Arriba de la red

Debate

noreply@blogger.com (RecallerReminder) — Wed, 26 May 2021 04:49:00 +0000

Todos tenemos un propósito

Guest_Nekowong: ¿Sabes cual es?

Guest_Dianrel: ¿Vivir?

Guest_Nekowong: Todos estamos aquí con el objetivo de experimentar esta realidad.

Guest_Nekowong: Experimentar el ser humano, y obtener el conocimiento.

Guest_Nekowong: Nuestras herramientas para cumplir esta misión son

Guest_Nekowong: Nuestros sentidos, nuestros pensamientos

Guest_Nekowong: nuestru cuerpo, mientras que la más poderosa

Guest_Nekowong: Es nuestro libre albedrío.

Guest_Nekowong: Sin embargo....

Guest_Nekowong: y a pesar de todo esto...

Guest_Nekowong: Hoy en día, nuestro mundo, nuestra especie y, nuestra consciencia

Guest_Nekowong: se encuentran endémica, con división y desconfianza...

Guest_Nekowong: Y ha sido deliberadamente ingeniada, para ser la creación programada de una sociedad institucionalizada

Guest_Nekowong: Y todo esto se ha logado, gracias a las personas que lo permiten y lo siguen haciendo...

Creador

noreply@blogger.com (RecallerReminder) — Sun, 23 May 2021 05:09:00 +0000

Te quiero preguntar, o más bien que te imagines…

Un día te despiertas, te das cuenta que tienes poder, mucho poder, poder más allá de lo que alguna vez imaginaste. Para lo que concierne, eres Dios, tu palabra es la ley y la realidad se doblega ante tus caprichos. Empiezas a aprovecharte de eso, empiezas a explorar. En una de esas te encuentras con una chispa de vida. Crear vida no esta del todo fuera de tus posibilidades. Después de todo, eres DIOS. Pero esta chispa de vida es especial, al menos lo es para ti, y una de las cosas que la hace especial para ti es que tú NO la creaste. Ya existía. Tú simplemente la encontraste y te encaprichaste con ella. Esta pequeña chispa de vida te mesmeriza, despierta en ti un gran interés. El mundo, el universo, las realidades están a tu disposición y sin embargo, lo único que quieres hacer es acompañar a esta chispa, cuidarla, quererla, protegerla, hacerte su amigo. Tú eres consciente de ella y ella es consciente de ti. Te das cuenta de que no tiene un lugar donde estar, su mundo la ha rechazado. Le ofreces tu ayuda, le brindas un lugar a tu lado, pero eso no es del todo posible. Tu forma de vida y su forma de vida son muy diferentes. Después de todo, tú eres un DIOS, y esa pequeña es tan solo una chispa de vida. No es problema, le brindas un hogar en su propio “mundo”, la ayudas a crecer. La ves crecer, quisieras pasar juntos el resto de sus existencias.

Pero conforme pasa el tiempo te das cuenta de algo…Descubres que, por desgracias, eres DIOS, y la realidad se dobla ante tus caprichos, incluso los caprichos subconscientes. Te cuestionas si los logros de esta chispa son en verdad sus logros, si su crecimiento es en realidad su crecimiento. Te cuestionas si su felicidad es en realidad su felicidad o todo eso no es nada más que la realidad doblegándose ante tus caprichos subconscientes que le desean logros, crecimientos y felicidad a esta chispa de vida.

Te das cuenta que no importa cuanto lo intentes, cuanta concentración y autocontrol quieras imponer sobre tus poderes, no hay forma de evitar que estos se “desborden” y alteren la realidad de todo lo que está cercas de ti.

¿Qué piensas tú de eso?

¿Qué sientas tú de eso?

¿Qué es lo que tú harías estando en esa situación?

Off*Beat: Latidos fuera de ritmo

noreply@blogger.com (RecallerReminder) — Wed, 18 Mar 2015 19:12:00 +0000

Nombre original: Pues…Off*Beat

Año de lanzamiento: 2005-2014

Autor: Jen Lee Quick

Genero: Fantasía, ciencia ficción, romance

En esta ocasión, me complace presentarles una de las obras más singulares que he conocido en el ámbito del amerimanga (es decir, historietas elaboradas en America, específicamente en Estados Unidos, que adaptan el estilo del manga japonés sin perder su propia identidad). Personalmente, mi obra favorita de cualquier medio. Pero no estamos aquí para discutir mis gustos, así que hagamos un poco de historia y adentrémonos en el contenido para señalar porque este amerimanga es tan destacado (sin dejar de ser poco conocido).

Off*Beat comenzó a ser publicado en 2005 por la ya desaparecida editorial TokyoPop, la cual era una de las de trayectoria más notable en Estados Unidos. teniendo títulos manga en su haber. Impulsando la creatividad de autores regionales, varios amerimanga desfilaron antes y después de Off*Beat, siendo una de las mejores épocas para este genero artístico tan proliferante.

La obra de Jen Lee Quick (artista que ya tenía algunos antecedentes de su trabajo, difundidos por otros medios) fue bien recibida por el publico en general, ganando algunos reconocimientos por su peculiar estilo. Es un poco difícil definirlo, ya que superficialmente, Off*Beat nos ofrece un drama urbano, con una ambientación muy bien ubicada y personajes medianamente realistas, abriendo y cerrando múltiples secuencia de ensueño que se extienden a otros géneros, siendo algo complicado clasificarlo en un genero particular para su tipo de historia.

Desde otro aspecto superficial, se puede clasificar como un amerimanga que se inclina al mentado shonen ai. Creo que no tengo que explicarles lo que esto significa ni como se relaciona con otro genero (yaoi) sin irse demasiado lejos, pero en este caso nos encontramos con una historia tipo shonen ai, manejada con mucha sutileza, muy alejada de los clichés típicos (nada de cursilerías ni situaciones para adultos).

Off*Beat no seria la gran maravilla del mundo pero tuvo un encanto peculiar que le dio su lugar entre los mejores amerimanga presentados por TokyoPop. En parte por su originalidad al darnos una relación de personajes poco convencional pero sin entrar del todo en un dramón, sólo una situación curiosa e intrigante.

Al año siguiente de su primer volumen, otro le siguió con la cosa poniendose aun mejor y más emocionante. Ya para el 2007 esperábamos el tercero y ultimo con el que la serie cerraría (puesto que no era una de grandes pretensiones, la autora nos quería dar algo sencillo y reflexivo, y nada mejor para eso que un cuento que se pueda contar en tres partes).

No fue así, una gran decepción nos esperaba. En parte por la situación económica que llevó a TokioPop a la bancarrota inminente, en parte debido a problemas personales de la autora. El caso es que durante mucho años, Off*Beat quedó atrapado en un limbo editorial donde nada concreto se sabia, pura incertidumbre y especulaciones.

Todo parecía indicar que Off*Beat permanecería estancado para siempre, sin esperanza de resurgir, como el recuerdo de una callada grandeza efímera. Los fans más entusiastas mantuvieron viva la historia a través de una fuerte cantidad de fan art y fan fics, dejando volar su imaginación, intentando crear su propia interpretación de una continuidad (y final) como la autora no pudiera darle uno (por mucho tiempo ella ni siquiera podía tocar el tema, autoexiliada del ciberespacio). Nunca fue suficiente y los fans siguieron demandando hasta desarrollar una campaña para obtener fondos (y claro, contando con la autora, nuevamente comprometida y revitalizada para darnos la continuación y el final largamente esperados) y así dar pie a la publicación (con todo y la reimpresión de los primeros dos volúmenes), no sólo de Off*Beat, sino de muchos otros trabajos independientes (entre otros truncados y otros totalmente nuevos). Un movimiento progresivo, lento pero consistente. Y que al final logró dar frutos, estupenda y maravillosamente.

Pero ¿de que trata Off*Beat? De acuerdo. El planteamiento es muy simple. Chico conoce a chico, se convierte en su acosador oficial y van desarrollando una incipiente y peculiar relación, en medio de una serie de problemas sociales e intrigas que podrían o no significar algo para su futuro. Todo esto situado en escenarios urbanos que la autora representa de zonas familiares en Nueva York, en un ambiente contemporáneo, con ocasionales secuencias de sueño donde nos ofrecen todo tipo de ambientes, de acuerdo al humor o caprichos del subconsciente del protagonista.

El desarrollo de los personajes está muy bien hecho. Sin exagerar, casi podemos sentirlos como personas reales, con características bien representadas. El arte también es excelente, aun si la autora se va demasiado por la constitución delgada y que va volviéndose un patrón repetitivo que apenas hace distinción de entre los mismos por las facciones tan parecidas. Podemos admitir que hay elementos que se desperdician, como si con todo y que desde un principio la historia estaba planeada para terminar más o menos así, no lograra abarcar todo lo que prometía. Pero fue un noble esfuerzo para concluir con un ciclo y una promesa que muchos esperaron por ver cumplida.

El anhelado volumen 3 incluso consigue darle sentido al titulo. Es decir, con “Off Beat” se entiende la expresión “fuera de onda” que aplica especialmente a los personajes principales, marginados sociales que nunca faltan en un ambiente escolar de preparatoria. Sin embargo, resultó algo muy diferente que se refería a una situación entre estos (pero no diré más, véanlo por ustedes mismos).

Personajes:

Christopher (Tory) Blake: El protagonista. Un chico intelectualmente dotado que se le dan bien las ciencias (sobretodo la física que domina tanto que la considera “fácil”). Un cínico que se aburre constantemente por la monotonía diaria, recurre al pasatiempo de documentar todo lo que ve, con la esperanza de detectar una irregularidad que haga las cosas más interesantes. Al conocer a su nuevo vecino, Colin, cree haber encontrado aquello que necesitaba, resultando ser más de lo que esperaba.

Tory tiene memoria fotográfica, es un amante de los videojuegos, y no tiene grandes aspiraciones en cuanto a sus objetivos en la vida, trabajando sobre la marcha. Sobreanaliza los detalles y la actitud de los demás, convirtiendo las situaciones más simples en ecuaciones que debe resolver (muy fácilmente pero no es algo que cualquier otro podría hacer en menos tiempo). Debido a su habito compulsivo de documentar, siempre lleva consigo una libreta en la que anota absolutamente todos los detalle de una situación en particular (y cuando no, hace notas mentales para si mismo).

Aparentemente, Tory tiene complejos con su padre desaparecido, al grado de que no le gusta que lo llamen “Christopher”, y hace lo posible por no ser como él en cuanto a su desconsideración inconsciente hacia las personas.

Colin Stephens: El objeto de las atenciones de Tory. El chico misterioso que vive cruzando la calle. Reservado y callado, muchas especulaciones surgen al respecto, con un comportamiento que implica un trato extremadamente frio hacia los demás.

Colin está involucrado en un proyecto igualmente misterioso que podría o no estar relacionado con su peculiar condición, la cual lo lleva a padecer ocasionales desmayos. Debido a eso y otras indisposiciones, su rendimiento escolar es bajo (pero no da indicios de que le importe).

Sus padres murieron en un accidente (nunca se aclaran las circunstancias), dejándolo al cuidado del Dr. Garrets con quien no parece tener una buena relación. Su indiferencia inicial hacia Tory desaparece progresivamente conforme van relacionándose, encontrando algo “interesante” en él a su vez para dedicarle algunas atenciones y consideraciones.

Colin gusta de rodearse de plantas y de gatos, rehuyendo todo tipo de contacto humano (haciendo una evidente excepción con Tory).

Paul Patterson: Universitario vecino y amigo cercano de Tory. Regularmente, funge como la voz de la razón en cuanto a su modo de proceder, y se chocan mutuamente en una relación semifraternal.

Comparte la pasión de Tory por los videojuegos (siendo su pasatiempo favorito, el segundo es molestar a Tory) y aparenta ser de naturaleza desordenada (en vista del estado de su departamento que nunca puede tener limpio para invitar a su novia que apenas conocemos en un capitulo extra especial). Es descrito por Tory como un gorrón por su tendencia aparecerse para hacerse con la comida de la madre de Tory, de la cual nunca tiene suficiente (y parece que siempre hay suficiente).

Toma a la ligera las actividades de Tory en su “juego detectivesco” pero elige los momentos apropiados para indicarle cuando anda cometiendo imprudencias para considerar las posibles consecuencias (aunque Tory casi nunca le hace caso).

Mandy Towslan: Compañera de clases de Tory y Colin. Difícilmente, se hace amiga de ambos, especialmente de Tory. Es la típica chica popular que intenta ser amigable con todo el mundo, hallando peculiarmente interesantes a Tory y a Colin (y como típica pervertida morbosilla, a la relación incipiente que estos tienen), al ser diferentes a los demás.

Tiende a hablar mucho y ser un poco molesta, pero poco a poco, va ganándose las confidencias de Tory, convirtiéndose en un gran apoyo para su relación con Colin.

Le gustan las cosas lindas y tiene una fijación por los chicos en shorts.

Mary Blake: Madre de Tory, trabaja en una compañía de diseño grafico (aunque nunca aclaran que hace exactamente). Una mujer muy alivianada que suele mostrarse tolerante ante las extravagancias de su hijo. Su único defecto es ser un poco encimosa y ponerse dramática ante las cosas más simples (como que él no la llame para avisarle que no regresará a la hora de la cena).

Amy y Mira: Amigas de Mandy, típico par de chicas frívolas que hacen venenosas críticas y comentarios ofensivos sobre los no-populares. Evidentemente, ni Tory ni Colin son de su agrado, y no comprenden el aprecio que Mandy tiene por ellos, aunque terminan tolerando su tendencia. Mira se la pasa cambiando su estilo y color de cabello mientras que Amy es la más aplicada de la clase de Física después de Tory.

Dr. Dustin Garrets: Tutor legal de Colin y la cabeza del misterioso “Proyecto Gaia”. Un hombre tosco y frio, posiblemente misántropo, con muy poca paciencia. Realmente no sabemos nada sobre él fuera de ser un sujeto chocante pero con suficiente dinero para que en la escuela se hagan de la vista gorda sobre las constantes inasistencias de Colin.

Incoherencias e irregularidades de la serie (esta parte ya es para fanáticos, advertencia sobre spoilers):

¿Cómo le hace Tory para averiguar el nombre completo de Colin y a que colegio asiste? El mismo indica que sus vecinos no reciben ningún correo ni nada que amerite un nombre registrado, así que no tiene sentido. La única forma sería que Tory estuviera escuchando cuando alguien llamase a Colin por su nombre (muy improbable, nunca vemos que Colin salga para algo que no sea asistir a clases). Y para lo del colegio, eso implicaba haberlo seguido, pero tomando en cuenta el trayecto (que implica subirse metro y todavía tomar un camión), a menos que gastara una fortuna en un taxi para seguir a Colin y a su tutor durante todo el camino, lo veo como una proeza muy difícil de lograr.
Y sobre eso, Tory ya sabía el nombre de Colin pero no el de su tutor hasta que lo averiguó checando sus archivos personales en la escuela. ¿Cómo puede ser? Si es Garrets quien paga por todo y se encarga de todo, su nombre a fuerzas tiene que salir a relucir primero antes que el de Colin, como no nos indicaran que Colin estuviera casi emancipado (que bien podría estarlo pero no se molestan en decírnoslo).
¿Qué tanto se la pasó haciendo Tory a lo largo del primer año que duró espiando a Colin antes de que se le ocurriera convencer a su madre de transferirlo a su escuela? Podemos notar que no logró averiguar gran cosa, ni siquiera conocía la identidad del tutor legal de Colin, así que no me explico como alguien tan curioso como Tory, pudiera aguantar tanto tiempo obteniendo información que se limitara al nombre del chico y su colegio.
Al final del primer capitulo, Tory consigue deducir que “algo” ocurriría cerca del departamento de Colin en horas de la madrugada, de acuerdo a sus registros. ¿Qué se supone que registró exactamente durante ese tiempo para tener tal certeza? ¿Es normal que a Colin y a su tutor les caiga la policía al reportarse actividad sospechosa a esas horas? Tras un año de haberse mudado a ese vecindario, ya no debería haber razón para tal cosa, así que esto está muy raro, como si tratara de disimular los poderes psíquicos latentes de Tory.
En su afán por obtener más información sobre Colin, Tory llega a los extremos de manipular al consejo estudiantil y a sus maestros para crear un sistema de tutorías que le permita pasar más tiempo con él. ¿No seria más fácil simplemente acercársele a Colin y ofrecerle tutoría informal como cualquier estudiante normal que busca una excusa para acercarse a alguien? Podrá ser menos sutil pero mucho más sencillo, ya que no es como si Colin estuviera en posición de negarse tomando en cuenta que la maestra ya le andaba llamando la atención. A Tory le encantan los planes complicados para lograr los propósitos más simples.
No estoy seguro de que la hipótesis de Gaia y el Proyecto Gaia tengan sentido alguno en cuanto a la teoría y la aplicación del experimento en si, y como lo centran en un solo individuo (Colin). Todo es una serie de explicaciones tediosas que se siente que nos lo quieren encajar a fuerza para que de alguna forma tenga sentido, sólo porque a la autora no se le pudo ocurrir algo mejor.
En el capitulo 7, se muestra un fragmento de la primera libreta de Tory, dando un ejemplo de la complicada relación que tenía con su padre. El problema es que la escritura está demasiado desgastada y los lectores no podemos leer nada, por lo que no entendemos lo que Tory menciona al respecto de esa anécdota y porque le afecta emocionalmente más de lo que se atreve a admitir. Uno pensaría que fue un error de edición pero aun en las reediciones de Off*Beat sigue saliendo así esa parte. La autora no debería despertar la curiosidad de los lectores para dejarnos con un palmo de narices.
¿Cómo supo Colin cual era la libreta de Tory que debía llevarse para confirmar que lo estaba espiando? Si bien Tory la dejó a la vista, recordemos que es un chico que se la ha pasado llenando muchas libretas a lo largo de los años, y él mismo menciona que no las ha reorganizado desde hace tiempo. Es decir, todo tendría que estar demasiado revuelto como para que Colin encuentre la libreta que precisamente cubra lo de hace unos meses (a menos que Tory las tenga marcadas por fechas en portada pero no vimos que fuera así).
Cuando Paul le da a Tory la información de la placa de la patrulla y éste se pone a checarla en la computadora, nos dicen que son las 6:28 pm. Al terminar de investigar sobre el padre de Colin, ya son las 5:12 am. ¿En verdad pudo tardarse tantas horas seguidas con ese tema? Ya para las 12 diría que pasó demasiado tiempo, por lo que no imaginó que tanto pudo encontrar como para estar despierto tantas horas (y no encontró mucho, puesto que el mismo Colin tuvo que dejarle en claro que sus padres habían muerto en un accidente).
Si Tory estaba resfriado, ¿Por qué insiste en salir con Colin cuando fácilmente podría disuadirlo de que pasaran el rato en el departamento? Si el chiste es pasar tiempo con él, daría igual donde fuera, y si Colin fuera más observador, le daría la razón. Así tampoco habría tenido que preocuparse de que su madre se enojara con él por salirse de la casa en ese estado al arriesgarse regresando tarde tras desobedecerla. Además, ese resfriado mágicamente desaparece de un volumen a otro, considerando que Tory se quejaba muchísimo antes de que Colin lo confrontara. Al parecer, el golpe que le lanzó Colin debió haberlo curado automáticamente (eso o el larguísimo tiempo que pasó entre el volumen 2 y 3 bastó para que se recuperara por completo).

Para conocer más de los trabajos de la autora de Off*Beat: wulfmune

Para ver en línea los capítulos de Off*Beat pueden encontrarlos accesibles en: sparklermonthly

¡Dense la oportunidad de agarrarle el ritmo a Off*Beat!

Batman: Arkham Origins

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Sun, 23 Nov 2014 22:50:00 +0000

Acabo de terminal al 100% el juego de Batman: Arkham Origins y si les interesa, aquí podrán ver mi opinión/review del juego.

Existen tres clases de secuelas, las, son aquellas en las que el sucesor cambia completamente la formula del juego, como lo fue en el caso de Super Mario Bros 2 USA; las 2das, son aquellas en las que el juego sucesor no cambia absolutamente nada, simplemente mejora lo que ya estaba echo, como es el caso de Donkey Kong 2 Diddy Kong Quest; y las 3ra, son aquellas en las que el sucesor no hace absolutamente nada, viven bajo la filosofía de no querer re inventar la rueda.Batman Arkham Origins, es de este ultimo tipo de secuelas.

Eso no quiere decir que por eso el resultado sea malo, los juegos de Megaman son un claro ejemplo de que se puede hacer una secuela muy bueno o mejor sin cambiar mucho o nada en lo absoluto.

Pero en un extraño giro del destino, Warner Bros. Games Montreal, logro encontrar la forma romper lo que no estaba roto y sin siquiera intentar hacer algo nuevo o diferente con ella.

Batman: Arkham Origins es, en todos los sentidos, PEOR que su antecesor, Batman: Arkham City. Desde horrible posicionamiento de enemigos, un extraño nivel de agrecividad en la IA de los enemigos, inferior diseño de niveles hasta un pesimo manipulamiento de los recursos del hardware que conllevan a trabas que se tienen que arreglar con un reseteo forzoso de la consola.

La historia? En si, no tengo problemas con la historia, pero si en la forma en la que siertas partes de esta son ejecutadas, especialmente, los enemigos/ascecinos. Deatstroke, el ascecino/PosterBoy de este juego, presentado en un hermoso corto:

"Thist short PUMP so many Hype for this game"

se convierte en uno de los primeros enemigos en caer en una de las más aburridas peleas del juego.

Lady Shiva, por si no lo han escuchado, es un nombre que infunde cierto temor y respeto en el universo DC y Deatshoot, el otro aceciono que aparese en el video de arriba, son relegados a ser sidemisions.

Ablando de Sidemisions... A lo largo de las previas entregas, la mas larga, tediosa, aburrida pero que siempre deja un buen sabor de boca y una sensación de triunfo es sin duda la de Enigma. Aqui biene la IRA¡ Por completar sus retos, Asylum nos deleita con un audio de como los policías dan con el criminal y lo someten, me imagino que usando macanas y spay de pimienta, solo para hacer mas dulce su captura. City aumenta la apuesta, Y LA RECOMPENSA permitiendonos dar con el, darle sus pataditas eh incluso jugarle una cruel broma usando la misma maquina de tortura que el diseño para doblegar a los rehenes.

Asi que mis expectativas estaban realmente altas y esperaba que en esta ocasion pudiera darle una paliza o dos, mas alla de simplemente humillarlo por haber superado sus estúpidos retos. Asi que ¿Con que nos recompensa este juego por completar este sidequest?

Nothing! Absolutely nothing! AAAAAAAHHHHHH¡

Conclusión: No se molesten en lo absoluto con este juego. La experiencia superior de un juego de Batman se encuentra en City, no en Origins.

Tiempo y vidas en los juegos de Mario

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Thu, 13 Mar 2014 16:56:00 +0000

Después de pensarlo un poco, y creo que no es un pensamiento único y original, creo que Nintendo debería de deshacerse de dos cosas en todos los juegos de Mario, al menos en todos los que sean de plataformas, ya sea que estos sean 2D o 3D como lo es en el caso de Súper Mario 3D Land/World.

En primera, las vidas, creo que desde Súper Mario World en el SNES las vidas, representadas por ese hongo verde, como tal dejaron de tener relevancia simplemente por que Nintendo dejo de utilizar una mecánica de penalización por perderlas todas.

En súper Mario Bros 1, 2 y 3 existía una clara razón de por que las vidas eran importante, si se perdían todas, éramos forzados a tener que hacer el juego desde el principio (En Súper Mario Bros. 1) si perdíamos nuestra ultima vida ante Bowser en el ultimo castillo, teníamos que empezar el juego desde 0 y como tal había cierta tensión, un temor al perderlas todas; pero también una sensación de fracaso y derrota (en el caso de perder), una sensación de logro y éxito (en caso contrario).

Desde entonces y hasta ahora ¿Qué penalidad existe por perder, lo que juego con juego Nintendo se esfuerza en hacer más fácil de conseguir? Ver una pantalla de game over y ¿Qué más? Nada, el juego te deja donde te quedaste y hasta te regala 5 vidas más.

Ver la pantalla de Game Over significaba mucho en aquel entonces, veías esas dos palabras y sentías que el mundo se te venían encima, depresión, frustración, ira son algunas de las cosas que me hacia sentir ver esa pantalla de game over que simbolizaba el fracaso que era por haber perdido todas las vidas, tenia un significado, una razón de existir.

¿Qué es lo que significa ver la pantalla de "Game Over" en los últimos juegos de Mario? Fastidio a lo mucho, no por que se hallan perdido todas las vidas, si no por que el juego te hace perder el tiempo haciéndote ver algo que lleva siendo obsoleto por más de 5 generaciones de consolas, y sin embargo se sigue usando.

Para agregar agravio al insulto, y para acentuar la razón de por que Nintendo vive en negación con respecto al echo de que las vidas son obsoletas y debe de deshacerse de ellas, Nintendo a implementado una nueva mecánica que despoja del poco poder que tiene, o más bien que debería de tener, la pantalla de "Game Over" como medio para hacerle sentir al jugador que a fracasado y que tiene que esforzarse más para superarse; La súper guía.

Esta nueva mecánica que vio su origen en New Súper Mario Bros. Wii es la epitome de por que las vidas son obsoletas, si pierdes muchas de ellas ¿Adivina que? No hay problema, el juego te da la opción de retirar toda sensación de reto, y con ello también toda sensación de logro, y se encarga de vencer el nivel por el jugador.

Si bien esta nueva mecánica recientemente evoluciono, para la fortuna de los juegos como un todo, pero sobre todo para la fortuna de los juegos como el único medio que puede generar emociones diversas dependiendo de la interacción del usuario, la Súper Hoja de Invencibilidad.

Con su sola presencia hace el trabajo de significar el imprudente uso que el jugador le da a sus vidas, como un bloque siempre presente que embiste al jugador con un traje que hace fácil trabajo de cualquier enemigo, con la excepción de dos obstáculos, la lava y los posos sin fondo; power up al que prefiero referirme como "El manto blanco de la vergüenza", y aunque su simple presencia ya es suficiente como para volver humilde a cualquiera, el que sea una opción le permite al jugador sentirse orgulloso de haber superado el desafío que pretendía despojarlo de su estatus de jugador.

La segunda cosa que creo firmemente debe ser abandonada de los juegos, en especial de los de Mario, es el Temporizador

Al igual que las vidas, el temporizador no es más que una mecánica vestigial que debió de haberse perdido durante la transición de maquinitas (así es como le decimos por aquí a las árcade) a consola, pero que por alguna extraña razón Nintendo no parece tener intención de amputar de manera permanente, ya que parcialmente lo han removido de los juegos en 3D, lo que hace más sorprendente que lo sigan usando, cuando están bastante consientes de por que NO deberían de seguir usándolo.

El temporizador en los videojuegos tenía la misma función que el aumento de dificultad en los juegos de antaño, forzar al jugador a seguir depositando dinero dentro de la maquinita

"No existen ni tres personas en el mundo que puedan vencer este juego con una sola moneda"

Pero a diferencia del aumento de dificultad, que es una mecánica que desde su concepción también cumplía la función de generar un reto mayor para esos jugadores que con el tiempo perfeccionaron el arte de la proyección kinestésica, y aunque lo mismo se podría decir del siempre presente cronometro, existe diferencias clave entre ambas mecánicas, para empezar, la dificultad o el incremento de la dificultad es algo inherente en los videojuegos, al grado de que existen videojuegos que son reconocidos antes que nada, por ser difíciles.

Otra razón por la cual la dificultad no se puede comparar con el temporizador, es por que esta a evolucionado, se a adaptado a los tiempos modernos, ya raras veces un juego sufre de un aumento en la dificultad tan brusco o repentino como los juegos de antaño o en el caso de muchos otros juegos, la dificultad se ha vuelto una opción que puede ser controlada y acomodada por el usuario desde el principio del juego.

Algo que me gusta de los juegos de Mario, y prácticamente cualquier otro juego echo por Nintendo, es que ponen una ridícula atención a los detalles, y en ocasiones no puedo más que querer detenerme un momento y apreciar todos esos detalles, y la última entrega no es la excepción.

Pero haciendo de lado algo que no me afecta mucho del todo a mi, por que ya soy un veterano y aunque, con todo lo que muchos trolls de internet digan lo contrario, los juegos de Mario pueden ponerse demandantes de mucha habilidad, no recuerdo cuando fue la ultima vez que escuche la cardiaca melodía de:

No puedo decir lo mismo cuando me encuentro en la modalidad de hermano u anfitrión y quien o quienes me están acompañando no tienen la misma pericia que yo para maniobrar a Mario y compañía a lo largo de sus aventuras, ya sea en 2D o 3D.

Viéndolo de otro modo, y como una forma de explicar mis argumentos, se podría decir que me encuentro yo en compañía de tres amigos, uno de ellos, de camisa roja, me pone un reto; a mi diestra tengo a este otro amigo de camisa verde, cada vez que pierdo se entromete solo para hacerme saber que perdido y de vez en cuando me da unas cuantas palmadas en la espalda como si contase que dicha señal de afecto, que al principio se siente bien recibidas pero que con el tiempo colman la paciencia, me ayudara a superar el desafío; y a mi izquierda a otro amigo de camisa blanca, este decide mantenerse distante, raras veces me doy cuenta que el esta participando en esto con su presencia, pero es en esos momentos en los que quiero tomar un poco de aire, o el encontrar la solución al problema planteado por el amigo de camisa roja, requieren que me detenga y me ponga a pensar un poco, cuando de repente este compañero de juegos de camisa blanca decide saltar sobre mi espalda y gritarme en el oído que me apresure, destruyéndome los nervios y minando mi capacidad de concentración, volviéndose más ruidoso mientras más me tardo, amenazándome con hacerme perder el juego; y no es como si el ya estuviera aburrido de estar en la fiesta, si me ve triunfar, fallar o me hace fallar, él simplemente regresa y se echa en el mismo sofá de la esquina en donde se aleja de la vista de todos, solo para recordarnos que el sigue estando hay la próxima vez que sienta que le e dedicado mucho tiempo a uno de los retos del compañero de camisa roja, al cual por cierto, no le importa si acierto o fallo, si lo hago rápido o lento, a el lo que le importa es que yo siga participando en sus desafíos.

¿Qué harían ustedes en esa situación?

Ubisoft se dio cuenta de lo molesto e irrelevantes que suelen ser los amigos de camisa verde y blanca, y por eso decidió nunca volverlos a invitar a esos dos, y si bien sus ultimas fiestas con Rayman no comparten el mismo y encantador estilo que las que Nintendo hace con Mario que permiten que padres, amigos y hermanos se puedan divertir sin mucho problema en ellas, es gracias a que no hay camisas blancas o verdes que se puede disfrutar de mejor manera los retos que se presentan en esa clase de fiestas.

En conclusión: Si Nintendo no planea darle significado alguno a las vidas, ya sea de buena o mala forma, que el ganarlas sea un logro y/o que el perderlas sea algo terrible; y que si no pueden encontrar una forma de hacer querer que el jugador llegue a la meta, por que así él lo quiera, lo más pronto posible, entonces, las vidas y el temporizador deberían de desaparecer de los juegos de Mario.

Reboot

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Tue, 28 Jan 2014 00:49:00 +0000

Titulo Original: Reboot

Ficha técnica

Creadores:	Mike Berenstain Ike Berenstain Gavin Blair Ian Pearson Phil Mitchell John Grace
País de origen	Canada
No. De episodios:	48
Duración:	23 minutos
Tiempo de transmisión original:	10 de Septiembre de 1994 – 30 de Noviembre 2001

¡Reboot! Oh boy ¿Qué se puede decir de esta caricatura? Bueno, creo que lo más prudente es empezar con un poco de historia para aquellos que levantaron la ceja al notar que tener 48 episodios en 4 temporadas a lo largo de 7 años es algo bastante peculiar.

ReBoot fue la primera serie animada completamente en computadora en los 1994, cuando las computadoras empezaron a hacerse accesibles por primera vez al hombre promedio, pero sus orígenes en realidad se remontan a los 80’s. Según el personal de Fast Forward: El proceso para crear Reboot se inició en la década de 1980, pero, aunque la idea había sido ampliamente desarrollada, crear una caticatura usando unicamente CGI, la tecnología aún no estaba lo suficientemente avanzada como para alcanzar la calidad de imagen deseada.

"Esto era lo mejor que el CGI podria general en los 80's"

Loas pruebas de animación con 3D comenzaron en serio en 1990 y para 1991 Reboot empezo a tomar la forma deseada. La producción continuó y el show salió al aire en 1994, después de bastantes episodios se había producido, 13 episodios para ser exactos. Este fue un proceso laborioso, ya que ninguna otra compañía tenía en ese tiempo y experiencia en un proyecto de animación en 3D de esta escala y el software utilizado era nuevo para todos en la empresa.

Tanto la primera como la segunda temporada, que solo consto de 10 fueron transmitidas sin muchos contratiempos, a pesar de que muchos episodios tuvieron que ser re escritos en ciertos puntos debido a constantes acosos por parte de la censura.

Para este punto la serie ya había ganado bastante fama y popularidad, lo que les gano una línea de juguetes y un videojuego.

Lo que les recompenso con suficiente presupuesto para una tercera y más larga temporada de 16 episodios pero a costa de perderse un año de transmisión, eso y posiblemente por el rediseño de algunos modelos.

Pero para desgracia de muchos fanáticos, la tercera estaba condenada a ser también la ultima de las temporadas por razones más alla del entender de todos, aunque muchos dicen que y a pesar del éxito de la serie y el abaratamiento y popularidad de la CGI (gracias a Toy’s Story) seguía siendo muy costoso para un simple estudio de televisión producir algo tan ambicioso como lo era Reboot.

Antes de continuar con la historia, por que si lo habrán notado, solo llegamos a los 39 episodios y arriba dice que fueron 48, hablemos de la trama, y para entender la trama tendremos que comprender una cosa hacerca del show y de quienes lo hicieron:

Ridículas libertades con respecto a como funcionan las computadoras, sus programas y la terminología usada con la ciencia de las computadoras fueron tomadas para poder hacer posible el show, tratar de encontrarle una lógica sin parches o dobleces NO ES la forma correcta de ver este show.

Reboot era el típico show de caricaturas de chicos buenos contra chicos malos

El escenario es en el mundo interno de un sistema informático conocido por sus habitantes como Mainframe. La ciudad está poblada casi en su totalidad por los binomios, pequeñas criaturas que representan ya sea 1s o 0s, así como un puñado de “Sprites”, como Bob y Dot, que son criaturas humanoides principalmente de diseño más complejo y que son los personajes principales de la serie.

Bob - Guardián #452, actúa como el guardián de Mainframe. Comprometido con su trabajo e ingenioso al momento de resolver los problemas más complejos.

Dot Matrix - chica joven e independiente y quien tiene un restaurante llamado Dot´s Dinner, es quien ayuda a Bob a instalarse en MainFrame. Muy similar Bob en el sentido de que se encuentra comprometida con lo que hace pero de una forma más seria. Para la ultima temprada ella se vuelve la encargada de Mainframe.

Enzo Matrix - Es el hermano menor de Dot, durante las dos ptrimeras temporadas jugo un papel secundario como sidecick y admirador de Bob. Cuando Bob se fue el se convirtió en el guardián de Mainframe y posteriormente en el protagonista de la serie durante la tercera temporada.

Durante la mayor parte de las dos primera temporadas se centran en la lucha contra los virus de computadora, tales como Megabyte y Hexadecimal

Piensen en ellos como Megatron y el Joker, si el Joker fuera mujer. Uno frio y calculador, pero no falto de fuerza bruta, la otra completamente maniática, amante del caos y con poderes para corromperlo todo.

Y la defensa de la ciudad de Los Cubos de Juego enviado por el Usuario. Según la lógica del programa de televisión, cada vez que el “usuario” iniciaba un juego en la computadora uno de estos cubos caía sobre la ciudad, si algún binomio u otra entidad era atrapado por el cubo, esta volvía parte del juego, si el jugador ganaba el juego, ellos perdían su ser, o en este caso su data y se volvían criaturas como gusanos, residuos de lo que una vez fueron, de nombre “null”, asi que vencer al usuario en su propio juego era la única forma de salir “con vida” de los cubos.

Para el final de la segunda temporada, Megabyte logra deshacerse de la mayoría de los héroes enviándolos fuera del Mainframe y la tercera temporada se centra en los héroes tratando de regresar para concluir en una última batalla contra Megabyte y Hexadecimal que lo han corrompido todo. Con el último capitulo siendo una especie de tributo musical que cuenta todo lo que paso a lo largo de las tres temporadas.

Ahora, si la serie fue terminada y cancelada en 1998 ¿Cómo es que termino en 2001? Bueno, es que la serie Si termino en la tercera temporada, pero y debido a que el show salió de Canada hasta ese punto, termino por recibir una buena acogida en los USA y cuando el publico demanda, las compañías cumplen.

La serie fue revivida en el 2001, con dos películas para la televisión, cada una compuesta de 4 episodios (y llegamos a los 48 episodios). El primero se llama ReBoot: Daemon Rising, y el segundo se llama Reboot: My Two Bobs. Una tercera película y un episodio musical, fueron designados para ser creado, pero como por arte de una maldición sarcástica, la serie fue cancelada nuevamente después de esto.

Despues de eso el destino de la serie a sido un tanto acido e incierto, con proyectos menores de series spin off siendo diseñados pero nunca aprovados, unos cuantos comics digitales que parecen continuar lo que la 4 temporada dejo, lanzamientos y relanzamientos en DVD y multiples intentos de hacer un Reboot de Reboot.

El último intento de estos viene por parte de Rainmaker, los actuales propietarios de los derechos de la serie, que en el 2013 anunciaron planes para hacer un Reboot de Reboot.

Reboot fue una serie bastante peculiar, que desde el principio estuvo plagada de muchos problemas, ya sea tecnológicos o de la aceptación de aquellos que tienen que dar el visto bueno a algo antes de ser transmitido, problemas legales y económicos que le han impedido resurgir para las nuevas generaciones.

Si uno presta atención se dara cuenta de la clase de impacto que la serie tubo sobre la industria y me atreveré a decir que sin Reboot cosas como Pixar no habrían recibido el apoyo suficiente como para poder vender a los inversionistas la costosa idea que era producir una película animada completamente en computadora y que me parta un rayo en seco si Transformers: Beast War no fue altamente inspirada, en más de una forma, por Reboot.

Como dato final quisiera decir que y según los que en verdad hicieron de Reboot lo que fue, decidieron esconder un hastió de profanidades en el código vinario que representa el cielo de Mainframe, esto para reírse de la alta y ridícula censura que bien pudo haber sido la razón de por que la serie se estancara tan pronto.

Franken Fran: ¡Que comience la operación!

noreply@blogger.com (RecallerReminder) — Sun, 03 Nov 2013 21:14:00 +0000

Nombre original: フランケン

Año de lanzamiento: 2006-2012

Autor: Katsuhisa Kigitsu

Genero: Seinen, horror, comedia

Una obra poco convencional que reúne el horror con el drama y la comedia de la manera más poco convencional posible: mediante la ciencia médica en sus múltiples y más escabrosas formas.

A través de un escenario cotidiano, se nos presenta a Fran Madaraki, una doctora fuera de lo común (y no tanto por el hecho de tener la boca recosida y un par electrodos incrustados en los lados de su cabeza).

Con radicales operaciones y métodos poco éticos, ofrece sus servicios que siguen los principios más fríos del juramento hipocrático, adaptado a su ideología: preservar y salvar vidas, sin importar que tan deformados y desgraciados terminen sus pacientes, la única prioridad es que sigan con vida (el dolor físico y emocional resultantes tampoco le importan en tanto se respete ese sencillo principio).

Con un extraño manejo del humor macabro llevado al límite y toques de drama épico con algo de sensibilidad, Franken Fran es una serie muy peculiar y hasta cierto punto, original, ofreciendo una propuesta interesante aunque un poco perturbadora.

Con una mezcla de escenas donde convergen todo tipo de emociones y alegorías, esta serie nos lleva, capitulo a capitulo, por un recorrido accidentado que no parece ir a ninguna parte, llegando a un clímax desconcertante para culminar en un final entre irónico y a veces feliz.

El dibujo tiene cierta sencillez con un toque de trazos ochenteros, mostrándose extremadamente detallado en las escenas de horror (las cuales, sobra decir, no son aptas para mentes impresionables ni estómagos débiles).

¿Ven a lo que me refiero?

Mayormente, cada capitulo sigue una secuencia muy sencilla, con un elenco limitado que van alternando según la ocasión, sin perder el sentido de continuidad. El núcleo de los eventos, por supuesto, es Fran, quien actúa tanto de testigo como mediadora, realizando lo que sabe hacer mejor, con resultados casi siempre funestos pero que la dejan muy satisfecha (a sus pacientes no tanto pero pocos sobreviven o quedan en una posición que les permita ir a reclamarle).

No hay grandes pretensiones en esta historia debido a que se hizo con el objetivo de propiciar múltiples tramas con un punto en común, sin necesidad de construir algo complejo ni develar ningún misterio. No hay nada que pensar ni reflexionar, sólo relajarse y reír u horrorizarse ante las ocurrencias de Fran y su elenco tan peculiar.

Uno de los elementos recurrentes de esta serie es su amplio contenido de información de biología avanzada y ciencia medica, presente en cada capitulo, siempre viniendo de la boca de Fran cuando tiene que explicar los diversos fenómenos o procesos encontrados en la naturaleza y el cuerpo humano (justificando a veces la necesidad de sus controversiales operaciones).

La verdad es que se aprende más sobre rollos de medicina leyendo Franken Fran que con los tediosos libros de texto.

Personajes:

Fran Madaraki: La protagonista de esta historia. Doctora de corazón que sigue una motivación muy sencilla, un deseo sincero de contribuir a la sociedad sin importarle las ganancias (pero tampoco la ética).

Ofrece sus servicios prácticamente a cambio de nada, realizando operaciones que realiza a través de un surtido de otro par de brazos que refuerzan su efectividad.

Es capaz de realizar operaciones casi en cualquier momento o lugar, con una rapidez increíble, tomando consideraciones según el caso que dictaminan la suerte de sus infortunados pacientes.

En su personalidad, Fran suele ser muy amable y atenta, también romántica y optimista, pero de vez en cuando entra en estados de indiferencia total (a veces a causa de la “ingratitud” de sus pacientes).

No siempre es enterada de la suerte final de sus pacientes, manteniéndose confiada en que hizo lo mejor que pudo para olvidarse de ellos y pasar a otro caso.

Nunca se explica exactamente que es Fran pero tomando en cuenta el titulo de la serie y su apariencia, nos podemos dar una buena idea.

Fuera de su dedicación constante al trabajo (casi nunca descansa porque siempre está dispuesta a ayudar, se diría que es adicta a causa de su altruismo desmedido), Fran se la pasa esperando y soñando con el reencuentro con su amado creador, quien vive eternamente en su mente y corazón (derivando en extrañas fantasías que sugieren un fetiche peculiar en su relación).

Una chica como cualquier otra ¿no creen?

Okita: Asistente de Fran. Un joven cuya cabeza fue injertada en el cuerpo de un perro (se desconoce la razón).

Aparentemente, tiene una mejor comprensión de las necesidades de los pacientes que Fran, cuestionando sutilmente sus métodos, pero al final siempre termina dándole por su lado.

Dr. Naomitsu Madaraki: El misterioso creador de Fran. Un personaje siniestro con una reputación terrible que lo expone como un genio diabólico que lleva décadas activo.

Jamás se explica el porque de su larga ausencia (prácticamente esta ausente en toda la serie, sus apariciones se limitan a los personajes que hablan sobre él y las fantasías de Fran) pero su influencia en Fran y le fe en sus radicales métodos, es muy notoria.

Dr. Amatsuka: Antiguo amigo del Dr. Madaraki. Suele acompañar y consultar a Fran sobre extraños misterios de la ciencia.

Desarrolla el papel de tutor de Gavrill, indicando ser el único que puede mantenerla bajo control.

Adorea: Otra de los monstruosos asistentes de Fran.

Una mujer vendada, silenciosa y misteriosa, que tiene la capacidad de proveer (y obtener) órganos extra cuando Fran los necesita durante las operaciones.

Eventualmente, se cuenta su trágica historia que la expone como una joven traicionada por su abusivo novio que tomó todos sus órganos (como parte de un extraño pacto de amantes) para si, obteniendo la oportunidad de eventual desquite.

Rumiko Kuhou: Joven investigadora que se ve involucrada en varias ocasiones con casos relacionados con los servicios de Fran. Al final de cada episodio, su memoria es borrada, dejándola desconcertada pero con una alerta subconsciente que se activa siempre que reencuentra a Fran, sabiendo de antemano que prepara un nuevo horror.

Por mala suerte y a veces su propia torpeza, sufre distintas penalidades que terminan por hacerla colaborar involuntariamente en los experimentos de Fran, al grado de crear varios clones desechables de ella (mediante una forma de mitosis), los cuales Fran no duda en emplear y sacrificar según amerita la ocasión (llegando a un punto en que Rumiko ya no sabe si es la verdadera o un clon suyo).

Veronica Madaraki: Hermana menor de Fran. Creada por el Dr. Madaraki para servir como su mortífera guardaespaldas personal. Sus órganos han sido reemplazados para darle espacio a su dotación de letales cuchillas, las cuales dispersan con el contacto un poderoso virus bacteria que garantiza la muerte de sus objetivos.

Debido a su falta de contacto humano, Veronica es fría y distante, pero la convivencia con Fran demuestra que en el fondo tiene su corazoncito.

Se rige por el código del guerrero que le exige eliminar a sus objetivos de manera rápida y sin dolor. No obstante, la influencia de Fran ocasiona que se restrinja de matar ya que, como medico (aunque no calificada), considera que la vida es sagrada. Irónicamente, Veronica no siempre aprueba los métodos radicales de su hermana que acaban por arruinar horriblemente las vidas de sus pacientes.

Sentinel Man: Parodia del clásico héroe defensor de la justicia de las tradicionales series japonesas de antaño.

A lo largo de la serie, esta identidad es reclamada por cuatro individuos que la adoptan por sus propios motivos, recurriendo a Fran para darles cuerpos cada vez más fuertes para derrotar a sus rivales (casi matándose constantemente hasta que por fin les da por formar un equipo).

Se la pasan combatiendo a la organización “Black Lotus”, compuesta básicamente de monstruos originados a raíz de otras funestas operaciones de Fran.

Gavrill Madaraki: Hermana mayor de Fran y Veronica.

Otra creación diabólica del Dr. Madaraki con pésima actitud. Insolente y agresiva a más no poder, actúa como la típica bravucona causa problemas cuando no está atentando contra sus hermanas.

Posee la habilidad de transformar su cuerpo, adoptando una apariencia bestial que representa su ferocidad.

Una historia que horroriza y divierte al mismo tiempo. Esa es Franken Fran.

75 años de Superman

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Tue, 29 Oct 2013 01:14:00 +0000

"Su imagen a cambiado mucho con los años, pero lo que él representa perdurara por siempre"

Pepper Ann

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Tue, 17 Sep 2013 16:59:00 +0000

Titulo Original: Pepper Ann

Ficha técnica

Creadores:	Sue Rose
País de origen	E.U.A
No. De episodios:	65
Duración:	25 minutos
Tiempo de transmisión original:	13 de septiembre de 1997 al 23 de noviembre de 2001

Nombre Completo: Pepper Ann Pearson. Edad: 12 años. Ocupación: Estudiante adolescente.

Si el intro de esta serie de televisión no te ha dado una idea de quien es Pepper Ann o de que trata su caricatura, as venido al lugar correcto si conocimiento es lo que buscas.

Pepper Ann es una de las ultimas y más grandes protagonistas que las caricaturas nos pudieron ofrecer en los 90’s. La serie sigue a la exuberante pelirroja Pepper Ann, que como toda adolescente busca adaptarse a su nueva vida como recién ingresada de secundaria.

Los episodios tratan un poco de todo lo que puede pasar en la vida de un adolescente usando a Pepper Ann no solo como protagonista si no como avatar con el que todos los televidentes puedan identificarse, desde la oposición de Pepper Ann a usar un uniforme escolar, malentendidos escolares, familiares y demás.

Y a pesar de que Pepper Ann es una mujer, son contados pero definitivamente significativos aquellos episodios en donde Pepper enfrenta una situación menos genérica y más enfocada a la demografía femenina como el uso de sostenes o el noviazgo; prefiriendo enfocarse en problemas más genéricos que puedan ocurrirle a ambas demografías, pero no por eso menos significativas o de una calidad argumental menos fina como lidiar con la autoridad, el divorcio, la familia y los amigos.

Y hablando de Familia y amigos, es momento que los presentemos.

Lydia es la madre de Pepper Ann y es divorciada. Ella trabaja en una tienda de ropa llamada "Es usted", y hace muy buen dinero, por no mencionar que es muy popular con las mujeres que compran allí.

Lydia tiene una reputación de ser muy unida, familiarmente hablando, controladora y muy responsable. Aunque esto a veces causa a Pepper Ann desear que su madre sea más moderna y menos "unida", pero a pesar de todo Pepper Ann realmente depende de su madre para la sabiduría en ciertas situaciones.

Margaret Rose "Moose" Pearson es la hija menor de Lidia y la hermana pequeña de Pepper Ann. Ella es una chica poco femenina, pero es linda y bonita, con una voz profunda y comportamientos juveniles. No hay mucho más que decir de ella, pues el show se llama Pepper Ann y no Moose Pearson.

Milo Kamilani, derecha, y Nicky Anais Little, izquierda, son los mejores amigos de Pepper Ann. Milo es un excelente artista, y jugador de videojuegos, en muchas ocaciones suele pasar por vago. Micky es una estudiante destacada con tendencias perfeccionistas, es vegetariana y Anatidaefobica.

Ambos suele jugar el papel de la conciencia/razón de Pepper Ann, antes de que esta haga algo que se arrepentirá, claro que Pepper raras veces suele escuchar sus consejos (de lo contrario el show seria más corto y un tanto aburrido).

Uno de los gags que se convirtió en sello personal, aunque no propio y originario de ella, de la serie fue que al final de cada intro Pepper Ann encontraría algo completamente diferente debajo de su pupitre; pero este gag solo se hace presente a partir de la segunda temporada. Se rumorea que esto se debe a que por falta de tiempo, no pudieron terminar las diferentes animaciones para todos los episodios de la primera temporada, quedándose únicamente con la animación en la que la pelirroja se encuentra cinco dólares.

Si el diseño de los personajes y los escenarios de la serie, les son familiares a algunos de ustedes, en especial a los más jóvenes, eso es por que fueron encargados al reconocido dibujante y animador Tom Warburton, al que todos reconocerán a través de su trabajo en Cartoon Network con KND: Los Chicos del Barrio.

"Todos los aquí presentes tienen la misma edad".

Las aventuras de los osos gummi

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Mon, 02 Sep 2013 00:19:00 +0000

Titulo Original: Disney's Adventures of the Gummi Bears

Ficha técnica

Creadores:	Jymn Magon Y Art Vitello
País de origen	E.U.A
No. De episodios:	94
Duración:	11 minutos
Tiempo de transmisión original:	14 de septiembre de 1985 al 8 de diciembre de 1990

Los Osos Gummi fue la primera gran serie animada de televisión de Disney (de echo fue la segunda, pues llego a tener una serie hermana que salio al mismo timepo, pero de esa, ya hablaremos en otro momento), y con frecuencia se le atribuye por los animadores y los historiadores de animación como la que inicio el boom de las caricaturas de los años 80 y 90. O en otras palabras, todos estos:

"Chip y Dale: Los rescatadores"

"Las patoaventuras"

Entre muchas otras le deben todo lo que son a ellos:

Muy similar a los pitufos, la historia de los osos Gummi ocurre en una época que emula el Medioevo, y al igual que los pitufos, los osos Gummi son criaturas que viven en el bosque alejados de los humanos, pues y aunque en el pasado vivían en paz y en armonía con los humanos, los Gummi de la antigüedad temieron a los codiciosos humanos que envidiaban la magia y la tecnología que estos poseían, decidiendo pues convertirse en criaturas de leyenda por decisión propia.

Pero para ser más específicos, la caricatura gira en torno a un grupo muy particular de osos Gummi, llamados los Gummi Glen:

Gruffi

Es un oso anticuada que prefiere hacer las cosas "de la manera Gummi", y el líder de facto de Gummi Glen. Un artesano muy hábil y mecánico inato. Gruffi es respetado como la voz de la estabilidad cuando los otros Gummis caen en la desesperación, pero en ocaciones se suele dejar llevar y convertirse en una verdadera molestia para los demás.

Zummi

Juega el papel de sabio y mago. Descuidado y olvidadizo, en la mayoría de los casos sus hechizos suelen salir con resultados inesperados.

Grammi

La matriarca del clan Gummi, ella cocina y limpia y prepara el jugo de gummibayas, que es la fuente de las habilidades saltarinas y rebotadoras de estos osos. Sus cocinas, qué a veces son completamente experimentales no siempre son aprecian por los otros. Suele entrar en acaloradas discusiones con Gruffi Gummi con respecto a lo que hay que hacer.

Tummi

El glotón del grupo Gummi, quien es un poco lento en pensar y actuar, pero es tan valeroso como el resto. A pesar de lo que dicen las apariencias, resulta ser tan solo el mayor de los jóvenes. Él tiene una personalidad más bien relajada y tranquila. A lo largo de la serie que muestra signos de ser un talentoso marinero, jardinero, artista y el artesano.

Sunni Gummi

Una adolescente echa y derecha, en el sentido de que es rebelde y aficionada a la moda. Sueña con ser una princesa y tiene una curiosidad mayor por los humanos que por la historia de los suyo. Victima constante de Grammi, que lo único que quiere de ella es que cuando sea mayor pueda ocupar su lugar como la matriarca del grupo y portadora del secreto del jugo gummibayas

Cubbi Gummi

El más joven del grupo, sueña con convertirse en un gran caballero. Es muy impetuoso y tiene una tendencia a distraerse con algo misterioso y emocionante, lo que en ocaciones le acarrea problemas a él y a sus amigos.

Duque Igthorn y los Ogros

El gobernante malvado, irascible, vengativo y loco de poder del castillo Drekmore, es el villano principal de la serie. Persigue los Osos Gummi con la ayuda de su ejército ogro para tomar posesión del jugo gummibayas el cual brinda una fuerza colosal a los humanos que la consumen, esto con el único objetivo de poder tomar posecion de los terrenos de Dunwyn, lugar del cual fue exiliado años atrás por conspirar contra el rey.

Existen muchos otros personajes en la serie, entre aliados y enemigos de los osos Gummi, pero creo que esta entrada ya se a extendido demasiado tal cal como esta.

Cabe mencionar que el programa tuvo tanto éxito en el Reino Unido que los episodios de "A New Beginning" y "Faster than a Speeding Tummi" fueron lanzados como cortometrajes teatrales en 1986 y 1987.

Otras apariciones de Gummi Bears en otros medios incluyen una apariencia de Gruffi Gummi protagonizar un video musical D-TV de la canción de Elvis Presley "Teddy Bear" en 1986.

Y si para este punto no se an dado cuenta, el show esta ligeramente basado en esto:

Los Pingüinos Revoltosos

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Sun, 25 Aug 2013 18:11:00 +0000

Titulo Original: Avenger Penguins

Ficha técnica

Creadores:	Cosgrove Hall Films
País de origen	Reino Unido
No. De episodios:	26
Duración:	22 minutos
Tiempo de transmisión original:	22 de septiembre de 1993 al 9 de diciembre de 1994

Rascando el fondo del barril de los recuerdos, aquí en arribadelared, nos honramos en presentar a los Pinguinos revoltosos:

"Los reto, los doble reto a que busquen imágenes de estos personajes en español, no encontraran anda"

De los creadores de El Conde Patula llega a México de parte del viejo continente una caricatura con una historia que gira en torno a tres pingüinos motociclistas que habitan en “La Gran Ciudad”, unidos para proteger a sus ciudadanos de Funesto Malvadon, un estereotípico científico loco con tendencias megalómanas. Los pingüinos tratan de evitar esquemas de Malvadon, pero se encuentran a menudo obstaculizado por sus propia ineptitud y ocasionales roces con otras bandas de motoristas que infestan La Gran Ciudad.

"Esta caricatura es taaaaaan obscura que estoy recurriendo a Fan art a falta de imágenes del show en el internet"

Marlon (Centro)
Líder de los Pingüinos revoltosos, un pingüino un tanto arrogante, cínico y gruñon que cree que es más genial de lo que en realidad es, que si bien sabe lo que quiere, difícilmente puede coordinar las cosas para lograrlo.

Rocky (Izquierda)
Un pingüino que lo que tiende de grande lo tiene de tonto; su medio de transporte es una pequeña y divertida motocicleta o "hog".

Bluey (Derecha)
Pequeño e incomprensible pingüino, con una gran moto y el intelecto para que coincida. Balbusea en un extraño lenguaje que aparentemente solo Rocky puede entender.

Bella

"Esta es la única imagen de ella en todo el internet, and that is really sad"

Atractiva dama pingüino, e interés romántico de los pingüinos revoltosos, que dirige el puesto de la heladería favorita de estos.

Funesto Malvadon y Harry Slime

Funesto Malvadon es un malo de película, quiere gobernar el mundo y nada más. Suele romper el cuarto muro explicando sus funestos planes para dominar al mundo a los televidentes. Harry Slime es su secuas, un poco esquizofrénico, en ocasiones tiene períodos de angustia acerca de si debe ser realmente malo o no.

Los pingüinos revoltosos tiene la distinción de ser la última caricatura de Cosgrove Hall en ser pintada a mano, las siguientes caricaturas fueron echas en computadora.

Al igual que con El Conde Patula, esta caricatura también se vio llena de cambios y modificaciones al libreto original para que el humor y los chistes pudieran resonar de mejor manera con la audiencia Méxicana, entre lo más notorio se encuentran "Los hermanos mal dibujados"

Parodia que pretendía hacer burla de la poca calidad que algunas caricaturas tenían en la época de los 80’s y que aquí fueron presentados como "Los hermanos Pelos", parodia de los famosos personajes de la serie de televicion, “Los hermanos Lelos”

Originalmente la serie de televisión salió en un paquete de tres videocasetes cuando esta se termino

Y tan recientemente como en el 2006, Amazon, quien sabe como, logro poner a la venta un DVD que contiene los 26 episodios de la serie.

Bumpety Boo, el carrito amarillo.

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Sun, 18 Aug 2013 17:46:00 +0000

Titulo Original: へーい!ブンブー(Hē! Bunbū)

Ficha técnica

Creadores:	Nippon Animation
País de origen	Japon
No. De episodios:	130 episodios
Duración:	30 minutos
Tiempo de transmisión original:	8 de abril de 1985 al 3 de abril de 1986

¡Boom Baby, Estoy de regreso¡ Y nuevamente volviéndolos a agarrar en curva con esta caricatura japonesa, que estoy seguro, muchos de ustedes ya ni se han de acordar.

La trama de esta caricatura es rara, incluso para los estándares de rarezas comunes que se suelen ver en los mangas menos tradicionales del japon.

La serie trataba sobre las aventuras de un niño llamado Ken

Quien siempre soñó con tener un auto, y Bumpety Boo, un auto amarillo que tenía la capacidad de hablar y nació de un huevo ¿Wait, What?.

¿Wait, What?

Juntos viajan por el mundo en búsqueda de la madre de nuestro recien nacido auto amarillo y deben soportar a Dr. Mono, el villano.

Ken tendrá que lidiar a lo largo de la historia con los intentos de Dr. Mono por quitarle a Bumpety Boo ¿Por que? Sepa el omnisciente, a lo largo de la caricatura se hace bastante obvio que los autos parlanchines que nacen de huevos y pueden hablar son más comunes que los pandas.

Bumpety Boo y Ken emprendieron un largo viaje en búsqueda de la familia del autito amarillo, sin embargo siempre encontraban aventuras y a quienes ayudar, haciendo cada vez más infructuosa la búsqueda dada la falta de pistas. Había también otros autos que hablaban y eran ayudados por Bumpety Boo, quien al oler una amapola ganaba fuerzas y rapidez.

Al final de la serie ya casi sin esperanzas, encuentran a la familia de Bumpety Boo.

En México se transmitió de 1992 a 1995 por los canales XHGC (Canal 5) y el canal ZAZ; y fue distribuido por Saban International. Como dato curioso, México fue uno de los países en recibir la caricatura de último lugar en Latinoamérica, cuando la cosa suele ser al revés, pues este anime se transmitió en la Argentina desde 1989 hasta 1991.

Y solo para volarles la cabeza. Un chico con gorra roja y ropaje azul, viajando por el mundo con un ladron que busca despojarlo de su amigo amarillo ¿No les suena a algo parecido?

El profesor Iris

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Sun, 14 Apr 2013 17:46:00 +0000

Titulo Original: Iris, The Happy Professor

Ficha técnica

Creadores:	Judy Katschke R. L. Stine
País de origen	Canada
No. De episodios:	156
Duración:	15 minutos
Tiempo de transmisión original:	1992 - 1994

El profesor Iris era un Ibis púrpura que enseñaba a su clase, conformada de tres estudiantes, un piano, un esqueleto y una flor, a demás de los televidentes, una variedad de temas siempre usando un moño de corbata referente a la lección del episodio, posiblemente haciendo referencia a otro programa de televisión educativo bastante más popular.

Acompañando al profesor, también se encontraba la Sra. Directora, una pata directora de la escuela que a menudo entraba al salón de clases para preguntar la razón del escándalo/clase del dia, siempre demostrando tener un amorío por el profesor Iris.

Otro obscuro programa de marionetas salido de Canadá? Así es. EL profesor Iris fue un programa educativo canadiense que varia en temas que podrían ir desde la biología, la ecología, historia, geográfica, astronomía, etc, pero siempre manteniendo un nivel de primera de entre primer y cuarto grado para hace la cosa simple pero interesante.

El profesor Iris fue uno de tantos programas que pasaron sin pena ni gloria, como podrían ver por la casi inexistente cantidad de información que existe sobre el y que ahorita solo vive en algunos de los rincones más obscuros del consiente colectivo conocido como internet.

La peor empresa

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Wed, 10 Apr 2013 22:31:00 +0000

Ayer por la noche me puse a pensar en esto y creo haber obtenido una buena razón de por qué EA ganó este premio. Para aquellos que no lo sepan, EA (Electronics Arts) es una empresa que produce y publica una gran catidad de videojuegos.

"Algunos por los que es más conocida o reconocida son: Mass Effect 3, como publicista, todos los juegos de Madden y Fifa como desarrollador, y más recientemente por Sims City."

No es porque sean realmente la peor empresa en Estados Unidos, incluso yo se que Bank of America ha hecho más daño que el que EA podría hacer realmente, no, la razón por la que EA ganado dos años seguidos la estatuilla de la "caca de oro" es porque son la empresa que intencional o no (yo no voy a discutir eso aquí) ha logrado hacer enojar a sus consumidores de manera continua y periódica.

¿El problema para EA? Sus consumidores son la mayoría de las personas que saben cómo utilizar el Internet y se preocupan por cosas como encuestas de Internet como estas.

“Esto es lo mejor que el internet puede pensar de EA”

¿El problema con los resultados de estas encuestas? Lo que dice a las otras empresas (si es que realmente hacen caso a estas cosas). Que EA gane y aya ganado este tipo de encuestas, dos años consecutivos para hacer peor las cosas, dice que la mayoría de las personas se preocupan por las malas prácticas de negocio en la industria de los videojuegos más de lo que se preocupa por las prácticas criminales como el robo de miles de millones en dinero y propiedades o causar peligro ambiental que afectan o destruyen el ecosistema llegando a causar la muerte de personas.

Espero que EA realmente escuche lo que esta encuesta realmente le quiere decir, no porque me gustaría mejores juegos en el futuro, para ser franco, creo que nunca e comprado ningún juego en el que EA participara de alguna forma.

No, más bien lo exijo por el hecho de que espero que estas palabras de inconformidad, reproche y repudio social, lleguen a aquellas empresas que realmente están haciendo del mundo un lugar peor para vivir.

Quiero que quede claro, no estoy defendiendo a EA o a sus prácticas tan reprochables en lo absoluto, la verdad pienso que lo mejor seria que EA desapareciera por completo de la industria de los videojuegos, pero creo que existen peores empresas, no solo en Estados Unidos, si no en el resto del mundo que de verdad merecen ganar el titulo de "La peor empresa", la mayoría mucho peores que las participantes en esta encuesta.

Twogag

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Mon, 08 Apr 2013 21:07:00 +0000

¿Qué es la amistad?

Es la mutua honestidad

Es saber cuándo intervenir cuando cuando algo esta mal

Es tener a ese alguien que siempre esta dispuesto a ayudar

Es tener a alguien que te aprecia por quien eres, y no por quien podrías ser

Eso es la amistad, y como pueden ver, esas mismas cosas que aplican en la realidad, no son así en el mundo de Two Guys and a Guy.

Two Guys and a Guy es un web comic sin mucha continuidad entre tira y tira, con un humor muy particular que, a pesar de ser situacional, no he encontrado en ningún otro tipo de web comic.

Two Guys and a Guy se centra en su totalidad en tres amigos, si es que se pueden llamar así, que tienen nada o poco en común y viven en una relación que se podría catalogar como inapropiada.

Wayne es un chico rubio con altas aspiraciones a ser artista, a lo largo del comics a intentado un poco de todo, pero la escritura y la pintura parecen ser sus fuertes, lo único que le impide ser exitoso en su falta de empeño por su trabajo.

Tiene serios problemas de autoestima y suele desquitarse con los demás para sentirse mejor consigo mismo, con todos menos con:

La chica, su verdadero nombre es un misterio para todos, incluyendo a sus amigos, es una pelirroja con serios problemas de actitud, que se divierte con la miseria de los demás, en especial de Wayne, ya sea participe directa o peatonal de esta.

Con una personalidad muy de tomboy, bastante obvio por qué se ha ganado el nombre de "Guy" con el cual se le conoce a lo largo del cómic y razón por la cual el nombre largo del comic es asi. Two guys and guy (Dos chicos y Chico).

Completando la tercia tenemos a Frank

Frank es un científico, muy listo, que se ha separado de las emociones, casi por completo, para no tener una conciencia o rastro de moral que limite su curiosidad científica para explorar lo que muchos considerarían tabú en la ciencia e ilegales bajo cualquier tipo de autoridad, aun si sus amigos están involucrados.

Twogag recibe una tira nueva cada lunes, miércoles y viernes y puede ser visto en su pagina oficial de Twogag.

Tropes vs. Women in Video Games

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Wed, 20 Mar 2013 19:36:00 +0000

Un nombre que ha sonado fuertemente en el internet últimamente es el de Anita Sarkeesian.

Anita Sarkeesian es una feminista Canado estadounidense, crítica de medios de comunicación y blogger. Obtuvo una licenciatura en estudios de la comunicación en la Universidad estatal de California y la maestría en el pensamiento social y político en la Universidad de York.

"Así que, ella es muy inteligente"

Ahora, la razón de por qué su nombre está sonando tan fuertemente en el internet últimamente es, desde mi punto de vista muy ridícula y desgraciadamente de forma muy equivocada. Ella es la autora del blog del vídeo "Frecuencia Feminista".

Como feminista activa en el internet, está por demás decir que tiene más detractores que partidarios por esta misma razón, después de todo el internet está lleno de cosas como:

"Entre otras cosas que no estoy dispuesto a poner aquí"

Volviendo al punto, la razón por la que ella se ha vuelto un nombre resonante en el internet es por su proyecto de Kickstarter, para aquellos que no lo sepan, Kickstarter es un sitio en donde la gente propone un proyecto a realizar y una meta económica para que dicho proyecto se pueda realizar, y obviamente la gente puede contribuir para alcanzar esa meta; en el que ella pedía fondos para poder producir una serie de videos (recuerden, ella es una video blogger también) acerca de un tema subyacente a los que ella suele abordar, los Tropes, que sin ir ni a la Wikipedia, los Tropes (o tropos en español) es una forma de referirse a los estereotipos, para ser más específicos: Tropes vs. Women

Dicho proyecto a fundar consistirá en la realización de 5 (claro que ahora y debido a increíble éxito que obtuvo su proyecto el número de video ha aumentado a 12 videos más dos bonus, pero ya hablare de esto un poco más abajo) videos en donde se explorarían los Tropes por los cuales han pasado las mujeres a lo largo de la industria de los videojuegos

Cuando empezó a recaudar fondos para dicho proyecto el internet arremetió contra ella, no porque su proyecto tuviera algún defecto, si no por qué y nuevamente:

Yep, el internet está lleno de gente que hace esto.

Cientos de insultos, amenazas y demás comentarios en contra de ella no se hicieron esperar, una campaña de acoso sexual y una avalancha de misoginia se desato en su contra, tratando de atacarla de todos los flancos y de todas las formas posibles.
No pienso entrar en más detalle de todo lo que paso, solo diré que la gran mayoría me lleva a sentir pena ajena por la humanidad; pero no olvidemos, Anita Sarkeesian es muy lista, en especial y recordemos sus títulos, licenciatura en estudios de la comunicación y maestría en el pensamiento social y político, así que, en realidad todos aquellos que en esos momentos la estaban haciendo de detractores no fueron más que simples peones de Anita, cuya única función en su plan fue reforzar su punto: “existe demasiada misoginia en el mundo”, utilizando y manipulando los medios a su disposición se encargó de seleccionar los mejores ejemplos de misoginia y usarlos como evidencia ante los ojos del resto del mundo para que la vieran como una mártir por su causa feminista y obviamente la llevaran de los 6000 dólares que originalmente pedía en su página de Kickstarter hasta la increíble cantidad de $158,922, 26 veces más de lo que originalmente tenía como meta.

Y helo aquí, el primero 12 episodios:

Y ahora, ¿que pienso yo de todo esto? No hay mucho que pensar la verdad, ella no ha ocultado sus intenciones con este proyecto, es claro que ella piensa hablar única y exclusivamente de los malos estereotipos que existen en la industria de los videojuegos con relación a las mujeres, y siendo honestos, no conozco ni una sola mujer protagonista o coprotagonista en los videojuegos que no allá sido víctima de los Tropes.

Bueno, la información que presenta es sin duda alguna de los más interesante, claro que sabiendo que llego a obtener una Maestría no me sorprende lo completa y bien presentada que esta su información y la fascinante forma en la que la ha presentado, debo admitirlo, hasta a mí me dolió un poquito que empezará su video con un golpe tan bajo y certero como lo fue Dinosaur Planet, uno de los errores más grandes que el máximo representante de la industria de los videojuegos, Shigeru Miyamoto, ha cometido a lo largo de su carrera.

Chip y Dale: Los rescatadores

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Sun, 10 Mar 2013 21:35:00 +0000

Titulo Original: Chip 'n Dale: Rescue Rangers

Ficha técnica

Creadores:	Tad Stones, Alan Zaslove
País de origen	E.U.A
No. De episodios:	65
Duración:	22 minutos
Tiempo de transmisión original:	4 de marzo de 1989 - 19 de noviembre de 1990

Hablando de los que llegan al estrellato desde la nada, Chip y Dale son un de los pocos (los únicos en mi cabeza en estos momentos) personajes de caricatura que empezaron como personajes de caricatura, sin nombre y de tercera clase que aparecieron por primera vez en el corto de animación "Private Pluto'", donde irritaban aPluto, el fiel perro de Mickey.

Y de repente y de la nada PAM Super estrellas

En su lanzamiento al estrellato, osea, esta caricatura, Chip y Dale, ahora con un poco de ropa, abren una agencia de detectives, "Rescue Rangers" (Los rescatadores), junto a sus nuevos amigos Gadget, Monterey Jack y Zipper. El grupo decide resolver casos y crímenes ofrecidos por sus clientes (normalmente animales) los cuales la policía encuentran demasiado pequeños como para ocuparse.

Chip es el líder del equipo. Ligeramente modelado como Indiana Jones, Chip usa un fedora y una chaqueta bomber. Cuando se trata de hacer el trabajo, tiende a ser serio y tiene un gran sentido de la responsabilidad.

Dale es lo opuesto de Chip, lo principal y lo que lo diferencia ante Chip es su ligeramente grande nariz roja, que viste una camiseta hawaiana y a diferencia de Chip, Dale tiene dos dientes sobresalientes. Aunque se dedica en parte a su trabajo es un amante de las bromas, a veces es un poco irresponsable y suele actuar antes de pensar. Pasa su tiempo libre leyendo cómics y jugando a los video juegos. Si Chip es la mente del equipo, Dale es el corazón de este.

Y aunque ellos dos son los protagonistas con previa historia, ellos no son los únicos protagonistas de esta caricatura, para continuar tenemos a

Monterey Jack o Monty para sus amigos, el es la fuerza del equipo; un ratón australiano amante de la aventura. Después de que su casa fuera destruida, Monty decide unirse a los Rescue Rangers junto a Zipper, su mosca compañero. Monty tiene una fuerte adicción al queso, en cuanto lo huele entra en letargo como si estuviera hipnotizado dirigiéndose hacia él.

Y para finaliza, pero no menos importante, tenemos a

Gadget Hackwrench o Gady es una ratoncita y piloto del equipo, mecánica e inventora, sobra decir que ella es la inteligencia del equipo. Hija del fallecido inventor y aviador Geegaw Hackwrench, quien fuera amigo de Monterey Jack, conoció a Chip y a Dale cuando se los mandó a Geegaw a la búsqueda de un aeroplano. A pesar de lo frágil que pueda parecer, a lo largo de la serie demostró que es más que autosuficiente para salir de cualquier situación.

Pero que grupo se pueda llamar heroico sin villanos a combatir, entre los más comunes se encuentran:

Mala Cara es un felino gato tabby gris y el principal antagonista de los rescatadores. Anteriormente fue propiedad del criminal Aldrin Klordane, Mala Cara se volvió un agente independiente y jefe animal de la organización mundial del crimen después de la encarcelación de su dueño.

Profesor Norton Nimnul, otro de los enemigos de los Rescue Rangers, es humano y un científico loco. Aunque Nimnul es inteligente y creativo, sus planes carecen de lógica pero no por eso dejan de ser… impresionantes, y por eso es mi villano favorito. Por ejemplo, crear un dispositivo que le permite intercambiar ADN con un lobo para convertirse en un lobo ladrón.

Sin quitarle crédito al equipo de animación, que hizo uno de los mejores trabajos que e visto hasta la fecha, creo que la razón del éxito tan explosivo que tubo esta caricatura de corta vida radica principalmente en la inteligencia de los escritores.

Ellos claramente sabían que el concepto de roedores resuelve misterios era ridículo a más no poder, pero dejaron que eso los detuviera? NO, en lugar de ver esto como una trampa a la mediocridad, ellos dieron rienda suelta a su imaginación y vinieron con algún de los conceptos más ridículos MAS brillantes del momento, de alguna forma tomaron estos ridículos conceptos, les dieron forma, entendimiento y de alguna forma los hicieron creíbles y entretenidos de ver.

Y si bien algunas de las tramas e historias o comportamientos de los personajes están pasados de moda, sepance que hay comedia animada que nunca pasara de moda

"Clasico"

Y si la serie animada, que por sierto puede ser vista casi por completo en multiples canales de Youtube, no fue lo suficientemente buena como para hacerte conocer a los rescatadores, no me puedo ir de aquí sin mencionar los juegos de NES que se produjeron a partir de esta:

Chip y Dale: Los rescatadores

Chip y Dale: Los rescatadores 2

Ambos juegos de los mejores que la NES pudo ofrecer en TODOS los sentidos, sobresaliendo por ser ambos de los pocos juegos de 8 Bits permiten el modo cooperativo simultaneo.

VideoGame Review - Lost in Shadow

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Sun, 03 Mar 2013 17:37:00 +0000

El mes pasado hablamos de un juego que aparece en muchas listas de juegos de Wii "subestimado", hoy hablaré de un juego que ha sido tan subestimado que a pasado muy por debajo del radar de incluso aquellos que les gustan las rarezas y encuentran el placer en lo subestimando. Pero ¿Es Lost in the shadow un gran juego que se perdió en la sombra de los grandes lanzamientos, o solo la sombra de lo que pudo haber sido un gran juego?

Historia

Desarrollado por Hudson Soft, uno pensaría que hay mucha historia detrás de él, pero la realidad es que este juego tuvo un ciclo de desarrollo bastante apacible y regular, tal vez demasiado apacible para su bienestar, ya que juego que no hace ruido, no llama la atención de los jugadores.

El juego hizo una aparición en la E3 del 2010

Se hicieron multiples entrevistas al equipo encargado del juego, algunas muy creativas, otras muy directas, pero todas ellas nuevamente causaron tanto ruido como el que emite una sombra al aplaudir. El juego salio en ese mismo año en Japon, Australia y Europa y en el 2011 en América.

Trama

En la cima de una enorme torre, tan grande como misteriosa, más allá de lo que las nubes esconden, una extraña figura, envuelta en oscura vestimenta se aproxima a un joven que se encuentra suspendido en el aire, la extraña criatura invoca una espada y se prepara para dar un golpe que garantiza ser fatal, pero no es el muchacho el que ha sido tocado por la peculiar espada, sino su sombra.

La sombra cae, a sido separada de su dueño, pero es recogida inmediatamente por el desconocido atacante, el cual la lleva hasta donde lo sólido del suelo se lo permite y la lanza al vacío.

La caída no es fatal, la sombra se encuentra bien, es ayudada por un extraño ser cuya mejor forma de describirlo es como una Hada.

Todo recuerdo del pasado a sido perdido, y lo unico que sabes es que tienes que regresar con su dueño, y para eso tienes que escalar la imponente torre y resolver el terrible misterio que dentro de ella habita.

Pero la tarea no será fácil, la torre está llena de peligros y trampas, criaturas de las sombras han hecho de la torre su hogar y no dudaran ni un minuto en atacar y devorar a quien sea que se cruce en su camino.

Controles

Solo hay una opción de control aquí y esa es Wii mote + Nunchuk.

Gráficos

Lost in Shadows es uno de los últimos títulos en salir para la Wii y se hace notar que los desarrolladores detrás de este juego han sabido explotar las capacidades de la Wii para producir un mundo tridimensional bastante hermoso aun con las ya bastante obvias limitaciones que condenaron a la Wii.

Gameplay

Pero no dejen que las hermosas imágenes que el juego despliega los engañen y/o confundan, porque eso es una trampa, parte del juego busca distraerlos, quitarles la atención de donde realmente deben de concentrarse, en las sombras, lo que convierte a Lost in the Shadows uno de los pocos juegos, no solo de la Wii, en que la perspectiva juega un papel importante para el sano avance en el juego.

De suma importancia es hacer mención que el juego es un puzzle platformer en 3D (¿3D? Si, más de eso adelante) y con eso en mente, el aprender a manipular las fuentes de luz es de suma importancia para poder manipular las sombras y poder abrirnos paso en los amplios pero claustrofóbicos pasillos de la misteriosa torre.

La salida de cada nivel está bloqueada por un muro de sombras y para poder pasar al siguiente nivel de la torre tienes que encontrar los 3 ojos custodios que que se encuentran dispersos a lo largo del nivel.

La parte de plataformas está definida por el hecho de que te mueves y saltas entre plataformas, pero la parte de puzzle está representada en todos los obstáculos que tienes que superar para dar con estos ojos custodios.

Algunas partes parecerán ser tramos sin salida, aquí es donde Spangle entra en acción, apuntando hacia la pantalla con el Wii mote y apretando el botón "B", Spangle "escaneara" los alrededores en búsqueda de algún objeto del plano físico que pueda ser manipulable, si el objeto es manipulable, aparecerá un punto luminiscente sobre el, despues de haberlo seleccionado por un rato, Spangle podrá moverlo con solo presionar "B".

Acompañando a la categoría de plataformas se encuentra un sistema de rol, lo que nos equipa con una barra de vida y una de experiencia. Para aumentar la barra de vida, que el juego prefiere presentarla como la barra de "peso" de la sombra, tenemos que leer las "memorias" que son fuentes de luz que se encuentran dispersas a lo largo de cada nivel.

"Algunas de las memorias están escondidas, la clave aquí es tener un buen ojo y prestar atención a los detalles"

Las memorias no son importantes para finalizar el juego, pero, a parte de facilitarlo al aumentar nuestra vida/peso, las "memorias" sirven un papel muy importante para generar una inmersión muy poderosa para poder entender de mejor manera la historia del juego (creanme, no querrán perderse ni una sola memoria) y ampliar el sentimiento que el juego quiere generar sobre el jugador, lo que en cierta forma me recuerda el sistema de escaneo de Lore en Metroid Prime.

La barra de experiencia, por otro lado, se alimenta de los enemigos derrotados, y con cada nivel que aumentemos nuestra capacidad de inflingir daño va aumentando.

Acompañando a las memorias se encuentran los Pasillos de Sombras que son formas de entrar a "niveles" especiales para presentar mecánicas del juego que no pueden ser presentadas en los amplios niveles regulares del juego.

"La recompensa por pasar estos niveles es una cuantiosa cantidad de vida recuperada y experiencia obtenida"

Y para finalizar la explicación del gameplay, tenemos las puertas de luz.

Muy al principio del juego te tocara ver estas extrañas fuentes de luz, pero no podras hacer nada con ellas por el momento; más cercas del final que del principio te encontrarás con otras espada, que lamentablemente no será mejor que la anterior, al menos ofensivamente hablando, más que nada porque en realidad no es una espada, sino un llave; dicha llave te permitirá convertir dichas fuentes misteriosas de luz en portales que te permitirán abandonar el mundo de las sombras y entrar al plano fisico, en donde te das cuenta de porque digo que este es un juego de plataformas en 3D y no uno en 2D.

En el mundo tridimensional no hay enemigos de los cuales preocuparse, todo es para resolver puzzles para poder avanzar en el juego; y aunque esta habilidad es presentada muy cercas del final del juego, si uno busca obtener al menos todas la memorias, esto garantizará una mayor y más prolongada estadía entre los pasillos de la torre para dar con todas esas memorias que sólo son accesibles a través de estas puertas de luz.

Extras

El juego carece de verdaderos extras, salvo por los tips para hacer "trampa" que te ofrece por terminar el juego y por terminarlo al 100%, claro esta.

El juego te permite cambiar el nivel de dificultad del juego en cualquier momento y en la pantalla de selección de archivo, el juego te permite volver a ingresar a cualquier Pasillo de las Sombras que ya allas pasado/tengas desbloqueado en esa memoria del juego

Problemas

El equipo encargado de la música del juego trato de imaginar a qué suena una sombra o la soledad, pero eso no es excusa para no poner verdadera música audible en el juego.

Ok, el juego si tiene musica, y hace su trabajo, pero la cosa es tan tenue y diluida en sí misma que bien podria haber estado jugando el juego en mute y no sentiría tanta diferencia.

El otro problema que el juego tiene, solo se presenta si uno está empeñado en conseguir que aparezca ese 100% en su archivo de juego, porque eso representa backtracking; al acceder a la espada llave, el juego te permite acceder al elevador de la torre, lo cual es genial, pero dicho elevador funciona a base de a 10 pisos por movimiento, así que si una memoria esta en el piso 5, 15, 25, 35, 45, eso significa moverse a través de 5 niveles en búsqueda de la memoria y otros 5 para regresar al elevador y esto sin saber exactamente en qué parte de que piso esta la memoria faltante.

Así que si si quieres disminuir lo más posible el backtracking, pela bien los ojos y presta mucha atención a tu entorno, la mayoría de las memorias están a simple vista, pero hay algunas que requieren que le presten atención a los detalles y que le pongas una o dos neuronas más para que las puedas encontrar.

Conclusiones

Hasta el día de hoy no hay videojuego en el mundo que me llevara a decir "Compra este juego solo por la historia" eso es hasta que me tope con Lost in Shadow; los giros, las implicaciones y sutilezas que orbitan alrededor de la historia de este juego son mind blowing.

Lo que fue Portal para X Box 360 y PS3, Lost in Shadow lo es para la Wii. Un excelente juego con una idea original y brillante que además es entretenida, en especial para los amantes del género de plataformas asi que si lo ven en cualquier lado, es un MUST HAVE que no puedes dejar pasar.

Una buena estrategia de combate, o escoger la dificultad mínima en el juego reduce significativamente la frustración que puede generar sistema de combate sin alterar en lo más mínimo el punto fuerte del juego que es la historia y el puzzle platformer.

Y si la música del juego no te convence, un reproductor de audio, ya sea un MP3, un Ipod, un celular, etc, te permite, si eres como yo, sobreponerse a la muy tenue música que acompaña al juego.

Forest Interlude

Y si existiera una secuela para este juego, un sistema de pistas audiovisuales para dar con las memorias y poder ir a cualquier piso, cuando dicha función sea desbloqueada, seria genial para eliminar cualquier rastro de indeseable tediosidad causada por el backtracking.

Un plus que tiene el juego por encima de muchos otros es que el juego salió increíblemente barato, conseguí mi copia por la ridícula cantidad de 300 pesos, y eso fue en una de esas tiendas que suelen dar las cosas un poco más caras sólo por el gusto de darles más caras y aun asi creo que el juego valio cada peso invertido.

Pokémon Special: ¡Hay que seguirlos atrapando!

noreply@blogger.com (RecallerReminder) — Sun, 24 Feb 2013 20:10:00 +0000

Nombre original: ポケットモンスター

Año de lanzamiento: 1997 (hasta la fecha)

Autor: Hidenori Kusaka (historia) Mato (dibujante en los volúmenes 1-9) y Satoshi Yamamoto (nuevo dibujante a partir del volumen 10)

Genero: Shonen, aventuras.

Como muchos han de saber (si no es que algunos) por estas fechas se celebra el aniversario No. 17 de Pokémon, el concepto-tendencia que surgiría a partir del 27 de febrero de 1996. No creo que haya necesidad de recordarles que es Pokémon, el fenómeno originado de los videojuegos que desde entonces no ha parado de renovarse, siempre a la par de los lanzamientos de las nuevas consolas en el mercado. Un concepto que ha tenido tal trascendencia que ha derivado en una de las más longevas series (modernas) de anime que se ha mantenido hasta nuestros días, entre muchas otras adaptaciones, por no decir una amplia y variable mercadotecnia.

En América, el boom que fue Pokémon hace mucho que dejó de escuchase y actualmente el entusiasmo logra mantenerse gracias a sus fieles fanáticos y a las nuevas generaciones impresionables que podrían quedar enganchadas por un rato (bueno, al menos si hablamos del monótono y soso anime que debería haber sido cancelado o renovado desde hace tiempo, mas todo indica que ninguna de estas cosas sucederán en el futuro cercano). Puede que no sea propiamente lo que fuera alguna vez cuando se escuchaba por todos lados, pero mientras acapare una respetable cantidad de atención, nada detendrá a Pokémon.

Como motivo de esta celebración, hablaremos de la mejor adaptación que se ha hecho de la versión original de Pokémon (es decir, los videojuegos) en manga: Pokémon Special. Francamente, es la única adaptación que vale la pena, y la primera de todas, algo que muchos ignoran. Así que olvídense de bodrios de duración efímera como The Electric Tale of Pikachu o Magical Pokémon Journey, porque solamente Pokémon Special, el manga original, encarna la esencia de lo que es Pokémon.

Este manga surge casi a la par de la aparición del juego, con una periodicidad un tanto irregular, la cual siempre depende de las consecuentes salidas al mercado de las nuevas versiones. Cada arco comprende la salida de una nueva versión, indicando como, al igual que los juegos, el manga seguirá adelante.

Casi completamente fiel al concepto del juego, cuenta con el mismo elenco de personajes, comprendiendo a los mismos que conocemos, tanto en el juego como en el anime, pero dándoles un trato y personalidad un tanto diferentes (como el caso de personajes que son insignificantes e intrascendentales en el juego o que en el anime se limitan a aparecer una sola vez y ya, no siendo así en el manga).

La trama, en un principio, es prácticamente la misma que la del videojuego, y la finalidad de éste también es adaptada con mucha sutileza (toda la sutileza que implica que cada Pokémon capturado transfiera automáticamente sus datos al Pokédex, reproducido directamente del juego, y le den uso práctico a su respectiva información).

Pueden olvidarse de esa basura de la ambición sin sentido de convertirse en "Maestro Pokémon" que tiene aventuras ocasionales mientras se la pasa retando a gimnasios y participando en ligas oficiales Pokémon. El objetivo principal es (y hacen mucha énfasis en eso) es recolectar datos de todos los Pokémon para completar el Pokédex, al mismo tiempo que viven aventuras que suelen implicar salvar el mundo (lo que en el anime suelen reservar para las tramas sacadas de la manga para películas que dejaron de tener importancia después de la tercera). No hay nada típico ni mundano en la historia como lo hace ver el anime, siempre entrando en situación que hace sentir un ambiente fresco, con la cosa poniéndose cada vez más emocionante.

Así como Pokémon, el juego, se renueva en cada versión, el manga hace lo mismo, haciendo radicales cambios en el elenco (incluyendo su look), entre el avance de cada nuevo arco.

La historia puede parecer muy sencilla al inicio cuando adaptan Red/Blue/Green, similar y diferente a la secuencia que conocemos, pero pronto nos voltean la tortilla, contando con muchas innovaciones en los conflictos que enfrentan los personajes, entrando a un nuevo nivel cuando avanzan a Yellow, dándonos batallas mucho más intensas y preámbulos de la siguiente crisis. Pasando a Silver/Gold, la cosa cambia y se complica aun más, extendiéndose en Crystal para que los personajes se reúnan ante un nuevo e inesperado villano (como parte de un original e interesante giro que no encontraremos ni en el juego ni en el anime).

Ruby/Sapphire ofrece lo que parece una historia aparte, un poco más centrada en las situaciones del juego pero sin apartarse por completo de la tendencia de ir metiéndole de su propia cuchara.

FireRed/LeafGreen implica un gran regreso y reunión cumbre de los primeros protagonistas, concluyendo finalmente con Emerald, donde todos los elementos chocan para llegar a una resolución inesperada (y ni siquiera ahí terminarán del todo, ya que dejan espacio para más intrigas que se continuarán en los hechos de Diamond/Pearl/Platinium y más allá).

Giros inesperados, batallas emocionantes es lo que encontramos principalmente en este manga, entrenadores que arriesgan sus vidas y no luchan por ser los mejores sino para derrotar a los villanos (cuando no es por divertirse o atrapar Pokémon). Aquí las batallas no son un juego de niños y los villanos no son nada ridículos ni mucho menos, dispuestos a matar si es necesario (claro, no siempre lo harán pero tienen toda la intención).

Incluso los buenos pueden atacar con intensiones asesinas cuando están bajo presión (tampoco lo consiguen pero vaya que se acercan), demostrando como en estas batallas se vale todo.

Todos los personajes tienen una personalidad y motivaciones muy bien definidas, cada uno carismático a su manera, involucrados más en la historia conforme se va desarrollando, la cual, debo decirlo, evoluciona (no como el anime que, después de cientos de episodios, se ha quedado atorado en una monotonía insufrible, como si alguien se la pasara presionando el botón que cancela las evoluciones en el juego).

Los Pokémon llegan a morir y las batallas a veces son tan violentas y crueles que apenas podemos creerlo (como si en el anime ya no quisiera uno llamar a la Sociedad Protectora de Animales para que hagan algo pero de algún modo, al suceder en un manga, es una situación mucho más tolerable).

Hay tragedia pero también esperanza y la unión entre entrenadores y Pokémon llega a niveles increíbles cuando llega la hora de la verdad. Eso si, al igual que en el anime, infringe varias reglas del juego, con sus propias variedades, pero siempre con un manejo interesante que nos deja tan sorprendidos como desconcertados.

Al igual que en el anime y en el juego, los entrenadores no siempre mantienen una alineación fija entre sus Pokémon, variando conforme van capturando u obteniendo a otros (cuando no evolucionan), e incluso los Pokémon considerados legendarios llegan a contarse entre sus filas (algo que al menos en el anime no existe, ahí sólo pasa que les ayudan pero difícilmente los aceptan como sus maestros).

Una de las mayores ventajas del manga, es que no hay favoritismos específicos entre los Pokémon. Todos tienen sus propias particularidades y momentos específicos para brillar, aunque sea una sola vez.

Un buen ejemplo sin duda serie el Pokémon #137, Porygon, marginado en el anime, subestimado en el juego, dándonos una batalla espectacular al luchar contra un adversario que normalmente no esperaríamos verlo derrotando (y los jugadores podemos asegurarlo, ese condenado fantasma no es una perilla en dulce y menos cuando es uno de los de Agatha), luciéndose como nunca.

Personajes principales (algunos ya conocidos, otros no tanto):

Red: El protagonista principal de esta historia. Un chico entusiasta y confianzudo que inspira en otros su infatigable espíritu de lucha que lo lleva a convertirse en un entrenador legendario. Su misión es tener el Pokédex perfecto y ser el mejor de lo mejor (sin que una cosa le haga desviarse de la otra). Todos reconocemos a su contraparte del anime, un tanto similar (quizás menos chocante que Red pero en contraste le falta personalidad), y a la del juego (donde definitivamente no tiene personalidad, ya que ésta la dejan abierta para que el jugador encuentre como “proyectarse” en el personaje). Viéndolo así, la combinación de estos caracteres en Red le dan un desarrollo y dirección un poco más originales.

Blue (Green): El rival, nieto del Profesor Oak. Otro personaje muy familiar, que en sus encarnaciones del juego y el anime, tiene en común el hecho de ser exageradamente presumido y estar siempre a un paso adelante del otro. En el manga, para variar un poco, lo convierten en un individuo frió y distante, siguiendo una rígida disciplina sobre todo lo que hace (es decir, un tipo antisocial que se considera algo “cool” que en ocasiones opaca al mismo Red). En la versión americana del manga, su nombre se intercambió con el de la original Blue debido a la situación de las versiones originales del juego (en Japón, Green y Red fueron primero y después salió Blue, pero Green jamás llegó a nuestro continente).

Green (Blue): Una chica audaz que inicialmente funge como una combinación de estafadora, ladrona y oportunista, hábil para engatusar y usar sus encantos femeninos. Un personaje original del juego que poco a poco va involucrándose como una aliada de Red y Blue (Green) en las crisis eventuales. Con la aparición de la opción de usar un personaje femenino en FireRed y LeafGreen, su diseño fue modificado para darle justamente ese parentesco (con lo que automáticamente desaparece su característica de personaje original).

Yellow: Otro personaje original del manga. Una personaje dotado con un poder especial que le permite curar y comunicarse mentalmente con los Pokémon. Tierno y sensible, no parece estar hecho para las batallas pero es perseverante. Al principio, mantenía en secreto un secreto (dato que no parecía tener importancia para guardárselo). Toma las riendas de la historia a partir del arco que le da su nombre, y rápidamente va progresando (más por sus habilidades para conectarse con los Pokémon que como entrenador), manteniéndose como un aliado más, principalmente apegado con Red.

Gold: Un chico tan entusiasta e hiperactivo como Red pero un tanto agresivo e intrépido, amante de correr riesgos e irse a los extremos con las tácticas más peligrosas. Aunque a veces da la impresión de actuar con malicia o imprudencia, como todos los demás, tiene buen corazón. En el anime, limitan a este personaje (de personalidad contrastante) a un especial de televisión (cuando lo que debieron haber hecho era ponerlo a sustituir a Ash pero noooooooo).

Silver: En los juegos lo recordaremos como el remedo de rival de las versiones de la segunda generación que nunca estaría a la altura del original (es como si quisieran hacérsela más fácil a los jugadores pero así no tiene chiste). En su versión del manga es menos quejumbroso y estúpido, aunque no por ello menos distante y arrogante, actuando casi siempre bajo sus propios intereses (pero sin malas intenciones, como a veces hace parecer). El dato más interesante de su persona en la historia es el revelarse como hijo perdido de ???????. Al parecer, en el anime nunca quisieron aprovechar a este personaje, limitándole a un mísero cameo.

Crystal: El tercer elemento que completa el cuadro que presentan Gold y Silver. Una chica agradable de carácter tranquilo que sólo se pierde por la seriedad que adopta al momento de entrarle a la captura de Pokémon. Su encomienda inicial la lleva al encuentro del segundo trío legendario (que en el juego, todos estarán de acuerdo en que no eran nada fáciles de atrapar). Surge como la primera opción femenina del jugador en la versión Crystal (siendo la iniciadora de la tendencia que ya compartirían todas las versiones venideras). Otro personaje que el anime desperdiciarían en apenas un especial de televisión.

Ruby y Sapphire: Los nuevos protagonistas que en el juego definen el papel del jugador y su rival en turno (una rivalidad amistosa para variar). En el manga, su relación y roles son un tanto diferentes (distanciándose también del anime donde sólo Sapphire tiene su contraparte). Ruby, hijo del entrenador Norman, es un tipo delicado que le huye a las batallas, optando por una carrera como coordinador Pokémon (afortunadamente, en el manga no pierden tanto el tiempo en estos como en el anime donde han propiciado los episodios más aburridos de toda la serie). Sapphire, hija del Profesor Birch, en cambio, es otra una entrenadora entregada que se entusiasma con las batallas, siempre en aras de obtener la victoria. Ruby y Sapphire comparten el vinculo de un recuerdo de la infancia que se vuelve importante para estrechar su relación de compañeros de viaje a amigos cercanos (o quizás algo más).

Emerald: Otro personaje original del manga. El ultimo elemento para conformar la reunión masiva entre los protagonistas de las generaciones pasadas y actuales. Un chico bajito y excéntrico, hiperactivo y presumido en extremo, con una habilidad especial para tranquilizar a los Pokémon a través de una especie de empatía que a veces depende de los cachivaches que trae consigo.

Diamond y Pearl: Protagonistas de la nueva generación que forman un curioso par. En los juegos, Diamond es la opción masculina del jugador y el otro su rival, pero aquí son amigos cercanos que inicialmente fungen como los "guardaespaldas" de Platina durante su viaje. Sus personalidades contrastantes los vuelven asiduos a participar en un acto cómico que es muy recurrente a lo largo de la historia (un tipo de comedia que entenderán mejor los japoneses).

Diamond es calmado y casi siempre está comiendo (además de su tendencia a hacer el "Poké-eye", un gag en el que se pone Pokéballs en los ojos) mientras Pearl tiende a caer en reacciones exageradas cuando algo no le parece.

Platina: Hija de una familia prospera, como parte del linaje, sigue una tradición que la conlleva a convertirse en entrenadora Pokémon como un recurso que termina apasionándola. Es de carácter tranquilo y pese a su posición, trata con respeto y condescendencia a sus leales “protectores”, Diamond y Pearl (que al principio no saben nada de ella y tienen que ponerle un mote "formal").

El resto de los personajes queda entre otros entrenadores, adversarios y demás, componiendo un reparto familiar que recordaremos los juegos y el anime, con sus propias diferencias. La más notable, como ya mencionamos, es el que en el anime muchos se limitan a pocas o una sola aparición, mientras que en el manga llegan a ser más recurrentes, sin importar lo insignificantes (o lo poquísimo que participaran) que eran en el juego.

Haciendo a un lado la euforia de Pokémon, esta es una serie ampliamente recomendada para todas las edades (si tienen estómagos fuertes y no temen a los excesos de adrenalina) ya que tiene todas las características para atrapar la atención: es dinámica, muy divertida y por momentos, hasta un tanto conmovedora y reflexiva. Pero para los fanáticos de Pokémon (los que han crecido con el juego y han aborrecido el anime que nunca le hará justicia) es sin duda la mejor adaptación que está a la altura del concepto (rebasándolo con frecuencia).

Definitivamente un manga muy especial, Pokémon Special.

Super Effective

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Mon, 18 Feb 2013 20:26:00 +0000

Con la sexta generación de pokemons viniéndosenos encima en poco meses y con el aniversario en menos de una semana, creo que es de lo más propicio detenernos un rato y recordar nuestros primeros días como entrenadores Pokemon.

Super Effective es un webcomic creado por el dibujante canadiense Scott Ramsoomair. Se basa en los acontecimientos de Pokémon Rojo Fuego y Verde Hoja, y fue publicado por primera vez el 23 de abril de 2008
Super Effective está dedicado a la serie Pokémon, y la historia se centra en el viaje de Red a través de Kanto.

Como todo buen web comic, Super Effective se enfoca en la comedia, haciendo hincapié en aquellos momentos tan particulares que su mera existencia todavía en la actualidad es un testamento del impacto que generaron en su momento, esto sin interferir con la historia general que el webcomic quiere contar.

"Como por ejemplo, que un anciano nos enseñe a atrapar pokemons a pesar de que ya habríamos atrapado al menos uno para ese punto."

El punto fuerte de este webcomic es el estilo, el cual es bastante agradable, aun para ser en blanco y negro, y el factor nostalgia que es bastante bien explotado para la comedia.

Lamentablemente y a diferencia de otros web comics (lamentablemente, también muy similar a otros web comics) Super Effective esta sujeto a la voluntad de su creador para sufrir de actualizaciones, hasta el momento y con casi ya 5 años de existencia, el web comic, hasta este punto, no a llegado a sobrepasar la centena de tiras y en cuanto a la historia, Red no a salido de Mt. Moom.

Pero viendo el lado positivo, si tienen un poco de tiempo, este es un web comic que a pesar de lo pequeño que es, ofrece más que suficiente por el tiempo invertido en él.

Si quieres ir a la pagina original del web comic puedes ir a verla aquí Super Effective
Si el inglés no es lo tuyo, un grupo de fanáticos se han encargado de traducir al español todas las tiras que han salido del comic y pueden ser vistas empezando aquí Super Efectivo

VideoGame Review - deBlob

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Sun, 10 Feb 2013 18:55:00 +0000

deBlob, un extraño y obscuro juego para la Wii que recientemente está apareciendo en muchas listas de los “Top X” juegos subestimados para la Wii, a pesar de haber sido bien promocionado y bien recibido por la crítica “especializada”, entonces ¿Qué fue lo que llevo a este título a recibir el estatus de clásico de culto?

Historia

El título que llegó a ser conocido como deBlob se dio a conocer en 2006 cuando fue nombrado Juego del Año en Internet por la revista Edge, y ganó más respeto cuando se convirtió en uno de los finalistas en el Concurso Gamemaker Slamdance 2007. En aquel entonces, por supuesto, se llamaba The Blob y no fue desarrollado por una compañía de software con experiencia, sino por nueve estudiantes de la carrera de Diseño y Desarrollo de Juegos en la Escuela de Artes de Utrecht en los Países Bajos. Cuando el juego empezó a hacerse de fama a través de Internet, THQ se dio cuenta, se abalanzó sobre el juego, se hizo de todos los derechos, y le entregó el concepto al estudio de Blue Tongue para redefinirlo y hacerlo un juego exclusivo para la Wii.

El juego hizo una aparición durante la E3 del 2007

En donde fue recibido de manera muy tibia por la audiencia, pero en menos de un año Blue Tongue se encargó de que ese aburrido juego mostrado en E3 llegara a otro nivel.

Trama

La ciudad de Cromaburgo a sido invadida por la malvada corporación Ink que se a encargado de chupar el color de todo, los arboles, las casas e incluso de los mismos habitantes de la ciudad, volviendo todo gris, monotono y aburrido.

Un grupo de heroes conocidos como "Color clandestino" se a opuesto ante el descolorido régimen de Ink, pero son tan pocos y la corporación a echo ya tanto daño que es difícil hacer algo... eso es, hasta la llegada de Blob , la bola amorfa (Tu) de pintura.

"De izquierda a derecha: Zip, Biff, Blob (Tu), Arty y El profesor"

Controles

Los controles son tan simples y sencillos como cualquier otro juego de Wii, te mueves con el Joystick del nunchuck, la cámara la controlas con el D pad y la mandas posicionar justo detrás de deBlob con C, brincas agitando el Wiimote, con A se desplegara el compaz del jeugo, tu guia hacia los colores y retos, y con B Blob se detendra en seco.

Gameplay

El juego está dividido en varias misiones, cada una representada por una zona de la ciudad que tiene que ser re coloreada; el juego ofrece tres colores básicos para empezar esta tarea, rojo, amarillo y azul pero es habilidad y poder del jugador el combinar estos colores para diversificar esta escala de colores para encontrar uno que sea del mayor agrado del jugador.

Cada misión esta "dividida" en zonas, por lo general 3, las cuales estarán bloqueadas al principio, y la única forma de poder desbloquearlas es obtener una puntuación especifica; por si no lo han adivinado ya, obtienes puntos pintando y puedes multiplicar la cantidad de puntos que obtienes por pintar varios edificios de manera consecutiva sin tocar el suelo.

A lo largo de cada misión podrás realizar varias tareas que tus compañeros revolucionarios te comandaran ejecutar, todos siguiendo un patrón similiar:

Arty: Te pedirá que pintes algo de un color especifico
El profesor: Te pedirá que retornes algún edificio a su estado original
Biff: Te pedirá limpiar una zona de enemigos
Zip: Te pedirá que le sigas el paso en una carrera contra el tiempo.

Hablando de tiempo, el juego te pone un límite de tiempo en el que puedes estar dentó de una misión de lo contrario los miembros de Ink te detectaran y será game over, al más clásico estilo de algunos de los mejores juegos de las maquinitas:

"De hecho, deBob tiene muchas más similitudes con los viejos juegos de maquinitas que solo el límite de tiempo"

Pero no hay nada que temer, que al igual que en los clásicos de clásicos, deBlob da tiempo suficiente para completar la misión sin mucho problema, esto gracias a que mientras más pintas el juego te otorga bonus de tiempo, los cuales se obtienes al completar algunos de los encargos dados por tus colegas revolucionarios, o pintando toda una cuadra de la ciudad, lo que liberara a los apáticos y descoloridos ciudadanos de Cromaburgo, los cuales, al regresarles sus colores, te recompensaran con estos bonus de tiempo.

Gráficos

Los gráficos de deBlob son bastante buenos, aunque nada que de verdad impulse a la Wii y sus capacidades al máximo, la verdadera belleza del juego depende más en como quiere el jugador que se vea el mundo de deBlob más que en el trabajo hecho por desarrolladores del juego.

Extras

deBlob es un juego que está lleno de extras para compensar un poco la simplicidad del juego normal y aumentar su rejugabilidad.

Entre lo primero que merece ser mencionado es el echo de que deBlob te permite elegir la música de fondo que uno quiera escuchar a lo largo de cada misión, pero para aumentar el número de canciones disponibles el jugador tiene que recolectar una serie de tokens que se encuentran regados por cada misión, algunos a simple vista, otros requieren de un poco de exploración y manipulación de cámara para poder dar con ellos.

deBlob también contiene una cantidad de Logros (mejormente conocidos en el mundo de los videojuegos como achievements), algunos meramente para presumir, otros ayudan en el desbloqueo de otros de los muchos extras que el juego ofrece.

Entre algunos de esos extras que el juego ofrece se encuentran cinemáticas y videos de tipo "detrás de camaras" que también son desbloqueables, junto con el modo Free Play, el cual se consigue al terminar una misión y no es nada más que la misión misma, pero sin enemigos, límite de tiempo o misiones que cumplir, pero es bastante útil para conseguir algunos de esos logros y desbloqueables que podrían constar algo de trabajo conseguir en el modo de juego normal por la mera existencia del límite de tiempo.

Si el modo libre no es lo tuyo, al finalizar cada misión el juego desbloquea una serie de retos contra reloj para poner a prueba las habilidades que el jugador debió de haber puesto en práctica durante la misión, todos ellos involucran pintar.

Existen muchos otros pequeños extras en deBlob que no he mencionado, ya que los encuentro muy sutiles, y la sorpresa de encontrarlos es un reto que le pongo a quienes decidan obtener este juego.

Problemas

deBlob sufre de tres grandes problemas: Los controles, la monotonía y el sistema de guardado.

Si bien los controles resulta fáciles de aprender, no se puede decir que estos puedan ser fáciles de dominar, en tierra deBlob se mueve como debería (aunque definitivamente le hace falta la capacidad de correr…errr… rodar? Más rápido) no se puede decir lo mismo de la forma en la que se controla cuando esta en el aire.

Una mecánica de alta importancia en el juego consiste en que el jugador tiene que rebotar de edificio en edificio para obtener esos puntos extra, pero los controles de deBlob se vuelven incomprensible cuando este se encuentra pegado a las paredes de los edificios, no bastando con eso, al momento de agitar el Wiimote con intención de saltar al siguiente edificio, deBlob prefiere tomar una dirección completamente errada a la requerida y para rematar, en ocaciones en lugar de saltar deBlob prefiere salir disparado, aumentando las probabilidades de fracaso y en otras de muerte causadas por un pobre control del personaje en el aire acompañados de un horripilante posicionamiento de cámara.

Pintar es lo que se tiene que hacer en el juego, como saltar es lo que se tiene que hacer en los juegos de Mario, la gran diferencia entre los dos, lo que hace entretenido a uno y monótono a otro, es que deBlob no cuenta con elementos para diversificar el cómo se juega el juego.

Los juegos de Mario nos ofrecen Power Ups, algunos nos permiten eliminar a los enemigos de forma diferente a saltarles en sima, otros nos permiten pasar volando por sobre todos ellos, otros nos permiten volvernos un bolido de destrucción masiva por un corto periodo de tiempo y asi sucesivamente, en deBlob lo único que tenemos es un cambio de guardarropa, los colores que deBlob utiliza, que no altera para nada el cómo se juega el juego, lo que nos recuerda a los intentos más horribles de DLC

Y el tercer (pero irónicamente, el primero con el que me tope) y más grande problema que deBlob tiene como juego, es el sistema de guardado; deBlob ofrece un sistema de guardado automático, el cual ni siquiera esta mencionado en el manual, el problema es que el juego solo ejecuta dicho guardado automático única y solamente cuando una misión es pasada.

No parece la gran cosa, pero la gran mayoria de las misiones se pueden extender a más de una hora de duración, uno podria intentar pasar "volando" la mision, pero el avance esta limitado por la obtención de puntos asi que no tiene chiste tratar de hacer las cosas a la carrera, pero si ese fuera el objetivo del juego no habría puesto tokens ocultos, sidequest y logros que pueden alargar la sesión de juego por misión por demaciados minutos (u horas). Ahora solo imagínense, llevas dos horas en una misión, as completado todos los sidequest, has conseguido todos los tokens pero te falta una parte de la ciudad por pintar para obtener ese logro de "por pintar la misión al 100%", pero se te acabo el tiempo del juego, o llego tu papá y quiere usar la televisión, o peor, tienes que ir a la escuela, al trabajo o dormir, no te queda de otro más que apagar la consola (y eso si no se va la luz) admitir la derrota y volver al día siguiente (si te quedan ganas) y repetir la misma misión, los mismos sidequest y repintar toda la misión otra vez, (por que el juego te odia, sabe que eres obsesivo compulsivo y no podrás vivir contigo mismo si no vences el juego al 100% así que el juego te obliga a jugarlo otra vez) porque el juego no permite guardar el avance parcial de una misión, ya sea definido por el usuario (permitiéndole guardar en donde sea cuando sea, como los juegos de Zelda previos a Skyward Sword) o defindos por el mismo juego guardando el avance en memoria cada vez que ocurre algo relevante en el juego (como colectar un token, terminar un sidequest, la obtención de un logro, etc) pero no.

Y si lo notaron y se se lo preguntan, No, los controles no vienen explicados en el manual del juego.

Conclusiones

La idea de pintar el mundo al gusto del jugador es brillante, pero la forma en la que esa idea es implementada en este juego es atroz.

El tamaño y las dimensiones de los problemas que se encuentran en este juego son despampanantes y se encargan de opcar todo lo bueno que el juego tiene que ofrecer.

Entre un gameplay que a los pocos minutos se vuelve aburrido y repetitivo, o en otras palabras "monótono", unos controles descontrolados y una horrible implementación de sistema de guardado me sorprende que este juego haya recibido una secuela, no solo para la Wii, si no para X Box 360 y PS3.

deBlob es un juego que no vale la pena ni para rentarlo.

Fantasma escritor

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Mon, 04 Feb 2013 18:56:00 +0000

Titulo Original: Ghostwriter

Ficha técnica

Creadores:	Liz Nealon
País de origen	E.U.A
No. De episodios:	74
Duración:	30 minutos
Tiempo de transmisión original:	3 de octubre de 1992 al 13 de Febrero de 1995

El Fantasma Escritor fue una serie de televisión producida por la Children's Television Workshop y la BBC, transmitida por Discovery Kids en América Latina, cuando el canal estaba dirigido por gente que respetaba a su audiencia.

La serie se centra en un grupo de amigos de Brooklyn que se diferencia de los demás porque ellos pueden ver a un fantasma de origen desconocido que se comunica con letras escritas; de ahí el nombre de la serie.

Sin ser o llamarse siquiera detectives, este grupo de amigos se ven involucrados en situaciones y misterios que requieren de investigación, usando sus propios conocimientos y capacidades deductivas, y con la ayuda del fantasma escritor, se dedican a solucionar toda clase de misterios que van desde robos, incendios misteriosos hasta intentos de asesinato.

La serie fue creada para educar en las áreas de lectura y escritura. Cada misterio se presenta como un arco de historia, cubriendo cuatro o cinco episodios de treinta minutos. Se busca interesar a los niños de la audiencia televisiva a que sigan cada misterio y usen las pistas dadas para intentar resolver misterios de la misma forma que el equipo del fantasma escritor lo hace en la serie.

Para el final de su tercer y último año en televisión, el fantasma escritor fue reconocido entre los cinco mejores programas televisivos para niños de la televisión norteamericana de esa temporada. El programa fue cancelado luego de su tercera temporada por una falta de fondos, un factor importante en la programación de la cadena de transmisiones PBS en Estados Unidos, ya que esta cadena recibe parte de sus fondos por donaciones publicas a través de ciertos maratones en que se interrumpe un episodio cada cierto tiempo pidiendo a los televidentes que se conviertan en miembros de soporte monetario de PBS.

El fantasma escritor, cuya popularidad televisiva ha sido de las más altos para el canal Discovery Kids Latinoamérica, se ha transmitido en 24 países a nivel mundial.

Lo que hacia especial y sobresaliente que la pone, desde mi punto de vista, en el pedestal de obra maestra, es el esfuerzo extra que se hizo con ella para hacerla adaptable a cuanto país llegaba a transmitirse, pues cada vez que las palabras jugaban un papel importante para la historia, ósea, todo el tiempo, se contrataba a otros actores para que re actuaran la escena de la escritura y que escribieran todo en el idioma del país donde se transmitía el show, todo para que los niños, jóvenes y adultos que veían este show pudieran entender bien la cosa, claro, esto se limitaba solo a escenas de manos escribiendo, no mostrando a los nuevos actores, esto para no romper el flujo de inmersión en la historia; o cuando se trataba de efectos especiales, ya sea carteles, la pantalla de la computadora o el mismo fantasma escritor, esto también se modificaba por computadora; y no olvidemos que esto era en los 90's, con una serie que se mantenía a base de donativos, mientras que hoy en la actualidad hay grandes producciones Hollywoodenses que no se molestan en ser entendibles por otro mercado que no sea el gringo.

En total la serie llego a producir 18 misterios resueltos a lo largo de sus 74 episodios, la unión de los 4 o 5 episodios que conformaban el misterio de la semana, pero durante los fines de semana, los misterios eran presentados como "películas", en ocasiones agregando escenas extras que se recortaban de los episodios para hacerlos encajar en el espacio de poco menos de 30 minutos que se le brindaba a cada episodio por día.

Otra cosa digna de mencionarse es, que aun con sus escasos fondos, la PBS logro producir un video musical y todavía le tuvo que pagar derechos de licencia a Mtv para poder transmitirlo.

Ahora, eso es compromiso con el arte.

Dos años pasados de su cancelación se hizo un intento por revivir la serie, pero eso, eso es otra historia.

Death Battle: Batallas a Muerte

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Mon, 28 Jan 2013 01:29:00 +0000

Desde los momentos más remotos de la humanidad, desle la aparición de las primeras culturas hay una pregunta que siempre a estado presente

¿Quién?

¿Quién ganaría una pelea entre…?

Desde los primeros héroes mitológicos la gente siempre a echo es pregunta para saciar su morbosa curiosidad, ¿Quién ganaría una pelea entre tal personaje contra este otro? Y con la llegada del sigo 20, que a llevado a la creación de cientos de miles de nuevos seres ficticios, dicha pregunta ya no esta reservada para viejos pensadores que no tienen ya nada que hacer en la vida, mas que preguntar trivialidades y ahora es algo de las masas

Echo: El mundo esta lleno de pensadores que no tienen ya nada que hacer en la vida, más que preguntar trivialidades.

Pero a diferencia de la Roma antigua, en la actualidad tenemos las maravilla más grande de la historia a nuestra disposición, el Internet; y en el Internet existen las

Death Battle: Batallas a Muerte

Death Battle: Batallas a Muerte es el nuevo coliseo romano del internet; un espectáculo creado en el 2010 y manejado por los miembros de Screw Attack: Craig Skistmas, Ben Singer, Chad James y Wizz Boomstick, animado por Ben Singer (Episodios 1 a 19) y Mr. Lange (Episodios 20 en adelante, en donde ponen a dos celebridades de cualquier medio, comics, películas, videojuegos, etc, revisan sus capacidades, no solo sus pros, si no también sus contras y los ponen frente a frente en una lucha para ver quién es el mejor.

Las reglas son sencillas:

1.- Los contendientes solo conocen a su respectivo oponente (aka: sus fuerzas y debilidades) si dicho conocimiento existe en ambos universos, por ejemplo: si el contendiente X es conocido de alguna forma o circunstancia por el oponente Y, pero el oponente X no tiene conocimiento o referencia alguna de la existencia del contendiente Y, en contendiente Y es privado de todo conocimiento previo que pueda tener del contendiente X.

2.- Las características y propiedades de un personaje son respetadas, siendo la única excepción el remover todo rastro de mentalidad que lo lleve a negarse o limitarse durante una pelea, por ejemplo: si un personaje es conocido por cargar únicamente con armas no letales, entrara a la batalla con ese equipo y con ningún otro.

3.- La batalla es hasta la muerte

Si te intereso este show, puedes ver todos sus episodios en su pagina oficial Death Battle

O en su canal de youtube screwattack

LEGO Batman 2: DC Super Heroes

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Sun, 13 Jan 2013 19:26:00 +0000

Desde el 2005 hasta el 2012 la compañía de Lego a inundado el mercado de los videojuegos usando las ideas de otros, la guerra de las galaxias, Harry Potter, indiana jones, incluso de otros videojuegos como Rock Band, y poniéndoles encima una capa de pintura, o más bien bloques de Lego, para que ellos puedan tener una rebanada del pastel. Siendo el 15 en una larga lista, cuyo futuro no parece tener fin, ¿Que es lo que Batman, en su secuela, trae de fresco para perpetuar la existencia de los videoLegos?

Historia

Viendo el moderado éxito que las propiedades de Lucas Films Disney estaban haciendo con los videoLegos (y tomando en cuenta como algunos de estos tenían mejores tramas que la fuente original) no le fue Difícil a DC comic Warner Bros. saltar al mercado al ver la clase de rebanadas de pastel que se encontraba representada por una forma de Lego, permitiendo que para el 2008, y aprovechando que la Batmania causada por las películas todavía estaba fresca, se libero el primer juego de Batman lego al mercado en el mayor numero de consolas posibles (TODAS). Debido a la buena acogida que el primer juego tuvo, una secuela estaba garantizada. Desarrollado por Traveller's Tales y comercializado por Warner Bros. Interactive Entertainment, siguiendo las mismas estrategias que la anterior, hay versiones para PlayStation 3, PlayStation Vita, Nintendo 3DS, Wii, Nintendo DS, Xbox 360, Microsoft Windows y Mac OS X, LEGO Batman 2: DC Super Heroes tomo por sorpresa al mundo haciendo algo que ningún otro juego de Lego había echo hasta, ponerle voces a los personajes.

Trama

Bruce Wayne y Lex Luthor se enfrentan en un evento para nombrar al Hombre del año, pero dicho evento es interrumpido por el Joker, junto con otros clásicos villanos del prominente repertorio de Batman, que a decidido que si existe alguien que se merezca ese premio, junto con todo lo que pueda robar, es él.

Para su desgracia el Dúo Dinámico hace su aparición echando a perderle el show. Después de una tremenda trifulca, que se extiende desde el anfiteatro, pasando por la bahía de ciudad Gótica, hasta el parque de diversiones, logra poner nuevamente bajo custodia al príncipe payaso del crimen y a todos sus achichicles.

Para su fortuna Lex Luthor le inca el ojo al Joker durante la ceremonia y a decidido que lo necesita como una pieza más para llevar a cabo su plan para llegar a la presidencia y lo libera, regalándole un dispositivo con el que podrá desarmar fisilmente los utensilios y juguetitos del murciélago; ni tardo ni perezoso, lo primero que el Joker hace con este nuevo juguete es liberar a algunos de los más peligrosos criminales del asilo, todo para hacerle la vida difícil al hombre murciélago.

Controles

Los controles son fáciles de aprender, atacas con B, brincas con A, te mueves con el joystick del nunchuk y prácticamente cualquier otra acción la realiza con el Z, para lanzar el Batarang (o el arma en turno) aprietas y dejas apretado B y con el wii mote apuntas a cuantos blancos quieras golpear (con un máximo de 5), en modo solitario los botones C, 1 y 2 sirven para cambiar de personaje y cuando el juego lo permite, al dejar presionado C podrás cambiar a cualquier otro personaje que hayas coleccionado a lo largo de la aventura.

Gráficos

Es Lego, no hay mucho que decir, digo, no es como si los que desarrollan esta clase de juegos buscaran llevar el potencial de la consola al máximo o buscaran hacer algo realmente sobresaliente con las capacidades de la consola. En si, las graficas son agradables, todo lo que tiene que sobresalir (AKA: Todas las cosas que se pueden romper [AKA: todo lo que esta echo de piezas de lego]) sobresale y lo que no, solo sobresale si juega un papel para el desarrollo del juego.

Gameplay

Al principio el juego es guiado a través de la historia, pero justo después de que el Joker y Luthor escapan de Arkham, el juego se convierte por completo en uno de los mejores juegos Sand Box que existen, y dudo que me equivoque al decir que se encuentra solo un poco detrás de los juegos de GTA.

En ese aspecto, LEGO Batman 2: DC Super Heroes, es un juego en donde el nivel de la libertad es relativo al nivel en el que el jugador va cumpliendo los objetivos relacionados con la historia; osea, mientras más avances en la historia más herramientas se pondrán a tu disposición para abrir nuevas zonas a explorar, perder el tiempo y divertirte.

Otro factor muy importante que define a este juego es que todo gira en torno a coleccionables, puedes coleccionar personajes, tanto héroes como villanos, ciudadanos en peligro, bloques dorados, bloques rojos, veiculos (algunos los tienes que armar, coleccionando partes de ellos), trajes, etc, osea, infinidad de cosas que consumirán tu tiempo como un agujero negro.

Los bloques dorados te permiten acceder a personajes ocultos, los trajes, a parte de permitirte acceder a bloques dorados, también te brindan habilidades que serán muy útiles, en especial en combate, y asi consecutivamente. En pocas palabras, coleccionas cosas para poder coleccionar más cosas.

Y si crees que el modo historia es interesante, el modo libre te sorprenderá de lo lindo, por que ahora tienes a tu disposición a todos los personajes que hayas desbloqueado en el modo historia, asi que si no te gusta Batman o Robin, puedes ser Linterna Verde, Flash, Superman, la Mujer Maravilla, prácticamente todos los miembros de la liga de la justicia, hasta Aquaman.

Y si los super heroes no son lo tuyo puedes escoger también villanos como el Joker, Mr. Frío, Luthor, Bane, etc y si los ya mencionados no son de tu agrado, puedes usar a las féminas por igual, Black Canary, Chica Halcon, Hiedra Venenosa, HARLEY QUINN, Gatubela, etc y no es como si fueran simples capas de pintura sobre un mismo bloque de lego, mientras que la mayoría son insignificantes, todos los ya mencionados ( y muchos otros que no) tienen habilidades únicas, como por ejemplo Luthor es el único que puede destruir los bloques de lego negros, Flash construye, destruye y se mueve más rápido que ningún otro personaje, Aquaman puede moverse bajo el agua, propias o combinadas de otros personajes,

como por ejemplo Harlye Quinn tiene las habilidades del traje acrobático de robin, Mr Frío las del traje congelante y Black Canary las del traje Sónico de Batman; y sólo para acentuar más su individualidad, la gran mayoría (los importantes) tienen animaciones propias como por ejemplo, Harley no camina, ella brincotea con las manos atrás, pero el más original de todos tiene que ser Gatubela, que cuando esta quita se pone la mano en la cintura para acentuar su sensualidad su caderas ( lo cual es muy difícil tomando en cuenta que es un muñeco de lego, pero ella lo puede hacer) se lame la mano y se la pasa por la cabeza como los gatos y cuando agarra velocidad de carrera corre en cuatro patas ( lo cual responde al ¿Porqué ella estaba internada en Arkham al principio del juego? Esta Gatubela si esta algo loca jeje)

Problemas

En el tiempo de juego que llevo jugándolo, tanto en solitario como en compañía, me e topado con errores que me han llevado a resetear el juego, en ocasiones el juego simplemente se congela y en otras incluso causó que mi consola empezará a emitir un sonido extraño.

En ocasiones los personajes tienden a atorarse en algunas zonas o a salirse de límites, lo cual puede considerarse como un reseteo instantáneo, pero e descubierto que si se puede cambiar de personaje y alejarse lo suficiente, o hacer que el otro personaje cargue un área nueva, el otro personaje aparecerá a su lado como si nada hubiera pasado.

Una cámara que en algunos momentos decide colocarse en los ángulos más incómodos y agraviantes posibles, se puedes manipular la posición de la cámara usando el pad del wii mote, pero tiene esta extraña configuración en donde la izquierda es derecha y la derecha es la izquierda, arriba es abajo y abajo es arriba; en algunas ocasiones la cámara le perdió el foco por completo a los personajes.

A los diseñadores se les olvidó algo tan basico para este tipo de juegos como un mapa siempre visible en la pantalla de juego optando mejor por una barra que va mostrando logos de lugares a donde puedes ir, que van apareciendo según la dirección en la que el personaje este viendo.

O pero el juego si tiene un mapa, y para acceder a el tienes que pausar el juego SIEMPRE Y CADA VEZ QUE LO QUIERAS VER, el juego te permite poner señalamientos en el mapa a la Skyward Sword y sus balizas, pero aquí en este juego las señales no se ven reflejadas en el juego a diferencia de ese otro gran juego, solo mostrándose en la insípida barra de logos.

"Rockstar Games puso el ejemplo de cómo se debe hacer un mapa en un juego tipo Sand Box"

Otro error con el que me e topado es que algunos personajes u objetos no se cargan por completo, villanos que tengo que enfrentar (y posteriormente coleccionar) no aparecen por completo donde deben, lo que me lleva a tener que salir de la zona donde se cargan para tener que volver a entrar, repetir y esperar que en esta ocasión se hallan cargado.

Un problema se da cuando el jugador hace una colecta de cualquier tipo, el juego le quita en control al jugador mientras se hace el guardado automático pero todos los demás personajes sigue en movimiento, lo que se traduce en una muerte segura cuando te rodean enemigos que aparecen de la nada en ese momento, claro que y debió a que la muerte es irrelevante en este juego, esto no es más que una ligera molestia.

"Lego Batman 2 es como Skyrim… en el sentido de que esta plagado de mucho bugs"

Pero lo más agobiante de todo son las mecánicas de vuelo, OMG las mecánicas de vuelo son horrendas y terribles y ellos lo sabe, ellos saben que son horribles, por que en los puzzles que requieren de un personaje con un vehículo volador o de un personaje que puede volar, dan una tremenda cantidad de tiempo para maniobrar ¿Y para aterrizar en un lugar preciso? Que Dios te ayude, por que es una tarea humanamente imposible.

"La serie animada predijo los horribles controles de vuelo de este juego"

Hay otras cosas que si bien no son problemas o culpa del juego, no se pueden dejar pasar por alto y que no afecten de cierta forma la opinión de uno para el juego, entre las más notorias:

El juego se jactaba de ser el primer juego de Lego en tener voces para los personajes, el problema viene cuando el audio y el video se desfasan todo el tiempo, lo que en si genera un cierto encanto risible al nivel de esas viejas películas japonesas dobladas, lamentablemente no puedo abogar por el juego en esta ocasión ya que en lugar de contratar a un equipo de doblaje mexicano o venezolano (los mejores de Latinoamérica) decidieron irse por un equipo de doblaje español, claro esta, hacen un excelente trabajo para que los acentos no se escuchen tan marcados, pero si te vas a jactar de tener voces, al menos deberían de haberse esforzado en generar una buena sincronización.

El manual del juego es patéticamente lamentable, sin contar portada y contra portada el manual esta formado de 4 paginas, 1 de pura publicidad, otra dedicada a las licencias y términos de uso y otra dedicada al uso de la muñequera, actualizaciones del sistema de la Wii y fotos y escenas de los personajes interactuando, lo que nos da un total de una y solo una pagina para explicar que diablos va con el juego y como jugarlo.

Para ejemplificar porque deberíamos de abofetear a todos los involucrados en la fabricación del manual de este juego, veamos otro manual de un juego que es más simple y tiene mucha menos historia que explicar: NSMB Wii

El manual de un juego de Mario, considerado como el más básico de todos los juegos, tiene 60 páginas dedicadas a explicar como funciona el juego, esto excluyendo 6 páginas dedicadas a las licencias y términos de uso; 20 páginas por cada uno de los idiomas en los que viene programado el juego, y en esas 20 páginas el manual explica de manera muy detallada: la historia, los múltiples controles, las acciones que puedes hacer con cada personaje, las opciones de los menús, la función de los power ups y lo que se puede hacer con ellos, los coleccionables y por sobre todo, explica que carajos representa cada icono, señal o cualquier cosa que aparece en el mapa.

Una sola compañía, Nintendo, se preocupo 20 veces por 3 más en explicar que va con el juego más simple del mundo, que cuatro poderosas compañías, Lego, DC Comics, Tt games y WB, en explicar el suyo, simplemente WOW.

Extras

LEGO Batman 2: DC Super Heroes carece por completo de contenido extra, pero es por que todo lo que se puede considerar como contenido extra se encuentra dentro del juego principal en si.

Por eso yo voy a aportar un poco de extra aquí explicando que significan los puntos y cosas que aparecen en el mapa, algo que el manual del juego no explica en lo mas mínimo.

Los puntos amarillos significan ladrillo de oro.
Los puntos rojos significan ladrillo rojo.
Los puntos púrpuras significan Ciudadanos en peligro.
Los puntos blancos representan accesos remotos a la baticomputadora, que también funcionan como zonas de teletransporte instantáneo entre ellas.
Arcos o puertas son lugares para ir a comprar nuevos personajes (cada uno requiere una cantidad mínima de ladrillos de oro recogidos para abrir).
Las cabezas de lego son jefes que se desbloquean, uno puede ir a vencerlos y posteriormente adquirirlos.
Los otros iconos son diferentes vehículos de Lego que se pueden comprar para viajar por la ciudad .

Redirijo a esta link para una explicación de los demás iconos que aparecen en el mapa. Iconos en Lego Batman 2

Conclusiones

No se dejen engañar por la enorme lista de problemas que tengo/detecte con este juego, Lego Batman 2 es un juego bastante bueno, entretenido y no creo que pueda recomendarlo lo suficiente.

El juego fue planeado principalmente para el multiplayer y en este aspecto se luce; si uno es un padre, o un hermano mayor y buscas un buen juego de Wii con el que puedas jugar con tu hij@ o herman@ menor, LEGO Batman 2: DC Super Heroes es una muy buena opción, claro que bajo advertencia, SE DEBE TENER paciencia durante esos momentos de puzle cooperativo, que vienen a ser la gran mayoría de ellos, al menos en el modo historia.

En este aspecto le doy al juego 4 de 5 estrellas

Y aunque no queda mal en single player, sus defectos, que en su gran mayoría pueden ser pasados por alto por su insignificancia o su irrelevancia, se hacen muchísimo más notorios ( y menos divertidos y más molestos) en single player.

En este aspecto le doy al juego 3 de 5 estrellas

Si uno busca un busca un buen sustituto para Batman Arkham City para la Wii mientras espera por la versión para Wii U, LEGO Batman 2: DC Super Heroes es una buena opción, pero que no espere nada verdaderamente sobresaliente.

Formula 1: Casta de Valientes

noreply@blogger.com (Carlos Hugo) — Sun, 06 Jan 2013 18:06:00 +0000

Titulo Original: Michel Vaillant

Ficha técnica

Creadores:	Jean Graton
País de origen	Francia
No. De episodios:	65
Duración:	26 minutos
Tiempo de transmisión original:	1990 - 1991

Inicia el año y os agarro en curva con esta caricatura de la cual no creo que 99.99% de los que me siguen y son de america recuerden o reconozcan, pero por el contrario, me costaría mucho trabajo creer que ese mismo porcentaje de personas de la comunidad Europea no.

Un poco de historia, ¿No?

Michel Vaillant es el título de una serie de cómics francés creado en 1957 por el dibujante Jean Graton y publicado originalmente por Le Lombard.

Michel Vaillant es el personaje principal de la serie del mismo nombre, un conductor de coche de carreras francés que compite principalmente en la Fórmula Uno.

El comic fue/es tan popular, al menos en la Unión Europea (principalmente en Francia y Bélgica, de donde es originaria) que en 1990, en la forma de la caricatura de la que se dedica esta entrada.

La serie de televisión se transmitió en Europa bajo el nombre oficial de la serie, Michel Vaillant, pero cuando la caricatura cruzo el charco el nombre de la caricatura tubo que ser cambiado, muy posiblemente por que el comic no era ni remotamente conocido en America; y debido a un patrocinio que recibió de parte de Mattel, la serie fue renombrada a Heroes On Hotwheels.

En la imagen de arriba: La manifestación física del patrocinio corporativo en las carreras de autos.

Pero como dicho contrato entre los productores de la serie de televisión y Mattel solo se limitaban a su transmicion en USA (y muy posiblemente en Canada) a México le importo un pepino es nombre (y el original también, ya que andamos en eso) y por las mismas razons que en USA, menos las que se dieron por Mattlel, el nombre de la caricatura se cambio a: Formula 1: Casta de Valientes (Casta de Campeones en otros países hispanoparlantes, pero no estoy seguro de en cuales) y fue transmitida exclusivamente en México por el canal ZAZ.

Volviendo a la caricatura, Miguel era la principal figura de su equipo, el Team Valiente en búsqueda de ganar las carreras más importantes del mundo y enfrentando a algunos peligrosos antagonistas en la pista, el Team Líder.

Como todo medio de ficion que busque atraer a la mayor cantidad de audiencia posible, Formula 1: Casta de Valientes exageraba las cosas a los niveles ficcticios del medio, generando tramas, intrigas, complots, explosiones y gadgeds que podrían ser atribuidos a James Bonds y su agencia secreta; esta aseveración puede no estar muy lejos de la verdad, tomando en cuenta como JB también es todo un fenómeno en la UE.