Arcas de Arte

Cerâmicas assustadoras de Big Duluth

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Wed, 24 Apr 2013 21:22:00 +0000

Big Doluth, também conhecido como Ron em alguns círculos, é um artista que trabalha em tempo integral, fazendo seus trabalhos principalmente com argila e criando um tipo de peças únicas de escultura funcional. Fonte: http://www.neatorama.com.

O Grito – Quadro mais caro a ser vendido em leilão de Arte

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Wed, 24 Apr 2013 21:10:00 +0000

Um dos quadros mais conhecidos do mundo, a pintura ‘O Grito’ de Edvard Munch foi a leilão nesta quarta feira 02/05/2012, o evento aconteceu na cidade de Nova York nos Estados Unidos. A estimativa é de que a obra fosse vendida por um valor próximo dos US$ 150 milhões de dólares (cerca de R$ 270 milhões de reais), mas o martelo bateu depois de uma disputa entre acirrada entre sete candidatos, sendo vendida por US$ 119,9 milhões, assim tornou-se a obra de arte mais cara já vendida em um leilão, superando o valor da pintura “Nú, folhas e busto” do pintor Pablo Picasso, que foi vendida por US$ 106,5 no ano de 2010.

Petter Olsen é empresário e proprietário de uma das quatro versões da pintura O Grito, seu pai era vizinho e amigo de Edvard Munch, e ganhou dele de presente a pintura que hoje vale milhões, que sorte a dele não?

Uma mini galeria foi construída especialmente para abrigar a obra, onde ficou sob vigilância 24 horas/dia, atrás de cercar elétricas e câmeras filmadoras. Toda essa proteção faz sentido visto que duas das quatro versões da obra O Grito foram roubadas em museu, ambas foram recuperadas posteriormente.

A obra “O Grito” representa uma pessoa em grande angustia e desespero, onde na verdade representava o próprio estado de espírito de Edvard Munch, sua própria vida pessoal foi muito conturbada desde sua infância. Depois da morte da mãe e da irmã, cortou relações com o pai e dedicou-se exclusivamente a arte, mas acabou se envolvendo com uma mulher casada que lhe trouxe grandes transtornos e muita mágoa. Em 1890 sua querida irmã Laura foi internada em hospital psiquiátrico diagnosticada como bipolar.

Durante um passeio ao por do sol, viu o céu ficar rubro como sangue, havia línguas de fogo sobre o azul escuro do fiorde e sobre a cidade, seus amigos continuaram e só ele ficou ali, a tremer de angustia e ansiedade. – De repente senti o grito infinito da natureza. (Palavra de Edvard Munch)

Termos:

artistas suas obras de artes
obras e nomes de rego monteiro

Aldemir Martins – Pintor, Ilustrador e Escultor Brasileiro

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Sun, 10 Mar 2013 08:00:00 +0000

Aldemir Martins tem um importante legado técnico nas artes plásticas brasileiras em suaspinturas como paisagem e homem nordestino. Nascido em Ingazeiras, Vale do Cariri, Ceará, em 8 de novembro de 1922.

Por ter um talento nato, se destacou no colégio e foi orientador artístico de sua turma. Serviu o exército durante a segunda guerra mundial, sempre exercendo sua profissão no tempo livre, chegando a ser nomeado Cabo Pintor. Chegou a participar da criação do Grupo ARTYS e SCAP (Sociedade Cearense de Artistas Plásticos) juntamente com outros pintores, como Mário Barata, Antonio Bandeira e João Siqueira.

Sempre foi de um espírito viajante, e após mudar-se do Rio de Janeiro para São Paulo em 1946, na década de 60 morou em Roma. Mas por ser apaixonado pelo interior do Brasil, logo retornou.

Aldemir participou de diversas exposições nacionais e no exterior, com sua técnica de expressar várias formas, compreensão da pintura, gravura, desenho, cerâmica e escultura. Ele não recusava estar sempre inovando, e sempre estava surpreendendo por estar sempre experimentando. Usou diferentes tipos de superfície, como madeiras de caixas de charuto, papéis de carta, cartões, telas de linho, tecidos, fôrmas de pizza.

Com vibrantes e fortes traços, foi um artista brasileiro por excelência.

Seus temas mais presentes são seus peixes, galos, cavalos, paisagens, cangaceiros, frutas e gatos, transparecendo assim uma marca registrada onde se alcançava as cores, luzes e os traços de uma cultura.

Faleceu em 05 de Fevereiro de 2006, aos 83 anos, no Hospital São Luís em São Paulo. Veja abaixo algumas obras e quadros do pintor brasileiro:

O Flautista 1967 - Aldemir Martins

Natureza Morta 1981 - Aldemir Martins

Marinha 1976 - Aldemir Martins

Flor do Café 1960 - Aldemir Martins

Bananeiro - Aldemir Martins

Tomie Ohtake – Vida e Obras da Artista Brasileira

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Sat, 09 Mar 2013 08:00:00 +0000

Tomie Ohtake nasceu na requintada cidade de Kyoto, antiga capital do Japão, em 21 de novembro de 1913. Sua família tinha um bom nível social, e Tomie foi educada dentro dos padrões japoneses. O acesso a escola ocidental veio por meio do aprendizado do idioma Inglês e de esportes como basquete e Vôlei. Tomie Ohtake também adorava as aulas de natação. A pedido de sua mãe aprendeu a tocar piano.

Quando era adolescente adorava as aulas de arte e desenho, nessa época que se apaixonou pela pintura. Aos 23 anos de idade ela e seu irmão resolveram fazer uma viagem ao Brasil visitar seu outro irmão que já trabalhava em São Paulo. Não pode voltar ao Japão pois foi exatamente nessa época que o país declarou guerra a China. Assim, sua vida mudou, ela se casou com um amigo de seu irmão e se naturalizou brasileira. Nessa época Tomie pintava mas nunca pensou em seguir a carreira. Em uma viagem ao Japão para rever sua família, Tomie passou pela Europa e assim conheceu obras de pintores famosos, Assim voltou ao Brasil entusiasmada para começar a realizar seu sonho: ser Pintora.

Tomie começou a pintar e aos poucos simplificava cada vez mais as formas que via, eliminando detalhes, assim sua obra começou a se distanciar da realidade e caminhava para a abstração.

Tomie Ohtake fez sua primeira exposição no MASP, em 1957 e a Arte abstrata fazia parte de sua vida. Tomie Ohtake participou de várias Bienal da Arte e Recebeu muitos prêmios, um deles é o Itamaraty. A pintora agora já pintava sem fazer esboços, com movimentos livres e sem retoque.

Tomie, já variou os tons de uma mesma cor, acrescentando ora preto ora branco. O que é chamado de Monocromia. Em 1970, recortava papéis coloridos e fazia seus quadros. Tomie também se entusiasmou com técnicas de gravura e participou da bienal de Veneza de Litogravuras.

Tomie Ohtake também começou a fazer esculturas, nessas esculturas sua intenção é deixar as pessoas admiradas, pois os seus trabalhos são gigantes e até parecem que vão Cair!

Nos últimos anos Tomie tem sido uma referência e costuma afirmar: “A arte é minha vida”.

Obras:

Desenhando Leonardo Dicaprio Passo a passo

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Fri, 08 Mar 2013 09:00:00 +0000

Nesse passo a passo feito pelo Anildo, você verá uma ótima forma de desenhar no estilo realista, DESENHO REALISTA LEONARDO DICAPRIO. Aulas grátis passo a passo.

DRAWING REALISTIC LEONARDO DICAPRIO
Dibujo realista Leonardo DiCaprio
fonte: http://anildo-motta.com/desenho-leonardo-dicaprio/
Visite o site do artista: http://www.anildo-motta.com/

Revista Pintura em Tela Edição 38

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Thu, 07 Mar 2013 08:30:00 +0000

Passo a Passo Pintura em Tela: Índia Ianomâmi, nesse passo a passo tirado da revista pintura em tela edição 38, você aprenderá como pintar o rosto de uma índia de uma forma bastante interativa.

Como Desenhar Formas Humanas Básicas

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Wed, 06 Mar 2013 08:00:00 +0000

O desenho é um bom passatempo para todos, além de ser muito relaxante. Aqui vamos falar sobre como desenhar figuras básicas do sexo masculino e feminino, utilizando formas básicas.

1- Planeje seu desenho. Desenhe algumas linhas verticais e horizontais para planejar o seu desenho. O planejamento também é importante para a proporção. Meça a figura para ver quantas vezes a cabeça se encaixa na altura do corpo.

2- Desenhe algumas formas básicas para representar as partes do corpo usando um lápis. Círculos, retângulos, ovais e triângulos podem ser usados. Para variar as figuras humanas, você também pode usar diferentes tipos e tamanhos de círculos e elipses. Por exemplo, para desenhar um homem gordo, você pode usar uma elipse grande para seu corpo. Para desenhar uma menina pequena, você pode usar ovais pequenos, retângulos e círculos. Dependendo da sua imaginação e criatividade, você pode alterar ou usar diferentes tipos de formas para fazer seus desenhos parecerem engraçados ou estranhos.

3- Esboce os contornos levemente com um lápis. Esta etapa é importante, pois você precisa tentar fazer a sua figura ter uma forma realista e animada.

4- Coloque os detalhes do desenho - ou seja, roupas e acessórios. Você pode usar uma caneta para finalizar o desenho. Você também pode colocar suas roupas e cores desejadas.

Dicas

No início, você vai achar que é um pouco difícil desenhar uma figura bem proporcionada. Tente desenhar várias vezes. Você pode, eventualmente, melhorar seus desenhos.
Recomenda-se, ao começar, usar uma referência - talvez a partir de fotos de revistas, jornais, internet ou, se possível, uma pessoa real.
Os detalhes e as roupas podem indicar o tipo de cada indivíduo, seu caráter e suas profissões.
Para ajudar a obter a proporção certa, o corpo adulto médio tem sete vezes o comprimento da cabeça (isso inclui a própria cabeça), com a cabeça ocupando um, o torso ocupando 2-3 e as pernas ocupando o resto. Experimente! Você conseguirá perceber quando estiver correto.
Faça traços leves no início. Mais tarde, quando o seu desenho estiver correto, você pode desenhar sobre as linhas mais leves, usando um tom mais escuro.

Materiais Necessários

Lápis (2b 4b 6b)
Borracha
Caneta
Papel
Lápis de cor

A arte de Russ Mills.

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Tue, 05 Mar 2013 08:00:00 +0000

Russ Mills, artista, ilustrador e designer gráfico do Reino Unido. Trabalho memorável! Sua técnica única, mistura elementos gráficosmistos, fotografia e aquarela.

Russell Mills é um artista britânico que nasceu em Exeter , Devon , no Reino Unido, em 1952. Ele pinta, cria instalações multimídia, aparelhos de Cenografia e iluminação e já produziu capas de discos e capas de livros de Brian Eno , o Cocteau Twins , Michael Nyman , David Sylvian , Peter Gabriel , e Nine Inch Nails .

Como um artista, ele tem colaborado com diversos músicos, por exemplo, David Sylvian , Ian McCulloch e Peter Gabriel . Ele lançou dois CDs com o projeto de gravação Undark, um deles sobre o britânico ambiente etiqueta Em: Registros t .

Ele é Visiting Tutor no Royal College of Art . Professor Visitante na Escola de Arte de Glasgow e regularmente palestras em universidades no Reino Unido e no exterior.

Como desenhar mangá - Parte 1

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Mon, 04 Mar 2013 09:00:00 +0000

Esta todo em japonês, mas para quem desenha palavras são desnecessárias se observarem os exemplos. Espero que ajude a todos os visitantes! Se ajudou dá um Google + e compartilha no seu perfil de rede social como: Facebook – Twitter – Orkut ^_~

Como desenhar mangá - Parte 1

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Mirror: issuu.com/../how_to_draw_manga_1b

Pintura em Tela - Frutas

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Sun, 03 Mar 2013 08:00:00 +0000

Qualquer pessoa pode facilmente aprender a pintar e criar os seus próprios desenhos, basta usar a criatividade. E hoje vamos mostrar como desenhar no estilo natureza-morta - frutas, um passo a passo muito interessante pra quem quer aprender novas técnicas.

Créditos: Revista Mania de Arte Ano IV Nº10

Pintura em Tela - Antúrios

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Sat, 02 Mar 2013 09:00:00 +0000

Encontrei uma dica passo a passo do blog da Lili, e resolvi compartilhar aqui no nosso blog, são dicas da revista Flores em Tela edição 21, onde você terá a oportunidade de praticar a pintura de flores Antúrios.

Pintura em Tela - Copos de Leite

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Fri, 01 Mar 2013 09:00:00 +0000

Neste passo a passo você terá a oportunidade de pintar copos de leite, vale apena conferir.

Passo a Passo Pintura em Tela: Copos de Leite Coleção Mania de Pintar Ano III n°27

CLIQUE SOBRE AS IMAGENS PARA AMPLIAR

22 Dicas de pintura em tela para artistas iniciantes

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Thu, 28 Feb 2013 09:00:00 +0000

Olá Pessoal! Abaixo segue uma série de “Perguntas e Respostas”, especialmente para quem é pintor(a)de primeira viajem e que deseja se profissionalizar nessa área artística, mas não sabe como começar, aqui eu espero compartilhar com todos vocês um pouco da minha vida como artista plástico e professor profissionalizante de Pintura em Tela. Boa Leitura!

1- Eu estou iniciando o meu curso de Pintura em Tela, mas o(a) professor(a) só ensina paisagem na aula, devo mudar de ateliê?

Eu já fui crucificado várias vezes por isso, rsrsrs… Olha, é na paisagem que aprendemos a maioria dos movimentos de outras classes artísticas, as vezes no mesmo movimento que aprendemos pra fazer uma cachoeira de uma paisagem, a gente utiliza numa maçã de uma natureza morta… As rodadinhas (bambolê) que utilizamos muito para construirmos nuvens, podem utilizar também em diversas flores e até mesmo em retratos!

Eu usava e abusava com meus alunos do “Método Biônico”, desenvolvido por uma diva das artes paranaense, chamada Bia Moreira, na qual onde eu aprendi a dar os meus primeiros passos, já ouvi muitos professores criticarem porque acham essa técnica muito “Pintura em Tecido” ou que prende ao aluno num estilo regular, pois discordo totalmente, foi com esse método que consegui desenvolver minha criatividade e já vi muita gente desenvolver através dessa técnica também! A pintura tem que ser simples, o seu único segredo que não me canso de dizer é “paciência” mais uma “pitada de força de vontade”! Talvez o(a) seu(sua) professor(a) esteja usando essa técnica, converse mais com ele(a) sobre esse assunto, ok?!

2- Que tipo de verniz utiliza na tela em acrílico?

No mercado existem dois tipos de vernizes comuns: o Acrílico e o Geral. O Acrílico deixa um brilho leve, suave, ao contrário do Geral que é mais forte! O Acrílico pode ser dissolvido com um pouco de água, já o Geral, aconselho usar ele puro. Com 72 horas ele já está seco, dependendo da sua região. Pegar Sol e Chuva na tela é um veneno que deve ser evitado sempre!

3- Pode se misturar tinta acrílica com tinta a óleo?

Não. Porque isso seria a mesma coisa que você tentar misturar água com óleo.

4- Qual é o tamanho ideal para começar a pintar em Tela?

De 80X60 á 90X70. Porém essa é uma opinião pessoal, não é regra! Eu usava essa numeração com os alunos porque é um tamanho de médio para grande, dar para treinar muito os movimentos com o braço, não procure tamanho escandalosos que pode lhe frustrar na primeira tela, já os tamanhos pequenos demais como 30X30, 30X25, 20X20, pode até dificultar no desenvolvimento de alguns movimentos. Com uma tela de tamanho médio, você poderá viajar melhor na sua pintura, sem falar que o resultado final é muito satisfatório.

5- Pode colocar vidro na tela quando a gente vai emoldurar?

Não, porque o verniz já serve pra proteger de muitas coisas, além de brega, o vidro pode dar até um aspecto de que você comprou a tela numa loja de importados, srsrsr… Existem casos e casos, por exemplo, se for uma pintura em papel, tudo bem, nesse caso, um vidro é bom!

6-Tenho uma filha de 5 anos, que dar algumas pinceladas nas tela . Em que posso ajudá-la a desenvolver na pintura?

Tem um artigo nesse site sobre Pinturas para Crianças. Deixe ela a vontade, no dia que não quiser pintar tudo bem, mas antes de passar pra a tela, faça alguma pinturas simples em cartolina e peça para que ela possa acompanhar,tipo passo-a-passo, treine alguns movimentos (vai-e-vem,bambolê, ventania… adoro a Bia Moreira,rsrsr…) ou você pode dar outros nomes a esses movimentos, sempre elogie a pintura da criança, isso é importante! Peça pra os seus amigos e familiares também elogiar!!! Só comece na tela quando ela estiver mais segura, iniciar com paisagens simples, algumas flores como tulipas e copos de leites, também são perfeitas!

7-Como perder a insegurança para pintar?

Bom, não só aqui, mas também por e-mail vejo com muita freqüência o pessoal me perguntar isso: “como fazer para perder a insegurança na hora de pintar?!” Isso tudo depende apenas de você, se estás começando a pintar agora, e seguindo o estilo copista, ou seja, pintando por outra figura ou revista, é super importante que você procure saber com o seu professor se a tal figura está no seu nível de dificuldade.

Se você for autodidata e está começando agora em casa, a dica é que observe bem e tente, numa folha de papel ou numa cartolina, estudar alguns movimentos que foram surgidos, por exemplo, se você for pintar uma vegetação, tente reproduzir o movimento das batidinhas nessa folha antes de passar pra tela, isso vai aliviar muito a sua tensão. Outra dica para quem tem professor e quer perder o medo, pinte sozinho em casa, reproduza o que foi passadas em sala, várias vezes em casa, isso vai lhe tornando uma fera no domínio das técnicas.

8- Qual é o estilo de flores mais fácil para pintar?

Para os iniciantes, a minha sugestão é: Antúrios, Copos de leite e Tulipas. As hortênsias podem parecer fácil para quem nunca pintou, mais exige um pouco de técnica sim, elas iludem bastante. A “Rosa” é um bicho de sete cabeças sim, não vou mentir para vocês, principalmente aquelas que são bem detalhadas com muitas pétalas, estilo Douglas Frasquetti, para quem nunca pintou é um pouco arriscado. Não indico também as orquídeas.

9-Quero fazer uma exposição, qual é o melhor local?

Cada artista tem seu estilo de receitar uma exposição, mas em algumas situações todos concordam: Escolha um espaço bem movimentado, estilo, shoppings, bancos, fóruns, universidades, órgãos públicos, etc., digo assim, se por acaso na sua cidade não tiver uma galeria específica. Exponha no mínimo 10 telas, tamanhos parecido (nada de colocar uma 15X15cm, perto de uma de 1,00 X 2,00m), especifique em cartões(plaquetas) as informações sobre a tela, tipo, título, diâmetro, técnica utilizada, preços etc., para obter um bom sucesso na exposição divulgue ao máximo!!! Não se preocupe em gastar muito com coquetéis e específicos, encher a pança de barão nem sempre traz bons frutos!!!

10 – Numa exposição é falta de ética colocar uma placa avisando: “Por favor não tocar nas telas”?

Olha, isso vai depender do local onde você está expondo. Se for numa galeria apropriada, creio que a maioria das pessoas que visitarão a sua exposição, já seja do meio artístico ou acostumado a freqüentar esse tipo de evento, creio que elas não pagarão esse mico, hehehehe… (apesar de que sempre tem um que dar mancada). Em lugares movimentados como shoppings e bancos, seria interessante sim, porque infelizmente, pelo menos aqui no Brasil, muitas pessoas não foram educadas e se comportarem nesses locais. Lembrei de uma vez que uma mulher chegou numa tela minha, de umas flores, ela além de tocar na obra, ainda cheirou para saber se elas emitiam alguma essência floral, rsrsrs… Tem gente pra tudo!!!

11- Como fazer o movimento bambolê na pintura?

Para quem está se perguntando que “movimento é esse?”, assim é chamado porque ele fica fazendo giros com o pincel, muito usado para fazer fundos de natureza-morta, céus, montanhas, frutas, flores, até mesmo figuras humanas, pelo o que eu sei assim foi denominado pela a artista plástica paranaense Bia Moreira, uma mulher super talentosa que considerei um dos meus espelhos artísticos no começo da minha carreira. Esse movimento exige muita precisão e leveza na mão, de preferência procure fazer com um pincel redondo, até mesmo uma brocha, dará um efeito muito bom, uma coisa que acontece comigo pra dar um efeito bem esfumaçado, eu coloco um pouco de força na mão nas primeiras giradas, depois disso vou afastando o pincel no mesmo local, isso me ajuda muito na mistura de cores.

12- Dar para aprender alguma coisa assistindo esses DVDs que vendem na internet e em banca de revistas?

Olha, eu não posso responder por todos, mas o meu melhor aprendizado que tive na vida, além da prática (é praxe), foi observando muitos artistas a pintarem. Nesses DVDs, eu adquiri muita experiência pedagógica, especialmente teórica, como professor de pintura em tela profissionalizante, digo que o ruim deles é porque não temos o artista 24hs a nossa disposição, para tirar dúvidas como um professor em aula presencial, mas sempre procure ver imagens o ler o conteúdo antes de comprar o DVD, pra ver se a didática que o artista está passando supre as suas necessidades, ok?!

13- O verdadeiro artista á aquele que cria?

É lógico que sim, rsrsrs… Embora eu também considero muito a técnica que ele usa, eu sou muito abusado e um pouco ante acadêmico nesse aspecto, digo isso por mim, amo estudar, aprender e criar novas técnicas, nem que eu tenha que copiar um passo-a-passo de um artista de revista, depois que eu adquiro segurança com ela eu automaticamente vou para o segundo estágio, que é de criar algo com essa tal técnica que aprendi! Sinceramente não gosto de ver seboseira, sou contra qualquer pessoa que joga um tubo de tinta numa tela e já se diz um artista, é igual o macaco que passava na novela (apesar de que eu gostava muito das telas dele, srsrsr), para mim a pintura tem que ser clara e objetiva pra quem está vendo, mesmo que seja abstrata, vanguardista e pós-moderna, ela precisa ter alma.

14- Eu gostaria de fazer um auto-retrato, mais ainda eu não muita segurança, o que fazer?

Estude anatomia. A base de uma pintura clássica e realista perfeita, está sempre na construção de um ótimo desenho, depois disso o próximo passo é dominar a mistura de cores e a separação de luz e sombra, pratique muito que o tempo lhe trará bons resultados.

15- Eu não tenho professor, eu sou autodidata, eu queria saber como posso ter segurança na pintura?

Essa é bem parecida com o tópico acima, relaxe e pratique que o tempo lhe trará bons resultados, leia mais sobre pintura, veja vídeos, visite galerias e vernissages, converse mais com quem entenda do assunto.

16-Qualquer pessoa pode pintar?

Bom, desde que ela tenha muita força de vontade ou que não tenha algum problema que impossibilite de utilizar os materiais, sim!!! Não existe idade certa pra começar a pintar, é claro que as crianças têm mais facilidade de aprender qualquer arte por estar em desenvolvimento, mas a pintura não escolhe idade, raça e nem sexo, basta apenas ter paciência e como citei antes “muita força de vontade” mesmo! Já vi milagres acontecer nos meus cursos, inclusive me considero “um” também!

17-Depois que eu entrar em algum curso de Pintura, em quanto tempo estarei pintando bem, em tela?

Olha… Isso é algo relativo, onde só você mesmo irá descobrir, por favor, nada de ficar tirando o juízo do professor, porque você ainda não conseguiu pintar do jeito que você quer ou de chegar em casa chateado porque o seu colega de turma já está pintando a árvore “melhor” do que você, não é bem assim que a coisa funciona, quantidade de telas produzida num curso não indica qualidade, se bem que cada um tem o seu caminho artístico que irá descobrindo-se com a prática, que pode vir logo ou demorar anos, o importante é você praticar e praticar!!! É claro que, as pessoas quem tem um certo conhecimento em desenho artístico irá se sobressair bem melhor do que aqueles que nunca fizeram o “zé bolinha” na vida, mas isso também não é absoluto, já vi muita gente fera no desenho se estressar com os pincéis e também muita gente que nunca pegou no lápis, dar um show na pintura!!!

18-Existe algum segredo pra Pintar bem?

Já foi dito lá em cima: Paciência com Força de vontade (99%) + Técnica (1%)= SUCESSO (isso não só na pintura, mas em qualquer profissão!)

19-Como escolher um curso de Pintura certo?

Isso aí vai depender de que objetivo você pretende alcançar… Existem cursos hoje para tudo, só para se especializar em flores, paisagens, natureza morta, retrato, abstrato etc., ou nos estilos mais acadêmicos e vanguardistas, se você nunca pintou, comece sempre pelo o “curso inicial”, de preferência, algum curso que tenha no mínimo 2h (duas horas) de duração por dia, pratique em casa, e nunca deixe o seu professor fazer mais do que você na sua tela, isso irá lhe frustrar futuramente, sem falar que lhe atrasará bastante em conhecimentos, você poderá deixar de aprender técnicas maravilhosas, o professor está ali apenas para orientá-lo e não para pintar por você!

20-Como escolher um bom professor de pintura?

Esse é o mais complicado de responder, porque cada um tem uma técnica diferente, um estilo, metodologia prática e teórica, mas se puder conheça antes os trabalhos do artista, e o principal: NUNCA deixe o professor pintar mais do que você em sua tela, lembre-se: a tela é sua! Juro que sem a minha professora eu não tinha chegado 50% da minha formação, ela me deu muito valor moral, nas aulas eu fazia de tudo para me destacar, isso foi conquistando ela e formamos um laço de amizade incrível! Nunca diga a seu professor que está ali só pra fazer uma tela pra sua “sala” ou “cozinha”, é mesmo que dá um tiro ou uma facada nele! Procure agradar sempre o seu professor, pois trabalhar com pintura é trabalhar com sentimentos e, nem todo dia é dia de sol para ele e você, aprenda a amar o seu colega de classe, saiba dividir o seu material com quem precisa e for responsável, elogie os trabalhos dos seus colegas, interaja sempre com a turma, faça da sua turma a melhor do curso!

21- Eu gostaria de começar a pintar mais não tenho professor para me orientar, posso arriscar sozinho?

Claro que pode sim!!! Alguns acadêmicos aconselham iniciar a pintar sozinho, eles dizem que é assim que se faz um artista completo, mas eu discordo em parte, um professor ajuda e muito a lhe esclarecer muitos fantasmas que estão presos em sua cabeça, sem falar que são eles que passam uma segurança para a gente quando estamos pensando em desistir de pintar, procure pintar sozinho em ultimo caso, se estiver entrando num curso de pintura, não hesite em aprender os princípios básicos da pintura, aliás, na construção de uma casa não começamos pelo o teto, concordam?!

22- Qual é a melhor maneira de fabricar uma tela? É mais barato do que comprar pronta?

Isso depende da sua região, na minha, por exemplo, um chassi pronto em uma loja de artesanato ou numa papelaria sai até 10 vezes mais caro do que fabricar artesanalmente em casa. Eu geralmente compro a um marceneiro o chassi, e estico o “algodãozinho Bahia”(ou médio), com um grampeador profissional (aqueles de grampear sofá, os Rocamas) com grampos de referência 106/6. Depois passo duas demãos de tinta acrílica ou látex na tela, uma na vertical e outra na horizontal e fica durinho pra pintar o que eu quero. Mas observem, os chassis tem que ter uma ladeirinha no lado que você vai pintar o tecido, se não, isso poderá marcar a sua pintura.

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Os misteriosos e gigantescos desenhos de Nazca

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Wed, 27 Feb 2013 09:00:00 +0000

Se você não ouviu falar deles ainda, vai achar no mínimo curioso

Estes misteriosos desenhos a qual vos refiro (os geóflifos), foram feitos entre os séculos III a.C e VIII d.C. sobre o solo peruano. Cada um deles representa uma imagem da natureza, como macacos, aves e répteis, entre outros animais, que segundo os arqueólogos, foram feitos pela etnia nazca. Os maiores desenhos chegam a medir mais de 200 metros de diâmetro, que variam de formas simples a outras mais complexas.

Os arqueólogos que os descobriram, defendiam que estes desenhos teriam sido criados com uma finalidade religiosa; já os ufólogos, defendiam a tese de que estes desenhos teriam sido criados por entidades e civilizações extraterrenas.

O que mais impressiona nestes desenhos, é a maneira que suas linhas foram traçadas, pois a maioria deles apresentam linhas com extrema precisão; e o mais intrigante (principalmente para quem sabe desenhar), conseguiram traçar linhas do solo; mesmo não possuindo uma boa visão de todo o desenho (o que seria possível unicamente do alto) para saber o percurso correto de cada linha e assim tudo ficasse tão alinhado, como ficaram nos desenhos realizados. Se naquela época já existisse GPS tudo bem.

Muito se discute sobre a forma que foram feitos estes desenhos; mas ainda não se chegaram a uma verdadeira conclusão. E você, o que acha desta história? Comente abaixo e nos deixe a sua opinião.

Mauricio de Sousa e filha anunciam comemoração de 50 anos da Mônica

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Tue, 26 Feb 2013 20:59:00 +0000

Revista, livro e bonecos 'retrô' de Mônica e Sansão saem em 2013.
Personagem inspirada na filha surgiu em 1963 em tira do Cebolinha; veja.

Mauricio de Sousa e sua filha, Mônica, participaram nesta terça-feira (26), em São Paulo, de uma entrevista coletiva para anunciar uma série de eventos e produtos comemorativos dos 50 anos da Mônica. A personagem surgiu em 3 de março de 1963, em uma tira do Cebolinha (veja abaixo imagem da tirinha), antes de tornar a figura principal da série de quadrinhos.

Publicações especiais, exposições, espetáculos e novos produtos como versões "retrô" de bonecos da Mônica e do seu coelhinho, Sansão, saem em 2013.

Primeira aparição da personagem Mônica, em tira do Cebolinha de 3 de março de 1963 (Foto: Divulgação / Mauricio de Sousa Produções)

"Vamos depender também bastante do público [na comemoração]. O pessoal das redes sociais pode sugerir novas ideias e novas comemorações", disse Mauricio de Sousa, criador dos quadrinhos, durante a entrevista coletiva.

Mônica, inspiradora da personagem, que hoje trabalha na Mauricio de Sousa Produções, falou sobre a sua relação com a figura dos quadrinhos. "Quando entrei na escola, meu pai chegava e pediam para desenhar, principalmente a Mônica, e eu percebi a importância da personagem. Na pré-adolescência eu não gostava de ser a Mônica. Eu queria ser bonitinha, mas era baixinha, gordinha, dentuça. Depois eu assumi a personagem e amo ter sido a inspiradora dela."

Foto de Mônica, filha de Mauricio de Sousa, quando criança, e os primeiros esboços da personagem (Foto: Divulgação / Mauricio de Sousa Produções)

Uma revista especial de aniversário está prevista para chegar às bancas no dia 1º de março. Um livro com todas as capas da Mônica também será lançado em 2013.

Um espetáculo teatral de 1978, "Mônica e Cebolinha no mundo de Romeu e Julieta", será remontado e lançado em abril no Teatro Geo, em São Paulo. As roupas da peça são assinadas pelo estilista Fause Haten.

Também serão comemorados os 50 anos do Sansão, coelho de pelúcia da personagem Mônica. Artistas foram convidados para recriar a imagem de Sansão, com imagens em exposição no Memorial da América Latina, em São Paulo. A exposição já está aberta e fica em cartaz até o final de abril. Será lançado um Sansão de pelúcia amarelo – cor original do coelhinho nos primeiros quadrinhos coloridos.

Boneco de pelúcia do Sansão, o coelhinho da Mônica, em versão amarela, como era desenhado nos primeiros quadrinhos, será lançada em edição especial em 2013. Ao lado, a versão azul do coelho, das histórias atuais (Foto: Divulgação / Mauricio de Sousa Produções)

Uma grande exposição interativa, com originais das histórias, que vai contar toda a história da personagem, também será realizada até o fim do ano, em um grande museu de São Paulo, segundo a empresa, que ainda não revelou as datas e o local.

Selos postais da Mônica serão lançados em parceria com os Correios, além de outros produtos especiais, como a boneca "retrô" inspirada nos primeiros desenhos, e aplicativos para redes sociais.

Boneca da Mônica 'retrô', um dos produtos comemorativos de 50 anos da personagens a ser lançado em 2013 (Foto: Divulgação / Mauricio de Sousa Produções)

Na TV, será realizado o "mês da Mônica" no canal Cartoon Network, em março, com programa especial e pílulas de conteúdo comemorativo. Também será lançamento do deesenho Turma da Mônica Toy, com personagens repaginados e sem diálogos.

Colorindo com Lápis de Cor

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Tue, 26 Feb 2013 14:23:00 +0000

Olá, bom dia para todos. :)

Venho trazendo hoje apenas umas pequenas dicas para quem quer colorir usando lápis de cor, pois muita gente já me perguntou como faço para colorir meus desenhos só usando este material e adquirir um bom resultado.

Primeiramente, eu prefiro colorir com lápis de cor, assim como desenhar tudo manualmente, porque me sinto mais livre e consigo controlar melhor o resultado do desenho. E porque tenho certa preguiça de fazer digitalmente. =p

Embora eu já saiba colorir um pouco digitalmente, acho mais fácil fazer à mão, acho que por já estar acostumado depois de tantos anos.

Enfim, vamos ao que interessa. Ah, quanto à marca do lápis de cor, sempre que pedem uma recomendação minha, eu sugiro os da Faber-Castell, porque gosto da textura deles.

Um erro que muita gente comete logo no começo é pressionar o lápis no papel com muita força e pintar todo o desenho com sem controlar a intensidade. Por causa disso, a pintura fica com uma aspecto muito riscado de irregular. Deste jeito:

O jeito certo é começar pintando beeem fraco pequenos espaços de cada vez (sim, tem que ter paciência), até completar toda a área que você queria colorir. E sempre pintar riscando em direções diferentes, prestando atenção para que a textura fique homogênea. Não se preocupe com sombras agora, elas vem só depois. Primeiro pinte bem de leve e, aos poucos vá reforçando o traçado (mas nunca pintando com força. o traçado é reforçado, mas ainda pintando levemente), para que a cor fique mais evidente, sempre prestando atenção se a textura não está irregular.

Eis um exemplo de pintura homogênea:

Aí você pode dizer que, mesmo não tendo ficado com uma aparência riscada, ainda ficou meio irregular, com vários pequenos espacinhos brancos. Sim, sempre que se pinta com lápis de cor estes espacinhos estarão presentes no final. E não tem como se livrar deles? Para a sua alegria, há um jeito, sim. Pelo menos é o jeito que eu sei =p

Sabe aquele lápis de cor branco que você acha que não serve para nada, justamente por ele ser branco? Pois é, finalmente chegou a hora de usá-lo.

Você vai usar o mesmo processo que usou com os demais lápis. Pintar aos poucos espaços pequenos e com uma pressão bem fraca, indo reforçando aos poucos. Porém, você vai fazer isso POR CIMA das partes que você já pintou.

Por quê? Porque o lápis branco "arrasta" as camadas colorido por cima daqueles espacinhos brancos, criando uma aparência ainda mais uniforme. Mais ou menos assim:

Só recentemente descobri que está técnica se chama "polimento".

Para as sombras, basta pegar um lápis de cor da mesma cor que você pintou (ou de um tom mais escuro da mesma cor) e pintar com mais força (porém, delicadamente) as áreas em que há sombra.

Se ainda não estiver satisfeito com a sombra e quiser mais escuro, basta usar o lápis de cor preto e ir pintando inicialmente bem fraco e ir aumentando a pressão aos poucos até que a sobra atinja o tom que você deseja.

E quando, por exemplo, um personagem tem um tom de pele que não está entre nenhuma das cores de lápis de cor que tenho disponível?

Bom, aí basta misturar as cores. Do mesmo jeito que se pinta com o lápis branco por cima, você precisa pintar cores por cima de outras para adquirir novos resultados. Nesta situação é questão de tentativa e erro. Mas lembre sempre de pintar com a cor da pele padrão e depois pintar com uma segunda cor por cima que é mais próxima da cor da pessoa, seja amarelo, marrom, laranja, rosa, etc. Lembrando de sempre pintar com o lápis de cor branco por cima de tudo depois para ficar homogêneo.

Ah, quanto à cor da pele normal, uma dica para as sombras é usar o laranja (não em excesso) misturado com as sombras da sua pintura mais forte com a cor da pele. No desenho acima eu utilizei esta dica.

Ah, quase ia esquecendo, há algo muito legal para usar na pintura à lápis de cor que deixa o desenho com um visual bem bonito.

É o degradê.

O que é degradê? É aquela mudança de tons de uma cor. Por exemplo, vejam o céu na figura acima. Ele começa com um azul forte em cima, e, conforme vai descendo, o tom vai ficando mais claro. Isso é um degradê, essa passagem harmoniosa que houve do tom mais forte para o mais fraco. O mesmo houve com a s colinas ao fundo da imagem.

Para isto precisa ainda mais paciência. Porque a transição do tom forte para o fraco é feito bem aos poucos, sendo sempre necessário observar se não há nenhuma área onde a passagem está súbita demais. Tal artifício deixa o desenho mais bonito e elegante.

Para fazer, basta começar com a camada fraca de sempre e ir aos poucos reforçando a camada que deseja ser mais escura.

Bom, estas foram as minha dicas para quem deseja colorir seus desenhos de forma tradicional, com o lápis de cor.

Para quem estiver interessado, tem uma sequência de videos que exemplificam as coisas que falei:

E é isso, pessoal. Boa sorte nos desenhos. Até a próxima :)

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EDIT:

Mais alguns exemplos meus do que é possível fazer com lápis de cor:

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EDIT 2

Graças à Laís Sayuri, leitora do blog e minha amiga, apresento a vocês mais detalhes sobre variações da técnica de pintura em lápis de cor.

Vejam a seguir e divirtam-se:

Até mais e bom treino. :)

colorindo lapis de cor http://izu07.blogspot.com.br/ iniciantes

Belíssimas aquarelas.

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Wed, 06 Feb 2013 13:40:00 +0000

Hoje quero mostrar para vocês, alguns trabalhos belíssimos feitos em aquarela pela artista americana Mary Whyte. Sei que irão adorar!!!

Através de suas aquarelas, Mary eterniza momentos de vida, cheios de ternura e sentimento!

Pinturas de Alexei Antonov

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Fri, 26 Oct 2012 12:28:00 +0000

Alexei Antonov apresenta sua coleção de pinturas a óleo e desenhos. Tendo estudado arte na Rússia, Azerbaijão e Itália, Alexei vive em os EUA desde 1990. Seu principal objetivo na vida é promover a ecologia da Cultura , mais especificamente, no visual art.

Como fazer uma tirinha

noreply@blogger.com (Robson Salu) — Tue, 09 Oct 2012 23:51:00 +0000

Neste vídeo, como fazer uma tirinha com o ilustrador Ronaldo Barata, você acompanha todo o processo de produção de uma tira, desde a idéia até a finalização no photoshop. Lembre-se que a prática é fundamental para se aprender a desenhar, então, assim que terminar de assistir ao vídeo comece a desenhar. Aproveite o vídeo:

dicas tirinhas desenhar aprender como fazer

Desenhando o Corpo Humano

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Mon, 08 Oct 2012 14:45:00 +0000

Estudo das Proporções do Corpo Humano

Boneco Manequim de Madeira

O estudo e o desenho do corpo humano devem seguir algumas regras.

Primeiro será preciso dividir o seu desenho em oito partes iguais. Para entender melhor, esta divisão terá como proporção a cabeça humana. Portanto, o desenho do seu corpo humano, terá o tamanho igual a oito cabeças ou oito partes iguais.

Início do Estudo do Desenho do Corpo Humano (Fizemos os desenhos na sala de aula)

Os quadris ficarão na metade do corpo.

As mãos terminarão mais ou menos na metade da coxa.

O tronco e as pernas terão o tamanho de quatro cabeças.

E os joelhos dividirão as pernas ao meio.

Colocando “carne” no esqueleto humano

Corpo humano em movimento (Diário Gráfico – Renato Alarcao)

(retirado do Blog de Leida Nogueira)

Corpo Humano em Movimento

O estudo feito por Leonardo Da Vinci é muito importante para a representação do corpo humano. Ele estabelece relações entre as medidas de cada uma de suas partes.

Bom Divertimento!

Inspiração: Dez Artistas que Você Precisa Conhecer #1

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Thu, 04 Oct 2012 18:42:00 +0000

Pra quem gosta de apreciar o trabalho de grandes profissionais, aí vai mais uma coleção dos melhores entre tanta coisa espalhada pelas comunidades artísticas e que vou encontrando nas minhas navegações. Inspire-se e pratique muito; quem sabe "a gente" ainda chega ao nível deles? A gente entre aspas pois eu não chegarei jamais =(

Nessa edição, atenção especial a "Maple", meu preferido da vez, um trabalho finíssimo da artista chinesa conhecida comoLoveldSunmomo. Veja também um pouco de design para moda (estampas) e propaganda com Flying Mouse, o grafismo do veterano Russ Mills, o obscuro e refinado de Jeff Simpson, fantasy art com Wenjuinn Png, e mais...

Para ver as artes em alta resolução, confira os links para as galerias/blogs de cada autor.

loveldsunmomo (China)

CGHub
Blog

Maple

Dragon Loli

Chow Hon Lam aka Flying Mouse (Malásia)

Behance
Blog

Speed Up With AIR

So Long my Friend

David Fuhrer aka Microbot (Suíça)

deviantART
Site/Portfólio

Planet Aden Circle

Christmas 2350

Russ Mills (Reino Unido)

Behance
Site

Tigris

Planet Caravan

Jeff Simpson (Canadá)

deviantART
Site

Snow White and the Hunstman

The Little Mermaid

Jon Reinfurt (EUA)

Site
Behance

Chipwich Harvest

Runner's World

Andreas Preis (Alemanha)

Site
Behance

Alive - Protect

What i Did Last Months

Wenjuinn Png (Malásia)

CGHub
deviantART

Ms. Gunner

Goldilocks Kill Zombies

Kerem Beyit (Turquia)

CGHub
deviantART

Kvaltigar and Wintermaw

Out of Blue

Charis Tsevis (Grécia)

Behance
Site

Turkey 2010 Basketball World Championship

iPad and the wired (and wireless) future of media

Organizado por DANIEL LEMES

Algo que todo artista deve saber!

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Thu, 04 Oct 2012 18:24:00 +0000

Bom, o texto abaixo sem sombra de dúvida vai ajudar a todos os amantes de arte, e no seu dia-a-dia. Em muitos vai aliviar o peso que carregam a cada novo desenho que fazem e, em outros, servirá de advertência do que não deve ser feito, ou melhor, o que não se deve criar em sua cabeça.

Perfeccionismo

Adaptado do metodo Julia Cameron.

Vale chamar o perfeccionismo de “O punhal da atitude perfeccionista na arte”.

Você poderá chamá-lo de outra coisa qualquer! Talvez você prefira chamar a atitude perfeccionista de "fazer a coisa certa" ou ''corrigir antes de errar demais".

Mas deveríamos estar chamando esta postura, simplesmente de PERFECCIONISMO.

O perfeccionismo não tem nada a ver com fazer a coisa certa. Não tem nada a ver com corrigir. O perfeccionismo é a recusa de permitir o próprio avanço. É um círculo, um sistema fechado, obsessivo e debilitante que faz com que você fique bloqueado em detalhes do que está fazendo, perdendo a visão do todo.

Em lugar de criar livremente e permitir que os erros se revelem posteriormente como visões críticas, frequentemente nos prendemos a corrigir os detalhes.

Corrigimos a nossa originalidade transformando-a em uniformidade que carece de paixão e espontaneidade.

NÃO TEMA OS ERROS. ELES NÃO SÃO NADA.

O perfeccionista se fixa em uma única linha do poema, até achar que nenhuma linha está correta. O perfeccionista refaz a linha do queixo de um retrato até rasgar o papel. O perfeccionista escreve tantas versões de uma cena que nunca chega ao final da peça. O perfeccionista escreve, pinta, cria, com um olho no seu público.

Em lugar de desfrutar o processo, o perfeccionista está sempre classificando os resultados.

O perfeccionista casou-se com o lado lógico do cérebro. O seu "crítico /juiz", reina supremo nos seus domínios criativos.

Uma passagem brilhante de prosa descritiva é criticada com uma abordagem de lente de aumento:

- "O que você acha desta vírgula?".

É Assim que se escreve?"

- "O que você acha desta sombra?

É deste lado que está a luz?".

- "Você poderia fazer melhor...".

Para o perfeccionista não existe primeira versão, rascunhos, exercícios de aquecimento. Todos os rascunhos terão que ser versões finais. Perfeitas. Lavradas na pedra!

Em meio a um projeto o perfeccionista decide começar tudo novamente.

Refazer para ver aonde vai dar. E aonde vai dar?

- "Em lugar nenhum, muito rapidamente!".

O perfeccionista nunca está satisfeito. O perfeccionista nunca diz: -"Isto está muito bom. Acho que vou continuar assim!".

Para um perfeccionista sempre há espaços para melhorias.

O perfeccionista chama isto de humildade. Na realidade é egotismo. É o orgulho que desperta o desejo de fazer perfeito.

O perfeccionismo não é uma luta em prol do melhor. É uma busca do pior dentro de nós mesmos; da parte que nos diz que nada do que fazemos será suficientemente bom, que deveríamos tentar novamente.

NÃO. NÃO DEVEMOS!

Lembre-se:

"Tudo o que fazemos nunca estará terminado. Simplesmente paramos em lugares interessantes!"

Está é a parte normal da criatividade:

RELEVAR.

Pirografia.

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 21 Sep 2012 20:34:00 +0000

A palavra pirografia é de origem grega e significa “escrita à fogo”. Cogita-se que a pirografia foi a primeira manifestação artística humana, já que a humanidade descobriu o fogo há mais ou menos dez mil anos. É uma forma de arte primitiva, ancestral, nos remete aos antepassados, existindo como um inconsciente...

Ninguém fica indiferente à pirografia. A história da pirografia é tão antiga, que a palavra antropologia pode ser utilizada. Está diretamente ligada à história do fogo. O fogo fascina a humanidade há milhares de anos. Foi onde a humanidade encontrou o poder para moldar a natureza à sua vontade. O fogo foi utilizado como proteção, na caça, como aquecimento.

Quando aprendeu a cozinhar, o homem pré-histórico se tornou gourmet. Além de tudo isso, o homem pré-histórico ainda desenhou nas paredas das cavernas com carvão. (Arte Rupestre)

Este tipo de desenho foi a primeira manifestação artística da humanidade e pode ser chamada de pirografia.

Mas a grande revolução desta arte ocorreu na Idade dos Metais, quando o ser humano dominou a criação de ferramentas metálicas. E foi só na Idade Média que esta arte floresceu.

Na Europa, por volta de 1600, nas tabernas, homens colocavam fogo em lareiras e utilizavam uma ferramenta para acomodar as brasas e a lenha. Essa ferramenta aquecia e em brasa era usada para decorar as mesas e paredes de madeira da taberna e por ser chamada de “poker”, deu origem ao termo “poker art” ou “poker work”.

O primeiro trabalho impresso sobre pirografia data de 1751, publicado na Inglaterra. Atualmente há em museus da Europa, aparelhos utilizados no Século XIX, onde principalmente mulheres aqueciam vários “pokers” com carvão, para realizar trabalhos mais detalhados e finos. Até esta altura, os “pokers” eram de ferro, era necessário envolvê-los em panos ou papéis para segurá-los. Depois de algum tempo, apareceram “pokers” com cabos de madeira, que rapidamente invadiram todos os utensílios que aquecem, como ferros de passar, ferros de soldar, etc...

No final de 1800, o benzeno era o combustível predominante. Um sistema de pirografia foi criado com uma garrafa e duas mangueiras de borracha. Através do bombeamento de um atomizador (como os utilizados por perfumes) o artista conseguia manter a caneta aquecida mais tempo. Nessa época, também chamada de Era Vitoriana, a pirografia floresceu na Europa e nos Estados Unidos, tornando-se uma arte popular. Alguns dos trabalhos do inventor deste sistema de pirografia ainda podem ser vistos no Smithsonian Institute, em Washington.

Finalmente o advento da eletricidade veio facilitar muito o trabalho do artista pirogravurador. Os primeiros ferros de soldar elétricos foram utilizados com sucesso para a pirografia. Mas, em 1916, houve a primeira patente para o “Hot Point Pen” (ou caneta de ponta quente). O fio que levava energia para a caneta passava por um reostato, que controlava a intensidade da corrente, dando ao artista a variação de temperatura, tão necessária para os efeitos de luz e sombras... Teve início a pirografia realista. Trabalhos impressionantes foram criados, podendo ser vistos ainda hoje.

A pirografia também fez um enorme sucesso na decoração de cabaças. Neste quesito, há uma ligação subliminar entre a pirografia e a decoração de objetos, principalmente cabaças... Afinal, essa arte é praticada há milênios.

Abaixo, alguns exemplos de trabalhos do artista: Juan Carlos Gonzalez

Fonte:

http://pt.wikipedia.org/wiki/Pirografia

A tradicional arte chinesa feita com pregos

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 21 Sep 2012 00:09:00 +0000

Utilizando uma pistola de pregos o artista Chen Chun-Hao cria belíssimas paisagens no estilo da tradicional arte chinesa

O artista dispara pregos sobre uma lona, criando o efeito das tradicionais pinturas de paisagens chinesas, do século XI.

A proximidade dos pregos criam uma aparência de sombra, e assim, na medida que os pregos se encontram distantes, os tons mais claros vão aparecendo. Vendo-os de lado, a aparência metálica e os nuances dos pregos vão surgindo.

São necessários cerca de 750 mil pregos para o artista reproduzir as obras de grandes mestres com perfeição.

Imagens de estudos: Crânio Frontal e Lateral

noreply@blogger.com (Antonia Alves) — Wed, 19 Sep 2012 22:57:00 +0000

Imagens do crânio para estudos, essas ilustrações podem servir de exemplos para um trabalho bem aprimorado ou simples dependendo da dedicação da pessoa. Digo que o treino é a forma mais concreta de se aprender então mãos a obra...

Arcas de Arte

Cerâmicas assustadoras de Big Duluth

O Grito – Quadro mais caro a ser vendido em leilão de Arte

Termos:

Aldemir Martins – Pintor, Ilustrador e Escultor Brasileiro

Tomie Ohtake – Vida e Obras da Artista Brasileira

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Como desenhar mangá - Parte 1

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Os quadris ficarão na metade do corpo.

As mãos terminarão mais ou menos na metade da coxa.

O tronco e as pernas terão o tamanho de quatro cabeças.

E os joelhos dividirão as pernas ao meio.

O estudo feito por Leonardo Da Vinci é muito importante para a representação do corpo humano. Ele estabelece relações entre as medidas de cada uma de suas partes.

Bom Divertimento!

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