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RECENSIONE Breve trattato sulle coincidenze

2022-06-03T10:49:00.000+02:00

RECENSIONE Breve trattato sulle coincidenze di Domenico Dara

Cari lettori, oggi vi propongo la recensione della mia ultima lettura.

Breve trattato sulle coincidenze è un libro che mi ha portata indietro nel tempo, alla mia infanzia vissuta in Puglia. Se vi piacciono le storie ambientate nel sud Italia, dovete leggerlo!

L'autore

Domenico Dara è nato a Catanzaro il 2 febbraio 1971.

Cresciuto a Girifalco, ha studiato alla Facoltà di Lettere e Filosofia di Pisa, dove si è laureato nel 1996 con una tesi sulla poesia di Cesare Pavese.

Ha curato il volume Alessandro Verri, Lettere da un amore (Massimiliano Boni Editore, Bologna, 2005).

Nel 2013 è stato finalista al Premio Italo Calvino con il romanzo Breve trattato sulle coincidenze, pubblicato da Nutrimenti nel maggio 2014.

Ha tre figli: Francesco, Cassandra e Penelope.

Vive e lavora tra Valbrona (CO) e Milano.

Recensione

Il protagonista è un postino, di cui conosciamo il nome solo all'ultima pagina del libro, che vive e lavora a Girifalco in Calabria.

Da diversi anni ha perso la madre, il padre non l'ha mai conosciuto e la sua fidanzata l'ha lasciato e vive in Svizzera.

Il postino ha trovato un modo alquanto discutibile per sopravvivere alla solitudine: legge tutte le lettere che circolano nel paese. Si appropria letteralmente degli affari degli altri ricopiando ogni missiva che parte e che arriva a Girifalco. Le lettere che ha copiato vengono poi catalogate e conservate nel suo archivio personale.

Per il postino lo scopo di questo strano passatempo è controllare tutto ciò che succede nelle vite dei suoi compaesani. Siccome ha un grande senso della giustizia, a volte addirittura interviene nelle vite degli altri, facendo sparire alcune lettere e scrivendone altre di sana pianta, cambiando così il corso degli eventi.

Questo espediente, un po' romantico e alquanto fantasioso, serve all'autore per imbastire una sorta di giallo.

Il postino infatti, si affannerà in una vera e propria indagine, alla ricerca di indizi per svelare un mistero.

Nella narrazione si alternano le vicende personali del postino, quelle dei suoi paesani rivelate dalle lettere e parallelamente la risoluzione dell'enigma. Il tutto è condito con la venerazione del postino per le donne del paese. Il suo essere un po' filosofo poi, lo porterà a scrivere un piccolo trattato delle coincidenze che accadono nella vita di tutti i giorni.

Si tratta di un libro unico nel suo genere, ricco di sfaccettature e perle di saggezza. Nonostante ci siano diverse chiavi di lettura, la scrittura rimane piuttosto scorrevole.

Breve trattato sulle coincidenze è un romanzo originale anche nel linguaggio.

Per prima cosa lo scrittore ha utilizzato tante parole in dialetto calabrese, questo per me non ha rappresentato un problema nella lettura, perché sono di origine pugliese ed ho riconosciuto la maggior parte delle parole.

Altro elemento linguistico particolare è l'uso di alcuni aggettivi inventati di sana pianta dall'autore, come ad esempio "buonodorosa" che sono utilizzati sempre per descrivere un personaggio in modo rapido ed efficace.

Quello che più ho amato del libro è l'atmosfera autentica e d'altri tempi che l'autore è riuscito a creare. Mi ha fatto ritornare bambina, circondata dalla mia famiglia e le sue divertenti vicende in Puglia.

La biblioteca dei sussurri di Desy Icardi

2022-05-29T08:00:00.001+02:00

La biblioteca dei sussurri di Desy Icardi - Recensione e intervista all'autrice

Benvenuti all'ultimo appuntamento con il Maggio dei Libri 2022.

Come promesso, il post di oggi contiene una sorpresa, ovvero l'intervista a Desy Icardi, la mia scrittrice italiana preferita.

Spero abbiate già letto uno dei suoi libri, oggi vi voglio presentare La biblioteca dei sussurri. Prima dell'intervista vi lascio la mia recensione.

Buone letture!

Titolo del libro: La biblioteca dei sussurri

Anno di pubblicazione: 2021

Casa editrice: Fazi Editore

Pagine del libro: 359

Genere del libro: Romanzo

Biografia dell’autrice:

Nata a Torino, città in cui vive e lavora, è formatrice aziendale, attrice e copywriter. Nel 2004 si è laureata al DAMS e dal 2006 lavora in teatro anche in qualità di autrice e regista. Con Fazi Editore, nel 2019, ha pubblicato L’annusatrice di libri, un romanzo che ha avuto un grande successo di critica e di pubblico e i cui diritti sono stati venduti anche all’estero.

Link d'acquisto: https://fazieditore.it/catalogo-libri/la-biblioteca-dei-sussurri/

Recensione

Ci troviamo a Torino negli anni Settanta. La protagonista della narrazione è Dora una bambina che vive con la sua famiglia in una grande casa in riva al fiume.

Ciò che più ama la piccola Dora è l’allegro frastuono creato dalla sua numerosa famiglia quando si trova in casa. La famiglia si compone dei genitori di Dora, i suoi zii, suo cugino e infine la sua prozia, proprietaria di casa e personaggio chiave della storia.

La prozia, Dorina degli Spifferi, ha un dono particolare : può sentire i lamenti delle case altrui, sa come farli smettere e ne ha fatto il suo mestiere. Regolarmente riceve dei clienti che la scongiurano di risolvere i loro problemi di « rumori sospetti » in casa. La piccola Dora viene coinvolta dalla prozia in questa attività e tra di loro si instaura un legame molto forte.

Quando le cose iniziano ad andare male per la famiglia di Dora, tutte le sue certezze vengono meno. Invece del rumore, in casa ora regna il silenzio e per poter sopravvivere Dora e suo cugino si rifugiano in una biblioteca torinese.

Lì passano parte delle loro vacanze estive e questa scelta permetterà a Dora di utilizzare i libri come una boa di salvataggio quando tutto sembrerà andare alla deriva.

In biblioteca Dora conosce l’avvocato Ferro che vuole fare di lei un’appassionata lettrice e le fornisce delle liste di libri da leggere in delle occasioni particolari. Queste liste sono dei piccoli regali che la scrittrice Desy Icardi fa ai suoi lettori.

Come avrebbe detto l’avvocato Ferro, questo libro mi ha scelta mentre ero in una libreria di Basilea qualche settimana fa.

Avevo conosciuto la scrittrice Icardi grazie al libro La ragazza con la macchina da scrivere, che avevo amato moltissimo. Così quando ho visto il suo nome sul dorso di un nuovo libro non potevo non prenderlo con me.

Il motivo per il quale questo libro mi ha scelta è mostrarmi che si può scegliere di non sentire più quei rumori disturbanti che a volte vengono a trovarci, parlandoci delle nostre paure. Inoltre, ho apprezzato tanto che la scrittrice abbia parlato della vita degli italiani in Svizzera. Mi sono rivista in diversi punti delle vicende da lei raccontate.

La scrittura di Desy Icardi è ricca di insegnamenti. Come nell’altro libro che avevo letto, anche qui gli intrecci creati nella narrazione, vengono sciolti nel finale. Come se il lieto fine fosse una rivelazione e al tempo stesso la soluzione di un’indagine.

Sappiamo che nella vita ci sono dei momenti dove tutti i tasselli del puzzle vanno al loro posto e abbiamo l’impressione di aver finalmente capito il senso delle cose. La stessa cosa accade nei libri di Desy Icardi. I punti forti del libro sono dei personaggi riccamente caratterizzati, la presenza poetica della città di Torino e i consigli letterari dell’avvocato Ferro, come vi dicevo. Quindi è una lettura consigliata a chi ama i romanzi di formazione, ambientati in Italia, con una protagonista femminile e la passione per la lettura.

Intervista all’autrice

In occasione del Maggio dei Libri, ho avuto il grande privilegio di poter intervistare l’autrice Desy Icardi, che ringrazio per la disponibilità.

1. Seguiamo Dora dalla sua infanzia fino ai 18 anni. Trovo che il suo personaggio sia particolarmente riuscito. Come scrivi, i bambini non hanno mai la libertà di fare le loro scelte e questo mi ha colpito molto. È stato complicato scrivere mettendosi nei panni di una bambina ?

Non è stato particolarmente difficile, in quanto sono stata una bambina anch’io, quindi so come si fa e, soprattutto, come si sta.

Mi sono molto divertita a sfatare qualche mito sull’infanzia, che non è sempre un periodo meraviglioso, come qualcuno afferma con troppa leggerezza (e poca memoria).

A dire il vero ho avuto più difficoltà con la prozia Dorina che è una donna anziana; al momento, infatti, posso solo immaginare come si senta una persona della sua età.

2. Se il tuo primo libro L’annusatrice di libri era incentrato sul senso dell’olfatto e il secondo La ragazza con la macchina da scrivere al tatto, ho l’impressione che quest’ultimo sia stato dedicato all’udito. Trovo questo espediente narrativo veramente ingegnoso. Hai previsto di scrivere altri due romanzi dedicati al gusto e alla vista ?

Esatto, La biblioteca dei sussurri è dedicato all’udito ed è il terzo capitolo della mia pentalogia sensoriale: cinque romanzi, indipendenti tra loro ma con delle caratteristiche comuni, ognuno dedicato a uno dei cinque sensi.

Attualmente sto lavorando al romanzo sulla vista che – se la penna mi assiste – uscirà in autunno.

3. Puoi raccontarci un aneddoto legato al tuo mestiere di scrittrice ? (Es. Ti piace scrivere ad un orario particolare ? Incontri volentieri i tuoi lettori ?)

Scrivo tutti i giorni, la mattina presto, assistita da un’insonnia congenita che nel mio caso è stata provvidenziale.

Alle cinque del mattino sono già alla tastiera, e adoro svegliarmi sapendo che la prima cosa che farò sarà scrivere. Se poi mi capita di indugiare tra le lenzuola, allora entrano in azione i miei coach, due gatti molto abitudinari che pretendono sia servita loro la colazione al solito orario.

Mi piace incontrare i lettori, specie alle fiere. È piacevole ascoltare le loro impressioni e scoprire che, talvolta, alcuni parti del libro per me insignificanti li hanno molto colpiti.

4. Hai dei consigli per gli aspiranti scrittori ?

- Non attendere l’ispirazione ma scrivere. Se si desidera che la scrittura diventi un lavoro, allora bisogna trattarla come tale. Al lavoro ci si va tutti i giorni, che si sia ispirati o meno.

- Non rimandare : una piccola idea messa su carta vince su una grande idea che giace nel magazzino mentale, in attesa del "momento giusto".

- Non temere le delusioni al punto di non proporre mai i propri lavori. Le delusioni passano, ma i rimpianti restano.

- Non puntare tutto su di un libro. Non attendete di aver trovato un editore al primo romanzo per cominciare a scrivere il secondo. Lo dice la parola stessa : la scrittrice o lo scrittore sono coloro che scrivono, non che pubblicano. A quello si spera di arrivarci, ma è meglio farlo con la penna agile e ben allenata.

- Frequentare corsi, quando ne vale la pena (è importante selezionarli con cura, c’è molta improvvisazione). Io continuo a seguirne uno o due all’anno, lo faccio per rivitalizzare le idee, fargli prendere aria e rimettermi in discussione.

Intervista a Martina Ferlino

2022-05-22T08:00:00.001+02:00

IL MAGGIO DEI LIBRI 2022

Benvenuti a questo nuovo appuntamento con il Maggio dei Libri.

Ahimè, siamo quasi alla fine di questa bella iniziativa. Quello di oggi è il penultimo post dedicato all'argomento sul blog. Vi ricordo che la prossima settimana ci sarà una sorpresa. Ovvero, l'intervista di un'ospite molto speciale, dunque vi consiglio di non perdervi il post di domenica 29 maggio.

Ma veniamo all'ospite di oggi. Martina Ferlino, che ringrazio per la disponibilità, è una giovanissima scrittrice. Scopriamo insieme il suo libro "La donna, passato, presente... e futuro?"

Titolo del libro: La donna. Passato, presente… futuro?

Anno di pubblicazione: 2020

Casa editrice: Barkov

Pagine del libro: 54

Genere del libro: Storico

Biografia dell’autore:

Martina Ferlino, nata nel 2005 in Puglia, ha poliedrici interessi e, da adolescente qual è, molte passioni. Passa dalla scrittura, alla storia, cui chiede di farle toccar con mano cosa ci sia stato nei tempi passati, giungendo anche ai videogames. Per questo si attribuisce anche un profilo un po' nerd. In particolare è affascinata da Assassin’s Creed e giochi di combattimento, soprattutto sulla seconda guerra mondiale. Alla lettura tradizionale predilige gli audiolibri e alle riviste le consultazioni su internet.

Trama del libro:

"La donna, passato, presente... e futuro?" è una antologia che consente al lettore di immergersi in una fantastica avventura, un viaggio nel tempo coniugato al femminile, ricco di personaggi storici tra cui Maria Montessori ed Elisabetta I. La narrazione conduce in trame dinamiche, ricche di curiosità storiche che mantengono l'attenzione alta e il lettore incollato all'opera, racconto dopo racconto.

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INTERVISTA

1. Com’è nata l’idea di scrivere questo libro?

È nata per caso in realtà. Stavo per addormentarmi ed ho pensato ai tempi passati, mi è venuta in mente Anna Frank e poi ho riflettuto, chiedendomi: ‘’Perché non parlo delle donne?’’, così ho iniziato il mio manoscritto.

2. Hai avuto delle difficoltà nella stesura? Se sì, come le hai superate?

Più che altro ho avuto tanti timori, essendo il primo libro, non sapevo come andassero le cose, ma poi quando ho stretto la prima copia tra le mie mani, mi sono sentita molto orgogliosa.

3. Cosa ha significato per te la pubblicazione del tuo romanzo?

Ha significato raggiungere un grande traguardo, che sognavo da anni.

4. Dov'è ambientata la storia e in quale epoca?

Veramente come leggerete nel titolo stesso, si parla di epoche passate, presenti ed su un ipotetico futuro.

5. Qual è il tuo personaggio preferito del libro?

È una scelta ardua, ma direi sicuramente Elisabetta I, perché per me è stato un personaggio storico perfetto e credo che tutti debbano conoscerla.

6. Qual è il momento della giornata in cui preferisci scrivere?

Sicuramente direi il pomeriggio, ma l’ispirazione non sceglie l’attimo, quindi carpe diem!

7. Qual è il tuo scrittore preferito?

La mia scrittrice preferita è Jane Austen.

8. Vorresti dare un consiglio agli aspiranti scrittori?

Sì, ai futuri scrittori voglio dire di buttarsi, senza farsi mille paranoie, il talento verrà sempre ripagato!

Intervista a Stefano Soli

2022-05-15T08:00:00.001+02:00

IL MAGGIO DEI LIBRI 2022

Benvenuti al terzo appuntamento con il Maggio dei libri 2022.

Questo blog partecipa all'iniziativa e desidera mettere in luce il panorama letterario italiano. Infatti, ogni domenica del mese di maggio viene pubblicato un post che presenta un libro grazie anche ad una bella intervista fatta al suo autore.

Oggi vi presento Giorno 122 scritto da Stefano Soli. Qui di seguito trovate la scheda tecnica del libro e l'intervista all'autore, che ringrazio per la disponibilità.

Buona lettura!

Titolo del libro: Giorno 122

Anno di pubblicazione: 2021

Casa editrice o self-publishing: Self-publishing

Pagine del libro: 242

Genere del libro: Narrativa, distopico

Biografia dell’autore: Dopo alcune esperienze come assistente alla regia, Stefano Soli realizza alcuni corti e documentari. Da segnalare “Furti” (Globo d’oro della stampa estera per il miglior cortometraggio) e i documentari per RAI-SAT, “Il misantropo” e “La signorina del futuro”, monografie dedicate rispettivamente a Gabriele Lavia e a Franca Valeri. Parallelamente lavora come sceneggiatore per la lunga serialità televisiva e come traduttore di documentari per varie emittenti. L’esordio come produttore avviene nel 2004 con il corto “Giorno 122” presentato al festival di Venezia nel 2005, lavoro successivamente sviluppato in un lungometraggio terminato nel 2012. “Giorno 122” è anche l’esordio letterario.

Trama del libro: Un gruppo di sopravvissuti a un incidente ferroviario si ritrova isolato sull’Appennino tosco-emiliano. Dopo aver atteso invano i soccorsi, i superstiti si mettono in cammino nella foresta innevata, alla ricerca di viveri e di un riparo. Ma cosa sono quelle strane strisce arancio che solcano il cielo? Pian piano uomini e donne si rendono conto che qualcosa di grave è accaduto, qualcosa di definitivo.

Concepita nei convulsi giorni successivi alla catastrofe che ha precipitato il pianeta nel caos e nell’anarchia, MIA vive un’adolescenza solitaria e inquieta sotto il ferreo controllo della Madre. La mancanza della figura paterna la spingerà verso una difficile ricerca, le pagine di un diario le dischiuderanno le porte di un passato oscuro e misterioso.

Link di acquisto: https://www.amazon.it/giorno-122-Stefano-Soli/dp/B0915VD2V7/ref=tmm_pap_swatch_0?_encoding=UTF8&qid=&sr=

INTERVISTA

1. Com’è nata l’idea di scrivere questo libro?

La genesi di questo romanzo è lunga e tormentata. Un avventura che inizia addirittura nel lontano 2005 con un cortometraggio (mio e di Fulvio Ottaviano) presentato al festival di Venezia e successivamente sviluppato in lungometraggio. Ma non voglio dilungarmi in questa sede, per chi desiderasse approfondire l'argomento consiglio una visita al sito www.giorno122.it. L'idea di trarne un romanzo invece è del 2020.

2. Hai avuto delle difficoltà nella stesura? Se sì, come le hai superate?

La maggiore difficoltà è stata paradossalmente svincolarmi da quelle immagini che avevamo pensato, girato e infine montato, ero ossessionato dalle nostre ambientazioni, dai volti degli attori, da alcune battute. Uscire dai binari, dal solco già tracciato, da una storia e una struttura concepite per un media differente. Sfruttare al massimo la libertà che la narrativa offre rispetto al cinema: nessun limite di budget, possibilità di entrare a fondo nella mente dei personaggi e la ricchezza espressiva che la nostra amata lingua offre.

3. Cosa ha significato per te la pubblicazione del tuo romanzo?

Tanto impegno e tanta soddisfazione. Esistere come scrittore, avere la possibilità di essere letto e valutato. Un pregio del romanzo è stato anche riaccendere l'interesse sul film che, distribuito su YouTube a inizio anno, ha totalizzato già oltre 260.000 visualizzazioni

4. Dov'è ambientata la storia e in quale epoca?

Sull'appennino tosco-emiliano, epoca contemporanea. Dopo aver atteso per giorni i soccorsi, alcuni passeggeri di un treno deragliato all'interno di una galleria decidono di uscire all'aperto e subito si rendono conto che qualcosa è successo, che nulla sarà come prima. Ma contrariamente a come in alcuni casi viene percepita, questa non è la storia di una distruzione, che c'è ma è solo la premessa, bensì di una rinascita, di un faticoso, difficile ritorno a nuove/vecchie forme di socializzazione.

5. Qual è il tuo personaggio preferito del libro?

Li amo tutti, anche i meno positivi. Sono figli, mie dirette emanazioni, non riesco a stilare classifiche. Quello in cui forse mi riconosco di più è Riccardo. Le sue certezze vengono sgretolate irrimediabilmente e si ritrova a dover lottare per la sua vita e quella dei suoi cari. Un personaggio introverso, complicato, forte e insieme fragile.

6. Qual è il momento della giornata in cui preferisci scrivere?

Per citare la trasposizione italiana della frase battuta a macchina da Nicholson in Shining direi senz'altro che “il mattino ha l'oro in bocca”, il cervello viaggia veloce, la produttività è ai massimi livelli. Però adoro la notte in cui emerge maggiormente la parte creativa.

7. Qual è il tuo scrittore preferito?

Domanda difficilissima. Il libro direi senz'altro “Viaggio al termine della notte”, non a caso citato nel romanzo. L'autore... forse Irvine Welsh, per il quale ho una sorta di venerazione. Ammiro la sua abilità di cogliere l'essenza dei personaggi, di metterli a nudo, di farci entrare in loro senza paura di mostrarne le bassezze e le meschinità, i lati più intimi, i loro pensieri inconfessabili.

8. Vorresti dare un consiglio agli aspiranti scrittori?

Credere in loro stessi e non omologare le proprie storie. Molti si chiedono: cosa piace? Cosa vende?

Partire da “cosa si vende” secondo me è un presupposto errato, soprattutto per un esordiente. Spesso equivale a castrare la parte migliore di noi stessi. L'originalità (non quella a tutti i costi) la freschezza e la personalità del proprio stile, il nostro esclusivo modo di vedere il mondo e raccontare la realtà che ci circonda sono le qualità che un autore agli inizi dovrebbe cercare di mettere in mostra e valorizzare.

Esposizione temporanea - UN MOSAICO SOTTO L'ASFALTO

2022-05-13T12:35:00.003+02:00

Esposizione temporanea -

UN MOSAICO SOTTO L'ASFALTO

Qui in Svizzera la bella stagione è ufficialmente iniziata.

Passeggiate nelle foreste ombrose e tuffi nelle piscine sono alcune delle mie attività preferite da fare in primavera/estate. Ma prima di preparare il cestino da pic-nic, avete voglia di fare un viaggio indietro nel tempo con me?

Ci troviamo ad Avenches, cittadina di 4'000 abitanti oggi, ma colonia romana a partire dal 71 d.C. che ospitava 20'000 persone.

In qualsiasi momento dell'anno, qui potete visitare il museo romano ed il sito che comprende i resti dell'anfiteatro, il teatro, le terme e due templi.

Ma dall'11 al 30 maggio 2022, una sala del Teatro del Castello di Avenches ospita un'esposizione temporanea dedicata ad un ritrovamento speciale!

Nel 2018, durante la sostituzione delle canalizzazioni dell'acquedotto della città, è stata fatta una scoperta eccezionale.

Un mosaico ben conservato delle dimensioni di 2,70m x 2,20m ha visto la luce.

Fin dal suo ritrovamento, gli archeologi hanno deciso di staccarlo dal terreno per poterlo studiare e conservare adeguatamente.

Il mosaico è straordinario per diversi motivi.

Innanzitutto per realizzarlo sono stati utilizzati dei marmi preziosi come il porfido rosso egiziano e il porfido verde greco, entrambi tra i materiali più lussuosi che i romani impiegavano delle costruzioni.

I marmi presenti in questo mosaico provengono dalla cave più celebri dell'intero bacino del Mediterraneo e questo ci ricorda l'importanza che rivestiva Avenches in quanto colonia romana intorno al II secolo d.C.

Un altro carattere eccezionale di questo mosaico è che i marmi sono stati utilizzati non solo nella forma di tasselli tradizionali, ma vengono inseriti nella pavimentazione anche direttamente a scaglie.

Altre caratteristiche singolari sono presenti nella tecnica di costruzione e nella decorazione di questo mosaico.

Se potete, vi invito a fare una visita ad Avenches per scoprirle.

Ma cosa rappresenta quest'opera pavimentaria?

A parte le decorazioni geometriche e floreali che ornano il bordo interno del quadrato, al centro del mosaico possiamo osservare una grande coppa usata come fontana nella quale due uccelli vanno ad abbeverarsi.

Si tratta di un tema ricorrente per i mosaici di quest'epoca.

Le fontane intese come coppe dalle quali zampillava l'acqua erano realmente presenti nei giardini delle ville romane, anche ad Avenches.

La fabbricazione del mosaico è stata datata intorno al 100 d.C. grazie al ritrovamento di alcune monete nel terreno (sesterzi di Traiano).

Poco tempo dopo, il locale che accoglieva il mosaico è stato profondamente trasformato dai romani ed stata posta una stanza riscaldata direttamente sul mosaico.

I lavori di recupero e di restauro del mosaico sono stati davvero importanti in termini di tempo e risorse utilizzate. Solo il restauro è durato due anni.

Due interessanti video all'interno dell'esposizione raccontano le diverse fasi di lavoro che ci hanno permesso di ammirare questo pezzo di storia oggi.

Intervista ad Andrea Gasparri

2022-05-08T08:00:00.003+02:00

IL MAGGIO DEI LIBRI 2022

Siamo al secondo appuntamento con il Maggio dei libri 2022.

Un post verrà pubblicato sul blog ogni domenica di maggio e presenterà un libro italiano di questi ultimi anni.

In ogni post potrete leggere l'intervista all'autore del libro.

Questa domenica vi presento La strega di Cetona scritto da Andrea Gasparri.

Qui di seguito troverete la scheda del libro e l'intervista all'autore, che ringrazio per la disponibilità.

Buona lettura!

Titolo del libro: La strega di Cetona

Anno di pubblicazione: 2019

Casa editrice: Gruppo Editoriale Mauri Spagnol

Pagine del libro: 289

Genere del libro: romanzo storico

Biografia dell’autore:

Andrea Gasparri è nato a Roma nel 1948 ed esercita la professione di avvocato. In qualità di colonnello del Corpo di Commissariato Aeronautico è stato consulente giuridico e addetto stampa.

È stato responsabile di progetti di informatizzazione dell’A.M., ha diretto sessioni sulla qualità totale e il management informatico in più edizioni del convegno internazionale CQS. In età giovanile è stato redattore del Veltro e fondatore/direttore de “I Futuribili”, Gruppo Sperimentale di Teatro che ha operato alla fine degli anni ’60 a Roma. Ha pubblicato tre romanzi: “Il mestiere di Ulisse” presso la “Casa Editrice Albatros” nel 2012; “La Strega di Cetona”, vincitore di IOSCRITTORE 2019”, presso il “Gruppo Editoriale Mauri Spagnol; “La Notte”, selezionato tra gli otto finalisti dell’VIII edizione del Premio CITTÀ di COMO, presso “Porto Seguro Editore” e presentato il 2 aprile 2022 a Firenze. Attualmente ha realizzato la sceneggiatura di un Corto tratta dal suo romanzo “La strega di Cetona” in corso di realizzazione da parte di una troupe di allievi dell’Accademia di Cinema e Televisione “Griffith”(il set è ambientato nella Fortezza di Radicofani)

Trama del libro:

Un romanzo che racconta un’indimenticabile storia d’amore e di morte nella Toscana del Cinquecento, al tempo della caccia alle streghe. Nella Valdichiana devastata dalle milizie imperiali, la fattucchiera Melusina «ardente come un mezzogiorno d’estate» e la figlia del mugnaio, Bianca «fredda come un’alba autunnale», si contendono lo smaliziato Lorenzo. La fattucchiera prevarrà e lo porterà all’altare, ma la rivale impegnerà tutte le arti della seduzione per strapparglielo. La trappola d’amore però ferisce chi la tende, perché Bianca rimane incinta, e chi vi cade, perché il matrimonio di Lorenzo va in pezzi. Il bambino, che sembra nato per una crudele vendetta d’amore, è celebrato con una grande festa nella piazza del paese, durante la quale le due donne arriveranno alla resa dei conti. Il bambino muore e tutti sussurrano che Berta, la fattucchiera madre di Melusina, gli abbia gettato il malocchio. La donna è processata e finisce sul rogo, ma la figlia trova scampo nella fuga. Nascosta sul monte Cetona, troverà a caro prezzo la vendetta e diventerà strega.

A Castel della Pieve, sull’altro versante della Valdichiana, ancora un innocente segna la vita di un’altra donna: la nobile Eleonora dei Monaldi, monaca per forza e non per volontà. Tormentata dalla Badessa e travolta dalla lotta per il controllo del ricco monastero di Santa Lucia, sorella Mansueta cade tra le braccia di un confessore intrigante e scellerato. Il figlio, partorito in segreto, avvicinerà le vite della monaca e della strega, della nobildonna e della popolana.

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INTERVISTA

1. Com’è nata l’idea di scrivere questo libro?

Sono un appassionato di storia antica e in particolare mi interesso agli emarginati ( La tematica dei dropouts è assai attuale negli studi sociologici ) e quindi ho un naturale interesse verso la stregoneria. Mi documento sulle fonti e ho letto numerosi di verbali di processi alle streghe e di manuali inquisitori (letture affascinanti che illuminano l’animo umano). Ho poi incrociato la tematica della stregoneria con un altro fenomeno del tempo, ovvero la monacazione forzata. Tale pratica colpiva le donne della nobiltà la cui famiglia non aveva risorse sufficienti per dotarle (le doti monacali erano la metà delle doti conferite in un matrimonio aristocratico).

2. Hai avuto delle difficoltà nella stesura? Se sì, come le hai superate?

Un romanzo storico richiede una approfondita documentazione che si estende alla cultura materiale e al modo di pensare, ben oltre le normali letture storiche. Nel caso ho dovuto approfondire le procedure giuridiche dell’epoca, i manuali degli Inquisitori e le regole monastiche delle clarisse.

3. Cosa ha significato per te la pubblicazione del tuo romanzo?

La pubblicazione di un romanzo non è mai un punto di arrivo e non lo è stata nemmeno per me. La pubblicazione è un business ma se il libro non è promosso scompare nella massa infinita di pubblicazioni analoghe. L’editoria di oggi è una giungla che merita qualche approfondimento.

4. Dov'è ambientata la storia e in quale epoca?

La storia è ambientata in Valdichiana, una terra tra Toscana, Umbria e Lazio. Allora molto diversa da adesso (oggi verdeggiante, allora impaludata). L’epoca è tra il 1520 e il 1530 quando le milizie lanzichenecche di Carlo V attraversano la Valdichiana e scendono a Roma “per impiccare il papa” ed effettuare il famigerato “Sacco”.

5. Qual è il tuo personaggio preferito del libro?

È un romanzo che parla di donne che si ribellano al loro destino. Melusina, la strega, è una figura complessa, ma anche Mansueta, la monaca, lo è. Tutt’e due come ogni essere umano ha luci e ombre. Tutt’e due sono vittime e carnefici. Il personaggio femminile che mi è rimasto nel cuore è la conversa Placida, una donna stritolata dalla vita senza speranza di riscatto, come capita alle persone reali.

6. Qual è il momento della giornata in cui preferisci scrivere?

Mi alzo dal letto verso le cinque del mattino e comincio a scrivere e lavorare. Vivo a Cetona e la mia casa è affacciata sulla Valdichiana. Il silenzio è assoluto e il tempo sembra immobile come in un affresco di Lorenzetti. Per un autore di romanzi storici che il tempo si fermi è un bel vantaggio!

7. Qual è il tuo scrittore preferito?

Marguerite Yourcenar. Gratis fornisco il nome del poeta preferito: Anna Achmatova.

8. Vorresti dare un consiglio agli aspiranti scrittori?

Il primo consiglio è attingere alla propria esperienza umana. È difficile rappresentare in modo naturale ciò che non è stato vissuto in prima persona o per immedesimazione. Un secondo consiglio è avere una storia da raccontare (non una confessione). Esistono romanzi senza storia ma solo pochissimi sono capaci di scriverli. Questo concetto introduce l’ultimo consiglio: tantissima umiltà e tantissima autocritica. Un primo corollario: il testo è buono solo dopo una decina di revisioni (dell’Autore perché gli editors non sostituiscono l’Autore). Un secondo corollario: non vi innamorate del nome sulla copertina perché è un amore breve e deludente.

Intervista a Elvio Ravasio

2022-05-01T08:00:00.001+02:00

IL MAGGIO DEI LIBRI 2022

In occasione del Maggio dei Libri 2022 (iniziativa italiana volta alla promozione della letteratura e dell'editoria), ho pensato di proporvi qualcosa di interessante.

Sei post per sei libri pubblicati in Italia in questi ultimi anni, uno per ogni domenica del mese di maggio, più un bonus speciale!

Per ogni libro che vi presenterò, troverete anche una bella intervista rilasciata dall'autore.

Inizio con il libro NEMESI le lacrime della vendetta, scritto da Elvio Ravasio. Qui di seguito trovate la scheda tecnica del libro e l'intervista all'autore che ringrazio per la disponibilità. Buona lettura!

Titolo del libro: NEMESI le lacrime della vendetta

Anno di pubblicazione: 2021

Casa editrice: Gribaudi Editore

Pagine del libro: 471

Genere del libro: Urban Fantasy

Biografia dell’autore:

Elvio Ravasio nasce a Lecco nel 1964, vive e lavora a Milano. Lettore compulsivo di letteratura fantasy e da sempre appassionato di fumetti, cinema, serie tv e cartoni animati.

Autore della quadrilogia “Le Cronache dei cinque Regni”

pubblicata nel 2016 con Gribaudi editore. Sempre con Gribaudi nel 2019 pubblica “MEDIOEVO, il futuro è la porta, il passato la chiave” (Terzo classificato al premio nazionale per romanzi di fantascienza Cassiopea) e nel 2021 “NEMESI, le lacrime della vendetta” (Secondo classificato al premio Cittadella).

Trama del libro:

Anno 2021

In una Milano avvolta dal mistero, sede di un antico culto e governata da forze oscure, avrà luogo l’ultimo processo alle streghe.

Un arcano accordo con il movimento massonico, permetterà all’Ordine dei negromanti di estendere i viscidi tentacoli in ogni angolo del pianeta. Creando una rete capillare destinata a un unico scopo. Perseguire il potere assoluto sfruttando capacità soprannaturali, infiltrandosi ai massimi livelli dirigenziali e governativi.

Nemesi è un membro dell’Ordine ma ha infranto il Codice, e il Codice è la legge. Inquisita dai suoi stessi simili, incarcerata e condannata a morte, attenderà una fine annunciata.

Ian Walsh entrerà nella sua vita come avvocato d’ufficio, reduce da una vittoria contro un’importante multinazionale, ingaggiato dall’Ordine per rappresentarla a un processo falsato da una sentenza prestabilita. Un uomo che vede un passato, del quale non conosceva l’esistenza, riemergere stravolgendo ogni sua certezza. Tra le vie del capoluogo lombardo, attraverso passaggi segreti, luoghi di culto e palazzi storici, prenderà vita un intreccio che si snoda attraverso i secoli, ripercorrendo le origini di qualcosa che credevamo aver dimenticato.

Nell’era dei computer e dei viaggi spaziali un processo per stregoneria sembra un lontano ricordo, ma non sarà così.

Link di acquisto: https://www.amazon.it/Nemesi-lacrime-della-vendetta-Ravasio/dp/8863663491

INTERVISTA

1. Com’è nata l’idea di scrivere questo libro?

Da appassionato di Medioevo e di fantasy, nei suoi generi e sottogeneri, mi sono chiesto se fosse possibile ricreare ai giorni nostri lo stesso clima e le stesse sensazioni di uno dei periodi più bui della nostra storia: la caccia alle streghe. Una sorta di riscatto per le migliaia di donne ingiustamente uccise dall’ignoranza, in un sistema coercitivo governato dalla stupidità e dalla paura.

2. Hai avuto delle difficoltà nella stesura? Se sì, come le hai superate?

Non ho avuto particolari difficoltà se non quelle dell’intreccio. Coordinare fatti storici reali in una storia di fantasia, facendo attenzione a incastrare ogni singolo elemento documentato in un contesto odierno ha richiesto otto mesi di studio e molta preparazione.

3. Cosa ha significato per te la pubblicazione del romanzo?

“Nemesi” è il mio sesto romanzo, approdare a una CE importante. Dopo anni di gavetta, rende ogni nuova pubblicazione densa di aspettative ed è una grande soddisfazione. Vedere il proprio libro negli scaffali delle librerie dopo due anni di lavoro tra studio e stesura è emozionante.

4. Dov'è ambientata la storia e in quale epoca?

La storia è ambientata a Milano nel 2021, ho voluto omaggiare la mia città di adozione dandole un tocco di mistero ed esoterismo.

5. Qual è il tuo personaggio preferito del libro?

Ho amato ogni singolo personaggio ma il mio preferito rimane Nemesi. Riporto le parole della recensione del blog “Amabili letture” perché racchiudono l’essenza del libro:

“Di Nemesi non potrete che innamorarvi. Nemesi è mistero, è fascino, è irruenza, è passato, è potere, è conoscenza, è irriverenza, è magia, è ribellione, è futuro. Nemesi è vendetta.”

6. Qual è il momento della giornata in cui preferisci scrivere?

Al di là del fatto che di giorno lavoro, io sono un animale notturno, starei alzato tutta la notte a scrivere se non fosse che alle sette suona la sveglia.

7. Qual è il tuo scrittore preferito?

Ci vorrebbe una settimana per rispondere a questa domanda, mi limito a fare un nome legato al fantasy, David Gemmell. Ma la lista sarebbe lunghissima spaziando nei vari generi.

8. Vorresti dare un consiglio agli aspiranti scrittori?

Studiate le regole della narratologia moderna, studiate, studiate, studiate. Molti pensano che basti conoscere la lingua italiana per scrivere un libro ma la realtà non è mai stata così distante da questa idea. La scrittura, come tutte le forme artistiche, è evoluzione. Scrivere oggi come si scriveva a metà novecento è il modo migliore per non essere pubblicati e non arrivare da nessuna parte. La strada è irta e sdrucciolevole, solo una fortissima passione e una preparazione solida vi permetteranno di raggiungere risultati soddisfacenti. Undici anni di scrittura, studio e l’ostinata determinazione di un ariete mi hanno permesso di raggiungere, un gradino alla volta, la mia attuale posizione. Non è una strada che consiglio a tutti se non dannatamente motivati e propensi a imparare.

Grazie per avermi ospitato e buone letture

Pattern designer – Intervista a Federica Volpato

2022-04-20T17:56:00.000+02:00

Pattern designer –
Intervista a Federica Volpato

Quaderni, tende, cuscini, agende, vestiti, coperte, tovaglie, borse,…

Che cosa hanno in comune tutti questi oggetti di uso quotidiano? Possono essere decorati da bellissime fantasie colorate e in questo modo trasmetterci un’emozione. Al giorno d’oggi questi oggetti non solo sono utili ma spesso molto belli e di tanti stili diversi.

Attraverso dei siti web, come ad esempio www.spoonflower.com, è possibile ordinare i metri di cotone che desideriamo stampati con la nostra fantasia preferita e confezionare oggetti personalizzati.

Ma chi si occupa di inventare queste fantasie a trama regolare e ripetitiva? La persona che crea i disegni si chiama pattern designer. Non ci avevo mai fatto caso, ma questo mestiere esiste da diversi anni. In realtà già nel Rinascimento si creavano dei motivi da utilizzare a ripetizione sui tessuti. Qualche secolo dopo anche sulla carta da parati e le piastrelle. Le tecniche cambiano ma il concetto è sempre lo stesso.

Oggi per creare dei motivi fantasia si utilizzano dei programmi di grafica molto complessi. Qualche tempo fa ho visto il video di una giovane designer emergente e mi si è aperto un mondo.

Federica Volpato, illustratrice italiana presente sui social network, mi ha colpito con il suo stile romantico e campestre. Ho deciso di chiederle un’intervista per il blog, sperando di farvi conoscere qualcosa di nuovo.

Ciao Federica e grazie di aver accettato la mia intervista. Da qualche anno ti sei lanciata nel mondo del pattern design con grande entusiasmo, come hai conosciuto questo mestiere e cosa ti ha spinto a investire le tue energie in questo mercato?

Ciao Francesca, grazie a te per avermi contattato! Sono contenta di averti fatto conoscere e incuriosire sul mondo del pattern design! È stata anche per me una bellissima scoperta di un paio d’anni fa.

Attraversavo un momento della mia vita in cui cercavo di trovare la mia strada, la mia vocazione lavorativa; ero in crisi con il mio lavoro di medico veterinario che non mi bastava più, mi affaticava molto, e sentivo che mi mancava uno sfogo creativo. Eravamo in piena pandemia, e durante il primo lockdown avevo iniziato a seguire tutorial online sul mondo della grafica, dall’utilizzo di Procreate per l’iPad all’acquerello, per distrarmi e imparare, e in particolare utilizzavo moltissimo la piattaforma Skillshare, un sito a cui sono tutt’ora abbonata, perché ricco di corsi di ogni genere.

È tra questi corsi che ho scoperto Bonnie Christine e con lei il pattern design. Mi aveva colpito perché era un’ottima insegnante e in particolare parlava di una professione che non pensavo nemmeno esistesse! Scoprire il pattern design è stato scoprire che esiste la possibilità concreta di lavorare illustrando in maniera semplice ma fantasiosa. Si pensa sia quasi impossibile qui in Italia lavorare come artista! Invece è un mestiere in espansione: il mondo ha continuo bisogno di questo genere di designer, perché i pattern sono praticamente ovunque!

Che sia il mercato tessile, della cartoleria, dei bambini, dell’home decor… tutti hanno bisogno di sempre nuovi pattern per i loro prodotti. Perciò ho iniziato a studiare attraverso queste piattaforme online e poi tramite anche un corso fisico di graphic design e ora sono pronta a propormi come professionista nel settore.

Dalla nuova collezione di Federica Volpato

Potresti riassumere le fasi principali di cui hai bisogno per la creazione di un nuovo pattern design? Qual è la tua preferita?

Quando si crea un pattern di solito lo si pensa all’interno di una collezione: questo perché poi quando le aziende producono i loro prodotti hanno bisogno di motivi simili e coerenti che possono utilizzare e vendere insieme. La prima fase perciò è quella in cui si deve decidere il tema della collezione: ci si può far ispirare da memorie o eventi personali, come ad esempio un viaggio, oppure dalla natura che ci circonda, le stagioni o una festività. Per trovare ispirazione la cosa più bella che un pattern designer possa fare è uscire all’aria aperta, fare una gita, collezionare oggetti e scattare fotografie per le proprie creazioni: questo rende unici e originali i propri pattern perché traggono forma e colore dalla vita vera, sono unici e oltretutto non protetti da diritto d’autore!

La seconda fase riguarda la creazione della storia della collezione: si scrive per davvero una mini-storia di accompagnamento! Altra cosa che spesso si fa è mettere per iscritto una lista di parole descrittive della collezione e di quello che si andrà poi a creare. A questo punto si passa ad abbozzare i vari pattern, decidendo quali saranno i principali e quali di accompagnamento, e a scegliere la palette colori.

La terza fase è la mia preferita, e per l’appunto è quella in cui si comincia a dar forma a ogni singolo pattern. C’è chi schizza, disegna, colora e crea un pattern alla volta, e chi preferisce prima dedicarsi a tutti gli schizzi, poi a tutti i disegni, poi alla creazione di ogni pattern… la procedura è estremamente personalizzabile, come anche le tecniche e i software che si possono utilizzare. Io personalmente amo disegnare tutto su carta, utilizzare anche gli acquerelli, e poi lavorare su Adobe Illustrator.

Una volta che tutti i pattern sono pronti si controlla che ci sia coerenza visiva tra di essi, che la palette colori funzioni, che le proporzioni siano armoniose... e quando è tutto pronto si invia la collezione all’azienda con cui si intende collaborare.

Ci sono degli eventi, in Italia o all’estero, che permettono al grande pubblico di conoscere qualcosa in più sui pattern designer e il loro mestiere?

Esistono delle fiere che permettono di esporre, di presentarsi come artisti alle aziende: sono delle fiere che si svolgono ogni anno in alcune città europee e americane. Purtroppo, in Italia non esiste una fiera specifica sul pattern design, ma non è questo un di meno per gli artisti italiani: il pattern designer può tranquillamente lavorare da casa e comunque mettersi oggi giorno in contatto con clienti a livello mondiale. E se si desidera, si può invece partecipare a una di queste fiere più o meno vicine all’Italia, sfruttando l’occasione per viaggiare e magari trovare così l’ispirazione per una nuova collezione di pattern!

Qui di seguito trovate alcune fantasie della nuova collezione di Federica Volpato, per conoscere meglio il suo stile e fare il vostro ordine di pattern design vi invito a visitare il suo sito web a questo indirizzo: https://www.fedevolpato.com/

Dalla nuova collezione di Federica Volpato

Lo scialle di seta verde di Marcella Maier

2022-04-15T10:59:00.000+02:00

Recensione LO SCIALLE DI SETA VERDE
di Marcella MAIER

Lo scialle di seta verde scritto da Marcella Maier nel 2005 e pubblicato in italiano nel 2020 da Lyasis Edizioni è stata la mia ultima lettura.

Lyasis è una casa editrice fondata nel 1993 nel cuore delle Alpi. Nel suo catalogo, oltre ad alcuni volumi di narrativa, troviamo principalmente delle guide di montagna tra Italia e Engadina. Questo ha permesso agli editori di vedere la storia anche dal punto di vista geografico. Infatti, ho apprezzato molto che all'interno del libro siano state inserite delle immagini dei luoghi raccontati dall'autrice, così come una cartina geografica che mi ha permesso di orientarmi facilmente negli spostamenti delle protagoniste.

L'autrice Marcella Maier trascrive i racconti, tramandati oralmente, che vedono protagoniste quattro donne della sua famiglia : la madre, la nonna, la bisnonna e la trisnonna.

L'autrice

Marcella Maier è nata a Saint Moritz nel 1920. Ha completato la sua formazione con un diploma commerciale, ha lavorato nel settore del turismo e delle vendite dopo aver soggiornato a Ginevra e in Italia e ha svolto un'attività politica. In seguito è divenuta giornalista e autrice di molti libri. Nel 1947 ha sposato il falegname Duri Maier e in nove anni è divenuta madre di quattro figlie. Marcella Maier è morta nell’estate del 2018 all’età di 97 anni.

Recensione

Ci troviamo nel cuore delle Alpi svizzere, nel cantone dei Grigioni, più precisamente nella Val Bregaglia.

©Marcus Gyger

All'inizio del 1800, Alma (trisnonna dell'autrice) rimane vedova prematuramente e con la figlia Lisabetta a carico.

Nonostante le mille difficoltà per poter sopravvivere, Alma educa la figlia al coraggio e alla speranza. In segno di gratitudine per l'ospitalità ricevuta, un prete le lascia un arcolaio e uno scialle di seta verde, che saranno tramandati di in generazione in generazione, così come la storia delle sue proprietarie.

Lisabetta (bisnonna dell'autrice), a sua volta, fin dall'adolescenza, deve lavorare duro per potersi guadagnare da vivere. Sceglie di spostarsi dal suo luogo di nascita e di andare a lavorare in Engadina, a Sils. Grazie al suo carattere, ereditato dalla madre, riuscirà a far fronte ai problemi economici e personali.

Maria (nonna dell'autrice), la figlia di Lisabetta, non ha maggiore fortuna delle sue antenate ma con la stessa forza d'animo supera tutti gli ostacoli che la vita mette sul suo cammino.

Nina (mamma dell'autrice), la figlia di Maria, sembra potersi godere un po' di tranquillità finanziaria solo in seguito al suo matrimonio.

Accanto alle vicende personali delle quattro donne, il lettore può farsi un'idea completa della regione nella quale la storia è ambientata. La Val Bregaglia e l'Engadina, due vallate delle Alpi svizzere, nel 1800 sono estremamente povere. Durante il XX secolo iniziano a svilupparsi, grazie al turismo che apprezza i benefici dell'aria di montagna e tutta la varietà degli sport alpini. Le due guerre mondiali hanno intaccato solo parzialmente la florida espansione di queste valli.

Saint-Moritz nel 1777

Ho amato questo libro per numerose ragioni.

Innanzitutto, mi piace l'idea che una donna abbia deciso di trascrivere la storia delle sue antenate. Per quanto semplici, le vicende raccontate fanno parte del patrimonio dell'autrice, che dichiara di aver scritto il libro per accontentare le richieste delle sue figlie.

La vita delle quattro donne è segnata da grandi difficoltà, soprattutto economiche, e per diverse ragioni le devono superare senza l'aiuto dei loro mariti. Trovo che questo sia un bellissimo esempio reale della forza e del coraggio femminile.

Marcella Maier riesce a scrivere con neutralità anche le vicende che la riguardano in prima persona. La scrittura è davvero efficace. Mi pare che la traduttrice abbia lasciato qualche imprecisione di stile.

Le tour du monde en 80 jours

2022-03-28T08:53:00.000+02:00

LE TOUR DU MONDE EN 80 JOURS

En Suisse, il y a une mode que j'adore.

Dans beaucoup de villes, il existe des cabines dédiées à la collecte de livres dont les gens ne veulent plus. Ainsi, n'importe qui peut aller se servir dans ces cabines.

Moi, qui suis à la fois une passionnée de livres et une âme romantique, je ne peux pas résister à cette idée profondément poétique de trouver par hasard un beau livre dans une de ces cabines.

J'ai eu de la chance à La Chaux-de-Fonds, ville où j'ai trouvé un de mes nouveaux livres préférés dans une cabine.

Il s'agit de « Le tour du monde en 80 jours », écrit par Jules Verne et publié en 1872.

J'ai un peu "peur" des livres classiques, car parfois ils parlent d'un monde qui n'existe plus et dans une langue difficile à cerner.

Toutefois, j'ai voulu me lancer dans la lecture de ce livre et j'ai été conquise par son charme. Je ne peux que le conseiller à qui ne l'a pas encore lu. Il conviendra surtout aux passionnés de livres d'aventure.

À mon tour de laisser le livre dans une cabine pour offrir à quelqu’un d’autre la chance de le lire !

Contenu

Les protagonistes de l’histoire sont le gentleman anglais Phileas Fogg et son nouveau domestique Jean Passepartout.

Ils se trouvent à Londres quand Phileas Fogg fait un pari avec ses collègues du Reform Club.

S’il arrivera à faire le tour du monde en 80 jours, il gagnera 20'000 livres, sinon il les perdra.

Ce montant correspond plus ou moins à sa fortune et c’est tout ce qu’il prend avec dans son bagage. Cet argent lui sera fort utile lors de son voyage, sans lequel il ne serait pas même imaginable.

Au lendemain du départ de Phileas Fogg et de son domestique, toute la ville de Londres vient à connaitre son pari et beaucoup de gentlemans parient à leur tour sur le succès ou l’échec de Fogg. Un inspecteur se met sur les pas de Fogg car il le croit coupable d’un important vol à la banque d’Angleterre.

Le voyage de Fogg et de Passepartout amène le lecteur aux quatre coins du monde et les imprévus dans le voyage ne manquent pas.

En Inde, notamment, Phileas Fogg et Passepartout sauveront une jeune femme qui les accompagnera dans leur aventure.

Arriveront-ils à temps pour gagner le pari ? Le suspense accompagne le lecteur jusqu’à la fin du livre.

Voici les étapes de leur itinéraire :

Londres – Suez

Chemin de fer et paquebot

Suez – Bombay

Paquebot

Bombay – Calcutta

Chemin de fer et éléphant

Calcutta – Hong Kong

Paquebot

Hong Kong – Yokohama

Paquebot

Yokohama – San Francisco

Paquebot

San Francisco – New York

Chemin de fer

New York – Londres

Paquebot et chemin de fer

Critique

La langue française est parfaitement moderne dans ce livre. Facile et rapide à lire et à comprendre. Le style de Jules Verne est très agréable car il est pourvu d’une ironie irrésistible.

Les personnages principaux ainsi que ceux qui ont un rôle mineur sont richement caractérisés par l’auteur.

Phileas Fogg est décrit comme un homme stoïque qui ne perd pas son sang-froid devant les difficultés (ou les joies) du voyage et de la vie. À mon avis, cela l’éloigne d’une figure humaine réaliste.

Passepartout, au contraire, est un concentré d’émotions et certainement cela est la cause de ses erreurs et de ses chutes.

Phileas Fogg n’est guère intéressé à visiter le monde qu’il traverse, mais uniquement à choisir les moyens de transport le plus rapides.

Cela est évidemment une nécessité, mais je la trouve un peu exagérée. Rarissimes sont les moments que Phileas Fogg a destiné à la contemplation des paysages – si différents et charmantes – qu’il a eu à traverser.

Par contre, l’enthousiasme de Jules Verne dans la description des moyens de transport présents dans le livre est fort appréciable.

Il aime également présenter la nature ou le décor citoyen parcouru par les personnages de l’histoire.

De cette manière, le lecteur peut également voyager dans des lieux qu’il n’a encore jamais vu.

L’auteur

Jules Verne est né à Nantes en 1828 et mort à Amiens en 1905.

Son œuvre est principalement constituée de livres d’aventure. Il est le deuxième écrivain le plus traduit au monde après Agatha Christie et avant William Shakespeare.

L'Abbazia di Payerne - La mia visita

2022-03-04T12:27:00.004+01:00

L'Abbazia di Payerne

Cari lettori, chi di voi non vorrebbe fare un salto nel passato e trovarsi in un'abbazia cluniacense?

Aprire una pesante porta metallica e addentrarsi in un'altra epoca, aiutati da un'atmosfera spirituale e misteriosa. Personalmente, in quanto appassionata di Medioevo, non potrei chiedere di meglio ed è proprio l'esperienza che ho vissuto nel centro storico di Payerne.

Questa cittadina svizzera non lontana da Friburgo, Neuchâtel, Berna e Losanna, custodisce un vero gioiello storico.

L'abbazia di Payerne, sorta nell'XI secolo e costruita in stile romanico, custodisce la più grande chiesa romanica presente in Svizzera.

La storia di questo luogo suggestivo inizia poco avanti l'anno mille. La famiglia reale di Borgogna, sotto la figura dell'imperatrice Adelaide, invita la comunità religiosa di Payerne a stringere un forte legame con il grande monastero di Cluny, in Francia.

Per secoli l'edificio è stato abitato dai monaci e frequentato dai fedeli. Nel 1536, Payerne diventa protestante e decide di chiudere il monastero. L'abbazia viene sconsacrata e utilizzata a fini profani fino al 1900, quando viene riconosciuta come monumento storico.

Il progetto di restauro e valorizzazione viene lanciato nel 2007, e dopo 13 anni e circa 20 milioni di franchi spesi, l'Abbazia di Payerne viene aperta al pubblico e offre ai visitatori un percorso di visita davvero riuscito.

La mia visita

La bella stagione non è ancora iniziata e così un bel mercoledì mattina di marzo sono stata l'unica visitatrice in tutta l'abbazia. È stato come fare una visita privata e ho potuto lasciar scorrere l'immaginazione tra le mura del monumento.

L'ingresso costa 15 franchi per gli adulti e diverse riduzioni sono possibili. Con il biglietto ho ricevuto un mappa per orientarmi nell'edificio, un'audioguida e un badge elettronico per poter aprire diverse porte.

La visita è iniziata con un breve film d'introduzione. Una sala cinema con un grande schermo e panche di legno mi hanno immersa in un'atmosfera particolare. Il video proiettato ha presentato le diverse epoche vissute dall'abbazia.

Uscita della sala cinema mi sono diretta all'ingresso principale della chiesa. Il badge elettronico mi ha permesso di aprire la porta e mi sono trovata nella navata interiore. Pitture murali datanti il 1200 ornano questo piccolo spazio che ci separano dall'interno della chiesa.

Varcata la seconda porta, sono stata catapultata in un'altra epoca.

Luce diffusa entrava dalla vetrate, il suono dei miei passi risuonava sul pavimento di pietra, il colore grigio, con le sue mille sfumature, mi circondava e calmava il mio sguardo, provavo quella sensazione di stupore e di attesa che precede una scoperta.

Mille emozioni riempivano il mio animo nella navata della chiesa.

Il capolavoro di architettura romanica arrivato fino ad oggi e valorizzato dai recenti restauri ha la capacità di farmi dimenticare il mondo esterno che ho lasciato fuori dalla porta.

Nell'edificio ci sono una decida di punti d'interesse raccontati dall'audioguida.

Possiamo ascoltare delle testimonianze degli abitanti di Payerne, delle ricostruzioni storiche dei personaggi che hanno cambiato il destino dell'abbazia, degli aneddoti, della musica religiosa.

Il contenuto delle registrazioni mi ha arricchita, ma di tanto in tanto ho sentito il bisogno di togliere le cuffie e di vivere questa esperienza e modo mio.

Ho osservato la forma irregolare degli archi e il colore cangiante dei pilastri, ho respirato la storia di questo luogo ed è ciò che mi è piaciuto di più.

Sul lato destro del coro, subito dopo la cappella di Grailly, ho salito un scala che portava al piano superiore. Due stanze sono state dedicate alla vita dei monaci di Payerne, per spiegare la loro alimentazione, le loro abitudini e le regole che dovevano rispettare. Dei letti di legno sono messi a disposizione dei visitatori per un momento di museografia immersiva.

Verso la fine della visita, nella chiesa parrocchiale, si può vedere la tomba della regina Berta. Figura importante per la città di Payerne, e madre dell'imperatrice Adelaide.

Tuttavia, le ultime scoperte, fatte nel 2021, ci svelano che le ossa conservate nella tomba, in realtà, non appartengono alla regina Berta.

La mia visita è finita. Ora inizia la vostra.

Sito web dell'istituzione: https://www.abbatiale-payerne.ch/

Recensione La cercatrice di funghi

2022-01-21T21:37:00.000+01:00

Recensione LA CERCATRICE DI FUNGHI

di Viktorie Hanisovà

“Avevo un'unica riserva rispetto alla cura: io non volevo curarmi affatto. Non intendevo accettare l'idea che la malata fossi io e non l'ambiente circostante.”

L'autrice

Viktorie Hanišová è scrittrice, traduttrice e docente di lingue. Ha esordito nel 2015 con il romanzo Anezka accolto positivamente da critica e lettori. I suoi libri sono tradotti in spagnolo, catalano, tedesco, croato, polacco e arabo.

Viktorie Hanisovà è stata per me una rivelazione. Onestamente ammetto di non aver mai letto nulla di sua produzione prima de La cercatrice di funghi e ne sono rimasta piacevolmente sorpresa.

Il libro

Sara, la protagonista e voce narrante del romanzo, ha un'infanzia difficile, drammatica quasi. Non si sente amata dalla sua famiglia con la quale ha un rapporto conflittuale e questo le causa un disagio e una mancanza emotiva perpetua.

Per questo decide di allontanarsi dalla famiglia e di andare a vivere in una casetta fatiscente, di proprietà dei suoi genitori, ai margini di un bosco, nella Selva Boema, in cerca di pace.

Nonostante Sara sia alla disperata ricerca della serenità, le è molto difficile trovarla. Gli incubi della sua infanzia la perseguitano ovunque, soprattutto la notte e la solitudine non l'aiuta a ritrovarsi.

Da studentessa modello si ritrova a seguire la sua passione e divenire dunque cercatrice di funghi. Questa attività le consente a malapena di sopravvivere, anche se il bosco e i funghi esercitano su di lei un certo fascino e un potere benefico.

Un amico d'infanzia e suo vicino, tenta invano di mostrare a Sara come venire fuori dalle tenebre del suo dolore. Qualcosa però, la lega ancora ad un mondo con il quale deve confrontarsi periodicamente.
Ce la farà Sara a riprendere in mano la sua vita e proiettarsi in una realtà di cui lei ha tanta paura?

Il libro è molto attuale e gli argomenti, delicatissimi, sono affrontati con struggente malinconia. In alcuni punti del romanzo si avverte quasi il desiderio di abbracciare forte Sara e dirle: "Coraggio, sei una ragazza meravigliosa, la vita ti ha sottratto tantissimo, ma vedrai che saprà restituirti quello che meriti!”

Questo libro mi ha tenuta inchiodata alle sue pagine fino alla fine. Affronta tematiche della vita difficili e delicate con dolcezza e pacatezza d'animo. Mai noioso, ma al contrario avvincente e commovente.

Durante la lettura si viene introdotti nel fantastico mondo dei funghi, della micologia, le dettagliate descrizioni appassionano e lasciano comunque una traccia nel lettore.

Lo stile del romanzo è semplice e scorrevole con periodi brevi e capitoli corti. L'autrice poi mette alla prova il lettore facendo dei salti temporali per l'intero romanzo. Il libro è autoconclusivo.

Ringraziamenti

Con questo post inauguro la mia collaborazione con la casa editrice Voland, che mi ha gentilmente inviato il volume de La cercatrice di funghi. Se siete interessati a l'acquisto del libro, seguite questo link: https://www.voland.it/libro/9788862434980.

L'articolo che avete appena letto è stato scritto da Sonia Troisio. Per la prima volta il blog ArghiroCulture accoglie una nuova autrice di post. Un grazie infinite per questa recensione Sonia, sperando che questa collaborazione sia lunga.

Intervista ad Amélie Nothomb e Recensione Premier sang

2021-12-10T14:46:00.001+01:00

Intervista ad Amélie Nothomb e
Recensione Premier sang

A tutti i fan di Amélie Nothomb, e anche a tutti coloro che amano leggere ma che ancora non conoscono quest'autrice eccezionale: questo post è per voi!

Qui di seguito troverete la mia recensione di Premier sang, l'ultimo libro della Nothomb edito da Albin Michel ad agosto 2021 (non ancora tradotto in italiano), e la mia intervista fatta all'autrice per corrispondenza.

Mi sembra incredibile ma è vero: qualche mese fa ho scambiato un messaggio vocale con Amélie Nothomb! Ma partiamo dall'inizio...

Sei anni fa, il giorno di Natale 2015 ho letto il mio primo libro di Amélie Nothomb: Né di Eva né di Adamo, vincitore del Prix de Flore nel 2007.

Trovate la mia recensione a questo link: http://arghiroculture.blogspot.com/2016/02/recensione-ne-di-eva-ne-di-adamo.html. Il romanzo mi era talmente piaciuto che ho cominciato a considerare la Nothomb una delle mie autrici preferite.

A giugno 2019 ho letto Stupore e tremori (questa volta in francese) e trovate la mia recensione a questo link: https://arghiroculture.blogspot.com/2019/07/recensione-stupore-e-tremori-di-amelie.html. Anche questo romanzo, vincitore del Grand Prix du roman de l'Académie française nel 1999, mi è piaciuto tantissimo e ovviamente a questo punto le mie aspettative sull'autrice sono altissime.

Il 14 luglio 2021 Amélie Nothomb é invitata al Teatro Apollo di Lecce (la mia città d'origine) per presentare il libro Gli aerostati.

Io mi trovo in Svizzera, ma per fortuna mio fratello è il fotografo ufficiale dell'evento e riesco a convincerlo a mettermi in contatto con lei. Mando un messaggio vocale a mio fratello destinato alla mia autrice preferita e lui riesce a farglielo ascoltare. Non solo, la Nothomb mi risponde con un messaggio vocale nel quale mi invita a scriverle una lettera al suo indirizzo parigino che avrebbe lasciato a mio fratello. Non nascondo che a causa dell'eccitazione quella notte non sono riuscita a dormire. Così, il giorno seguente ho scritto la lettera e qualche giorno dopo l'ho spedita direttamente dalla Francia (ero in vacanza a Bordeaux).

Quest'estate ho potuto leggere Gli aerostati, nella copia autografata che mia madre aveva acquistato alla presentazione. Purtroppo (che delusione!), non mi è piaciuto come i primi due romanzi che mi avevano fatto amare quest'autrice.

Però la storia ha un lieto fine dato che in autunno il mio compagno mi ha regalato Premier sang e mi è piaciuto tanto.

RECENSIONE Premier sang

Premier sang, vincitore del prix Renaudot nel 2021, è il romanzo più intimo della Nothomb che io abbia letto finora. Suo padre, l'ambasciatore belga Patrick Nothomb, è deceduto a marzo 2020. A causa dell'epidemia Amélie non ha potuto rendersi al funerale, questo libro è dunque il suo modo di elaborare il lutto e rendere omaggio al padre.

Il romanzo comincia in medias res quando Patrick si trova davanti a un plotone d'esecuzione in attesa della sua morte, nel Congo.

Poi la Nothomb fa un salto indietro nel tempo e scrivendo in prima persona, racconta l'infanzia del padre, mettendosi dunque nei suoi panni.

Patrick Nothomb ha un vissuto molto particolare: da piccolo, avendo perso il padre durante la guerra, era accudito (e viziato) dai nonni materni. La mamma di Patrick era insofferente nei suoi confronti.

Il bambino, considerato un po' troppo ingenuo dal nonno, viene spedito dai nonni paterni per le vacanze estive e qui, nel castello diroccato dei Nothomb scopre cosa vuol dire la fame, la prepotenza ma anche l'amicizia. Da questo punto in poi il libro diviene un viaggio in un mondo misterioso, quello dei nobili impoveriti, che esiste ancora ma non è accessibile agli occhi di tutti.

Dunque, Patrick impara ad apprezzare anche la durezza della vita e, divenuto fanciullo, deve decidersi per quale mestiere intraprendere da adulto. Molto presto, si sposa e diventa ambasciatore. Nel 1964, a 28 anni, in uno dei suoi viaggi viene preso in ostaggio, insieme a molte altre persone, da dei ribelli nel Congo. Qui si apre una pagina oscura della storia che vi invito ad approfondire tramite a questa intervista fatta proprio a Patrick Nothomb qualche anno fa : https://www.memoiresducongo.be/patrick-nothomb/.

Nel libro leggiamo di questa esperienza vissuta da Patrick e nonostante lui riesca a sopravvivere, la storia narrata da Amélie si ferma qui. Peccato, avrei voluto conoscere la vita di Patrick in seguito a questa vicenda drammatica.

Premier sang è un libro breve, come tutti quelli della Nothomb, ma al suo interno sono concentrati l'infanzia e la giovinezza del padre. Il lettore può calarsi nell'atmosfera del passato di Patrick grazie al talento letterario di Amélie.

Ho apprezzato questo libro soprattutto per lo stile di scrittura. La storia, anche se molto intensa, l'ho trovata un po' troppo riassuntiva e avrei voluto conoscere più dettagli. Tuttavia, se pensiamo che è stata scritta da Amélie, che al momento in cui accadevano i fatti narrati non era ancora nata, bisogna riconoscerle il grande merito di aver saputo leggere l'animo del padre in modo eccezionale.

Intervista ad Amélie Nothomb

- Ciò che apprezzo di più di lei in quanto scrittrice è che non cerca di piacere ai lettori, ma resta se stessa, fedele a ciò che ha voglia di dire. Come riesce a dimenticare che milioni di lettori leggeranno ciò che scrivere e lasciare scorrere l'ispirazione letteraria senza la paura del giudizio altrui?(Ce que j’apprécie le plus chez vous en tant qu’écrivaine est que vous ne cherchez pas à plaire aux lecteurs, mais vous restez vous-même, fidèle à ce que vous avez envie de dire. Comment arrivez vous à oublier que des millions des lecteurs vont lire ce que vous écrivez et laisser couler votre inspiration littéraire sans la peur du jugement autrui ?)

Amélie: Nel momento in cui scrivo il libro, sono incapace d’immaginare che sarà letto. Ho ragione: pubblico solo un terzo di quello che scrivo. Quindi, nel momento della scrittura, ho modo di pensare che non sarò letta. Questo mi salva. (Au moment où j’écris le livre, je suis incapable d’imaginer qu’il sera lu. J’ai raison : je ne publie que le tiers de ce que j’écris. Donc, au moment de l’écriture, j’ai de quoi penser que je ne serai pas lue. Cela me sauve).

- Non ho mai visitato Bruxelles ma mi piacerebbe farlo appena sarà possibile. Sarebbe così gentile da consigliarmi un luogo che le è caro? (Je n’ai pas encore visité Bruxelles et j’aimerais le faire dés que possible. Vous aurez la gentillesse de me conseiller un lieu qui vous est cher ?)

Amélie: A Bruxelles, le consiglio di visitare il Museo degli strumenti musicali, non soltanto perché è affascinante, ma soprattutto perché si trova nel mio edificio preferito di questa città. (À Bruxelles, je vous recommande de visiter le Musée des Instruments de Musique, non seulement parce qu’il est fascinant, mais surtout parce qu’il est situé dans mon bâtiment préféré de cette ville).

Interview de l'artiste Maud Louvrier Clerc

2021-10-11T20:29:00.016+02:00

La disparition du sable n° 34, Maud Louvrier Clerc, crayon et aquarelle, 26 x 26 cm, 2021

Interview de l'artiste Maud Louvrier Clerc

Il y a quelque temps, j'ai eu l'honneur et le plaisir de découvrir les œuvres d'une artiste qui dédie beaucoup d'énergie au sujet délicat et important que constitue l'environnement, elle s'appelle Maud Louvrier Clerc.

Portrait de Maud Louvrier Clerc (c) Vincent GRAMAIN

Elle défend la cause de la préservation de la planète que nous habitons. Avec une extrême sensibilité et un gout délicat, elle tente de transmettre le message du respect pour la nature à son public.

La pollution et les dégâts que l'homme a causé au monde nous amènera vers l'autodestruction. La Terre telle que nous la connaissons n'existera plus, ni le genre humain. Mais si notre planète arrivera, d'une manière ou d'une autre, à se transformer et à trouver un nouveau moyen de fonctionner, nous (ou les générations à venir) ne serons, au contraire, plus ses hôtes, ne profiterons plus de sa générosité ou de sa beauté. Cette réalité, connue de tous, est ignorée par la plupart d'entre nous, car elle nous semble trop compliquée pour essayer de la changer.

L'artiste Maud Louvrier Clerc aime mettre le spectateur face à la désolation que l'homme a provoqué à son environnement. Quels sont les sentiments que les œuvres de l'artiste nous procurent? Peut-être la rage, la tristesse, l'impuissance ou alors peut-être l'envie de faire et de s'engager pour changer les choses.

Pour moi, ses œuvres ont été telle une gifle car dans un premier temps, j'ai eu la sensation de ne pas pouvoir rétablir un environnement sain de mes seules forces. Mais après le choc initial, j'ai compris l'importance de ma prise de conscience de l'état actuel, rien que pour apprécier vraiment ce que j'ai aujourd'hui : la nature qui m'entoure et qui me remplit de joie.

Maud Louvrier Clerc est une artiste hétéroclite. Elle réalise sculptures, peintures, photographies, sérigraphies, design, collages, dessins, gravures et installations.

Je vous laisse découvrir l'interview de l'artiste ci-dessous.

En quelques phrases, comment avez-vous décidé de devenir artiste et quelles étapes ont fait de vous une artiste ?

J’écris des poèmes depuis l’âge de 9 ans, j’ai fait 10 ans de guitare classique, 20 ans de danse, 3 ans de théâtre et j’ai dessiné toute mon enfance puis suis passé aux pastels et à l'aquarelle pendant mes études supérieures. J’ai suivi pendant 7 ans plusieurs formations en histoire de l’art, d’abord au lycée, puis en cours du soir à l’Ecole du Louvre et enfin chez Christie's Education. Ensuite, j’ai travaillé dans l’investissement socialement responsable. Et un jour, suite à une maladie, j’ai réalisé que je ne pouvais plus attendre d’être qui j'étais vraiment : une artiste.

J’ai commencé à pratiquer dans des ateliers collectifs auprès de maîtres (gravure, calligraphie, sérigraphie), puis j'ai rejoint des projets artistiques participatifs et enfin j’ai réalisé des résidences artistiques.

À votre avis, quel est le rôle de l’art dans le monde d’aujourd’hui ?

Le rôle de l’art est multiple, il peut consoler, alerter etc. Je pense que celui que j’ai envie de lui conférer est d’ouvrir des portes ; d’insuffler une énergie positive ; d'inspirer une poésie ou juste l’envie de s’arrêter pour prendre le temps de contempler la beauté qui nous entoure, une montagne, un grain de sable ; de faire émerger un nouvel état de conscience, permettant la création d’un développement durable à travers une société plus juste et un plus grand respect de notre environnement.

En le disant, j’ai tout à fait conscience que l’objectif est utopiste. Ainsi peut être que le rôle de l'art est aussi de nous refaire prendre conscience que tout est possible et de nous redonner collectivement espoir en l'avenir.

Comment aimez-vous exposer vos œuvres ? Quel dispositif aide à faire rassortir la puissance de votre art dans un contexte expositif ?

Je préfère un décor sobre car cela permet aux œuvres de pouvoir s’exprimer. La possibilité de pouvoir réaliser des installations (au sol) ou des accrochages (au plafond) aide à faire ressortir la profondeur de certaines œuvres (au mur). Cependant un décor très présent peut devenir au-delà de la contrainte une réelle source d’inspiration.

Ce qui est essentiel, c’est surtout le dialogue avec les curateurs, les galeristes ou les directeurs des centres d’art. Notre écoute mutuelle, pour eux la compréhension de ma démarche, pour moi celle de leurs publics et la spécificité du lieu, nous permettent de coconstruire un projet d’exposition et une scénographie qui sont adaptés au contexte historique, économique, social et/ou environnemental de l'espace.

La possibilité de réaliser des installations participatives est aussi un vrai plus dans le cadre de ma démarche d’art engagé.

Quel élément pensez-vous pourrait aider les artistes contemporains à se dédier davantage à leur métier ?

Pouvoir rejoindre davantage de résidences rémunérées pendant 3 à 12 mois, que ce soit au sein de centres d’art, d’écoles, d’entreprises, dans la sphère privée ou publique, serait un vrai plus. Il en existe trop peu aujourd’hui et les jury sont submergés de dossiers.

Merci beaucoup à l'artiste pour ses réponses.

Examinons ensemble deux œuvres très récentes choisies par l’artiste et accompagnées par deux poésies écrites par l’artiste même.

La première s’appelle RÊVE D’AVENIR, voici sa photo :

Description de l’œuvre : « Rêves d’avenir » est un bancs-sculptures en pierre naturelle formé par plusieurs nuages, signé par Maud Louvrier Clerc et édité par Mobilier Urbain Muzzarelli. L’œuvre est d’un côté bicolore : grise et beige-rosé, de l’autre unie beige-rosé. Elle tient en équilibre comme si le nuage venait de se poser sur le sol. La fabrication de l’œuvre nécessite une technologie de pointe et un savoir-faire artisanal.

Chaque nuage est composé de 4 carronds qui s’interpénètrent. Un carrond est le nom donné par l'artiste à une forme d’équilibre née de la fusion d'un carré et d'un rond. Le nuage fait référence au climat et les 4 carronds symbolisent les 4 piliers du développement durable : économie, social, environnement et culture.

Ce mobilier d’art évoque l’importance de prendre en compte le climat pour créer un développement durable et de concrétiser ses Rêves d’Avenir.

Matière : Pierre Laval du Tarn

Dimension : 1,50 m x 1,20 m x 0,83m

Année de création : 2021

Lien vers le site de l’artiste : http://maudlouvrierclerc.com/works-655.html.

La poésie que l’artiste a choisi pour l’accompagner est issue de son recueil « Un Songe au Bord des Lèvres »:

L’Ascenseur des Passions

La Force des Montagnes

Le Souffle de l’Energie

Et trois respirations

L’une pour enflammer mes yeux

La seconde pour fermer mes poings

Pour qu’à la troisième je puisse tenir tête au destin.

La deuxième œuvre s’appelle LA DISPARITION DU SABLE n° 39.

Description de la série : « La disparition du sable » est une série de dessin-aquarelle de grains de sables observés ou fantasmés par l’artiste. Telle l’érosion qui la produite, des couches pigmentaires s’inscrivent dans un mouvement naturel de va et vient sur le papier laissant leurs empreintes en se retirant. Dans ces œuvres, Maud Louvrier Clerc, nous met face à la notion du rapport au temps qui différencie l’homme de la nature.

Représentant le sable en vue agrandie depuis un microscope, notre regard fini par se perdre dans la notion des dimensions de l’infiniment petit du grain de sable et de l’infiniment grand des iles qui semblent se dessiner. Dans ce travail de déconstruction, notre nouvelle définition même du sable, nous permet de voir les liens de cause à effet entre sa disparition et la destruction annoncée des littoraux. La plasticienne s’est inspirée des nombreux documentaires évoquant comment le sable est devenu en quelques décennies une matière de plus en plus précieuse. Donnant même naissance à de véritables mafias qui en contrôle dorénavant le commerce. Mettant ainsi en péril la solidité des structures bâties, puisque le sable de construction est soumis à des normes très strictes en ce qui concerne sa constitution.

Maud Louvrier Clerc se passionne également pour l’esthétique de sa composition qui peut révéler jusqu'à 180 minéraux faits de multitude de formes et de couleurs ainsi que des débris calcaires, des squelettes de coquillages et de crustacés. Ses peintures deviennent ainsi des archives du sable comme un témoignage avant sa disparition.

Matière : acrylique, brou de noix, encre de chine et sel de mer

Dimension : 80cm de diamètre

Année de création : 2021

Lien vers le site de l’artiste : http://maudlouvrierclerc.com/works-646.html.

Et, en écho, la poésie issue du même recueil « Un Songe au Bord des Lèvres » :

Ballade en bord de mer

Des dunes, dunes, dunes de sable,

Où des herbes, des herbes folles

Dansent au rytme, rythme, rythme

Des vagues, chantent, chantent

Ton nom...

Des coquillages blancs, blancs, blancs

Sur la sable, traversent les plages,

Les plages comme les nuages, nuages

Où se dessine, se dessine

Ton visage...

Dans toutes, toutes ses heures, ses heures

Loin de toi, je ne vois plus,

Je ne vois plus que toi, toi

Et ton ombre,

Et ton nom,

Et ton visage,

Dans ses dunes, dunes, dunes de sable

Et de coquillages...

Si vous voulez en savoir plus sur sa dernière exposition "LE GRAND PLONGEON" qui se tient au Conservatoire des Arts de Montigny le Bretonneux en France, du 16 septembre 2021 au 21 octobre 2021, je vous laisse suivre ce lien : http://maudlouvrierclerc.com/archives-419.html.

Interview de Marion Bornand

2021-08-04T14:49:00.002+02:00

Interview de l’illustratrice
Marion Bornand

Chers lecteurs, ces jours j’ai découvert une artiste illustratrice suisse et je n’ai pas pu m’empêcher de lui demander une petite interview pour le blog, en espérant de vous faire plaisir. Elle s’appelle Marion Bornand.

Ses illustrations sont chargées de couleurs parfois chaudes, parfois froides, mais toujours si intenses. Et la chose que je préfère est que ses dessins racontent toujours une histoire, par le biais de petits détails. Ceux qui aiment laisser libre cours à leur imagination, aimeront se perdre dans les œuvres de Marion.

Sur sa page web, que vous trouverez sous ce lien : https://www.marionbornand.com/, vous pouvez avoir un aperçu de son travail et accéder au shop.

En espérant vous avoir inspirés, je vous laisse lire cette sympathique interview.

Tu es née où, dans quelle région habites-tu et comment es-tu devenue illustratrice ?

Je suis née en Gruyère à Riaz et maintenant j’habite à Lausanne.

J’ai toujours dessiné mais c’est en 2017, quand j’ai découvert le digital painting, que c’est devenu plus qu’une passion. Ensuite tout c’est fait naturellement. Je me suis formée pour perfectionner ma passion et, voyant que je progressais et que mon ancien travail ne me satisfaisait pas, j’ai décidé de sauter le pas.

Est-ce que tu as déjà exposé tes œuvres ou aimerais-tu le faire dans le futur ?

J’ai exposé une seule fois, en 2016 à Charmey quand je faisais encore de la peinture. Pour l’instant je ne pense pas le refaire mais si l’occasion se présente, pourquoi pas.

Quel rôle, penses-tu, que l’art occupe dans nos vies aujourd’hui ?

Je pense que l’art est un bon moyen pour nous faire rêver et voyager. Il me permet également à faire sortir toute ma créativité, mes angoisses, mon stress… j’aime ce côté « thérapeutique » que l’art peut nous apporter.

Quelles sont tes sources d’inspiration ?

Mes sources d’inspiration je les trouve partout : la lumière du matin, un reflet, toutes les images qu’on trouve sur internet, les réseaux sociaux, la nature, un film.

Merci infiniment à Marion pour sa disponibilité et à la prochaine découverte !

Visita di Ballenberg - Museo svizzero all'aperto

2021-05-17T12:44:00.003+02:00

Visita di Ballenberg -

Museo svizzero all'aperto

Il mese scorso ha riaperto Ballenberg il Museo svizzero all'aperto, in vista della stagione primaverile.

Per la prima volta sono andata a visitarlo e questo è il mio resoconto, con il quale spero di invogliarvi ad andarci se ne avrete l'occasione.
Ballenberg si trova non lontano dal Lago di Brienz nel cantone di Berna.

Un'area naturale di 66 ettari contiene decine di edifici originali che sono stati smontati dalla loro ubicazione d'origine e ricostruiti a Ballenberg per permettere ai visitatori di ammirarli e, allo stesso tempo, alle costruzioni di salvarsi dalla demolizione certa.

Gli edifici, infatti, provengono da tutte le regioni della Svizzera ed appartengono a diverse epoche passate. Sono stati raggruppati in settori regionali e offrono la possibilità ai visitatori di farsi un'idea di come si viveva e si lavorava all'epoca dei nostri antenati.

Ci sono due entrate del museo, Est e Ovest, potete scegliere voi e recarvi alla biglietteria, dove un ingresso per adulti costa 28 franchi. Qui riceverete un cartina, disponibile anche in italiano, che vi guiderà nella vostra visita.

Per me, la prima bellissima tappa è stata una villa signorile del 1872 di Burgdorf BE. Questa abitazione, costruita interamente in legno secondo lo stile "chalet" è stata utilizzata per anni come sede degli uffici del museo. Oggi è aperta al pubblico ed è stata arricchita da due mostre: una dedicata ai costumi tradizionali e l'altra agli strumenti musicali svizzeri.

Da qui mi sono recata poi in una grande fattoria del 1797 di Ostermundigen BE, dove era stata allestita un'esposizione temporanea sulla mucca e tutti gli strumenti che servono al suo allevamento.

In seguito, continuando il cammino e percorrendo i secoli mi sono trovata davanti un edificio molto speciale, ovvero una casa del droghiere del 1779 con tanto di drogheria storica e giardino delle erbe officinale.

Qui si poteva visitare sia l'abitazione dell'artigiano che il suo laboratorio, colmo di erbe, fiori e preparati medicinali. In un locale situato nel giardino si potevano vedere dei farmacisti in abiti dell'epoca intenti alla preparazione di rimedi naturali.

Il parco di Ballenberg è perfetto per le famiglie, ma lo consiglio a tutti perché coniuga perfettamente una gita all'aperto dove è possibile camminare nella foresta con una bella vista sulle montagne, a una visita culturale, che permette di osservare case e luoghi di lavoro degli abitanti della Svizzera di qualche secolo fa. Ovviamente questo è il punto di partenza per tante riflessioni sui cambiamenti, in bene e in male, che ci sono stati riguardo il nostro stile di vita.

All'interno del parco è possibile mangiare in diversi ristoranti tradizionali. Consiglio di prendere un cappello nelle giornate soleggiate e una borraccia da riempire nelle tante fontane d'acqua a disposizione.

Per altre informazioni, visitate il sito web del parco: https://www.ballenberg.ch/it/.

Fiabe sorprendenti per principesse e disobbedienti

2021-05-17T12:23:00.003+02:00

FIABE SORPRENDENTI PER PRINCIPESSE E DISOBBEDIENTI

di Giordano CRISCUOLO

Cari lettori,

recentemente ho letto un libro di fiabe che mi ha regalato dei momenti di spensieratezza e di sogno. Il libro contiene fiabe e filastrocche dal gusto vintage, oserei dire, perché donano a chi le legge l'idea di un mondo genuino, colmo di cose belle. In primis l'amore. E anche se il male fa inciampare i protagonisti, tutti riescono a rialzarsi nel lieto fine. Mentre leggevo il libro ho avuto l'impressione di tornare bambina e di essere trasportata in una realtà dove tutto è possibile: che sensazione fantastica! Ho amato molto anche i disegni che rendono le storie ancora più speciali.

In questo post, troverete l'intervista che ho fatto all'autore Giordano Criscuolo.

Presentazione del libro scritta dall'autore

“Ho impiegato una vita per imparare a dipingere come un bambino”.

Terminata la stesura delle fiabe ho fatto mie queste parole di Picasso. Le storie sono nate sempre durante le lunghe giornate passate in casa con i miei bambini, Nicole e Pier Paolo. Alcune hanno preso vita un pezzo per volta, nel corso dei giorni; altre, come “Pier BrumBrum e Giorgia Boom!”, sono arrivate così, per intere, all’improvviso. Sono storie, dunque, nate prima dai desideri dei miei bimbi e poi dalla mia voce. Storie orali che stanno a loro agio nella voce di un genitore che rimbocca le coperte ai propri figli, fatti meravigliosi che trovano la loro dimensione ideale nei racconti attorno al fuoco. Ed è probabilmente per questo motivo che ho trovato difficile, difficilissimo, riportarle su carta. Mi ha aiutato nell’impresa una vecchia macchina da scrivere: a lei ho deciso di raccontare, con le stesse parole che usavo per i miei figli, queste fiabe. Con mio enorme stupore mi sono reso conto che è stato veramente un narrare, un discorrere, più che uno scribacchiare. Di fronte non avevo più la fredda luminescenza di un monitor sul quale potevo scrivere e cancellare la stessa frase anche per un’intera giornata. No: la prima frase, la prima parola, sulla macchina da scrivere, era quella giusta. Successivamente ho letto e riletto decine di volte quello che avevo scritto e decine di volte ho cercato di rendere sempre più semplici gli avvenimenti, le parole, la punteggiatura, la struttura dei racconti. Ritornando a Picasso, dunque, e parafrasandolo, io ho impiegato un anno per imparare a scrivere come un bambino.

Spero di esserci riuscito.

Le fiabe sono intervallate da diverse filastrocche, genere in cui mi sento decisamente più a mio agio.

Le influenze sono tante, le scopiazzature anche (a chiamarle omaggi farei più bella figura ma la responsabilità sarebbe maggiore). In “Pier BrumBrum e Giorgia Boom!” c’è forte la mano di Rodolfo Cimino, storico sceneggiatore del fumetto Disney italiano che con le sue storie ha contribuito alla magia della mia infanzia. Nelle filastrocche c’è, ovviamente, lo zampino di Gianni Rodari ma, più in generale, c’è l’ascendente che su di me ha avuto da bambino il primo volume de I Quindici, storica enciclopedia del tempo che fu. Le fiabe di “Dolcemiele” e “Desideria e la Chiromante”, che è nata quando Nicole, dopo tante regine cattive, mi chiese una storia con due re buoni, sono figlie dei classici e di Walt Disney. “Acquamarina” venne alla luce tre anni fa su una spiaggia del Cilento e subito finì nel dimenticatoio fino a quando, tempo dopo, i bimbi – che memoria prodigiosa hanno, quando gli conviene, i bimbi – me la chiesero. Dovetti reinventarla daccapo (la prima versione, ho questo dubbio che proprio non vuole andare via, era molto più bella… ma non ricordo nulla). “Zafferana e Nonna Camomilla” è la fiaba che ha i colori più miei: profuma di orti, frutta essiccata, miele, cioccolato, formaggi, solidarietà, giustizia, uguaglianza, unione, tenerezza. Ogni volta che la racconto mi scappa una lacrimuccia.

Ogni bimbo ha diritto a una fiaba e a una filastrocca. Mi auguro che le mie parole possano portare magia e leggerezza ovunque.

Hanno impreziosito queste storie le illustrazioni di Federica Di Tizio e Tiziana Ricci.

Biografia dell'autore

Giordano Criscuolo (1979), scrittore e silente cantautore, fondatore nel 2014 di Eretica Edizioni, è autore dei romanzi Le parole che non scrivo (2005), Come su un solco di Morrison Hotel (2009), 1000 anni con Elide (2010), All’aurora sulle stelle e altre storie del sottosuolo (2011) e Il meraviglioso vinile di Penny Lane (2015). Il 25 Aprile 2021 pubblica Fiabe sorprendenti per principesse e disobbedienti.

Intervista all'autore

Si tratta di una raccolta di fiabe dedicata esclusivamente alle bambine o anche ai bambini?

Le fiabe, come si evince dal titolo (…per principesse e disobbedienti), sono state scritte pensando a tutti, bambine e bambini. Del resto, avendo due splendidi figli, una femminuccia e un maschietto, non poteva essere diversamente.

Nel libro il tema dell’amore è molto presente. Soprattutto è un elemento salvifico per alcune protagoniste. Credi che ciò possa iscriversi in una visione odierna della realtà?

Sono umanista. Credo nelle donne, credo negli uomini, credo nel loro amore universale. L’amore non salverà il mondo: l’amore lo ha già salvato e continua a salvarlo tutti i giorni. Non tutti lo applicano correttamente, però. Alcuni lo fingono, altri non lo conoscono. Ci vorrebbe una pandemia di abbracci, una vaccinazione contro l’indifferenza.

Come e quando hai iniziato a scrivere e a pensare di poter fondare una casa editrice?

Ho iniziato a scrivere filastrocche e a disegnare fumetti a sei anni. Sia ben chiaro: non ero un bambino prodigio, non scrivevo nulla di geniale. E non sono mai stato bravo a disegnare. Però sognavo di diventare bravo come Dante (ero affascinato dalla Divina Commedia, mi bastavano quei primi versi, che erano gli unici che leggevo e rileggevo ogni giorno, per entrare in un nuovo mondo). La casa editrice è nata dalla mia esigenza di lavorare con l’arte e con gli artisti. Ognuno di noi ha dentro molteplici strade da percorrere e se, per caso o per errore, ne cammina una diversa, avrà come compagni di viaggio solo malinconia e alienazione. A me è successo ma è successo anche che in quei giorni, seguendo e invidiando il percorso di amici miei artisti, ho deciso di mandare tutto in aria per buttarmi in questa fantastica avventura. Le lettere sono la mia vita e l’arte mi sfama.

Qual è stata la tua fonte d’ispirazione per questo libro?

L’enciclopedia de I Quindici che noi bimbi degli anni 80 sfogliavamo estasiati, probabilmente ereditata dai cugini più grandi o dai genitori. Poi Rodolfo Cimino, Guido Gozzano, Gianni Rodari, Hermann Hesse, Italo Calvino, Shrek, Walt Disney. Filastrocche e fiabe devono tanto anche alle storielle che inventavano i miei genitori per incantarmi e ai cartoni che noi tutti guardavamo da piccoli.

Con quali valori vorresti che crescessero i bambini di oggi?

Con i loro valori, che non sono quelli che (forse) ho avuto io e che nessuno deve comunque sindacare, controllare, manipolare. Ho solo un sogno: che i bimbi di oggi crescano senza uno smartphone tra le mani. I bambini devono giocare, devono leggere, devono sporcarsi nel fango, devono sbucciarsi le ginocchia sull’asfalto, devono abbracciarsi, devono rubare le ciliegie sugli alberi, devono chiederci, devono ribellarsi. Smartphone e Tablet li anestetizzano.

Se questo articolo vi ha incuriosito, trovate Fiabe sorprendenti per principesse e disobbedienti disponibile a questo link: http://www.ereticaedizioni.it/prodotto/fiabe/.

Cara Italia - esposizione a Delémont

2021-04-20T15:13:00.000+02:00

Cara Italia - esposizione a Delémont

Lettori, in questo post voglio presentarvi un'esposizione che ho recentemente visitato in Svizzera.

Come molti di voi sapranno già, da circa cinque anni vivo in Svizzera per motivi personali e lavorativi. (Potete leggere qualcosa su di me nella biografia a questo link:http://arghiroculture.blogspot.com/p/benvenuto-in-questo-blog-troverai-le.html).

Credo di essermi integrata molto bene nel Paese in cui vivo, nonostante ciò, le radici italiane rimangono certamente forti e importanti. L'Italia mi scorre nelle vene e dà luce ai miei occhi, rendendo la mia identità a volte un po' impenetrabile per gli svizzeri.

Non nego che nel corso di questi anni, mi è capitato molte volte di inciampare in stereotipi e pregiudizi che gli svizzeri hanno su noi italiani. Come quella volta che una collega mi chiese se nel Sud Italia si vivesse solo di lavoro nero!

Ecco perché sono stata piacevolmente sorpresa quando sono venuta a sapere di un'esposizione dedicata ai migranti italiani in Svizzera al Musée jurassien d'art et d'histoire di Delémont.

Facciata del museo a Delémont

Due giovani donne di 18 anni, all'ultimo anno del liceo di Porrentruy (JU), per la loro tesi di maturità, hanno deciso di indagare le loro radici italiane. Laetitia Brugnerotto e Axalia Vollmer, infatti, sono entrambe discendenti di italiani arrivati in Svizzera per ragioni di lavoro.

Hanno avuto, così, la possibilità di mettere in piedi un'esposizione al Museo di Delémont. Purtroppo l'esposizione è terminata la scorsa domenica, ma vorrei comunque presentarvela come esempio di uno sguardo positivo che gli svizzeri riservano a noi, migranti italiani.

L'esposizione è stata allestita nella stanza al pianterreno del museo, dedicata alle esposizioni flash. L'ingresso è gratuito. Entrata in questa sala ho notato diversi tavoli in legno addossati alle pareti, sui quali erano esposti diversi oggetti dall'aspetto antico. Avvicinandomi ai tavoli, ho potuto osservare meglio gli oggetti e leggere la storia che li accompagnava. Ho apprezzato molti i video realizzati delle due studentesse, nei quali si può ascoltare la testimonianza dei migranti proprietari degli oggetti esposti.

Una storia che mi ha emozionato, ad esempio, è quella di una donna che ha prestato al museo alcuni pezzi della sua dote di matrimonio.

Vedere degli oggetti così personali esposti nel museo mi ha permesso di avere una visione panoramica della vita dei migranti all'estero.

Gli oggetti esposti, a mio avviso, sono il simbolo di un'identità che gli italiani si portavano appresso per mostrare agli altri e ricordare a loro stessi le loro origini.

Quando si parte dalla propria terra natale per andare in cerca di una vita migliore, nella valigia di ciascuno c'è un oggetto che rappresenta la propria appartenenza. Tale oggetto, spesso, ha un valore inestimabile per il proprietario perché racchiude la sua storia e quella della sua famiglia.

Il fatto che alcuni di tali oggetti siano arrivati nel museo per raccontare una realtà toccante è la prova della presa di coscienza dell'esistenza di un gruppo della popolazione che viveva e vive in Svizzera in un modo tutto suo, spesso rimanendo ai margini. Per paura di essere fraintesi e criticati.

La Svizzera ha aperto le porte a tantissimi migranti ma ha sempre preteso una certa omologazione delle culture. Volendo salvaguardare la sua di tradizione, la Svizzera spesso ignora quei gruppi minoritari che però, a voler ben guardare, le regalano tanta ricchezza culturale.

Bravissime Laetitia e Axalia, e complimenti al Musée jurassien d'art et d'histoire.

L'esposizione raccontata dalla RSI in questo video:

https://www.rsi.ch/play/tv/telegiornale/video/cara-italia?urn=urn:rsi:video:13875412

Interview de l'artiste Pierre-Alail Morel

2021-02-02T10:08:00.002+01:00

(c) Pierre-Alain Morel

Interview de l’artiste

Pierre-Alain Morel

Il y a un mois, je me suis rendue au Musée d’art et d’histoire de Fribourg, en Suisse, pour une visite.

Ce musée est énorme et rempli de merveilles. Le dernier étage de la nouvelle partie du bâtiment, un ancien abattoir, est dédié à l’art contemporain.

Ici, juste avant de redescendre les escaliers pour quitter la salle, j’ai aperçu un tableau qui m’a fortement marquée.

Ainsi, je suis revenue sur mes pas pour l’admirer de plus prêt et pour lire le nom de l’auteur.

C’était une peinture réalisée par Pierre-Alain Morel.

Ce qui m’a frappée de cette œuvre c’est bien sûr la combinaison des couleurs chaudes et froides, le jeu des reflets et des ombres ; mais c’est surtout la réflexion qui est derrière cette réalisation qui a capturé mon attention.

Il y a une toile dans la toile, ceci est surement le départ d’un voyage imaginaire pour moi.

Toutefois, ce que je ne savais pas encore, c’est que ce tableau était pour moi le canal pour connaitre l’artiste et réaliser une interview pour mon blog.

L’artiste

Pierre-Alain Morel est né à Fribourg en 1966.

En 1991, à l’âge de 25 ans, un atelier-logement lui a été octroyé par la Cité Internationale des Arts de Paris pour une année. À ce moment, l’art devient son métier.

D’année en année, sa technique de peinture et sculpture se développe, en se perfectionnant.

Si au début de sa carrière, le trait du pinceau de Morel était furieux et dessinait plein d’angles et de zig-zag sur la toile, on observe, dans la maturité de l’artiste, surtout beaucoup de courbes. Le trait s’est adouci et la palette des couleurs s’est fortement élargie.

Le collage est une thématique chère à l’artiste, qui aime travailler sur des images existantes et superposer sa signature, son interprétation, avec un trait de pinceau abstrait et doux.

Au cours de l’année écoulée, la peinture figurative est venue accompagner la peinture abstraite dans la même toile. Ainsi, l’œuvre est plus complexe et riche.

Interview de l’artiste

Pierre-Alain Morel se trouve à Paris depuis septembre 2020, pour une année, après avoir obtenu la Bourse Jean Tinguely et l’attribution par le canton de Fribourg d’un atelier-logement à la Cité Internationale des Arts de Paris.

Ainsi, j’ai eu l’occasion de l’interviewer par Skype.

L’artiste m’a révélé que pendant le temps qu’il a à sa disposition pour travailler, il s’ennuie jamais et profite d’en avoir assez pour réaliser ses œuvres en grande liberté.

À son retour en Suisse, en automne 2021, une exposition est déjà prévue : « Retour de Paris » au Musée de Morat.

Il y a beaucoup de moments très intéressants dans la carrière de Pierre-Alain Morel et l’artiste s’est révélé très disponible à en discuter.
Notamment, pendant notre conversation, il a reparcouru les étapes qui ont conduit à la naissance de l’Institut Créole en Suisse fondé avec l’artiste Wojtek Klakla.
Cet institut est le fruit d’une collaboration entre les deux artistes qui se nourrissent avec leur sensibilité réciproque.

La figure qui les a inspiré est l’écrivain Édouard Glissant qui était créole. Dans ses publications, il défendait la multiplicité des points de vue. Ainsi, il parlait de « créolisation des cultures ». Et nos artistes ont décidé d’amener un peu de créolisation en Suisse.

Une grande expérience que les deux artistes ont partagé, est un séjour de 40 jours en Chine en 2019.
Pierre-Alain Morel m’a expliqué que tout a commencé par un voyage à Pékin. Ils étaient invités par l’Ambassade Suisse en Chine. Ici, ils ont eu l’occasion de visiter un immense quartier artistique. L’hasard a voulu qu’ils rencontrent Liu Ruowang (artiste chinois célèbre pour ses installations artistiques à grande échelle, dont j’ai pu en voir une cet été à Florence).

Après avoir vu le livre présentant les œuvres de Morel et Klakla, Ruowang les invite à travailler pendant 40 jours dans son atelier.
Les œuvres que les deux artistes ont réalisé dans le Yukou art district à Shaanxi en Chine, ont fait l’objet de l’exposition : « Retour de Chine », au Musée d’art et d’histoire de Fribourg en 2020.

Je laisse la parole à l’artiste pour répondre personnellement à trois questions.

Quel rôle a le public dans vos œuvres d’art ?

Le public, qui vient visiter une exposition, prend acte de nos travaux et les fait exister ! C’est un écho à ce que l’on produit, souvent, d’une façon solitaire (pour les plasticiens). IL est donc indispensable.
Chacun à notre manière, nous sommes acteur et aussi spectateur, lecteur, auditeur, interlocuteur. La finalité de tout est certainement l’échange et la rencontre.

Pensez-vous que, dans le monde actuel, l'art joue un role dans la société?

L’art est essentiel, il correspond aussi à une expression possible de cette partie spirituelle (au sens laïc) de l’homme. Tout comme la philosophie par exemple, les domaines artistiques sont des lieux d’expressions qui peuvent aider à mieux vivre ou même à vivre passionnément !

L’éducation (artistique) peut contribuer à un accès plus privilégié à l’art et à l’image en apportant des moyens supplémentaires dans la lecture et la production d’images.
Les expressions artistiques ont leurs langages, comme tous langages, il y a des règles, un vocabulaire.
Ces éléments mieux compris, participent à l’appréhension d’une œuvre en apportant un accès plus vaste, plus riche, plus subtil, voire même, une compréhension différente à une production artistique !

À quoi vous êtes en train de travailler en ce moment ?

Dans la peinture, je cherche une liberté que je n’arrive pas trouver ailleurs. Quelque chose de sans limite dans la tête et dans le corps. Être léger, présent, et complètement investi.

Dans la toile, je vise un moment de folie, quelque chose qui m’échappe. Une association de formes, de couleurs qui provoque en moi une forme de dynamique visuelle intérieure.

Une sorte d’inquiétude réjouissante.

Dans ma démarche abstraite, il n’y a pas de formules, ni de voies tracées, tout est à inventer à chaque instant. Une forme, une trace, une couleur sont des invitations à une réaction picturale, un contraste à établir.

Le seul critère est mon jugement, une exigence personnelle.

Au fil des ans, un langage personnel s’est mis en place, comme une écriture calligraphique.

Le texte n’est cependant jamais écrit.

Souvent, je me demande par quelle magie j’ai encore envie de peindre.

Cet état d’être en peinture, comme en alerte, en réactivité permanente, est aussi assez épuisant mais me donne un sentiment de vitalité intense.

Une similitude que je sens de plus en plus avec ma manière de vivre ma vie. Cette perpétuelle réactivité à ce que je vis construit ce que je deviens.

Une somme de choix qui m’emporte, même si je ne sais pas où.
Mes approches de la figuration, en peinture comme en sculpture me donnent un sentiment de répit par rapport à l’abstraction. Un sujet donné est une contrainte qui oriente passablement, tout reste cependant aussi à faire.

Le sujet conditionne, invite, impose ses critères; au niveau de la réalisation, mais également à celui de la lecture.

Même dans les travaux où la facture, la manière de peindre est extrêmement personnelle, ce qui est représenté est souvent très dominant.

J’aime être devant un monde sans nom, comme un langage en soi.

Avec mon pinceau, je peux écrire le mot vigueur, je préfère l’utiliser pour tracer une ligne vigoureuse ; « ceci ne sera pas forcément la vigueur ».

Je remercie l'artiste de sa disponibilité et je vous invite aller découvrir son monde au link suivant :

Art | Pierre-Alain Morel (pierre-alainmorel.ch)

Intervista all'artista Elisa Vladilo

2020-12-18T09:30:00.003+01:00

Intervista all'artista Elisa Vladilo

Questo mese il blog ArghiroCulture ha raggiunto 100 mila visualizzazioni totali.

Dopo quasi sette anni di lavoro e tante soddisfazioni, ho deciso di festeggiare scegliendo un'artista molto speciale come ospite di un articolo.

Si tratta di Elisa Vladilo, un'artista italiana molto prolifica che in 30 anni di carriera ha creato numerosissime opere d'arte in Italia e all'estero. Il suo marchio di fabbrica sono i colori, con i quali cerca di portare un po' di gioia nel mondo e nella vita quotidiana.

Amo moltissimo le sue idee originali come Summertime - un'opera realizzata a Trieste, poi in Slovenija e in Austria - che consiste in balle di fieno dipinte con colori sgargianti e poste in luoghi pubblici urbani a voler simboleggiare un mood estivo spensierato. Inoltre, dalle balle di fieno viene diffusa una musica che aiuta il passante e spettatore dell'opera ad entrare in una bolla immaginaria dove riprendere fiato della routine cittadina.

Potete vedere l'opera in un video al seguente link:

SUMMERTIME di Elisa Vladilo on Vimeo.

O ancora Melting Street, opera creata nel 2013 a Pola in Croazia.

Durante una festa cittadina, la popolazione ha potuto partecipare alla realizzazione di un’opera pittorica sull’asfalto di una strada. Macchie di colore si allargano come fossero macchie d’olio, lasciando la scia della loro incontenibile allegria.

Elisa Vladilo, MELTING STREET, 2013, MMC Luka, Pola (Croatia)

La cosa incredibile è che di opere meravigliose come queste che vi ho presentato, Elisa Vladilo che ha realizzate a centinaia. Tutte colorate, giocose e che mettono di buonumore.

Personalmente, ho conosciuto l'arte di Elisa Vladilo nell'estate 2020 grazie a un'opera intitolata Echo Surrounding. Un environmental painting ampio circa 1550 metri che introduce il Polo Museale del Porto Vecchio di Trieste.

Le dimensioni e l'energia positiva emanata da quest'opera pittorica mi hanno spinta a contattare l'artista per proporle un'intervista sul blog.

Elisa Vladilo ha accettato molto generosamente, il caso però, ha voluto che trovassimo il tempo di fissare un appuntamento proprio a ridosso di Natale.

Biografia dell'artista

Elisa Vladilo è nata il 13 aprile 1961 a Merida, in Venezuela.

Ha iniziato a dipingere spontaneamente a 12 anni.

L'artista dichiara: "Fin da bambina sognavo di colorare il mondo, perché mi sembrava troppo grigio. Poi a 14 anni ho visto la mostra di Siqueiros a Firenze. Lì ho capito che poteva essere una direzione il dipingere su pareti reali, in luoghi pubblici. Ma ci sono voluti anni perché ci arrivassi davvero."

Nel 1981, Elisa Vladilo ha ottenuto la Maturità in decorazione pittorica presso l’Istituto Statale d’Arte di Trieste.

Dal 1982 al 1983 ha studiato Scenografia all'Accademia Belle Arti tra Venezia e Milano.

In seguito ha iniziato a lavorare in varie direzioni: tra decorazioni, cartellonistica, scenografia.

Dal 1989 ha avuto uno studio tutto per sé, ed ha iniziato la sua produzione facendo la prima mostra personale nello studio stesso.

L'arte per strada - vero filo conduttore dell'arte di Elisa - è iniziata nel 1996, dipingendo di rosa delle strisce pedonali a Genova, in occasione della presentazione di un numero di Opening, rivista d'arte di Roma.

Elisa Vladilo, PINK ZEBRA CROSSING, 60 x 140 (cm.) (each), 1996, AcrIlico su mattoni e pietre, Ethnic Café (Genova)

L'artista ci spiega: "Un momento significativo è stato quando nel 1989, ho partecipato all'allestimento della mostra di riapertura del Museo Revoltella. In quell'occasione ho conosciuto i lavori di alcuni artisti di Land art, proposti da Riccardo Caldura, che mi hanno colpito molto e mi hanno confermato la direzione da prendere."

Il primo grande intervento in uno spazio pubblico, è quello del 2007, sul Molo Audace a Trieste.

Intervista all'artista

Anche se sapevi che la tua vocazione era l'arte per strada, hai iniziato la tua carriera con opere su carta e su tela. Cosa ti ha dato lo slancio per seguire poi l'inclinazione per l'arte nello spazio pubblico?

Era da tempo che pensavo a come intervenire nello spazio reale. Nel 1996, parlando con un mio amico, Giancarlo Norese, gli dissi che mi sarebbe piaciuto dipingere le strisce pedonali di rosa, perché mi sembrava un peccato che non esistessero anche rosa.

Siccome anche lui era invitato a Genova per la presentazione della rivista Opening, ho colto l'occasione.

Le ho dipinte, in maniera abusiva, davanti allo spazio in cui si teneva l'evento. In realtà era una strada pedonale, per cui le strisce non avevano nessuna funzione reale, ma creavano un momento di curiosità, di gioco, di simpatica intrusione e ovviamente mettevano in risalto il luogo dell'evento.

Poi è seguito, sempre nel 1996, un altro intervento sull'asfalto, a Muggia (Trieste), all'interno di un Festival di Liberazione.

Lì ho realizzato dei tondi colorati di varie dimensioni, che dall'entrata si propagavano fino a sotto il palco, rimpicciolendosi; come a suggerire al pubblico un invito ad avvicinarsi al palco. Oppure poteva anche essere un gigantesco gioco di tondi su cui giocare.

Successivamente, ho sviluppato sempre di più il discorso della relazione tra colore spazio pubblico, continuando a trasferire nello spazio reale, il percorso di astrazione pittorica realizzato sulle tele.

Dopo diversi anni di esperienza che ruolo giocano i colori nella tua arte?

I colori sono sempre stati il filo conduttore e sempre lo saranno.

L'obiettivo fondamentale è di portare vitalità, gioia, animare i luoghi abbandonati, rigenerare gli spazi.

Infatti durante il mio percorso, si è fatta sempre più chiara l'idea di un colore strutturale, che dialoga con l'esistente, si relaziona con tutti gli ingredienti: funzionali, sociali, ambientali, discostandosi dall'idea di decoro, e inserendosi in maniera più articolata, quasi totalizzante.

Il colore è sempre stato l'elemento fondamentale del mio percorso artistico; inizialmente legato ad una ricerca pittorica, che per diversi anni si è riversata su tele, iniziando progressivamente ad uscire dalle tele e ad andare sulle pareti.

Alcuni riferimenti importanti di questo percorso sono stati, Siqueiros e i surrealisti, quando ero giovanissima. Successivamente, Nicola de Maria, Rothko, De Kooning, e tutta la pittura astratta e minimalista; poi ovviamente Christo e la Land Art; inoltre anche Pino Pascali, per il senso ludico.

Nella carriera artistica da dove ti arriva l'ispirazione il più delle volte?

Il mio motore di fondo è appunto di portare colore; l'ispirazione mi viene data dai luoghi stessi. Tante volte mi trovo in un posto e senza pensarci, comincio a vedere possibili interventi. Sono visionaria, e la cosa bella è che poi alcune di queste visioni, sono riuscita a realizzarle.

Come vedi la figura dell'artista nella nostra società oggi?

La figura dell'artista nella nostra società, la vedo più vicina e più presente nella vita e nella quotidianità.

L'artista si relaziona con varie realtà, portando il contributo dell'arte anche in territori, dove altrimenti non è detto che possa arrivarci.
In Italia non credo che la figura dell'artista abbia il giusto rilievo, ma come del resto diverse altre professioni nel campo della cultura; credo che purtroppo la tendenza sia sempre di non considerarle vere professioni.
Quindi si fa molta fatica a lavorare in un contesto che tende a squalificare. Certo negli ultimi anni, si sta facendo parecchio per migliorare la situazione, ma c'è ancora molto da fare.

Ora stai lavorando a dei nuovi progetti?

Al momento sto insegnando in una scuola Edilmaster, che coniuga arte e edilizia.
Insegno ai ragazzi a progettare per interni ed esterni, interventi pittorici, che poi spesso realizziamo. È un'esperienza molto interessante e mi piace poter trasmettere agli altri la mia esperienza. Ho fatto diversi laboratori negli ultimi anni, e da un anno insegno in questa scuola.

Progetti miei al momento sono un poco congelati, per via della situazione generale in cui viviamo.

Ce ne sono di pronti sulla scrivania, ma credo che per passare alla realizzazione dovrò aspettare, come tanti in questo periodo.

E proprio in riferimento a questi progetti, c'è un sogno che vorresti realizzare come artista?

Ci sono molti luoghi che hanno bisogno di essere riqualificati, rianimati. Per esempio i piloni delle sopraelevate: è un tema che mi intriga molto.

Ringrazio di cuore Elisa Vladilo per la disponibilità e nell'attesa di vedere delle nuove e bellissime opere, vi consiglio di visitare la sua mostra virtuale al seguente link:

Take-a-walk-on-the-coloured-side | Hubs by Mozilla

Mostra creata da Antonio Giacomin. Si può visitare anche con un avatar e l'artista propone delle visite guidate aperte a tutti.

Pagina Facebook dell'artista: https://www.facebook.com/elisa.vladilo.

RECENSIONE Senti che vento

2020-12-05T10:28:00.001+01:00

RECENSIONE Senti che vento

di Eleonora SOTTILI

Ho trovato un nuovo bellissimo libro nella mia libreria di fiducia, nel cuore di Berna. Leggerlo mi ha regalato ore di fantasticherie e per questo ho deciso di recensirlo sul blog.

Agata, sua madre Graziella e la nonna Fulvia sono i personaggi principali di Senti che vento, romanzo di Eleonora Sottili, pubblicato da Einaudi nella primavera 2020.

Agata ha 28 anni, la mia età, ed ha studiato storia dell'arte, come me. Forse per queste ragioni ho sentito la storia che la vede protagonista, fatta di ricerche, mistero e sensibilità, molto vicina a me.

Le tre donne vivono insieme in una casa sul bordo del fiume a Bocca di Magra, in provincia di La Spezia. Il Magra è il principale fiume che scorre in Liguria e a Bocca di Magra si getta nel mare. Il territorio è molto importante nella costruzione della storia di Senti che vento, dato che il perno è proprio l'inondazione del fiume.

Agata, ad una settimana dal matrimonio, riceve il vestito da sposa a casa e la sera stessa, piove talmente tanto che il fiume, che scorre a qualche metro da casa sua, esonda. Tutto Bocca di Magra è sommerso d'acqua e il ponte che lo collegava ad altri paesi crolla.

Le tre protagoniste, si rifugiano al primo piano della casa, che è rimasto asciutto e dove hanno portato in salvo un po' di cibo e alcune cose a cui tenevano.

Agata, Graziella e Fulvia si rifiutano di lasciare la casa con i soccorsi e accettano soltanto gli aiuti che essi possono portare, come acqua potabile e qualche provvista.

Con questa premessa si dipana una storia originale che vede le tre donne reagire a tutti i regali che il fiume ha portato.

E così, tra un cucciolo di cinghiale arrivato in giardino, una piccola barca tratta in salvo dal terrazzo e pasti frugali mangiati al lume di candela, Agata racconta al lettore il suo passato e allo stesso tempo cerca di scoprire i segreti che nasconde la nonna.

In questo libro troviamo l'amore per il mare e per la libertà, la spinta a viaggiare e cercare la propria strada, la voglia di tornare e creare un legame con le persone che la vita ci ha messo davanti.

La scrittura di Eleonora Sottili è ironica, poetica, originale e ha il sapore dell'indipendenza.

Quello che ho apprezzato tantissimo è che la scrittrice utilizza una catastrofe naturale, come l'inondazione, come punto di partenza per una storia ricca di ottimismo e di curiosità.

Agata è costretta a rimanere a casa con la sua famiglia una settimana prima del suo matrimonio ma, invece di ribellarsi, accetta la situazione e ne approfitta per cercare dentro e fuori di sé le risposte a quelle domande tipiche della sua età.

Appena ha la possibilità di partire, però, con la stessa leggerezza di sempre, prende il largo e va dove la porta il cuore.

Lettura consigliata a chi ama le storie famigliari che fanno un salto indietro nel tempo. E anche a chi ha difficoltà ad apprezzare il tempo che dobbiamo trascorrere a casa in questo periodo storico.

A questo link trovate un estratto del libro: https://www.einaudi.it/content/uploads/2020/01/Pagine-da-INT_sottili_eleonora_senti_che_vento.pdf.

In questo video, invece, l'autrice legge l'incipit del libro.

Interview de l'artiste Elkemel Mabrouk

2020-11-27T11:59:00.005+01:00

Balcony 3, encre sur toile, 200 x 175 cm

Interview de l'artiste Elkemel Mabrouk

Des œuvres pleines de couleurs ont capturé mon attention.

Sur un fond en toile ou en papier coloré de vert ou de bleu et façonné comme la texture du sable, naissent des figures. Elles peuvent être anthropomorphes, animales ou encore représenter des objets.

Dans le tableau Balcony 3, par exemple, on peut reconnaitre un couple sous un parapluie, un chat qui montre le dos, une télévision avec son antenne et milles choses encore.

Une œuvre comme celle-ci nous rappelle que tout est possible, elle ouvre notre regard vers l'inconnu et nous livre un intéressant exercice de recherche visuelle.

Si on préfère s'arrêter à la vision d'ensemble, le tableau se présente comme jeu de couleurs, presque comme un pattern, un motif qui nous transporte dans un monde ancestral.

Mon intérêt a été réveillé par cette technique artistique ainsi que par la beauté du résultat, donc j'ai pris contact avec l'artiste et je lui ai proposé une interview.

Biographie de l'artiste

Elkemel Mabrouk est né le 9 janvier 1980 à Sidi Bouzid en Tunisie.

Il a étudié les beaux-arts pendant 4 ans, de 2001 à 2006 à Nebeul. Pour se spécialiser il a choisi la sculpture.

En 2007, il a suivi une formation dans la ferronnerie d'art.

Puis il a travaillé comme décorateur pendant 3 ans.

De 2010 à 2011, il a travaillé comme coordinateur artistique dans un atelier de peinture sur verre.

Et de 2012 à 2014, comme coordinateur artistique dans un société de sculpture.

Depuis 2015 jusqu'à ce jour il travaille comme formateur en poterie dans un centre international pour les handicapés en Tunisie.

En parallèle il a un petit atelier dans sa maison.

Elkmel Mabrouk a été nominé parmi les 18 artistes finalistes du Yicca International Contest of Contemporary Art 20/21.

(c) Elkemel Mabrouk

Interview de l'artiste

On parle des œuvres comme Balcony, The rest, Dans la rue. Quelle est votre technique? Qu'est-ce que vous voulez exprimer ? D'où vous prenez l'inspiration?

Je travaille avec l'encre sur toile et sur papier.

Mes dessins sont inspirés des vestiges et épars, de l'exotisme et du spontané.

Je laisse l'encre se former et se déplacer sur le tissu. Il génère des formes qui combinent l'humanité avec l'animal et la végétation, ils nous transportent donc dans les royaumes de l'imagination, de l'étrangeté et du monde de la paléontologie.

Je dessine tout ce qui est disponible en mémoire, en imagination et en matière, dessine le tremblement du stylo dans ma main et dessine même mes erreurs.

Cette relation entre l'encre, le papier et le tissu est venue lorsque j'ai suivi le travail de certaines femmes dans la teinture de la soie.

Est-ce que vous avez déjà exposé vos œuvres?

J'ai fait quelques expositions collectives en Tunisie. Et un exposition personnelle à Strasbourg en France en 2019. Ma dernière série de tableaux n'a pas été exposé.

Est-ce que vous avez des objectif comme artiste pour l'avenir?

Maintenant je travaille sur une exposition personnelle pour présenter cette nouvelle expérience.

Je vais continuer cette expérience et essayer de lui ouvrir de nouveaux horizons.

Maintenant je recherche des expositions importantes à l'intérieur et à l'extérieur de la Tunisie.

Œuvres choisies de l'artiste

Dance, encre sur papier, 85 x 55 cm

In the gallery, encre sur papier, 85 x 55 cm
Dans la rue, Encre sur papier, 85 x 55cm

Contact de l'artiste

Elkemel Mabrouk | LinkedIn

Visita e storia della Fondation Beyeler

2020-11-18T16:11:00.005+01:00

(c)Fondation Beyeler

Visita e storia della Fondation Beyeler

Tempi difficili per l'arte? Forse sì.

Qui in Svizzera l'emergenza sanitaria ha costretto molti cantoni a chiudere tutti i musei. In alcuni cantoni, come in quello di Basilea invece, i musei rimangono aperti. Lo scorso weekend mi sono recata a Riehen, vicino Basilea, per visitare la Fondation Beyeler.

Conoscete la storia dei collezionisti Beyeler?

Ernst Beyeler, giovane studente a Basilea, iniziò a lavorare per Oskar Schloss, un antiquario che era scappato dalla Germania nazista per trovare rifugio in Svizzera.

Quando Oskar Schloss morì, nel 1945, Ernst Beyeler riprese la sua attività di commerciante di libri antichi, grazie all'aiuto economico di sua moglie Hildy Kunz.

(c)Fondation Beyeler

Poco a poco la giovane coppia sentì il bisogno di avvicinarsi all'arte e allontanarsi dal commercio di libri. Nel 1952 l'attività fu ribattezzata "Galerie Beyeler" e il negozio di libri venne riconvertito in galleria d'arte.

La galleria crebbe velocemente. Ad ogni opera venduta, la coppia ne acquistava altre due. In un primo tempo gli acquisti furono orientati soprattutto sull'arte tedesca, poi sull'arte francese e infine sull'arte svizzera.

Per cinquant'anni i galleristi furono anche collezionisti e nel 1982 decisero di trasformare la collezione in fondazione. Nel 1989 la collezione fu presentata per la prima volta al pubblico come una sola entità al Centro de Arte Reina Sofía a Madrid.

Dopo questo passo, la collezione dei coniugi Beyeler catturò l'attenzione dei media. Il momento era propizio per creare un museo e attirare visitatori da tutto il mondo.

Ernst Beyeler desiderava costruire il museo nel luogo dov'era nato, a Riehen. Scelse una villa in stile rococò circondata da un grande parco.

(c)Fondation Beyeler

La villa Berower oggi accoglie il ristorante e l'amministrazione del museo. L'edifico che accoglie la collezione invece è stato progettato da Renzo Piano, secondo il volere della coppia Beyeler, ed è stato inaugurato nel 1997.

Visita della Fontation Beyeler

Riehen si trova a pochi minuti in macchina da Basilea e si può raggiungere facilmente anche con il tram che parte dalla stazione tedesca Badischer Bahnhof di Basilea.

Il primo edificio che si staglia davanti ai vostri occhi è proprio la villa Berower. Si deve proseguire per qualche metro lungo un vialetto nel parco della villa per arrivare al museo progettato da Renzo Piano.

(c)Fondation Beyeler

La cosa che colpisce l'attenzione di tutti i visitatori è che questo museo, costruito in pietra rosa della Patagonia e con ampie vetrate, è circondato dall'acqua. Infatti, dei suggestivi laghetti con ninfee fiorite, sono parte integrante del progetto architettonico dell'edificio.

L'acqua riflette le vetrate delle sale espositive, e dall'interno si possono vedere le vere ninfee richiamare quelle dipinte da Monet presenti nel museo.

Tutto qui è un gioco di luci, colori, riflessi e richiami contestuali. Sono questi dettagli a rendere la visita del museo, una vera esperienza sensoriale.

(c)Fondation Beyeler

All'interno dell'edificio, il parquet posato per terra, ricorda quello presente nel Centro Paul Klee di Berna (trovate tutti i dettagli a questo link https://arghiroculture.blogspot.com/2016/11/zentrum-paul-klee-berna.html.) Il soffitto, invece, è composto da una vetrata che è possibile oscurare a piacimento dai tecnici del museo. Ciò permette di illuminare le opere con la luce zenitale e allo stesso tempo, proteggere le opere da una fonte luminosa diretta.

(c)Fondation Beyeler

Esposizioni presenti in questo momento alla Fondation Beyeler.

La Fondation Beyeler è famosa per esposizioni di rilievo internazionale. Io ho avuto la fortuna di vederne una dedicata a Monet nel 2017. Ci sono state esposizioni anche su Picasso, Klee, Baselitz, Giacometti, Hopper e molti altri.

In questo momento si sta preparando un'esposizione su Rodin e Arp che sarà inaugurata il 13 dicemebre.

Fino a quel momento cos'è possibile vedere alla Fondation Beyeler?

La collezione ovviamente! Presentata in nuova veste fino al 28 marzo 2021.

Partendo da un quadro di Henri Rousseau, dove assistiamo alla scena crudele di un leone che divora un'antilope, la Fondation Beyeler dichiara di avere fame anche lei. Ma fame d'arte, così come il suo pubblico in questo periodo complicato.

(c)Fondation Beyeler

Nelle sale dell'esposizione sono appese opere di Henri Matisse, Vincent van Gogh o Paul Cézanne. Si trovano anche famose sculture di Alberto Giacometti.

(c)Fondation Beyeler

Alla fine di questa esposizione, potrete vederne un'altra dedicata all'artista americana Roni Horn.

Per concludere, vi consiglio un posto un po' segreto. Nascosto dalle sale espositive, si trova un lungo corridoio dov'è possibile sedersi su un grande divano, leggere un libro d'arte o guardare fuori dalle immense vetrate.

(c)Fondation Beyeler

Appuntamento alla Fondation Beyeler!

https://www.fondationbeyeler.ch/

Visita al Castello di Prangins

2020-11-05T11:31:00.003+01:00

Visita al Castello di Prangins

In questo post voglio raccontarvi una storia, che si svolge a Prangins, in Svizzera.

Non lontano dalla riva del Lago Lemano (o Lago di Ginevra), tra Ginevra e Losanna, sorge un castello nel cuore di un borgo chiamato Prangins. Il paese si trova su una piccola collina, da dove si ha una vista mozzafiato del lago cinto dalle alpi all'orizzonte.

(c)Musée national suisse

Nel 1723 Louis Guiguer, un ricco banchiere parigino, costruisce la sua casa proprio qui. Alla sua morte, il castello passa al nipote, che a sua volta lo lascia al figlio Louis-François Guiguer.

Il protagonista della nostra storia è proprio lui, Louis-François, che verso la fine del 18° secolo si stabilisce nella dimora con la moglie inglese Matilda.

Dal 1997, il castello di Prangins è una sede del museo nazionale svizzero. Oggi è possibile visitarlo e attraverso l'esposizione permanente: Noblesse oblige! La vita in un castello del 18° secolo, si può conoscere Louis-François e Matilda.

Ora potete immaginare un bellissimo parco, ricco di alberi che in autunno perdono tutte le loro foglie, colorando il suolo con un manto giallo e marrone. L'aria fresca vi solletica il volto e le scarpe affondano nella terra bagnata dalle frequenti piogge. Vi trovate nel parco del castello di Prangins, dove è stata allestita la Promenade des Lumières, una passeggiata didattica che si può fare anche senza pagare il biglietto e che è aperta a tutti anche quando il museo è chiuso. In questo sentiero si incontrano le silhouette dei numerosi personaggi che hanno abitato il palazzo. Attraverso le loro storie e molti aneddoti, entrate in contatto con il secolo dei Lumi, epoca d'oro del castello.

(c)Musée national suisse

Sicuramente, in questo percorso, non avete potuto ignorare un immenso orto, dalla forma simmetrica, che come un grande bacino d'acqua vi invita a tuffarvi al suo interno.

Si tratta del più grande orto storico della Svizzera, aperto a tutti, gratuitamente, tutto l'anno. Qui ci sono antiche specie di ortaggi, frutti e fiori e un assortimento di verdure ed erbette che consumiamo ancora oggi, magari senza conoscerne la storia. L'orto è diviso in zone tematiche e sensoriali, dove è possibile odorare, toccare e assaggiare alcune specie vegetali. Ci sono alcune erbe medicinali o magiche e anche le aromatiche ed utilitarie.

Al momento della costruzione del castello, nel 1723, Louis Guiguer da ordine di creare un orto per sfamare gli operai che erano impegnati nel cantiere.

Oggi, potete avere un anteprima dell'orto nella visita virtuale disponibile e questo link: https://media.nationalmuseum.ch/cdp_jardin_printemps/.

(c)Musée national suisse

Ora che siete usciti dall'orto, alzate lo sguardo, quello che si staglia davanti ai vostri occhi è il castello di Prangins.

Ha una forma a ferro di cavallo, simmetrico, con due braccia che si sviluppano ai lati di un corpo principale. Delle torrette si ergono alle due estremità della struttura. Piano terra, primo piano e soffitte sono ben distinte già dall'esterno, dove possiamo farci un'idea della ripartizione dell'edificio.

Una parte sotterranea è nascosta alla vista, al tempo veniva utilizzata come prigione e come locale dove pigiare l'uva.

Al vostro passo la ghiaia scricchiola, mentre vi avviate all'ingresso situato nell'ala sinistra del palazzo.

In questi giorni il museo è chiuso a causa dell'emergenza sanitaria. Ma alla sua riapertura sarà possibile vistare tre mostre nel castello divenuto museo (cliccate sul titolo della mostra per accedere alla sua pagina web):

Pronti a partire? Mostra gioco per famiglie.

La Svizzera che cambia 1750-1920.

Noblesse oblige! La vita in un castello del 18° secolo.

Quest'ultima è la mia preferita.

Con un'audioguida, compresa nel prezzo dell'ingresso, si può passeggiare per le sale del piano terra del castello e immergersi nella vita di Louis-François Guiguer e sua moglie Matilda, che hanno abitato questi luoghi nel corso del 18° secolo.

E così, iniziando il viaggio in compagnia dei servitori, a turno vari personaggi si presentano attraverso l'audioguida, compresi Louis-François e Matilda.

In questo modo veniamo a conoscenza delle loro abitudini al castello e del loro modo di vedere la vita.

(c)Musée national suisse

Ad esempio, scopriamo che i coniugi Guiguer erano soliti ricevere degli ospiti che molto spesso rimanevano a dormire nel castello.

La Svizzera, a quel tempo, veniva vista come una tappa montanara dai turisti europei che volevano recarsi in Italia durante in famosissimo Grand Tour.

Inoltre, con questa visita si può entrare in contatto con una passione di Louis-François: la scrittura del diario.

La scrittura giornaliera di un diario ha accompagnato Louis-François per 15 anni, durante i quali ha descritto soprattutto gli avvenimenti lieti della sua vita, tralasciando quelli dolorosi. Questi diari, raccolti oggi in 3 tomi, si possono consultare al museo e addirittura acquistare. Dalle poche pagine che ho letto, ho sentito chiaramente l'amore di Louis-François per la moglie.

(c)Musée national suisse

Noblesse oblige! è un'esposizione coinvolgente perché molti dettagli sono studiati per farci sentire al centro dell'azione.

Si possono toccare alcuni campioni di tessuto usato per tappezzare le pareti o per realizzare i cuscini di una sedia.

Si possono vedere degli allestimenti di mobili e oggetti che ricreano dei momenti d'intimità nelle sale.

Si possono ascoltare i pensieri dei vari personaggi che abitavano il castello, riscostruiti con precisione storica.

Per darvi un'idea della mostra, vi invito a visitarla in modo virtuale al seguente link: https://virtuell.landesmuseum.ch/cdp_Noblesse_Oblige/index.html. Potrete addirittura ascoltare l'audioguida direttamente da casa, cliccando sul simbolo Play in ogni sala della mostra.

Volevo invitarvi all'esplorazione del Castello di Prangins, che nel 1997 è divenuto una sede del museo nazionale svizzero, con il racconto della mia esperienza di visita. Ora che il museo è chiuso, non ci resta che aspettare la sua riapertura e immaginare le mille vicende che lo hanno visto protagonista durante il secolo dei Lumi.

(c)Musée national suisse

Intervista all'artista Xavier Escala

2020-08-12T11:45:00.000+02:00

Intervista all'artista Xavier Escala

Tempo fa mi è capitato di adocchiare le opere di uno scultore spagnolo su Internet.

L’artista si chiama Xavier Escala e le sue opere mi sono talmente piaciute che ho deciso di scrivergli e proporgli un’intervista sul blog.

Dato che l’artista vive e lavora in Spagna, il suo sito web www.xavierescala.com è in spagnolo. Dunque, ho deciso di scrivere una breve biografia in italiano per tutti voi lettori.

Voglio comunque rassicurarvi sul fatto che Xavier Escala parla un ottimo italiano e ci siamo capiti alla perfezione durante l’intervista.

Biografia dell'artista

Xavier Escala è nato nel settembre 1975 in un paesino vicino Barcellona, dove vive ancora oggi. Sua madre era insegnante e suo padre era marmista e direttore di una fabbrica nella filiera del lapideo.

Xavier impara il mestiere dal padre, con il quale collabora per un decennio. Dopo aver ricevuto le basi per la lavorazione del marmo direttamente sul campo, Xavier sente il bisogno di intraprendere gli studi nel campo dell’arte.

A 30 anni, spinto da un desiderio di cambiamento, l’artista decide di seguire la sua aspirazione. Si iscrive all’Università di Siviglia e questo percorso di studi lo porterà a vivere, lavorare e studiare all’Accademia di Carrara per 5 anni. Qui Xavier lavora nello studio di scultura "Corsanini" e nello studio di Aron Demetz, che è stato suo professore alla Accademia.

Terminato il suo corso di studi, nel 2013 si stabilisce in Spagna nel suo paese d’origine dove lavora a tempo pieno come artista sculture.

Oggi Xavier ha un proprio laboratorio per la creazione delle opere ed espone regolarmente attraverso mostre in tutta l’Europa.

Intervista all'artista

Dopo aver scolpito per anni solo il marmo, sono entrati nella sua produzione artistica il legno e la ceramica. A questo proposito ho chiesto a Xavier se cambiare materiale ha portato un cambiamento nella sua arte.

Mi ha risposto: "Sì. Il materiale condiziona le idee. Non per la morbidezza, ma per le sue possibilità. Il duro, per esempio, si può anche esprimere con materiali morbidi. Penso che materiali diversi debbano essere al servizio della immaginazione creativa".

A questo punto non ho potuto resistere e ho chiesto all'artista di descrivere il processo di creazione di una sua opera.

Ecco la risposta di Xavier: "Le idee mi vengono in mente, spontaneamente o dopo un processo di ricerca cosciente. Poi faccio dei disegni.

Dopo c'è un tempo in cui le idee, fissate nel disegno, rimangono "calde", cioè c'è ancora una energia in loro, attraverso il disegno.

Penso alle possibilità delle idee, e poi scelgo di andare avanti, perché la mia scultura richiede lungi tempi di elaborazione.

Ma le idee dopo un po’ di tempo si raffreddano, e in certo modo, spariscono o muoiono.

Poi il processo di scultura, e molto legato al mestiere, nel mio caso.

L’opera "perfetta" è quella che nasce con grande forza e spinge l’artista a farla nascere, e quella energia accompagna l'opera dall'inizio alla fine, finché si ferma in lei".

Xavier Escala ha sposato Nina Murashkina, un’artista di talento. Le collaborazioni di coppia hanno portato nuova linfa all'arte di Xavier.

Goodess, Xavier Escala/Nina Murashkina, legno, 2019

Lui stesso dichiara: "Una collaborazione è sempre un arricchimento. Con mia moglie le collaborazioni hanno avuto successo dato che siamo complementari.

Ognuno ha le proprie visioni, che si esprimono di modo diverso, ma vanno nella stessa direzione".

Qui di seguito vi lascio le cinque domande che ho posto all'artista per dargli l'occasione di esprimere il suo pensiero sull'arte, che trovo veramente interessante.

Xavier, cosa ti ispira più di tutto nel creare un’opera d’arte?

L'ispirazione va e viene misteriosamente. Ma è sempre qualcosa che viene da dentro, da un'idea, visione o immaginazione. Quindi per me l'ispirazione è il processo di esprimere con il linguaggio della scultura una forma interna. Solo ogni tanto essa proviene da una musica, una persona, una roccia, qualcosa di fisico che suggerisce un'immagine.

Il tuo talento si esprime anche attraverso il disegno. Qual è per te il limite e il pregio di tale tecnica?

Da qualche anno provo a esprimere la mia arte attraverso la scultura. Il disegno adesso è un metodo per fissare le idee, progettare e ricercare le forme. Il disegno è anche una disciplina, una ginnastica per conservare e sviluppare le proprie capacità. Ma penso che il disegno non ha limiti, e anche che “il disegno è la probità dell’arte” come scrisse Ingres.

Nella tua produzione artistica vediamo un richiamo alla scultura classica. In questo momento cerchi di avvicinarti o di allontanarti dalla tradizione?

Non posso allontanarmi dalla tradizione. Gustav Mahler definì molto bene cosa è la tradizione: “alimentare il fuoco, non adorare le cenere”. Se voglio allontanarmi da qualcosa è da questa adorazione delle cenere. Vorrei usare un linguaggio tradizionale, solido e comprensibile, per esprimere le mie idee, ciò come io vedo il mondo e le sue diverse realtà, oggi.

Quando le tue opere vengono esposte, quale metodo, contesto o mezzo credi che riesca a valorizzarle di più?

La scultura ha bisogno di spazio e di luce zenitale per rivelare la vita delle forme.

Quali sono i tuoi progetti per il futuro?

Quest'anno quasi tutti i progetti e mostre sono stati cancellati o aggiornati per un futuro prossimo. Lavoro nel mio studio su una serie di sculture che si aprono, spero di potere realizzare una futura mostra con il titolo di “Apertura”.

Quest'intervista mi ha lasciato una grande curiosità di vedere realizzati i progetti di Xavier Escala, che voglio ringraziare per la disponibilità.

Credo che la sua arte sia carica di una sensibilità molto particolare, che l'artista riesce ad esprimere benissimo attraverso la lavorazione di diversi materiali.

Uno dei miei desideri è poter ammirare dal vivo alcune delle opere di Xavier Escala. Se vi ho trasmesso la mio stesso interesse, vi invito a visitare il sito web dell'artista www.xavierescala.com.

Qui di seguito le foto di alcune opere di Xavier Escala.

Xavier Escala, matita su carta, 21 x 29 cm, 2010

Xavier Escala, carboncino su carta, 100 x 100 cm, 2010

Xavier Escala, marmo di Carrara, 70 x 64 x 40 cm, 2009

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