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El ganador del cuadro a sido el nº 5; Marcos Novoa Fernández

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Quien quiera participar que me contacte.

El cuadro que sorteo es este;

El sorteo se efectuará el 23 de diciembre...

con C/ Fonollar ,12,
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Hector E. Manilla. Artista. Barcelona

2011-09-20T03:46:00.002+01:00

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Hector E. Manilla. Artista. Barcelona

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El Ojo T.V.

2010-12-07T14:57:00.002Z

Entrada extraida de -> valentinroma

TODO LO VEO NEGRO

Valentín Roma

¿por qué a los novelistas sólo les interesan artistas cursis? ¿por qué los artistas citan siempre a escritores que murieron hace ciento cincuenta años? ¿por qué los filósofos no leen novelas ni visitan museos?

Noviembre 10th, 2010 by admin

A finales de los años ochenta hubo un término, interdisciplinaridad, que circulaba por la jerga artística de la misma forma extraña e insistente que ciertas alocuciones coloquiales, que ciertos chistes, que ciertas imitaciones cómicas, es decir, como una seña de identificación, como un signo de pertenencia socio-cultural a una vacuidad común. Siguiendo con el ciclo lógico de este tipo de “expresiones”, después de su posterior desuso llegó un momento –que aún dura a día de hoy– en el que referirse a lo interdisciplinario era, incluso, un claro síntoma de desprestigio y de anacronismo. No obstante, intuyo o auguro que falta relativamente poco para que éste sea un término vintage. Si no al tiempo.

En cualquier caso y por reactivar la polémica disciplinaria o quizás sólo por indisciplina, podrían lanzarse al aire tres preguntas distintas que son, de algún modo, una sola. Primera pregunta: ¿por qué a los novelistas siempre les interesan artistas intrascendentes, cursis y modernos, en el peor sentido de la palabra? Segunda pregunta: ¿por qué los artistas sólo se refieren a escritores que aparecen en el índice de El canon occidental de Harold Bloom o que tienen una entrada en la Enciclopedia Británica o que murieron hace, como mínimo, ciento cincuenta años o las tres opciones al mismo tiempo? Tercera pregunta: ¿por qué los filósofos no leen novelas ni visitan museos?

Como suele suceder en estos casos no existen respuestas para las anteriores cuestiones, pero sí hay pequeños remolinos de indicios que sobrevuelan por encima de cada una de ellas. Ahí van unos cuántos.

Primer remolino de indicios en torno a la primera pregunta

En los últimos tiempos se está observando cierto acercamiento al arte contemporáneo por parte de algunos miembros representativos de las diversas familias de narradores jóvenes, semi-jóvenes o post-jóvenes españoles. No es el arte contemporáneo un territorio especialmente fértil en cuanto a presencia mediática ni en cuanto a permeabilidad conceptual, lo que nos lleva a preguntarnos si, después de la museografización de la música y del cine, no le tocará el turno a la novela; si después de ver a Patti Smith o a Sonic Youth “colgados” en las paredes de un cubo blanco y a Tim Burton en las salas del MoMA, no visitaremos en un futuro próximo, dentro del Museo Nacional de Arte de Cataluña y junto al Pantocrator de Sant Climent de Taüll, una exposición sobre la Barcelona de La sombra del viento de Carlos Ruiz Zafón. Tendríamos así, por otra parte, una respuesta genuinamente autóctona a Madrid 2 de mayo 1808-2008. Un pueblo, una nación, delirante muestra comisariada por el escritor Arturo Pérez-Reverte en la que se exhibía un conjunto de tableau vivants realizados con figuras de cera vestidas de época[1], las cuales parecían configurar cierta versión patriótica de las instalaciones hiperrealistas de Duane Hanson. Entretanto llega ese hipotético proyecto museográfico en el que caminaremos por un brumoso Palacio Nacional de Montjuïc sorteando estatuas de libreros sombríos, prostitutas entaconadas y marineros beodos[2], podemos quedarnos con algunos ejemplos algo más cool, los cuales expongo a continuación.

Agustín Fernández Mallo, el último gran activo del “Alfaguara Power”, publica en el 2008, con el título de Nocilla Experience, el segundo episodio de la trilogía denominada Proyecto Nocilla. En este libro, aclamado sin reservas por la crítica literaria e identificado como un ejemplo inequívoco de originalidad y vanguardismo narrativo, aparecen diversas alusiones y citas a artistas como Isidoro Valcárcel Medina, a teóricos del arte como Eugeni Bonet y a críticos del net-art como José Ramón Alcalá y Laura Baigorri. Se intuye que muchos de estos fragmentos, la mayoría descontextualizados y extraídos de publicaciones puramente divulgativas, tienen una intencionalidad experimental dentro de los distintos relatos que forman el libro; no obstante, vistos desde el territorio del arte, se manifiestan como un conjunto de postales pintorescas, como un compendio de lugares comunes absolutamente ingenuos y acríticos que ni arrojan una mirada compleja sobre las líneas discursivas que articulan el debate sobre las prácticas estéticas contemporáneas, ni configuran un retrato mínimamente consistente de éstas, ni representan lo que los autores antes aludidos han aportado durante sus respectivas trayectorias.

Otro caso distinto es el del ensayista y narrador Eloy Fernández Porta, quien en su textoProduced by… Autobiografías de la técnica[3] plantea lo siguiente: “La producción del consumo está regida por un afán finalista que todo lo subordina al resultado, al objeto último del montaje. Es por oposición a este finalismo –a este “resultadismo” sin resultado, como el fútbol de Javier Clemente– que se reorienta una parte de la creación contemporánea, enfatizando el devenir de la obra, su deriva, y dejando en segundo plano el punto final. Estéticas del proceso: el work in progress en narrativa, los informalismos en poesía, la “estetización” de la home movie en cine, la tradición conceptual en arte. A la idea de la obra como devenir le corresponde el retrato en marcha del creador como devenir-máquina, esto es, como depósito y banco de pruebas, en ocasiones demasiado máquina, en ocasiones demasiado humano”. Es posible que la propia definicióntransgenérica que realiza Fernández Porta sobre lo que él mismo denomina como “estéticas del proceso” sea, en realidad, un alegato afterpop, parafraseando uno de los libros del propio autor; sin embargo, no deja de ser sorprendente que tras el cliché enumerativo tan característico del estilo “poppie” –ese que sitúa en una misma línea de acción a la home movie y al arte conceptual, es decir, el mismo que une The Blair Witch Project con Joseph Kosuth– se esconda una visión totalmente gestual e historicista del cuestionamiento hacia el objeto, una perspectiva reductiva cuyo esquematismo convierte la idea de proceso en algo aislable, susceptible de etiquetarse y exaltarse, desactivado como forma de resistencia a la polución de gadgets y sometido, de igual forma, a las circulaciones típicas de los bienes de consumo, aquellos que separan, de manera ficticia e interesada, técnica y mensaje, significante y significado, continente y contenido, libertinaje y libertad.

El último ejemplo lo proporcionó hace muy poco el CAMON de Alicante, un espacio dedicado al arte y las nuevas tecnologías sufragado por la Caja de Ahorros del Mediterráneo, donde tuvo lugar un ciclo titulado Palabras habladas, que exploraba la relación entre literatura y arte a través del género del Spoken Word. En una de las sesiones, Ray Loriga leía en público fragmentos de su libro más reciente[4], mientras la video-artista finlandesa Mia Makela [SOLU] reintepretaba los mismos en clave visual. Elleitmotiv temático que vinculó ambas experiencias era el amor[5]. Más allá de cualquier apreciación sobre el juego de interpelaciones entre ambos relatos, al observar esta “pieza” coral uno se pregunta si, a veces, la relación entre disciplinas artísticas no acaba convirtiéndose en una especie de escenografía ambient, una textura sobre la que cada territorio no sólo deja de entrecruzarse sino que incluso mantiene de forma más integrista, si cabe, su respectiva naturaleza, reforzando todo aquello que lo singulariza, impidiendo la permeabilidad, solidificando las jerarquías entre lenguajes. Existen unos pocos ejemplos de transferencias disciplinarias sugerentes y radicales; sin embargo, la hibridación es, básicamente, una larga historia de fracasos en los que se han obviado las zonas de conflicto, las opacidades de cada disciplina y las nuevas tensiones que surgen al mezclar espacios creativos. Y es que entendida con un “objeto” y no como un proceso, la hibridación genera engendros tales como la Technical School Library de Eberswalde (Brandeburgo), una biblioteca realizada entre los arquitectos Herzog & de Meuron y el fotógrafo Thomas Ruff que parece situarse a medio camino entre el centro comercial, una portada de El Caso y el Museo de la Cruz Roja de Ginebra; o términos tan repulsivos como el mestizaje, gran hit promocional de la cultura creativa barcelonesa postolímpica –esa que une al bienintencionado “Raval Sound” y al corporativo Any del Disseny.

Puestos a reivindicar el poder disuasorio y megalómano de la gesamtkunstwerkwagneriana, tal vez resulte más apropiado fijarse en otro tipo de cruzamientos, por ejemplo en el de los poderes simbólicos y fácticos transformándose en espectáculo: en laCarnabalona de Carlinhos Brown y el antiguo alcalde y sambista Joan Clos, celebrada en el punto álgido de la “brasileñización” de Barcelona durante el año 2004, el mismo en el que Ronaldinho Gaúcho ganaba el FIFA World Player vestido de azulgrana; en el de los pasacalles por el recinto ferial de la EXPO Zaragoza 2008 del Cirque du Soleil –un cruce entre la magia de David Copperfield, Los idiotas de Lars von Trier y la película Amélie–; en el de las mil y una ceremonias de apertura snuff corporative de La Fura dels Baus.

Segundo remolino de indicios en torno a la segunda pregunta

La “foto de las Azores” de los artistas españoles interesados en la literatura tiene múltiples candidatos. Una posible terna en versión senior estaría formada por Eduardo Arroyo, Antoni Llena y Manolo Valdés; otra en el modelo middle class la conformarían Jaume Plensa, Pepe Espaliú y Frederic Amat; la última, en posición junior, acogería a Bestué y Vives, Dora García y Francesc Ruiz. No hay que olvidar, sin embargo, otras posibles instantáneas, organizadas alrededor de ítems temáticos variopintos: la delstablishment, configurada por Miquel Barceló, Juan Muñoz y Antoni Tàpies; la psicodélica, integrada por Marcel·lí Antúnez, Evru y Carles Santos o la fantasmagórica, compuesta por Joan Ponç, Antonio Saura y el Equipo Crónica. Mención aparte merece Guillermo Pérez Villalta, él solo una foto; también un auténtico poema.

Y es que las referencias literarias de los artistas antes mencionados van desde la Bibliahasta Robert Louis Stevenson, desde El Quijote hasta Ernest Hemingway, desde la Divina Comedia hasta el Poema del Mío Cid, eso sí, permaneciendo casi siempre en el recibidor de lo que llamamos, por convención, la contemporaneidad. Salvo con Enrique Vila-Matas –un novelista “a la antigua”– y con Roberto Bolaño –un escritor al que hay que “reivindicar” para estar à la page– prácticamente todos aquellos artistas que admiten, declaran y defienden la influencia de la literatura en su obra lo hacen desde un sitio que ni siquiera es el del clasicismo académico sino, simplemente, el del Reader Digest de las letras.

Cuesta pensar que las cuitas del adolescente Jim Hawkins en busca de un tesoro perdido puedan equipararse a las esculturas de Manolo Valdés “adornando” la Rambla de Cataluña en Barcelona. Hay que realizar un ejercicio de imaginación titánico para que en las cajas de resina serigrafiadas de Plensa uno vea, en lugar de un elegante cubo de Donald Judd en braille, la sensualidad rítmica de las bailarinas de Las mil y una noches. Resulta difícil establecer relaciones entre la road movie protagonizada por Dante atravesando el Infierno y la ascensión en grúa de Barceló a la cúpula del palacio de la ONU en Ginebra, vestido como Bill Murray en Ghostbusters, lanzando al cielo de la paz mundial treinta toneladas de gotelé de colores –en francés gouttelette– mediante una tuba de tela hecha del mismo material que los trajes de los astronautas de la NASA.

Algunos –entre ellos la mayoría de los artistas citados– piensan que la literatura es algo parecido al horóscopo zodiacal, el cual unifica bajo el signo de Aries tanto las vicisitudes diarias de un brooker de Long Island como las coreografías ruidosas de un danzarín acholi de Uganda sólo por el hecho, puramente ocasional, de que ambos nacieron el mismo día, del mismo mes y del mismo año. En el fondo, Harold Bloom tiene cierta razón al hablar del canon, especialmente cuando asevera que los celos no existían en el ánimo del ser humano hasta que William Shakespeare escribió Otelo. Una cosa es hacer visible la historia del héroe legendario llamado Ulises mediante una serie de ilustraciones que le ponen barba de semanas, llagas en los pies y una tripulación hambrienta escuchándole, y otra admitir que Homero es una influencia clave en ciertas formas personales de entender el arte. Cada amanecer del siglo XII sorprendía a una legión de anónimos monjes dibujando caricaturas de un libro idéntico, apelotonados en pupitres, dentro de los miles de conventos que poblaban Europa desde Santo Domingo de Silos (Burgos) hasta Tallin (Estonia). Sólo unos pocos son hoy “conocidos”. No tienen identidad o se les recuerda nada más que por el nombre del monasterio donde vivieron. Los músicos son, quizás, los únicos que tienen claro qué significa el site specific, por eso David J. Haskins nunca dijo que en el interior de Bela Lugosi’s Dead habitase la Wanderer-Fantasie D 760 para Piano Solo de Schubert.

[1] http://www.madrid2demayo.es/la-exposicion/imagenes/

[2] Más o menos esto mismo que narra Ruiz Zafón al estilo jacktheripper era lo que, hasta el pasado mes de agosto, se veía en modo “bienvenidos al desierto de lo real” bajo los pórticos del Mercado de la Boquería, cuando un reportaje fotográfico publicado por El País desencadenó un nuevo y fugaz estado de excepción policial ordenado por el ayuntamiento de Barcelona.

Para ver el artículo donde aparecían las imágenes de prostitutas practicando felaciones a turistas en plena calle visitar:http://www.elpais.com/articulo/espana/Sexo/pago/plena/calle/junto/mercado/Boqueria/Barcelona/elpepiesp/20090901elpepinac_12/Tes/.

Para leer un análisis preciso y sin concesiones sobre qué sucede en el Raval, cuáles son sus causas y quiénes sus responsables, conviene visitar el magnífico texto del escritor Javier Calvo (http://www.elpais.com/articulo/opinion/Raval/barrio/prostituido/elpepuopi/20090908elpepiopi_11/Tes)

[3] Publicado en el catálogo de la muestra Barcelona Producció ’08, exposición colectiva de los artistas Carlos Albalá e Ignasi López, Efrén Álvarez, Ana Garcia-Pineda, Rubén Grilo y Job Ramos, que se celebró en La Capella de Barcelona con el comisariado de Amanda Cuesta, Martí Manen y el propio Eloy Fernández Porta.

[4] Ray Loriga: Ya sólo habla de amor, Alfaguara, Madrid 2008.

[5] Ver http://www.tucamon.es/contenido/ciclo-palabras-habladas-con-ray-loriga-y-mia-makela

2010-10-04T19:38:00.007+01:00

Isidoro Valcarcel Medina

Books By Artists

2010-10-04T04:07:00.001+01:00

http://printedmatter.org/

2010-10-04T02:45:00.006+01:00

Una y tres Sillas, Josef Kossuth

2010-10-01T14:57:00.012+01:00

- Techlicks y Héctor E. Manilla

los mansos nunca heredarán la tierra

2010-10-01T00:23:00.011+01:00

2010-09-19T03:12:00.002+01:00

Curriculum vitae artium

apuntes, Héctor Enriquez

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Hector E. Manilla. Artista. Barcelona

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