AOUILA NO TEATRO

ONDE ESTÃO AS PESSOAS QUE VOCÊ AMOU

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Wed, 23 Sep 2026 14:04:49 +0000

A pessoa que desaparece do convívio vai para onde? Para onde vai a alma? Porque o corpo, sabemos.

Alma para mim é consciência com memória. E isso tudo é energia, aquela história de prótons e elétrons que costumo contar. Então, se todos somos prótons e elétrons (e as nano partículas deles), somos renováveis e vamos para algum lugar.

Posto isto, acredito, sim, que o corpo ao virar pó libera a alma para ficar gigante. Ela se espalha! Quando eu me espalho, ninguém me junta – disse a alma.

Jefferson Schroeder teve uma sacada para escrever uma peça sobre para onde vão as pessoas depois que elas desencarnam e respondeu a dúvida com o texto da peça “Onde estão as pessoas que você amou”. Como um narrador presente, Jefferson nos conta uma história meio ficção, meio realidade, sobre um neto que recebe a ligação da avó dizendo que será seu aniversário em breve, mas que será o último. Pronto. Ele decide ir ver a avó. Está estabelecido o conflito, o drama, a pergunta da peça: Ele conseguirá chegar até a avó para saber o motivo de ser seu último aniversário? É pra responder a isto que eu quero te convencer a assistir “Onde estão as pessoas que você amou” até dia 30 de setembro no Teatro Café Pequeno, no Leblon, exatos dois minutos a pé da estação de metrô Jardim de Alah.

O texto é ágil, comunicativo, cheio de personagens, mantendo o público ligado na história, acompanhando passo a passo da jornada do herói em busca da casa da avó. Jefferson tem um linguajar que chega em qualquer um da plateia, seja você um iletrado ou erudito.

A direção é do João Fonseca. João conduz o espetáculo sabendo dosar as 17 vozes dos personagens com forma física, movimentação cênica, comportamento, pausas e velocidade. João permite que Jefferson seja o mais simples e seguro possível em cena, num teatro onde a plateia está quase sentada no palco. É direta a conversa com o público. Jefferson conta uma história e faz do público seu cúmplice. E João sabe que trazer o público para a história é certeza de sucesso.

O cenário composto de 2 cadeiras, uma mesa e um suporte para os objetos são de Daniel de Jesus. O figurino é da sempre competente Carol Lobato – aqui cabe uma observação: Jefferson de preto permite interpretar os 17 papéis pois na nossa cabeça vestimos todos eles e, ao fim, com a roupa do astronauta temos o contraste do branco que tudo ilumina. A luz de Thiago Menezes sabe aproveitar o micro-espaço com clareza, cortes, focos e colorido. A trilha sonora também ajuda muito a emocionar e a fazer a plateia imaginar as cenas contadas.

Já vi Jefferson Schroeder fazendo um menino, uma produtora apavorada, um ajudante de investigador e até Gerald Thomas sabe de sua competência. Em “Onde estão as pessoas que você amou”, Jefferson é inteligente ao usar seus personagens criados para o Instagram – do famoso bombeiro Brian à extraterrestre ETéla, passando pela idosa fumante a personagem de Discovery Channel. A plateia vai ao delírio quando ele diz “Oh Meu Deus”. Com isso, Jefferson tem a total segurança do que nos mostra, pois já foram experimentadas as vozes com os filtros dos aplicativos de redes sociais, nos fazendo imaginar quem está falando, em qual momento e como são. É ótimo ver ao vivo Jefferson mudar da água para o vinho em menos de um segundo do sotaque de Santa Catarina para a voz rouca da tabagista, do motorista do ônibus temente à Deus a voz da avó carente. Conhecemos os personagens e juntá-los todos numa única peça é mérito que só os ótimos atores sabem fazer. Jefferson interpreta através das vozes, usa sua expressão corporal e carisma para complementar e nos fazer rir e, claro, derramar lágrimas verdadeiras. Só faltou ele cair no palco e gritar: “Sandra!”

A produção é de Thiago Menezes, Edu Rodrigues na fotografia e a Orbe Comunicação, na assessoria de imprensa.

Todos nós queremos uma segunda-chance para encontrar alguém que não está mais entre nós e “Onde estão as pessoas que você amou” nos conforta ao saber que, mesmo durante a peça, existe um mundo, igual ao nosso, onde essas pessoas todas estão lá, esperando para nos encontrar novamente.

Corra, corra, corra para o teatro Café Pequeno, pois só tem mais 2 apresentações neste teatro. Vá abraçar os tantos personagens que conhecemos do Jefferson, as dublagens perfeitas, os videos, a história que nos conforta e a comunicabilidade de um espetáculo feito para o público. Todos saímos felizes e agradecidos. Uma peça para toda a família. Compre seu ingresso pois não há patrocinadores. Ainda. Viva Jefferson, viva o teatro! Aplausos de pé.

HÉTERO SIGILO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Fri, 15 May 2026 13:53:31 +0000

Quatro vezes na minha vida tive a mesma sensação: não estou sozinho no mundo.

Fora de ordem, aqui estão: quando assisti ao comício do meu candidato à presidência da república e vi que pensamos todos iguais no coletivo; quando entrei para a associação de produtores culturais e vi que todos sofremos igual como produtores; quando entrei pela primeira vez em uma boate LGBT e vi que existiam pessoas iguais a mim; e ontem, ao assistir ao espetáculo Hétero Sigilo e senti novamente várias emoções (que eu tinha guardado só comigo) e vi que eu não passei por aquilo tudo sozinho. Aconteceu também com outras pessoas exatamente as mesmas coisas!

Depois da temporada de estreia de grande sucesso, o monólogo Hetero Sigilo está em cartaz no Teatro Gláucio Gil em curta temporada. Corram!

Com texto e atuação de Bernardo Dugin, a peça conta a história de um menino que se descobre feliz, se envergonha e aprende que sua liberdade é vigiada, aceita e age como a sociedade ordena, sofre, vira o oposto do que sua natureza manda, sofre, se engana, acha um caminho de fuga para viver duas vidas paralelas, sofre, se revolta, mas... aos poucos... começa a descobrir que o amor e a liberdade de ser quem se é, é maior e mais prazeroso do que seguir o que a sociedade, pais, família, irmãos te obrigam a ser.

Uma vez em um jantar em família, uma tia me perguntou: E as namoradas? E eu respondi: a senhora é cega ou está me sacaneando? A gargalhada dos primos parceiros, a vergonha dos adultos, a minha segurança, a confiança dos meus primos menores em mim, a aprovação de tios modernos, a desconversa, o meu empoderamento naquele dia foram sentidos por todos.

O texto de Hétero Sigilo é muito bem escrito. Contado em parcelas de anos-faixas de idades, Bernado Dugin (autor) traz uma dramaturgia que vai crescendo ao longo da história do personagem, onde as mudanças são vistas, sentidas a presenciadas por todos. Sabemos onde vamos chegar, mas não sabemos como nem o fim da história. O famoso arco dramático tão falado nos livros de roteiro, a mesma imagem do início igual a do fim da peça, a construção das frases, a linha da história, os pequenos conflitos, tudo é muito bem amarrado, pensado e escrito. Ótimo o texto.

No palco, um gigantesco espermatozoide ao fundo, duas cadeiras, uma mesa com rodinhas e objetos compõem a cena. Nello Marrese (mestre!) assina a cenografia e o figurino, composto por roupas leves e confortáveis, em tom neutro, valorizando o corpo e a história. A luz de Daniela Sanches traz recortes, quadrados, focos e colorido muito bem casada com cenografia e direção. A trilha sonora de Frederico Puppi é sempre elegante, certeira e necessária.

João Fonseca é o diretor. (Acho que João Fonseca é o diretor de teatro mais citado neste blog-opinião... seria ele um dos meus favoritos?). Em Hetero Sigilo, João traz aquela direção que eu admiro: respeitosa, calma, marcas leves e necessárias para contar a história da evolução do personagem. Cadeiras que viram personagens e bancos de carro, a ocupação do espaço permitindo uma movimentação justificada. É delicado e preocupado com a verdade cênica. Lindo. Junto com João, é destaque também a direção de movimento de Vanessa Garcia com as ótimas coreografias de danças, briga e sexo. André Celant é o assistente de direção e ajuda a amarrar as pontas para que a peça fique redondinha.

Bernardo Dugin é o ator. Sua atuação é segura, tranquila, confiante e conta uma história importante. A mudança do personagem percebemos ao longo da peça. De criança-viada a adolescente problema, de hétero agressivo a hétero sigilo, de homem social para homo defensor da sua natureza. É linda a cena da descoberta do amor no amigo igual na escola e a dor de ter excluído o amigo por pressão social. É divertida a cena de roubar a namorada do desafeto. É intensa a cena do seu personagem brinquedo-sexual-fuga. É comovente a sua liberação do pai. É emocionante a sua descoberta do amor. Bernardo não tem pressa para contar a história. Ele vibra ao poder passar cada pedacinho da história com a certeza de que a mensagem chegou ao público. Sua atuação é merecedora de aplausos de pé.

Na produção, O Delirante Produções. Azul Scorzelli na assistência de produção, Paula Catunda e Catharina Rocha na assessoria de imprensa sempre com ótimos espetáculos à mão.

Hetero Sigilo é um pseudônimo muito comum em salas de batepapo, aplicativos de encontros, redes sociais voltadas para alivio imediato sexual. É fetiche recorrente, antigo e atual. E é também título de um espetáculo de teatro onde mostra que não se está sozinho no mundo silenciado pela sociedade. É tudo verdade. Entendedores entenderão! Vida longa a Hétero Sigilo! Aplausos de pé. Viva o teatro!

CAMINHO DE CASA

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Fri, 03 Apr 2026 22:07:00 +0000

Sempre começo a escrever sobre uma peça que eu gostei, e recomendo, contando como o espetáculo se ligou na minha vida e porque merece estar neste blog - seleção de peças de teatro imperdíveis.

Deve existir algum estudo sobre comportamentos erráticos e perturbadores de pais com seus filhos, mães com suas filhas, quando jovens, que são devidamente explicados pelo desenvolvimento de alguma doença fisica desses pais na vida madura ou na terceira idade.

Não tive uma relação boa com meu pai, mas, no fim das contas, eu cuidei dele quando precisou. Na minha familia também existe caso de mãe que maltratava a filha, mas foi ela mesma quem cuidou da mãe no fim.

Sigo no TikTok uma nora que cuida da sogra com Alzheimer. A paciência da nora é maior do que a de Jó! O bacana do perfil é mostrar como agir em momentos de irritação, esquecimento e lembrança.

Está em cartaz na Arena do SESC Copacabana, Caminho de Casa. A peça é composta de recortes da vida entre mãe e filha. Mãe que perde a memória, fica confusa, agride, se desculpa, não reconhece, repete varias vezes a mesma coisa... e uma filha, que suporta o momento da mãe da melhor forma que pode. Em sua juventude, a mãe agredia verbalmente a filha, acusava de preferir ao pai, jogava na cara da filha o “tudo que fiz por você” o tempo todo. Vemos a evolução da doença, idas ao médico, embates, a paciencia da filha no limite, as cobranças e as mágoas. A filha tem tudo para abandonar a mãe, mas é ela quem cuida quando a mãe perde seu bem mais precioso, a sua memória.

O texto, de Renata Mizhari é ótimo. O inicio da mãe rememorando os numeros de telefone, já sabendo que irá esquece-los algum dia, o parcelamento dos momentos presente, passado, sala de espera de médico, faz com que a dramaturgia não siga uma linha lógica, mas isso pouco importa, pois a cada pequeno momento, a cada pequeno embate, a cada situação, temos uma micro-dramaturgia que se liga num todo. É de emocionar mesmo algumas falas ditas pelas personagens e Renata tem o dom de usar o dia a dia, o coloquial, de uma forma belíssima no teatro.

O cenário de Tuca Benvenutti é composto de objetos necessários para contar a história com uma ótima presença de um bebedouro que permite mostrar o esquecimento, acalmar os ânimos e, ao mesmo tempo, saciar a sede das atrizes!! Cadeiras e plantas são objetos da história: sala de espera, sala de casa, plantas são personagens. A mesa com o microfone parece aquele local onde os atendentes ficam sentados chamando o numero da senha do paciente e dizendo a sala do consultório a ser ocupada! – recentemente passei por isto com minha mãe, então a referência está mais que fresquinha na cabeça!!

O figurino de Teresa Abreu, único, é elegante, leve e ao mesmo tempo sóbrio para a mãe e branco para a filha, que reflete luz, ilumina, indica pureza. A iluminação de Nina Balbi ajuda a contar a história com corredores, focos e mudança de tom entre presente-passado-consultório. Ótimo trabalho. Temos ainda a luxuosa direção de movimento de Laura Sami que cria junto com as atrizes micro expressões faciais e ao mesmo tempo largos movimentos corporais. Azulllllll cria literalmente uma trilha sonora do começo ao fim. O som do dia a dia, o som da sala de espera, as músicas que trazem memória. Tudo funciona.

Miwa Yanagizawa é a diretora. Um trabalho minucioso, certeiro. Em vários momentos da peça observamos as atrizes seguras com o texto e uma dinâmica de cena bem construída para um espaço de arena. Tem duas cenas que me deixaram boquiaberto tamanha simplicidade e profundidade. A primeira, consultório de psicólogo. Embora narrado pela filha, duas plantas são colocadas lado a lado em frente à mesa de centro. Em determinado momento, é solicitado que a mãe saia para que a filha possa conversar com a psicóloga. Uma das plantas é trocada de local, sendo estacionada bem distante, como se a filha simplesmente estivesse re-arrumando a casa. Simbólico e consciente. Outra cena, a filha sentada na sala de espera aguardando a chamada da senha, olha e murmura para a mãe sentada distante. Gestos e palavras ditas apenas com os lábios, sem som. A cada chamado da filha, a mãe vira o rosto, como uma criança pirracenta. As duas se entendem, nós, público, entendemos tudo!! Uma beleza!! Sem falar na condução da história onde o afeto, carinho, raiva e mágoa estão presentes o tempo todo nas entonações e caminhadas. Um trabalho sensível e competente. Adessa Martins é a diretora assistente.

Juliana França é a filha. Tem aqui um desafio grande. Contracenar com a gigante Kelzy Ecard e dar vida à uma filha magoada, preocupada, dividida entre perdão e rancor, amor não correspondido e ao mesmo tempo doido para ser compartilhado. Juliana não se rende à personagem muito menos à colega de cena, encara os dois desafios com qualidade, técnica, sensibilidade e muita coragem. Um ótimo trabalho de composição. (No fim da peça, ficou clara a sua dedicação e angústia quando ela correu para abraçar a propria filha que estava na plateia. Neste gesto ela se desmonta e ao mesmo tempo faz o que a personagem queria que sua mãe tivesse feito com ela). Belíssimo trabalho.

Kelzy Ecard é a gigante da hora. Vindo de grandes e diferentes trabalhos no teatro – ora cantando Chico Buarque, ora ao lado de um marido/namorado que encara uma doença terminal – Kelzy se firma como uma das grandes e melhores atrizes deste momento. Nesta peça, ela, a mãe, varia entre gargalhada e choro compulsivo. Muda drasticamente entre um esquecimento para uma lembrança através de uma música. Não reconhece a filha e trata uma desconhecida como tal. A cena em que se perde na rua, esquece o Caminho de Casa, é minimalista, forte, séria, emocionante, tensa e a plateia fica atônica, doida para ajudar aquela senhora perdida – em todos os sentidos. Kelzy traz uma verdade poucas vezes vista em teatro ultimamente. Ela não interpreta, vive. Sofre verdadeiramente. E é essa verdade intensa que faz deste espetáculo um de seus trabalhos mais marcantes na sua trajetória de 35 anos de carreira como atriz. (Ela não se lembra, mas a conheci no Projac. Eu, analista de projetos, ela, produtora de artes. Ali ela já era essa mulher amada por todos e competente).

Aplausos ainda para as produtoras Christina Carvalho e Natália Dias, neste projeto do Teatro de Nós Produções Artísticas; Catharina Rocha e Paula Catunda sempre com bons espetáculos nas mãos na assessoria de imprensa; Nathália Alves nas Mídias Sociais, e Janaina Ferreira na Identidade Visual.

A gente sabe quando um trabalho é construído com amor e união. Sabemos quando uma peça foi pensada desde a primeira leitura até a estreia nos mínimos detalhes. O que vem do palco para o público é forte, intenso e real. O abraço coletivo da equipe na hora dos aplausos diz tudo.

Caminho de Casa nos faz pensar em como estamos cuidando dos nossos parentes que estão perdendo as memórias, suas lembranças, e faz com que aprendamos a ter paciência e tornar a vida deles menos confusa. É o teatro que eu gosto: verdadeiro, humano, vivo, que traz reflexão e aponta caminhos. Imperdível, impecável e inesquecível. Aplausos de pé. Viva o teatro!!

ÓPERA DO MALANDRO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Wed, 11 Mar 2026 01:17:00 +0000

Senta que lá vem textão.

Em 2003 assistir à Ópera do Malandro, no Teatro Carlos Gomes (RJ) me causou fortes emoções. Comprei o CD da peça e sei as músicas de cor. Em 2014 assisti a outra montagem, basicamente só com homens. E agora marquei presença na montagem de Ópera do Malando, em São Paulo, sob a batuta e visão de Jorge Farjalla, reafirmando o musical brasileiro como um dos melhores de todos os tempos.

É impressionante como, a cada tempo que passa, a obra fica mais perto da vida real! Máfia entre os deputados, traficante na Faria Lima, bicheiro entre vereadores... a cada novo vazamento do celular de um tal dono de banco novamente preso, detalhes sórdidos de planos de espancamento de jornalista e funcionária e chantagens com ministros supremos e presidentes de partidos, aparecem na mídia e conferem à Ópera do Malandro o selo de “Brasil como ele é”.

O saguão do Teatro Renault está totalmente instagramável e tem uma lojinha para comprar memória física! A sala de apresentação tem um cenário à vista, uma grande porta de galpão onde acontecerá a história, incluindo aí as letras em vermelho formando o título da peça.

Ao começar, um personagem se abaixa e saúda o seu orixá. Suas palmas abrem caminhos, pedem autorização. De certa forma o som lembra as cajadadas de Molière. É um pedido, “nos abençoe”, “nos proteja”.

A porta se abre e vemos a cenografia com escadas e caixas que se movem, atendendo perfeitamente ao propósito da peça. O cenário é assinado por Cris Azner, com adereços e objetos de Clau Carmo. A arte gráfica é de Kelson Spalato .

E já no primeiro número musical chega o elenco num figurino de muito bom gosto, moderno, criativo e cheio de cores, referências, criação de Úga Agú e Jorge Farjalla. O que chama a atenção é o visagismo de Sinome Momo com rostos pintados de base branca e cores fortes nos olhos e bocas. A referência ao teatro brechtiano é clara. A maquiagem funciona como uma máscara, tornando os personagens meio humanos, ajudando a segurar a iluminação, mantendo as expressões dos atores visíveis mesmo a distância. Gabriele Souza é a designer de luz que assina com competência e qualidade a iluminação do que assistimos.

Na direção musical, Gui Leal nos oferece logo na abertura um mix do que virá somado a “O Sino da Igrejinha” e “Vai Malandra”. Somos brindados com os malandros dançando tango com Vogue de Madonna. Vem daí uma rica referência não só da icônica apresentação de Madonna no MTV Awards com o início do movimento vogue das casas de travestis e trans – como podemos ver no seriado Pose. Folhetim e Muchachas de Copacabana são tocadas na sequência, valorizando não só Fichinha como todas as garotas do bordel.

Falar dos malandros é aplaudir Isaac Belfort por seu Barrabás, Mateus Ribeiro, ótimo com voz de fumante Phillip Morris, Patrick Amstalden como o bebum Johnny Walker, Paulo Viel por seu Big Ben e Hipólyto por seu General Eletric. Falar das muchachas é aplaudir Marya Bravo por sua Dóris Pelanca, Ana Luiza Ferraira pela divertida Fichinha, Larissa Grajauskas por Jussara Pé de Anjo, Marina Mathey por sua Dorinha Tubão – que administra o bordel, Carol Botelho por sua Mimi Bibelô e Giu Mallen por Shirley Paquete.

A direção coreográfica de Leilane Teles nos faz querer estar no palco e dançar com o elenco.

Com a inclusão duas músicas de Chico Buarque na história, “Atrás da Porta” e “Tatuagem”, em um belíssimo dueto entre Lúcia (Andrezza Massei) e Teresinha (Carol Costa), Jorge Farjalla traz a antiga namorada para o primeiro ato, mostrando que o malandro a dispensa para ficar com filha do cafetão. Isso é ótimo, pois “faltava” nas montagens anteriores a existência prévia de Lúcia na vida de Max (José Loreto). Ela aparecia “do nada” no segundo ato como uma “louca” dizendo que ele a abandonara e cantava as vantagens que ela tinha sobre ele duelando com Teresinha. Agora ficou completo! O designer de som é de Randal Juliano.

Valéria Barcellos nos traz a melhor Geni já vistas nos palcos brasileiros. Desde sua entrada com uma gigantesca bolsa de muambas, fazendo uma cena divertidíssima com Vitória Régia (Totia Meireles) e Fernandes Duran (Ernani Moraes), onde entuba um perfume meia boca dizendo que é o suprassumo da riqueza, e a nouveau riche (como diria minha avó), ou a emergente (como chamaria aquela colunista social carioca nos anos 90), cai como uma patinha. Sem falar no salamaleque que Geni faz para contar do casamento da filha do casal com o malandro Max. Seu número musical, talvez o mais icônico da peça, é plena emoção. Nunca ante na história deste país eu me levantei a plenos pulmões e gritei “bravo” e aplaudi de pé um número musical NO MEIO DA PEÇA!! Refaço os gritos e aplausos para Valéria Barcellos.

Nesta montagem, as mulheres se mostram muito mais poderosas que os homens. Teresinha (Carol Costa – sempre segura e firme, atenta, ágil, sábia, além de cantar que é uma beleza!) manda em Max e nos funcionários depois que ele foge; Vitória (Totia Meireles – perfeita, voz, atuação, canto... céus como sou fã!) manda no marido e nas meninas do bordel. Geni (Valéria Barcellos) manda em todo mundo. Fichinha (Ana Luiza Ferreira – ótima, engraçada e canta que é uma beleza!) manda em Max e sua chegada é de abalar quarteirão. Doris Pelanca (Marya Bravo – seu número cantado em Alemão é belíssimo!) se revolta, vai pra sarjeta e retorna por cima com uma mensagem importante. São todas as Pombas Giras presentes e homenageadas em cena.

Na parte masculina do elenco, Amaury Lorenzo nos engana com tamanha perfeição com seu delegado Chaves/Tigrão que ficamos na dúvida se era ele mesmo ou um ator substituto! Adorei isso! Que beleza de atuação! José Loreto é o Max Overseas que podemos ver em qualquer esquina, rua, calçada da Lapa carioca. Loreto se estiver caracterizado e andar pelo famoso bairro, vão achar que é um dos milhares de personagens conhecidos da região e isto é um grande mérito do seu trabalho. Ernani Moraes é o proprio mafioso Fernandes Duran com sua voz de trovão e humor debochado mandando em todos, menos nelas! São o povo da rua, os Exus.

A visão, direção, proposta, talento, estudos de Jorge Farjalla para esta montagem é o que torna o espetáculo um acontecimento único no teatro brasileiro. Mais seguro e firme, mais maduro e culto, embora as referências sejam imensas, nesta peça ele é objetivo e, embora não captemos todas as mensagens, 90% do que se passa em sua cabeça é abocanhado pelo público. E agora, para ele, o futuro espetáculo se torna um desafio maior ainda. Sempre subindo degraus cada vez maiores, a sua visão de Ópera do Malando é um salto grande em qualidade, competência e talento. Tudo que foi escrito neste texto é da cabeça dele, o mérito das belezas todas, é dele. O que virá depois? Um monólogo com uma cadeira e um pino de luz?

Graças aos irmãos Daniella e Marco Griesi, parceiros do Farjalla em suas propostas artísticas, temos esta peça em cartaz em São Paulo até o próximo domingo. O patrocínio da Petrobras é a prova de que o Brasil sabe fazer musicais de qualidade igual e acima dos musicais da Broadway.

Finalizei este texto sem ler o programa da peça. Agora que o li, é exatamente o que lá está escrito por Jorge Farjalla e é exatamente o que eu vi no palco. Portanto... escrito em palavras e posto em cena! Agora é correr pro Teatro Renault pois só tem mais um fim de semana. Assista e me agradeça depois. Viva o teatro musical brasileiro! Vida longa à Ópera do Malandro! Viva o teatro!

O HOMEM DECOMPOSTO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sat, 15 Nov 2025 21:31:00 +0000

A humanidade está louca. E dividida. Em três partes, não necessariamente iguais. Os que pensam no coletivo como forma de melhorar a vida, os que pensam em enriquecer e fazem do coletivo sua força escrava e os que vivem sem lado nenhum e tentam sobreviver da melhor forma possível. É como diz o prólogo de Antígona, escrito por Millôr Fernandes “...Ainda não acreditamos que no final / O bem sempre triunfa. Mas já começamos a crer, emocionados, / Que, no fim, o mal nem sempre vence. O mais difícil da luta / É descobrir o lado em que lutar.”

Pois eu escolhi lutar ao lado daqueles que pensam no coletivo como salvação para a humanidade. A visão “outro lado”, na briga do “nós contra eles”, acha que o lado de lá é louco, é lixo, é decomposto. E não é uma visão exclusiva do lado de cá, do lado que pertenço. Os “do lado de lá” também pensam que nós, os progressistas, os coletivistas, estamos loucos, decompostos, lixo.

Pensamentos numa hora dessas?

Em julho de 2012 chegou ao Brasil o livro “Teatro Decomposto ou o Homem-lixo”, da obra de Matéi Visniec publicada em francês. Matéi Visniec é dramaturgo e teatrólogo. Meu primeiro contato foi na montagem de O Espectador, no teatro Poeira, com consagradas atrizes brasileiras. Paixão imediata pelo texto.

Agora, está em cartaz, no Teatro Laura Alvim, da casa que leva também o nome, o espetáculo O Homem Decomposto. A peça tem alguns dos monólogos e diálogos contidos no livro “Teatro Decomposto ou o Homem-Lixo” e, diz a apresentação do livro “(...) não se contenta em construir uma ordem e um retrato, e sim em tocar diretamente a matéria viva do cotidiano”. Interpretei esta frase como um “vamos mostrar a humanidade de uma forma desconstruída e decomposta, tal qual olhamos para aquela turma do lado de lá, que reza para pneus e coloca celular na cabeça chamando os ET’s... Para o espetáculo, a tradução utilizada é de Luiza Jatobá, a tradutora do livro.

Ary Coslov é o diretor. Quando se abrem as cortinas, temos uma representação da Santa Ceia, de Michelângelo e a cena por si só já chama a atenção e nos induz a acreditar que o homem é o mesmo desde os primórdios, épocas sem tecnologia, onde o “retrato” (a obra, a foto, a imagem) era captada por alguem que já sabia da decomposição e lixo do humano (cada qual a sua época...) Ary nos traz uma direção extremamente moderna, ágil, divertida e criativa. Enlouquece os atores nos seus monólogos e os descansa com direito até água nas cadeiras laterais. Referências musicais, visuais e jornalísticas estão à disposição do público. Como a já citada reza para ETs com telefones na cabeça, o que leva a plateia a entrar no jogo proposto. Um trabalho belíssimo de direção unitária, de conjunto, de imagens ditas e sublinhadas, delicadas, elegantes e seguindo à risca a proposta de Matéi “monólogos que convidam a construir um conjunto, o autor quis impor ao diretor uma única restrição: a liberdade absoluta”. Ary está livre para criar, porém rígido no texto. Os atores seguem linha por linha, palavra por palavra e está aí a beleza desta direção: movimento e palavra.

Colaborações impecáveis da equipe técnica: Wanderley Gomes nos figurinos macacão (operários da arte!), a luz sempre perfeita de Aurélio de Simoni, a trilha sonora de Ary Coslov e Gabriel Fomm, a direção de movimento de Lavinia Bizzotto e Alexandre Maia.

O mais que talentoso elenco, impecáveis nas falas, na composição de personagens, na postura cênica, no amor à arte, respeito ao colega, seguem metodicamente as ordens do autor e do diretor: liberdade absoluta, embora vigiados!

Guida Viana (é sempre um prazer e um aprendizado vê-la atuando) nos faz gargalhar e emocionar com O Homem Cavalo e a vendedora do produto Lavagem Cerebral.

Dani Barros (cada dia melhor, mais completa!) nos envolve com borboletas imaginárias de A Louca Tranquila e divide com a plateia o prazer deste texto.

Marcelo Aquino nos faz perder o fôlego com O Corredor e se compadecer com o homem das maqunias que cata corpos.

Junior Vieira (excelente em todos os momentos que atua!) nos faz viver como um Homem da Maçã e o Revolucionário (Voz na luz ofuscante)

E, não menos importante, o gigante Mário Borges com sua defesa de O Homem do Círculo, que “abre os trabalhos” dos monólogos, emocionando e criando imediata empatia do público. E encerra com chave de ouro num grito silencioso dentro do círculo construído no inicio da peça, fechando as pontas, “linkando” tudo que foi dito.

Teatro é o nome que se dá a O Homem Decomposto. Tudo que se pode localizar em livros de arte dramática, dicionário de teatro, estão em cena. Todos os itens existentes em todas as escolas de teatro pelo país estão nesta peça. É obrigatório cada estudante, cada amente do teatro, cada apaixonado por texto e oratória assistir ao espetáculo, pois envolve o espectador de tal maneira, e com tanta subjetividade e subtextos, que fica claro o que se quer mostrar: a que ponto a humanidade é capaz de chegar – e se já não estivermos à beira do “chegamos”...

O Homem Decomposto tem comédia, tem ironia, tem interpretação de texto, tem sabedoria, tem arte, tem trabalho de grupo, tem amor envolvido. A direção de produção é de Celso Lemos com Bárbara Montes Claros na produção executiva. Um espetáculo de altíssimo nível, inteligente e sábio. Desejo mais que vida longa, que seja assistido por muitos, assimilado por todos. E, quem sabe, num futuro, possamos deixar de ver o outro lado como homens descompostos e nos tornemos uma só sociedade, coletiva, una e progressista. Aplausos de pé. Viva o Teatro!

O LEGADO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sun, 19 Oct 2025 14:51:00 +0000

Ainda não tive contato direto com a obra de Caio Fernando Abreu. Apesar de ter dois livros dele em casa, não os li, ainda. Ok, admito esta a falha de caráter de leitor... Com justificativas, me defendo. Minha paixão por romances policiais é intensa. Descobrir o assassino me tira da vida real assoberbada e atribulada. Então, Caio Fernando Abreu foi ficando ali, presente porém na espera pelo dia de ser selecionado para habitar a cabeceira da cama, local onde os livros da vez dormem ao meu lado.

Os anos 80 e 90 são marcados pela a epidemia da AIDS que tomou conta do mundo e matou um bocado de gente. Entre elas: Lauro Corona, Sandra Bréa e Renato Russo. Cazuza fez questão de que acompanhássemos seu dia a dia e sua luta. Madonna entrou na defesa dos portadores, Princesa Diana mudou a história ao abraçar doentes no hospital. O filme Filadélfia tomou as telas do mundo abrindo espaço para o assunto. A médica Márcia Rachid lançou Sentença de Vida em 2020 contando histórias vividas por ela em seus atendimentos, desde a chegada do vírus até o acompanhamento de tratamentos. O livro virou peça em 2023 pelas mãos de Gilberto Gawronski. E Caio Fernando Abreu também foi uma das milhares de vidas ceifadas.

Está em cartaz no teatro de arena do SESC Copacabana, O Legado. Escrita e dirigida por Renato Farias, o espetáculo é um encontro de três gerações de homens gays e as relações com a AIDS. Como aquela epidemia afetou e afeta ainda hoje o mundo. O que Caio Fernando Abreu nos ensinou sobre a forma de amar de sua época, e como seus escritos reverberam até hoje, é o seu legado. E a peça conta algumas histórias de amor, relações que podem ser saudáveis mesmo convivendo com o vírus, a sexualidade nos dias de ontem e de hoje e as relações entre a geração que viu amigos partirem e a geração atual que sabe das histórias, mas não viveu o medo e as partidas. Numa mistura de ficção com realidade, o texto parte da encenação de peça “Pela Noite” (texto de Caio Fernando Abreu) e as cartas trocadas entre o ator que propôs a montagem há 30 anos e agora, nesta nova montagem que é uma celebração dos 30 anos da Companhia de Teatro Íntimo.

O texto é bem dinâmico, ágil, atual, bem pensado e escrito com qualidade. Os diálogos rápidos tem passagens bem emotivas sem cair no óbvio ou no melodrama. É muito bom ver o texto do Renato Farias sendo dito numa arena repleta de pessoas, pois o texto comunica, informa, exemplifica, construindo uma narrativa e uma carpintaria teatral que leva o público a ficar grudado no que está sendo dito.

É também do proprio Renato a direção da peça. E é excelente. Com várias cenas caprichadas, tanto de amor, quanto de brigas, entradas triunfais de personagens, discussões, tudo é bem ensaiado e representado. Renato se preocupa com a dicção do elenco e conseguimos entender tudo o que todos estão dizendo, coisa rara hoje em dia! A cena dos três amigos de geração 80 que ora são representados pela geração 2000, juntos, os 9 em cena, ora um, ora outro, mudando as falas, mas mantendo personagens, no momento em que contam os motivos pelos quais – os da geração 80 – evitam tocar no assunto AIDS, é digna de prêmio! Renato também aproveita tudo o que o mundo gay dispõe e apresenta nos dias de hoje: shows de drag, vogue, drogas, sexo grupal, amores medrosos, desafios, invejas, corpos sarados versus corpos normais, enfim, todo o universo gay está sendo muito bem representado nesta história-legado-retrato.

Orlando Caldeira assina uma direção de movimento perfeita para as épocas retratadas na peça, a disposição dos atores e seus movimentos corporais em todos os momentos. Um belíssimo casamento entre direção e direção de movimento.

A direção de arte de Thiago Mendonça nos mostra, na entrada do público, um monte de livros num centro de um gigantesco tapete vermelho, mas este monte se desfaz em pequenas partes que viram pufes com compartimentos secretos escondendo objetos de cena. Ótimo! O figurino de Ùga agÚ é bastante confortável e referencial. A marca Adidas das calças para todos mostra que, embora corpos diferentes, todos se juntam em algo que os faz iguais. Destaque para o figurino do show que Márcio Januário e Aleh Silva dão no palco, como se estivéssemos numa cena do seriado Pose. A luz de Daniela Sanches é belíssima, como sempre, e contribui imensamente nas cenas de sexo, brigas, dores e amores. Tudo isso abraçado pela trilha sonora de Diego Moraes.

O elenco de 9 atores: Dodi Cardoso, Márcio Januário, Renato Farias, Alain Catein, Orlando Caldeira, Thiago Mendonça, Aleh Silva, Gabriel Contente e João Manoel também está dividido por gerações diferentes, mas nada disso importa, pois todos, ao seu momento, têm espaço para dar o recado. E todos, todos, todos, estão totalmente entregues, seguros, com o texto na ponta da língua, sabem as entonações de cada palavra e como se comportarem cenicamente. São colegas e cúmplices neste espetáculo. Estão ali mostrando seus trabalhos individuais, mas o coletivo é quem ganha. São amigos encenando uma história de todos. São pedaços de um grupo social que ainda sofre separadamente com preconceitos e ataques e se defendem juntos, pois, sabemos que “nada é mais forte do que todos nós juntos”. Se pudesse dar um leve destaque, apenas indicar dois atores que me fizeram captar as atenções, digo que Dodi Cardoso e Thiago Mendonça fizeram meus olhos ficarem mais atentos e emocionados em algumas cenas, gestos e ações.

Citei rapidamente o seriado Pose, que também abriu portas colocando pessoas trans como protagonistas de um seriado de grande impacto cujo tema é similar à peça. Mas é de Caio Fernando Abreu que vem a grande inspiração, pois, no fundo, no fundo, o que está se falando em cena é sobre amor, parceria, relações verdadeiras entre homens, parcerias de anos, cuja maior vontade e acerto é contar uma história que sirva para ontem, hoje e amanhã.

O Legado fala sobre todos os enfrentamentos de pessoas LGBTQIA+ e merece ser visto por aqueles que ainda resistem a acreditar que somos todos iguais perante a lei e que ninguém merece ser discriminado por qualquer que seja a sua condição. Então, vá já para o SESC Copacabana, engula seu preconceito, abra-se para uma história divertida, emocionante, inteligente e impecavelmente contada por esses 9 atores, pela equipe criativa, pela dramaturgia e direção e por uma produção da Bloco Pi Produções (com Damiana Inês na direção de produção e Wesley Mey e Alain Catein na produção executiva) de alto nível. Aplauso de pé. Viva o teatro!

DONATELLO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Fri, 10 Oct 2025 19:38:00 +0000

Alois Alzheimer, o psiquiatra que nomeou a doença que descobriu, está enterrado em Frankfurt, na Alemanha. Ele faleceu em 1915 e foi sepultado no cemitério de Westend. Eu estive lá em 2017 com Oliver Erb, amigo alemão, em um passeio – sim, alemães passeiam e se exercitam no cemitério – e mentalmente cumprimentei Alzheimer ao passar por seu jazigo.

A notícia é fresquinha: “O Alzheimer antes da memória falhar. Exames são capazes de detectar alterações biológicas que levam à doença e ajudar na prevenção. Os novos testes não detectam o Alzheimer diretamente, mas rastreiam alterações químicas associadas ao processo neurodegenerativo. (...) “O Alzheimer é responsável por 60 a 70% dos casos de demência, afetando (...) cerca de 1,5 milhão de brasileiros. Com o envelhecimento populacional, prevê-se que o número de casos triplique até 2050, tornando o diagnóstico precoce não apenas um avanço científico, mas uma necessidade de saúde pública.” (O Globo, 10/10/2025 – Receita de Médico – Ludhmila Hajjar).

Está em cartaz no Teatro Gláucio Gil, quintas e sextas às 20h, o espetáculo Donatello. Vitor Rocha é o autor do texto, das letras e o ator da história sobre o momento entre o início da doença, a evolução, como ficam os familiares, e como isto impacta na vida de quem sofre com o mal e dos parentes próximos. A peça já começa falando sobre lembranças, memórias e recordações. Vitor busca apoio da plateia para palavras e nomes que marcam a vida de alguns espectadores. As lembranças vão surgindo em nós antes mesmo do inicio da história. E nos 5 primeiros minutos, eu já estava me controlando para não virar um vale de lágrimas ali mesmo, sem nem mergulhar no que viria a seguir.

O personagem principal começa como criança que sempre vai a uma sorveteria com o avô. Ambos têm no sorvete seu “alimento” favorito. E é justamente neste local de boas memórias e sabores que a doença se manifesta pela primeira vez. Ao entender a situação, dias depois, resolve ajudá-lo, não com a sua recuperação, mas não perder as suas memórias, lembranças. O que ele faz? Associa sabores de sorvete a lembranças boas. Assim, ao tomar aquele sorvete, daquele sabor, imediatamente se recordará do momento importante registrado e nominado. Memórias.

Vemos o menino sofrer com a mudança do comportamento da família, principalmente do avô. Vemos o menino se tornar adolescente, adulto, começar a trabalhar, abrir mão dos estudos para cuidar do avô, ajudar em casa. A convivência com seu pai, que está sofrendo a mudança do pai dele (avô do menino) é tratada na peça de forma bonita e verdadeira.

A que ponto, qual a quantidade de amor que temos e podemos doar para alguém em troca de nossa vida própria? O personagem se doa para o avô de uma forma tão humana e tão bonita que nos faz pensar o quanto ruim e desatentos somos com nossos pais, parentes, amigos, amores.

A cada nova história vivida pelo personagem, a cada boa memória construída, um sabor de sorvete é associado a ela.

O cenário, composto de móveis de madeira (mesa, cadeira, chapeleiro/cabideiro) é o necessário para contar aquela história. Ainda temos uma bicicleta que funciona muito para dar movimento e objetos/adereços de cena, com destaque para a mini-bicicleta que é uma lindeza! O figurino é parte integrante da história, pois o avô é representado por um casaco/capote. Sempre que o personagem pega aquele capote, sabemos que o avô está presente. Tanto o cenário quanto o figurino, não achei na ficha técnica o nome de quem assina, mas Batata Rodrigues assina a cenotécnica. Então, aplausos para você! Wagner Pinto assina uma iluminação certeira, com recortes e momentos de introspecção favoráveis ao desenrolar da história. Muito boa.

Vitor também criou as letras das músicas que completam o texto da peça. Criativas, divertidas e com um perfeito toque de espetáculos musicais, divide com Elton Towersey a ótima trilha sonora da peça, muito bem tocada por Felipe Sushi no teclado. Felipe também participa em alguns momentos da peça como elenco de apoio em perfeita sintonia com Vitor. O design de som é de Paulo Altafim.

Cabe à Victória Ariante a direção da peça. Victória cria ótimas marcas, usa todo o espaço cênico, aproveita os móveis, abusa da boa vontade do pianista! Mantém a forma doce e contida do menino ao longo de toda peça, mesmo o personagem se envelhecendo. A gente percebe que o menino ficou parado naquela sorveteria no dia do primeiro esquecimento do avô. Victória constrói o espetáculo antes do terceiro sinal e faz com que todos nós transbordemos de emoção durante e depois da peça.

E Vitor Rocha, com sua atuação, nos apresenta e presenteia com um menino que acompanha o desenrolar da história sob os olhos do adolescente e do adulto. E isto passa para a plateia. Não sei se o objetivo era esse, ou se o mega carisma de Vitor Rocha nos faz acreditar que o menino da história é parte dele (do ator). Carisma e talento de um ator, autor e letrista que já já estará nas telas de cinema ou streaming, e ainda com espetáculos consagrados nos teatros brasileiros.

Vitor e Victória... Vitoriosos. (Trocadilho ridículo da piada de salão daquele tio do pavê...)

Donatello é um monólogo musical onde a emoção, a memória, o talento, delicadeza, afeto, descoberta e sensibilidade andam de mãos dadas. Confesso que tive que me segurar várias vezes para o choro não vazar pelos olhos. Mas por dentro, eu tava... E isto é um ótimo sinal. A peça toca, comunica, explica, envolve. Todos temos memórias e sentimos aquele medo de perde-las. O que somos sem nossas histórias, conhecimentos adquiridos, vivência, experiências guardadas? Meu segundo maior medo – altura sem proteção vence – é perder a memória. A peça usa o Alzheimer para falar sobre comportamento, conexões e como devemos usar e abusar de estar perto de quem escolhemos e nos escolheram para estar do lado.

Aplausos também para Lucas Drummond (diretor de produção) e Ana Paula Marinho (produtora executiva) que trazem esta beleza de espetáculo para o Rio de Janeiro, no ótimo Teatro Gláucio Gil. Sem sombra de dúvida, um dos melhores espetáculos que já passaram por esse palco. Emoção garantida, sentimentos renovados. Aplausos de pé. Viva o teatro!!

FUTURO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Mon, 06 Oct 2025 17:30:00 +0000

Qualquer texto escrito ontem já pode ser considerado “de época”. Escrever sobre o agora, o que vemos acontecer, sobre política, televisão, seriado, memes é uma forma de fotografar os acontecimentos. Parece óbvio. E é. Por isso mesmo que escrever sobre o agora, com a linguagem do agora e se manter atual é tão dificil. E é isso que o Leandro Muniz faz com a sua peça Futuro, em cartaz no Teatro Firjan SESI, no centro do Rio. Leandro está tão atual no que diz em cena, que seu espetáculo permanece, por um bom tempo, moderno e atual. Explico.

Futuro é um apanhado de situações divertidas onde um autor se propõe a revisitar um texto antigo e dar modernidade a este. E pede ajuda à inteligência artificial, ao algoritmo. Assim, ideias inusitadas surgem. Numa delas, o autor insere um prompt (é assim que chamamos uma “ordem” que damos a uma inteligência artificial) que busca misturar clássicos aleatórios de sucesso da dramaturgia, do cinema e da literatura, como por exemplo “Tietanic”, misturando Tieta com Titanic, sempre em busca do texto perfeito, do sucesso garantido.

Leandro também é o diretor e brinca consigo mesmo, ora como autor, ora como diretor, ora como personagem, se zombando e se confirmando. Como escrever uma peça de sucesso? Ele pergunta ao algoritmo. Este devolve uma peça onde mistura alguns dos sucessos atuais dos palcos brasileiros: Ficções (com Vera Holtz), Tom na Fazenda e King Kong Fran. Assim, entra em cena uma personagem de peruca loura com máscara de macaco e um balde de terra molhada. Quem assistiu às tres peças citadas aqui, vai sacar a piada do personagem. Não quero dar spoiler, mas tem vários trocadilhos entre memes, palavras da moda, como “prompt”, “bet”, “live”, “burnout”, “selfie”, “ozempic”... se misturando a Nelson Rodrigues e Shakespeare, só para citar alguns autores de sucesso.

É preciso destacar a cena em que o casal resolve lavar roupa suja, pedir desculpa um ao outro, através de prompts solicitados ao Chat GPT ou ao Gemini. O diálogo se dá assim: “escreva um texto onde eu peço desculpas a ele, mas sem ser piegas, porém mantendo a firmeza e uma paixão recolhida”. “Escreva um texto para ela, dizendo o quanto sinto sua falta, mas não deixe transparecer a minha inferioridade nem minha ansiedade”. E nós, plateia, sabemos exatamente o que sairia da Inteligencia Artificial e seria dito no palco. Mesmo sendo apenas prompt.

A busca pela perfeição, seja em corpos ou textos, nos já torna dependentes da Inteligência Artificial. Por falar nisso, você já deu bom dia para a sua favorita hoje? Apenas esta gentileza já consome energia e água.

No palco, o criativo cenário-luz ou a luz-cenário de Paulo Denizot dá o tom da modernidade e atualidade. O figurino de Ticiana Passos coloca os atores neutros e confortáveis. E Fabiano Kieger é sempre brilhante na trilha sonora e nas paródias.

Ainda na parte da direção, Leandro pega toda sua verve de humor acumulado com espetáculos brilhantes do passado e faz os atores de gato e sapato, se revezando em cena quase com esquetes curtos ao estilo “Ta no ar” onde pequeninas cenas se alternavam como se o telespectador estivesse com controle remoto mudando de canal. É importante destacar a parceria da direção com a direção de movimento (Carol Pires) e a assistência de direção (Adassa Martins).

O elenco é de amigos talentosos que merecem todo o aplauso caloroso. Bia Guedes, Dani Fontan, Márcio Machado, Victor Maia e Tulanih. Cada um, ao seu tempo, brilha e arranca gargalhadas. É impossível destacar uma ou outra cena de cada um. Eles aproveitam tudo! E se eu falar de uma cena, vai perder a graça quando você sentar na plateia para assistir. Então, aceite esta dica, já prepare sua mão para bater palmas sem fim para esses atores que são o suprassumo do humor carioca. Ótimos.

Voltando ao inicio confuso deste texto, a peça Futuro parece que fala de algum futuro próximo que irá acontecer, mas Leandro, elenco, equipe criativa, está falando do agora, do já. Este texto não vai envelhecer tão cedo. É dificílimo falar sobre o agora, nesta época em que tudo muda muito rapido. Ontem éramos só viciados em redes sociais, hoje somos dependentes da Inteligência Artificial para quase tudo. Ninguém faz uma busca no google. Já pede ao Chat GPT, Gemini, Grok ou outra de sua preferência, que faça logo uma lista. Desde lugares para visitar numa viagem até textos para uma monografia de fim de curso. A “I.A.” já faz tudo para nós. Mas... a que preço? Até quando vamos passar informações sem sermos dominados fisicamente pelas “I.A.’s”? Está certo chamar as “I.A.” no plural? Serão muitas ou todas serão uma só, nos dominando? Está ai a reflexão que o espetáculo Futuro deixa para nós. Para o já. Para o agora.

Um espetáculo importantíssimo para a cena teatral carioca, falando do futuro no presente, com uma qualidade técnica de alto nível. A produção é de Gabriel Garcia, com fôlego de algoritmo para manter o pé no chão diante de tanta criatividade.

Tenha fôlego e mente aberta para captar as milhares de referências que você verá no palco. Corra para o teatro e divirta-se muito! Viva o Teatro!!

O FORMIGUEIRO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sun, 05 Oct 2025 14:33:00 +0000

Quem nunca ficou calado para escutar a briga no apartamento vizinho que atire a primeira pedra. Moro no último andar de um predio familiar onde a área de serviços dá para um vão interno do prédio e parece que o som sobe por ele. Escuta-se de tudo. Do assovio no banho ao barraco entre entes queridos e odiados. Abaixo de mim – e torço para não ser um leitor deste blog! – tem uma mãe que aguenta os destemperos da filha. Eventualmente a mãe cansa das barbaridades e revida. Páh! Não, não é um tabefe, é uma frase dita entre dentes rangidos que atingem a garota no seu ponto mais doloroso. E faz-se o silêncio no vão comum de áreas de serviço, banheiros e cozinhas.

Pois – prepare-se para a frase clichê – como a vida imita a arte (na verdade, arte é reflexo da vida), Thiago Marinho escreveu e dirige a peça O Formigueiro - em cartaz no teatro Gláucio Gil até 27 de outubro – que não pode e não deve ser resumido a um super-barraco, lavação de roupa suja entre irmãos. É muito mais que isso. É a vida real cheia de mentiras brandas que viram problemas graves, desentendimentos de berço, ciúmes disfarçados, fragilidades construídas, autocentrismos exacerbados. No aniversário da mãe, três irmãos se encontram para a comemoração. Outra irmã perde o voo e não chega. Histórias do passado sobem à tona e transbordam, se misturando com histórias presentes que complementam sofrimentos, marcas, dores e afetos mal resolvidos. O texto é ótimo. Mesmo. A construção da peça, que não é fácil, tem momentos de puro humor, dramas bem construídos, longos textos para os atores intercalados com diálogos e “triálogos” muito rápidos. É uma carpintaria bem pensada, onde um futuro desentendimento do meio da peça começa a ser construído na segunda fala do inicio do espetáculo. Técnico e sensível, o texto alterna entre problemas e soluções, acumula mistérios e tudo se resolve no fim, deixando o público ansioso por um novo encontro de todos.

Thiago também assina a direção, com supervisão de João Fonseca (que todos sabem, sou mega fã). Tudo pensado para valorizar as interpretações e o texto. Marcas naturais, não há nada gratuito ali. Desde a abertura da peça, onde a cadeira de rodas da mãe passa de mão em mão, até a presente-ausência da mãe, representada pelo xale e a cadeira de rodas; o vídeo das férias em Guarapari, a disposição do cenário, o figurino casual, a luz certeira, a trilha, o tom do elenco. Thiago, por ser autor, sabe a importância e a desimportância de cada cena e conduz o elenco por um caminho crescente de tensão e libertação de mágoas, sem deixar de mostrar que a cumplicidade daqueles irmãos é verdadeira. É destaque também a positiva parceria com a direção de movimento (Victoria Ariante).

O cenário (Victor Aragão e Clarah Borges) é interessante, pois nos ambienta em um apartamento porém com paredes de escadas independentes, umas mais altas, outras nem tanto, cujo simbolismo fica por conta da interpretação de cada espectador. Na minha doida imaginação, são as escaladas da vida de cada um ali presente. Caminhos que, ora altos, ora baixos, indicam os rumos que tomamos com nossas escolhas. O figurino (Luísa Galvão) é de bom gosto e bastante condizente com aquele momento. A iluminação (Felipe Medeiros) sabe o momento de auxiliar a comédia e deixar o drama mais forte. A trilha sonora (Ifátóki Maíra Freitas) mescla momento de tensão com uma única música conhecida por todos, o que faz o público sair cantando e entendendo tudo que foi mostrado ali.

Os quatro atores, Diego de Abreu (Cláudio Márcio), Lucas Drummond (Victor), Roberta Brisson (Joana) e Rodrigo Fagundes (Luiz) – em ordem alfabética – sabem muito bem como interpretar cada personagem. São atores que acreditam no que dizem, aceitam os sentimentos dos personagens e defendem suas causas com competência. Diego de Abreu é o marido que chega pelo meio da peça e muda a dinâmica do espetáculo trazendo mais humor e barraco para que a “a trama se adense”. Lucas Drummond começa como um personagem frágil, mas que, no desenrolar da peça, se mostra um dos mais sensatos, sensível e ciente da realidade entre os irmãos. Seu personagem vai num arco crescente de força e libertação, mas sem manter o respeito, o carinho e a raiva entre seus irmãos. Roberta Brisson, única mulher em cena, carrega o peso de ser mãe, filha, irmã e talvez a mais forte e sábia entre todos, mas sua força esconde uma baixíssima autoestima, com a vontade gigante de ser livre e viver sua vida, mas escondendo isso na tentativa de controlar a vida dos outros. Mesmo enquanto a sua vida está na beira no precipício. Rodrigo Fagundes, super conhecido por suas atuações em comédias e novelas, sempre no núcleo cômico, aqui tem a belíssima oportunidade de mostrar seu imenso talento em fazer um papel dramático, com todas as nuances disponíveis no texto. E ele aproveita tudo: desde o assoprar de uma colher de pau, brincando se deve ou não provar o strogonoff até a revelação de sua falência pessoal. É dura a vida de quem fica cuidando de parente com doença neurológica. Rodrigo aproveita este personagem para mostrar, mais uma vez, que é brilhante. O quarteto e o conjunto são ótimos.

Segredos de família, histórias que surgem e que não sabemos, sentimentos guardados ao longo de muitos anos, desgostos e invejas. Todos conhecemos alguém que tem, ou mesmo você, caro leitor, deva ter alguma coisa aí guardada contigo. O Formigueiro faz com que a plateia seja aquele vizinho escutando o barraco do lado, olhando pela janela da área de serviço o desenrolar do assunto gritado, sendo cúmplice de tudo aquilo que é dito no palco e apoiando mentalmente ora um, ora outro personagem. E no momento seguinte criticando a ação daquele mesmo personagem que há pouco havia apoiado. Céus! Como somos problemáticos!

O Formigueiro é um exemplo de espetáculo que prende o público, dialoga imediatamente com todos os presentes, reúne uma equipe extremamente competente e apresenta um teatro da melhor qualidade. Imperdível em todos os sentidos. É como se estivéssemos participando de uma terapia coletiva, uma constelação familiar ao vivo e à cores, onde podemos sair do teatro e imediatamente pensar em fazer uma análise de nossa vida familiar e como nos comportamos diante dos parentes.

Corra para o teatro. O Formigueiro chega para se somar à safra de espetáculos de alta qualidade com profundidade, ótimo elenco, equipe criativa competente, texto e direção de grande sabedoria. Aplausos de pé. Viva o teatro!!

MACBETH LADY MACBETH

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sun, 21 Sep 2025 14:44:00 +0000

“Está nos autos, excelência!”, disse aquele relator do STF para o dissidente colega topetudo ao negar, diante da primeira turma, o óbvio, o documentado e auditável. Houve sim uma tentativa de matar o presidente eleito e o membro do STF. Mandaram até um cabra ficar de tocaia. Mas, na hora H, o putrefato mandatário da nação abortou a missão. Outro exemplo: uma pastora, mãe adotiva de mais de dez crianças, combina com um jovem filho-amante matar o marido para ele assumir o trono de rei da casa. Mataram. Descobriu-se e hoje, a pastora que usava peruca padece numa cela sem maquiagem, sem beleza, sem carinho, sem coberta, num tapete atrás da porta... alias, quase isso. Noticiaram recentemente que a tal está de namoro firme com uma detenta do Talavera Bruce.

Isto posto, tá aí em cima a justificativa para a peça Macbeth Lady Macbeth, em cartaz no Mezanino do SESC Copacabana até dia 05 de outubro. Muitos acham que Shakespeare é um autor do passado, mas ele, visionário, sabe que a humanidade não muda... é a mesma... A peça ainda é atual e fala sobre a banalidade da brutalidade dos dias de hoje. Planeja-se matar um ser humano como quem olha a barata e pensa em pisá-la. Ou se mata um companheiro como quem ataca um mosquito com sua raquete elétrica.

É assim: “Após retornar vitorioso de uma guerra, o general Macbeth é recebido com a profecia de três bruxas: “Salve, Macbeth, que um dia há de ser rei”. Motivado por essa previsão e em parceria com sua companheira Lady Macbeth, o casal planeja e executa o assassinato do rei Duncan. Macbeth e Lady Macbeth lidam com a realização de seus desejos, mas também com o peso de sentimentos inescapáveis à existência humana.” Esta é a sinopse da peça que assistimos. E tem muito mais aí por trás e vou te contar a seguir.

Quando entramos, os atores estão performando cenas que parecem aleatórias. Movimentos e expressões seguem uma ordem e, ao se repetirem diante da entrada do público, conseguimos saber o que está sendo dito sem dizer. Alegria dela, medo dele, parceria no bater de mãos hi-five em cima. O cenário composto de uma grande mesa e duas cadeiras, é cheio de simbolismo. Sabemos, pelas inúmeras reconstruções de época vistas no cinema, que ali estamos falando de séculos muito passados. Cálices de prata, barro e madeira, frutas verdadeiras e falsas, pratos, folhagens. É lindo o cenário iluminado. Nota-se raízes de plantas nas pernas das mesas, crescidas ao longo do tempo, mostrando a solidez dos reinos, da parceria dos atores, da cumplicidade de Macbeth e sua Lady. O figurino também é bonito e inteligente pois usa materiais modernos para dar vida ao longínquo passado. Destaque para uma capa, um manto, escondido nas costas do ator que é revelado quando Macbeth vira Rei. Ainda sobre a roupa de Macbeth ficou clara a referência da cota de malha medieval. Ambos são assinados por Teresa Abreu. Ótimos.

A luz de Nina Balbi também é muito criativa para um palco cujo teto é baixíssimo! Destaque para os refletores elipsoidais que, sobre uma estrutura escondida com pano preto, iluminam, horizontalmente, toda a mesa no meio do palco, projetando sombras (memórias, fantasmas...) na cortina do fundo. Excelente!

A trilha de Marcelo H é certeira. Sons, músicas incidentais de tensão, a referência ao filme “A Grande Beleza” na música tocada para o baile oferecido pelos protagonistas “Far L’ Amore” (Bob Sinclar sobre canção original de Raffaella Carrà) – “Aah, a far l'amore cominicia tu” (Aah, a fazer amor comece você), tudo a ver com este casal bandido, assassino e cúmplice!

Miwa Yanagizawa dirige a peça. A sagacidade de usar a intimidade dos atores para os personagens, a cumplicidade, o jeito de falar do dia a dia de ambos, a movimentação... tudo funciona. É durante a peça que notamos que o prólogo, mudo, a performance, nada mais era do que os atores passando a peça no silêncio, uma pré-peça, onde um “cenas dos próximos capítulos” prévio já mostrava para a plateia as marcas e expressões. Ótima também a alternância do texto, ora dito por um ora por outro, o mesmo texto, na carta inicial enviada por Macbeth para sua Lady, o jeito como ele a escreve, o jeito com ela a lê. Também ótima a troca de papeis com mesmo texto no medo do pós-assassinato. Tudo amarrado e pensado. A loucura dos dois, o baile, o romance... Miwa sabe que os atores usam cada vírgula para expressar sentimentos e contar aquela breve história. O coloquial no falar do texto clássico de Shakespeare é o que aproxima o público jovem (somos todos jovens diante do “Bardo de Avon”, apelido dado ao mestre da dramaturgia). Aplausos e mais aplausos.

Cláudia Ventura e Alexandre Dantas, atores da peça. É um deleite vê-los em cena. Tudo que foi escrito acima (perdoem o tamanho...) só é possivel porque os dois são feras, fodas e fantásticos atores. O domínio que têm de si, de sua palavra, de seus sentimentos, de suas expressões faciais e corporais está dito, mostrado, em cena. Tudo é bom. Do olhar cúmplice à piada da masturbação – Macbeth Alexandre masturba sua Lady Cláudia, porém erra o ponto G e acaricia a cadeira... gargalhadas! O carinho de Lady Cláudia quando Macbeth Alexandre se amedronta ao voltar para seu quarto com o punhal ainda sujo de sangue. A proteção de Lady quando seu marido surta na festa... Sou mais que fã e admirador. Sou aluno e aprendiz da dupla. Com esta peça, a sua Cia FaláCia comemora 35 anos de estrada. E muito bem comemorados.

O que vemos não é Macbeth e sua Lady cúmplices. São Cláudia e Alexandre cumplices. Só mesmo um casal que se curte, se admira e embarca na roubada, na aventura e na glória, um casal que tem tamanho lastro e intimidade pode apresentar um espetáculo desta monta, como diria Odette, aquela.

Para finalizar, (UFA!) corram, corram e corram para assistir a este espetáculo. É sensacional por todos os motivos ditos acima. É quando a gente assiste a espetáculos como este que a alegria e a certeza de estar na profissão certa se renova. Excelente. Bravo!

A PÉROLA NEGRA DO SAMBA

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sat, 20 Sep 2025 18:08:00 +0000

Dia 19 de setembro é o Dia Nacional do Teatro. E, não óbvio, e “quem me conhece sabe”, que o meu lugar favorito no mundo é uma sala de teatro, lá estava eu no Teatro Carlos Gomes, centro do Rio de Janeiro, onde assisti a grandes espetáculos que marcaram minha vida nas plateias, para assistir ao novo musical dirigido e escrito a quatro mãos por Luiz Antonio Pilar e Leonardo Bruno, “A Pérola Negra do Samba”, em homenagem a Jovelina Pérola Negra.

Pilar é um mestre em retratar histórias de grandes artistas, como Candeia, Ataulfo Alves, Leci Brandão, entre outros, não só no teatro, mas também na tv e no cinema. Leonardo Bruno é jornalista especialista em música popular e carnaval. Sem dúvida um encontro de bambas que só podia dar certo.

O musical conta de forma criativa e divertida a história de Jovelina, desde pequena, passando pela juventude até entrar na maior idade onde começa a frequentar rodas de samba e se apaixona pelo pagode. Daí em diante, tem que assistir para saber os mínimos detalhes. É hilária a cena de Jovelina pequena correndo pela casa. Um acerto gigante a criação das personagens Cebola e a Diretora da Gravadora. O roteiro nos faz mergulhar nas canções, emoções e a vida de Jovelina, com sua força de mãe e mulher, seu medo de entrar numa vida de artista e a consagração ainda atual.

O cenário de Lorena Lima é composto de caixotes modernos e coloridos de feira que são muito úteis para o desenrolar da história e formam também um bonito fundo de palco. O figurino de Rute Alvez é ótimo, pois nos remete à vida da cantora, parece ser confortável para o elenco e, além disso, é bem confeccionado. A luz de Daniela Sanches é sempre bonita e aqui temos focos e movings que conduzem a história junto com a direção.

Aplausos de pé para a direção musical de Rodrigo Pirikito e Matheus Camará. Um conjunto de músicos excelente! Além dos dois diretores musicais, temos Daniel Esperança, Wesley Lucas, Pedro Ivo e Thainara Castro em cena. Preparação vocal de Pedro Lima é notada nas vozes perfeitas do elenco.

Pilar também é o diretor e temos neste trabalho uma direção muito minuciosa e caprichada. Percebe-se a partitura da atriz (Fernanda Sabot) fazendo a mãe de Jovelina pedindo ao patrão para trazer a filha para o trabalho, a desenvoltura e imensas possibilidades de Cebola (Thalita Floriano), que hora dialoga com a plateia, ora comanda a banda. Todas as cenas da Diretora da Gravadora são ótimas. O movimento dos caixotes de feira, ora palco, ora queijo, ora esconderijo, a beleza do figurino, a luz mágica, a movimentação e gestuais, tudo está pensado com carinho e aplicado pelo elenco com entrega. Ótimo conjunto e acerto de escolhas. Direção, pra mim, é isto: harmonizar o visual, encaminhar o elenco, ajustar volumes, indicar entonações, fazer a equipe criativa entender a proposta e, mais que apenas executar, deixar todos que trabalham ao seu redor encantados e entregues à sua direção. É isso que sai do palco e chega na plateia. A preparação corporal de Luiza Loroza é percebida nos gestuais e comportamento cênico do elenco.

Thalita Floriano é Cebola de ponta a ponta. Espetacular seu trabalho. Aproveita todas as falas, se diverte, faz a plateia gargalhar e canta muito! Fernanda Sabot é a sensacional Diretora da Gravadora, entre outros personagens, e é a voz afinada que emociona com seu canto forte e emotivo. Thiago Thomé faz de patrão a marido, de apresentador a amigo fiel de Jovelina e canta muito! Thiago sabe que o palco é delas, mas ele pede passagem e se coloca com sabedoria e elegância. Cabe à Verônica Afro Flor o desafio de ser Jovelina Pérola Negra e Afro faz isso com respeito, carinho e emoção. Sua voz forte permite que tenhamos uma homenageada em cena e acreditemos em tudo que ela diz, canta e interpreta. A cena de Jovelina com o namorado/marido/pai dos filhos é linda, bem como Jovelina criança é belíssima. Sem contar nos pagodes inesquecíveis que Afro Flor faz a gente relembrar e agradecer por ter vivido no mundo junto com Jovelina.

A peça começa e nós, público, vamos nos acostumando com aquela história que vai se contando. Vamos entrando na história, a velocidade do texto, a sequencia de músicas, elenco, cenário, luz... quando do palco vemos uma cena que nos faz cair na real: é uma verdade em forma peça de teatro – neste momento a magia está feita. A plateia foi enfeitiçada. Tem duas cenas em que Jovelina é montada diante dos olhos do público. Roupa, peruca, sapato. De menina para mulher. De doméstica para cantora. Ali, aos olhos do público, a magia do teatro acontece. E então... somos todos consumidos pelo espírito do teatro. O teatro é, sem dúvida, o melhor lugar do mundo neste momento.

Dia 19 de setembro, Dia Nacional do Teatro, agora também é o dia de Jovelina Pérola Negra voltar aos palcos cariocas, com seu pagode que não deixa cair, é, é, sem vacilar, sem se exibir, pois ela, Jovelina, elenco, direção, dramaturgia, músicos, equipe criativa, só vieram mostrar o que aprenderam para nós. E saímos todos encantados pelo musical.

Imperdível. Aplausos de pé até as mãos ficarem roxas! Viva o teatro, viva Jovelina Pérola Negra!

(UM) ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Mon, 01 Sep 2025 23:00:00 +0000

Foi em 2012 quando pisamos em Belo Horizonte com o projeto Lê Pra Mim?, que incentiva a leitura de livros brasileiros. Levamos sempre alunos de escolas públicas e, em BH, realizamos no Museu de Artes e Ofícios. Teuda Bara e Inês Peixoto, divas das artes cênicas, nos deram o prazer e a honra de lerem para as crianças, dentro do Lê Pra Mim?. Como ficamos tão amistosos naquele dia “ines-quecível”, Sônia de Paula e eu fomos convidados a assistir, dentro do galpão do Grupo Galpão, um ensaio de Teuda em seu monólogo que iria estrear e rodar o país. Me senti um privilegiado, sentado ao lado da equipe do Galpão, para assistir a este ensaio-aula que foi. Sem falar no gigantesco prazer e honra de estar dentro da casa do Grupo Galpão, onde a arte vibra pelas paredes, tetos e estruturas.

O Grupo Galpão costuma convidar diretores para experimentações teatrais que geram – sempre! - grandes sucessos nacionais. Tive o privilégio de assistir a “Romeu e Julieta” de Shakespeare, “Os Gigantes da Montanha” de Luigi Pirandello – ambos dirigidos por Gabriel Vilella (para ver Os Gigantes no Rio, a plateia sentou na escadaria do Monumento aos Pracinhas no Aterro do Flamengo ao ar livre!), “Tio Vânia” dirigido por Yara de Novaes, “Nós” dirigido por Márcio Abreu, “Cabaré Coragem” dirigido por Júlio Maciel, e agora “(Um) Ensaio sobre a cegueira” dirigido por Rodrigo Portella.

Este espaço onde escrevo sobre teatro, me serve como memória do que assisti, gostei e indico para meus 3 leitores assíduos. Posto isso, como diria Odete Roitman, não tenho lastro nem monta para tecer criticas profissionais ao trabalho de ninguém, mas me reservo ao direito de, usando de minha liberdade de expressão, auditável e digital, e sempre dentro das quatro linhas da constituição (entendedores entenderão), opino sobre as peças de teatro que marcam minha vida artística de espectador profissional.

E chego a Saramago, Galpão e Rodrigo Portella. (Um) Ensaio sobre a Cegueira, em cartaz no Rio de Janeiro, no teatro Carlos Gomes, é uma adaptação do livro de José Saramago (que eu li e amo), para o teatro. Já tivemos cinema, mas certamente a adaptação teatral é muito mais rica e forte que o filme. Rodrigo seleciona as partes mais atordoantes do livro, onde os seres humanos são postos à prova o tempo todo, antes, durante e depois de passarem por um surto coletivo de cegueira leitosa branca nos olhos dos personagens. Sem spoiler, leiam Saramago, ou assistam ao filme. Rodrigo Portella faz milagre com muita competência, amor ao livro e, principalmente uma segurança sem tamanho do que apresenta para o público.

Rodrigo Portella também dirige. Senhores. Senhoras. Senhoros... o que assistimos no teatro - no último domingo - é de uma riqueza, beleza, naturalidade, competência, carinho e amor ao teatro, que não se tem como escrever sem usar todo o dicionário de palavras elogiosas.

É emocionante ver como Rodrigo Portella entende que o Galpão é grupo. Ele inclui a plateia no espetáculo, não casualmente, mas literalmente. Pequena parte do público sobe ao palco para participar das cenas mais marcantes do espetáculo. A cena da volta das mulheres que serviram de moeda de troca por comida – onde todas limpam a que mais sofre – é dessas que ficarão para sempre na memória de quem assiste; a cena imediatamente antes desta, totalmente muda, em que o público fica quase 2 minutos em silêncio, angustiado, compenetrado, assistindo e compartilhando sentimentos; na mistura de narrações com diálogos; no arrumar do cenário vindo do fundo do palco desnudo, enfim... só de escrever, me arrepio. Ao final, a plateia, em convulsão, está toda integrada, conquistada, sequestrada por emoções e questionamentos sobre como os humanos podem passar de “cidadãos de bem” a “demônios da tasmânia”. Uma direção acertada, bem feita, detalhista, inclusiva, competente, ousada e ao mesmo tempo segura e tranquila. A gente sabe o trabalho que dá, mas o que Rodrigo nos mostra, é que tudo foi fácil, rapido e limpo. É impossível ver as dores dos ensaios, pois a alegria, entrega e parceria do Grupo Galpão com a direção é perfeita (não existe outra palavra).

O Grupo Galpão, para mim, é uma das três trupes teatrais que eu mais admiro, respeito, sigo, assisto e sou fã. Todos, absolutamente todos, sabem atuar e como se portar no palco. Não interpretam, eles vivem. Antônio Edson, Eduardo Moreira, Fernanda Vianna, Inês Peixoto, Júlio Maciel, Luiz Rocha, Lydia Del Picchia, Paulo André / Rodolfo Vaz e Simone Ordones são todos, todos, todos, atores espetaculares. Não tem uma frase dita de maneira errônea, não tem uma entonação diferente do que tem que ser, não tem uma movimentação corporal gratuita. Eles não só sabem o que estão fazendo, como se divertem, são disciplinados, colegas, únicos e fazem com muito amor. É tanto amor no palco entre si, pela profissão que escolheram, pelo público, pelo colega, pelo teatro, pela direção, por Saramago, que a gente sente. Sim, nós, público, sentimos. É energia vibracional vinda do palco. É amor. É teatro.

Cabe citar o cenário de Marcelo Alvarenga, a luz de Rodrigo Marçal com o diretor, o figurino de Gilma Oliveira, os adereços de Rai Bento, o visagismo de Gabriela Domingues, a sensacional Direção Musical de Frederico Puppi e a movimentação dos atores. Toda uma equipe unida e acertada.

É preciso finalizar o texto, mas não consigo parar de pensar na peça que assisti: no final apoteótico onde público e atores saem do Sanatório juntos, nos abraços ao fim da peça, no respeito e carinho com os espectadores, nas lágrimas durante, é tudo sensacional. Tudo.

Me alonguei porque é o Grupo Galpão, é Saramago e é Rodrigo Portella.

Este espetáculo é daqueles em que os deuses do teatro se sentem orgulhosos. É mais que celebração. É amor mesmo. Puro e coletivo. É profissionalismo e arte. Eu só tenho a agradecer por ter assistido, presenciado e vivido esta experiência teatral. Muito, muito, muito obrigado. Aplausos de pé sem fim. Viva o Galpão! Viva o Teatro!

LAGARTIXA SEM RABO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sun, 10 Aug 2025 13:57:00 +0000

O livro Marcas de Nascença, da autora Nancy Huston, traduzido por Ilana Heinberg e lançado pela Editora L&PM, no Brasil em 2012, conheci através de uma crônica de Marta Medeiros, em alguma coluna de jornal. O livro conta, através da visão das 4 crianças de uma mesma familia, porém gerações em sequência, (filho, mãe, avó, bisavó), as marcas que situações familiares deixam nos pequenos e como isto impacta em seus comportamentos ao se tornarem adultos. Recomendo a leitura.

O que isto tem a ver com Lagartixa sem Rabo?

Lagartixa sem Rabo é um espetáculo de teatro, escrito por Dora de Assis, com atuações da autora e Dora Freind e dirigido por Gabriel Rochlin, sobre a ótica feminina e infantil de acontecimentos marcantes na vida de uma menina, que se torna adolescente ao longo da peça, e cujas marcas, culpas e frustrações moldam a sua personalidade, comportamentos, decepções e medos.

Juntando o livro à peça, sabemos pelo release que a peça tem por base um livro e, nas duas citações acima, a visão da criança é a base da escrita, da encenação.

Lagartixa sem Rabo, em cartaz no Teatro Gláucio Gil, em Copacabana, tem um texto belíssimo e delicioso de se escutar. Cheio de belas metáforas, combinações de palavras inovadoras e frases pensadas, texto que dá gosto de ver sendo dito pelas atrizes. Foge do lugar comum. Não é a poesia barata e dificil de entender, é um poema em prosa, com colorização, com comparativos que só mesmo a língua portuguesa pode promover. É uma pena que minha memória não consiga registrar várias frases para reproduzir aqui. Mas, indo ao teatro, você há de concordar comigo depois.

A cenografia e figurino de Julia Moraes, que também assina a assistência de direção, merece ser esmiuçados. Figurino primeiro: linha é a base. Além dos bodies das atrizes, com meia calça lembrando cobra (lagartixa), uma touca com gigante rabo nos traz para a cena a pele e a referência. Belíssimo.

O cenário composto de uma imensa manta sobre um pequeno praticável que é elevado ao fundo formando uma parede, um banco suspenso e uma gigante corda branca grossa cheia nós que vem do teto e deita no banco, temos ainda como objeto dois novelos de linha que são usados pelas atrizes para tecer prosa com a plateia. A grossa corda branca se transforma, no imaginário, pela ação da direção, em um tubo que mantém vivo o avô da protagonista. Sem spoiler, a mesma corda vira uma corrente arrastada, aquela corrente da culpa. Os nós da corda são desatados pela protagonista quando dialoga em pensamentos altos e com a plateia. Lindo! Os novelos são a linha da vida. A novela que se desenrola do princípio até a conclusão da trama. É ótimo também usar a manta como um paredão, onde aparecem, atrás e em cima, as duas primas – interpretadas pela mesma atriz - que são reconhecidas, uma a uma, pela simples troca de posição do rabo do figurino. Colocando as primas nesta posição, elas se tornam altas, maiores que a menina, que é a importância que a protagonista dá para a opinião das parentas.

Clarice Sauma cria uma luz muito bonita e que nos faz acreditar naquela cena que assistimos, dando mais elementos para construirmos mentalmente o que o texto conta. Frederico Santiago é o criador da ótima trilha sonora, que se junta a todos os elementos técnicos com competência e qualidade. Enfim, figurino, cenário, luz e som perfeitamente entrosados e pensados nos mínimos detalhes.

Dora e Dora são as atrizes da peça. Interpretando a mesma personagem, Lila, única protagonista, possuem uma gigante simbiose no palco. Amigas de longa data, confundidas por suas similaridades físicas, Dora e Dora se entregam generosamente uma à outra e à personagem sem medo. Dora Freind nos tira risos ao imitar o irmão bebê mais novo e na cena do mágico na festa infantil. Dora de Assis brilha ao interpretar as duas primas e nos momentos com o avô. Tem muito mais cenas lidas das duas, mas deixo você, leitor, virar espectador e ficará certamente de boca aberta com essas duas gigantes.

Gabriel Rochlin é o diretor deste espetáculo tocante, bonito, profundo e atual. Suas marcas (de nascença? de cena?) permitem às atrizes brincarem e encararem os dramas da pequena menina que comete um ato que a faz carregar uma culpa por muito tempo e da adolescente cheia de dúvidas. Gabriel explora a palavra dita e o que o corpo diz com seus movimentos. É uma direção pensada, como disse antes, nos mínimos detalhes. É bem ensaiado, coreografado, com união total da equipe. Gabriel sabe muito bem o que quer fazer e dizer com a peça. Assim, todos brilham. Vemos o conjunto unido para contar a história. Gargalhadas para a cena da personagem ensaiando Nelson Rodrigues com o diretor fictício cortando 90% das falas. Excelente.

A protagonista tem o hábito de cortar os rabos das lagartixas como diversão, passatempo ou até momento de fuga, onde tenta se livrar de alguma dor, passando-a para o animal indefeso. Alguém abaixo dela, alguém que não irá reclamar, algo que ela possa se sentir deusa e superior. Essa também é uma das culpas que carrega ao longo de toda a peça. Brilhantemente, no final, uma frase dita pela mãe a faz compreender muitas dessas suas culpas carregadas e se livrar de algumas. A peça faz um fechamento com o início, ligando pontos, arrumando perguntas futuras, amansando as dores.

A produção é de Ellen Miranda e Laura Picorelli e a arte gráfica é obra de Luiza Vaz. Parabéns!

Lagartixa sem Rabo merece ser visto por todos que lerem este texto ou tiverem contato com a divulgação da peça, feita por Catharina Rocha. É sobre todos nós, crianças adultas, carregadores de medos e frustrações, que serão resolvidos, ou não, ao longo do passar dos anos. Aplausos de pé com gritos de “Bravo!”. Viva o teatro, viva a nova dramaturgia brasileira!

TEMPO QUE EXISTE EM MIM

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sun, 27 Jul 2025 13:58:00 +0000

O mais comum é acharmos que Tempo é uma sucessão de momentos que se movem do passado para o futuro, onde acumulamos experiência e modelamos a realidade em que vivemos. Kant vê o Tempo como “uma forma da intuição, uma estrutura mental que nos permite organizar as experiências e perceber a sucessão de eventos”. Platão concebia o Tempo como “um reflexo imperfeito do mundo das ideias, onde tudo é imutável e eterno”. Aristóteles, por outro lado, via o tempo como “a medida do movimento, ligado à sucessão de eventos e à relação de ‘antes’ e ‘depois’". (Obrigado, Chat GPT! Sem estas informações não saberia como começar a escrever estes pensamentos!)

Quanto tempo temos? A frase é dúbia. Quanto de tempo há em mim e quanto de tempo ainda me resta? Do que acumulei, o que tenho é mais positivo? Do que me resta, quanto será benéfico? Procuro deixar para a humanidade coisas que, no futuro, possam utilizar à vontade. Por isto escrevo livros, blog, peças, produzo teatro, shows e exposições, registrando o agora para uso-fruto de quem virá depois e para quem passa o Tempo comigo.

Claudia Mauro se apossou de seu Tempo e escreveu a peça TEMPO QUE EXISTE EM MIM, contando (falar e somar) e relembrando (memorizar e registar) um pouco de sua história, de forma divertida e reflexiva. Com muito humor, ao falar de seu corpo, nas formas dos músculos, na comparação com uma geladeira; com nostalgia ao pinçar memórias de infância com músicas e sons, ao trazer a família para o palco, a irmã, a mãe, o marido. Tudo junto e misturado, oferecendo ao público uma dramaturgia, relevante e necessária, para dizer aos seus contemporâneos: olha, sou humana, somos assim, o relógio marca, mas aqui dentro tudo parece igual.

No palco livre de cenário, um limbo, um espaço-tempo entre a vida terrena e o paraíso, Claudia Mauro canta, dança e representa, mostrando que é uma atriz das melhores que temos nos tempos atuais. Mesmo não precisando provar nada pra ninguém (talvez para si mesma?), TEMPO QUE EXISTE EM MIM prova para Claudia, e confirma para o público, a sua inteligência - cênica e pessoal -, humor e beleza. Sua tão citada ansiedade é controlada e Claudia não atropela as palavras e nem come os finais das frases, longe disto. Claudia é articulada (em sua forma de falar e em sua carreira), tem total domínio de si, de sua arte e do que pode deixar de legado, registro de seu momento atual, uma belíssima menina-mulher de 50 anos, onde fazemos – todos, até eu faço – um balanço do que fomos, o que deixamos e o que esperamos do que falta viver.

O espaço vazio, caixa preta, me lembrou Stranger Things (o seriado). Quando a personagem Onze (Eleven) está desacordada ou em momentos de grande esforço mental, ela frequentemente aparece em um "vazio" ou "mundo" totalmente preto, também conhecido como "espaço mental". Nesse espaço, ela acessa memórias, manipula objetos com seus poderes telecinéticos e se comunica com outras pessoas. É neste local que se passa a peça. (Gostei da aliteração “passapeça”!). Claudia, neste espaço-tempo, também se comunica e manipula o Tempo como um objeto.

A luz de Paulo Cesar Medeiros gira os refletores no sentido horário dos ponteiros do relógio analógico de um mundo digital, onde a atriz avança e volta na linha da vida, ilumina do fundo (contraluz) deixando a silhueta de Claudia Mauro valorizada. Sombras na parede, que aumentam e diminuem, fazem com que imaginemos os tempos que Claudia viveu na infância e as marcas que a vida lhe dá atualmente.

A direção de Alice Borges e Rogério Fanju é rígida no sentido do ritmo da peça. Os diretores não deixam espaço para que o publico se movimente na cadeira! É tudo cronometrado. A forma de Claudia falar, o gestual, a movimentação (olha Édio Nunes e Lucinha Machado aí na dança e no samba!), a sensível trilha sonora de Marcelo H, e o figurino de Georgia Guimarães estão unidos aos desejos da direção e da protagonista. A direção acerta ao evitar o Stand-Up Comedy e trazer o texto para teatro verdadeiro, com princípio, meio e fim, narrativa, pausas dançantes, história de vida que leva a plateia à identificação imediata.

O publico ri de Claudia, ri de si, ri sozinho, ri de nervoso, ri de identificação, ri de ansiedade e, por fim, um abraço coletivo, nos aplausos, riem juntos da vida, zombam juntos do tempo que existe em todos nós.

Que nome se daria para uma peça com apenas “Texto, atuação, iluminação e direção”? Seria a versão “Um banquinho e um violão” que tem na música brasileira? Cartas para a redação. É disto que se trata TEMPO QUE RESTA EM MIM: texto, atuação, iluminação e direção (incluindo aí coreografias, trilha sonora e figurino) muito bem executados. Um espetáculo sensível, divertido, com conteúdo e muito amor próprio.

TEMPO QUE EXISTE EM MIM está em cartaz no Teatro da Casa de Cultura Laura Alvim apenas por mais uma sexta-feira, mas, um passarinho me contou que em breve pousará em outro palco carioca. Corra na proxima sexta-feira para assistir à peça. E me agradeça depois! Aplausos de pé.

TAKOTSUBO CORAÇÃO PARTIDO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sat, 26 Jul 2025 15:28:00 +0000

Músicas, livros, filmes e peças de teatro são canais importantíssimos para escoamento de histórias pessoais. Imagina se todo mundo contasse um pouco de si, um pedacinho da sua vida, em uma dessas formas artísticas? Certamente teríamos muita arte para debater. Além disso, os consultórios de psicologia teriam material inesgotável para partilhar com seus clientes; histórias similares que servem como exemplos, insights, referências, para que se possa amenizar uma dor, fortalecer uma ideia, indicar um caminho a ser seguido. Sabemos que a criança aprende pelo exemplo. Adultos também, basta acertar a narrativa.

Tenho assistido nas últimas 2 semanas a espetáculos teatrais de grande qualidade, o que mostra que a pandemia foi uma primeira peneira e agora, nesta fase de escassez de patrocínios, uma segunda peneira está trazendo para os palcos – pelo menos os cariocas – histórias que importam, com excelentes atores, dramaturgos, diretores e equipe pra lá de criativa, porém concisa.

Está em cartaz por curtíssimo tempo na Sala Rogério Cardoso da Casa de Cultura Laura Alvim, o famoso Porão, o espetáculo TAKOTSUBO CORAÇÃO PARTIDO. Fui ao Chat GPT saber a origem e o significado da palavra. Diz “ele” que “A Síndrome de Takotsubo (...) ou síndrome do coração partido, é uma condição cardíaca temporária que ocorre em resposta a estresse físico ou emocional intenso. O nome ‘Takotsubo’ vem de uma armadilha japonesa para polvos, pois o formato do coração durante a síndrome se assemelha a essa armadilha."

O texto, escrito por Mônica Guimarães e Cláudia Mauro, é ágil, eficiente e apresenta uma história com princípio, meio e fim, que leva a plateia a ficar ligada nos acontecimentos. Tudo se passa muito rapido, em apenas 50 minutos de peça, mas o que está sendo dito, e que foi escrito, é o necessário para se formular o proposito da peça em questão: alertar, informar, contemplar e comemorar a vida.

A peça é um relato pessoal passado a limpo e em velocidade máxima diante dos olhos do público. A qualidade do texto merece ser destacada, justamente pelo pouco que é dito, as frases escolhidas são o que marca a vida da protagonista. Palavras de afeto, acolhimento, carinho, amizade, agressão, raiva, humilhação, conservadorismo e liberdade conduzem a história de uma mulher atual que sofre, ora calada, ora revoltada, diante de homens e mulheres que tentam conduzir a sua vida para o caminho que eles desejam, criticando as escolhas, a liberdade e atitudes de uma mulher que só quer ser feliz.

Édio Nunes e Larissa Bracher, diretores de peça, optam por dar importância a cada cena, tanto um pequeno momento de reflexão da protagonista sentada em uma cadeira, quanto a cena da mesma cadeira usada como barreira contra o agressor. Os diretores não medem esforços para gastar a emoção dos atores trazendo a verdade cênica para o teatro. Conduzem o elenco a contar a história para a plateia - sentada praticamente dentro o palco – e, com isto, fazem, de todos, cumplices e parceiros da narrativa. Destaque para o uso de todo o espaço cênico disponível e as cenas fortes de agressão e romantismo, equilibradas sem exageros, permitindo aos atores extravasar sensações e passar verdade no que fazem.

A cenografia de Wanderley Gomes é o necessário, com destaque para o altar do budismo – Butsudan – fazendo com que, simbolicamente, as pequenas portas se abram em momentos importantes da história, como caminhos a serem seguidos, emoções sendo libertadas, liberdade almejada, paz e conforto. Temos ainda a cadeira “que tudo vê e ouve” e a área cênica branca que ajuda a iluminação. É dele também o figurino, a opção pelo vermelho sangue da protagonista, uma mulher vibrante, sangue forte, já informa que, antes da primeira palavra, ali tem algo que extravasa a pele. O figurino masculino é neutro, justamente para servir ao amigo, marido, pai, médico, se encaixando em todos os personagens.

Elogios à trilha ótima de Marcelo H, que dá vontade de sair dançando com a protagonista na festa; à luz de Paulo Cesar Medeiros, que faz milagre no micro-teatro, usando vermelho e azul para momentos de tensão e paz; e à direção de movimento de Toni Rodrigues que ajusta o andar, a dança, o enfrentamento, o recolhimento dos atores.

Guilherme Dellorto é o ator que faz o amigo, o pai, o marido, o médico e conseguimos diferenciar cada um dos personagens com sua voz e gestuais. Guilherme sabe que é o coadjuvante, mas que seus personagens são fundamentais para a história contada.

Monica Guimarães é a idealizadora, escreveu o texto e a protagonista. Com uma peça baseada em seus próprios fatos reais, não pense que Monica está em zona de conforto por isto. Pelo contrário, se coloca como atriz vivendo um personagem e defendendo sua cria. A história daquela mulher que sofreu tanto a ponto de seu coração chegar a “se partir” de tanto desgosto, embora sua, nos faz acreditar que Monica está dando vida a uma outra Monica, que não ela, porém sendo ela... confuso? Explico. Fernando Pessoa diz: “O poeta é um fingidor... Finge tão completamente, que chega a fingir que é dor a dor que deveras sente.” É isso que Monica faz. Monica é uma poeta-atriz. Finge tão completamente, que chega a fingir que é dor, a dor que realmente sente. Pois a história contada no palco, é sua, pessoal e intransferível.

É mais que louvável ver um espetáculo que trata uma religião, o budismo, como caminho para autoconhecimento, fortalecimento e calmaria, sem ser panfletária. Não é uma peça que prega o “junte-se a nós, pois salvaremos a sua vida”, mas sim “olha, eu fiz este caminho e o resultado me salvou. Decida se te serve.”

Temos nesta peça um alerta: não aceite menos do que você merece, não guarde para si as pauladas da vida. Reaja! Fale! Seja cada vez mais dono, dona, de si. TAKOTSUBO cumpre seu papel de mostrar uma história verdadeira de superação, enfrentamento, crença, verdade e, acima de tudo, amor.

Viva o Teatro, seja ele num porão em Ipanema ou no anfiteatro romano, o que importa é a forma como se contar uma história. E TAKOTSUBO cumpre com louvor seus objetivos. Aplausos de pé.

DJAVAN O MUSICAL - VIDAS PRA CONTAR

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Tue, 01 Jul 2025 01:14:00 +0000

É, farrétempo que cá não venho... não tenho muitas explicações. A vida é feita de ciclos. Também farrétempo que não escrevo mais histórias de humor, que me renderam 4 livros de contos... tenho sentido saudade de mim escritor... quem sabe ele volta! Por hora, voltei aqui para registrar um musical que nos lembra do Brasil que amamos. Aquele que ficou ali atrás, antes das redes sociais, da politica agressiva, das brigas familiares, da vida binária que nos colocaram: eles e nós. Djavan completou 75 anos em 2024. Todas as comemorações pela data serão poucas.

Está em cartaz no Teatro Multiplan, até 20 de julho, o musical em homenagem e registro da obra do gigante artista: DJAVAN, O MUSICAL: VIDAS PRA CONTAR.

Temos ali o que interessa sobre o artista: amores, filhos, família, amigos e canções. E, obviamente, os colegas de profissão que cantaram e estiveram presentes – e ainda estão! – na trajetória do cantor. De Gal a Bethânia, de Steave Wonder a Caetano, de João Araújo a Chico Buarque. Sem as surras de datas que cansam a plateia (ufa!), o espetáculo apenas cita as mais importantes e conta as vidas que o público quer assistir.

A dramaturgia está em cada cena: na abertura, com as bandeirinhas virando varal, na história do irmão preocupado com o artista “que não vai dar em nada”, a mãe que traz a música desde a infância, a criança interior que não acredita que um Roberto Carlos possa cantar sua música, a importância das raízes e referências. Tudo está sob medida. Mérito de Patrícia Andrade e Rodrigo França.

No palco, temos o cenário de André Cortez, trazendo elementos que auxiliam a direção: portas-janelas que se abrem dando movimento ao espetáculo e os bancos-bandeirinhas de festa junina. A luz, de Daniela Sanches, casa perfeitamente com o cenário trazendo vida, cor e andamento nas músicas. O figurino de Karen Brusttolin é aquela riqueza e beleza de sempre.

Destaque para a impecável direção musical de Fernando Nunes e João Viana (filho de Djavan), que apresentam as composições do cantor no exato tom e andamento que a plateia ama cantar! Jules Vandystadt assina os arranjos e a ótima harmonia vocal do elenco. Os músicos são Ale Matias, Diego Cordeiro, Multi, Pedro Silveira e Pitito. Perfeitos!

Cantei 99% das músicas. Sina, Samurai, Azul, Fato Consumado, Açaí, Oceano, Lilás, Flor de Lis... “Capim do vale, vara de goiabeira, na beira do rio, paro para me benzer...” (Capim) é uma das minhas favoritas e deixaram pro segundo ato e eu já tava em cólicas!!

O elenco competente e afinado é composto por Aline Deluna (Maria Bethânia), Alexandre Mitre – Djacyr (irmão Djavan), Eline Porto – Aparecida (1ª esposa de Djavan, super carismática!), Ester Freitas – Djanira (irmã Djavan e que canta The Shadow Of Your Smile que é uma beleza!!!), Erika Affonso (Alcione), Gab Lara (Chico Buarque e João Araújo), Walerie Gondim (Gal Costa, levando a plateia ao delírio pela semelhança, e Rafaella - esposa de Djavan), Tom Karabachian (Caetano Veloso).

Mas é preciso destacar:

Marcela Rodrigues, como Dona Virgínia (mãe Djavan), que traz uma emoção além da conta. É uma sensação de mãe de todos, mãe do ator que faz o Djavan, mãe do elenco em cena, a sua voz, sua presença nos faz querer abraçá-la ao término de cada número em que canta.

Milton Filho – Elegbara – é aquele ator que nos faz entrar em cena com ele. Milton é sempre a nossa voz no palco. Seu personagem conduz, induz, acalenta, orienta e apoia Djavan. Canta, dança e representa!

Raphael Elias – Djavan – é gêmeo em voz, gestos e atuação do Djavan! É como se Raphael vivesse em um mundo paralelo, outra dimensão, em que ele é o proprio Djavan. Carisma, talento e amor à arte é o que recebemos na plateia. Obrigado por sua entrega...

João Fonseca é o maestro-diretor deste musical. São incontáveis os espetáculos que já assisti dirigidos por ele e sua forma de encaminhar um musical, usando de humor, emoção, foco e organização do todo ainda me impressionam muito. João de Tim Maia, de Cassia Eller, de Cazuza, escreve também sua história dentro das histórias dos artistas que ele faz homenagem. João sabe a hora de rir e deixar as lagrimas descerem. A cena da partida da mãe é uma beleza cênica e emotiva. As três cantoras de Jazz, o humor dos telefonemas, as ordens das músicas, o vazio do palco que agiganta o artista... João está afinado e cada vez mais competente. A coreografia e direção de movimento de Marcia Rubin é um casamento mágico com a direção. Ótimo!

A produção da Turbilhão de Ideias, do Gustavo Nunes, é a responsável por trazer o melhor da MPB em musicais biográficos. Gustavo está escrevendo na história do teatro um conceito de espetáculo além do entretenimento. É soma de música, cultura, qualidade, emoção e memória. É a reunião de “vermelhos e azuis”, de famílias brigadas, de lados que não se falam, mas cantam juntos a música. É um registro do Brasil que amamos e nascemos nele, século passado.

Sai renovado, lavado (lágrimas em litros) e muito feliz! Aplausos de pé são poucos. Aplausos até a mão ficar vermelha. Viva Djavan, viva o teatro!!

ÚLTIMO ENSAIO

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sat, 19 Oct 2024 22:21:00 +0000

O melhor lugar do mundo é o teatro. Sempre que estou na plateia ou no palco, penso: “o melhor lugar do mundo é aqui”. No teatro, adultos brincam de faz de conta. Seja texto barra pesada ou comédia, estamos, todos “fazendo de conta”. Quem ama o que faz, sabe o que digo: o seu melhor lugar pode ser consultório, escritório, oratório. Mas nada, absolutamente nada, se compara ao Teatro. Experimente! Recomendo violentamente.

Está no streaming o seriado Station Eleven (Estação 11), baseado em um livro de mesmo nome, de Emily St. John Mandel. A excelente série acompanha um mundo onde uma epidemia devastadora de gripe suína extingue grande parte da humanidade. Uma criança perde os pais logo na primeira cena, que se passa num teatro, e é ajudada pelo protagonista. A pandemia acontece e os dois tentam sobreviver ao vírus mortal. Já adulta, a menina se torna uma atriz que participa de uma trupe itinerante de artistas, encenando clássicos do teatro.

Durante o pior período da Covid 19, tive sonhos recorrentes de estar num teatro, cheio de gente, ora assistindo peça, ora montando, ora criando cenários com o que tinha nos bastidores. E, ao acordar, eventualmente eu chorava de saudade.

“Último Ensaio” é o espetáculo que comemora os 15 anos da Cia Omondé, com temporada no Teatro Firjan Sesi Centro. Conheço não só o repertório da Cia, pois devo ter assistido a 90% das peças encenadas, como também me tornei conhecido de parte dos atores.

Em “Último Ensaio”, Inez Viana escreve um texto que se passa num momento em que há uma pandemia em curso, ou vandalismo social, uma anarquia “lá fora”, enquanto um grupo de atores (fictícios) consegue entrar em um teatro-refúgio para fazerem algo que os conectem entre si, se mantenham no presente, evitem a loucura, que os façam lembrar de suas histórias passadas: ensaiar uma peça. A tal peça é escrita pela diretora (fictícia) do grupo de sobreviventes (fictícios), que há todo momento tem ideias novas, muda marcas, corta falas, acrescenta cenas, enlouquece os atores. Sem a diretora (fictícia) presente neste dia, o elenco (fictício) resolve ensaiar. Talvez o último ensaio, pois nunca se sabe o que acontecerá com eles caso precisem “ir lá fora”. Eles ensaiam e relembram histórias pessoais, de antes daquele momento pandêmico.

E é aí que está o bacana de “Último Ensaio”, quando os atores reais, entre textos, marcas, rubricas, contam histórias pessoais, relembrando momentos importantes de suas vidas. Repetindo todos os dias para o público, para que não se esqueçam das lições tiradas dos momentos marcantes. Algumas falas provocam imagens inesquecíveis no público mesmo que não a tenhamos visto: “... lá fora tem milhares de balões voando com um papel pendurado escrito TEATRO!” (algo assim). Inez Viana produz um texto cheio de subtextos e que permite aos atores de sua CIA atuarem com um desconforto-confortável. Adorei.

A própria Inez Viana é a diretora (real) da peça “Último Ensaio”, e que tem muito conhecimento do elenco da Cia que dirige e consegue tirar deles tudo que o espetáculo pede: amor ao teatro, atuações certeiras, corpos à disposição, vozes sem tremedeira. A direção é muito atual e moderna. Sempre a marca de Inez. Denise Stutz é a diretora de movimento com excelente aproveitamento do espaço cênico e aproveitamento dos corpos que falam mesmo parados.

O palco livre de cenário, possui apenas cadeiras diversas, uma mesa e objetos. O figurino é o exato para um dia de ensaio. A direção de arte é de Carla Costa. Sarah Salgado ilumina tudo com a beleza e competência necessária para a montagem. Trilha sonora de Pedro Nêgo que sabe dar ares de tensão e diversão.

Vem do elenco o maior brilho da peça. Se entregam de almas, histórias e corpos para fazer de “Último Ensaio”, um espetáculo inesquecível, tocante e alegre. Debora Lamm, Carolina Pismel Junior Dantas, Leonardo Brício, Zé Wendell e Luiz Antônio Fortes – elenco da Cia Omondé -, Jade Maria Zimbra e Lux Négre – atrizes convidadas – e Jefferson Melo – ator convidado, têm domínio total de cada palavra e cada gesto. Suas histórias particulares acrescentam ao todo, ora com humor, ora com emoção, para que, a cada dia, seja realmente o último ensaio daquele fictício grupo, mas que também seja uma apresentação cheia de amor ao Teatro e respeito ao público.

Cabe destacar: Debora Lamm e o mapa astral do Brasil, Junior Dantas e seu boneco idêntico, Zé Wendell jogando os papeis para o alto, Leonardo Brício relembrando a peça “Nem mesmo todo o oceano”, Lux Négre ouvindo a conversa da mesa ao lado, Jade Zimbra cantando, Carol Pismel correndo com o texto e caindo desmaiada no palco várias vezes, Jefferson esquecendo de colocar a camiseta na mochila e Luiz Antônio Fortes achando a criança no café do teatro... Gelol para o elenco urgente!

Cia Omondé tem com “Último Ensaio” o espetáculo à altura do talento individual e coletivo, que mostra que juntos são tão fortes quanto individualmente. Sob a batuta de Inez Viana, temos mais um espetáculo que ficará, não só para a história do grupo, como para a história do teatro carioca.

Que me perdoem os não-artistas, mas o melhor lugar do mundo é o teatro. Se eu pudesse, teria passado toda a pandemia dentro de um. Viva o Teatro. Viva a Cia Omondé. Vida longa à “Último Ensaio”.

PROFESSOR SAMBA - UMA HOMENAGEM A ISMAEL SILVA

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sun, 29 Sep 2024 14:03:00 +0000

Uma vez fiquei com inveja de uns amigos que iam desfilar na comissão de frente do Grêmio Recreativo e Escola de Samba Estácio de Sá, em uma ala coreografada. Vomos? – disse um deles. Eu ri da forma como ele falou o verbo, substituindo vogais. Daí, respondi: “Vomos”! E, para quem nunca soube porque eu sempre digo “vomos” quando me chamam para algo, cá está a explicação. Fui. Ensaios rígidos. O coreógrafo quase batia na gente. Éramos 30. Fomos diminuindo, viramos 15, voltamos a 20, saíram 10 – eu inclusive, por falta de tempo, pois os ensaios varavam a madrugada na quadra da Estácio de Sá – e sobram os profissionais. Aqueles que realmente importavam para o coreógrafo. Assisti ao desfile da escola na Sapucaí, e chorei. Porque, de alguma forma, eu “tavo” ali com eles, dançando, apresentando, representando a Estácio. Foi lindo.

Está em cartaz na arena do SESC Copacabana, o espetáculo musical “Professor Samba”, dando vida, relembrando, jogando a bola pra cima, de um dos mais importantes músicos da história brasileira, Ismael Silva. Claro que você conhece pelo menos 2 músicas dele: “Se você jurar, que me tem amor, eu posso me regenerar...” e “Oh Antonico, vou lhe pedir um favor...” Mas... e as novas gerações? E os saudosistas de boas canções? É aí que está a beleza e a função deste musical, trazer Ismael de volta para nós através de suas histórias e músicas.

Ana Veloso é a autora de um texto que fala direto com o público. Recheado de dados importantes intercalados com cenas que “deixam falar” por si próprias, em recortes de Ismaelzinho até se tornar o Professor Samba, Ana Veloso mistura um pouco da vida dos três atores que interpretam Ismael. Sem falar nas cenas de humor, na ironia, na presença das referências das religiões africanas, que abençoam a peça e abrem os caminhos para a passagem pela arena em forma de avenida.

Amo teatro de arena. O SESC Copacabana e o Teatro do Planetário são as únicas arenas que temos na cidade. Mas o nosso Maracanã é a arena de Copacabana. Nela, Wanderley Gomes, cenógrafo, resolve as cenas com seu cenário composto de mesas e cadeiras de bar, com objetos necessários (garrafas, trouxas de roupa, flores e copos). Com as mesas criam-se passarelas, túmulo e prisão. Wanderley também assina o figurino, trazendo as cores dos malandros da Lapa somadas a referência do Zé Pilintra (considerado o espírito patrono dos bares, jogos e sarjeta – todas as partes onde Ismael Silva teve sua vida envolvida). Bem pensado também o figurino dos músicos, em tons cor creme e a saia da Porta Bandeira ser também desta mesma cor. A luz de Paulo Cesar Medeiros é sempre de bom gosto e, nesta peça, inclui a plateia no espetáculo com azuis e vermelhos sobre o público.

Wladimir Pinheiro, multi artista, é o diretor musical e traz para o palco arranjos fidedignos e de alta qualidade para as músicas de Ismael Silva. Wladimir está muito bem aparado nos músicos Leo Antunes, Fabio D’Lelis, Marlon Julio, Marcos Passos, que, às vezes, entram em cena, falam frases, e são parceiros dos compositores.

Ana Veloso e Edio Nunes são os diretores deste musical. Utilizando toda a arena, incluindo as escadas, sabem bem explorar o que de melhor tem o elenco. Destaque para as cenas dos filhos conversando com suas mães – onde as histórias dos atores se fundem com a de Ismael Silva – e os números curtos de humor, como a Diretora da Escola e a festa na casa dos ricaços da Zona Sul Carioca. Uma simbiose entre direção, cenografia, músicos e atores que exalam emoção e disciplina.

E temos o trio de atores, cantores, artistas Edio Nunes, Jorge Maia e Milton Filho. Três grandes professores de atuação, voz e comportamento cênico. Os três são Ismael Silva, suas mães, amigos compositores, policial, entidade. Edio Nunes brilha ao cantar, sambar e fazer Ismaelzinho. Jorge Maia brilha com sua voz potente, sua presença cênica e sua Diretora de Escola. Milton Filho brilha em seus momentos que interpreta a mãe de Ismaelzinho se tornando viúva, quando Ismael perde um amigo e também como Francisco Alves e o ricaço da Zona Sul Carioca. Ver esses três em cena, fica claro para a plateia que os três são os verdadeiros professores.

A vida de Ismael Silva tem, neste espetáculo, uma homenagem à altura de sua importância na música brasileira, na criação das escolas de samba como a conhecemos hoje – os grêmios recreativos, onde se ensina música, dança, cultura aos mais novos. Ismael mudou a forma de se tocar samba, criou a primeira escola de samba carioca, a Deixa Falar – hoje a Estácio de Sá – e é o responsável pelo gigantesco sucesso do carnaval carioca. Ismael Silva está para o samba, assim como Dodô e Osmar estão para o “axé music”. Sendo que Ismael Silva é um, eles são dois!

Presumo que “Professor Samba” seja a segunda parte de uma antologia em homenagem aos grandes bambas do samba. Se Edio Nunes idealizou “Joaosinho e Laila” e agora “Professor Samba”, qual será o próximo episódio musical desta série musical teatral? O que não faltam são nomes! Vá já para o teatro de arena para assistir a este musical imperdível. Já fui duas vezes. E se me chamarem de novo, eu direi "vomos"! Aplausos de pé. Viva o Teatro, viva Ismael Silva.

A SALA BRANCA

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sat, 28 Sep 2024 15:33:00 +0000

Imagine-se diante de um quebra-cabeças cheio de peças. Todas se encaixam no final. Mas a junção perfeita destas traz, para quem vê a obra pronta, imagens que se combinam isoladamente dentro do todo. Não é uma paisagem perfeita, muito menos um rosto, uma obra de arte ou arquitetura. Não, não. Temos neste quebra-cabeças pontas soltas sem destino, outras que finalizam sem o trivial ponto final, estradas que morrem antes do horizonte. Mas... de que importa? Qual a necessidade de se dar fim, compreender a fundo cada imagem criada? Pra que desvendar mistérios criados pelo interlocutor aonde eles não existem no quebra-cabeças, na trama, no texto? “Pare de querer desvendar mistérios onde eles não existem.” (É mais ou menos assim uma das frases ditas pela professora protagonista).

É esta a questão em jogo no espetáculo “A Sala Branca”, em cartaz na sala Multiuso do SESC Copacabana. Traduzida por Daniel Dias da Silva, o texto de Josep Maria Miró explora a ansiedade, a curiosidade, a necessidade de esclarecimentos do público, atiça a curiosidade e, acima de tudo – e o que é mais genial – deixa o público ávido por respostas que ele mesmo poderá criar, decifrar, descobrir, para que sua alma fique acalentada, para que sua ansiedade seja saciada por si só. Josep Maria Miró não se propõe a responder nada. O que ele quer dizer, e o que é importante, é aquilo que está dito no palco.

Daniel Dias da Silva transcreve para o português a língua catalã, mas a fala é universal. Na peça, uma professora reaparece na vida de 3 alunos aleatórios, que ela ensinou a ler, e faz uma confusão na cabeça de cada um deles, levando-os a refletir sobre seu passado e, acima de tudo, como estão suas vidas no presente. “Você está feliz?” é a pergunta que joga cada um dos alunos num redemoinho de lembranças e revelações. Senhorita Mercedes, a professora, está viva? É um fantasma de cada um dos 3 alunos, que volta para o presente a fim de atormentá-los ou tirá-los da zona de conforto? Ela provoca a explosão de segredos ou ela expurga a mágoa contida? Eis o mistério da fé.

No palco, o cenário de Sergio Marimba nos traz paredes brancas, mesa e cadeiras brancas de ferro e uma estrutura que simula um local fechado, apenas com os contornos. Lindo ver o cenário projetado em sombras nas paredes brancas. As sombras do passado, as marcas do escondido, estão ali naquela quase-sala. O figurino de Victor Guedes traz a característica de cada um dos personagens com exatidão: o arquiteto, o segurança, a corporativa e a doce e misteriosa professora. Vilmar Olos brinca com a luz e as sombras nas paredes, delimitando cenas curtas divididas entre presente e passado.

Gustavo Wabner, que esteve em cena no espetáculo “O Princípio de Arquimedes”, do mesmo autor catalão, sabe como conduzir as cenas para o desejo do dramaturgo. É boa a ideia de colocar os personagens no palco, porém fora de cena, para que sejam sombras marcantes. Ótimo seu trabalho de direção dos atores. Percebemos que a palavra, o texto, foi bastante estudada e estruturada para que, durante a apresentação, mesmo parados, os atores demonstrem sentimentos até mudos. Impossível deixar de notar o olhar fixo da professora sobre seu aluno arquiteto, focada nele, aguardando o triunfo da explosão e expulsão do drama contido por anos por aquele que ela ensinou a ler.

O quarteto fantástico de atores está batendo um bolão. Melhor que um jogo de vôlei final de olimpíada, ou um revezamento de corrida de obstáculos, cada um deles têm seu proprio monólogo para chamar de seu, tem interação e integração com os demais colegas. Todos mudam o tom no momento exato em que o diálogo sai do presente e volta ao passado. Ângela Rebello (professora, tá viva? Tá morta? É pobre? É inconveniente? É carente? - quem poderá nos responder?), Isabel Cavalcanti (aluna que se tornou integrante do mundo corporativo), Daniel Dias da Silva (aluno que se tornou arquiteto) e Sávio Moll (aluno que se tornou segurança do mercado) estão extremamente seguros e com o texto na ponta da língua. Um bate bola entre os quatro que chega a tirar o fôlego da plateia – que não pisca, com medo de perder uma mudança, um indicio, uma pista qualquer que possa responder às inúmeras dúvidas que o texto nos propõe, embora não proponha nenhum mistério! A gente que cria expectativa por um fim tradicional. Ótimos os quatro atores, ótimos!

O pano de fundo da peça, e o que é realmente importante, são as questões profundas: abandono do filho, homoafetividade reprimida, suicídio do colega de turma, bullying, vergonha, diferenças de classes, mãe solteira, “Você está feliz?”...

Sair de uma peça de teatro se fazendo infinitas perguntas: estou feliz? O que me marcou na escola? O que fiz de errado que preciso – e posso! – confessar? Minhas escolhas foram as melhores? Quem é aquela professora pelamordedeus? Porque ela escolheu aqueles três alunos? O que os une? O que os separa? Porque só agora ela voltou? Voltou ou nunca saiu? Pra onde ela vai? Quem será o proximo a vê-la? Tá viva ou tá morta? Tire suas próprias conclusões ao assistir a “A Sala Branca” e escolha o seu caminho, seu quebra-cabeças final, através das peças dadas e pistas jogadas ao público pelo espetáculo.

Assista e saia renovado, agraciado com um belo espetáculo, saia cheio de dúvidas e colha as suas melhores respostas. É este o objetivo do espetáculo. Duvidas promovem reflexões. Reflexões promovem revelações. Revelações provocam mudanças. “A Sala Branca” nos recebe de um jeito e nos devolve para a vida cotidiana modificados. Aplausos de pé.

EM NOME DA MÃE

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Tue, 13 Aug 2024 15:37:00 +0000

Maria, mãe de Jesus. A Santa, a mãe de Deus. Aquela que tem vários nomes na terra, milhares de igrejas. A nossa senhora. Nossa. De todos. Virgem santa. Padroeira. A bendita entre as mulheres pois gerou o filho de Deus. Isso tudo nós já sabemos. Quem não sabe a oração “Ave Maria”? Sabemos que tem mais aves-marias no terço do que pais-nossos. Isto mostra o poder da oração de Maria? Não. Isso mostra que pra cada um pai-nosso, são necessárias 10 aves-marias... Cadê o equilíbrio de forças?

A bíblia foi escrita por homens. E ao longo do tempo, homens modificam a história, traduzindo, com releituras. Existe 5 bíblias diferentes: a judaica, a hebraica, a católica, a ortodoxa e a protestante. Todas escritas e traduzidas por homens. Onde está a voz feminina na história de religião?

Vivemos – graças a força feminina – em uma época em que as mulheres estão começando a ter seus direitos mais respeitados. São recentes – comparadas à existência humana na terra - as conquistas das mulheres, como a Lei Maria da Penha, o voto feminino, o fim da absolvição dos homens “em nome da honra”, só pra citar algumas.

Está em cartaz – apenas 8 apresentações – no Teatro Adolpho Bloch, o monólogo “Em Nome da Mãe”. A concepção, dramaturgia e atuação de Suzana Nascimento. Com base no livro de mesmo nome, do autor Erri de Luca, a peça nos mostra o lado de Maria, a mulher, a cidadã, aquela que, ainda jovem, não casada e que, por um anjo que veio do céu, se torna grávida de uma hora pra outra. A mulher tem que enfrentar o medo de ser mãe, a desconfiança da vizinhança, o susto do parceiro, e, além disso tudo, a preocupação com a justiça, que condena a mulher sempre que o assunto é traição.

Suzana nos traz um texto bem escrito, atual, e que mistura a atriz que o interpreta, a mulher moça Maria e a mãe de Jesus pós nascimento. Destaque para a carta que lê, juntando todos os tipos de mães de todas as religiões, num mesmo texto (a carta), trazendo referências das diversas religiões que têm mulheres como seres fortes. Lindo momento da peça. Suzana nos faz ver o lado da mulher, da moça, que não pediu para ser abençoada, que não foi adultera na relação, que não sabe com cuidar de uma criança e que implora para que seu filho, ao nascer, seja apenas um homem comum, do povo.

No palco temos a direção de arte, figurino e cenografia de Desirée Bastos e Jovanna Souza, que preenchem os espaços com tecidos de voil para dar profundidade e também servir de tela para projeções, com figurinos pendurados, as diversas faces da mulher, muitos potes de barro, mesa e cadeiras que parecem ser de uma casa antiga e ao mesmo tempo de fazenda. Ótima a ideia de usar tachos de barro como a barriga de Maria que vai crescendo.

A luz de Ana Luzia Molinari de Simoni e Hugo Mercier, criam desertos, céu, cometa... sabem bem o que estão fazendo. Criam focos de luz que transformam Maria em uma santa só com a luz. Frederico Puppi é um mago na trilha sonora.

Miwa Yanagisawa empresta seu talento para conduzir a peça usando todo o palco disponível, sendo decisiva a sua cena final em que os objetos de cena “vão sendo tirados de Maria”, assim como seu filho foi sumariamente tirado da mãe e transformado em filho de Deus. Miwa dá à cena final a importância deste espetáculo. O fato de tudo ser retirado mostra o imenso “roubo” e vazio que Maria sofreu por ser descreditada como mulher e, principalmente, como a mãe. Maria deixa de se tornar a mulher que enfrentou uma vida em nome de seu filho para ser “apenas” a barriga de aluguel do filho – homem – de Deus – homem. Destaque ainda para a direção de movimento de Denise Stutz.

Além de idealizar e escrever, Suzana Nascimento atua como Maria. Impecável trabalho de uma atriz que estudou bastante o assunto, a mulher, a história cristã, para dar vida, mesmo sem ter tido seus próprios filhos, à mãe da figura mais importante do imaginário religioso. Suzana está segura, firme, emotiva e atual neste espetáculo. Ao misturar-se como atriz e Maria, mudando em pequenos gestos de olhares e mover de cabeça, Suzana traz para o público a verdade cênica e a verdade da mulher. Defende a personagem e sua própria vida, fazendo desta peça um alerta, um relato, uma constatação de que, apensar das conquistas, ainda há muita estrada para que mulheres estejam de igual para igual com os homens. Um trabalho impecável.

“Em Nome da mãe” é de grande importância para o teatro. Falar de mulher usando a mãe de Jesus como âncora cênica faz com que todas as mulheres se sintam defendidas e homenageadas. Da evangélica à umbandista. Da católica à espírita. Todas são Marias. A peça está no limite entre a religião e a humanidade, sem ser agressiva.

Corram para assistir “Em Nome da Mãe”, se solidarizar com Maria, abraçar Suzana e Miwa, aplaudir de pé este trabalho impecável de entrega, denuncia e respeito. Viva Maria, Viva o Teatro!

CLARA NUNES - A TAL GUERREIRA - MUSICAL

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Wed, 07 Aug 2024 19:23:00 +0000

Quando o coração para de bater, o cérebro para de ser irrigado com sangue, o corpo para de funcionar por completo, aí o decreto baixa: fim da vida. O que sobra, ainda, é a energia entre as moléculas, prótons e elétrons que, mesmo com o corpo sem o suspiro da vida, persistem e vão se desplugando até que tudo vira pó. Isso já sabemos. Mas... e a consciência? O que se passa no cérebro sem irrigação? Pra onde vão todas as memórias que construímos?

A tal vida após a morte é uma crença sem comprovação científica (Há controvérsias). Para me acalmar, prefiro crer na energia que une prótons e elétrons e esta é, sim, interminável, mesmo que cada partícula esteja em outra molécula, outro corpo, outra vida.

Supondo que, em teorias religiosas, exista um limbo, um espaço entre a vida terrena e o almejado céu, onde estaremos sentados ao lado de Deus Pai todo poderoso, é neste limbo, neste intervalo, onde o filme da sua vida irá passar: “Olha, Fulano, aqui você cometeu um erro, aqui você acertou na mosca, lembra de Sicrano? Sabe aquela história da vizinha?”. O espaço-tempo entre a morte e a vida eterna é um período entre o “acostumar-se”, “explicar-te” e "siga em paz"! Filosofia numa hora dessas?

Posto isto, não é que o time Jorge Farjalla, Irmãos Griesi (Daniella e Marco), Felipe Lima e Vanessa da Mata de juntaram para criar uma história, um musical, sobre este espaço-tempo de Clara Nunes? Pois creia neste blogueiro: “Clara Nunes – a Tal Guerreira – Musical” é daqueles espetáculos que entram pra história, pois fogem aos padrões, às obrigações, às regras do que se tem visto por aí no teatro.

Com texto poético de André Magalhães e Farjalla, a peça, ora contada em verso, ora em prosa, traz os Orixás protetores de Clara Nunes, sua mãe e seu pai protetores, como guias de sua breve jornada neste espaço-tempo. Abrem seus caminhos, indicam memórias, fazem com que Clara se acostume com sua nova forma, relembre seu passado e entenda que seu caminhar na Terra finalizou com louvor. Objetivo atingido, Clara segue em direção à luz maior, ao esplendor da vida, simbolizado pela Águia da Portela sobre sua cabeça no fim da peça.

Começando pelo super-branco cenário do Marco Lima, profissional que me inspira muito, o espaço-tempo bebe na fonte de carros alegóricos e uma casa de bambas (onde fica a banda). Lindo demais ver a cortina de tiras de pano, de diversas alturas, preenchendo, como nuvens, a parte superior do palco. Direção de arte de Kelson Spalato.

Temos o figurino de Luiz Cláudio Silva e Farjalla, abusando dos detalhes e das referências das religiões africanas, contrastando com as cores dos artistas. Destaque pro único vestido preto usado por Bibi Ferreira. Sensacional a ideia de vestir Vanessa da Mata em cena, trocando roupa e peruca aos olhos do público. Visagismo de Simone Momo.

Cesar Pivetti traz aquela luz belíssima de sempre, que já é sua marca habitual. Neste espetáculo, Pivetti – sabendo ou não – usa os diferentes materiais das roupas do elenco para fazer cores diferentes no figurino. Tem uma cena, toda em azul que as saias e calças ficam um azul turquesa e as camisas um azul bebê. É de uma genialidade ímpar, pois ele usa os refletores de led para colorir o mesmo figurino com cores diferentes. Nunca vi isso.

Fernanda Maia na direção musical nos oferece o que há de melhor em arranjos e qualidade da orquestra em cena, ainda usando instrumentos para a trilha sonora. Desenho de som de Bruno Pinho.

Gabriel Malo coreografa tudo com harmonia: nos sambas, nas músicas das religiões africanas, no gestual de Clara Nunes incorporado por Vanessa da Matta, e na expressão corporal de Bibi Ferreira por Carol Costa.

Vanessa da Mata é muito guerreira e forte ao dar corpo e voz à Clara Nunes, mas é exatamente por isto que a proposta e a ideia são excelentes. Os jovens conhecem Vanessa, os “meia idade” conhecem Vanessa e lembram de Clara, os “idade avançada” conhecem Vanessa e Clara Nunes. Sua emoção, potência vocal nas canções, seu corpo emprestado, sua entrega e coragem, somados à sua verdade em cena, fazem com que Clara Nunes viva através de sua presença. Interpretar Clara Nunes no teatro, no cinema ou na televisão, é saber que a energia e a força de Clara Nunes estarão presentes em cena. E Vanessa da Mata traz esta energia, este gigantismo, esta entidade para o palco.

Com excelente atuação, Carol Costa revive Bibi Ferreira em todos os sentidos: corpo, voz, alma e energia. Memorável. Temos os homens da vida de Clara: André Torquato (Aurino), Caio (Adelzon) e Renan Mattos (Poeta). Como seus protetores, Gui Leal (Ogum), Reynaldo Machado (Èsù), Fábio Enrique (Mané Serrador). Como mães e protetoras, Ananza Macedo (Nanã) e Leilane Telles (Iansã). No excelente corpo de atores e cantores temos ainda Bel Lima, Paulo Viel, Jessé Scarpellini, Vitor Vieira, Edmundo Vitor, Preta Ferreira, Larissa Grajauskas, Flavio Pacato, Jade Ito, Elix e Jesus Jadh.

Jorge Farjalla sempre com sua visão diferenciada sobre a arte cênica, sobre como deve ser um espetáculo, nos traz mais uma direção inovadora. Como assim, uma cantora fazer peça musical de teatro? Ele faz. E faz arrepiando a plateia desde o número inicial até o último acorde. Farjalla sabe que se seguir o que todo mundo faz, ele não se destaca. E o que ele propôe então? Sair da curva, inovar, valorizar o espetáculo, a arte pontuada no texto, no figurino, na música, na dança. Cada arte em separada de seu espetáculo importa. Beleza, detalhes e visual. Tudo para que a plateia se emocione, levando ao público a força de sua criatividade e sua arte. Imagino o pensamento deste mago do teatro, que ainda será reconhecido como inovador, criativo, cativante. Farjalla assina sua própria marca no teatro brasileiro. Saravá!

Daniella e Marco Griesi têm formado um time excelente com Farjalla, acreditando nas suas propostas culturais e isto só faz com que se solidifiquem como grandes produtores que são. Soma-se a eles Felipe Lima, jovem produtor que só coloca seu nome em projetos de excelente qualidade.

Ufa. Um texto gigante para quem estava há muito tempo sem postar neste espaço, sem escrever sobre teatro. Pois “Clara Nunes - A Tal Guerreira”, com Vanessa da Mata, merece todo este aplauso, este texto-agradecimento, pelo que apresentam no Teatro Bravos. Imperdível, memorável e apaixonante. Viva Clara Nunes! Viva o Teatro Brasileiro!

ALGUMA COISA PODRE

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Sat, 27 Apr 2024 14:55:00 +0000

Uma nova faze neste blog: textos curtos. O tempo urge e a objetividade é necessária.

Alguma coisa de Podre está em cartaz no Teatro Casa Grande até dia 05 de maio.

Imperdível. Mesmo. Confia. Vá.

Necessário aplaudir a tradução, adaptação e direção de Gustavo Barchilon, as coreografias de Alonso Barros e as versões das músicas feitas por Cláudio Botelho. Tudo ágil, moderno e atual. Cenário, luz, figurino, músicos, o que temos de melhor no teatro brasileiro.

O integrado e talentoso elenco, com vozes, humor e atuações dignas de prêmios.

Laila Garin sempre me emocionando ao cantar, Wendell Bendelak com sua versão brilhante de um Ravengar hilário, George Sauma - faz tempo queria vê-lo sapatear de novo - tá bárbaro como Shakespeare, Leo Bahia com o mesmo talento desde Book of Mormon - onde fiquei vidrado em sua arte -, e a versão ator de musical do Marcos Veras, impecável em todos os momentos. Que turma, senhores! Destaque para o canto e humor de Bel Lima e Tauã Delmiro, que levam a plateia ao delírio!

Obrigado aos produtores executivos: Renata Borges (Touché Entretenimento) e Thiago Hofman (Barho Produções) por realizarem esta peça!

Muito mais a escrever sobre a peça, tema, assunto, mensagem, respeito, valores, mas basta você correr pro teatro, porque só tem mais 4 apresentações no Rio.

Corram!

Vida longa para Alguma Coisa Podre!

GENTE DE BEM

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Mon, 11 Dec 2023 23:42:00 +0000

Nelson Rodrigues, Mauro Rasi, Juca de Oliveira nos contam muito, em seus textos teatrais sobre o comportamento social e político do país da época em que escreveram. Nelson Rodrigues assinava “A Vida como ela é” no jornal. E basta ler dois ou três colunas para se ter exata noção do quão sem noção era aquela sociedade retratada. Mentiras, hipocrisia, “o que os outros vão achar”. Mudamos?

Cá estamos em pleno século XXI, beirando o fim de mais um ano (um feliz ano sob a ótica democrata!) e ainda temos muito que estudar a atual sociedade na qual estamos inseridos. Como chegamos a este ponto?

Dados sobre a população brasileira: as igrejas evangélicas cresceram 543% em 20 anos no Brasil (Pesquisa da USP). Em 2019, o número é de 109.560 igrejas. O Censo da Educação Superior 2019 indica que existem no país 2.608 instituições de educação superior. Isso diz muito sobre os brasileiros... Deus acima de tudo?

Yin e Yang são conceitos do taoismo que expõem a dualidade de tudo que existe no universo. Descrevem as duas forças fundamentais opostas e complementares que se encontram em todas as coisas. A 3ª Lei de Newton nos diz que para toda ação, existe uma reação de mesma intensidade, porém de sentidos opostos. A liberdade comportamental cresceu, o conservadorismo também. Na mesma proporção.

Como diria Millor Fernandes “Não se amplia a voz dos idiotas”, mas... como? Se as redes sociais trouxeram à tona vozes idiotas e que abarcam dezenas de milhares de seguidores? A liberdade de comportamento, a internet, as redes sociais, trouxeram para nosso cotidiano vozes antes caladas por vergonha. As pessoas precisam voltar a ter vergonha de serem burras.

Desculpem o introito acima, mas é para contextualizar o sensacional espetáculo “Gente de bem”, da Comparsaria Teatral que está no CCBB do Rio até semana que vem apenas. E já torço para nova temporada. Baseado no livro “Necrochorume e outros contos” de João Ximenes Braga, seis contos são levados ao palco mostrando como a população brasileira está caracterizada atualmente. Adriana Maia e Xando Graça assinam a dramaturgia. Hipérboles comportamentais. Exemplares de ridículos tiranos. Exageros de idiotas alimentados por quatro anos de um governo onde seu maior representante era o imbecil-mor. O ser desprezível que representa metade da população votante que lhe concedeu um mandato e quase conseguiu o segundo. Que gente é essa? Onde estavam? Sempre estiveram entre nós? Sim. Porém agora suas vozes “de bem” estão sendo espalhadas.

Seis contos geniais de João Ximenes estão muito bem dirigidos por Adriana Maia, que, mantendo a prosa do texto escrito, dá vida aos personagens com entonações vocais e comportamentais, ora com apoio apenas de uma maquete, ora de uma mesa com poucos objetos, corpos dos atores somados à iluminação, caracterizam sem medo pessoas loucas, mesquinhas, ridículas, de bem, que se acham no direito de pisar nos outros para manter seus privilégios. Excelente trabalho de direção. Destaque para a cena do casal escravizado que é representada 2 vezes por atores diferentes, e cuja emoção e força se mantém a mesma nas duas formas apresentadas. Gargalhei na história das vizinhas solteiras.

Cenografia e figurino são assinados pelo grupo Comparsaria. Anderson Ratto assina ótima luz. André Poyart nos traz uma direção musical competente.

O talentoso elenco, em ordem alfabética: Adriana Maia, Alexandra Damascena, Ana Achar, Anna Wiltgen, Camí Boher, Dadá Maia, Gilberto Góes, José Ângelo Bessa, Marian Consoli, Miguel Ferrari, Pamela Alves, Stefania Corteletti e Xando Graça. Seria injusto destacar alguém deste grupo unido e disposto a contar a história do Brasil deste momento. Aplausos de pé para todos. A força da Comparsaria está justamente em seu conjunto.

O google nos diz que “comparsa” é companheiro, parceiro. A Comparsaria Teatral é um grupo de excelentes atores / diretores / teatrólogos / trupe que visivelmente ama o ato de atuar, ama a arte dramática e que mostra para a sociedade o quão ridícula e “estudável” é o momento em que estamos vivendo. Assisti ao espetáculo “A Plebe do Coriolano” e a força do grupo se mantém a mesma.

Urgente ficarmos atentos para evitar o retorno do fascismo à presidência da república. O medo é diário. Eles sabem usar as redes sociais, espalhar as narrativas falsas pelas igrejas e aplicativos. Conseguem mudar a realidade. E como consequência, aumentam a pobreza e a fome. São espertos em manter privilégios e asfixiar minorias. Temos que mostrar a (nossa) realidade para fora da bolha em que vivemos, como nós estamos enxergando esses seres do mal revestidos de pessoas de bem. É importante fazer chegar em quem vive na realidade paralela o quão nocivas elas estão sendo para a nossa sociedade.

Vida longa a “Gente de Bem”! Que esta voz possa ser espalhada, que não tenhamos medo em contar, que possamos falar sempre como nos sentimos diante das atrocidades dos idiotas e seus seguidores. Aplausos de pé. (Escrevi muito, perdoem! Mas desabafei!)

MAHATMA ANDY E A BATATA FILOSOFAL

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Tue, 14 Nov 2023 20:12:00 +0000

Era 1982 e o filme Gandhi tirou de ET o Óscar de melhor película daquele ano. Fiquei revoltadíssimo! Como pode isso? A birra foi tanta que levei anos para assistir ao premiado filme. Pois a história verídica de um homem “que empregou a resistência não violenta para liderar a campanha bem sucedida para a independência da Índia do Reino Unido” (colei do Google) superou a história hollywoodiana fantasiosa da mentira dos ETs. Ora, nada mais justo! A mensagem de Gandhi é muito mais poderosa – e necessária – que o resgate de um ser de outro planeta. Se bem que, no momento onde temos 2 guerras externas midiáticas em curso e mais tantas outras nas periferias das capitais de estados brasileiros, qualquer ajuda dos céus na face da Terra seria muito bem-vinda...

De novo fui ao Google e ele me diz que “os Mahatmas não são seres desencarnados, mas pessoas altamente evoluídas envolvidas na supervisão do crescimento espiritual dos indivíduos e do desenvolvimento das civilizações.”

Posto isto... está em cartaz no CCBB Rio o ótimo espetáculo Mahatma Andy e a Batata Filosofal. Como diz o release, um “mocumentário”, gênero teatral que incursiona pelo território da dúvida. E de fato fiquei na dúvida se o que estava sendo dito no palco era realidade ou invenção. Andy nos conta que o personagem interpretado, ou vivido, recebera o título da ONU, através do departamento de grandes erros históricos, com intermédio da Monja Coen. Mas para ter direito ao título, deveria conquistar o Sans Souci (Sem Preocupação). Traduzo: pra ser Mahatma tem que atingir a paz interior.

O texto é do próprio Andy Gercker que nos traz uma dramaturgia rica em pesquisa e em histórias pessoais misturadas com competência, humor e elegância. A arte de contar um grande causo intermediado por mini-historinhas é arte para poucos e Andy produz um texto que traz pequenas situações, ora regadas de humor – conhecimento da neurociência –, ora banhadas de lágrimas – autoficção, representatividade LGBT+ -, que faz com que todo o espetáculo seja crível, real e verdadeiro.

O cenário, trilha sonora e figurino também foram pensados por Andy Gercker, ator e neurocientista, são o necessário para que todo o conteúdo do espetáculo seja muito bem aproveitado. A luz é do sempre ótimo Paulo Cesar Medeiros, colaborando com a direção nos momentos de riso e emoção.

Também é dele, Andy, a direção da peça. Me impressiona muito quem consegue se dirigir de dentro do processo. É muito neurocientista aquele que sai de seu corpo e olha de fora o todo. Andy faz isto. A peça não tem pressa. Tem pausas significativas e respeito pelo texto e pelo público. Tudo é explicado e encenado. O uso dos objetos capa, tapete, livro do Príncipe, e da batata, são necessários e importantes. A movimentação também no pequeno espaço do Teatro III do CCBB permite que o público se sinta íntimo do ator/autor/diretor.

Como ator da peça, Andy Gercker está ótimo. Seguro, alegre, consciente e aproveita todo o seu texto para mostrar, ainda mais, o excelente e talentoso profissional que é.

Bebendo na fonte inesgotável de arte do grupo Monty Python – trupe de comédia britânica -onde o humor é baseado na sátira, história e recriação da realidade, Andy Gercker nos proporciona um dos melhores monólogos da temporada teatral carioca. Detalhe ainda para o ótimo título que brinca com Harry Potter e seu primeiro livro. Que Andy possa trazer também Mahatma Andy e o Cálice de Fogo Sagrado...

Assim como na batalha entre os filmes ET (ficção) e Gandhi (realidade), onde a vitória é do cinema, em Mahatma Andy e a Batata Filosofal a vitória é do próprio Andy Gercker e, sem sombra de dúvidas, do teatro brasileiro. Vida longa a Mahatma Andy e a Pedra Filosofal. Viva o teatro!!

VESTIDO DE NOIVA

noreply@blogger.com (Marcelo Aouila) — Mon, 16 Oct 2023 20:35:00 +0000

Quando fiz parte do Clube da Letra, a cadeira que ocupava era justamente a de Nelson Rodrigues, pela minha paixão pelo teatro e também pela forma atual e dinâmica com que “nossos textos se pareciam” (dadas as gigantescas distâncias...), segundo os colegas do clube. Espero ter honrado sua memória enquanto lá estive.

Está em cartaz no Teatro 2, do CCBB RJ, uma ótima montagem de Vestido de Noiva, que completa 80 anos em dezembro de 2023. É o resultado de um trabalho pré-pandêmico do Grupo Oficcina Multimédia, turma de apaixonados pelo teatro que tem 45 anos de atuação, sendo que Ione de Medeiros assina a direção artística há 40 anos.

A peça escrita por Nelson Rodrigues, inovadora mesmo nos tempos atuais, “mescla realidade, memória e alucinação para contar a triste história de Alaíde. Após ser atropelada por um carro em alta velocidade, ela é hospitalizada em estado de choque. Na mesa de cirurgia, oscilando entre a vida e a morte, a mente de Alaíde tenta reconstruir sua própria história e, aos poucos, seus sonhos inconscientes e desejos mais inconfessáveis vêm à tona. Quem vai ajudá-la nesse processo é a enigmática Madame Clessi. Juntando as peças desse quebra-cabeça, ela conduz Alaíde na busca pela reconfiguração de sua própria identidade.” É o que nos diz o release e não achei melhores palavras para dizer sobre o texto, por isso repeti.

No palco, temos um sensacional casamento entre cenografia, figurino e iluminação. Cenário e figurino assinados por Ione de Medeiros, que também assina a direção, e Bruno Cerezoli na luz. Tecidos que são toalha de mesa e véu de noiva, macas que são carros em movimento, dança de refletores sobre os atores, mesa de jantar que vira passarela, é um trabalho espetacular. Soma-se a isto o belíssimo balé, direção de movimento, coreografia, criados para os atores contarem a história trágica com uma beleza poética visual.

É lindíssimo como os atores carregam as noivas no colo e seus vestidos desenham no ar movimentos. Também são destaques os vestidos de noiva sobrepostos, que parecem aquelas bonecas de papel que se recortava o modelito e uma singela aba no ombro da roupa prendia o novo vestido na modelo de calcinha e sutiã. Uma frente única que fica perfeita sobre os “vestidos de noivas” das noivas já existentes. Um acerto também manter os homens de terno, mesmo quando representam papéis femininos. Destaque ainda para a trilha sonora de Francisco Cesar e Ione de Medeiros.

Um caso à parte de alegria são os vídeos (criação de Henrique Torres Mourão e Ione de Medeiros) projetados no fundo do palco. Completando a cena, ora como narrativa, ora como história, lembrei do espelho da Malévola, que conversava malignamente com sua dona. Excelente.

Os atores Camila Felix, Henrique Torres Mourão, Jonnatha Horta Fortes, Júnio de Carvalho, Priscila Natany e Victor Velloso estão totalmente entregues à montagem e, cada um a seu tempo, tem espaço para brilhar. Porém, não posso deixar de comentar a interpretação de Jonnatha Horta Fortes (que também assina a assistência de direção, figurinos e preparação corporal) para Madame Clessi. Seguro, divertido e consciente da importância deste papel no teatro brasileiro. Uma beleza.

Ione de Medeiros dirige, prega botão, chuleia, dança, dá vida, arte e alegria a Nelson Rodrigues e ao público que assiste esta montagem belíssima de Vestido de Noiva. A arte de um bom diretor é promover o casamento, o complemento, a proteção, a divisão de atenção sem prejuízo, entre os elementos cênicos e Ione faz isso muito bem. Há tempos não vejo um casamento tão bonito entre elenco, interpretação, figurino, cenário, coreografia, comportamento cênico e iluminação. É, sem sombra de dúvida, uma direção minuciosa, de grande imaginação criativa e competência em execução.

Ir ao teatro e assistir a um texto de Nelson Rodrigues é sempre um imenso prazer. Ele dá sempre uma bofetada com luva de pelica numa sociedade hipócrita que jogava - e ainda joga – sua sujeira para debaixo do tapete. Nas manchetes de jornais de hoje estão estampadas as atrocidades humanas da pior espécie que faria Nelson Rodrigues se envergonhar, tamanhos absurdos que temos que combater diariamente, nas ruas, nas redes sociais, no congresso nacional... parece que a sociedade piorou muito. E ver, um texto brilhante de Nelson Rodrigues ser tratado como uma joia rara, cheio de respeito e amor ao teatro é para se aplaudir de pé.

Viva Nelson Rodrigues, Viva o Grupo Oficcina Multimédia, viva o teatro brasileiro!