27 años después, seis de aquellos niños, ya convertidos en adultos, recibían la llamada del séptimo de ellos que les conminaba a cumplir aquella promesa de su niñez y volver a Derry, pues todos los indicios apuntaban a que Eso había vuelto y debían acabar con él de nuevo.

Leí esta novela entre agosto y octubre de 1991 y me atrapó desde la primera página. Esa ingente cantidad de historias y de personajes, la mezcla de géneros, esa estructura en paralelo entre 1958 y 1985 y la capacidad de King de crear, a través de  momentos perturbadores  y espeluznantes, imágenes de una belleza conmovedora, me fascinó.

Cuando terminé las más de 1200 páginas me sentí huérfano. Había creado un vínculo con los personajes y el entorno, los había acompañado en mil y una aventuras y conocía casi al dedillo la ciudad de Derry, sus callejuelas, el canal y los Barrens. Había aprendido la historia de la ciudad y todas sus desgracias y era conocedor de los secretos, miedos y deseos inconfesables de muchos de sus vecinos. Pero sobre todo me había sentido parte de «los perdedores» pues había sufrido por ellos y junto a ellos. Hubo momentos muy duros junto a Stan, Mike, Eddie, Beberly, Ben, Richie y Bill pero también hubo alegría, risas y ternura. El terror, como tal, aunque era parte indisoluble del relato, nunca me terminó de asaltar. No pasé verdadero miedo con IT. Puede que me inquietase, que me pusiese tenso, incluso puede que el suspense me estrangulase un poco de vez en cuando, pero, ¿terror? Nop.

Hace poco estuve pensando en aquellos años y me acordé de IT. La nostalgia y la curiosidad me llevaron, casi de forma orgánica, a releer las primeras páginas del libro. Y me ocurrió de nuevo: quedé atrapado y ahora, 25 años después de leerlo por primera vez, en una chocante coincidencia, vuelvo a Derry, tal como hicieran «los perdedores» adultos, y tal como les ocurría a ellos, descubro lo mucho que había olvidado. Nunca olvidé el libro, claro, pero el recuerdo estaba carente de detalles, era más una especie de mural sobre el mapa de Derry con fotos y notas, como los que salen en las películas de detectives, unidas por el hilo rojo de los acontecimientos más importantes, conformando el esqueleto de la narración.

Tras unas 400 páginas leídas me he decidido a hacer este post, todavía embriagado por el redescubrimiento. A medida que voy avanzando el recuerdo de lo que ocurrirá a continuación se va revelando. Es una sensación muy extraña de reencuentro. Darte cuenta, de repente, de que a cierto personaje le va a pasar algo muy malo, algo que ya sabías pero que habías olvidado, y no poder hacer nada más que avanzar y avanzar hasta que finalmente ocurre, es raro. Como lo es la brutal sensación de regreso, de estar de vuelta en una ciudad donde viviste y hacía mucho tiempo que no visitabas.

Todo es igual pero, a la vez, muy diferente. Supongo que en 25 años cambian muchas cosas, incluso en nosotros. IT fue mi primera novela de Stephen King y desde entonces he leído muchas más. De hecho, de alguna forma y quitando la parte psicopática, soy un poco como su Annie Wilkes de Misery. Llevar a la espalda un saco de libros del autor que no llevaba en 1991 me está haciendo descubrir cantidad de referencias a otras de sus obras y eso es muy, muy divertido. Por otro lado, el Jos adulto, a diferencia del Jos adolescente, sí que está pasando miedo. No sé si soy más empático, si soy más sensible a las desgracias del mundo o si, sencillamente, soy más consciente de que el Mal existe. Creo que, a pesar de mis serios esfuerzos por contenerlo, he perdido algo de mi niño interior. Puede que no sea tan ingenuo y aunque sé que Eso no existe como un payaso con globos de colores, entiendo la metáfora y no puedo evitar que la analogía me golpee y me deje KO.

Llamadlo Eso, si queréis, o Bob Gray o Pennywise o La Araña. Llamadlo como queráis. Pero hoy, el aburrido y algo paranoico adulto en el que me he convertido, cree que EL MAL del que habla Stephen King en su(s) libro(s) nos rodea, nos ciega y nos ataca, en el mejor de los casos, sin que nos demos cuenta. Y mata a nuestro niño interior. Afortunadamente, siempre podremos volver a Derry y exorcizar nuestros fantasmas. Con suerte.

Anoche tuvo lugar la entrega de los Oscars de este 2016. Diré que, salvo alguna excepción, es una de las ediciones con las que más coincido en la elección de los premiados. Y, claro, como no, la comidilla de la edición y de este día es inevitable que sea el premio que, por fin, ha recaído sobre el bueno de Leonardo DiCaprio, que ya era hora. Considero que, a pesar de que su papel en El renacido es una amplia muestra de lo es o debería ser la implicación que un actor debe asumir con un personaje, a nivel interpretativo prefiero algunos de sus otros trabajos como, por ejemplo, el que hizo para El lobo de Wall Street. En cualquier caso me parece muy merecido y me alegro mucho con ello. ¿Desaparecerán los memes ahora o evolucionarán? Pronto lo veremos. A continuación os dejo el listado de nominados y ganadores.

Mejor película:

La gran apuesta (The Big Short)
El puente de los espías (Bridge of Spies)
Brooklyn
Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
Marte (The Martian)
El renacido (The Revenant)
La habitación (Room)
Spotlight

Mejor dirección:

Adam McKay – La gran apuesta (The Big Short)
George Miller – Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
Alejandro G. Iñárritu – El renacido (The Revenant)
Lenny Abrahamson – La habitación (Room)
Tom McCarthy – Spotlight

Mejor guión original:

Matt Charman, Joel & Ethan Coen – El puente de los espías (Bridge of Spies)
Alex Garland – Ex Machina
Pete Docter, Meg LeFauve y Josh Cooley – Del revés (Inside Out)
Josh Singer y Tom McCarthy – Spotlight
Jonathan Herman y Andrea Berloff – Straight Outta Compton

Mejor guión adaptado:

Charles Randolph y Adam McKay – La gran apuesta (The Big Short)
Nick Hornby – Brooklyn
Phyllis Nagy – Carol
Drew Goddard – Marte (The Martian)
Emma Donoghue – La habitación (Room)

Mejor actor protagonista:

Bryan Cranston – Trumbo
Matt Damon – Marte (The Martian)
Leonardo DiCaprio – El renacido (The Revenant)
Michael Fassbender – Steve Jobs
Eddie Redmayne – ‘La chica danesa’ (The Danish Girl)

Mejor actriz protagonista:

Cate Blanchett – Carol
Brie Larson – La habitación (Room)
Jennifer Lawrence – Joy
Charlotte Rampling – 45 años (45 Years)
Saoirse Ronan – Brooklyn

Mejor actor de reparto:

Christian Bale – La gran apuesta (The Big Short)
Tom Hardy – El renacido (The Revenant)
Mark Ruffalo – Spotlight
Mark Rylance – El puente de los espías (Bridge of Spies)
Sylvester Stallone – Creed

Mejor actriz de reparto:

Jennifer Jason Leigh – Los odiosos ocho (The Hateful Eight)
Rooney Mara – Carol
Rachel McAdams – Spotlight
Alicia Vikander – La chica danesa (The Danish Girl)
Kate Winslet – Steve Jobs

Mejor película de habla no inglesa:

El abrazo de la serpiente
Mustang
El hijo de Saúl (Saul fia)
Theeb
A War

Mejor película animada:

Anomalisa
El niño y el mundo (O Menino e o Mundo)
Del revés (Inside Out)
La oveja Shaun. La película (Shaun the Sheep Movie)
When Marnie Was There (Omoide no Mânî)

Mejor fotografía:

Ed Lachman – Carol
Robert Richardson – Los odiosos ocho (The Hateful Eight)
John Seale – Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
Emmanuel Lubezki – El renacido (The Revenant)
Roger Deakins – Sicario

Mejor banda sonora:

Thomas Newman – El puente de los espías (Bridge of Spies)
Carter Burwell – Carol
Ennio Morricone – Los odiosos ocho (The Hateful Eight)
Jóhann Jóhannsson – Sicario
John Williams – Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Mejor canción:

Earned It – Cincuenta sombras de Grey (Fifty Shades of Grey)
Manta Ray – Racing Extinction
Simple Song #3 – La juventud (Youth)
Til It Happens To You – The Hunting Ground
Writing’s On The Wall – Spectre

Mejor montaje de sonido:

Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
Marte (The Martian)
El renacido (The Revenant)
Sicario
Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Mejor mezcla de sonido:

El puente de los espías (Bridge of Spies)
Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
Marte (The Martian)
El renacido (The Revenant)
Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Mejor documental:

Amy
Cartel Land
The Look of Silence
What Happened, Miss Simone?
Winter on Fire: Ukraine’s Fight for Freedom

Mejor cortometraje documental:

Body Team 12
Chau, beyond the Lines
Claude Lanzmann: Spectres of the Shoah
A Girl in the River: The Price of Forgiveness
Last Day of Freedom

Mejor cortometraje de ficción, acción real:

Ave Maria
Day One
Everything Will Be Okay (Alles Wird Gut)
Shok
Stutterer

Mejor cortometraje animado:
Historia de un oso
Prologue
Sanjay’s Super Team
We Can’t Live without Cosmos
World of Tomorrow

Mejor montaje:

La gran apuesta (The Big Short)
Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
El renacido (The Revenant)
Spotlight
Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Mejor vestuario:

Carol
Cenicienta (Cinderella)
La chica danesa (The Danish Girl)
Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
El renacido (The Revenant)

Mejor diseño de producción:

El puente de los espías (Bridge of Spies)
La chica danesa (The Danish Girl)
Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
Marte (The Martian)
El renacido (The Revenant)

Mejor maquillaje y peluquería:

Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
El abuelo que saltó por la ventana y se largó (Hundraåringen som klev ut genom fönstret och försvann)
El renacido (The Revenant)

Mejor efectos visuales:

Ex Machina
Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
Marte (The Martian)
El renacido (The Revenant)
Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Siempre he fantaseado con cosas como «¿cómo reaccionaría Charles Darwin si pudiese ver Jurassic Park?» o «¿qué pensaría H.P. Lovecraft ante Aliens?», ¿creerían que lo que ven es real o, por el contrario, serían capaces de distinguir entre realidad y ficción? Lo que es seguro es que se asombrarían y se preguntarían cómo es posible conseguir semejantes imágenes. Es algo que nos ha pasado a todos, al igual que revisar una película antigua, una que nos alucinó en su momento y que, al volver a verla, sus efectos nos parezcan falsos y artificiales. Es normal, la tecnología va avanzando sin que nos demos cuenta y nuestro ojo se va acostumbrando a esos cambios. Como ejemplo os dejo aquí este vídeo en el que se hace un repaso de todas las películas que han ganado el Oscar a los mejores efectos especiales. Ahí sabréis a qué me refiero.

Interesante, ¿verdad? Lo curioso es que, personalmente, me pasa que en los últimos tiempos, por muy bestias y espectaculares que sean las escenas de una película, no me hacen vibrar de la forma en que sí lo siguen haciendo películas más antiguas. Podéis llamarme carcamal pero las sensaciones que me sigue produciendo Jurassic Park no tienen nada que ver con las que me produjo Jurassic World, o las de Aliens en comparación a las de Prometheus. Obviamente, ahí hay un componente de nostalgia y de evocación a los buenos tiempos, pero ya hay quien ha sacado alguna teoría al respecto y con la que coincido bastante. El efecto WETA, le llaman y que, resumiendo, hace que, cuando todo lo que aparecen en la pantalla sea digital, por muy bonito o espectacular que aparezca, produce una sensación de «empastamiento» que le dice a nuestro cerebro «hey, eso de ahí no es de verdad, que lo sepas». Echádle un vistazo al vídeo y me decís y otro día os hablaré de la interesante teoría del Unchaney Valley.

Estupendo: Vale que a Ryan Reynolds no le van a dar el Oscar ni el Globo de Oro, pero hay que tenerlos muy bien puestos, además de mucho oficio, para agarrar este personaje, hacerlo tuyo y que siga brillando tanto como en el cómic, quizá más. Y es que Reynolds es capaz de dotar de emociones creíbles al humano que hay debajo del traje de ese personaje desquiciado, obsceno y gamberro que es Deadpool. Ryan Reynolds Rules!

Mola: La banda sonora, con su combinación de temas clásicos, hip hop de los 90, temas originales y orquestación marcan el ritmo perfecto de este carrusel de acción, tacos y chimichangas. Además, incluso la banda sonora es capaz de reírse del uso que se hace de la música en el cine USA en general y en las pelis de de Marvel, en particular (véase Guardianes de la Galaxia). Y, claro, en relación a esto no se pierdan el cameo inevitable de ya saben quién.

Réguler: De acuerdo, Deadpool no tiene ni ha tenido nunca vocación de gran película, no pretende ser Los vengandores. Y bromea con ello, claro. Pero es verdad que, incluso así, en ciertos puntos se nota que su presupuesto ni se acerca a los habituales de Marvel. No me malinterpretéis, me encanta que no siga esa línea, pero a veces parecería que no hay movimiento, que no hay vida en la calles de esa ciudad más allá delos personajes principales.

Malamente: Me molesta, lo reconozco. Me molesta que se critique esta película por violenta, mal hablada y sexualmente explícita. ¿Es eso algo malo? Yo creo que no. Lo que sí es malo, o al menos significativo, es cómo ciertos padres que llevan a sus hijos pequeños a ver Deadpool sin informarse mínimamente (la campaña ha sido larga y cristalina) y sin hacer caso de las calificaciones (No recomendada a menores de 18 años) sean los mismos que luego ponen el grito en el cielo. Deadpool no es una película para niños, al igual que no tienen por qué serlo los cómics, los videojuegos o los dibujos animados. Basta ya de prejuicios ridículos; si los dejan a un lado disfrutarán más de la vida. Y nos dejarán disfrutarla a los demás.

De hecho, debo reconocer que fue poco antes de grabar este especial, cuando descubrí que precisamente este era el año de su treinta aniversario. Desde la propuesta hasta la grabación fueron algo más de dos semanas cruzándonos mensajes con ideas, fotos, artículos y todo tipo de cosas que nos sirviesen para el programa. Creía que ya tenía bastante información sobre la película, pero diré que en este proceso he descubierto muchas cosas que desconocía. Han sido dos semanas y media en las que he visto la película dos veces, he releído la novela y me he dejado llevar por su música. Hemos disfrutado, charlando, grabando el programa y editándolo y ahora ya está listo para que lo disfrute todo aquel al que le apetezca acercarse al él. Enjoy!

Escúcha el programa desde el reproductor o pulsa el link para hacerlo en Ivoox.

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Nuestro último episodio de Antiegos Podacst lo dedicamos a hablar de «La escalera de Jacob», película del año 1990 dirigida por Adrian Lyne y escrita por Bruce Joel Rubin.

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La primera parte del programa la dedicamos a hablar sobre la realización de la película y su reparto técnico y artístico analizando el impacto que tuvo la película en el momento en que se realizó y las posibles influencias estéticas y/o conceptuales que marcó dentro y fuera del mundo del cine, como fue el caso de «El silencio de los corderos», «Seven» o la saga de videojuegos «Silent Hill».

«La escalera de Jacob», según comentó su guionista, está inspirada en el Bardo Thodol, el libro tibetano de los muertos, que nos dice que la muerte tan solo dura 49 días tras los cuales da comienzo el nuevo ciclo de reencarnación.

También, además de la obvia influencia de la historia bíblica de Jacob, Rubin exploró y expandió la idea y el concepto narrativo de «La rivière du hibou»(1962), de Robert Enrico, basado a su vez en el cuento corto de 1890 de Ambrose Bierce «An Occurrence at Owl Creek Bridge».

A modo de curiosidad os dejo aquí el cortometraje de Robert Enrico recordándoos que podéis escucarnos desde esta misma entrada, desde Ivoox o desde iTunes. Como os sea más cómodo.

La muestra de ello es este maravilloso trabajo de Adrien Dezalay, Emmanuel Delabaere, Simon Philippe donde nos cuentan una curiosa historia combinando temas de los distintos universos de los dos maestros del séptimo arte. Poniendo a James Stewart como protagonista, nos hacen viajar al compás de la música de Bernard Hermann por un mundo onírico, plagado de sorpresas que nos harán estallar la cabeza. Disfrutadlo con moderación.

Uno de esos recursos, y personalmente uno de los que mas llaman la atención es el fenómeno llamado la cuarta pared. Este recurso consiste en dirigir la mirada del personaje al espectador, rompiendo la imaginaria pared que separa la historia de su audiencia. Es un recurso que nació en el teatro, pero que se ha ido expandiendo al cine, televisión, juegos de rol o videojuegos.

Es una especie de cine dentro del cine. Metacine, o así lo llaman. Un paso más para que nosotros al otro lado de la pantalla nos sintamos un personaje más dentro de la misma, a través de lo que se nos cuenta.

Un método que tiene como objetivo dar consistencia a los personajes dentro de su propia ficción. Se puede hacer lo citado de dos formas distintas, haciendo que el propio personaje sea consciente de lo que sucede y  descubriéndole la posibilidad de romper esa barrera invisible, o directamente reconocer la existencia del espectador comunicándose con él de forma directa.

En el cine moderno se pueden citar ejemplos de lo que os digo como por ejemplo en la película El Lobo de Wall Street, donde el protagonista rompe la cuarta pared dirigiéndose al espectador durante numerosos momentos a lo largo del metraje. Otro ejemplo evidente de película que utiliza este tipo de recurso puede ser American Beauty, siendo el personaje de Kevin Spacey el que nos «cuenta» la historia directamente a nosotros, haciéndonos partícipes de sus pensamientos.

Y seguimos con el mismo actor, para indicaros un ejemplo fuera del séptimo arte. Hablo de House of Cards, donde el personaje de Kevin Spacey hace cómplice de su venganza al espectador a través de esos pequeños contactos, y se aprovecha para subrayar el humor negro o la ironía de las situaciones que vive a lo largo de la serie.

Otro ejemplo mas en el mundo del entretenimiento digital lo encontramos en Metal Gear Solid, de Hideo Kojima. Llegando casi al final del luego, al enfrentarnos al villano Psycho Mantis, se rompe esa cuarta pared para obligar al jugador a cambiar de puerto el mando de la consola. Sin duda un recurso que nadie esperaba y que sorprendió y marcó a mas de un@.

O como por ejemplo lo que hace el personaje de Deadpool constantemente dentro de su propio cómic de editorial Marvel, haciéndonos participes de sus continuos chistes en las viñetas o interactuando con sus dibujantes.

Romper la cuarta pared supone crear lazos directos con el protagonista, a veces es placentero y , como ocurre en los casos anteriores, otras resulta francamente violento, incomodo, como ocurre en la Funny Games de Haneke. En ella somos testigos de cómo un par de jóvenes torturan psicológica y físicamente a una familia. Somos simples espectadores, nos sentimos seguros en nuestras butacas ejerciendo un malsano vouyerismo parecido al del Kyle MacLachlan de Blue Velvet. Es entonces cuando, de repente, uno de los psicópatas nos mira de reojo y nos guiña el ojo, haciendonos partícipes de sus artimañas con ese gesto que dura apenas un segundo. Viola nuestra intimidad y nuestro espacio como meros observadores y nos convierte en cómplices involuntarios de sus aberrantes acciones.

Sin duda, un recurso ampliamente utilizado y que hace mas real el cine si cabe, aunque hay personas a las que este método les resta mas que sumar. Y vosotros, ¿os sentís cómodos con esa ruptura protagonista-espectador o preferís un cine mas puramente conservador?

Han pasado 22 años y la ingeniería genética no nos ha traído nada de aquello, al igual que no vemos robots policía con estrictas directrices, o coches con condensador de fluzo y la capacidad de volar. Sin embargo, afortunadamente, la tecnología ha avanzado lo suficiente como para que los sistemas operativos con los que trabajamos sean mejor que el Unix. Aún mejor, lo que no ha conseguido la ciencia lo ha conseguido la tecnología digital creando, para nuestro disfrute, no solo dinosaurios increíbles y realistas sino todo tipo de criaturas fantásticas que nos siguen maravillando.

Ello lo podemos ver de primera mano en Jurassic World. Si bien, hoy en día, estamos más que acostumbrados a los excesos digitales y, por supuesto, a los dinos realistas, no deja de ser un placer volver a aquella Isla Nublar y ver en qué ha cambiado y qué nuevas maravillas nos tiene reservadas.

Jurassic World es una de esas películas que podría haber quedado en una gran cagada pero que, milagrosamente, se salva y lo hace con la cabeza alta. Es entretenida y divertida y, además, tiene al molón Chris Pratt como nuevo héroe de acción. La capacidad que nos mostró en Guardianes de la galaxia se exhibe aquí como talento demostrado y, para un servidor, es lo mejor de la película. Chris Pratt llena los planos y cuando él está en pantalla todo es mejor. Por cierto, estoy casi seguro de que esta película ha servido de casting de Spielberg para Chris Pratt pensando en el nuevo Indy. Por mi parte, lo ha superado con creces.

Bryce Dallas Howard es otro cantar. La chica es maja y cumple con su papel pero, o bien por lo encorsetada que está en él o bien por que Pratt se la come con patatas, se echa un poco de menos algo más de simpatía, de humor y algo de mirada al espectador. Considero que la frialdad del personaje resulta negativa para ciertas partes de la película y creo que solo cuando el personaje se desata un poco y se abre a la situación es cuando mejora y nos da un respiro. Nos faltan sonrisas en Claire, oiga.

El dinosaurio que más me ha gustado de #JurassicWorld ha sido el VincentDonofriosaurio. pic.twitter.com/Pso4ixI8uS

— Jos Sothoth (@Josmachine) junio 13, 2015

Y luego los niños. Entiendo que deba haberlos al igual que los hubo en la original, paso inevitable para acceder a la audiencia más joven, pero, y me podéis corregir si me equivoco, el chaval adolescente es como para escupirle en los ojos cual dilofosáurio cabreado. Me sobran, además, todas esas «mini tramas» tan tópicas en el cine USA, esos conflictos familiares ñoños que, al final, no aportan nada y molestan más que otra cosa. Me hubiese gustado que la película se centrase en la aventura sin perder tiempo en divagaciones innecesarias que, creo, no le interesan a nadie.

Al leer ciertas críticas veo que la película cumple la función de conectar emocionalmente con una generación, aquella que vio la pelicula original siendo niños o pre-adolescentes. A aquellos que, como yo, la flipamos superando la mayoría de edad, creo que podemos disfrutarla pero sin esa dosis extra de entusiasmo. Personalmente, puedo entender esta euforia pero, al final, me queda la sensación de que a la peli le falta algo de alma. No me emociona, la encuentro algo hueca. Por ejemplo, el tema principal de John Williams, que me sigue poniendo el vello de punta cuando suena por primera vez en la original al llegar el helicóptero a Nublar, aquí me provoca, simplemente, una sonrisa simpática y cómplice, al igual que cada referencia que se hace a aquella. Sí, lo pillo, buen guiño, es guay, pero necesito algo más que eso, no solo un escaparate en el que mirar los restos oxidados de una peli de hace mucho tiempo. Es probable que me ocurra porque no dejo de ver escenas, situaciones y diálogos calcados de otras películas.

#JurassicWorld es un híbrido creado con ADN de «Aliens», «Predator», la original «Jurassic Park» y «Barrio Sésamo».

— Jos Sothoth (@Josmachine) junio 13, 2015

¿Es mi problema haber visto mucho cine? Es posible pero, aún así, no le quito mérito al director ya que me hizo pasar un rato divertido y entretenido y os recomiendo que la disfrutéis en pantalla grande. El terrible rugido del Rex siempre suena mejor en una sala de cine.

Mitchell tiene todas las características para convertirse en un director de culto; un estilo muy personal, un pulso firme en la dirección, un manejo de la cámara y la composición imaginativos y la capacidad para recoger formas y códigos de distintos géneros y combinarlos y renovarlos construyendo algo diferente pero familiar, reconocible.

Con It Follows David Robert Mitchell no disimula su amor por un cine anclado en otra época, un cine que ya no se hace, un cine que cuenta historias que se desarrollan en barriadas residenciales, con bandas sonoras de sintetizador, con adolescentes tirados viendo la televisión mientras consumen refrescos y aperitivos. Es induable que It Follows homenajea el cine de los 80 y los primeros 90, pero Mitchell se afana, más bien, por hacer una película que, vía sensorial, nos transporte a aquellos tiempos y a aquellas atmósferas de manera casi obsesiva, sobre todo a través de la fotografía y de la fantástica banda sonora de Disasterpeace. Uno no sabría muy bien dónde ubicar temporalmente la película ya que nos encontramos en un tiempo indeterminado en el que no hay rastro ni de móviles, ni de ordenadores, ni de ningún otro gadget de la «era moderna». Los coches, los aparatos de televisión, la ropa, la decoración…, se ven antiguos sin que ello deba significar nada ya que, si lo pensamos, la casa de nuestros padres o abuelos se verá muy parecida a esas casa de la película. La única y extravagante licencia que se permite el director es una especie de libro electrónico que lleva uno de los personajes, con forma de concha y de color rosa, más parecido a un espejito de mano que a un Kindle.

En cuanto al argumento, el director -y guionista- recoge algunos elementos clásicos del cine de terror y los usa para desarrollar una idea, a priori, sencilla: una chica adolescente es acosada de forma incansable por una presencia extraña tras haber mantenido relaciones sexuales. Dicho así, puede que suene demasiado simplón y llano, incluso tópico, pero lo cierto es que Mitchell le da la vuelta a la idea y consigue hacernos entrar en la película y provocarnos un incómodo escalofrío, y en alguna ocasión, un ahogado grito de angustia. Esa relación entre la muerte y el sexo aquí se lleva un paso más allá. Si, por regla general, en el cine de terror un polvo suele significar la muerte, en It Follows es la manera de evadirla creando así un nuevo conflicto: si tienes que acostarte con otra persona para librarte de la «maldición», ¿con quién lo harás? ¿Con alguien de tu confianza o con un desconocido al que no te importe lo más mínimo lo que le ocurra? Pero no solo eso, hay que cuidarse muy mucho de que esa persona sepa lo que ocurre, te crea y trate de traspasar «eso» a otra víctima, por que si muere, la maldición vendrá de regreso ti.

It Follows es una película de ritmo pausado, con unos personajes que, lejos de las casi siempre extremas y sobreactuadas reacciones a las que estamos acostumbrados dentro del cine de terror, se muestran soñolientos, agotados por una situación que les sobrepasa. Las situaciones terroríficas se suelen desarrollar a plena luz del día, en exteriores y con gente alrededor. Quizá aquí radique la clave de por qué esta película asusta tanto; el elemento paranoia (cualquier puede ser «esa cosa», incluso alguien que conoces) tan típico de los body snatchers enmarcado en la cotidianidad hacen que los personajes, y nosotros con ellos, se sepan totalmente a merced de la maldición, sin lugar en el que esconderse, tan solo viajando rápido y lejos para tener unas horas de descanso ante la fuerza inexorable que les persigue, sabiendo que al mínimo descuido, al primer cabeceo, el «monstruo» les atrapará.

Si eres un amante del cine de terror y te apetece ver una película diferente, dentro y fuera del género, te recomiendo que no te la pierdas y si puede ser en una sala de cine, mucho mejor. No hay nada mejor para disfrutar de un escalofrío que la certeza de que ese escalofrío lo han sentido cientos de personas a la vez que tú.

El hecho de participar en este podcast me permite, además de conocer a un selecto y estupendo grupo de entusiastas del cine de género, recuperar mi afición por el cine de terror, algo aparcada en los últimos tiempos. Confieso que estoy disfrutando mucho re visionando películas que casi había olvidado y, lo mejor de todo, viendo por primera vez otras que todavía no había tenido la ocasión de ver.

Me gustaría destacar que, más allá del visionado de las películas desde un punto de vista más analítico, y el satisfactorio ejercicio que supone realizar las grabaciones, me siento especialmente entusiasmado con los debates y las tertulias espontáneas que surgen, tanto en los momentos fuera de micro, como en los medios digitales a través de los que nos comunicamos de forma interna.

Es por todo ello que quiero agradecer a Salva el que me haya brindado la oportunidad de regresar a esta pasión y hacerlo de la mejor forma posible. Prometo reactivar, ya de paso, este blog que, desde hace ya un tiempo funciona de forma muy irregular.

Ah, y no os perdáis el podcast.

Radio Rapture es un podcast dedicado casi exclusivamente a los videojuegos pero que, como esta semana, no descarta programas en los que tratar otros temas como el cine y la televisión o cualquier otro tema que nos apetezca y que esté relacionado con, en principio, el fandom.

En este último programa hemos hablado del cine de Christopher Nolan aprovechando el estreno de Interstellar y nos ha salido un programilla entretenido, como siempre.

Podéis seguirnos en Facebook, en Twitter y en Spotify, donde tenemos unas listas de reproducción relacionadas con los temas de cada uno de los programas.

En la primavera de 1992 se estrenaba Batman vuelve, dirigida de nuevo por Tim Burton, con Michael Keaton otra vez bajo de la máscara y con tres villanos de lujo, Catwoman, El Pingüino y Max Shreck (el único que no estaba basado en un personaje del cómic) interpretados por Michelle Pfeiffer, Danny DeVito y Christopher Walken respectivamente. Aunque no obtuvo el éxito de su predecesora volvió a arrasar en taquilla avalando con garantías el estreno de una serie animada basada en el personaje.

Así, el 6 de septiembre de 1992 se estrenaba Batman: The animated series con el episodio titulado On Leather Wings. La calidad de la serie era sencillamente espectacular. La sombra de Tim Burton era alargada y se notaba tanto en la banda sonora original, compuesta por Shirley Walker que seguía casi a pies juntillas los sonidos de Danny Elfman, como en el diseño de los personajes, en los que la influencia era clarísima, sobre todo en El Pingüino y Catwoman. Pero si había una referencia que marcó las pautas de diseño de la serie fue, sin duda alguna, la clásica serie de animación de los Estudios Fleischer, Superman.

Bruce Timm determinó que el aspecto pasado de moda de la serie de la Fleischer unido a unos guiones que evocasen a los clásicos seriales de los años cuarenta devolverían a Gotham y a sus habitantes a casa, allí donde en su momento los puso Bob Kane. Para conseguir ese look se optó por una paleta de colores básicos apoyada sobre el negro, color que se usaría de fondo para pintar los fotogramas y que conseguiría crear esa sensación de noche eterna que destilaba la serie.

El minimalista trazo de Bruce Timm, con sus líneas rectas y angulosas , la reinvención de Gotham, con su diseño Art Deco y su atmósfera decadente y peligrosa, el diseño de vestuario, más cercano a los años 40 y 50 que a los 90, el aspecto Noir, el uso de la tecnología retro (el diseño del Batmovil sigue siendo, al menos para mí, el mejor de todos los realizados hasta el momento) y los grafismos, cabeceras, transiciones y recursos consiguieron dotar a la serie de un caracter muy personal, casi de autor, marcando, además, una notable distancia con el resto de productos que ofrecía la televisión en ese momento.

A diferencia de los filmes de Burton, se decidió que el Batman animado tuviese un perfil más detectivesco y que las tramas estuviesen basadas en la investigación. No se renunciaba, en cualquier caso, a la acción y cada episodio ofrecía persecuciones y escenas espectaculares que modelaban el ritmo con un tempo que alternaba con precisión suspense, investigación, diálogo y acción. A diferencia de la mayoría de las demás series animadas a Batman se le dio un tratamiento muy cinematográfico. La planificación y el desarrollo de los episodios se realizaba con trabajados storyboards que perfectamente podrían haber pertenecido a cualquier superproducción de Hollywood.

A la hora de sentarse a escribir los episodios, Timm y  Radomski contaron también con Paul Dini y Alan Burnett y entre los cuatro encontraron el tono adecuado. La principal obsesión de los escritores era crear una serie que no estuviese dirigida de forma específica a un público infantil. Batman: The Animated Series debía ser una serie de calidad y su éxito debía venir de ahí, tenía que funcionar a todos los niveles y tenía que gustar a niños y adultos. Las tramas eran, en un primer vistazo, sencillas, lo suficiente como para que un niño las disfrutase sin problemas, pero bajo la primera capa se encontraban muchas otras, con infinitos matices y un sinfín de referencias al cine y la televisión, a la literatura y, como no, al cómic. Los episodios, sin renunciar al humor, eran serios, oscuros y en algunos casos, terroríficos y estaban escritos desde un profundo cariño y el máximo respeto hacia los personajes que, a menudo, se enfrentaban a complejos conflictos morales, a horribles tragedias y a situaciones que podían desembocar en un gran drama.

Muchos de los episodios que se escribieron fueron originales, pero una gran mayoría se basaban en historias sacadas directamente de las páginas de los cómics. Una de mis favoritas es El pez sonriente, un milagro de la adaptación que recoge partes de los cómics «Las cinco venganzas de El Joker», «El pez sonriente» y «La señal de El Joker» para crear un episodio coherente, bello y perfecto.

Algunas curiosidades:

La serie se emitió entre 1992 y 1995 contando con 85 episodios, dos de los cuales, Corazón de hielo y La venganza de Robin, consiguieron un premio Emmy cada uno.

La serie está considerada como una de las mejores series de animación de todos los tiempos, y la segunda mejor, después del Superman de Fleischer, basadas en cómics.

El personaje de Harley Quinn fue creado por Paul Dini y Bruce Timm para el episodio El favor de El Joker pero consiguió sobrevivir al episodio quedándose para siempre en el universo DC.

Se realizaron dos largometrajes, Batman: La máscara del fantasma y Batman y Mr. Freeze: SubZero.

Entre las voces de doblaje más conocidas se encontraban Ron Perlman, que interpretaba a Clayface y Mark Hamill, aka Luke Skywalker, que interpretó a El Joker, no solo en la serie animada si no también en videojuegos y cortometrajes siendo considerado hoy la voz oficial del personaje.

En 1994 la serie cambió de nombre pasando a llamarse Las aventuras de Batman y Robin.

A raiz del éxito de Batman: The animated series se publicaron una serie de comics y en 1994 Bruce Timm y Paul Dini ganaron el premio Eisner por «Amor loco», protagonizado, curiosamente, por el personaje que ellos mismos habían creado, Harley Quinn y del que más tarde, y de forma inversa a cómo habían hecho hasta entonces, se haría una adaptación animada para Las nuevas aventuras de Batman.

Tanto Paul Dini como Bruce Timm aparecieron como personajes en la serie.

La intro de Cálico Electrónico, de Nikodemo Animation, hacía un claro homenaje a la intro de la serie.

En definitiva, si has llegado hasta aquí es, o bien porque te encanta la serie, o bien porque te encanta Batman pero no has visto la serie. Si este último es tu caso te pido…, no, te imploro, que no pierdas más el tiempo y disfrutes de una de las mejores adaptaciones, si no la mejor, del personaje que se han hecho jamás. Te aseguro que no te arrepentirás. Eso sí, no te pegues el atracón, saborea los episodios con calma que solo existe una primera vez.

Fue en el número 27 de la revista ‘Detective Comics‘, aquella con la famosa portada en la que una figura enmascarada y vestida de murciélago atrapaba por el cuello a un malhechor y se lo llevaba por los tejados ante la perpleja mirada de otros dos villanos. Unos jovencísimos Bob Kane y Billy Finger habían creado un nuevo personaje de cómic basándose en la destreza y el espíritu de El Zorro, el alma oscura de La Sombra y la inteligencia y las dotes detectivescas de Sherlock Holmes. Difícilmente podían imaginar entonces que su Bat-Man no solo competiría en popularidad con el superfamoso y omnipresente Superman, sino que incluso lo superaría. Había nacido la leyenda y durante décadas fue creciendo y evolucionando, llenándose de matices y perfilándose en una personalidad compleja, oscura y vengativa pero también mucho más humana que la mayoría de los demás héroes.

El medio de difusión principal de Batman era, como es evidente, el cómic, sin embargo, empezó a aparecer en otros medios tales como tiras de periódico, libros de cuentos, seriales radiofónicos y televisivos e incluso, esporádicamente, en la serie de televisión Las aventuras de Superman. A mediados de los sesenta nació la famosa serie de televisión protagonizada por Adam West, un delirio cómico y muy kistch que en su momento, y a pesar de su éxito, estuvo a punto de acabar con la reputación del personaje. Batman se estaba convirtiendo en una parodia de sí mismo y empezó a caer en  barrena alcanzando su mayor decadencia a finales de la década de los 70, época en la que incluso su creador, Bob Kane, estuvo a punto terminar con él por completo. Pero acabar con el señor de la noche no iba a ser tan fácil.

Fue en los ochenta cuando Frank Miller, inspirado por la cercanía a la cincuentena del personaje, ideó una historia en la que Bruce Wayne, que ya hacía tiempo que había colgado la capa y se había retirado de la acción, decidía volver a vestirse de justiciero para combatir una nueva amenaza, enfrentándose a los malos de siempre, a los malos nuevos, a los buenos e incluso a Superman, ya que nadie confiaba en que un vejestorio fuese capaz de vencer al enemigo e incluso salir vivo de la refriega. En 1986 se publicaba ‘El Regreso del Señor de la Noche‘ convirtiéndose casi instantáneamente en un éxito de ventas y, junto a ‘La broma asesina‘ de Alan Moore y Brian Bolland, publicada al año siguiente, Batman consiguió llegar al Olimpo de los superhéroes y recuperó la reputación que merecía.

Aprovechando el renovado éxito del personaje y con el 50 aniversario cada vez más cerca, Warner aprovechó los derechos del personaje para el cine y la televisión para embarcarse en la que debía ser la adaptación cinematográfica definitiva del personaje. Y no escatimó en medios: un presupuesto millonario para construir la ciudad de Gotham, estrellas de la talla de Kim Basinger, Jack Palance y Jack Nicholson, que interpretaría a El Joker y todo orquestado por Tim Burton, director que empezaba a hacerse famoso con películas como Bitelchús, La gran aventura de Pee-Wee o Eduardo Manostijeras y que contaba con un estilo circense y retorcido que encajaba a la perfección con el tono que Warner quería para la película. El score correría a cargo del no menos circense Danny Elfman, habitual de Burton, que crearía una banda sonora con cierto sabor pulp en la que se incluía su épica y hoy conocidísima fanfarria ‘Batman theme‘. Batman, fue todo un éxito y desató una desaforada batmanía solo superada, quizá, unos pocos años después por la locura de los dinosaurios que despertó Jurasic Park.

Aprovechando el éxito, al año siguiente, Warner decidía cancelar su serie de dibujos animados Tiny Toons y sustituirla por una serie animada basada en el hombre murciélago. Bruce Timm y Eric Radomski fueron los encargados de realizar el cortometraje animado que mostrase a los ejecutivos el aspecto y el tono que debía tener la serie. Los responsables de Warner quedaron tan impresionados que aprobaron por unanimidad que Timm y Radomski se encargaran de la primera temporada, la cual debía estar lista en menos de dos años, haciéndola coincidir con el estreno en cines de Batman vuelve.

Continúa en Batman: La serie animada (y II)

Al parecer, en aquel videoclub existía una misteriosa puerta, cerrada a cal y canto, que daba acceso a una ignota estancia llena de secretos que solo unos pocos privilegiados, elegidos por el dueño tras haber realizado innombrables favores, tenían acceso. Yo, intentando formar parte de un misterio similar, indiqué que en mi videoclub también había una sala secreta, pero sin puerta, separada del resto del local solo con una cortina roja de terciopelo a la que mis padres nunca me dejaban entrar y de la que salían siempre hombres de extraño aspecto y mirada desencajada. De repente, otro compañero, cayendo en la cuenta, dijo que sí, que en su videoclub también había una puerta así. Se sumaron uno tras otro todos los compañeros. Nuestro narrador, no sin cierta condescendencia, reconoció que también él conocía esas cortinas pero que no, que la puerta a la que se refería era mucho más enigmática.

La puerta se encontraba en una zona alejada del bullicio del local, en una esquina al fondo en un ángulo poco visible y donde, convenientemente, se había fundido una bombilla. El tal Andrés ya se había percatado de la existencia de dicha puerta en alguna ocasión y, por supuesto, había intentado abrirla pero siempre se encontraba cerrada. Sin embargo, en aquella ocasión su suerte cambió. La puerta se encontraba entornada dejando escapar una mortecina luz de su interior. Se acercó y, tras echar un vistazo por si le veía alguien, se escabulló temerariamente en el interior de la sala. Contaba nuestro amigo que lo que vio allí dentro no lo contó Andrés. Tampoco cómo consiguió salir del videoclub sin que nadie, sobre todo el dueño, se enterase de que había entrado en la sala secreta y, más importante, con una cinta escondida debajo de la chaqueta. Pero así fue.

Según le había contado a los padres de mi compañero, lo que había en esa cinta era la máxima representación del horror. Era una especie de montaje que habían realizado los expertos de una universidad de Nueva York a partir de unos rollos de película que habían encontrado en el Amazonas y que formaban parte de un documental que habían grabado unos reporteros desaparecidos. En dicho montaje y sin ningún tipo de censura, se podían ver las más horribles vejaciones y mutilaciones que practicaban las tribus, primero entre ellos y más tarde  con los propios documentalistas que acababan siendo devorados por sus salvajes anfitriones. Mis compañeros y yo escuchábamos perplejos con una mezcla de terror y esperanza de que aquello no fuese verdad.

Y probablemente no lo era. Al menos toda la historia de Andrés y la puerta misteriosa. La película, sin embargo, era real, al menos en el sentido de que existe. Pero, ¿y el material grabado, también era real? Pues no, como pude saber un tiempo después. La película en cuestión, como ustedes ya sabrán, era Holocausto Canibal, del director italiano Ruggero Deodato que, de alguna manera, inauguraba un género que si bien no ha sido el más explotado se ha puesto de moda en los últimos tiempos: el Found Footage.

La premisa del found footage es hacer creer al espectador que lo que está viendo es real,  un material creado a partir de fragmentos de película encontrados, generalmente en circunstancias misteriosas y que suelen contener las claves de algún misterio que había quedado sin resolver. La receta del found footage es bastante sencilla: grabaciones documentales, caseras (casi siempre viejas películas estropeadas o vídeo de mala calidad) o de vigilancia grabadas cámara en mano o posición fija, sin composición, ni iluminación , ni música y con un montaje aparentemente realizado sin pretensiones dramáticas y protagonizadas por actores desconocidos o no profesionales todo ello en busca de la mayor sensación de realismo. Normalmente cuentan historias de terror o suspense ya que la frialdad del formato ayuda al espectador a entrar en la historia y a vivir la acción en primera persona.

Podría decir que, en general, es un género que me gusta pero que difícilmente puede mostrar algo novedoso u original. De entre mis películas favoritas (siento decir que Holocausto caníbal no es una de ellas) se encuentran  [REC·], de Jaume Balagueró y Paco Plaza, The Blair Witch Project, de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez y Cloverfield, de Matt Reeves. También me parecen muy interesantes la primera Paranormal activity y V/H/S. Este género ha ido saltando del cine a otro formatos como la televisión (Lost tapes, The river,…) o los videojuegos (Slender, Outlast,…). Sin embargo si hay un formato que me parece especialmente atractivo para explotarlo es Internet. Como claro ejemplo tenemos la increíble Marble Hornets.

A pesar de ser  un género muy cerrado albergo la esperanza de que en el futuro sigan surgiendo proyectos interesantes y, sobre todo, directores y guionistas capaces de explorar nuevas posibilidades. Y una de las mejores cosas que tiene el found footage es que no hacen falta grandes medios ni presupuestos. Puede que incluso yo mismo me anime.

Os dejo el enlace a Wikipedia en el que podréis encontrar (jaja) un listado completo de todas las películas, series y videojuegos enmarcados en este género. Y recordad ajustar el tracking.

Creepshow 2 se estrenó cinco años después de la primera parte, en el año 1987. Si a un pre adolescente le sumas cinco años te encuentras con un adolescente con sus pulsiones sexuales en auge y con una desvergüenza que su yo más joven ni se imaginaba que tendría. Si he de hablar de mi mismo, y a eso he venido, aviso, debo decir que por aquel entonces me encontraba en un momento en el que mi afición al cine de terror había pasado de pura formalidad a gusto apasionado. A esas alturas, con 15 años largos, ya tenía independencia suficiente para ir al cine solo (o con amigos -o amigas-) y elegir mis propias películas. Lo mismo ocurría con el videoclub. Ya no dependía de los gustos de mis padres, podía pasearme por las estanterías de género y con tranquilidad, revisar carátulas, sinópsis y fotos para elegir qué quería ver.

Se suman, además, dos factores, el primero que empecé a acudir puntualmente a los quioscos cada mes en busca de revistas especializadas como «Fotogramas», «Acción» y «Dirigido por», que aún sobreviven. No olvidemos que entonces no existía Internet y toda la información que un chaval podía obtener salía de estas revistas y de ignotos fanzines que con suerte podías encontrar por ahí. Con el tiempo empezaron a aparecer muchas más y mucho más especializadas. Guardo un grato recuerdo de publicaciones como «Fantastic Magazine» e (antes «Freddy Fantastic Magazine» y, aún antes, «Freddy Magazine»), «Blade Runner Magazine» (que duró un suspiro), y, sobre todo, la gran variedad que llevó al mercado Ediciones Zinco, como «Star Fiction», «Comics Scene», y, como no, «Fangoria». Me enorgullezco reconociendo que hoy en día conservo completas y en perfecto estado todas las colecciones. Pero no nos vayamos del tema.

El segundo factor es que el cine ya empezaba a interesarme más allá de la anécdota y empezaba a disfrutar diseccionando las películas, aprendiendo cada nombre de directores, guionistas, actores y dándome el gusto de pegarme atracones de sesiones temáticas. Supongo que cuando me tiraba un fin de semana entero viendo películas de Lucio Fulci o de Wes Craven mis padres empezaban a preocuparse y lo entiendo. No creo que sea muy tranquilizador ver cómo tu hijo se pasa toda una tarde viendo vísceras y sangre roja brillante.

Con Creepshow 2 ocurrió lo que suele ocurrir habitualmente, sobre todo si eres un jovenzuelo. Nos gusta una película y al cabo de unos años se estrena una secuela que promete más diversión. Además, en este caso concreto, yo no pude ver el primer Creepshow en pantalla grande y no pensaba perderme la oportunidad de ver la segunda.

Si no me equivoco, se estrenó en el Gran Teatro, uno de esos cines/monumento que prácticamente han dejado de existir para dar paso a supermercados y Zaras. Aquel, hoy restaurado y usado como  teatro,  ya por entonces mostraba signos de cierta decrepitud. Fui un sábado, primer pase, a eso de las 17:30, acompañado de unos compañeros de clase, aprovisionados de gominolas, gusanitos y refrescos en botella grande, siguiendo la tradición. Una película de terror no podía verse a pelo, había que espolvorearla con azúcar y sal.

Recuerdo que la sala no estaba muy llena y los pocos espectadores que había eran, la mayoría adolescentes como nosotros. Empezamos la película con un interés que se fue diluyendo a medida que pasaban los capítulos aumentando solo con las escasas y puntuales escenas con cierto contenido sexual. En general, mi recuerdo es de aburrimiento. De las tres historias, «El viejo jefe Cabeza de Madera», «La balsa» (único de ellos basado en un relato ya publicado de Stephen King y descartado por duración de la primera parte) y «El autoestopista» fue, precisamente el segundo, el que recuerdo ver con más interés. A día de hoy, creo que valoro la película mucho más positivamente que en el momento en que la vi aunque la sigo considerando inferior a la original. Toda esa chispa que aportaban el humor y el terror de las historias, con esos efectos dramáticos tan coloridos y los guiones algo más trabajados no están presentes en la segunda parte. Además, la primera parte contaba con cinco episodios entrelazados por una historia adicional mucho más interesante y divertida que ese intento forzado de unir con dibujos animados los capítulos de Creepshow 2. Todas estas diferencias hicieron que un su momento sintiera, y aún lo sigo sintiendo, que me habían estafado un poco, que se habían aprovechado de lo que me gustaba a mi la primera película para arrastrarme al cine a ver una segunda parte que a todas luces se había hecho con prisas y sin demasiado interés.

Y es que, precisamente, ahí es donde creo que está la clave que marca las diferencias entre una y la otra: la pasión. Claramente, Creepshow se realiza como un intento de homenajear las viejas historias de los cómics de terror acercándose a ellos con humor y con cariño. Creepshow 2 da la sensación de ser simplemente un producto salido del tedio. Odio decirlo porque me gusta ponérmela de vez en cuando, pero sí, es una secuela menor y una peli menor. Dicho esto, me parece un divertimento delicioso, sobre todo acompañado de amigos y comida basura.

Nota: Esta entrada está escrita por petición expresa de mi amigo Vaan Shepard y a él se la dedico. Curiosamente he de comentar que en un giro de los acontecimientos Vaan se va a convertir (ya se ha convertido, de hecho) en autor de este blog y no puedo esperar a leer todo lo que nos tiene preparado.

Ahora que se acerca Halloween y es inevitable ver rostros demacrados, vampiros y todo tipo de aberraciones del más allá en escaparates y pantallas, he recordado que en mi infancia el día 1 de noviembre era muy diferente a los de ahora. No existía Halloween, al menos en España, y mis amigos y yo los conocíamos tan solo por las referencias en series y películas norteamericanas. No he podido evitar pensar que me hubiera encantado esta fiesta de niño y eso me ha hecho pensar en cómo, de vez en cuando, mis amigos y yo hacíamos escapadas al reino del terror alquilando películas del género, pasándolas canutas y en grande a la vez, mientras nos atiborrábamos de aperitivos salados y refrescos. ¿Suena tópico y poco saludable? Es posible, pero es la verdad. Toda esta reflexión me trae de forma contundente el recuerdo de Creepshow una película que, de alguna manera me marcó y que, creo, influyó para que de ahí en adelante, me convirtiese en un gran aficionado al género en sus diversas representaciones.

Debió ser en 1983, más o menos, con lo que yo tendría unos diez años. Recuerdo con cristalina claridad la portada de un cómic colgado con dos pinzas de una cuerda en el escaparate de un kiosko en la ruta diaria. Cada día pasaba por delante y se lo pedía a mi madre y cada día mi madre tiraba de mi brazo y me alejaba de él. Lo pedí mil veces y mil veces mi madre se negó a comprármelo. Normal. Aquella portada pertenecía al número especial del Creepy editado por Toutain que coincidía con el estreno en salas de la película y le dedicaba la portada y una historia central, concretamente El día del padre.

Debí dar tanto la brasa que, increíblemente, mi madre terminó por comprarme la maldita revista. Reconozco que no recuerdo muy bien qué otras historias aparecían entre sus páginas pero nunca olvidaré, precisamente, esa historia central a todo color. ¿Habéis sentido alguna vez cómo el miedo van entrando en el cuerpo de forma lenta, suave y dolorosa, como en una inyección de penicilina? Pues eso me pasó a mi página tras página y cuando el cadáver del viejo, putrefacto por el paso de los años, se levanta de su tumba, con las cuencas de los ojos llenas de gusanos al tiempo que grita «¡¡quiero mi tartaaaa!!» creí que me moría de terror. Cerré el tebeo y lo escondí debajo de un cojín del sofá y ahí se quedó durante muuucho, mucho tiempo.

Si uno de los placeres de la niñez es descubrir cualquier cosa nueva, la adolescencia cuadruplica ese placer si era, además, algo prohibido. Creepshow, pronunciado «crepsob» por nuestras púberes bocas, era una película de terror por segmentos alquilada por el hermano mayor de un amigo y que, según presumía, era la película más terrorífica y asquerosa del mundo. ¿Terror y asco? ¿Quién podía resistirse a asistir a semejante encuentro, un sábado por la tarde sin adultos y con unos valores a por los que apostar siempre? A día de hoy, siendo ya un adulto con toneladas de cine de terror sobre las espaldas, veo la película con una mirada muy diferente, pero sigo sin poder resistirme a su atmósfera y espíritu maravillosos. Puede que en los 80 solo viese una tremenda peli de terror y asco (y risa también, no lo olvidemos)  pero hoy veo en Creepshow una representación del amor que sentían George A. Romero y Stephen King por aquellas historias con las que habían crecido y que les habían empujado a convertirse en profesionales de lo espeluznante. Creepshow, por supuesto, es una de mis recomendaciones para este Halloween. Creo que también la veré yo.

Anecdotario:

1. Recordaréis que la película empezaba con una discusión entre un padre y su hijo por los cómics de terror que lee el niño. Pues ese niño no es otro que Joe Hill y para los neófitos diré que Joe Hill es un autor de novelas, cuentos y cómics de terror que está teniendo bastante éxito últimamente. Por su «El traje del muerto» se le ha llegado a llamar «el nuevo maestro del terror» y se le compare sin sonroja con el padre del terror moderno, Stephen King. Hill dedica su libro a su padre, «uno de los grandes». Y es que, curiosamente, el padre del terror, es decir, Stephen King, es, literalmente, el padre de Joe Hill, que en Creepshow aparece como Joe King. Justo este mes de octubre han editado en España dos narraciones escritas a dos manos por padre e hijo, «En la hierba alta» y «Un rostro en la multitud».

2. En el segmento La solitaria muerte de Jordy Verril, el propio King se daba el capricho de interpretar a este personaje, un borracho paleto que por pura idiotez terminaba siendo víctima de los efectos de un meteorito un tanto especial. Por aquella época el escritor estaba en su mejor momento profesional y, por otro lado, ya atrapado por el alcohol y la drogas. Jordy Verril y Stephen King solo se diferenciaban en que uno era un hombre de éxito y el otro un desgraciado marcado por la mala suerte, pero, en esencia, eran algo muy parecido. King se cebaba sin piedad con su personaje y Jordy , del alguna manera, años más tarde volvió para vengarse del autor cuando a finales de los 90 el escritor ya se había rehabilitado por completo y gozaba de una vida bastante más saludable que la de las últimas dos décadas fue atropellado por un paleto borracho que casi le manda al otro barrio. Un Jordy Verril en toda regla.

Esto es Uranes, una virguería narrativa en la que en ocasiones se hace muy difícil distinguir entre qué es real y qué no. El director nos va dando pequeños bocados de información que van construyendo una historia tan fascinante que resulta imposible no quedar atrapado en ella. Nos presenta una serie de personajes extraños pero reconocibles y maravillosos, que tratan de sobrevivir a duras penas en un universo complejo donde el drama y la comedia se entremezclan de una forma total y absolutamente equilibrada creando un conjunto perfecto, redondo y muy emotivo.

Uranes forma parte del proyecto #littlesecretfilm, y fue rodado este verano con las limitaciones que indica el manifiesto, entre ellas un rodaje que no dure más de 24 horas, sin ningún tipo de promoción ni información del proyecto hasta el estreno y con lo mínimo para funcionar. No tengo ni la más remota idea de cuál era el presupuesto de esta película (según las normas, nadie cobra y la película la financia el autor en su totalidad) pero sí sé que desde su concepción hasta el final del montaje transcurrieron tan solo dos meses. Uranes es el primer y esperado largo de Chema García Ibarra y con él demuestra por enésima vez que no hacen falta grandes presupuestos ni alardes técnicos para crear una obra de gran calidad si se tiene inventiva, talento y muchísima imaginación, como es el caso.

Según las normas del proyecto conjunto #littlesecretfilm y Calle13, la película tenía que desarrollar un thriller y sus subgéneros. Ibarra se las arregla para adaptarse al género impuesto sin alejarse de la ciencia ficción y los fuertes contrastes que definen su obra, construyendo una trama que incluye temas tan incompatibles, en apariencia, como el alzheimer, los musicales, la pederastia, los poderes psíquicos o las invasiones alienígenas, todo ello con suma maestría haciéndonos pasar de la inquietud a la ternura siempre con un hueco para la carcajada. Aparecen habituales de sus cortos como José Manuel Ibarra y Carmina Esteve (siempre ahí, desde El ataque de los robots de Nebulosa-5 y sin los que el universo del director no sería lo mismo) además de Antonio Ibarra, José Luis Fullea, Susi Martínez, y Luis Miguel Bienvenido casi todos presentes, de una u otra forma, en sus anteriores trabajos, todos amigos y familiares de Chema. Las localizaciones de la película son también reconocibles para los seguidores del director que siempre rueda en lugares muy cercanos a él, el Camp d’Elx, en este caso, que ya aparecía, por ejemplo en el videoclip del grupo murciano Klaus&Kinski, Ojo por diente. Este entorno rural y terroso, vacío de referencias (y con unos cielos espectaculares, todo hay que decirlo) sumado a la elección del vestuario de la directora de arte Leonor Díaz, hace que esta historia flote en el tiempo, que nunca se sepa en qué época transcurre, lo que ayuda a crear esa atmósfera fantástica y delirante y cercana a la vez.

Vi la película anoche y todavía tengo vivo el recuerdo y las emociones que me transmitió. No tenía ninguna duda de que Chema haría un gran trabajo pero debo reconocer que, incluso así, me sorprendió enormemente. Para mi, esta película es la representación última del trabajo de este director, una obra profundamente personal que engloba todas sus filias artísticas y que cuaja perfecta, sin fisuras, fascinante e hipnótica. Irrepetible.

Más sobre Chema García Ibarra:

En IMDB – En Vimeo

Venga va, voy a confesarme aquí y ahora sobre mi relación con Facebook. Lo que en un principio, y hablo ya de hace unos cuantos años, fue como una bocanada de aire fresco en la red, se ha acabado convirtiendo para mi en el Tomaco de las Social Media: sabe mal, no huele muy bien, pero no puedo dejar de comerlo. Muchas veces  me he planteado cerrar la cuenta, olvidarme de una vez por todas de los cartelitos con mensajes horteras y rebuscados compartidos hasta la saciedad, las quejas y la auto compadecencia, las fotos de fiestas, conciertos y ¿orgías? llenas de caras desconocidas y, sobre todo, ese mal rollo infantil y ridículo que genera el «me ha eliminado de sus amigos» y que todo el mundo negará, por supuesto. Estoy harto, la verdad, sobre todo de seguir yo también esas mismas dinámicas. Pero también soy adicto, puede que tan solo porque el descomunal bostezo que me produce recorrer el timeline  lleve una porción un poco más grande de delicioso cristalino oxígeno a mi reseco cerebro. No sé.

Y, miren qué cosas, cuando estuve a punto de cerrar el chiringuito, de quitarme el esparadrapo de un solo y contundente tirón para alejarme de los likes y los shares sin mirar atrás, ocurrió algo, apareció FaceToFilm. FaceToFilm no es otra cosa que un grupo de Facebook creado por unos aficionados al cine y las series de televisión. Es así de simple. Lo bueno que yo le veo es que, a diferencia de un foro tradicional, los usuarios pueden hacer sus aportaciones de forma abierta, es decir, cuando publicas algo es muy visible lo que facilita el debate. Debo decir, y ahora hablando en serio, que FaceToFilm, al igual que su hermano mayor más inclinado a los videojuegos FaceToPlay, han revitalizado mis ganas de entrar en Facebook. Ahora veo muchas más cosas que me interesan, participo en los hilos con avidez y, lo juro sobre la tumba de Marty Feldman, aprendo cosas. Y es que hay nivel entre los usuarios de FaceToFilm.

La verdad es que, si te gusta el cine y las buenas series y te gusta compartir tus opiniones con otros, te lo recomiendo mucho, de verdad. Para mi ha sido una sorpresa.

Vías: FaceToFilm | FaceToPlay

Guillermo del Toro produce Mama el primer largo de Andrés Muschietti, una historia de terror basado en Mamá un cortometraje muy cortito pero muy contundente del director. La película parece ser la evolución natural de la historia que se narraba en el corto y cuenta cómo dos niñas pequeñas desaparecidas son encontradas en una casa abandonada en mitad de un bosque en unas condiciones físicas y mentales lamentables. La madre de estas habría sido asesinada tiempo atrás y una pareja se encargará de acogerlas para su cuidado y reinserción social.  A priori puede resultar un planteamiento un tanto aburrido y mil veces visto, sin embargo, en el trailer queda perfectamente claro que esto ni es un drama, ni pretende hacernos reflexionar con ninguna moraleja. Juzguen ustedes mismos.

La película está protagonizada por Jessica Chastain y Nikolaj Coster-Waldau y las niñas están interpretadas por Isabelle Nélisse y Megan Charpentier, dos pequeñajas con una dilatada experiencia en cine y tv, sobre todo la última. Ah, y nuestro querido Javier Botet aparece también en la ficha, como no podía ser de otra manera.

Quería comentar que el trailer lo he visto en Facebook en el muro de Raúl Cerezo (del que, si tenéis oportunidad, os recomiendo encarecidamente que veáis su genial corto 8) y en el hilo se debatía acerca de los parecidos razonables entre el estilo de Andrés Muschietti y el de nuestro adorado Iván Sainz-Pardo, sobre todo en cuanto a las similitudes entre Mamá y El laberinto de Simone. Debo reconocer que la primera vez que vi Mamá lo primero que pensé fue «cómo me recuerda esto a Simone». No me apetece entrar en valoraciones, la verdad, solo decir que me parece que inspirarse en una obra tan magistral como El laberinto de Simone es hasta cierto punto normal. Para los que no conozcan estos dos cortos los enlazo aquí mismo lanzando una pregunta -¿o quizá una súplica?- al aire: ¿para cuándo un largometraje dirigido por Iván?