Aquela música daquela cena

Família do bagulho

noreply@blogger.com (Markantonio) — Sat, 18 Nov 2017 00:24:00 +0000

Música: Waterfalls

Performed by: TLC
começa aos 17 segundos

Confesso que tenho dificuldade com comédias. Estranhamente, não com as românticas, mas as comédias "de ofício", por assim dizer, normalmente não me agradam. Mas em 2013 achei muito engraçado o trailer de "Família do Bagulho" (We´re the Millers), um daqueles casos em que o título em português captou melhor a essência do que o original. Em tradução livre, "Nós somos os Millers" remete à formalidade de uma família tradicional americana, mas formalidade é tudo que não veremos aqui.

O filme mostra a vida de David (Jason Sudeiks), um pequeno traficante sem muita ambição que sente que precisa dar um rumo à sua vida. O destino encarrega-se disso, fazendo com que Casey (Emma Roberts, sobrinha daquela lá), precise de sua ajuda. Com isso ele perde a carga de drogas que estava transportando. Porém, o seu chefão (e amigo de faculdade) lhe dá uma alternativa: buscar uma outra carga, desta vez no México e ainda embolsar uma grana maior. Ele aceita e tem a genial ideia (sem a qual não haveria filme) de alugar um motorhome e ir disfarçado de família americana típica buscar a "rapinha" de erva. Para isso convoca, além de Casey (que fugiu de casa e vive por aí), Kenny (virgem, BV, órfão de pai cuja mãe saiu para comprar bebida e não voltou), e sua vizinha, Rose (minha sempre escultural, Jennifer Aniston, de Friends), uma stripper que acaba de se demitir de onde trabalha por questões, digamos, éticas.

A ideia do diretor não foi fazer um tratado do conservadorismo da família média americana. Caso você pense isso, deverá ver o filme até o final e aproveitar e perder a ingenuidade para sempre sobre o reforço de valores culturais através da mídia; filmes em especial. Os EUA são conservadores até a medula. Tão reprimidos que acharam Beleza Americana transgressor. Serião. Dá uma pesquisada em teorias da comunicação, em seus primórdios, e veja do que se trata a "transmissão de herança social", e caras como Laswell e Lippman.

E por que o filme funciona? Funciona porque ele é realmente engraçado por diversas vezes em alguns segmentos, por não ter as tradicionais piadas escatológicas americanas (flatulências, arrotos, vômitos etc) e por trazer piadas difíceis de se ver na produção hollywoodiana (insinuações de incesto, homossexualidade, troca de casais, sadomasoquismo etc). Tudo isso é alinhavado por tradicionais clichês de comédia (com muitos palavrões, porém não gratuitos), mas também por contrapor, em alguns momentos, o ridículo como tudo é tratado pelo pessoal do lado de lá do muro. Isso fica mais evidente quando eles encontram uma família que viaja de trailer direto e que tem uma sexualidade bastante reprimida (se grande parte dos brasileiros são, imagina por lá). Algumas das melhores sequências acontecem após este encontro.

Mas não se preocupe, meu amigo/ com os horrores que lhe digo... no final, a união do núcleo familiar ideal prevalecerá (quase ideal, já que, ainda bem, não tinha cachorro) e o status será reforçado (olha a teoria da comunicação de novo).

Mas, e as músicas?

Música: Sweet Emotion

Performed by: Aerosmith

começa aos 60 segundos

Ficarei apenas nas duas canções destacadas neste post, apesar das outras canções serem bacaninhas. A primeira é "Waterfalls", single de 1995 que foi um megasssucesso do extinto grupo de R&B, TLC, precursor de muito do que a indústria musical americana inspirou-se nas décadas seguintes. Foi número 1 da Billboard americana por 7 semanas seguidas. É uma balada com uma levada sensual hipnotizante e irresistível.

No filme, a família Miller está comemorando o fato de terem cruzado a fronteira (quase) sem problemas. Como em Jerry Maguire - A grande virada, tentam encontrar no rádio uma música que reflita a alegria do momento. E aí toca "Waterfalls" (canção escolhida, vejam só, pelo "filho", Kenny. O "pai" diz que não gosta da música, mas todos começam a cantá-la. E no momento em que há um palavreado típico de rap, o caçula da família faz um show à parte (ficou de verdade ensaiando a noite toda para a cena).

Já a segunda canção, "Sweet Emotion", é do Aerosmith e foi lançada no álbum Toys in the Attic, dos anos 70, mas voltou com tudo após ser relançado no álbum Pandora´s Box, de 1991. Vale lembrar que o grupo teve um revival no final dos anos 80, quando lançaram Pump, recheado de hits e que recolocaram Stevie Tyler e companhia na rota dos megashows.

A canção aparece embalando um striptease que Aniston faz para distrair o chefão do narcotráfico. Cabe lembrar que as cenas foram feitas em 2013, e, aos 44 anos, a eterna Rachel mostra estar em boa forma (apesar de ter o bumbum "dublado"). E não poderíamos deixar de postar a forma descontraída como essa musa eterna foi homenageada pelos companheiros. A cena está nos erros de gravação e é bem legal:

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David Clark: Do it for the girls. For Rose and Casey, because believe me, they won't last two days in a Mexican prison.

Kenny Rossmore: OK, I'll do it for the girls.

David Clark: Attaboy! I'm proud of you.

Mexican Cop: Hey, what's going on? Somebody sucking my dick or am I getting 1000 pesos?

David Clark: Pesos? Why didn't you say so?

Mexican Cop: A thousand.

David Clark: Oh, that's like 80 bucks American? Here's a 100. Keep the change.

Mexican Cop: Gracias

David Clark: Can't believe you were gonna suck that guy's dick. Come on, let's go.

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We´re the Millers (2013)

Diretor: Seth Gordon

Elenco: Jennifer Aniston, Emma Roberts

Trilha Trailer Tradução Trama

X-MEN: Apocalipse / Dias de um futuro esquecido

noreply@blogger.com (Markantonio) — Fri, 17 Feb 2017 16:10:00 +0000

X-Men: Dias de um futuro esquecido

Música: Time ina Bottle

Performed by: Tim Croce

X-Men: Apocalipse

Música: Sweet Dreams

Performed by: Eurithmics

Vou aproveitar este post para matar dois coelhos com uma só cajadada (você percebe que tá muito velho quando cita um provérbio destes). Sim, aproveitarei para citar uma cena feita de maneira idêntica em dois filmes diferentes da franquia X-Men, cenas estas que roubaram ambos os filmes. Por coincidência ou não, são protagonizadas pelo mutante Mercúrio (Quicksilver, em inglês).

Antes de mais nada, tenho de lembrar que os quadrinhos são o meu terceiro vértice da cultura pop particular. Comecei com quadrinhos da Disney e Maurício de Souza na "aurora da minha vida". Mas depois que comecei a ler quadrinhos de heróis, principalmente da Marvel, só consegui ler quadrinhos adultos e graphic novels. Comecei pela querida Superaventuras Marvel em 1983. Era o número 14, com a estreia justamente dos X-Men, de Stan Lee e Jack Kirby. Era a antológica estória na qual os X-Men originais desapareceram e o Professor X convoca uma nova turma com a ajuda do Cérebro: Tempestade, Colossus, Noturno e o onipresente Wolverine. De lá pra cá, meu amigo, neste ano que estou escrevendo já passaram 34 em que me desfiz de tudo, menos dos X-Men. Simplesmente não consigo. Saí de casa, casei, separei duas décadas depois, voltei pra casa, saí de casa de novo e eles estão comigo.

Justamente por esse motivo sempre fui muito ansioso com relação aos X-Men (como outros heróis) no cinema. E eu gostei muito do tom introdutório do primeiro filme e sempre considerei o segundo como sendo uma das melhores adaptações de quadrinhos, com cenas antológicas (as invasões da Casa Branca e da Mansão X, a queda do Pássaro Negro, a fuga de Magneto, a conversa na casa do Homem de Gelo e a mega sequência final na represa).

Os mutantes geraram depois mais dois filmes, sendo que o quarto, X-Men First Class, é considerado o melhor por muita gente. Mas os que se seguiram caíram muito de nível. Em Dias de um Futuro Esquecido fizeram um roteiro que tiraram o melhor da história original e em Apocalipse, bem, chega a ser constrangedor o potencial desperdiçado com o vilão. Nem vou me alongar com as estórias, prefiro falar das músicas.

A primeira canção aparece quando Magneto, Mercúrio e o Professor Xavier são encurralados pela polícia, que os recebem com uma "salva de tiros". É aí que entra a megavelocidade do Mercúrio. Ele consegue salvar seus amigos de forma hiperdivertida desviando as balas e fazendo os policiais de trouxas. Mas tudo isso é feito em câmera lenta (para ele). Ele está com seu walkman antigão (manja aqueles de espuma laranja da Sony que o Senhor das Estrelas usa em "Guardiões das Galáxias"?) e começa a rolar Time in a bottle, de Jim Croce. A canção é de 1973 e fala exatamente sobre o tempo e o que se poderia fazer caso se pudesse aprisioná-lo numa garrafa. Como a música é uma balada folk e de andamento lento, casa perfeitamente com o modo com que Mercúrio percebe o tempo. Sensacional.

O destino só não foi clemente com Jim Croce. Depois de tentar a carreira musical com sua mulher e fracassar, teve de ser até caminhoneiro para pagar as contas. Quando conseguiu um contrato com uma major para lançar 3 discos por uma gravadora de porte enfim, acabou morrendo em um acidente de avião em 1973. Time in a bottle tinha sido feita para seu filho, que tornou-se músico. Jim acabou gravando dois discos e deixado um terceiro pronto, que tinha além de pérolas folk, uma tal de I got a name, que o amante do cinema vai lembrar quando clicar aqui e ver que o Tarantino (claro) a usou em Django Livre e também está presente no trailer de O Velho Logan.

Já a segunda canção é a clássica, maravilhosa e eterna Sweet Dreams, do Eurythmics, banda de synth-pop dos anos 80. Na cena, Mercúrio está chegando à Mansão X quando detecta uma megaexplosão que destruirá toda Escola para Jovens Superdotados do Professor X. Quem lê as histórias há décadas sabe que a mansão já foi destruída e reconstruída N vezes, demonstrando a resiliência do ideal mutante (proteger o mundo, mesmo aqueles que os odeiam).

Nos primeiros acordes vemos inicialmente as botas do herói quando abre a porta do carro. Mas quando começam os acordes eternos da música... o cinema vem abaixo. Aí é só aquilo que o cinema consegue transmitir por ser um meio audiovisual. E os efeitos são sensacionais.

Graças a Deus, consegui ver os Eurythmics no auge, no Hollywood Rock de 1988, parece que em outra vida, de tanto tempo. Lembro da presença imponente de Annie Lenox e seu marido e de estar feliz por estar vivenciando um momento inesquecível.

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Logan: We need your help, Peter.

Pietro Maximoff: With what?

Logan: Breaking into a highly secured facility and get someone out.

Pietro Maximoff: Prison break? That's illegal, you know?

Logan: [Looks around and sees the items Peter has obviously stolen] Only if you get caught.

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X-Men: Apocalypse / Days of future past (2016/2014)

Diretor: Brian Singer

Elenco: James McAvoy, Jeniffer Lawrence, Hale Berry, Michael Fassbender

Trilha Trailer Tradução Trama

AS VANTAGENS DE SER INVISÍVEL

noreply@blogger.com (Markantonio) — Sun, 03 Jul 2016 03:06:00 +0000

"We accept the love we think we deserve."

Música da cena do túnel: Heroes
Performed by: David Bowie

Música boa sendo tocada no baile: Come on Eilleen
Performed by: Dexys Midnight Runners

Sam: "Oh, meu Deus! Que música é essa?"
Patrick: "Não tenho ideia!"
Sam: "Já ouviu essa música antes?"

Charlie: "Nunca".

Pronto! Estão aí as informações que você queria. Assim como Sam (Emma Watson), por um instante você se sentiu tocado por um momento mágico proporcionado por uma música e não sabia o nome. Deu uma busca no santo Google e acabou encontrando este meu site. Sim, ele foi feito para pessoas como você, que não se conformam em deixar uma felicidade incompleta. Foi assim que nasceu o Aquela Música Daquela Cena.

Você pode agora tomar a pílula azul e ignorar que encontrou o melhor blog do mundo, aquele que mostra somente as cenas musicais dos filmes com comentários de cultura pop ou tomar a pílula vermelha e rumar para o infinito e além nas emoções que serão geradas nos outros posts. Ah, e nem precisa fazer três gols para pedir música, é só pedir que uma hora posto sua cena predileta.

Mas vamos ao filme: As vantagens de ser invisível é na verdade a adaptação do livro de mesmo nome de 1999, escrito por Stephen Chbosky, que curiosamente resolveu ele mesmo roteirizar e dirigir o filme. Situação idêntica agora só me vem à memória Johnny vai à Guerra (1971), de Dalton Trumbo. Achei o título em português, aliás, bem adaptado, já que o original (The perks of being wallflower) trata-se de uma expressão de difícil tradução, já que seria as vantagens de pessoas que ficam despercebidas em seu canto, só captando o que se passa. Como não li o livro não posso opinar sob a adaptação, mas a crítica é unânime com o fato de que valeu a pena o diretor ter adaptado o seu já clássico juvenil para as telas sob sua batuta.

O filme mostra o adolescente, Charlie (Logan Lerman) tentando socializar-se ao mudar-se com os pais e a irmã para uma nova escola tentando recuperar-se de uma depressão profunda devio ao suicídio de seu único amigo. Tímido e deslocado, acaba encontrando a companhia (e muitas outras coisas mais) na turma de veteranos desajustados da escola que inclui Patrick (Ezra Miller, de Precisamos falar sobre o Kevin) e a graciosa Emma Watson, atriz que tornar-se-á uma diva de Hollywood, porque uma estrela já o é (baixou o Temer, agora). Sua presença na tela é luminosa, radiante. Já o personagem Patrick é homossexual assumido e mantém relações escondidas com o machão enrustido da escola. Sam tem o péssimo hábito de ir pra cama com garotos mais velhos e possui baixa auto-estima.

A juventude é um período instigante na formação de qualquer pessoa. Passamos a deixar de lado a opinião dos pais e a valorizar a nossa "tribo" e a achar que já sabemos de tudo que temos de saber. Muitas obras artísticas acompanham essa jornada, tanto no cinema quanto em outras áreas. Em minha ida juventude havia a Série Vaga Lume, com obras como O mistério do cinco estrelas, por exemplo que nos despertou o prazer de ler (não era como as outras obras que exigiam Iracema, O cortiço, O guarani etc que só teríamos o prazer de ler sem obrigação já adultos (e dependendo da área que seguimos). Um livro famoso que marcou época de muitos adolescentes foi Damien, do magnífico Herman Hesse que também retratava a influência da amizade de estranhos.

As vantagens de ser invisível é um achado pois coloca com sensibilidade e de forma tocante temas alegres ou às vezes duros de forma delicada, sensível e engraçada, de forma a que qualquer adolescente sinta-se identificado. Isso não impede que um adulto venha a apreciar a obra como se fosse uma boa Sessão da Tarde, tipo Conta Comigo, outra jornada de descoberta juvenil adaptada para as telas.

Não bastasse a adaptação em si, os atores que encaixaram como uma luva, o filme tem outros trunfos, como o Homem-Formiga (Paul Rudd) no único papel em que não é um abestalhado completo. Ele é o professor de inglês que vê o potencial para escritor que Charlie possui, que lhe empressa vários clássicos da literatura e que pronuncia a frase que marcará uma geração:

Gostou? É que você não viu a resposta que Charlie deu no Verdade ou Desafio quando questionado como andava seu primeiro relacionamento sério. Ah, esqueci de dizer que o filme é narrado em off, na verdade é a leitura das cartas que Charlie escrevia sobre o que via e sentia em forma de diário.

O diretor também misturou um fato marcante de sua própria adolescência que foi a cultuada comédia musical de terror, Rocky Horror Picture Show (1975). Várias cenas do filme mostram meninos e meninas enfiados em corpetes e cintas-liga interpretando a original trilha no mesmo local em que aconteceram as gravações 40 anos antes. São interpretadas duas canções do musical: Rose, tint my world e Touch-A, Touch-A, Touch Me, que levam Charlie (e a galera masculina do planeta) ao delírio. Engraçado notar a influência de David Bowie também no visual andrógino e nas canções. Se fechar os olhos você consegue imaginá-lo cantando-as.

Recentemente assisti a um episódio incrível de Os Simpsons. Ele criticava a indústria cultural voltada para adolescentes, coisas do tipo Crepúsculo, Maze Runner, Divergente etc e toda uma série da qual não se guarda uma única frase bem escrita. Em livrarias caça-níquel de shopping centers é muito difícil separar o joio do trigo, a moda superficial do momento daquilo que ficará para sempre. Por mais que não seja alta literatura, as séries Harry Potter e O senhor dos Anéis, por exemplo, ficarão por outros méritos, como um real prazer de leitura, afinal de contas, crianças devoraram calhamaços de 500 páginas para cima. Ah, e formou a geração que hoje lê Game of Thrones. As vantagens... enquadra-se em uma categoria um pouco superior devido à abordagem universal, um patamar para levar futuros adolescentes à não estranhar livros mais densos que lhe caírem no colo.

O filme se passa numa época em que não existiam aplicativos como o Shazam ou Soundhound, que descobrem a música encostando o celular. Não haviam nem celulares. Aliás, como seria o filme se fosse gravado hoje, com todo mundo olhando para a tela e esquecendo-se do mundo ao redor?

Outra das "vantagens" do filme é a trilha sonora matadora que tem The Smiths (a melhor banda do mundo, ponto), Imagine Dragons, Air Supply, Crowded House ("Não é legal, música antiga?"), Nick Drake, Shaggs e por aí vai.

Bem, como dito anteriormente, a música que faz Sam sentir-se infinita naquele momento do túnel (e que Charlie repete no final do filme), é Heroes, do mestre David Bowie, injustamente falecido neste ano e que teve um especial com cinco posts neste site em abril.

Em outra cena, ao entrar em uma festa, Sam diz à Patrick algo como "Olha! Estão tocando músic a boa"), e saem a dançar "como combinado" prendendo a atenção de todos. A banda é a one-hit-wonder (aquelas de um sucesso apenas), Dexys Midnight Runners, foi lançada em 1982 e foi considerada o single britânico daquele ano particularmente fértil. A levada é irresistível, uma batida acaipirada com banjo, rabeca e uma subida de tom capaz de explodir um salão. E, para sua sorte, consegui também um vídeo que mostra o ensaio do casal antes da filmagem definitiva; você vai gostar mais ainda. Ah, e se você não se apaixonar pela Emma Watson nesta cena, não sei o que dizer. Mentira, sei sim.

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Sam: You can't just sit there and put everybody's life ahead of yours and think that count as love.

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As vantagens de ser invisível (The perks of being wallflowwer, 2012)

Diretor: Stephen Chbosky
Elenco : Emma Watson, Ezra Miller, Logan Lerman
Trilha Trailer Trama

CASA GRANDE

noreply@blogger.com (Markantonio) — Tue, 28 Jun 2016 02:37:00 +0000

Música : Luísa
Performed by: Thales Cavalcanti

Com a tendência de politização cotidiana do Brasil, radicalizada numa bipolarização política que levou ao poder um homúnculo como Michel Temer, não havia como que não se refletisse nas artes os ares que respiramos, aquilo que as/os antenas/antenados já haviam percebido. Só que a música , tradicional aliada, escusou-se de uma trilha sonora de fundo, como aconteceu maravilhosamente na Ditadura Militar. Houve apenas a opinião dos suspeitos de sempre, como Chico Buarque.

O cinema foi um filho que não fugiu à luta e notou-se ultimamente a tendência a um subgênero do cinema de "drama social" que, para não utilizar a epítome de um cinema de "esquerda", diria mais que seria um cinema de "cotejo". De qualquer modo, um cinema necessário.

Para mim este tipo de cinema designaria o ato de comparar, investigar as diferenças e semelhanças entre as ideologias partidárias de coxinhas e petralhas. Não convém aqui qual seria o resultado, já que poderia ser distorcido. Para se ter um exemplo espantoso, mas muitas pessoas não viram nada de panfletário em Que horas ela volta? e até viram como comédia.
Por ser um pouco mais hermético estas mesmas pessoas também não veriam a representação da desigualdade histórica e a hora do acerto de contas no excelente O som ao redor, apenas para ficar em dois luminares recentes desse tipo de cinema, que ainda incluiria Trabalhar cansa e Domésticas.

Em Casa Grande, só pelo título somos remetidos logo de cara ao seminal romance de Gilberto Freire, Casagrande e senzala. O filme trata primordialmente da relação de poder entre patrões e empregados, mas também do modo como isso é visto pelos olhos de Jean (Thales Cavalcanti), filho de Hugo (o surpreendente canastrão Marcello Novaes). Hugo é economista e trabalha no mercado financeiro nesta época da pior crise desde 1929. Perdeu grana a rodo na Bolsa de Valores e deve até para amigos próximos (eu ouvi Eike Batista?). Jean passa pelos problemas típicos de um adolescente classe média alta urbano: estuda em colégio pago e tradicional, a puberdade o faz desejar ardentemente um consolo sexual, vive às turras com a irmã mais nova e vai conhecer o contrário da fartura.

Sônia (Suzana Pires) repete a parceria feita com Novaes na novela A regra do jogo e é a matriarca da família, de índole bem mais humilde que o arrogante marido, Sônia não se furta a dar voz aos seus empregados, de expor a empatia que uma delas lhe proporcionava e acreditar em sua explicação e até de vender cosméticos refinados "pra fora" na hora que a coisa aperta.

A empregada Rita (interpretada por Clarissa Pinheiro) é um caso à parte: um tipo que conhecemos ou ouvimos falar e sempre nos espantamos quando verificamos que não se trata de ficção, basta pegar um ônibus após as 16h30 em direção à periferia. Rita é a única empregada que dorme no emprego e seu jeito extrovertido e contagiante ganhou prêmio de atriz coadjuvante no festival de Paulínia 2014.

Jean às vezes desce até seu quartinho para tirar umas lasquinhas na hora de dormir e encontrar inspirações em seus devaneios noturnos, típicos da idade. Típica também é a condição que remete à antiga casa grande do senhor de escravos e sua liberdade com as serviçais.

Esteticamente a derrocada econômica da família é mostrada em 3 ou 4 tomadas que mostram as luzes da mansão em condomínio na área mais nobre da Barra da Tijuca se apagando ou os empregados chegando no portão e alguém abrindo. É um deles, o motorista Severino (popular que nunca foi ator e dá uma veracidade tremenda à interpretação) que dá a Jean o indício que as coisas não vão tão bem como lhe assegura seu orgulhoso pai. Os reflexos dessa derrocada avançam exponencialmente na escola, na relação de Jean com os empregados pelos quais têm uma relação recíproca de carinho e no amor adolescente que passa a sentir por Luísa, também aluna, mas de colégio público. Luísa desce em um ponto na Rocinha ao voltar da escola e é aquela linda mistura de raças brasileira que deveria ter as diferenças exaltadas ao invés de perseguida: no filme ela é filha de mulata com japonês, mas também lembra uma bela indígena.

Toda essa trama é colocada de modo sutilmente excepcional em um roteiro premiado e uma montagem nada cansativa com diálogos muito bem escritos e verossímeis. Diferentemente dos dramas sociais recentes, e que muitos cotejadores do lado de lá gostarão em princípio, a ação não transcorre na periferia e sua tradicional estética dos últimos anos. Ela se passa na mansão de mais de mil metros quadrados construídos ou no colégio abastado. A demissão do motorista da família havia 15 anos e o fato de ter de utilizar transporte público, colocam Jean em uma situação de alteridade social interessante ao qual já tinha certa simpatia devido ao contato com os empregados (ecos também do filme de Ana Mullayert).

Outra coisa a se verificar é o fato de não haver a estereotipização maniqueísta dos patrões (a matriarca, já mencionada é diferente da megera contestada em Que horas ela volta?), um dos empregados foi canalha e sobre outro pairou-me a dúvida se também não foi. Já o provedor da família, Hugo, é hipócrita no que diz respeito ao racismo: ele confessa no carro ao buscar o filho e os amigos no forró já ter provado as delícias de uma, digamos, ligação interracial (mais liberal que a juventude que o questionou) e quando menciona a aula sobre cotas diz que os EUA, que são o maior exemplo capitalista possuem "ações afirmativas", por isso ele aprovava (Complexo de Vira-Latas total). Mas na cena do churrasco, ele demonstra (como muita gente mostrou no Brasil) que o problema é mais com a manutenção dos privilégios do que com a cor.

Como senão apenas a mencionada cena didática sobre cotas raciais em universidades públicas que é debatida de forma mais deslocada no citado churrasco de apresentação de Luísa à família do que no próprio colégio particular de Jean. Aliás, nesse churrasco notam-se outras coisas, como o comportamento volúvel (ou hipócrita) de Hugo sobre o assunto, ou os abutres da classe alta a querer levar a casa e a criadagem.

Bem e é nesse churrasco que acontece a cena musical em que Thales Cavalcanti canta uma inédita canção com o nome de sua primeira namorada ao violão. A música foi composta pelo próprio Thales, um reggaezinho com ecos gigantescos de Charlie Brown Jr. O ator repetiu a dose em Malhação: seu lugar no mundo na temporada 2016 (já sob os louros do longa-metragem) ao compor a canção Camila para seu par romântico.

Ah, o filme, assim como O som ao redor, é o primeiro longa do seu diretor, Fellipe Barbosa. Grande estreia!

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"Eu adoro que beijem minha bunda!

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Casa Grande (2014)

Diretor : Fellipe Barbosa

Elenco: Marcelo Novaes, Suzana Pires, Thales Cavalcanti

Trailer Trama

MARIA ANTONIETA

noreply@blogger.com (Markantonio) — Tue, 14 Jun 2016 00:29:00 +0000

The story of a Queen who lived like a Rock Star

Música :Ceremony
Intérprete : New Order

Música : Hong Kong Garden
Intérprete : Siouxsie and the Banshes

Imagine que você é uma moça entre 15 e 20 anos. É uma fase de transição da adolescência para a vida adulta em que predominam as baladas, saídas com as amigas, compras e os crushes. Você ainda está meio perdida mas sabe que tem de aproveitar o que a vida tem de bom.

Pense também agora que você é uma mulher já estabelecida, com responsabilidades, incluindo filhos e um casamento infeliz com um homem que não é chegado nas delícias do sexo.

Mas e se você for Marie Antoinette, arquiduquesa da Áustria, tem 15 anos incompletas e sai de seu país sem nada (nada mesmo) para ser a futura rainha da França, em uma estratégia entre as duas nações irmãs? Mais ainda: sem saber que seria a última rainha da França (1755-1793) e que entraria nos livros de História para sempre, vinculada a um dos maiores movimentos sociais que a Terra já presenciou, a Revolução Francesa.

Pois essa é a introdução de Maria Antonieta, terceiro longa metragem de Sofia Coppola, filha do consagrado Francis Ford Copolla, um sobrenome que carrega um peso imenso. Para se ter uma ideia, Nicolas Cage nasceu Nicholas Kim Coppola. Sim, ele é sobrinho do diretor, mas não queria ver isso como um facilitador de carreiras e adotou o sobrenome "Cage" em homenagem ao herói da Marvel, que você viu como namorado da Jessica Jones.

Sofia é como Maria Antonieta, aliás como todas as protagonistas de seus filmes até este filme: um alter-ego feminino que sempre carrega um peso gigantesco sobre os ombros que lhe demanda sucessos, gentilezas e enquadrada em um mundo específico, o do cinema.

Quando Maria Antonieta (interpretada pela bela e doce, Kirsten Durnst), décima quinta filha (?) da família Habsburgo, chegou à França para se casar com um Bourbon, o futuro Rei Luis XVI, em plena França absolutista, causou um rebuliço. Afinal de contas uma menina de um país estrangeiro teria a obrigação de gerar um herdeiro para a nação, imaginem. No filme vemos que a afetuosidade da menina herdada da tradição romana secular destoava da empáfia francesa, ou seja, quem acha os franceses arrogantes, saibam que até imperadores os achavam assim. Para piorar a situação, levaram-se sete anos (!) para que conseguissem gerar um primeiro filho, ou seja, o futuro rei aparentemente era apatetado como demonstra o ator nas cenas íntimas do casal.

Antonieta sofreu também com as regras da realeza muito bem retratadas no filme. Era cercada por uma entourage que não lhe dava um segundo de descanso desde o acordar. A ponto de, mais velha, querer um local afastado no campo para pôr os pés na terra e até ordenhar vacas.

Sofia Coppola, baseou-se no best-seller da especialista em biografias, Antonia Fraser e conseguiu autorização para filmar dentro do suntuoso palácio de Versalhes, obra luxuosa e gigantesca da nobreza que não pagava impostos, junto com o clero, sendo que ambos representavam somente 2% da população. Os gastos eram excessivos como bem demonstra o filme, apesar de historicamente ter sido uma conjuntura que levou à revolução, coisa que o filme só cita, focando mesmo na rainha do título.

Quem espera também um épico cinematográfico, no sentido de cenas grandiosas, gruas, travellings, panorâmicas monumentais do interior do palácio, violinos e trilha sonora no estilo da época etc, vai se surpreender com a franqueza cinematográfica com o qual a diretora filmou: um drama pop americano de uma garota deslocada em uma cidade nova com um primeiro namorado tímido com uma deliciosa trilha sonora dos últimos 30 anos. Isso mesmo. E tudo isso em uma edição às vezes (veja bem, às vezes) em forma de videoclip, como nesta cena em que a rainha e as "migas" saem para comprar roupas e sapatos e ostentar em um shopping e param para saborear um junk food na praça de alimentação. Bem, não é isso, mas é quase. A diretora queria mesmo era dar uma visão americana dos ícones da francofilia.

Sofia Coppola sempre teve uma atenção à trilha sonora, estando sempre antenada com o que rola de melhor. Foi assim em As virgens suicidas ou em Encontros e Desencontros na qual ela enfiou um espetacular Jesus e Mary Chain na cena final. Como o objetivo deste blog é a química da música e do filme, temos uma ideia clássica da utilização de uma trilha sonora atual (anos 80) em uma cena do século 18. Ela escolheu Hong Kong Garden, da sumida Siouxsie and the Banshees, banda seminal do pós-punk inglês para ilustrar uma escapadela para um baile de máscaras (bem conveniente) que a rainha deu com as amigas para descer até o chão e encontrar o bofe sueco da sua vida na balada. Bem, não é isso, mas é quase. Olhem como o som se encaixa:

Uma versão de 1938 da mesma história mostra como a visão da década de 30 era bem menos ousada, como pode ser visto aqui.

Esse espanto bem-vindo acontece ainda nos créditos de abertura do longa, já que somos apresentados de cara a um som espetacular do seminal quarteto inglês Gang of Four, contemporâneo da Siouxsie. Ainda na trilha temos Strokes, Radio Dept, Aphex Twin e novamente seus preferido, o duo francês Air que já tinha aparecido nos outros filmes anteriores.

Logo no início deste post temos também o vídeo de um aniversário de Maria Antonieta em que ela resolve dar uma festança até o dia raiar com a parte da corte francesa que não a odeia. O momento é marcado pela etérea, linda e eterna, Ceremony, do New Order. Mas você pode imaginar que o DJ desta e da outra festa rolou também Girls just wanna have fun, da Cindy Lauper.
Todas essas cenas musicais são parte do momento em que Sofia, digo, Maria Antonieta, resolve não se conformar com sua situação, principalmente a conjugal, e busca algo de leve fora da bolha em que vive.

Por falar em festança, a rainha teve um breve período em que foi pop, popular, e aqui a utilização do termo tem todo um sentido. Maria Antonieta foi um ícone pop e prenunciou aquilo que foi Lady Di, só para ficar em um exemplo. Não pelo que ficou de legado social da princesa da Inglaterra, já que Maria Antonieta era totalmente despolitizada e à parte das agruras que a população passava, já que Versalhes era uma espécie de Beverly Hills.

Mas o fato de ser um ícone, principalmente fashion era idêntico. As roupas, os penteados, a moda das perucas, as joias, os Manolo Bhlanik feitos especialmente para o filme estão lá, e até um All-Star (!) perdido que você vê aqui ou na cena do nosso nono parágrafo, aos 2:29. Nunca se esquecendo que a direção de arte do filme é primorosa e o único Oscar ganho pela película foi o de figurino.

Toda essa "exuberância irracional", que era da corte toda e não exclusiva dela, dava à Antonieta um ar de frívola, fútil e consumista, se existisse esse termo à época. Para uma população que vinha de uma colheita ruim e de um inverno rigoroso, passando fome pelas ruas era um pouco demais. Muito da culpa da ostentação da nobreza ficou na conta da rainha estrangeira, chamada pelos corredores de "a austríaca". A famosa frase "Se não tem pão que comam brioches!" nunca foi comprovada ter sido dita pela bela.

Antonieta conseguiu após muito esforço gerar os herdeiros que a França queria, digo herdeiros porque a primeira foi uma menina; não servia; tinha de ser homem. Mesmo jovem Antonieta foi um ícone de moda, foi libertária, dizem que andou em orgias, tinha uma amante entre as empregadas, deixava evidente que se aproveitava mas não se encaixava naquele contexto... não aparentava ser uma má pessoa. Era uma teenager comandando um dos maiores impérios da Europa em uma época de profundas transformações. Podia ter se safado da turba que tomou a Bastilha e depois sequestrou o que sobrou da corte, mas preferiu ficar no palácio com os empregados mais fiéis e com o marido fraco. Uma atitude nobre destas não foi o suficiente para que sua cabeça permanecesse sobre seu pescoço, sendo guilhotinada em 1793.

Bem, não é isso, mas é quase.

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Marie-Antoinette: I shall never forget that you are responsible for my happiness.

Duc de Choiseul: And that of France

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Maria Antonieta (Marie Antoinette, 2006)
Diretora : Sofia Coppola
Elenco : Kirsten Durnst, Rose Byrne, Jason Schwartzman
Trilha Trailer Tradução Trama

A herança de Mr. Deeds (Especial David Bowie)

noreply@blogger.com (Markantonio) — Sat, 26 Mar 2016 01:29:00 +0000

"Don´t let the fancy clothes fool you"

Música : Space Odditty
Performed by: David Bowie

Diógenes de Sínope era um filósofo grego clássico que dizia que "Tem mais quem se satisfaz com o mínimo". Para mim a frase pode ser interpretada de maneira errada. Entendo que para ser feliz é mais fácil desejar menos, mas seríamos hipócritas se víssemos alguém que desejou muito e conseguiu (tipo George Clooney) e acharmos que somos mais felizes só porque desejamos "um carro, uma casa e uma mulher", como bem dito no cortante Contratodos, 2003.

Em A herança de Mr. Deeds, Adam Sandler vive Longfellow Deeds, sobrinho e único herdeiro de um tio que ao morrer no topo do Monte Everest lhe deixa uma fortuna de U$ 40 bilhões de dólares, um verdadeiro império de telecomunicações e outros ativos financeiros que incluem até seu time preferido. Tipo o brasileiro, Um suburbano sortudo.

Mas Longfellow (piada com "camarada para sempre") é um cara superfeliz em sua cidadezinha. Tem uma pizzaria e confecciona cartões de presente. Conhece todas as pessoas dali e nem imagina em sair, mas é isso que terá de fazer, pelo menos até toda a transição da papelada rolar. E é durante essa transição que os vilões dessa comédia tentarão enganá-lo. Para isso deverão levá-lo para Nova Iorque por um tempo mínimo.

Na cidade grande Deeds vai descobrir como o dinheiro muda tudo. Inclusive toda a estória de seu par romântico. Não sei se se lembram mas era uma vez uma atriz talentosa nos anos 90 e que aqui está mais bela do que nunca, Wynona Rider. Sim, a Garota Interrompida e o par romântico da criatura de Edward Mãos-de-tesoura. Ela é Bertha e trabalha em uma revista e quer se dar bem com a história do novo rico. Para isso ela simula um assalto com seu amigo para que Deeds a salve. O motivo é que foi dessa maneira que os pais dele se conheceram.

Tudo dá (mais ou menos) certo com o assalto e é claro que o que deveria ser apenas trabalho se transforma em amor até a hora em que se descubra a mentira. Esse é a segunda perna que sustenta as comédias românticas. A primeira é o casal que de cara não se bica e depois descobre que não podem mais viver um sem o outro.

Com isso Deeds questiona o conceito de felicidade, já que praticamente todos que conheceu na cidade grande querem se aproveitar dele. Se fosse Cypher, o personagem traidor de Matrix, receberia o veredito de que "a ignorância é maravilhosa".

O filme é uma livre adaptação de O galante Mr. Deeds, ganhador de Oscar em 1936 e dirigido pelo saudoso Frank Capra, diretor de filmes que estão no coração de muitas pessoas comuns e amantes do cinema, como A Felicidade Não Se Compra. Afinal de contas, Adam Sandler não é Gary Cooper. Mas esta versão, apesar de ter seus momentos, não chega nem perto. Um crítico mais mal-humorado ao relatar quais motivos o fariam assisti-la disse: "Talvez para pagar alguma aposta". Engraçado, vai.

Mas e a música? Confesso que esse post foi à toque de caixa para aproveitar uma semana produtiva destas minhas férias (seis posts em oito dias). E também para continuar homenageando David Bowie, já que em uma cena em um helicóptero sobrevoando a cidade, Adam Sandler começa a entoar a canção junto com a tripulação até que um chato de galochas interrompe a farra.

Space Odditty é hipersimbólica quando se olha para as estrelas e pensamos na nossa pequena existência e também toca em nosso post de A vida secreta de Walter Mitty. Agora, imagine o astronauta Chris Hadfield que ficou semanas no espaço e era fã de Bowie. Muito antes da morte do cantor ele, que popularizou o dia a dia da rotina em uma estação espacial, tocou a canção em gravidade zero. Mesmo com as suas limitações vocais, é muito louco pensar em ouvir Bowie com a Terra lá embaixo.

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Babe, aka "Pam Dawson": I'm of Swedish ancestry.Longfellow Deeds: Really?Babe, aka "Pam Dawson": Yes. My grandfather was in ABBA
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A herança de Mr. Deeds (Mr. Deeds, 2002)

Diretor: Steven Brill

Elenco: Adam Sandler, Wynona Rider, John Turturro

Trilha Trailer Tradução Trama

Ground control to Major Tom

Take your protein pills and put your helmet on

Ground control to Major Tom

(10, 9, 8, 7)

Commencing countdown, engines on

(6, 5, 4, 3)

Check ignition, and may God's love be with you

(2, 1, lift off)

This is ground control to Major Tom

You've really made the grade

And the papers want to know whose shirts you wear

Now it's time to leave the capsule if you dare

This is Major Tom to ground control

I'm stepping through the door

And I'm floating in the most peculiar way

And the stars look very different today

For here am I sitting in a tin can

Far above the world

Planet Earth is blue, and there's nothing I can do

Though I'm past 100,000 miles

I'm feeling very still

And I think my spaceship knows which way to go

Tell my wife I love her very much, she knows

Ground control to Major Tom

Your circuit's dead, there's something wrong

Can you hear me Major Tom?

Can you

Here am I floating round my tin can

Far above the moon

Planet Earth is blue, and there's nothing I can do

Frances Ha - (Especial David Bowie)

noreply@blogger.com (Markantonio) — Thu, 24 Mar 2016 18:07:00 +0000

Música : Modern Love
Performed by: David Bowie

Imagine que só sobrou você. Toda sua antiga turma da faculdade direcionou-se, por um caminho ou por outro. Alguns felizes seguiram a vocação e passaram a ganhar dinheiro.Ou não, mas seguiram a vocação. Outros, aparentemente felizes, saíram-se pelo menos financeiramente bem, embora atrelados à uma vida não muito auspiciosa. Já você é alta e desengonçada, mas sempre sonhou em entrar em uma companhia de balé e rodar o país. O máximo que conseguiu é ainda dar aulas de balé para crianças em uma escola.

Até quando você espera algo acontecer? Por que essa fase da vida adulta é tão difícil para quem ainda não sabe o que quer? Ou pior ainda, para aquele que acha que sabe e não consegue alcançar o objetivo? Por que o tempo passou a correr tão rápido? Já foi duro sair da casa dos pais, terminar a universidade, morar no centro da cidade grande, pagar as próprias contas...

Frances é essa garota, que se parece com tantas outras que conhecemos, sempre no meio do caminho. Tem um pouco de talento, um pouco de beleza, um pouco de dinheiro todo mês. Um pouco de alegria e de tristeza. Mas é alegre, fiel, enfrenta os revezes com otimismo, é amiga, companheira e best friend forever de sua Sophie. A ponto de alugarem uma casa, de dormirem na mesma cama e se rotularem como "um casal de lésbicas que está junto há muito tempo e não faz mais sexo".

Não apenas dividem uma vida mas estão aparentemente na mesma vibe. Sophie também está presa nos últimos laços da adolescência e, entre outras coisas, percebemos isso quando as duas brincam de "lutinha" no parque. Mas Sophie tem um pequeno sonho que se realiza: morar em uma rua que sempre quis. E vai fazer isso com um namorado. Frances Ha (Greta Gerwig em atuação brilhante a ponto de estar em TODAS as cenas do filme) se vê sozinha pela primeira vez. Ela acaba por encontrar dois novos amigos supercools e descolados, um deles Kylo Ren de Star Wars, opa, Adam Driver, do seriado Girls.

Frances "adequa-se" e procura "estabilizar-se", palavras difíceis para quem preza tanto a liberdade de só seguir os caminhos os quais não lhe foram impostos. Mas como conciliar isso com alguém que diz ter "dificuldade em sair do lugar onde estou"?

Seu pesadelo fica pior ao reencontrar amigos em situações em que fica demonstrado que ela nem seguiu um caminho que não queria como também não chegou ao fim daquele que a faria feliz, independente de dinheiro.

Muitos saudosistas ao ver o filme lembrarão de Friends, aquele seriado que mostrava a vida de jovens adultos em cidades grandes, com as mesmas dificuldades e aspirações, sempre com a ajuda da "família que escolhemos para nós". Outros mais antenados lembrarão da galera de Girls, até porque, como já dito, um dos personagens atua no filme.

Frances Ha paga um tributo à Nouvelle Vague francesa, mais especificamente a um subgênero chamado mumblecore que, confesso, aprendi em pesquisa recente. Para quem conhece obras seminais como Acossado ou Os Incompreendidos, saiba que, nesse subgênero os diálogos naturalistas, personagens balbuciantes e o baixo custo das produções são radicalizados.

Esqueça o mantra particular de "eu não gosto de filme preto e branco", isso não é coisa de adulto e nem de descolados. A fotografia, que evoca Manhattan, de Woody Allen, traz um clima retrô ou vintage para sublinhar a obra, fazendo-nos perceber desde o início que assistimos a um filme cult, uma pequena obra-prima saudosista moderna.

Parte da trilha sonora instrumental também é de um dos maiores talentos da Nouvelle Vague, sendo que o compositor já trabalhou com Godard, Truffaut e Louis Malle.

Mas, falando em trilha, como estamos falando de David Bowie, morto recentemente nos últimos posts, nada melhor saber que esse pequeno clássico tem uma cena já antológica: Frances tem uma pequena vitória em meio a suas batalhas diárias e, de tão feliz, sai correndo pelas ruas da cidade, esta é a cena principal do nosso post. A música é Modern Love, canção de 1983, repleta de sintetizadores como era comum à época e com Bowie adotando a persona de mullets e ternos com ombreira. O ritmo é agitado e é de levantar o público de qualquer festival.

O mais legal de tudo é que a cena é uma homenagem ao filme francês Sangue Ruim (Mauvais Sang), de 1986, só que no filme francês o personagem sai correndo em uma rua ao som da mesma música da esquerda para a direita, como é comum em artes visuais em geral, mas em Frances Ha a personagem corre em sentido contrário. Hilário!

Noah Baumbach é um dos diretores que mais gosto ultimamente, junto com Jason Reitmann. Ambos fazem obras que abordam períodos de transição e de questionamento. Em A lula e a baleia temos a transição de uma separação vista com a ótica dos anos 80 por Noah, ou o hilário encontro de hipsters e quarentões no século 21 em Enquanto somos jovens, segunda parceria com Adam Driver. Já Jason Reitmann vê um momento oposto ao de Frances em Jovens Adultos (não leu? Já publicamos).

Noah gostou tanto da atriz que foi morar com ela (bobo ele) e trabalhou posteriormente em Mistress America, outra crônica urbana legal com gente deslocada. A atriz vai ficando como o rosto icônico de uma geração, de um tempo e de um lugar. Gente que, como disseram muito bem, pensou que a festa adolescente era eterna e de repente se viu como tendo que apagar a luz do local pois era a última a sair. Gente atrasada, talvez. Mas gente capaz de não vender tão barato seus sonhos, como nessa cena espetacular aqui.

Mas não se preocupe. Frances reencontra seu caminho na vida. Mesmo que os sonhos não se concretizem, a vida ainda é boa e novos caminhos surgem todo dia.

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Frances: Sometimes it's good to do what you're supposed to do when you're supposed to do it.

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Frances Ha (Frances Ha, 2012)
Diretor : Noah Baumbach
Elenco : Greta Gerwig

Trilha Trailer Tradução Trama

I know when to go out
And when to stay in
Get things done

I catch a paper boy
But things don't really change
I'm standing in the wind
But I never wave bye-bye
But I try, I try

There's no sign of life
It's just the power to charm
I'm lying in the rain
But I never wave bye-bye
But I try, I try

Never gonna fall for
Modern love walks beside me
Modern love walks on by
Modern love gets me to the church on time

Church on time terrifies me
Church on time makes me party
Church on time puts my trust in god and man
God and man no confessions
God and man no religion
God and man don't believe in modern love

It's not really work
It's just the power to charm
I'm still standing in the wind
But I never wave bye bye
But I try, I try

Never gonna fall for
Modern love walks beside me
Modern love walks on by
Modern love gets me to the church on time

Church on time terrifies me
Church on time makes me party
Church on time puts my trust in god and man
God and man no confessions
God and man no religion
God and man don't believe in modern love

Modern love - Modern love
Modern love - Modern love, walks beside me
Modern love - Modern love, walks on by

A VIDA SECRETA DE WALTER MITTY (Especial David Bowie)

noreply@blogger.com (Markantonio) — Thu, 24 Mar 2016 00:04:00 +0000

"Stop dreaming. Start living"

Música : Space Oditty
Performed by: David Bowie
Música : Wake Up
Performed by; Arcade Fire

Já iniciei várias vezes este post e nunca encontrei a forma correta de abordagem porque o filme estrelado e dirigido por Ben Stiller tem várias facetas. Com a morte de Bowie em janeiro de 2016 resolvi desencavar o rascunho e finalmente terminá-lo.

O aspecto que mais me pegou em A vida secreta de Walter Mitty diz respeito à área que me formei, a Comunicação Social porque o filme gira entre outras coisas com o fim de uma revista.
Bem, os adolescentes e as crianças de hoje não têm ideia de quão disruptora é a mídia chamada internet. Ela engloba tudo, todos os aspectos das demais. Com o suporte correto você consegue ler os livros, jornais e revistas que lia impressos. Assistir aos filmes, seriados e shows que assistia na TV. Ouvir rádios. Ver pinturas. Ouvir música. Praticamente tudo que as outras mídias já faziam e de forma cumulativa.

No filme de 2013 Ben Stiller é Walter Mitty, que trabalha no setor de arquivo de fotojornalismo da antiga revista Life. Ele é apaixonado por uma colega de trabalho (ambos estão no E-Harmony e tem ótimas piadas sobre isso no filme). Mitty também recebe no trabalho de tempos em tempos os negativos de um grande fotógrafo da vida selvagem Sean O´Connell, interpretado por Sean Penn.

Posteriormente fica-se sabendo que a revista irá fechar (triste destino de tantas ótimas publicações), conforme anuncia um executivo de "transição". Walter tem a preocupação adicional de ser arrimo de família, sustentando a mãe e a irmã desde o início da vida adulta, já que não contava mais com o pai.

Walter tem devaneios de aventura, como o menino de O fantástico mundo de Bobby ou mesmo Calvin, sonhando com tudo que não fez em sua vida. Mas um fato irá mudar sua vida: a revista fará uma última edição com uma foto de O´Connell que demonstrará a "quintessência" (adoro essa palavra) da revista. Só que o pacote que Walter recebeu do recluso fotógrafo contém vários negativos, mas não a foto da capa. Mitty descobre, então, que existem pistas nas outras fotos que o farão correr atrás da maldita capa. O mundo fechado no escritório e limitado ao que pode fazer por si e pela família com o salário de Mitty, contrasta com a montanha-russa que é a vida do renomado fotógrafo O, Connell.

Mas Walter aparentemente nunca aventurou-se e, para se ter uma ideia, as fotos reveladas em "banho de prata" o levariam a lugares como Groenlândia, Himalaia e Islândia.
Mas existe um momento em que Walter decidiria tudo isso, um momento decisivo, como o termo inventado pelo grande fotógrafo, Cartier-Bresson. Walter acaba de ouvir o conselho de que deve satisfazer sua curiosidade de encontrar a foto e devaneia com O´ Connell o chamando em uma foto ampliada em mais um de seus devaneios.

Sou suspeito para dizer que utilizaram uma música sensacional e que fala de despertar. Wake Up, do Arcade Fire. Em seu devaneio ele passa por um corredor com capas de grandes personalidades da história e vê a última como sendo ele próprio:

Esse segundo aspecto faz com que o filme muitas vezes pareça auto-ajuda. Afinal de contas prega uma saída da zona de conforto, tão falada nos últimos tempos em antiga apresentações do finado Power Point. E o filme está cheio destas situações, como quando ele desce uma incrível estrada na Islândia fugindo de uma erupção em cima de um longboard ao som de Junip.

Mas como observou bem um site, em um outro olhar podemos pensar que Mitty poderia querer voltar à zona de conforto que tinha antes de sua vida mudar ao passar a ser o homem da casa com 17 anos com o falecimento de seu pai. Para começar é preciso situar quem não assistiu ou quem o fez e não percebeu devido à (tenho de admitir) ineficiência do diretor em demonstrar isso: Walter Mitty era um adolescente rebelde que usava moicano, andava de skate e curtia Buzzcocks. É um bom tempo para se querer que volte.

Retornando à abordagem do primeiro aspecto, no decorrer do filme com uma certa melancolia a autossabotagem de Mitty e o que reservava a última capa da Life, tanto para o personagem quanto para aqueles de nós que ainda trabalha no meio impresso e viu toda transição que vem acabando com diversas revistas. Basta ver quantas ótimas foram fechada aqui pela Abril: Alfa, Bravo, Info. Toda a cultura da hiperconectividade ainda causa espanto e estranheza. Só para ficar no campo da fotografia, Em certo momento, o fotógrafo encontra um raríssimo leopardo das montanhas e ao invés de fotografá-lo, prefere "aproveitar o momento", pois o importante é a vivência e não a recordação mecânica da vivência. Difícil pensar isso em tempos em que se vive no Snapchat relatando a festa que mal nos lembramos.

A vida secreta de Walter Mitty é uma refilmagem de um filme de 1947, chamado originalmente O homem de 8 vidas. Ambas as versões foram baseadas em um conto de 1939 de James Thruber, publicado na revista New Yorker e é um clássico americano: o homem que para de conter os sonhos e começa a realizá-los, mesmo com medo.

E quem não tem medo? Por exemplo do espaço sideral, do vazio? Na cena musical da homenagem ao Bowie, temos o par romântico de Ben Stiller tocando Space Oditty em um de seus devaneios na Groenlândia. A canção por incrível que pareça não faz parte do The Rise and Fall of Ziggy Stardust, álbum conceitual já comentado no post de Perdido em Marte. Ela aparece em outros diversos filmes, como em A Herança de Mr. Deeds e até em seriados, como em uma cena hilária de Friends.

A canção tem tudo a ver com a cena literal do filme, onde no devaneio Walter tem de entrar em um helicóptero cujo piloto estava bêbado e cantando Don´t Want Me Babe, do Human League em um Karaokê. Ou, em segunda leitura, observar os versos como (Now it´s time to leave your capsule if you´ re dare / Agora é hora de deixar sua cápsula espacial, se puder), basicamente a mensagem original e principal do filme.

Ufa! Demorou mas acho que essa abordagem compensou! ;-)

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Walter Mitty: When are you going to take it?

Sean O'Connell: Sometimes I don't. If I like a moment, for me, personally, I don't like to have the distraction of the camera. I just want to stay in it.

Walter Mitty: Stay in it?

Sean O'Connell: Yeah. Right there. Right here.

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A vida secreta de Walter Mitty (The secret life of Walter Mitty, 2013)
Diretor : Ben Stiller

Elenco : Ben Stiller, Sean Penn, Kristen Wig

Trilha Trailer Tradução Trama Assista

Ground control to Major Tom
Ground control to Major Tom
Take your protein pills and put your helmet on

Ground control to Major Tom
(10, 9, 8, 7)
Commencing countdown, engines on
(6, 5, 4, 3)
Check ignition, and may God's love be with you
(2, 1, liftoff)

This is ground control to Major Tom,
You've really made the grade
And the papers want to know whose shirts you wear
Now it's time to leave the capsule if you dare

This is Major Tom to ground control
I'm stepping through the door
And I'm floating in the most peculiar way
And the stars look very different today

For here am I sitting in a tin can
Far above the world
Planet Earth is blue, and there's nothing I can do

Though I'm past 100,000 miles
I'm feeling very still
And I think my spaceship knows which way to go
Tell my wife I love her very much, she knows

Ground control to Major Tom,
Your circuit's dead, there's something wrong
Can you hear me Major Tom?
Can you hear me Major Tom?
Can you hear me Major Tom?
Can you...

Here am I floating round my tin can
Far above the moon
Planet Earth is blue, and there's nothing I can do....

Perdido em Marte (Especial David Bowie)

noreply@blogger.com (Markantonio) — Wed, 23 Mar 2016 03:47:00 +0000

"Bring Him Home"

Música : Starman

Performed by: David Bowie

Sempre que morre algum grande artista me sinto pior do que quando acontece com outras pessoas. Devido àquilo que captam no ar e transformam brilhantemente em pinturas, filmes, canções etc e que têm a gentileza de dividir conosco, me sinto mais em dívida.

Poucas mortes me abalaram tanto quanto a de David Bowie, em 10 de janeiro de 2016, aos 69 anos de idade. Essa perda irreparável será homenageada aqui no blog com uma sequência de filmes que ficaram ainda melhores só porque contavam com sua presença. Seja em canções maravilhosas como em A vida secreta de Walter Mitty, Frances Ha, As vantagens de ser invisível, seja como ator em Fome de Viver, Furyo - Em nome da Honra ou o emblemático O Homem que Caiu na Terra.

Para começar vamos falar de Perdido em Marte, de 2015, mais uma pérola espacial de quem sabe adaptar best sellers de ficção científica, o diretor Ridley Scott, autor de Blade Runner - Caçador de Androides. Dessa vez o autor do livro não era consagrado, como Phillip K. Dick. Andy Weir colocou o livro em um blog e depois de brincadeira na Amazon para download via Kindle por $0,99.

O resumo do filme? Mais uma vez esqueceram Matt Damon em algum lugar. Depois de ser capturado por forças inimigas em O Resgate do Soldado Ryan e de ser também resgatado em Interestelar, o azarado ator agora ficou no planeta vermelho sozinho. O que aconteceu é que uma equipe de expedição, da qual fazia parte a fim de realizar experimentos científicos, teve de abandonar o planeta às pressas após um problema no local do acampamento acabar com parte das instalações. Só que eles acreditavam que Mark (Matt Damon) morreu no local, o primeiro cadáver humano fora da Terra.

A partir daí vem a parte mais legal do filme, que é a forma que Mark encontra para sobreviver o máximo possível de tempo em Marte e sua tentativa de ser contatado pela Terra. "Ao vencedor, as batatas". Com sua especialização em Botânica ficaremos empolgados com a forma que ele tenta cultivar o tubérculo (?) no solo vermelho do planeta.

O interessante é que o filme é muito bem humorado, destoando da agonia de seu contemporâneo Gravidade, onde Sandra Bullock se vê em situação parecida. As sacadas e os comentários de Mark são um alívio cômico para a situação impensável que é estar literalmente longe de todo mundo. Como sempre falamos de música, vemos Matt Damon reclamar das únicas disponíveis no acampamento: uma seleção imbatível de hits da disco music que ele detestava, mas aprendeu a gostar. As canções poderiam embalar esse post, mas o homenageado é Bowie.

A certa altura do filme Mark consegue contato com a Terra e o JPL (Laboratório de Jatopropulsão, dos Estados Unidos) começa todos os esforços técnicos e políticos para realizar o resgate. A operação envolve a equipe da astronave que pensava que o soldado Ry..., digo, o astronauta Mark havia morrido. A comandante dessa astronave é Jessica Chastain, que trabalhou com Damon na ficção científica já citada, Interestelar e que se culpa por ter abandonado o companheiro.

A canção Starman embala e prepara para a cena mais importante do filme: a tentativa efetiva de resgate. Vemos que os EUA necessitaram do auxílio técnico de uma nação inimiga política para isso, no caso, a China. Vemos também Mark reservando suas batatas e a equipe espacial de resgate interagindo com seus familiares que ficaram por aqui.

Starman tornou-se uma das pérolas do álbum The rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Isso mesmo, esse título imenso marca um dos personagens mais famosos de Bowie que, você já deve ter ouvido falar, era um camaleão humano, mudando de estilo, de personalidade, de fase, sempre antecipando as tendência como o grande artista que era (é).

O álbum foi lançado em 1972. As Spiders from Mars eram a banda capitaneada pelo grande guitarrista Mick Ronson, um dos maiores da história. Se você gosta de Guns and Roses verá que já estava tudo ali nos solos dele. Bowie não subia ao palco, e sim, Ziggy Stardust, seu alter ego, que era um rock star que seria um mensageiro de seres extraterrestres.

A escolha de Starman ou de outras canções do álbum conceitual tornou-se emblemática quando passamos a falar da solidão do espaço ou quando fazemos a eterna pergunta "Estamos sozinhos no universo?" Basta pensar nos versos como

There's a starman waiting in the sky
He'd like to come and meet us
But he thinks he'd blow our minds

Você que é do Brasil sabe que o grupo Nenhum de nós fez uma versão pavorosa nos anos 90 que tocou muito e fez muita gente conhecer a original.

O que me marcou do filme na hora da canção, foi pensar que todos os habitantes da Terra estavam conectados para salvar apena UMA vida! Tem ideia da força e do simbolismo disso? É dizer que toda vida é sagrada e que todo o esforço para preservá-la é válido.

Alguém disse que quando um homem morre é como se uma biblioteca se incendiasse. Bowie partiu para o grande e escuro espaço e hoje existe uma constelação homenageando o homem que veio de outra dimensão. Mas acendeu a chama criativa de várias bibliotecas que ficaram.

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Mark Watney: They say once you grow crops somewhere, you have officially colonized it. So, technically, I colonized Mars. In your face, Neil Armstrong!

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Perdido em Marte (The Martian, 2015)
Diretor: Ridley Scott
Elenco: Matt Damon, Jeff Daniels, Jessica Chastain

Trilha Trailer Tradução Trama Assista

Didn't know what time it was,
The lights were low
I leaned back on my radio
Some cat was layin' down
Some rock 'n' roll 'lotta soul, he said
Then the loud sound did seem to fade
Came back like a slow voice on a wave of phase
That weren't no D.J. that was hazy cosmic jive

There's a starman waiting in the sky
He'd like to come and meet us
But he thinks he'd blow our minds
There's a starman waiting in the sky
He's told us not to blow it
Cause he knows it's all worthwhile
He told me:
Let the children lose it
Let the children use it
Let all the children boogie

I had to phone someone so I picked on you
Hey, that's far out so you heard him too!
Switch on the Tv we may pick him up on channel two
Look out your window I can see his light
If we can sparkle he may land tonight
Don't tell your poppa or he'll get us locked up
In fright

There's a starman waiting in the sky
He'd like to come and meet us
But he thinks he'd blow our minds
There's a starman waiting in the sky
He's told us not to blow it
Cause he knows it's all worthwhile
He told me:
Let the children lose it
Let the children use it
Let all the children boogie

There's a starman waiting in the sky
He'd like to come and meet us
But he thinks he'd blow our minds
There's a starman waiting in the sky
He's told us not to blow it
Cause he knows it's all worthwhile
He told me:
Let the children lose it
Let the children use it
Let all the children blue again

Mommy

noreply@blogger.com (Markantonio) — Sat, 19 Mar 2016 17:29:00 +0000

Música 1: instrumental - Experience (faux ending) / Ludovico Einaudi
Música 2: On ne change paas / Celine Dion
Música 3: Wonderwall / Performed by: Oasis

Diane "Die" Desprès (Anne Dorval) é uma mãe viúva, moradora da periferia de uma cidadezinha canadense. Ela tem um filho adolescente, Steve, que é problemático: foi diagnosticado com TDAH (transtorno de déficit de atenção) e possui violentos acessos de fúria, controláveis apenas com medicamentos. Tudo isso aliado a um comportamento agressivo de personalidade.

O filme começa após fictícias eleições de 2014. Nele, o partido vencedor em dois meses implanta uma lei, também fictícia, que permite a pais que possuem filhos problemáticos, como Steve, deixá-los totalmente por conta do Estado em uma espécie de hospital-alojamento por tempo indeterminado. Os pais têm de estar em situação financeira difícil ou prevejam perigo a sua integridade física. Essa sugestão é dada a Diane após Steve incendiar a cafeteria do reformatório onde estava e ser expulso da instituição foulcaultiana. Sim, a partir de agora Diane terá de lidar com a convivência diária sem emprego, sem benefícios, sem uma carreira. Seu marido inventor morreu apostando alto na expansão de seus negócios.

A ida de Steve para casa é o primeiro fato dessa estória. O segundo é a entrada na vida dos dois de Kyla, uma professora em período sabático (leia-se l-u-t-o) que mora em frente com sua filha pequena e o marido careta.

A primeira coisa a nos impactar no filme é que a tela tem a proporção de 1:1, ou seja, quadrada. Nem aquele velho televisor Telefunken de 17 polegadas do seu avô era assim, a proporção dos antigos preto e branco era 4:3. Esse efeito pode ser visto no brasileiro O homem das multidões, mas em Mommy tem mais a ver com o espetacular O filho de Saul, melhor filme de 2015 mas que ganhou somente o Oscar de filme estrangeiro. Merecia mais.

O formato da tela nos faz ficar sufocado com a centralização no rosto dos personagens que estão todos muito bem: a personalidade violenta e explosiva do filho não é diferente do pavio curto da mãe, apesar dele ter a "desculpa" de ser doente. Ela assina como D.I.E. uma das muitas reiterações das quais o diretor é acusado. Os dois não conseguem conversar sem gritar e têm liberdades quase incestuosas. Já a vizinha, Kyla, quase não fala: teve problemas de afasia após um trauma em Quebéc que nunca diz qual é nas duas vezes em que Die lhe pergunta.

É bacana deixarmos o preconceito de lado com relação à forma da tela; isso tem um sentido. Além de reforçar a dramaticidade e o foco nas emoções que deixam desconfortáveis quem assiste, todos os personagens estão enjaulados, presos em seus problemas pessoais. Tanto é que a tela abre, se não me engano, por três vezes ao longo do filme, transformando as cenas em maravilhosos videoclipes, como na primeira vez que Kyla é convidada a frequentar a casa dos Desprès e começa a cantar On ne change pas, da Celine Dion, famosa (e chata) cantora canadense:

O título da música quer dizer "nós não mudamos". É irônico porque esse "é o início de uma bela amizade" e todos se transformam o tempo todo, apesar de às vezes a mudança não ficar evidente, já diria Aristóteles.

Além do conceito de aprisionamento da tela, todas as vezes em que acontece a expansão há um respiro, um alívio, um enternecimento em que você pode chegar às lágrimas, como na instrumental Experience, (faux ending), de Ludovico Einaudi, que é o primeiro vídeo deste post. O clipe aparece já no final do filme e vemos como a vida se desenvolveu para o trio. A música é soberba, instrumental, conduzida pelo pianista e compositor nascido em 1960.

Encontrei uma referência engraçada não sei onde em que compara-se a estória a Esqueceram de mim, onde a família não aguenta mais o Macaulay Culkin e o deixa trancado em casa quando viajam. Existe uma cena em que o ator que interpreta Steve faz a clássica careta no espelho. Fica mais engraçado se repararmos que o ator Antoine-Olivier Pilon tem a cara que o Macaulay teria quando ficasse adulto (se não fossem as drogas, claro). Não fugindo do assunto, quando a coisa parece funcionar somos apresentados a um clipe da inesquecível Wonderwall, dos saudosos Oasis, outra cena em que a tela se abre:

A ideia é que se pode ter esperança sempre que as coisas melhorem. Steve além de ter um lado carinhoso e artístico, aprende rápido o que precisa para se diplomar ao final do ano e tentar uma bolsa de Belas Artes nos EUA. Já sua mãe se vira com o que pode: traduções, limpeza etc, tudo a fim de conseguir um pouco de grana. Quando digo se virar é para levar à acepção do termo, basta ver a tentativa junto a um vizinho que trabalha no judiciário de aliviar a barra do filho. Ou a minissaia que coloca quando precisa de um benefício de um burocrata e mostra suas lindas pernas.

Cabe um parágrafo aqui para a beleza madura de Anne Dorval. A câmera incestuosa do diretor Xavier Dolan mostra desde a primeira cena a mãe sempre em jeans apertados, saltos altíssimos que lhe delineiam o derrière ou a já famosa (para mim) minissaia de um palmo e meio. A atriz tem uma sensualidade transbordante e, por incrível que pareça, mesmo nascida em 1960 ganhou em 2015 o prêmio de atriz mais sensual do mundo por uma revista. Reforça o que eu sempre disse: a beleza se esvai (cada dia mais devagar devido aos cuidados), mas a sensualidade nunca. Fim do parágrafo.

O filme ganhou o Grande Prêmio do Júri no Festival de Cannes e era o candidato canadense para o Oscar 2015, mas sequer entrou entre os cinco. Uma injustiça essa cometida com o enfant terrible diretor de apenas 25 anos (nasceu em 1990) e que vem sendo considerado um prodígio. Todos os seus filmes já concorreram nos maiores festivais do mundo como Amores Imaginários e o autobiográfico Eu matei a minha mãe. Sim, ao usar termos relativos a incesto neste post não foi de forma gratuita e seu relacionamento com a mãe tem laivos edipianos.

O rapaz veio da direção de videoclipes e é muito acusado pelos críticos de ser hiperbólico, de enfatizar, de reiterar, de não ser sutil com a arte cinematográfica. Coisas que poderiam ser feitas apenas com um enquadramento é reforçado com palavras, significado literal da música, diálogo etc, como se não se fôssemos capazes de apreender o que ele quer dizer. Como é meu primeiro filme dele, não vi nada tão significativo quanto a isso, embora admita, ainda mais porque o rapaz sabe realmente filmar cenas impactantes e sua proposta é assimilada. Quando digo que às vezes parece uma sequência de clipes basta lembrar que além das canções serem tocadas integralmente, ainda faltaram uma cena de karaoke com Vivo per Lei, a cena final com Lanna Del Rey e outra da maravilhosa e sumida Dido (White flag).

Apenas para não passar em branco, destaco a performance de Suzanne Clèment, como Kyla. Sua personagem altera a dinâmica autodestrutiva da família Desprès e tem uma construção excelente, bem fundamentada. Vemos que a professora licenciada não consegue corrigir a lição de casa da própria filha, tarefa que é feita pelo pai, muito menos levá-la à escola. Porém, mesmo com a personalidade polêmica de Steve ela consegue escutar sua "voz interior" e materializá-la agindo como uma segunda mãe na educação do aborrescente. Quando descobrimos o porquê ficamos mais enternecidos ainda com sua atitude. Seu esforço para falar, o olhar baixo, o meio-sorriso, os movimentos contidos quando dança no clipe, tudo é um trabalho excelente da atriz.

Na penúltima cena, Kyla sutilmente questiona a decisão de Die, levando em conta o que ela passou e o que não daria para até estar naquela situação. Mas é um fardo que só quem vive sabe. Grande filme.

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Steve Després: We still love each other, right?

Diane 'Die' Després: That's what we're best at, buddy.

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Mommy (Sem traduão, 2014)

Diretor: Xavier Dolan

Elenco : Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon, Suzanne Clèment

Trilha Trailer Trama

Ele não está tão a fim de você

noreply@blogger.com (Markantonio) — Fri, 18 Mar 2016 17:28:00 +0000

"Are you the exception... or the rule"

Música : Somewere only we know
Performed by: Keane

Eu posso dizer que tive quatro boas razões para escrever este post: Jennifer Connely, Scarlett Johansson, Jennifer Anniston e Drew Barrymore. Poderia perder horas falando da beleza de todas ou do talento puro e simples, já que, se não me engano, com exceção da Barrymore, todas já foram indicadas ao Oscar, por exemplo. A Drew além de atriz tem sua própria produtora e foi quem produziu este filme, baseado no best seller de auto ajuda He´s not that into you. "Ele não está tão a fim de você"

O elenco é estelar e além das beldades ainda tem Bradley Cooper (Snipper Americano), Ben Aflleck (Garota Exemplar) e mais dois ou três perdedores que formarão o microcosmo de relacionamentos e seus desencontros ao estilo do divertido Simplesmente Amor (já escrevi sobre ele). O filme é de 2009 e, além de possíveis problemas de agenda, caso fosse produzido hoje, o orçamento também seria proibitivo.

Um grande problema do filme que até teve boa bilheteria mas não foi nada excepcional, foi o fato do casal de protagonistas ser totalmente desconhecido: Gigi (Ginnifer Goodwin) e Alex (Justin Long, da série Mom). Sim, com tanta gente craque em comédias românticas no elenco, por quê escalar dois desconhecidos? E como se dá essa ciranda de relacionamentos entre tantos personagens?

Respire e acompanhe: Gigi é uma romântica incorrigível que tem uma noite agradável com um corretor imobiliário, Connor (um dos atores losers que falei). Como ele não liga no dia seguinte e nem durante uma semana, ela arma um jeito de ir até o bar em que ele trabalha e lá conhece o colega de quarto dele, o qual vai lhe dar um papo reto sobre como a mente masculina funciona e porque ela deveria parar de correr atrás de homens. Sua lógica é bem simples e vale para qualquer coisa na vida: quando um homem quer uma mulher, ele não mede esforços para correr atrás e demonstrar isso. Se não o fez é porque não quer. A não ser quer uma emergência verdadeira (soterrado em um terremoto) o impediu. Esta seria uma EXCEÇÃO. Decorre essa palavra quando ver ou rever o filme.

Obviamente, desde que o cinema é cinema, mais precisamente desde Aconteceu Naquela Noite, de 1934, a mãe de todas as comédias do gênero, o casal principal sempre se estranha no início, mas o amor é uma força redentora, acima de todas as outras (concordo) e tudo vai ficar bem.

O tal do Connor que Gigi gostou é apaixonado mesmo pela Scarlett Johansson (pergunta: e quem não o é?). Só que ela acaba tornando-se amante do Bradley Cooper, que está em um casamento em crise com a Janinie (Jennifer Connelly, trocada pela Scarlett, ó dúvida cruel). Ela trabalha com a protagonista, Gigi em uma revista e ambas são subordinadas à Beth (Jennifer Aniston, de Friends).

Janine, mesmo com o casamento em crise dispara a dar conselhos à Gigi, que é solteira. Já Beth, está há 7 anos morando com Neil (Ben Affleck) e só queria oficializar a união com uma cerimônia, porque em sua família não os consideram casados, ou seja, comprometidos. Como ele não acha que precisa, acabam rompendo.

A ciranda poderia acabar aqui, mas sobra a personagem de Drew Barrymore, que é publicitária e trabalha com muitos anúncios impressos, inclusive... imobiliários. Onde você leu isso mesmo?

Eu tinha dito que as quatro musas bastariam para eu assistir ao filme, mas para os casais que se dispuserem a assisti-lo, ainda há algumas boas surpresas com os andamentos dados aos destinos dos casais. Para não nos alongarmos, destaco uma cena do casal Beth e Neil, em um dia após o rompimento no qual ele demonstra algo que somente alguém que sabe o que é realmente importante em um relacionamento conhece.

O livro que gerou o filme vendeu horrores e foi lançado no Brasil à época do filme (2008). O interessante é que a ideia de chacoalhar o sexo feminino para o fato de que não devem apostar suas fichas no crush que não te dá a menor pelota surgiu de um diálogo de Sex & The City. Em entrevista lembro do autor falando de um amigo que só sabia o primeiro nome de uma garota e ligou para a lista telefônica inteira até achá-la.

Como o filme foi produzido pela Barrymore que sempre teve contato com música bacana, a trilha sonora é um arraso e tem Wilco, R.E.M., Black Crowes, Replacementes, Cure, Scarlett Johansson (!). Mas a cena musical para o casal shipado é uma canção "fofa" do Keane, banda remanescente da última safra inglesa interessante, junto com Arctic Monkeys, Kaiser Chiefs etc.

A música é Somewhere only we know, que você, se não conhecia, viu pelo menos no trailer da animação O pequeno Príncipe, mas cantado pela Lilly Allen (tão boa quanto a original). A cena é a primeira a dar os contornos finais aos desencontros dos casais e mostra o casal protagonista colocando a teoria do "quando um homem tá a fim ele corre atrás", na prática. Como já dito antes, as comédias românticas têm todos os elementos pop que quem adora música e cinema gosta.

EM TEMPO: No início do filme há uma mensagem muito negativa, mas poderosa e enraizada há tanto tempo que não é dada a devida atenção. É mostrado um parque público no qual um menino xinga e empurra uma menina lindinha. A mãe a acolhe e ela não sabe o porquê dele ter feito isso. A mãe diz que o homem faz "todas essas coisas horríveis porque gosta de você". A intenção do diretor era colocar a nós homens como idiotas por uma "coisinha boba", a falta de jeito para relacionamentos. Mas a grande verdade é que basta escutar qualquer relato de mulheres agredidas físicas e/ou psicologicamente e veremos que o discurso é o mesmo. E são os adultos em casa que nos repassam isso.

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Gigi: I may dissect each little thing and put myself out there so much but at least that means that I still care. Oh! You've think you won because women are expendable to you. You may not get hurt or make an ass of yourself that way but you don't fall in love that way either. You have not won. You're alone. I may do a lot of stupid shit but I'm still a lot closer to love than you are.

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Ele não está tão a fim de você (He´s no that into you, 2008)

Diretor : Kevin Kwapps

Elenco : Drew Barrymore, Jennifer Aniston, Jennifer Connely, Scarlet Johansson, Bradley Cooper, Ben Affleck

Trilha Trailer Tradução Trama

I walked across an empty land

I knew the pathway like the back of my hand
I felt the earth beneath my feet
Sat by the river and it made me complete

Oh simple thing where have you gone
I'm getting old
And I need something to rely on
So tell me when you're gonna let me in
I'm getting tired
And I need somewhere to begin

I came across a fallen tree
I felt the branches of it looking at me
Is this the place we used to love?
Is this the place that I've been dreaming of?

Oh simple thing where have you gone
I'm getting old
And I need something to rely on
So tell me when you're gonna let me in
I'm getting tired
And I need somewhere to begin

And if you have a minute why don't we go
Talk about it somewhere only we know?
This could be the end of everything
So why don't we go
Somewhere only we know?
Somewhere only we know?

[break]

Oh simple thing where have you gone
I'm getting old
And I need something to rely on
So tell me when you're gonna let me in
I'm getting tired
And I need somewhere to begin

And if you have a minute why don't we go
Talk about it somewhere only we know?
This could be the end of everything
So why don't we go
So why don't we go

This could be the end of everything
So why don't we go
Somewhere only we know?
Somewhere only we know?
Somewhere only we know?

JOVENS ADULTOS

noreply@blogger.com (Markantonio) — Thu, 15 Oct 2015 01:22:00 +0000

"Everyone gets old. Not everyone grows up"

Música : The Concept
Performance by: Teenage Fanclub

Sabe aqueles filmes de high schools americanos ou seriados como Glee? Tem a líder de torcida linda, o nerd, a turma dos populares e os losers. Sempre a mesma coisa. Tem também os filmes de universidades americanas. Também são sempre a mesma coisa: farras, zoeiras mil e faculdades com nomes esquisitos de letras gregas. Mas e o que acontece depois disso tudo, quando as pessoas tentam valer todo o investimento dos pais embarcando na vida adulta e suas instituições: família, casamento, carreira?

Recentemente comecei a ver a quantidade de filmes com estes questionamentos. Me surpreendi com Vizinhos, teve a obra-prima Frances Ha, mas também teve pouco tempo atrás esse Jovens Adultos, filme de 2011 do diretor Jason Reitman, que adora uma pérola independente (Juno e um que quanto mais vejo, mais gosto, Amor sem escalas). Em termos de televisão, algo próximo seria Friends, ou, mais atualmente, Girls.

No filme a bela e furiosa Charlize Theron é Mavis Gary, a mais popular do colégio de uma escola de Mercury, cidade da região metropolitana de Minneápolis, terra do Prince ("Já não temos um Mr. Purple em Minneápolis?", piada que quase ninguém sacou em Cães de Aluguel).

Como se não bastasse ser absurdamente linda, Mavis foi abençoada com o talento (mais para timing) e é ghost-writer de uma série de livros infanto-juvenis de sucesso. Ela mora em um apartamento no centro, é recém-divorciada e sua vida nada tem a ver com a cidadezinha suburbana na qual morava.

Mas vemos que ela não está feliz. É bagunceira, seu apartamento é um relaxo e alguns sortudos têm sexo casual com a beldade. Mas tudo muda quando recebe em um grupo de e-mail uma foto da filha recém-nascida do ex-namorado, Buddy Slade. O momento em que isso acontece a faz "lembrar" que Buddy é o amor da sua vida. Ela pega seu mini-Cooper (sim, idêntico ao da gangue dos carrinhos em Uma Saída de Mestre), seu cachorrinho de bolsa e parte em uma viagem que demonstrará ser uma jornada de autoconhecimento. Mesmo que não seja agradável.

O diretor retoma a parceria com a roteirista-sensação de Juno, Diablo Cody... aquela que reza a lenda era stripper e que escreve ótimos diálogos. Algumas coisas também permanecem, como o choque que temos no clímax da estória (eu pelo menos), com uma atitude totalmente inesperada, longe da redenção ou coisa do tipo.

Outra coisa que graças a Deus é constante é o bom gosto musical do diretor. A trilha toda remete aos anos 90 e tem Replacements, Faith No More, 4 Non Blondes (S2 Sense8), Lemonheads, Dinosaur Jr).

Reitman coloca a estonteante Charlize como uma adulta que não percebe o contexto prático de sua vida. Ter uma carreira, ser independente, dirigir seu próprio carro não a impede de sair em uma viagem com a camisa do pijama e agir como uma adolescente mimada em sua antiga cidade. Ou refestelar-se em uma refeição com um trio sanduíche-refri-batata frita. Ou ter um apartamento bagunçado. Ou dormir com a roupa que chegou da balada. Beber Diet Coke direto da garrada de 2 litros. Mas a prova cabal são as provocações no check in e no check out do hotel da cidadezinha. Ela simplesmente não resiste a ser infantil diante de uma regra civilizatória. Uma infantilidade que se mostra cruel quando reencontra seu primo cadeirante ou quando encerra a conversa com uma garota que quase não falava (a frase genial está no final desse post). Mas principalmente, é cruel quando se veste de adulta e vai ao batizado da filha do ex-namorado.

Na cena musical temos um clássico: alguém de carro ouvindo um som, como em Jerry MacGuire. Mavis tem uma fita K7 em uma cena totalmente retrô para qualquer adolescente de hoje. Ela procura e acha The Concept, uma das muitas pérolas do Teenage FanClub, a banda inglesa dos pops perfeitos que era endeusada na virada dos anos 90. Para se ter uma ideia, Bandwagonesque, o disco que contém a música desta cena foi considerado o trabalho do ano de 1991. Isso mesmo, o ano de Nevermind, do Nirvana.

Pois a música era "a canção" do casal Mavis e Buddy, interpretado por Patrick Wilson, o Night Owl, de Watchmen, que tem um easter-egg bem legal no filme. Quando sai pela estrada, Mavis não imagina o rumo que a canção tomou para ele.

A nova função da canção é mais uma prova de que apesar do desprezo de Mavis por todo seu passado, todo mundo acabou mudando e crescendo. Como diria a tagline do filme "Todo mundo envelhece. Nem todo mundo amadurece".

O mais interessante é que com o desenrolar do filme temos também o do livro, último da série que Mavis escreve e que encerra vários ciclos: de seus leitores, de seus autores e, no filme, do que espera Mavis. A última frase do filme é "Vida, aqui vou eu". Essa vida adulta que Mavis colocou os pés, mas nunca se tocou completamente, tem um início não nas dezenas de cabeçadas que deu na viagem, mas em uma conversa sincera e reveladora ao final do filme.

O filme é de Charlize que mostra que o Oscar por Monster não foi à toa. A Furiosa de Mad Max, carrega o filme nas costas. O seu par romântico (?) quase não aparece e tem uma ironia interessante para a biografia do ator: em Pecados Íntimos, belo filme anterior, ele é a versão masculina (e fracassada) de Mavis. O livro no qual o filme se baseou chama-se literalmente "criancinhas". Já em Jovens adultos, ele é totalmente sereno e responsável.

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Sandra Freehauf: Take me with you.

Mavis Gary: Excuse me?

Sandra Freehauf: Take me with you. To the Mini Apple.

Mavis Gary: You're good here, Sandra.
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Jovens Adultos (Young adult, 2012)
Diretor : Jason Reitmann
Elenco : Charlize Theron, Patrick Wilson
Trilha Trailer Tradução Trama

She wears denim wherever she goes
Says she's gonna get some records by the Status Quo
Oh yeah...Oh yeah...

Still she won't be forced against her will
Says she don't do drugs but she does the pill
Oh yeah...Oh yeah...

I didn't want to hurt you oh yeah...
I didn't want to hurt you oh yeah...

Says she likes my hair 'cause it's down my back
Says she likes the group 'cause we pull in the slack
Oh yeah...Oh yeah...

When she's at the gig she takes her car
And she drive us home if it is in a bar
Oh yeah...Oh yeah...

I didn't want to hurt you oh yeah...
I didn't want to hurt you oh yeah...

[Solo]

I didn't want to hurt you oh yeah...
I didn't want to hurt you oh yeah...

[Pause]

Aaaah... Aaaah... Aaaah...

Namorados para sempre

noreply@blogger.com (Markantonio) — Wed, 05 Nov 2014 01:00:00 +0000

"Nobody Baby But You And Me."

Música : "You and me"
Intérprete : Penny & The Quarters

Tudo que é bom acaba, ou pode acabar. No caso do amor, ou, no ocaso do amor, isso pode parecer às vezes mais doloroso que a própria morte. E é o período de tempo entre o alvorecer e o ocaso de uma paixão que se transformou em amor de que se trata este fantástico Namorados para sempre. Sim, o título em português e o lançamento na época do Dia dos Namorados em 2011 fez com que eu não desse muita bola; "comédia romântica rasteira", pensei. Mas, poxa vida, tinha a Michelle Williams, então, não poderia ser ruim. Ela era uma das melhores coisas de Dawson´s Creek e se tornou uma atriz excepcional, perdendo o Oscar com este filme, porque, bem, porque simplesmente era a vez de Natalie Portman e seu Cisne Negro (afe!). E o Oscar tem disso.

Michelle é Cindy, uma garota perto dos 20 anos que por acaso conhece Dean, que vem a ser Ryan Gosling, de Diário de uma paixão (afe!!), que está muitíssimo bem, por sinal, como um carregador de mudanças, meio loser, sem maiores ambições, mas bom moço, romântico e bem intencionado em uma cidadezinha dos EUA. O filme mostra de forma magistral todo encantamento da paixão de quando se conheceram, a tomada de uma decisão difícil por parte dos dois que norteará o restante de suas existências e a vida conjugal pós cinco anos juntos.

Infelizmente nem todas as estórias têm final feliz e aviso que essa não é uma delas. Percebe-se a iminência disto depois de 5 anos de convívio, na perda do charme dos protagonistas, na rotina corrida de um dos cônjuges (adivinha qual), da espontaneidade inicial que se transforma em fardo, do barulho que se torna silêncio constrangedor, e que surgiu um desgaste natural do casamento, ou de tudo que começa. É este desgaste que o diretor Derek Cianfrance coloca de forma excepcional em seu primeiro longa.

Durante nossa vida conhecemos vários casais assim. O filme deixa em aberto um motivo claro para o casal estar às portas de uma separação em um triste Dia dos Namorados (sim, esse seria ao pé da letra o título do filme). O mesmo desgaste que torna flores surpresas ou a espontaneidade de cantar e dançar na rua ternamente no início, em um desconto do Groupon em um motel fuleiro anos depois pra comemorar a data. Até a canção deste post tem um sentido diferente tanto tempo depois.

A grande primeira decisão

A estória de Cindy e Dean encaixa-se na nossa realidade. Aquela que pela aparência cansada de Cindy, dos olhares sem brilho, da falta do viço e da alegria do começo. Mas mesmo com um galã como marido? Sim. Mas mesmo com uma filhinha linda, você perguntaria ainda? Sim, mesmo com uma fofura de criança. Aliás, até isso. Quem nunca percebeu em um casal uma competitividade tola por todo tipo de coisa, pelo poder dentro da relação, pela atenção dos filhos, de quem os cria melhor? O pai que faz o papel de tira bonzinho e a mãe que parece madrasta da Disney? Um que está sempre ocupado com o trabalho e preocupado com a vida prática e outro que se sente confortável como quem entra em uma banheira morna, aromatizada e convidativa?

E não precisa-se de um motivo com aparência de gigantesco, do tipo infidelidade, drogas, doenças, morte ou coisas do tipo para decair-se e acabar. Às vezes basta respirar fundo e achar que não se está feliz, sentir que o barulho do relógio da cozinha silenciosa te perturba. Como bem colocado em outro blog "basta ouvir o silêncio de seus atores para que o público compreenda que entre o passado e o presente existe tempo demais". Tempo demais. Tente ver ou rever o filme depois de ler esta frase.

As conversas de Cindy e de Dean tornaram-se banais, corriqueiras. Como a maioria dos homens, uma conversa adulta com ele ainda é difícil, apesar de todo bom coração que ainda o move. Ideais românticos em mutos bons diálogos, como quando diz porque um homem não desiste de uma mulher quando gosta. Sua alegria, de espontânea, passou a forçada.
Cindy atingiu seu sonho parcialmente; não tenta mais ser médica, mas gravita ao redor de um hospital trabalhando como enfermeira. O vigor que a movia, fazendo-a ficar um dia inteiro experimentando uma cadeira de rodas para se sentir como um cadeirante, se foi. O voluntarismo de frequentar um asilo, também. Está a beira de uma decisão sobre trabalho que pensa ter a ver com ser boa no que faz, mas sim, com uma possível "promiscuidade", enterrada após engravidar. Pus entre aspas porque o conceito é de cada um nesse quesito e existe uma cena forte e despercebida sobre isso.

E aí vem a parte técnica do filme. Acho que não falei que ele se passa de forma não linear, alternando passado e presente na montagem conforme se desenrola. A primeira coisa que se nota é a direção dos atores que estão notavelmente ligados, atraídos um pelo outro , de corpo, alma e química. O diretor os fez se conhecerem somente no set de filmagens, e não antes, para não perder o espanto do começo do namoro (fictício, hein!) nas filmagens. Depois houve uma pausa na qual ele deixou os atores morando juntos por 30 dias, cozinhando, lavando, passando, limpando, enfim, como um casal comum. Após essa convivência na qual os dois se aproximaram ele os fez filmarem o processo de separaão, o que o fez parecer mais dolorido ainda, já que estavam muito apegados. Detalhe que Michelle Williams tinha à época uma filhinha da mesma idade que teve com o falecido Heath Ledger, o eterno Coringa.

Houve também total liberdade para os atores. Eles podiam falar o que quisessem, quando quisessem. A cena da dança na rua foi espontânea. Quando Dean sobe na ponte para obrigá-la a dizer o segredo que vinha guardando, o roteiro dizia apenas para dar um jeito dela ficar desesperada a ponto de confessá-lo.

Optou-se por filmar as duas fases da estória com câmeras diferentes e a movimentação também tem um viés diferente. No começo, no deslumbramento do namoro a câmera é mais solta, mais livre, mais fugidia, como são todos os começos. Na segunda fase é mais estática, mais estabilizada, sempre procurando o detalhe dos rostos, dos closes, principalmente o de Cindy, que demonstra todo o peso que vem sentindo com o rumo que sua vida tomou. Lembra o cinema independente de John Cassavettes, o grande diretor americano a partir dos anos 1960.

Os últimos dez minutos são de cortar o coração, um diálogo na cozinha, o avô com a neta do lado de fora. Em uma cena já citada como antológica, ele joga a aliança fora, desespera-se, passa a procurá-la e... bom, esta é uma das horas em que não se pode estragar o prazer de quem vê algo pela primeira vez. Mérito do diretor ao contar a estória em duas fases e colocar intercalados na montagem o momento de maior alegria e de maior dor na vida dos dois.

E a música? A trilha sonora inteira do filme é do Grizzly Bear, e é melancólica e tocante. Poderia ter escolhido qualquer canção que embalasse os vários momentos de amor, que são sempre os melhores (quem ama ou amou, sabe). Mas a música oficial do filme é "You and Me", um single trazido pelo ator Ryan Gosling para o filme, mostrando a humildade do diretor que a utilizou com importância extrema. A canção fala do amor de duas pessoas. Somente delas. "Nobody Baby But You And Me", como diz a tagline deste post. O misterioso grupo, Penny and the Quarters, tinha um casal principal e gravou diversas canções totalmente perdidas entre 1970 e 1975. A música reapareceu por causa do filme e eles foram procurados para receber os royalties, mas ele tinha morrido em 2009.

Na cena, Cindy e Dean estão no quarto dela após ser apresentado à família "Cindy nunca traz os namorados pra casa". Ele diz que tem uma canção que é só dele e dela e que todo mundo, todo casal tem uma canção que todo mundo geralmente conhece e compartilha e isso é muito normal e aborrecido (eu e minha mulher também escapamos desta categorização). Foi uma bonita referência e homenagem a Penny and The Quartes que ficaram no esquecimento décadas. Mas que foram justiçados agora. Ah, Blue Valentine, o título do filme, é também uma canção de Tom Waits.

Esse foi o projeto da vida do diretor. Reescrito mais de 70 vezes em mais de 10 anos de projeto. Ele baseou-se no divórcio dos pais, quando já adulto, Queria compreender como pode acabar um relacionamento onde um dia já houve tanto amor. Na verdade, queria que parássemos para pensar como poderia acontecer. Conseguiu.

Esse filme me causava certa angústia. Tinha um mal pressentimento quanto a ele em relação à minha vida pessoal. Quando escrevi esse post estava a poucas semanas de minha separação. Lembrei da frase de Jung que levei tanto tempo para entender: "A pessoa encontra seu destino no mesmo caminho que pegou para evitá-lo".

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Dean: I feel like men are more romantic than women. When we get married, we marry, like, one girl, 'cause we're resistant the whole way until we meet one girl and we think, "I'd be an idiot if I didn't marry this girl. She's so great". But it seems like girls get to a place where they just kinda pick the best option... 'Oh he's got a good job.' I mean they spend their whole life looking for Prince Charming and then they marry the guy who's got a good job and is gonna stick around.

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Namorados para sempre (Blue Valentine, 2010)
Diretor: Derek Cianfrance
Elenco : Michelle Williams, Ryan Gosling
Trama Trailer Tradução Trilha ASSISTA ONLINE

You And Me
You and me,
You and me,
Nobody baby but you and me. (Hey, hey, hey)
You and me, (My, my, my, my, my, my, my, my)
You and me,
Nobody baby but you and me.

If the stars don't shine, if the moon won't rise, if I never see the setting sun again,
You won't hear me cry, this I testify; please believe me, boy, you know I wouldn't lie.
As long as there is

You and me, (Ohhh, oh, oh, oh, oh)
You and me,
Nobody baby but you and me. (Hey, hey, hey)
You and me, (My, my, my, my, my, my, my, my)
You and me,
Nobody baby but you and me.

If you love a soul more than fame and gold, and that soul feels the same about you,
It's a natural fact, there's no turning back, and here's some advice to you:
You've got to say it's,

You and me, (Ohhh, oh, oh, oh, oh)
You and me,
Nobody baby but you and me. (Hey, hey, hey)
You and me, (My, my, my, my, my, my, my, my)
You and me,
Nobody baby but you and me.

When love is real, you don't have to show it.
When it is true, then everyone will know.
'Cause there'll be no one but

You and me, (Youuuuuuu)
You and me,
Nobody baby but you and me. (Hey, hey, hey)
You and me, (Ohhh, oh, oh, oh, oh)
You and me,
Nobody baby but you and me.

Do do do dooo do, woo woo
Do do do dooo do, woo woo
Do do do dooo do, woo woo
Do do do dooo do, woo woo

You and me baby.

Link: http://www.vagalume.com.br/penny-the-quarters/you-and-me.html#ixzz3I9RludsO

A mentira

noreply@blogger.com (Markantonio) — Wed, 30 Apr 2014 04:08:00 +0000

"A Comedy about a Good Girl, a Small Favor and a Big Rumor."

Música : Knock on wood

performed by: Emma Stone Intérprete original : Eddie Floyd

Música : Bad Reputation / Sexy Silk
performed by : Dollyrots / Jessie J

Tempos atrás havia uma coisa chamada "Sessão da Tarde". Basicamente a Rede Globo passava em seu horário vespertino alguns filmes que adorávamos ver e rever. Eram filmes leves e despreocupados como O clube dos cinco, Curtindo a vida adoidado ou Conta comigo. Isso aliado à era analógica em que estar presente em dia e horário certos eram obrigatórios, tornava o ato de assistir a estes filmes uma espécie de ocasião especial.

Hoje, em tempos absurdamente modernos encontrei esse "A mentira" na lista de sugestões do Netflix, aquela maravilha tecnológica que pago todo mês sem chorar. E não é que o filme não faz feio? Pra começar ele coloca a gracinha da Emma Stone (Homem-Aranha) pré-estrelato em uma high school típicamente americana chamada Olive (que ela espertamente descobre ser um acrônimo de "I love"). Pois bem, ela passa o filme todo narrando os últimos eventos que tumultuaram sua vida naquele esquema chamado de "quarta parede" em artes cênicas. Tipo Ferris Bueller conversando com a câmera nos anos 80. Ou pra ser mais moderno, Frank Underwood ou Deadpool.

Olive tem uma melhor amiga que se faz passar por "bitch", "vadia", só para parecer descolada e enturmada, mas depois veremos que não é bem assim (tá mais para aquela loirinha do Beleza Americana). Olive é impopular e faria qualquer coisa para ser notada ATÉ fingir que perdeu a virgindade no fim de semana, quando na verdade ficou dois dias escutando um cartão com uma música que grudou em sua cabeça, Pocketful of Sunshine ("Worst song ever!", ela diz no começo). O vídeo a seguir mostra como uma música entra na cabeça e gruda de uma maneira que, bem, só vendo mesmo como é engraçado.

O problema é que ao inventar para sua amiga essa mentira, uma religiosa mala (dã!!) interpretada pela chatinha da Amanda Bynes resolve espalhar pela escola toda (bem religioso) e de quebra convertê-la ao caminho da fé. Quando os olhares tortos passam a fazer parte da rotina do campus escolar de Olive, ela resolve por fogo na coisa toda e arma um esquema para fazer com que caras impopulares da escola possam espalhar que já estiveram com ela. Inclusive um que se revela gay e torna-se seu melhor amigo.

Tudo isso é entremeado com a estória do primeiro menino que beijou quando tinha uns 10 anos, Woodchuck (Penn Badgley, de Gossip Girl) que apesar dos boatos que estão rolando não está nem aí. Outro ponto bem bacana é a família ultraliberal de Olive, composta por dois excelentes atores coadjuvantes: Patrícia Clarkson, de O agente da estação e Stanley Tucci, de O diabo veste Prada. Fora isso tem um irmãozinho negro (sim, adotado). Os pais tinham uma vida bem intensa e não hesitam em fazer diálogos hilários sobre tudo.

Mas o mais interessante no filme é a ideia genial a respeito do livro A letra escarlate, de Nathaniel Hawthorne. No grande romance americano, uma mulher casada se apaixona por outro homem em uma cidade-símbolo do puritanismo, a Salem do século XII. No livro a adúltera passa a usar uma letra "A" bordada na roupa para sair na rua e ser reconhecida como "pecadora". Em "A mentira", Olive, que está estudando o livro na escola, borda por conta própria uma letra A em sua roupa ao som de Bad reputation, de Joan Jett, mas aqui em uma versão do Dollyrots (I don´t give a damn ´bout my reputation)...

... e termina com ela exibindo com muito orgulho o resultado mostrando a letra num customizado corpete preto e óculos escuros, enquanto os alunos ficam de boca aberta naquelas cenas clichê de corredor ao som de Sexy Silk, da Jesse J. Ela faz isso até porque quando desistiu do lance dos boatos, todas as pessoas que ajudou não fizeram o mesmo, incluindo uma egoísta mulher de seu professor. E aprender a rir de si próprio, não se levar tão a sério, quebra a espinha dos sarristas.

Para um filme americano aparentemente inofensivo, a liberalidade dessa comédia é bem-vinda. Não que Emma Stone seja engraçada, mas o texto é bem filmado e cheio de citações espertas de cultura pop, tipo a frase que colocamos sempre depois dos nossos textos, quando ela diz que seu filme não se parece nada com um filme de John Hugges, nosso ídolo dos anos 80. Hugges descobriu ou impulsionou toda uma geração de atores e é dono de uma coleção de "sessões da tarde" impecáveis: Curtindo a vida adoidado, O clube dos cinco, Gatinhas e gatões e Mulher nota mil.

Quando ela fala pra câmera, as cenas dos filmes vão surgindo. Bem legal. O pré-clímax do filme tem Emma Stone na apresentação de... whatever, é só um pretexto pra colocar um standard da gravadora Stax, Knock on Wood, sucesso de Wilson Picket, mas gravado originalmente por Eddie Floyd. A apresentação é contagiante, Olive está sexy, a canção é foda de tão boa. E agora ela é popular como sempre quis. Falta apenas se acertar com o amor de sua vida em uma homenagem aos anos 80 bem legal. Sobe o som!

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Olive Penderghast: Whatever happened to chivalry? Does it only exist in 80's movies? I want John Cusack holding a boombox outside my window. I wanna ride off on a lawnmower with Patrick Dempsey. I want Jake from Sixteen Candles waiting outside the church for me. I want Judd Nelson thrusting his fist into the air because he knows he got me. Just once I want my life to be like an 80's movie, preferably one with a really awesome musical number for no apparent reason. But no, no, John Hughes did not direct my life.

--------------------------- A mentira (Easy A, 2010)

Diretor : Will Gluck

Elenco : Emma Stone, Penn Badgley

Trilha Tradução Trailer Trama

I don't want to lose you
This good thing, that I got
'Cause if I do, I will surely
Surely lose a lot

'Cause your love, is better than any love I know
It's like thunder, lightning
The way you love me is frightening

You better knock, knock, on wood, baby, baby

I'm not superstitious, about ya
But I can't take no chance
You got me spinnin', baby
You know I'm in a trance

'Cause your love, is better than any love I know

It's like thunder, lightning
The way you love me is frightenin'

You better knock, knock, knock on wood, baby, baby

Think I better knock, knock, knock on wood
Think I better knock, knock, knock on wood
Think I better knock, knock, knock on wood
Think I better knock, knock, knock on wood

Think I better knock

It's no secret, about it
'Cause with his lovin' touch
He sees, to it That I get enough

With his touch, all over you know it means so much
It's like thunder, and lightnin'
The way you love me is frightenin'

You better knock, knock, knock on wood, baby, baby

Think I better knock, knock, knock on wood
Think I better knock, knock, knock on wood
Think I better knock, knock, knock on wood
Think I better knock, knock, knock on wood

O lado bom da vida

noreply@blogger.com (Markantonio) — Sat, 22 Jun 2013 19:02:00 +0000

"Watch for the signs"

Música : Don´t you worry ´bout a thing / Feel in love with a girl
Performed by: Stevie Wonder / White stripes

Música : My chèrie Amour
Performed by: Stevie Woder

A comédia (bem) dramática, O lado bom da vida, baseado no livro de Matthew Quick, foi a surpresa em indicações ao Oscar em 2013. Em sua trama acompanhamos a estória de Pat Peoples (Bradley Cooper), um professor de educação física do colegial de 30 anos, internado em uma instituição mental após ser traído por sua mulher e ter uma crise de transtorno bipolar. O filme não começa com esta cena, mas sim, no momento em que Pat está sendo liberado da clínica, ficando aos cuidados de sua mãe, a ótima Jackie Weaver, indicada anteriormente por Reino Animal, aqui apropriadamente chamada de Dolores (opção do diretor; no livro é outro nome). Para Pat, em sua condição mental, não se passaram oito meses do fato que desestabilizou sua vida, mas sim, alguns dias. Na busca de recuperar seu antigo amor, irá esbarrar com sua vizinha Tiffanny (Jennifer Lawrence, ganhadora do Oscar pelo papel), uma viúva agressiva ex-surtada-ninfomaínaca-em-recuperação que tenta superar a estúpida morte do marido.

Por falar em Jennifer Lawrence, o elenco de apoio do filme é espetacular, uma das marcas do diretor de O vencedor e o recente Trapaça, que tinha também uma currumaça de bons atores. Aqui temos Robert DeNiro, o pai supersticioso obsessivo-compulsivo em seu melhor papel em anos, a mãe, já comentada e até Chris Tucker, outro internado na mesma instituição mental.

Pat não entende como sua mulher, que é professora, recomende tantos livros com finais infelizes. Na clínica passa a acreditar obsessivamente em finais felizes e, para recuperar seu amor, tenta tornar-se uma pessoa melhor quando volta para a casa dos pais. Ele apagou da mente que foi traído pela mulher, apenas que não era um marido suficientemente bom. Na parte física, começa, então, uma série de exercícios físicos, principalmente corrida, mentalizados em uma palavra motivacional "EXCELSIOR!".

Tiffanny lida com seus problemas transando com todo mundo (literalmente), até mulheres (11 pessoas, só em seu escritório). Mas todos só querem se aproveitar da moça, ninguém quer saber como está ou como se sente. Na verdade ela sente-se culpada pela morte do marido após uma briga. O motivo fica mais explícito no livro: seu marido era uma ótima pessoa, mas tinha um defeito (pasme): transava demais com a mulher. Ela queria mais tempo e espaço para outras intimidades e ele, pasmo com a revelação, sai furioso e morre no caminho.

Cada homem que Tiffanny transava, ela fechava os olhos achando que estava retribuindo o que o marido tanto queria. Diferentemente de Pat, ela tem consciência de seus problemas e vive pelo menos com noção da realidade. Aliás, a tagline do filme é "observe os sinais". Como toda mulher ela observa, e descobre, antes de Pat, que o final feliz pode ser muito diferente daquele que queremos ou achamos que merecemos. Os dois farão um pacto: ela o ajudará a recuperar a confiança para entrar novamente na vida da esposa, e ele será seu parceiro em um concurso de dança onde, claro, haverá a cena musical deste post.

Para quem não sabe, o título original do livro e do filme é Silver Linings Playbook, mas a adaptação em português do título dá uma ideia do leitmotiv de Pat, uma filosofia de que deve sempre haver finais felizes. Interessante que ao sair da clínica, ele pega em uma biblioteca os livros prediletos da esposa (Adeus às armas, de Ernst Hemingway, A letra escarlate, Nathaniel Hawthorne, A redoma de vidro, de Sylvia Plath, O apanhador no campo de centeio, de J.D. Salinger, As aventuras de Huckleberry Finn, de Mark Twain e o maior de todos, O grande Gatsby, de F. Scott Fitzgerald ).

O autor do livro, ex-professor, teve a ideia de escrevê-lo após receber telefonema de uma mãe preocupada com o teor trágico e infeliz dos livros básicos da literatura norte-americana. A apreensão de Pat piora, pois se sua mulher considerava um livro com final infeliz "o maior romance já escrito", então ela concorda que não há finais felizes (sorry, Walt Disney). É melancolicamente engraçada a reação de Pat à Adeus às armas, de Ernst Hemingway, autor que afirmava que não só na guerra não havia finais felizes, mas que havia "poucos finais felizes na vida". Adeus às armas, baseado na vida do autor, aliás, é uma dica do final do filme e no final deste texto tem uma citação bem bacana.

O lado bom da vida não é um filme fácil de se ver. É um filme de atores, de atuações, de reações contidas na interpretação. Verificar que dentro ou fora de uma instituição mental todo mundo que cerca Pat é problemático é até fácil (pai, mãe, irmãos e até o terapeuta). Difícil são as nuances das interpretações dos atores como a mãe (indicada a coadjuvante), o pai (indicado a coadjuvante) e o casal de atores (ambos indicados). Tiffanny chama Pat pra cama na primeira vez que o vê, mas sente vergonha em encará-lo para pedir que dance com ela no concurso.

Em numerosos embates tragicômicos e surtos de bipolaridade devido à falta dos medicamentos, temos uma invasão de monólogos, diálogos rápidos, afiados, raivosos e múltiplos que fica mesmo difícil de acompanhar, assim como linkar esta velocidade com o conhecimento necessário da literatura americana comentada no parágrafo anterior (ou até das músicas) para as devidas sacadas. Até a vida suburbana e infeliz do melhor amigo de Pat é neurótica com a esposa perfeccionista. O final lembra muito a pérola independente Pequena Miss Sunshine, no que diz respeito à uma plêiade de atores competentes e não tão famosos relacionando-se em um núcleo familiar disfuncional. A agitação das cenas vai dando lugar à planos mais longos e convencionais, como acontece com a recuperação mental do ator.

E pegando o gancho no outro filme, que também abalou o circuito independente, vamos à cena musical. A música tem uma parte importantíssima no filme, já que, por exemplo, What is and What Should Never Be, do Led Zeppelin, com passagens calmas e explosões repentinas (Pixies?Nirvana?), além do óbvio título, embala uma cena em que Pat procura de madrugada o VHS de seu casamento. Ou My cherie amour, linda balada de Stevie Wonder que segue de gatilho auditivo para ataques de fúria, já que foi ao som desta canção que encontrou sua mulher na cama com outro homem.

No livro originalmente a música que detona a vida de Pat é na verdade Songbird, do clarinetista mala, Kenny G. Mas o nosso post é ao som de outra música do grande Stevie, que cada vez mais admiro: Don´t you worry about a thing, que é a canção que ensaiam para o concurso, que acabou virando uma aposta dupla entre o pai e um amigo. Outra vez: no livro a música ensaiada é Total eclipse of the heart, grande balada brega de Bonnye Tyler.

A expectativa que colocamos no clímax e o resultado do concurso são bem engraçados. O diretor optou por esta cena como clímax, apesar de o livro ser bem melhor resolvido quanto à esta questão do concurso e, claro, sob o reconhecimento do amor de Tiffany por Pat. Também salta a opção cinematográfica de se começar com a balada de Stevie Wonder e terminar com uma música do ótimo White Stripes: Feel in love whith a girl, quebrando totalmente o clima, mas coerente com a ideia de montanha russa que é a cabeça de Pat.

Uma curiosidade: a frase que sempre colocamos ao final dos posts está em um supersom do Alabama Shakes que faz parte da trilha sonora. Confira que bacana!

Bem, depois... depois é o final feliz, não é mesmo? EXCELSIOR!!

Ah, quase me esqueço do texto de Hemingway que falei horas atrás (texto longo):

"Aos que trazem muita coragem neste mundo, o mundo quebra a cada um deles e eles ficam mais fortes nos lugares quebrados. Mas aos que não se deixam quebrar, o mundo mata-os. Mata os muito bons, os muito meigos, os muito bravos – imparcialmente. Se não pertenceis a nenhuma destas categorias, morrereis da mesma maneira, mas não haverá pressa nenhuma em matar-vos".

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Pat: You have poor social skills. You have a problem.

Tiffany: I have a problem? You say more inappropriate things than appropriate things.

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O lado bom da vida (Silver linings playbook)
Diretor : David O. Russell
Elenco : Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Robert De Niro, Jackie Weaver
Trilha Trailer Tradução Trama ASSISTA ONLINE
Everybody's got a thing
But some don't know how to handle it
Always reachin' out in vain
Accepting the things not worth having but

Don't you worry 'bout a thing
Don't you worry 'bout a thing, mama
Cause I'll be standing on the side

When you check it out
They say your style of life's a drag
And that you must go other places
But just don't you feel too bad

When you get fooled by smiling faces but

Don't you worry 'bout a thing
Don't you worry 'bout a thing, mama
Cause I'll be standing on the side
When you check it out...
Yeah When you get it off...your trip

Don't you worry 'bout a thing...
Yeah Don't you worry 'bout a thing...
Yeah Don't you worry 'bout a thing
Don't you worry 'bout a thing, mama
Cause I'll be standing on the side When you check it out...

When you get it off...your trip
Everybody needs a change
A chance to check out the new
But you're the only one to see
The changes you take yourself through

Don't you worry 'bout a thing
Don't you worry 'bout a thing, pretty mama
Cause I'll be standing in the wings
When you check it out
Don't you worry 'bout a thing

Encantada

noreply@blogger.com (Markantonio) — Thu, 31 Jan 2013 00:33:00 +0000

"This fairytale princess is about to meet a real Prince Charming."

Música : That´s How You Know

Intérprete : Amy Adams

Existem filmes em que tudo dá certo: os atores estão em sintonia, o diretor não atrapalha, o ritmo não acelera e nem atrasa a projeção, e o melhor, a estória é boa. "Encantada", da Disney, encaixa-se nessa categoria de película e possui aquela qualidade que poucos filmes possuem: a de começarmos a assisti-lo a partir de qualquer ponto que o pegarmos.

Para quem não sabe trata-se de uma mistura mezzo animação tradicional 2D mezzo filme de ação live action que desconstrói os contos de fada tradicionais de princesas. Giselle (Amy Adams) vive em um reino de desenho animado tão tão distante de Andalasia, alegre, colorido e ~~chato~~ musical. Ela encontra seu príncipe encantado Edward, em New York, e com a ajuda dos animais da floresta irá se casar no dia seguinte (!), afinal, se é para viver felizes para sempre, que se comece já.
Porém, (ah, porém), existe uma bruxa malvada, interpretada por Susan Sarandon e seu fiel assistente Nathaniel (que você irá reconhecer da saga Harry Potter). Pois a Rainha má e bruxa (sua sogra Narissa, hahaha) conseguem jogar a princesa em um poço quase sem fim, pois ao chegar em sua borda percebe uma abertura que nada mais é que uma tampa de bueiro.

Sim, ela está em plena Times Square dos dias de hoje, com seu vestido com armação, seu cabelo de princesa e tudo o mais. Ela vai esperar que seu príncipe apareça e a encontre, mas no meio do caminho mudará a vida de um advogado separado, prestes a se casar novamente, mas sem entusiasmo algum, que tem uma filha sonhadora que acredita em... contos de fada, claro. Imagine a surpresa ao ver uma de verdade em sua sala de estar. No começo acham que a moça tem algum transtorno dissociativo de personalidade, mas suas convicções e seu charme ingênuo são irresistíveis e parece que toda opacidade da beleza da vida da família foi retirada.

É desta confusão toda que se extraem as melhores partes do filme, que não são poucas. Amy Adams, recém-descoberta após O Diabo Veste Prada está perfeita no papel e foi indicada ao Globo de Ouro. Ela injeta vida ao personagem que possui uma ingenuidade contagiante (a la Noviça Rebelde) como veremos na cena musical.

O mais bacana é a crítica/reverência aos clichês da própria Disney: em um determinado momento ela está no apartamento do viúvo Robert (o médico galã de Grey´s Anatomy) e decide limpá-lo. Ao chamar pelos animaizinhos que tradicionalmente lhe ajudariam ao começar a cantar revela-se que you´re in the jungle, babe, e os animais que a acodem são pombos, baratas e ratos. Hilário.

Outro acerto é a estória paralela na qual o príncipe tem suas ações de busca atrapalhadas pelo servo da bruxa, porém, recebe a engraçadíssima ajuda do esquilo mímico fofinho, verdadeiro roubador de cenas.

No final, todos os personagens saem da animação 2D e vem parar em New York. Alguns dogmas dos contos além dos já citados estão lá: a maçã envenenada, o sapato perdido, o beijo, o grande baile. Já outros são inteligentemente quebrados, por exemplo, quando chega a vez do amargurado viúvo explicar como é um encontro e a princesa a princípio não ver motivo para aquilo (um casal conhecer-se melhor), já que a pessoa escolhida "pelo destino" é a correta, sem questionamentos. Mais tarde a dúvida inocula-se no ~~cérebro~~ coração da princesinha rumo ao inevitável final feliz.

Mesmo o visual do baile (figurino, cabelos) não condiz com a imagem que temos de uma princesa. Muito menos a atitude heroica que ela toma, exclusiva dos homens. A Disney acertou a mão neste longa, tanto no formato quanto na ideia de transgredir aquilo que lhe trouxe tantas glórias no passado quanto em reverenciá-las: assim como em A Bela Adormecida, a rainha má se transforma em um dragão, o restaurante em que o encontro da princesa com o advogado acontece tem o mesmo nome daquele de A Dama e o Vagabundo, além de canções de Dumbo, A Pequena Sereia, Pinóquio etc que aparecem de maneira incidental.

Ao final do filme alguns ensinamentos são repassados em tons de cinza (opa!) e não no tradicional maniqueísmo de bem ou mal, "ou preto ou branco" dos desenhos. Entende-se que a perfeição não existe, que uma ideia fixa, inquestionável, pode ter sido o melhor para muitos durante muito tempo, mas cada história humana é única. Também percebe-se que não se pode racionalizar a vida e os sentimentos cem por cento do tempo, como faz o advogado, ironicamente especialista em separação de casais, muito menos deixar de aprender algo por entender que já se sabe de tudo baseado em sua única vivência. A princesa quando vê que New York não é lugar para amadores, após ser roubada e tomar uma chuva danada, percebe que o advogado estende a mão e lhe diz, "Bem Vinda a New York", reforçando sua esperança infantil na bondade.

No plano amoroso vemos que nem sempre as histórias de amor são eternas no sentido de que o amor da sua vida pode ser o próximo, por mais que não se imagine isso quando estamos amando (claro). Quer dizer, esse subtexto é meu, na verdade, a história desmistifica a idealização romântica do amor, provando que às vezes "o seu amor/ pode estar/ do seu lado", como diria Nando Reis. Ou, "p´ra quem não sabe amar/ fica esperando alguém que caiba nos seus sonhos", como diria Cazuza.

Ah, e a felicidade amorosa não necessariamente é "para sempre", mas sim, enquanto durar.

Na cena musical vale destacar que "Encantada" teve três canções indicadas ao Oscar (!), sinal do capricho que deram neste campo mítico dos estúdios Disney. A mais legal é That´s How You Know, que tem uma levada terceiro-mundista, meio caribenha meio africana. A sequência mostra a música contagiando todo o Central Park como nas melhores vezes em que vimos nos desenhos animados. O engraçado é que muita gente não gosta de cenas cantadas nos filmes e mesmo isso é satirizado no longa. Rir de si mesmo é uma grande qualidade, principalmente em um filme.

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[Nathaniel arrives in New York]
Arty: Let me guess. You're looking for a beautiful girl, too?
Nathaniel: No, actually, I'm looking for a prince.
Arty: Riiiight.
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Encantada (Enchanted, 2007)
Diretor : Kevin Lima
Elenco : Amy Adams, Patrick Dempsey, Susan Sarandon
Trilha Trailer Tradução Trama

How does she know that you love her?
How do you show her you love her?
How does she know that you really, really, truly, love her?

It's not enough to take the one you love for granted
You must remind her or she'll be inclined to say

How do I know, he loves me?
How do I know, he's mine?
Does he leave a little note to tell you, you are on his mind?
Send you yellow flowers when the sky is gray?

He'll find a new way to show you, a little bit everyday.
That's how you know, that's how you know, he's your love.

Everybody wants to live happily ever after
Everybody wants to know true love is true

How do you know, he loves you?
How do you know, he's yours?
Does he take you out dancing just so he can hold you close?
Dedicate a song with words meant just for you?

He'll find his own way to tell you, with the little things he'll do
That's how you know, that's how you know, he's your love.

He's your love
How do you know?
How do you know?

How does she know you that love her?
How do you show her you love her?
How does she know that you really, really, truly, love her?

That's how you know he's true
Because he'll wear your favorite color
Just so he can match your eyes.
Rent a private picnic by the fire glow, oh.

His heart will be yours forever, something everyday will show
That's how you know, that's how you know
That's how you know, that's how you know, he's your love.

Intocáveis

noreply@blogger.com (Markantonio) — Wed, 23 Jan 2013 14:16:00 +0000

"Sometimes you have to reach into someone else's world to find out what's missing in your own."

Músicas : September / Boogie Wonderland
Intérprete : Earth, Wind and Fire

Existe uma classificação extraoficial para determinados filmes chamada de "feel good movie", que significa literalmente o que a expressão em inglês diz: filmes que nos fazem sentir bem. Normalmente são elevados, tocantes e surpreendem com uma lição de vida durante adversidades que são enfrentadas e apreendidas de maneira(s) quase mágica(s). É aquele tipo de filme no qual você sai contente e achando que o preço do ingresso foi pouco diante do retorno emotivo que teve. Um exemplo desse tipo de filme, mas em um grau um pouco inferior a esse "Intocáveis" e já comentado nesse post foi Quem quer ser um milionário.

"Intocáveis" tem uma grande gama de vantagens para si. Primeiramente trata-se de uma estória interessante: Phillippe, um multimilionário francês viúvo ficou tetraplégico, mal mexendo a cabeça e necessita de um assistente pessoal, dentre tantos outros criados que possui. Para isso recorre à entrevistas de todo tipo, dentre eles, Driss, imigrante africano e o aparentemente típico boa vida: mora em uma espécie de Cohab na periferia de Paris (leia-se Pari :-) e vive do (ainda justo) sistema de proteção social francês. Também é o filho mais velho problemático, sumindo e aparecendo do nada, para desgosto de sua mãe batalhadora e criando uma figura negativa na qual seus irmãos pudessem se espelhar. A despeito das qualidades dos outros candidatos para o teste de assistente, é justamente por Driss que Phillippe se encanta após este furar a fila e pedir apenas uma assinatura no formulário que carrega (se ele comprovar que procurou emprego em determinado número de locais, recebe o benefício).

A atitude do milionária demonstrará ser determinantemente benigna para a vida de ambos. O imigrante surge como uma força da natureza na mansão com outro tipo de atitude frente à vida, diferente de todos os empregados na casa, e principalmente de seu patrão: Driss não tem pena de seu infortúnio (pelo menos não o diz) e o trata como igual, independente do abismo que teórica e praticamente os separa (ricoXpobre, negroXbranco, deficienteX´normal´, tímidoXdespachado, naturalXestrangeiro).

E é nesse ponto que está a grande mensagem do filme, já que o universo do milionário não tinha espaço para "a esperteza que só tem quem tá cansado de apanhar", como diriam os Paralamas do Sucesso. Claro que o aprendizado é recíproco e existem coisas que mesmo tetraplégico Phillippe é capaz de fazer (voar de parapente). O empregado também vê pela primeira vez seu jeito de ser sendo recompensado do lado honesto do muro. O melhor de tudo? a estória é real e os protagonistas ainda estão por aí para contá-la. Você terá a sensação de já ter visto essa história antes e lembrar de outros filmes, mas desta vez, ficções, como Perfume de mulher ou, principalmente, Antes de partir.

Desde que o cinema é cinema que as pessoas normais (a maioria) vibra com a quebra de ordem, como na cena engraçadíssima em que Driss substitui a trilha sonora do aniversário de Phillippe (um quarteto de cordas ao vivo) por seu grupo predileto, o espetacular Earth, Wind & Fire. O cara consegue por todo mundo para bater o pezinho ao som de Boogie Wonderland, um de seus muitos clássicos na era disco.

Aliás, o ponto de vista sobre o som do grupo é ótimo ("Para que serve uma música se não serve para dançar?). Antes de condenar sua simplificação, saiba que Nietzsche dizia a mesma coisa. E a escolha das canções são tão perfeitas que só não daremos a oportunidade de verificar duas cenas com músicas diferentes, coisa que fizemos somente no post de O Pianista, porque não consegui a primeira música no Youtube.

Nesta primeira cena que você fará o favor de ver aqui, temos um flash forward, cena inicial do filme onde é demonstrada a malandragem de Driss e o já alto grau de intimidade dos dois. O veículo o qual está dirigindo parte escoltado pelas ruas de Paris. Começa uma batida irresistível que, infelizmente, não deve dar a quem tem menos idade a ideia de sintonia e diversão do que era um lugar fechado e os acordes de September. O staff de Obama sabe, ela foi usada nesta convenção do Partido Democrata.

Já o segundo vídeo, já mencionado, mostra Driss baixando a pomba gira ao som de Boogie Wonderland, outra pedrada que animou muito baile nas periferias de onde vim.

Fiquei pensando ao ver a cena de que Phillippe não invejava o fato de Driss poder andar e ele não. Se fosse somente por isso, invejaria todas as outras pessoas ao seu redor. Acho que ele inveja O QUE aquela criatura eternamente sorridente faz com as cartas que lhe foram dadas.

"Intocáveis" conquistou a façanha de ser o filme mais visto da história da França, com mais de 20 milhões de espectadores. Era aposta certa pelo menos à indicação de melhor filme estrangeiro no Oscar, mas nem isso, apesar da boa recepção de crítica também. Entendi que enxergaram o filme apenas como uma ótima estória, com uma dupla de atores em perfeita sintonia, mas só isso, sem aprofundar, por exemplo, questões de fundo como a situação dos imigrantes na Europa ou a relação de Driss com seus familiares. Mas tudo bem, como disse no começo, com a sensação de bem-estar que o filme traz, quem precisa de premiação?

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Philippe: Tell me Driss, why do you think people are interested in art?
Driss: I don't know, it's a business?
Philippe: No. That's because it's the only thing one leaves behind
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Intocáveis (Intouchables, 2011)
Diretor : Olivier Nakache, Eric Toledano
Elenco :François Cluzet, Omar Sy
Trilha Trailer Tradução Trama

Dance boogie wonderland hah, hah
dance boogie wonderland
Midnight creeps so slowly into hearts,
of men who need more than they get
daylight deals a bad hand,
to a woman who has laid to many bets

The mirror stares you in the face and says
"baby, uh uh it don't work"
you say your prayers though you don't care
you dance and shake the hurt
dance boogie wonderland hah, hah
dance boogie wonderland

Sound fly through the night
I chase my vinyl dreams to boogie wonderland
I find romance when I start dance in boogie wonderland
I find romance when I start dance in boogie wonderland

oh, All the love in the world can't be gone
all the need to be loved can't be wrong
All the records are playing
and my heart keeps saying
"boogie wonderland, wonderland"
dance boogie wonderland hah, hah
dance boogie wonderland hah, hah

I find romance when I start dance in boogie wonderland
I find romance when I start dance in boogie wonderland
dance boogie wonderland hah, hah
dance boogie wonderland hah, hah

(insrumental)

na, na, na, na
na, na, na, na
na, na, na, na
wonderland
na, na, na, na
na, na, na, na
na, na, na, na
wonderland

(instrumental)

na, na, na, na
na, na, na, na
na, na, na, na

oh,All the love in the world can't be gone
all the need to be loved can't be wrong
All the records are playing
and my heart keeps saying
"boogie wonderland, wonderland"
dance boogie wonderland hah, hah
dance boogie wonderland hah, hah

I find romance when I start dance in boogie wonderland
I find romance when I start dance in boogie wonderland
dance boogie wonderland hah, hah
dance boogie wonderland hah, hah

Minhas mães e meu pai

noreply@blogger.com (Markantonio) — Fri, 14 Dec 2012 11:13:00 +0000

"Nic and Jules had the perfect family, until they met the man who made it all possible"

Música : All i want
Intérprete: Joni Mitchell

Existem filmes que são pérolas em que tudo funciona. Mais ainda quando o orçamento é baixo temos aquela sensação de que nem tudo está perdido no mundo dos blockbusters. "Minhas mães e meu pai" é um filme independente que tem o mesmo nome daquela canção do Who, homenageada pelo Offspring e que era tocada na abertura de Buffy, a caça-vampiros. Ufa! Quanta referência pop. Ah, o que tem a ver o título brasileiro? Apenas explicitar uma obviedade.

Nesta comédia dramática vemos um libelo da normalidade dos diferentes. Vemos um típico subúrbio americano onde mora um casal de lésbicas formado pela médica Nic (Annette Bening) e Jules (Julianne Moore). As duas estão juntas há 20 anos e possuem um casal de filhos adolescentes, Laser (isso mesmo!) e Joni (a incrível Mia Wasikowska, do seriado Em Terapia e Alice, de Tim Burton), gerados por inseminação artificial. Esta última está fazendo 18 anos e de repente tenta convencer seu irmão a conhecer seu pai biológico, Mark Ruffalo, em seu segundo papel com Julianne Moore (após Ensaio sobre a cegueira) e já demonstrando ser o ator bacana que interpretaria o Hulk, em Os Vingadores. Paul nunca se casou. É descolado, tem um restaurante natureba, com horta própria e tem relacionamentos físicos casuais.

Claro que a chegada deste personagem ao harmonioso lar conduzido pelas duas mães trará à tona situações nesta idílica normalidade que nós, normais, esquecemos de valorizar. Quanto à Paul, veremos que ser visitado por filhos que nunca imaginamos ter não é algo pelo qual passamos incólumes.

É interessante o raciocínio de como o diferente contribui, positivamente e/ou negativamente, para aumentar a plêiade de experiências e sensações do ser humano. O que se pode aprender com quem, a partir de um detalhe de preferência sexual (pelo menos deveria ser), tem toda uma visão diferente da qual estamos acostumados? Não precisamos ir longe neste raciocínio, basta reparar na tendência de cuidados com ser humano que tem o gênero feminino. Ou mesmo sua tendência antibeligerante, só para ficarmos em duas diferenças gritantes.

O grande barato do filme é reparar que ele tem um esqueleto de roteiro em que os personagens poderiam ser substituídos facilmente por um casal interracial, gay ou, pasmem, até heterossexual. Todo mundo, absolutamente todo mundo, quer basicamente as mesmas coisas m sua existência: respeito, amor, companhia, dignidade.

Já os atores não poderiam ser outros, já que "as mães e o pai" foram indicados para vários prêmios, incluindo ao Oscar, onde concorreram ainda como melhor filme e roteiro original. Mas aquele foi o ano de Natalie Portman e do superestimado Cisne Negro. Mas ganharam o Globo de Ouro.

Quanto à cena musical, tive aquela maravilhosa sensação quando em um filme alguém percorre a coleção (de discos, de livros) de outra pessoa. Infelizmente o MP3 não tem esse charme. Em um jantar de confraternização, Nic, isolada, vasculha os discos de Paul e descobre vários clássicos dos anos 70, entre eles David Bowie e Joni Mitchell. Nic fica espantada ao verificar o (bom) gosto musical e a sensibilidade do heterossexual que, por acaso (pra quem acredita), foi o doador que gerou seus filhos. Já na mesa de jantar, começam a falar sobre os discos e de como está surpresa. Pergunta qual disco ele mais gosta (Blue, claro), e a enumerar as canções. Quando chega em All i want os dois começam a cantar, ele pára (desculpe, mas o acento é tão sensato) e ela continua.

O filme não fez sucesso comercial, claro. Mas durante ou após assisti-lo é inevitável nos pegarmos pensando nas situações ali colocadas de forma tão, sensível, sexy e divertida, e só por isso já cumpriu su papel, tanto na história do cinema quanto na da luta pela igualdade e da tolerância.

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Jules: ...marriage is hard... Just two people slogging through the shit, year after year, getting older, changing. It's a fucking marathon, okay? So, sometimes, you know, you're together for so long, that you just... You stop seeing the other person. You just see weird projections of your own junk. Instead of talking to each other, you go off the rails and act grubby and make stupid choices... You know if I read more Russian novels, then..
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Minhas mães e meu pai (The kids are all right, 2010)
Diretor : Lisa Cholodenko
Elenco : Julianne Moore, Annette Benning, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska
Trilha Trailer Tradução Trama

I am on a lonely road and I am traveling

Traveling, traveling, traveling

Looking for something, what can it be

Oh I hate you some, I hate you some

I love you some

Oh I love you when I forget about me

I want to be strong I want to laugh along

I want to belong to the living

Alive, alive, I want to get up and jive

I want to wreck my stockings in some juke box dive

Do you want - do you want - do you want

To dance with me baby

Do you want to take a chance

On maybe finding some sweet romance with me baby

Well, come on

All I really really want our love to do

Is to bring out the best in me and in you too

All I really really want our love to do

Is to bring out the best in me and in you

I want to talk to you, I want to shampoo you

I want to renew you again and again

Applause, applause - life is our cause

When I think of your kisses

My mind see-saws

Do you see - do you see - do you see

How you hurt me baby

So I hurt you too

Then we both get so blue

I am on a lonely road and I am traveling

Looking for the key to set me free

Oh the jealousy, the greed is the unraveling

It's the unraveling

And it undoes all the joy that could be

I want to have fun, I want to shine like the sun

I want to be the one that you want to see

I want to knit you a sweater

Want to write you a love letter

I want to make you feel better

I want to make you feel free

Hmm, Hmm, Hmm, Hmm,

Want to make you feel free

I want to make you feel free

Shame

noreply@blogger.com (Markantonio) — Fri, 26 Oct 2012 00:10:00 +0000

Música : New York, New York
Intérprete : Frank Sinatra

Podemos ser culpados pelas nossas compulsões? Se estas são resultados de traumas ou desarranjos pregressos, então, onde estaria a vergonha evidenciada no título não traduzido deste filme de Steve MacQueen, o diretor de Hunger, não o já falecido ator de Papillon?

A vergonha, neste filme que trata da moral e não de compulsões, acompanha os atos, e não o discurso de Brandon (o formidável Michael Fassbender, injustamente esquecido pelo Oscar). Mas quem é Brandon? Brandon Sullivan mora em New York, é um imigrante irlandês de trinta e poucos anos que vive sozinho em um apartamento asséptico, árido, estéril, sem quadros ou fotografias de família. Trabalha em um escritório na cidade e tem um vício louco por sexo. Nos primeiros 5 minutos de filme (e ao longo deste) o veremos em ação com prostitutas, mas também masturbando-se compulsivamente em casa ou no trabalho. Pornografia é a sua religião: revistas, vídeos, sites, canais de TV etc, são seus acessórios para o gozo. Brandon é triste e não possui relacionamentos ("Quatro meses, foi o máximo que consegui").

Apesar de não parecer (e não ser) uma vida alegre ou satisfatória, esta "paz" sob controle será abalada com a chegada de sua irmã, a autodenominada cantora Sissy (a sen-sa-cio-nal Carey Mulligan, de Drive e Educação). Sissy será o contraponto à racionalização do irmão, afinal é "sua irmã", sua única parente viva, conforme faz questão de afirmar na dura e triste cena do sofá, quase no fim do filme. Daria até para achar que a Sissy teria uma missão evangelizadora, mas ela também não é fácil e, em muitas coisas, é seu oposto: hipersensível, carente, necessitada de qualquer contato humano, mesmo que humilhante, ou que apele mais de uma vez em sua vida para a forma mais hardcore de chantagem. Ambos caminham para a autodestruição. A compulsão de Brandon logicamente afeta seu trabalho, seu computador é retirado por estar lotado de pornografia ("Anal, double anal, penetration, interracial facial, man. Cream pie. I don’t even know what that is").

A fotografia de "Shame" é glacial, com filtros frios e luz gélida a maior parte do filme, ou quase 100% das cenas como veremos a seguir. O enquadramento muitas vezes divide o widescreen da tela, aparentando as próprias fachadas dos edifícios. A cidade é parte viva, protagonista da estória, com seus arranha-céus de vidro transparente. Pela própria funcionalidade suas janelas seriam como uma aberturas, mas na verdade deste filme, ao invés disto contém, enjaula, compartimenta, deixa tudo em seu lugar. Ou inspira Brandon, como o casal que transa na janela enorme à vista de todos na rua, mas ocultos para os outros moradores no mesmo edifício. Brandon é a cidade. Quando ele chora ela também chora.

A intenção do diretor era vincular o homem ao seu entorno nos dias de hoje, à cidade; falar da falta de toque, de contato, da frivolidade e de como isso nos afeta. Mas faltou algo na maneira como isso foi demonstrado, já que nos primeiros minutos entendemos que os atos do personagem são moralmente incorretos e isso evidencia-se em uma circularidade vista por meio das cenas inicial e final que acontecem dentro do metrô, embora a última deixe o final em aberto para imaginarmos se a lição foi apre(e)ndida.

O filme tem uma divisão clara ao demonstrar os efeitos que a presença de Sissy provocam em Brandon e seus resultados. Em uma ocasião, ele tenta um encontro com uma colega sexy do trabalho, mas está tão desconfortável que chega quase a constrangê-la. Um simples jantar e está demonstrado seu desapego emocional ao comentar sua teoria sobre os casais calados que frequentam restaurantes, sem se tocar. Por outro lado, pouco importa a ele algo como escolher direito o vinho que lhe é oferecido, como se pequenos rituais de prazer não contassem, ou mesmo: se eu não me preocupo com nada pequeno, serei capaz de me importar com causas maiores? Chega a perguntá-la se preferiria ser alguém do passado ou do futuro, mas ela, mais resolvida consigo e suas escolhas prefere o presente (Ele queria ser "um músico dos anos 60", certamente pensando em ser David Bowie, mas quem seria o grande astro do rock é este digitador que vos fala).
Brandon não consegue beijá-la ao deixá-la na entrada do metrô, mas após ser flagrado se masturbando pela irmã, resolve fazer este caso dar certo, se livrar de suas vergonhas, jogando fora todo material pornográfico. Mas ao procurar novamente a colega e tentar fazer tudo de maneira mais afetiva (à sua maneira, roubando-a de sua sala e levando-a para um hotel para transar no meio da tarde), acaba falhando miseravelmente, daquela maneira que nós homens, bem, deixa pra lá.

Esta situação fará com que perca o domínio e entrar em uma espiral destrutiva, seja provocando uma briga para apanhar em um bar, usando cocaína e recebendo um blow job em um bar gay ou tendo o orgasmo mais triste da história em um (hmmm!) mènage-a-trois, cenas estas ironicamente filmadas em cores quentes. Ah, antes de tudo ele convoca uma prostituta para o mesmo quarto que levou a ~~amiga~~ colega do trabalho e transa com ela em pé, apoiada no vidro para a vista espetacular da cidade, aquela mesma cidade que parece uma tela, reflexiva ou propagadora das imagens as quais é escravo.

Independente de qualquer opinião acerca do filme é notória a entrega dos atores. Fassbender e Mulligan desnudam-se artística e literalmente em uma entrega visceral aos seus papéis.

Mas vamos falar de New York, como diria o candidato? Vamos falar de música? Como dito anteriormente Sissy é cantora. Em sua estadia no apartamento do irmão ela o convida, juntamente com o chefe dele para uma apresentação em um bar. Bem de repente começa ao piano uma versão cool e slowly de "New York, New York", clássico maior de outro representante da Big Apple, Frank Sinatra. A cena irradia calor ao rosto da inglesinha e o foco da câmera alterna-se na emoção dos dois irmãos.O interessante da cena é que os atores não sabiam que a atriz Carey Mulligan realmente gostava de cantar e o impacto do espanto fica evidenciado na expressão de Michael Fassbender, em uma demonstração rara de sensibilidade de seu personagem. Tente rever o filme após ler esse post e prestar atenção à tradução da letra, vinculada à história do filme. Fica bem diferente.

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Sissy Sullivan: I'm trying, I'm trying to help you.
Brandon Sullivan: How are you helping me, huh? How are you helping me? How are you helping me? Huh? Look at me. You come in here and you're a weight on me. Do you understand me? You're a burden. You're just dragging me down. How are you helping me? You can't even clean up after yourself. Stop playing the victim.
Sissy Sullivan: I'm not playing the victim. If I left, I would never hear from you again. Don't you think that's sad? Don't you think that's sad? You're my brother.
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Shame (Shame, 2011)
Diretor : Steve MacQueen
Elenco : Michael Fassbender, Carey Mulligan
Trilha Trailer Tradução Trama

Start spreading the news
I'm leaving today
I want to be a part of it
New York, New York

These vagabond shoes
Are longing to stray
Right through the very heart of it
New York, New York

I wanna wake up in a city
That doesn't sleep
And find I'm king of the hill
Top of the heap

These little town blues
Are melting a way
I'll make a brand-new start of it
In old New York

If I can make it there
I'll make it anywhere
It's up to you New York, New YorkNew York, New York

I want to wake up
In a city that never sleeps
And find I'm a number one,
top of the list
King of the hill,
a number one

These little town blues
Are melting a way
I'm gonna make a brand-new start of it
In old New York

And... if I can make it there
I'm gonna make it anywhere
It's up to you
New York, New York

Habemus Papam

noreply@blogger.com (Markantonio) — Wed, 25 Jul 2012 03:04:00 +0000

Música : Todo cambia
Intérprete : Mercedes Sosa

Dizem que Deus não nos dá um fardo maior do que possamos carregar. Sendo assim, todos os desafios da vida teriam, secretamente ou não, uma contrapartida de força que nos levaria a superá-los. Mas e se você fosse o candidato escolhido para Papa? Teria alguma dúvida? Mais ainda, se a religião cristã dá como dogma, líquido e certo, que você é o escolhido por Deus, quem é você para dizer o contrário?

Pois é esse dilema que assombra o padre Melville, o recém escolhido Papa após a morte de seu antecessor em "Habemus Papam". Este grande filme começa mostrando detalhes do Vaticano, a suntuosidade e a imponência da arquitetura e dos cardeais. Em uma cena engraçadíssima vemos os pensamentos que mostram que nenhum dos religiosos quer assumir o papel de representante máximo da Igreja Católica. Para resolver o impasse acabam por escolher aquele cuja presença mal se percebia, justamente Melville, representado magistralmente por Michel Piccoli.

Em uma grande sacada o porta-voz do Vaticano resolve chamar (logo) um psicanalista - ateu como o diretor -, para entender o que acontece com aquele homem que acaba de ter um ataque de pânico antes de dar as caras no balcão da Praça São Pedro lotada de fiéis; psicanalista vivido pelo próprio diretor, Nanni Moretti. Para isso ele não poderá sair e o conclave permanecerá em total isolamento para os fiéis e para a imprensa mundial, ávida por notícias. Primeiramente há uma quase conversa entre o representante de Deus e o dos homens, sob às vistas de todos e com totais restrições quanto ao que pode ser ou não dito (sexo, mãe, infância). Já pensaram como conjugar o livre-arbítrio com a noção de inconsciente freudiano?

O filme passa a ter duas dinâmicas com o passar do tempo, uma interna já citada no Vaticano, e uma externa, já que o Papa pede para dar uma volta pela cidade para espairecer e consegue driblar a segurança, flanando pela cidade-Estado. Neste momento temos grandes momentos extraídos do ótimo roteiro: como o psicanalista também tem de ficar enclausurado, ele passa a conviver com os padres e inventa maneiras de passar o tempo que não vou dizer neste espaço para não tirar o prazer de quem for assistir.

De outra parte vemos o Papa se hospedando anônimo em um hotel, ouvindo artistas de rua ou andando de ônibus, o que me fez lembrar aquela canção de Joan Osborn. Esqueci de dizer que o Papa procura a ex-mulher do psicanalista, que também é psicanalista. É quando temos a surpreendente revelação de que ele queria ser ator, mas que abandonou "por que era péssimo no palco", quando ela pergunta o que ele havia sonhado em ser na vida. Depois de tanto tempo ele ainda sabe as falas de A gaivota, de Tchekhov de cor.

Aliás, a peça que conta o sofrimento de Treplev, um dramaturgo que tenta apresentar uma reflexiva peça para o moralista círculo teatral russo, tem papel crucial no filme, bastando pensar na (ousada) analogia que o diretor faz quando, como o dramaturgo da peça, ele questiona toda liturgia católica, ao expor a dor do "homem" que assume o "papel" de Papa. Tudo em um sofisticadíssimo tom de sátira se pensarmos que "a Igreja precisa levar o Papa ao povo", como é dito à certa altura, não condiz com a realidade. A revelação do passado de ator é a grande sacada do filme, já que algumas vezes o exercício do papado pode ser visto como uma encenação (no bom ou mal sentido, você é quem sabe), e isso é mostrado nas horas em que um guarda do palácio é incumbido de se passar pelo Papa, ao ficar em seu quarto mexendo as cortinas, comendo, bebendo, acendendo as luzes e mexendo as cortinas.

E é com este guarda com jeito fanfarrão que chega o momento musical, a música da cena. Entediado, ele procura entre os vinis dos aposentos algum para alegrar seu dia. Encontra e o coloca para tocar, como já vimos em tantos filmes, e por todo palácio começam a soar os acordes de Todo cambia, (Tudo muda) sucesso da saudosa cantora latina Mercedez Sosa. O Papa também aparece andando pelas ruas e vendo artistas cantando a mesma canção que fala, entre outras coisas, de liberdade e dos ventos da mudança (the answer my friend). Habemus Papam me surpreendeu plenamente, o roteiro, os atores, o tom agridoce e a inteligência da analogia. O diretor conseguiu passar a reflexão e, de certo modo, demonstrar elegantemente seu ponto de vista.

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Melville : Eu sempre quis ser ator.
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Habemus Papam (Habemus Papam, 2011)
Diretor : Nani Moretti
Elenco : Michel Picolli, Nani Moretti, Margherita Buy
Trilha Trailer Tradução Trama

Cambia lo superficial
Cambia también lo profundo
Cambia el modo de pensar
Cambia todo en este mundo

Cambia el clima con los años
Cambia el pastor su rebaño
Y así como todo cambia
Que yo cambie no es extraño

Cambia el mas fino brillante
De mano en mano su brillo
Cambia el nido el pajarillo
Cambia el sentir un amante

Cambia el rumbo el caminante
Aúnque esto le cause daño
Y así como todo cambia
Que yo cambie no es extraño

Cambia todo cambia
Cambia todo cambia
Cambia todo cambia
Cambia todo cambia

Cambia el sol en su carrera
Cuando la noche subsiste
Cambia la planta y se viste
De verde en la primavera

Cambia el pelaje la fiera
Cambia el cabello el anciano
Y así como todo cambia
Que yo cambie no es extraño

Pero no cambia mi amor
Por mas lejo que me encuentre
Ni el recuerdo ni el dolor
De mi pueblo y de mi gente

Lo que cambió ayer
Tendrá que cambiar mañana
Así como cambio yo
En esta tierra lejana

Cambia todo cambia
Cambia todo cambia
Cambia todo cambia
Cambia todo cambia

Pero no cambia mi amor...

As Branquelas

noreply@blogger.com (Markantonio) — Sat, 09 Jun 2012 14:46:00 +0000

Música : A thousand miles
Intérprete: Vanessa Carlton

Os irmãos Marcus (Marlan Wayans) e Kevin Copeland (Shawn Wayans) são agentes do FBI que andam em baixa após sua última e fracassada missão. Quando surge uma ameça de sequestro das mimadas e bilionárias irmãs Wilson, eles vêem seus principais rivais serem designados para descobrir os bandidos. Eles terão apenas que escoltá-las do aeroporto até um evento (?) importante (??) pelo qual as duas esperam há meses. Para piorar, no trajeto elas sofrem um acidente, com uma arranhando o nariz e a outra cortando o lábio. Qual a solução? Claro! Os dois negões de 1,90 de altura como eu, vão se disfarçar de loiras, ficando no lugar delas, o que vai gerar todo tipo de confusão.

Bem, mesmo você que adora o filme (o que não é o meu caso, muito pelo contrário) não vai se lembrar que ele tinha esse, digamos, argumento. Mas tudo bem, é uma comédia rasteira, onde ligamos o botão que começa com "F" e esquecemos da vida.

Você vai se lembrar com certeza de cenas esparsas: as duas arrasando na pista de dança ao som de Beyonce; o pai do Chris, que já foi Mister Universo de sunga, e por aí vai. Mas uma cena é realmente engraçada, de maneira que ouvir a música A thousand miles, de Vanessa Carlton ficou indelevelmente vinculado à cena: Terry Crews, o pai do Chris, do Everybody hates Chris, fica louco por uma das loiras falsas. Em uma das cenas eles estão andando em um conversível e ela coloca o som de patricinha para o cara ouvir. Surpresa: ele não só o conhece como o canta inteirinho em uma seqüência de caretas de rolar de rir. A música até é tocada antes, mas é na seguinte que acaba fazendo todo o... sentido.

Talvez você não saiba, mas os atores são irmãos de verdade e o diretor também. Na verdade os Wayans Brothers são uma companhia de artistas dos EUA (não sei se todos negros) envolvida com o showbizz norte-americano. Além de seriados como o já citado ...Chris, também são responsáveis por seriados como Eu, a patroa e as crianças, além da produção de filmes como a cinessérie Todo mundo em pânico, e mais comédias descerebradas como O pequenino, meio que análogo a "As Branquelas". Rola uma camaradagem muito grande, com participações especiais em projetos uns dos outros. Fora os irmãos de sangue ainda tem o casal de Eu, a patroa e as crianças, o já mencionado Teery Crews e sua esposa na série, Rochele.

Não sei como foi no cinema, mas no mercado doméstico de DVD´s e em reprises de televisão o filme é sucesso garantido. Talvez seja por ter visto acima e procurado na internet para descobrir quem canta essa canção que você veio parar neste blog. Pois saiba que a cantora, Vanessa Carlton sempre foi uma criança-prodígio, tocando piano desde pequena e fazendo balé. Em 2002, dois anos antes do filme parecia que ela podia ter o mundo nas mãos: lançou o CD que continha A thousand miles e vendeu 2,5 milhões de unidades. Porém, a partir do próximo disco não conseguiu mais o mesmo sucesso, culpando a nova gravadora. Uma coisa bem interessante aconteceu neste período: a cantora, que nasceu em 1980 acabou assumindo sua bissexualidade, dobrando assim, suas chances de sair acompanhada de uma festa, como diria sabiamente Woody Allen.

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Tiffany Wilson: Oh yeah? Well, your mother's ass is so hairy, it looks like Don King's about to pop out and say, "Only in America"!
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As Branquelas (White Chicks, 2004)
Diretor : Keenen Wayans
Elenco : Marlan Wayans, Shawn Wayans
Trilha Trailer Tradução Trama

Making my way downtown
Walking fast
Faces passed
And I'm home bound...
Staring blankly ahead
Just making my way
Making my way
Through the crowd...
And I need you
And I miss you
And now I wonder....
(Chorus)
If I could fall
Into the sky
Do you think time
Would pass me by..
'Cause you know I'd walk
A thousand miles
If I could
Just see you...
Tonight
It's always times like these
When I think of you
And I wonder If you ever
Think of me
Cause everything's so wrong
And I don't belong
Living in your
Precious memories
'Cause I need you
And I miss you
And now I wonder....
(Chorus)
If I could fall
Into the sky
Do you think time
Would pass me by.. Oh!
'Cause you know I'd walk
A thousand miles
If I could
Just see you...
Tonight
And I, I, Don't want to let you know
I, I, Drown in your memory
I, I, Don't want to let this go
I, I, Don't...
Making my way downtown
Walking fast
Faces passed
And I'm home bound..
Staring blankly ahead
Just making my way
Making my way
Through the crowd
And I still need you
And I still miss you
And now I wonder...
If I could fall
Into the sky
Do you think time
Would pass us by
'Cause you know I'd walk
A thousand miles
If I could
Just see you...
If I could fall
Into the sky
Do you think time
Would pass me by
'Cause you know I'd walk
A thousand miles
If I could
Just see you...
If I could
Just hold you...
Tonight..

Direito de amar

noreply@blogger.com (Markantonio) — Sun, 06 May 2012 16:27:00 +0000

Música : And just like that
Compositor : Abel Korzeniowski

Cair e levantar-se. Fazemos isso diariamente e, algumas vezes, alguns dias, algumas fases são bem mais difíceis que outras. Imagine-se tendo que superar uma ausência ou uma perda, de qualquer tipo. Pode ser uma pessoa, um emprego, uma mudança, um bem material, ou não. Ou, então, algo que não podemos mudar, substituir. De onde você tiraria motivação para seguir em frente? Como olhar, notar, perceber tudo da mesma maneira que fazíamos quando éramos (estávamos?) felizes? E se fosse em uma época aflitiva, como na Crise dos Mísseis de Cuba, onde o temor de uma guerra nuclear fazia casais questionarem se iriam querer que seu filho nascesse em uma época tão conturbada?

Tudo isso e muito mais já passou pela cabeça do professor de inglês George Falconer (Colin Firth, na melhor interpretação masculina que vi nos últimos tempos). Digo já passou porque as 24 horas do dia 30/11/1962 que o filme "Direito de amar" retrata são apenas a cuidadosa preparação para seu suicídio. George desistiu de viver porque seu companheiro, com quem conviveu por 16 anos morreu em um acidente de carro há 8 meses e ele sente-se devastado pela sua ausência. Sim, você leu direito, "companheiro". Pois é, sentimentos independem de orientação sexual.

Neste único dia, neste último dia, George estará mais sensível a tudo que o cerca. Seus sentidos, então, focam-se principalmente na beleza: vemos constantes closes intermináveis em olhos, olhares e corpos femininos e, claro, principalmente masculinos. Os personagens estão no auge da beleza, com a influência sessentista de Brigitte Bardot (na linda brasileira Aline Webber) e de James Dean. Os figurinos são um tapa na cara de tão elegantes, cortesia de Tom Ford, o estilista que virou diretor.
Mas ainda há mais: tem a seqüência dançante ao som de um órgão mood em Green Onion (que poderia, mas não é, a música deste post), onde George dança com sua grande amiga de todos os tempos, a espetacular e linda atriz Juliane Moore. Existe a beleza da sua risada, de seu corpo em um vestido, das rosas, das frutas em seu jardim, além do frescor revigorante de um banho de mar noturno e sem roupa ou de sua casa moderna, um primor de arquitetura construída em 1949. Toda beleza do mundo a serviço de comunicá-lo que vale a pena esperar o desfecho natural da vida e ignorar a tentação de sublimá-la. "A beleza salvará o mundo" já dizia Dostoiévski.

"Direito de amar" (título horroroso dado no Brasil) é um filme de 2009, uma empreitada pessoal de Tom Ford, famoso estilista gay (claro), que identificou-se com o livro semiautobiográfico de 1964 de Christopher Isherwood, que realmente perdeu um companheiro. Tom escreveu, produziu e dirigiu. Sua primeira formação é notada na excepcional plasticidade do filme. Todos os planos e closes têm uma estética belíssima. Os atores, e até todos os coadjuvantes, exalam uma beleza idílica. A fotografia também tem destaque, bastando reparar, a título de exemplo, as cenas finais onde a lareira da casa é acesa. Toda essa beleza pode parecer exagerada para alguns, lembrando algo como propaganda de perfume para quem lê isso antes de ver o filme. Mas não é. Toda a beleza serve apenas para destacar a melancolia do filme.

Para combinar com toda essa beleza a trilha sonora não poderia ficar para trás. E esse ideal foi plenamente alcançado, e com sobras, ao contratarem Abel Korzeniowski para compor quase todas as canções do filme. Com aquela sensibilidade instrumental inerente aos compositores de países da antiga Cortina de Ferro, o polonês pontua e destaca a grande atuação de Firth com extrema delicadeza, na verdade, uma parte verdadeiramente inerente à película, uma daquelas coisas que diferenciam um livro de um filme e decreta um empate técnico quando ambos são bem feitos. Na cena musical vemos o clímax do filme e o modo como as palavras de George se intercalam aos acordes menores e tristes da peça de violino.

Collin Firth entrou para a lista das grandes injustiças da história do Oscar (duvida?). Ganhou todas as indicações importantes mas em seu caminho tinha um peso pesado, um ator carismático, simpático, dedicado, querido e amado por todos: Jeff Bridges, com seu Coração Louco. Em reconhecimento, e utilizando a famosa lei da compensação do futebol, no ano seguinte o ator inglês foi premiado pelo muito menor O discurso do Rei. Sem problemas, arte não tem a ver com comparações.

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George: [last lines; voiceover] A few times in my life I've had moments of absolute clarity, when for a few brief seconds the silence drowns out the noise and I can feel rather than think, and things seem so sharp and the world seems so fresh. I can never make these moments last. I cling to them, but like everything, they fade. I have lived my life on these moments. They pull me back to the present, and I realize that everything is exactly the way it was meant to be.
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Direito de amar (A single man, 2010)
Diretor : Tom Ford
Elenco : Colin Firth, Juliane Moore
Trilha Trailer Trama

Titanic

noreply@blogger.com (Markantonio) — Sat, 14 Apr 2012 15:39:00 +0000

"I´m the king of the world"

Música : My heart will go on
Intérprete : Celine Dion

Nesta data comemora-se exatamente 100 anos do maior naufrágio que se tem notícia*. Em 14/03/2012 o transatlântico Titanic, tido como o mais luxuouso de todos os tempos e "inafundável", fez sua viagem inaugural (e final), partindo de Southampton, na Inglaterra e chegando ao fundo do Oceano Atlântico horas depois, após colidir com um iceberg, já na madrugada do dia seguinte. O saldo da tragédia foi de mais de 1.500 mortos, a maioria turistas das classes menos privilegiadas. O evento causou frenesi, já que centenas de milionários da época pagaram verdadeira fortuna para estar na inauguração.

Claro que Hollywood não deixaria uma estória destas passar em branco e, ao longo dos anos, lançou diversas versões desta tragédia que mudou os rumos da navegação mundial e que desperta curiosidade até hoje.

James Cameron, diretor de Avatar, acalentava a idéia de refilmar a estória durante muito tempo. Respaldado pelos milhões que os dois Exterminador do Futuro tinham faturado e principlamente pelos avanços digitais de Parque dos Dinossauros, de Steven Spielberg, resolveu pôr mãos à obra, construiu um tanque gigantesco no México com uma réplica do navio e filmou o épico, que voltou neste centenário convertido em 3D. Sua obsessão ahabiana era tão grande que ele desceu com sua equipe por 11 vezes aos destroços do navio, construindo, inclusive, câmeras especiais para isso.

Cameron, assim como outro cineasta de ficção, George Lucas, de Star Wars, não é um diretor de atores, mas acertou a mão ao chamar Leonardo DiCaprio (Jack) (em alta após Diário de um adolescente e a indicação ao Oscar de coadjuvante por Gilbert Grape) e a divina Kate Winslet (Rose), recompensada filmes depois por O Leitor. DiCaprio não era nem a terceira opção. A primeira era Tom Cruise, com cachê astronômico à época (hoje não sei se existe algum superlativo para o quanto ele ganha).

Sabendo que o público conhecia a história do evento, Cameron costurou um fio de roteiro para enfatizar o darwinismo que foi o naufrágio, fazendo com que um artista pé-de-chinelo embarcasse clandestinamente e se apaixonasse por uma garota rica, de personalidade forte e de idéias à frente de sua época. Mas o casal tem coisas tão grandes quanto o iceberg para enfrentar na viagem, como o noivo, Billy Zane, representando a diferença de classes.

O casal protagonista, assim como o filme, virou febre mundial. Em 1998 não haviam tantas salas de cinema no Brasil e muito menos compra antecipada por internet. Milhares de casais de namorados frustravam-se ao chegar ao cinema e ver que até as sessões extras à meia-noite tinham se esgotado. Isso para um filme com mais de três horas, mas que passam rapidamente, principalmente após o choque do iceberg com o navio.
Tanta expectativa fazia com que muitos se sentassem e aguardassem algo que superasse suas expectativas, como se a obrigação de aprender a lidar com frustrações fosse do que se apresenta em uma tela ou outra obra qualquer.

Mas o que levou tanta gente ao cinema, como a minha adorada amiga Fabiana que chegou a vê-lo, hã, 72 vezes (confere, Fafis?) Seria somente o par romântico principal, coisa que acontece de tempos em tempos e viram mania entre as meninas, como os anteriores Grease e Dirty Dancing, ou posteriormente com a saga dos vampiros-brócolis de Crepúsculo?

Não. Titanic tem muitos méritos próprios. Além do talento dos atores confirmado com o passar do tempo, os filmes e as indicações a grandes prêmios, tem o show digital das cenas, como já dito. Existem detalhes específicos que nem todo mundo repara, como o som de objetos partindo, como vidros e madeira, uma lembrança nítida que tenho do surround do cinema.

Além de cenas que entraram para o panteão pop cinematográfico, como quando Jack faz um quadro de Rose, outras cenas rápidas e emocionantes que passam despercebidas são as que mostram detalhes do naufrágio, como a orquestra que ao perceberem que o navio está afundando pensam por um segundo em parar ("Senhores, foi um prazer tocar com vocês"), mas em seguida continuam tocando esquecendo seu destino ("antes de tudo, a música", diziam os simbolistas). Também há o momento em que um casal de idosos abraçados na cama se deixam levar pela fatalidade. Ou o engenheiro que projetou o navio, que vê em meio ao tormento o relógio do salão principal parado e acerta o horário. Também tem o final com o esquecido lema "mulheres e crianças primeiro" quando se percebe que, ao contrário de hoje, não existem botes salva-vidas para 100% dos passageiros.

A verdade é que o filme arrecadou quase 2 bilhões e só foi superado em bilheteria pelo próprio James Cameron em 2010 com Avatar. Os dois filmes tiveram a mesma função para a história tecnológica do cinema: a saga do transatlântico ampliou o conceito de cinema digital, já que o navio nunca esteve no mar, apesar das cenas externas parecerem dizer o contrário. Já a saga dos Smurfs gigantescos, outro objeto de obsessão do diretor, 12 anos depois, introduziu a viabilidade do cinema 3D (principalmente a econômica). Kate Winslet casou-se e separou-se do diretor Sam Mendes e junto com DiCaprio filmaram o bonito e adulto Foi apenas um sonho (confira o post).

Bem, chegou a hora de falar da música. O tema principal de Titanic é a insuportável canção da canadense Celine Dion, My heart will go on, um lamento agudo que chegou a vencer o Oscar, um dos 11 que fez com que James Cameron gritasse "I´m the king of the world" e entrasse nos almanaques da história com o filme com o maior número de prêmios, ao lado de Ben Hur e mais tarde O senhor dos Anéis.

* na verdade o naufrágio do Titanic não foi o maior da história, e sim o do Wilhelm Gustloff, onde morreram entre 9 e 10 mil pessoas. A aura de inafundável e a representação do poderio da esquadra inglesa fez com que ficasse mais famoso.

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Rose: I know what you must be thinking. "Poor little rich girl, what does she know about misery?"
Jack: No, no, that's not what I was thinking. What I was thinking was, what could've happened to this girl to make her think she had no way out?
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Titanic (Titanic, 1998)
Diretor : James Cameron
Elenco : Kate Winslet, Leonardo DiCaprio

Trilha Trailer Tradução Trama

Every night in my dreams I see you, I feel you.
That is how I know you go on.
Far across the distance and spaces between us
You have come to show you go on.

Near, far, wherever you are.
I believe that the heart does go on
Once more, you open the door
And you're here in my heart.
And my heart will go on and on.

Love can touch us one time and last for a lifetime
And never let go till we're gone.
Love was when I loved you, one true time I hold to.
In my life we'll always go on.

Near, far, wherever you are.
I believe that the heart does go on
Once more, you open the door
And you're here in my heart.
And my heart will go on and on.

You're here, there's nothing I fear.
And I know that my heart will you go on.
We'll stay forever this way.
You are safe in my heart.
And my heart will go on and on.

(500) Dias com ela

noreply@blogger.com (Markantonio) — Fri, 30 Mar 2012 13:41:00 +0000

"This is not a love story. This is a story about love."

Música : There´s a light that never goes out

Intérprete: The Smiths

Em um breve momento no século passado eu fui um adolescente, sim, senhor. E nesta época adquiri meu primeiro rádio AM/FM e nele só tocava a 97FM de Santo André, uma rádio que quem ouvia a Fluminense FM, "A maldita", terá uma idéia. Ao contrário de hoje, naqueles tempos em absolutamente lugar algum na mídia havia rock - a revista Bizz não existia - e esta rádio foi o mestre de cerimônia do meu ritmo predileto. E dentre todo o privilégio que tive nesta conjunção astral, o maior deles foi conhecer minha banda predileta simultaneamente ao que acontecia na Inglaterra: os Smiths.

Pensei muito se não seriam os Beatles, a preferida entre todas, mas os Smiths tinham algo que os rapazes de Liverpool não tinham: eu amadureci ouvindo a banda nascer, crescer, estabelecer-se e finalmente acabar. Isso as duas bandas tiveram em comum, acabaram no auge. Em comum também foi o fato de que tive toda discografia de ambos em fita K7, vinil, CD e agora MP3. Acho que se pudesse a Terra pudesse oferecer apenas um fragmento de toda sua cultura desde a aurora dos tempos a um visitante espacial, There´s a light that never goes out seria a sua melhor amostra.

No filme "(500)Dias com ela" a banda é homenageada em duas cenas, mas a que separamos neste post é a melhor. O rapaz entra no elevador e está com seus headphones ouvindo a banda quando o objeto de sua paixão platônica entra antes da porta se fechar. Ela pergunta se ele está ouvindo The Smiths, diz que os ama e para provar cantarola o trecho que é uma declaração de amor nelsonrodrigueana:

Quanto ao filme, antes de qualquer cena já somos avisados de que não se trata de um filme de amor, mas, sim, sobre o amor. Mas vamos do início: Tom (Joseph Levitt-Gordon) narra a saga de seus "500 dias com Summer" (Zöoey Deschanel, a irmã da Bones, do seriado homônimo), sendo este o título original mal vertido para o português, o que acaba fazendo com que alguns (poucos) acabem perdendo a última sacada do filme.

Pois nestes 500 dias narrados percebemos que Tom apaixona-se à primeira vista por ela, quando é apresentada em seu local de trabalho: uma empresa de cartões de felicitação (WTF?). Para quem se liga nos flertes iniciais de uma paixão irá gostar das situações tão comuns de quem fica vidrado em colegas de trabalho: a dita cena do elevador, o encontro na xerox, ou a festa da "firma" (ou happy hour, não me lembro), quando Tom canta Here comes your man, do Pixies, uma das melhores canções do mundo.

Uma coisa incomum nesta comédia romântica (baseada em fatos reais, sabia?) é o fato do garoto correr atrás da garota. Explicando: mesmo quando começam a ter algum tipo de "relacionamento", Summer nunca considera Tom como namorado pelo motivo de não acreditar no amor verdadeiro, ao contrário de seu sofrido amigo. Esse é o mote do filme e os dois irão passar mensagens complementares e consensuais sobre o amor e sobre seguir em frente. Tom suporta ficar na linha que delimita o casual do compromisso até a cena marcantemente patética em um bar e, principalmente, após ela não reconhecer a lição de verdadeiro amor ao assistirem A primeira noite de um homem, que já foi tema de outro post.

O casal foi muito elogiado em sua escolha para viverem os personagens principais. Bem, o termo que mais vi e ouvi foi "fofo". Mas funcionou mesmo. Joseph Levitt tem um jeito tímido de quem curte mesmo rock do bom (ou seja, de uma época que não a dele). Um picolé de limão para quem se lembrar dele no seriado 3d frock from the sun. E Zöoey despontou para a fama restrita que possui neste filme. Ela é a jovem bacana e encantadora que todos querem como namorada, mas sem passar a imagem de sensualidade ou de mulherão. Para quem não associa o nome à pessoa, ela canta baladas "fofas" na banda She&Him (que gravou a canção dos Smiths para a trilha sonora) e foi uma das 3 ninfas que desvirginaram Cameron Crowe em Quase famosos. Ainda nada? Tá ela é a irmã mais nova da doutora Brennan, do seriado Bones, tendo inclusive participado de um episódio como prima dela.

O filme é um daqueles "sleeper hits", filmes despretensiosos que tornam-se aclamados, muitas vezes por crítica e público, como este, que foi ovacionado de pé no festival de Sundance. Ajudou também um viral bem legal da Microsoft com os dois imitando o casal Sid e Nancy. Nunca ouviu falar? Pena.

O bacana além de observar todo universo pop do filme, que inclui ainda camisetas do Joy Division, posters de Viva Hate do Morissey, personagens de seriado etc... bem como da narrativa não linear (que não chega a ser um Iñarritu), é fugir um pouco da temática "tão lindos juntos" de outras comédias românticas e refletir sobre o porquê de sempre acharmos que o local da trajetória onde o desastre acontece ser sempre o final.

Bem, se tiver de ser o final, e um ônibus de dois andares ou um caminhão de 10 toneladas nos acertar, que seja ao lado de quem sempre quisemos estar.

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Summer: I woke up one morning and I just knew.
Tom: Knew what?
Summer: What I was never sure of with you
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(500) Dias com ela - (500) Days of Summer , 2009
Director: Marc Webb
Elenco : Zöoey Deschanel, Joseph Levitt-Gordon
Trilha Trailer Tradução Trama

Ouça este bálsamo:

Take me out tonight
Where there's music and there's people
Who are young and alive
Driving in your car
I never never want to go home
Because I haven't got one
Anymore

Take me out tonight
Because I want to see people
And I want to see lights
Driving in your car
Oh please don't drop me home
Because it's not my home
It's their home
And I'm welcome no more

And if a double-decker bus
Crashes into us
To die by your side
Such a heavenly way to die
And if a ten-ton truck
Kills the both of us
To die by your side
Well, the pleasure and the privilege is mine

Take me out tonight
Oh take me anywhere
I don't care, I don't care, I don't care
And in the darkened underpass
I thought "Oh God, my chance has come at last"
But then a strange fear gripped me
And I just couldn't ask

Take me out tonight
Take me anywhere
I don't care, I don't care, I don't care
Just driving in your car
I never never want to go home
Because I haven't got one
Oh, I haven't got one

There is a light that never goes out
There is a light that never goes out
There is a light that never goes out
There is a light that never goes out...

À Prova de Morte

noreply@blogger.com (Markantonio) — Thu, 02 Feb 2012 01:39:00 +0000

"A White-Hot Juggernaut At 200 Miles Per Hour!"

Música : Down in Mexico

Intérprete: The Coasters

Há muito tempo atrás, antes dos multiplexes dos shopping centers existiam os cinemas de rua. E em uma época em especial, quando os estúdios de cinema foram proibidos de possuir salas de exibição, surgiram as sessões "Grindhouse". Eram sessões de cinema massivo-comercial americano, presentes em drive-ins e em sessões 24 horas por dia, geralmente "dois filmes pelo preço de um". Os filmes apelavam para o sexo e a violência, podendo ser de terror, artes marciais, filmes B de ficção científica e estiveram fortemente presentes no início da blaxpoitation (filmes feitos por e para o público negro). Esta introdução lembra um certo diretor, não?

Como devoto de algum santo cinematográfico, e depois de homenagear gêneros díspares como filmes de assalto (Cães de aluguel), de literatura pulp (Pulp fiction), de artes marciais (Kill Bill), Tarantino resolveu chamar seu chapa, Robert Rodriguez, de Sin City, para lançarem o projeto Grindhouse, no qual cada um produziria seu filme e seriam veiculados juntos pelo preço de um só ingresso. Com relação ao sucesso comercial da empreitada, nem de longe recriou-se o que acontecia décadas anteriores em termos de audiência. Aliás, nem conseguiram exibir os dois filmes juntos, sendo cada um lançado em uma época com os exibidores já prevendo o que quatro horas de exibição fariam de estrago na bilheteria. Com relação à obra propriamente dita, Planeta Terror, a metade que coube à Robert Rodriguez, teve uma execução pior, com uma estória bem fraca.

Mas quando se trata de Quentin Tarantino a estória é sempre diferente. O sujeito resolveu fazer um slasher movie, aqueles nos quais um alucinado persegue vítimas sequenciais. Chamou Stuntman Mike (Kurt Russel) para fazer o papel do ex-dublê psicopata que equipa seu carrão para torná-lo "à prova de morte" e com isso perseguir moçoilas com pouca roupa. As moças escolhidas são bem ousadas e formam um dream team fetichista do diretor, com direito aos tradicionais close no pé e barriguinha saliente. O diretor faz uma ponta como dono de bar.

O filme utiliza a tecnologia atual para recriar as produções antigas: cortes secos, imagem lavada, sangue abundante, riscos na imagem, erros de continuidade etc. Essa é a qualidade de Tarantino: ele utiliza seu vasto conhecimento cinematográfico de gêneros negligenciados e transforma tudo em Grande Arte, com maíúsculas.

O final é arrasador: as garotas (!?) resolvem fazer uma homenagem à Corrida contra o destino, (e não a 60 segundos, que fique bem claro). Em uma longa sequencia uma delas resolve se amarrar ao capô do carro só de brincadeira, mas o psicopata passa a persegui-las em seu carro de uma maneira que só assistindo aqui.
Ou, se quiser, compare com a cena inicial com um acidente noturno incrível aqui e tire suas conclusões.

Quanto à cena musical me lembrei de como sou incapaz de esquecer uma melodia. Lembro que em 2007 quando assisti ao filme fiquei alucinado com a música que uma das garotas coloca na jukebox ao fazer uma dança sensual para Kurt Russel. Recentemente a ouvi em uma rádio e na hora tive certeza de que era a mesma música, mesmo não sabendo a letra.

A canção é "Down in Mexico", hit do The Coasters, um grupo de doo-wop fundando na metade dos anos 50, que tem uma levada sen-sa-cio-nal. Ah, e como bônus deste post, consegui todas, absolutamente todas as canções que estavam na jukebox, um easter-egg do Tarantino, aquele mesmo que revolucionou a maneira que a trilha sonora passou a ser feita no cinema.

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"Wow! That's fucking scary."
"Ya well... I wanted it to be impressive. Scary tends to impress."
"Is it safe?" "It's better than safe... it's death proof."
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À Prova de Morte (Death Proof, 2007)
Diretor : Quentin Tarantino

Elenco : Kurt Russell, Zoe Bell, Rosario Dawson

Trilha Trailer Tradução Trama

Down in Mexicali
There's a crazy little place that I know
Where the drinks are hotter than the chili sauce
And the boss is a cat named Joe
He wears a red bandana, plays a blues pianna

In a honky-tonk, down in Mexico
He wears a purple sash, and a black moustache
In a honky-tonk, down in Mexico
Well, the first time that
I saw him He was sittin' on a piano stool

I said "Tell me dad, when does the fun begin?"
He just winked his eye and said "
Man, be cool."

He wears a red bandana, plays a blues pianna
In a honky-tonk, down in Mexico
He wears a purple sash, and a black moustache
In a honky-tonk, down in Mexico

All of a sudden in walks this chick
Joe starts playing on a Latin kick
Around her waist she wore three fishnets

She started dancin' with the castanets
I didn't know just what to expect
She threw her arms around my neck
We started dancin' all around the floor
And then she did a dance
I never saw before.

So if you're south of the border
I mean down in Mexico
And you wanna get straight,
Man, don't hesitate
Just look up a cat named Joe.
He wears a red bandana, plays a blues pianna
In a honky-tonk, down in Mexico

He wears a purple sash, and a black moustache
In a honky-tonk, down in Mexico
Yeah, como est usted senorita
Come with me to the border,
south of the border, that is
In Mexico, yeah in Mexico
You can get your kicks in Mexico
Come with me baby, come with me, come with me, crazy, yeah