ANIME ASTEROID

Recensione: Shadow Star Narutaru

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Sun, 29 Jan 2012 23:00:00 +0000

SHADOW STAR NARUTARU

Titolo originale: Narutaru ~Mukuro naru Hoshi·Tama taru Ko~
Regia: Toshiaki Iino
Soggetto: (basato sul fumetto originale di Mohiro Kitoh)
Sceneggiatura: Chiaki J. Konaka
Character Design: Masahiko Ohta
Musiche: Susumu Ueda
Studio: Planet
Formato: serie televisiva di 13 episodi (durata ep. 24 min. circa)
Anno di trasmissione: 2003
Disponibilità: fansub in inglese, collaborazione tra Triad & AonE

Shiina è una dodicenne spensierata che vive con il padre, pilota di aerei. Un giorno, mentre nuota, rinviene una strana creatura a forma di stella marina, che prenderà con sé all’insaputa del genitore. Scoprirà che si tratta di un cosiddetto drago, molto potente e apparentemente immortale, e che ne esistono molti altri, tutti mentalmente legati al loro rispettivo padrone. Se alcuni temono il potere dei draghi, altri invece vogliono sfruttarlo per creare una nuova società e governare il mondo…

Noto quasi più per le cruente tematiche trattate che per l’effettiva, e notevole, qualità che lo contraddistingue, Narutaru è stato al centro di numerose polemiche in tutto il mondo, dove la censura ha agito violentemente in ben più di un’occasione, tagliando le scene più feroci nelle edizioni tedesche e statunitensi o addirittura bandendo totalmente il fumetto, come accaduto in Francia dove la pubblicazione è stata interrotta dopo solo due uscite. Narutaru è probabilmente l’opera che più di tutte porta (giusta) fama a Mohiro Kitoh, autore difficile e spiazzante, dotato di un tratto veloce e freddo con cui disegna personaggi androgini protagonisti di storie di rara malvagità ma di enorme potenza narrativa (come avverrà in seguito nel bellissimo Bokurano, del quale ho recensito su questi lidi la bella trasposizione animata). Ciò che stupisce, nella produzione di Kitoh, è il suo mischiare la quotidiana semplicità, preferibilmente dei contesti più infantili, brutalizzandola con una perfidia che solo il genere umano possiede, e in Naraturu quest’ultimo aspetto risalta amaramente proprio per la naturale simpatia bambinesca di cui è intrisa l’opera.

I draghi, le creature che popolano la sfera soprannaturale, sono infatti delle graziose bestiole con corpi buffi e gommosi e occhi teneri (Hoshimaru, il drago della protagonista Shiina, è infatti una sorta di stella marina che lei usa come zaino), e i loro possessori sono poco più che adolescenti alle prese con la scoperta del mondo, dei primi amori e della sessualità. Vi è quasi un’atmosfera scanzonata e divertente, nei momenti iniziali, che spicca, nella versione animata, grazie a una opening solare dal refrain estremamente orecchiabile, accompagnata da simpatici disegni infantili che, in realtà, nulla avranno a che fare con l’opera.

Perché Narutaru, non appena girato l’angolo, sferra tremendi pugni allo stomaco mostrando la sua vera natura, per poi ribaltare la situazione e riappropriarsi di immagini semplici e delicate con cui alternerà la sadica violenza dei suoi protagonisti fino alla conclusione. Difficile fare un quadro preciso della trama, troppo complessa e troppo sfaccettata per essere anche solo suggerita, ma se da una parte troviamo il suo carattere più fantascientifico e sostanzialmente fiction, con un gruppo di ragazzini normalissimi e perbene che vogliono dominare il mondo con i draghi e un’organizzazione militare che studia il fenomeno di queste creature, dall’altra troviamo una serie di micidiali relazioni umane contraddistinte da incesto, aborto, stupro, suicidio, isolamento e bullismo, il tutto depravatamente esagerato non tanto per scioccare ma perché, in fondo, e per quanto incredibile, realisticamente possibile. Ragazzini che fanno sesso con numerose coetanee senza troppi problemi, ragazzine che si aggirano nude all’interno del gruppo di maschi, adolescenti padri di decine di figli, ragazze che stuprano la più debole della classe, maniache depressive che tentano più volte il suicidio, e via così, di atrocità in atrocità, risaltata naturalmente dal fatto che i protagonisti hanno dodici anni.

Ne nasce pertanto una storia morbosa e frammentata, molto amara e pesante, mentre i vari draghi (se ne scopriranno decine, durante la vicenda, con forme fisiche e caratteristiche via via sempre più mostruose) si fronteggiano (straordinari alcuni momenti di vera e propria guerra tra l’esercito e il drago dotato di mitragliatore, così come la carneficina finale, a tratti insopportabile), il tutto narrato dal punto di vista della povera Shiina, spesso impotente di fronte alla vastità del male raccontato. Nonostante porti la firma di Chiaki J. Konaka, l’anime è tuttavia una visione soltanto mediocre, se confrontata con la potenza sanguinaria del manga, e il motivo è facilmente riscontrabile nella sua breve durata (13 episodi) insufficiente per trasporre l’intera storia originale. Brusca e tagliuzzata, priva di un finale che si possa definire tale, la versione animata di Narutaru è un crescendo di situazioni lontane che lentamente trovano posto nel mosaico complessivo, ma l’incastro non funziona sempre bene a causa di un’esagerata disparità di punti di vista, che scollega e dilata la vicenda senza mai trovare quel punto di forza unitario che possa reggere l’insieme. La parte conclusiva arriva infatti come un episodio a se stante che nulla svela degli interrogativi sollevati, troncando di fatto molte delle numerose sottotrame.

A peggiorare la situazione troviamo inoltre, al di là dei disegni poco accattivanti e della scarsa cura nelle animazioni, la spenta regia di Toshiaki Iino, inadeguata per narrare le tremende immagini di Narutaru perché acerba, disinteressata, molto meccanica, noiosa e ripetitiva, oltre a essere totalmente spaesata nei momenti di maggior concitazione: è quindi un peccato che questa trasposizione fallisca laddove colori e musiche avrebbe potuto alimentare il contrasto tra le due facciate dell’opera.

È naturalmente il manga (edito in Italia da Star Comics), piuttosto che la poco riuscita ma comunque interessante serie tv, che consiglio di recuperare: certi squarci nella pische umana, in particolar nelle devianze così orribili eppure così realistiche dell’adolescenza, quando ancora non c’è un freno alla curiosità più sadica e tutto può sembrare un semplice gioco, lasciano cicatrici profonde e dolorose come poche altre opere.

Voto: 6 su 10

Recensione: Ghost Hound

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Thu, 26 Jan 2012 23:00:00 +0000

GHOST HOUND

Titolo originale: Shinreigari
Regia: Ryutaro Nakamura
Soggetto: Masamune Shirow
Sceneggiatura: Chiaki J. Konaka
Character Design: Mariko Oka
Musiche: TENG
Studio: Production I.G
Formato: serie televisiva di 22 episodi (durata ep. 24 min. circa)
Anni di trasmissione: 2007 - 2008
Disponibilità: fansub in inglese a cura di Shinsen_subs

Rapito quand’era bambino, Taro, ormai in piena adolescenza, porta ancora addosso i segni di quei terribili momenti: sopravvissuto per miracolo ai giorni di prigionia, non riesce infatti a dimenticare la sorte toccata invece alla sorella, morta di stenti accanto a lui, e gli incubi lo tormentano ogni notte. Quando prova a registrarli su nastro, si rende conto che può proiettare la propria mente in un mondo spirituale sovrapposto al nostro, nel quale è libero di volare e mutare forma. Anche due suoi compagni di classe, l’esuberante Masayuki e l’introverso Makoto, scoprono di possedere tale potere, e insieme inizieranno a esplorare questo universo, non sapendo cosa stia per accadere su entrambe le realtà.

Potrebbe sembrare strano che, con una simile sinossi, il soggetto sia opera del cyberpunk-god Shirow Masamune, ma per quanto Ghost Hound, anime che ha festeggiato nel 2007 il ventennale della Production I.G, si addentri effettivamente in territori lontani dalla complessità tecnologica tipica dei vari Ghost in the Shell e Appleseed, è un piacere scoprire come il tocco cervellotico di Masamune sia ben visibile in più di una porzione di storia, mostrando quanto la perfezione della sceneggiatura di Chiaki J. Konaka e la splendida regia di Ryutaro Nakamura possano fare la differenza nonostante spunti di partenza in fondo non propriamente stuzzicanti.

È proprio il disegno visivo del regista di Lain a offrire forse il lato più interessante di Ghost Hound: più attento a una costruzione sonora capace di inquietare rispetto a una più classica atmosfera opprimente, Nakamura riesce a incutere timore percettivo attraverso rumori, distorsioni e voci filtrate portate all’eccesso (ne è un esempio la genialata di storpiare le voci dei protagonisti durante i riepiloghi degli episodi precedenti) nonostante la scelta cromatica spensierata e soprattutto il chara design, estremamente semplice, addirittura infantile. La progressione narrativa, lenta, minimale e cauta (basti pensare ai cinque minuti di silenzio con cui inizia il primo episodio) viene quindi squarciata da boati, gorgoglii, versi gutturali, che più di una volta fanno salire un vero brivido sulla schiena.

Perché Ghost Hound, pur facendo di tutto per non esserlo concretamente, è comunque un’opera horror, e non sono pochi i momenti di sincero orrore e di sinistro fascino (il fantasma dell’assassino che compie in continuazione le stesse mosse, il “rapimento” dello psicologo, la faccenda legata al misterioso cadavere ritrovato nel bosco) che scombussolano una trama a suo modo bizzarra e poco definibile, che abbraccia nanotecnologia, esperimenti biologici e robotica, ma anche spiritismo, tradizioni e folklore tipicamente orientali, il tutto in una cornice strampalata dove i tre ragazzi protagonisti possono astrarsi nella buffa forma di omini trasparenti ma con il sedere rosa, e viaggiano spiando amici e conoscenti e intrufolandosi in faccende altrui sempre più grandi e ambiguamente connesse tra loro.

A fronte di una meccanica narrativa esemplare, con una sceneggiatura che si ramifica gradualmente imbrigliandosi in una tortuosità sempre maggiore ma tenuta a bada da un preciso sguardo d’insieme, non sorprende che Ghost Hound si focalizzi sui molti personaggi che man mano incroceranno le strade di Taro, Masayuki e Makoto: l’introspezione psicologica è attenta e mai banale, frutto di un lavoro maturo nelle caratterizzazioni che permette un buon dispiego di credibili tragedie interori e sensibili drammi di vario tipo. Dalla rabbia di Makoto che verrà giustificata strada facendo all’assurdo e terribile rapporto tra Masayuki e i genitori, passando per l’erotismo sprigionato dalla dottoressa Reika e la convivenza tra la piccola sacerdotessa Miyako e il suo giovane papà, la varietà di situazioni offerta è tanta, sempre interessante e insolita, in un crescendo di intrecci psicologici che ricadono pesantemente anche sulla trama generale (pensiamo soltanto a cosa rischia il corpo astrale di Masayuki quando gli ormoni sballano e lo portano in camera di Reika).

Abbiamo quindi a che fare con un’opera che vuole sottolineare con intelligenza alcune tra le ferite sociali che danneggiano il Giappone (la famiglia in primis, con vari ruoli di padre e di madre, ma anche il problema delle sette) e che interrogano da sempre il mondo intero (l’ormai classica “lotta” religione vs scienza), fornendo tutto fuorché risposte ma analizzando, ipotizzando, teorizzando: non dev’essere infatti una sorpresa il finale aperto e brusco, che invece di risolvere i molti quesiti nati lungo le 22 puntate preferisce non dare precisa soluzione, lasciando nell’incertezza distorta che permea l’intera serie.

Non è chiaramente un’opera per tutti, soprattutto da un punto di vista visivo Ghost Hound rischia infatti di essere ostico a causa della stranezza dei primi episodi e della lentezza generale, ma è uno di quei lavori autoriali e introspettivi da premiare per l’originalità dei temi e per la padronanza dei mezzi nel trattarli.

Voto: 8 su 10

Recensione: Chie the Brat

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Tue, 24 Jan 2012 23:00:00 +0000

CHIE THE BRAT

Titolo originale: Jarinko Chie
Regia: Isao Takahata
Soggetto: (basato sul fumetto originale di Etsumi Haruki)
Sceneggiatura: Isao Takahata, Noboru Shiroyama
Musiche: Masaru Hoshi
Studio: Tokyo Movie Shinsha
Formato: film cinematografico (durata 110 min. circa)
Anno di uscita: 1981
Disponibilità: fansub in inglese a cura di neo1024

La piccola Chie è sfortunata: gestisce insieme ai nonni un piccolo ristorante, sopperendo con grande forza e vitalità alla mancanza di un vero e proprio nucleo familiare, distrutto dalla separazione dei suoi genitori per colpa dello stile di vita fracassone del padre. Un insieme di vicende fortuite forse porterà i suoi genitori a un timido processo di rinconciliazione...

È impossibile parlare davvero male di un film di Isao Takahata: può essere lento, noioso o anche senza un apparente senso, ma c'è sempre qualche momento ispiratissimo che gli dona quella dignità dei grandi che rifugge da qualsiasi stroncatura. È il caso delle sue ultime opere (Pom Poko e My Neighbors the Yamadas), e per certi versi anche di questo Jarinko Chie, commedia/slice of life del 1981 che, pur soffrendo di una lunghezza eccessiva, compensa abbondantemente con momenti di poesia assoluta.

Chie the Brat si basa sul lungo manga comico (67 volumi) di Etsumi Haruki, che Takahata traspone in un lungo film di quasi due ore il cui grande successo, di critica sopratutto, spianerà la strada a una serie televisiva sempre da lui diretta (purtroppo irreperibile in idioma comprensibile al momento). Racconta, senza apparente organicità, della vita della giovanissima protagonista, alle prese con i guai in cui si ficca l'immaturo padre che non riesce a integrarsi in una normale vita di famiglia, sempre dietro a gioco d'azzardo, debiti e risse. Il primo dei vari film che Takahata realizzerà sulla vita, portando in questo caso su schermo persone, atmosfere e il senso di familiarità che si vedono e respirano nei quartieri tipici di Osaka, dove tutti si sentono parte di una grande comunità/famiglia e dove interagiscono, in un microcosmo nel quale tutti sono amici di tutti (dal gestore della casa di gioco al poliziotto di quartiere), i membri della famiglia di Chie.

Si tratta di una commedia, niente più: il padre della bambina è un simpatico mascalzone che più volte la metterà in imbarazzo a scuola e a lavoro, con azioni paradossali (ma non per questo inverosimili) che rappresentano l'aspetto umoristico della storia. Non mancano poi siparietti divertenti concernenti yakuza redenti, proprietari di ristoranti di okonomiyaki, gatti impagliati e anche intermezzi di pura demenzialità (i felini usano le arti marziali!): quello che è fantastico è come, in una storia dichiaratamente comica, Takahata ci racconti con sensibilità di dinamiche familiari, in questo caso il processo di riavvicinamento dei genitori di Chie.

I disegni saranno più ridicoli possibile (uomini e donne si ritrovano con favolose orecchie a sventola) e, complici i colori saturissimi, anche cartooneschi, eppure non mancano momenti in cui si respira un'aria di intimismo assoluta, data da dialoghi (Chie pur sforzandosi non riesce a chiamare papà il genitore), scene (la piccola si mette a cantare rumorosamente in treno per rompere il ghiaccio tra i parenti) e anche solo la grande espressività grafica del chara, che rendono tangibili sentimenti di tenerezza e speranza senza MAI ricorrere, non un solo momento, a retorica e inserti strappa-lacrime. Takahata riversa nel suo lavoro quella leggerezza poetica unica che poi ritroveremo, meglio usata, nei capolavori successivi, facendoci ridere e commuovere allo stesso tempo e regalandoci personaggi umani e ben tratteggiati, sia primari che secondari, che pur in caratterizzazioni comiche trasudano umanità da tutti i pori.

Come accennavo, però, non reputo il film del tutto riuscito: complice la mancanza di un filo unitario che leghi il dramma di Chie ai siparietti comici si avverte un certo senso di pesantezza, arrivando presto a piangere per la durata eccessiva del lungometraggio spesa in gag avulse dal contesto. Le stesse poi non sempre graffiano, alternando momenti di divertimento puro ad altri puerili perché troppo bambineschi. La mezz'ora finale infine, basata su un ridicolo scontro tra gatti che non c'entra nulla con Chie, se nelle intenzioni vorrebbe far ridere si può dire tranquillamente che manchi clamorosamente il bersaglio. Forse in Giappone i testicoli, oggetto della diatriba tra i due felini, hanno qualche significato preciso: con occhi e mentalità occidentali non riesco a trovarlo, ammesso e concesso che lo abbia.

Chie the Brat forse non sarà tra le visioni irrinunciabili di Isao Takahata, ma di sicuro è un buon film che per quei momenti di maestria registica è degno di venire accostato ai suoi lavori più altisonanti. Curiosamente poco conosciuto anche tra i suoi fan, di sicuro ha le sue falle, ma rimane un esempio eclatante della genialità di un autore che può parlare di qualsiasi argomento, fosse anche il più ridicolo del mondo, non facendo mai venire meno grandi introspezioni psicologiche, dialoghi sopraffini e poesia pura. Uno dei migliori registi al mondo, e non solo d'animazione.

Voto: 7 su 10

Recensione: Taro the Dragon Boy

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Sun, 22 Jan 2012 23:00:00 +0000

TARO THE DRAGON BOY

Titolo originale: Tatsu no Ko Taro
Regia: Kirio Urayama
Soggetto: (basato sul romanzo originale di Miyoko Matsutani)
Sceneggiatura: Isao Takahata (idea), Kirio Urayama, Takashi Mitsui
Character Design: Reiko Okuyama, Yôichi Kotabe
Musiche: Riichiro Manabe
Studio: Toei Animation
Formato: film cinematografico (durata 75 min. circa)
Anno di uscita: 1979
Disponibilità: fansub in inglese a cura di neo1024

La storia del piccolo Taro, nato in un povero villaggio montano e cresciuto pigro e fannullone. Esistenza che cambierà successivamente all'incontro con un tengu, che gli offrirà una bevanda miracolosa: otterrà la forza di cento uomini, ma potrà usarla solo quando la porrà al servizio del bene degli altri. Saputo dalla nonna che sua madre lo aveva partorito dopo essere diventata un imponente drago, poi fuggito via, il ragazzo inizierà una lunga avventura per ritrovarla...

Film di lodevole incanto, Taro the Dragon Boy, uno dei tanti, storici lungometraggi realizzati da Toei Animation quando il suo nome ancora non era sinonimo di Dragon Ball, One Piece e shonen medium/low budget da millemila episodi. Ideato da Isao Takahata e basato sull'omonimo romanzo di Miyoko Matsutani, a sua volta ispirato a una delle numerose, tipiche leggende giapponesi, il film narra la ricerca, da parte del simpatico protagonista Taro, della madre, sparita dalla sua vita dopo averlo partorito sotto le sembianze di un enorme drago.

Una favola vera e propria completa di morale (la ragione per cui la donna s'è trasformata nella gigantesca creatura), il cui spunto di partenza diventa occasione per parlarci della maturazione del ragazzo e della sua ascesa a eroe: inizialmente un pigrone rifocillato dalla nonnina, poi si darà da fare, lungo il suo viaggio, nel lavorare i campi e guadagnarsi da vivere. Diventerà non solo un uomo, dopo aver provato sulla sua propria pelle la fortuna di poter mangiare dango in un villaggio più ricco e coltivabile del suo, ma anche il salvatore di altre comunità più povere quando sfrutterà la sua forza possente a fin di bene. Storia dai toni tipicamente infantili, ma non per questo disprezzabile da un pubblico adulto, il film di Urayama si guarda con discreto piacere, perché pone in una seducente messa in scena visiva la sua principale ragione d'essere.

Animazioni fluide e sinuose, di ottima qualità, danno vita a personaggi espressivi ed energici che si muovono in affascinanti fondali color ossidiana dalle forme astratte e vaporose, piccoli quadri di indefinita bellezza che rendono alla perfezione la dimensione mitologica di una vicenda dove sono di scena tengu, oni, draghi e altra fauna fantastica e raffigurazioni pittoriche del folklore giapponese. Di ulteriore interesse l'epicità trasmessa dalla canzone portante del film, sovente cantata da Taro stesso, meraviglioso brano di musica classica suonata con flauti e irresistibile nel solenne ritornello "ore wa, ore wa Tatsu no Ko Tatsu no Ko Taro" che vi troverete sicuramente poi a fischiettare.

Il lato negativo della medaglia vede purtroppo caratterizzazioni indifferenti, alcuni personaggi il cui senso nella trama è oscuro e dialoghi ingenui, ma per forza di cose questi ultimi non potrebbero che essere così, sia per il target, sia per la natura favolistica della storia. Elementi, purtroppo, che impediscono di godersi in allegria i 75 minuti di durata dell'opera per un qualsiasi over-10: gli adulti apprezzeranno i riferimenti culturali e la deliziosa confezione grafica, ma in più di un'occasione proveranno noia per la lentezza e i personaggi bambineschi.

Rimane un film che per il sense of wonder creato è degno di venire accostato pienamente al nome di Takahata e dei migliori Ghibli, ma piace fino a un certo punto, fino a quando si riesce a contestualizzarlo pensando al suo pubblico di riferimento.

Voto: 7 su 10

Recensione: Panda! Go, Panda! (I film)

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Thu, 19 Jan 2012 23:00:00 +0000

PANDA! GO, PANDA!

Titolo originale: Panda Kopanda; Panda Kopanda - Amefuri Sâkasu no Maki
Regia: Isao Takahata
Soggetto & sceneggiatura: Hayao Miyazaki
Character Design: Hayao Miyazaki
Musiche: Masahiko Sato
Studio: Tokyo Movie Shinsha
Formato: film cinematografici (durata 35 min. circa l'uno)
Anni di uscita: 1972 - 1973
Disponibilità: fansub in inglese a cura di neo1024

La tenera Mimiko, dopo aver accompagnato la nonna a prendere il treno per una gita, è sola. Tornata a casa l'attende una sorpresa: vi hanno trovato rifugio due panda, un piccolo e il gigantesco padre. Innamoratasi di loro a prima vista, Mimiko deciderà di viverci insieme...

L'arrivo di due panda allo zoo di Ueno nel 1972, donati dalla Cina in via diplomatica, diventa l'occasione per Miyazaki di ideare, scrivere e disegnare un film celebrativo, affidandone la regia all'amico Takahata e coronando il suo sogno di usare Pippi Calzelunghe come protagonista di una sua storia, donandone l'aspetto fisico alla protagonista Mimiko (l'autrice aveva rifiutato di dare il permesso di usare l'originale). Panda! Go, Panda! si ricorderà come un Totoro ante-litteram, trovando nelle buffe facce del grosso panda protagonista le stesse espressioni beote e l'identico ruolo rivestito dall'ingombrante protagonista del lungometraggio Ghibli.

Alla fine non è che ci si possa dilungare molto su questo mediometraggio dalla durata di poco più di mezz'ora: dedicato esclusivamente a un pubblico infantile, è una storiella più o meno apprezzabile di animali dalle espressioni kawaii e della spensierata protagonista di 5/6 anni che come in un sogno li accudisce in casa sua, facendone il nucleo familiare che rimpiazza la sua famiglia scomparsa. Occasione per gag bambinesche ambientate a scuola e il classico tema dell'insensibile mondo adulto che vuole toglierglieli, anche se nel contesto di atmosfere così scanzonate e irreali da configurarsi come un onesto divertissement senza particolari pretese. Nulla di eclatante e neanche chissà che prova d'autore per Takahata, ma si lascia vedere, la sua breve durata è un valore aggiunto e può interessare i fan di Miyazaki come prototipo di Totoro, senza contare che è il primo film da lui personalmente curato in quasi tutti gli aspetti. Peccato per una cura grafica abbastanza piatta e una realizzazione tecnica sufficiente (tenendo conto che si parla Tokyo Movie Shinsha era auspicabile qualcosa di più), risulta evidente che neanche i suoi creatori nutrissero chissà quali ambizioni, ma nonostante questo il film otterà un discreto successo, abbastanza da portare, l'anno dopo, al seguito Rainy-day Circus.

Quest'ultimo purtroppo inizia a essere un po' troppo infantile, anche tenendo conto del suo target. Mimiko e i suoi amici panda stringono amicizia con un tigrotto fuggito da uno zoo, lo accudiscono a casa e infine il cucciolo torna da sua madre. Poi, arriva un'ondata di piena che porta sott'acqua tutto il villaggio, e allora gli eroi salvano gli animali in pericolo. Stessi disegni e fondali esageratamente bambineschi, stesse animazioni sempliciotte, ma tantissima melassa di buoni sentimenti in più: Mimiko diventa insopportabile, ridendo per qualsiasi cosa e massacrando il provato spettatore con un numero incalcolabile di faccine sorridenti e capriole insopportabili. Sarebbe ridicolo stroncare un film concepito per un pubblico giovanissimo e infatti non lo farò, ma per chiunque abbia più di 5 anni la visione di Rainy-day Circus è certamente sofferta, in quanto solo riproposizione delle "gag" del film precedente con un'enfasi ancora maggiore su buonismo e ogni genere di amenità (e senza spiegare, ancora, l'incredibile mistero dietro a questa nonna vergognosa che lascia la piccola nipotina sola a casa). Di un vago interesse solo la parte conclusiva, non certo per l'ennesima tempesta di sorrisi e risatine, ma per la certa suggestione evocata dagli scenari sommersi, resi registicamente e graficamente interessanti dalle varie visuali usate da Takahata. Durata sempre, per fortuna, relativamente felice, giusto 38 minuti.

Ultimo dubbio, nell'analisi di questo dimenticato (e diciamo pure, dimenticabile) progetto di Miyazaki, è come abbia potuto l'artista, col suo celebre pensiero ecologico, trasmettere ai bambini, in questi due mediometraggi, l'idea che gli animali in zoo e circhi non solo se la passano bene, ma vivono anche felici! Detto questo, anche se dietro alla sua realizzazione stanno due grandi autori, di loro si vede l'aspetto peggiore, indi per cui reputo la visione di tali film irrilevante, buona solo per contestualizzare il percorso artistico di entrambi.

Voto: 6 su 10

Recensione: Il segreto della Spada del Sole

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Tue, 17 Jan 2012 23:00:00 +0000

IL SEGRETO DELLA SPADA DEL SOLE

Titolo originale: Taiyo no ouji Horus no Daiboken
Regia: Isao Takahata
Soggetto: Kazuo Fukuzawa, Isao Takahata
Sceneggiatura: Kazuo Fukuzawa
Character Design: Yoichi Kotabe
Musiche: Michio Mamiya
Studio: Toei Animation
Formato: film cinematografico (durata 82 min. circa)
Anno di uscita: 1968
Disponibilità: edizione italiana in dvd a cura di Cinehollywood

La storia di Horus, ragazzino nordico che vive insieme al nonno in una terra misteriosa. Dopo essere entrato in possesso di una misteriosa spada, estratta da un gigante di pietra, apprenderà dall'anziano parente che entrambi provengono da un vecchio villaggio a nord, distrutto, anni prima, dal malvagio re dei ghiacci Grunwald. Rimasto solo al mondo, Horus deciderà di tornare al paese natio...

Nonostante un voto non irresistibile, che denuncia la mia incapacità a contestualizzare un film nato per bambini, Il segreto della Spada del Sole è un tassello importante nella crescita artistica di Isao Takahata, il co-fondatore di Studio Ghibli e braccio destro di Miyazaki, la sua opera d'esordio come regista e, non ultimo, uno dei più avveniristici lungometraggi d'animazione degli anni 60, già assorto meritatamente a classico d'epoca: non tanto per qualità intrinseca, ma per quello che rappresentò.

Siamo nel 1968, l'anno della rivoluzione culturale, delle grandi contestazioni e degli scioperi in piazza. Dopo tre anni di lavorazione il film esce nei cinema, realizzato con budget stratosferico e carta bianca sui suoi contenuti, regalo di Toei Animation ai suoi dipendenti sfruttati sino all'osso e in spirito di rivendicazioni socialiste. Dopo soli dieci giorni di proiezione sarà ritirato dalle sale: il governo lo accusa di sovversione, di voler "bolscevizzare" i bambini nel suo messaggio politico contro il potere costituito, rappresentato dal villaggio dell'eroe che si ribella al perfido tiranno Grunwald. Risultato sarà un flop di pubblico pauroso e la scusa di Toei per sbarazzarsi del regista Takahata, ma, come Il codice Da Vinci insegna, anche il lungometraggio conoscerà, grazie alle polemiche, quella notorietà che mai altrimenti avrebbe avuto, divenendo una bandiera in ambienti universitari e intellettuali. Takahata farà così conoscere per la prima volta il suo nome al grande pubblico, dimostrando, proprio con questo film, la sua vena politica che lo porrà, nei tempi di grandi successi Ghibli, a differenziarsi dalle opere di Miyazaki proprio per i suoi messaggi più intellettuali. Non è comunque nei suoi aspetti politici che Il segreto della Spada del Sole brilla, ma nella sua avveniristica confezione che sembrava il non plus ieri e oggi, in più momenti, continua a stupire.

I primi 15 minuti sono addirittura sbalorditivi: il sense of wonder regna sovrano nell'astratto mondo dove vive il protagonista Horus, mirabile sintesi di suggestioni che pescano dalla mitologia nordica (le ambientazioni ghiacciate, il villain) e da matrici squisitamente fantasy (il gigantesco uomo di pietra Mog che anticipa il Mordiroccia de La storia infinita). Sorprende sopratutto la fluidità impressionante delle animazioni, enunciata da una sequenza introduttiva divenuta celebre (la lotta tra il ragazzo e un branco di lupi) e perennemente mantenuta, sopratutto in quei dettagli minori (gli spruzzi d'acqua delle onde marine) che tengono incollati allo schermo per tecnica e magnificenza, tutto disegnato e animato maniacalmente a mano. Il senso di spontanea meraviglia perdura per tutta la prima parte della storia, spigliata e intrigante, salvo cadere in una lentezza esagerata giungendo al nocciolo della trama, quando Horus arriva al suo villaggio e iniziano le perfide macchinazioni di Grunwald.

Non convince la parte centrale: lo sceneggiatore Fukuzawa tenta più volte, con l'artifizio di animaletti kawaii e numerosi inserti cantati, di allacciarsi, com'era la prassi d'epoca, ai lungometraggi d'animazione americani, ma manca di quell'umorismo e di quelle caratterizzazioni che rendevano leggendari i cartoon Disney. Rispetto a questi ultimi indubbiamente i protagonisti sono più credibili e umani, oggetto di vizi e debolezze (la figura dell'angelica traditrice Hilda) a testimonianza della volontà di sdoganare il cartone animato da un target prettamente infantile, ma non per questo hanno carisma, risultando invero freddi alle disgrazie che capitano loro. C'è voglia di stupire, di raccontare una storia basata più su intermezzi psicologici che sull'azione (davvero poca, se escludiamo la citata parte iniziale), ma senza trovare personalità forti è dura coinvolgere eccessivamente e così è stato.

Nell'inevitabile scontro finale il lungometraggio si risolleva grazie alle coreografie dei fantasiosi combattimenti e a certi risvolti drammatici, ma tutto rimane, per quanto avveniristico, datato per gli standard odierni. Rimarranno alla mente le innovazioni concettuali apportate dal film, l'ineccepibile lavoro tecnico dietro di esso (anche se alcune sequenze potenzialmente evocative, come l'attacco al villaggio di lupi e topi, sono state deludentemente rese in immagini statiche perché il budget sforava), l'ottima regia di Takahata e i fiabeschi fondali di Hayao Miyazaki (che proprio in virtù di questo suo lavoro conierà il ruolo di "scene designer"), ma l'impressione generale è che sarebbe stato meglio progettare un film di avventure più ordinario e meno dialogato, dove i soldi potevano essere impiegati per incrementare spettacolarità e azione sfruttando meglio il contesto semi-mitologico che alla fine rimane marginale e ben poco approfondito.

Impressioni comunque che, rapportate all'importanza dell'opera, lasciano il tempo che trovano: Il segreto della Spada del Sole è di interesse storico di prim'ordine, simbolo di lotta politica ma anche un timido passo evolutivo del linguaggio animato, inteso a cercare di essere qualcosa di più di un semplice passatempo per bambini. Visto oggi dimostra tutte le sue ingenuità, ma fare le pulci per questo motivo è semplicemente ridicolo.

Nota: uscito nei cinema italiani negli anni 70 col nome La grande avventura del piccolo principe Valiant, il film di Takahata conoscerà un buon adattamento, seppur rovinato dalla pronuncia sbagliata del nome dell'eroe (Horus diventa Hols) e dalla riduzione in 4:3 dell'originale video in 16:9. Sarà rieditato anni dopo in VHS Avo Film col titolo più corretto de Il segreto della Spada del Sole, salvo conoscere recentemente una nuova edizione in dvd a opera di Cinehollywood che gli restituirà il ridicolo nome precedente, lo spaccerà per un film di Miyazaki, gli darà una copertina vergognosa e non metterà a disposizione neanche l'audio originale in jap, senza contare il mantenimento del rapporto video sbagliato. Per questo mi viene spontaneo consigliare, al pubblico nostrano, di evitare il nostro orribile dvd e rimediare, magari, quello americano dell'Optimum Asia, uscito nel 2005 come The Little Norse Prince e realizzato come Dio comanda e secondo criteri estetici universali.

Voto: 6,5 su 10

Storia dell'animazione robotica: Renawal, su Animeclick!

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Mon, 16 Jan 2012 23:08:00 +0000

Sono felice di annunciare che l'apprezzato Dossier sulla Storia dell'animazione robotica, scritto su Anime Asteroid l'anno scorso, proprio oggi rivive, in una sfavillante Director's Cut (con tanto di rimozione delle virgole inutili e qualche frase riscritta meglio!), su animeclick, il più importante portale italiano di informazioni e recensioni anime.

Come qui verrà pubblicato in tre parti, una a settimana, per ripercorrere insieme la storia del nostro genere preferito. Ringraziando Slanzard e Animeclick per l'ottima vetrina che ci hanno fornito, e augurando buona fortuna ai loro mod per le consuete polemiche Evangeliche che sicuramente li attendono, invito tutti i nostri lettori a seguirci anche lì. ;)

Il link.

E tanto per cambiare, da domani fino a metà febbraio largo alla retrospettiva del cinema di Isao Takahata, in attesa di quella su Yoshiaki Kawajiri.

Recensione: Black Magic M66

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Sun, 15 Jan 2012 23:00:00 +0000

BLACK MAGIC M66

Titolo originale: Black Magic M66
Regia: Masamune Shirow, Hiroyuki Kitakubo
Soggetto & sceneggiatura: Masamune Shirow (basato sul suo fumetto originale)
Character Design: Hiroyuki Kitakubo
Musiche: Kenyo Katayanagi
Studio: MOVIC
Formato: OVA (durata 48 min. circa)
Anno di uscita: 1987
Disponibilità: fansub in inglese a cura di SSP-Corp

A causa della caduta accidentale dell’elicottero che li trasportava, due modelli di M-66, potentissimi cyborg guerrieri dalle fattezze femminili, vagano senza meta in un bosco, privi di controllo, distruggendo qualsiasi cosa capiti loro a tiro. Mentre l’esercito cerca di rimediare, prima che gli M-66 raggiungano la città e trovino Ferris, figlia dello scienziato che li ha costruiti e unico obiettivo su cui sembrano misteriosamente sintonizzarsi i loro cervelli sintetici, Sybel, una giornalista freelance, intercetta una trasmissione radio e subito si getta sul luogo del misfatto: diventerà involontariamente l’unica in grado di risolvere la situazione.

L’esordio di Masamune Shirow è ben lontano dalla tortuosità fantascientifica per la quale si farà apprezzare in seguito, con Appleseed e Ghost in the Shell, ma anche in Black Magic, targato 1983, si riscontrano alcuni dei suoi tocchi tipici, dalla preferenza femminile per i suoi personaggi al design dei cyborg, passando ovviamente per il suo famosissimo tratto, già allora espressivo e caratteristico. Black Magic non è però soltanto il primo passo di Shirow nell’universo manga, nel 1987 gli viene infatti offerta l’opportunità di dirigerne una trasposizione animata per un OVA di 45 minuti, in compagnia di Hiroyuki Kitakubo (successivamente alla regia di Roujin Z, Blood – The Last Vampire e Golden Boy). Ne nasce un prodotto interessante, scaltro e avvincente, un progetto simpatico e perfetto per la sua durata.

Essenzialmente Black Magic M66 è un OVA d’azione, non ci sono pause nei suoi tre quarti d’ora e il ritmo è ben mantenuto anche da una trama che, per quanto esile (in fondo non vedremo altro che Sybel e Ferris fuggire dagli M-66 prima di affrontarli nello scontro finale), offre un buon meccanismo adrenalinico, ben scritto nel suo dipanarsi di eventi e nella gestione dei personaggi, sicuramente soddisfacente per il pubblico a cui è destinato.

La supremazia delle due M66, dotate di ingannevoli linee femminili che non mascherano affatto la loro violentissima perizia nell’uccidere chiunque, è totale, l’esercito non può nulla di fronte alla furia cibernetica di questi nuovi ritrovati tecnologici ed è infatti è una gustosa carneficina, ricca di morti coreografiche e un abbondante spargimento di sangue, lo scenario in cui si muove Sybel, simpatica eroina che garantisce un eccellente tocco ironico alla pellicola sin dalla sua prima apparizione (quando, appena uscita dalla doccia e ancora nuda, capta il segnale radio dell’incidente dell’elicottero ed esce di casa di corsa senza neanche vestirsi). La sua divertente parlantina e l’impavido coraggio dimostrato anche nei momenti più terribili ne fanno un personaggio adorabile e solare, alla quale Motoko Kusanagi, protagonista di Ghost in the Shell, pare contrapporsi proprio per la sua meccanica serietà. È ottima, infatti, l’accoppiata formata con l’impulsiva Ferris: le due diventano protagoniste di una fuga rocambolesca e convincente, mentre attorno a loro crolla letteralmente tutto sotto le mitragliate dei cyborg.

Il resto è composto da una manciata di figure di contorno (il collega di Sybel, il professor Matthews, il “Maggiore”), che garantiscono una cornice più o mena macchiettistica alla vicenda, colorandola ironicamente e spezzando quando necessario, per permettere un po’ di respiro, l’altissimo ritmo degli eventi.

Le animazioni sono buone, i disegni sono sempre minuziosi, personali e altamente shirowiani, la regia si barcamena tra momenti ispirati e altri un po’ raffazzonati ma nel complesso funziona egregiamente. Black Magic M66: 45 minuti di puro, fracassone intrattenimento fantascientifico.

Voto: 7 su 10

Recensione: Le ali di Honneamise

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 11 Jan 2012 23:00:00 +0000

LE ALI DI HONNEAMISE

Titolo originale: Ōritsu Uchūgun - Honneamise no Tsubasa
Regia: Hiroyuki Yamaga
Soggetto & sceneggiatura: Hiroyuki Yamaga
Character Design: Yoshiyuki Sadamoto
Musiche: Ryuichi Sakamoto
Studio: GAINAX
Formato: film cinematografico (durata 125 min. circa)
Anno di uscita: 1987
Disponibilità: edizione italiana in VHS a cura di Manga Video

In una Terra alternativa la conquista dello spazio sembra finalmente aver raggiunto il suo passo più importante: la costruzione di un razzo capace di oltrepassare l’atmosfera e raggiungere le immensità del cosmo. Di fronte al rischio che la missione, però, si riveli un pericoloso fallimento, nessuno sembra intenzionato a pilotare il mezzo che lo consegnerebbe alla Storia. L’unico a farsi avanti è Shirotsugh Lhadatt, che presto diventa l’idolo delle folle per quanto si appresta a compiere. Ma mentre insegue la giovane Riquinni, di cui si è invaghito quasi per caso, il clima di festa rischia di tramutarsi in tragedia poiché le rivalità politiche, sempre più aspre, potrebbero compromettere il lancio…

Destinato a far storia nonostante il pesante flop commerciale, s’intuiva già da quest’opera prima come in casa GAINAX si covassero ambizioni che ciclicamente, col passare degli anni, avrebbero rivoluzionato modi di fare e di intendere l’animazione. L’avanguardia nella costruzione della storia e dei personaggi, oltre all’estrema personalità nel frullare generi e tematiche, elementi che sarebbero riapparsi poco tempo dopo sovvertendo per ben due volte il genere robotico con Evangelion prima e Gurren Lagann poi, ma anche innovando la tradizione demenziale e allontanandosi, di fatto, da questa prima, deliziosa produzione, rendevano sul finire degli anni Ottanta assai pericolosa, come lo è d’altronde la naturale ricerca dell’originalità, la produzione, anche parecchio costosa, di Le ali di Honneamise.

Sicuramente troppo sofisticato per il 1987, Le ali di Honneamise è un progetto estremamente affascinante ma, proprio per questo, talmente anomalo che avrebbe necessitato di una maggior rifinitura per poter venire pienamente apprezzato da un pubblico di certo non preparato. Troppi gli elementi intrappolati in una trama originale tanto nel suo sviluppo indecifrabile quanto nella commistione di generi (si va infatti dalla fantascienza al thriller, dalla religione alla love story, dalla guerra all’avidità umana, dalla politica all’introspezione psicologica), e pur bilanciando la mole di argomenti puntando ora sull’ironia ora su un approccio serioso che definiscano i limiti entro cui controllare il progetto, il rischio di venire sballottati per quasi due ore è costante, fatalità che rende a tratti pesante e poco fruibile la visione di una pellicola comunque sbalorditiva.

C’è infatti così tanta meraviglia nel seguire la stralunata vicenda dell’astronauta Lhadatt che la complessità dell’opera, concettuale e strutturale, passa in secondo piano per lasciar posti all’analisi commovente di un uomo di fronte alle avversità di un mondo folle ma credibile, esagerato eppure simbolicamente veritiero, mentre insegue una meta di una semplicità (ma soprattutto di un valore) devastante. Si viene pertanto scossi come scosso lo è Lhadatt, ogni qualvolta il film cambia pelle, mutando con sobbalzi rumorosi che alterano continuamente l’atmosfera della pellicola pur senza mai dimenticarne l’aspetto sognante, vero e proprio traino del progetto. Il sottofondo ironico tiene legati come può i tanti aspetti dell’opera, funzionando egregiamente nelle sequenze più solari e offrendo il giusto spiazzamento qualora la componente seriosa emerga con omicidi e spietate macchinazioni politiche, ma anche se troppo lungo, anche se non sempre liscio come si richiederebbe, anche se disorientante nella sua labirintica messinscena, in questo caos voluto e perfettamente controllato Lhadatt, esaltato, umiliato, applaudito, disilluso ma sempre fiducioso in se stesso, matura, diventa uomo spinto da quella coraggiosa ingenuità che ne forgia il carattere trasmettendo bonario carisma e sincera simpatia.

La narrazione è lenta e studiata, ma la ricchezza dei dettagli, tanto nella creazione degli scenari quanto nella finezza psicologica, per non parlare della bellezza delle animazioni (dirette da un Hideaki Anno al suo primo incarico importante) permette un rapido assorbimento nella vicenda, bombardati dalle finezze registiche di Hiroyuki Yamaga, anche sceneggiatore, e dallo splendore dei disegni, appartenenti a quell’epoca dove i film si “facevano a mano” strabiliando gli occhi in ogni fotogramma. Il chara di Sadamoto è particolare e può non piacere, il suo è uno stile figlio di un altro tempo ma è comunque ideale per il carattere strampalato dell’intera opera, così difficile da inquadrare e sviscerare.

Con una tale mole di argomenti, appare chiaro che non tutto poteva essere approfondito adeguatamente, e se il carattere politico dell’opera è ben esposto, appare invece poco sviluppata la riflessione religiosa che Yamaga vorrebbe offrire, lasciata a se stessa in una visione bidimensionale e sostanzialmente banale, che intrappola un personaggio potenzialmente interessante come Riquinni in uno semplice passo che Lhadatt, teneramente innamorato di lei, deve compiere per capire ciò che realmente vuole fare.

Avanti anni luce rispetto alla produzione dell’epoca, Le ali di Honneamise è indubbiamente un film imperfetto ma sostanzialmente incredibile, in particolar modo se visto oggigiorno, capace com’è di stupire ancora a quasi venticinque anni dalla sua uscita.

Voto: 8,5 su 10

Recensione: Utena la fillétte revolutionaire The Movie - Apocalisse adolescenziale

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Sun, 08 Jan 2012 23:00:00 +0000

UTENA LA FILLÈTTE REVOLUTIONAIRE THE MOVIE: APOCALISSE ADOLESCENZIALE

Titolo originale: Shoujo Kakumei Utena - Adolescence Mokushiroku
Regia: Kunihiko Ikuhara
Soggetto: BE-PAPAS (Kunihiko Ikuhara)
Sceneggiatura: Yoji Enokido
Character Design: Shin'ya Hasegawa
Musiche: Shinkichi Mitsumune, Julius Arnest Seazer
Studio: J.C. Staff
Formato: film cinematografico (durata 84 min. circa)
Anno di uscita: 1999
Disponibilità: edizione italiana in dvd a cura di Dynit

Ancora sconvolta dalla fine della sua storia d'amore con Touga, Utena Tenjo entra nell'accedemia Ōtori. Qui incontrerà la bella Anthy, la misteriosa Sposa della Rosa contesa dai Duellanti della scuola che permette a chi la possiede di rivoluzionare il mondo: ottenutala sconfiggendo in duello Saionji, Utena si innamorerà di lei cercando un modo per salvarla dal suo destino.

Come ben sa chi ha avuto modo di visionarlo, La rivoluzione di Utena non è certo l'anime più leggero che possa capitare di vedere. È, con ogni probabilità, la serie televisiva più genuinamente folle mai vista nel panorama dell'animazione, il giocattolo con cui il gruppo BE-PAPAS sconvolge regole e forme dell'intrattenimento con una storia che dice tutto e niente, una gigantesca metafora che forse lo è e forse no, un anime che non si può categorizzare in alcun modo perché privo di genere. Storia di duelli di spada, architetture "impossibili", crescita, amore e maturazione sessuale, dove simbolismi grafici lasciano all'interpretazione il compito di dare senso a visioni bizzarre e di apparente (ne siamo sicuri?) nonsense. Un maxi-successone di critica, salutato insieme a Evangelion come una nuova corrente artistica visionaria e intellettuale, che il regista Ikuhara e lo sceneggiatore Enokido tentano di ripetere, due anni dopo, con un lungometraggio animato che ne rilegge la storia.

Apocalisse adolescienziale è decisamente diverso dalla controparte televisiva: non solo animato e rifatto da zero, non solo con notevoli cambiamenti narrativi, ma più esplicito ancora nelle allegorie. Fin dalle prime sequenze l'estro visionario di BE-PAPAS assorge a parte preponderante dello spettacolo subito ritrovandosi nel nuovo design dell'accademia Ōtori, ammasso scomposto e senza logica di rampe e scalinate che ricalcano le geometrie impossibili di Escher e materializzano le inquietudini interiori della nuova arrivata Utena Tenjo. È solo l'inizio: colorazioni caldissime e accecanti, motivi floreali e trasformazioni varie tengono banco riflettendo fisicamente, in sequenze di puro delirio visivo, sentimenti e stati d'animo degli attori. L'apocalisse adolescenziale del titolo fa ovviamento all'eroina Utena, alla scoperta, alla sua età, di indipendenza sessuale e di come rapportarsi al mondo, in un film sensuale e dalla forte carica erotica dove sesso e voglie ormonali sono viste nella doppia facciata di purezza (il rapporto saffico con Anthy, molto più esplicito rispetto alla versione televisiva) e sporcizia (non mancano nuovamente riferimenti a stupro e incesto).

Più che un film con una trama vera e propria, Apocalisse adolescenziale è un flusso di immagini che non sembrano seguire apparente senso: l'incipit è la trama sopra, ma le motivazioni dietro ai duelli di Utena, alle sue azioni, ai riferimenti a Confine del Mondo etc sono lasciate al solo intuito. È ai sensi che vanno affidati gradimento e interpretazione del film: Utena conosce l'amore grazie ad Anthy e possiede la chiave per liberarla dalla prigionia, i Duellanti vogliono riconquistarla affrontando Utena. Queste le considerazioni da tenere a mente per seguire il lieve filo logico, il resto sono chiacchiere. Le allegorie, gli inserti surreali, i siparietti di teatro ombre e tutte le follie di BE-PAPAS sono artifizi per intuire lo svolgersi degli eventi, fisici e psicologici, che non necessariamente si svolgono su un piano materiale. Come nell'originale, infatti, anche qui la storia si presta a notevoli chiavi di lettura. Un fantasy dove una principessa è liberata dal castello stregato dove sta rinchiusa? Una metaforica rivendicazione di libertà e indipendenza da parte di una ragazza che ha vissuto asservendosi agli altri? Impossibile dare una spiegazione univoca, di sicuro però il lungometraggio funziona che è un piacere e, per la sua brevità, l'ho apprezzato più della lunga serie televisiva.

Non manca in esso nulla di quello che ha reso grande l'originale: tornano il caratteristico chara design transgender di Shin'ya Hasegawa, le straordinarie composizioni gothic metal di J.A. Seazer e le ambientazioni "impossibili", ma sopratutto il budget è molto più elevato e questo si imprime in ottime animazioni e un generale splendore grafico e tecnico. Stessa minestra, ma in molto meno tempo, con uguale inventiva e ancora più simbolismi, e il piacere di interpretarli è più impareggiabile che mai. Presenti in numero elevatissimo impongono fin da subito l'uso di materia grigia per codificarli e, tra spade di legno che appaiono dal nulla, lenzuola i cui movimenti ricalcano un coito e che poi si trasformano in farfalle, tragici flashback a tema acquatico e autolavaggi che prendono il posto di un roseto, Apocalisse adolescenziale raggiunge l'apice del compiacimento intellettuale dello spettatore.

Unico difetto di Apocalisse adolescenziale, se è possibile parlarne male, l'essere dipendente dalla visione dell'originale per coglierne riferimenti e citazioni: i look di Utena e Anthy in quest'incarnazione sono invertiti, a suggerire, romanticamente (e probabilmente, non si può mai sapere cosa volesse sottointendere lo sceneggiatore Yoji Enokido), che le due sono parti complementari di una stessa entità. Non mancano poi, in quello che doveva essere un remake, anche richiami espliciti all'originale (chi è quella ridicola mucca che sembra non aver senso? È Nanami, in versione animalesca per richiamare l'esilarante episodio 16) e l'inversione dei rapporti interpersonali tra alcuni personaggi.

Lungometraggio sicuramente non rivolto a tutti, ma originale oltre ogni limite e appagante per chi ha un'ora e venti di tempo da dedicargli, Apocalisse adolescenziale è una di quelle opere assurde che si divertono un mondo a giocare con lo spettatore. Si odia o si ama senza vie di mezzo, io dal canto mio posso dire che raramente m'è capitato di emozionarmi vedendo una protagonista trasformarsi in un'automobile per poi sfrecciare sotto giganteschi pneumatici che cadono dal soffitto: (simbolicamente) Utena è l'unico mezzo con cui Anthy può fuggire dalla sua vita? Essendo la chiave d'accensione del veicolo una sorta di "cuore" dell'auto, significa che è Anthy, che la possiede, rappresenta il cuore di Utena? Puro, semplice trolling di classe? Non lo so, ed è questo che me lo fa amare.

Voto: 8 su 10

Recensione: The Skull Man

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Wed, 04 Jan 2012 23:00:00 +0000

THE SKULL MAN

Titolo originale: Skull Man
Regia: Takeshi Mori
Soggetto: (basato sul fumetto originale di Shotaro Ishinomori)
Sceneggiatura: Yutaka Izubuchi
Character Design: Jun Shibata
Mechanical Design: Yoshinori Sayama
Musiche: Shiro Sagisu
Studio: BONES
Formato: serie televisiva di 13 episodi (durata ep. 23 min. circa)
Anno di trasmissione: 2007
Disponibilità: fansub in inglese a cura di Shinsen_subs

Diventato giornalista dopo aver lasciato il suo paese d'infanzia Otomo, Hayato deciderà di tornarvi all'indomani dell'apparizione del misterioso Skull Man, uomo mascherato autore di efferrati delitti. Stretto un legame d'amicizia con Kiriko, una fotoreporter, inizierà a indagare trovandosi al centro di un'inquietante vicenda di organizzazioni religiose, creature mostruose che si aggirano per la città e il sanguinoso piano Gogou...

Se al giorno d'oggi di sicuro è diffile vedere di buon occhio ancora storie di complotti militari, industrie farmaceutiche e super-esperimenti concernenti super-uomini, è doveroso sospendere temporaneamente il giudizio se il materiale di riferimento è un vecchio fumetto cult di Shotaro Ishinomori, rivitalizzato da una sapiente sceneggiatura di Yutaka "RahXephon" Izubuchi.

The Skull Man si basa sull'omonimo manga serializzato nel 1970 dal maestro, una versione alternativa e dark di quel Kamen Raider con cui è entrato nella leggenda della televisione. Protagonista è un anti-eroe (tra i primi della Storia del fumetto), Tatsuo Kagura, che nei panni di Skull Man veste un'inquietante maschera a teschio e percorre una cupa strada di sangue verso il marionettista che gestisce politica, industrie e finanza del Giappone, non lesinando a uccidere anche innocenti nel suo cammino. Una storia la cui lunghezza occuperà un solo tankobon, ma che venderà la bellezza di un milione e mezzo di copie in patria guadagnandosi un'aura immortale. È così che nel 2007 BONES e Izubuchi realizzeranno un accattivante omaggio al padre di Cyborg 009 con una sorprendete opera di sequel/remake.

Per l'occasione Izubuchi inventa un nuovo protagonista, Hayato Mikogami, e lo manda quindi a indagare sulle imprese di un "nuovo" Skull Man che si aggira nella sua città natale Otomo. È Tatsuo Kagura, quello originale? O un altro? Da questo incipit prende il via un giallo in cui il giornalista cercherà spiegazioni, seguendo la scia di morti di Skull Man e scoprendo i motivi di quella che è una terribile vendetta. Sottofondo di culti misteriosi, colpi di stato e tutto quello già accennato in apertura. Nulla di originalissimo, ma l'idea di rielaborare Skull Man non dal punto di vista del misterioso assassino ma bensì di un individuo che lo segue, rimpiazzando le atmosfere super-eroistiche originali con quelle da mystery, è ottima, ben sfruttata e realizzata.

Di sicuro, visto il nuovo genere di riferimento, i pochissimi intermezzi action e un beast design anonimo, Skull Man pecca gravemente di spettacolarità. Anzi, è scritto e diretto con una certa lentezza e non sono poche le possibilità che possa deludere chi si aspettava in esso una trasposizione del fumetto. Peccato per costoro, si perderanno in primis molti personaggi ben delineati e piacevoli, ma anche la genuina aria di mistero e interesse celati dietro l'identità di Skull Man e le ragioni della sua vendetta.

Come in RahXephon, bisogna dire, i dialoghi sono sempre precisi e nulla è lasciato al caso, pena non riuscire a far combaciare tutto. Fortunatamente la vicenda è meno complessa e più lineare, facendosi apprezzare per l'eleganza con cui è narrata, ma anche per il modo con cui nelle ultime tre puntate la progressione temporale degli eventi subisce un'improvvisa accellerata degna del miglior Taniguchi, unita a un aumento della dose di splatter. Si sono viste regie più autoriali e meno patinate, ma dietro l'opera c'è una grande cura di sceneggiatura e la cosa si nota parecchio facendo rimanere alla memoria The Skull Man come una bella visione. Lo sbalorditivo epilogo poi, con cui Izubuchi trasforma l'opera di Ishinomori in un vero e proprio prequel di Cyborg 009 è da applausi.

Da battere invece meno le mani per il chara design molto sui generis di Jun Shibata, incompatibile con l'indimenticabile e riconoscibilissimo tratto di Ishinomori al punto che appare inspiegabile come BONES non abbia voluto ricalcarlo come hanno fatto un po' tutti gli studios a lavoro sulle opere del mangaka. Meglio invece la colonna sonora del ritrovato Shiro Sagisu, autore di litanie da western crepuscolare che ben si adattano alle atmosfere malinconiche della storia, senza contare solenni composizioni al violino che ne sottolineano i momenti più lirici.

Per qualcuno The Skull Man versione BONES può sembrare una dissacrazione, quasi un affronto all'opera di Shotaro Ishinomori: a mio parere, pur rivoluzionandone la formula, Yutaka Izubuchi ha reso comunque un bel servizio all'autore, con una rielaborazione che non ne tradisce lo spirito e anzi, complice il finale geniale, lo omaggia pure. Al punto che, per gli sviluppi che avrà quel formidabile epilogo mi viene, paradossalmente, da consigliarne la visione sopratutto agli amanti di Cyborg 009.

Voto: 7 su 10

Recensione: RahXephon The Motion Picture - Pluralitas Concentio

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Sun, 01 Jan 2012 23:00:00 +0000

RAHXEPHON THE MOTION PICTURE: PLURALITAS CONCENTIO

Titolo originale: RahXephon Tagen Hensoukyoku
Regia: Tomoki Kyoda
Soggetto: BONES, Yutaka Izubuchi
Sceneggiatura: Tomoki Kyoda, Yutaka Izubuchi
Character Design: Akihiro Yamada (originale), Hiroki Kanno
Mechanical Design: Michiaki Sato, Yoshinori Sayama
Musiche: Ichiko Hashimoto
Studio: BONES
Formato: special televisivo (durata 115 min. circa)
Anno di trasmissione: 2003
Disponibilità: fansub in inglese a cura di Anime-Legion

La storia d'amore tra i giovanissimi Ayato e Haruka sarà tragicamente distrutta all'indomani dell'apparizione dei Mu, creature multi-dimensionali che ingloberanno Tokyo in una gigantesca ampolla energetica che rallenterà lo scorrere del tempo ed eroderà lentamente la memoria degli abitanti. Haruka quel giorno era lontana da Tokyo, fuori dalla sfera, ed è così che si salverà e diversi anni dopo, crescendo, diverrà ufficiale di TERRA, avamposto militare dotato di avanzate armi belliche che rappresenta l'ultima speranza dell'umanità contro i Mu. Tornata a Tokyo, Haruka ne porterà fuori Ayato, ormai privo di alcun ricordo di lei, unico essere vivente in grado di pilotare il misterioso, gigantesco mecha RahXephon che dovrà armonizzare il mondo...

L'eleganza formale e narrativa di RahXephon è indubbia: indubbi sono però anche i problemi derivanti dall'approccio scelto da Izubuchi di raccontare la sua storia, quello di dialoghi sempre incisivi con cui caratterizzare gli attori e dipanare il complesso intreccio. La trama, si è visto, sarà salutata con entusiasmo da platee di tutto il mondo, estasiate per la sua bellezza e l'autorialità della realizzazione, ma in molti non sarebbero sinceri se non ammettessero che, arrivati al fatidico episodio 26, ancora covavano dubbi e perplessità su alcuni punti oscuri della narrazione, in primis la dicotomia Haruka/Mishima, il piano di Ernst von Bähbem, e cos'è che Hayato ha effettivamente fatto quando ha avuto finalmente modo di "armonizzare" il mondo. È per rispondere a questi quesiti che, poco tempo dopo la conclusione della serie televisiva, giunge da parte di BONES e il regista Tomoki Kyoda un lungo film televisivo di RahXephon, dove la trama sarà interamente riassunta con numerosi cambiamenti e dando tutte le spiegazioni che servono, per spiegoni forse incivili ma che hanno il gran merito di fare estrema chiarezza: Pluralitas Concentio.

Diciamolo subito: è pacifico, pur con due ore di durata, che il film non si ponga minimamente come alternativa alla visione dell'originale, rivolgendosi unicamente ai fan. È dato per scontato che i personaggi siano tutti conosciuti, e gli sviluppi della storia accennati in velocità. Nonostante questo la valutazione sarà alta, perché Plutalitas Concentio, ponendosi quasi come versione speculare e complementare alla serie televisiva, segue una sua propria coerenza, e pur sbrigativo rivela tutto quello che c'è da sapere sugli enigmi della storia originale, a costo di snaturare la raffinatezza di script di Izubuchi in virtù di uno più facilotto ma accessibile.

Il prologo è esaustivo a riguardo: una lunga sequenza inedita che mostra Ayato e Haruka da giovani, che iniziano timidamente a frequentarsi fino al giorno dell'arrivo dei Mu. Viene a saltare tutto l'effetto sorpresa dell'identità di Mishima, ma almeno il meccanismo dietro alle visioni del ragazzo è finalmente chiarito. La stessa cosa si applica agli altri punti interrogativi sopracitati a cui rispondono numerose scene nuove di zecca dalla spiccata vena lirica, sopratutto l'evocativa conclusione che ci rende partecipi del processo di "armonizzazione" deciso da Ayato e Haruka. Del film è poi interessante il modo con cui Kyoda, anche alla sceneggiatura insieme a Izubuchi (il cui contributo allo special, invece, è minimo, tant'è che dirà di averci messo pochissimo di suo), pur raccontando la stessa storia la modifica un po' in tutto per darle un nuovo aspetto: ricicla le singole scene ma ne cambia i dialoghi, altre le rigira completamente, reinterpreta frammenti di trama cambiandone gli attori e ha anche modo di approfondire il rapporto tra Ayato e Haruka aumentando decisamente i risvolti romantici della vicenda (non lesinando neanche scene di sesso). Ciliegina sulla torta un malinconico epilogo che riallaccia simbolicamente l'intera vicenda ad Attraverso lo specchio di Lewis Carroll.

Di grande interesse anche i cambiamenti operati al soggetto originale: adesso Quon dorme un sonno profondo in una bara colma di fiori all'interno e attende, come ne La bella addormentata, il bacio di Olin per svegliarsi, accudita amorevolmente da Itsuki innamorato di lei; il comandante Jin Kunugi segue una funzione e un destino completamente diversi; Maya stavolta è la vera madre di Ayato e non più la zia; vi è l'inedita figura degli Osservatori del Tempo, anime del RahXephon incaricate di vegliare sulla realtà da lui plasmata... Da un altro punto di vista, invece, sono ridimensionati al punto quasi da scomparire personaggi in precedenza di un certo peso come Makoto Isshiki, Megumi, Souichi, Sayoko ed Elvy.

Gli appassionati apprezzeranno molto Pluralitas Concentio, che nella tradizione dei migliori film riassuntivi non si limita a un banale rimontaggio ma offre in abbondanza nuovo materiale, enfatizzando spettacolarità e spiegazioni per riproporre RahXephon in una veste meno intellettuale me più mass oriented e coinvolta. Visione imprescindibile a chi ha visto la serie tv, per apprezzare se possibile ancor più la potenza narrativa della creatura di Izubuchi. Forse piacevolmente stupito dalle capacità di Tomoki Kyoda, studio BONES gli affiderà successivamente la regia di Eureka Seven.

Voto: 7 su 10

RIFERIMENTO
RahXephon (2002; tv)

Buon anno... sperando che non sia l'ultimo!

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 30 Dec 2011 23:00:00 +0000

Il 2011 è stato un gran crescendo, bloggermente parlando, con un riconoscimento sempre maggiore a livello di commenti e visite: contrariamente alla sua natura, forse più adatta a un sito che a un blog vero e proprio, non sono pochi gli utenti che, in questi ultimi mesi, hanno lasciato opinioni interessanti e approfondite alle nostre recensioni, portando un benvoluto clima di discussione anche su Anime Asteroid. Crescono i commenti e crescono le visite, ci ritroviamo a guardare il contatore sempre più stupefatti di come raggiungiamo facilmente una media giornaliera di 3-400 visite quando solo l’anno scorso ne contavamo la metà, mentre il feedburner ci dice di avere una buona settantina di lettori fissi.

Cosa dire, quindi, se non grazie, grazie, grazie a chi ci segue di post in post, ma anche a chi capita qui per sbaglio e si concede una breve letta sveltissima: senza di voi Anime Asteroid non esisterebbe.

Parliamo allora del 2012, cose di buoni propositi, novità e anticipazioni. Si comincia a gennaio con una rassegna sulle opere di Isaho Takahata, co-fondatore di Studio Ghibli e autore di almeno un paio di capolavori assoluti, e non solo per quanto riguarda l’animazione: io e il Mistè abbiamo avuto occasione di avvicinarci soltanto adesso al maestro e ne siamo rimasti folgorati. Più in là, poi, ci occuperemo di un altro regista di peso, quel Yoshiaki Kawajiri che con le sue opere ha firmato tasselli fondamentali di certa animazione di genere.

A partire dall’anno prossimo, però, non solo anime, su questi lidi, ma anche manga, decisione partorita dopo gli abbondanti pasti natalizi e che, tra un rotolamento e l’altro, ci permetterà di esplorare territori che fino a questo momento erano semplici parentesi nell’analisi di qualche opera. Faremo del nostro meglio, giurin giurello.

Intanto, il Mistè, il Corà e il Di Giorgio augurano buon anno a tutti, belli e brutti.

Comunicazione di servizio

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Thu, 29 Dec 2011 23:00:00 +0000

Davide di Giorgio, l'eccellente "nuovo" acquisto dello staff, oltre all'ottimo sito di critica cinematografica Il nido di Rodan ha inaugurato proprio ieri un nuovo blog, dove parlerà di una delle serie robotiche tra le sue più amate di sempre e che anche in Italia gode di un ottimo successo: i Transformers.

Sperando si ricordi della superiorità morale di Gundam (XD), gli auguro in bocca al lupo e invito chiunque sia interessato a raggiungerlo nella Luna di Cybertron.

Recensione: RahXephon

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Wed, 28 Dec 2011 23:00:00 +0000

RAHXEPHON

Titolo originale: RahXephon
Regia: Yutaka Izubuchi
Soggetto: BONES, Yutaka Izubuchi
Sceneggiatura: Yutaka Izubuchi, Chiaki J. Konaka, Fumihiko Takayama, Hiroshi Ohnogi, Ichirou Ohkouchi, Mitsuo Iso, Sho Aikawa, Yoji Enokido, Yukari Kiryu
Character Design: Akihiro Yamada (originale), Hiroki Kanno
Mechanical Design: Michiaki Sato, Yoshinori Sayama
Musiche: Ichiko Hashimoto
Studio: BONES
Formato: serie televisiva di 26 episodi (durata ep.23 min. circa)
Anno di trasmissione: 2002
Disponibilità: fansub in italiano a cura di Kanjisub

Nel 1998 tre membri dello staff Sunrise, il produttore Masahiko Minami e i chara designer Hiroshi Osaka e Toshihiro Kawamoto, all'indomani della conclusione di Cowboy Bebop decidono di staccarsi dallo studio per fondarne uno loro. Nasce BONES, che nel decennio appena passato si farà conoscere prepotentemente grazie a opere di alto profilo tecnico e narrativo (Fullmetal Alchemist, Darker than Black e Xam'd, tanto per dirne qualcuno). Non divaghiamo. Nei primissimi anni di vita, ricordiamolo, BONES ha legato al suo nome a prosiegui di opere Sunrise (co-producendo i film di Escaflowne e Cowboy Bebop) e trasponendo in animazione alcuni manga, ma è solo con RahXephon che arriverà alla sua prima opera originale, trovando un cult che per molti, moltissimi sarà salutato come il più originale, riuscito mecha degli anni '10 del nuovo secolo.

RahXephon appartiene pienamente alla nouvelle vague intellettualoide nata con Evangelion e Utena, non deve stupire che Anno ne sia quasi il ghost writer, amico intimo del regista Yutaka Izubuchi a cui darà spesso suggerimenti, in privato, sul come mandarlo avanti. Izubuchi, d'altro canto, ha messo molto di suo nell'opera, imprimendo in essa una poetica che ben si nota derivare dai suoi mirabolanti trascorsi lavorativi in Sunrise e Headgear, mecha design talentuoso (disegnatore dei robot più realistici mai visti in animazione, gli Ingram di Patlabor e i TA di Gasaraki) spesso a stretto contatto con Ryousuke Takahashi, Mamoru Oshii e Yoshiyuki Tomino. Proprio da quest'ultimo eredita un tratto fondamentale della sua visione di mondo, il tema principale di RahXephon: la comprensione e l'amore come ricette della felicità capaci di superare le barriere di guerra, razza e religione, in questo caso incarnate dal potere segreto del mecha protagonista.

Bisogna comunque notare che il punto di riferimento principale di Izubuchi, più che Evangelion (e i punti di contatto con il cult dell'amico Anno sono innegabili: lo spunto di partenza, le famigerate introspezioni psicologiche, personalità che ricalcano le varie Misato, Rei, Ritsuko etc.) è un'antica serie televisiva diretta da Tomino, il semi-sconosciuto Raideen, primo robot divino mai visto in animazione che qui rivive, attraverso richiami iconici, mecha design e omaggi vari, nel gigantesco e angelico RahXephon, l'incognito suono divino (Rah sta per Ra, la divinità egizia del sole; X incognita; Phon un suono) che avrà il compito di armonizzare le anime del mondo con la musica.

In RahXephon Izubuchi ci narra le vicissitudini di Ayato Kamina, ragazzino che vive, nel 2012, dentro una Tokyo chiusa da un'ampolla energetica che rallenta lo scorrere del tempo e cancella le memorie, creata dagli invasori muliani per isolarla dalla vera realtà terrestre con cui sono in guerra. Avrà modo finalmente di uscirne, scoprendo di essere l'unico essere vivente in grado di pilotare l'enigmatico e potente RahXephon. Costretto dai militari a collaborare con loro nell'affrontare le frequenti incursioni di mecha nemici (i Dolem), cercherà di capire qual è il ruo suolo nel mondo, perché il maggiore Haruka Shitow è innamorata da tempo di lui e com'è che si ritrova sangue Mu nelle vene.

Occasione per regalarci una storia spiccatamente tominiana nel racconto, dove la partenza è lenta e criptica, i mecha (ma non sarebbe neanche giusto chiamarli così, essendo golem - proprio quelli di tradizione ebraica - fatti d'argilla) contano quasi zero e i combattimenti si risolvono in sequenze cortissime aridamente coreografate, ma sopratutto dove l'interesse risiede nella bellezza della trama e nelle iterazioni tra personaggi. Una sorta di aggiornamento anche dell'estetica e delle idee di Brain Powerd, sempre di Tomino, ma meglio scritto e realizzato. Si nota di sicuro un gran lavoro di script in RahXephon, dato da un invidiabile staff all-star di sceneggiatori (Yoji Enokido, Ichirou Ohkouchi, Chiaki J. Konaka), che presuppone però anche impegno da parte dello spattatore per non perdersi le sfumature di una vicenda estremamente complessa.

Si tranquillizzi chi teme un immane nonsense come in Evangelion, RahXephon ha una sua chiarezza. Parliamo comunque di una trama corposa e dalle mille ramificazioni, che inizia lentamente come un remake di Evangelion con spruzzate di Megazone 23 (la realtà fasulla in cui vivono Ayato e i suoi amici), prosegue scomodando organizzazioni governative, doppiogiochisti, visioni oniriche, varchi dimensionali, omaggi all'arte, civiltà fantastiche (si fa riferimento allo stato immaginario di Mu evocato dagli scritti di James Churchward) per poi chiudersi in misticismo e addirittura psicanalisi in un finale corposo di avvenimenti, assolutamente comprensibile ma che richiede notevole capacità di astrazione e intuito per rispondere a diversi punti interrogativi insoluti. (De) Merito della sceneggiatura cervellotica, ma anche dal vero e proprio modo di dirigere, dalle reminiscenze tardo-tominiane (Victory Gundam e Brain Powerd) adottato da Izubuchi, dove ogni scena è corta ma necessaria e i dialoghi, perfetti, sono mirati e calcolati al millimetro. C'è una facciata di ermetismo insomma, voluta da Izubuchi per trasmettere il senso di estraneità di Ayato alla vicenda e (probabilmente) dovuta all'apporto non accreditato di Anno, ma con la dovuta attenzione lo scoglio si può superare.

Un vero peccato però la bassa empatia che si instaura con i personaggi, problema che avviene spesso con storie complesse come questa. Si divorano gli episodi per la curiosità sul come si evolverà la trama, per merito dell'ottimo storyboard e della gestione perfetta del cast, ma tutto è così "perfettino" e preciso che non c'è stato modo di creare intermezzi, anche leggeri o avulsi dalla trama, con cui dare introspezione ai protagonisti. Sono sempre in prima linea nel racconto e le loro reazioni psicologiche indubbiamente realistiche, ma non mi sono mai sentito emotivamente coinvolto dalle loro vicissitudini, non ho provato particolare tristezza per la loro eventuale morte. Sembra che il gran numero di sceneggiatori, tutti a esprimere il loro tocco nei singoli episodi, sia stato addirittura un male, perché ha fatto perdere di vista a Izubuchi la profondità del racconto e la necessità di caratterizzarne meglio gli attori. La fine della serie lascerà dentro appagamento per l'eleganza autoriale con cui è resa una gran bella storia, ma anche eventuale frustrazione per le potenzialità non pienamente sfruttate.

Dal punto di vista squisitamente sensitivo, invece, RahXephon è di uno stilismo raramente eguagliato. Se inizialmente si storce il naso per la presenza della nota compositrice Yoko Konno solamente nella opening (la magnifica Hemisphere), la sua collega Ichiko Hashimoto non ne fa rimpiangere l'assenza confezionando una colonna sonora eterea che, abbracciando composizioni al pianoforte, jazz sperimentale e ambient dà lirismo e impulso a una storia che vede la musica sia come "arma" d'offesa dei mecha che come strumento del RahXephon per armonizzare il mondo (non è un caso che Ayato e la sua "gemella" Quon, i piloti, sono i suoi "Strumentisti"). Raffinato anche il chara design, elegante ed espressivo nella sua realistica semplicità e nei colori saturi, e così come i riferimenti alla corrente artistica surrealista, con riferimenti visivi che vivono nel quadro di Ayato e nelle sequenze visionarie del suo subconscio.

Per i rimpianti sull'empatia mancata coi personaggi non riesco, come hanno fatto in molti, a vedere RahXephon come un capolavoro dell'animazione, ma la sua potenza narrativa non può essere messa in discussione, così come la sapienza con cui mescola, in un intreccio arzigogolato, robot, dramma, fantascienza, fantarcheologia e intermezzi psicologici/onirici senza svaccare e traducendo il tutto in una elegante, memorabile storia d'amore. Sinonimi tutti di grande autorialità e fiducia nei propri mezzi. Ma sopratutto, e questo è il suo merito più grande, RahXephon dà fama e risalto al suo creatore Yutaka Izubuchi, dietro le quinte del successo di moltissime serie cult e noto in madrepatria per l'inconcluso (e lentissimo) manga fantasy-robotico Rune Masquer dai sontuosi disegni, ma mai così conosciuto e apprezzato come in questo caso. L'occasione di portare alla luce, finalmente, la sua indubbia dote sceneggiativa, che si ripeterà, con ottimi risultati, in The Skull Man.

Nota: in Italia RahXephon è stato acquistato anni fa da Shin Vision, che ne ha però pubblicato in dvd solo i primi sei episodi prima di fallire. Edizione italiana quindi bruscamente interrotta, per la visione si fa riferimento al fansub in italiano a cura di Kanjisub.

Voto: 8 su 10

ALTERNATE RETELLING
RahXephon The Motion Picture: Pluralitas Concentio (2003; special)

Recensione: Origine

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Sun, 25 Dec 2011 23:00:00 +0000

ORIGINE

Titolo originale: Gin-iro no kami no Agito
Regia: Keiichi Sugiyama
Soggetto: Umanosuke Iida
Sceneggiatura: Naoko Kakimoto, Nana Shiina
Character Design: Kouji Ogata
Mechanical Design: Kenji Ando, Mahiro Maeda
Musiche: Taku Iwasaki
Studio: GONZO
Formato: film cinematografico (durata 94 min. circa)
Anno di uscita: 2006
Disponibilità: edizione italiana in dvd a cura di Kaze

Molti anni fa, complice il solito errorino scientifico umano, la natura s'è ribellata alla Terra, distruggendo la civiltà industriale e facendo regredire il mondo come lo conosciamo a lande forestali dove vivono due sole città, la militarizzata Ragna e la Città Neutrale. Quest'ultima, eretta sopra una gigantesca parete rocciosa a strapiombo e patria della comunità dove vive il nostro eroe Agito, vive in simbiosi con gli Spiriti del Bosco, che le garantiscono l'approvvigionamento idrico dietro non precisate condizioni. La convivenza sarà messa a dura prova quando Agito rinverrà una ragazza, Toola, nelle profondità della montagna: la figlia dello scienziato dietro la grande distruzione...

Tutto sommato, per quanto ne parli male e stronchi le sue opere, io voglio bene a GONZO. Come potrei non provare affetto per uno studio che difende con tanta ostinazione, lavoro dopo lavoro, il suo pacchiano, leggendario e meritato nome? Dopo infinite serie televisive di mediocre qualità e altrettante serie OVA, finalmente GONZO decide di dire la sua anche in ambito cinematografico: niente di meglio di una classica favola ecologica alla Miyazaki per centrare un target più ampio possibile, avranno pensato, ed è con queste premesse che salutiamo l'arrivo del suo inconfondibile marchio trash nei cinema con questo memorabile Origine.

Basato su una storia di Umanosuke Iida (altresì un grande regista, dietro gli OVA di DevilMan e del bellissimo Mobile Suit Gundam: The 08th MS Team), Origine è in primis un gran brutto film, ma sopratutto un manifesto ideale di tutti i difetti per cui s'è sempre amorevolmente spernacchiato lo studio, gravi nei che il regista Keiichi Sugiyama ha voluto diligentemente riproporre anche qui per nostra (e presumo, sua) felicità. Ammasso spropositato di CG e perizia grafica per mascherare trama ridicola + background fantastico superficiale e poco approfondito + idiozie a non finire. All set.

Già la sequenza d'apertura è emblematica, con due ragazzini, l'eroe Agito e l'amico Cain, che si intrufolano in un pozzo sotterraneo per rubare acqua agli Spiriti della Foresta. Tutto come fosse un gioco, correndo, saltando e ridendo da altezze così elevate che basterebbe un piede in fallo per sfracellarsi al suolo e morire di morte dolorosa. Occasione per lo spettatore di ammirare estasiato rovine di cemento armonicamente amalgamate in vertiginose pareti di roccia, segno che almeno nell'estetica GONZO azzecca il sense of wonder delle produzioni Ghibli (sopratutto da quel Nausicaä a cui sembra palesemente rifarsi). Magici colpi d'occhio ribaditi in generale da tutti i magnifici fondali del film, dove il computer fonde con saccenza effetti ambientali, vere piante e disegni tradizionali in cartoline idilliache che enfatizzano la bellezza ancestrale della natura selvaggia. Tutto bello, bellissimo, ma qualcuno mi spiega perché gli abitanti della Città Neutrale si spostano da un picco roccioso all'altro camminando su lunghe SCALE A PIOLI poste sul vuoto? O quali sono le condizioni affinché gli Spiriti dell'Acqua diano da bere al villaggio? O quale dinamica porta la bara criogenica di Toole ad aprirsi al semplice tocco di Agito?

La storia prosegue con l'entrata in scena della città di Ragna, retta dai soliti guerrafondai che incutono timore per effetto dei loro robottoni realizzati in una CG paurosa. Capeggiati da un ridicolo tipo coi capelli bianchi a caschetto, i cattivi rapiranno Toole, l'unica capace di attivare il programma del paparino defunto che permette di far tornare il mondo a com'era prima: tragedia! Innamorato di lei, Agito deciderà di punto in bianco di aquisire i poteri degli Spiriti della Foresta fondendosi con loro e divenendo l'Essere Migliorato, l'uomo che non deve chiedere mai, capace di trasformare il braccio in un tronco da usare come arma contundente. Facciamo finta di nulla sul fatto che pure Uomo Pianta suona più minaccioso di Essere Migliorato, quello che non mi torna è sul come sia così facile decidere, di punto in bianco, di possedere una super forza e ottenerla così facilmente. I capelli del ragazzo diventano così bianchi, si troverà abbigliato con un un mitico costumino dall'ombelico fuori e potrà finalmente compiere super salti con capriole volanti. Nel 2006 siamo esigenti e vogliamo tutte le acrobazie possibili.

Il resto sono solo ulteriori ridicoli sviluppi e scene action. Scopriremo che il piano per riportare il mondo allo stato precedente consiste nell'utilizzare i mecha di Ragna per disboscare il pianeta a suon di bombe (ingegnoso!); che all'occorrenza anche una debole ragazzina come Toole può scalare a mani nude un vulcano dal suo interno; a un certo punto ci ricorderemo che il padre di Agito è morto e neanche ce ne ricordavamo e, infine, sapremo pure che anche il papà dell'amica d'infanzia dell'eroe (ragazza che, tra parentesi, per metà film continua a rosicare sul rapporto tra Agito e Toole per poi sparire PER SEMPRE dalle scene) aveva ottenuto i poteri della natura divenendo una Super Verdura, e ce lo dimostra con uno spettacolare Shoryuken contro un gigantesco masso volante. E chi se ne importa se questo signore non ha alcun peso nella trama e questa scenetta è priva di senso.

Un happy ending scontato e di un buonismo esasperante tira le fila di un lungometraggio ecologico frutto delle pressioni di qualche lobby vegana, dove più gente muore e più ci viene da ridere. Incredibile come GONZO possa aver riversato un simile alto budget in una tale schifezza (al di là della CG orrida nei mecha, le animazioni sono ottime, i fondali meravigliosi, le musiche sognanti di Taku Iwasaki addirittura bellissime), quello che conta è che parliamo di una trashata memorabile e che l'amore per la spazzatura è il requisito fondamentale per saperlo apprezzare nell'unica dimensione che gli compete. Una lode al reparto marketing di GONZO e Kaze, la casa distributrice internazionale di Origine, che in Italia mascherano i contenuti ridicoli della pellicola con una locandina glabra che dice tutto e niente.

Ultima genialata: il padre di Agito è un mezzo albero, conseguenza della sua volontaria fusione con gli Spiriti del Bosco avvenuta molti anni prima. Sappiamo questo fin dai primi minuti del film. Scopriremo, più avanti, che ha dedicato tutta la vita a costruire la Città Neutrale. Mi state dicendo che c'è un tipo che ha sacrificato il proprio corpo solo per faticare di meno nel lavoro?

Voto: 4 su 10

Recensione: Jin-Roh - Uomini e lupi

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 21 Dec 2011 23:00:00 +0000

JIN-ROH: UOMINI E LUPI

Titolo originale: Jin-Roh
Regia: Hiroyuki Okiura
Soggetto & sceneggiatura: Mamoru Oshii (basato sui suoi romanzi originali)
Character Design: Hiroyuki Okiura (originale), Tetsuya Nishio
Musiche: Hajime Mizoguchi
Studio: Production I.G
Formato: film cinematografico (durata 101 min. circa)
Anno di uscita: 1998
Disponibilità: edizione italiana in dvd a cura di Yamato Video

Giappone, anni Sessanta. Gli scontri in piazza e le rivolte capeggiate dal gruppo estremista denominato "La Setta” mettono in crisi la compattezza nazista che governa il Paese. A fronteggiare un tale momento di difficoltà intervengono i Kerberos, un corpo speciale della polizia, vere e proprie macchine da guerra. Kizuki Fuse è uno dei soldati migliori del corpo, duro, inflessibile, robotico, ma quando assisterà, impotente, alla morte di un corriere della Setta verrà sconvolto da un trauma che lo porterà lentamente ad allontanarsi dai Kerberos per riflettere su se stesso e sul proprio operato.

Si dice che Jin-Roh sia l’ultimo prodotto d’animazione “fatto a mano”, prima che la CG reinventasse le tecniche animative alleviando da una parte i costi di produzione ma sottraendo, dall’altra, la consistenza realistica con cui i lungometraggi degli anni Ottanta e Novanta hanno fatto storia. E non è forse un caso che, a chiudere per certi versi un’era, sia un’opera in cui il marchio Mamoru Oshii, nonostante il maestro si dedichi soltanto alla sceneggiatura, è impresso al cento per cento, confezionando quello che a parere di chi scrive è il suo vero capolavoro, una spanna concettuale sopra ai masterpiece Ghost in the Shell e Patlabor 2.

La Kerberos Saga è un complesso affresco fantapolitico che ritrae una realtà giapponese alternativa dove il nazismo ha militarmente trionfato e tiene in scacco la società con misure drastiche e oppressive. È una realtà dura e turbolenta, dove le azioni sovversive dei rivoltosi della Setta altro non sono che specchio dei movimenti studenteschi e dei lavoratori che hanno concretamente devastato gli anni Sessanta nipponici, guerriglieri di una violenta lotta politica dietro a una facciata democratica, scusante pacifista non molto diversa dal terrorismo rosso che ha minato la stabilità italiana nello stesso periodo. Una storia sfaccettata e provocatoria, una critica feroce a un’epoca che Oshii pare sentire molto, dove non ci sono vincitori e benché meno buoni o cattivi, ma dove tutti ne escono trasversalmente sconfitti per una situazione ben presto sfuggita di mano, animata da intenzioni sociali frantumate da una brutale rivalsa che ha preso il sopravvento su ogni cosa. Suddiviso tra romanzi, manga, drammi radiofonici e film live action, il progetto approda nella sua unica incarnazione animata nel 1999 con questo Jin-Roh, impressionante pellicola diretta, con il tipico, lentissimo tocco oshiiano, da Hiroyuki Okiura, al suo esordio registico.

A stupire, prima ancora di addentrarsi nell’intricato gioco politico della vicenda e nella emblematica crisi di coscienza di Fuse, è il realismo evocato dalle immagini, non solo per il titanico lavoro animativo, con la ben conosciuta e stupefacente cura garantita da una Production I.G ai suoi massimi livelli, ma per i disegni di di Tetsuya Nishio, che nella sua prima prova da character designer abbandona il tipico tratto nipponico, colorato ed effervescente, in favore di occhi a mandorla e capelli neri, e per la scena d’apertura, una lunga, straordinaria sequenza di guerriglia metropolitana dove polizia e manifestanti si scontrano tra lanci di molotov e manganellate.

A conti fatti si tratta dell’unica porzione movimentata della pellicola, perché a conclusione di questo sofferto prologo, coincidente con il suicidio del corriere dei terroristi davanti agli occhi di uno scioccato Fuse, Jin-Roh si sviluppa in una lenta architettura complottistica, da un lato, e in una tormentata, forse impossibile storia d’amore dall’altro. Fuse inizia a interrogarsi sulla natura militare della sua squadra e, alla ricerca di se stesso, incontra la sorella della ragazzina suicida, perdendosi inconsciamente in un amore imprevisto che sboccia lentamente, per caso, con un’innocente naturalezza che contrasta gli interrogativi che sorgono a straziare il soldato: una vita spesa per obbedire meccanicamente agli ordini e che soltanto ora pare aprirsi a un mondo nuovo, un mondo che Fuse non conosce, perché lui è un lupo che ha sempre vissuto in branco e che, mentre se ne allontana, si rende conto che forse non è in grado di vivere da solo nella società che anch’egli ha contribuito a costruire.

Intrecciata alla vera favola di Cappuccetto Rosso, quella crudele e macabra e non la versione edulcorata per bambini con cui la si identifica facilmente, per mezzo di significative porzioni oniriche simbolo della vera natura umana, la storia si tinge di nero, in una visione pessimistica e cinica, man mano che il complotto si svela allo spettatore in una meccanica sottile, articolata, costruita su dialoghi d’acciaio e caratterizzazioni di ferro, rese ancora più espressive dal già citato chara di Nishio, intenso e drammatico nel plasmare sui volti dei personaggi sentimenti credibili e toccanti.

Visione a tratti pesante ma di enorme, enorme spessore, Jin-Roh raggiunge un lirismo di disperata malinconia con un finale rivelatore che da solo vale l’intera pellicola, musicata con drammatica enfasi e violenti silenzi da un Hajime Mizoguchi che rende vitali gli scenari con i loro toni in bilico tra il grigio e il nero più scuro e soffocante.

Jin-Roh rappresenta l’Oshii più nichilista, inquieto e tragico, autore di una meravigliosa parabola della giungla più spietata, l’unico terreno in cui l’uomo può mostrare il suo vero io. Fondamentale.

Voto: 10 su 10

Recensione: Blood-C

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Sun, 18 Dec 2011 23:00:00 +0000

BLOOD-C

Titolo originale: Blood-C
Regia: Tsutomu Mizushima
Soggetto: CLAMP
Sceneggiatura: CLAMP (Nanase Ohkawa), Junichi Fujisaku
Character Design: CLAMP (originale), Kazuchika Kise
Musiche: Naoki Sato
Studio: Production I.G
Formato: serie televisiva di 12 episodi (durata ep. 24 min. circa)
Anno di trasmissione: 2011
Disponibilità: fansub in inglese a cura di Underwater

Saya è una tranquilla studentessa, abita in un tempio con suo padre e si gode spensierata la vita con i suoi amici, tra scherzi, risate e compiti in classe. Di notte, però, Saya deve combattere i furukimono, potenti creature mostruose alle quali sembra essere in qualche modo legata. Di scontro in scontro si renderà conto che nel suo passato è nascosta la chiave per debellare la minaccia di questi mostri...

Non credo che Blood sia mai stata la saga che Production I.G. aveva in mente, un prodotto forte e genuino da poterlo reinventare a piacimento, ogni manciata d’anni, per rinfrescare il franchise in vista di un universale ritorno economico (alla stregua di un Ghost in the Shell). Al di là dell’enorme successo di pubblico non si sentiva certo il bisogno di una seconda incarnazione del violentissimo film scritto da Kenji Kamiyama: troppo schematico l’intreccio di base, esageratamente monodirezionale e limitato, che già in Blood+, nonostante le ottime intuizioni e la complessiva discreta fattura, era presto sfuggito di mano a Junichi Fujisaku, che ora ritroviamo a scrivere questo tremendo Blood-C in collaborazione con le CLAMP.

Ed è proprio la sceneggiatura la lacuna più evidente della serie: a nulla serve la dinamica e tentacolare regia di Tsutomu Mizushima, sempre più invischiato in prodotti di bassa o pessima qualità, né l’ovvia superproduzione Production I.G, perché l’agghiacciante trama costruita è quanto di peggio si possa vedere in animazione. Difficile infatti trovare interesse alcuno nei primi episodi, non solo soporiferi nella gestione dei personaggi e minimi, se non nulli, nell’avanzamento di trama, ma più di ogni altra cosa ignobilmente costruiti, vergognosamente strutturati senza lo straccio di un’idea che sia una.

Saya fa colazione, Saya saltella, Saya inciampa, Saya canta, Saya va a scuola, Saya dice cose insulse con gli amici, Saya accarezza un cane, e per finire Saya ammazza un mostro vampiro mutilandolo brutalmente e spargendo litri e litri di sangue. WTF?

Trascurando il classico tratto delle CLAMP, fedelmente rispettato nelle fastidiose altezze spropositate e nell'effeminatezza di tutti personaggi, Saya è tra i peggiori parti del team di mangaka in gonnella, una ragazzina stupida e inverosimilmente ingenua di giorno, ma spietata, furbissima sterminatrice di creature, abile spadaccina e praticamente imbattibile di notte. Viene quindi a mancare anche il minimo senso di trasporto verso un personaggio improbabile, troppo esagerato nei suoi contrasti e soprattutto decisamente insopportabile nella sua incarnazione diurna, schematizzata in una deficienza fuori dal comune che punta su una comicità tipicamente nipponica che dubito possa far ridere anche un pubblico più giovane, target tra l’altro a cui il prodotto, nella sua estrema violenza, non è ovviamente indirizzato.

Infatti il sangue scorre piacevolmente copioso, e sarebbe ingiusto non soffermarsi sul piacere estetico sfornato dai combattimenti tra Saya e i vari mostri incontrati, che, tra le altre cose, nulla hanno a che vedere con i chirotteri e in generale i vampiri di Blood e Blood+: la cura per le animazioni, il ricco e fantasioso bestiario e la freschezza della regia garantiscono scazzottate gustose con bestie artigliate e creature tentacolari, ma a ricordarci che siamo alle prese con un anime di merda sono le facili vittorie di una Saya in berserk e la risibilità dei suoi avversari.

È irrilevante che la serie sviluppi una trama dopo i primi sei episodi (banalmente articolata e con personaggi noiosi e privi di caratterizzazione), perché è ridicola e offensiva una così enorme richiesta di pazienza per mandare giù le prime inutili puntate, ed è difficile credere che Production I.G abbia dato il beneplacito a un’opera tanto imbarazzante, che poggia sul vuoto di un mera bellezza grafica.

Il finale è chiaramente aperto per poter concludere la vicenda con il lungometraggio cinematografico previsto per giugno 2012, ne siamo tutti felici e non vediamo l’ora che esca.

Voto: 3,5 su 10

SEQUEL
Blood-C: The Last Dark (2012; film)

Recensione: Gosick

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Thu, 15 Dec 2011 23:00:00 +0000

GOSICK

Titolo originale: Gosick
Regia: Hitoshi Nanba
Soggetto: (basato sui romanzi originali di Kazuki Sakuruba)
Sceneggiatura: Mari Okada
Character Design: Hinata Takeda (originale), Takashi Tomioka, Toshihiro Kawamoto
Mechanical Design: Toshinari Tanaka
Musiche: Kotaro Nakagawa
Studio: BONES
Formato: serie televisiva di 24 episodi (durata ep. 24 min. circa)
Anno di trasmissione: 2011
Disponibilità: fansub in inglese a cura di Victorique

Tirare le somme dopo la visione di Gosick non mi è facile, in primis per l'incapacità di realizzare se l'aver compreso ben poco della trama dipende da mancanze mie o da una sceneggiatura deficitaria da parte di BONES.

Basato sulle light novel di Kazuki Sakuruba (serializzate dal 2003 al 2011 in 13 volumi), che segue fedelmente pur accorciandole per farle stare tutte in 24 episodi, Gosick è ambientato nello stato europeo immaginario di Saubure, nel 1924. Il protagonista giapponese, Kazuya Kujo, si è traferito qui per studiare all'accademia di Santa Margherita, dove avrà inizio la sua avventura. Stringerà amicizia con Victorique de Blois, la Fata Dorata, ragazza di bassa statura, abbigliata come una bambola e dalla lunghissima chioma bionda, che passa le sue giornate divorando libri all'ultimo piano della gigantesca biblioteca della scuola. Victorique è dotata di intelligenza e capacità deduttive incredibili, con cui risolverà, insieme all'amico, mille misteri concernenti storie di fantasmi e leggende che circolano da quelle parti, per infine svelare un complotto politico, legato al suo misterioso passato e alla scomparsa della madre, che rivelerà uno sconvolgente piano, legato all'occulto, che già aveva portato alla Prima Guerra Mondiale.

Background storico-politico, cospirazioni, miti e leggende, atmosfere inquietanti... Innumerevoli sono i motivi che hanno portato me, e immagino non solo io, ad approcciarmi alla serie con alte aspettative. Peccato che Gosick si rivelerà assurdamente tedioso, al punto che la noia porterà la visione a essere così distratta da segare quel che di buono offre.

I protagonisti innanzitutto, Kujo e Victorique, offrono il peggio degli stereotipi delle coppiette di eroi. Lei è la solita insopportabile tsundere che ormai infesta un gran numero di serie animate (sempre scontrosa e arrogante, in momenti telefonatissimi si scioglie come burro al sole); lui terribilmente anonimo, ma sopratutto starnazza come un'oca, non c'è una sola puntata in cui non urli a pieni polmoni, per almeno tre volte "Victoriqueeee!" (pronuncia giapponese: Victoricà), uccidendo lo spettatore e divenendo subito odioso come fosse un villain (un villain CARATTERIZZATO ovviamente!). La prevedibile storia d'amore segue il collaudato schema di lui che è un tonno indifendibile ignaro delle evidenti avances della sua pretendente Avril (molto più bella e degna) e che, invece di approfittarne, preferisce rimanere l'amico/schiavo di Victorique, accompagnandola nei suoi viaggi pericolosi, subendone il mobbing continuo e salvandole ogni volta la vita, col sorriso sulle labbra, "perché sei la mia migliore amica". Pietà. Eroi insopportabili con cui non si instaura alcuna empatia.

La trama portante, nella sua complessità e nelle mille ramificazioni (ministeri dell'occulto, sanguinosi omicidi, società segrete, personaggi leggendari, trappole letali, prestigiatori inquietanti... chi più ne ha più ne metta) è di assoluto rispetto. Gosick ha inizio con 13 episodi d'introduzione ai personaggi e ci racconta di singoli casi risolti dagli odiosi eroi, per poi introdurre, nella seconda parte, la vera storia, il diabolico piano messo in piedi dal misterioso marionettista a cui spesso fanno riferimento i punti di domanda sollevati dalle indagini precedenti. Trama, però, difficilissima da seguire, sia per l'odio per i protagonisti (si ha così poco interesse nelle loro iterazioni che si perdono volentieri i riferimenti all'indagine) che per la quantità abnorme di sottotrame che spesso nascono dagli stessi casi e che non sempre c'entrano. Caos al massimo. Non mancano poi, in una storia che è abbastanza realistica, pesanti cadute di credibilità: posso ancora accettare, a 15 anni da La signora in giallo e negli stessi anni di Detective Conan, che ovunque vadano gli eroi avviene un omicidio, ma no, non posso non sentirmi preso in giro da scene ridicole tipo quella di Victorique che spara al detonatore di una bomba, ovviamente colpendolo, da un treno ad alta velocità e senza aver mai preso in mano un'arma da fuoco. Senza contare che i gialli di Gosick attingono alla filosofia di pensiero di Arthur Conan Doyle: Victorique non li risolve con gli indizi a disposizione, ma perché conosce cose che noi non possiamo sapere.

Background storico poco sfruttato: non fosse per gli abbigliamenti, i riferimenti alla Prima Guerra Mondiale e i piani del villain che riguardano la Seconda, Gosick potrebbe essere ambientato in un'epoca qualsiasi. Nessun accenno a fascismo, nazismo, comunismo (giusto in una puntata vediamo salvata, da mercanti di schiavi, la piccola Anastasia, ma si fa solo riferimento a una fantomatica rivoluzione avvenuta in Russia) e a quello che succede in Europa, e la Seconda Guerra Mondiale è liquidata in tipo 5 minuti dell'ultimo episodio, senza parlare di chi vi ha combattuto, le cause e chi ha vinto e perso (e facendola pure finire nel 1929!), e accennando in velocità come l'hanno passata i due protagonisti (e meno male che era stata profetizzata, da un indovino a inizio della storia, come l'avvenimento apocalittico che avrebbe cambiato le loro vite per sempre!).

Dopo una simile disamina negativa un voto insufficiente sembrerebbe inevitabile, ma una volta tanto non mi riesce. Rimangono alla memoria alcuni ottimi personaggi (l'ispettore Grevil, fratellastro di Victorique, che dietro la ridicola acconciatura "a gelato" nasconde un'anima seria e imprevedibile), la caratura epica della trama generale (seppur di difficile comprensione) e i due episodi finali, di un registro così drammatico e truce da rappresentare una degna ricompensa a chi è sopravissuto al tedio precedente. Senza contare, ovviamente, la consueta cura BONES in animazioni e resa grafica (anche se la regia di Hitoshi Nanba è alquanto banale e telefonata). Rimane da sé che, tra tutte le produzioni BONES caldamente consigliate, Gosick non è certo tra queste.

Voto: 6 su 10

Recensione: I sospiri del mio cuore

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Tue, 13 Dec 2011 23:00:00 +0000

I SOSPIRI DEL MIO CUORE

Titolo originale: Mimi wo Sumaseba
Regia: Yoshifumi Kondo
Soggetto: (basato sul fumetto originale di Aoi Hiiragi)
Sceneggiatura: Hayao Miyazaki
Character Design: Kitaro Kousaka
Musiche: Juuji Nomi
Studio: Studio Ghibli
Formato: film cinematografico (durata 111 min. circa)
Anno di uscita: 1995
Disponibilità: edizione italiana in dvd & blu-ray a cura di Lucky Red

Shizuku è una studentessa delle medie, amante della lettura, che s'è appena auto-imposta di divorare 20 romanzi durante le vacanze estive. È innamorata di Seiji Amasawa, ragazzo mai visto prima che sembra aver letto gli stessi suoi libri, ma avrà una doccia fredda quando lo conoscerà di persona vedendo in lui un tipo antipatico che la prende in giro. Finirà, per vie traverse, ad approfondire la sua conoscenza fuori dagli ambiti scolastici, trovando in lui un appassionato costruttore di violini che si appresta ad andare all'estero per realizzare il suo sogno...

A dispetto di una locandina ingannevole, I sospiri del mio cuore non è la tipica favola di Studio Ghibli e Miyazaki. È invece l'adattamento, comprensivo di un nuovo finale, dell'omonimo shoujo manga di Aoi Hiiragi (pubblicato in Italia da Star Comics col titolo Sussurri del cuore), fumetto sbrigativo e disegnato senza arte nè parte. Miyazaki, scrivendone la sceneggiatura per il grande schermo, gli dà una personalità assente in originale, raccontando la stessa storia con qualche cambiamento (Seiji non è più un pittore ma costruttore di violini), eliminando personaggi e scene inutili (la love story della sorella di Shizuku) e approfondendo tutti i risvolti originali di trama .

Il film del compianto Yoshofumi Kondo (animatore di Conan il ragazzo del futuro, Porco Rosso e Pom Poko) è di una delicatezza unica: il racconto, con toni pacati e misurati, di una simpatica ragazzina alle prese con la sua prima cotta adolescenziale. Fosse quella l'anima del film sarei il primo a sentirmi troppo cresciuto per trovare credibili due bambini che si dichiarano amore eterno, ma il fiore all'occhiello dell'opera sta nel fornire un delizioso, appassionante spaccato di vita di una giapponese qualsiasi.

Shizuku legge libri in biblioteca, come hobby scrive canzoni (Country Road, riadattamento, da parte sua, di Take Me Home, Country Roads di John Denver), si confida con la sua migliore amica dei ragazzi che piacciono... I sospiri del mio cuore è un affresco di personaggi, di quelli che toccano il cuore. Un cast di persone qualunque, di quelle che si incontrano per strada o che si hanno come parenti, che parlano, sorridono, si divertono come farebbero nella vita reale: scontati un grande comparto dialogico e reazioni emotive perfettamente plausibili, ma sopratutto ineccepibili, per realismo da frantuma-mascella, le movenze di umani e animali, solito lavorone di Studio Ghibli a suo perfetto, consueto agio con animazioni strabilianti e magnifici fondali (le strade di Tokyo sono così ben ricostruite, addirittura con colori e luci tipiche, che sembra di passeggiarci per davvero).

Le emozioni evocate dall'opera sono numerose, ben enunciate dai momenti in cui ci si sente così coinvolti da avvertire sulla propria pelle gli stati d'animo della protagonista: mi riferisco, ad esempio, alla scena in cui lei canta la sua canzone, prima timidamente imbarazzata, poi entusiasta, con l'accompagnamento musicale fornito da lui; ad esempio a quando il nonno di Seiji le racconta la triste storia dietro alla statuetta del Barone a cui è affezionato; mi riferisco, ancora, al momento in cui lei piange di dolore dopo aver distrutto il cuore a un amico che le si è dichiarato. Momenti dove il film sprigiona una vena poetica che non si dimentica, glorificata dall'eccellente accompagnamento musicale, violini e flauti, di Juuji Nomi, e dove il consueto, semplicissimo e caratteristico chara design dello studio Ghibli raggiunge la perfezione nel comunicare espressività e sentimenti.

Slice of life romantico quindi, ma anche racconto di formazione, sull'imparare a prendersi le proprie responsabilità (il racconto che Shizuku scrive a ritmi forsennati peggiora notevolmente il suo rendimento scolastico), e sull'iniziare a pensare al proprio futuro, vero tema portante oltre alla love story. Temi affrontati con leggerezza e calma tanto semplici quanto magistrali, senza i consueti artifizi drammatici e sensazionalistici che in molti avrebbero utilizzato al posto di Miyazaki.

Opera perfetta dunque? No. Per quanto bene si possa parlare della realizzazione tecnica, della cura figurativa e delle atmosfere deliziose che si respirano in questo bel film, non ci si può dimenticare che è un adattamento di uno shoujo manga, del racconto di una storia d'amore inverosimile, in quanto a maturità, tra i due bambini. Mancano fortunatamente il miele, la melassa e i contatti fisici tipici del pensiero occidentale e di buona parte degli shoujo, ma, inutile ripeterlo, il rapporto tra i due non può esistere nella realtà e per questo fino alla fine non si prende sul serio: problema non di poco conto visto che rappresenta il soggetto del film. Un peccato, ma decisamente, per l'umanità che si respira in buona parte della sua durata, I sospiri del mio cuore è un lungometraggio che non posso non consigliare a tutti gli estimatori della settima arte.

Da tenere d'occhio il lungometraggio The Cat Returns, realizzato nel 2002 sempre da Studio Ghibli che, pur dichiaratamente favolistico, si riallaccia a I sospiri del mio cuore. Come? La protagonista incontrerà, nel corso della sua avventura, proprio Barone, la statua del gatto posseduta dal nonno di Seiji. In questo film il felino sarà un vero e proprio comprimario, dotato di voce e anima come nell'unico momento visionario di questo film.

Voto: 7,5 su 10

Recensione: Bakumatsu Kikansetsu Irohanihoheto

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Sun, 11 Dec 2011 23:00:00 +0000

BAKUMATSU KIKANSETSU IROHANIHOHETO
Titolo originale: Bakumatsu Kikansetsu Irohanihoheto
Regia: Yoshimitsu Ohashi
Soggetto: Hajime Yatate, Ryousuke Takahashi
Sceneggiatura: Junichi Miyashita
Character Design: Yuusuke Kozaki
Musiche: Hideyuki Fukusawa
Studio: Sunrise
Formato: serie televisiva di 26 episodi (durata ep. 26 min. circa)
Anni di trasmissione: 2006 - 2007
Disponibilità: fansub in inglese a cura di Shinsen_subs

Nell'era Bakumatsu, mentre infuria una guerra civile tra i sostenitori dell'imperatore Meiji e lo shogunato Tokugawa, il giovane mercenario Yojiro Akizuki vaga per il Giappone alla ricerca di un manufatto dotato di tremendi poteri. Durante il suo viaggio si alleerà con un gruppo di teatranti, ma il loro incontro non sembra essere un caso dato che anche il loro leader pare molto interessato a ciò che Akizuki segue da molto, molto tempo...

Titolo impronunciabile e rigorosamente privo di una controparte internazionale per l’ultimo capolavoro di Ryosuke Takahashi, che, prima di tornare recentemente nell’universo di Votoms, idea un sentito omaggio alla storia nipponica e al teatro pur senza rinunciare a un forte elemento fantastico che rilegge importanti avvenimenti e fornisce favoleggianti risposte a documentati interrogativi.

Siamo nel 2006 e coincidenza vuole che, mentre Sunrise produce questo Bakumatsu Kikansetsu Irohanihoheto, Production I.G. abbia appena sfornato Le Chevalìer D’Eon, altro progetto dove fatti realmente accaduti, in questo caso la Rivoluzione francese, vengono mischiati a elementi orrorifici per svelare misteriosi segreti perduti nel tempo. Ma se l’opera di Kazuhiro Furuhashi sfrutta abbondantemente creature mostruose e aspetti di genere, oltre che a una certa, esagerata fantapolitica, presentandosi più come una serie prettamente horror che storica, Bakumatsu Kikansetsu Irohanihoheto non perde mai di vista le sue radici realistiche, costruendo di fatto un intreccio sì fantastico, con presenze ectoplasmatiche, uomini immortali ed entità che divorano la mente delle persone, ma legandolo al contesto storico con un’estrema naturalezza che da un lato arricchisce e dall’altro non modifica smisuratamente le cronache di guerra protagoniste.

L’immaginario di Takahashi non è mai fine a se stesso, lo ha dimostrato in una carriera costellata di capolavori fantascientifici e lo dimostra anche in questa sua prima escursione horror: accanto al dettagliato aspetto fantastico troviamo infatti una ricca ricostruzione storica, relativa al periodo di guerra tra i sostenitori dello shogunato Takagawa e i fautori della restaurazione dell’imperatore Meiji, che funge da struttura fondamentale per sostenere tanto i complessi intrighi governativi e militari quanto gli scontri con entità soprannaturali, frutto di un soggetto preciso e attento ai minimi particolari. Pur mostrandosi particolarmente ritmato e ricco di virtuosismi, in Bakumatsu Kikansetsu Irohanihoheto il regista Yoshimitsu Ohashi non si concede al mero spettacolo visivo come succede invece ne Le Chevalier D’Eon: la sceneggiatura di Miyashita è meticolosa nella complessità dialogica necessaria a bilanciare i ruoli dei tanti personaggi in gioco e nel realismo evocato dai meccanismi politici.

L’intreccio si costruisce su una serie di molteplici punti di vista e, pur focalizzandosi principalmente sul solitario Akizuki, eroe classico per eccellenza nel suo vagabondare introverso, Bakumatsu Kikansetsu Irohanihoheto si sviluppa in una narrazione corale di non semplice accessibilità ma di grande suggestione: da una parte i teatranti a cui Akizuki si unisce per caso, dall’altra i rappresentanti politici e militari realmente esistiti, e nel mezzo i vari villain che si susseguono nella mostruosa manipolazione che muove lentamente decine di pedine in un disegno vasto e minuzioso, dove la ricerca di una leggendaria testa dai poteri psichici fonde folklore e storia con curiosa originalità. Stratificato, contorto, spesso ostico, Bakumatsu Kikansetsu Irohanihoheto si sposta tra il presente narrato e il passato giocando con flashback e salti temporali utili a sciogliere lentamente il nodo allacciato con l’inizio in medias rae: l’accuratezza narrativa soppesa ed equilibra le numerose parti action, con vorticosi duelli di spade e pistole necessari a dare energia al plot, alla vendetta covata dal gruppo teatrale e all’ambiguità del leader della compagnia, seguendo gli avvenimenti bellici per agganciarli o distanziarli a seconda della strada intrapresa da Akizuki per annullare i poteri della testa.

Su uno scenario tanto puntiglioso stupisce la regia di Yoshimitsu Ohashi, dinamico e tecnico nell’uso di sinuosi piano sequenza, inquadrature singolari e articolati movimenti, ma anche nella costruzione di sequenze di magnifico splendore (come lo spettacolo teatrale in riva al mare), e di superbi incastri temporali, con fotogrammi e frammenti che appaiono e scompaiono dando nuova luce agli eventi più complessi. Interessante, inoltre, la persistente riflessione metacinematografica, con considerazioni sul potere della scrittura e della rappresentazione teatrale e sulla possibilità di creare e ricreare la storia (emblematica la già citata scena dello spettacolo in riva al mare, dove tale aspetto risalta per profondità narrativa e sublime simbologia).

È innegabile un certo spaesamento laddove le cronache di guerra entrano in dettagli (città, posizioni geografiche, avvenimenti importanti, personaggi chiave) che Takahashi, dato il concetto dell’opera, dà chiaramente per scontati, rendendo necessario ben più di un approfondimento storico che, tuttavia, arricchisce la serie proprio perché stimola l’interesse, la riflessione, un momento di pausa per pensare e accrescere la propria conoscenza con nozioni e filosofie che di certo non si studiano a scuola. A fronte di tanta accuratezza contestuale, ne perde forse una certa scrupolosità psicologica nella definizione dei personaggi principali, caratterizzati con schemi tipici (l’eroe silenzioso, la bella agguerrita, il simpaticone, il vecchio saggio, il nemico sottile e intelligente) ma comunque funzionali ed efficaci soprattutto in virtù degli ottimi dialoghi e dell’uso attento delle figure di contorno, strategicamente piazzate nel corso della vicenda. Unico punto negativo è probabilmente lo scontro finale, che arriva e si conclude senza mordente, pur nel suo splendore grafico e registico, siglando la più tradizionale delle conclusioni nell’eterna lotta tra bene e male.

Splendidamente musicato da Hideyuki Fukasawa, con un tema portante di estrema semplicità ma di commovente efficacia che riecheggia in continuazione ora in vesti sinfoniche ora in danze folkloristiche, e deliziosamente disegnato da Yuusuke Kozaki, Bakumatsu Kikansetsu Irohanihoheto è quindi un’opera complessa e difficile, ben lontana da un seppur gustosissimo spettacolo d’intrattenimento come lo è il pregevole fratello Le Chevalier D’Eon, che richiede pazienza e attenzione per essere compresa in ogni sua sfumatura.

Voto: 9 su 10

Recensione: Heroic Age

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 07 Dec 2011 23:00:00 +0000

HEROIC AGE

Titolo originale: Heroic Age
Regia: Toshimasa Suzuki
Soggetto & sceneggiatura: Tow Ubukata
Character Design: Hisashi Hirai
Mechanical Design: Ken Ootsuka, Naohiro Washio, Yoshiki Kuga
Musiche: Naoki Sato
Studio: XEBEC
Formato: serie tv di 26 episodi (durata ep.24 min. circa)
Anno di trasmissione: 2007
Disponibilità: fansub in inglese a cura di Coalgirls

In un lontano futuro, quattro specie si contendono il dominio dell’universo e delle scienze in esso contenute: l’imbattibile Tribù d’Argento, i servitori insettoidi della Tribù di Bronzo, i mostruosi appartenenti alla Tribù degli Eroi e infine i terrestri, la cosiddetta Tribù di Ferro, che sembra ormai sull’orlo della sconfitta totale. Tutto è destinato a cambiare quando, quasi per caso, i terrestri incontrano uno dei cinque Nodos, Age, un ragazzo in grado di trasformarsi in un’entità potentissima e praticamente immortale. Solo grazie al suo aiuto potranno ribellarsi alla Tribù d’Argento e inseguire le conoscenze lasciate in eredità da un’antica razza, ormai da lungo tempo lontana dall’universo conosciuto: la Tribù Dorata.

Non sembrano andare molto d’accordo space opera e animazione: se da un lato troviamo la colossale Legend of the Galactic Heroes e i suoi 110 episodi, capolavoro indiscusso della sci-fi animata e non solo, dall’altra ci si scontra con prodotti dalle ambizioni eccessive e poco fruibili (Crest of the Stars e seguiti vari). Heroic Age avrebbe non poche potenzialità per potersi ritagliare un angolo di universo tutto suo, ma se a una prima impressione gli scontri tra numerose razze aliene sembrano promettere notevoli spunti e riflessioni fantascientifiche, in realtà la serie di Takashi Noto, al suo esordio registico, e dello scrittore/sceneggiatore Tow Ubukata (mente dietro al bellissimo Le Chevalier d’Eon) nasconde un’anima traditrice che di fantascienza ha ignobilmente ben poco.

La suggestiva strutturazione dell’universo conosciuto è sufficientemente profonda da catturare inizialmente la curiosità senza spaventare, ed è gustosamente distribuita, nella prima decina di episodi, con una lunga serie di trovate che garantiscono un’originale punto di vista a Heroic Age: le razze dominanti sono create con il giusto bilanciamento tra complessità e impatto, ne nasce quindi una differenziazione facilmente identificabile, tanto nell’aspetto fisico e meccanico quanto nei ruoli impersonati, ma non per questo la natura degli scontri interstellari appare superficiale o rapidamente curata. Le politiche delle razze (due simil-terrestri e una di giganteschi insetti che possono vivere nello spazio) sono guidate da un sistema di obblighi che vincolano i vari esponenti a determinate azioni e compiti, tutte generalmente diverse pur rifacendosi a comandi basilari (non disobbedire, proteggere, ecc). Questo permette pertanto un’infinita serie di possibilità nella costruzione psicologica dei vari protagonisti (chi deve salvare qualcuno che non deve uccidere qualcun altro che deve difendere quest’altro, e via così…), peccato Ubukata non abbia insistito su questa peculiarità, continuando poi sulla strada delle battaglie spaziali, visivamente impressionanti per gran gusto nel design delle astronavi (dalle classiche navi a elaborate strutture verticali e diagonali), un perfetto uso di CG e una regia dinamica e spettacolare.

Quando gli imbattibili Nodos cominciano ad acquisire importanza nella storia, Heroic Age letteralmente si trasforma, abbandonando certe prelibatezze fantascientifiche in favore di noiosissime e infinite scazzottare tra bestioni che addirittura non possono morire da quanto sono potenti. Si assiste pertanto a un sequenza mortificante di pugni, calci e onde energetiche che non infliggono pressoché alcun danno all’avversario, e ahimè non si va molto distante dagli scontri tra Goku, Vegeta, Majin Bu e compari volanti in Dragon Ball Z, il tutto ovviamente senza che venga sparsa anche solo una gocciolina di sangue. Si spera fino alla fine che la serie possa ristabilirsi su più appropriate coordinate sci-fi, e invece la storia rallenta progressivamente alternando lunghi spiegoni pseduo-filosofici di tremenda banalità, ingenui e irritanti momenti umoristiche, e sessioni estenuanti di mazzate spaziali che annichiliscono la pazienza di chi guarda.

Psicologicamente poverissimo, con caratterizzazioni bidimensionali (da Age a Deianeira, passando per gli altri quattro Nodos e gli inutili fratelli della principessa) guastate peraltro dal chara design di un Hirai di certo non in forma (basti pensare alla ridicola divisa militare di Nilval e alle sue tette mastodontiche, particolarmente fuori luogo), Heroic Age vantava un’affascinante intuizione visiva nella gestione dei conflitti spaziali (superba, pura gioia per gli occhi la battaglia che porta alla distruzione di Giove), ma il tutto viene risolto con soporiferi calci volanti e monotone gomitate sul muso per opera di mostrazzi enormi che, quantomeno, mostrano un design gigeriano di notevole ispirazione.

Splendido tuttavia l’accompagnamento sonoro, in particolare il tema portante che, nella sua semplicità sinfonica, si ricorda per intensità drammatica, ma a nulla serve se la storia perde ogni mordente e viene sacrificata sull’altare da un’idea, assai poco condivisibile, di spettacolarità. Se si tratti di scelta commerciale per rilanciare l’opera, twist concettuale per stupire lo spettatore o semplice malattia mentale non ci è dato saperlo, resta il dispiacere per una serie dal potenziale smisurato ma sprecato in ogni sua briciola.

Voto: 5 su 10

Recensione: Banner of the Stars

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Mon, 05 Dec 2011 11:32:00 +0000

BANNER OF THE STARS

Titolo originale: Seikai no Senki
Regia: Yasuchika Nagaoka
Soggetto: (basato sui romanzi originali di Hiroyuki Morioka & Toshihiro Ono)
Sceneggiatura: Tsutomu Makiya, Yuichiro Takeda
Character Design: Keisuke Watanabe
Mechanical Design: Yasuhiro Moriki, Kunihiko Inoue, Mitsuru Ohwa
Musiche: Katsuhisa Hattori
Studio: Sunrise
Formato: serie tv di 13 episodi (durata ep.24 min. circa)
Anno di trasmissione: 2000
Disponibilità: fansub in inglese a cura di Anime-Eternal

Calendario Imperiale, anno 955. Sono passati tre anni dall'incontro tra Jinto e Lafiel, e in quest'arco di tempo i due sono cresciuti studiando separatamente all'accademia militare dell'impero di Abh. Potranno finalmente reincontrarsi, ma il loro destino non sarà idilliaco: sarà loro ordinato di scendere in prima linea nella guerra contro l'Alleanza delle Quattro Nazioni, ritrovandosi a bordo del vascello spaziale Basrogrh durante la rischiosa operazione Phantom Flame...

Seconda puntata della trasposizione della lunga space opera letteraria di Hiroyuki Morioka. Se la prima poteva ritenersi quantomeno discreta nella sua natura di introduzione all'epopea, retta sulll'avventura dei due protagonisti Jinto e Lafiel per raggiungere l'impero Abh e la loro reciproca conoscenza, qui il cambio netto di concept evidenzia in negativo tutti i problemi precedentemente accennati che timidamente iniziavano ad affiorare.

In Banner of the Stars, più che in ogni altro episodio della saga, si finisce spesso e volentieri con lo smarrirsi completamente nella trama, per colpa di una vicenda giostrata dai punti di vista di non uno, non due, non tre, bensì quattro quattro gruppi di eroi, ironicamente facenti parte della stessa fazione. Tutti con nomi impronunciabili, al punto che non si riesce a identificare di quale si sta parlando nei frequenti riferimenti; e tutti a disquisire di tattiche e strategie militari con una terminologia tecnica più o meno incomprensibile. Ambientato durante le fasi più dure del conflitto Abh/Alleanza, nella sua coralità Banner of the Stars cerca con ogni mezzo di far vivere allo spettatore quella che è una stellare battaglia civile, ma fallisce miseramente nel coinvolgere. Quello che comunica è un gigantesco senso di freddo ed estraneità, uniti a una noia selvaggia: dialoghi infiniti, nomi impossibili da memorizzare di tutto, una regia talmente funzionale e priva di guizzi da sembrare addormentata (per quanto l'aspetto tecnico rimane comunque di alto livello, come da tradizione Sunrise).

Per quanto possa sembrare affascinante una lunga storia di guerra completa di un pantheon di date e avvenimenti storici, a meno che non adoriate il genere (e siate disposti a studiare meticolosamente le light novel originali per imparare geografia e situazioni politiche del mondo, cosa ovviamente impossibile quasi per tutti vista la barriera della lingue), odierete questo prodotto tedioso e inconcludente, inumana e indimenticabile mattonata sulle palle.

Quello che comunque nessuno potrà perdonargli, siate fan o meno della storia, è la figura assolutamente inutile che fanno quasi tutti gli eroi dell'impero Abh. Ognuno ha la sua personale caratterizzazione e le proprie ambizioni, ma rimarranno ininfluenti nell'economia della trama in quanto la trasposizione dei romanzi di Morioka, contemplando anche le produzioni successive, non coprirà le parti in cui hanno un ruolo di spessore. Rimangono così protagonisti attivi della saga solo Jinto e Lafiel, che qui, rispetto al tanto decantato "character development" osannato ovunque, sono assolutamente identici alla prima serie: pensieroso e lagnoso lui, dura come granito lei. E a questo punto è difficile non pensare male anche dei romanzi originali.

Ciò che in definitiva risalta è che sicuramente non ha alcun senso trasporre solo una parte sommaria di quella che è una lunga saga letteraria. Ma sopratutto che una rappresentazione, per quanto realistica e veritiera, di battaglie spaziali, colleghi che cenano insieme, bevute tra amici e qualsiasi altro scenario che rappresenta scene di vita quotidiana di soldati semplici, per quanto abbiano un senso su carta scritta, sono assolutamente incompatibili con i limiti del format animato.

Voto: 5 su 10

PREQUEL
Lost Chapter of the Stars: Birth (2000; special)
Crest of the Stars (1999; tv)
Crest of the Stars: Special Edition (1999; film)

SEQUEL
Banner of the Stars: Special Edition (2000; film)
Banner of the Stars II (2001; tv)
Banner of the Stars III (2005; ova)

Recensione: Crest of the Stars

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Thu, 01 Dec 2011 23:00:00 +0000

CREST OF THE STARS

Titolo originale: Seikai no Monsho
Regia: Yasuchika Nagaoka
Soggetto: (basato sui romanzi originali di Hiroyuki Morioka & Toshihiro Ono)
Sceneggiatura: Aya Yoshinaga
Character Design: Keisuke Watabe
Mechanical Design: Yasuhiro Moriki, Masanori Shino, Shinobu Tsuneki
Musiche: Katsuhisa Hattori
Studio: Sunrise
Formato: serie televisiva di 13 episodi (durata ep. 23 min. circa)
Anno di trasmissione: 1999
Disponibilità: fansub in inglese a cura di Zhentarim DivX

Calendario Imperiale, anno 945. Figlio del sovrano che ha appena ceduto il pianeta Martine all'impero stellare di Abh, il giovanissimo Jinto si ritroverà dall'oggi al domani conte dell'impero, e inizierà una lunga istruzione per apprenderne usi e costumi. Sette anni dopo la sua preparazione sarà completa, e verrà a prelevarlo, per scortarlo alla capitale, la principessa Abriel Nei Debrusc Borl Paryun Lafiel. Scoppierà proprio in quel momento un'apocalittica guerra tra Abh e l'Alleanza delle Quattro Nazioni, e i due dovranno così affrontare una pericolosa avventura per poter arrivare a casa...

La Space Opera è un genere che mal si presta, tipicamente, all'animazione. Non starò qui a dilungarmi sul perché lunghe epopee con migliaia di personaggi non possano che trovare miglior forma espressiva nella carta stampata, e sono intuibili anche i motivi per cui in animazione tutti questi aspetti raramente trovino dignità, a meno di casi particolari. Crest of the Stars non è tra questi.

Nasce nel 1999 come serie di light novel, scritte con successo da Hiroyuki Morioka e illustrate da Toshihiro Ono, e troverà quasi subito, purtroppo (si dirà col senno di poi), una trasposizione animata da parte di Sunrise. Di sicuro il paragone di riferimento non può essere che con il sontuoso Legend of the Galactic Heroes, epica, drammatica e lunghissima serie OVA serializzata in quasi vent'anni da studio Kitty e considerata più o meno unanimamente il miglior esponente animato del genere, e purtroppo per loro le light novel di Hiroyuki Morioka tale paragone non lo reggono proprio, presentando una storia ben più dimenticabile dell'ascesa politica di Reinhard von Müsel. La saga di Hiroyuki Morioka è un generico slice of life spaziale vissuto dal punto di vista dei due protagonisti, ovviamente destinati ad amarsi, che percorre un lungo arco di tempo di una curata linea temporale, con tutti i pregi e difetti che ne conseguono. Elementi positivi che, ovviamente, vanno ricondotti al realismo dell'affresco spaziale: nel mondo di Crest of the Stars ogni popolo ha i suoi costumi e le sue tecnologie, gli Abh parlano la loro affascinante lingua aliena, e il Calendario Imperiale trova disseminato in tutti i suoi anni date e avvenimenti storici meticolosi e coerenti. Il resto, purtroppo, per molti sarà l'antitesi dell'interesse.

Dietro i millemila personaggi e la lingua aliena parlata, l'affascinante Baronh, si cela una storia vistosamente incompleta. La saga anime di Crest of the Stars, contemplante diversi sequel, segue strettamente i romanzi originali, ma senza sapere fino a che punto arrivare. Capita così che i protagonisti Jinto e Lafiel interagiscono con personaggi che avranno importanza vitale in sviluppi successivi dei romanzi, ma in animazione tali avvenimenti non saranno contemplati. Si darà così importanza a personalità che non troveranno, almeno qui, evoluzione, trasmettendo una fastidiosa sensazione di incompletezza. Non è il caso di questa prima parte di 13 episodi, ma già in Banner of the Stars verranno fuori i problemi.

Crest of the Stars rappresenta solo l'introduzione all'epopea, l'avventura di Jinto e Lafiel per tornare a casa e l'occasione di iniziare a conoscersi. Una storiella lineare, priva di guizzi particolari, con eroi generici (lui buono e altruista così tanto da non essere credibile, lei la solita tsundere tanto in voga per il pubblico nipponico) e condotta con regia, animazioni e chara incolori, che ha l'unico merito di non annoiare e riuscire, in alcune occasioni, a offrire qualche spunto di interesse nel suo immenso background fantascientifico. Come inizio della saga è buono, peccato in esso già affiorino, seppur timidamente, i primi nei che troveremo ben più marcati nei seguiti: che senso ha dare tutto questo spazio alla madre di Lafiel, Lexshue Wef-Robell Plakia? E la donna ammiraglio Spoor Aron Sekpadao Letopanyu Peneju?

La serie conoscerà inaspettatamente un grande successo di critica, entusiasta dello sviluppo delle personalità dei personaggi. Se amate alla follia il genere, e non vi fa paura il dovervi continuamente destreggiare attraverso mille terminologie e nomi impossibili da ricordare, potreste apprezzarlo veramente. Se non impazzite per Stark Trek et similia, evitate.

Inutile in ogni caso la Special Edition, 90 minuti che con zero aggiunte (a meno non vogliate offendere la vostra intelligenza definendo tali un mini-epilogo e l'apparizione, nell'arredamento della nave in cui viaggiano i nostri eroi, di un gigantesco quadro) riassume tutti e 13 gli episodi della serie televisiva.

Voto: 6,5 su 10

PREQUEL
Lost Chapter of the Stars: Birth (2000; special)

SEQUEL
Crest of the Stars: Special Edition (1999; film)
Banner of the Stars (2000; tv)
Banner of the Stars: Special Edition (2000; film)
Banner of the Stars II (2001; tv)
Banner of the Stars III (2005; ova)

Recensione: Giant Killing

noreply@blogger.com (Jacopo Mistè) — Tue, 29 Nov 2011 23:00:00 +0000

GIANT KILLING

Titolo originale: Giant Killing
Regia: Yuu Kou
Soggetto: (basato sul fumetto originale di Masaya Tsunamoto & Tsujitomo)
Sceneggiatura: Toshifumi Kawase
Character Design: Tetsuya Kumatani
Musiche: Hideharu Mori
Studio: Studio DEEN
Formato: serie televisiva di 26 episodi (durata ep. 24 min. circa)
Anno di trasmissione: 2010
Disponibilità: fansub in inglese a cura di FFFpeeps

La squadra calcistica East Tokyo United non se la sta passando bene: nel corso degli anni i suoi schemi di gioco sono invecchiati, i grandi giocatori se ne sono andati, e la nuova annata calcistica sembra in procinto di iniziare nel peggiore dei modi. Per ovviare al problema i dirigenti pescheranno così, dalla squadra inglese FC Eastham, un loro ex giocatore divenuto importante allenatore, il bizzarro Takeshi Tatsumi. Estroverso e dall'espressione sempre enigmatica, Tatsumi rivoluzionerà da zero l'assetto della squadra, inimicandosi fin da subito giocatori e tifosi. I risultati gli daranno ragione?

Si sa, è difficile tirare fuori elementi di originalità dal genere sportivo, sopratutto se riferito a quel gioco del calcio che, in questi 40 anni di animazione, "grazie" a Captain Tsubasa ha bene o male sempre riciclato all'infinito gli stessi ingredienti: protagonisti talentuosi che entrano in squadra di dilettanti rendendola competitiva, approccio semi-fantastico allo sport (con giocate al limite dell'impossibile, regole quasi mai applicate etc), team rivali sempre pieni di fuoriclasse... Non che questo costituisca un problema, chiaro, ma sicuramente si sente ogni tanto il bisogno di qualcosa più ancorato all'attività agonistica reale che a quella immaginaria della scuola CT, anche al costo di rinunciare a tiri infuocati, rovesciate ogni 3x2 et similia. Nel corso del 2010 sarà Giant Killing a cercare di portare, finalmente, un po' di innovazione, pur narrativamente inconcluso.

Il suo massimo limite, rappresentando la trasposizione animata dell'omonimo manga ancora in corso di pubblicazione, non può che essere di non aver voluto ideare una conclusione, seguendo fedelmente l'originale e quindi rovinando tutto con un finale aperto. Uno smacco amaro, visto il piacere con cui intrattiene durante il dipanarsi di tutti e 26 i suoi episodi. La grande differenza che contrappone Giant Killing ai suoi rivali risiede nell'approccio scelto per raccontare lo sport: finalmente un campionato professionistico, finalmente un calcio realistico e senza super tiri, e finalmente risultati delle partite umani e non da partita di rugby. Con protagonisti l'allenatore della squadra e le sue strategie di gioco, non i giocatori.

Quello di Giant Killing è un mondo di spiccato realismo: la panchina di Tatsumi scotterà più e più volte messa alla prova da risultati negativi, ultrà minacciosi, giornalisti, primedonne del collettivo. L'ETU è una squadra da media/bassa classifica e, pur covando notevoli potenzialità, non arriva mai a lottare per il primo posto, capace com'è di dare filo da torcere agli squadroni ma anche di faticare tremendamente con squadre minori (un po' come la nostra povera Inter). Si crea così un inaspettato e felice slice of life sportivo, dove più che i match in sé contano gli aspetti di priva privata dei personaggi, tra screzi in squadra, problemi esistenziali (il classico attaccante a digiuno di gol, il giovanissimo centrocampista che gioca perennemente sotto tono, etc) e le frequenti contestazioni dei mass-media rivolte a un protagonista che per parlatina e carattere ricorda felicemente Mourinho. Coerentemente con quest'impostazione, i match durano spesso poco più di mezza puntata, tolti 2/3 che si snodano attraverso quattro o cinque episodi.

Merito del risultato di questo nuovo modo di intendere lo sport in animazione è la riuscita caratterizzazione del folto gruppo di personaggi, ciascuno con manie (irresistibile il Principe Del Campo Luigi Yoshida, narciso fantasista dalle origini italiane) e caratteristiche che influenzeranno l'avventura della ETU nel campionato nipponico. Una cura introspettiva riservata a giocatori così come a giornalisti, tifosi, manager e allenatori, con ciliegina sulla torta il parlato in lingue straniere di personaggi non giapponesi.

Purtroppo ancora legata ad altre produzioni di genere sportivo è invece la cura tecnica delle partite, che per ovvie limitazioni di budget non possono essere movimentate come nella realtà. Questo si risolve in un mare di dialoghi, spesso inutili fiere dell'ovvietà, che costellano molte azioni di gioco, coi classici rallenty nelle mischie più concitate e tempo congelato quando i giocatori ricordano frammenti della loro carriera (fortuna che almeno i campi lunghi chilometri ci sono stati risparmiati). Ad aiutare a sopportare ci pensano la già citata brevità generale dei match e sopratutto il realismo delle movenze dei giocatori, grazie alla saggia scelta, da parte di Studio DEEN, di concentrarsi su queste usando poca CG.

Ottimo il character design di Kumatani, fedele al tratto cartoonesco ma espressivo del manga, buone le animazioni generali e di classe l'opening celtic rock My Story ~Mada Minu Ashita e~. Altro non c'è da dire su una serie che affascina nel suo sovvertimento di tòpoi che, negli anni, facevano presagire una totale mancanza di evoluzione nel genere. Purtroppo, come tante altre trasposizioni incompiute, anche Giant Killing ci saluta con una puntata finale insipida, che lascia così, freddi e delusi, con un buon numero di nodi narrativi ed evoluzioni di personaggi lasciati in sospeso. Un ottimo antipasto per prepararci all'acquisto del manga (se mai arriverà in Italia), certo, ma rimane un antipasto.

Voto: 6 su 10