutos que você nunca mais verá na vida.

E ainda tem gente que fala um monte de asneiras do Seth MacFarlane… Pfff.

Para terminar, me pergunto constantemente o porquê de tantas dessas “animações adultas” norte-americanas serem tão mal feitas (e mesmo assim aprovadas e exibidas). Os exemplos não faltam: Esquadrão Aqua Teen (Aqua Teen Hunger Force), Rato Esponja (12 Ounce Mouse), Assy McGee, “The Life and Times of Tim”, Squidbillies… O que querem passar com isso, que os adultos querem ver roteiros ruins e piadas de baixo calão, enfeitadas por desenhos ruins e animações sem qualidade técnica alguma (em alguns casos praticamente inexistentes)? Essas porcarias eu não quero. Quero mais de Harvey O Advogado (Harvey Birdman: Attorney at Law), Frango Robô (Robot Chicken), Os Irmãos Aventura (The Venture Bros.), Uma Família da Pesada (Family Guy), American Dad, O Rei do Pedaço (King of the Hill), Os Simpsons, Futurama, God, The Devil and Bob… caramba, até mesmo South Park tem personalidade, um estilo todo próprio e é engraçada pacas, até mesmo com toda aquela pornografia e escatologia.

Bom, eu desisti de “The Life and Times of Tim”. Só queria ter tido a decência de ter parado no primeiro episódio.

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Sei que o dia merecia uma homenagem maior aqui no Animartini, mas a vida é exatamente como a mãe do Forrest Gump dizia, e não deu para preparar algo bacana.

Ainda assim, não poderia deixar de lembrar que hoje é comemorado o Dia Internacional da Animação. YEY! Em 28 de outubro de 1892 – sim, 18 anos antes do lançamento de Fantasmagorie, de Émile Cohl – o professor de ciências Charles-Émile Reynaud realizou a projeção do filme Pauvre Pierrot, no Museu Grevin, em Paris. Essa projeção é considerada a primeira exibição pública de imagens animadas do mundo.

O dia está sendo comemorado em todo o planeta com exibições de curtas e longas animados. No Brasil, a Associação Brasileira de Cinema de Animação (ABCA) está promovendo exibições do Oiapoque ao Chuí. Para saber quais cidades estão participando e a programação completa, visite o site www.abca.org.br/dia.

Parabéns a todos os profissionais, amadores, entusiastas, àqueles que simplesmente se apaixonam por essa arte inigualável e a essas grandes figuras que iniciaram tudo.

PS.: Aproveito essa deixa para corrigir um erro no post anterior 100 Anos da Animação. Lá eu disse que Fantasmagorie seria a primeira animação produzida da história, o que não é verdade. O mais correto seria dizer que o curta é considerado o primeiro desenho animado (cartoon), isto é, ilustrações feitas com lápis ou carvão, o que se tornou a técnica mais utilizada na maioria das animações do século passado. O erro já foi corrigido.

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Eu sei que não adianta nada vir e ficar dando desculpas, mas quero explicar o motivo de tanto atraso nas atualizações.

Há mais ou menos um mês me tornei um número nas estatísticas medonhas desse país: fui assaltado. Furtado, para ser mais exato. Não entrarei em detalhes aqui, nessa brincadeira acabei perdendo minha pen drive e meu caderno de anotações (sem falar na minha fé nesse país) onde haviam arquivos, pesquisas e anotações prontas ou em fase final de revisão para publicar aqui no Animartini.

Achei uma troca justa: meus pertences em troca de muita frustação. NOT!

Tudo bem que eu já tinha muita coisa nos meus feeds do Google Reader e nas newsletters que assino, mas ter que garimpar essas informações novamente é um belo de um retrabalho. Além disso, sou daqueles que escreve e reescreve cada texto, independente do tamanho. As idéias vêm e vão, eu as coloco de qualquer jeito no papel (ou no computador) e depois rola todo aquele processo de lapidar as palavras, reajeitá-las e engomá-las para criar um texto que consiga expor algumas idéias e gerar algumas piadinhas sagazes que valham cada segundo de quem esteja lendo. Ou não.

Com a perda desse material, passei os últimos dias colocando a casa em ordem novamente. Além disso, a quantidade de trabalho vêm crescendo em ritmo gritante aqui na fííírrma, sem falar nas três horas perdidas de viagem por dia (Santos-São Paulo-Santos) que só servem para me detonar.

Coisas da vida. Mas chega de lenga-lenga. Bola prá frente que já tenho alguns textos na agulha.

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Em 30 de setembro de 1928, Walt Disney supervisionou a gravação do áudio que seria utilizado no terceiro curta-metragem estrelado pelo camundongo Mickey Mouse. Utilizando a tecnologia Cinephone System, de Pat Powers (uma cópia descarada do sistema criado por Lee De Forest, o Phonofilm), Steamboat Willie seria a primeira animação da história a apresentar uma faixa de áudio contendo música, efeitos sonoros e diálogos totalmente sincronizados. A primeira gravação, realizada duas semanas antes, acabou sendo inviável e foi descartada.

Considerado a primeira animação a ter uma faixa de áudio totalmente sincronizada, “Steamboat Willie” é um marco, sem dúvida nenhuma, mas outras animações já haviam se aventurado nessa nova tecnologia – como a série Song Car-Tunes, de Max Fleischer, gravado no sistema Phonofilm lançado em maio de 1924, e que incluía o curta My Old Kentucky Home (1926); e o curta Dinner Time (lançado em 1º de setembro de 1928), de Paul Terry - só que sem os mesmos resultados técnicos.

Totalmente animado pelo mestre Ub Iwerks, “Steamboat Willie” foi dirigido pelo próprio Disney e é uma paródia do filme Steamboat Bill Jr., do ator, roteirista e diretor Buster Keaton. É considerado a 13ª melhor animação de todos os tempos pelo livro The 50 Greatest Cartoons: As Selected by 1,000 Animation Professionals, editado pelo historiador Jerry Beck.

“Steamboat Willie” seria lançado oficialmente seis semanas depois, em 18 de novembro de 1928, no The Colony Theater, em Nova York. E o resto é história.

Quer matar a saudade ou ver o curta pela primeira vez? É só dar play no vídeo abaixo, ou acessar direto o site do Dailymotion:

Via Animation – Who and Where

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A trama é instigante: os mutantes estavam felizes e faceiros na mansão onde funciona o Instituto Xavier para Aprendizado Avançado, quando Charles Xavier e Jean Grey sofrem um ataque mental antes de acontecer uma grande explosão. Xavier e Jean são dados como mortos, e a mansão é completamente destruída. Sem saber como lidar com a morte de amigos queridos e sem liderança, os X-Men se separam. Um ano se passa e, sem os heróis mutantes de Westchester, as leis anti-mutantes do Senador Kelly ganham cada vez mais força: soldados agora andam pelas cidades perseguindo e aprisionando mutantes à esmo, causando caos pelas ruas. Quando essa força anti-mutante chega a prender humanos comuns apenas pelo fato deles terem ajudado Wolverine, o carcaju decide que é hora de remontar a equipe. Mas será que todos irão voltar? Como cada x-man está vivendo hoje depois de tanto tempo? O que andam fazendo? Como estão lidando com a perda?

Muito legal, né? Nada mais de perder tempo com histórias de origem, já que os filmes dos mutantes ainda está fresco na cabeça do público. Trabalhar uma nova idéia, novas possilidades com personagens que o público já conhece. No trailer, Cyclope agora vive sozinho, ainda triste e amargurado, e não aceita o pedido de Wolverine para voltar à equipe (e deixa isso bem claro ao jogar Logan pelas paredes com uma pela rajada ótica). Uau! Tudo para dar certo, né? Então me responda como é que conseguiram transformar uma premissa tão bacana em algo tão absurdamente ruim? Para aqueles que tinham altas expectativas como eu, podem esquecer: Wolverine e os X-Men é mais uma série animada descartável, e que chega a ser vergonhosa em alguns momentos.

Vi sete episódios até agora e todos, sem exceção, possuem roteiros fracos, personagens mal desenvolvidos e rasos, que cospem diálogos que soam mais falsos que um desenho bem feito do Rob Liefeld. As histórias são infantis mesmo, bobas e forçadas, utilizadas apenas como uma desculpa para introduzir novos personagens, e a grande maioria deles não acrescenta nada. A premissa, que por si só levanta tantas possibilidades bacanas, é deixada de lado  para colocar personagens como Mojo (não aquela idéia bacana da versão Ultimate, onde Mojo é apenas um produtor de televisão que cria um reality show onde mutantes são caçados, mas sim aquele ser sádico de outra dimensão viciado em luta de criaturas superpoderosas  – e tá, vá, eu gosto bastante da Espiral, que aparece nesse mesmo episódio), Nick Fury (que é basicamente um filho da mãe de marca maior e que resolve os trabalhos sujos do governo norte-americano, deixando suas características como o bronco herói de guerra da cronologia normal, ou sua versão Samuel L. Jackson inteligente e bad-ass do universo Ultimate, de lado), Rei das Sombras (como raios a Tempestade foi parar na África e se tornou uma rainha? Tudo bem que os fãs até sabem disso, mas quem assiste o desenho pela primeira vez é jogado no meio desse plot rocambolesco, onde um demônio ou seja lá o que for aquilo aparece para dominar o corpo da Ororo e causar o caos) e o Huk (com tanta coisa para resolver antes, realmente precisava colocar o monstro verde?) na trama. O episódio em que aparece o Gambit, por exemplo, foi escrito por Bob Forward. Ele, junto com Larry DiTillio, foram as mentes criativas por trás daquela belezura de série chamada Beast Wars. Em “Wolverine and The X-Men”, Forward entrega um episódio que chega a ser vergonhoso, sem dúvida o pior dos sete. Isso sem falar que eles estragam tudo logo no quarto episódio, quando é mostrado que Xavier não morreu, mas está em coma na ilha de Genosha sob proteção de Magneto. Aí do nada o careca começa a se comunicar do futuro com seus pupilos sobre um grande cataclisma que acontecerá em breve, voltando à trama de Dias do Futuro Passado… quer dizer, pura patacoada. Tudo isso talvez seja o reflexo da pouca experiência e falta de criatividade de Craig Kyle, o head writer da série (os primeiros roteiros profissionais dele são para X-Men Evolution, de 2004), ou nenhuma voz ativa em uma série controlada pelos executivos, quem sabe.

Se os roteiros são ruins, a animação segue pelo mesmo caminho. Ok, o design dos personagens é bem interessante, com uniformes que lembram a fase mais exagerada das HQs da década de noventa (Vampira utilizando o collant verde e amarelo, Wolverine com o uniforme amarelo e azul) e a fase mais recente, escrita por Grant Morrison (Cyclope com um uniforme azul-marinho que deixa apenas a boca à mostra e um sobretudo, Rainha Branca com um top tomara-que-caia branco, Fera que lembra a sua versão cinematográfica, com colete e calça azul com detalhes em amarelo), mas a qualidade técnica deixa muito a desejar, com fracas expressões faciais e erros gritantes de profundidade. Isso sem falar no CGI, porcamente adicionado às cenas tradicionais. E quem disse que eu consegui encontrar o nome do responsável pelo character design? Nem no IMDB tem!

Se tudo isso ainda não fosse suficiente, a dublagem consegue jogar a série na lama, de tão ruim que está. Andei pesquisando e parece que a responsável é uma empresa chamada Uniarthe, a qual eu nunca tinha ouvido falar até então. Parece que eles são novos no mercado, sei lá. A qualidade é tão fraca que cheguei a achar que estava vendo uma daquelas dublagens feitas por fãs, utilizando apenas ferramentas simples no computador, manja?

É interessante notar que a série estreou no Canadá e aqui na América Latina antes mesmo de ser exibida nos EUA, que tem lançamento marcado para o primeiro semestre de 2009 no canal Nicktoons. Será que eles perceberam que a série é tão ruim e quiseram testar em outros mercados? Vai saber. Bom, quem tiver interessado em assistir basta ligar no canal pago Jetix de segunda a quinta-feira às 15h30. Eu vou continuar assistindo para ver no que vai dar, mas prefiro assistir a nova série do Homem-Aranha, que está maior legal… e eu nunca comentei por aqui, veja você! Bom, mais posts pelo caminho…

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Estou de volta, pessoas. Sem blablablá, e direto ao ponto.

Jeffrey Katzenberg, a mente criativa (?) por trás da Dreamworks Animation e sem noção-mor, declarou que os filmes exibidos em stereoscopic (também conhecido como tridimensional ou 3-D – não confudir com filmes em CGI) serão o futuro da indústria cinematográfica, a terceira grande revolução (após o som e a cor) que fará com que as pessoas voltem a freqüentar os cinemas como antigamente. “Our lives are going to be forever changed. Because this is the future for us.”

Katzenberg é, como diria o Capitão Nascimento, um fanfarrão. Pessoalmente, acho que ele está exagerando (como sempre), e olha que eu não vi nenhum desses filmes em 3-D dessa nova safra até agora, como Viagem ao Centro da Terra, Hanna Montana & Miley Cyrus: O Melhor dos Dois Mundos e U2 Live, por exemplo. Ainda assim, note como tem saído cada vez mais filmes utilizando essa tecnologia, algo que muita gente já tinha dado como morta desde a década de 80, e grandes veículos de mídia abordam o assunto com mais e mais freqüência. A indústria cinematográfica fazendo das tripas coração para atrair aquele público desgarrado, que têm fugido feito diabo da cruz ano após ano das salas de cinema, tentando oferecer uma experiência nova e exclusiva que não pode ser conseguida com as grandes telas de LCD de imagens em alta resolução ou com os filmes convenientemente piratas encontrados pelas internets e pelas esquinas da vida.

Guarde essa palavra: experiência.

Acho essa medida da indústria muito louvável. Mesmo tendo certeza que os motivos pelos quais as pessoas não vão mais ao cinema são outros – o alto custo dos ingressos, a pirataria, a baixa qualidade dos filmes exibidos, para citar apenas alguns – o uso de novas tecnologias é sempre importante e um bom chamariz para o público, mesmo que a curto prazo. Mas, como eu disse acima, não acredito que essa tecnologia seja o cálice sagrado, a última Coca-Cola do deserto do negócio de salas de cinema. Acho que há muitos outros caminhos, e quero aproveitar e deixar uma idéia no ar que não requer firulas tecnológicas e que realmente poderia oferecer novas possibilidades.

Hoje todos vêem as salas de cinema apenas como um local para se exibir, bem, filmes. Duh. Pare um minutinho e imagine: você iria ao cinema para assistir uma season finale de Lost, por exemplo? Ou que tal assistir ao vivo a uma partida de futebol em plena Copa do Mundo (sem a narração ufanista descontrolada do Galvão Bueno, claro)? Ou assisitr a um show ao vivo que esteja acontecendo em outra cidade, ou em outro país? Tela gigante e imagem em alta definição, conforto de cadeiras, som surround… Imaginou?

Para mim, ver um filme no cinema é uma “experiência” diferente do que ver um filme em DVD, ou ver um filme baixado no computador, ou ver um filme no celular ou em um PSP. Agora substitua “filme” por “séries de tv” ou “desenhos animados” ou até mesmo por “games” (alguém consegue se imaginar jogando um Zelda, um Super Mario, um God of War ou um H.A.L.O. em um telão de cinema? Eu até sonho com isso, se bem que não consigo imaginar a logística para tal… ). Como impedir que o conteúdo seja duplicado hoje é praticamente impossível e uma luta inglória, e com cada vez mais opções para se consumir esse conteúdo, é preciso valorizar o que cada mídia tem de melhor. As salas de cinema oferecem, a meu ver, uma imersão muito maior do que a TV ou o computador, o que dirá do celular. Ali, no escurinho, você é praticamente puxado para aquele universo de fantasia que se passa à sua frente (isso quando aquele bando de adolescentes não te traz de volta ao mundo real na marra!). Uma mudança de conceito, uma mudança no modelo de negócios: Cobre pela experiência, não pelo conteúdo. A série/partida de futebol/show vai passar de graça na TV, e com certeza estará disponível na internet. Mas ver no cinema não tem preço. Bom, na verdade, tem sim. Exclusividade é uma experiência, assim como a conveniência, e experiências assim podem ser cobradas.

Claro que há aspectos técnicos necessários para viabilizar esse novo modelo, como a instalação de projetores digitais nas salas e um grande trabalho de divulgação. Questão de tempo, a meu ver. Oferecer conteúdo diferenciado aumentaria a opção de escolha do público, aumentando o fluxo de pessoas à salas. Sem falar que as grandes produtoras precisariam melhorar a qualidade de seus filmes, já que haveria concorrência no único reduto ainda exclusivo dos filmes.

O fato é que nada do que eu disse acima é novo: lá pelos idos de 1930 e 40, os cinemas exibiam curtas metragens, animações e os famosos boletins de notícias. Então não me venham falar que isso é uma afronta, que cinema é lugar só de filme e afins, hein?

Gostaria muito de saber a opinião de quem visita o Animartini sobre isso, pois acho que é assunto para uma looooonga discussão. Por isso, comentem, comentem.

PS.: Voltando rapidamente ao tema inicial, tenho muita vontade de ver um filme em 3-D. Dizem que não é tão incômodo quanto antigamente. Deve ser verdade, porque as salas têm se multiplicado não só nos EUA, mas aqui no Brasil também.

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O mexicano José Cuauhtemoc “Bill” Meléndez morreu na terça-feira, dia 02 de setembro, aos 91 anos. Ele estava internado no St. John’s Hospital, em Santa Monica, Califórnia.

Se você é fã de animação vai se lembrar rapidamente do nome de Melendez e de seu trabalho fenomenal como diretor e produtor não apenas do clássico O Natal de Charlie Brown (A Charlie Brown Christmas), mas de todos os curtas animados especiais de fim de ano da turminha criada pelo cartunista Charles M. Schulz. Sem falar que Melendez também fazia a “voz” do cachorrinho Snoopy e do passarinho Woodstock, aqueles grunhidos que todo mundo conhece.

Só por isso Bill Meléndez já teria seu cantinho reservado no grande panteão dos mestres da animação, mas ele foi além. Você sabia que ele se formou na Chouinard Art Institute, que mais tarde se tornaria a conceituada CalArts, a California Institute of the Arts? Você também sabia que Melendez foi contratado por Walt Disney em 1938 e trabalhou animando longas metragens clássicos como Bambi, Fantasia, Pinóquio e Dumbo, sem falar em curtas do Mickey Mouse e do Pato Donald? E ainda tem mais: após sair da Disney, ele se juntou á equipe do mestre Leo Schlesinger na Warner Bros. e trabalhou com Bob Camplett, Art Davis e Robert MacKimson em diversos curtas do Pernalonga, do Patolino e do Gaguinho (curtas como Wabbit Twouble, Mouse Menace, What Makes Daffy Duck e What’s Up, Doc foram produzidos por Meléndez).

Mas é do Snoopy e do Charlie Brown que sempre me lembrarei ao falar de Meléndez. A animação da turma do Minduim, acompanhada pela trilha sonora espetacular criada por Vince Guaraldi, é de tamanha criatividade e beleza que chega a doer. Bill era o único animador que o criador do Snoopy permitia que trabalhasse com seus personagens, o que deve ter um grande valor.

O animador e diretor deixa sua esposa Helen, dois filhos (Steven Melendez e o almirante da Marinha Rodrigo Melendez), seis netos e 11 bisnetos.

Mais um mestre que se vai.

Via Ain´t it Cool e The Hollywood Report.

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As atualizações aqui no Animartini continuam um tanto quanto erráticas, mas é só questão de tempo até as coisas voltarem ao normal. Enquanto isso, consegui atualizar rapidamente o mapa das produtoras/cursos lá no Google Maps.

As contempladas dessa vez foram a Animatus Animation Studios (SP), a Amazing Graphics (PR), a Flamma Films (SP), a TV Pinguim (SP), a Quadro Vermelho Produções (RJ), a Digital 21 (SP), a Pixpost (SP), a Cartunaria (RS), a Tribbo (SP), a MarcaEmpreendimentos (MG), a Rocambole Produções (SP), o Poeira Estúdios (BH) e a Art&Cia Cursos (AM).

Veja no mapa abaixo:

Exibir mapa ampliado
E ainda tem muitas mais na fila. Em breve, novas produtoras e novos cursos aparecerão no mapa.

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Um dos assuntos que mais mexe comigo hoje é justamente toda essa problemática envolvendo pirataria. Para começar a tratar desse assunto aqui no Animartini, eis a crítica do filme Steal This Film, produzido em 2006 por The League of Noble Peers e que pode ser baixado gratuitamente através do site oficial da produção: www.stealthisfilm.com/Part1.

“Steal This Film” usa como fio condutor a invasão e o desligamento dos servidores do site The Pirate Bay, considerado um dos maiores propagadores de material pirata da internet, pela polícia suíça em 2006. O porquê disso ter acontecido, assim como o envolvimento dos EUA na questão, leva a história a assuntos como direitos autorais, demanda e distribuição de conteúdo, protocolo Bit Torrent, etc.

O filme deixa claro sua posição desde o começo, defendendo com unhas e dentes a prática da pirataria. Como eu vou deixar claro no texto abaixo – e nos vários posts que eu ainda escreverei sobre isso – a situação é muito mais complexa do que tratar a pirataria simplesmente como crime, preto no branco. Ainda assim, a lei é clara, mesmo que caduca. o que mais me impressionou no filme é a cara de pau dos criadores do The Pirate Bay, principalmente quando enchem a boca para falar que os norte-americanos não tem como se meterem na Suíça – os EUA tentaram e continuam tentando encerrar as operações do site utilizando meios políticos e econômicos, já que, na prática, não há nenhuma lei na Suíça que considere crime oferecer links para materiais registrados -, que a informação deve trafegar livre, etc, etc. Eu concordo com eles com referência a essa lei, e sobre a liberdade da informação, mas pode notar quais dessas “informações” são as mais baixadas no The Pirate Bay: filmes e músicas norte-americanas, todas protegidas por leis internacionais de direitos autorais. É só ver o Top 100 downloads de filmes no TPB hoje: se há dois ou três filmes que não sejam de grandes produtoras norte-americanas, é muito. Esses que não são, são de outras três grandes produtoras de outros países. Assim é fácil, não?

Também acho patética a atitude infantil do filme em querer pintar os grandes estúdios de Hollywood como vilões. No máximo, são grandes dinossauros gordos. Outra coisa que me irritou profundamente foram os comentários dos adolescentes: vazios, um festival de lugares comuns e se prendendo a ideologias baratas e comentários revoltadinhos. “Ninguém controla a internet”, “não gosto de pessoas me dizendo o que eu posso e não posso fazer”, “eu quero música quando eu bem entender”, etc, etc.

Mas é aí que mora a questão, e nisso o filme acerta em cheio em abordar: estamos em um período de mudanças, mudanças essa mais fortes do que o aparecimento do VHS na década de 80 e, quem sabe, tão revolucionário quanto o surgimento da televisão. Como toda mudança, a maioria está perdida, principalmente as grandes gravadoras e estúdios, que não sabem como manter o fluxo de caixa em um futuro próximo se a situação continuar assim. A procura pelo conteúdo aumenta exponencialmente, assim como as formas de facilitar essa duplicação e distribuição.

O que fazer? Lutar contra a pirataria e transformar todos os consumidores em potenciais criminosos, ou rever um plano de negócios já sedimentado, mas arcaico? Sem dúvida, estamos em um momento de quebra de paradigma. E eu fico com a segunda opção, sem dúvida.

Desde que me conheço como gente, sempre fui totalmente avesso a produtos piratas. Obter – ou baixar – um produto registrado sem pagar é roubo, ponto final. Penso dessa maneira principalmente com o olhar do artista, do criador: o trabalho é meu, tenho o direito de ganhar dinheiro com ele. Se você começa a ganhar dinheiro sobre meu trabalho, sem autorização ou o faz sem um acordo, é roubo. O problema é que essa situação nunca foi muito levada a sério, principalmente pelos altos executivos das grandes gravadoras e estúdios de Hollywood e televisão, principalmente por questões técnicas, como alto custo de duplicação, baixa qualidade do produto duplicado e uma grande dificuldade na divulgação (época das fitas VHS, por exemplo, onde sequer havia internet). Claro que esses obstáculos nunca impediram totalmente, mas dificultava e muito o processo. Agora, com o custo quase zero da digitalização (duplicação sem perdas de qualidade) e distribuição do conteúdo (internet e dvds ilegais), a situação se inverteu completamente.

Não serei hipócrita, afinal, eu também já tive um Phantom System, um Mega Drive e um Super Nintendo. Tudo bem que, na época – fazem quase 20 anos – eu nem pensava nisso, só queria jogar, e todos sabem da cacetada de jogos pirateados que encontrávamos por aí. Ainda assim, sempre fazia questão da caixinha original, aquela que tinha o selo “Nintendo Proof of Quality” e tudo mais. E ainda faço questão. Mas isso nunca me impediu de alugar cartuchos, independentes de sua procedência.

Como é muito assunto para um post só, aproveito para deixar as seguintes perguntas para você, fiel leitor: o que você acha desse papo de pirataria? Você acha que essas campanhas anti-cópias (como anúncios comparando as cópias ilegais ao tráfico de drogas, e o sistema que impede a duplicação de CDs e DVDs) estão tendo algum resultado? O que você acha que estimula mais a pirataria: o preço final dos produtos ou a conveniência em se obter o último lançamento agora (ou ambos)? E o que você acha que poderia resolver essa problemática? Você acha realmente que a pirataria atrapalha os negócios? Não há respostas fáceis, por isso aproveite e deixe seu comentário abaixo.

Eu tenho minhas idéias, e nesse post eu só raspei o topo do iceberg. Para ajudar você a pensar melhor nessa questão (e atiçar ainda mais a fogueira), sugiro a leitura desse post e desse post, ambos escritos pelo Cavallini no blog Coxa Creme; desse post, escrito pelo João Moreno lá no Blue Bus; desse aqui, de autoria do Michel Lent, do Viu Isso?; e desse aqui (em inglês), escrito por Kevin Kelly do The Technium. A saga continua em um próximo post, com a crítica de Steal This Film Part 2.

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Há exatos 100 anos – na verdade, 100 anos e um dia – no dia 17 de agosto de 1908, o cartunista francês Émile Cohl lançava Fantasmagorie, considerada a primeira animação produzida considerado o primeiro desenho animado produzido na história.

Depois de filmar seu desenhos (linhas pretas feitas em papel branco), Cohl usou o negativo dessa filmagem, dando o efeito de giz branco em um quadro negro. E você pode ver esse curta inteiro abaixo, ou clicando aqui para ver no YouTube:

1 minuto e 16 segundos, e 700 desenhos depois, o trabalho de Cohl abriria caminho para gênios como Winsor McCay, Walt Disney, Hayao Miyazaki, Tex Avery, Chuck Jones e muitos outros. Sorte a nossa! Palmas e mais palmas para todos os apaixonados, para os profissionais, os amadores e todos que continuam levando a arte e o negócio da animação adiante.

Para homenagear o passado e manter a visão no futuro, o diretor Rastko Ciric produziu o curta Fantasmagorie 2008, exibido pela primeira vez em Paris em 11 de abril de 2008, misturando técnicas 2D e 3D. Veja o curta abaixo ou clicando aqui:

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Não é minha idéia atualizar o Animartini nos fins de semana (afinal, também sou filho de Primus), mas tive que abrir uma exceção para falar de Joe Ranft.

A maioria do público não o conhece, mas Ranft foi uma das maiores mentes criativas dentro da Pixar, um exímio contador de histórias. Antes de entrar na casa do Luxo Jr., ele trabalhou em grandes filmes, como De Volta para o Futuro (storyboards), A Pequena Sereia (storyboards), Uma Cilada para Roger Rabbit (sketches), A Bela e a Fera (história) e O Rei Leão (história).  Ranft entrou na Pixar em 1992 para começar a trabalhar direto na história e nos storyboards de Toy Story. Depois disso, também foi responsável pela história de Vida de Inseto e Carros (onde também escreveu o curta Mate e a Luz Fantasma). Mas ele sempre estava envolvido, de uma maneira ou de outra, nos outros projetos da Pixar, dando seus pitacos em curtas como MIke’s New Car e For The Birds. Depois de um currículo desses, imagina de quem foi a idéia inicial que se transformou no sensacional Wall-E? Pois é, acertou.

Ranft também era mágico (pois é!) e também um ótimo dublador. É dele a voz da lagarta Heimlich, de “Vida de Inseto”, e do penguim Wheezy, de “Toy Story”.

Chega a ser impressionante como Ranft é lembrado com carinho por diversos profissionais de animação nos EUA não apenas pelo seu talento, mas pela pessoa divertida e amiga que era.

Joe Ranft morreu em um acidente de carro, em 16 de agosto de 2005. Ele tinha 45 anos. Na época, ele trabalha no animado “Carros” (no qual era co-diretor junto com John Lasseter) e também era o produtor executivo do animado stop-motion A Noiva Cadáver, do diretor Tim Burton.

Essa data tão importante foi lembrada pelo blog Blue Sky Disney.

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Levou tempo, mas as duas primeiras temporadas de Transformers Animated finalmente chegaram ao fim. Bom, para ir direto ao ponto (e com spoilers praticamente beirando a zero), a série é muito divertida.

O roteirista-chefe Marty Isenberg conseguiu criar um novo universo utilizando a série antiga como base, mas sem que isso impedisse o entendimento daqueles que nunca viram – ou viram e pouco se importaram com – os episódios antigos. Para a molecada mais jovem, é um ótimo passatempo e não ofende a inteligência (tirando, claro, a babaquice de seguir a idéia do filme live-action, com toda aquela pataquada do Allspark: afinal, em um universo totalmente tecnológico, é preciso recorrer à magia para justificar tudo quanto é acontecimento? Me poupe, Michael Bay). Para os marmanjos e fãs mais enjoados, a série oferece tantas referências, piadas internas e histórias em arcos que deixam a experiência bem satisfatória. Sinceramente achei uma perda de tempo os vilões humanos (Nanosec, Angry Archer e Meltdown, por exemplo), que só atrasaram a aparição dos Decepticons na série, mas não foi nada traumático. Quando personagens como Starscream, Shockwave e o próprio Megatron dão as caras, aí é só delírio. Nesse caso, a segunda temporada acaba sendo melhor, pois justamente marca a volta do Megatron como vilão principal, já que ele estava desmontado desde o primeiro episódio da série e só fazia maquinações através do contato com o professor Isaac Sumdac, um dos personagens humanos.

Ainda assim, a animação continua me incomodando. Não há muitos quadros por segundo, e a total falta de atenção ao sincronismo labial deixa um gosto meio ruim na boca, pelo menos na minha (entenderam? Boca, sincronismo labial, hã, hã? ). Por mais que os japoneses tenham transformado isso num estilo próprio, e que a maioria da molecada vidrada em animes hoje em dia não se importa com isso, não é uma decisão que eu diria ser ideal. A falta de atenção nesse quesito tira muito a emoção, sem falar que às vezes parece que a voz não está sendo dita pelo personagem. Um pouquinho mais de apreço pelo material final poderia ter deixado a série ainda mais bacana.

Em compensação, o character design de cada novo personagem acaba se tornando um deleite, mesmo seguindo esse novo estilo mais arredondado desenvolvido por Derrick Wyatt. Além de ótimas aparições dos autobots Ultra Magnus e Jazz, respectivamente líder e soldado da Guarda de Elite Autobot, e dos Dinobots (sempre garantia de sucesso), ressalto outras participações hilárias: os Constructicons, Wreck-Gar e Blurr. Mas a melhor de todas as participações especiais fica para o último episódio, que vai deixar muitos fanáticos de queixo caído.

A série está passando no Cartoon Network brazuca todo sábado, às 13h. Eu recomendo, e já espero ansioso pela terceira temporada. Ainda assim, espero ansioso pelo dia Transformers será tratado com o mesmo carinho e preciosismo que séries como Macross e Gundam…

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Depois de Superman/Doomsday, Liga da Justiça: A Nova Fronteira e Batman: Cavaleiro de Gotham, a Warner Premiére irá lançar a primeira animação baseada no universo da Mulher Maravilha. Wonder Woman é um longa animado que será lançado em fevereiro de 2009 em DVD, Blu Ray e On Demand.

Dirigido por Lauren Montgomery (que co-dirigiu “Superman/Doomsday” e episódios da série Legion of Super Heroes) e com roteiro de Gail Simone (que escreveu a hq Aves de Rapina e hoje é roteirista do título mensal da Mulher Maravilha) e Michael Jelenic (escreveu episódios para séries animadas como Ben 10 e The Batman, e hoje ocupa o cargo de story editor da série animada Batman: The Brave and The Bold), “Wonder Woman” irá contar as origens da heroína, mostrando a vida da princesa Diana e das amazonas na fictícia ilha de Themyscira. Quando o avião do coronel da Força Aérea Steve Trevor cai acidentalmente na ilha, Diana quebra as regras de sua sociedade para escoltá-lo de volta ao mundo dos homens. Enquanto isso, Ares, o deus da guerra, escapa do confinamento imposto pelas amazonas e procura por vingança.

Veja o trailer abaixo ou clique aqui para assistir no YouTube:

A dublagem do animado tem muita gente competente: a atriz Kerri Russel (da série de tv Felicity e do filme Missão Impossível III) emprestará sua voz para a Mulher Maravilha; o ator Nathan Fillion (o Malcom Reynolds da série de TV Firefly e do filme Serenity) será o Coronel Steve Trevor; Rosario Dawson (dos filmes Sin City: A Cidade do Pecado e O Balconista 2) interpretará a irmã de Diana, Artemis; Virgina Madsen (de filmes como Sideways: Entre Umas e Outras e Número 23) será a mãe de Diana, Hipólita; Alfred Molina (o Dr. Octopus do filme Homem-Aranha 2) será Ares; e Oliver Platt (que participou de séries de tv como The West Wing: Os Bastidores do Poder e Nip/Tuck) emprestará sua voz para Hades.

Achei também um preview/making-of muito interessante do filme, que aproveita para contar um pouco da história da personagem, desde sua criação e aparição nas hqs e sua evolução durante os anos, ilustrado por diversos storyboards. Além de comentários dos dubladores, vale notar a presença de figurões como o produtor Bruce Timm, o presidente da DC Comics Paul Levitz e o vice-presidente e editor da DC Dan Didio, dando suas opiniões sobre toda a mitologia da amazona. Veja abaixo ou clique aqui para ver direto no Youtube:

Olha, estou gostando bastante do que vi. A animação parece bem suave, a história está sendo baseada nos quadrinhos da Era de Ouro sem esquecer a famosa série de TV dos anos 60 (estrelada pela maravilhosa Linda Carter), e achei muito bacana o novo design da personagem. E com “novo design”, quero dizer o novo nariz da princesa amazona.

Via Universo HQ, que me indicou o trailer, e Comic Book Resources, que tem muitas informações sobre a animação direto do painel na San Diego Comic-con 2008!

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Eu acredito que todos já tenham visto os mascotes criados pelo artista chinês Han Meilin para a Olimpíada de Pequim 2008. Conhecidos como Fuwa – “dolls of blessing”, ou “bonecos abençoados” – os cinco personagens representam diferentes elementos característicos da China: Beibei é azul, tem elementos que lembram um peixe e uma flor de lótus e representa o mar; Jingjing é preto, representa um urso panda e as florestas chinesas; Huanhuan é vermelho e representa a chama olímpica; Yingying é dourado, lembra os antílopes tibetanos e representa a etnia Xinjiang; e Nini, verde, tem como forma a andorinha e lembra as famosas pipas chinesas. Juntos, os nomes dos personagens formam a sentença “Beijing huanyíng ni“, que significa “Pequim dá as boas-vindas a você”.

Além de serem estupidamente fofinhos e serem o maior sucesso comercial na China, com diversos produtos licenciados, os personagens também estrearam em versão animada, em uma série lançada em 08 de agosto de 2007 na BTV (Beijing TV Station), a rede de TV municipal de Pequim. Composta de 100 episódios de 11 minutos cada, The Olympic Adventures of Fuwa conta a história do menino Dayou, que ganha de presente os mascotes na véspera do início dos Jogos Olímpicos. Juntos, o menino e os Fuwa aprendem sobre as origens de cada modalidade esportiva e curiosidades sobre as Olimpíadas.

O interessante é notar que o desenho realmente conquistou os chineses, atraindo uma audiência espetacular e sendo exibido em mais de 100 canais em toda a China. O desenho recebeu muitos elogios quanto aos temas abordados e ao storytelling. A animação chegou até a ganhar o prêmio de “Melhor Produção” pela Asian Animation Comics Contest (AAAC) em 2007. Pena que não consegui achar o nome dos diretores, dos roteiristas, dos animadores e mesmo dos produtores envolvidos. O que se sabe é que a produção é da KAKU Cartoon, em parceira com a BTV. Coisas da China, acredito.

Veja mais imagens da série no site Beijing Olympics FAN!, e um promo da série abaixo, no Youtube:

Via Portal Rio Mídia

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Mais um post da série “inveja, muita inveja”.

Hyung-tae Kim nasceu em Seoul, na Coréia do Sul, em fevereiro de 1978. Seu trabalho povoa diversos games, principalmente da série War of Genesis, como Tempest, War of Genesis III e War of Genesis III Parte 2, todos para PC. Um de seus trabalhos mais conhecidos é o design dos personagens dos games Magna Carta: Tears of Blood/Crimson Stigmata (2006), produzidos pela Softmax para Playstation 2.

Hyung-tae Kim segue o estilo manhwa, onde a anatomia perfeita dos personagens é deixada de lado, utilizando-se deformações para se atingir um visual bem específico (manhwa é também o termo usado para definir as histórias em quadrinhos sul-coreanas, daí a referência), um estilo que se baseou bastante no mangá (quadrinho japonês) mas que não chega a ser tão cartunizado. No caso das mulheres, Hyung-tae vai além com essa técnica. Bom, é só ver as meninas acima para entender o que eu quero dizer.   Fortes mas delicadas, com corpos estonteantes e feições delicadas. Mas não fique pensando que esse post é apenas um exercício masturbatório, não: as figuras masculinas, os figurinos e cenários maravilhosos também estão entre as muitas habilidades do artista, que também é animador e diretor de arte.

Seu último trabalho foi no MMORPG Blade and Soul, lançado em 31 de julho de 2008 pela NCsoft, onde novamente emprestou sua técnica aos belíssimos designs de personagens.

O desenhista possui um site oficial, mas que está em construção desde 2005 e não possui conteúdo nenhum! Em compensação, existe um site não-oficial muito bom, criado por fãs e entupido de informações, entrevistas e, principalmente, uma galeria de imagens espetacular.

Eu já disse que as mulheres de Hyung-tae são impressionantes?

Via Tarja Preta.

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Na verdade, isso aqui não será bem uma crítica. Eu apenas estaria repetindo o que a grande maioria já disse (e provou com uma bilheteria estrondosa) sobre Batman: O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, 2008). Sim, o filme é genial. E, além disso, há tanto para se falar que eu teria que escrever uma bíblia aqui, e ela seria entupida de spoilers.

Então, e já que eu irei falar sobre a animação Batman: O Cavaleiro de Gotham em breve, aproveito para fazer apenas alguns comentários, para que esse monster movie não passe batido aqui no Animartini:

- Não é o melhor filme de super-herói já criado, pois não é um filme de super-herói. É um policial, um thriller, um drama de primeiríssima linha, com um cara vestido de morcego perdido ali no meio, só para variar. Aqui, o nível é outro;

- As pessoas têm medo de traficantes, de terroristas. “Eles são malucos”, todos dizem. Ainda assim, há alguma razão no que fazem, por mais distorcida que seja: dinheiro, poder, vingança ou fundamentalismo. Ou todos juntos. Não concordamos, mas entendemos. O Coringa de Heath Ledger é entropia pura, é caos. Não há razão, não há sentido, não há explicação. Ele é um furacão que suga tudo ao seu redor; quando não destrói, distorce. Não há como impedir. Como o próprio Coringa diz, “você (Batman) não tem nada que possa me ameaçar. Não tem o que fazer com toda a sua força”. O que fazer se alguém assim aparecer? Eis a questão que me deixou com muito medo na saída do cinema.

- O filme não pára. É ação do começo ao fim. O clímax do filme dura duas horas e meia. Eu saí do cinema cansado, não estou brincando.

- Ah, a batmoto (também conhecida como batpod). Desde a primeira cena que vi dela, em trailers e fotos de produção, pensei “pronto, vão pisar na bola, tava demorando”. Manjas o batmóvel sem capota que aparece naquela porcaria chamada Batman & Robin? Pois é. Mas, graças a Primus, eu estava enganado. Como eu estava enganado. E ainda bem que eu estava enganado! “É como se Nolan tivesse escolhido exatamente esse momento do filme para agradar ao fã mais xiita, e acertou na mosca! Tipo, ‘fã, essa é prá você’”, disse o grande amigo Vitor Franco.

- O roteiro é tão bem amarrado, os personagens são tão bem construídos, que chega a ser um absurdo. E olha que o roteiro é do David Goyer (o cara que escreveu os três filmes do Blade onde só se salva o segundo, e por causa da direção do Guillermo Del Toro, o diretor de Hellboy e O Labirinto do Fauno)! Além dos óbvios Bruce Wayne/Batman (Christian Bale), Jim Gordon (Gary Oldman), Harvey Dent (Aaron Eckhart), Lucius Fox (Morgan Freeman), Alfred Pennyworth (Michael Cane) e Coringa (Heath Ledger), personagens como o mafioso Salvatori Maroni (Eric Roberts), o executivo chinês Lau (Chin Han), o prefeito Anthony Garcia (Nestor Carbonell) e até Rachel Dawes, interpretada pela visualmente meia-boca mas ótima atriz Maggie Gylenhall (que entrou no lugar da belíssima mas insossa Katie Holmes) tem força descomunal na tela, uma presença importantíssima na história. Normalmente tantos personagens assim fazem com que o foco se perca, que nenhum deles tenha tempo de tela suficiente para mostrar a que veio. Mas, aqui, tudo faz sentido. Tudo isso se deve à direção magistral de Christopher Nolan. É de cair o queixo.

- Momento Bruno Fernandes, também conhecido como o “IMDB vivo”: destaque para participações especiais de William Fitchner como o gerente do banco dos mafiosos, e Anthony Michael Hall como o repórter Mike Engel.

- Why so serious? Here, let me put a smile on that face.

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Quero aproveitar para sugerir um livro muito bacana, principalmente para aqueles que pretendem levar essa
história de produzir animações para a frente: Producing Animation, de Catherine Winder e Zahra Dowlatabadi.

O livro, impresso pela editora Focal Press, engloba todas as etapas de uma produção animada, seja ela uma série para tv ou um longa metragem, seja utilizando técnicas 2D, CGI ou stop-motion. Aborda todas as etapas de pré-produção (a idéia, desenvolvimento da sinopse, roteiro, técnica de animação escolhida, storyboards, character designs, gravação dos diálogos, etc), produção (deadlines, elaboração de custos, produção da animação e cenários…) e pós produção (edição linear ou não linear, edição de som, exportação para mídias como tv, cinema, etc), sem falar em como lidar com outsorcing (isto é, quando toda a produção é feita em outros países), e muito mais! Só os comentários iniciais sobre o que é ser um produtor de animação, feitos pelos melhores do mercado, é genial.

O livro também contém diversas planilhas para ajudar na elaboração e controle do seu projeto, incluindo descrições detalhadas de cada cargo em uma produção – se você sempre teve dúvida do que faz um produtor executivo, um diretor ou um leading animator, o livro “Producing Animation” vai responder isso para você.

As escritoras falam com conhecimento de causa, já que são macacas velhas do mercado de animação norte-americano. Catherine Winder já foi produtora de séries como Spawn e Spicy City (ambas da HBO Animation) e Aeon Flux (MTV); já foi vice-presidente sênior de produção da Fox Feature Animation, onde foi responsável pelo sucesso A Era do Gelo; e hoje é produtora executiva da Lucasfilm Animation, onde é responsável direta pelo novo projeto The Clone Wars, da franquia Star Wars, que estréia nos cinemas em agosto de 2008 e que depois se transformará em uma série, a ser exibida pela Cartoon Network em 2009. Já Zahra Dowlatabadi trabalhou como produtora na DisneyToon Studios e também com os três primeiros longas da série Em Busca do Vale Encantado, da Universal, e como produtora associada no longa Quest for Camelot, da Warner Animation. Hoje, ela presta consultoria sobre séries e filmes animados para gigantes como Cartoon Network, Lucasfilm Animation, Disney, Animation Lab e Oregon Film Group.

Tenho esse livro há quase dez anos e sempre que possível volto a lê-lo, pois ele continua muito atual. Pena que “Producing Animation” ainda não foi traduzido para o português. Alguma editora aí se habilita? Ou que tal alguém aqui do Brasil montar um livro desses?

Quem quiser saber mais sobre o livro, pode acessar o site oficial ou então ler essa matéria no site AWN. Se você se interessou e quiser comprar, “Producing Animation” está a venda no Submarino. E se você estiver interessado em livros sobre animação, acesse a lojinha aqui do Animartini e veja mais sugestões.

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Esse é um post ligeirinho para aqueles que moram na Baixada Santista e adoram escrever: Emílio Baraçal – que costumava escrever sob a alcunha de Elfo no finado site A ARCA – vai ministrar o curso Roteiro para Cinema, TV, HQ, Teatro e Literatura na Tecnoponta Treinamentos em Santos, SP.

Durante o curso, ele vai abordar temas como Estrutura do Paradigma; Pontos de Virada; gêneros literários; roteiro não linear; exploração do Monomito, de Joseph Campbell; exploraçãp do Memorando de Vogler; conhecendo o Final Draft 7 (programa de edição de roteiros); e muito outros.

Se você estiver interessado e quiser saber mais detalhes, dá um pulo lá na Tecnoponta, que fica na Av. Conselheiro Nébias, 532, 7º andar, ou ligue para (13) 3222-9492. Mas corra, pois as aulas começam dia 20 27 de agosto .

Propaganda feita, seu Emílio, espero que ajude. Boa sorte!

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Eis a última parte do meu review sobre os curtas do Anima Mundi 2008. Daqui a alguns dias farei um post final sobre o evento, comentando o 3º Anima Fórum. Com vocês, as animações exibidas na sessão CURTAS 1:

:: ONAT HACHAMUTZIN, de Ronen Zhurat | Israel (2006)
A infância na praia e… picles? Um curta autobiográfico, onde a animação é até bem tosquinha, mas que compensa com uma história cativante e nostálgica, muito humor e… picles. 2D.
– Nota: 4

:: OFFICE NOISE, de Mads Johansen, Torben Søttrup, Karsten Madsen e Lærke Enemark | Dinamarca (2008)
Divertida história em produzida em CGI onde um frango estressado têm que lidar com o jeito estabanado do colega de trabalho elefante. Ótimo timing.
– Nota: 4

:: LE JOUR DE GLOIRE…, de Bruno Collet | França (2007)
Stop-motion interessante sobre um homem que se esconde no subsolo, imaginando a inevitável guerra que está para acontecer acima. Mesmo assim, dos trabalhos franceses que tive a chance de ver no festival deste ano, este é o mais fraquinho.
– Nota: 3

:: FRANZ KAFKA INAKA ISHA, de Koji Yamamura | Japão (2007)
Mais um vídeo sem muito sentido. A história original, baseada no conto Um Médico Rural, escrito em 1919 pelo tcheco Franz Kafka, contém toques surrealistas para contar os questionamentos de um médico chamado no meio da noite para tratar de um paciente. Bom, eu não li o conto, por isso não posso falar nada, mas já li A Metamorfose, e “Um Médico Rural” me parece ainda mais neurótico. Deve ser por isso que o curta é tão arrastado e sem sentido. Pelo menos a arte do animador Koji Yamamura é bem interessante, meu único motivo para não dar a menor nota para o curta.
– Nota: 2

:: EN AGOSTO, de Andres Barrientos e Carlos Andres Reyes | Colômbia (2008)
Uau. Fiquei impressionando com esse curta colombiano. Visualmente impressionante, e com uma história interessante sobre o fim dos tempos. Climático e muito bem animado. 2D e CGI.
– Nota: 5

:: GLAGO´S GUEST, de Chris Williams | Estados Unidos (2008)
O segundo curta da Disney no Anima Mundi 2008 (depois de How to Hook Up Your Home Theater, que comentei anteriormente) é de uma simplicidade e beleza espantosa. A trama fala sobre um soldado russo, no meio do nada, recebe uma visita inesperada. Agora é só rezar para que a Disney Brasil exiba o curta nas cópias nacionais de Bolt: Supercão, como vai acontecer lá nos EUA. E que venham mais curtas da Disney! Veja abaixo um trecho de “Glago´s Guest”, ou clique aqui para assitir no YouTube:

– Nota: 5

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Uau. Quer dizer, UAU! Quando foi divulgado, há um tempo atrás, que o Pantera Negra, personagem da Marvel Comics, seria personagem principal de uma nova série animada, não dei importância. Li quase nada do herói e rei de Wakanda, fictício país da África, e aquilo que li e que consigo me lembrar foram escritas pelo mestre Brian Michael Bendis. Até aí, beleza.

Agora, eu não esperava que os produtores fossem arriscar tanto e tomar um caminho tão diferente para o visual da série, casando muito bem os desenhos do sensacional desenhista de quadrinhos John Romita Jr. com um estilo animado que lembra cut-out (e também aquela série animada tosca do Capitão América da década de 60, The Marvel Superheroes, mas feito direito, manjas?). Eu realmente não esperava por essa, acho que ninguém esperava. E que surpresa sensacional, devo dizer! Realmente fico na dúvida se a molecada criada a animes de hoje em dia vai curtir, mas eu adorei, e vou acompanhar de perto. Algo diferente para se assistir, finalmente!

Agora, que o roteiro seja bom também, senão tudo isso vai ser um esforço perdido…

A série é produzida pela BET Animation, e tem previsão de estréia nos EUA no primeiro trimestre de 2009. Para ver o trailer, basta clicar aqui.

Para saber mais sobre a série, leia o release oficial no site The Futon Critic, e alguns vídeos sobre a produção direto da San Diego Comic-con no site Comic Book Resources.

Via Judão.

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Dando continuidade aos reviews das poucas sessões do Anima Mundi 2008 (leia a primeira parte dos reviews clicando aqui) que eu tive o prazer de comparecer, agora comento os curtas da sessão CURTAS 12:

:: FEAR, de Agustin Graham | Argentina (2007)
Uso das técnicas japonesas do anime para falar sobre como a realidade de um jovem fica distorcida ao ser tomado pelo medo. Animação bem feita, curta interessante. Aproveite para ver um trecho da animação abaixo ou clicando aqui:

– Nota: 3

:: REPLAY, de Boumediane, Delmeule, Voisin e Felicite-Zulma | França (2007)
Não há como negar: os franceses têm se destacado cada vez mais em seus curtas animados (Bernie´s Doll e Quidam Dégomme são os exemplos mais recentes que comentei na primeira parte desse review) e “Replay” é mais uma prova disso. Uma idéia simples e muito bem executada, conta a história de dois irmãos vivendo em um mundo pós-apocalíptico onde a terra está devastada e o ar está contaminado. Lana retorna todo dia ao bunker onde vive com seu irmão mais novo, Theo, com novidades sobre o mundo exterior. Dessa vez, Theo se encanta por um objeto em especial, e a história corre a partir daí. Simples e direto ao ponto, muito bom. E olha só que maravilha: você pode assistir o curta completo abaixo, direto no YouTube ou clicando aqui para assistir no site DailyMotion:

Aproveite para visitar o site oficial do filme, em www.replay-lefilm.com.
– Nota: 4

:: PLASTIC PEOPLE, de Pavel Koutský | República Tcheca (2007)
Uma brincadeira sobre a obsessão em melhorar o visual através das cirurgias plásticas. Não sou lá muito fã do estilo visual nem da animação, mas as piadas são bem divertidas.
– Nota: 3

:: MAHI, de Mahmoud Fakhrinejad | Irã (2006)
Depois de Sensorium (comentado no post anterior), eis mais uma porcaria sem sentido, sobre um peixe sendo pescado. Para entender o que se passa na tela é uma briga. Nem vou perder meu tempo aqui, já que perdi muito tempo vendo esse curta.
– Nota: 1

:: LA TÊTE DANS LES FLOCONS, de Bruno Collet | França (2007)
“Um surfista doido por neve” é a tradução literal desse curta em stop-motion, que prova novamente que os franceses estão na crista da animação. Nesse curta, uma competição de esquiadores é ameaçada por um dos participantes, que fará de tudo para tirar os outros competidores da briga e conquistar o primeiro lugar. Humor completamente nonsense, que parece uma mistura da série Frango Robô (Robot Chicken), da Cartoon Network, com A Corrida Maluca (Wacky Races), da Hanna-Barbera. Divertidíssimo.
– Nota: 5

:: UNPREDICTABLE BEHAVIOR, de Ernst Weber e Pasha Shapiro | Estados Unidos (2007)
Mais um curta em CGI, que mostra a conversa entre Sherlock Holmes e seu fiel ajudante, Dr. Watson, sobre o mistério de Jack, o Estripador. A animação me incomodou em alguns pontos, mas a modelagem é eficiente. A história é meio sem sentido, tentando questionar o pensamento racional e a natureza humana e, de repente, toma um caminho completamente bizarro. Interessante, mas fica isso.
– Nota: 3

:: CÂNONE PARA TRÊS MULHERES, de Carlos Eduardo Nogueira | Brasil (2008)
As únicas coisas interessantes neste curta são o uso das cores e a modelagem dos personagens, principalmente das mulheres que dão nome à essa produção CGI de Carlos Eduardo Nogueira, que mostra “três mulheres-fetiche – uma aeromoça, uma enfermeira e uma secretária – e seu dia-a-dia repetitivo de trabalho, assédio sexual e o retorno aos braços de seus maridos”. Não achei muito sentido nisso, para mim morreu na praia, mas visualmente é bem interessante.
– Nota: 2

:: HOW TO HOOK UP YOUR HOME THEATER, de Kevin Deters e Stevie Wermers-Skelton | Estados Unidos (2007)
A espera finalmente acabou! Uma ode aos clássicos curtas do Pateta da década de 40 e 50, “How to Hook Up Your Home Theater” transborda nas homenagens, que aparecem em cada segundo da projeção: desde a tela inicial de apresentação, com fundo vermelho e a cara do personagem aparecendo em destaque, passando pela música de Michael Giacchino (Os Incríveis) que bebe na fonte das trilhas produzidas por Oliver Wallace, indo até mesmo a replicar cenas clássicas como a do campo de futebol americano do curta How to Play Football, tudo isso banhado pela narração de Corey Burton. Mas o mais importante é que você não precisa saber nada dessas referências: o curta é realmente engraçado! E o “Aaaaaaaaaaahuhuhuhuiiiiiiii” também está lá. Todo filme que fosse para o cinema deveria começar com algo assim, coisa que a Pixar percebeu desde o começo e vem nos presenteando com curtas cada vez mais espetaculares (eu já comentei aqui que Presto é o melhor curta deles até hoje? ). Simplesmente genial.
– Nota: 5

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