Presentata per la prima volta nel 2007, la “sedia da regista” è sempre stata apprezzata per le sue proporzioni equilibrate, la struttura pieghevole e una fattura semplice e onesta. La nuova versione outdoor mantiene questi principi, aggiungendo però il comfort di una seduta imbottita progettata per resistere agli agenti atmosferici.

Materiali e struttura

La struttura resta fedele al progetto originale: teak massello certificato FSC con giunti in ottone. Gli oli naturali del legno proteggono la superficie dagli agenti esterni, restituendo una tonalità calda e profonda che migliora nel tempo.

I giunti in ottone valorizzano la precisione costruttiva e contribuiscono all’equilibrio visivo della sedia, mentre il sistema pieghevole garantisce maneggevolezza, trasporto facile e praticità di stoccaggio.

Comfort outdoor e nuove finiture

La principale evoluzione della Director’s Chair Outdoor è la seduta, ora dotata di cuscino e schienale imbottiti. I rivestimenti sono disponibili in due tessuti selezionati per prestazioni e qualità estetica.

• Summertime Navy di Dedar: una superficie tessile dalla texture profonda, caratterizzata da una riga bianco/blu distintiva.
• Papyrus Heritage di Sunbrella: un tessuto chiaro, naturale e resistente, pensato per l’uso esterno.

La fodera è removibile e lavabile, facilitando la manutenzione nel tempo. Sotto il cuscino, una base in Papyrus Heritage garantisce stabilità e coerenza strutturale.

Un equilibrio tra funzione ed eleganza

La Director’s Chair Outdoor si colloca tra funzionalità e cura del dettaglio, mantenendo un’eleganza discreta che ne ha definito il successo nella versione originale. La struttura leggera e la qualità dei materiali ne fanno un oggetto versatile, capace di adattarsi a contesti diversi.

Design per giardini e terrazze

Pensata per spazi esterni come giardini, terrazze e balconi, la nuova versione conserva la stessa presenza silenziosa del modello originale, reinterpretandola alla luce di nuove esigenze abitative.

La Director’s Chair Outdoor conferma così la sua natura di classico contemporaneo: un oggetto che non cerca di imporsi, ma di accompagnare con discrezione la vita quotidiana, dentro e fuori casa.

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La mostra segna la prima grande esposizione dedicata a Francesco Clemente in un’istituzione pubblica milanese e la prima retrospettiva in Italia da oltre quindici anni, dopo quella del 2009 al Museo Madre di Napoli. Il progetto riporta al centro della scena italiana un artista che ha avuto in Milano un luogo formativo fondamentale per la propria ricerca.

Una pratica che attraversa il tempo

L’esposizione riunisce circa 70 opere realizzate tra gli anni Settanta e oggi, costruendo una panoramica della pratica pittorica di Clemente attraverso oltre cinque decenni di attività.

Organizzata in stretta collaborazione con l’artista, la mostra include prestiti da importanti collezioni pubbliche e private — tra cui il Virginia Museum of Fine Arts e la Peter Marino Art Foundation — oltre a numerose opere provenienti dallo studio dell’artista, alcune raramente esposte o presentate per la prima volta in Italia.

L’estetica dell’“in between”

Il titolo della mostra definisce il nucleo concettuale della ricerca di Clemente: l’essere “in between”, sospeso tra mondi, dimensioni e stati dell’essere.

La sua pittura si muove in uno spazio fluido di metamorfosi continua, in cui si intrecciano sensuale e spirituale, interiore ed esteriore, concettuale e percettivo. L’immaginazione dell’artista si alimenta di simboli e trasformazioni, dando forma a un universo visivo in costante mutamento.

Artista cosmopolita, Clemente attraversa culture e tradizioni differenti, costruendo una lingua pittorica ibrida che incorpora riferimenti all’arte occidentale e orientale, al misticismo cristiano ed ermetico, all’induismo, al sufismo, allo zen e alle tradizioni afro-brasiliane del sincretismo e dell’animismo.

Una pittura che si espande in molte direzioni

In un percorso liberamente cronologico, la mostra evidenzia come la produzione di Clemente non segua uno sviluppo lineare, ma si irradi in molteplici direzioni. Disegno, acquerello, pastello, affresco, pittura a olio e tempera, fino al libro d’artista: ogni tecnica diventa parte di un sistema aperto di risonanze.

Temi ricorrenti come il corpo, la sessualità, il mito, il sogno e l’identità emergono in variazioni continue, delineando una ricerca che esplora le possibilità stesse della pittura.

L’autoritratto come metamorfosi

La mostra si apre con una serie di autoritratti che introducono il tema della trasformazione del sé: Autoritratto con oro (1979), Self-Portrait with Bird (1980) e Self-Portrait (1982).

Questo nucleo si sviluppa lungo tutto il percorso espositivo con opere come Birthday Self-Portrait (2001), Taoist Self-Portrait (2005), Father (2006), fino a Self-Portrait as St. John (2011) e al più recente e impalpabile After a Poem (2024).

India, New York e le reti della creazione

Un momento decisivo nella ricerca di Clemente è l’incontro con la cultura indiana, avviato nel 1973 e testimoniato da opere come Two Painters (1980) e Francesco Clemente Pinxit (1981), fino a serie più recenti come Devigarh (2017).

Il trasferimento a New York nel 1981 rappresenta un altro snodo fondamentale. Nella città l’artista sviluppa un linguaggio pittorico maturo e attiva una rete di collaborazioni con poeti e artisti come Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol e Allen Ginsberg, dando vita a opere come Saxophone (1984) e al libro d’artista Images from Mind and Space (1983).

Ritratti, relazioni e identità

La pratica del ritratto attraversa tutta la carriera di Clemente, da figure iconiche della cultura contemporanea fino a soggetti intimi e personali.

Tra le opere in mostra compaiono i ritratti di Warhol, Basquiat, Morton Feldman e Allen Ginsberg, il disegno di Ettore Sottsass (1997), il ritratto della moglie Alba e le sue successive variazioni, fino a Portrait of Zoë Kravitz, Saint Laurent Summer 25 (2025), commissionato da Anthony Vaccarello.

Il presente e la bellezza nel tempo

Alcune opere affrontano direttamente le tensioni del presente, come 5-14-2020 (2020), realizzata durante la pandemia. Al tempo stesso, lavori recenti come Winter Flowers in Spring II (2025) riaffermano una tensione costante verso la bellezza, anche nelle stagioni più difficili dell’esistenza.

Un percorso critico e corale

La mostra si inserisce nel programma di Triennale Milano dedicato alla scena artistica contemporanea italiana, curato da Damiano Gullì, e si accompagna a un catalogo bilingue edito da Silvana Editoriale.

Il volume include saggi dei curatori, una conversazione tra Francesco Clemente e Francesca Pietropaolo, un saluto di Barbara Radice e testi di autori internazionali tra cui Salman Rushdie, Jhumpa Lahiri, Colm Tóibín, Derek Walcott ed Ettore Sottsass.

Un universo in trasformazione

Francesco Clemente: In Between costruisce così un ritratto complesso e stratificato di un artista che ha fatto della metamorfosi il proprio linguaggio. Un viaggio che non si limita a raccontare un percorso, ma lo riattiva, lasciando emergere connessioni tra tempi, culture e immagini che continuano a trasformarsi.

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L’esposizione riunisce 85 fotografie di grande formato realizzate tra il 1976 e il 2025 e offre una lettura ampia della ricerca di Amendola (Pistoia, 1938), figura centrale della fotografia d’arte contemporanea, capace di trasformare la luce in narrazione e di attraversare secoli di storia dell’arte con uno sguardo intimo e incisivo.

Un dialogo tra maestri e contemporaneo

Il cuore della mostra è il dialogo che Amendola instaura con alcuni tra i più grandi protagonisti della storia dell’arte. Le sculture di Michelangelo Buonarroti, Gian Lorenzo Bernini e Antonio Canova convivono con la forza materica e gestuale del contemporaneo, rappresentato da Alberto Burri, Emilio Vedova e Hermann Nitsch.

Le immagini non si limitano a documentare le opere, ma ne rivelano la dimensione più segreta: la relazione tra materia, gesto e identità dell’artista. A questo nucleo si affianca una sezione dedicata al Duomo di Milano, con scatti inediti che lo interpretano come organismo plastico attraversato dalla luce, più scultura che architettura.

Il gesto come materia visiva

Il percorso si apre con 41 fotografie dedicate a Hermann Nitsch, Alberto Burri ed Emilio Vedova, tre artisti legati in modo profondo all’azione e al gesto. Le opere provengono anche da importanti collezioni e fondazioni internazionali come la Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, la Fondazione Emilio e Annabianca Vedova e la Nitsch Foundation.

Amendola ritrae gli artisti nei loro atelier, cogliendo il momento in cui il processo creativo diventa forma visibile. Nei lavori di Nitsch, in particolare nelle “azioni rosso sangue” del 2012 al castello di Prinzendorf, la dimensione rituale viene condensata in immagini più intime rispetto alla forza performativa originaria.

Le Combustioni di Burri, fotografate nel 1976 a Città di Castello, mostrano invece il gesto del bruciare come trasformazione della materia: un atto insieme controllato e istintivo che diventa immagine. In Emilio Vedova, infine, il movimento si traduce in energia pittorica: il corpo dell’artista si muove nello spazio come origine stessa del segno.

Il Duomo di Milano come scultura di luce

Una sala è interamente dedicata a nove fotografie del Duomo di Milano (2009), presentate per la prima volta al pubblico. Amendola ne esplora dettagli, geometrie e riflessi, restituendo una cattedrale letta come struttura plastica più che architettonica.

La vicinanza fisica tra Palazzo Reale e il Duomo amplifica il valore di questa sezione, creando un dialogo diretto tra immagine e luogo, tra rappresentazione e presenza.

La grande scultura del passato

Il percorso prosegue con 35 fotografie dedicate ai capolavori scultorei di Michelangelo, Bernini e Canova. Attraverso il bianco e nero e un uso raffinato della luce, Amendola mette in evidenza la superficie del marmo come spazio vivo e sensibile.

Dal Ratto di Proserpina di Bernini all’abbraccio sospeso di Amore e Psiche di Canova, fino al Giuliano de’ Medici di Michelangelo, la materia scolpita si rivela come organismo attraversato da tensioni interne, che lo sguardo fotografico contribuisce a rinnovare.

Una narrazione della materia e della memoria

Nel suo insieme, Capolavori fotografati costruisce un racconto stratificato che attraversa epoche e linguaggi differenti. La fotografia diventa strumento di interpretazione della storia dell’arte, capace di interrogare la materia, il gesto e la memoria in una dimensione profondamente personale.

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Il progetto è stato concepito come un sistema “chiavi in mano” secondo un approccio europeo, introducendo nel contesto locale una modalità innovativa di sviluppo residenziale. Tutti gli appartamenti sono stati venduti completamente arredati, con elementi fissi — cucine, armadiature, porte e bagni — sviluppati e forniti da aziende italiane come Cassina e Lema, in qualità di main contractor.

Tre linguaggi per sei edifici

L’approccio progettuale ha sintetizzato i sei edifici in tre diversi linguaggi d’interni, mantenendo coerenza con il contesto architettonico e urbano ma offrendo interpretazioni spaziali differenti.

Il progetto si configura come una strategia di fit-out integrato, in cui architettura e interior design lavorano in continuità per definire atmosfere coerenti, capaci di accompagnare l’abitare fin dalla fase di immaginazione dell’appartamento.

Il paesaggio come matrice progettuale

Vesturvin nasce dall’incontro tra due culture del progetto: il rigore luminoso del Nord Europa e la sensibilità materica del design italiano. Il paesaggio islandese diventa la principale fonte di ispirazione per tre interior mood distinti, che esplorano la relazione tra natura, luce e materia.

I tre concept — Steam of Iceland, Urban Ocean e Arctic Blue — interpretano la dicotomia tra ghiaccio e fuoco, elementi opposti ma inseparabili del territorio islandese.

Tre atmosfere tra natura e progetto

Steam of Iceland si ispira ai vapori generati dall’incontro tra lava e ghiaccio. È un mood puro ed elegante, pensato per un pubblico maturo e legato alla tradizione. L’atmosfera è calma, essenziale, profondamente connessa al concetto di timelessness.

Urban Ocean racconta l’osmosi tra l’oceano Artico e la città di Reykjavík. Le cromie sono sofisticate e contemporanee: verdi profondi, sfumature acquamarina, tonalità ispirate alle tundre islandesi e ai cieli verdi della luce nordica. È uno spazio pensato per giovani coppie, dove natura e urbanità si fondono in un linguaggio fluido.

Arctic Blue esplora le molteplici sfaccettature del blu in una condizione definita come “fluidità cristallizzata”. Le forme morbide si irrigidiscono come ghiaccio, evocando il paesaggio artico. Il risultato è un ambiente contemporaneo, pensato per un pubblico maturo e attivo professionalmente.

Luce, materia e warm minimalism

Il progetto fotografato interpreta in particolare il mood Steam of Iceland, dove materia e natura si intrecciano in continuità, generando una sensazione di coerenza visiva e calore tattile.

La luce naturale, elemento fondamentale alle latitudini nordiche, diventa materiale progettuale primario: modella gli spazi, attraversa le superfici e ne rivela texture e volumi. La palette cromatica è neutra e raffinata, costruita attraverso variazioni sottili in cui il bianco non è mai uniforme, ma sempre materico.

Studio Marco Piva definisce questo approccio come una forma di warm minimalism, in cui la geometria essenziale del Nord Europa incontra la ricchezza materica e il savoir-faire del design italiano. Più che una contrapposizione, il progetto diventa una contaminazione reciproca.

Un dialogo continuo tra architettura e interni

L’intervento nasce da un profondo rispetto per l’architettura esistente e dalla volontà di valorizzarne gli spazi interni. Gli ambienti sono progettati per amplificare la percezione dello spazio e massimizzare la presenza della luce naturale, che diventa elemento strutturale dell’esperienza abitativa.

Il linguaggio è essenziale, pulito e contemporaneo: la semplicità formale lascia emergere la ricchezza dei materiali, costruendo spazi in cui natura, architettura e design convivono senza soluzione di continuità.

Arte e artigianato tra Islanda e Sierra Leone

All’interno del progetto, le opere d’arte sono realizzate da Sweet Salone, una collaborazione di design fondata dalla Aurora Foundation che unisce designer islandesi e artigiani della Sierra Leone.

Ogni pezzo è concepito in Islanda e realizzato a mano in Sierra Leone utilizzando materiali locali come fibre naturali e argilla. La collezione nasce da saperi artigianali tradizionali reinterpretati in chiave contemporanea, dando vita a oggetti profondamente radicati nella cultura ma pienamente attuali.

Un paesaggio abitabile

Vesturvin si configura così come un progetto che amplifica la percezione dello spazio, valorizza la luce e costruisce un dialogo continuo con il contesto. Un luogo in cui il paesaggio islandese non è sfondo, ma materia attiva dell’abitare, e in cui il design italiano diventa strumento di traduzione sensibile della natura.

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L’edizione 2026 assume un significato particolare. Oltre a celebrare il venticinquesimo anniversario della commissione, Serpentine renderà omaggio a Zaha Hadid, autrice del primo Pavilion nel 2000, attraverso una collaborazione con la Zaha Hadid Foundation e la Architectural Association. Nel frattempo, Goldman Sachs rinnova il proprio sostegno per il dodicesimo anno consecutivo, mentre Rolex entra ufficialmente nel programma come Official Timepiece dei Serpentine Pavilions.

Il Serpentine Pavilion come piattaforma di sperimentazione

Fin dalla sua nascita, il Serpentine Pavilion ha rappresentato un laboratorio di ricerca capace di offrire visibilità internazionale a studi emergenti e figure destinate a segnare il dibattito architettonico contemporaneo. Nel tempo, la struttura temporanea è diventata molto più di un’installazione estiva: una piattaforma pubblica per eventi, incontri, sperimentazioni interdisciplinari e attività educative.

LANZA atelier: pratica, materiali e progetto

LANZA atelier, fondato nel 2015 da Isabel Abascal e Alessandro Arienzo, è uno studio di architettura con sede a Città del Messico. La loro pratica collaborativa reinterpreta materiali e forme familiari attraverso una particolare attenzione all’artigianalità, alla tecnologia e alle tradizioni della progettazione spaziale. Il loro lavoro propone modalità costruttive che mettono al centro il dialogo e l’esperienza collettiva.

Il duo attribuisce grande importanza ai metodi progettuali manuali, come il disegno e la costruzione di modelli, considerandoli strumenti attivi per riflettere su materiali, forme e strutture. Operando a livello internazionale, lo studio interpreta la pratica architettonica come un’attività capace di attraversare fluidamente contesti culturali, progetti residenziali, infrastrutture pubbliche e design di arredi, mantenendo sempre uno sguardo critico e partecipe.

Il serpentine wall come dispositivo spaziale

Per il Serpentine Pavilion di quest’anno, LANZA atelier ha tratto ispirazione da un elemento architettonico noto come serpentine wall o crinkle-crankle wall, che costituisce uno dei lati del padiglione. Questo tipo di muro in mattoni, caratterizzato da una successione di curve alternate, è diffuso nella contea inglese del Suffolk, ma ha origini nell’antico Egitto e fu successivamente introdotto in Inghilterra da ingegneri olandesi.

La sua forma sinuosa garantisce stabilità grazie al supporto laterale, permettendo a un muro spesso un solo mattone di utilizzare meno materiale rispetto a una parete rettilinea. Questo elemento richiama inoltre il vicino Serpentine Lake, il cui nome deriva dalla dolce curvatura che evoca la forma di un serpente.

Architettura, paesaggio e permeabilità

In dialogo con il paesaggio circostante, una seconda parete si integra con la chioma degli alberi senza interferire con essa, mentre la struttura principale è collocata sul lato nord del sito. Una copertura traslucida poggia delicatamente su colonne in mattoni che richiamano un boschetto di alberi. La configurazione del padiglione consente alla luce e all’aria di attraversare liberamente lo spazio, attenuando il confine tra chiusura e apertura.

LANZA atelier ha scelto il mattone come materiale principale per celebrare la tradizione del giardino inglese e instaurare un dialogo con la facciata in mattoni della Serpentine South Gallery, che in origine era anch’essa un padiglione da tè. Costruito attraverso una ripetizione ritmica di colonne in mattoni che trasformano la parete da opaca a permeabile, il Padiglione mette in discussione l’idea del muro come elemento di separazione e invita invece alla connessione, permettendo ai visitatori di vedere attraverso la struttura.

Arredi e continuità progettuale

LANZA atelier ha inoltre progettato le sedie e gli sgabelli del padiglione, proseguendo la propria pratica che considera arredo e architettura come parti dello stesso processo progettuale, ma su scale differenti. Realizzati localmente in legno duro di Sapelli, questi elementi completano l’esperienza spaziale del progetto.

«È un onore essere stati selezionati come architetti del 25° Serpentine Pavilion…» afferma LANZA atelier, sottolineando la natura sperimentale e collettiva del progetto, pensato come dispositivo capace di “rivelare e nascondere”, modulare il movimento e definire soglie di esperienza.

Per Bettina Korek, il Serpentine Pavilion resta uno spazio raro in cui architettura, arte e vita quotidiana si incontrano nel cuore di Hyde Park, mentre Hans Ulrich Obrist ribadisce il ruolo del programma come catalizzatore per giovani studi e sperimentazione continua.

Un’architettura aperta al pubblico

Come da tradizione, il Serpentine Pavilion 2026 sarà animato da un programma estivo di eventi che spazia da musica, cinema, teatro, danza, letteratura, filosofia, moda e tecnologia. L’architettura diventa così una piattaforma viva, in costante relazione con il pubblico.

A venticinque anni dalla sua nascita, il Serpentine Pavilion conferma la sua natura di spazio di ricerca aperto: un luogo dove l’architettura non si limita a costruire, ma genera incontro, attraversamento e relazione.

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Macchie, velature, puntini, stratificazioni e intrecci diventano elementi compositivi che costruiscono un linguaggio visivo ricco di sfumature. Ogni pattern nasce dall’incontro tra segni e cromie che si sovrappongono e si fondono, conferendo alla superficie un carattere dinamico e vibrante. Il risultato è una collezione che trasforma la moquette in un vero e proprio campo espressivo, in equilibrio tra spontaneità del gesto e rigore della composizione.

Pigments si articola in cinque pattern – Grain, Cadence, Layer, Relief e Undertone – declinati in una palette che spazia dai toni naturali del verde, del beige e della sabbia fino alla profondità del bordeaux. Alla base del progetto vi è una ricerca sulle modalità di applicazione del colore nella pittura: velature, addensamenti, dissolvenze e stratificazioni vengono reinterpretati come strumenti progettuali, capaci di trasformare la superficie tessile in un paesaggio cromatico complesso e articolato.

Grain: il colore nella sua forma più essenziale

Con Grain, Marco Piva guarda alla dimensione più minuta del pigmento: il granello. Il pattern è costruito attraverso una costellazione di piccole unità ordinate che si aggregano sulla superficie creando una trama in continua evoluzione percettiva.

Come particelle di colore che si depositano e si stratificano, i granelli generano un disegno che cambia a seconda della distanza di osservazione e delle condizioni di luce. Disponibile nelle tonalità verde, beige, sabbia e bordeaux, Grain restituisce una superficie ricca di sfumature e dettagli, capace di rivelarsi progressivamente allo sguardo.

Cadence: il ritmo del colore

Cadence interpreta il colore come una sequenza organizzata di segni e intensità. Il pattern nasce dalla ripetizione controllata di elementi che si susseguono con andamento ritmico, creando una composizione ordinata ma al tempo stesso dinamica.

Campiture rettangolari disposte come una scacchiera accolgono variazioni cromatiche che scandiscono la superficie e accompagnano lo sguardo attraverso un percorso visivo equilibrato. Le tonalità naturali del verde, del beige, della sabbia e del bordeaux contribuiscono a rafforzare il senso di armonia e continuità che caratterizza il disegno.

Layer: la profondità della sovrapposizione

Il tema della stratificazione trova la sua espressione più evidente in Layer. Qui il colore si deposita sulla superficie attraverso una successione di interventi che costruiscono un effetto di profondità e movimento.

Velature leggere e campiture più dense convivono in un equilibrio dinamico che richiama l’idea dell’intreccio. Il pattern si concentra sull’esplorazione di una singola tonalità per ciascuna variante cromatica – dal beige al bordeaux, passando per il verde e la sabbia – sviluppandone tutte le sfumature possibili. Senza ricorrere alla sovrapposizione di colori differenti, Layer dimostra come la ricchezza cromatica possa emergere dalla sola modulazione di una stessa tonalità.

Relief: il colore come materia

Con Relief la ricerca si sposta sulla dimensione tattile e materica del pigmento. Il colore appare inciso, addensato, quasi scolpito sulla superficie, generando contrasti tra pieni e vuoti e accentuando gli effetti di chiaroscuro.

La texture assume così una forte presenza visiva, suggerendo una tridimensionalità che invita a una lettura non soltanto estetica ma anche sensoriale. Le combinazioni tra verde, beige, sabbia e bordeaux contribuiscono a enfatizzare la densità della composizione, dando vita a superfici di grande carattere.

Undertone: la leggerezza delle sfumature

Undertone esplora invece la dimensione più sottile del colore. Il pigmento si diffonde con delicatezza attraverso stratificazioni leggere e variazioni tonali quasi impercettibili, creando un’atmosfera morbida e avvolgente.

Sottili pennellate si distribuiscono sulla superficie seguendo un ordine rigoroso, come se il gesto creativo fosse guidato da una logica precisa e misurata. Disponibile nelle tonalità del verde, del beige e del bordeaux, il pattern costruisce un equilibrio raffinato in cui il colore agisce con discrezione, trasformando lo spazio attraverso una presenza silenziosa ma costante.

Con Pigments, Marco Piva e Radici propongono una collezione che supera la semplice funzione decorativa della moquette per trasformarla in uno strumento di espressione progettuale. Un sistema di superfici in cui il colore diventa materia viva, capace di dialogare con l’architettura e di modificare la percezione dello spazio attraverso la forza del segno, della luce e della stratificazione.

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Nel corso della sua carriera, Wegner ha indagato il potenziale delle forme semplici come strumento per rivelare l’essenza del buon progetto. Il CH53 rappresenta una sintesi chiara di questa ricerca: un oggetto modesto all’apparenza, ma calibrato con estrema precisione nelle proporzioni e nella materia.

La filosofia della semplicità costruttiva

Realizzato in legno massello con seduta in cordoncino di carta intrecciato a mano, lo sgabello CH53 nasce originariamente come complemento della poltrona CH44. I due pezzi condividono un linguaggio coerente, fatto di strutture leggere e sedute avvolgenti, ma lo sgabello ha progressivamente acquisito una propria autonomia formale e funzionale.

La sua forza risiede nella versatilità: un oggetto capace di inserirsi con naturalezza in contesti domestici e pubblici, senza mai perdere la propria identità silenziosa.

Materialità e funzione

Disponibile in due altezze, il CH53 si adatta con facilità a corridoi, camere da letto, cucine o qualsiasi ambiente richieda un gesto di sobria eleganza. La sua presenza non impone, ma accompagna lo spazio con discrezione.

La seduta in cordoncino di carta, intrecciata secondo un motivo a busta, richiede oltre un’ora di lavoro manuale da parte di un artigiano esperto. Il risultato è una superficie resistente e flessibile al tempo stesso, capace di offrire comfort pur mantenendo una forte identità materica.

La struttura in legno massello evidenzia l’approccio scultoreo di Wegner alla falegnameria: ogni dettaglio è pensato per essere essenziale, ma mai banale, in un equilibrio costante tra funzione e forma.

Un’eredità artigianale ancora viva

Da settant’anni lo sgabello CH53 rappresenta una testimonianza concreta dei valori del design danese: durabilità, onestà dei materiali e centralità del lavoro artigiano. Ancora oggi viene prodotto in Danimarca da maestri artigiani nel laboratorio di Carl Hansen & Søn sull’isola di Fionia, dove le tecniche tradizionali vengono trasmesse e perfezionate di generazione in generazione.

In questo equilibrio tra memoria e continuità, il CH53 continua a dimostrare come un oggetto apparentemente semplice possa diventare un’icona senza tempo del design moderno.

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