1. Protéger son matériel

Quand vous partez pour un pays lointain (ou non) avec votre matériel, les conditions peuvent s’avérer un peu difficiles pour votre matériel. C’est évidemment différent selon les pays (ce n’est pas pareil en Inde et aux Etats-Unis, forcément), mais je considère que les risques sont toujours relativement importants, même dans des pays occidentaux, car vous ne connaissez pas votre environnement, vous bougez beaucoup, et vous êtes plus facilement soumis à des situations cocasses dans votre soif de découverte des coutumes locales (une fête de la bière en Allemagne, ça peut être risqué ).

Il faut donc penser à protéger votre matériel. Un bon sac est à mon sens un indispensable absolu, mais j’ai évoqué récemment le sujet dans mon test du Vanguard Skyborne 45 (même s’il y a évidemment d’autres options tout à fait correctes ).

Je pense que c’est l’une des situations où un filtre UV se révèle indispensable, tout au moins sur vos optiques les plus utilisées et/ou les plus chères. En ce qui me concerne, j’ai plusieurs fois été bien content d’avoir investi avant de partir, vu la poussière qu’il y a dans l’air par ici ! En complément, un pare-soleil pour votre objectif est franchement utile, pour le soleil bien sûr, mais aussi pour prendre les petits chocs à la place de votre précieuse optique.

2. Nettoyer son matériel

Cela dit, vous aurez beau faire ce que vous voulez, à un moment vous allez regarder votre matériel, et vous allez hurler devant tant de poussière, puis passer 1 heure dans votre chambre à le nettoyer de fond en comble (ça sent le vécu )

Encore faut-il avoir de quoi le nettoyer Le premier indispensable dans ce domaine, c’est le pinceau à poils doux qu’on trouve notamment sur les lenspen. Certains diront que ça peut abimer l’optique ou le filtre, moi je ne l’ai jamais constaté, mais il faut évidemment y aller gentiment. Ça permet aussi de retirer avantageusement les poussières des recoins du boîtier, qui lui aussi prend cher.

Le deuxième indispensable, c’est le chiffon micro-fibres. Il vous sauvera la vie des poussières un peu tenaces (mais ne frottez pas trop au risque de rayer la lentille, essayez juste de décoller la méchante poussière), mais aussi des taches grasses, notamment des inévitables traces de doigt (ça arrive à tout le monde ).

3. La batterie

Ce qui serait dommage, c’est de se retrouver en panne d’énergie après être monté pendant 1 heure jusqu’à ce fort tout en haut de la colline, non ?

La plus élémentaire prudence consiste évidemment à emmener une deuxième batterie pour votre appareil. Vous pouvez choisir une batterie moins chère que celle de la marque de votre appareil, mais sachez qu’elle durera un peu moins longtemps. Plus, c’est inutile si vous partez dans un pays où vous pouvez facilement avoir du courant.

Car il faut emmener votre chargeur de batterie bien sûr. Votre batterie de secours doit TOUJOURS être pleine, quoiqu’il arrive. Rechargez dès que vous pouvez, car on ne sait jamais quand on aura du courant à nouveau. Ici en Inde, les coupures de courant dans toute la ville sont quotidiennes, donc dès qu’il y a du courant je recharge tout ce que je peux par prudence.

Ici on trouve couramment des prises à la française, mais comme vous le savez sans doute, ça diffère fortement selon les pays. Pensez donc à prendre un adaptateur si besoin (ça coûte quelques euros).

4. Le stockage de vos photos

Evidemment, des photos, vous allez en prendre. Beaucoup. Peut-être même des vidéos. Et tout ça, ça prend de la place. Selon la durée de votre voyage et la sensibilité de votre index droit (autrement dit le nombre de photos que vous prenez chaque jour ), 2 stratégies s’offrent à vous :

• emmener suffisamment de cartes mémoires pour tout le voyage
• n’en emmener que 2 ou 3, et prévoir un petit disque dur

Vu la durée de mon voyage, j’ai personnellement choisi la 2ème solution, en achetant un petit Western Digital de 500 Go (plus que suffisant), sachant qu’en plus de ça je prenais déjà mon pc portable pour bloguer, et que je peux donc facilement transférer mes images. Dans tous les cas, dans la plupart des pays il est maintenant facile de trouver des cybercafés, desquels vous pourrez faire le transfert (pensez quand même à prendre un lecteur de carte dans ce cas, tous les PC locaux n’en ont pas, loin de là).

Si vous partez assez peu de temps, vous pouvez vous permettre de ne prendre que des cartes mémoires, mais voyez large

4,5. La photo de nuit

Je ne mets qu’un « 0,5″, car certains diront que ce n’est pas vraiment un indispensable. Cela dit, je trouve qu’il y a pas mal d’endroits qui prennent vraiment un tout autre visage la nuit, et qui valent clairement la peine d’être photographiés à ce moment.

Seulement voilà, ça nécessite un peu de matériel supplémentaire. J’ai choisi de ne pas partir pendant 2 mois et demi avec un trépied, car ça me semblait trop encombrant pour la fréquence de l’usage. J’ai choisi d’embarquer un trépied de voyage de type Gorillapod (une autre marque, celui-ci peut tenir 1,5kg de matériel).

Je ne savais pas si ça serait le bon compromis légéreté/stabilité, mais après un mois je peux dire que c’était le bon choix pour mes besoins. Je ne l’ai effectivement pas utilisé assez souvent pour mériter d’emmener un vrai trépied, mais j’étais bien content de l’avoir quand j’en ai eu besoin.

Pour une trentaine d’euros, il m’a permis de faire quelques photos de nuit très sympas (dont une ou deux seront parmi les meilleures du voyage je pense), et ne prend quasi pas de place et pas de poids dans mon sac.

Evidemment, il n’est pas d’une stabilité exemplaire. En gros, comptez une dizaine de secondes après avoir touché l’appareil pour déclencher. Plus si vous êtes au-dessus de 50mm. Il vous faut donc également emmener une télécommande bien sûr, ce qui est de toute façon le cas avec n’importe quel trépied. J’ai réussi à faire des poses de 30 secondes qui ne sont pas floues, j’ai donc été agréablement surpris par la stabilité de cette petite chose insignifiante en mousse (oui parce que bon, comparé à un vrai trépied, ça reste quand même à des kilomètres hein).

Notons aussi que si vous voulez faire de la pose longue en plein jour (en utilisant un filtre ND), ça vous sera également indispensable.

Voilà, si vous partez en voyage bientôt j’espère que ça vous permettra de ne rien oublier d’indispensable, sachant que vous pouvez parfois acheter sur place, notamment des cartes mémoires qu’on arrêtera pas d’essayer de vous vendre

- « Savez-vous quel est le problème des gens qui montent tout en haut du fort ? Ils ont fait tous ces efforts, et ils se retrouvent à court de batterie ou de carte mémoire ! **ton dramatique** »

- « Nan mais j’ai 36 Go de libre et 2 batteries pleines, je crois que ça va aller, merci  »

- « Et sinon, vous voulez pas faire un tour d’éléphant ? »

Et sinon, vous voulez bien nous dire ce que vous emmenez toujours en voyage et que j’aurais oublié ?

En effet, en regardant un peu les données EXIFs des photos des débutants (notamment pour Dimanche Critique Photo), je me rends compte que ce sont souvent les extrêmes qui sont utilisées, et pas les ouvertures intermédiaires. Et je le comprends bien, car je suis moi aussi passé par là

Et la lumière fût

Vous débutez, et vous essayez de comprendre comment ça fonctionne, la photo. Vous cherchez un peu, et vous tombez sur ce blog. Hop, « par où commencer« . Vous découvrez le concept de l’ouverture, et son influence sur la profondeur de champ. Vous faites quelques essais, et là : magie ! Vous avez tout compris. Vous pouvez maintenant jouer avec la profondeur de champ comme un pro.

Avec un peu de chance, vous craquez même pour une petite focale fixe très lumineuse du genre 50mm f/1.8, et à vous les joies des très faibles profondeurs de champ.

C’est joli, et du coup vous shootez toujours à f/1.8, tout le temps. Bon ok, pas tout le temps. Quand vous faites un paysage, vous avez bien compris qu’il faut une grande profondeur de champ, et donc une petite ouverture. Vous tournez donc frénétiquement la molette de votre appareil, histoire d’arriver à l’ouverture minimale, f/22 voire f/32. Comme ça vous êtes bien sûr d’avoir toute l’image nette, on ne sait jamais. En plus il y a du soleil, alors même tout fermé la vitesse d’obturation reste correcte.

Oui, mais double mais.

Mais techniquement…

… ce n’est pas optimal. Je ne m’attarderai pas trop sur ce point, car vous le savez déjà si vous lisez le blog depuis quelques temps : il existe une ouverture optimale de votre objectif. (Re)lisez l’article pour bien comprendre, j’explique tout en détails avec des exemples en images.

Pour résumer, à l’ouverture maximale, votre optique ne délivre pas toujours son meilleur piqué, tandis qu’à l’ouverture minimale (et même un peu avant), le phénomène de diffraction provoque une détérioration de la qualité de l’image.

La plupart du temps, pour avoir une image entièrement nette (une profondeur de champ d’un point très proche jusqu’à l’infini), vous n’avez pas besoin de fermer au maximum. Pour du paysage, f/16 est bien souvent plus que suffisant (voire f/8 si votre premier plan est relativement éloigné). Et pour vérifier vous pouvez utiliser le bouton de test de la profondeur de champ (dont je parle dans les articles que j’ai liés plus haut).

Ça dépend évidemment des autres paramètres influençant la profondeur de champ, comme la focale par exemple, et à ce sujet je vous invite à relire l’article sur l’hyperfocale, dans lequel je donne un lien vers un calculateur de profondeur de champ.

Cela dit, la technique c’est bien, et vous devez la garder en tête, mais ce n’est pas franchement LA raison pour laquelle j’écris cet article. Parce qu’artistiquement, utiliser toujours les extrêmes, c’est un peu caricatural.

Mais artistiquement…

Ce n’est pas toujours optimal non plus. J’ai eu l’idée de cet article alors que je me posais tranquillement au bord du Jait Sagar, un très beau lac à Bundi (Rajasthan), au bord duquel s’est jadis installé Rudyard Kypling (vous savez, le Livre de la Jungle ? ).

Plus sérieusement, j’étais assis dans une sorte de petit jardin, et prenais quelques clichés du superbe paysage qui s’étalait sous mes yeux. Je ne suis pas vraiment un photographe de paysage, mais je sais que c’est rapidement ennuyeux à mes yeux s’il n’y a pas quelque chose pour y rajouter de l’intérêt, comme une présence humaine par exemple. Le paysage reste le sujet, mais l’humain y rajoute quelque chose.

Chance, 2 indiens arrivent et se posent à quelques mètres de moi, me donnant ainsi un sujet rêvé pour enrichir la scène. Je ne veux pas changer de position pour ne pas qu’ils captent que je les photographie et qu’ils restent naturels, et j’ai besoin d’un angle de vue qui reste large, pour englober le paysage. Ca tombe bien, mon ultra grand-angle (un Tokina 11-16mm f/2.8 pour devancer les questions) est monté sur mon boîtier

Se pose donc la question : est-ce que je veux la scène entièrement nette, ou est-ce que je veux vraiment me concentrer sur le sujet et flouter l’arrière-plan ? Mon idée sur le moment est que je peux utiliser une grande profondeur de champ, car ma composition doit être assez forte pour que l’œil arrive sur le sujet tout seul. En effet, utiliser une faible profondeur de champ pour mettre en valeur un sujet est parfois un peu « facile » je trouve.

Je décide donc de fermer, et sans prendre le temps de calculer l’ouverture nécessaire, je choisis f/11 à vue de nez (l’expérience aide à appréhender ce genre de chose instinctivement, mais a posteriori j’aurais pu ouvrir plus sans souci). Ce qui semble en effet suffisant. Vous noterez que je n’ai pas fermé à fond, car ce n’était pas la peine : mon sujet était à 4m environ, j’étais à une très petite focale (11mm), bref la profondeur de champ était déjà grande.

(Ca manque encore de post-traitement, mais bon )

Pour cette raison, si j’avais voulu un arrière-plan flou, la focale aurait été trop faible et la distance de mise au point trop importante pour l’obtenir de toute façon. Même avec un sujet plus proche, j’aurais eu un arrière-plan légèrement flou mais reconnaissable.

Mais que se passe-t-il si je veux cadrer mon sujet plus serré (hop je passe au Tamron 17-50mm f/2.8), en utilisant le paysage comme décor. C’est-à-dire que l’humain devient vraiment le sujet principal, et que le paysage passe au second plan (comme toujours, l’intention est très importante !).

Dans ce cas, je vais zoomer (augmenter ma longueur focale) et/ou me rapprocher du sujet, ce qui va diminuer ma profondeur de champ. Ce n’était pas mon intention ici, mais j’ai quand même pris 2 ou 3 clichés histoire de vous montrer.

Si je veux obtenir un arrière-plan juste légèrement flou, ouvrir à f/2.8 va sans doute être un peu « too much« . On ne distinguera presque plus le paysage, ce qui n’était pas l’idée. Par contre, en fermant un peu mais pas trop, on peut obtenir un arrière-plan reconnaissable. J’ai ici choisi f/5.6 :

Ce n’est pas l’effet que je voulais ici, donc je ne choisirai pas cette image, mais c’est pour insister sur le fait que les ouvertures intermédiaires existent, et ne sont pas là pour rien : elles sont parfois la solution pour faire passer ce que vous voulez avec l’image. Un arrière-plan légèrement flou se découvre après coup, et peut permettre au spectateur d’être un peu surpris, ce qui ajoute toujours de l’intérêt à une image forcément. Mais attention à ce que ce soit un vrai choix, et non pas un accident

Et ça ne concerne pas que l’ouverture

L’idée m’est venue avec l’ouverture, mais à bien y réfléchir ça peut s’appliquer aux autres réglages comme la vitesse d’obturation ou la sensibilité ISO, mais aussi à la longueur focale par exemple : autant je vous déconseille de ne pas bouger du tout et de juste zoomer/dézoomer pour cadrer, autant je vous déconseille également de tomber dans l’extrême inverse et d’utiliser un 18-55mm comme si c’était une double focale fixe de 18mm et 55mm. Le précédent article sur le choix de la distance et de la focale vous aidera à trouver le juste milieu

Et vous, avez-vous tendance à ne choisir que des ouvertures extrêmes ?

Avant de lire cet article, le prérequis indispensable est de (re)lire celui sur les secrets de la perspective, sinon vous n’allez pas suivre

(D’avance pardon pour les photos de cet article, je n’ai pas le temps ni le matériel pour les post-traiter, donc elles manquent terriblement de contraste et de saturation )

En effet, comme vous le savez maintenant que vous l’avez (re)lu, la perspective est influencée par la distance au sujet, et non pas par la longueur focale. Cela dit, si vous voulez un monument en entier, et que vous vous rapprochez, vous allez devoir aller vers le grand-angle (diminuer la focale, dézoomer). A l’inverse, si vous vous éloignez, vous allez devoir aller vers le téléobjectif (augmenter la focale, zoomer).

C’est pourquoi j’aurais pu appeler cet article : comment choisir sa distance au sujet et sa focale ?

En effet, vos photos vont être réellement très différentes selon les choix que vous ferez dans ce domaine. Dans cet article, je vais prendre l’exemple de la photo d’architecture parce que c’est là que c’est le plus évident, et que c’est comme ça que j’ai eu l’idée de cet article. Mais c’est valable dans tous les domaines, peut-être simplement moins courant de le constater.

1. Faire l’image (et les choix) dans votre tête

Je le répète souvent, mais une image se fait d’abord dans la tête. Vous devez savoir à l’avance ce que vous voulez obtenir, voir l’image dans votre tête avant de la capturer avec l’appareil. Evidemment, en débutant vous n’aurez pas une connaissance intuitive suffisante pour le savoir exactement, mais il faut en avoir une idée générale au moins. (Voir à ce sujet les questions à se poser avant de prendre une photo).

Concernant ce sujet (la distance au sujet + la longueur focale), vous avez besoin de savoir 2 choses :

• La perspective que vous souhaitez donner à votre image : voulez-vous renforcer les différences de taille entre les objets, montrer comme quelque chose est grand (= augmenter la perspective), ou au contraire « écraser » les perspectives et avoir un aspect un peu plus « plat » (= diminuer la perspective), ce qui n’est pas forcément négatif, notamment en portrait.
• La partie du sujet que vous voulez voir dans votre image : en entier, un détail, juste une partie (telle tour du château, ou juste le buste de la personne).

Ici, je suis au même endroit, à la même distance du sujet sur les 2 images (mon choix de perspective reste le même), mais je change la partie du sujet que je veux voir (je change donc de focale). L’impression que la perspective est plus importante sur la photo prise au grand-angle est due aux lignes directrices formées par les arbres, qui guident le regard. Mais la perspective dans le sens « taille relative des objets » n’a pas changé.

En général, le 2ème choix est facile : si vous cherchez à représenter un monument dans son entier, vous serez peu enclin à changer d’avis sur ce sujet. Mais l’erreur serait de voir le monument, de rester où vous êtes, et de choisir la longueur focale qu’il faut (zoomer ou dézoomer), de prendre la photo et de partir. Car en fonction de la distance, cette perspective va changer.

Et peut-être que vous auriez eu une bien meilleure photo en faisant 50m en avant, ou en arrière.

Cela dit, j’ai conscience que la perspective est difficile à choisir mentalement. J’arrive à le faire maintenant parce que j’ai à peu près conscience de ce que ça va donner avec l’expérience, mais ce n’est pas facile. Alors si vous ne savez pas choisir, je vous conseille d’essayer plusieurs choses.

2. Expérimentez

Si vous savez que vous voulez un monument dans son entier, essayez de voir ce que ça donne si vous vous rapprochez assez pour qu’il soit entièrement cadré à 18mm, ou au contraire si vous vous éloignez assez pour que ce soit à 50mm. Et arrêtez-vous sur le chemin pour essayer différentes distances (et donc focales, puisque vous voulez garder le même cadrage).

Vous verrez que ça change bien plus que ce que vous pensez ! Parfois vous faites 10m, et le point de vue est bien meilleur !

Sur ces 2 images, je me tiens de plus en plus près du Taj Mahal, et on voit que la perspective (l’impression de grandeur du mausolée) augmente, alors que c’est plus ou moins la même partie qui est cadrée.

C’est une excellente façon d’apprendre comment la perspective fonctionne, et qui ne peut se faire qu’avec un zoom. Mais il faut absolument le faire, car sinon vous allez rapidement être atteint du syndrome-des-gens-avec-un-zoom : vous allez avoir les pieds collés au sol, et prendrez vos photos d’un point de vue aléatoire.

Vous verrez qu’après un moment (pour moi c’est venu en 10 jours de photo d’architecture intensive ), vous allez procéder dans cet ordre :

1. Quelle perspective je souhaite pour représenter ce monument ?
2. → Choix de la distance en conséquence
3. → Choix de la focale pour avoir le monument en entier (ou non)

Avec le temps, vous serez même capable de deviner la focale à utiliser à l’avance, selon la distance et la taille du monument (utile pour changer d’objectif à l’avance si besoin).

Evidemment, il faut aussi comprendre qu’une petite focale (grand-angle), c’est un angle de vue plus grand, donc plus d’éléments dans le cadre, tandis qu’une grande focale (téléobjectif), c’est un angle de vue plus réduit, donc moins d’éléments dans le cadre. Mais c’est une autre histoire

Voilà, je pense que faire cet exercice d’utiliser le changement de focale ET le changement de distance au sujet simultanément vous fera comprendre beaucoup de choses à propos de cette partie de la photographie. C’est très important si vous vous intéressez à l’architecture, mais si vous êtes plutôt portraitiste comme moi, vous comprendrez ainsi pourquoi les focales dites « idéales » sont autour de 85-135mm (équivalent 24x36mm).

Alors faites l’exercice ! Sortez de chez vous maintenant avec un petit zoom type 18-55mm, choisissez un bâtiment au hasard (votre mairie, votre maison, …), et essayez plusieurs couples focale/distance. Vous allez voir, c’est saisissant !

N’hésitez pas à raconter votre expérience en commentaire

(Si vous ne connaissez pas Dimanche Critique Photo, je vous invite à lire l’article dans lequel je présente l’opération).

Comme on pouvait s’y attendre, j’ai eu beaucoup de photos de paysages, puisqu’on pouvait penser à notre belle planète Terre. J’ai eu d’excellentes photos de paysage, et certaines plus communes sans être mauvaises. C’est pour cela que je reviendrai rapidement sur le sujet plus bas dans l’article.

Mais pour les impatients, le thème du mois suivant : « invitation au voyage« . Oui, c’est en partie lié à ce que je vis en ce moment même ^^ Vos photos n’auront pas à être des photos de voyage forcément, je laisse libre cours à votre imagination là-dessus. Une simple route peut déjà être une invitation au voyage

Exceptionnellement, vous aurez 2 mois pour ce thème. En effet, j’ai passé trèèèès longtemps au cybercafé ici pour charger toutes les photos que vous avez proposées, et ça a été un peu compliqué pour moi. Je préfère donc vous laisser plus de temps cette fois-ci, et profiter d’un réseau français pour regarder vos images la prochaine fois (car dans 2 mois, je serai rentré si tout va bien !). Vous avez donc jusqu’au 31 mars pour poster vos images sur le groupe Flickr.

Les photos du mois

Comme le veut la tradition, commençons donc par les meilleures photos du mois.

Copyright Yvan Fornes

Tout d’abord cette magnifique photo d’un paysage enneigé. Très réussi, absolument rien à redire ! L’exposition est très bien gérée (et ce n’est pas facile pour un paysage enneigé et ensoleillé). La composition est équilibrée, laisse de la place au ciel, inclus le village comme un premier plan, bref c’est une excellente photo de paysage.

Copyright Alcaline75

Une autre photo qui fonctionne très bien d’un magnifique paysage d’Argentine. A première vue, j’aurais dit qu’elle manquait singulièrement de premier plan, mais en réalité ce massif d’un orange très vif suffit, car il prend beaucoup de « poids » dans l’image de part sa couleur. Les autres massifs derrière forment suffisamment de plans différents pour donner de la profondeur à l’image.

Dans beaucoup de vos paysages, ça manque encore de profondeur : pas de vrai premier plan ou d’arrière-plan, et c’est bien dommage. Donc pensez-y, c’est vraiment important. Je sais que ce n’est pas facile (je fais beaucoup de paysages en ce moment), mais battez-vous pour trouver un premier plan.

Deuxième erreur commune : des couleurs un peu fades. Je vous rebats les oreilles quant à l’importance du post-traitement, mais ce n’est pas pour rien. En paysage, vous devez augmenter le contraste la plupart du temps (surtout si c’est en plein jour et pas aux [golden hours]), mais aussi la saturation. Votre appareil donnant en général quelque chose de moins saturé que ce que voit l’œil, vos paysages paraitront réellement fades si vous ne le faites pas !

Copyright MagiqueID

Enfin, cette photo change un peu des autres en choisissant une compréhension du sujet au pied de la lettre, avec une approche assez studio, avec ce fond noir et un éclairage apparemment contrôlé. La composition fonctionne, avec ce choix de cadrage serré qui dénote un peu par rapport à ce qu’on pourrait s’attendre à voir : le globe terrestre en entier, tout bête. Ça permet vraiment de voir un peu mieux la lumière sur le globe, et de mieux rentrer dans le sujet. Le plus souvent, vous rapprocher de votre sujet (en bougeant et/ou en zoomant) pour se concentrer sur un détail peut donner des photos inattendues.

La critique du mois

Canon EOS 450D, 50mm f/1.8 : priorité à l'ouverture, f/2.2, 1/800ème, ISO 800 (cliquez sur l'image pour voir en grand sur Flickr)

Pour être honnête, j’allais presque inclure cette image dans les photos du mois, parce qu’elle reste très bonne à mon sens, mais un ou deux détails m’ont titillé.

Points forts :

• L’idée générale de composition : C’est-à-dire le fait de s’abaisser, d’isoler une seule feuille morte (je suis sûr qu’il y en avait plus), d’en choisir une coincée entre 2 planches (ou de la placer là), d’utiliser cette ligne pour guider l’œil vers le sujet. C’est une bonne idée de photo, probablement à moitié prévue d’avance et à moitié découverte en se déplaçant autour du sujet pour chercher la meilleure composition. On sent que ce n’est pas fait au hasard.
• L’utilisation d’une faible profondeur de champ : Elle renforce encore cette impression d’entrer dans l’image. La grande ouverture est importante pour avoir cet effet, mais aussi le placement au ras du sol : en effet, en prenant de dessus, tout aurait été sur un même plan, et même à pleine ouverture, tout aurait été net.
• L’exposition choisie : Un peu sous-exposé par rapport à la normale je dirais, ce qui correspond bien à l’atmosphère automnale.
• Le contraste et la saturation des couleurs : Juste ce qu’il faut, mais pas trop. Rien à dire là-dessus

Points faibles :

• Manque de rigueur dans le centrage de la composition : Le choix d’une composition centrée est clair à première vue. Sauf qu’en y regardant de plus près, la ligne centrale n’est pas… tout à fait centrale. Et c’est bien dommage. Parce que quand on centre, il faut le faire complètement. J’ai bien conscience que ce n’est pas facile quand on shoote au ras du sol d’avoir la composition parfaite. Mais pas impossible
• Un arrière-plan… presque parfait : Bon, je pinaille un peu, mais j’aurais aimé un arrière-plan plus homogène si possible. En particulier le point orange en haut à gauche (une autre feuille morte sans doute), qui aurait gagné à être absent
• Des paramètres… exotiques : Les ISO 800 m’intriguent un peu quand on voit la vitesse d’obturation de 1/800ème. C’est probablement un oubli, car il n’était pas nécessaire de monter autant. A ISO 100 et 1/100ème, voire ISO 200 et 1/200ème, c’était plus que suffisant !

L’image reste quand même bonne, mais j’ai voulu montrer comment il est presque toujours possible d’améliorer ses images, même un peu.

Rendez-vous début avril pour découvrir vos images sur le thème de l’invitation au voyage…

Après la lecture d’un certain nombre de tests, et quelques essais au Salon de la Photo, je m’étais décidé pour le Skyborne de chez Vanguard, qui me semblait LE modèle idéal, pour mes besoins. Parce que oui, évidemment, tout dépend de vos besoins, comme toujours ;) (ça me rappelle un certain guide )

Le Skyborne est apparemment conçu pour la randonnée au départ, et il est bien rembourré de partout, ce qui permet de porter pas mal de matériel sans avoir mal au dos. Alors justement, ça en fait un sac idéal pour le voyage : le sac photo, c’est celui que vous allez emmener partout avec vous, et donc vous avez besoin de confort. Là-dessus, la gamme est parfaite, et on peut marcher confortablement avec un sac assez lourd sans ressentir un gros mal de dos.

Je dis la gamme, car le Skyborne existe en plusieurs modèles, selon la taille et la compartimentation du sac. Je m’explique : en gros, il y a 2 modèles, le 45 et le 48, qui ont une poche qui s’ouvre par l’avant spécialement pour mettre l’ordinateur, des stylos, et quelques autres choses. Et 2 poches qui s’ouvrent par l’arrière : celle du bas, contre les reins, contient le matériel photo.

Les autres modèles (49, 51 et 53) ont un grand compartiment qui s’ouvre par le devant, entièrement consacré au matériel, et une poche qui s’ouvre sur l’arrière, plus fine, qui peut notamment accueillir un ordinateur portable.

Les modèles 45 et 49 rentrent en cabine d’avion. Je craignais un peu vu les dimensions annoncées du sac et celles de ma compagnie, mais en tout cas le 45 rentre très bien, même blindé d’équipement.

En ce qui concerne le prix et la qualité, c’est clairement du haut de gamme, puisque le 45 coûte environ 120€, et que le prix double voire plus pour les très gros sacs. Cela dit, pour protéger du matériel qui vaut plusieurs centaines/milliers d’euros dans des conditions aussi risquées qu’un voyage dans un pays lointain, ça me paraît faire sens.

J’ai donc choisi le modèle Skyborne 45 sur 2 critères :

• je voulais un modèle avec 2 compartiments séparés, ce qui est bien plus pratique pour le voyage
• la capacité : je voulais que ça rentre en cabine, et aussi ne pas avoir un sac trop énorme en plus de mon gros sac à dos servant aux affaires persos.

Le reste de l’article portera donc sur le Skyborne 45, mais la plupart de ce que je vais dire sera valable pour l’ensemble de la gamme.

Le Vanguard Skyborne 45

Aspect général et ergonomie

Comme vous pouvez le voir, le modèle est très sobre, d’un dégradé de gris foncé assez neutre qui permettra de rester relativement discret (toujours utile dans des pays ou le contenu de votre sac vaut le revenu annuel moyen ^^). Relativement, car malgré sa position de Joe Dalton dans la gamme , le 45 reste quand même assez volumineux, ce que vous pouvez facilement voir sur la photo ci-dessous.

(Oui, c'est pris dans ma modeste chambre d’hôtel )

Il pèse 2,3 kg, mais ça se justifie par la grande impression de solidité qu’il donne : rembourré de partout comme je l’ai dit, avec des matières et des coutures de haute qualité et un grand confort. Je comprends son poids !

D’autant plus qu’en termes d’ergonomie, les ingénieurs de chez Vanguard ont tapé fort :

• Une ceinture lombaire qui vous permettra de mieux répartir le poids si vous avez emmené du matériel lourd.
• Des fermetures zip très solides et faciles à ouvrir
• Des clips partout pour protéger ces fermetures d’une ouverture facile par quelqu’un d’autre (dans un métro bondé par exemple)
• Un système de fixation du trépied à l’extérieur du sac très intelligent. Il faut le trouver au début, mais franchement ça m’épate (même si pour le moment je n’en ai pas l’utilité, n’ayant emmené qu’un trépied de voyage)
• Une poche en néoprène (donc élastique ET solide), typiquement pour la bouteille d’eau, absolument indispensable en voyage comme en randonnée.
• Une couverture pour la pluie
• Une étiquette de bagage, qui a quand même plus de gueule que l’étiquette SNCF (no offense)

En sortant ceci du sac, vous pourrez caler les pieds de votre trépied dedans.

Et de l'autre cote, la couverture pour la pluie.

Et encore, ça ce n’est que pour l’extérieur, car pour le détail des différents compartiments, vous allez voir qu’il y en a encore !

Le compartiment photo

C’est évidemment celui qui nous intéresse le plus. Comme je l’ai dit plus haut, ce compartiment s’ouvre dans le bas du dos, par l’arrière. Des séparations sont fournies et permettent d’organiser ça comme vous voulez.

(Toutes les photos que je vous montre ont été faites telles quelles, dans l’état dans lequel je transporte le sac.)

Le compartiment photo

Comme vous pouvez le voir, ce compartiment peut donc accueillir sans souci :

• un boîtier reflex + son objectif. Je pense que ça passe jusqu’à un 5D MkII + 24-70 f/2.8, mais je n’ai testé qu’avec un 550D + Tamron 17-50, non visibles puisque servant à prendre la photo.
  Un gros reflex + gros téléobjectif type 70-200mm ça passe aussi, mais dans ce cas il faut enlever un objectif supplémentaire.
• 3 objectifs supplémentaires au moins, 4 au grand maximum, 2 si ce sont de gros objectifs. Ici un Tokina 11-16mm f/2.8 (imposant avec son diamètre de filtre de 77mm !), un Canon 55-250mm et un 50mm f/1.8 (une autre focale fixe de taille modeste serait passée sans problème).
• Un sachet de Silica Gel

Elément d’ergonomie sans doute le plus utile du sac : ce compartiment s’ouvre aussi par le côté ! Vous pouvez donc basculer votre sac sur l’épaule gauche, sortir votre appareil et déclencher assez rapidement. C’est vraiment très pratique !

L'ouverture latérale

Vous allez me dire que si vous pouvez l’ouvrir facilement, n’importe qui peut le faire. Et bien en fait, il y a une petite astuce qui permet de tenir mieux cette fermeture éclair en place : un petit rabat aimanté qui empêche de tirer d’un coup sec dessus. Ingénieux, franchement il fallait y penser !

Cela dit, je constate ici l’un des seuls défauts que je vois au sac, et en tout cas le seul qui me gêne un peu au quotidien : j’aurais aimé que le contour de cette ouverture soit plus rigide, car il a tendance à se déformer, ce qui rend son ouverture plus difficile. Ce n’est vraiment pas grand chose, mais parfois ça me gêne.

Une ouverture très pratique !

Bref, dans cette ouverture, vous pouvez caser tout ce qui est petit et donc vous pouvez avoir besoin rapidement :

• des cartes mémoires, dans un petit compartiment prévu à cet effet (c’est comme le Port Salut, c’est marqué dessus)
• une batterie supplémentaire dans un autre petit compartiment (pouvoir accéder à votre batterie de secours quand la vôtre vous lâche au plus mauvais moment, c’est toujours utile !)
• et des choses utiles dans un compartiment plus grand, comme une télécommande, un chiffon micro-fibre ou un lenspen.

Ce dernier compartiment s’ouvre aussi de l’extérieur pour un accès encore plus facile ! Ca m’a bien servi quand le père de la mariée a décidé de me couvrir littéralement de poudre colorée à un mariage hindou, et que mon appareil avait de la jolie poudre rose dans un ou deux endroits

Le compartiment fourre-tout

C’est celui au-dessus du compartiment photo, qui s’ouvre donc lui aussi dans le dos. C’est un grand compartiment sans séparations, et avec 2 filets. Il est typiquement conçu pour mettre tout ce dont vous aurez besoin souvent. Je vous montre ici une photo telle quelle, avec :

• mon guide de voyage
• une casquette (on dépasse tranquillement le 25/30°C la journée ici, détestez-moi )
• une pashmina (il fait froid le soir par contre)
• des choses utiles genre lampe de poche, couteau suisse
• une Polaroïd Pogo pour imprimer des photos et les offrir (merci à Madame Oreille pour l’idée ! )

Le compartiment fourre-tout

Vous pouvez évidemment y mettre des tas d’autres choses, et notamment de la nourriture.

Le compartiment de l’ordinateur

Situé devant et prenant toute la hauteur du sac, ce compartiment est principalement conçu pour accueillir un ordinateur portable. Une pochette spéciale est fournie, qui peut contenir un ordinateur jusqu’à 12 pouces (plus grand pour les autres modèles de Skyborne). Je ne l’ai pas prise avec moi, car mon netbook fait 9 pouces

C’était absolument indispensable pour moi, et c’est un critère qui a compté dans le choix de mon sac. Car évidemment, je n’allais pas laisser le blog pendant 2 mois et demi ^^

La poche avant pour l'ordinateur

Comme vous pouvez le voir, il y a quelques petits compartiments bien pratiques pour y mettre un disque dur de voyage (pour transférer vos photos au fur et à mesure plutôt que d’emmener 150 cartes mémoires), des stylos, une clé USB, etc.

Personnellement, en journée, j’utilise aussi ce compartiment pour y glisser mon trépied de voyage (bien qu’il ne m’ait pas encore servi).

Conclusion

C’est donc véritablement un excellent produit que nous propose Vanguard avec ce sac, et je dirais même cette gamme. Très solide, ergonomique, c’est mon compagnon permanent de voyage (je ne pense pas être sorti sans pour le moment), et c’est le meilleur signe que je ne regrette absolument pas mon investissement.

Points forts :

• Très solide
  Vous n’aurez pas peur une seconde pour votre matériel.
• Confortable
  Vous n’aurez pas (ou peu ) mal au dos après une journée de marche, de visite, etc.
• Ergonomie quasi parfaite
  Vous vous sentirez à l’aise dès le début et utiliserez le sac de façon intuitive.
• Bien fermé
  Vous n’aurez pas peur à chaque instant qu’on puisse vous voler votre matériel.
• Complet
  Vous n’aurez vraiment pas besoin d’emmener quoique ce soit d’autre avec vous chaque jour.

Points faibles :

• Un peu lourd et encombrant. Mais je trouve ça très très correct vu la solidité et le confort de la bête.
• Le petit défaut de la poche de côté qui se déforme et se ferme mal après un moment, mais pas franchement de quoi fouetter un chat.

Donc voilà, à mon sens c’est un quasi sans-faute en ce qui concerne mes besoins en sac photo. Evidemment, si vous recherchez quelque chose pour emmener votre reflex + 1 objectif et quelques accessoires pour une virée en ville de 3 heures, ce sac n’est vraiment pas fait pour vous. A vous de voir s’il correspond bien à vos besoins !

N’hésitez pas à me poser des questions en commentaire, j’essaierai d’y répondre à la faveur de mon accès à internet

Avant tout, l’histoire de cet article est assez pittoresque, alors il faut que je vous dise comment m’en est venue l’idée. Comme vous le savez peut-être, je suis en ce moment en Inde pour un long voyage de 2 mois et demi. Un voyage à la rencontre d’une autre culture, et pas seulement du tourisme à faire des photos de « moi en face de » Je suis couchsurfer, et en arrivant à New Delhi j’ai donc logé chez 2 gars absolument adorables. Des amis étaient chez eux quand je suis arrivé, dont une indienne architecte et prof en architecture. Elle devait donner un cours sur l’analyse d’une photo à des étudiants en archi qui avaient pris cette option (bien leur en a pris ! ). Seulement voilà, Saacheet (c’est son nom), n’avait pas tellement de notions de photo ^^

J’étais donc candidat tout désigné pour lui filer un coup de main, et contre toute attente elle m’a carrément proposé de venir avec elle pour faire le cours. Evidemment, comme j’aime l’inattendu, j’ai accepté J’étais censé faire un rapide tour des bases de la photo, et ensuite aborder l’aspect critique. Et puis finalement, ma bavardise aidant malgré mon anglais un peu hésitant, j’ai passé plus d’une heure à improviser au tableau noir sur le triangle de l’exposition et la composition, devant 40 élèves plus jeunes que moi de 3 ou 4 ans, et qui me donnaient du « sir » Je dois dire que ça restera mémorable

Bref, j’étais frustré de ne pas avoir pu parler de l’analyse d’une image, alors il fallait que ça sorte ^^ Voici donc plus ou moins le cours qu’auraient dû avoir une quarantaine de jeunes indiens !

Introduction et annonce du plan

(:P Promis, je ne vous la ferai pas comme un cours magistral XD)

Plus sérieusement, je vais faire une division un peu artificielle entre la partie critique technique, plus facile, et la critique dite »artistique », déjà beaucoup plus subjective. Artificielle, puisque la technique est au service de l’artistique. Mais en gros, vous pouvez facilement parier qu’un paysage tout bête ou la profondeur de champ n’est pas maximale, ce n’est pas forcément volontaire.

Cela dit, le plus important c’est de savoir pourquoi on prend la photo. Si c’est celle de quelqu’un d’autre qu’on analyse, on ne peut pas le savoir, mais si on ne le devine pas, c’est mauvais signe. A ce sujet, je vous invite à relire l’article sur les [questions à se poser avant de prendre une photo], je pense que ce sera intéressant en lien avec celui-ci.

De plus, les opinions vont évidemment différer selon les personnes. Ce qui ne veut pas dire que ça ne vaut pas la peine de donner la vôtre, ou qu’une est meilleure qu’une autre. Cela dit, si vous critiquez la photo de quelqu’un, tâchez d’y aller doucement : si la personne se vexe, ça ne mènera de toute façon à rien, or vous critiquez pour l’aider non ? (ça marche aussi avec vous-même d’ailleurs).

Donc commencez toujours par les points positifs, et essayez plutôt de dire « j’aurais plutôt fait comme ça » que « ça c’est mal« .

Aspects techniques

Attention : tout ce que je vais dire là peut être contredit par l’intention du photographe. Quelque chose qu’on juge habituellement comme un défaut peut être voulu. Donc si je dis « si ya du flou de bougé c’est mal », ça peut ne pas être le cas si c’était volontaire pour une raison ou une autre (il faut pouvoir le justifier, c’est tout ).

Par ailleurs, pour analyser les aspects techniques, c’est toujours mieux de connaître les [données EXIF], qui vous permettent souvent de savoir certaines choses intéressantes (et même le [mode créatif] ou non utilisé par le photographe).

Sensibilité ISO

D’une manière générale, il vaut mieux garder les ISO le plus bas possible, sous peine d’avoir du bruit dans l’image. Ca vaut toujours la peine de vérifier les ISO, parce qu’on peut parfois oublier de les changer après une situation de basse lumière. Si vous utilisez 1600 ISO en plein jour, c’est probablement un peu trop

Ouverture

Comme vous le savez maintenant, l’ouverture a une influence sur la [profondeur de champ]. Donc si vous faites un paysage avec un premier plan et un arrière-plan, il est probable que f/2.8 sera une trop grande ouverture Bref ici, on va surtout regarder si l’ouverture correspond à la profondeur de champ qu’on veut dans la situation. Si les réglages choisis sont un peu « exotiques », il peut y avoir une bonne raison. Par exemple, vous faites un portrait à f/8 histoire qu’on voie bien l’arrière-plan qui est intéressant (j’ai fait ça aujourd’hui même car l’arrière-plan, c’était le Taj Mahal ), ou alors vous faites un paysage à f/2.8 car il fait sombre, vous n’avez pas de trépied, et vous faites de toute façon la mise au point sur l’infini.

Le tout est de pointer les défauts si nécessaire, ou en tout cas de se demander pourquoi.

Netteté

En parlant de flou de profondeur de champ, une image doit généralement avoir un point de netteté, même si la majorité est perdue dans le bokeh. Et la partie nette ne doit évidemment pas être choisie au hasard, car c’est sur elle que se portera toute l’attention du spectateur (voir à ce sujet l’article sur les [éléments qui attirent l'œil dans une photo]). Parfois, prêter attention à ça peut révéler un problème dans votre mise au point (relisez les [secrets de l'autofocus], ça peut vous servir ), ou alors un flou de bougé dû à une vitesse d’obturation insuffisante (voir ci-dessous).

Il n’est bien entendu pas interdit de prendre une photo entièrement floue, mais il faut savoir pourquoi.

Vitesse d’obturation

Il y a des tas de choses qui vont influencer la vitesse choisie par vous, ou par l’appareil (en mode priorité ouverture par exemple). En premier lieu, tout dépend si vous avez envie de figer un mouvement rapide ou au contraire de créer des flous de sujet. Cela dit, vous serez limité par les conditions : si vous n’avez pas de trépied vous ne pourrez pas utiliser de vitesse vraiment lente. On y pense moins, mais c’est complexe de faire une vitesse lente en plein jour, même avec une faible ouverture, sans sur-exposer l’image (vive les filtres ND, mais c’est une autre histoire ).

Enfin, parfois c’est peu important. Par exemple, si je shoote un paysage de jour, je vais me mettre en priorité ouverture de façon à avoir une profondeur de champ qui couvre toute l’image (f/11 par exemple), et je vais laisser l’appareil se charger de décider la vitesse d’obturation, tout en surveillant s’il ne la descend pas trop. Si le résultat ne rend pas l’exposition que je souhaite, je peux avantageusement utiliser un [mode de mesure de l'exposition] différent, ou encore la [correction d'exposition].

Longueur focale

Même si ce n’est pas la longueur focale qui influence directement l’effet de la perspective, mais la distance au sujet, certaines longueurs focales sont plus appropriées à certains types de photos. Par exemple, si vous shootez un portrait à l’ultra grand-angle, vous aurez le choix entre :

• un sujet cadré serré mais très déformé (puisqu’il aura fallu se rapprocher pour cadrer serré)
• un sujet non déformé mais très petit dans l’image

C’est un exemple extrême bien sûr, mais je pense qu’on ne choisit pas assez consciemment la longueur focale, en particulier en utilisant un zoom (hop, je reste sur place et je zoome pour cadrer). A mon avis, la bonne méthode est de choisir en premier la perspective qu’on souhaite dans l’image (par exemple se mettre très près pour rendre l’immensité d’un monument, ou au contraire à une distance raisonnable pour ne pas trop déformer un visage), et ensuite de choisir sa focale pour avoir le cadrage qu’on souhaite (respectivement un ultra grand-angle pour avoir le monument dans son ensemble, et un petit téléobjectif pour cadrer suffisamment serré).

Aspects « artistiques »

On va ici plutôt se concentrer sur les aspects de composition, et des choses encore plus « abstraites » comme le sujet, sa force, ou ce que le photographe essaye de faire passer comme message.

Le sujet, ou l’idée

Comme je l’ai dit plus haut, le pourquoi de la photo est sans doute la chose la plus importante. Dans l’idéal, vous devez avoir un vrai sujet et quelque chose à faire passer avec votre image. Vous avez tout à fait le droit de vouloir photographier une fleur parce qu’elle est jolie, mais ne vous attendez pas à ce que votre image soit forte si vous vous limitez à ça. Cela dit, même pour ce genre de photo toute simple, vous pouvez toujours aller plus loin, en vous demandant par exemple pourquoi exactement vous la trouvez jolie, et en mettant cet aspect en valeur.

Si vous travaillez plutôt sur une idée que vous voulez faire passer à travers une photo, faites en sorte qu’elle soit précise et qu’on la comprenne. Si le spectateur ne la comprend pas, c’est en général que vous avez échoué à faire passer votre message.

Parfois, même si le sujet et/ou l’idée sont clairs, c’est la réalisation technique de l’image qui va pécher, et donc gâcher votre belle idée. C’est ce dont on a parlé précédemment.

L’arrière-plan et les éléments gênants

D’une manière générale, l’arrière-plan est là pour supporter le sujet, pas pour lui voler la vedette. Le regard peut circuler de l’un à l’autre, mais le sujet doit rester évident. C’est pourquoi on utilise dans certaines situations une faible profondeur de champ.

De plus, vous êtes responsable de tout ce qui est dans le cadre. Donc cette branche qui dépasse du coin du cadre et qui gêne la vue, c’est de la faute du photographe. Vérifiez donc bien qu’il n’y a pas d’éléments gênants dans l’image.

La composition

J’ai déjà pas mal écrit à ce sujet, et entre la [règle des tiers] et l’article sur les [relations dessin/photo] de la semaine dernière, vous devriez être servis !

Une des erreurs les plus communes est évidemment de placer le sujet au beau milieu, sans raison particulière comme la mise en valeur d’une certaine symétrie. Encore une fois, centrer une image n’est pas mal, il faut juste savoir pourquoi on le fait.

Il y a aussi des choses plus complexes et plus intuitives, comme la balance dans une image par exemple, c’est-à-dire le « poids » des différents éléments. Roy vous l’a très bien expliqué dans son article sur le dessin, je vous laisse donc le lire ou le relire.

On peut aussi penser à la pose du modèle en portrait, qui doit correspondre à une émotion que vous voulez faire passer, et ne pas être simplement la première que vous avez trouvée par hasard.

La lumière et l’exposition

La lumière présente, sa mise en valeur, l’utilisation de lumière artificielle ou non (et comment) sont à considérer. Même si on a déjà vu les différents paramètres de l’exposition, il faut répéter que [l'exposition parfaite n'existe pas] : une image presque complètement noire peut être bien exposée, il suffit que ce soit voulu et que ça crée un effet intéressant.

Bref, on pourrait continuer longtemps car il y a une infinité de choses à regarder pour analyser une image, mais celles-ci sont les principales à retenir, et vous aideront à critiquer de façon constructive et relativement complète vos images comme celles des autres.

Exercice final : choisissez une de vos images, et critiquez-la sur ces différents points en commentaire !

Je m’appelle Roy Pallas, je suis l’auteur du blog “le dessin”, dans lequel je partage mon expérience et mes conseils de motivation. Étant donné que la photographie a puisé dans les arts antérieurs pour créer ses codes, il semble évident qu’apprendre (un peu) à connaitre la peinture et le dessin ne peut qu’être profitable aux amateurs d’images instantanées. Pour cette intervention sur le blog de Laurent, j’ai décidé de partager avec vous quelques principes de compositions utilisés en dessin.

La nature, cet artiste…

La nature est d’une richesse infinie en contours et en espaces. Les formes que l’on peut observer dans la nature sont la base de l’approche illustrative et créative d’Andrew Loomis. Ce dernier est un fameux illustrateur qui a rédigé des ouvrages très pédagogiques sur l’apprentissage du dessin dont vous verrez quelques extraits dans cet article.

(Note de Laurent : ouvrage tombé dans le domaine public )

Si vous examinez un paysage, vous verrez que les formes se croisent, se suivent, se chevauchent… Cadrer cet espace (avec un appareil photo par exemple) permet de révéler cette harmonie des lignes qui composent l’environnement.

Un petit exercice simple à réaliser pour apprendre à repérer ces courbes est de les tracer sur vos images. De cette manière vous aiguiserez votre œil et aurez un sens de l’observation plus précis.

Vous pouvez aussi rechercher dans le paysage des éléments qui ressemblent à des lettres alphabétiques ou à d’autres symboles pour rendre vos compositions plus organisées.

La recherche de l’équilibre

Pour qu’une image soit agréable à l’œil, elle a besoin d’équilibre. Le souci c’est d’obtenir cette harmonie sans avoir recours à des axes de symétrie rigides et purement géométriques. Donc comment obtenir une image qui semble équilibrée avec des courbes par exemple ? Je dois vous dire que l’équilibre est en fait affaire de jugement relatif. Il ne tient qu’à nous de décider si on doit déplacer une forme, la placer dans un espace moins contraint, plus aéré ou si elle doit chevaucher un autre élément dans l’image… Néanmoins il y a certaines règles que l’on applique dans un dessin qui peuvent servir à faire des clichés harmonieux.

Une qui a son importance, c’est de ne pas avoir deux éléments identiques sur le même plan (préférez plutôt un nombre impair) qui se chevauchent ou qui soient juxtaposés. Si vous avez deux éléments identiques, essayez dans la majeure partie des cas, de les disposer dans chaque coin de l’image.

Entre deux formes de hauteur et de largeur différentes, on veille à bien laisser l’espace entre les deux en aérant le centre de l’image. La ligne médiane de l’image est comme le point d’équilibre d’une balance et chaque forme doit être disposée de part et d’autre de cette dernière.

Attention tout de même à ne pas tomber dans ce piège…

Si vous utilisez une perspective géométrique, vous pouvez mettre un personnage à «la place d’honneur», c’est-à-dire le point de convergence des lignes fuyantes. Se faisant, c’est un peu comme si tout le paysage convergeait vers lui. Du coup, il occupera toute l’attention. Mais par contre veillez à ne pas commettre cette erreur qui est de placer le point de fuite et le personnage en plein milieu de votre image. Comme l’a expliqué votre rédacteur régulier Laurent (note : dans l’article sur la règle des tiers par exemple), une photographie symétrique est ennuyeuse, il en est de même dans un dessin. Préférez utiliser une des dispositions ci-dessous à la place.

Comment circule le regard dans une image

C’est tout l’enjeu de la photographie, de la peinture et du dessin. Autant dire que le cheminement du regard dans une image est important. Et pour cause ! Le chemin que prendra le regard du spectateur déterminera pour beaucoup comment il va s’approprier votre image et comprendre (ou non) ce que vous voulez faire passer à travers elle.

Dans une bonne composition, l’œil doit pouvoir faire un cheminement précis entre les éléments de l’image. Dans celle-ci par exemple, le personnage se trouve à l’extérieur, sur une plateforme sans relief, du coup l’image est très aérée et les lignes de construction sont très visibles. Néanmoins on peut aussi rendre cette image moins monotone en y ajoutant des « obstacles au regard », des zones de hors-champ.

En général, le regard entre dans une image par le premier plan (donc par le bas) et ressort par l’arrière plan. Mais ici, les buissons constituent des obstacles au regard. L’œil suit le chemin jusqu’au personnage et au moment où il s’apprête à sortir de l’image. Hop ! Une branche avec des feuilles lui fait faire demi-tour pour revenir une fois de plus vers la zone de la maison avant de sortir par le haut.

Sur ce dernier exemple, l’œil rentre toujours par le bas. Il arrive sur le bateau. Il fait un détour vers le petit ponton ou alors s’arrête sur les montagnes. Il continue son ascension, fait une observation des oiseaux puis sort de l’image. Vous remarquez que le sujet principal (le personnage et sa barque) est le centre d’attention pendant un petit instant. Cette attention est ensuite reportée sur les reliefs du paysage en arrière plan. En même temps que ceux-ci poussent le regard à sortir par l’espace ouvert, ils succèdent au premier sujet de la photographie (la petite barque). Les zones importantes de l’image se succèdent grâce à l’enchainement des différents plans.

Des exceptions sinon ce serait ennuyant !

La règle de la sortie du regard par le haut n’est pas toujours vraie. Il y a des exceptions et en voici une en peinture.

La dentelière de Vermeer.

Pourquoi Vermeer ? Les spécialistes s’accordent à dire qu’il utilisait une chambre noire pour peindre ses sujets. C’est donc un artiste qui a un rapport direct avec le procédé photographique pour composer ses tableaux. C’est aussi un peintre que j’aime particulièrement. Il n’a pas produit énormément de tableaux de son vivant et sa vie est à l’image de ses toiles : énigmatique.

Vermeer a peint quelques vues de Delft mais la majorité de ses sujets sont des scènes d’intérieurs. Un environnement clos, avec très peu d’éléments habilement placés pour orienter le regard du spectateur. Et ce, tout en donnant une impression de concentration qui émane de cette femme en plein travail. Démonstration.

L’œil entre par le premier plan du tableau (au passage vous pourrez remarquer l’imprécision du geste utilisé pour rendre les filaments du coussin), il remonte le long du bras de la jeune femme, passe par le coin de son visage pour finir par arriver aux mains qui tiennent le fil. Comme éventuelle porte de sortie, Vermeer a utilisé le bout de la table de travail et la fait descendre jusqu’en bas du tableau. Notez la précision avec laquelle le fil à été peint contrairement à l’environnement.

Voilà, j’ai fait un tour des notions les plus importantes et des plus simples à retenir en ce qui concerne la composition d’une image. Je ne vous cache pas qu’il y a encore beaucoup de choses à dire sur le rapport entre la photographie et les arts picturaux/graphiques.

Proust a dit une chose que j’aime beaucoup, “Le seul véritable voyage n’est pas d’aller vers d’autres paysages, mais d’avoir d’autres yeux.” J’espère donc que le périple que je vous ai proposé à travers mes domaines de prédilection vous a plu et vous apporte un nouveau regard pour vos futurs clichés.

Un peu de définitions

Avant d’entrer vraiment dans la technique, désolé d’en passer par là, je suis obligé de vous donner deux définitions pour savoir de quoi on parle.

Qu’est-ce qu’un panorama ?

Au sens large (sans jeu de mot), un panorama est une vue sur un vaste paysage. Une autre définition, bien plus précise celle-ci car empruntée à l’Académie Française (accrochez-vous quand même car ça ne rigole pas !) : « un panorama est un grand tableau circulaire et continu, disposé de manière que le spectateur placé au centre voit les objets représentés, comme si, placé sur une hauteur, il découvrait tout l’horizon dont il serait environné. » Ça va toujours ?

Qu’est-ce qu’une photo panoramique ?

Du point de vue du spectateur : malgré son aspect très encyclopédique, cette dernière définition est la base de la notion de photographie panoramique. Avez-vous déjà observé une grande photo panoramique dans une exposition ?  J’ai eu cette chance lors du dernier festival de photo nature et animalière de Montier-en-Der et c’est exactement ce que j’ai ressenti : placé au centre de la photo, je découvrais tout l’horizon devant moi, un véritable panorama.

Du point de vue du photographe : c’est l’assemblage de plusieurs photos entre elles. Ainsi, c’est le rapport longueur/largeur qui va déterminer le format d’une image. Un célèbre format est celui des cartes postales : il est de 3/2, dit en centimètres, ça donne une image de 10 cm x 15 cm. Une photo panoramique, on y arrive, n’a pas du tout le même rapport longueur par largeur :  il est de 1/2, 1/3, ou plus. Quand la longueur mesure 1 cm, la largeur fait elle 2 cm, 3 cm ou plus. C’est donc un format d’image allongé. On peut même aller vers des rapports comme 1/7 qui donnent des photos tout en longueur, typiques des photographies en 360° degrés.

Le numérique a mis un sacré bazar dans ces histoires de formats d’images avec l’apparition de nouveaux supports. Par contre, il a énormément facilité le travail des photographes dans la création photographique, la photo panoramique en est le meilleur exemple. Tout photographe n’est plus limité comme il l’était au temps de l’argentique !

Pour résumer cette intro qui n’est peut-être pas très digeste mais nécessaire : une photo est panoramique quand elle est plus large que longue ou allongée … c’est vrai que sans les chiffres c’est bien plus simple ! Vous avez maintenant bien mérité de lire la suite .

Que prendre en photo panoramique ?

Commençons par une règle fondamentale : une photo panoramique sert à mettre en valeur un sujet. Ne faites pas de panoramique juste pour créer une image allongée, c’est à la portée de tous. Non, pour se démarquer du commun des photographes, je le répète, le format panoramique a pour seul objectif de sublimer un élément particulier de l’horizon. Alors quoi ?

Voyons quelques exemples :

• un arbre isolé
• un phare sur la mer
• une immeuble particulier
• un coucher / lever soleil (attention, c’est difficile)
• une maison de campagne
• un grand mammifère, …

Comme toujours en photographie, votre imagination sera votre limite … et aussi ce que vous avez devant les yeux ! Je rappelle  qu’une photo panoramique est la prise d’un vaste paysage. D’accord pour l’arbre isolé mais en ayant beaucoup, beaucoup d’horizon en face de vous.

Une astuce pour bénéficier de conditions optimales, est de se mettre en hauteur. N’allez pas jusqu’à grimper au sommet d’un arbre avec appareil, objectifs et trépieds. Souvent, se placer juste sur un rocher, sur un poteau voire sur le toit de votre voiture (!) vous fera accéder à point de vue que 99 % des personnes ne voient pas. Fidèles lecteurs de ce blog, Laurent répète souvent de se mettre à ras de terre en pleine ville pour changer de point de vue, moi je vous dis le contraire En photo panoramique, levez-vous et faites-vous grands !

Dans l’exemple ci-dessous, la scène environnante permet de montrer l’isolement du phare. On est d’accord, le format panoramique est au service du sujet choisi, et non l’inverse : la star c’est le phare, le pano un faire valoir (vous pouvez compter, il y en a douze, c’est bien un alexandrin )

Résumé

• Choisir un sujet et l’entourer de son environnement
• Trouver, si possible, un point de vue en hauteur

Voici typiquement la photo panoramique sans intérêt : un paysage et c’est tout

Bien choisir votre équipement

Il faut absolument que votre appareil soit débrayable : il doit vous permettre d’accéder aux réglages manuels, bref, d’abandonner le tout automatique. Si vous n’êtes pas prêt pour ça, vous risquez d’être déçu du résultat. Ok, certains appareils possèdent des modes scènes appelés Panoramique, et ça doit certainement bien fonctionner … mais honnêtement, quel plaisir prendre à photographier en laissant l’appareil tout faire ? Soyez actifs, ne laissez pas réfléchir des processeurs à votre place !

Alors pour quelles raisons le mode manuel est indispensable ? Les photographies qui composeront votre image doivent être exposées à l’identique. Même obligation pour la balance des blancs. Donc, avec le mode Auto, l’appareil pourrait très bien shooter une première photo avec un réglage particulier et la suivante avec un autre réglage ! Vous allez bien rigoler par la suite pour assembler les deux avec des expositions différentes ! Il vous donc faut garder la main sur l’exposition, la balance des blancs et ne rien changer sur les prises de vues successives.

Sans aucune contrainte de budget, la configuration idéale serait la suivante :

• Un reflex
  Je ne m’attarde pas sur ce point, votre reflex conviendra forcément, et si vous avec un compact, le passage en mode manuel ira très bien… par contre l’objectif imposé n’est pas optimal.
• Un objectif à focale fixe
  Là, c’est très important ! Une photo panoramique étant l’assemblage de plusieurs photos, cette association se fait en collant les bords des photos … problème, ces parties périphériques sont là où se concentrent les défauts des images ! Un bon objectif pour la photo panoramique est donc celui qui réduit les défauts sur les bords. Les défauts embêtants pour l’assemblage sont les suivants : 
  • Le vignettage : assombrissement des coins de la photo
  • La perte de netteté par rapport au centre
  • Les distorsions : courbure des lignes droites

  A priori, les objectifs à focale fixe, c’est à dire sans zoom, sont ceux qui réduisent le mieux ces défauts. Il faudrait un article entier sur ce sujet passionnant de l’optique, ça n’est pas le sujet ici. Ceux qui sont à fond sur ce thème peuvent y aller dans les commentaires !

  Gardez à l’esprit que les photos prises avec des objectifs décrits ci-dessus s’assembleront normalement mieux. Je pense que l’utilisation de focales allant du 28 mm au 50 mm est très intéressant (équivalent 24×36, soit environ 18 à 35mm sur un capteur APS-C). Aucun intérêt à utiliser un ultra-grand angle car les distorsions sont très présentes.

• un bon trépied
  Il doit être bien stable (c’est quand même un minimum pour un trépied). Si vous êtes satisfaits du votre, gardez-le, il conviendra très bien.

Avec un peu d’entrainement, on peut très bien prendre des photos à main levée qui s’assembleront bien, mais vous mettrez toutes les chances de votre coté avec un trépied. On verra pourquoi plus loin.

Résumé

• Avoir un appareil photo en mode manuel, le mieux étant un reflex.
• Avoir un objectif à focale fixe de 28 mm à 50 mm équivalent 24x36mm.
• Posséder un trépied.

Le format panoramique de cette photo est idéal pour mettre en valeur le sujet : un randonneur contemplant l’horizon

Réglages de l’appareil

On l’a vu, laissez tomber les réglages automatiques car ils peuvent changer vos expositions d’une image à l’autre et ainsi ruiner votre panorama.

Comment définir la bonne exposition

C’est un moment important, indispensable, mais pas très difficile à mettre en œuvre. L’idée ici est de faire une mesure moyenne de la lumière sur l’ensemble de la zone à photographier. Les appareils actuels sont tous pourvus de posemètres intégrés efficaces : mesures de la lumière matricielles et autres systèmes multizones fonctionnent très bien, peu importe la marque utilisée.

Le principe étant posé, à présent comment mesurer la lumière sur le panorama.  Suivez le guide :

• Réglez votre appareil sur priorité ouverture.
• Choisissez une ouverture de paysage comme f/8 ou f/11, et ne la changez plus.
• Trouvez une zone de l’horizon avec une luminosité moyenne : facile, ça n’est ni la partie la plus foncée, ni la plus claire
• Prenez une photo de cette zone.
• Observez l’histogramme affiché par le reflex : il doit normalement être bien équilibré.
• Si les autres zones du paysage ne sont pas trop à l’ombre ou pas trop lumineuse, conservez vos réglages.
• Par contre, si la luminosité est trop extrême à ce moment, vous pourrez faire une correction d’exposition afin de retrouver un histogramme identique à celui de la première photo.

Comment régler la balance des blancs

Un petit rappel : la balance des blancs est en gros ce qui donnera le ton de la couleur à l’image. C’est aussi ce qu’on appelle la température de couleur.

Vous avez deviné j’espère ! Encore ici le réglage manuel est de mise. Laissez choisir l’appareil et voilà ce qu’il peut se passer : une première photo en mode soleil, la suivante en mode nuageux, et la troisième en mode ombre ! L’assemblage de ces trois images aux températures de couleur disparates donnera un panorama … bizarre.

Désactivez la balance des blancs automatique et optez pour celle correspondant à la situation d’ensoleillement. Comme vous serez toujours en extérieur ce sera généralement « soleil » ou « nuage ». Que ce soit pour la lumière ou la température de couleur, le maitre mot est la cohérence.

Note de Laurent : Si vous travaillez en RAW, il n’y a aucun problème, puisque vous pourrez fixer la même balance des blancs pour toutes les images lors du développement

Résumé :

• Réglez la molette sur priorité ouverture.
• Choisissez une ouverture comme f/8 ou f/11.
• Prenez une photo d’une zone à la lumière moyenne.
• Vérifiez que les écarts de lumière ne soient pas trop important.
• Si c’est le cas faites les corrections d’exposition nécessaires.
• Désactivez la balance des blancs automatique.
• Choisissez le mode « soleil » ou « nuage » et gardez-le jusqu’à la fin.

La prise de vue

Idéalement, le trépied sur lequel est fixé l’appareil doit être de niveau. Possible que votre trépied en soit pourvu, sinon, des accessoires peuvent se mettre sur le porte griffe du reflex. Et si vous n’avez rien de tout ça, tant pis, ne vous cassez pas la tête, réglez à vue d’œil ! On ne va pas se priver de prendre une photo juste parce qu’on n’a pas de niveau à bulle. Et puis oubliez le niveau de bricolage, trop lourd et trop encombrant

Intuitivement, on a plutôt envie d’orienter son appareil en mode paysage, normal puisqu’on prend un paysage . Juste une chose : rappelez-vous que le but est en fin de compte d’assembler des photos entre elles : un mode portrait (vertical) donnera un rapport plus équilibré entre la hauteur et la largeur. N’hésitez donc pas à tester cette orientation !

Fin prêt, il ne vous reste plus qu’à déclencher. Commencez par la gauche (vous préférez à droite ? Ok !), shootez et pivotez le reflex vers la droite en prenant grand soin de faire chevaucher chaque nouvelle image d’environ 25 à 30 pour cent sur la précédente. Perso, un de mes collimateurs (les petits carrés de mise au point) placé au bon endroit dans le viseur me sert comme point de repère. Sinon, utilisez des éléments du paysage : un arbre, un bâtiment, un nuage, … Cette astuce est primordiale : si vous ne pensez pas à faire se chevaucher les images successives, votre ordinateur sera incapable d’assembler les photos, faute d’éléments communs.

Enfin, à moins de vouloir tenter l’effet du siècle, je vous déconseille de faire des photos panoramiques par temps venteux, au moins le temps de faire vos armes. Les feuilles, les herbes au premier plan pourraient être flous, et l’assemblage risque d’être problématique. Le problème peut être facilement réglé avec une vitesse d’obturation élevée, pensez-y !  Même chose avec les vagues : une vitesse lente devrait produire un bel effet de filé, sauf qu’à nouveau l’assemblage sera difficile. Sinon, tentez le coup, juste pour voir : si c’est un raté, personne n’en saura rien

Résumé

• Assurez-vous que votre trépied est à niveau.
• Orientez le reflex en mode portrait.
• Faites chevaucher les prises de vues successives de 25 à 30%.
• Soyez prudents sur les effets de filé en vitesse lente.

Assembler vos images

Vous venez de faire le plus dur ! La partie technique d’assemblage est très facile … à condition d’avoir bien travaillé lors des précédentes étapes !

Je me dois de vous dire qu’il faut impérativement un logiciel dédié à cette tâche. Heureusement, il en existe de nombreux : des gratuits, des payants, des chers, des pas chers, des bons des moins bons. Peut-être existe-t-il une fonction prête à l’emploi sous Raw Therapee. Si oui, Laurent pourrait nous faire une petite vidéo ?
Note de Laurent : Non, RawTherapee fait uniquement du RAW, pas du pano

Une capture d'écran du bon logiciel gratuit de Microsoft : Ice

Voici ci-dessous une liste non exhaustive de quelques outils :

• Microsoft Ice de Microsoft : gratuit
• Hugin : gratuit (Note de Laurent : et libre de surcroît, j’en ai entendu beaucoup de bien )
• Autopano de Kolor : payant, de 120 à 240 €
• ImageAssembler de Panavue : payant, de 50 à 150 €

Il y en a d’autres, à partir du lien donné en fin d’article, vous aurez davantage d’informations.

Vous vous en doutez, je ne vais pas, pour chaque logiciel, expliquer pas à pas les procédures. Je n’ai pas le temps, et vous non plus d’ailleurs ! Je ne me défile pas pour autant, voici, en règle générale, la méthode à appliquer pour n’importe quel logiciel :

• D’abord charger les images à assembler dans le logiciel concerné.
• Renseigner les informations demandées : l’objectif utilisé, la focale employée, …
• Gardez tous les réglages par défaut, ne vous embêtez pas trop. Laissez notamment l’alignement automatique des meilleurs résultats.
• Appuyez sur … Entrée, Ok, Validez, bref, le bouton de lancement de l’opération.
• Après quelques instants dont la longueur dépend de vos photos, de votre ordinateur et du logiciel, votre superbe panorama est enfin là !
• Courage, c’est presque fini ! Assurez-vous maintenant de couper les bords à l’extérieur, il se pourrait qu’il y ait des zones noires à enlever
• C’est bon, vous êtes arrivés à destination. Enregistrez la nouvelle image obtenue dans le format de votre choix : Jpeg pour le partage, PSD pour la retouche dans Photoshop ou ailleurs.

Résumé

• Choisir un logiciel d’assemblage gratuit ou payant.
• Suivre les indications données par le logiciel.
• Exporter votre photo dans le format choisi.
• Éventuellement retravailler la photo.

Note importante

Avec ce que vous venez de lire, vous devriez faire de beaux panoramas. Ces conseils sont suffisants pour réaliser des photos très intéressantes. Mais je dois être honnête avec vous : ça n’est qu’une toute petite partie de ce qu’il est possible de faire. Car comme dans bien des domaines, s’il l’on creuse un peu, on peut aller très loin dans la photo panoramique : réglages très poussés, matériel dédiés, logiciels perfectionnés, la seule limite sera votre temps … et votre argent !

Vous avez réalisé quelques pano sympas et souhaitez justement vous améliorer ? Il y a un site grâce auquel vous saurez tout sur tout. Particulièrement bien fait, c’est une mine d’or. Cliquez ce lien pour visiter le site d’Arnaud Frich : Guide de la photo panoramique

Amusez-vous bien !

Si vous êtes plus particulièrement intéressés pas la photographie animalière et de nature, je serais heureux de vous accueillir sur mon blog www.auxoisnature.com

(Si vous ne connaissez pas Dimanche Critique Photo, je vous invite à lire l’article dans lequel je présente l’opération).

Le feu donc, mais j’avais autorisé des sujets dérivés comme les lumières de Noël. Bonne surprise, il y a quand même eu un vrai effort et j’ai eu quelques jolies images avec du vrai feu. C’est vrai qu’entre les petites chandelles de Noël et les feux de cheminée pour se réchauffer, le mois de décembre était en fait assez propice à des photos autour de ça.

Pour les impatients, le thème de ce mois de janvier 2012 sera… la terre ! Et oui, j’avais fait les 3 autres alors tant qu’à faire je finis. Vous avez évidemment le droit de faire fonctionner votre imagination, et de détourner le thème (avec des couleurs terre, la planète Terre, ou des choses plus terre à terre ).

Les images du mois

On commence par une image qui n’est pas du tout dans le thème, mais qui m’a littéralement frappé. Une image très forte dans son message (même s’il n’est pas des plus gais), et à la technique maîtrisée d’un bout à l’autre et surtout mise au service de l’histoire et du message. Une mise au point exacte associée à une profondeur de champ exactement comme il faut pour mettre en valeur le sujet tout en révélant subtilement le visage à l’arrière-plan. Une prise de vue au ras du sol qui donne un point de vue réellement original, qui permet également de diminuer la zone de netteté indirectement en augmentant la profondeur réelle de l’image. Une très jolie lumière bien mise en valeur par un contraste maîtrisé, tout en conservant des couleurs peu saturées qui vont très bien à cette scène.

Copyright villou (Cliquez sur l'image pour voir en grand sur Flickr)

On continue avec une image qui correspond bien au thème, au sujet plus simple mais bien réalisée également. Jolie mise au point, profondeur de champ comme il faut. Je vous la montre surtout pour que vous observiez la lumière dans cette scène. Si vous regardez bien, il y a le feu évidemment, qui diffuse une lumière très chaude, qu’on voit très bien dans le dos des chiens, et il y a aussi une fenêtre très probablement, qui diffuse une lumière beaucoup plus froide, qui paraît presque bleutée en comparaison (alors qu’elle est sans doute à peu près neutre en réalité). Ces 2 sources de lumière très différentes sont à mon avis ce qui fait une partie de l’intérêt de l’image. Conseil pour vous : observez toujours les différentes sources de lumière

Copyright Tom Ridoux (Cliquez sur l'image pour voir en grand sur Flickr)

Et pour finir, une image bien de saison qui retranscrit bien l’ambiance des fêtes. Une composition astucieuse et l’utilisation du flou de profondeur de champ pour intégrer un avant-plan (à gauche) et un arrière-plan contribuent à donner beaucoup de profondeur à l’image tout en gardant un sujet très clair. Réussi !

Copyright Melvinia (Cliquez sur l'image pour voir en grand sur Flickr)

Coïncidence ou non, ces 3 images ont été photographiées avec un 50 mm f/1.8. On ne change pas une équipe qui gagne

La critique

Canon EOS 40D, 200mm, f/5.6, 1/160s, ISO 1250 /// Copyright AhPhilGood (Cliquez sur l'image pour voir en grand sur Flickr)

Les plus :

• Une jolie composition : C’est classique et ça répond plus ou moins à la règle des tiers, mais ça fonctionne. On sent ici la part de respect des règles (œil sur une ligne des tiers verticale) et de l’instinct (œil centré verticalement). L’intuition est bonne. Les bougies sont bien intégrées au premier plan. Je regrette juste l’oreille coupée. J’aime beaucoup le choix de cadrer très serré, mais c’est plus personnel
• Un joli noir et blanc : Contrasté comme il faut, qui met à la fois en valeur son visage, la lumière dans sa nuque, et surtout les volutes de fumée. Peut-être que j’aurais même constrasté un peu plus, ou tout au moins rajouté de la clarté.
• Le choix du moment : Ce sont des bougies magiques (qui se rallument toutes seules donc), et à ce moment-là l’une d’entre elles est justement en train de se rallumer.

Les moins :

La mise au point a été faite sur les bougies, et non sur les yeux de l’enfant. Ce n’est pas en soi un mauvais choix, et c’est même plutôt original et bien pensé : centrer le sujet sur la situation et non l’enfant lui-même. Sauf que là, le diaphragme étant fermé à f/5.6, la profondeur de champ est suffisamment importante pour qu’on ait d’abord l’impression d’une erreur de mise au point. On se demande si c’est fait exprès ou non : en effet, son visage est quand même légèrement flou (ça se voit bien en grand), mais flou comme si la mise au point avait été faite à côté.

Mon choix personnel aurait été de shooter à très grande ouverture, et de prendre le parti de flouter franchement le visage de l’enfant. Seulement vu la focale, je devine que l’objectif utilisé doit être un 55-200mm ou un 200mm probablement, qui ne permettent pas d’ouvrir à plus de f/5.6 à fond de zoom. C’est une bonne idée de shooter à fond de zoom pour profiter de la profondeur de champ la plus faible possible. Mais comme ici ça ne suffisait pas, j’aurais fermé un peu plus (f/8 aurait été largement suffisant) pour avoir les bougies ET l’enfant bien nets.

Mais ce n’est pas évident bien sûr, en particulier dans le feu de l’action. C’est le genre de détail qui se maîtrise avec la pratique

Voilà, je vous donne rendez-vous le mois prochain, pour le Dimanche Critique Photo sur le thème de la terre que je rédigerai depuis l’Inde

Avant tout, une excellente année à vous tous, je souhaite qu’elle soit remplie de jolies images et de beaux moments photographiques !

Faire le bilan

Tout d’abord, je trouve que le plus important à la fin d’une année écoulée, ce n’est pas d’abord de savoir ce qu’on veut faire de la suivante, mais de faire le bilan, calmement De ce que vous avez accompli, et aussi de ce que vous auriez voulu accomplir (c’est complètement normal de ne pas faire tout ce qu’on aurait voulu faire ) On restera sur la photo, mais je pense que ça s’applique à tous les domaines de la vie. Posez-vous ces questions :

• Quelles sont vos 10 meilleures photos de l’année, et pourquoi ? (non, vous n’avez pas besoin de l’avis de quelqu’un d’autre : quelles sont les meilleures pour vous ?)
• Qu’avez-vous appris cette année en photo ?
• Quelles sont les aspects techniques que vous maîtrisez ? Quelles sont vos lacunes dans ce domaine ?
• Vous êtes-vous découvert un domaine de prédilection ?
• Qu’est-ce qui vous a bloqué ? (la technique, les idées, le matériel, etc…)
• Ce blog est-il le meilleur du monde ?

Plus sérieusement, prenez vraiment un papier et un crayon, et notez ces réponses. Creusez vraiment pour comprendre tout ça. C’est très important. C’est en partant de ça que vous allez pouvoir prendre de bonnes résolutions utiles, et qui vous motiveront car vous saurez pourquoi (Je dis toujours que le pourquoi est le plus important, mais c’est peut-être parce que je suis de la génération [wh]Y )

D’ailleurs, j’ai une meilleure idée : partagez votre bilan en commentaire, je serais ravi de lire ça !

Comment tenir ses bonnes résolutions ?

Malgré tout, je vais vous donner quelques suggestions quant aux choses qui sont selon moi importantes et devraient faire l’objet de vos bonnes résolutions, mais tout cela ne servira à rien si vous ne les appliquez pas. Commençons donc d’abord par quelques astuces utiles pour ne pas abandonner au bout d’un mois (ou moins).

Testez pendant 30 jours

C’est une astuce qui fonctionne bien dans de nombreux domaines, je l’ai éprouvée pour tout un tas de choses. Le principe est très simple : vous vous forcez à appliquer votre décision pendant 30 jours. Par exemple, faire une photo par jour. L’important est de ne surtout pas y déroger pendant 1 mois.

Si au bout de 30 jours, ça n’est plus un effort pour vous (et croyez-moi, la plupart du temps vous vous y êtes habitué), vous pouvez continuer, sans même y penser. C’est très utile pour ancrer une habitude, sans pour autant prendre de décision qui semble un peu dure à tenir comme « prendre une photo par jour pendant un an ». C’est plus facile à tenir, et en même temps, insidieusement, vous allez vous y habituer, et peut-être même devenir accro

C’est par exemple ce que j’ai fait quand j’ai commencé la guitare : les 6 premiers mois sont difficiles car les doigts sont très douloureux, mais j’ai pris la décision à un moment de jouer tous les jours pendant 1 mois (même juste 10 ou 15 minutes). Résultat, à la fin, je supportais beaucoup mieux la douleur, et surtout j’étais devenu presque accro à ce petit moment de musique quotidien, et j’ai continué un moment. Maintenant, je ne joue plus tous les jours, mais je n’ai plus mal même si j’arrête un mois

Intégrez à votre routine

Ca dépend de quel type de résolution on parle (ce n’est pas toujours possible), mais là encore on joue sur la force de l’habitude. Une fois quelque chose intégré à votre vie quotidienne, il est difficile de s’en défaire.
Par exemple, vous allez probablement régulièrement vérifier votre boîte aux lettres (même si vous savez qu’il y aura plus de factures que de cartes postales ), sans même y penser.

Alors, pourquoi ne pas intégrer un moment plaisir à votre routine quotidienne ?

Fixez vous des objectifs réalisables et quantifiables

Inutile de vous donner des buts qui sont très difficiles à atteindre : vous n’y arriverez pas, et ça vous découragera. Mieux vaut vous fixer quelque chose de réaliste, et s’y tenir. En plus, c’est plus valorisant ! De la même façon, ne vous fixez pas 12 bonnes résolutions. Une ou deux, c’est largement suffisant.

Veillez également à ce que ce soit quantifiable. Dire « je prendrai plus de photos cette année », ce n’est pas quantifiable : vous ne pourrez pas savoir si vous avez tenu votre objectif. Vous pourriez compter vos photos à la fin de l’année, mais que se passe-t-il si les nombres sont très proches ? Qu’est-ce qu’un succès ?

Par contre « je prendrai mon appareil avec moi au moins 2 fois par semaine et je ferai au moins une photo par mois qui me plaît », c’est quantifiable. Vous verrez, ça motive, et ça permet de réaliser où on en est.

Engagez-vous publiquement

Ceux qui s’intéressent un peu à la psychologie humaine le savent : nous sommes très soumis à la pression sociale. Ce que font les autres, et ce qu’ils pensent de ce qu’on fait, ça a de l’importance, tout au moins si ce sont des gens qu’on estime.

La bonne nouvelle, c’est que vous pouvez utiliser ça à votre avantage : engagez-vous auprès d’amis, de proches, de gens auxquels vous tenez. Annoncez-leur votre but photographique de l’année : ils vous demanderont souvent des nouvelles, et ça vous motivera à continuer. Qu’on soit bien d’accord hein : ce n’est pas grave de ne pas toujours respecter ce qu’on s’était dit. Mais avoir des amis qui suivent ça, ça motive !

Quelles sont les « bonnes » bonnes résolutions ?

Evidemment, les meilleures sont celles qui vous sont personnelles, et en particulier celles qui sont cohérentes avec votre petit bilan photographique de l’année.

Mais voici quelques suggestions que vous ne serez pas étonné de me voir donner, j’en suis sûr

1. Dégagez du temps pour la photo

Je sais qu’on a tous des vies bien remplies, et qu’il est parfois difficile de trouver le temps pour faire de la photo. Le meilleure moyen pour ça, c’est de prévoir des moments spéciaux pour ça. Comme un rituel. Ca peut être lors d’une promenade en famille le dimanche, en rentrant du boulot tous les jours ou le vendredi, pendant votre pause déjeûner, …

Vous ne vous en rendez sûrement pas compte, mais votre vie quotidienne est remplie de petits espaces vides, que vous pouvez remplir avec la photo. Quand vous prenez les transports en commun par exemple…

Trouvez ces moments, et donnez-vous un objectif !

2. Prenez votre appareil avec vous plus souvent

Sans forcément dégager du temps en particulier, avoir votre appareil avec vous permettra de ne rater aucune occasion photographique. Mais plus important, il ne faut pas l’oublier au quotidien : il faut regarder autour de vous pour détecter les occasions et l’utiliser. Sinon, vous allez rapidement vous décourager de l’emmener tous les jours (si c’est un reflex par exemple), voire carrément l’oublier (si vous avez choisi de ne transporter que le smartphone ).

3. Shootez en RAW

Ca semble infiniment complexe quand on y a pas encore touché, et puis on se demande si c’est vraiment utile après tout.
Et puis ça va prendre du temps… Ces hésitations, je les ai connues. Je pense que vous avez compris que je ne regrette pas d’avoir essayé

Franchement, il est temps de franchir le pas. Oui, ça prend un certain temps, surtout au début. Et quand on commence, on est un peu perdu. Mais c’est un pan tout entier de la photo que vous ratez.

Vous pouvez vous fixer des objectifs simples, comme développer une photo par semaine pendant un an. Ca ne vous prendra pas trop de temps ni d’efforts, et je vous garantis que vous aurez appris beaucoup !

(Si vous ne savez pas de quoi je parle, lisez l’article sur le RAW.)

4. Expérimentez

Faites une liste des styles de photo que vous n’avez jamais pratiqués : architecture, sport, que sais-je encore… Et dites-vous que vous allez en essayer 3 cette année par exemple. Ou 5, ou 10, tout dépend votre motivation

Réfléchissez aux opportunités que vous aurez : la visite d’une jolie ville pour l’architecture, le match de foot du fiston pour le sport, etc.

Vous allez peut-être vous découvrir une passion pour un domaine de la photo que vous n’envisagiez pas auparavant ! Et dans tous les cas, vous apprendrez quelque chose, notamment techniquement. En effet, chaque discipline a ses contraintes, et s’y heurter permet d’y réfléchir, de chercher des solutions, et donc de mieux comprendre la photo. Ce qui fera certainement de vous un meilleur photographe.

5. Pensez (beaucoup) plus avant de déclencher

Plutôt que de faire plus de photos (ce qui n’est pas un mal, mais peut-être pas le plus important), essayez plutôt de passer plus de temps pour chaque photo. Soignez vos réglages, votre composition. Ce n’est pas forcément passer 10 minutes sur chaque cliché (tout dépend de la situation, et de votre expérience), mais simplement de bien réfléchir, notamment à votre positionnement.

Par exemple, je ne suis pas un photographe de paysage dans l’âme, mais pour cette image que vous pouvez voir à droite, c’est le fait de prendre du temps qui a surtout joué. Je n’ai pris que 2 clichés de cet endroit avec cette composition (plus 3 autres en essayant d’autres points de vue, mais moins convaincants que ma vision initiale). Seulement, j’ai bien mis une minute à me positionner correctement (au grand désespoir de mes amis ).

Si vous souhaitez un making-of de cette photo, demandez-le en commentaire

Voilà, j’espère encore une fois que cette année 2012 vous apportera plein de bonnes choses tant sur le plan photographique que sur le reste, et que ces conseils comme les autres vous aideront à progresser en photo et à réellement vous faire plaisir !