Mi sitio de apuntes sobre el arte

Documental sobre Brancusi

Sat, 11 Feb 2012 16:31:00 -0800

BRANCUSI PENSAMIENTOS SOBRE SU ARTE

Después de Miguel Ángel, los escultores querían hacer escultura grandiosa. Sólo lograron hacer escultura grandilocuente.

En el siglo XIX, la situación de la escultura estaba desesperada. Rodin llegó y transformó todo. Gracias a él, hombre volvió a la medida, al módulo después del cual fue organizada la escultura. Gracias a él la escultura se convirtió en humana en sus dimensiones, en su significación, en su contenido.

La influencia de Rodin era y sigue siendo inmensa. Mientras estaba todavía vivo, algunos amigos y protectores, entre ellos la reina de Rumania, intentó, sin consultarme a mí, que me admitiera en su estudio. Rodin me aceptó como estudiante. Pero me negué porque nada crece bajo los árboles grandes. Mis amigos estaban enojados, ignorantes como eran de la reacción de Rodin. Cuando se enteró de mi decisión, dijo simplemente, básicamente tiene su derecho . Él es terco .

Rodin tuvo una modesta actitud hacia su arte. Cuando terminó su Balzac, sigue siendo el indiscutible punto de partida de la escultura moderna, declaró, ahora es que quiero empezar a trabajar.

La belleza es equidad absoluta.

Las cosas no son difíciles de hacer; lo que es difícil es poner nosotros mismos en el estado de ánimo para hacerlos.

Cuando ya no somos niños, ya estamos muertos.

La talla directa es el camino real hacia la escultura, pero también lo peor para aquellos que no saben cómo caminar.

para saber más :

http://www.temakel.com/texolmebrancusi.htm

http://www.google.com/search?q=%22+Brancusi+%22&hl=es&client=safari&a...

http://www.artcyclopedia.com/artists/brancusi_constantin.html

http://www.enfocarte.com/5.25/brancusi.html

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Esculturas que bailan al ritmo de Technotronic

Tue, 07 Feb 2012 13:04:24 -0800

Idea & Animation: Sam3
Music: Pump Up the Jam
Sources: Madrid, Viena, Roma, Lisboa
fuente : Escultura.com

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Lorenzo Domínguez Escultor Chileno

Thu, 02 Feb 2012 14:14:37 -0800

“La obra de arte no es nunca representación de algo, aunque pueda estar hecha a su imagen y semejanza. Un cuadro o una escultura no representan nunca nada. Son un cuadro o una escultura y empiezan a dejar de ser cuadro o escultura cuando empiezan a representar algo determinado tanto para el artista como para el observador. Si nos ponemos frente a la Venus de Milo, mientras más este alguien relacione esta estatua con la mujer, menos verá la escultura y a la inversa, mientras menos vea a la mujer, mejor verá la estatua. La mujer, en este caso, es el origen que tiene la estatua. Todas las cosas nacen con un cordón umbilical que las liga a su origen. También en arte hay gentes que confunden el nuevo ser con el originario, a causa de este cordón umbilical. Hay que saber cortarlo a tiempo. Y esto reza lo mismo para el que hace la obra de arte, como para el que la contempla.”

Lorenzo Domínguez

La Paz, Mendoza, Argentina, 1961 (Peace, Mendoza, Argentina, 1961).

A Cajal, Madrid, España, 1931

Nuestro Señor Don Quijote, Proyecto de Monumento al Poeta Rubén Darío, Mendoza, Argentina, 1942

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Invitación a participar en la Tradicional Rifa de una Escultura

Fri, 04 Nov 2011 14:01:00 -0700

Miguel Angel Betancur T.

Escultor

Teléfono: 3312543

Celular: 314 689 41 74

www.miguelangelbetancur.com

eMail : mabt@mac.com

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Relieves del Escultor Marco Tobón Mejía

Tue, 28 Jun 2011 04:51:30 -0700

Continuando con la tarea de difusión de la Escultura en nuestro medio, deseo compartir con ustedes ésta Exposición de esculturas en Relieve del Escultor Santarrosano Marco Tobón Mejía.Santa Rosa de Osos, 1876. París, 1933.
Con clara influencia Neoclásica, amigo de Rodin y gran Escultor dejó en Colombia un legado digno de conocer y estudiar para bien de las generaciones futuras.

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La Belleza de la Mujer/ Augusto Rodin

Mon, 02 May 2011 05:42:00 -0700

Continuando con la difusión entre mis alumnos del pensamiento del Maestro Augusto Rodin a quien cada día admiro más pues gracias a la Internet conozco cada vez más obra y refuerza mi pensamiento que siempre he tenido : fue una entrega total al pensar que trabajó para la escultura, vivió para ella y murió en ella. Un Hombre controversial y seguro de sí. Nos puso la Escultura al frente como se dice: la bajo de esa nube de incomprensión y fría en que se había convertido y con sus fuertes bases adquiridas en su juventud enfrento una sociedad y nos abrió las puertas para encontrar nuestros caminos con sinceridad y amor por nuestras obras. He aquí su pensamiento acerca de la Belleza de la Mujer:

LA BELLEZA DE LA MUJER

El hotel de Biron que antaño era el Convento del Sagrado Corazón, está ocupado en la actualidad por varios inquilinos entre los cuales figura el escultor Rodin. El maestro tiene otros talleres en Meudon y en París en el Depósito de Mármoles; pero tiene marcada predilección por éste.

A decir verdad es el más bello lugar que un artista pueda soñar. El autor de El Pensador dispone allí de varias salas muy vastas y altas, adornadas con molduras encantadoras y filetes de oro.

Una de esas estancias, aquella en que trabaja, es una rotonda y da por altas puertas vidrieras a un admirable jardín.

Desde hace varios años ese terreno está abandonado. Pero todavía se distinguen, entre la maleza, las antiguas líneas que bordeaban las avenidas, se percibe bajo las viñas salvajes, toneles con parras verdegueantes y cada primavera, en las platabandas las flores aparecen vivaces entre las gramíneas. Nada es tan deliciosamente melancólico como ese borrarse del trabajo humano bajo la acción de la libre naturaleza.

En el hotel de Biron, Rodin pasa casi todo su tiempo dibujando.

En este retiro monástico gusta de aislarse ante la desnudez de bellas mujeres y en consignar en dibujos innumerables, realizados al lápiz, las leves actitudes que las modelos toman ante él.

Allí donde las vírgenes cumplieron su educación bajo la tutela de santas mujeres, el potente estatuario honra con su fervor la belleza física, y su pasión por el arte no es seguramente menos devota que la piedad en la cual fueron educadas las alumnas del Sacré-Coeur.

Una tarde miraba yo con él una serie de sus estudios y admiraba los armoniosos arabescos mediante los cuales había reproducido sobre el papel los ritmos diversos del cuerpo humano.

Al mostrarme sus dibujos, volvía a ver imaginativamente sus modelos, y a cada momento exclamaba:

- ¡Oh!, ¡La hermosura de esas espaldas!, ¡Curvas de perfecta belleza! ¡Mi dibujo es demasiado pesado, demasiado torpe! ¡He ensayado repetidas veces, pero!... ¡Por fin hay un croquis que se aproxima un poco más al natural. Sin embargo!...

- ¡Mire la garganta de ésta, la adorable elegancia de esa dilatación, es de una gracia casi irreal!...

- Y los muslos de esa otra: ¡Qué maravillosa ondulación! ¡Qué exquisito desarrollo de los músculos en la suavidad de la superficie! ¡Es como para arrodillarse ante ella!...

Sus miradas se perdían en la contemplación de sus recuerdos. Se hubiera dicho un oriental en el jardín de Mahoma.

- Maestro –le pregunté-, ¿Encuentra usted fácilmente sus modelos?...

- Sí.

- ¿La belleza no es pues una cualidad muy rara en esta tierra?...

- No; Se lo aseguro.

- ¿Y se conserva mucho tiempo?...

- Cierto es, sin embargo, que la belleza femenina es fugitiva y cambia pronto. No diré yo que sea como un paisaje, cuya belleza se modifica incesantemente con la marcha del sol; pero esta comparación sería casi justa.

La verdadera juventud, la de la pubertad virginal, aquella en que el cuerpo lleno de savia novísima, se afirma en su esbeltez orgullosa y parece temer y llamar a la vez al amor, es un momento que no dura más que algunos meses.

Sin hablar de las deformaciones que impone la maternidad, la fatiga del deseo y de la afiebrada pasión aflojan rápidamente los tejidos y disminuyen la tensión de las líneas.

La joven se convierte en mujer. Entonces la belleza es de otro género, admirable siempre, pero menos pura.

- ¿Hay que creer, no obstante, que las mujeres modernas están lejos de igualar en belleza a las que posaban ante Fidias?...

- De ninguna manera. Lo que sucede es que los artistas de entonces tenían ojos para mirarlas, en tanto que los artistas de hoy son ciegos. Esta es toda la diferencia.

Las mujeres griegas eran hermosas, pero su belleza residía ante todo en el pensamiento de los escultores que las representaban en sus obras.

Hoy día existen mujeres completamente iguales a aquellas antiguas modelos. Especialmente, las europeas del sur.

Las italianas modernas, por ejemplo, pertenecen al mismo tipo mediterráneo que los modelos de Fidias. Este tipo tiene por carácter esencial la igualdad entre el ancho de las espaldas y las caderas.

- ¿Pero las invasiones de los bárbaros en el mundo romano no alteraron por cruzamiento la belleza antigua?...

- ¡De ninguna manera!...

Suponiendo que las razas bárbaras fuesen menos bellas, menos perfectamente equilibradas que las razas mediterráneas, -lo que es muy posible-, el tiempo se habría encargado de borrar las taras producidas por las mezclas de sangres y de hacer reaparecer la armonía del tipo antiguo.

En la unión de lo bello y de lo feo, es siempre la belleza la que termina por triunfar. La naturaleza, por una ley divina, retorna constantemente hacia lo mejor y tiende sin cesar hacia lo perfecto.

Al lado del tipo mediterráneo existe, por otra parte, un tipo septentrional, al que pertenecen muchas francesas así como las mujeres de las razas germánicas y eslavas. En este tipo las caderas están fuertemente desarrolladas y los hombros son más estrechos; es, por ejemplo, la estructura que se observa en las ninfas de Jean Goujon, en la Venus del Juicio de Paris por Watteau o en la Diana de Houdon.

Por otra parte, en este tipo, el pecho se inclina hacia delante, mientras que en el tipo mediterráneo y antiguo, el tórax se endereza en sentido contrario.

A decir verdad, todos los tipos humanos, todas las razas tienen su belleza. La cuestión estriba en saber descubrirla.

Yo he dibujado con placer infinito las pequeñas bailarinas cambodgianas que hace tiempos visitaron París con su soberano. Los menudos gestos de sus gráciles miembros eran de una seducción extraña y maravillosa.

He realizado estudios teniendo como modelo a la actriz japonesa Hanako. Su cuerpo está completamente libre de grasa. Sus músculos aparecen como recortados y en relieve, ni más ni menos como en esos pequeños perros que se llaman Fox-Terriers. Sus tendones son tan fuertes que sus articulaciones tienen un grosor igual al de los miembros de que forman parte. Es tan resistente que puede permanecer todo el tiempo que quiera sobre una sola pierna, levantando la otra en ángulo recto. En esta actitud parece que hubiera echado raíces en el suelo como un árbol. Tiene, pues, una anatomía completamente diferente a la de una europea; sin embargo, resulta muy hermosa dentro de su tipo especial.

En resumen, la belleza está en todas partes. No es ella la que falta ante nuestros ojos, sino nuestros ojos los que a menudo no la saben ver.

La belleza es carácter y expresión.

Nada hay, pues, en la naturaleza que tenga más carácter que el cuerpo humano. Es capaz de evocar por su fuerza o por su gracia las imágenes más variadas. Por momentos se parece a una flor, la flexión del torso imita el tallo, la gracia de los senos, la sonrisa del rostro, la opulencia de una esparcida cabellera, corresponden a la expresión de la corola. Por momentos pareciera evocar una esbelta liana, un arbusto de líneas finas y atrevidas.

- “Viéndote a ti, -dice Ulises a Nausíaca-, me parece ver cierta palmera que hay en Delos, cerca del templo de Apolo, y que sube desde la tierra como un surtidor lanzado hacia el cielo…”

otras veces, se diría una urna. Muchas veces he hecho sentar en el suelo un modelo, haciendo que me volviera la espalda, con los brazos y las piernas extendidos hacia delante. En esta situación la silueta de la espalda, estrechándose en la cintura y ensanchándose en las caderas, aparece con toda claridad y parece evocar un ánfora exquisita que contiene en su interior la vida del porvenir.

En otras ocasiones, el cuerpo humano, curvado hacia atrás como un resorte, semeja un hermoso arco en el cual Eros ajustara sus flechas invisibles.

El cuerpo es el espejo del alma y de ahí procede su más grande belleza.

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Biografía Escultor JOSE HORACIO BETANCUR BETANCUR

Tue, 19 Apr 2011 06:48:00 -0700

A raiz del post anterior sobre el Escultor José Horacio Betancur Betancur varios correos recibí pidiendome que les aclare quien es realmente El Escultor , pues muchas obras suyas son atribuidas a otro escultor que lleva por segundo apellido el mismo de José Horacio y muchos aunque ocupan puestos oficiales desconocen quien es este Escultor… He aquí la única biografía autorizada del Escultor José Horacio Betancur B.

Biografía

JOSE HORACIO BETANCUR BETANCUR

Es el mayor de una humilde familia de 5 hijos, nacido el 2 de julio de 1918 en el Corregimiento de San Antonio de Prado, de la ciudad de Medellín, Antioquia, Colombia, sus padres fueron Rafael Betancur y María Ramona Betancur, traído luego y residenciado en las goteras de la ciudad de Medellín como corresponde a todo chico de una familia honesta y pobre; desde pequeño fabricaba caucheras y trompos, diábolos, que eran la admiración de sus amigos .

Sus padres deseosos de que adquiriera una buena educación lo matricularon en la Escuela Superior Industrial de San Juan Bautista de la Salle dirigida por los Hermanos Cristianos (Escuela del Hermano Timoteo) donde estudió hasta Quinto de Primaria; ( paralelo a ello,su padre le consiguió empleo en talleres de ebanisteria, de electricidad y, finalmente, como vendedor de diversos artículos en un mostrador de Félix de Bedout e hijos, la Tipografía Bedout) , a la edad de 16 años donde fue mecánico, ebanista, electricista y empleado de mostrador, sus ganancias las partía en ayudar a su familia y en la compra de equipo de cacería deporte que practicó durante toda su vida.

Durante su trabajo en la Tipografía y a la edad de 21 años ,en un trozo de naranjo, con la ayuda de una navaja esculpió un hermoso Cristo caído (copia del de la Iglesia de la Candelaria) el que al ver sus compañeros y amigos le aconsejaron que se dedicara a estudiar escultura en el Instituto de Bellas Artes, donde ingresó a la edad de 22 años y allí fué becado por La Sociedad de Mejoras Publicas por su alto rendimiento. Sus profesores de Escultura fueron Gustavo López y Carlos Gómez Castro a los que se les entregó con todo el entusiasmo, fuerza y capacidad de trabajo asimilando tan profundamente sus lecciones que de la noche a la mañana fue nombrado Profesor de Escultura .

A medida que sus estudios ascendían tallaba unas hermosas molduras que vendía a la Bedout y así se hacía a su plata, la que invertía en materiales y para el sustento de su hogar, pues estudiando contrajo matrimonio con su prima María Enriqueta Tamayo Betancur en el año 1941, de cuyo matrimonio hubo cuatro hijos : Dara , José Horacio, Miguel Ángel Nutibara, e Inés de Jesús.

El 20 de agosto de 1942 monto su primer taller Luis XV, en Uribe Ángel por Ayacucho # 48 A 33 del barrio Buenos Aires, con el slogan “ lo que el arte logra en madera“, en compañía de su amigo Alberto Fernández, al que un año mas tarde le compraría su parte, para así, dar rienda suelta a su espíritu creador. En 1944 con las ganancias adquiridas compró un terreno y construyo su casa en el barrio Sucre, Calle 57 A # 31 -- 40 donde montó el Taller, que fue el laboratorio mas heterogéneo : mármol ,cemento, granito, piedra blanca y verde, yeso etc., maquinaria de ebanistería y fundición.

Como todos los escultores principiantes hizo muñecos y escandalizó pero su idealismo lo fue estructurando artísticamente y adquirió poco a poco concepciones modernas de la escultura.

Fue profesor además del Instituto de Bellas Artes en el Colegio Sagrado Corazón de Jesús del barrio Miraflores, de donde hubo de retirarse para realizar su obra escultórica. En la Escuela de Artes Plásticas dependencia de la Biblioteca Municipal y en la Biblioteca Santander situada en la Calle Bolivia Nro 45--156 Entre Sucre y El Palo, donde tuvo un semillero de arte que más tarde tomo forma y se consolido cuando fue creada en 1953 la Casa de la Cultura,(hoy facultad de Artes de la Universidad de Antioquia) donde fue nombrado profesor y con algunos alumnos adelantados formó el primero y único equipo de Escultores que ha existido en Antioquía y tal vez en el país, con los cuales trabajó.

Estando en la Casa de La Cultura creó las primeras Esculturas Monumentales no oficiales del país : “La Madremonte “1953 , “ La Bachué”1954, y “El Cacique Nutibara”1955.Es de anotar que sus obras fueron pagadas por el mismo, no tuvo apoyo del Estado alguno y cuando regaló al Municipio de Medellín la Escultura en Piedra " La Barequera " fue rechazada porque dejaba ver un pezón del cuerpo de la Gran Minera y hoy está exhibida discretamente en el Museo de Antioquia.

Allí en la Casa de la Cultura desarrollo todo su potencial creativo motivando a sus alumnos y a la Sociedad en general en busca de un desarrollo de la escultura americana, sin extranjerismos.

Fue un hombre muy activo, además de sus obras Monumentales ya mencionadas realizó el “ El Cristo de los Andes “ en 1956 una gigantesca talla en madera ( pino) de un solo bloque de 3 mts de alto por 1 mts de diametro,hoy propiedad del Parque Cementerio Jardines Montesacro de la ciudad de Medellín y numerosos bustos de tamaño heroico de personajes ilustres y de la vida política del país. A más de numerosas esculturas y relieves en madera, piedra , mármol, granito esmerilado, concreto,y terracota.

Su prematura muerte ocurrida el 10 de noviembre de 1957, (un accidente de cacería) en Porce corregimiento del Municipio de Yolombo, en la Hacienda Normandie nos privo de ver realizados todos sus sueños.

fuente: archivo del Escultor, recopilado por El Escultor Miguel Angel Betancur Tamayo

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El Escultor José Horacio Betancur Betancur

Sun, 10 Apr 2011 16:51:20 -0700



En este blog he colocado mis divagaciones, pensamientos y sucesos escultóricos que han llamado mi atención así como he difundido la obra de Escultores que para mi han sido importantes en mi formación como , Waldo Rodriguez, Francisco Antonio Cano , Marco Tobón Mejía, Romulo y Constantino Carvajal, Bernardo Vieco, Jorge MarIn Vieco, Gustavo López, Rodrigo Arenas entre otros, hablando sólo de nuestros Escultores Antioqueños, pero del Escultor José Horacio Betancur Betancur poco he contado en este blog y a él le debo la vida y lo que soy, pues es mi Padre he aquí un texto que escribi hace un tiempo y el cual deseo compartir hoy.
José Horacio

Recuerdo mis años de infancia, aquella época en que jugaba entre las Esculturas que existían en la casa, las esculturas de José Horacio Betancur B. a quien en la vida he aprendido a llamar JOSÉ HORACIO con mayúsculas más que como Padre pues tengo la visión del escultor de hechos concretos y de una casa repleta de esculturas en diferentes materiales, donde me crié. Con las palabras de mi Madre me levante, haciéndome a la idea de un José Horacio como un gran mito en la escultura de nuestro medio.
En mi carrera escultórica he descubierto sus bondades y aciertos. He dado mantenimiento a una gran cantidad de obra suya y recopilado su archivo.
Al detenerme en sus obras y analizar sus contenidos, veo como nivela, lo social con su pensamiento americanista y con lo puramente decorativo. Su ejecutoria escultórica es limpia, barroca, llena de ritmo, equilibrio, armonía, audaz en su forma y permanente en su contenido.
Su convencimiento, seguridad y calidad escultórica es admirable, tenaz y atrevida. Por la escultura vivió, en ella vivió y a ella se entregó totalmente.
Con su posición tan radical y definida ganó amigos y muchos enemigos que le sirvieron para posicionarse como persona y lo más importante, como escultor, convencerse de que lo suyo y lo mejor para nuestra sociedad era la Escultura, autóctona y sin extranjerismos.
Me sorprende que con una existencia tan corta en el mundo de la escultura escasos 19 años logró realizar una gran cantidad de obras en cada una de las técnicas que trabajó; por ejemplo :

En la madera ,con su Taller LUIS XV y su slogan" Lo que el arte logra en la madera", que ocupó su primera etapa, fue un pionero, aplicó sus conocimientos escultóricos adquiridos en el Instituto de Bellas Artes, a todo lo que hacía, sus lámparas, cuña libros, baúles, portaceniceros, muebles, bibliotecas, bares, comedores, en todo veía la posibilidad de aplicar la escultura, a más de su obra personal en esta técnica, que es admirable por su realización y el conocimiento del oficio perfecto.
En las piedras talco: supo leer el contenido ancestral de la selva y su mayor logro son las hermosas esculturas de la flora y fauna animal que conocía desde niño por la afición a la Pesca y a la Cacería, heredada de su Padre y Amigos de la Editorial Bedout donde trabajó, hasta su ingreso al Instituto de Bellas Artes.
En ellas demostró su capacidad de creación; fueron tallas directas, donde no existen bocetos ni dibujos. Es la capacidad de ver en el material: el espacio, volumen y expresión, sacrificando el clacisismo por una verdad estética vital y coherente con el material.
En los granitos esmerilados y en las esculturas de concreto directo: sintetizó toda su obra de contenido social, bustos de personajes y presidentes, de los cuales alguna vez dijo: " Son muñecos más o menos bien hechos" ..." No me han dado oportunidad de hacer escultura monumental". Más sin embargo los hizo.
En las Esculturas de concreto patinado fue más haya y encontró el material para su monumentalidad, aunque de todas formas, estaba en su visión, pensamiento, dedicación y concepción.
Son obras monumentales suyas: La Madremonte, El Cacique, La Bachue , sin dejar atrás al Cristo de los Andes que está en Jardines Monte Sacro, magnifica talla en madera, que da crédito a las palabras del Escultor Rodrigo Arenas en la presentación del catálogo del Jardín del Arte, casa de Antonieta Pellicer de Vallejo, Cónsul de México en la ciudad y gran mecenas de J.H.B.B. .. ." José Horacio Betancur se autorretrata pefectamente en su Cristo de los Andes ...Como un gigante maniatado e insumiso....".
Las esculturas que pensó realizar en gran escala como: ” La Llorona “, " Violencia sobre el Mundo ", "La patria y los Lagartos "o "De la época actual ", "la tragedia del minero", "Libertad encadenada" que luego llamó "Se rompieron las cadenas" cuando el derrocamiento del General Gustavo Rojas Pinilla, y el "monumento al soldado", y otras etc. quedaron en pequeño formato.

En los dibujos rápidos, apuntes que conservo, dan testimonio de su pasión y entrega; en una hoja podía hacer uno, dos o mas esbozos, no le importaba la composición como tal en estos bocetos, sino, el escape de energía que tenía represada; con ella daba crédito a un alma llena de vitalidad, fuerza y emoción.

En las esculturas de terracota dio rienda suelta a su pensamiento y en él dejó plasmadas, quizás, unas de las más importantes investigaciones y creaciones: Lo que él llamó " Multisombras ".
Realizó unas 75 obras todas ellas del mismo tamaño: 30 cms. de altura, a excepción de su multisombra más conocida: El Atanasio Girardot del Estadio de Fútbol que lleva su nombre.
Exhibidas por primera vez en la gran exposición al aire libre de la Plazuela Nutibara, ( primera exposición al aire libre en Colombia ), a finales del año 1953, que hizo con todos sus discípulos de la Casa de La cultura de Medellín y el equipo de Escultores, comandado por él y del que hacían parte los alumnos más adelantados.
Está técnica la realizó en terracota, que puede ejecutarse también en Bronce y en cualquier otro material de escultura.
Allí se deleitó con su dibujo escultórico demostrando a más de su capacidad de trabajo que lo que más amaba era su escultura.
Al ver sus obras en las diferentes técnicas que trabajó podemos entender la diferenca de concepción en cada una de ellas conservando siempre su personalidad, sin amaneramientos, ni facilismos. Hay una búsqueda íntegra

En una palabra JOSÉ HORACIO BETANCUR fué consecuente con su vida escultorica.

Miguel Angel Betancur Tamayo
Envigado 20 de Abril de 2010

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Miró Sculpteur

Mon, 28 Mar 2011 05:08:43 -0700

Joan MIró i Ferrá, es un pintor, escultor, grabador y ceramista catalán, nacido en Barcelona el año 1893, y fallecido el año 1983. Es uno de los artistas españoles más internacionales me encanta la alegria que producen sus obras inspiran y motivan a la vez, presento el boletín de la revista arsmagazine y una selección de su basta obra escultorica

Miró Sculpteur', Miró reeditado
El Museo Maillol y la Fondation Maeght rinden homenaje a Joan Miró a través de sus esculturas
En 1974, diez años después de la creación de la Fondation Maeght, el Musée d'Art Moderne de Ville de París presentó un conjunto de esculturas de Joan Miró en una muestra que, hasta ahora, ha sido la única antológica dedicada a esta faceta de la creación del artista catalán. Casi 40 años más tarde, el Museo Maillol rinde un nuevo homenaje al Miró escultor. Y lo hace nuevamente, gracias al apoyo de la familia Maeght, contando con su colección y con el comisariado de Isabelle Maeght.
En esta ocasión se exponen 99 esculturas, 22 piezas de cerámica y 20 obras sobre papel. Un perfecto resumen de una faceta artística que da comienzo en 1941, a través de las cerámicas. Poco después, Miró se consolidará como escultor trabajando el bronce y, finalmente, culminará esta faceta en 1964 con la creación de una amplia serie de esculturas monumentales para la Fundación Maeght en el momento de su creación.
El encuentro entre Joan Miró y Aimé Maeght fue el que propició el trabajo que hoy se expone en París. Por primera vez, la escultura de Miró se asociaba a la arquitectura y la naturaleza. La fuerza de su obra encontraba en el desafío del equilibrio y la ligereza un nuevo horizonte. Y también, seguir experimentando con las funciones de los objetos y su particular lenguaje de lo desconocido. En sus esculturas, la realidad se manifiesta siempre ambigua. Los órdenes se subvierten y la función esencial del objeto es siempre cuestionada.
Las lágrimas, la cruz y las letras bailan y vuelan a medio camino de la realidad y la fantasía, como en El Reloj del Viento (1967) o Head (1953). Una abstracción que activa un mundo relacionado con el sueño, en el que el bronce, el cartón y la chapa de hierro se moldean de forma original, como un anuncio de la obra de Jasper Johns. Un auténtico y divertido desarreglo de los sentidos que podrá disfrutarse en París hasta el 31 de julio.
Alejandro Martínez
las fotos varias fuentes de Internet

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Gehard Demetz, escultor italiano

Fri, 25 Mar 2011 04:42:29 -0700

Desde que conocí La Escultura de este escultor italiano, me ha impresionado ese manejo del material, su técnica y el diseño de sus obras, creando un lenguaje muy personal, Esculturas impresionables y sorprendentes, de un expresionismo muy moderno y que me recuerdan de alguna manera las Esculturas en Multisombra del escultor JoséHoracio Betancur.
He aquí una muestra de sus obras algunas exhibidas actualmente en su exposición en el Palacio Pimentel en Valladolid , España y la reseña que hace Masdearte.com de dicha exposición

Gehard Demetz, al otro lado del mundo
Las enigmáticas esculturas infantiles del artista se muestran en el Palacio de Pimentel
Valladolid, 23/03/2011

El joven artista italiano Gehard Demetz presenta en el vallisoletano Palacio de Pimentel una selección de sus impactantes esculturas en madera centradas en la imagen de los niños y adolescentes de nuestra época. Las elabora con fragmentos de madera ensamblada o con materiales sintéticos, y su empleo de piezas diferenciadas y no de bloques le sirve para expresar su cuestionamiento de la realidad humana y de la vulnerabilidad y la incertidumbre que la sustentan.
Sin embargo, estas piezas se nos presentan también como retratos humanos fuertemente sellados que, por su marcada autoprotección, marcan con el espectador una fría distancia. Además de hacer referencia a la necesidad de los niños por entender el mundo que los rodea, cuestionan las estructuras familiares contemporáneas. En cierto modo, los niños de Demetz nos recuerdan a los personajes herméticos de Sartre, siempre inmersos en la búsqueda de las certezas de su existencia.
http://www.masdearte.com/index.php?view=article&catid=37&id=12816&option=com_content&Itemid=26

Gehard Demetz"
PALACIO DE PIMENTEL
c/ Angustias, 48
47003 Valladolid
Del 23 de marzo al 21 de abril de 2011

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La Escultura Pública en Medellín / segunda parte

Tue, 22 Mar 2011 19:14:44 -0700

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La Escultura Pública en Medellín

Tue, 22 Mar 2011 19:01:00 -0700

A continuación presento unos divagaciones acerca de la Escultura en Medellín con motivo de un conversatorio sobre la Escultura de la Ciudad que tendrá lugar este Jueves 24 de marzo en el Museo El Castillo.

La Escultura Pública en Medellín

Partiendo de la premisa que la Escultura es una obra tridimensional que crea un espacio, busca crear una inquietud, que esta en relación con todo lo que la rodea, que escultura es forma, es un todo en que sus partes son definitivas, el diseño la forma, la composición, el detalle, el mensaje, el tema, la idea que busca , que desea , que la Escultura es sentimiento, es pasión, es vigor, es expresión, es fuerza, es dinamismo, que es actividad, movimiento y comunicación, es el arte de participación, de comunidad, de gozo, de alegría y compañerismo y repasando la Historia de la Escultura en nuestro medio podemos sintetizar brevemente que:

En nuestros comienzos hay una marcada influencia Europea Neoclasicista por parte de los escultores que de una u otra forma viajaron allí, para educarse trayendo consigo su pertinente filosofía a más de sus obras que eran importadas, entre ellos podemos mencionar a FRANCISCO ANTONIO CANO, MARCO TOBON MEJIA y BERNARDO VIECO, este ultimo, primer fundidor del país.

Más adelante nos encontramos con Escultores que defienden unos postulados más auténticos como CONSTANTINO CARVAJAL y el Maestro PEDRO NEL GOMEZ que con su influencia en escultores como JOSE HORACIO BETANCUR (discípulo de GUSTAVO LOPEZ ) dejó su escuela escultórica marcada en Oscar Rojas, Horacio Vlasquez, Gabriel Hincapíe, Elkín Peláez y otros que nos hablan de una escultura más autóctona y un sentido más americanista.

Otra Escuela que ha modelado de alguna manera el pensamiento Escultórico en formación de nuestra ciudad, es la innegable obra del Escultor RODRIGO ARENAS BETANCOURT ( diiscípulo de JOSE DOMINGO RODRIGUEZ ) principal escultor oficial del país y sus discípulos Alonso Rios, Fabio Parra y Salvador Arango, (este más radical e independiente marcando su estilo muy personalizaado de figuras alargadas y de un exito rotundo) amén de muchos otros jovenes escultores de reciente aparición.

Merece mencionarse en nuestra Escultura Ciudadana lo concerniente a los bustos que adornan nuestras principales avenidas y parques donde nombres como los de Constatino Carvajal, Gustavo López,Alfonso Goez,Jairo Cano y Octavio Montoya se destacan junto con el de JORGE MARIN VIECO autor con gran acierto de los relieves del Edificio de la Beneficiencia de Antioquia y el Cristo Resucitado del Cementerio Campos de Paz.

Otro Capitulo importante en nuestra Escultura es el aporte que hacen los Pintores al mundo Escultórico. Lo hemos visto ya en la Historia del Arte Universal de la Escultura en nombres como HONORE DAUMIER caricaturista y litográfo para mi, padre de la nueva escultura aún antes que Rodin, EDGAR DEGAS con sus bailarinas, RENOIR con sus Bañistas y otros, pero que en nuestro caso siguiendo la huella de FERNANDO BOTERO encontramos pintores como Pedro Nel Gómez, Anibal Gil, HUmberto Elías, Ramón √ásquez, Justo Arosemena, Israel Rosso, y Horacio Longas en su tiempo entre otros, haciendo escultura e investigando en nuevas posibilidades estéticas.

Por ultimo vemos como en al mundo de nuestra Escultura empiezan a llegar nuevos materiales, nuevos diseños, nuevas informaciones, nuevos personajes y más aún el Escultor se adentra en el mundo de la Arquitectura a explorar un mundo más funcional y se crea entonces una escuela tipicamente Abstracta ejemplo de ello son las obras de los más representativos en este campo ; EDGAR NEGRET, EDUARDO RAMIREZ VILLAMIZAR, HUGO ZAPATA como máximo exponente del purismo en la escultura y RONNY VAYDA donde el espacio se hace realidad y por supuesto la obra escultórica del Cerro Nutibara.

En resumen con toda ésta y aquella Escultura se amplía el panorama de lo que es, ha sido y será la Escultura en Medellín; donde la Escultura del presente deberá abrir puertas, fronteras, no ser estática deberá inquietar, participar de todo, no ser meramente contemplativa, deberá acuñar ideales debe motivar al más exigente. La Escultura deberá ser concreta en sus realizaciones no meramente sueños.

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Un pensamiento de Pablo Gargallo

Wed, 16 Mar 2011 16:28:05 -0700

Pablo Gargallo es uno de los grandes escultores de la forja, sus raíces escultóricas provienen de la academia valga la anotación de este pensamiento para pensar y ver algunos trabajos clásicos que pocos se conocen y se habla más de las Esculturas como dibujadas en el espacio y el juego de los vacíos en ella que la vuelven moderna y casi abstracta.
"Si se quiere ser original es preciso tener la sabiduría de consolidar la base, una base resultante de la experiencia vivida. Es necesario saber ser auténticamente grande, tomando conciencia de la modestia de nuestra aportación de modo que el estilo nazca sin esfuerzo, naturalmente. Y puesto que los fundamentos son duros y costosos, importa asegurarse que son válidos. "

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Las Esculturas de Edgar Degas

Sat, 12 Mar 2011 17:17:00 -0800

A proposito de la exposición de esculturas de Edgar Degas en el Instituto Valenciano de Cultura en España quiero recordar lo que escribi en un post anterior sobre la Escultura de los Pintores y mostrar una serie de esculturas de DEGAS para que pensemos en

los aportes que los pintores hacen a la escultura :Siempre he pensado que después de los griegos El más Grande Escultor que representa el pasado, el presente y el futuro de la Escultura ha sido Miguel Ángel Buonarroti , después de él Giambologna y Bernini, luego la escultura como que se frenó y aparece el neoclasicismo con sus grandes representantes Canova y el Alemán Hildebrand y luego aparece El gran Daumier con sus Esculturas Caricaturescas que para mi pregonan al Grande De Rodin y paralelo a ello el aporte que hacen los pintores a la escultura como el caso de Medardo Roso, Aristides Maillol o pintores propiamente como Gustave Courbet y Edgar Degas que comenzaban por la misma época a esculpir, luego vendría Gustave Moreau " el maestro del Simbolismo "como dice Jean Selz, y así otros pintores como Gauguin, Renoir con las"manos intermediarias " de Guino, Matisse, Picasso, y por supuesto El gran Modigliani al que le he dedicado varios post entre otros. Veamos entonces la reseña que se hace de la exposicion de Degas y sus obras

Las esculturas de Edgar Degas

La exposición que presenta el IVAM reúne 74 esculturas de bronce realizadas en una nueva edición, cuya fundición ha sido posible gracias al reciente descubrimiento (en 2004) de las figuras de yeso realizadas por el íntimo amigo de Degas, el escultor Paul- Albert Bartolomé, a partir de las esculturas originales de cera del artista y con su consentimiento. El trabajo escultórico de Degas se organiza, en esta ocasión, por unidades temáticas centrándose en los temas principales de su obra: bailarinas en escena o entre bastidores, mujeres, bañistas, caballos y jinetes, y bustos.

Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo que reproduce las obras expuestas y reúne los textos de Amir Kabiri, Mordechai Omery June Hargrove, del comisario de la exposición, Walter F. Maibaum y de la directora del IVAM, Consuelo Ciscar.

Edgar Degas (Paris,1834-1917), uno de los artistas franceses más destacados de finales del siglo XIX, ha sido redescubierto recientemente como un artista con un poder intelectual inusual. Su profundo interés por capturar el “espíritu del tiempo” a la vez que realiza un examen meticuloso del día a día – confrontándose a las lecciones aprendidas de los grandes maestros del pasado – le permiten plantear unas perspectivas pioneras que conciernen a las artes visuales así como a órdenes sociales y de género en la concepción del tiempo.

Fue un gran observador del ser humano —sobre todo de las mujeres, en las que se centra gran parte de su obra— y tanto en sus retratos como en sus estudios de bailarinas, sombrereras y lavanderas, cultivó una objetividad absoluta, intentando atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos como las que podían registrarse en las fotografías.

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A partir de 1880, Degas dará forma a la escultura impresionista, creando modelos de cera pintados al natural que adornará posteriormente. Estas esculturas impactaron a la sociedad del momento por su realismo. Un solo modelo fue expuesto cuando Degas aún estaba vivo, durante la exposición impresionista de 1881: La Petite danseuse de 14 ans (La bailarina de 14 años), realizada con coloración natural y peinada con cabello real. Degas lindaba de este modo los límites de la lógica del realismo, por otro lado tan en boga, describiendo sin fingir, sin hipocresía, de manera casi científica, la sociedad de su época.

Poco después de su presentación, esta escultura suscitó un gran interés entre el mundo del arte en Francia, pero su carácter altamente novedoso no causó un gran impacto en la escultura contemporánea. Hasta que no llegó la revolución de la escultura cubista y futurista poco antes de la primera Guerra Mundial no fue posible una revaluación de las nociones elementales de la escultura. Sin embargo, con respecto al desarrollo de la escultura de Degas, La pequeña bailarina fue sin duda un gran paso hacia delante sin precedentes, especialmente por la incorporación de materiales escultóricos como la arcilla o la cera, junto con el empleo de materiales extravagantes para la época como pelo humano, lazos de satén y otras piezas de ropa confeccionadas a mano con tejidos como el tul, y la seda. La edición de bronce, realizada tras su muerte, cuya estatua del museo de Orsay constituye un ejemplar, intenta preservar lo mejor posible las características de la cera.

Degas utiliza un amplio espectro de técnicas: dibuja, pinta al óleo y al pastel, experimenta con los grabados y los monotipos, realiza esculturas de cera, practica la fotografía e incluso escribe sonetos. Su obra completa atestigua la gran afinidad entre las dimensiones de su trabajo, y demuestra hasta qué punto sus esculturas complementan y enriquecen sus pinturas, del mismo modo que sus pinturas hacen posible, o incluso son demandadas, para sus esculturas. Degas no gozó de gran fama en su época y su auténtica dimensión artística no habría de valorarse hasta después de su muerte, acaecida el 27 de septiembre de 1917 en París.

Las esculturas de Edgar Degas
Del 3 de marzo al 17 de abril de 2011
Comisarios: Walter Maibaum y Carol Conn
Patrocinadores: M.T. Abraham Center for the Visual Arts
Logística del Arte
Fotografía de los bronces: Joseph Coscia, Jr.

IVAM
Guillem de Castro, 118
Valencia 46003
Teléfono: +34 96 386 30 00
Web: www.ivam.es

Fuente: Gabinete de Prensa de la Sociedad Estatal de Acción Cultural

Noticias relacionadas:

Una de las esculturas “Petite danseuse de quatorze ans” de Edgar Degas

Tres compradores pujaron por la escultura de Degas “Petite danseuse de quatorze ans”

Degas en Madrid

Fuente varias de internet

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EL REALISMO EN EL ARTE, (Augusto Rodin)

Wed, 09 Mar 2011 03:00:15 -0800

Al final de la larga calle de la universidad, muy cerca del Campo de Marte, en un verdadero rincón de provincia desierto y monástico, se encuentra el depósito de mármoles.
En un amplio patio invadido por la hierba, duermen pesados bloques grisáceos, mostrando a pedazos recientes roturas de un blanco escarchado. Son los mármoles que el Estado guarda en reserva para los escultores a los que honra con sus encargos.
En uno de los costados de ese patio se alinean una decena de talleres, que fueron concedidos a diversos estatuarios. Pequeña ciudad artística, maravillosamente tranquila.
Rodin ocupa dos de esas celdas. La una abriga su puerta del infierno, vaciada en yeso y muy atractiva en su estado inconcluso. Trabaja en la otra.
En más de una ocasión he ido a visitarlo a ese lugar, por las tardes, cuando él terminaba su jornada de noble labor. Tomando una silla, esperaba el momento en que la oscuridad lo obligaría a detenerse. El deseo de aprovechar los últimos rayos del sol, lo ponía febricitante.
Lo veo amasando en el barro pequeños y rápidos esbozos. Este es un juego en que se complace a los intervalos de los cuidados más pacientes que prodiga a las grandes figuras. Esos bocetos realizados de un golpe lo apasionan, porque ellos le permiten captar al vuelo bellos gestos y ademanes cuya fugitiva verdad podría escapar a un estudio más detenido, pero más moroso.
Su método de trabajo es singular.
En su taller circulan o descansan modelos desnudos, hombres y mujeres.
Rodin los paga para que ellos lo provean constantemente de imágenes de desnudeces evolucionando con toda la libertad de la vida. Los contempla sin cesar, y es así como se familiarizan, desde hace mucho tiempo, con los músculos en movimiento.
El desnudo, que para los modernos es una revelación excepcional, y que, hasta para los escultores, no es generalmente más que una aparición cuya duración se limita al tiempo de una pose, se ha convertido para Rodin en una visión habitual.
Este conocimiento cotidiano del cuerpo humano, que los antiguos griegos adquirían contemplando los ejercicios en la palestra, el lanzamiento del disco, las luchas y las carreras a pie, y que permitía a sus artistas hablar naturalmente el idioma del desnudo, el autor de El Pensador se lo ha asegurado por la presencia continua de los seres humanos sin ropas que van y vienen constantemente ante su mirada. De este modo llegó a descifrar la expresión de los sentimientos sobre todas las partes del cuerpo humano.
El rostro es considerado generalmente como el único espejo del alma; la movilidad de los rasgos de la cara nos hace creer que ellos constituyen la única exteriorización de la vida espiritual. En realidad no existe un músculo que no traduzca las variaciones interiores. Todos dicen la alegría o la tristeza, el entusiasmo o la desesperación, la serenidad o el furor…
Brazos que se tienden, un torso que se abandona sonriente con tanta suavidad como los ojos o los labios. Pero para poder interpretar todos los aspectos e la carne, es preciso haberse preparado pacientemente a hojear y leer las páginas de ese bello libro. Es lo que hicieron los antiguos maestros ayudados por las costumbres de su civilización. Esto es lo que ha hecho Rodin en nuestros días mediante la fuerza de su voluntad.
Sigue con las miradas sus modelos; saborea silenciosamente la belleza de la vida que en ellos juega; admira la elasticidad provocativa de la joven que se inclina para recoger un útil de trabajo, la gracia delicada de otra que tiende sus brazos levantando su cabellera de oro por encima de su cabeza, el vigor nervioso de un hombre que camina, y cuando éstos o aquéllas “producen” un movimiento que le gusta, les pide que conserven esa pose. Entonces, rápidamente toma su barro, y muy pronto una maquette esta realizada; luego, con la misma prontitud pasa a otra que ejecuta del mismo modo.
Cierta tarde, cuando el crepúsculo había comenzado a oscurecer el talle con jirones de sombra y mientras los modelos se vestían detrás de los biombos, conversé con el maestro acerca de su método artístico.
-lo que me sorprende en usted- le dije- es que actúe ante el modelo de una manera tan diferente a la de sus colegas. Conozco a muchos de ellos y los he visto trabajar. Hacen subir al modelo sobre el pedestal o la tarima y le ordenan tomar tal o cual pose. Muy frecuentemente le pliegan o le alargan brazos y piernas a su guisa, le inclinan o le enderezan el torso y la cabeza según sus deseos, en una forma completamente igual que si se tratara de un muñeco articulado. Entonces se ponen a trabajar.
Usted, por el contrario, espera a que sus modelos tomen por sí mismos una actitud interesante, para reproducirla. De tal modo que parece ser usted el que está a las órdenes de ellos; y no ellos a las suyas…
-Yo no estoy a las órdenes de mis modelos, sino a las de la naturaleza- repuso Rodin.
Mis colegas tienen sin duda sus razones para trabajar a su modo. Pero al forzar así la naturaleza y tratar a las criaturas humanas como muñecos, corren el riesgo de producir otras artificiales y muertas.
En cuanto a mí, cazador de verdades y acechador de la vida, mucho me guardo de imitar su ejemplo. Tomo del modelo viviente los movimientos que observo, pero no soy yo quien se los impone.
Hasta cuando el motivo que debo tratar me obliga a solicitar de un modelo una actitud determinada, se la indico, pero evito cuidadosamente el tocarlo para colocarlo en esa pose porque yo no quiero representar sino aquello que la realidad me brinda espontáneamente.
En todo obedezco a la naturaleza y no pretendo mandarla jamás. Mi única ambición es la de serle servilmente fiel.
-Sin embargo- le dije yo con alguna malicia- no es la naturaleza tal cual ella es lo que ha evocado usted en sus obras. Se detuvo bruscamente en el acto de manejar los trapos húmedos.
-Absolutamente: ¡tal cual ella es!, exclamó frunciendo el entrecejo.
-Pero usted se ve obligado a cambiarla…
-¡De ninguna manera! ¡Me maldeciría a mí mismo si tal hiciera!
-Pero la prueba de que usted la cambia está en que el vaciado no daría de ningún modo la misma impresión que su trabajo.
Reflexionó un breve momento y dijo:
-¡Es exacto! Pero es que el vaciado es menos verdadero que la escultura.
Imposible le sería a un modelo conservar una actitud viviente durante todo el tiempo necesario para reproducirlo en un calco. En tanto que yo guardo en mi memoria todo el conjunto de la pose y puedo pedir al modelo que se conforme constantemente a mi recuerdo.
Pero todavía hay más.
El calco no reproduce más que lo exterior; yo reproduzco, además, el espíritu, que, ciertamente, también forma parte de la naturaleza.
Yo veo toda la verdad, y no solamente la de la superficie. Acentúo las líneas que mejor expresan el estado espiritual que interpreto.
Al decir eso, me mostraba sobre un caballete cerca de mí una de sus más bellas estatuas, un joven de rodillas que levanta hacia el cielo sus brazos suplicantes. Todo su ser está rígido de angustia. El cuerpo cae hacia atrás. El tórax se dilata, el cuello se tiende con desesperación, y las manos son como proyectadas hacia algún misterioso ser que ellas quisieran asir.
-Mire- dijo Rodin- aquí y allí he acusado el relieve de los músculos que mejor expresan la angustia, aquí, allí…
con el gesto subraya las partes más nerviosas de su obra. -¡lo he pescado, maestro!- exclamé irónicamente; usted mismo dice que ha subrayado, acentuado, exagerado. Entonces está bien claro que usted cambió la naturaleza.
Se puso a reír de mi obstinación:
-¡Y bien, no!- dijo.
En todo esto hay, sin duda, una modificación del natural. Pero si la hay, la he efectuado sin pensarlo en el propio momento. El sentimiento que influenciaba mi visión, me ha mostrado así la naturaleza, tal como la he copiado.
Si voluntariamente hubiera querido modificar lo que veía, y hacerlo más hermoso, no hubiera hecho nada que valiera la pena.
Admito que el artista no percibe la naturaleza como la ve el vulgo, puesto que su emoción le revela las verdades interiores, ocultas bajo las apariencias.
Pero, en fin, el único principio en arte es el de copiar lo que se ve. Por mucho que desagrade a los mercaderes de estética, todo otro método es funesto. No existen recetas para embellecer a la naturaleza.
Sólo se trata de saber ver.
Indudablemente un hombre mediocre por mucho que copie no hará nunca una obra de arte: es que, en efecto, él mirará sin ver. Por mucho que anote cada detalle con minucia, el resultado será chato y sin carácter. Pero el oficio del artista no está hecho para los mediocres, y a ésos, los mejores consejos no podrían darles el talento que les falta.
El artista, por el contrario, ve: es decir, que su mirada, en comunicación con su razón, lee profundamente en el seno de la naturaleza.
He aquí por qué, al artista, le basta con dar fe a lo que ven sus ojos.
Del Libro " El Arte " conversaciones de Rodin Con Paul Gsell

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El poder de la mujer

Tue, 08 Mar 2011 02:45:26 -0800

Un saludo especial, para todas las mujeres en su día Internacional

El poder de la mujer en el Thyssen
El Museo Thyssen‐Bornemisza de Madrid y la Fundación Caja Madrid acogen desde hoy Heroínas, un recorrido por la representación de la mujer en el arte occidental, pero, en esta ocasión, un modelo de mujer fuerte, activo, independiente, desafiante, inspirado, creador, dominador, triunfante… muy diferente del de la fémina seductora o complaciente, vencida o esclavizada, modelos sumisos y pasivos tradicionalmente asociados a dos estereotipos dominantes y complementarios: la maternidad y el objeto erótico.
Utilizando una palabra clave de la agenda feminista en las últimas décadas: esta muestra se interesa por aquellas imágenes que pueden ser fuentes de “empoderamiento” (empowerment) para las propias mujeres. De la mitología griega a las imágenes subversivas de artistas feministas contemporáneas, de grandes figuras del Cristianismo a anónimas lectoras de prensa… Heroínas presenta cerca de 120 obras, un completo catálogo de personajes femeninos de diversa índole y distintas épocas: Penélope e Ifigenia; Artemis y Atenea; bacantes ebrias y ménades furiosas; Atalanta, la mujer más rápida del mundo; cazadoras y atletas, arqueras y culturistas; Juana de Arco y otras vírgenes guerreras; amazonas y valquirias; las magas Circe y Medea; Santa Catalina de Alejandría, que convirtió a 50 filósofos paganos, y Santa Eulalia, crucificada como Jesús; Safo de Lesbos; María Magdalena leyendo y Santa Teresa levitando; Artemisia Gentileschi, Frida Kahlo y otras grandes pintoras.
En la modernidad
Heroínas es también una especie de “ciudad de las mujeres” centrada especialmente en el ciclo de la modernidad, desde el siglo XIX hasta la actualidad, aunque se incluyen algunos ejemplos desde el Renacimiento. Siguiendo un orden no cronológico sino temático, explora los escenarios y las vocaciones de las heroínas: la iconografía de la soledad, el trabajo, la guerra, la magia, la embriaguez, el deporte, la religión, la lectura y la pintura.
En cada capítulo de la muestra se yuxtaponen obras de distintas épocas, lenguajes y medios artísticos para provocar una reflexión sobre lo que cambia y lo que permanece a través de esas diferencias. Y en cada capítulo, una o varias voces de grandes mujeres artistas responden a las imágenes creadas por sus ilustres colegas varones: Caravaggio, Rubens, Rembrandt, Goya, Delacroix, Pissarro, Degas, Munch, Nolde, Malevich, Hopper; artistas vivas (Marina Abramovic, Kiki Smith, Mona Hatoum, Julia Fullerton-Batten, Rineke Dijkstra, etc.) y artistas de todos los tiempos (Mary Cassat, Lee Kassner, Nancy Spero, Angelica Kauffmann, Berthe Morisot, etc.).
Madrid. Heroínas. Museo Thyssen-Bornemisza.
Del 8 de marzo al 5 de junio de 2011.
Martes, 08 de Marzo de 2011 00:00 hoyesarte.com

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Feliz Día del Escultor

Sun, 06 Mar 2011 08:17:56 -0800

Miguel Ángel Buonarroti
En memoria
Cuarta parte

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Feliz día del Escultor !!!

Sun, 06 Mar 2011 08:05:17 -0800

Miguel Ángel Buonarroti
En su memoria
Tercera Parte

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Feliz día del Escultor

Sun, 06 Mar 2011 07:21:50 -0800

Miguel Ángel Buonarroti
En su memoria
Segunda Parte

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Feliz día del Escultor!!!

Sun, 06 Mar 2011 05:20:46 -0800

Miguel Ángel Buonarroti
Nació en un día como hoy, el 6 de marzo de 1475, para mi siempre a representado el Eterno presente en la Escultura, valga la pena hoy en el Día Internacional del Escultor hacer un breve recorrido por la obra de este Gran Escultor

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