Arsenevich

Andrei Tarkovsky - Stalker (1979)

2013-05-23T18:30:00.000-03:00

Ruso | Subs: Castellano/English .srt + Subpack varios idiomas*

113 min | XviD 640x480 | 1500 kb/s | 96 kb/s AC3 | 25 fps

CD1+CD2+CD3 = 2,48 GB + 3% recuperación

Cerca de una pequeña ciudad rusa cayó un meteorito. Desde entonces, La Zona ha sido acordonada por el ejército prohibiéndose su entrada a toda la población. Existe la creencia de que en La Zona hay una Habitación donde el que entra puede ver hechos realidad todos sus deseos. Los Stalkers o guías se encargan de sortear todos los peligros y conducir hasta La Habitación a aquellos que lo desean.

El rodaje de Stalker, uno de los filmes más logrados del genio ruso, estuvo plagado de incidentes. En un principio la película debía rodarse en el desierto de Tayikistán, pero continuos temblores de tierra provocaron que se filmara finalmente en una región de Estonia. Además, entre 1977 y 1978, Tarkovsky filmó la película entera, pero un error (acaso intencionado) provocó que las imágenes no pudieran utilizarse, lo que obligó al creador de Offret a rodar todo desde el principio, con el inconveniente de que el presupuesto con el que contaba se redujo bastante.

La película es una adaptación del relato Picnic a la vera del camino de los hermanos Arkadi y Boris Strugatski, que escribieron el guión junto con Tarkovsky, quien se preocupó por reducir al máximo los elementos de ciencia-ficción de la obra, ya que este género no era de su interés.

Como resultado nos encontramos ante una de las películas más fascinantes de la historia del cine, una especie de parábola acerca de la falta de fe del hombre moderno.

Tarkovsky manifestó en una ocasión que no entendía el suicidio espiritual al que estaba abocada la sociedad moderna. Esta preocupación se volvió cada vez más intensa en su interior, y se refleja fundamentalmente en sus tres últimas películas.

"Stalker es una de esas escasas obras cinematográficas que demuestran por qué el cine debe ser considerado como la gran manifestación artística del siglo XX". - Ricardo Pérez en Esculpiendo el Tiempo. Aquí se puede leer la nota completa.

*Castellano, English, French, Russian, Italian, Dutch, Japanese,
Swedish, German, Portuguese, Hebrew, Chinese & Arabic

With Stalker, Russian director Andrei Tarkovsky returns to the mind-bending, philosophy-tinged science fiction of Solaris. The setting is an unnamed country in an unforeseen postapocalyptic future. A meteorite has landed, and its impact has created a mysterious phenomenon known as the Zone, within which resides a sinister room said to grant humanity’s deepest desires. Only Stalkers are able to enter the Zone, bringing intrepid citizens to test their strength and desires against the Zone’s enigmatic treacheries.

The film follows one such Stalker (Alexander Kaidanovsky) as he attempts to bring two characters known as Writer (Anatoli Solonitsyn) and Scientist (Nikolai Grinko) into the Zone. The hapless trio makes a difficult and mud-drenched journey, dodging military guards and invisible traps and enduring extreme psychological strain. While Tarkovsky avoids any direct political reading of Stalker, the film’s allegorical structure presents a powerful and disturbing metaphor for humanity’s loss of and subsequent quest for faith. The Stalker’s struggle to rescue himself and his family while guiding those more wretched than himself creates a physical and metaphysical drama that leaves the viewer breathless.

Blending visual, narrative, and cinematic conventions to portray the fractured logic of the Zone, Tarkovsky conjures a universe of despair and desire in which science, rationalism, and technology must face off against love, humanism, and faith. (Rotten Tomatoes)

DVD rip y capturas de Daeron (KG)

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Andrei Arsenevich en su blog

Ivanovo detstvo
Solyaris
Zerkalo HD
Zerkalo (DVD rip)
Nostalghia
Tempo di viaggio (c/ Tonino Guerra)

Phil Karlson - Kansas City Confidential (1952)

2013-05-22T18:30:00.000-03:00

Inglés | Subs: Castellano (muxed) + English/Français/Português .srt

99 min | mkv-X264 640x480 | Bitrate total 735 kb/s | 48.0 KHz AAC | 23.97 fps

522 MB + 3% recuperación

El cuarto hombre/ Los cuatro desconocidos

Un individuo que planea el atraco de un coche blindado busca a tres criminales para que lo ayuden a dar el golpe: Peter Harris, Boyd Kane y Tony Romano. Con el rostro cubierto y por separado, se entrevista con cada uno de ellos para proponerles el negocio. Todos los asaltantes llevan el rostro cubierto, por lo que únicamente el jefe conoce la identidad de los integrantes de la banda. Después de llevar a cabo la acción, se separan a la espera de recibir instrucciones. Cuando las cosas se "enfríen" se materializará el reparto del dinero, más de un millón de dólares...

Phil Karlson es uno de esos nombres menores en la historia del cine que bien merecen una pequeña mención, en este caso por algunas de las películas de cine negro que filmó en los años 50. A diferencia del estilo más barroco y estilizado del cine negro clásico de los 40, Karlson plantea el género de una forma realista, cruda y sumamente violenta. En sus mejores films la tensión se nota en cada plano. En ese sentido su visión del género encaja con la evolución que éste fue sufriendo a lo largo de los años adaptándose a los nuevos tiempos. Cuanto más permisivo se volvía Hollywood a la hora de mostrar el mundo criminal, menos se necesitaba el estilo del cine negro, que bajo sus sombras escondía un submundo de puro caos y violencia.

El Cuarto Hombre, seguramente su mejor obra, no se anda con medias tintas: expone un argumento claro y conciso y hace estallar la violencia en la cara del espectador. El protagonista es Joe, un ex convicto acusado de un atraco a un banco del que es inocente. Pese a que se demuestra que no es culpable, su detención le hace perder su trabajo, así que decide encontrar a los culpables. Pero no será tarea fácil: el atraco fue planificado minuciosamente por alguien que contrató a tres criminales y les obligó a efectuar el robo con una máscara puesta en todo momento, de forma que al acabar no conocen la identidad ni de la persona que los reclutó ni de sus compañeros, evitando así posibles traiciones. Joe, sin embargo encuentra una pista que le lleva a un pequeño hotel mexicano donde van a repartirse el botín. Leer la nota completa en El Gabinete del Doctor Mabuse

Phil Karlson's low (low) budget, B-grade film noir, opens on a Kansas City armored-car robbery perpetrated by cynical, corrupt ex-policeman Timothy Foster (Preston S. Foster). Foster devises an outrageous scheme: he will recruit three of the most vicious and unrelenting criminals he can find (screen heavies Lee Van Cleef, Jack Elam and Neville Brand) to undertake a robbery, blackmailing them into the heist with incriminating evidence from other "jobs."

"The underrated and potent noir specialist Phil Karlson directed this 1952 action thriller about a bank heist, and though it isn't a patch on his 99 River Street or The Phenix City Story, it's still well worth checking out." (Jonathan Rosenbaum - Chicago Reader)

Le Quatrième homme

Un mystérieux homme au visage couvert réunit trois malfrats pour le braquage parfait : les hommes, qui demeurent masqués et ignorent donc les identités de leurs complices, se séparent une fois le vol commis, seuls quatre rois d'un jeu de carte leur permettant de se reconnaître, quand la police aura abandonné les recherches, pour partager le butin...

Le plan est parfait, à une exception près : un fleuriste, Joe Rolfe, qui avait le tort de conduire une camionnette semblable à celle utilisée par les bandits, est accusé à tort du vol, et décide une fois libéré de traquer les responsables pour prouver son innocence.

Rip del grupo mSD

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Phil Karlson en Arsenevich

The Phenix City Story

Jean Cocteau - Le Testament d'Orphée (1959)

2013-05-21T18:30:00.000-03:00

Francès/French | Subs:Castellano/English

77 min | DivX 696x520 | 2384 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps

1,34 GB + 3% de recuperación rar

Un poeta ve que se acerca la hora de su muerte y decide hacer balance de su vida y su obra. Entre sueños de inmortalidad y deseos de nacer de nuevo se suceden toda una serie de surrealistas personajes, en un preciso análisis de las inspiraciones, fobias y obsesiones del artista.

El poeta es exacto. La poesía es exactitud. Desde Baudelaire, el público ha comprendido, poco a poco, que la poesía es uno de los medios más insolentes de decir la verdad. No existe arma de mayor precisión; y para defenderse, con una defensa instintiva, de la angustia de la exactitud y de las claridades reveladoras, se obstinan las gentes en confundir la poesía con la mentira, la viveza de espíritu con la paradoja.
¿Para qué referir una historia que no lleve en sí el peso inimitable de la verdad? ¿Para qué Memorias imaginarias, falsas anécdotas, frases que se equivocan de labios y recuerdos pintorescos? El peso muerto de la inexactitud abruma de fatiga. Muy distinto es el haz de luz de un proyector, que se pasea por la superficie de esa noche acumulada detrás de cada uno de nosotros y que se detiene sobre un rostro, un acto o un lugar significativos, de forma que les dé el máximo de fuerza expresiva y de resurrección.[...] (Jean Cocteau, Fragmento de "Retratos-Recuerdo" 1935)
Tercer título sobre el mito de Orfeo, tras La sangre de un poeta (1930) y Orfeo (1950).La despedida del cine de Jean Cocteau estaba interpretada por el mismo como un enigmático viajero del tiempo, que iba encontrándose con figuras simbólicas de anteriores películas suyas según vagaba en búsqueda de una identidad o de la muerte. El filme retoma las pautas vanguardistas y surrealistas.
El propio Cocteau confiesa en el prologo de El testamento de Orfeo que su filme es una suerte de streap-tease del alma poética, un acto de desnudar su espíritu, sus inquietudes como creador, su conciencia intima. La trayectoria vital y la trayectoria artística son indisociables en este autorretrato. El poeta se convierte en una criatura imposible mas de su imposible universo y se reencuentra con sus fantasmas. Sus fantasmas vuelven a ser el tiempo, la muerte, la disidencia sexual y social, la infancia perdida y recuperada y la belleza, la búsqueda interminable de la belleza. El paso del tiempo, la erosión del tiempo y la incapacidad / capacidad de romper sus leyes cobra una importancia especial en este filme desconcertante, una pieza de cámara inusual en el cine de finales de los cincuenta. Los paisajes desolados, desnudos y fantasmales de El testamento de Orfeo nos retrotraen a los cuadros de Dalí y Chirico transformados por la imaginería del cineasta francés donde no faltan imágenes relamidas, ingenuas y hasta de regusto “kitsch” con iconografía homoerótica sacada de paisajes Lorquianos, cine de Hollywood y decorados deliberadamente artificiosos. La presencia de Picasso y otros grandes iconos de la cultura del momento no debe verse como una efectista “boutade” sino como una verdadera ceremonia de reencuentro del artista con sus monstruos en el lecho póstumo. (Claqueta)

In his last film, legendary writer/artist/filmmaker Jean Cocteau portrays an 18th-century poet who travels through time on a quest for divine wisdom. In a mysterious wasteland, he meets several symbolic phantoms that bring about his death and resurrection. With an eclectic cast that includes Pablo Picasso, Jean-Pierre Leáud, Jean Marais and Yul Brynner, Testament of Orpheus (Le Testament de Orphée) brings full circle the journey Cocteau began in The Blood of a Poet, an exploration of the torturous relationship between the artist and his creations.

"Esta película nada tiene que ver con los sueños excepto que toma prestada la rigurosa ilogicidad de los sueños, su manera de ofrecer, durante la noche, una suerte de frescor a las falsedades del día desdibujado por la rutina. Además, es realista, si realismo significa una pintura detallada de las intrigas de un universo que es único para cada artista y que no tiene relación alguna con lo que acostumbramos a aceptar como realidad. La película no obedece reglas muertas, rindiendo homenaje a todos los que desean permanecer libres. Pone al descubierto una forma de lógica que la razón no reconoce. Para abreviar, es cartesiana por medios anticartesianos." Jean Cocteau

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Jean Cocteau en Arsenevich

L'aigle a deux têtes

La Belle et la Bête

Les Enfants Terribles

Les Parents Terribles

Orphèe

Joseph L. Mankiewicz - A Letter to Three Wives (1949)

2013-05-20T18:00:00.000-03:00

Inglés | Subs: English (muxed) Castellano/Français .srt

103 min | mkv-X264 640x480 | Bitrate total 747 kb/s | 48.0 KHz AAC | 23.97 fps

551 MB + 3% recuperación

Carta a tres esposas

Tres mujeres llamadas Deborah (Jeanne Crain), Rita (Ann Sothern) y Lora May (Linda Darnell), reciben una carta de Addie, una amiga en común que les indica que se ha fugado con uno de sus maridos. La duda surge entre el trío femenino, preocupado en conocer quien es el esposo infiel...

Mediante el empleo de una serie de flashbacks (recurso recurrente en Mankiewicz), vamos descubriendo las intrincadas interacciones de unos personajes en el contexto de una pequeña ciudad provinciana, mostrando con mordacidad sus complejos y miedos, ideas vitales, costumbres sociales y relaciones profesionales.

Lo de menos para Mankiewicz es la aclaración de la infidelidad en sí, sino el embate cáustico e ingenioso a los ridículos valores de unos personajes magistralmente definidos, ahogados en la superficialidad y la vacuidad. (tomado de El Criticón)

Three wives, played by Jeanne Crain, Ann Sothern and Linda Darnell, are about to embark on a boat trip when each receives a letter, written by a mutual friend named Addie, informing her that Addie is about to run off with one of their husbands. In flashback, each wife wonders if it is her marriage that is in jeopardy. Deborah (Crain) recounts her fish-out-of-water relationship with her up-and-coming hubby (Jeffrey Lynn); businesswoman Rita (Sothern) asks herself if she's been too rough on her professorial spouse (Kirk Douglas); and Lora May (Darnell), a girl from (literally) the wrong side of the tracks, questions the security of her marriage to a brash business executive (Paul Douglas). The voice of Addie, who is never seen, is provided by Celeste Holm. Thelma Ritter shows up in a hilarious unbilled bit as a slatternly domestic, while an equally uncredited Carl "Alfalfa" Switzer makes a quick entrance and exit as a bellhop.

Written with perception and not a little witty condescension by director Joseph L. Mankiewicz, A Letter to Three Wives won two Oscars, both for Mankiewicz. Based on a novel by John Klempner, the property was remade for television in 1985, with Ann Sothern back again in a supporting part.

"Mankiewicz's writing is bright and hard -- he's sharpening his teeth for All About Eve, made the next year -- but his acid wit is almost too much for his fragile characters to bear". (David Kehr - Chicago Reader)

Chaînes Conjugales

Trois amies partent en excursion, délaissant pour l'occasion leurs maris respectifs. Peu avant le départ, l'une d'elles reçoit une lettre d'une quatrième femme que toutes trois connaissent : la séductrice Addie Ross.

Celle-ci déclare avoir profité du départ des trois amies pour partir avec le mari de l'une d'elles, sans préciser lequel. Durant l'excursion, chacune des trois femmes reverra successivement, aux cours de trois flashback différents, les différentes étapes de sa vie de couple et tentera de comprendre ce qui aurait pu décider son mari à fuir, tout en se demandant si c'est bien de lui qu'il s'agit ou non.

Rip del grupo mSD

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Joseph L. Mankiewicz en Arsenevich

Sleuth

The Ghost and Mrs. Muir

Suddenly, Last Summer

5 Fingers

The Honey Pot
Dragonwyck
All About Eve

Eric Rohmer - Pauline à la plage (1983)

2013-05-19T18:00:00.000-03:00

Pauline en la playa

Pauline es una joven adolescente de 15 años, que junto a su prima Marion pasan un verano en la costa francesa. Marion se encuentra con un antiguo amigo, Pierre, que mantiene una profunda atracción por ella. Sin embargo Marion prefiere al aventurero Henri, aunque sabe que su relación sería corta. Mientras, Pauline tiene un romance con un chico, Sylvain. (FILMAFFINITY)

Pauline at the Beach

In the end of summer, strikingly beautiful and intelligent Marion who just got divorced brings her 15 year old cousin Pauline to a Normandy coastal resort for a short vacation. At the beach, they meet Pierre, an old friend who is still desperately in love with Marion, and Henri, an older hedonist who is only interested in sex and divides his time between Marion and a local candy girl, Louisette. Paulette meets a young man Sylvian but their romance does not live long thanks to Henry's cynicism and egotism. "Pauline at the Beach" is a very sexy, intelligent, and charming dramedy about love, lies, and desire and how sometimes the teenagers have a better sense of reality and better understanding of these matters than the adults around them.

Marion, styliste à Paris, et Pauline, sa jeune cousine passent leurs vacances dans une station balnéaire normande. Elles y rencontrent Pierre, amoureux de Marion, Henri, un ethnologue divorcé et séduisant, ainsi que Sylvain, adolescent à la recherche d'une fille de son âge. Des intrigues amicales et amoureuses vont naître entre ces différents personnages.

Nuevos enlaces, cortesía de Don Belianís

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Ingmar Bergman - Jungfrukällan (1960)

2013-05-18T19:30:00.000-03:00

El Manantial de la doncella (España, México)

La Fuente de la doncella (Argentina)
La Source

A Fonte da Donzela (Brasil)

A Fonte da Virgem (Portugal)

Sueco I Subs:Castellano (muxed) + English/Castellano/Français/Português .srt

86 min I X264 MKV 1280x720 I 2048 kb/s I 224 kb/s AC3 I 25 fps

1,37 GB + 3% de recuperación

Basada en una leyenda popular del siglo XIV, cuando el cristianismo recién arraigado se fundía con los mitos de Odin, una muchacha, Karin, atraviesa el bosque con una ofrenda a la virgen en compañia de Ingrid, quien la odia secretamente.

Conociendo posteriores y muchísimo más personales películas, una película como El manantial de la doncella puede parecerle menor a un espectador poco avezado en la filmografía de Ingmar Bergman, sobre todo teniendo en cuenta el año en que está enclavada, pues la precede su primera gran obra maestra, El séptimo sello (que en muchos sentidos preludia a ésta), así como una de sus cinco mejores películas, Fresas salvajes. Los sesenta estaban a punto de comenzar, y ahí germinaría el Bergman más críptico y fascinante, el que cambió la cinematografía mundial.

Pero lo cierto es que El manantial de la doncella es una obra de una fuerza narrativa inigualable, que no por resultar más accesible en su doloroso drama, desmerece del universo bergmaniano. Más bien lo amplía. Basada en una balada nórdica del siglo XIII, el guión es una joya de concreción y de diálogos. Doce únicos personajes en un decorado interior, y en primorosas localizaciones naturales exteriores. Este poema visual es sobre todo una hipnótica tragedia con reminiscencias shakesperianas, ibsenianas y strindbergianas, al mismo tiempo que aúna lo católico con lo pagano, lo existencialista con lo mundano.

La puesta en escena de Bergman se aleja de todo manierismo de forma consciente y ascética, buscando en todo momento la austeridad, los silencios, la expresividad “casual”. Escasos movimientos de cámara, empleada esta con gran energía en los momentos en los que se necesita, para acentuar la tensión psíquica del espectador; dirección de actores precisa y sobria, sin grandes exhibicionismos, pero capaz de arrancar una verdad indescriptible a los actores. Parece, de hecho, algo teatral, pero no por defecto, sino por virtud. Esta teatralidad nos retrotrae a los dramas escandinavos y a las representaciones de grandes tragedias gélidas del teatro sueco y ruso.

Extraordinaria fotografía en un celestial blanco y negro por parte del maestro de la luz, recientemente fallecido, Sven Nykvist. Su trabajo es enormemente decisivo en el tratamiento visual de Bergman, pues esta película se narra principalmente con imágenes, y no tanto por sus escasos diálogos. Su sencillez es transparente, y de ella nace el dolor de su historia, su inasible melancolía, dedicada a describir la soledad del hombre en el mundo, el horror de la violencia injustificada o no, el silencio insondable de Dios y las palabras sin respuesta que sus hijos le profieren, la naturaleza inconcebible de la muerte violenta, el amor parental, el odio entre hermanos, la venganza…

En el centro del reparto, un imponente Max Von Sydow, pero todos están magníficos, Birgitta Valberg, Gunnel Lindblom, Birgita Pettersson… Considerada hoy día una de las películas clave de Bergman, esta maravilla no ha envejecido nada, sino que se conserva eternamente joven. Bergman sería capaz de superarse en el futuro, forzando a sus contemporáneos a convencerse de que es uno de los mejores y más profundos artistas del siglo XX. (Extracine)

Winner of the Academy Award for Best Foreign Language Film, Ingmar Bergman’s The Virgin Spring is a harrowing tale of faith, revenge, and savagery in medieval Sweden. Starring frequent Bergman collaborator and screen icon Max von Sydow, the film is both beautiful and cruel in its depiction of a world teetering between paganism and Christianity, and of one father’s need to avenge the death of a child.

"El Manantial de la doncella es una mala imitación de Kurosawa. Me sentía un samurai." Ingmar Bergman

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Ingmar Bergman en Arsenevich

Skammen

En Passion

Vargtimmen

Karins Ansikte

Saraband

Smultronstället

Nära livet

Bildmakarna

Musik i mörker

Sommarlek

Det regnar på vår kärlek

Persona

Såsom i en spegel

Ingmar Bergman - 3 dokumentärer om film, teater, Fårö

Nattvardsgästerna

Anatole Litvak - Le Couteau dans la plaie (1962)

2013-05-17T18:57:00.001-03:00

Viaje hacia la medianoche (Argentina)

Un abismo entre los dos (España)
Uma sombra em nossas vidas

Five Miles to Midnight (EEUU)

English, French I Subs: Castellano/Português
103 min I Xvid 688x416 (16:9) I 1629 kb/s I 128 kb/s mp3 I 25.0 fps
1.28 Gb + 3% rec

http://www.imdb.com/title/tt0056957/

Immediately after Lisa declares that she is leaving her immature, abusive, but easy-going husband Robert, he is reported dead in a plane crash.
Bob ha conocido a Lisa al término de la SGM, cuando se hallaba estacionado cerca de Nápoles en una base de la Fuerza Aérea norteamericana. Una vez casados, la pareja se ha instalado en París. Pero su matrimonio ha fracasado al poco tiempo. Ya al borde de la separación definitiva, Bob desaparece en un accidente de avión. Su joven esposa se apresta a cobrar el seguro de vida, pero se interpone un acontecimiento imprevisto.

Bob a rencontré Lisa au lendemain de la seconde guerre mondiale, lorsqu'il était basé près de Naples pour l'US Air Force. Une fois marié, le couple s'est installé à Paris. Mais leur union s'ébranle très vite. Bob disparaît dans un accident d'avion. Sa jeune femme va toucher l'argent de l'assurance vie quand un événement imprévu survien.

Film contradictorio, discordante, que de todos modos queda en el recuerdo. Maravilloso es el blanco y negro del veterano del género negro Anatole Litvak, y de su fotógrafo Henri Alekan, así como la música de Mikis Theodorakis.

Der-film-noir.de

Lo vi caracterizado por ahí como psychothriller, me gustó la denominación, así que la adopto. Perkins se ve que por esta época seguía bajo la larga sombra de Norman Bates... En cuanto a la Loren, no sé si confesar que en un punto se me hizo imposible no pensar tanto en el personaje como en el desenlace de Embrujada (Armando Bo, 1969). Cabe consignar que ambos intérpretes ya habían coprotagonizado Deseo bajo los olmos de Delbert Mann cuatro años antes. En cuanto a Litvak, tengo por él una debilidad quizás inexplicable, de modo que es probable que asomen otras de sus películas en Arsenevich en un futuro. Subtítulos castellanos revisados por un servidor; estuve tentado de eliminar la traducción de las líneas en francés, pero me contuve. Los subtítulos brasileños son de Nandodijesus.

Y gracias a nandomko, de la Bahía.

190 Mb x 7 + 9 Mb

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Castellano
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Português
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Sophia Loren en Arsenevich

Heller in Pink Tights (1960)
Le Couteau dans la plaie (1962)
La rabbia (1963)

Frank Capra - Lost Horizon (1937)

2013-05-16T18:00:00.000-03:00

Inglés | Subs: English (muxed) + Castellano/Français/Português .srt

133 min | mkv-X264 640x480 | Bitrate total 1108 kb/s | 48.0 KHz AAC | 23.97 fps

1,03 GB + 3% recuperación

Horizontes perdidos

El ministro de asuntos interiores de Inglaterra se haya en una situación complicada en la que debe evacuar a los ciudadanos británicos de una región de China en la que ha estallado una guerra. Tras montarlos en aviones se espera al ultimo avión para embarcarse el, junto con cuatro personas mas. El avión despega por los pelos pero el piloto ha sido suplantado por un chino que los secuestra. Tras un largo viaje el piloto muere de un ataque al corazón y se estrellan en una región desconocida...

En el sueño de todo ser humano existe la inmortalidad como fuente de todos nuestros deseos. La excitación que conlleva esta perdurable agonía interior en la búsqueda de la eterna juventud nos hace soñar con mundos donde todo esto resulta trivial, y es el anhelo de una vida despreocupada lo que nos produce una gran incógnita: ¿Existe un lugar donde todo esto sea posible? La respuesta es sí: Shangri-La...

Frank Capra descubre que todo esto es posible. Un lugar donde el sueño de la inmortalidad y de la sublime utopía de lo imaginario tiene respuesta y, lo más importante, no nos importa lo más mínimo lo material, se vive del espíritu.

Lost Horizon es una adaptación de la novela homónima de James Hilton, publicada en 1933.

(texto tomado de Scifiworld )

British diplomat Robert Conway and a small group of civilians crash land in the Himalayas, and are rescued by the people of the mysterious, Eden-like valley of Shangri-la. Protected by the mountains from the world outside, where the clouds of World War II are gathering, Shangri-la provides a seductive escape for the world-weary Conway.

It took British author James Hilton six weeks to write his visionary novel Lost Horizon. It took director Frank Capra two years-and half of his home studio Columbia's annual budget-to bring it to the screen. After a lengthy preamble, inviting audiences to imagine their own ideas of Utopia, the film opens on a chaotic scene at a Chinese airfield. As hordes of bandits approach, hundreds of refugees scramble to board the last plane out. Only five people make it: Mildly disenchanted Far Eastern diplomat Robert Conway (Ronald Colman), his hotheaded younger brother George (John Howard), embezzler Barnard (Thomas Mitchell), dithery fossil expert Lovett (Edward Everett Horton) and consumptive prostitute Gloria Stone (Isabel Jewell).

As the plane flies off towards the Himalayas, Robert realizes that he and his fellow passengers are heading in the wrong direction. They are, in fact, being kidnapped-but why? And where to? The plane crash-lands in the snowy Tibetan interior. The pilot is killed, but the passengers are safe. By and by, a strange caravan approaches, led by an enigmatic Chinese named Chang (H. B. Warner). Joining the caravan, Conway and his party are led through a treacherous mountain pass and into a land of temperate weather and dazzling beauty. This is Shangri-La... (text taken from Rotten Tomatoes)

Horizons perdus

Un diplomate et quatre de ses concitoyens, fuyant les troubles qui agitent la Chine, s’écrasent en avion dans les montagnes tibétaines. Ils sont retrouvés et conduits dans une mystérieuse vallée aux allures de paradis. Dix mois de tournage et un doublement du budget initial de 1,5 millions de dollars furent nécessaires pour donner vie à cette épopée, oeuvre atypique dans la filmographie du réalisateur de comédies Frank Capra.

Rip del grupo mSD

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Frank Capra en Arsenevich

The Bitter Tea of General Yen
It's a Wonderful Life
Arsenic and Old Lace
It Happened One Night

D. W. Griffith - The Struggle (1931)

2013-05-15T18:30:00.000-03:00

Inglès/English I Subs:Castellano

77 min IXvid 720x480 I 1025 kb/s I 40 kb/s vbr mp3 I 24 fps

592 MB + 3% de recuperación rar

Una joven pareja de casados enfrenta el alcoholismo de él.

El más bello fracaso de la historia del cine.
Con 56 años, David W. Griffith hace "The struggle", su segundo talkie, de pésima reputación, en unas condiciones deplorables. Olvidado, arruinado, sobrepasado, no sé en qué orden. Sería su última película.
Ver ahora, casi 80 años después de su estreno, esta obra suprema de los años 30 es un cruce de cables considerable. No sólo por la rabia y el asombro ante la ceguera de sus contemporáneos (y la injusticia porque ni el tiempo ni la crítica "moderna", tal vez demasiado moderna, no la han restituido a su verdadero lugar) sino sobre todo por la capacidad de un gigante por ir más allá cuando las condiciones son las peores imaginables.
"The struggle" es para mí uno de los pasos adelante más ignotos que dio el cine sonoro y una de las películas más desasosegantes de la historia del cine.
Más dura y profunda que "The crowd" de Vidor, mil veces más intimidante que "The roaring twenties" de Walsh, ésta es la obra clave del "cine de la calle", tan desnuda y en bruto como sólo muchos años después varios emblemáticos Rossellini, alargando la sombra de "The sorrows of Satan", una de sus grandes obras maestras silentes.
Y no lo es tanto por la innovadora técnica de diálogos superpuestos (como la que pusieron en práctica Howard Hawks, Wellman y compañía, pero sin comedia de por medio) sino por no hacer una sola concesión al proceso de adaptación (sobre todo el de los espectadores) del mudo al sonoro a nivel temático y estilístico. Parece como si Maurice Pialat hubiese viajado en el tiempo hasta 1931 para mostrar esta historia de alcoholismo sin la menor conexión teatral (parece mentira que todavía alguno crea que es el grosor de la pared del decorado y si se mueve al cerrar una puerta lo que determina este hecho) y sin moralina final, un espejo desolador que devuelve una imagen (y sin subirla de clase social a un cómodo escalón, problemas de ricos, ni bajarla a los más sórdidos ambientes, como algunos Pabst) en la que no se querían reconocer muchos americanos inmersos en los años más duros de la Gran Depresión.
Es incómodo ver reflejado en la pantalla el drama de gente tal vez cercana (o de uno mismo) sin obtener consuelo ni sentirte a salvo de su alcance, identificado, señalado, aludido. No ha sido uno de los propósitos más rentables del cine pero sí una de sus más apasionantes empresas, quizá la definitiva cumbre y ademas doble, del realismo y de la ficción . (...) (Texto de Jesùs Cortès, tomado de un blog comme les autres)

The standard film histories blame the “old-fashioned” technique of “The Struggle” for bringing on the end of Griffith’s career. But seen today “The Struggle” looks less like the quaintly antiquated Victorian melodrama it is often described as than like an exercise in radical realism that flew in the face of standard Hollywood practice in 1931. (Audiences apparently loathed it: a 1939 profile of Griffith in The New York Times suggests that the film played only a few days at a Broadway theater before being withdrawn.)
On an immediate, emotional level, “The Struggle” is Griffith’s most personal film, the story of a factory foreman (Hal Skelly) who suffers, as Griffith did, from alcoholism. Stylistically, the movie could not be further removed from the gauzy products of Hollywood’s dream factory, then functioning at its height.

“Lo que el Cine necesita es belleza, la belleza del viento moviéndose entre las hojas de los árboles.” D. W. Griffith

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D. W. Griffith en Arsenevich

Intolerance (1916)

True Heart Susie (1919)

The Battle of the Sexes (1928)

Abraham Lincoln (1930)

The Struggle (1931)

André Delvaux - Belle (1973)

2013-05-13T18:15:00.000-03:00

Francés | Subs: Castellano/English* (muxed) + Castellano/English .srt

92 min | mkv-X264 720x400 | 1243 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps

952 MB + 3% recuperación

Mathieu Grégoire es un escritor que vive felizmente en Spa con su mujer Jeanne y su hija Marie, que está a punto de contraer matrimonio. Circunstancias fortuitas lo llevan a descubrir a una joven que se esconde en la linde de los bosques que bordean la Fagne, unas llanuras baldías y desoladas batidas por el viento y donde las tempestades son muy fuertes. Mathieu deduce que la mujer, que no comprende ni una palabra de francés, ha debido de atraversar de forma ilegal la frontera belga. Dado que ignora su verdadero nombre, la llamará Belle.

Así, nace un amor fulgurante. Mathieu lleva dos vidas paralelas: la una en Spa, en el fondo del valle, con Jeanne que no deja de amarlo –una vida tranquila inserta en la realidad–; y la otra en la Fagne, una vida enloquecedora, vida de sueño, en la que él puede gritarle lo que quiera a esa joven que no entiende francés. Poco a poco esa vida se va apoderando de la otra, y su círculo más íntimo va percibiendo, sin comprender bien el motivo, un cambio en Mathieu...

Con un ritmo rápido, la historia se desarrolla ineludiblemente, unida a los árboles, a las nubes, a la lluvia, al barro, al viento. Un extranjero llega a la Fagne, un compatriota de Belle. La presencia de ese hombre, que Belle acoje con temor, desencadena el drama. Esa historia de amor nacida del vacio de un otoño apasionado concluye en la tempestad de nieve...

Todo el texto en castellano es tomado de la "Memoria para Optar al Grado de Doctor" presentado a la UCM por Santiago Rubín de Celis El Realismo Mágico en la Obra Cinematográfica de André Delvaux (PDF de 7 MB online)

After delivering a lecture at a poetry society meeting in backwoods Belgium, Mathieu Gregoire, a happily married archivist, takes the scenic route home one impenetrable night through the primeval Walloon Fagnard forest. In the darkest, deepest part of the forest he hits something with his car, finds blood drops but cannot find anything else. He returns the next day with a shotgun but cannot find the animal. He hears whining from the nearby woods and discovers that the dog he hit is alive, but mortally wounded. Following at a safe distance, he tracks the poor dog to a ruined farmhouse. There he encounters a beautiful but strangely mute young woman who is presumably the dog’s owner. To reassure her, he lays his shotgun aside and follows her around the farmhouse. Just as he realizes she has back tracked him, he hears a shotgun blast from the other side of the house. He hurries back only to find the woman standing over the dog she has just mercifully killed. Sobbing, she hurls the gun at Mathieu and rushes inside...

Thus begins Andre Delvaux’s 1973 film Belle. Jean-Luc Bideau, who would make a career playing schlemiels, plays Mathieu Gregoire, the role of his life. Daniele Delorme plays his long-suffering wife, Jeanne. Adriana Bogdan plays the enigmatic woman whom Mathieu christens “Belle.” Ghislain Cloquet, himself a Belgian, who photographed Bresson’s Balthazar, Mouchette, and Une Femme Douce, gives the locations precisely the brooding mystery Delvaux required. And Frederic Devreese wrote the appropriately haunting score. The film was nominated at Cannes for 1973′s Palme d’Or.

Read the whole article by Dan Harper in Senses of Cinema

Santiago Rubín de Celis on Delvaux in Bright Light Films

Jonathan Rosenbaum on Delvaux

*English subs are listed as "un" (unspecified) in the mux, as I couldn't figure
out how to make Spanish the default language for the subs with mkvmerge

Mathieu Grégoire, incarné par l'acteur suisse Jean-Luc Bideau, est un écrivain estimé dans sa région. Il mène une vie confortable auprès de Jeanne, sa femme, et Marie sa fille. De retour d'une lecture publique, Mathieu percute « quelque chose ». Terriblement troublé par cet événement qu’il ne peut expliquer, il retourne sur les lieux et découvre alors une jeune et jolie femme, réfugiée dans une maison en ruine au cœur de la forêt. Elle porte un long manteau et ne parle pas un mot de français. Mathieu, brutalement envoûté par cette fée des bois, lui donne une identité et une place dans sa vie : elle sera désormais « Belle », nom autant qu’adjectif qui accentue encore les références au conte.

Cette rencontre insolite le fait basculer très vite dans une double vie, deux vies qui vont finir par fusionner et se contaminer l'une l'autre. Ce double jeu, devenu un « double-je » va permettre de construire le mécanisme narratif du film. Par un subtil effet de miroir, chaque scène se répond, chaque plan trouve un écho pour démultiplier les sens. Les allers-retours de Mathieu d'un monde à l'autre, d'une femme à l'autre, jouent sur les opposés : la ville, petite et étriquée d'un côté, la vaste forêt sauvage et indomptable de l'autre ; le verbe d'un côté, pétri de références littéraires que l'on partage au cours des dîners, les gestes et les silences de l'autre qui ouvrent tous les possibles. Mais ce jeu binaire, que l'on pourrait énumérer à l'envi, s'avère rapidement beaucoup plus complexe. Au centre de tout, se trouve Marie, la fille de Mathieu, qui, bientôt, va quitter la famille pour épouser un jeune homme. Et si Mathieu est bien celui qui se permet de nommer les choses (il est écrivain), et les êtres (c'est bien lui qui nomme Belle), son futur gendre, lui, restera irrémédiablement « l'autre »... Mathieu, visiblement, ne supporte que très mal « l’enlèvement » de sa fille...

André Delvaux en Miradas de Cine

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André Delvaux en Arsenevich

De Man die zijn haar kort liet knippen
Rendez-vous à Bray
Un soir, un train

Raoul Walsh - The Roaring Twenties (1939)

2013-05-12T18:46:00.000-03:00

Inglés | Subs: English (muxed) Castellano/Français .srt

106 min | mkv-X264 640x480 | Bitrate total 990 kb/s | 48.0 KHz AAC | 23.97 fps

754 MB + 3% recuperación

Clásico del género que relata los diferente destinos de tres veteranos de la Primera Guerra Mundial que, tras conocerse en el campo de batalla, regresan a América tras luchar por su país. A pesar del desempleo y de las difíciles condiciones económicas, Lynn irá por el buen camino, pero Cagney, amargado por no tener trabajo ni futuro, únicamente encuentra una oportunidad en el contrabando ilegal de licor. Bogart es un implacable gángster en un mundo donde la violación de la ley seca implica entrar en el mundo del crimen...

Cuando se habla de películas clásicas de gangsters, sin duda los primeros nombres que vienen a la mente son "Scarface" (la versión de 1932, desde luego), "White Heat"y "Angels With Dirty Faces". Sin embargo, en mi opinión, es "The Roaring Twenties" la cumbre del género. Mientras que otras películas de tema similar se hicieron a principios de los años treintas, cuando los hechos que retrataban aún sucedían afuera del cine, "The Roaring Twenties", de 1939 tuvo el beneficio de dejar transcurrir una década, durante la cual los eventos de la prohibición y la Gran Depresión fueron tomando nueva forma en el contexto de la historia norteamericana. El periodista Mark Hellinger, que siguió de cerca los hechos del pandillerismo, extorsión y corrupción provocados por la prohibición de alcohol, escribió: "Tal vez en una fecha distante nos encontraremos con otro perído similar al que se muestra en este relato. Si eso ocurre, rezo para que recordemos los eventos aquí retratados. En esta película, los personajes son compuestos de personas que conocí, pero las situaciones realmente ocurrieron. Dulces o amargos, los recuerdos se hacen más preciosos conforme avanzan los años. Esta cinta es una memoria... y estoy agradecido por ello."The Roaring Twenties" está basada en la historia real de Larry Fay y su amiga Texas Guinan, y de su ascenso en las filas del crimen organizado de Nueva York durante la prohibición, pero los nombres de personas y lugares han sido cambiados.

Así, al iniciar la cinta vemos a un trío de amigos luchando en las trincheras de Francia durante la Primera Guerra Mundial. Eddie Bartlett (James Cagney) parece ser un tipo honesto y humano, que no está muy de acuerdo con la matanza, pero que ante todo desea sobrevivir y regresar a casa. George Hally (Humphrey Bogart) es un cínico y desalmado soldado, que parece gustar demasiado de la matanza de las tropas enemigas; finalmente, Lloyd Hart (Jeffrey Lynn) es un novato asustadizo y débil, cuya educación universitaria lo pone en franca desventaja ante sus sagaces amigos. Eventualmente la guerra termina, y el trío regresa a casa, cada cual por su lado.Como fácil punto de comparación para examinar el lugar de "The Roaring Twenties" en la cultura popular, podemos indicar que se realizó en el mismo año que "El Mago de Oz" y "Lo Que El Viento Se Llevó". Es decir, mientras que esas dos cintas eran "blockbusters" que atraían al público con sus simples historias de heroísmo, romance y fantasía, "The Roaring Twenties" sacaba a relucir una verdad más violenta, un recuento de los hechos que apenas unos años atrás acosaban a la sociedad norteamericana.Pero por encima de su conciencia social, "The Roaring Twenties" es una muestra de que un equipo técnico y creativo trabajando con la visión de un fuerte director, puede producir una película de intensidad y relevancia perennes, pues los temas de amistad, lealtad y corrupción que se manejan siguen tan vigentes hoy como entonces. (Texto de Pablo del Moral, extraìdo de Cinencanto)

Three doughboys--played by James Cagney, Humphrey Bogart, and Jeffrey Lynn--meet in a foxhole in Europe just as World War I is ending. When they return to the States, they are forgotten men, and after Eddie (Cagney) tries in vain to get his old job back, his pal Danny (Frank McHugh) lets him drive his cab at night. A fare asks unwitting Eddie to deliver bootleg liquor, but Prohibition is in full swing and Eddie is arrested and thrown in the slammer.

The film, a masterpiece, is surprisingly realistic for all its Hollywoodisms, & in its own way brutal, chronicling as it does the life of an actual bootlegger of the age, Larry Fay whose biography (as recalled by newspaperman Mark Hellinger who provides voice-over narration), amended by or combined with the biography of Capone's rival Hymie Weiss.

"Lo normal cuando se realizaba una película (hasta que Griffith lo cambió) era la filmación en secuencias, como si se leyeran las páginas de un libro. Griffith me había enseñado a ahorrar, a aprovechar las condiciones climáticas y otras diversas mediante una selección previa. «Rueda primero lo dificil. Las tomas sencillas pueden esperar.» Tras aprender esta lección inolvidable, siempre redacté personalmente el esquema de filmación. " Raoul Walsh

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Raoul Walsh en Arsenevich

The Man I Love

The Naked and the Dead

The Strawberry Blonde

Colorado Territory

The Thief of Bagdad

Regeneration

White Heat

Mervyn LeRoy - Gold Diggers of 1933 (1933)

2013-05-11T19:30:00.000-03:00

Inglés | Subs: Castellano (muxed) + English/Français/Português/Castellano .srt

97 min | mkv-X264 640x480 | 1800 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps

1,36 GB + 3% recuperación

En plena época de la Gran Depresión, Dick Powell es un compositor de canciones que se rebela contra sus adinerados padres para poder casarse con la corista Ruby Keeler. Musical de la Warner con espectaculares coreografías de Busby Berkeley. (Miquel, de Filmaffinity)

Film en b/n dirigido por Mervyn LeRoy, inspirado en la pieza teatral, de 1919, de Avery Hopwood, adaptada al cine mudo en 1923. Concebida como una continuación o ampliación de "Calle 42" (1933), dio lugar a numerosas secuelas. Se rodó en Warner Studios, de Burbank (CA), con un presupuesto de medio millón de dólares. Se estrenó el 27-V-1933, 3 meses después de "Calle 42".La acción tiene lugar en NY en 1932/33, a lo largo de varios meses. Narra la historia de 4 coristas, Carol (Joan Blondell), Trixie (Alice MacMahon), Polly (Ruby Keeler) y Fay (Ginger Rogers), que, tras dejar el trabajo para probar suerte en el mundo del espectáculo, el empresario que las ha contratado para el show "Melodía olvidada", sufre un embargo de decorados, mobiliario y vestuario el día anterior al del estreno. La intervención judicial interrumpe el ensayo general, en el que Fay Fortune ha interpretado la canción "We're In The Money". Las otras 3 coristas, que viven juntas y sobreviven hurtando leche a los vecinos, conocen a un desconocido compositor vecino, Brad (Dick Powell), que las puede sacar de apuros.La película glosa el contraste entre la opulencia de los ricos y la miseria de los pobres, como las gentes del espectáculo, durante los años de la Depresión. La obra se refiere al paro, la escasez y la desolación de la época, contra la que levanta un trabajo optimista, alegre y divertido. El presumido millonario J. Lawrence Bradford, acompañado de su abogado Faneuett Peabody (Guy Kibbee) viajan de Boston a NY para apartar a Brad Roberts, en realidad Robert Treat Bradford, de la vergüenza del espectáculo y de los peligros de las coristas, embaucadoras y parásitas. Lawrence ofrece a Polly, corista novia de su hermano Robert, dinero para que lo deje, en una rápida sucesión de posturas al alza, que ella rechaza. Sus intrigas para salvar al hermano de las garras de Polly le llevan a tratar de seducirla, pero fracasa. El relato hace uso de chistes breves y rápidos, lances visuales cómicos, personajes estrafalarios y equívocos hilarantes, en una composición liviana y divertida. Carol personifica la inocencia y la bondad, Trixie es experta en la seducción interesada en el dinero y Carol ombate con deslealtades las aviesas intenciones de Lawrence, hasta derrotarlo.La música incluye bonitas canciones y brillantes números de música y baile, como "Puttin' In The Park" (picante), "Shadow Waltz" (elegante) y "Remember My Forgotten Man" (trágica y crítica). La fotografía hace planear la cámara sobre las escenas, se sirve de tomas fijas y de movimientos espectaculares de gran fuerza visual. El guión apoya los números musicales en un sencillo relato romántico de 3 parejas absurdas. Las interpretaciones son ajustadas y correctas. La dirección crea una obra fascinante, que levanta el ánimo y exalta la alegría de vivir.Película musical que aprovecha las posibilidades poco exploradas del cine sonoro, la cámara suspendida y el espectáculo visual.

When the Depression hits and the checks and jewelry stop coming to a bevy of bountiful showgirls, there's only one thing to do: find a rich man quick. And the GOLDDIGGERS OF 1933 do just that, in a music and dance spectacular that will charm and beguile you with show-stopping extravaganzas as only Busby Berkeley can produce. A tour de force of lively acting and astonishing effects, this movie highlights Ruby Keeler as a showgirl in love with Dick Powell, whom she mistakenly thinks is a poor song writer, Ginger Rogers as a delightful songstress who sings the legendary "We're in the Money" with a hilarious grace, and Joan Blondell. Directed by Mervyn LeRoy, this vintage musical comedy is classic Hollywood, a movie that's pure entertainment from the moment the curtain rises on the first number until the showgirls' last bow. (Amazon)

"Las pelìculas de Berkeley eran consideradas mera diversiòn, aunque en ocasiones empleò su magia en la cruda realidad de la vida americana inmersa en la Depresiòn. Siempre sobrepasando los lìmites del gènero musical, se atreviò incluso a realizar coreografìas sobre tragedias humanas." Martin Scorsese

Nueva versión de mejor calidad
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Jafar Panahi - Talaye sorkh (2003)

2013-05-10T18:31:00.000-03:00

Farsi I Subs: Castellano/English/Português
92 min I Xvid 672x400 (16:9) I 1595 kb/s I 126 kb/s mp3 I 23.976 fps
1.11 Gb + 3% rec

http://www.imdb.com/title/tt0371280/

An Iranian pizza delivery man sees the worst of corruption and social unbalance in his city and is driven to crime.

Un repartidor de pizza de Teherán advierte la corrupción e iniquidad social que reinan en la ciudad y decide convertirse en criminal.

Crimson Gold is a 2003 Iranian film directed by Jafar Panahi, and written by Abbas Kiarostami. The film was never distributed in Iranian theatres, because it was considered too "dark".
Hossein Emadeddin, who plays the lead role, was not a professional actor but an actual pizza delivery man and paranoid schizophrenic, who made filming very difficult by destructiveness and noncooperation. After completion, the Iranian Ministry of Guidance insisted that cuts be made to the film, which Panahi refused, leading to the film being banned in Iran, even for private screenings.
Crimson Gold ("Oro carmesí") es un film dirigido por Jafar Panahi, con guión de Abbas Kiarostami. El film nunca fue distribuido comercialmente en Irán por haber sido considerado "demasiado oscuro".
El protagonista, Hossein Emadeddin, no es un actor profesional, sino un repartidor de pizza auténtico con cuadro de esquizofrenia paranoide, que convirtió el rodaje en un verdadero infierno a fuerza de impulsos destructivos y falta de cooperación. Cuando la producción hubo llegado a su fin, el Ministerio de Orientación Cultural del régimen iraní exigió la realización de varios cortes, que fueron rechazados por Panahi; a consecuencia de ello, la distribución del film fue prohibida en Irán e incluso vedada su exhibición privada.

Wikipedia

Crimson Gold is a movie of long silences, and in the case of Hussein Emadeddin's eloquently expressionless presence, almost a silent movie. Communication happens around him. Impassively rocking back on his heels, the sleepy-eyed Hossein projects tremendous comic dignity. Hossein may be Iran's forgotten man, but the performance he gives is indelible.
Crimson Gold es una película de largos silencios, y en lo que toca a Hossein Emadeddin y su presencia elocuentemente inexpresiva, se trata casi de una película muda. La comunicación se produce a su alrededor, en torno a él. Balanceándose impasiblemente mientras retrocede sobre sus talones, el Hossein de mirada soñolienta proyecta una dignidad tremendamente cómica. Hossein podrá ser "el iraní olvidado", pero su interpretación deja una huella indeleble.

J. Hoberman, The Village Voice

In April 2001 Panahi was detained, shackled and chained to a bench by US immigration officials at JFK airport in New York City for 10 hours when he refused to be fingerprinted and photographed because of his Iranian citizenship (part of the “war on terrorism”). This August in a letter to Richard Pena, program director of the New York Film Festival, Panahi explained that he would not attend the festival, where his new film Crimson Gold was scheduled to be shown, because of the “humiliating treatment” meted out to Iranian nationals in the US
The director wrote: “We live in strange times. It’s not just George Bush who subscribes to the idea that you are either with us or against us. In my country, too, anyone slightly crossing any red lines is subject to the suspicion of the censors who label him as being alienated, self-loathing, mercenary, infiltrator, enemy agent, and even heretic. Here [in Iran], they interrogate me because I am a socially conscious filmmaker. In America, they fingerprint me, and literally shackle me to kill my national pride, because I am an Iranian filmmaker. This is the kind of purgatory I, and many others like me, find ourselves in.”
This spirit of opposition animates Crimson Gold. The idea for the film originated in an incident that Panahi and fellow filmmaker Abbas Kiarostami read about in the news: a thief, trapped by the security system inside a jewelry store, killed the store manager and then himself. Panahi explains, “I became obsessed with this story. I asked myself what could have pushed a human being to such an extreme. Abbas ended up writing a screenplay about this incident, with the intention of tracing the events leading up to it and discovering how and why such a horrifying thing could occur.”
Such incidents take place every day—and not only in Iran. But not many filmmakers concern themselves with these everyday tragedies, much less their social roots.(...)
The artist has to do this kind of work, to explain essential matters to the public, to illuminate the most troubling and complex questions. This, above all, contributes to revolutionary social change. Too few writers and directors are playing this role at present, for which the film world should be ashamed of itself.
At the public screening, Panahi pronounced himself an "independent and socialist moviemaker. I make films from the bottom of my heart. My conscience never lied to me." How many contemporary filmmakers can say the same?

En abril de 2001, Panahi fue detenido, esposado y encadenado a un banco durante diez horas por parte de funcionarios de inmigración de los EEUU en el aeropuerto Kennedy de Nueva York cuando el cineasta se negó a que le tomaran las huellas digitales y a ser fotografiado en razón de su ciudadanía iraní (como parte de la "guerra contra el terrorismo"). Este mes de agosto, en carta a Richard Pena, director de programación del Festival de Nueva York, Panahi explicaba que no iba a asistir a dicho Festival, donde se iba a proyectar su nuevo film Crimson Gold, a causa del "tratamiento humillante" a que son sometidos los iraníes en los EEUU.
Escribía el director: "Vivimos tiempos extraños. George Bush no es el único que sostiene la idea de que 'o se está con nosotros o en contra nuestra'. También en mi país, cualquiera que cruce aunque sea mínimamente alguna línea roja queda sujeto a la suspicacia de los censores, que lo catalogan ya sea como alienado, como alguien que se odia a sí mismo, un mercenario, un infiltrado, un agente enemigo, incluso un hereje. Aquí [en Irán], me interrogan porque soy un cineasta con conciencia social. En los EEUU, me toman las huellas digitales y me esposan literalmente para matar mi orgullo nacional, porque soy un director iraní. Este es el purgatorio al que yo y muchos otros como yo nos vemos arrojados."Este espíritu de oposición es lo que anima a Crimson Gold. La idea del film se originó en un episodio que Panahi y su colega Abbas Kiarostami leyeron en los diarios: un ladrón, atrapado por el sistema de seguridad dentro de una joyería, había matado al dueño del establecimiento, y luego se había suicidado. Explica Panahi: "No podía olvidarme de la historia, me obsesionaba. Me preguntaba qué podía haber empujado a un ser humano a un extremo tal. Abbas terminó escribiendo un guión sobre el incidente, con la intención de rastrear los acontecimientos que habían llevado a él y descubrir cómo y por qué podía darse algo tan espantoso."
Hechos así ocurren todos los días... y no sólo en Irán. Pero no hay muchos cineastas que aborden estas tragedias cotidianas, y muchos menos aún que indaguen en sus raíces sociales.(...)
Este tipo de trabajo es lo que caracteriza a un artista: explicar aspectos esenciales a un público, iluminar las cuestiones más perturbadoras y complejas. Es esto, más que nada, lo que contribuye a un cambio social revolucionario. Se echan en falta guionistas y directores que desempeñen este papel hoy en día: esto es algo de lo que en verdad el mundillo cinematográfico no puede sentirse orgulloso.
En la proyección pública, Panahi se definió como "un cineasta independiente y socialista. Mis films brotan del fondo de mi corazón. Mi conciencia nunca me engañó."
¿Cuántos directores contemporáneos pueden decir lo mismo?

David Walsh, World Socialist Web Site

Cine negro iraní con apuntes sociales y políticos; guión de Kiarostami. Si no recuerdo mal, ganó el premio de Mar del Plata, y estaba Kiarostami, que había venido a acompañar al pibe. Yo hasta ese momento nunca había visto cine iraní "urbano", y me deslumbró bastante. A Panahi, como vimos, andando el tiempo las referencias más o menos explícitas a cuestiones políticas le valieron una condena por parte del régimen islámico: ahora sigue confinado y con prohibición de dirigir. En cuanto a Kiarostami, las últimas dos películas las rodó fuera de Irán... Tal vez se autoexilió, habría que indagar.
Subtítulos castellanos anónimos bastante defectuosos revisados a fondo por un servidor confrontándolos con los ingleses, que también dejan que desear, sobre todo por errores tipográficos.

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Jafar Panahi en Arsenevich

Talaye sorkh (2003)
In film nist (2011)

Raoul Walsh - White Heat (1949)

2013-05-09T16:00:00.000-03:00

1,39 GB + 3% recuperación

Al rojo vivo

Tras asaltar un tren correo y asesinar a cuatro personas, Cody Jarrett (James Cagney) y su banda se ocultan durante un tiempo en una cabaña situada en las montañas. No obstante, y para evitar la cámara de gas, puesto que la policía anda tras su pista, Cody decide autoinculparse de un delito menor a modo de coartada y se entrega. Sabedores de que Jarrett fue quien realmente ideó el robo al tren, los agentes infiltrarán en prisión a uno de los suyos (Edmond O´Brien) para que se haga amigo del susodicho delincuente y le saque información.

White Heat es una de las indiscutibles obras maestras del gran Raoul Walsh, un impresionante e intenso ejercicio de cine negro que cuenta con la que probablemente sea la mejor interpretación de esa fiera de la pantalla que era James Cagney.

Su Cody Jarrett constituye uno de los caracteres más complejos que ha dado el cine clásico norteamericano; un tipo de incontrolable personalidad psicótica que sufre fuertes dolores de cabeza y que siente total y absoluta devoción por la figura de su madre. Su padre y hermano

murieron en un psiquiátrico, por lo que la sombra de la locura planea sobre él constantemente. Es por ello que su sobreprotectora progenitora lo mima y cuida hasta el último detalle.

La película, que posee una violencia inusitada para la época, está narrada con pulso vigoroso y enérgico por parte de Walsh, que vuelve a poner en práctica su habitual economía narrativa no dando lugar a ningún momento de respiro. (sinopsis y crítica tomada de esculpiendo en el tiempo)

White Heat is one of the top classic crime-heist dramas of the post-war period, and one of the last of Warner Bros' gritty crime films in its era. White Heat is an entertaining, fascinating and hypnotic portrait of a flamboyant, mother-dominated and fixated, epileptic and psychotic killer, who often spouts crude bits of humor. The dynamic film, with both film noir and documentary-style elements, is characterized by an increased level of violence and brutality along with classical Greek elements.

Raoul Walsh's crime drama goes further into the psychology of a gangster than most fear to tread, and James Cagney's portrayal of the tragic anti-hero is constantly volatile.

L'Enfer est à lui

Le gang de Cody Jarrett (James Cagney) vient de réussir un nouveau braquage : après avoir dévalisé un train postal, ils s’enfuient en emportant une importante somme d’argent et en laissant plusieurs morts derrière eux. De nature violente et totalement obsédé par sa mère, Cody souffre de fréquentes crises d’épilepsie, à tel point que sa femme et l’un de ses associés en viennent à imaginer sa succession. Afin de se créer un alibi, Cody plaide coupable pour un crime qu’il n’a pas commis. Comme on dit : « Souvent imité, jamais égalé »… White Heat est peut-être le film de gangsters ultime, le mètre étalon du genre.

DVD rip del grupo THC, compartida en TPB

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WhiteHeat.part8.rar

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Jacques Becker - Le Trou (1960)

2013-05-08T18:30:00.000-03:00

Francès/French I Subs: Castellano
113 min I Xvid 544x336 I 975 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 25 fps
999 MB + 3% de recuperaciòn/recovery

Gaspard Claude es un joven inocente acusado de intento de asesinato de su mujer. Enviado a una cárcel de París, es instalado en una celda junto a otros cuatro duros criminales, los cuales han decidido escapar de la prisión construyendo un laborioso túnel. A regañadientes, convencen al joven para que se una a su plan de fuga y participe en las labores de construcción del túnel. Aclamado ejercicio de precisión narrativa, apabullante en su perfecta simplicidad, es sin duda alguna la obra más redonda de Becker.

En julio de 1959 Becker empezó a rodar Le trou, narración de una dramática evasión. Para guardar una total autenticidad Becker no empleó ningún actor profesional. Como en una breve secuencia de La Grande Illusion (en la que había sido ayudante de Renoir), el centro de la acción es un subterráneo hecho por los evadidos... El rodaje duró más de dos meses. El montaje, más todavía. La salud de Becker no era buena. Sus colaboradores notaron que estaba agotado, con frecuentes síncopes. A pesar de todo no cesó en su esfuerzo. Quería terminar un film con el que se sentía a gusto más que con ningún otro desde hacía mucho tiempo. Se vio obligado a guardar cama. Se levantó para terminar las mezclas de la banda sonora. La última vez que fue al laboratorio estuvo sin sentido casi una hora... Se le llevó a una clínica. Todo esto no importaba nada, pues su film estaba terminado. Murió poco tiempo después, de un cáncer...Becker no hizo siempre lo que hubiera querido. Quizás hubiera debido emplear más su talento durante los quince o veinte años que fue realizador. Pero, ¿qué gran cineasta no sufre dificultades semejantes? Becker es un «Grande» del cine. Deja una obra importante. Ha dado, como Renoir, un cuadro de sus compatriotas, de su tiempo, de su ciudad, con una justeza de tono en la que la fidelidad estaba unida a una poesía natural. Su estilo personalísimo estuvo dominado por la honestidad, la minuciosidad, el escrúpulo, la convicción y el amor al cine.Le trou es una película lograda, acaso la obra maestra de Becker. Por la seguridad de su dirección, por la verdad de sus caracteres, por el poder dramático de la banda sonora, por la conmovedora autenticidad dada a los útiles, al cemento, a los muros atravesados. Y sobre todo, por su humanismo. La objetividad de Becker no pretende rehabilitar los crímenes de derecho común o incluso acusar ciertos métodos penitenciarios, sino que reivindica -como Charles Chaplin- la dignidad del hombre. Por culpable que nuestro prójimo pueda ser, siempre guarda en sí algunas buenas cualidades. Nadie debería tener en ningún caso derecho de hurgar en su comida, en su intimidad, en su sueño, en su necesidad de soledad... ¡Cuánto hay que lamentar que un film semejante haya sido el testamento de un gran hombre de cine, en lugar de ser el principio de una época nueva en su obra! (George Sadoul)

1947. A young man, Gaspard Claude, is convicted for the attempted murder of his wife, although he is innocent of the crime. He is sent to the notorious Santé Prison in Paris and is placed in a cell with four hardened criminals. The latter have decided to escape from the prison by digging their way out of their cell. Le Trou, Jacques Becker’s last film, is undoubtedly the director's best work and was hailed at the time (particularly by the New Wave directors such as François Truffaut) as a masterpiece. Today, it remains a compelling film, superbly directed and photographed with a remarkable attention to detail.

"Vi La evasión, una mañana en el Marignan. En el palco estaba Jean Becker y el director de la sala. En el anfiteatro, mi mujer y yo. Solos, los dos, en esa inmensa sala. Jean sabía que era un amigo de su padre. Cuando volví a mi casa, después de haber visto esa obra maestra, estaba tan turbado que me acosté." Jean-Pierre Melville

«Nunca he deseado tratar 'expresamente' un asunto. En ningún momento y en ninguno de mis films. La historia (la anécdota, la peripecia) me interesa un poco, pero no me apasiona. Solamente los personajes (...) me obsesionan, hasta el punto de pensar en ellos sin cesar. Me apasionan de la misma manera que me apasionan las gentes con las que me cruzo al pasar por la calle y de las que querría saberlo todo. Me ha ocurrido a veces que se me ha sorprendido mirando a los desconocidos (hombres o mujeres) con una atención que les molestaba...» Jacques Becker

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Jacques Becker en Arsenevich

Goupi Mains Rouges (1943)

Antoine et Antoinette (1947)

Rendez-vous de juillet (1949)

Édouard et Caroline (1951)

Touchez pas au grisbi (1954)

Les amants de Montparnasse (1958)

Le Trou (1960)

Budd Boetticher - Decision at Sundown (1957)

2013-05-07T18:14:00.000-03:00

Inglés/English I Subs: Castellano

78 min I Xvid 720 x 400 I 1067 kb/s I 192 kb/s cbr AC3 I 23.97 fps
701 MB + 3% recuperación/recovery

Un tejano, ex-combatiente en la guerra de secesión, llega a Sundown junto a su fiel amigo con la intención de vengarse de un hombre. El pueblo está de celebración pues precisamente el hombre al que van a asesinar, el terrateniente más rico de la comarca, está a punto de casarse.La premisa es semejante a la de la mayoría de los westerns de Anthony Mann: un hombre (Randolph Scott) llega a un pueblo buscando vengarse de otro (John Carroll), a causa de cierto hecho innombrable cometido en el pasado. Pero pronto ese drama personal se desplaza hacia la responsabilidad colectiva que comparte el pueblo por aceptar la corrupción de sus jerarcas. Por su parte, la caracterización del antagonista crece hasta volverse tan interesante como la del protagonista y Scott comienza a comprender que sus motivos para vengarse son muy discutibles. Los westerns que dirigió Budd Boetticher con Randolph Scott se volvieron legendarios en la historia del género por su concentración dramática y su desmitificación de ciertos arquetipos, pero hace años que resulta imposible verlos porque la mayor parte de ellos fue producida por el propio Scott en forma independiente y hoy nadie parece saber dónde han ido a parar. Ni siquiera Martin Scorsese logró encontrar una buena copia de uno de ellos (The Tall T, estrenada aquí como Ganó perdiendo) cuando quiso incluirlo en su Personal Journey Through American Movies. (Malba)
La antítesis de lo que podríamos denominar el «director-estrella», Budd Boetticher manifestaba que «cuando estoy haciendo una película no quiero que el público se de cuenta que está viendo una película. Lo que quiero es que se sienta involucrado en la historia». Es quizá desde esta perspectiva, desde esta búsqueda de una lógica narrativa —tanto en el trabajo de puesta en escena como en el comportamiento de los personajes— que se pueda interpretar el paulatino desinterés que ha merecido la obra de Boetticher frente a otros directores coetáneos adscritos al western que sí se procuraron unas señas de identidad a través del uso de la cámara, como el caso de Delmer Daves o Anthony Mann. Precisamente, Budd Boetticher había emprendido un periplo por diversas productoras similar al de este último, antes de acceder a un cine de mayor implicación personal a lo largo de los años cincuenta. Bajo su nombre verdadero, Oscar Boetticher, Jr. filmó diversos títulos para la Columbia, la Republic, la Monogram y la Eagle Lion, una modesta productora que propiciaría —al igual que en el caso de Anthony Mann— su primer contacto con el cine negro en Sentenciado a muerte y Behind Locked Doors, que años más tarde retomaría con la confección de La ley del hampa y Un asesino anda suelto. A pesar del cierto grado de libertad que gozaba en la productora de Edward Small, Budd Boetticher entendía como una experiencia más gratificante el rodaje de The Bullfighter and the Lady, ya que pudo filtrar aspectos autobiográficos al guión servido por James Edward Grant, el hombre de confianza del productor e intérprete principal John Wayne. A raíz de un consejo recibido por John Ford —en su posición de «patriarca» del western—, Budd Boetticher accedió a eliminar una tercera parte del metraje de The Bullfighter and the Lady, un hecho que contribuyó a desequilibrar una historia con numerosas referencias al pasado como torero de su realizador. Pero Boetticher empezaría a mostrar su talante independiente, de outsider a partir de la firma de un contrato con la Universal que, en principio, estipulaba la duración de los siete años establecidos por las majors, pero que finalmente se redujeron a dos años. Boetticher parecía presagiar lo contraproducente que resultaría un contrato de larga duración, sobre todo para alguien que trataba como propias las historias que trasladaba a la gran pantalla. Sin embargo, su breve estancia en la Universal se convertiría en su periodo más prolífico —nueve títulos, de los cuales seis pertenecen al western (The Cimarron Kid, Bronco Buster, Horizontes del Oeste, Traición en Fort King, El desertor de El Álamo y Wings of the Hawk, rodado en 3-D)— y en los que se advertía una tendencia a enfrentar elementos del pasado con el presente, y a estructurar la historia de forma cíclica. Temas que quedarían dispersos, sin solución de continuidad en el resto de la producción para la Universal de Boetticher, consagrada a magnificar las escenas del fondo marino o los paisajes tropicales que se dan cita en City Beneath the Sea y East of Sumatra —ambas protagonizadas por Anthony Quinn y Suzane Ball— o contribuir al cine bélico en Red Ball Express, pero con un tratamiento antiracista que ligaba con el planteamiento narrativo de Traición en Fort King, acaso uno de los primeros films que procuraron una imagen distinta del indio de la que se había reflejado hasta entonces en el cine. Tras pasar una temporada en Brasil con la intención de localizar los escenarios naturales para The Americano —cuyo proyecto pasaría a manos de William Castle, al igual que aconteciera con ¡Quiero vivir! (1958), un drama basado en una historia real que posteriormente retomaría Robert Wise—, su regreso a los Estados Unidos le llevaría a rodar Santos, el magnífico y El asesino anda suelto, films que recrean espacios totalmente distintos —el mundo de los toros, y un claustrofóbico thriller ambientado en una oficina bancaria y un barrio residencial de Los Ángeles, respectivamente— pero que denotan un mismo cuidado en el tratamiento visual merced al auxilio del cámara Lucien Ballard. Sin duda, El asesino anda suelto no fue una aportación especialmente brillante al género, sobre todo merced a la adecuación de un clímax final que producía el efecto contrario al deseado, pero sí permitía anticipar un trazo argumental fundamental en la posterior obra de Boetticher: la venganza de un hombre que ha visto morir a su esposa. Con este pretexto argumental, Burt Kennedy y Charles Lang construyeron la mayoría de los guiones para la serie bautizada como el ciclo Ranown en honor a la primera síbala del nombre del protagonista principal Randolph Scott y las últimas tres letras del apellido del productor Harry Joe Brown. Scott había conocido a Boetticher cuando éste oficiaba de ayudante de dirección en Los desesperados (1944) de Charles Vidor, y entendía que su paso por diversas series televisivas le posibilitaba cumplimentar los films del ciclo Ranown en menos de tres semanas. Muchos podían entender que esta serie de siete producciones se ajustaban a las características de la serie B pero Boetticher se apresuraba a desmentir semejante calificativo: «En mi vida sólo he hecho una película de serie B. He filmado algunas de serie C, otras de serie D, E y F, y he hecho incluso de serie Z. Algunas han resultado ser muy buenas de serie A, pero nunca me he propuesto de forma sistemática el rodar una película de serie A». Columbia se encargaría de la distribución de esta relación de westerns, a excepción de Westbound, presumiblemente el menos distinguido de los Ranown debido a un guión que nunca aprobó Boetticher y que le había sido impuesto por la Warner para satisfacer una deuda contractual pendiente con un ya veterano Randolph Scott, ya en el ocaso de su prolífica carrera. Así pues, la presencia de Scott contribuyó a que films como Decision at Sundown, The Tall T o Buchanan Rides Alone adoptaran una tonalidad crepuscular. Agotado el ciclo Ranown que se convetiría en una especie de plataforma para varios actores noveles, Boetticher pudo acometer el rodaje, de forma simultáneo de Arruza y La ley del hampa, que se podrían considerar como los trabajos de mayor implicación personal de su realizador. Boetticher y su operador predilecto Lucien Ballard concibieron este film referido a la personalidad del gángster Frank Legs Diamond (Ray Danton) con la intención de mimetizar el look de las producciones de la serie negra de los años veinte. Este efecto «retro» que reproducía La ley del hampa contribuyó a valorar la figura de Budd Boetticher, no así sus siguientes películas que nacieron por cuestiones tan peregrinas como la tentativa de suicidio por parte del productor y actor Audie Murphy —al borde de la quiebra técnica de su empresa— si el realizador de Chicago no aceptaba rodar Time for Dying. La tragedía final a la que eran conducidos los personajes principales de La ley del hampa, Arruza y Time for Dying anticipaba la «muerte» cinematográfica de Budd Boetticher, quien se dedicaría a la elaboración de su libro de memorias When in Disgracee y a seguir disfrutando de la fiesta taurina, una de las grandes pasiones que han conformado una vida rica en anécdotas y en contrastes, que influiría en el vitalismo que transpira buena parte de su filmografía. (Texto tomado de aquì)

Between 1949 and 1960, Randolph Scott and Harry Joe Brown produced 14 Westerns, known collectively as the Ranown group or cycle. In each of these medium-budgeted films, Scott played typical Western heroes. However, as these films progressed, they began to play with the notion of the Western hero; questioning his motives, psychological states, and relationships with women. No longer was Scott the strong silent type; his characters were becoming mentally unstable and unhinged by the random violence of the Old West. Paralleling the development of the Ranown films was the idiosyncratic and inconsistent career of film director Oscar “Budd” Boetticher. In his films, Boetticher too questioned the psychological states of his heroes, toying with his central characters and their abilities to bring about a satisfactory conclusion. When Scott/Brown and Boetticher came together to produce the last five of the Ranown Westerns, their mutual visions were ideally suited to each other.
Decision at Sundown is the second film in this collaboration. It tells the story of Bart Allison (Scott), a Texan who has come to the town of Sundown seeking vengeance for the death of his wife. Aided by his friend Sam (Noah Berry Jr.), Bart intends to kill Tate Kimbrough (John Carroll) for his involvement in Bart’s wife’s death. However, this day is also Kimbrough’s wedding day. At the ceremony, Bart disrupts the proceeding to announce his intentions to kill Kimbrough by the end of the day. Having caused a huge uproar, Bart and Sam flee the church in a hail of gunfire and barricade themselves in the livery stable, thereby thwarting any possible completion of their plan. Although they are trapped within the confines of the livery stable, there is no impediment on the action. Bart’s presence in Sundown serves as a catalyst for the breakdown of the established social order. (Senses of Cinema)

"Doc, si hubiera atendido un bar tanto tiempo como yo, no esperarìa tanto de la raza humana." Otis

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-o-

Budd Boetticher en ArsenevichDecision at Sundown

The Rise and Fall of Legs Diamond
The Tall T

Olivier Smolders - Exercices spirituels (2005)

2013-05-06T17:26:00.000-03:00

Francés | Subs: Castellano/English
13 cortos | XviD distintas resoluciones | bitrate promedio de aprox. 1800 kb/s

192 kb/s AC3 | 29.97fps
2,71 GB + 3% recuperaciòn/recovery

Ejercicios Espirituales

"Según la disposición de las personas que quieren tomar exercicios spirituales, es a saber, según que tienen edad, letras o ingenio, se han de aplicar los tales exercicios; porque no se den a quien es rudo, o de poca complisión, cosas que no pueda descansadamente llevar y aprovecharse con ellas. Assimismo, según que se quisieren disponer, se debe de dar a cada uno, porque más se pueda ayudar y aprovechar". (San Ignacio de Loyola, "Ejercicios Espirituales" 1548)

"Desde sus primeros trabajos oscuros e inquietantes hasta el sentimentalismo áspero de Mort à Vignole, pasando por la mirada trágica y deslumbrada de la conmovedora Seuls, o la carnicería de Adoration, el cine de Smolders nos habla desde un rincón disidente, periférico y amoral, un mundo maravillosamente peligroso donde él nunca se deleita, nunca se arrepiente y en donde nos invita, a veces con malos modos, a hundirnos en el pantano con él ... " (del folleto del DVD)

LISTA DE CORTOS:

01.Adoration / Adoración (1987 - 15m50s - B&W)

Basado en la historia real de Sagawa, un estudiante japonés que asesinó, descuartizó y se comió a una joven holandesa en París. Poemas de Gérard de Nerval y Sthéphane Mallarmé.

Resolución : 720x464 - Bitrate : 1919 kb/s

02.Mort à Vignole / Muerte en Vignole (1998 - 22m39s - B&W)

Durante su estadía en una isla de Venecia, un director se cuestiona acerca de la forma en que las cuestiones personales y biográficas influyen en las historias sobre el amor y la muerte.

Resolución : 512x384 - bitrate : 1867 kb/s

03.Point de fuite / Punto de fuga (1988 - 9m56s - Color)

Un film pedagógico surrealista.

Resolución : 720x464 - bitrate : 1909 kb/s

04.L'amateur / El amateur (1997 - 26m01s - B&W)

La historia de un hombre que olfatea la desnudez femenina.

Resolución : 720x448 - bitrate : 1863 kb/s kbps

05.La philosophie dans le boudoir / La filosofía en el tocador (1991 - 12m52s - B&W)

Primera parte de un díptico basado en "La filosofía en el tocador" del Marqués de Sade.

Resolución : 720x480 - bitrate : 1886 kb/s

06.Ravissements / Éxtasis (1991 - 6m24s - B&W)

Segunda parte del díptico de "La filosofía en el tocador", basada en textos de Teresa de Ávila, la carismática y controvertida asceta que tuvo visiones místicas.

Resolución : 720x496 - bitrate : 1938 kb/s

07.Pensées et visions d’une tête coupée / Pensamientos y visiones de una cabeza cortada (1992 - 24m41s - Color)

Retrato de un pintor imaginario basado en la vida y la obra de A. Wiertz.

Resolución : 704x528 - bitrate : 1895 kb/s

08.Neuvaine / Novena (1984 - 28m44s - B&W)

Un escritor se retira a su viejo colegio para encontrar su imaginación perdida.

Resolución : 720x560 - bitrate : 1916 kb/s

09.L'art d'aimer / El arte de amar (1985 - 13m06s - Color)

A través de los retratos de varias mujeres que marcaron su vida, un hombre cuenta cómo terminó matando a su madre.

Resolución : 720x544 - bitrate : 1900 kb/s

10.Seuls / Solos (1989 - 12m33s - B&W)

Retratos de chicos en una institución psiquiátrica.

Resolución : 720x480 - bitrate : 1915 kb/s

11.Nuite Noire (trailer) (3m05s - Color)

Trailer de la película.

Resolución 720x432 - bitrate : 1838 kb/s

12.Exercices spirituels / Ejercicios espirituales (para Court-Circuit) (2005 - 5m52s - B&W)

Smolders reflexiona acerca del arte del cine.

Resolución : 656x512 - bitrate : 1944 kb/s

13.Images amoureuses, images de mort / Imágenes amorosas, imágenes de muerte (para Court-Circuit) ( 2003 - 2m27s – Color)

La fascinación de Smolders por retratos de hombres y mujeres desconocidos.

Resolución : 720x560 – bitrate : 1797 kb/s

Spiritual Exercices

13 shorts by Belgian director Oliver Smolders

"The exercises have to be adapted to the dispositions of the person who wishes to practice them, that is to his age, education and ability, in order not to give to one who is uneducated, weak or in poor health, things he cannot easily bear or profit by. Similarly, they should only be given to each person according to his availability."
Ignatius of Loyola, Spiritual Exercises, 1548

From his first dark and disturbing efforts to the rough sentimentalism of Mort à Vignole, via the tragic and dazzled gaze of the poignant Seuls or the gory excess of Adoration, Smolders’ cinema speaks to us from a dissident, outlying and amoral setting, a wonderfully dangerous world where he never revels in things, where he never repents and where he invites us, roughly at times, to sink into the mire with him…(from the DVD booklet)

List of shorts

01.Adoration / Adoración (1987 - 15m50s - B&W)

Based on the real life story of Sagawa, a japanese student who killed, dismembered and ate a young dutch girl in Paris.

Resolución : 720x464 - Bitrate : 1919 kb/s

frames:28,481

Qf : 0.192

02.Mort à Vignole / Death in Vignole (1998 - 22m39s - B&W)

While staying on an island off Venice, a film maker questions the way in which personal and biographical issues play a role in stories about love and death.

Resolución : 512x384 - bitrate : 1867 kb/s

frames:40,729

Qf : 0.317

03.Point de fuite / Vanishing point (1988 - 9m56s - Color)

A surrealistic educational film

Resolución : 720x464 - bitrate : 1909 kb/s

frames:17,881

Qf : 0.191

04.L'amateur / The Amateur (1997 - 26m01s - B&W)

The story of a man who smells of women’s nudity

Resolución : 720x448 - bitrate : 1863 kb/s kbps

frames:46,812

Qf : 0.193

05.La philosophie dans le boudoir / Philosophy in the Bedroom (1991 - 12m52s - B&W)

First part of a dyptich based on the Marquis de Sade’s de Sade’s notorious Philosophy in the Bedroom.

Resolución : 720x480 - bitrate : 1886 kb/s

frames:23,153

Qf : 0.182

06.Ravissements / Rapture (1991 - 6m24s - B&W)

This is the second part of the “Philosophy in the bedroom“ dyptich. Based on the life of Teresa of Avila, a charismatic and controversial ascetic who had mystical visions.

Resolución : 720x496 - bitrate : 1938 kb/s

frames:11,526

Qf : 0.181

07.Pensées et visions d’une tête coupée / Thoughts and visions of a severed head (1992 - 24m41s - Color)

Portrait of an imaginary painter based on the life and the work of A. Wiertz

Resolución : 704x528 - bitrate : 1895 kb/s

frames:44,413

Qf : 0.170

08.Neuvaine / Novena (1984 - 28m44s - B&W)

A writer withdraws himself in his old school in order to find his lost imagination.

Resolución : 720x560 - bitrate : 1916 kb/s

frames:51,687

Qf : 0.159

09.L'art d'aimer / El arte de amar (1985 - 13m06s - Color)

Through the portrait of the various women who marked his life, a man tells how he ended to kill his mother.

Resolución : 720x544 - bitrate : 1900 kb/s

frames:23,585

Qf : 0.162

10.Seuls / Alone (1989 - 12m33s - B&W)

portraits of children in a psychiatric institution (has no spoken dialogs)

Resolución : 720x480 - bitrate : 1915 kb/s

frames:22,583

Qf : 0.185

11.Nuite Noire (trailer) (3m05s - Color)

Trailer for the movie (has no spoken dialogs)

Resolución 720x432 - bitrate : 1838 kb/s

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Qf : 0.197

12.Exercices spirituels / Spiritual Exercises (para Court-Circuit) (2005 - 5m52s - B&W)

Smolders reflects on the art of cinema.

Resolución : 656x512 - bitrate : 1944 kb/s

frames:10,555

Qf : 0.193

13.Images amoureuses, images de mort / Romantic images, images of death (para Court-Circuit) ( 2003 - 2m27s – Color)

The fascination of Smolders difficulty for portraits of unknown men and women

Resolución : 720x560 – bitrate : 1797 kb/s

frames:4,407

Qf : 0.149

DVD rip, subtítulos en castellano y capturas de intranauta (veinticuatrofps.com)

Bajada de una publicación de nuestro amigo jotarapidup hace algunos años.

Los que tengan Speedy Premium también pueden

bajar los cortos de manera individual desde el blog de Hawkmen

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Howard Hawks - To Have and Have Not (1944)

2013-05-05T21:21:00.000-03:00

Inglès/English I Subs:Castellano + subpack
95 min I X264 MKV 704x512 I 1832 kb/s I 192 kb/s AC3 I 25 fps
1,36 GB

Segunda Guerra Mundial. Harry Morgan y su compañero Eddie son dos marineros que están en la isla de Martinica, esperando inútilmente que algún barco los contrate. Al final, se verán obligados a trabajar para la Resistencia.

Obra maestra en la que intervino gran parte del talento de la Warner de la época: Howard Hawks en la dirección, Franz Waxman compuso la banda sonora, Sid Hickox en la fotografía y el dúo Faulkner-Furthman adaptando a Hemingway. Pero no sólo estos genios se consagraron: una jovencísima y sensual Lauren Bacall le dijo a Bogart: "Si me necesitas, silba"... y le enamoró. De paso, también a millones de espectadores que, al igual que sus protagonistas, vivían en plena II Guerra Mundial. Resumiendo: un clásico imprescindible del cine negro para ver en sesión continua con "El sueño eterno".

Humphrey Bogart plays Harry Morgan, owner-operator of charter boat in wartime Martinique. Morgan's right-hand man is Eddie (Walter Brennan), a garrulous alky whose pet question to anyone and everyone is "Ever get stung by a dead bee?" While in port, Harry is approached by Free French activist Gerard (Marcel Dalio), who wants to charter Harry's boat to smuggle in an important underground leader. Adopting his usual I-stick-my-neck-out-for-no-one stance, Morgan refuses. Later on, he starts up a dalliance with Marie Browning (screen newcomer Lauren Bacall), an attractive pickpocket. In order to help Marie return to America, Harry agrees to Gerard's smuggling terms. He uses his boat to bring resistance fighter De Bursac (Walter Molnar) and De Bursac's wife Helene (Dolores Moran) into Martinique. The Vichy police, suspecting that something's amiss, hold Morgan's pal Eddie hostage, tormenting the poor rummy by denying him liquor. Predictably, Morgan comes to Eddie's rescue and manages to escape Martinique, with the delectable Marie as cozy company.

Nuevos links de descargas, gracias a chicharro

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(Ripeo propio en formato exclusivo para Arsenevich)

Howard Hawks - The Road to Glory (1936)

2013-05-04T21:11:00.000-03:00

Inglès/English I Subs:Castellano

98 min I Xvid 544x400 I 1486 kb/s I 123 kb/s vbr mp3 I 25 fps
1,10 GB

La historia de la vida en las tincheras de un regimiento frances durante la Primera Guerra Mundial. El Teniente Denet (Fredric March) y el Capitan La Roche (Warner Baxter) no solo deberan sobrevivir a una mision suicida si no luchar por el amor de la bella Monique (June Lang)...

Si Hawks encarna el cine americano clásico en su mejor faceta, si ha dado a cada género sus letras de nobleza realizando por turno el mejor filme de gangsters (Scarface), el mejor filme de aviación (Sólo los ángeles tienen alas), el mejor filme de guerra (Air Force), el mejor western (Río rojo), finalmente las mejores comedias (La fiera de mi niña, Bola de fuego, Me siento rejuvenecer), es que él ha sabido siempre, en cada uno de los casos, elegir aquello que el género tiene de esencial y de grande, y confundir sus temas personales con aquellos que la tradición americana había profundizado y enriquecido lentamente. Bajo esta primera diversidad, la obra de Hawks es profundamente homogénea: él va directamente a lo excepcional, y fascinado por las figuras de gran formato, en un género donde cualquier otro director se atasca siempre en una crónica sentimental o la prédica bíblica, toma partido por trazar, a grandes rasgos el retrato de un dios-tirano y la génesis de la empresa más fabulosa que haya jamás intentado el genio del hombre. (...)

Ningún otro genio, aunque más prendado por la continuidad, sabría de manera más apasionada dedicar mayor atención a las consecuencias de los actos, a las relaciones que los unen; sus influencias, sus repulsiones, sus atracciones suscitan un universo continuo y coherente, universo newtoniano en el que se imponen la ley de la gravitación universal y el sentimiento profundo de la gravedad de la existencia. Los gestos del hombre están contados y medidos por un maestro al que preocupan sus responsabilidades.
El tiempo de estos filmes es el tiempo de la inteligencia, pero de una inteligencia artesanal, directamente aplicada al mundo sensible, y que busca la eficacia siguiendo la óptica precisa de un oficio o de una forma determinada de la actividad humana en conexión con el universo, inquieta de conquistas. Marlowe ejerce un oficio, como el sabio y el aviador. Y cuando Bogart elogia su lancha, no mira en absoluto al mar, menos preocupado por la belleza de las olas que por sus pasajeros; todo río está hecho para ser atravesado, todo rebaño para prosperar y ser vendido al precio más alto. A pesar de ser seductoras, a pesar de ser amadas, las mujeres deben ayudar a la empresa. No podemos evocar Tener y no tener sin volver a ver inmediatamente la lucha contra el pez con que empieza la película. La conquista del universo no se lleva a cabo sin conflictos, y tal es el medio natural de los protagonistas de Hawks: combates cuerpo a cuerpo, luchas apasionadas, ¿qué abrazo más estrecho con otro ser se puede desear?
De esta manera se aman sus personajes, incluso en una perpetua oposición, en un duelo encarnizado en el que el incesante peligro les embriaga con la evidencia de su sangre (El sueño eterno, Río Rojo). De la lucha nace la estima: la admirable palabra en la que se hallan contenidas a la vez el conocimiento, la apreciación y la simpatía; el adversario se convierte en compañero. Pero qué decepción si hay que combatir con un enemigo que la rehúsa. Marlowe, atrapado por una repentina severidad, precipita los acontecimientos y se obliga a terminar de una vez con la situación.La madurez asedia a estos hombres reflexivos, héroes de un universo adulto, con frecuencia exclusivamente viril, en el que lo trágico es el relato de las relaciones interiores. Pero igual ocurre con lo cómico, con la intrusión y la confrontación de elementos extraños, o la sustitución de mecanismos al libre arbitrio, cuando se oponen a la decisión voluntaria mediante la que el hombre se expresa y se afirma en su acto como si fuera una creación.
No quisiera que pareciera que elogio aquí a un genio extraño a su tiempo, pero la evidencia de sus lazos con nuestro siglo me exime de todo retraso y me gustaría más hacer entrever cómo, aunque se dedica a veces a la pintura de lo irrisorio o del absurdo. Hawks se interesa en primer lugar por dar un sentido y hacer vivir a estos fantasmas, así como dotarlos de una insólita grandeza, de cierta nobleza que durante mucho tiempo se mantuvo secreta: cómo da a la sensibilidad moderna una conciencia clásica. Río Rojo,Sólo los ángeles tienen alas no se reclaman de otro parentesco que no sea el de Corneille. La ambigüedad, la complejidad, son los privilegios de los más nobles sentimientos, que algunos creen todavía monótonos, mientras que se agotan rápidamente los instintos, las barbaries, los móviles de las almas bajas: y he aquí la verdadera razón de que las novelas modernas sean aburridas.
Cómo podría, en fin, prohibirme a mí mismo evocar esas admirables introducciones en las que el protagonista se instala en su duración temporal con fluida plenitud. Ningún elemento preliminar, ningún artificio de exposición; una puerta se abre, ahí está ante nosotros desde el primer plano, la conversación se inicia y nos familiariza apaciblemente con su ritmo personal; desde ese instante en que le hemos sorprendido, cómo podríamos abandonarle, compañeros de viaje, a todo lo largo de su desarrollo, tan seguro y tan regular como el de la película en el proyector. Tiempo de una marcha tan ágil y constante como la de los montañeros que parten con el mismo paso mesurado que conservarán en los senderos más duros, al término de las más largas etapas. De esta manera nos sentimos seguros, desde las primeras pulsaciones, de que éstos no abandonarán tampoco, sino que mantendrán hasta el exceso sus promesas. No pertenecen a la raza de los cobardes ni de los indecisos. Nada, en efecto, puede oponerse a la admirable obstinación, a la testarudez de los personajes de Hawks. Una vez en camino,irán hasta el final de sí mismos y de lo que se han prometido a sí mismos,qué importan las consecuencias, impulsados por una forma extrema de la lógica, hay que acabar lo que se ha emprendido, qué les importa que hayan sido a menudo arrastrados en un primer momento contra sus deseos:persiguiendo, dando el últimos toque a su labor, darán pruebas de su libertad y del honor de ser hombre. La lógica no es para ellos de ninguna manera una determinada y fría facultad intelectual, sino la coherencia del cuerpo, el acuerdo y la continuidad de sus actos, la fidelidad a sí mismos. El poder de la voluntad asegura la unidad del espíritu y del hombre, trabados ambos en lo que les justifica y les da su sentido más alto.
Si es verdad que la fascinación nace de los extremos y de todo aquello a lo que se atreve el exceso, cuando la desmesura se denomina también grandeza -suponemos que aquélla no desdeña en absoluto dichas fuerza en marcha, que unen a la precisión intelectual de las potencias abstractas los prestigios elementales de los grandes impulsos terrestres, a las ecuaciones las tormentas, y sin dejar nunca de ser afirmaciones vivientes-,toda película de Hawks no ofrece a la belleza otra cosa que esta afirmación tranquila y segura, sin remedio ni remordimiento. Demuestra el movimiento andando, la existencia respirando. Lo que es, es. (Jacques Rivette)

In 1916, somewhere in the front in France in World War I, the 5th Company in the 2nd Battalion of the 39th Regiment created by Napoleon Bonaparte and leaded by the tough Captain Paul La Roche receives among the replacements, Lieutenant Michel Denet and private Moran. When Lt. Denet meets the nurse Monique La Coste, who is Capt. La Roche's mistress but he doe not know, they fall in love for each other. When Capt. La Roche sees the old Pvt. Moran in his inspection, he identifies his father using a fake identity. Meanwhile, the 39th Regiment receives order to go to the trenches, attack the German lines and install a telephone in the front to guide the artillery."En cada trama hay como treinta tramas. Todas ellas ya han sido hechas por gente muy buena. Si eres capaz de pensar en una manera nueva de contar esa trama , eres bastante bueno. Pero si dejas que lo hagan los personajes, entonces puedes olvidarte de la trama. Sencillamente dejas que los personajes se muevan. Dèjales que ellos cuenten la historia por ti, y no te preocupes por la trama. Yo no lo hago. " Howard Hawks

Nuevos enlaces, gracias a cicharro

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Apichatpong Weerasethakul - Sud sanaeha (2002)

2013-05-03T18:43:00.001-03:00

Blissfully Yours

Tailandés | Subs: Castellano/English/Français/Português (srt)

127m | XviD 640x384 (16:9) | 1682 kb/s | 151 kb/s mp3 | 25.0 fps
1.51 Gb + 3% rec.

http://www.imdb.com/title/tt0317171/

The story of a love affair that begins during a picnic on the Thai-Burmese border.
Historia de amor que tiene lugar durante un picnic en la frontera entre Tailandia y Birmania.

There are other contenders (...) but the 34-year-old Weerasethakul, Thailand's leading (Thailand's only?) experimental filmmaker, a graduate of the Chicago Art Institute with a production company called Kick the Machine, and a two-time prizewinner at Cannes, is the reigning faux primitive on the international festival circuit. His ultra-durational strategy deploys long takes, blunt editing, and awkwardly apparent non-actors, in the service of minimal narrative situations that seem neither staged nor "found." Bad filmmaking or an artfully artless breakthrough into something else?
Scarcely dour, Weerasethakul's movies are suffused with an odd sense of cine-euphoria and promote a particular comic bafflement.(...)
A deadpan, self-consciously prehistoric version of Jean Renoir's rueful idyll A Day in the Country, Blissfully Yours is unconscionably happy.
Hay otros competidores (...) pero Weerasethakul, 34 años, el principal director experimental tailandés (¿sólo tailandés?), graduado del Chicago Art Institute con una productora llamada Kick the Machine, dos veces galardonado en Cannes, es el más eminente faux primitif del circuito internacional de festivales. Su estrategia de ultra-duración incluye tomas largas, un montaje desmañado, y torpemente aparentes no-actores, al servicio de mínimas situaciones narrativas que no parecen ni escenificadas, ni "halladas". ¿Mal cine, o una hábil torpeza para abrirse paso hacia otra cosa?
Apenas adustas, las películas de Weerasethakul están permeadas por un extraño sentido de cine-euforia y promueven un desconcierto particularmente cómico. (...)
Impertérrita, autoconsciente versión prehistórica del atribulado idilio de Jean Renoir Partie de campagne, Blissfully Yours es de una desorbitada felicidad.

J. Hoberman, The Village Voice

Blissfully yours es una meditación sobre lo cotidiano y lo banal, sobre la lentitud, los conflictos bajo la superficie de las relaciones habituales, sobre la enfermedad, la muerte y el ser humano como parte de una naturaleza abrumadora. Insuficiencias técnicas en imagen y sonido han de ser atribuidas a un presupuesto limitado, y su efecto, así como el del modesto talento de los intérpretes no profesionales, no resulta esencial. Para espectadores que no se arredran ante un film de más de dos horas, alejado de la narración cinematográfica habitual, con una puesta en escena menos que somera, ver el film de Weerasethakul se convierte en una obligación.

Werner Busch, Schnitt

De haberla visto en el Bafici correspondiente, entre bombos y platillos del establishment festivalero, sólo recuerdo una fría perplejidad casi desdeñosa. Ahora, años más tarde, tras haberme internado poco a poco en la estética Apichatpongiana, no puedo menos que revalorarla. Aparecida en alguna playa de la Bahía: gracias al filopirántropo que la compartió. Versión portuguesa de ddonato. Subtítulos castellanos retocados con aplicación lo más neutra posible por un servidor.

190Mb x 9 + 11Mb

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Castellano

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Apichatpong Weerasethakul en Arsenevich

Dokfa nai meuman (2000)
Sud sanaeha (2002)

Anthony Mann - The Tin Star (1957)

2013-05-02T19:56:00.000-03:00

Inglès/English | Subs:Castellano

93 min | XviD 704x400 | 1888 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps

1,15 GB + 3% de recuperación rar

Un cazador de recompensas llega a un pueblo lleno de tensiones donde no es bien recibido. Allí conoce y ayuda al joven e indeciso sheriff a resolver algunos problemas.
La Paramount Pictures a finales de la década de los cincuenta del siglo pasado luchaba por arrebatar audiencia al creciente influjo de la televisión y como las demás compañías productoras de Hollywood se decantó por la espectacularidad del formato VistaVisión que permitía rodajes con unas características formales muy atractivas.Los productores William Perlberg y George Seaton tenían un guión escrito por el gran Dudley Nichols y una vez leído y releído con calma entendieron que sería conveniente la contratación del director "libre" Anthony Mann que había demostrado una enorme versatilidad al dirigir una serie de películas del oeste basadas en historias nada típicas ni tópicas, la mayoría protagonizadas por James Stewart.Quizá porque estaba más libre o quizá porque Mann intuyó con buen ojo que sería más apropiado, el caso es que decidieron contratar a Henry Fonda para protagonizar un western que titularían The Tin Star (1957) cuyo título resultó desastrosamente adaptado y traicionado más que traducido como Cazador de forajidos, lo que explica que haya resultado poco atractivo a simple vistazo para muchos.Tratar de reducir a una sinopsis el excelente guión pergeñado por Dudley Nichols vendría a ser emular la puñalada trasera asestada por ese lamentable título castellano minorativo de la complejidad de un personaje mucho más rico de significados que los que habitualmente pueblan las tramas del lejano oeste, ese tiempo inventado en el que las pistolas casi suplían las carencias de una administración de justicia.El título original hace referencia a la insignia que adorna el pecho de esos representantes de la ley que hemos visto en cientos de westerns remarcando su debilidad y escaso valor material: una estrella de latón es un objeto liviano que, bruñida, acaso servirá para que un malhechor tome puntería sobre el corazón que late debajo de ella, quizá más asustado de lo que debería. (...)Anthony Mann rueda en esplendoroso blanco y negro aprovechando el concurso del camarógrafo de la casa Loyal Griggs y la ventaja de poder rodar exteriores en los propios estudios de la Paramount, donde se construyó enteramente el pueblo. Ello permite a Mann no tan sólo dominar absolutamente las condiciones de rodaje de las escenas de exteriores sino, mejor aún, poder trabajar con la misma iluminación natural en los interiores ya que los diseñadores y constructores del set de rodaje, Hal Pereira, Sam Comer y Frank McKelvy realizan un notable trabajo de recreación del pueblo permitiendo a Mann moverse libremente con su cámara escribiendo la trama mediante toda clase de grúas y travellings que en otras circunstancias hubieran representado una dificultad añadida creando una tensión innecesaria.Mann, que con Stewart deja escritas bellas páginas de los grandes paisajes del oeste, en su única colaboración con Henry Fonda realiza un ejercicio de introspección y desgrana poco a poco la historia de ese hombre de triste pasado que contempla el presente con mirada serena y se detiene precisamente en dos jóvenes aprendices:Uno será el ya citado Ben, empeñado en ocupar la plaza de sheriff; el otro será el pequeño Kip (Michel Ray) hijo de Nona Mayfield (Betsy Palmer) y de un nativo indio americano fallecido: un mestizo al que los pueblerinos aprecian tan poco como a su madre, que vive en las afueras.A pesar de girar la trama en torno a la figura de ese Morg Hickman presente en la mayoría de las escenas, casi nunca se le otorga por Mann la habitual preponderancia del protagonista: utiliza la amplitud de cuadro y la casi ilimitada profundidad de campo de los objetivos fotográficos que domina Griggs para disponer unas composiciones dinámicas, robustas e inteligibles en las que se mueve con soltura y mucha parsimonia Henry Fonda, mientras nos cuenta en un blanco y negro que le da sensación de abstracto irreal la trama ideada por Nichols más allá de los sobrios diálogos que, reducidos a la mínima expresión, aclaran los conceptos que mueven a cada personaje.Ese Morg, mucho más allá que mero cazador de forajidos se nos presenta como hombre afable y pacífico: su determinación y firmeza son la cara egoísta que presenta ante la sociedad en general, pero en el trato directo y particular su bondad es evidente: esa ambivalencia está servida perfectamente por un Henry Fonda que sostiene la mirada como pocos y personifica con sus movimientos lentos la fuerza del que no necesita correr porque sabe perfectamente cual es el camino más rápido para alcanzar su objetivo y deja que los demás, atolondrados y confusos, se precipiten en una carrera descabezada: un hombre que recuerda y no olvida y sin erigirse en perdonavidas al uso, se mantiene tan al margen como puede de esa sociedad que intuye hipócrita y cobarde mientras se encariña con el mestizo desvalido. (...)No resulta nada sorprendente que el guión de Nichols optara al Oscar porque condensa en breve espacio diferentes temáticas que van mucho más allá que la mera película de acción bien resuelta y ejecutada: sin desdeñar los elementos melodramáticos que intensifican la atención del espectador pendiente de la resolución de los problemas que se les presentan a los protagonistas, persiste la formulación de la parábola social condensada en acciones motivadas por una toma de decisiones distintas: reflexiones encajadas con firmeza en la trama llaman al debate relativo al racismo contra el americano nativo así como la respuesta social responsable ante la exigibilidad y cumplimiento de la ley, amén de las relaciones entre experto y novicio con la proyección del conocimiento y la sabiduría obtenida por el uso y el tiempo en beneficio del aprendiz, sea de sheriff, sea de la propia vida, aunque ésta vaya a tomar otros aires mediante un traslado.Hay que imputar a la pericia de Anthony Mann las virtudes de esta película que en apenas hora y media cuenta tantas cosas y lo hace con un ritmo que nunca es presuroso ni agitado: la mano del maestro se percibe rigurosa en la letra proveyendo al conjunto de una caligrafía precisa y muy efectiva, escueta hasta parecer aséptica pero enérgica en los primeros planos cuando éstos son necesarios, al más puro estilo de los grandes clásicos; brilla asimismo en la dirección de los actores, que están todos muy bien, especialmente Fonda como hombre tranquilo y sensato que prefiere la mente a la pistola y Perkins sabe ofrecer la contra réplica del joven ansioso por cumplir y por aprender un nuevo oficio; los secundarios, encabezados por una sugerente Betsy Palmer, realizan como era costumbre de la época un buen trabajo "soportando" correctamente sus personajes sin los que la trama no sería posible.En definitiva, una película a disfrutar por el cinéfilo que, avisado, sabrá escapar de la pobre sensación que se obtiene al considerar el mal título que le han dado, ya que, lejos de ser una más del montón, estamos ante una pieza imperdible no tan sólo del western en particular sino del cine en general. (El Blog de Josep)
Greed, hate, violence, racism, decency - it's all here in Anthony Mann's underrated Western. Henry Fonda underplays beautifully as the embittered bounty hunter who thinks he's teaching tyro sheriff Anthony Perkins but finds he has much to learn too. Perkins looks slightly out of place out West but Mann makes that work to his advantage as he lets the characters and imagery carry the story. This is High Noon without the civics lesson.
“Anthony Mann reinventa el western. Y recalco lo de reinventar, es decir, mostrar al mismo tiempo que demostrar, innovar al mismo tiempo que copiar, criticar al mismo tiempo que crear.” Jean-Luc Godard

Resubida por chicharro

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-o-

Anthony Mann en ArsenevichSide Street

Men in war

Man of the West

God's little acre

Anthony Mann - Men In War (1957)

2013-05-01T18:23:00.000-03:00

Inglès/English I Subs: Castellano

104 min I Xvid 496x368 I 891 kb/s I 95 kb/s vbr mp3 I 25 fps

699 MB + 3% de recuperaciòn/recovery

La única película propiamente bélica de Mann, y una de las favoritas del director; no necesitó hacer otra, tal es la contundencia de este alegato contra la guerra que termina con el irrisorio reparto de medallas, arrojadas al viento, a los soldados desaparecidos en combate. Ambientada en el conflicto de Corea, narra el ominoso destino de una patrulla mandada por Robert Ryan que recibe la orden de recuperar la colina 465, en manos del enemigo.

En nuestros tiempos, los films de guerra suelen hacer gala de un naturalismo descarnado, cuya ausencia seguramente provocaría el rechazo o la hilaridad del público. No sería extraña esta actitud en un tiempo en que diariamente los telediarios y los periódicos nos suministran nuestra dosis diaria de crueldad. No es sorprendente tampoco que, por lo mismo, el cine bélico de antaño, limpio de sangre y entrañas, sea mirado con condescendencia.Sin embargo, una observación atenta al periodismo gráfico muestra cuan dependiente es nuestra mirada como espectadores, entonces y ahora, de lo que nos llega a través de los medios de comunicación. El trabajo de un fotógrafo como Robert Capa, tan centrado en los seres humanos que pueblan las guerras, es ejemplar en ese sentido. Su trabajo nunca alcanza el nivel actual de naturalismo aunque siempre estuvo en medio del conflicto, incluida la playa de Omaha el mismo día D. Capa no es una excepción, en las fotos más crueles y descarnadas que nos han dejado las guerras mundiales —las de la tierra de nadie entre las trincheras, las de los campos de exterminio, las de las ciudades bombardeadas salvajemente— no se puede evitar encontrar un cierto sentimiento de belleza en el caos y la destrucción, ausente en la información actual.Esta variación en el gusto no debería suponer mayor preocupación. Basta cambiar la óptica para que se desvanezcan sus efectos, pero de él ha surgido una perversión mayor y mucho más peligrosa. El concepto de que basta el naturalismo en la representación de la guerra, para que una película se convierta en pacifista y antimilitarista. No importa que se justifique la matanza de seres humanos, que se demuestre que hay causas por las que merece morir o matar, que el deber de un soldado es obedecer las órdenes o que el horizonte del combatiente se limita al combate. Un poco más de sangre y entrañas son suficientes para arreglarlo.Es comprensible entonces que todo el cine bélico actual se limite a la constatación de que las guerras convierten en bestias a los hombres. Es previsible también que casi todas se detengan en ese punto, no sepan que hacer y se conviertan en un relato de hazañas bélicas, lleno de ruido y furia, pero completamente vacío. Frontera que, con sólo una imagen, Mann y sus guionistas franquean para adentrarse en terreno nuevo, el auténtico ámbito de las películas pacifistas y antimilitaristas. (Aquì continùa el interesantìsimo ensayo de David Florez sobre esta obra maestra de Mann, cortesìa de Tren de sombras)

Korea. September 6, 1950. Lt. Benson (Robert Ryan) has one objective: to get what's left of his platoon out of this bloody mess alive. The rest of the army has retreated and Benson's platoon is now cut off from communication and surrounded by an unseen enemy that lurks in the trees and bushes. "Men in War" makes one wish Anthony Mann had directed more war films. This is an excellent, character-driven story. It is a prime example of the mature, unflinching kind of war film that began to appear after the Korean conflict. Undeservedly neglected, this picture ranks with Lewis Milestone's "Pork Chop Hill" and Robert Aldrich's "Attack". And it is the progenitor of "Platoon" and "The Thin Red Line". with their complex characters and situations.

"Contadme la historia de un soldado raso y os contarè la historia de todas las guerras."
Nuevos enlaces, gracias a chicharro

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Nicholas Ray - Knock On Any Door (1949)

2013-04-30T19:13:00.000-03:00

Inglès/English-Castellano (Dual) I Subs:Castellano

96 min I Xvid 480x352 I 1169 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 25 fps
984 MB

A Nick Romano, un joven delincuente de los barrios bajos, le defiende en el juicio por asesinato de un policía el abogado Andrew Morton, que también se crió en los barrios bajos. La breve historia de Nick parece incluir un pequeño delito tras otro. Incluso, en una ocasión, robó a Morton, después de que este, a petición de su esposa Adele, intentara ayudarle llevándole consigo en una excursión de pesca. Luego Nick de casó con Emma, y parecía que había cambiado para mejor. Incluso encontró un trabajo, varios en realidad, pero nunca pudo mantener ninguno. Cuando Emma le comunicó que estaba embarazada, se quedó estupefacto: acababa de malgastar el cheque de su sueldo en el juego con la intención de comprarle una joya. Volvió a sus viejas costumbres, pero con un nuevo lema: Vive rápido, muere joven, y serás un bonito cadaver.

Llama poderosamente la atención que en 1949, esta cinta de Nicholas Ray con un trasfondo social tan significativo tuviera una distribución sin dificultades, cuando ya había irrumpido en Hollywood desde 1947 la caza de brujas impuesta por el Comité de Actividades Antiamericanas y su fiebre anticomunista, aunque un poco antes de la llegada del infame senador McCarthy.La historia está basada en la novela de éxito del mismo nombre de Willard Motley de 1947, en ella se narra la vida del delincuente juvenil Nick Romano desde prácticamente sus orígenes inmigrantes italianos hasta su descenso a los infiernos de los bajos fondos de Chicago, finalizando con el desenlace del juicio por asesinato por el que es procesado. Sin embargo, el film de Nicholas Ray comienza en el momento que detienen a Romano y Humphrey Bogart (excelente como el abogado Andrew Morton) intentará defenderlo además de contarnos su historia subjetivamente frente a un Jurado en forma de flashback.Esta obra cinematográfica de Nicholas Ray, es la tercera de su interesante filmografía. Autor entre otras de “Rebelde sin causa”, “En un lugar solitario” o la magnífica “Johnny Guitar”, siempre tuvo un estilo directo, a veces violento y duro y sus personajes suelen ser seres atormentados y pocos afortunados, simplemente hay que recordar al James Dean de “Rebelde....”, Joan Crawford de “Johnny Guitar” o James Mason de “Más poderoso que la vida” y como no podía ser de otro modo “Llamad a cualquier puerta” tiene sus personajes amargos como Nick Romano, o incluso el Letrado Andrew Morton (Bogart).Cuando comienza la proyección del film, a modo de introducción y en este caso objetivamente presenciamos el asesinato de un policía en un barrio de Chicago, posteriormente es detenido Romano que solicita el auxilio del jurista Morton. Es cuando conocemos al personaje interpretado por Humphrey Bogart que después de una serie de años con éxito en la Cía. Warner Brothers, recordemos “Tener y no tener” (1944), “El sueño eterno” (1946), “El tesoro de Sierra Madre” (1948), apuesta por su propia productora, Santana Pictures Corporation y se compromete con esta película. En “Llamad a cualquier puerta” representa a un abogado idealista dedicado principalmente al Derecho Civil, así lo dice en determinado momento: “Estuve concentrado demasiado tiempo en documentos y no en seres humanos” y además renunciará a ser socio en un despacho importante de Chicago si participaba en la defensa de este chico, lo que demuestra igualmente su independencia. Una vez aceptada la defensa nos adentramos en la Sala del Tribunal, donde conoceremos al implacable Fiscal Kerman, al Juez y al Jurado que nos los analizará Morton/Bogart. Es verdaderamente aquí cuando comienza toda la acción de la película, cuando observaremos a un chico, Nick Romano, según el narrador –el abogado- inmigrante italiano al que la mala suerte le acompaña y como una sociedad insensata y poco comprensiva no le presta su ayuda para caer posteriormente en un final irremediable.Durante el desarrollo del juicio, fiel al proceso penal con Jurado en los EEUU, y tras las alegaciones iniciales del Abogado defensor y el Fiscal Kerman, asistiremos a unos interrogatorios donde se intentará probar la inocencia o la culpabilidad del chico. En esta fase resulta curioso la implacabilidad del Fiscal donde se le permite absolutamente todo con tal de poder declarar culpable al acusado. Esta circunstancia para un sistema judicial como el nuestro es totalmente inadmisible y probablemente la mayoría de los espectadores puedan pensar que esto ocurre sólo en las películas, sin embargo el rescate de un extracto de la Sentencia del Tribunal Supremo de los EEUU “Williams versus Florida, 399 US 78” de 1970, ya intentaba proteger de este tipo de fiscales a los ciudadanos, dice así:“El Jurado deberá velar por la protección constitucional del ciudadano contra la aplicación arbitraria de la Ley, actuando de barrera frente a las pretensiones avasalladoras del Poder Ejecutivo, frentes a Fiscales corruptos o demasiados celosos en el cumplimientos de sus funciones, y frente a Jueces sumisos, con prejuicios o excéntricos...”. Desgraciadamente lo que presenta el filme en lo referente a la actuación de Fiscal debió de acercarse mucho a la realidad, en todo caso a todos los Nick Romanos de la época le hubieran venido muy bien esta importante Sentencia, más esta llegó con unos 25 años de retraso. Una vez descrita toda la crónica de la vida del delincuente juvenil e intercalando interrogatorios de testigos cada vez más interesantes con todas las características del subgénero del “cine de juicios” con estilo directo y emocionante, Nicholas Ray y Bogart nos llevará - por otra parte lógico- hacia el lado del más débil – el del pobre Nick-. Y es aquí cuando viene el climax de esta obra, en breves minutos y con un ritmo vertiginoso de narración cinematográfica digna de este maestro de Hollywood se desvelará el asesinato y será el momento del informe-alegato final de Morton/Bogart.Como indicábamos, llegará el momento del Abogado Defensor, todos estamos de su parte, está abatido y hundido mirando hacia el suelo con las manos en las sienes, y es cuando Morton/Bogart intentará salvar la vida de Romano con su informe, no nos defraudará.Esto comenzará cuando la cámara con un encuadre espléndido del Aguila que preside el Tribunal y bajando hacia donde está el Sr. Juez girará lentamente y avanzará hasta donde se encuentra nuestro héroe - un Bogart en su mejor momento- donde expresará, en mi opinión, el mejor informe/alegato de la historia del cine de juicios, la mejor manera de finalizar este artículo es quedarnos con algunas de sus palabras:“ ... si, es verdad, el Sr. Nick Romano delinquió, pero con él los hemos hecho todos nosotros. Porque todos formamos parte de la sociedad. Y la sociedad es cruel, egoísta y estúpida; nos escandalizamos por el medio ambiente y se le llama crimen. Denunciamos el crimen, pero rechazamos cualquier responsabilidad sobre él. ¡Y no hacemos nada por remediarlo! Mientras no acabemos con el ambiente que engendró a este muchacho, surgirán veinte para ocupar su puesto, o cientos, o miles. Mientras no arrasemos los suburbios y los reedifiquemos, llamad a cualquier puerta... y os abrirá... Nick Romano”.Frente al Jurado en un plano inolvidable:“... Ruego clemencia al Tribunal. Y hago este ruego en nombre de todos para que, algún día, podamos también obtenerla” (José Manuel Valdayo, de La Toga)

Andrew Morton is an attorney who made it out of the slums. Nick Romano is his client, a young man with a long string of crimes behind him. After he lost his paycheck gambling, hoping to buy his wife some jewelry, she announced she was pregnant, Later he finds her dead from suicide. When he turns again to robbery he's caught by a cop and Nick pumps all his bullets into him in frustration. Morton's appeal to the court emphasizes the evils of the slums. "Todos los chicos buenos terminan mal." Nicholas Ray

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-o-

Nicholas Ray en Arsenevich

Bitter Victory
Bigger than Life

In a Lonely Place

The True Story of Jesse James

NOTA: Cortesìa infinita de mi amigo Narcolepsico de Exvagos, gracias Narcolepsico!!

Nicolas Boukhrief - Le Convoyeur (2004)

2013-04-29T19:40:00.000-03:00

Francés | Subs: Castellano/English/Portugués/Français

89 min | DivX 720x304 | 1746 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps

1,16 GB + 3% de recuperación rar

Camión de caudales

La sociedad Vigilante de transporte de fondos pasa por una fuerte crisis. Después de tres atracos en lo que va de año se encuentra al borde de la quiebra... Los empleados están deprimidos y nerviosos. Algunos incluso sospechan que los atracadores cuentan con algún cómplice dentro de la propia empresa. En esas difíciles circunstancias, una mañana, un hombre, Alexandre Demarre, se presenta en la sede de Vigilante a cumplir su primera jornada de trabajo. ¿Quién es ese hombre: un desempleado, un policía, un gángster o quién…? ¿Y qué está buscando?

Cash Truck

In France, the disturbed and mysterious Alexandre Demarre is hired as security guard for the Vigilante armored truck company earning 1,200 euros per month and lodges in a hotel nearby the company for 1,450 euros for a month. He becomes close to his colleagues, actually a group of losers, without motivation or perspective, paranoids, depressed and substances addicted men, and prepares a personal file with the profile of each one. Along the days, the real intentions of Alex in working at Vigilante are disclosed.

English subtitles are my own

Petite société de transport de fonds, la société Vigilante est en pleine crise. Victime de trois violents braquages dans l'année, qui n'ont laissé aucun survivant, la compagnie est au bord du dépôt de bilan et ses employés sont sur les nerfs. Certains évoquent même une complicité avec les braqueurs au sein de l'entreprise. C'est dans ce contexte difficile qu'un homme, Alexandre Demarre, se présente un matin au centre-fort de Vigilante pour entamer sa première journée de travail.

Chômeur, flic, braqueur ou quoi d'autre... qui est cet homme et que cherche t-il ?

Se trata de un .avi híbrido. El audio del rip que circulaba hace mucho tiempo y el video de un rip ruso mucho mejor. Costó sincronizar los dos, pero creo que quedó aceptablemente bien.

No es una gran película. Comienza muy bien pero el final es demasiado hollywoodense para mi gusto. En el medio hay varias cositas rescatables. Para un sábado de no tan Super Acción.

Subtítulos en castellano míos de hace varios años.

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Boris Ivchenko - Olesya (1971)

2013-04-28T19:16:00.000-03:00

Ruso/Russian | Subs: Castellano .English srt

81 min | Xivx 672x504 | 1799 kb/s | 128 kb/s Mp3 | 25 fps 1.09 GB

Olesya es una joven que vive en los alrededores de una aldea ucraniana. La gente del lugar cree que ella y su abuela son brujas, y nadie quiere tener contacto con ellas. Un día llega a la aldea un maestro proveniente de la ciudad, el que no hará caso de las superticiones de los lugareños y se enamorará de Olesya...

Drama based on the book by Kuprin. A young man from the city falls in love with a girl from the country side. She is not accepted by the village community: people think she is a witch.

Ucrania es un continente aparte, o al menos una cinematografía con una vida particular, si se compara con las doctrinas y tendencias imperantes en el cine soviético y los países de su órbita. Mientras que en la unión Soviética se imponía el método del realismo socialista, la centralidad del uso del montaje y las temáticas de corte social o revolucionario, en Ucrania surgiría un autor fundamental que encausaría una visión propia y una búsqueda fundacional de elementos propios al pueblo ucraniano, para llevarlos al cine, dicho autor fue Aleksandr Dovzhenko. En los años 20, en la gestación del cine soviético Dovzhenko sorprendió con su trilogía ucraniana (Arsenal, La tierra e Ivan) y se convirtió en uno de los cineastas más importantes de su época, sin embargo se formaba una dualidad en los inicios del cine soviético y los críticos nacionales tomarían partido a favor del realismo cinematográfico que era más acorde a los postulados ideológicos de la naciente unión soviética, y cargarían tintas contra Dovzhenko y su obra, éste sería acusado de hacer cine contrarrevolucionario, y a partir de entonces su carrera se transformaría en una continuada lucha contra la burocracia soviética. Dovzhenko moriría en 1956, y hasta ahí hubiera quedado la historia, pero afortunadamente en sus últimos años fue mentor de un joven realizador armenio, Sergei Parajanov.

Las relaciones de Parajanov con el régimen no serían mejores que las de su mentor, y de esta forma sufrió la persecución y encarcelamiento por el cine que realizaba, y se presentaron cargos contra él por homosexualidad y cohecho. Pero todos los intentos fueron en vano, el estreno de Sombras de los ancestros olvidados vendría a revolucionar el cine de Ucrania, de la Unión y del mundo, como bien afirmaba Tarkovski. Fueron múltiples los intentos de acallar el éxito obtenido por la obra en los festivales extranjeros, pero el impacto fue tal que todos se enteraron de la buena recepción de la película y esta se convirtió en el punto de partida del cine poético ucraniano surgido en los años 60'. Surgiría entonces una generación de directores interesados en la composición del plano por sobre el montaje, en la capacidad de producir emociones en el espectador más que en la historia misma, en establecer un predominio del lenguaje poético, de la metáfora. Entre estos autores tenemos a Yuri Ilyenko, Vasyl Ilyashenko, Leonid Osyka, Artur Voitetsky, Borys Ivchenko, Mykola Makarenko, Mykola Mashchenko.

La película que les presentamos, Olesya de Borys Ivchenko, ubicada dentro de esta corriente ucraniana, es un filme que goza de todas las características del cine poético, en específico se puede notar la centralidad que tienen los sentimientos en la obra, incluso podríamos ir más allá y aseverar que los mismo se exaltan hasta un punto que se sobreponen a la historia misma. Agregar también la utilización de una aldea tradicional (y tradicionalista) lo cual podría situarnos en una etapa revolucionaria, o por qué no, dentro de la etapa revolucionaria pero con una reticencia a adaptar las nuevas formas de vida. El folklore, la magia, lo maravilloso, las supersticiones son soberanas en el filme, lo que a su vez constituye una forma de afianzar un sentir poético nacional, un hundirse en el barro de la nación y la tradición para surgir y crear a partir de una base común. Olesya es una historia de amor trágica, como en Sombras de los antepasados olvidados, nada más iniciarse la película nos enteraremos de la tragicidad de esta y de lo ineluctable y grávido del destino sobre los protagonistas. Y no sólo nosotros seremos advertidos del desenlace de la historia, los protagonistas mismos estarán enterados de lo negro de su futuro, y aun así y contra todo pronóstico decidirán optar por el amor, a pesar de la suerte que puedan llegar a correr. Ya al inicio del filme como un oráculo aparecen las palabras de Olesya "Si matas el amor se te rompe el corazón y la cabeza, pero no puedes olvidar". Y así asistiremos a un amor condenado a muerte, al amor de dos personas contra el sentir de la comunidad toda, al amor entre un escéptico y una "bruja", entre un amante de la ciudad y el progreso, y una enamorada del campo y sus espíritus. Y al final de todo, quedará la satisfacción al menos, de haber cogido el absoluto entre las manos, al menos por un instante.

Muchas gracias eurídice por la traducción de esta bella obra, espero sea de su agrado.

ENGLISH SUBTITLES BY DELIVERLIVER

SUBTÍTULOS EN CASTELLANO CORTESÍA DE EURÍDICE

Nuevos enlaces, gentileza de Ana

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