• soit les images étaient presque 3 fois la même, ce qui ne constitue pas vraiment une série.
• soit les images étaient sans rapport apparent entre elles.

Mais j’ai quand même de jolies choses à vous montrer, mais avant ça le thème du mois prochain pour les impatients : la pose longue. Comme je l’annonce mi-mai, je vais vous laisser jusque fin juin pour poster vos images sur le groupe Flickr.

Les séries du mois

Je dois avouer que j’ai eu du mal à sélectionner les meilleures ce mois-ci, tellement il y en a qui me plaisaient pour diverses raisons. Comme il n’y a pas de raison de se priver de belles images, en particulier un dimanche, je ne me suis pas trop limité, et je vais donc vous présenter beaucoup d’images (surtout qu’on multiplie par 3 à chaque fois !). Mais regardez et apprenez

On commence par une série de 3 portraits de Philippine, qui commence à être une habituée de la sélection de Dimanche Critique Photo 3 portraits de filles, pris avec la même optique (un 85mm f/1.8, ce n’est pas étonnant), à pleine ouverture, avec un rendu high key très bien maîtrisé (surexposé juste ce qu’il faut à mon goût). Avec l’excellente idée de les différencier par une chose : la couleur des cheveux. C’est une vraie série, l’idée est bonne, et c’est techniquement et artistiquement bien réalisé. Prenez note ! ;P

(Cliquez toujours sur les images pour agrandir bien sûr !)

Une série d’Antoine que j’ai beaucoup aimée, qui divisera sans doute plus, avec le titre si bien trouvé de « Subway Morning« . (Si vous ne savez pas d’où vient la référence, vous devez écouter cette chanson maintenant ! ). Un sujet commun qui est dans le titre, une composition centrée, un rendu noir et blanc très contrasté avec un grain volontaire. Tout ça a une forte identité graphique qui me plaît beaucoup et qui ne laisse aucun doute quant à la parenté des photos entre elles.

Une série urbaine par Benjamin, avec un rendu particulier, un travail intéressant sur les reflets et les lignes, tout ça manifestement à la Défense. J’aurais juste aimé que la dernière soit aussi au format carré, pour donner plus d’unité

Une autre série urbaine (décidément, l’environnement s’y prête bien), très créative, qui comprend à l’origine 5 images, et que je préfère donc vous présenter en entier. Tout en désaturation partielle (normalement je n’aime pas, mais là ça sert les images), en pose longue, dans le même environnement (Saint-Lazare donc). J’aime beaucoup le rendu, c’est toujours graphique, et on sent une composition soignée. Un exemple de série intéressante !

Et puis deux autres que je vous laisse découvrir en cliquant sur les liens (puis « Plus ancien -> ») :

• Une petite fille qui manifestement aime les sucreries
• Golden hours, la mer, des silhouettes, tout ça avec des couleurs différentes

La critique du mois

Et enfin, une série de Marine sur un… chaton !

Clichés tous réalisés avec un Nikon D3000 et un 50mm f/1.8, bonne preuve qu’un matériel hors de prix n’est pas indispensable pour avoir un joli rendu
Toutes à f/2.5, ISO 800, et la vitesse d’obturation nécessaire pour obtenir cette exposition.

Points forts :

• Le rendu global est très bon pour plusieurs raisons :
  • la grande ouverture utilisée, qui permet d’avoir un arrière-plan bien flou.
  • l’ouverture qui n’est pas non plus « trop » grande, et permet une excellente netteté sur les yeux du chaton, notamment grâce au piqué qui augmente un peu en fermant le diaphragme
  • l’arrière-plan uni sur 2 images
  • La très jolie lumière, qui devait venir d’une fenêtre un jour un peu couvert. Elle est diffuse, éclaire parfaitement le sujet, bref c’est très joli.
• Les poses de l’animal sont bien choisies.
• C’est très clairement une série, mais on reviendra sur les petits défauts à ce niveau après.
• C’est un chaton, donc c’est mignon

Points faibles :

• Pour ce qui concerne le côté série, je vois plusieurs détails qui me gênent :
  • La 2ème et la 3ème, bien qu’avec des traitements différents, se ressemblent beaucoup.
  • Il manque un rendu cohérent. La 1ère est dans des couleurs assez classiques, un tout petit peu chaudes, la 2ème est dans des tons un peu froids que j’aime énormément (c’est à mon sens la meilleure de la série), et la 3ème est en noir et blanc. Je pense qu’il fallait choisir.
  • Elles n’ont pas le même format. Quand ça a été recadré (ce qui n’est pas un crime), la case « conserver les proportions » n’a pas du être cochée, car les proportions ne sont pas les mêmes. Je suis partisan d’utiliser uniquement les proportions de son appareil (3/2 en l’occurrence), ou le format carré. A la limite 4/3, 4/5, bref quelque chose qui correspond à un format de capteur ou de film existant. Les trucs intermédiaires ne correspondent à rien, et en plus si on veut les imprimer pour les encadrer un jour, ce ne sera pas tellement possible. Surtout que là, il était possible de faire du 3/2 avec chaque image.
• La mise au point est imparfaite sur les deux premières photos : elle n’est pas faite sur les yeux. En petit ce n’est pas visible, mais sur un affichage équivalent 20x30cm, on le distingue. C’est peu sensible, mais je l’ai vu

Bref, ça reste une bonne série, même sur un sujet aussi « commun », avec des images plutôt bien réalisées, mais qui souffre de petits détails. Heureusement, ce sont des erreurs assez faciles à corriger !

A début juillet pour les photos sur le thème de la pose longue !

Laissez un commentaire pour nous dire ce que vous pensez des photos sélectionnées !

Les abonnés à la newsletter ont été nombreux à me poser leurs questions, même si je n’ai pas pu toutes les poser. Sans plus attendre, je vous laisse avec la vidéo de l’interview, qui dure environ 30 minutes. En anglais évidemment, mais avec des sous-titres en français, qui normalement sont activés par défaut (sinon cliquez sur le petit signe « CC »)

(Désolé pour la qualité de l’image et du son, les conditions étaient loin d’être idéales : travaux juste à côté, journée passée dans les administrations indiennes après la perte de mon passeport, avion le lendemain… )

Pour ceux qui préfèrent lire, voici la transcription texte complète de la vidéo, mais vous perdez les gestes qui illustrent bien le propos.

Laurent Breillat : Bonjour Gurinder.

Gurinder Osan : Bonjour.

LB : Merci de prendre un peu de temps pour faire cet entretien. J’ai reçu beaucoup d’emails de mes lecteurs après leur avoir indiqué notre futur entretien, donc il me semble qu’ils sont tous très intéressés.

Donc pour commencer, pourriez-vous nous donner une vue d’ensemble de votre carrière et de votre travail actuel.

GO : Je travaille actuellement pour le Hindustan Times. Je suis ici le Photo Editor au niveau national. Je suis responsable de toutes les éditions du Hindustan Times et je coordonne le travail de nos collaborateurs photographes dans plusieurs villes d’Inde.
Voilà mon profil dans les grandes lignes. Je viens juste de quitter Associated Press, où j’avais passé 10 ans comme photographe principal. Nous étions là-bas aussi une équipe nombreuse couvrant l’Asie du Sud. Moi je couvrais l’Asie du Sud mais je suis souvent allé en Afghanistan, en Chine, pour les Jeux d’Asie, en Australie. On voyageait beaucoup.
On voyageait beaucoup, mais mon terrain principal était l’Asie du Sud.

Ça c’était 10 ans de ma carrière. Avant cela, j’ai travaillé en freelance, j’ai fait différents styles de photographie. J’ai fait de la photo de publicité, de la photo culinaire pour des magazines de cuisine, architecture. Avant cela, j’ai travaillé pour des magazines de business, j’ai travaillé pour « Business World », un des plus grands dans le domaine. Là beaucoup des photos servaient à illustrer des profils dans le milieu des affaires. C’était une approche particulière du travail, de la photo d’entreprise.

Avant cela, je travaillais pour…. C’est là que j’ai commencé ma carrière. Donc j’ai commencé en 1991. C’est il y a longtemps !

Juste un an avant, j’avais terminé le Delhi College of Arts, j’étais en dernière année.
C’est là que j’ai commencé…
LB : Ok ! Puisque l’on parle de la carrière et des études, j’ai une lectrice, Valentine, qui souhaite devenir photo-journaliste. Elle demande quels cours ou études sont conseillés pour ça. Ou s’il s’agit de se former soi-même…
Je suppose qu’il doit y avoir des tas de manières de devenir photojournaliste…

GO : Oui… Le fait est que j’ai eu de la chance, parce que j’ai pris très tôt la décision dans ma vie, de devenir photographe. Probablement lorsque j’étais en « grade 8″, je ne sais pas comment vous appelez ça en français mais…

LB : Quel âge aviez-vous ?

GO : Je devais avoir environ 14 ans à l’époque.
J’allais souvent à la bibliothéque du centre américain et je terminais tous les livres sur la photo. Donc, depuis très jeune, je me passionnais vraiment sérieusement pour la photographie.
Mais je n’avais pas d’appareil, donc, j’ai vraiment commencé à faire des photos quand j’avais 17 ans…

En Inde nous avons ce qu’on appelle les « Board Exams ». Lorsque tu finis le lycée, tu es supposé atteindre le meilleur classement possible pour obtenir une place à l’université. Mais j’étais trop engagé dans la photo à cette période, et mes notes en avaient beaucoup souffert !

Donc il me restait un champ d’options très réduit. En même temps, j’étais très centré sur la photographie, j’étais sûr que je voulais être photographe.

Alors ce que j’ai fait… En Inde il n’y avait pas vraiment… Enfin, il y en a maintenant, mais pas à mon époque, il n’y avait pas d’écoles spécialisées dans la photographie, donc je n’avais pas de possibilités dans ce sens.

Mais comme j’étais sûr que c’était ce que je voulais faire, mes notes, dans les matières où j’aurais pu montrer des qualités, étaient très basses.

Pourquoi… Parce que je n’étais juste plus intéressé par les études… Ce qui n’était peut-être pas le mieux que j’ai pu faire parce qu’en fait, j’étais bon élève. Mes notes ont juste chuté, parce que j’avais juste perdu l’intérêt pour les études.

J’étais sûr de vouloir faire de la photo.

Mais j’étais sûr que je voulais entrer au Delhi College of Arts.J’étais certain de ce choix. Parce que je pensais que si je faisais les Beaux-Arts, j’arriverais à me rediriger vers une carrière de photographe. Et il n’y avait pas beaucoup d’autres options. Donc j’ai choisi ce cours.

Et pendant les deux mois qui précèdent l’examen d’entrée, j’ai travaillé comme un fou. Je peignais, j’ébauchais, je m’exerçais toute la journée. Vraiment je passais mon temps à m’exercer. Je suis allé à au département universitaire d’art, j’ai étudié le déroulé de l’examen, ce qui était demandé etc. J’ai rencontré des camarades, qui m’ont briefé sur l’examen, ils m’ont même montré l’endroit où ça se passait.

Donc j’étais complètement préparé pour l’examen. Et je n’avais pas le choix : il fallait que je réussisse.

LB : Et quand on n’a pas le choix, on se lance !

GO : Mais il y avait une pression de plus parce que je n’avais pas d’autres options. Et pour ma famille aussi, j’avais toujours été bon élève et d’un coup je n’avais pas de bon dossier à montrer, et en même temps, j’avais besoin d’entrer dans une bonne école.

Ma famille ne me mettait aucune pression, mais croyait en moi et me disait « C’est très bien ton projet, mais alors fais-le bien ».

Et en réalité, ça c’est une grosse pression, parce que tu sais que l’on attend de toi que tu réussisses ! Et tu n’as pas de notes à montrer, et seulement un unique objectif. Et tu as intérêt à faire de ton mieux !

Finalement l’examen s’est passé, bien passé. Et sur le tableau des résultats je cherchais dans le milieu, et quelqu’un du groupe d’amis que j’avais rencontré à l’école, m’a tapé dans le dos et m’a dit, il est tout là-haut ton nom !

Donc c’était positif, dans le sens où j’avais fait un choix, et j’ai mis toute mon énergie, en me disant, « c’est ça mon rêve », et je vais faire tous les efforts possibles pour y arriver.

C’est ce que disait quelqu’un dans un entretien avant-hier, ou peut-être que c’était hier, il disait la même chose : d’abord définis ton rêve, et ensuite, mets tous les efforts possibles pour le rendre réel. Mais définis le rêve d’abord. N’avance pas comme ça au hasard.

LB : C’est une très bonne leçon en réalité, pas seulement concernant la photographie.

GO : Exactement, ça vaut pour tout. Fais un choix, définis ton rêve, et ensuite mets-y toute ton énergie. Ne te dis pas, oh je vais faire un peu de ci et un peu de ça et ensuite je vois. Tu fais un choix et si tu es sûr que c’est vraiment ça que tu veux faire et être, alors n’attends pas pour y revenir plus tard. Fais tes choix, la vie n’est pas si longue que ça en fait. On pense que c’est long, mais en fait ce n’est pas long…

LB : Oui on ne sait jamais…

GO : Donc si tu penses que tu as trouvé ton objectif, mets tout ton énergie pour l’atteindre. Trace ta route et poursuis-la !

LB : Gilles vous demande ce qui vous a mené à devenir photojournaliste. Pas seulement un photographe, mais un photojournaliste.

GO : J’ai commencé en pensant que je serais photographe au National Geographic. Donc les choix qui s’ouvraient naturellement étaient de photographier l’environnement naturel, la nature. Ce qui est toujours quelque chose que j’aime beaucoup. Donc j’ai beaucoup photographié Mère Nature, je dirais.

L’autre direction était de photographier la vie elle-même. Ce que j’appellerais maintenant une sorte de documentaire. C’étaient les deux directions qui m’attiraient fondamentalement. Il y avait Ansel Adams d’un côté, tous les photojournalistes de l’autre.

Donc… Entre ces deux choix…

Les paysages, je n’ai encore jamais gagné d’argent avec ça.

LB : Et il est difficile de gagner assez d’argent en photographiant des paysages…

GO : Oui… Tu peux en fait. Mais je ne me suis jamais vraiment lancé. Je sais que d’autres y arrivent, je devrais essayer. Mais pour moi, dans le domaine du documentaire, où je me dirigeais, le photojournalisme était le plus proche de ce que je me sentais capable de faire, tout en gagnant ma vie.

Donc à partir du rêve que j’avais, c’est dans cette direction que je me suis rapidement dirigé. Ça paraissait le choix le plus logique. Donc voilà comment j’ai décidé.

Même si avec mon diplôme des Beaux-Arts, j’aurais pu faire autre chose, j’étais sûr de vouloir être photo-journaliste et de faire ce type de documentaire…

LB : Selon vous, quelles sont les qualités et compétences essentielles d’un photojournaliste ?

GO : Laisse-moi commencer avec les qualités, les compétences sont quelque chose de différent.

Les qualités d’un bon photojournaliste ce serait quelqu’un qui est sensible à la société et au monde dans lequel il vit. En termes de compréhension du monde, de ses problématiques.

En réalité, dans le mot photojournaliste, il faut considérer les deux mots : photo, journaliste.

En tant que photographe, il peut utiliser ses compétences techniques, le langage photographique de son appareil, pour communiquer quelque chose. Et en même temps, on attend du journaliste qu’il observe les problèmatiques, le monde d’une manière sienne. Et de revenir avec une manière d’expliciter le monde dans lequel il vit. Donc il est l’oeil du monde, il est notre oeil sur le monde.

Nous sommes témoins des choses qui se passent. Ce sont les photojournalistes qui sont présents sur les scènes des évènements importants, ou même moins. Et qui nous permettent d’en avoir une image le jour suivant. Donc notre rôle est assez important. Et c’est pour ça que tu dois être sensible aux évènements autour de toi. Tout en étant capable de retranscrire, d’une manière qui puisse être comprise par tout le monde facilement.

Ce n’est pas comme la photographie d’art par exemple. C’est de la communication de masse, il faut cibler de nombreux différents types de populations. Une bonne image pour un photojournaliste, c’est une image qui ne t’inspire aucun doute sur ce que tu veux dire à travers elle. Tu es immédiatement en connexion avec cet évènement particulier, cette scène, ou autre, selon le cas. A la vue de l’image, il n’y a pas de doute qui demeure. Pour moi c’est une image photojournalistique efficace.
Concernant les compétences, le photojournaliste doit bien connaitre son équipement. Ce dont ses optiques sont capables. Il doit être opérationnel, parce que tu n’as souvent que quelques secondes, parfois moins que ça. Tu captes vraiment l’image au moment où elle survient. Ça doit être comme une seconde nature. Tu ne peux pas être occupé à réflechir ou analyser quand quelque chose survient. Tu dois être au clair avec tes compétences, et tu dois être prêt, avec une capacité de prévision.

Tu ne peux pas être en train de changer une fonction sans tenir compte du fait que quelque chose peut arriver à tout moment.

LB : Oui, et il faut être prêt à tout moment.

GO : En une microseconde tu dois être prêt. Quelque chose arrive, tu photographies. Et tu n’es pas occupé à des réglages…

LB : Oui, on n’a pas le temps de régler si précisément, comme pour des paysages…

GO : Donc c’est une approche particulière. Tu n’auras peut-être pas la finesse d’un autre style de photo, comme dans le cas des paysages comme tu disais, où j’ai le temps d’attendre la bonne lumière, préparer ma composition, inclure tout ce que je veux inclure dans l’image, mettre l’appareil sur trépied…

Dans un tel contexte, chaque manière est propre à chaque photographe.

Dans le cas du photojournaliste, on a aussi l’occasion de faire ces choix-là, mais dans un espace de temps vraiment très réduit. Plus souvent que le contraire, tu as un temps infime. Dans ce laps de temps, pendant que les choses surviennent, et avant qu’elles ne changent, tu dois savoir ce que tu veux vraiment dire.

Une fois que tu as tes paramètres réglés, et ton ressenti par rapport à l’évènement, comme photojournaliste, comme photojournaliste complet, photo et journaliste, alors tu as ta photo.

Parce que quel que soit l’évènement, tu sais ce que tu veux dire, et ce qui doit être montré. Et souvent il y a beaucoup de choses qui se passent. Tant de façons de voir possible, tant de perspectives. Un bon photojournaliste, capte l’essence de cette image. Rapidement, et connait suffisamment la technologie dont on se sert, pour ramener l’image le plus rapidement possible au journal ou autre.

Donc c’est une chose de faire une bonne photo. Il faut aussi travailler avec les partenaires, pour la ramener vers le système où elle pourra être vue.

LB : Particulièrement dans le cas des quotidiens.

GO : Oui.

LB : A la différence des hebdomadaires ou mensuels, où on a sans doute le temps de post-traiter ses images.

GO : Je repense à cet exemple connu en Asie, que nous donnait un collègue à propos de cette image célèbre d’un combat de boxe au Zaire, où Mohammed Ali avait été battu, ou avait-il gagné, je ne suis plus trop sûr.

Mais le photographe, (c’était une image célèbre de cette période) avait mis 24 heures pour transférer cette image. Juste pour transférer de là où il se trouvait. C’était le type de technologie que l’on avait ici.

Même quand je couvrais le tsunami, la première image que je voulais envoyer du désastre en Inde, j’ai du l’envoyer à travers une ligne téléphonique. C’était tout ce qu’on avait. Mais au moins on avait quelque chose. Donc j’essaye d’envoyer cette image d’où je suis au bureau de Delhi, avec cette connexion téléphonique. La taille du fichier était seulement de 419 kilo-octets, et ça m’a pris 5 heures pour l’envoyer !

Et je n’ai pas fait de compromis sur la qualité de mon image parce que je savais que c’était vraiment cette image que je voulais envoyer. Elle avait toutes les qualités, qu’un superviseur souhaite.

LB : Donc elle pouvait être utilisée dans de grandes dimensions, donc on ne peut pas envoyer une mauvaise qualité.

GO : Elle a été utilisée dans des magazines, dans le International Herald Tribune. Elle a été utilisée en grande dimension.

Je ne l’ai pas vue, à ce moment là je voyageais, mais elle a été utilisée en très très larges dimensions. Dans le International Herald Tribune et ensuite à travers le monde, car je n’avais pas fait de compromis sur la qualité mais, …

LB : 5 heures !

GO : 5 heures…

Donc il y a beaucoup de critères qui entrent en compte. A côté de la connaissance du sujet, la compréhension par les gens de ce que tu as photographié, une bonne connaissance du contexte de l’histoire.

Parce que si c’est ton histoire à toi c’est une chose, mais si tu photographies une histoire qui existe, tt tu crées des images qui ajoutent à cette histoire… Je ne dis pas qui s’incluent dans cette histoire, je dis qui ajoutent à cette histoire.

Ce n’est pas juste le fait d’illustrer une histoire, c’est plutôt d’illustrer, d’accord, mais d’aller au niveau supérieur, parce que la photo est un média particulier. Donc il faudra ajouter de la valeur à ton image, plus que ce que le texte dit. Ce n’est pas juste illustrer, c’est ajouter, aller au-delà.

LB : Oui, une image est parfois meilleure qu’un long texte pour dire quelque chose.

GO : Oui parce souvent l’approche consiste à dire : bon nous avons une histoire et donc on doit faire une photo. Mais l’image n’est pas là pour remplir l’espace seulement. Elle doit être là non pas pour dire ce que l’histoire dit, mais pour dire quelque chose de plus. Il peut y avoir 100 mots, et on peut en remplacer 900 autres pour en dire plus à travers le langage photographique.

Et c’est un langage propre, que chaque photojournaliste doit exploiter à fond. Avec chaque image, on doit faire ça. On ne devrait pas être satisfait d’une bonne image par an. Chaque image devrait être un défi pour nous.

LB : Donc nous nous sommes rencontrés lors d’une rencontre photo il y a deux mois, à Delhi, et vous présentiez votre travail sur le tsunami. Et j’ai été très impressionné par votre travail, je pense que la plupart de mes lecteurs aussi, parce que j’ai beaucoup de questions concernant ceci, et concernant le travail de photojournaliste en général.

D’abord, Pascal pose une question que je pensais vous poser aussi. Il nous dit que prendre une bonne photo exige de la concentration et de bonnes compétences techniques. Il demande comment vous arrivez à maitriser votre art, et vos compétences, dans des conditions difficiles comme le tsunami, des catastrophes naturelles, des drames humains, …

GO : Je peux répondre rapidement à cette question.

Dans la photo, lorsque vous attrappez votre appareil, et que vous photographiez quelque chose, la première chose qui arrive est le choix de moment.

C’est une fraction de seconde, après plusieurs secondes qui viennent de passer avant. Donc vous choisissez cette seconde particulière. Mais quand tu choisis cette seconde là, il y a une sorte de processus qui se fait. Pas ça, pas ça, ça.

Et si tu étais là, ce serait pareil, pas ça, pas ça, ça. C’est un moment organique, très intéressant. Et c’est très logique aussi. Et d’où vient cette logique ? Elle vient de notre propre expérience, de notre propre vie. Parce qu’inconsciemment, je sais que ce n’est pas ce que je veux dire, c’est plus proche de ce que je veux dire,…

C’est aussi comme un processus de négation, tu rejettes, pas ça, pas ça, ça.

Dans une certaine mesure c’est aussi comme un concert, tu as l’introduction et ensuite commence le crescendo. L’image que tu vas avoir, est le crescendo de toutes ces choses qui viennent de passer, devant toi, et dans ta tête, et d’autres choses qui mènent au crescendo.

Et là tu as peut-être ton image. Elle résulte du « pic » créé par le contexte, du « pic » de ton ressenti, et le « pic » de ton fonctionnement propre, qui te mènent à : « Oui, c’est ça que je voulais ! »

LB : J’ai aussi beaucoup de questions concernant l’éthique. Voilà encore un sujet que nous avions abordé il y a deux mois avec vous, nous avions de nombreuses questions sur le sujet, parce que c’est évidemment très important.

Arnaud, Yann, Grazziella, Philippe, ont tous plus ou moins la même question : Il est nécessaire de prendre des photos dans des lieux où les gens ont tout perdu, y compris leurs familles, enfants,… Comment rester dans le témoignage, et ne pas tomber dans le voyeurisme ?

GO : C’est sûr que c’est un choix très difficile dans ces cas-là, et parfois tu te sens vraiment à la frontière. Tu arrives avec ta situation de confort, avec ton appareil, ce qui est un outil très cher, avec ta bouteille d’eau, avec ton sac possiblement plein de nourriture. Et tu es habillé correctement, et tu sais qu’après tu vas rentrer, qu’un taxi est en train de t’attendre, et là je vais photographier des gens qui sont perdus, qui ont perdu des parents, qui sont dans un état de choc, et moi je suis avec mon appareil, c’est là que…

Ta sensibilité comme personne, d’un être humain à un autre, va primer sur le reste. Ca se passe dans les yeux aussi, imprimé. En tant qu’humain, on est sensible les uns entre les autres par notre manière de se présenter les uns aux autres. Et la manière dont on se présente aux autres de l’intérieur, qui est la plus importante, doit se voir dans tes yeux.

Donc si on sent l’intention dans tes yeux, de ce que tu veux dire, du pourquoi tu es là. Suis-je là pour prendre ma photo et m’en aller, rejoindre le repas qui m’attend, ou suis-je là parce que je ressens quelque chose quant au sujet, parce que je sens que quelque chose est arrivé, et que ça doit être montré au reste du monde pour que quelque chose puisse changer par rapport à cette situation particulière.

Ou cela peut amener d’autres changements, comme le cas du tsunami, où les gens ont créé un système d’alerte au tsunami par exemple. Ou encore l’assistance, qui est arrivée pour aider les gens.

Mais tout cela c’est encore pour plus tard, la première chose est ton intention et ta manière d’aborder ton travail. Si tu es honnête avec toi-même, et sur la raison pour laquelle tu es là, ça se reflète dans tes yeux aussi, et les gens ne regarderont alors pas ton appareil, ils regarderont ton visage et tes yeux, et si tes yeux sont honnêtes, dans 99.99 % des cas, il n’y aura pas d’objections.

Tu ne dois pas approcher les gens directement avec l’appareil. Tu dois approcher avec respect, avec humilité : je suis là parce que c’est mon travail dans ces situations, je ne suis pas là pour interférer, ou déranger. Après tu finis par le voir, même sans parler, ça passe par les yeux, tu ressens que tu as le feu vert pour reprendre ton appareil.

Ça peut donner des choses très belles aussi dans des cas de situations très dures.

LB : Et.. où placez-vous la limite ? Vous arrive t-il de vous retenir de prendre une photo ?

GO : Il y a des situations où tu dois te demander, ai-je vraiment besoin de cette photo ?

En tant que photojournaliste, qui a vu beaucoup de choses, et sait le rôle des images, je dois me demander, est-ce que j’ai besoin de cette image ? Et si oui, est-ce la meilleure façon de le faire, ou ai-je une autre option où je ne m’imposerai pas, je ne dérangerai pas, où j’ajouterai à tout ce qui vient déjà de se passer.

Si tu es honnête, tu ne feras pas de mauvais choix, tu sauras que, et j’ai vu des gens le faire, si quelqu’un est en train de prier dans une église, une semaine après le tsunami, pleurant ses morts, j’ai vu des gens avec leurs appareils prêts à prendre des photos comme ça.

Ça, pour moi, c’est le pire que tu puisses faire pour cette personne. Je pense que nous avons nos propres règles comme photographe, pour moi ce que tu fais c’est exagérer quelque chose, en usant d’une optique qui déforme (un grand-angle), en insistant sur les larmes, en approchant ton objectif du visage de quelqu’un.

Mépriser quelqu’un avec le regard, même en étant dans l’objection, j’ai vu des gens faire ça. C’est aussi un business, oui il y a des gens qui font ça.

La même photo par exemple, aurait pu être prise à distance, il y a quelque chose qui s’appelle un téléobjectif. En captant l’exacte même chose, aussi bien, si ce n’est mieux. Mais avec respect, et toutes les valeurs présentes.

Donc tout dépend, c’est un choix, c’est la sensibilité du photographe. Un photographe plus sensible en fait de meilleures.

LB : Pas seulement comme photojournaliste d’ailleurs.

GO : Oui, dans n’importe quelle situation.

LB : Pour finir, j’ai une question très intéressante de Jean-Philippe, qui demande si vous pensez qu’en tant qu’indien, vous avez une sensibilité et une approche différentes des photographes occidentaux ?

GO : Je crois que la grosse différence en Inde, est le fait qu’on soit si nombreux ! Il n’y a pas vraiment d’endroit où tu puisses aller et trouver un peu de solitude !

LB : Oui je n’ai pas trouvé !

GO : Vous ne trouverez pas !

Parce qu’il y a des gens partout ! Donc il y a tant de gens, et donc autant de gens à photographier… Et aussi parce que les médias sont devenus actifs, les gens sont moins réticents à se confronter à l’appareil. Et même, ils exagèreront leurs réactions, il feront comme ça, ils joueront avec la caméra, parfois même tu ne voudrais pas !

LB : Oui j’ai remarqué ! Parfois tu veux passer inaperçu et c’est difficile ici !

GO : Très difficile! Tu dois juste jouer longtemps, attendre ton moment, ne pas oublier ce que tu es venu chercher.

Donc en Inde… par exemple, j’ai entendu parler, c’est dur à croire pour moi, mais que dans la plupart des sociétés occidentales, tu ne peux pas photographier des gens comme ça, qu’ils peuvent même te poursuivre. Que c’est très difficile de photographier en public,

LB : Oui en fait tu n’as pas le droit de publier, tu as le droit de les prendre, mais pas de les publier ensuite.

GO : Sauf si tu as leurs autorisations préalables.

LB : Oui en théorie, tu dois leur faire signer un papier, la plupart ne le fait pas mais en théorie tu dois.

GO : J’espère que nous n’atteindrons pas ce point, d’obtenir une autorisation de chaque personne photographiée.

LB : En fait il existe une exception pour le photojournalisme. Si on se trouve dans un endroit public, les gens sont supposés voir le photographe, et peuvent lui demander de ne pas utiliser cette photo.

Oui sinon, faire du photojournalisme serait un enfer..

Il faudrait faire signer à 200 personnes !

GO : En fait, on a des règles similaires ici aussi. On ne peut pas comme ça publier les photos de quelqu’un, mais je ne sais plus à quel endroit j’ai lu ça, il y a des autorisations à demander, quand tu fais de la photo publicitaire, et que tu photographies quelqu’un même dans une situation publique, pour utiliser la photo à des fins publicitaires, dans ce cas tu as besoin d’autorisation, ou même quand tu photographies et utilises la photo à d’autres fins que prévues. Dans ce cas aussi tu dois informer la personne de l’utilisation.

Il y a des règles, mais ce n’est pas si sévère.
Ce n’est pas trop dur, ça va.

Et les gens n’ont pas de problèmes avec ça, ils ne sont pas si gênés d’être pris en photo.

LB : Oui en fait quand on demande…

GO : Ils ne savent pas pourquoi tu demandes !

Oui ce n’est pas bien compliqué.
Et ce n’est pas trop dans la culture de poursuivre quelqu’un pour avoir été photographié.

LB : Quand je demande en Inde, les gens ne disent jamais non. Parfois en France, si.

GO : Oui, moi je dirais que c’est bien de demander.

Est-ce mieux de demander : oui!

Et parfois il faut chercher l’approbation, par le geste.

LB : Oui juste un regard et un sourire.

GO : C’est suffisant oui!

LB : Spécialement quand tu ne parles pas la langue. J’ai été dans des endroits où les gens ne parlaient pas anglais, donc je montrais l’appareil pour demander, et les gens en général disaient oui.

Parfois ils veulent juste que tu leur demandes…

Merci beaucoup pour cet entretien

GO : De rien

LB : C’était très intéressant.

Ça m’a beaucoup intéressé et je suis sûr que mes lecteurs aussi.

Donc merci beaucoup !

Je dois dire que j’ai un peu hésité avant d’écrire cet article, car il pourrait vous donner de mauvaises habitudes. Mais j’ai beaucoup eu la question ces derniers temps, et j’ai donc décidé de vous expliquer à quoi ça servait, même si l’intérêt en est limité selon moi. Mais j’y reviendrai.

Appelés « Picture Style » chez Canon, « Picture Control » chez Nikon, certains appareils permettent de choisir différentes options qui vont agir sur vos images. L’utilité de ce réglage et la façon dont ça fonctionne peut sembler obscure, voyons donc ensemble à quoi ça correspond.

Quels styles d’images existent ?

Les appareils proposent en général plusieurs styles par défaut, du genre Standard, Portrait, Paysage, Neutre, Fidèle, Monochrome, … et des styles personnalisés.

Pour bien comprendre, faites un exercice : prenez plusieurs fois la même photo avec les différents styles proposés par votre appareil, et comparez les résultats obtenus. Vous allez voir que si l’exposition ou la profondeur de champ restent les mêmes, l’aspect de l’image va changer en plusieurs points, notamment le contraste (l’écart entre les hautes et les basses lumières), la saturation (l’intensité des couleurs), et la teinte des couleurs.

Et c’est bien normal, car si vous allez voir dans le menu comment sont faits les styles d’image (consultez votre manuel pour savoir comment), ou si vous créez un style personnalisé, vous allez voir que ce qui change entre les styles d’image, ce sont des valeurs de contraste, de saturation, etc…

Je ne détaillerai volontairement pas les effets de chaque style d’image, car ils diffèrent selon les marques, mais en gros un style Portrait va donner des couleurs plus douces qu’un style Paysage par exemple (cf l’image de gauche).

Je vous invite d’ailleurs à faire un 2ème exercice : créez deux styles personnalisés « extrêmes », en choisissant par exemple de mettre la saturation au maximum sur l’un, et au minimum sur l’autre. Ainsi, vous verrez bien les différences !

Comment ça marche ?

Comme vous le savez si vous avez bien lu et retenu l’article sur le RAW, l’appareil applique lui-même ses réglages de contraste et de saturation (notamment) sur les JPEG qu’il produit. Ce qui est une des nombreuses raisons d’utiliser le format RAW, c’est de prendre la main sur ces automatismes.

Et bien les styles d’image en sont une autre : c’est le seul moyen d’influencer le rendu de vos JPEG en termes de contraste et de saturation. C’est une sorte de post-traitement dans l’appareil. Sauf que le réglage est évidemment bien plus grossier, et qu’il n’offre aucun des autres avantages du RAW.

Vous l’aurez peut-être compris : ces réglages s’appliquent évidemment seulement aux JPEG de l’appareil, et pas aux fichiers RAW. En effet, les RAW n’ont pas de contraste ou de saturation fixée a priori.

Le seul cas où vous allez le voir lors de la phase de développement numérique, c’est si vous utilisez le logiciel du constructeur, qui sait interpréter les styles d’image, et va donc placer par défaut les valeurs de contraste et de saturation comme celles choisies sur l’appareil.

Mais des logiciels tiers (et plus performants) comme RawTherapee ou Lightroom ne tiendront pas compte des styles d’image choisis.

Faut-il l’utiliser ?

Il y a quelques temps, j’aurais eu tendance à dire « non, ça ne sert à rien, passez plutôt du temps en post-traitement ».

Sauf qu’entre deux je suis parti en voyage, période pendant laquelle je n’avais évidemment pas le temps de post-traiter mes images. Sauf que j’avais bien envie de partager quelques images ça et là avec des amis. Et en bon photographe qui traite ses images, je n’avais pas la moindre envie de livrer des JPEG fades sortis de boîtier. J’ai donc utilisé les styles d’image à leur plein potentiel de façon à montrer des images dont je n’avais pas honte, en attendant de prendre le temps de les terminer en rentrant chez moi.

Bref, pour moi ils sont à réserver à des situations où vous devez livrer des images rapidement, sans avoir le temps de post-traiter.

Comment utiliser les styles d’image à leur plein potentiel ?

Alors évidemment, comme on se passe du RAW cette fois-ci (temporairement j’espère ), et que je prône d’avoir le meilleur contrôle possible sur ses images, mon conseil sera simple : n’utilisez que les styles personnalisés.

Tatonnez un peu pour trouver un, deux ou trois styles qui vous plaisent et vous serviront dans des situations diverses. Par exemple, comme j’aime les images contrastées et avec un peu de saturation en plus, j’ai personnalisé un style d’image sur mon appareil pour obtenir un rendu relativement satisfaisant : j’ai augmenté le contraste de 2 et la saturation de 1 par rapport au réglage Standard de mon appareil.

Au début j’ai essayé des valeurs plus élevées, mais le résultat était « too much » : trop de contraste et des couleurs criardes.

Mon conseil est vraiment de chercher par vous même le style qui vous convient le mieux !

Voilà, j’espère que ce réglage sera moins mystérieux pour vous dorénavant, mais n’oubliez pas qu’il supplée simplement ponctuellement l’utilisation du RAW, et ne le remplace en aucun cas !

N’hésitez pas à poser des questions en commentaire !

5 jours de rencontres, de conférences, de débats, et aussi beaucoup de matériel (que vous pourrez essayer). C’est un rendez-vous à ne pas manquer (d’ailleurs j’y serai, comme l’année dernière), et en partenariat avec le Salon de la Photo je vous offre cette année encore votre invitation d’une valeur de 11€ pour le Salon de la Photo.

Pour ça, la procédure est très simple :

1. Vous allez sur le site des invitations au Salon de la Photo (vous pouvez aussi cliquer sur l’affiche du salon ci-dessus).
2. Vous cliquez sur « vous êtes un amateur » (si c’est le cas hein, sinon cliquez sur ce qui correspond à votre situation)
3. Le site vous demande alors un code d’accès : tapez AHO12
4. Remplissez vos coordonnées (faites attention à bien taper votre email !)
5. Sur la page qui apparaît, cliquez sur Accéder à mon entrée gratuite
6. Vous pouvez alors imprimer votre entrée (indispensable pour rentrer au Salon, ça va sans dire !)
7. Si vous ne pouvez pas l’imprimer tout de suite, ne vous inquiétez pas, un mail vous est envoyé qui vous permettra de l’imprimer à n’importe quel moment.

Vous pouvez utiliser le code plusieurs fois si vous êtes plusieurs amateurs chez vous J’espère vous y voir !

Partagez l’info sur Facebook, Twitter et ailleurs avec vos amis qui pourraient être intéressés !

L’auteure

Aurélie, vous la connaissez sans doute déjà sous le pseudo de Madame Oreille, grâce à son excellent blog, ses carnets de voyage, ses conseils avisés et sa participation à la Boîte à Photos. Et puis si vous connaissez le blog depuis un moment, vous avez même peut-être déjà entendu son interview que j’avais réalisée ! Bref, inutile de dire qu’Aurélie, j’ai totalement confiance en ses conseils. Pour tout vous dire, j’ai même repotassé son blog avant de partir en Inde, et même sur place, histoire de tirer parti de son expérience de voyageuse photographe.

Lever de soleil sur le Gange, Varanasi

Et ça m’a bien servi ! J’avais bien intégré certains de ses conseils en partant en voyage. Même si j’en donne moi-même, c’est toujours bon de les lire de la plume de quelqu’un d’autre, et aide parfois à mieux les intégrer. Par exemple, en faisant la photo de gauche, j’avais en tête un mix de certains de ses articles. Bon ok je ne suis plus manchot en photo, mais bon quand même avouez que ça fait son petit effet (c’est un de mes préférées de mon voyages ).

Et Aurélie a décidé de nous concocter un guide de 160 pages, le Petit Guide du Voyageur Photographe, conçu pour donner toutes les clés aux voyageurs photographes pour revenir contents de leurs images (et non pas de vous donner des réglages types hein ). Et je peux vous dire que dans le genre petite bible, elle n’y est pas allée de main morte

En effet, j’ai eu le privilège de pouvoir le lire avant tout le monde et de vous livrer le fond de ma pensée le jour même de sa sortie (petits veinards ! ).

Le livre

Si vous voulez une méthode en 452 points pour faire de meilleures photos de voyage, passez votre chemin. Vous n’êtes pas obligé de le lire dans l’ordre, vous n’êtes pas obligé de tout lire, et tout dépend de ce que vous recherchez. L’avantage, c’est aussi que vous pourrez y revenir et y redécouvrir des choses plus tard, selon le voyage que vous préparez. J’ai remarqué aussi cette « structure sans structure » dans les livres d’Anne-Laure Jacquart, je me demande si ce n’est pas lié au fait que ce soit écrit par des femmes

Des conseils pour tous, dans tous les domaines

Rassurez-vous, le Petit Guide du Voyageur Photographe n’est pas non plus totalement dépourvu de structure. Il est divisé en 3 grandes parties sur le matériel, la prise de vue et le post-traitement. Le sommaire rend compte d’un livre assez riche, qui traite vraiment de nombreux aspects. Je ne vais pas vous recopier le sommaire, ça n’a aucun intérêt, mais vous y trouverez entre autres :

• des conseils sur le matériel à emporter, et comment le protéger (j’ai notamment appris comment agir si mon matériel tombe dans l’eau, merci Oreille ! )
• des conseils pratiques sur des situations courantes comme ce qu’il faut faire pour prendre l’avion en tout sécurité (et le fameux conseil indispensable de la carte de libre circulation), ou que faire quand il pleut parce qu’on a eu la mauvaise idée de partir en Inde en pleine mousson
• beaucoup d’astuces de prise de vue très utiles (notamment des topos sur des situations particulières comme les paysages, les portraits, les musées, …)
• d’excellents exemples de démarche photographique qui mène à des réglages, notamment dans la partie sur les modes (priorité ouverture, vitesse, programme), et aussi dans les interludes saupoudrés tout au long du guide pour vous faire prendre une pause dans la lecture et se concentrer sur les images.
• des tutos des essentiels du post-traitement et de la retouche (qui ont selon moi le défaut d’être centrés sur Photoshop, mais qui sont facilement adaptables à d’autres logiciels)

La « patte » Madame Oreille

Si vous connaissez et appréciez les Carnets de Voyage, vous allez adorer En effet, on voit tout de suite qui l’a écrit et mis en page !

Police de machine à écrire, photos présentes pour illustrer mais pas non plus trop imposantes, joli format carré agréable à lire, et finalement un ouvrage qu’on feuillettera avec plaisir à l’occasion, en voyage ou juste avant. C’est joli, c’est frais, ça se lit facilement et avec plaisir !

Au format numérique… ou au format papier !

J’ai moi-même sorti un livre à ce format, alors vous vous doutez bien que je ne vais pas en dire du mal. Je ne vois personnellement pas de problème à ça, mais pour ceux qui sont encore réfractaires au format numérique, et bien Oreille offre la possibilité de le commander au format papier. Évidemment, ça prendra plus de temps, et ce sera aussi plus cher (il faut bien l’imprimer et l’envoyer par la Poste). Mais ça peut être agréable, c’est vous qui voyez.

En résumé

160 pages de conseils avisés pour réussir vos photos de voyage, ce serait dommage de vous en priver, surtout que franchement en dépensant des sous dans du matériel photo + un grand voyage, ce serait bête de revenir sans de bons clichés pour votre famille, vos amis, et vous-même ! Bref, c’est à mon sens un excellent investissement, n’ayons pas peur des mots !

Points forts :

• Agréable à lire, vous y reviendrez avec plaisir
  Présentation léchée avec la patte Madame Oreille
• Réussissez vos photos quelque soit ce que vous préférez
  Des conseils dans tous les domaines
• Ne faites plus d’erreurs toutes bêtes
  Des conseils sur le matériel, des conseils pratiques… plus de souci en voyage !
• Ne soyez pas bridés dans votre créativité
  Des clés pour réussir, mais pas de consignes « militaires », pour laisser place à votre créativité et ce que vous souhaitez représenter sur vos images
• Comprenez mieux la réalisation des photos
  7 analyses d’images sous la forme d’interludes, qui vous expliquent les réglages et le post-traitement utilisé

Points faibles :

• Une partie post-traitement peut-être un peu trop sous Photoshop, mais tout à fait adaptable à d’autres logiciels
• On en voudrait encore plus tellement c’est bien !

Cliquez sur l’image pour voir le guide !

En plus, pour célébrer la semaine de lancement, le guide est au prix exceptionnel de 17€ au lieu de 23€, profitez-en, ça ne durera que jusqu’au 9 mai, après, il sera trop tard !

Pour bien comprendre cette vidéo, vous avez besoin de connaître les bases de l’exposition (ouverture, vitesse d’obturation, sensibilité ISO), et aussi de (re)lire les articles sur la correction d’exposition, ainsi que celui sur la mémorisation d’exposition, qui a inspiré sa question à Christophe, le lecteur à l’origine de cette vidéo. Ca vous fera une bonne révision

Je m’essaye ici à une espèce de « cours » en vidéo, comme si j’expliquais la notion à un ami qui me pose la question. Dites-moi si ça vous plaît ! (et puis aussi parce que je suis en plein emménagement, alors bon c’est compliqué ^^)

(Ca y est, j’ai un micro-cravate ! Vous ne râlerez plus parce que vous ne m’entendez pas )

Postez un commentaire s’il vous reste des questions !

(Note : cet article est un article invité, rédigé par Roy Pallas du blog-le-dessin)

Pour ma seconde intervention sur le blog de Laurent, je vais vous parler de peinture. J’ai eu la chance d’avoir eu quelques bons cours d’analyse d’œuvres à ce sujet et je pense que la photographie et les arts picturaux peuvent s’influencer de manière très positive. Je n’ai pas l’intention de vous forcer à penser vos photographies comme des tableaux de grands maîtres mais de vous faire découvrir quelques pépites qui, au mieux, peuvent vous inspirer dans vos compositions et au pire, vous donner envie d’observer les œuvres des peintres.
Pour ça, je vais débusquer dans chacun de mes exemples, un élément qui va créer l’ambigüité, qui accrochera le regard comme l’esprit et vous lister tout ça. C’est parti !

Des espaces qui échappent aux mesures

Ceux qui ont lu mon premier billet savent que j’aime particulièrement le peintre Vermeer. Sa vie est aussi mystérieuse que ses peintures, si bien qu’il a été surnommé « le sphinx de Delf ». Vous comprenez pourquoi je décide de commencer mon article avec cet artiste

Une récurrence dans les peintures de Vermeer est qu’il place régulièrement un ou des objets au premier plan entre les personnages qu’il peint et le spectateur (donc nous). Des objets comme des tapis, des meubles, des rideaux….. Tout cet ensemble met de la distance et en même temps cachent une bonne partie de la composition. Ça créé une large zone de hors-champ et quelques fois, on a même l’impression que Vermeer reproduit un cadre avec ces éléments. Ce qui donne l’impression d’un tableau dans le tableau.

Vermeer « Jeune femme lisant une lettre », vers 1657

Le premier moyen de créer du mystère (et le plus évident également) est donc de créer des zones de hors-champ. Comme cette liseuse devant cette fenêtre ouverte dont on ne sait pas sur quoi elle donne. Même les reflets sur la vitre dont on se dit qu’ils auraient pu nous renseigner sur ce qui se cache derrière ses rideaux ne font que réfléchir le visage de cette femme.
Vous remarquez aussi que le point de fuite se trouve au niveau du rideau de gauche. Donc nos yeux sont orientés vers une zone cachée.

Le hors-champs est d’autant plus intriguant qu’il suggère un espace invisible dont on aperçoit un fragment. Je reformule en plus clair Les ouvertures vers d’autres pièces intriguent beaucoup. On se demande ce qui s’y passe et dans la cas du tableau «la jeune femme endormie » on se demande si une personne va franchir le seuil et découvrir cette servante assoupie après un verre de vin alors qu’elle devrait être au travail.

Vermeer « La jeune femme endormie », vers 1657

Il y a aussi des ouvertures vers des pièces… étranges

Si on remonte le temps et qu’on passe de la Hollande à l’Italie, on peut trouver un sujet de peinture particulièrement riche en mystère. Je veux parler des « annonciations ». Je ne vais pas me lancer dans de longues explications théologiques mais sachez que les peintres du début de la Renaissance se sont questionnés sur la manière de représenter un acte « miraculeux » (ici celui de l’immaculée conception) dans un tableau. Comme il n’était pas permis de représenter Dieu, les peintres ont imaginés des moyens de suggérer sa présence dans leurs œuvres et ces suggestions passent par des jeux sur la perspective et sur l’échelle des éléments.

On part du principe que Dieu est un être qui échappe à la mesure. La perspective est un moyen de mesure donc ce qui ne sera pas en accord avec cette dernière sera une manifestation divine.

Dans le retable de Pierro della Francesca, on voit l’ange Gabriel et Marie sous un portique et devant un couloir de colonnes qui mènent vers un mur. On remarque que le mur au fond est en marbre mais que ses motifs sont disproportionnés. Comme si il y avait un zoom uniquement sur cette partie, on a l’impression de voir la pierre de près… Cette incohérence de l’échelle c’est la fameuse manifestation divine.

Piero della Francesca « Annonciation », 1426 (détail à droite)

Autre exemple avec une annonciation de Fra Angelico qui fait un jeu sur la perspective. Les deux personnages sont sous un portique et devant l’entrée d’une porte qui donne sur la chambre de Marie. Si on observe la chambre, on s’aperçoit qu’elle est trop profonde pour s’insérer dans les limites de l’habitation.

Fra Angelico « Annonciation », 1426

L’ingrédient des objets mystérieux

Revenons à Vermeer qui orne souvent les murs de tableaux. Vous allez me dire « en quoi c’est mystérieux ? », eh bien justement parce que ces œuvres sont là pour éclairer la scène qui est peinte (en général des scènes du quotidien) ils donnent un sens plus profond à ce qui semble anodin.

Notre esprit fait le rapprochement entre les deux images (la scène et l’image de fond). Imaginez une personne dos à un mur, qui semble être perdu dans ses rêveries. Imaginez que sur ce mur il n’y ait rien sauf une photo d’un beau paysage. Qu’est-ce qu’on en déduit ? Rien ne pourrait le confirmer mais il est tentant de se dire que cette personne rêve de voyage et d’évasion (c’est d’ailleurs sur ce principe d’association d’image que fonctionne la Bande-dessinée). Est donc mystérieux ce qui donne un indice sur l’interprétation d’une image « banale », comme la présence d’une clé suggère celle d’une serrure.

Vermeer « Dame debout à l’épinette », 1673-75

Prenez par exemple « la dame à l’épinette », c’est un personnage qui semble occupé à jouer de la musique et qui regarde en direction du spectateur. À part le paysage dans un cadre d’or, il y a le tableau d’un cupidon placé juste au-dessus d’elle… Par association vous pouvez en déduire que cette femme :
A – recherche l’amour
B – a trouvé l’amour
C – la réponse C

Bref on commence à s’interroger un peu plus précisément sur cette femme sans pour autant qu’elle ne perde son mystère. Un autre indice est qu’on appelle aussi l’épinette une « virginale »…

Un autre exemple à la visée plus moraliste, « La peseuse de perle » qui estime sa richesse avec cette petite balance tenue entre deux doigts. On peut voir que le tableau derrière elle est un jugement dernier, le moment où les âmes des vivants sont pesées pour déterminer leur destinée après la mort.

Vermeer « La peseuse de perle », vers 1662

Les objets du quotidien peuvent eux aussi être plein de mystère…

…mais sous quelles conditions ? J’en vois deux personnellement. En général, des objets dont on sent qu’ils ont été utilisés ou qu’ils sont prêts à l’être, possèdent une aura de mystère. Parce qu’ils sont désordonnés, ils suggèrent le passage d’un humain.

Regardez « Le verrou » de Fragonard, et voyez comment la composition s’articule entre les deux personnages à droite et le mobilier à gauche. L’éclairage est orienté sur les deux amants et un lit défait se trouve dans l’ombre. Ce lit est un indice sur ce qui va ou ce qui s’est passé dans cette chambre, grâce à lui on suppose qu’il y a eu une action. Comme les autres points que j’ai abordé, le désordre nous pousse à l’hypothèse, c’est le premier point !

Fragonard « le verrou » 1774-78

Le second est que ce lit défait rappelle étrangement une silhouette humaine. Le peintre a volontairement organisé les draps et les coussins afin qu’ils ressemblent à un corps humain. On a l’impression d’un genou avec le drap rouge et de seins avec les oreillers. Suggérer une silhouette humaine (ou certains membres) avec des objets capte le regard. Ce que le spectateur va chercher en premier dans une image c’est « lui-même ».

Détail du lit

Ce qui se cache derrière la Joconde…

Pour finir, je ne pouvais pas parler de mystère dans les peintures sans évoquer la Joconde de De Vinci. Je vais vous livrer une remarque de Daniel Arasse, historien d’art, sur le paysage à l’arrière plan du tableau (le sourire tout le monde en parle déjà assez ;) ).

Léonard de Vinci «La Joconde», 1503-06

L’arrière plan est flou certes, c’est une belle perspective atmosphérique, mais autre chose plus intéressante c’est que la partie droite est un paysage élevé (un plateau) alors que la partie gauche est basse.

Léonard de Vinci «La Joconde», 1503-06 (détail)

On a l’impression de deux environnements différents. Il y a une transition brutale entre ces deux paysages et pourtant il s’agit d’un même lieu scindé en deux parties de part et d’autre du portrait avec un coin d’eau chacun. On se demande comment le paysage se transforme et passe de l’une à l’autre ? Un des mystères de ce tableau est donc cette transition entre ce plateau et cette vallée qui est cachée par… Mona Lisa.

Par conséquent un autre moyen de donner du mystère à vos compositions serait de repérer les zones de transitions, les passages brutes entre deux paysages et de dissimuler ce glissement. En plus court de faire en sorte de créer une « énigme visuelle » et d’en cacher la réponse.

Voici en résumé les ingrédients d’une image mystérieuse :

• Changer volontairement les échelles
• Dissimuler les transitions entre deux espaces
• Montrer des ouvertures vers des espaces qu’on aperçoit partiellement
• Créer des relations entre les personnages et les images dans une composition
• Utiliser des objets qui ont une allure humaine (où les organiser pour qu’ils ressemblent à un corps humain)
• Utiliser des objets en désordre

Pour finir je voudrais vous faire une recommandation que ferait un de mes professeurs (quand je dis « recommandation » c’est un euphémisme. Il était très insistant, surtout envers l’auteur de cet article…)

Comme les nems se mangent entourés d’une belle feuille de salade, le mystère et l’ambiguïté se dégustent mieux lorsqu’ils sont enrobés de subtilité.

Vous avez remarqué que les exemples d’objets et d’espaces que je vous ai donné se trouvaient soit au second plan par rapport à la scène soit dans un espace peu lumineux. Si cette recherche de l’ambiguïté dans votre composition vous passionne, sachez qu’elle suscitera plus d’interrogation de la part du spectateur de votre image si elle n’est posée comme le sujet principal de votre production.

Est-ce que l’aura de mystère de « La Joconde » se serait diluée si elle s’était appelée « homme/femme au sourire énigmatique devant paysage qui l’est tout autant » ?

Donc un peu de « non-vu » et autant de « non-dit » pour que le spectateur fasse un peu le travail ;).

Roy Pallas
www.blog-le-dessin.com

Merci à Laurent Vaissade pour le logo

Je dois dire que je suis assez fier d’avoir organisé cette première édition de la Boîte à Photos, que nous avons choisi de faire tourner autour du thème de la créativité. Etre créatif, c’est un obstacle qui se dresse sur la route de nombreux photographes amateurs. Ne pas ressentir grand chose devant ses propres images, les trouver banales voire ennuyeuses, et ne pas trouver son propre style bien personnel, voilà qui est le lot de nombre d’entre vous. Devant cette épineuse question, nous n’étions pas trop de 11 pour défricher le problème et essayer de vous apporter des réponses

Le succès de l’évènement ne va pas pour me contredire : 550 personnes sur la page Facebook, presque 300 sur Twitter, sans compter tous ceux qui ont suivi les articles publiés sans passer par les réseaux sociaux. Au final plusieurs milliers d’entre vous ont pu se régaler de ces articles, pour notre plus grand plaisir.

Je commencerai donc par faire un résumé de chaque article, en essayant au final de synthétiser tout ça. (L’ordre est alphabétique, considérant le nom du blog.)

Le processus créatif du photographe

Copyright Antoine Anfroy

Dans son article, Antoine Anfroy du blog 1point2vue décrypte le processus créatif du photographe, qui se découpe pour lui en 4 étapes :

• Une idée tout d’abord. La petite étincelle qui amorce tout, guidée par notre inspiration. Et contrairement aux idées reçues, l’inspiration se travaille, surtout par l’observation.
• Votre sensibilité : on a tous un style préféré, un genre de photo qui nous inspire plus que les autres. Et on peut être créatif dans chacun de ces domaines.
• Une maîtrise des bases techniques. Comme le dit justement Antoine, « Avant de peindre la Joconde, on se doute bien que Leonard de Vinci avait deux ou trois notions de dessin. » Une bonne maîtrise vous permettra non seulement d’exprimer votre idée et votre sensibilité, mais aussi de découvrir d’autres possibilités créatives.
• De la pratique, bref du temps. On n’a rien sans patience, et le temps vous permettra de réunir en harmonie les 3 ingrédients précédents. Et pour vous le prouver, une vidéo que j’ai trouvée rafraichissante et intelligente (seulement une ou deux phrases simples écrites en anglais) :
  

3 idées pour être plus créatif

Sur AMP Photographie, Aymeric Gobert vous propose 3 idées simples dans son article :

• Apprenez à regarder : Prenez une photo d’un endroit commun pour vous avec un appareil jetable, pour vous laisser le temps de la réflexion avant de prendre d’autres clichés avec votre appareil habituel. Ainsi, en revenant ça vous aidera à changer votre point de vue : changez-en !
• Brisez les règles : Que ce soit les règles photographiques comme la fameuse règle des tiers ou encore des règles sociales liées au regard des autres, ne vous laissez pas emprisonner dans des carcans et osez.
• Lancez-vous un défi : Pour vous booster, fixez vous un objectif, comme participer à un concours photo, monter votre 1ère expo, ou explorez des techniques que vous ne connaissez pas.

Et pour conclure, Aymeric cite une petite fable qui vous incitera à vous bouger maintenant, et pas juste à terminer cet article sans rien appliquer. Je vous invite sérieusement à la lire !

Les séries comme outil de votre créativité

Je n’étais même pas censé écrire d’article sur le sujet, me chargeant de la synthèse, mais comme j’avais un article sur les séries dans mes cartons, je me suis dit qu’il se prêtait en réalité bien au sujet.

Travailler sur une série, ça vous débarrasse de vos questions limitantes (dois-je choisir 1/150ème ou 1/200ème comme vitesse d’obturation ?), et vous permet de vous concentrer et d’ouvrir les yeux sur la scène que vous avez dans le viseur. Comment ? En vous donnant une idée précise de la photo finale que vous allez obtenir (parce que vous vous serez fixé des contraintes de rendu) et en vous affranchissant de certains réglages (si vous vous êtes fixé une longueur focale ou une ouverture par exemple).

De plus, si vous bossez bien sur l’idée de base qui vous servira de fil rouge, et qu’elle est vraiment originale, toute votre série se retrouvera avec un « petit plus ».

Je vous donne également quelques astuces plus concrètes sur les différents éléments qui peuvent donner une cohérence à vos images, mais je vous laisse aller lire ça de plus près si ce n’est déjà fait

La créativité en photo nature avec le contre-jour

Copyright Cédric Girard

Tout photographe de nature connaît le blog Aube Nature tenu par Cédric Girard, qui nous abreuve de belles images, de bons conseils et cette semaine d’un article sur une technique trop peu utilisée en photo nature (et ailleurs ?) : le contre-jour.

En général, le contre-jour embête les photographes, car si notre oeil est à peu près à l’aise avec les scènes à fort contraste, ce n’est pas le cas du capteur de nos appareils, qui n’arrive à exposer « correctement » qu’une seule partie de ce type de scène. Alors plutôt que de se battre contre ce phénomène qui est de toute façon présent, profitons-en plutôt pour être créatifs !

La première étape est de maîtriser l’exposition. En gros, c’est assez simple : il « suffit » d’exposer pour les hautes lumières, et si la scène est contrastée, les ombres seront forcément bouchées. Pour ça, vous pouvez utiliser différentes techniques comme la correction d’exposition, ou le mode de mesure spot (éventuellement allié à une mémorisation de l’exposition).

L’usage du contre-jour va permettre de jouer sur les formes tout d’abord : à travers l’effet classique de silhouettes sombres se découpant sur un fond plus lumineux, mais aussi des vitesses lentes pour mettre en valeur le mouvement d’un sujet, avec des motifs répétitifs qu’on peut souvent trouver dans la nature, en accentuant les contours au post-traitement, ou encore en recherchant la géométrie.

Le contre-jour va également nous permettre de jouer sur les contrastes et les couleurs différemment, en particulier au post-traitement : pousser encore un peu le contraste pour avoir vraiment l’effet recherché, ou utiliser des balances des blancs un peu extrêmes sont des effets qui se marient très bien avec le contre-jour.

Bref : osez le contre-jour, et assumez-le !

Testez le « cadavre exquis » photographique

Copyright Anne-Laure Jacquart

Si vous lisez le blog depuis un moment, vous devez sans doute connaître Anne-Laure Jacquart, auteure de 2 best-sellers que j’ai beaucoup aimés, et qui nous a fait le plaisir de nous suggérer sur son blog « Au Présent du Subjectif« , un exercice très intéressant pour améliorer votre créativité, « ce qui fait avancer le monde ». (et je ne peux qu’approuver complètement !)

Avancer le monde par les inventions bien sûr, mais aussi par l’art, part de culture indispensable à la naissance de nouvelles idées. Bref, de la créativité nait la créativité, et nous avançons.

Malgré cette indéniable utilité, nous en manquons souvent, par peur de l’inconnu. Etre créatif, c’est sortir des sentiers battus, se mettre en danger, et ce n’est pas reposant. En plus de ça, nous avons une forte tendance à être influencé par les images que nous avons déjà vues, sans même toujours s’en rendre compte.

Alors que faire ? Et bien retournons en enfance grâce à un jeu auquel vous avez sans doute déjà participé vous aussi : le cadavre exquis. L’idée ? A l’origine, c’est faire composer une phrase ou un dessin par plusieurs personnes, sans qu’elles aient idée de ce qu’on fait les autres. En général, on prend un bout de papier qu’on plie de façon à cacher les étapes précédentes de la phrase, ou du dessin. Chaque pli va ainsi cacher sujet, verbe, complément ou encore tête, torse, jambes.

Ici, nous allons composer un cadavre exquis photographique, et sur chaque pli de notre papier qui sent déjà la créativité, nous allons mettre :

• un sujet : crayon, fleur, chien, maison, voiture, ce que vous voulez
• une approche photographique liée à la prise de vue : pose lente, très grand angle, recherche d’abstraction, faible profondeur de champ…
• une indication de rendu liée au post-traitement : noir et blanc contrasté, rendu lumineux type « high key », incrustation de texture, balance des couleurs personnalisées, …

Et quand vous défaites vos papiers, vous avez 5, 10, 15 idées de photo. Anne-Laure nous donne non seulement cet excellente idée, mais elle l’applique aussi. Parce que je veux que vous lisiez l’article et que ceci n’est qu’un résumé, je ne vous donne pas le résultat, et vous laisse aller voir les images qui en résultent, ainsi que l’analyse très intéressante de leur réalisation.

Exercice pour vous : si vous voulez ne pas seulement lire cette synthèse d’un oeil distrait, mais aussi appliquer réellement et améliorer votre créativité, faites l’exercice maintenant ! (pas demain, on est dimanche là, pas d’excuse pour procrastiner ! ) Postez le résultat en commentaires ici ou sur le blog d’Anne-Laure, ce sera très intéressant de voir les résultats !

3 étapes pour développer votre créativité

Copyright Régis Moscardini

Si vous lisez le blog depuis un moment, vous devez également connaître Régis Moscardini du blog Auxois Nature, qui a déjà rédigé une paire d’articles invités sur ce blog. Pour sa participation à la Boîte à Photos, Régis nous dit qu’il est très complexe de créer une technique pour améliorer la créativité, car c’est une affaire personnelle. Mais qu’il est quand même possible de proposer une démarche pour libérer votre processus créatif (et pas celui d’un autre ).

Etape 1 : La curiosité

Retrouvez cet état de grâce du grand débutant curieux de tout et qui photographie tout et n’importe quoi ! Prenez votre appareil partout, connaissez-le dans les moindres détails (expérimentez !), et inspirez-vous de vos modèles, c’est-à-dire des photographes que vous admirez et que vous voudriez égaler. Quand cette soif de découverte s’épuise naturellement, il est temps de passer en douceur à l’étape suivante.

Etape 2 : La découverte de son style

Après cette première étape (plus ou moins longue, enfin plutôt plus que moins ), vous devriez avoir beaucoup d’images. C’est l’occasion de prendre du recul sur votre travail, et d’analyser un peu tout ça. En effet, si vous prenez vos meilleures images, vous devriez commencer à voir des points communs se détacher. N’hésitez pas à confier ce travail à un proche. Quels sont les ressentis immédiats ?
Et en toute logique, vous aurez trouvé votre style, ou tout au moins son embryon. Votre touche personnelle. Régis en photo animalière cadre serré les animaux. (En ce qui me concerne, je fais souvent des portraits très serrés, en noir et blanc contrasté, à très faible profondeur de champ.)

Etape 3 : La visualisation

Maintenant que vous connaissez votre style, ou tout au moins celui vers lequel vous tendez, il ne s’agit pas de vous reposer sur vos lauriers ! Concentrez-vous sur la maîtrise complète de ce style, travaillez-le à fond, documentez-vous, admirez les photos qui s’en rapprochent, pratiquez et expérimentez. Vous êtes à un stade où vous pouvez visualiser mentalement vos futures images, et donc vous concentrer sur un seul objectif.

Quelques trucs et astuces pour développer votre créativité photographique

Chez Bon Plan Photo, on s’accorde aussi pour dire que même si on se dit souvent « mais comment font-ils ? » en voyant certaines images, la créativité, ça se travaille !

Alors même si c’est un processus à long terme, que faire ?

• Apprenez à découvrir les photos des autres photographes : explorez le web, les expos photo, et posez des questions aux photographes, qui seront toujours heureux d’échanger avec vous concernant leur travail, de leur démarche créative à leur matériel, en passant par leurs sujets.
• Inspirez-vous de ce qui vous entoure et photographiez encore et encore : le quotidien est une grande source d’inspiration. N’hésitez pas non plus à essayer de reproduire des images, ce qui vous apprendre des processus techniques auxquels vous repenserez peut-être dans de toutes autres circonstances.
• Maîtrisez les règles photographiques et ne les respectez pas tout le temps : la règle des tiers, celle de l’espace laissé devant le regard, ou tout simplement d’une exposition classique (blancs pas cramés et noirs pas bouchés). Un photographe créatif sait les transgresser à bon escient.
• Partagez votre travail : utilisez les forums et inscrivez-vous dans un club photo. Cela vous permettra de recevoir des critiques sur vos images, de discuter avec des photographes, de recevoir des conseils, de faire des sorties photo, de travailler sur des thèmes communs, …
• Amusez-vous ! Soyez passionné, curieux, expérimentez et retrouvez une âme d’enfant !

La créativité suisse

Le blog de Darth, c’est de la dynamite ! Plus sérieusement, dans son article, Franky nous dit d’abord qu’avoir l’oeil, ce n’est pas facile. Il nous propose tout d’abord d’user d’inspiration. Pas de copie hein, d’inspiration. Regarder et analyser d’autres images non seulement éduque l’oeil, mais aussi nous permet de piocher des éléments, comme une belle lumière, une idée de composition ou de post-traitement, … Tout en transmettant votre propre vision.

Mais l’ami Darth prend un peu le problème à contrepied, et nous dit qu’après tout, être créatif n’est pas nécessaire pour offrir une belle photo, et prend en exemple cette photo de Cédric Girard (qui participe lui aussi ), dont la créativité se retrouve plutôt dans le dispositif et l’oeil du photographe que dans une démarche particulière.

La créativité comme vous ne l’avez jamais entendue

Sur Déclencheur, Benoît Marchal nous propose une vidéo originale et décalée. Comme elle est courte, un peu ironique, et qu’il faut vraiment la voir, j’ai arbitrairement décidé de ne pas vous la résumer, et de vous forcer à la regarder

Etre créatif en voyage

Copyright Aurélie Amiot

Fidèle à sa thématique, Madame Oreille écrit sur la créativité en voyage, où l’originalité de vos images est particulièrement importante, puisque vous n’êtes pas le premier à passer à cet endroit, loin de là !

Le premier conseil est donc évidemment de changer de point de vue : tournez autour des choses, mais aussi prenez de la hauteur ou au contraire baissez-vous, ou jouez avec la profondeur de champ.

Ensuite, vous pouvez également vous mettre en scène dans vos images. Intégrer l’humain renforce toujours une photo, mais vous pouvez en profiter pour raconter une histoire qui vous arrive au travers d’une photo. Les exemples dans l’article d’Aurélie sont très parlants !

Enfin, ne vous contentez pas des plans larges, et cherchez les détails ! Vous pouvez soit plonger complètement dans le sujet sans laisser d’indice (le type de photo de détail qui s’inclura très bien dans une série), ou alors à l’inverse jouer sur les plans (une photo qui se suffira à elle-même).

3 moyens d’exprimer sa créativité

Sur le blog de Mon Cours Photo, on vous propose un retour à l’essentiel en attirant le regard sur un sujet banal.

Premièrement, la créativité par le choix du thème, avec l’exemple de ces images d’Eugenia Maximova qui a choisi un sujet aussi banal que la cuisine, mais avec une signature graphique particulière en soignant la composition, la lumière et les couleurs. La créativité se retrouve ici dans la manière d’aborder le sujet plus que dans le sujet lui-même. Ensuite, la créativité à la prise de vue en imposant un regard différent, comme une prise de vue au ras du sol par exemple. Et enfin, la retouche permet d’aller plus loin en restant naturel ou en allant carrément jouer avec des rendus surréalistes.

Conclusion

Ouch, je crois que je n’ai jamais autant de temps à écrire un article ! ^^ Exercice difficile mais nécessaire de synthèse de tout cet excellent contenu mis à votre disposition. Alors que retenir de tout ça, quels sont les points communs qui se dégagent ?

Tout le monde s’accorde à dire plus ou moins directement qu’un prérequis indispensable est de maîtriser les bases techniques. En effet, comment jouer avec la profondeur de champ par exemple, si on ne sait pas ce que c’est ? Seule de bonnes lectures et surtout la pratique vous permettront de vous sentir à l’aise avec votre appareil. Ensuite, vous pourrez libérer votre créativité en jouant avec les effets que vous maîtrisez. Ne rongez donc pas trop votre frein si vous avez encore du mal à maîtriser votre appareil, et prenez votre temps.

Du temps, c’est ce qui revient souvent : il vous en faut pour avoir suffisamment de pratique, pour expérimenter et découvrir la technique ou de nouvelles approches photographiques. Mais du temps, vous devriez pouvoir en dégager autant que possible si vous êtes curieux et passionné. Ça paraît très simple mais c’est vrai : si vous n’adorez pas ça, vous aurez du mal à faire de bonnes images. Photographiez le sourire aux lèvres !

Plus techniquement, nous sommes plusieurs à dire qu’il y a 3 domaines principaux sur lesquels on peut faire agir notre créativité :

• le sujet
• l’approche à la prise de vue (angle de vue, focale, etc.)
• les choix de post-traitement (contraste, noir et blanc, format carré, etc.)

Mais surtout, surtout, vous devez agir et OSER ! Tout ceci ne sert absolument à rien si vous restez derrière votre écran sans photographier. Donc cliquez sur « J’aime », et partez faire l’exercice donné par Anne-Laure Jacquart par exemple, avant de revenir pour montrer le résultat en commentaire ! Ne soyez pas timide !

Cet article est écrit dans le cadre de la Boîte à Photos, événement que j’ai annoncé au début de la semaine, et qui réunit une dizaine de blogueurs photo francophones autour d’un thème commun, qui est la créativité pour cette première édition.

Merci à Laurent Vaissade pour la création du logo.

Je dois avouer que puisque le thème du Dimanche Critique Photo de ce mois-ci est de réaliser une série, j’écris également cet article pour vous aider

Faire une série, ça rend vraiment créatif ?

D’aucun pourraient me rétorquer que prendre 3, 10 ou 100 photos autour d’une même idée, ce serait au contraire lassant, et tuerait toute créativité dans l’oeuf. Ce serait oublier que ce n’est pas parce que vous travaillez sur une série que vous êtes obligé de ne prendre aucune autre photo, et que vous devez vous empêcher de saisir toutes les bonnes occasions qui se présentent à vous

En réalité, en vous débarrassant de certaines questions qui peuvent vous encombrer d’habitude, réaliser une série peut justement concentrer votre attention et vous ouvrir les yeux, vous permettant ainsi de sortir un peu des sentiers battus et de faire quelque de cohérent et… créatif !

En fait, quand vous avez un projet en tête qui dépasse un peu l’idée de « hé, sortons faire des photos », vous allez moins ressentir de baisse d’inspiration. C’est prouvé par une étude du CNRS. Nan, j’déconne

En plus, vous allez voir que vous allez oser plus de choses, car les photos se complétant entre elles, vous pouvez vous permettre d’essayer des choses qui ne tiendraient pas debout seules, mais qui font sens une fois réunies.

D’ailleurs, accordons-nous sur la définition de « série » avant de rentrer dans le vif du sujet et de vous donner des outils concrets pour réussir les vôtres. Une série, ce ne sont pas 3 ou 10 photos du même sujet, prises du même endroit, avec juste une longueur focale différente par exemple. Ca, ce sont différents essais qui vont vous conduire à choisir une ou deux photos dans le lot. Voire un reportage, si c’est un peu plus varié.

Une série, c’est un ensemble d’images cohérentes, bref qui ont un ou de préférence plusieurs points communs, tout en étant nettement différentes les unes des autres. On va détailler ensuite quels peuvent être ces points communs.

Réussir une série

Toute série part d’une idée

Une idée qui doit d’abord se cadrer dans un style photographique particulier. Il est plus difficile de faire une série cohérente qui inclue de la photo animalière, de rue et de portrait par exemple.

L’idéal est donc de vous concentrer sur votre pratique préférée, si vous en avez une, ou de choisir un domaine que vous souhaitez approfondir.

Ensuite, vous pouvez trouver une idée, un projet qui va donner un fil rouge à vos sorties photo. Ca peut être quelque chose de très simple, comme par exemple se focaliser sur… les parapluies en photo de rue (je viens de l’inventer ), ou alors vous pouvez chercher un peu plus loin, penser « out of the box » comme disent les anglophones. Par exemple les chiens et leurs maîtres qui se ressemblent en photo de rue (oui, je viens aussi de l’inventer). Je vous recommande plutôt de faire simple, surtout si vous débutez, car ça vous donnera plus d’occasions de photographier.

Certains trouveront ces idées assez facilement, et pour d’autres ce sera plus difficile. Dans ce cas, je vous invite à sortir dans votre environnement favori (en rapport avec le style que vous souhaitez travailler ou que vous préférez), sans appareil photo, et à observer. Vous finirez par remarquer un élément qui se reproduit et qui peut être visuellement intéressant. Voilà, vous avez votre idée !

Qu’est-ce qui fait la cohérence d’une série ?

On l’a dit plus haut, les images d’une série doivent être cohérentes. Quels sont les points communs que vous pouvez utiliser pour qu’on voie tout de suite que c’est une série ? (parce que si ce n’est pas le cas, c’est un peu raté ).

• Le plus évident, c’est le sujet : Si vous ne prenez que des photos de gens avec leur parapluie dans la rue, on va deviner que ce n’est pas par hasard, mais par intention. En réalité, la cohérence du sujet est sans doute la plus facile à atteindre, car elle découle en ligne directe de l’idée.
  Cela dit, elle peut perdre de son impact si c’est le seul liant de la série.
• La façon dont vous photographiez, c’est-à-dire votre approche technique et artistique à la prise de vue, est également très importante. Ce sont en fait des éléments très techniques totalement mis au service de votre créativité. Il peut s’agir de :
  • la longueur focale utilisée : toute une série à l’ultra grand-angle par exemple
  • de la distance au sujet ou plus généralement du cadrage : que des portraits serrés par exemple
  • d’un choix fort d’exposition : contre-jour, sous ou sur-exposition, utilisation des silhouettes
  • d’un choix esthétique comme une faible profondeur de champ
  • d’un choix de vitesse d’obturation particulier : poses longues ou à l’inverse figer un sujet rapide
  • d’un point de vue particulier : appareil au niveau du sol, ou au contraire vue plongeante
  • etc…
• Enfin, vos choix esthétiques au post-traitement, comme par exemple :
  • Le choix du noir et blanc ou de la couleur (voire d’une saturation un peu forte)
  • Un format particulier (carré, panoramique, etc.)
  • Un contraste élevé
  • Une retouche en particulier (utilisation de textures par exemple)
  • etc…

Comme vous pouvez le voir, les possibilités sont très nombreuses pour donner une cohérence à votre série, mais ont un point commun : il vous faut effectuer des choix forts. Ne faites pas dans la demi-mesure : si vous choisissez de photographier au niveau du sol, ne vous accroupissez pas simplement, allongez vous par terre ! (oui, je tiens au fait de s’allonger par terre en photographie )

Petit exercice : allez voir la série complète que j’ai commencé à vous présenter sur la droite, et postez en commentaire ce qui fait sa cohérence.

Comment procéder concrètement ?

Une fois que vous avez trouvé votre idée, faites une liste des éléments qui vont donner une cohérence à votre série, qui sera presque « à cocher ». Par exemple, pour reprendre l’exemple précédent :

• Personnes avec un parapluie dans la rue
• Seulement les personnes intéressantes visuellement (style particulier, etc.)
• Cadrées jusqu’à la taille (assez serré donc)
• Au 50mm
• A grande ouverture seulement (ne pas fermer plus que f/2.8)
• Noir et blanc contrasté
• Une série de 10 photos

Vous pouvez également vous fixer une période, que ce soit réaliser la série sur une après-midi, ou alors la garder en tête sur le long terme sans vraiment vous donner de limite en nombre de photo. Je vous conseille plutôt la 1ère option au début, pour vous motiver !

Vous noterez que cette liste vous permet de vous affranchir de toutes les questions qui vous bloquent au moment de déclencher : que dois-je photographier, quelle focale choisir, comment faire mes réglages en fonction de la lumière.

Ici, vous pouvez virtuellement choisir des réglages au début de la journée et ne plus en changer. Vous choisissez f/2.8 en priorité ouverture, et vous poussez jusqu’à 400 ISO disons parce que vous serez par temps gris et pluvieux, afin de vous assurer une vitesse d’obturation suffisante.

Comme vous avez déjà le rendu final en tête, vous n’allez pas trop hésiter sur le cadrage, et vous concentrer sur l’observation de ce qui vous entoure. Vous n’aurez plus qu’à saisir le bon moment !

En fait, faire une série (et bien la préparer) constitue un excellent moyen de vous détendre, de vous décharger de toutes les questions (souvent inutiles) que vous vous posez habituellement, ce qui est un excellent moyen de stimuler votre créativité d’habitude inhibée par tous ces problèmes techniques !

Je compte sur vous pour poster des séries de 3 photos pour le Dimanche Critique Photo de ce mois-ci !

Un immense merci à Laurent Vaissade pour la création du logo !

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Et comme promis, voici les 10 autres blogs participants à l’évènement !

1point2vue, Apprendre à faire des photos et à les retoucher

AMP Photographie : Architecture, évènementiel, paysage

Aube Nature, la photo nature vue par Cédric Girard

Au Présent du Subjectif, le blog d’Anne-Laure Jacquart

(que vous connaissez déjà si vous lisez bien le blog )

Auxois Nature, le blog de Photographie animalière

Bon Plan Photo, pour les photographes amateurs

Darth’s Blog, Le couteau suisse de la photo

Déclencheur, La photo comme vous ne l’avez jamais entendue

Madame Oreille, voyage et photo

Le blog de Mon Cours Photo